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Columna invitada
Juan Manuel Hernández
En el estudio de grabación, la presentación importa
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Todos estamos familiarizados con el dicho: “la primera impresión es la que cuenta”, ¿cierto? Es de vital importancia cómo nos mostramos a los demás y considerar que, al hablar de consumo, la apariencia tiene una gran influencia en la decisión de un consumidor. Los tiempos en la forma de presentar un producto relacionado con la música han cambiado; antes de adquirir un disco de Pink Floyd era toda una experiencia ver el diseño del arte, una composición visual hecha a conciencia: los colores, el empaque y ni hablar de la producción, además de las letras al interior del empaque y la presentación de créditos, que eran un concepto que requería una gran inversión creativa, y el espectador, sin ser un especialista, era capaz de reconocer que se trataba de un producto de calidad y podía experimentar lo que la producción en su totalidad pretendía transmitir y no quedaba lugar a dudas de que comunicaba una apariencia de un producto de gran nivel.
Distinción para sobresalir
Si bien actualmente la manera de presentar un producto musical ha cambiado radicalmente, siguen existiendo campos de acción importantes donde se puede marcar una distinción que haga sobresalir un proyecto en el océano de opciones que hoy en día marcan la oferta.
En esta ocasión hablaremos del estudio de grabación, que, en teoría, debería ser toda una experiencia y no solo un resultado. Preparar una producción demanda mucha energía, creatividad y esfuerzo, y cuando se pretende alcanzar la excelencia, hacerlo ameno, placentero, cómodo y/o atractivo a los sentidos del cliente o el músico participante, puede ser determinante para que se queden contigo por años. Por supuesto que el resultado es vital (y esa deberá ser tu garantía), pero la presentación para que el cliente sienta la importancia que se le da a su producción, (que es como un hijo), debe ser impecable.
Viajemos al pasado. En la época del CD, entregábamos los masters en fundas personalizadas de cartón impresas y al cliente le gustaban, pero después pensamos en diseñar un empaque de madera grabado a láser y el disco con impresión también personalizada y la reacción de los clientes fue significativamente siempre de mucho agrado al recibir su producción en tan elegante presentación. Llegué a ver algún estuche de esos masters decorando un lugar de ensayo, donde con orgullo lo mostraban, pues podían percibir el logro desde un aspecto físico que les resultaba atractivo; ¿a quién no le gusta ver a su hijo bien vestido? Posteriormente migramos las entregas en llaves USB, las cuales también fueron grabadas a láser y guardadas dentro de un estuche de madera rotulado que seguían teniendo una gran aceptación estética por parte de los clientes.
Con el dominio total de la transferencia de datos digitales, el común denominador es el envío de los tracks por medio de un servidor y solo se les comparte un link de descarga. En AntenaStudio hemos optado, además de eso, por generar la sensación de que, al salir del estudio, (aquellos con los que trabajamos físicamente), se lleven algo tangible y dependiendo del tipo de producción, puede ser el código de Spotify en un llavero que los envíe directo a su producción, o si aun no está publicado, un par de audífonos que permitan escucharlo de manera placentera. Sé que para muchos, estas opciones pueden resultar costosas, pero no siempre es así; además, créanme que la plena satisfacción del cliente hará que esa inversión regrese con creces.
El valor agregado en la producción
La presentación determina el estándar al cual van a acostumbrar a sus clientes, a lo que se espera de ustedes. Por supuesto que habrá personas que no comulguen con esta idea del valor agregado, pero, si hablamos de calidad, la presentación de un contenido de excelencia es elemental para que todo esté en armonía con su imagen. Obvio es que la presentación también debe ser de calidad y aunque es importante, el contenido (producción), nunca deberá ser inferior a lo que presenten, pues perderán la fidelidad del cliente.
En este sentido, es importante recordar que el empaque debe ser capaz de generar sensaciones positivas en el cliente, de tal manera que, al generar emociones en él o ella, será más fácil quedar anclados a su memoria, a diferencia de un mensaje con un link de descarga solamente. Las emociones estéticas, sean visuales, auditivas o que abarquen cualquier sentido, provocarán que la experiencia de tratar con ustedes sea única.
No olviden que ustedes construyen su identidad con el cuidado de cada detalle de su servicio y/o producto, y si no lo hacen de manera que pueda ser beneficiosa para ustedes, seguro dejarán la rienda suelta para que cada quien se forme la idea que pueda con los elementos de su experiencia. Con una buena presentación lograrán destacar del resto, generarán un mayor impacto y por ende proyectarán profesionalismo, confianza y formalidad.
Una vez dicho lo anterior, armonicemos el todo: un producto de calidad, bien presentado, en instalaciones limpias y cómodas, lo mínimo que requiere es un personal bien presentado también; comprendo perfectamente la flexibilidad, excentricidad o moda inusual que circunda en el medio de la música, pero aun la excentricidad puede estar “bien presentada”. Además, la higiene del lugar y la atención amable pueden ser la diferencia entre que los tomen en serio o no. No estoy diciendo que los ingenieros vistan de traje y los arreglistas de smoking; lo que estoy diciendo es que la imagen del personal debe ir acorde a la imagen del sello como parte de la identidad, sin forzar y sin caer en la desarmonía, para entonces poder unificar la imagen total de la marca y permitir que el nicho se identifique más fácilmente con nosotros.
Por todo lo anterior, es necesario que nos tomemos un tiempo para reflexionar y de ser necesario ajustar nuestra presentación al público, pues aunque para muchos ésta queda en segundo término, la verdad es que puede aportar muchos beneficios a nuestro sello, la identidad y las preferencias de los clientes. No escatimemos en la imagen de nuestros servicios y/o productos musicales, porque, créanme qué la presentación cuenta, y mucho.
*Es productor musical, ingeniero en audio y músico y cuenta con 25 años de trayectoria en diversas áreas de la producción, participando en diferentes proyectos dentro y fuera de México, que abarcan música regional, pop, jazz, rock y orquestas sinfónicas, así como música para empresas y soundtracks. También está a cargo de la producción de audio en la Dirección de Innovación de la Secretaría de Educación Pública. Es miembro votante de los Latin Grammy y cuenta con su propio estudio de grabación, AntenaStudio, en Guadalajara, Jalisco. Pueden encontrarlo en: ferrer@antenastudio.com y www.antenastudio.com
La identidad de su producto musical se construye con el cuidado de cada detalle y con una buena presentación lograrán destacar del resto.
sennlatam@sennheiser.com www.sennheiser.com
Crédito de foto: Luna Moon Estudio
Waves Scheps Parallel Particles, magia analógica
Aproximadamente en noviembre de 2016, la prestigiosa empresa Waves lanzó al mercado este maravilloso plug in, diseñado en colaboración con Andrew Scheps, multipremiado ingeniero en audio que ha trabajado con Metallica, Adele, Red Hot Chili Peppers y Lana del Rey, entre muchos otros. Como el nombre de alguna manera lo sugiere, se trata de un plug in que realiza procesos paralelos. Si no tienen del todo claro a qué me refiero, les recomiendo que lean el artículo: soundcheck.com.mx/con-seisplug-ins-destrozo-cualquier-hardware/ en sus dos partes.
¿Cómo funciona?
El espectro se divide en 4 bandas, una dedicada a los sub bajos, otras dedicadas a los agudos altos y otras dos, que si bien serían las dos bandas que faltan, ya vamos a ver que no es del todo así, porque añaden otros procesos “misteriosos”. No es que quiera ponerme en este plan, pero la realidad es que el manual de usuario del plug in no aclara qué tipos de procesos hace, por eso digo que son misteriosos.
La visualización es bastante cyberpunk y parece un sofisticado túnel del CERN (Centro Europeo para la Investigación Nuclear del futuro), pero luego de familiarizarnos con su estética, tiene solamente 7 controles: un input que controla la sensibilidad de entrada con un LED tipo semáforo, que va del verde, pasa por el amarillo naranja y finalmente llega al rojo, indicando qué tan fuerte estamos ingresando al plug in. También incluye un output muy útil para cuando se usa en cadena con otros plug-ins, lo que está muy bien, ya que es un procesador que añade y dependiendo de lo que uno haga, cambia el nivel de la señal.
Los 5 controles restantes son lo que el plug in es. Vuelvo a reiterar que solamente añade, así que les recomiendo que no abusen de él, porque podrían terminar con un sonido sobreprocesado.
Vamos de los graves hacia los agudos
Sub tiene un ajuste de frecuencia que va de 32 a 80 Hz más de una octava y esto está genial, porque las frecuencias graves tienden a inclinarse a su propia tonalidad y por lo tanto es muy recomendable que estén sobre la fundamental de la tonalidad de la canción. Además, no siempre tienen que utilizarlo, porque se trata de la parte más baja del espectro y puede ser útil si desean mejorar un bombo o un bajo.
Una vez que eligen la frecuencia; por ejemplo, si la canción esta en Mi, les recomendaría utilizarlo en 41.2 Hz y luego pueden añadirle a gusto con el potenciómetro que tiene. Los graves que reproduce son muy gentiles porque se trata de una combinación de compresión, ecualización y procesos psicoacústicos de ecualización.
La opción THICK del plug in añade un cuerpo hermoso a cualquier fuente sonora que envíen, esto es algo que sorprende en este plug in y es que se adapta a sonidos muy diferentes. Básicamente sirve para todo tipo de instrumentos o incluso voces y también añade cierta profundidad en la gama de medios graves y medios, que es realmente fantástico. No estamos hablando de ecualización, se trata de una serie de procesos que se van sumando a medida que suben el potenciómetro, en los cuales se incluyen procesos psicoacústicos de ecualización, compresión y algo más que exactamente no se qué, es pero me encanta.
Por su parte, BITE hace que los sonidos suenen más agresivos, cambiando ligeramente su actitud; otra vez se adapta estupendamente a cualquier fuente sonora y me hace acordar mucho a un Distressor bien ajustado.
La modalidad AIR, como su nombre lo indica, añade unos agudos altos muy agradables que es algo que está muy bien pensado para diseñar el carácter completo de un sonido.
Tanto el SUB como el AIR generan una serie de armónicos que no están presentes en la señal, otorgando más vida a los sonidos.
Se discute mucho hasta hoy dónde utilizar el Waves Scheps Parallel Particles; algunos dicen que en busses, otros que en el master, y luego de trabajarlo durante bastante tiempo, les recomiendo que lo usen en instrumentos individuales y de hecho ni siquiera en todos, porque como muchos saben, en una mezcla no necesariamente tiene que sonar todo increíble, sino más bien se trata de “combinar” los sonidos.
Si tienen algunos tracks en su mezcla que saben que son importantes para la canción, ese es el lugar indicado para este maravilloso plug in, que añade todo el carácter analógico a cualquier fuente sonora. También sirve para mejorar sonidos que no tienen la suficiente calidad de fuente sonora, como por ejemplo sonidos que vengan de cajas de ritmos retro o sintetizadores vintage o voces que han sido grabadas con un preamplificador y un micrófono que no suenan mal, pero tampoco suenan bien.
En 2016, Waves lanzó al mercado este plug in, diseñado en colaboración con Andrew Scheps, multipremiado ingeniero que ha trabajado con Metallica, Adele, Red Hot Chili Peppers y Lana del Rey.
En palabras de su creador, el Waves Scheps Parallel Particles es un plug in que invita a girar los potenciómetros y escuchar, y créanme que así es. Sirve para cualquier género de música y en mi opinión, es una inversión muy recomendable.
¡Hasta la próxima columna!
*Músico, compositor, productor musical e ingeniero en audio. Especialista en Mezcla y Mastering. Imparte cursos privados online y en universidades sobre Ingeniería en audio, Producción musical y Desarrollo de la creatividad. Es profesor de Técnicas de mezcla y mastering en REC Música y SAE Institute México.
Swag Studios,
producción al detalle
Ubicados en Miami, Florida, Swag Studios es un proyecto que combina los servicios de grabación, mezcla y mastering, con la producción musical y sello discográfico (bajo la denominación de Swag Records). Quien marca la visión y filosofía del lugar es el músico, ingeniero de audio y productor venezolano Gabo Sanoja, quien creció en los cuartos de grabación, acompañando a su padre en su país natal.
Con una especial atención a la música urbana con créditos junto a Wisin, Victor Muñoz, Chyno, Myke Towers, Zion & Lennox, Arcángel, Jhay Cortez, Juan Miguel y coproducciones con compositores latinos como Silverio Lozada, Reggi El Autentico, Ender Thomas, Frank Santofimio, Manuel Larrad, Mario Cáceres y Abbel, Gabo presenta su nueva guarida creativa.
Origen
La asesoría de la compañía AVN Systems estuvo al lado del remozamiento de un lugar que tuvo tratamiento arquitectónico y acústico para la construcción de sus tres salas: “Antes era un estudio para audiovisuales con necesidades totalmente distintas y por eso se hizo todo a medida. Nos tomó seis meses acabar y un par más hacer la integración e instalación de equipos. Tuvimos que tumbar paredes y reorganizar todo, cambió el plano totalmente”, señala Gabo. Gabo Sanoja
“Caí en buenas manos y dejé que la gente de AVN Systems sugiriera desde los materiales para los páneles, difusores, todas las especificaciones y con quién acudir para hacer tal cosa o adquirir los equipos. Me llevaron desde la estructura como tal, los racks y el mobiliario, hasta la parte de microfonía y distribución de equipos en cuanto al hardware y, sobre todo, el cableado, que junto con lo acústico es de suma importancia. Se hizo un trabajo súper detallista y les aprendí bastante sólo de ver”, relata.
El estudio cuenta con tres salas: A, B y C, y en ellas se puede realizar cualquier proyecto musical desde cero, la composición de las canciones hasta la grabación, post producción, ingeniería, mezcla y masterización: “La oferta que tenemos nos permite atender todo tipo de géneros, pero lo que más hemos tenido es lo urbano, un poco por la localidad y porque además de ser un estudio somos una disquera y estamos en la música comercial con lo latino, algo de anglo también, pero más hacia el género urbano; ahora tengo un proyecto que sale de eso y está en lo pop country, pero es bienvenido, porque al final puedo hacer todo”, señala el productor.
“La clientela que tenemos viene a trabajar, armamos el beat, la música y todo en la computadora, ya sea la parte vocal o hacer una guitarra, un bajo. Estamos armados para poder cumplir con una producción de muy alta calidad bajo”, señala el productor, que hizo su oreja al calor de las grabaciones análogas, los jingles y la escucha de discos de rock de los años setenta, ochenta y noventa.
Integración para la creación
La esencia del rider técnico de Swag Studios es la integración de preamplificadores y compresores que definen el carácter de la cadena vocal y la captura de instrumentos; de ahí para arriba, como detalla Gabo: “La asesoría de AVN Systems nos llevó a combinar preamplificadores con compresores para nuestra vocal chain y los instrumentos con un Neve Designs Shelford, super bueno para las voces y que también es gate y compresor; además de ese, tenemos los compresores Teletronics LA-2A de Universal Audio, ambos estándar en la industria para voces e instrumentos. De micrófonos tenemos un Manley Gold de condensador, el U87, otro estándar y más. Ambos son para vocales, pero también para instrumentos acústicos. Además de eso contamos con los monitores George Augspurger de Symphonic Acoustics, que son espectaculares; vinieron a darle ese aspecto mágico al estudio para cerrar el proceso de lo que se captura y cómo se percibe esto al reproducirlo para uno, escucharlo de la mejor manera posible. Armamos esta opción de tener ocho canales simultáneos en la interfaz, de los cuales cuatro de ellos
están con preamplificadores y compresores. No necesito como tal una consola, porque no somos un estudio que se enfoca a la parte vocal y de instrumentos; podemos grabar hasta máximo 4 canales simultáneos, pero hasta ahora no ha sido necesario. Con esto puedo trabajar y sentirme muy cómodo”.
La dedicación y los nichos musicales
Haber compartido créditos con nombres de pegada alta en el género urbano es resultado de ofrecer un servicio puntual y a detalle para sus intérpretes, como lo considera Gabo: “Lo urbano y los estilos afines son muy populares por los ritmos que le encantan a la gente. Hoy lo digital le ha dado herramientas a mucha gente para grabarse con buena calidad y distribuir su música, lo que era imposible antes por el proceso y costos. Hay mucha gente en estos estilos que sin tanta preparación musical tiene éxito porque quiere hacer las cosas y busca cómo hacerlo bien, están las herramientas y contactos a su disposición. Lo que toca es poder brindar el servicio en esa cadena para que quede bien la propuesta desde la producción. Es un proceso singular del que tienes que aprender rápido”.
“Yo he sido de todo: ingeniero, post productor, mezclador, masterizador, y eso es porque esta facilidad que da lo digital hace que lleguen proyectos que a veces no gustaron en el resultado final y te piden lo revises y mejores. Hay que estar preparado para cualquier parte de las etapas de la creación de un tema para por lo menos tener el criterio y tomar decisiones sobre cómo y qué cambiar, qué quitar, editar distinto o arreglar las cosas que no estaban bien. Al final eso hace un productor: hace sonar las cosas”.
“Hay artistas como Victor Muñoz, un venezolano, él siempre graba sus ideas en su home studio, voces, guitarras y uno arranca desde ahí a producir el tema, estructurarlo y grabarlo hasta llevarlo a una producción completa. He hecho todos los pasos de la creación de la música y es lo que ofrecemos aquí. No quiere decir que lo digital o lo análogo sea mejor, a mi parecer son cosas totalmente diferentes: lo análogo no se puede superar y lo digital es más práctico y rápido. Debes encontrar tu lugar en el mercado y entender el proceso”.
AVN y Swag, dupla exitosa
Para tareas de grabación vocal, la cadena de señal de Gabo en Swag Studios incluye un compresor de preamplificador de micrófono Shelford de Neve Designs y un ecualizador, en un amplificador de nivelación clásico Universal Audio Teletronix LA-2A. “Hoy en día, tienes tantas interfaces y convertidores analógicos para editar. Los increíbles complementos de hoy en día, las estaciones de trabajo de audio digital y otras herramientas facilitan el trabajo de edición y me encantan las opciones que me brindan, para que pueda obtener todo perfecto”.
Gabo elogió la atención de AVN a los detalles, lo que ha hecho que trabajar en el estudio sea más versátil y haya acelerado enormemente los flujos de trabajo de producción. Uno de esos detalles se puede encontrar debajo del escritorio de productor personalizado que AVN instaló en la sala A, debajo del cual se instaló una caja de conexión para eliminar los complicados tendidos de cables entre escritorios. Dependiendo de cómo quiera trabajar el productor, ya sea que desee configurar una sesión dentro de la sala de control, grabando desde ese escritorio o desde la cabina de grabación, tiene la opción de configurar la bahía de conexión o la caja.
AVN tomó medidas, diseñó los paneles acústicos, especificó varios escritorios, integró el equipo del estudio, suministró las instalaciones de superficie para las salas de control terminadas y continúa respaldando las necesidades técnicas de Swag Studio. También hicieron sugerencias para la apariencia estética y los colores de la tela; se eligieron páneles de tratamiento grises, retroiluminados con LED que cambian de color, así como módulos extraíbles de color púrpura y difusores azules.
Uno de los desafíos presentados por el proyecto fue que las habitaciones A y B estaban terminadas y tenían paredes que no se podían quitar para ajustar la geometría. Por esta razón, AVN recomendó el uso de páneles de montaje en superficie y los tratamientos diseñados a medida ayudaron a que el sonido de la sala fuera más inteligible. Gabo Sanoja estuvo de acuerdo: “Los difusores personalizados de AVN hicieron que la sala sonara increíble, ya que ayudan con las frecuencias medias, así como con las trampas de graves”.
En Swag Studio, de la mano con Swag Records, vemos un modelo de creación especializado, con feeling y conocimiento técnicomusical heredado de la escucha análoga y la producción digital. Si se quiere incursionar en ese eslabón de la cadena musical, el consejo de Gabo es este: “Primero, es muy importante que uno siempre esté en la búsqueda de lo que uno quiere hacer para ser feliz; que sepas que mientras lo intentes estarás tranquilo porque lo hiciste, sea cual sea el resultado. Pero si no tienes nada que ofrecer haciendo lo que te gusta, la gente no te va a buscar: necesitas ese algo que te hace destaca y que, incluso sin tener el estudio como tal, haga que las personas confíen en ti y te impulsen para tu crecimiento porque te tienen confianza. El crecimiento tiene varias etapas, nada es inmediato y la crisis sanitaria también nos vino a recordar eso”.
78 R.P.M:
la era de los viniles
Recuerdo que cada vez que visitaba la casa de los abuelos pasaba junto a un mueble de madera que mi abuela limpiaba con mucho cuidado mientras mi abuelo me pedía ayuda para escoger un acetato y escucharlo. Yo no entendía mucho cómo funcionaba, pero me divertía bastante. La primera vez que me dejó tocar los discos y el mueble fue para escuchar flamenco; fue entonces que me dio un sobre de cartón cuadrado (el estuche del vinil), y me dijo: “Abre las puertas del mueble”. Lo primero que leí fue Telefunken, no tenia idea de qué significaba y después, mi abuelo me dirigió en todos los movimientos, tomé el disco y lo coloqué con mucho cuidado en la base; después puse la aguja sobre él, di volumen y sonó la música. Hoy conservo esta consola Telefunken de mis abuelos para escuchar viniles, disfruto de este peculiar sonido y recuerdo la hermosa introducción que me dieron a la música y a la tecnología. Actualmente sigo utilizando esta marca con sus micrófonos tan exquisitos. Definitivamente, estos son recuerdos que nos marcan…
La historia
El primer sonido grabado fue la voz de Thomas Alva Edison, capturada con un fonógrafo en 1877 recitando parte de la canción de cuna “Mary Had a Little Lamb”. Aquí pueden escuchar la grabación original.
Diez años después, Emile Berliner creó el primer dispositivo que grababa y reproducía sonido, usando un disco plano, el precursor del disco moderno. En el transcurso de las siguientes seis décadas, los viniles y los tocadiscos se mejoraron y se estandarizaron, con los discos de 33 y 45 revoluciones por minuto (RPM), reemplazando a la mayoría de los otros formatos en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial.
En la década de 1970, la tecnología de tocadiscos había evolucionado hasta el punto en que ha cambiado poco en el medio siglo transcurrido. En ese tiempo, las cintas de casete iban y venían. Los CD llegaron y se fueron y los reproductores de MP3 fueron reemplazados por teléfonos, al igual que las cámaras y muchas otras cosas en la sociedad actual.
El vinil
A principios del siglo XX, el disco conocido como fonógrafo se derivó del cloruro de polivinilo (de ahí el apellido “vinilo”), que fue moldeado en un disco delgado. La música se imprimía en el disco en forma de pequeños surcos que giraban en espiral
de afuera hacia adentro. El fonógrafo era el único medio para grabar música durante este período, por lo que su popularidad era alta y los reproductores producirían un giro de 60 a 130 RPM, con una velocidad de aterrizaje ideal de 78 RPM.
Técnicas avanzadas de grabación
Una de las preguntas más comunes sobre la grabación de vinilo es: “¿Cómo colocan la música allí?”. La mayoría de las grabaciones se produjeron acústicamente; es decir, fue capturada a través de algún tipo de micrófono. Los sonidos creados en un estudio de grabación se emitieron a través de una bocina (piensen en un megáfono inverso), y luego se canalizaron a un gran diafragma que capturó las frecuencias o vibraciones del sonido. El diafragma podía leer las vibraciones e interpretar tanto las notas como el instrumento que las producía. Luego, la grabación se imprimía en el vinilo y se configuraba para reproducirse a las velocidades adecuadas. El proceso de prensar una grabación en un disco de vinilo fue en gran medida prueba y error durante la primera mitad del siglo XX. Los ingenieros, músicos y productores cambiaron los instrumentos, cambiaron de habitación y modificaron otros parámetros para obtener los registros perfectos. Con equipos limitados y tecnología rudimentaria, las grabaciones eran de mala calidad para los estándares actuales, pero impresionantes, teniendo en cuenta la época en que se desarrollaron por primera vez. Otra hazaña impresionante fue lograr que las grabaciones se capturaran en tiempo real.
Grabación eléctrica
Con el desarrollo de diafragmas más pequeños conocidos como micrófonos, la grabación eléctrica cobró nueva vida. Los micrófonos capturaron las grabaciones en vivo en la sala. Los amplificadores de válvulas magnificaban o “empujaban” las señales, lo que creó una señal más fuerte que podría capturarse con más potencia.
Los micrófonos le dieron a cada grabación la claridad y la plenitud que los músicos y productores habían estado buscando todo el tiempo. Así, las grabaciones de calidad atrajeron a miles de músicos que buscaban un estudio de grabación profesional, mientras que los ejecutivos discográficos buscaban en todos lados a los próximos grandes músicos. wwwwwwwwww
¿Cómo se producen los discos de vinilo actualmente?
Lo crean o no, la producción de discos de vinilo no ha cambiado mucho. Las principales mejoras se han producido en el equipo
La producción de discos de vinilo no ha cambiado mucho. Las principales mejoras se han producido en el equipo utilizado para fabricarlos, más que en el proceso en sí.
*Ingeniera de sonido, sistemas de audio en sala y monitores con más de quince años de experiencia; ha colaborado con artistas y producciones distinguidos en más de veinte tours a nivel nacional e internacional. Ha mezclado para artistas como Kool & The Gang, Gloria Gaynor, Natalia Lafourcade, Mon Laferte y León Larregui. Actualmente se encuentra realizando mezclas en formatos de sonido inmersivo. Es cofundadora de la empresa 3BH, que desarrolla proyectos de integración tecnológica para estudios de post-producción y música en México y Latinoamérica y a partir de 2016 comenzó a representar a la organización Soundgirls.org en México, apoyando a las mujeres a profesionalizarse en la industria del espectáculo.
utilizado para fabricarlos, más que en el proceso en sí. La diferencia al imprimir la grabación es que se transfiere al vinilo desde una fuente digital, en lugar de grabarse directamente en el disco.
Ahora bien, un disco de vinilo prefabricado está recubierto con una laca, que se hace girar en una máquina. A medida que lo hace, las señales eléctricas de la fuente de grabación se canalizan hacia un cabezal de corte que coloca una aguja sobre la superficie del disco, creando pequeños surcos en la laca girando hacia adentro, hacia el centro del disco. El máster original se envía a una empresa para que lo produzca en masa y lo distribuya con el material gráfico intacto. Gracias a los avances tecnológicos, el moderno proceso de impresión y duplicado es rápido y sencillo.
Personalmente disfruto mucho escuchar música en vinilo, me da otra experiencia y otra sensación. Los acetatos nos han acompañado durante mucho tiempo, son tan importantes que actualmente, el reconocimiento más representativo en la industria de la música y la producción son los Grammys. Un dato curioso es que éste nombre viene del gramófono, también conocido como fonógrafo o tocadiscos. De ahí es de donde se origina el término, porque sus creadores quisieron rendir homenaje a este equipo gracias a su impacto revolucionario en la industria de la música.
Me encanta compartir este tipo de experiencias, que nos recuerdan cómo y donde comenzó todo. ¡Gracias por leer!
Panteón Rococó
en el Foro Sol: concierto de plata
Crédito: Eva Ruiz
Con tres conciertos consecutivos en el Foro Sol de la Ciudad de México, donde se reunieron más de 120 mil personas, la banda Panteón Rococó pudo al fin celebrar sus 25 años de trayectoria con su público. El show, una ofrenda musical con invitados especiales dedicada a los que partieron en este duro periodo de crisis sanitaria, contó con un planteamiento sonoro que logró enfatizar la relevancia del espectáculo para una banda nacional, en el desafiante recinto de la capital mexicana.
Tiempo y paciencia, preproducción
Pactado para realizarse a mediados de mayo de 2020, esta serie de conciertos de festejo debió postergarse por el encierro y paro de actividades que implicó el confinamiento sanitario en nuestro país. No obstante, el trabajo previo para cumplir aquellas fechas, marcó la pauta para lo que se haría tras darse luz verde en diciembre del año pasado, como comparte Óscar Gamas, ingeniero de sistemas y proveedor de las consolas para la ocasión, a través de SONAPSYS Audio (División de renta de Sonotribe):
“Todo demandaba mucho control, tanto de la parte técnica como para el público, por el nuevo protocolo sanitario que se iba a aplicar. Yo venía realizando el trabajo de sistemas para el grupo, así que pude construir a través del tiempo y los resultados técnicos un servicio de proveedor y me tocó llevar las consolas de sala: Midas Heritage-D y la Pro2C para la grabación. Lo que empezó como un servicio de backup acabó como uno de sonido principal y grabación, al punto que fue el debut de la consola, porque es la primera vez que se utiliza ésta en un show de este tamaño a nivel mundial -se han hecho arenas y cosas con giras, pero no algo tan grande- y nos tuvimos que preparar para que eso estuviera perfecto, con backup del backup, multi redundancia por todos lados y afinar todos los detalles como tal”. Pactado para realizarse a mediados de mayo de 2020, esta serie de conciertos de festejo debió postergarse por el encierro y paro de actividades que implicó el confinamiento sanitario en nuestro país.
Roberto Barilla, Oscar Gamas y Edgar "Nico" Morales
Crédito de foto: Eva Ruiz
Equipo de audio en sala (Proveedor SONAPSYS Audio)
(01) Midas Heritage-D96 -TP w/Dante Cards (01) Midas Pro2C - TP (03) Midas DL-231 Audio System Input Splitter (01) Midas DL-251 Audio System I/O (02) Empirical Labs Distressors EL8X (01) Midas XL-48 Preamp @ 96kHz - AES3 (01) Waves Maxx BCL @ 96kHz- AES3 (01) Lexicon PCM 92 @ 96kHz- AES3 (02) Yamaha SPX-2000 @96kHz - AES3 (01) Focusrite RedNet D16R @96kHz - AES3 (01) Focusrite RedNet PCIe Dante Card @96kHz (01) KT-DN9650 - Dante Card @ 96kHz (01) KT-DN9680 - AES50 Exteder Optical/Cooper (01) Smaart v8 Multi-Channel (02) IsemCon EMX-7150 Mics (02) Lectrosonics TM400 Wireless System (01) Tower Mac Pro (01) Liknsys Gigabit switch
Crew Audio Panteón Rococó
Ingeniero FOH: Edgar Morales Ingeniero de sistemas: Oscar Gamas Ingeniero de monitores: Carlos Sierra Ingeniero de Grabación - Roberto Barillas Coordinador de RF: Miguel Moncada
Crédito de foto: Eva Ruiz
“El Foro Sol es un lugar donde hemos gozado en conciertos y llegan los grandes nombres, pero esta vez era muy especial para el grupo, porque era la primera banda de rock mexicana que lo llenaba tres veces; era una celebración que se transformó en un concepto llamado “Ofrenda”, por todos los que ya no están. Se retomaron muchas ideas y todo el trabajo de la producción para mostrar ese estado de ánimo que quería compartir la banda con el público. De nuestro lado, en audio, ese fue el trabajo: creérsela porque estábamos representando un staff de tu país, al mismo nivel que el de los grandes nombres y, si se podía hacer mejor, se haría. Creo que llegamos a eso a raíz del trabajo de preproducción que se armó”.
Balance sonoro en un recinto desafiante
Con este escenario, un foro para 60 mil personas por noche, una de las claves fue administrar los recursos y planear -desde la perspectiva de la audiencia y lo que se vendió de boletaje-, las posiciones tradicionales de equipo, como las torres de delay, y cómo lograr una mejor geometría en el arco de éstas, considerando otra distancia para aprovechar el PA principal y tener el montaje ideal:
“Se hizo una gran labor con la gente de PRG; de entrada planteamos la necesidad de ir más allá de las cuatro torres de delay que suele haber en el recinto y solicitamos cinco; eso fue una cuestión técnica como tal de coberturas y de integración con el sistema principal, sobre todo con las zonas más lejanas. En mi perspectiva de ingeniero de sistemas voy tomando nota y en experiencias pasadas, sabía que eso podía ser una gran solución. Otro tema fueron las consolas, el manejo del backup, las señales redundantes, protocolos en digital como el AES50 de las consolas en Midas y Dante que usamos para la grabación”, explica Óscar Gamas. “Fue un PA grande -con 247 altavoces-; se colgaron los subs en cardioide para limpiar el escenario y tener esa proyección de baja frecuencia al final del foro, obviamente balanceamos las cosas, hubo una línea de subs pequeña para la parte frontal con tratamiento de delay para abrir en arco; se tomaron detalles de todo eso y se hizo un balance en las áreas para tener transición entre sistemas y que todo estuviera lo más claro posible y con el impacto adecuado. Esos detalles en balance se tomaron como prioridad. Nos llegaron a decir que para qué tanto equipo, pero fue una cuestión de balance en todo el lugar y no de tener una fuente más que la otra: había que balancear mucho las cosas y esa fue la razón de tener tales cantidades de equipo”.
“Me ha tocado como público estar en las gradas y no sentir el impacto que se debe, así que mi ajuste de sistemas fue con SMAART, del que conozco la metodología y también la de otros sistemas ya integrados y cómo operan, como lo que ofrece L-Acoustics. A partir de eso sé que se pueden partir todavía más esos protocolos y procedimientos, hacerlos más detallados. Hice mediciones multicanal tanto eléctricas como acústicas con mis micrófonos inalámbricos especializados, los Lectrosonics TM400, hice una serie de mediciones con ruido rosa y con música, sin interferir con los demás. Realicé un proceso de ecualización en silencio de todas las particiones que hice del sistema, saqué una gráfica de esas ecualizaciones que decidí y luego la comparé otra vez acústicamente, en ciertos puntos de medición, corroborando qué iba quedando o qué detalles modificaba. Hay que hacer un balance para lograr el detalle, porque al final tienes un equipo de millones de dólares y a eso tiene que sacársele hasta el último decibel, de la mejor manera y en el mejor provecho del grupo y de la gente”.
“Con eso pudimos tener uniformidad en las zonas de pista y de las gradas que, lo más importante que se habló con el grupo, fue cumplir la promesa de vivir la misma experiencia que hay en la pista, cercana al escenario y equipo, porque en recintos como éste hay una experiencia muy diferente entre el público que recibe el concierto en la pista y el que lo percibe en las gradas, por cuestión de la baja frecuencia, la inteligibilidad, el clima y factores de temperatura y demás”, recuerda Óscar.
“El grupo y el equipo de management estuvieron muy al pendiente de eso desde el montaje hasta las pruebas; en el sound:check, gracias al gran trabajo de RF que se hizo, hubo la posibilidad de salir bastante lejos del estadio a escuchar atrás de las torres de delay o la reverberación que se hace en la esquina del estadio y ver cómo estaba la situación. Se pudo visualizar un poco más lo que iba a pasar con el público y tomar nuevas decisiones de detalles como en la ecualización. Ese involucramiento ya particular de tener al músico ahí cantando y los instrumentos sonando como deben ya en sitio, nos dejó afinar los detalles que creo hicieron la diferencia; no quedarse tan de libro y usar la experiencia. Llegar al sitio y hacer las cosas, no quedarse tampoco solo con las computadoras, porque éstas capturan datos como tal y al final, debe haber una sensibilidad con el músico y lo que va a escuchar la gente”.
Audio potente que emocione
Con el sistema calibrado, la tarea en sala por parte de Édgar “Nico” Morales fue sacar provecho de la captura de los ensayos y ahondar más en las prestaciones de la consola Midas Heritage-D:
“Cuando nos dieron luz verde con las fechas otra vez, retomamos lo que habíamos trabajado Óscar Gamas (sistemas), Roberto Barillas (back up y grabación de audio del show) y yo. El calendario se llenó de ensayos y salieron juntas de pre producción con la gente extra que apoyó en este evento. En nuestro caso ya teníamos muy hecha la plancha de la propuesta sonora y fue retomarla, conectar los puntos ya con la gente de PRG por parte de OCESA para ver los equipos. Fueron dos meses y medio máximo de un trabajo fluido y excelente donde logramos hacer en conjunto lo que queríamos y se propuso”.
“Los músicos retomaron ensayos y se hicieron varios ya con microfonía y algunos cosas que usamos en el Foro Sol. En el recinto estuvimos desde el domingo previo al primer concierto para montaje; se armó un escenario a piso en la zona de prensa donde se ensayó con todo el equipo y yo tuve otra punta del
(92) Altavoces L-Acoustics K1, (24) K2 (56) Subwoofers L-Acoustics KS28, (06) K1SB, (16) SB28 (30) Altavoces L-Acoustics KARA, (14) V-DOSC +, (03) dV-DOSC, (06) ARCS L-Acoustics NETWORK Manager (Red de control) w/ L-A 12X Amps.
snake para montar todo lo de sala que íbamos a recibir, así que cuando ya pasamos al foro y a nuestro punto de FOH se volvió a probar, hacer linecheck, sonar y se hizo un pequeño ensayo con 4 o 5 canciones. Armamos un ensayo general e hicimos chequeos internos todos los involucrados. El viernes y sábado se dedicó a pruebas de audio con los invitados, se les daban indicaciones y ya dejamos todo más pulido”.
El punto de partida para el planteamiento en mezcla -además de los casi siete años de sonorizar a la banda-, fue conocer el setlist para la ocasión y los invitados convocados. Nico trabajó con la consola Midas Heritage-D y así describe su labor:
“Lo que hice fue prevenir los canales de invitados, ver cuáles eran simultáneos y así tener los micrófonos debidos. Al principio eran ocho, pero ya contra el setlist lo logramos apretar y quedó en cuatro para los invitados. Desde hace un par de años estamos usando las consolas Midas con la banda cuando es posible. Normalmente traemos 48 canales y en este show se fue a 72, entre invitados y más instrumentos. Se grabó el concierto en multi track con otra consola y yo ajusté un input list a 56 canales, quitando algunos elementos y dejando otras cosas en mono. Gracias a los stage racks, que tienen un split digital, pudimos obtener la señal en ambas consolas de forma simultánea y tener un respaldo en todo momento. Esta consola tiene muchísimo rango, ya no hablamos de potencia, sino de rango en cuestión de cómo se sentía lo que oía porque ambas consolas son excelentes; incluso comparten el mismo stage box”.
“Todo lo que trae integrado la consola en cuestión de periféricos funciona muy bien; hay mucha dedicación en el sonido y lo puedes explotar en un PA tan grande como el que hubo. Se agregó un rack de periferia con cosas análogas, algunas de ellas también conectadas por AES3 digitalmente, para no perder esa calidad. Yo estuve dos días a full metido con la escena, canal por canal, armando todo el tratamiento que se le iba a dar, haciendo mi radiografía de la escena, el armado y llamado de mis grupos y cómo lo voy ruteando para ubicar bien y saber cómo funciona”. “En microfonía, además del apoyo que se tiene con Shure, tenemos un input list con base en mi gusto auditivo y en lo que me funciona. Hubo Sennheiser en los toms y percusiones, en timbales puse Beyerdynamic; Shure en bombo, coros y voces y en metales, DPA. Todo lo inalámbrico se gestionó con Shure por Axient Digital. Dr. Shenka (el cantante de Panteón Rococó), usa un Shure Beta 58 inalámbrico Axient y un Super 55, negro. Tiene unas bases especiales y donde quedó el 55, es una base con una cadena que sube en espiral y por el centro trae un tubo de acrílico con LEDs que se prenden con un pedal. En la base, que llamábamos basculante, va un resorte muy grande, que es como una lengüeta que se pisas y hace lanzar al micrófono inalámbrico; es el que usa en las canciones movidas. Las hizo Marco Rojas, quien se puso a armar eso en el tiempo que no podíamos tocar. Hubo un par de canciones donde Dr. Shenka cantó con los dos micrófonos y fue un buen reto igualar la voz, que estuviera con el inalámbrico y al llegar a la otra posición, tomara el Shure Super 55 y cantara sin que se percibieran cambios en su voz”, señala Edgar.
“Aquí el reto fue no volverme loco y hacer lo que sabemos. El show creció en calidad al tener esta consola y más recursos
para el estadio -porque eso es el Foro Sol-, y confiamos en la experiencia de 25 años que ya tenemos, porque conocemos a la banda y sabemos cuáles son los momentos que marcan las canciones. Yo mezclo con base en eso y busco que no se pierdan las intenciones. Me apoyé en todo momento con Óscar, tuvimos mucho headroom por explotar y se sintió cómo la mezcla se compactaba y amarraba mejor. Siempre tuvimos un vaivén de ideas y pudimos replicar y mejorar”.
Crédito de foto: OCESA-LILIANA ESTRADA
En colaboración para el registro de esta memorable ocasión en audio estuvo Roberto Barillas, quien brinda soporte técnico para Midas y es colaborador de Distribuidora Gonher como representante de la marca y el conglomerado de Music Tribe en México:
“Fue la primera vez que utilizamos la consola Midas Heritage-D en un evento tan grande y complejo. Toda la configuración partió de la consola principal y en todos los puntos de la cadena íbamos usando un back up o spare. Teníamos la Heritage-D y una Pro2C más los stage boxes de Midas, unos DL231 como splitter digital con distintos convertidores y preamplificadores para que las ganancias se manejaran independientes y eso fue fundamental en el proceso de grabación, porque cada una de las consolas tenía una distinta ganancia para grabar y usar Dante para transmitir al sistema de grabación. Usamos una red de Dante sofisticada con una tarjeta Focusrite PCI de 128 canales que recibía la grabación principal y teníamos la otra independiente; digamos que teníamos la cuenta de canales completa y en la otra era reducida con los backups de las cosas más importantes y elementales que pudieran surgir durante el evento”.
“Esta consola tiene un preamplificador que suena increíble, con muchísimo headroom, y ese es el punto de partida para todo: tanto la mezcla de sala como lo que se registró para la grabación vienen del mismo preamplificador. Nico pudo customizar como él quiso la mesa -cómo quería tener sus snapshots, los accesos y envíos-, y además usar muchas de las características de la mesa, que ayudan a la creatividad, como los procesadores internos, ecualizadores y efectos y atender los requerimientos máximo de canales porque fueron muchísimos. También usamos procesadores de hardware externo que se pasaron a todo el sistema de grabación, porque tuvimos que decidir usar algo más sofisticado para recibir toda esa cuenta de canales y optamos por Dante mediante esta tarjeta de Focusrite que recibe hasta 128 canales; lo que estaba transmitiendo era de unas tarjetas Klark Teknik que van directamente a la consola”.
“Hicimos un gran equipo: Óscar hizo un excelente trabajo en sistemas, la mezcla de Nico que ya conoce muy bien a la banda porque ha girado con ellos muchísimo tiempo y sabe cómo tienen que sonar y las herramientas que tenía se maximizaron; la parte de la grabación fue sumamente importante y todo fue muy limpio, salió increíble”.
Que los nuevos protocolos sumen
“Este show nos exigió que, si bien había la oportunidad de regresar, hiciéramos lo mejor de nosotros para que eso quedara al nivel que siempre habíamos gozado y visto. OCESA, junto con Live Nation, han implementado bien los protocolos sanitarios con lo aprendido de las bandas y shows en Estados Unidos. Hubo una colaboración enorme de todos; se tuvo un espíritu de colaboración y eso dejó claro que esto es un trabajo en equipo y no se podría hacer sin las áreas y las personas que se requieren ahí”.
“Esta vez fue una banda mexicana la que hizo un sold out en uno de los recintos más importantes que hay en América Latina y todo fue hecho por mexicanos; lo podemos hacer a esta magnitud o más allá, de excelente forma. No hay dudas, sabemos hacer las cosas y también hay que creérsela y sí emociona porque hemos estado ahí en distintas ocasiones, pero no es lo mismo hacerlo para una banda en concreto; eso se dimensionó y lo gozamos más por todo lo que ha pasado. No fue un show más, fue una celebración y por eso tanto detalle”, concluye orgulloso Óscar Gamas. Y tiene razón en estarlo, indudablemente.
Crédito: Estudio El Ganzo
Micrófonos,
el inicio de la cadena
Así como en la música existen los clásicos (Mozart, Beethoven, The Beatles, Pink Floyd, Mile Davis, Yes, Kraftwerk, Daft Punk y muchos otros), también en la ingeniería en audio existen muchas herramientas que hoy se consideran clásicas. Sirva esta columna para citar algunas de ellas y vamos a empezar por aquellos equipos encargados de realizar la captura. Con ustedes, los micrófonos.
RCA 44 Bx
Seguramente muchos lo han visto en fotos o videos, ya que solo unos pocos privilegiados en el mundo tienen este micrófono en buenas condiciones. Es de los primeros grandes micrófonos de listón y su sonido cálido y particular característica en la captura de la dinámica, hizo que durante 1934 y 1959 fuera uno de los micrófonos más utilizados en la radio y la industria de la música. Actualmente también hay excelentes emulaciones virtuales.
El RCA 44 Bx se ha usado para voces desde Frank Sinatra hasta Michael Jackson, también el gran ingeniero Hugh Padham lo usó como rooms por primera vez en el disco “Face Value” de Phill Collins. Y hoy en día se sigue utilizando, sirve para todo.
Si quieres un sonido grande y cálido (porque al no capturar muchas frecuencias agudas se lleva bien con nuestra sensibilidad auditiva a las frecuencias medios agudas), quizás esta sea tu mejor opción cuando sea posible, así como para lograr diferentes texturas en la grabación.
Sennheiser MD 421
También es un micrófono cardioide dinámico. Se introdujo en el mercado en los años sesenta y aunque muchísimos ingenieros lo usan en los toms de la batería o para instrumentos de percusión, también es un micrófono muy versátil, que sirve para voces y todo tipo de instrumentos. Muchos lo utilizan combinado con un condensador para grabar en Mid Side. estrellas de rock (casi todas) y hasta muchísimos presidentes de todos los países del mundo.
Incluso en varias grabaciones de rock y pop lo han utilizado para voces y también es versátil y sirve para todo, aunque su brillo y excelencia siempre podemos apreciarlo en un concierto en vivo.
Shure SM 57
Este micrófono se vende desde 1965 y se ganó el trono de clásico. Es dinámico cardioide y sirve para voces, guitarras, tambores y prácticamente en cualquier captura tendrá un desempeño adecuado. Si no tienes ninguno, debes considerar tener como mínimo dos, para poder usarlo con técnicas de microfonía estéreo. Como todos los equipos debe cuidarse; si se golpea ya no suena igual y es probable que pierda graves.
Shure SM 58
Se vende desde 1966 y es el micrófono más utilizado en conciertos en vivo. Es indestructible, un estándar. Suena bien, no se rompe y produce muy poco feedback: por esta razón, este micrófono fue utilizado por varios Papas (sí, los del Vaticano),
Neumann U 87
Este micrófono es de condensador con diferentes patrones polares y pad. Se vende desde 1967, aunque sufrió ligeros cambios desde su salida hasta 1986; gracias al trabajo responsable de esta gran compañía, este micrófono sigue siendo un estándar en la grabación de voces.
Siempre digo que si no tienes tiempo de probar qué micrófono le queda mejor a la canción que vas a producir o al cantante que vas a grabar, puedes tomar con los ojos cerrados este micrófono, porque a pesar de que algunos detractores dicen que es muy agudo, en cuestiones de sutilezas y claridad es uno de los mejores micrófonos del mundo.
También es cierto que necesitas una buena sala de grabación, porque este micrófono toma mucho el sonido de la sala en donde se utilice, aunque sea en modo cardiode.
Electro-Voice RE 20
Salió al mercado en 1969; la propuesta interna era fabricar un micrófono cardioide dinámico que sonara como un condensador y lo lograron. La base de su éxito fue la siguiente: cuando usas el RE 20 no se escucha el ruido de la sala de radio (recordemos que los locutores durante décadas usaron y maniobraron papeles). Con este micrófono no se perciben ruidos externos, como así también un bajo nivel de sala, permitiendo que más gente participara en los programas de radio. Si bien fue diseñado para voces, también sirve para todo y es muy recomendable para grabaciones caseras porque toma muy poco el sonido del cuarto.
AKG 414 XL II
Micrófono de condensador con diferentes patrones polares, incluso puntos intermedios y pad. Si bien existen más de 11 modelos de AKG 414, en este caso me basaré en el 414 XL II, porque es uno de los más nuevos y de los que más me gustan. En mi opinión, éste es uno de los mejores micrófonos que existen porque brinda muchas posibilidades que otros no tienen, como la capacidad de pasos intermedios entre los patrones polares.
Su fabricación es excelente y su sonido, en primera instancia, no sorprende tanto; sin embargo, hay algo muy interesante, que es lo que pasa después de la toma de grabación, cuando uno va a la mezcla, y aquí es donde este micrófono brilla en todo su esplendor: ecualizas o comprimes lo que grabaste con este micrófono y se produce un fenómeno que es que se adapta de una manera increíble a los cambios. Esto no sucede con todos los micrófonos, lamentablemente; en muchos casos, una vez que el sonido quedó impregnado, por más que se ecualice, el desempeño del micrófono y sus características no cambian. Con el AKG 414 XL II esto sucede porque su sonido es muy flat, de manera que al principio no impacta, pero al ecualizar sí sorprende, y no solo sirve para las voces, sino que sirve para todo.
Audix D6
Si quieres grabar bombos de batería y no complicarte demasiado la vida, la empresa Audix desarrolló este micrófono que rápidamente se convirtió en un clásico para el bombo. Es dinámico y está diseñado con un patrón de captación cardioide para aislamiento y control de retroalimentación y está equipado con un diafragma VLM para una reproducción de sonido natural y precisa.
Es ligero, compacto y fácil de colocar; una excelente opción para micrófonos que requieren una reproducción extendida de baja frecuencia, como bombos, toms grandes y gabinetes de bajos. Su diseño sin transformador, su baja impedancia y su salida balanceada le permiten un rendimiento sin interferencias.
Continuaremos en las siguientes columnas hablando de aquellos equipos tan valorados por los profesionales del audio profesional que se han convertido en clásicos. Será muy interesante.
¡Gracias por leer!
Músico, compositor, productor musical e ingeniero en audio. Especialista en Mezcla y Mastering. Imparte cursos privados online y en universidades sobre Ingeniería en audio, Producción musical y Desarrollo de la creatividad. Es profesor de Técnicas de mezcla y mastering en REC Música y SAE Institute México.
Apps vs creatividad:
¿qué hacemos con cada una?
Actualmente estamos invadidos de aplicaciones para el celular, tablets y computadoras. Vivimos una época en la que prácticamente todo puede ser solucionado con uno de estos programas. En nuestro lenguaje coloquial actual a estos programas les llamamos “app” como una abreviación de la palabra en inglés “application” y si bien, las denominadas “apps” nos solucionan muchas tareas y nos brindan información valiosa, en muchos casos han sustituido diversos ítems que utilizábamos con frecuencia como la Guía Roji; algunas personas, sobre todo jóvenes, pueden no saber lo que esto era: se trataba de los mapas en formato impreso como un libro que vivía en nuestros autos debajo de un asiento, con los cuales investigábamos una calle y llegábamos a nuestros destinos.
Funciones insustituibles
Así como los mapas y geo-localizadores fueron sustituidos por las apps en nuestros teléfonos celulares, prácticamente todos los sectores: productivos, comerciales, financieros, sociales y de entretenimiento, representados por diversas empresas, han creado una app propia, con el fin de que el usuario pueda consultar el saldo de su cuenta bancaria, ver películas, escuchar música, llevar un control de su agenda, elaborar presupuestos, presentaciones, diseños, elaborar rutinas para hacer ejercicio, llevar el control escolar y administrativo de sus hijos, hacer la lista del supermercado, además del creciente número de juegos que pueden entretenernos mientras estamos sentados en la sala de espera de algún consultorio médico.
Los seres humanos contemporáneos vivimos pegados a un celular y dependemos de él para prácticamente realizar todas
Digico/Coachella nuestras actividades diarias, mantenernos en comunicación con nuestros colaboradores de trabajo, amigos, familiares y con todo lo que sucede en el mundo actual.
Nación Ekeko
Dentro de todo este desarrollo tecnológico se han creado diversas apps de manera similar para intentar sustituir algunas funciones, que en mi punto de vista, son imposibles de ser sustituidas. Actividades que tienen una relación con la habilidad humana de crear, con la capacidad de usar su creatividad para construir algo único, sobre todo en el terreno artístico y estético. Con este instinto tecnológico, se han creado apps que hoy en día pretenden eliminar la participación creativa del ser humano en procesos en los que ningún diseño de código o proceso de inteligencia artificial puede igualar el resultado producido a través del proceso humano que involucra el conocimiento, la observación, la sensibilidad y la emoción.
Hoy existen por ejemplo, aplicaciones para sustituir locutores, diseñadores de logos, compositores, que un músico escriba sus propios arreglos musicales; aplicaciones que mezclan música automáticamente por medio de algoritmos, aplicaciones para conseguirnos la pareja perfecta; me imagino que alguien debe ahora mismo estar creando una aplicación para escribir poemas que rimen y, sin duda, existe mucha gente diseñando hoy estrategias de venta para convencernos de que estas aparentes ventajas tecnológicas, en particular las relacionadas con la supresión de la creatividad humana, son la evolución de una nueva y conveniente forma de vivir, cuando en realidad son su decadencia en este tema en particular.
Procesos creativos, joya humana
El resultado de estandarizar los procesos creativos humanos, nos está indiscutiblemente llevando a que toda la música suene igual, a que el público se acostumbre a consumir fórmulas prediseñadas y a quitarle el privilegio a los artistas de vivir el proceso creativo que es en sí, una de las mayores y más valiosas facultades humanas.
Adamson/MrFuture-Stage
Seres humanos creativos: no debemos creer en nada de esto; el proceso de crear las cosas y culminarlas con un resultado producto de la imaginación y de cierta habilidad aplicada es precisamente lo que nos hace vivir la vida. Aunque exista una visita por internet 3D-con vista de 360 grados en resolución 4K del Museo de Louvre, el día que uno visita físicamente el museo, se da cuenta del valor que tiene la realidad en contraparte con la virtualidad.
Por más que hoy contemos con magníficas herramientas para poder obtener más información, estamos olvidando que el mundo real tiene mucha mayor definición que cualquier cámara con el mayor número de pixeles. Acudir a un concierto en vivo para pasarlo tomando registro del mismo a través de una cámara me parece un desperdicio en la forma y el concepto de vivir la realidad. Aunque hoy podamos en YouTube disfrutar de conciertos en los que no pudimos estar presentes, no debemos sustituir esta experiencia por la decisión de acudir personalmente a un concierto en el presente y por supuesto en el futuro. Aunque hoy podamos impartir o tomar una clase a distancia cómodamente, el contacto real y vivir la vida a través de la presencia física, con la gente en vivo, siendo parte de los espacios, experimentando el contacto con las cosas reales, es insustituible.
Si en lugar de contratar a un locutor que puede comprender mi idea y reaccionar intuitivamente a las diversas emociones que se requieran al momento de grabar un spot publicitario, prefiero utilizar un programa que puede decir mi texto sin errores, de manera inmediata, con distintas voces aunque sean robóticas, me estoy privando del proceso de llevar a cabo algo creativo en colaboración con un ser humano, con el que a pesar de los retos que implique dicho proceso, tendrá un resultado muy superior, debido a que Sonastério Studios
Con mucho instinto tecnológico, se han creado apps que pretenden eliminar la participación creativa del ser humano en procesos en los que se puede igualar el resultado producido a través del proceso humano.
L-Acoustics/ODESZA
contará con el ingrediente humano. Parte de lo que nutre nuestra existencia, es crear algo humano para los humanos, una obra única, personal y no algorítmica. Al pretender cambiar el proceso natural de la creación humana, al suponer que lo virtual puede sustituir a lo real, estamos dirigiendo nuestro destino hacia un callejón sin salida.
En lugar de comprar fórmulas, aprendamos a hacer algo, practiquémoslo, mejorémoslo, enfrentemos el reto, hagámoslo nosotros mismos y observemos con gusto nuestra propia creación. No dejemos que nada ni nadie nos cobre por privarnos de tal privilegio.
Pensemos por nosotros mismos, creemos, no compremos ideas que solo nos darán soluciones momentáneamente: no hagamos de nuestras vidas una aburrida e insípida formula. Usemos la tecnología para lo que sirve: como una herramienta para eficientar muchas actividades de nuestra vida diaria, pero no la utilicemos para sustituir la maravillosa creatividad humana, llena de sensibilidad y de emociones, convencidos a través de una algorítmica ilusión, de que algún día Siri tendrá algún sentimiento real por alguno de nosotros.
“Hoy estamos tan cerca de gente que se encuentra al otro lado del mundo, estando tan alejados de quien duerme a nuestro lado”. Ernesto Sábato.
Es músico, pianista, compositor y productor musical mexicano con 35 años de experiencia en el medio musical contemporáneo. Ganador de un Latin Grammy como productor musical, ha sido director y arreglista en múltiples proyectos y con diversos artistas: Natalia Lafourcade, Café Tacvba, Filippa Giordano, Gustavo Dudamel, Eugenia León, Cecilia Toussaint y Fernando de la Mora, entre otros. Ha sido compositor para diversos proyectos de cine, teatro y danza y es fundador de CCM Centro de Creadores Musicales, pedagogo, conferencista e importante impulsor de la educación musical en México.
Skullcandy
Consumo de música vía streaming en 2021
Tras un año inmersos en la crisis pandémica durante 2020, 2021 se perfiló para ser un año de gradual recuperación para las Industrias Culturales y Creativas (ICC). Al respecto, la empresa consultora PwC, en su “Global Entertainment & Media Outlook 2021–2025”, estimó para México una caída en ingresos de -8.4 por ciento en 2020, pero proyectó un repunte de 6.5 puntos porcentuales para 2021 para las ICC.
Concretamente, en el mercado de Música a nivel global, Radio y Podcast, se calculó una generación de ingresos de 815.6 mil millones de dólares estadounidenses (USD) en 2021. Estas cifras advierten la importancia de la industria de audio para la economía nacional.
En lo que toca al consumo de audio por streaming, se ha convertido en la principal vía de acceso a contenidos musicales. En el último año, se registró un crecimiento de 4.8 por ciento en la base de consumidores que acceden a plataformas digitales y realizan un pago de manera periódica a éstas, para alcanzar una contabilidad de 13 millones de suscripciones, de acuerdo con cifras de The Competitive Intelligence Unit (The CIU).
Esta trayectoria ascendente en el acceso a plataformas digitales de música se acompaña de una sofisticación y mayor diversidad de preferencias y hábitos de los consumidores, ante un ecosistema de oferentes cada vez más competitivo. Al respecto, las diferentes plataformas han buscado competir con diferentes esquemas de empaquetamiento con otros servicios, precios atractivos, contenidos y producciones exclusivas y modelos de negocio de acceso gratuito, entre otros diferenciadores, para atraer a nuevos usuarios.
Es así como las distintas plataformas buscan hacerse de un pedazo de un pastel cada vez más grande. Por tanto, resulta relevante presentar una fotografía de los hábitos de consumo, configuración del mercado durante 2021 y presentar algunas prospectivas para 2022.
Hábitos de acceso a música digital
El consumo de contenidos musicales vía streaming registra un comportamiento similar al de 2020. Específicamente, la frecuencia de acceso a plataformas digitales de música por suscripción registró el mismo valor que el año previo, un promedio de 5.6 días a la semana. Sin embargo, 67 por ciento ingresa todos los días (71 por ciento en 2020), mientras que 26 por ciento lo hace dos veces por semana (20 por ciento en 2020), 6 por ciento únicamente una vez a la semana (8 por ciento en 2020) y 1 por ciento cada dos semanas.
Esta dinámica de consumo revela la marcada preferencia por los contenidos musicales, así como la continuidad en la intensificación en la frecuencia de acceso a las plataformas, resultado del confinamiento y la mayor disponibilidad de tiempo para el ocio en casa.
Por su parte, al segmentar por tipo de dispositivos utilizados para acceder a estas aplicaciones, destacan los smartphones, con 90 por ciento de preferencia, seguido por las computadoras (escritorio y laptops) y Smart TV con 14 por ciento cada una, tabletas con 4 por ciento y iPod con 2 por ciento. Spotify continúa ostentando el primer lugar como plataforma de acceso a contenidos digitales de audio, al contabilizar más de cuatro quintas partes del total de las suscripciones (85.8 por ciento).
Claramente, la masificación en la tenencia de los dispositivos móviles entre los usuarios mexicanos, así como la accesibilidad en la descarga y acceso a plataformas digitales, los coloca como los de mayor preferencia para hacer uso de éstas, por encima del resto de los dispositivos.
Ecosistema competitivo de plataformas digitales
Spotify continúa ostentando el primer lugar como plataforma de acceso a contenidos digitales de audio, al contabilizar más de cuatro quintas partes del total de las suscripciones (85.8 por ciento). Esto se explica por su abundante oferta de contenidos y la posibilidad de escuchar música con anuncios, así como su incursión al mercado en su etapa de desarrollo temprano.
Muy por debajo de Spotify en términos de suscripciones, le siguen Google Play Music/ YouTube Music con 3.1 por ciento, Apple Music con 3.0 por ciento y Amazon Prime Music con 1.7 por ciento del total, con el restante (6.4 por ciento) dividido entre una gran variedad de jugadores, entre los que destaca Deeezer, con 1.6 por ciento del total.
Como se evidencia en lo anterior, el consumo de contenidos de audio por streaming se ha intensificado e incluso ha aumentado su frecuencia de consumo en años recientes. Se anticipa que ante la recuperación económica y el creciente acceso a internet, se detone aún más el acceso a plataformas digitales de música durante 2020 y años venideros. La continuada expansión en el acceso y uso de internet móvil son y serán un índice importante para el consumo de música y podcasts en línea. Grabación Suite La mexicana
En México, la base de consumidores de contenidos de audio que acceden a plataformas digitales y realizan un pago de manera periódica a éstas asciende a una contabilidad de 13.0 millones de suscripciones, de acuerdo con cifras de The Competitive Intelligence Unit (The CIU).
La frecuencia de acceso a plataformas digitales de música por suscripción registra un promedio de 5.6 días a la semana y 67 por ciento ingresa todos los días.
Por su parte, las directrices que tome la política pública en materia de conectividad, estimularán aún más la migración hacia una economía digital que posibilite la recuperación de la economía mexicana en su conjunto.
Finalmente, si bien se anticipa un dinámica positiva en este mercado, la competencia entre plataformas de streaming de audio aún se encuentra en una etapa incipiente, con un actor predominante y otros pequeños competidores. En la medida que estos jugadores respaldados por grandes empresas como Google, Amazon y Apple compitan vis a vis con Spotify, podría detonarse una evolución de esta industria. Para ello será importante no perder de vista el ejercicio de inversiones en materia de publicidad y la calidad de los contenidos provistos, así como su oferta con otros servicios.
*Colaborador en The Competitive Intelligence Unit (The CIU).
