PORTAFOLIO
PATRICIA DE
LEON
Y EL SUEÑO AMERICANO ESPECIAL
LAS 4 FANTÁSTICAS
DEL CABARET FICHEANDO CON LAS REINAS CHULAS ANIMACIÓN
CUTOUT LA REVOLUCIÓN DE JUAN ESCOPETA + LA LEYENDA DE LA LLORONA ENTREVISTA
MARTÍN BOEGUE
ELHOMBRE DETRÁS DE LA LENTE
CINE TEQUILA, HISTORIA DE UNA PASIÓN LA PIEL QUE HABITO LOS ROMPECORAZONES
REGINA
OROZCO MÁS VIVA QUE DIVA
+ INTROSPECTIVAS DE MARTHA CLAUDIA MORENO Y MINERVA VALENZUELA
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no.
CONTENIDO {DOCUMENTAL}
HAVANYORK
DOS REALIDADES A TRAVÉS DEL HIP-HOP Por SERGIO A. UBALDO S.
P.
10
CINE
{INTERNACIONAL}
ALMODOVAR Y SU NUEVO FILM LA PIEL QUE HABITO Por PALOMA CABRERA
{CARTELERA} ROMPECORAZONES EL ÁRBOL DE LA VIDA TEQUILA, HISTORIA DE UNA PASIÓN
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{ESPECIAL}
LA LEYENDA DE LA LLORONA ENTREVISTA CON “EL CHINO” RODGRGUEZ Por JUAN CORTÉS
CECILIA SOSTRES, ANA FRANCIS MOR, MARISOL GAS’E Y NORA HUERTA Por ALDO ORTIZ-REYES
P.
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{CREATIVIDAD}
HEREDIA
Y SU INCURSIÓN EN EL MUNDO DE LA ANIMACIÓN 2
LAS REINAS CHULAS
P. 18
DOLORES
PorJESÚS CHAVARRÍA
{ESPECIAL}
P.22
MARTÍN
BOEGUE PARÉ EL HOMBRE DETRÁS DE LA LENTE P.62 Por ENID DE LA PARRA Por Enid de la Parra
CONTENIDO
P.
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{PROTAGONISTAS}
JOAQUÍN COSÍO Y LALO ESPAÑA
DOS DIABLOS DE PASTORELA PorJESÚS CHAVARRÍA
PORTADA
REGINA OROZCO LA DAMA ENAMORADA
DEL CABARET Por ALDO ORTIZ-REYES
P.
PATRICIA DE LEÓN
{ANIMACIÓN}
Y EL SUEÑO AMERICANO
LA REVOLUCIÓN
Por ALDO ORTIZ-REYES
DE JUAN ESCOPETA Por JESÚS CHAVARRÍA
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{PORTAFOLIO}
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UNA APUESTA POR UN CINE DIFERENTE
P.
P.
58
Entrevista exclusiva con la nueva estrella de Univision, que empezó como mis panamá y ahora trabajo junto a Ron Perlman y Danny Trejo en la película “Bad Ass” www.stageonemexico.com
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no. Contenido
{MÚSICA}
TARTE A LA CREME
ENTRE LA OPERETA Y LA COMEDIA Por ERICK SUASTE P. Y ADRIEL GALICIA
{INTROSPECTIVA}
MARTHA CLAUDIA MORENO JOSÉ LUIS GUTIÉRREZ ARIAS MINERVA VALENZUELA
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32 P.34 P.26
P.
CHARLES GAYLE
Y LA DENSA MÚSICA DEL CORAZÓN Por SERGIO A. UBALDO S. P.
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{OPINIÓN}
{FESTIVALES}
CUTOUT
P.
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REGRESA PARA SORPRENDERNOS Y EXPONER LO ÚLTIMO EN ANIMACIÓN 4
{TIRA CÓMICA}
FRANKY
P. DE HERNÁN VIGNA
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UN MUNDO QUE CABE EN EL BAÑO INTRUCCIONES PARA LEER BIEN Y BONITO POR MARA ARELLANO ARJONA
DIRECTORIO JAIME RIVAS ARENAS
ALDO ORTIZ-REYES
jrivas@stageonemexico.com Director General
agor@stageonemexico.com Director & Editor
OSCAR REYNOSO REYMETH oscar@stageonemexico.com Director Comercial
JESÚS CHAVARRÍA jchavarria@stageonemexico.com Editor Cine
ALEJANDRO CÁRDENAS OCHOA editorial@stageonemexico.com Editor Contenido General
ENID DE LA PARRA enid@stageonemexico.com Editora Especiales
COLABORADORES MARA ARELLANO ARJONA SERGIO A. UBALDO S. PALOMA CABRERA MARIO CASTAÑEDA CARLOS GARCÍA ERICK SUASTE ADRIEL GALICIA (FACTOR 4 COMUNICACIÓN) JAVIER MÁRQUEZ ROSAURA CERVANTES JUAN CORTÉS RAÚL GARCÍA ULISES SANTAMARÍA HERNÁN PANESSI FLOR VELASCO PRADO
CORRECIÓN DE ESTILO
DPTO. LEGAL MIGUEL A. MARTÍNEZ CUEVAS
HÉCTOR ORTIZ COBOS
FOTOGRAFÍA
ALDO DOWERMAN (AGOR) MICKEY MARTÍNEZ STEVE KAY PAULO VIDALES/ IMAGEN LATENTE REACCIÓN MEDIA
ARTE & DISEÑO ALDO DOWERMAN STUDIO CAROLINA LORA
ILUSTRACIONES HERNÁN VIGNA ROBERTO RIVAS
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ESTA REVISTA SE TERMINÓ DE DISEÑAR Y SE PUBLICÓ EL 1 DE NOVIEMBRE DE 2011 STAGE ONE DIGITAL SUPPLEMENTAIRE es una publicación de Stage One México y Deja Vu Factory S.A. de C.V. Editores Responsables: Jaime Rivas Arenas y Aldo Ortiz-Reyes. Certificado de reserva otorgado por IDAUTOR 04-2009-070913235400-102. TODOS LOS DERECHOS RESERVADOS. Prohibida la reprodución total o parcial del contenido por cualquier sistema o método sin previa autorización de los editores.
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Continuando con la labor cómplice que Stage One tiene con la industria del entretenimiento y sus espectadores, nos renovamos y nos mantenemos la vanguardia en esta era digital, lanzando online nuestro nuevo suplemento digital, el cuál es distribuido por
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Stage One converge a los protagonistas, sus historias y a los espectadores en un solo lugar. LOS EDITORES
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ENTRETENIMIENTO
{TELEVISIÓN}
ONCE TV MÉXICO PRESENTA:
NIÑO SANTO SERIE INPIRADA EN EL “NIÑO FIDENCIO” REDACCIÓN
Once TV México nos vuelve a sorprender en coproducción con Canana “Niño Santo”, esta nueva serie es dirigida por David Alcalde y Sebastián Silva, en una idea original de Pablo Cruz, creada por Mauricio Katz y Pedro Peirano, la historia se desarrolla en un pueblo llamado Manglares que sufre un creciente brote de cólera, situación que preocupa a las autoridades políticas y sanitarias que han mandado a grupos de doctores a vacunar a la gente de toda la región y a enseñarles medidas de prevención.
T
Tres jóvenes doctores interpretados por Karla Souza, José María de Tavira y Francisco de la Reguera, son enviados a una isla y el pescador que los cruza les advierte que todos ahí están sanos y que van a durar quince minutos, no más. Al llegar, la gente los recibe tirándoles fruta, como hipnotizados. Descubren que detrás de todo esto hay un extraño culto, liderado por un tal Niño que sana a todos los enfermos jurando que el pueblo está tocado por la mano de Dios. Comienzan así una serie de sucesos extraños en los que los doctores no pueden evitar involucrarse en el nombre de la ciencia. La ceguera de los dogmas tanto científicos como religiosos pueden ser una fe ciega que termina por alienar a las personas; la batalla de la ciencia contra la fe tiene en “Niño Santo” su razón de ser.
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A medida que se van relacionando y adentrando cada vez más en este mundo alejado de la realidad, van presenciando los “milagros” del Niño que pone en juego la imposibilidad científica contra la posibilidad de la fe. Es un Santo popular que la Iglesia Católica aún no quiere reconocer. Fidencio era un niño muy reservado, tenía características físicas que lo diferenciaban de los demás: no se desarrolló sexualmente y permaneció lampiño, con voz de soprano y nunca se casó. Comenzó a mostrar poderes mentales especiales adivinando el pensamiento a sus compañeros y reconociéndoles a pesar de que le vendaban los ojos. “Niño Santo” es una serie de seis capítulos: Mensajera de la muerte; Lágrimas de cocodrilo; Ojo por ojo; Agua Santa; Amen a sus enemigos y El Niño sana, todos los domingos a las 22:00 hrs con repetición los jueves a las 22:30 hrs por Once TV México.
{VIDEOJUEGOS}
EL REGRESO DE
BATMAN EL CABALLERO OSCURO
POR ENID DE LA PARRA
T
Warner Bros Games, Blockbuster y Game Rush la cadena más importante de entretenimiento en casa, reflejaron la batiseñal para anunciar que, desde Ciudad Gótica, ha llegado a Blockbuster y Game Rush, Batman Arkham City, uno de los videojuegos más esperados por todos los fanáticos de la saga. “Estamos muy emocionados de celebrar el 20° Aniversario de Blockbuster en México, lanzando al mercado uno de los videojuegos más interesantes y entretenidos. Batman Arkham City, nos brinda una gran oportunidad para seguir cubriendo las necesidades de entretenimiento de nuestros clientes”, Afirmó Edward Arguelles, Director general de Blockbuster y Game Rush México. A partir de hoy, todos los que quieran formar parte del mundo de Batman, podrán encontrar Batman Arkham City disponible para renta y compra en todas las tiendas Blockbuster y Game Rush, la cadena más grande de videojuegos de México. “Por parte de Warner Bros Games estamos muy contentos con el lanzamiento de Batman Arkham City, un videojuego desarrollado con una gran calidad en todos los aspectos y creado para todos los jugadores, que esper-
aron tanto tiempo para encontrarse nuevamente con una gran leyenda de personajes de la saga del Caballero Oscuro; en un juego mucho más grande e interactivo”, comentó Joaquín Colino, Director de Warner Bros Digital Distribution y Games para México y Centroamérica. Catwoman será un personaje jugable en Batman: Arkham City Los jugadores tendrán la oportunidad de disfrutar del lado más oscuro de Catwoman mientras exploran la ciudad de Arkham. La femme fatale felina contará con su propia historia dentro del juego, perfectamente integrada en la trama principal, para complementar el papel protagonista de Batman. También se podrá jugar con Catwoman en los mapas de desafío utilizando sus propios movimientos de lucha y sus gadgets únicos. Batman: Arkham City estará disponible en las plataformas: Xbox 360®, Windows PC y PlayStation®3.
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D DOCUMENTAL
{DOCUMENAL}
HAVANYORK
DOS REALIDADES A TRAVÉS DEL HIP-HOP Por Sergio A. Ubaldo S.
Desde las culturas más antiguas, la música es un elemento primordial en el quehacer humano, y sirve como puente o enlace entre las naciones, gracias a su idioma universal: la emoción o el sentimiento. En Havanyork, filme de Luciano Larobina, la música no sólo enlaza a dos ciudades, sino también retrata los aspectos sociales de cada una de ellas.
E
l filme de Larobina plantea un discurso rebelde y contestatario de los músicos cubanos y norteamericanos, una reflexión sobre la contracultura y las realidades paralelas que nacen en todo sistema de gobierno. Los Sueños, la familia, el barrio, la ciudad, la vida, la guerra y la política son algunos de los temas que permean su música y nutren la historia. Desde los barrios de la Habana y New York, la cinta registra las reflexiones de los músicos de ambas ciudades, elaboradas en relación a sus raíces, a la evolución del tambor y al alma del hip hop.
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¿Por qué enlazar a La Habana con Nueva York?
Luciano Larobina: Primero por una necesidad personal. Viví mucho tiempo en La Habana, estoy marcado por la africanidad. De alguna manera lo afrocubano se encuentra en todo el paisaje, se respira en el ambiente. Al regresar a La Habana tuve la excusa perfecta para explorar la africanidad, las percusiones, los sonidos. Cuando me fui de la ciudad, en 1995, no existía el hip hop. Justo en el momento de mi partida esta música comenzó a difundirse en La Habana. A mi regreso descubro que el hip hop de
que se hace en La Habana no sólo es una mezcla de lo afrocubano con otros sonidos, sino también una reflexión de las realidades humana, económica y política. Por otro lado, en Nueva York, y en concreto en el barrio del Bronx, nació el hip hop. De ahí el interés de conectar a estas ciudades a través de la música. Hay una conexión común entre las dos ciudades, ambas tienen un pasado cultural afroamericano, marcado por los exilios, la colonia y las raíces musicales. Para ambas ciudades la música significó un método de emancipación de la esclavitud. ¿Cuándo surgió la idea de realizar el documental?
A finales del 2000, pero me tomó realizarlo durante siete u ocho años, aunque comencé a filmar durante el 2002 por la complejidad de editar un documental coral, además de lo accidentado del rodaje. Por ejemplo, después de filmar durante dos años en Cuba, tuve que esperar casi un año para rodar en Nueva York gracias a la negativa de las autoridades norteamericanas. ¿Qué elementos definen la narrativa de Havanyork o las travesías de la historia?
Son elementos prestados, la imagen, las fachadas, la música. El hip hop da rumbo a la película. En Havanyork hay una estética novedosa, una gran experiencia musical a través del cine. Hay una rima interesante que alude al hip hop en la narración de la película, de hecho tiene una construcción similar a la de rap, en cuanto a la forma y la narración. Traté no sólo de hablar de hip hop, la historia comienza con un breve recorrido por La Habana, pero también revela situaciones como los derechos civiles. Además intenté revalorar el hip hop, lejos de la banalidad que involucra temas como
el dinero, la violencia y los desagradables detalles misóginos. El documental aborda el origen del hip hop y su función documentalista, ligada al barrio a las historias reales, y plasma una reflexión sobre el poder de la música, la cual conecta a los seres humanos de todo el mundo. ¿Cuáles son los paralelismos entre La Habana y Nueva York, y al mismo tiempo que situaciones bifurcan el camino entre estas dos ciudades?
Los antagonismos son claros, por lo menos en cuanto a lo económico. Tienes una ciudad (Nueva York) en la que sobra todo, que es la manzana del deseo y donde existe todo lo que podría desear una sociedad de consumo. Por otro lado está la otra ciudad (La Habana) donde no existen este tipo de objetos del deseo, y donde incluso resulta complicado conseguir otros objetos básicos, como un jabón o un shampoo. De entrada hay un serio contraste económico, pero también una diferencia cultural. Existe un pueblo cubano informado, capaz de conocer más acerca de la historia de Nueva York que los mismos neoyorquinos. De igual forma se presenta ciertas coincidencias. Ambas ciudades son dos importantes puertos, son cosmopolitas y tienen una importante tradición musical urbana. También las dos son ciudades muy carismáticas y con mucha chispa. www.stageonemexico.com
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i INTERNACIONAL
{CINE ESPAÑOL}
BAJO LA PIEL DE
ALMODOVAR Y SU FILM: LA PIEL QUE HABITO Por PALOMA CABRERA
Hace unos años, concretamente en el año 1999, llegó a la pantalla Todo sobre mi madre, un filme multipremiado con un guión impecable, una historia sórdida que atrapó desde el inicio. A partir de ese momento el director responsable de tal portento, terminó de consolidar su carrera a nivel internacional y se dio a la tarea de seguir con la fórmula de historias asombrosamente (y sabrosamente) bien contadas. Ahora llega su más reciente trabajo. 12
E
n el marco del 9º Festival Internacional de Cine de Morelia, se presentó con pompa y platillo la última cinta del señor Pedro Almodóvar, La piel que habito (2011), con una alfombra roja que incluía a las protagonistas Marisa Paredes y Elena Anaya. Lo que al parecer no sabe el director español, es que todo tiene una fecha de caducidad, y manejar durante años la misma receta ocasiona que esta cinta huela rancia. Una vez más continúa en el mismo tono que ya a estas alturas parece desgastado. Almodóvar se rehúsa dejar esa zona de confort y en esta película lleva las cosas a un extremo que las vuelve inverosímiles. Se ha presentado la historia como un thriller, pero la verdad es que está lejos de entrar a esa categoría, no mantiene el suspenso ni los elementos de aquel género; en lugar de eso conforme avanza la historia, ésta se va tornando cada vez más truculenta al mero estilo “Almodovariano”, pero sin el encanto y un guión conciso otras ocasiones. Por supuesto sus capacidades para dirigir actores no se las quita nadie, Antonio Ban-
deras y las ya mencionadas Marisa Paredes y Elena Anaya hacen buenas actuaciones. Y sí, maneja una factura impecable, siempre utilizando una psicología y una carga de colores muy importante; una semiótica digna de analizarse.
A BUSCAR UNA NUEVA PIEL Almodóvar recuerda a esas bandas de rock, cuyo nombre no mencionaré, que en alguna ocasión fueron contestatarias, creativas, una imagen para muchas generaciones, perro que ahora son viejos y manejan un doble discurso. El director en algún momento fue transgresor y arriesgado, una especie de ícono del cine post modernista y de una España que despertaba, pero luego de hacer lo mismo una y otra vez, utilizando los mismos recursos durante más de diez años, la revolución se termina y el encasillamiento parece inevitable. Si hubiera sido la película de otro director, tal vez y sólo tal vez se hubiera tenido menos problema (a pesar de que el guión es poco determinado), aquí la cuestión es Almodóvar, rebajando su calidad al contar historias y reciclándose una vez más. Renovarse o morir dice la frase; porque no es lo mismo Todo sobre mi madre que diez años después. www.stageonemexico.com
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i INTERNACIONAL
{CINE FRANCÉS}
LOS ROMPECORAZONES
DILEMA DE AMOR A LA FRANCESA Por Sergio A. Ubaldo S.
Existe el mito de que el cine francés sólo se encarga de aportar profundas reflexiones humanas, basadas en su tradición de cine autor. No obstante y gracias a atractivos festivales de cine, como el Tour de Cine Francés, se puede apreciar de esa variedad de géneros, tal y como en las épocas glorias la Pathé o la Gaumont en las primeras década del gran cine industrial galo.
L
’arnacoeur, o también conocido como Los rompecorazones, filme realizado por Pascal Chaumeil, es un buen ejemplo de ese cine de géneros de gran factura. Pese a su sencillez, este híbrido de comedia romántica-acciónespionaje, es capaz de sobrepasar la banalidad y el chiste de mal gusto. Gracias a su fluidez narrativa y un buen soporte actoral, encabezado por Romain Duris, Vanessa Paradis, Julie Ferrier y François Damiens, esta cinta es capaz de desarrollar una entretenida anécdota romántica, Los rompecorazones cuenta la historia de un grupo de profesionales integrado por Alex Lippi (Duris), su hermana Melanie (Ferrier) y su cuñado Marc (Damiens), quienes ayudan a las mujeres, con el sui generis método
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de romper su relación, la cual según amigos o familiares se presume tan espinosa que tiene en una situación desgraciada. Con un minucioso trabajo de investigación y caracterización, Alex enamora a las mujeres, para después liberarlas y darles así otra visión del mundo. No obstante, la situación se complica cuando el líder del grupo conoce a Juliette Van Der Becq (Paradis), la mujer que lo hará ver su suerte. Humor fino, atractivos escenarios naturales y estrambóticas secuencias, son algunos de los recursos de los que se vale Chaumeil para realizar un buen retrato del amor, el rompimiento, la amistad, la fidelidad y hasta la lealtad. Un filme que sin duda dejará una sonrisa o un buen sabor de boca en más de un espectador.
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i INTERNACIONAL
{ESTADOS UNIDOS}
EL ÁRBOL DE LA VIDA,
LAS RAICES DEL TIEMPO. Por Sergio A. Ubaldo S.
Terrence Malick no es uno de esos realizadores comunes y corrientes. Entre cada uno de sus filmes hay un espacio bastante marcado. Quizá ese lapso de tiempo le sirva para reflexionar sobre su visión no sólo del cine, sino también de la vida.
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T
ras una apoteósica revisión del cine bélico, como La delgada línea roja (1998), y su particular sobre el choque de culturas en Nuevo Mundo (2005), El árbol de la vida significa el regreso del realizador norteamericano a la pantalla grande. Un lustro ha valido la pena, Malick construye una cinta lejos de la visión hollywoodense habitual, con saltos narrativos, con un montaje caótico, secuencias repletas de metáforas. La película, protagonizada por Brad Pitt, Sean Penn y Jessica Chastain, aborda la historia del fallecimiento de uno de los hijos de un matrimonio y como la pérdida de este afecta los
destinos de cada uno de los miembros de la familia. A través del padre autoritario y represor (Pitt), la madre (Chastain) con una fuerza y ternura entrañables, y un hijo mayor resentido y melancólico, el realizador y también guionista, muestra un universo onírico. La bella propuesta visual del talentoso cinefotógrafo Emmanuel Lubezki, repleta de claroscuros y espacios verdes y ocres, contrastan con las atmósferas densas que surgen desde la conversación interna de cada personaje. Malick va sin temor hacia las raíces de los recuerdos de los protagonistas, sin miedo a encontrar lados oscuros o anécdotas dolorosas. Al mismo tiempo cuestio-
na no sólo la fe de los tres ejes de la película, sino también el dilema de la vida. Con una narrativa estrambótica, Malick pone en la balanza la muerte, el dolor, la religión, la espiritualidad y hasta el amor en todos sus contextos. Por otro lado, a pesar a los vacíos narrativos, la cinta logra darle al silencio cierta funcionalidad y presencia. En cuanto al desempeño actoral, Pitt, Chastain y Penn, tiene una buena participación, sin embargo destaca la actuación del joven actor Hunter McCracken, quien personifica al hijo mayor en su etapa adolescente. En su filme Terrence Malick aporta un entrañable retrato sobre la vida, ese delicioso salto al vacío.
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ANIMACIÓN
{ENTREVISTA}
LA LEYENDA DE
LA LLORONA ENTREVISTA CON EL DIRECTOR. Por JUAN CORTÉS
Después de dos años de trabajo, el realizador Alberto “El Chino” Rodríguez, entrega su más reciente trabajo, una cinta que pese a las dificultades que representa hacer animación en México, apuesta por el talento y la continuidad. Se trata de un concepto que mezcla humor y fantasía, para presentarse como un divertido cuento de terror para niños y para no tan niños.
L
a leyenda de la llorona, que de forma muy conveniente, se estrena en plena temporada de festejos de “Dís de muertos”, sorteando el verano cinematográfico plagado de blockbusters que se apoderan de la taquilla, se trata de una producción de Anima Estudios que sin duda supera en todos los sentidos a su predecesora, La leyenda de la Nahuala. Hace unos días, tuvimos oportunidad de platicar con el director. “La leyenda de la llo-
rona comienza donde termina 18
La Leyenda de la Llorona estrenó con excelentes resultados en taquilla convirtiéndose en la segunda película mexicana de animación más taquillera en lo que va del año. estrenó con 225 copias alcanzando una taquilla de $8, 445,956.00, ha sido vista al día de hoy por más de 200 mil asistentes
la Leyenda de la Nahuala, arranca con el viaje en globo, cuando van llegando a Xochimilco y una tormenta los toma por sorpresa separando al equipo integrado por Don Andrés, Alebrije, Las calaveritas de azúcar, y el protagonista principal que es Leo San Juan. A este último es a quien se le encomienda acabar con el espectro de la llorona, que atormenta por las noches a la población. Esto le llevará a crear nuevos lazos de amistad, principalmente con Kika, una niña que pese a ser habitante del lugar, tiene un personalidad con muchos toques urbanos”
Es evidente que esta nueva cinta, supera en casi todos los sentidos a su predecesora, y esto se debe que así como el señor Rodríguez adquiere más
a que el director no quería que se perdiera esa esencia de la madre en un una sociedad occidental como la nuestra. En este sentido Emi Hernández, se lleva gran parte del mérito, ya que logró captar la esencia del legendario espectro, para luego adoptarla al contexto actual, convirtiéndola en una especie de arquetipo cultural, tomando como referencias la leyenda que se cuenta en las costas del estado de Guerrero. “La llorona ha sobrevivido invasiones, guerras, revoluciones, independencias ¡Todo! y seguirá sobreviviéndonos; es por eso que decidí que esta fuera una versión más amable, más moderna, pero sobre todo muy cercana a la tradición mexicana”.
experiencia con el paso del tiempo, también Anima Estudios, quienes son su productora de cabecera y están cumpliendo su décimo aniversario. “Mejoramos mucho desde la producción de La leyenda de la Nahuala, esa la hicimos hace cinco años y desde entonces han pasado muchas cosas en el mundo de la animación. Por eso quisimos redefinir y reestructurar los personajes, hacerlos un poco más grandes, crecerlos ¡Darles más vida! No estamos en contra de los diseños anteriores, simplemente queríamos evolucionar, creo que el público se merece que haya un celo y un trabajo hacia lo que se le está presentando en la pantalla”
Afirmo el director. Así que el primer reto al que se enfrento el equipo de trabajo, fue a la realización del personaje de “La llorona” debido
Pese a todo lo anterior, es importante señalar que en lo que se refiere a la taquilla, La leyenda de la llorona enfrenta un antecedente importante, ya que su antecesora recaudó la no tan despreciable cantidad de 63 millones de pesos, cifra que según Rodríguez, pretenden superar. “Contamos entre otras cosas, con el hecho de que La llorona está viva, razón por la que al público setirá curiosidad, y se dará la oportunidad de ver la cinta”
Todos sabemos la situación tan difícil que vive la industria nacional, por lo cual es un alivio saber que las casas productoras siguen trabajando y cipntra todo pronóstico sacan a corrida comercial sus proyectos. Sin duda, la leyenda más fascinante del México fantástico, sufre un proceso de resurrección y regresa en compañía de personajes que ya se habían ganado el corazón del público, entre ellos el desenfadado Alebrije, cuya voz por cierto, es la de Rafael Inclán, otra razón más asistir a disfrutar de esta nueva oferta de animación con el sello de Hecho en México. www.stageonemexico.com
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ANIMACIÓN
{CREATIVIDAD}
LA REVOLUCIÓN DE
JUAN ESCOPETA LA ANIMACIÓN MEXICANA RECLAMA SU LUGAR Por JESÚS CHAVARRÍA “CINEPHILUS”
El 2011 ha terminado por convertirse en una año clave para el cine mexicano de animación y es que luego de una gran cantidad de intentos fallidos, con alguno que otro golpe aislado en la taquilla, parece estar encontrando la identidad y continuidad necesaria para consolidarse. Uno de los ejemplos más claros es este drama revolucionario que va más allá del entretenimiento y ofrece un discurso reflexivo y algo evocador.
L
a historia nos ubica en plena época revolucionaria, teniendo como protagonista a un niño que de forma prematura se ve obligado a enfrentar como un hombre, una realidad convulsionada por los conflictos sociales. Ante tan desolador panorama, el chico emprende un viaje para reencontrarse con su hermano, quien se ha convertido en una figura legendaria. En el camino tendrá que sobreponerse a la perdida y a la traición, pero sobretodo, entenderá lo que implica hacer lo correcto y lo importante de mantener viva la esperanza de un pueblo necesitado de héroes. Su director, Jorge A. Estrada, nos habla un poco más de lo que es su opera prima. 20
“Es el viaje de iniciación de un niño que vive
en la tapa más confusa de la Revolución mexicana. La trama de la cinta se ubica en 1914, cuando ya no se tenía claro quienes luchan contra quienes, se confundían los buenos y malos. Él hace el trayecto del héroe, partiendo de su pueblo que es Mineral de la Luz en Guanajuato, hasta llegar a Torreón, en dónde está escondido su hermano. Una oferta diferente, quise alejarme de lo que antes se había hecho en Animex, e ir por caminos muy emotivos, que esperamos le guste a la gente.”
Al ver la película, la referencia obligada es el cine mexicano revolucionario, pero esta no fue su principal fuente de inspiración. “Cuando comencé a escribir la histo-
ria, más que ver cine, estuve leyendo mucho. Me empape del sabor de aquellos años, leyendo novelas y cuentos de los que fueron los grandes escritores de la Revolución, gente como Mariano Azuela, Nellie Campobello, Rafael Muñoz. Fue así como decidí ubicarla en un pueblo minero.” “No quise que la animación fuera demasiado caricaturesca, quería que fuera mucho más cercana a las emociones reales de los personajes, y eso se nota incluso en las dimensiones de cada uno de ellos, tratamos de que fueran muy cercanas a las proporciones de un ser humano. Es por esta razón que trabajé primero las voces con los actores y luego, cuando ya teníamos lo que podríamos llamar una larga radionovela, la usamos como base para crear a los personajes animados”
Hubo que realizar entonces un arduo trabajo en cuanto al diseño “Pasamos mucho tiempo trabajando
con los bocetos, tuvimos que hacer muchas pruebas con cada uno de los personajes principales y luego que estuvo definido, igualarlos a todos para que pertenecieran al mismo universo”
El resultado además ofrece un ambiente enrarecido, uno que incluso llega a parecer inquietante.
“Eso es lo que la hace diferente y tiene que ver con que es muy cercana a las emociones reales, la animación se trabajó sobre una propuesta terminada de los actores, quienes tuvieron toda la libertad para trabajar los diálogos. Además esto también obedece a que lejanamente quise retomar el sabor de los relatos de Juan Rulfo, sobre todo en la secuencia en dónde aparece la monja. Ella vive en un pueblo casi fantasmal, que solo está habitado por ella y por perros. Es enigmática y extraña.”
Todo además fue reforzado por los sonidos orgánicos de las composiciones originales de Jorge Calleja. Para su ejecución solo se utilizaron instrumentos de la época y corrió a cargo de la Orquesta Filarmónica de Toluca. “Por eso resulta una propuesta musical muy viva, nada que ver con la frialdad que posiblemente nos hubiera dado el usar un sintetizador.”
Al escuchar hablar a Jorge A. Estrada, podemos darnos cuenta que se trata de un realizador que a la hora de hacer La Revolución de Juan Escopeta, tenía muy claro que lo importante era poner la animación al servicio de una buena historia, por lo que el resultado es una cinta entrañable y cuya sencillez es su principal virtud.
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ANIMACIÓN
{PROTAGONISTAS}
LA VOZ DE
DOLORES HEREDIA EN LA REVOLUCIÓN DE JUAN ESCOPETA, SU PRIMERA PELÍCULA ANIMADA
Por JESÚS CHAVARRÍA “CINEPHILUS”
Para seleccionar a los responsables de hacer las voces de la película La Revolución de Juan Escopeta, se buscó a los actores que hubieran sido los ideales para encarnar a los personajes, si se hubiera tratado de un proyecto en Live-action. Al ser un concepto con una gran carga emocional, no sorprende que se incluyera a alguien como la talentosa Dolores Heredia, quien a pesar de contar con una larga trayectoria, es la primera vez que participa en una cinta animada. “Siempre quise participar en una película de animación y en este caso me fue doblemente atractivo porque me encantó la idea de contar lo que fue la Revolución mexicana, pero desde el punto de vista de un niño. Me resultó enternecedor explorar como se desarrolla en esta etapa de su crecimiento un varón, algo que es completamente distinto a lo viven las niñas.”
En este caso, Dolores interpreta a la madre de Gapo, el niño protagonista. Una mujer muy en el estilo de los arquetipos del cine mexicano de la época de oro. “Ella es una mujer amorosa que confía en el niño, pero que también sabe poner límites. Es la figura más fuerte en su vida y la que le transmite los valores que lo guían. Lo bueno que hay en él, ella se lo ha dado y es en base a eso que toma las decisiones” Esto es parte del mensaje que se qui22
ere transmitir en la película.
“Si, mira, a todos los niños les gusta jugar con pistolas. Ahorita recuerdo que tengo una foto del mercado de Tepoztlán, en dónde se ve a un niño junto a un puesto de juguetes, hay canicas, sirenas y cosas así, pero él sostiene una pistola de plástico. Su mirada es triste, seguramente estaba hambriento. Es el juego de siempre, a todos los niños les gusta jugar con pistolas. Yo te puedo decir que en mi casa no entra ninguna arma, ni de juguete, ni de salva, ninguna. Si todos los niños pudieran decir no a la violencia, y tiraran las pistolas, así como lo hace Gapo en la película, podríamos empezar a cambiar las cosas, el mundo podría estar mejor”
Esta es una de las principales razones para ir a ver La Revolución de Juan Escopeta, por que más allá de que logra una propuesta visual interesante, tiene una historia conmovedora, con un discurso reflexivo y profundo. En palabras de Dolores…
“Cumple con todos los requisitos de una producción para niños. Es divertida, enternecedora y además, toca temas que es importante que conozcan”
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ANIMACIÓN
{FESTIVALES}
REGRESA
CUTOUT FEST EL PRIMER FESTIVAL DE ANIMACIÓN EN MÉXICO Por ULISES SANTAMARÍA IMÁGENES: CUTOUT FEST
La escena de la animación en México está creciendo, lo que habla del posible desarrollo de una industria nacional con proyección en el extranjero. CutOut Fest, Festival Internacional de Cortometrajes de Animación, es un espacio que a tres años de haber iniciado actividades se ha convertido en el festival independiente de mayor importancia de este género en el País.
Convocatoria 2011
sube el nivel de participación y la calidad de los contenidos. La respuesta a la convocatoria del Festival ha incrementado de manera exponencial, dando confianza a artistas de distintas partes del mundo para compartir su trabajo con nosotros. 281 Cortometrajes inscritos de 46 países, es el resultado de este año, de estos sólo 78 formarán parte de la Selección Oficial 2011, los cuales pasaran el último filtro a cargo de nuestro jurado integrado por Adriana Arriaga Fernández (Ollin Estudio & Toloache.tv), Anita Killi (Trollfilms), Jan Nagel (Women In Animation International), Theodor Ushev (3D Facing Champlain) y TJ Galda (Electronic Arts); quienes deliberarán quiénes serán los ganadores de esta edición.
#COF2011
CutOut Fest 2011 será un espacio enriquecido; público, artistas y las sedes del Festival, propiciarán un diálogo en donde los intereses de todos permitirán al Festival consolidarse como ese escaparate y punto de encuentro en donde todos podremos aportar al desarrollo de esta escena. Para todos los usuarios de Twitter, les recordamos que este año el hashtag de CutOut Fest 24
será #COF2011, ¡úsenlo! tenemos varias dinámicas y sorpresas preparadas para esta edición en nuestras redes.
Canadá; País invitado
Canadá se ha destacado por contribuir al desarrollo de la tecnología y métodos para crear productos animados y efectos especiales. Desde 1939, con el nacimiento de la National Film Board of Canada, su gobierno ha promovido e impulsando la creación nacional. Referente obligado de la producción audiovisual, este año Canadá nos honrará con su presencia.
Proyecciones, conferencias,
talleres y exposiciones Además de la Selección Oficial 2011, las proyecciones incluirán: Retrospectiva Alemana, con lo más representativo de la animación germana; presentaciones con lo más destacado de la producción canadiense, así como una selección del Festival Internacional de Animación de Ottawa. También tendremos la participación de los festivales Playgrounds Audiovisual Arts Festival y Stuttgart Festival of Animated
Film, de Holanda y Alemania respectivamente, así como la muestra del colectivo Bare Bones con base en Londres y Berlín, permitiéndonos conocer el trabajo y la visión de artistas en otras latitudes. La Vancouver Film School, una de las instituciones con mayor prestigio en el continente americano, nos hará llegar sus piezas más sobresalientes. Hecho en México, nos presentará el trabajo de las animadoras mexicanas; Muestra B-Sides, dará espacio a cortometrajes fuera de Selección pero con un toque muy especial; La Muestra Recreo, será un espacio que acerque a los pequeños a historias y formatos que ofrecen una opción diferente frente a las producciones comerciales. Resonance, pieza colectiva a cargo de 30 estudios audiovisuales, nos mostrará narrativas innovadoras dentro del discurso audiovisual actual. La Muestra View Monster, selección con lo más innovador de la animación en los últimos años, complementará las proyecciones de este año. Además, tendremos proyecciones al Aire Libre en plazas públicas en Querétaro y Tequisquiapan. Los talleres son otro atractivo que han enriquecido el espíritu del Festival, permitiendo a los asistentes convivir y adquirir conocimiento de quienes hoy en día, son parte esencial de la animación mundial. TokyoPlastic, ganadores en la categoría de cine en línea del Festival Sundance, impartirán el taller de Work in Progress. Salvador Herrera, animador mexicano con reconocimiento internacional y miembro del colectivo Diez y Media, dará el taller de ani-
mación. En la parte de audio, el estudio MCO de la ciudad de México estará a cargo del taller de Diseño Sonoro. Para los interesados en proyectos multimedia, la agencia digital mexicana Hot Pixel dará el taller de Introducción a Processing. Fernando Gil, compartirá sus conocimientos con jóvenes entre los 16 y 20 años, a qjuienes les mostrará las etapas para realizar una animación. El taller para niños impartido por la empresa Toon Boom, abrirá la puerta a los nuevos talentos de la animación nacional. En la barra de conferencias nuestros invitados serán; Fluorescent Hill, Theodor Ushev, Julia Pott, David O’Reilly, Matt Lambert, TokyoPlastic, Festival Mórbido, Ánima Estudios, Hot Pixel, Autodesk, Aniamead, El Bloque, Toon Boom; además habrá espacios para temas como Derechos de Autor, Videojuegos y Doblaje. La Clase Magistral de este año correrá a cargo de Cornado Xalabarder de España, quien hablará sobre la importancia de la Banda Sonora en la construcción de una pieza audiovisual. La edición 2011 del Festival Internacional de Cortometrajes de Animación será una experiencia única; la cita para ser parte de nuestra celebración a la animación y sus artes asociadas es en Querétaro los días 10, 11 y 12 de noviembre. CutOut Fest es un evento totalmente gratuito www.stageonemexico.com
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p PROTAGONISTAS
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JOAQUÍN COSÍO
UN DIABLO DE PASTORELA
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Por Jesús Chavarría
asta hace muy poco tiempo, aún podía deambular por los festivales de cine sin que se arremolinara la gente a su alrededor. Si había quienes le reconocían, pero muy pocos se dirigían a él, salvo alguno que otro osado, que arriesgándose a que algo de los papeles que ha interpretado Joaquín, fuera parte de su verdadera personalidad, le gritaba ¡Mascarita! Algo que dicho personaje, no hubiera soportado. Solo fue cuestión que se estrenará la cinta más reciente de Luis Estrada, para que toda la gente comenzara a voltear a verlo y corrieran para pedirle un autógrafo. El “Cochiloco”, caló hondo en el colectivo popular y si ya de por sí el actor de origen Chihuahuense, era uno de los más solicitados, pues ahora con mucho más razón. Sin embargo, más allá de estos dos populares personajes, pertenecientes a las cintas Matando Cabos (México, 2004) y El infierno (México, 2010) respectivamente, Joaquín Cosío ha demostrado su capacidad y eficacia en diversas ocasiones, incluso dentro del campo del cine de animación. Tal es el caso de la cinta norteamericana Rango (Estados Unidos, 2011), en dónde prestó su voz a la víbora Jake, y de la producción mexicana próxima a estrenarse, La Revolución de Juan Escopeta (2011), en dónde hace al personaje del título. Pero si de personajes celebres se trata, Joaquín es especialista y ya tiene listo uno más, el antagonista de la nueva cinta de Emilio Portes, Pastorela (México, 2011. En ella interpreta a Chucho, un irascible y tramposo judicial que está obsesionado con seguir interpretando un personaje en la pastorela del barrio. De nueva cuenta es una comedia de humor negro la que le abre las puertas para consolidarse como uno de los actores favoritos del público mexicano, amén de que ya algunas vez anduvo en territorio internacional, como ciando se puso bajo la piel de el General Medrano en 007 Quantum of Solace (Reino Unido, 2008).
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LALO ESPANA
¿UN PORBRE DIABLO?, ¡PARA NADA!
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Por Jesús Chavarría
ás conocido por su ya célebre personaje de Doña Margara Francisca, este tapatío ha logrado hacerse de un lugar dentro del cine mexicano, despojándose poco a poco de esa inadecuada etiqueta que le catalogaba solo como un actor de televisión. Y es que pese a que Eduardo España, cuenta con una buena trayectoria teatral, a la hora de llegar a la pantalla grande, siempre estaba presente la estela de sus pariciones en programas como el de Otro Rollo de Adal Ramones, estereotipándole irremediablemente. Pero eso ya puede considerarse como cosa del pasado, luego de sus atinadas participaciones en cintas como Asesino en serio (México, 2002), en dónde compartió créditos con Jesús Ochoa y Santiago Segura; ahora tiene dos estupendas producciones en puerta, curiosamente, ambas de humor negro. Una de ellas es Fecha de Caducidad, dirigida por Kenya Márquez y que tuvo un gran recibimiento en el pasado Festival Internacional de Cine de Morelia. La otra es ni más ni menos que Pastorela (México, 2011), disparatada comedia negra en dónde su personaje queda atrapado en medio de la lucha de egos entre el nuevo párroco de la iglesia y su compadre Chucho, un agente judicial resentido por que fue despojado del papel de diablo en la pastorela de la iglesia. No cabe duda que es en estos terrenos que Eduardo España logra sus mejores momentos, en este caso entre diablos callejeros, ángeles en patrullas, zombis y sacerdotes poseídos.
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CINE NACIONAL
{ESTRENOS}
LO QUE EL AMOR UNE,
EL PECADO LO SEPARE TEQUILA, HISTORIA DE UNA PASIÓN Por JAIME RIVAS
IMÁGENES: UNIVERSAL PICTURES
Un gran drama de amor llega a la pantalla grande este 4 de noviembre, “Tequila: Historia de una Pasión” es una tierra llena de espinas que parece proteger un secreto, es un lugar donde el honor lo es todo, pero para Antonio un joven hacendado, eso parece no importarle, amante de Lola, la mujer de su tío Vicente quien parece pudo haber entregado todo por su sobrino. 30
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LITE STUDIOS comenzó este proyecto en el 2006, originalmente se trataba de un proyecto pequeño que a lo largo del tiempo fue creciendo en visión y escala hasta que en el 2008, OPEN WINDOW FILMS se une al proyecto e inician el rodaje. Ambientada en la década de 1940, en la ciudad de Tequila en el Estado de Jalisco; esta cinta nos narra una historia de amor entre agaves e intrigas que involucran a todo un pueblo que será testigo de un enlace desgarrador. Con una actuación sobria y siempre profesional, Angélica Aragón (Remedios) fue la primera actriz en subirse al proyecto, otro excelente actor es Salvador Sánchez (Vicente) y Daniela Schmidt (Lola) que con su propuesta lograron no únicamente quedarse inmediata-
mente con los papeles, sino que lograron aportar un punto de vista refrescante que cambió la percepción. Dos años de desarrollo le sirvieron al director para darle otro tratamiento a la historia, realizar cambios sustanciales a la trama y seleccionar al personaje de Antonio, el cual fue cambiando de rostro conforme cambiaba la historia hasta que por fin se encontró al protagonista, el joven actor español Unax Ugalde, un actor europeo interpretando un pícaro mexicano de la década de los 40, además de su indiscutible talento, es amante de grandes retos y así lograr un perfecto trio de actuaciones, engaños y desamores. El proyecto de la película, demandaba una música grande, había que apoyar emociones muy fuertes y eso los llevo a pensar en un compositor capaz de manejar y retratar esas emociones con una dotación sinfónica, en ese momento se unió al proyecto Carlo Siliotto, compositor italiano que conocía bien los timbres de la música mexicana y es además un gran director sinfónico; el objetivo era una música dramática, enorme, pero que al mismo tiempo que empleara instrumentos mexicanos como la vihuela o el guitarrón del mariachi, que le aportara denominación de origen, e identidad. Una vez completado el equipo, había que encontrar las condiciones optimas para grabar en México dicho soundtrack. La tarea era difícil se trataba de localizar un estudio de grabación donde hubiera un espacio para tal cantidad de músicos, es decir más de 50, una filarmónica completa; al mismo
tiempo se requería un equipo muy difícil de encontrar, con el que se pudiera en términos de ingeniería de Audio, capturar con fidelidad de primer mundo la música compuesta por Siliotto. Así llegaron al casi recién inaugurado BOSS Audio Studio en la ciudad de Querétaro. Una perfecta producción tenía que estar igualmente vestida, por eso el diseño de vestuario fue realizado por Atzin Hernández el cual se impulsó en la investigación histórica de ese momento para la realización de vestuario, inspirado por la fortaleza que en esa época tomaba la mujer con la imagen de “Adelita” se logró integrar entre rebozos, faldas por debajo de la rodilla y encajes el diseño del elenco femenil, principalmente de Lola. Antonio fue inspirado por tendencias de la moda europea, con traje en tres piezas con sombrero de calle, chaqueta de piel y botas de montar. Vicente muestra una casaca tipo Carrancista con el cual proyecta la fortaleza de un ex militar. Entre varios retos, uno de los más importantes a mencionar fue el cuidado que se tuvo con los materiales utilizados en el diseño, ya que se buscó que fueran acordes con la época. Finalmente la composición de color y texturas logradas dan como resultado un vestuario completo para contar esta linda historia en todo su entorno, música, actores, escenarios que veremos reflejados este noviembre en la pantalla grande. www.stageonemexico.com
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INTROSPECTIVA
Martha Claudia Moreno ACTRIZ
“La vida siempre te seduce. Se hace la difícil, se pone rejega, te pone piedras, te abandona a ratos y cuando crees que ya no tiene sentido...¡Zaz! se saca el As bajo la manga para resignificarla y caer rendida de amor.” De niña soñaba con tener una perla o un diamante en la frente, era lo chic en los cuentos de hadas que leía de niña, - la hermosa princesa nació con un diamante en forma de estrella en la frente- Eso y tener un ojo en mi dedo índice, eso lo leí en un cuento de mi libro de texto de primaria, un ojo en el dedo , así no tendría que agacharme a buscar las cosas debajo de la cama! con bajar la mano sería suficiente. ¡Que susto que se me hubiera cum-plido! ¡Ahora seguramente viviría en un laboratorio secreto de la NASA ! Mi inspiración esta en la observación y aprehensión de la vida, de lo mas simple y cotidiano hasta lo mas sofisticado y rebuscado. Todo me sirve, ¡todo! ¡En mi cerebro tengo un apartado que parece bazar de pulgas! Lleno de todo eso, se que en su momento cada cosa que tomo y me llega servirá para ser utilizado en la ficción. Amo cuando rio y la gente que esta cerca de mi ríe, me gusta reírme hasta las lagrimas, hasta que me duelan los músculos del estomago que ni siquiera se que tengo! Una de las cosas mas hermosas que me ha dicho mi hija es: ¡mamá hazme reír!
La frase más presente en mi vida es: -en la vida siempre te toca una cucharada de mierda, solo ay que estar alerta, es solo una... ¡no vaya a ser que le agarres el gusto!32
Nunca creí que pisaría un escenario y mucho menos un set de cine profesionalmente, cuando estaba en la carrera era muy tímida y me paralizaban los ejercicios de actuación. Mi primer maestro de actuación siempre contaba diez alumnos, cuando en realidad éramos once y yo daba por echo que el numero once era yo. Soy de las que fui paso a pasito, cada avance ha sido así en mi carrera, pian pianito, como un striptease del alma.
Soy muy obsesiva, curiosa, melancólica, cursi, estridente, aprehensiva, ansiosa, dormilona y simplona! La gente me dice que les doy miedo, yo creo que mas bien de entrada les caigo mal, que tengo una expresión muy dura y parezco muy mamona. Tengo un sentido del humor muy ácido y sarcástico, medio bizarro y creo que algunas personas se espantan. Otras veces, soy muy boba y me rió de cosas que luego nadie entiende o no les parece gracioso, sin embargo les da risa mi risa y se contagian, al final a la gente dice o que soy muy mamona o que soy muy payasa (payasa de nariz roja y zapatotes).
El león cobarde de la obra teatral EXIT (teatro fast food) fue el personaje que más he gozado interpretar últimamente, porque en el reconozco una síntesis de mi búsqueda personal como actriz. En la construcción de este personaje saqué del baúl muchas lecciones y experiencias adquiridas a lo largo de mi carrera y es un personaje que se me siguió revelando en cada función.
A Martha Claudia Moreno la hemos visto en decenas de puestas teatrales, en series como Soy tu fan, pel铆culas como !Voy a explotar! y Drama Mex, pr贸ximamente la podremos disfrutar en la tercera temporada de Capadocia por HBO Foto: Aldo Dowerman www.stageonemexico.com
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INTROSPECTIVA
José Luis Gutierrez Arias director
“El primer día que pisé el set de mi primera película, fue como cualquier día. Pensé que iba a chillar o me daría chorrillo, pero no.” Creo que la obra maestra del cine es cualquier película donde actuó Marcello Mastroianni porque amaba el set, se nota en cada fotograma.
Trabajando con Emma Suárez en “Todos los días son tuyos” me pasó la mejor experiencia profesional y personal. Es una gran dama en todos los sentidos Cuando les dije a mis padres que iba a estudiar medicina o historia, se pusieron tristes. Siempre quisieron que todos mis hermanos nos dedicáramos a la música o al canto. No sé si el cine haya llenado sus expectativas.
Estando detrás de la cámara me di cuenta que mi lugar está detrás de un monitor o a lo mucho, de un viewfinder.
Al dirigir “Abril y Mayo” tuve la mejor experiencia como director a la fecha. Espero que vengan mejores.
Cada vez que te paras frente a un chico que quiere ser cineasta le digo (Si me Odio cuando se pondera el dinero a la calidad, a pesar de la mediocridad. Como el final de la nueva pregunta) que no lo deje si realmente le versión de “Marcelino, Pan y Vino”. apasiona y lo disfruta; si lo empieza a sufrir le aconsejo que salga corriendo. Hay cosas más importantes en la vida. Quien sabe que se metió aquel que dijo que el Escribir un guión me aísla de todo y de cine es mejor que la vida. todos, para bien y para mal. Leer a Roland Barthes cambió mi forma de entender la narración audiovisual. Mi mayores vicios son escribir, viajar, enamorarme, el café, el cine y el alcohol. En ese orden.
Algunas veces los actores no pueden ocultar su desamparo. Cada vez que me levanto escribo, aunque esté crudísimo.
José Luis Gutiérrez Arias es la persona más mentirosa que conozco.
Cuando estudiaba en el CUEC descubrí que el verdadero cine no es, ni remotamente, glamoroso. 34
José Luis Guitiérrez Arias es el responsable de la nueva versión de Marcelino Pan y Vino estrenada en 2010. También ha dirigilo películas como “Todos los días son tuyos” y “Abril y Mayo”. Actualmente prepara su serie de tv “Rhina en Nueva York”
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INTROSPECTIVA
Minerva Valenzuela actriz y cabaretera
“Me convertí en cabaretera porque me llevo muy mal con la
cuarta pared. No nos soportamos.”
El día que me subí al escenario por primera vez, dije de aquí soy. Aunque ya había hecho una obra en el kínder en la que salía de ratona y comía queso real, como fue al ras del suelo, no la cuento como la primera vez. No puedo evitar seguir usando la expresión “¡Qué padre!”, pero cada vez que la uso, corrijo y busco otra alternativa como “¡Qué chicles!” Tú sabes el patriarcado, el machismo…
La marcha de las putas era necesaria.
A la inmensa mayoría de las personas que asistimos, nos habían enseñado a que “de eso no se habla”. Aprendimos a no decir nada ante el acoso sexual diario; y salir a marchar nos abrió la puertita secreta que, en el mejor de los casos, ya no se podrá cerrar.
Una vez en el Teatro del Pueblo, yo era la presentadora y a la mitad de lo que se estaba presentando (que usaba un proyector) el proyector falló y el escenario quedó sin acción. Jesusa Rodríguez me empujó al escenario y me dijo: “¡Vas!” ¿Qué aprendí? TODO. Ahora salir al escenario sin estar segura de lo que va a pasar es de lo que más me gusta.
3 consejos para ser buena cabaretera: Tener la necesidad vital de serlo. Lo demás, esa misma necesidad lo va dictando.
Trabajando en escuelas privadas durante 15 años me pasó que entendí que el sistema quiere niñ@s obedientes. Y renuncié.
En un camerino de características poco convencionales, como un panteón, una bodega de costales de tierra, un granero, o detrás de un árbol ancho, SÍ es posible ponerse pestañas postizas y salir a cabaretear.
Actualmente regreso al tiempo de no tener beca. Fue bello mientras duró. Fue importante tomar clases y comprar la producción necesaria para los espectáculos; tener la posibilidad de comprar lo necesario para la producción y no tener que remendar mucho las medias de red.
En el cabaret sembramos dolor y cosechamos risas.
He hecho papeles (personajes) que usan barba de candado, gracias a Dios.
Una mujer… dos mujeres… siete mujeres… noventa y tres mujeres… veinticinco mil mujeres… cuatrocientos millones de mujeres… Todas las mujeres, todos los derechos, todos los días. 36
Creo que el proyecto de nación que propone Andrés Manuel López Obrador es magnífico porque lo conozco. Ojalá más gente lo conociera.
Minerva Valenzuela es una de las actrices de cabaret más activas de México, su trabajo nó solo está sobre el escenario, es una firme activista social y política en pro de los derechos de las mujeres y en contra de acoso sexual. Es reponsable de “La marcha de las putas”, manifestación pro- equidad en la Ciudád de México
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ESPECIAL
4 FANTÁSTICAS LAS
Cabaret -DEL-
Ficheando con Las Reinas Chulas tras bambalinas texto y fotos de aldo ortiz-reyes
En los últimos años el teatro cabaret
ha ido recobrando la fuerza que en algún tiempo se creía perdida, y esto se debe en gran parte a 4 mujeres llamadas “Las Reinas Chulas”, artistas e intelectuales, que llevaron el cabaret a su propia casa, lo mimaron, le dieron de comer y luego se casarón con él, usándolo como estandarte de humor, lucha social y crítica política. Aprendieron de los grandes del género como Jesusa Rodríguez y Tito Vasconcelos; combinaron sus esfuerzos para montar más de 40 espectáculos en los últimos años, como: “Código Shakespeare”, “La banda de las Recodas”, “Like a Virgin”, “Coopelas o cuello”, “Petróleo en la sangre”, “Mujeres con cecina” y muchas más. Actualmente interpretan “El Coronel no entiende aunque le escriban”, una crítica social durísima en contra del producto mercadológico de las televisoras y la política mexicana. Responsables y dueñas del Teatro Bar El Vicio, lugar donde se han presentado artistas, cantantes y musicos de talla internacional. Controvertidas, divertidas y sobre todo con la firme convicción de expresar qué es la libertad femenina, aunque les digan cabareteras, título que les encanta. A continuación platicamos con estas Reinas Chulas, también llamadas, Cecilia Sostres, Ana Francis Mor, Marisol Gasé y Nora Huerta.
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Cecilia Sostres Actriz y cabaretera, fue alumna de Tito Vasconcelos, Astrid Hadad y Leopoldo Kern.
Enfocada a la docencia, investigación y metodología del cabaret desde hace más de 10 años. Da talleres en el Instituto Mexicano de Arte al Servicio de la Educación y en el Lincoln Center de Nueva York. Ha ganado dos veces la beca Fonca y ha dirigido “Cabaret a trois”, “Fundación Vamos Chuy”, “Ofidia la inconforme”, “Escenas de un matrimonio priísta”, “Don Quejumbres y Suancha Panza”, “Calzón chino” y “Fragmentos de un discurso chistoso”.
“El Cabaret es mi vida, lo que soy, lo que vivo. Es la risa, la noche, la crítica, la farsa, pero básicamente es mi vida, pues. No hago otra cosa mas que cabaret.” ¿Porqué decidiste dedicarte al cabaret?
“O me aventaba del puente de Churubusco o hacía cabaret (Risas). Ya ves cómo está el hermoso mundo en el que vivimos, además soy liosa, si, muy liosa (risas). Por muchas coincidencias de la vida. Estudiaba Física Matemática, y de pronto encontré el teatro y en el teatro encontré el Cabaret, eso me llevó a Tito Vasconcelos y de ahí fui.” ¿Qué mensaje intentas transmitir por medio del cabaret?
“Decir que es un solo mensaje es complicado, pero creo que, lo que intentamos decir es que podemos reinos, podemos disfrutar, tenemos derecho al placer en todos los sentidos y creo que eso es lo que nos da cierta esperanza. Es duro, hablar de todo lo que nos duele, indigna, de lo que no nos gusta, de las injusticias, de las crisis, los políticos corruptos, de las mentiras, de la hipocresía, etc. Entonces de pronto ves una balanza entre la critica y el humor, riendo para sanar, para darnos cierta esperanza y darnos cuenta que el mundo está en nuestras manos y que tienes el poder para cambiarlo si quieres. Esto no es un panfleto ni mucho menos un discurso de que tú tienes que hacer esto u el otro, para nada, es simplemente exponer ciertas cosas y como la gente lo quiera tomar.” ¿Te has enfrentado a la censura?
“De forma directa, no. Más bien como muy velada, o sea, hay veces que nos invitan a ciertos lados y luego ¡no nos vuelven a invitar! (Risas). Una vez dijimos en pleno escenario que había una situación de lavado de dinero, entre risa y risa y después no nos volvieron a llamar. Pero no nos interrumpieron el show, nos dejaron terminar bien. (Risas)” Cecilia, ¿para ti qué es una cabaretera?
Es una mujer que goza de su cuerpo, de su inteligencia, de su placer, que no le tiene miedo al placer.
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Ana Francis Mor Actriz y cabaretera, Intelectual especializada en los derechos sexuales y estudios de
género, se diplomó en el International Lesbian Gay Human Rights en Fundamentalismos religiosos. Ha sido alumna de Raúl Quintanilla, Herbert Wolfang y Jesusa Rodríguez. Ha participado en el festival de Amiens en Francia, en Nueva York dirigió el espectáculo “Silence isn’t so”. Ha sido cabeza fundamental del Festival internacional de Cabaret. Dirigió las obras “La noche en que raptaron a Epifanía”, “Bellas Atroces” y Titus Andrónicus”. Es responsable del taller de “Empoderamiento de la mujer indígena y campesina”. Fue coordinadora de eventos culturales que representan a la Ciudad de México en los Out Games Copenhaggen en 2009. En Emeequis escribe la columna “Manual para ser una buena lesbiana” y recientemente publicó su libro “Manual de la perfecta lesbiana” con un prólogo de Lidia Cacho.
“El Cabaret es como el centro de mi vida, lo que me indica la dirección hacia donde debo ir. Es en lo que creo, en lo que más confío. El punto de encuentro con ésta familia que tuve a desgracia a elegir que son Las Reinas Chulas. Es más que la profesión que elegí, la postura de vida que elegí.” ¿Porqué hacer cabaret?
“Fue como el medio que encontré que fue más congruente con lo que estaba pasando, es decir, si yo quiero expresar esto y acá o de este lado no se puede, en el cabaret si se podía, fue el camino que se me abrió a lo que estaba necesitando. Es un foro de expresión muy popular y creo que eso es una de las magias del cabaret, acabamos de regresar de dar una función en el Zócalo y es una delicia ver a la gente reír y lo único que necesita es haber pasado por ahí para tener acceso a éste humor.” ¿A quién admiras en el cabaret?
¡A Marisol Gasé! (Grita la Gasé desde su lugar dentro del camerino.) (Carcajadas)
Admiro Muchísimo a Jesusa Rodríguez, me parece que es una genio brutal, a Liliana Felipe, ¡que es otra genio bestial! Qué es para ti el cabarét?
Una cínica, una mujer que no le zacatea a traer su sombra al escenario. ACOTACIÓN SOBRE LA FOTO: ANA FRANCIS MOR NO TIENE BIGOTE, NI CEJAS TUPIDAS Y CANOSAS, INTERPRETA MAGISTRALMENTE A UN VIEJITO FILOSOFANTE EN “EL CORONEL NO ENTIENDE AUNQUE LE ESCRIBAN”.
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Marisol Gasé
Actriz y cabaretera, Ha participado en más de 36 obras de teatro y 20 espectáculos de
cabaret, 11 cortometrajes para el CUEC y CCC. Se ha presentado 2 veces en el Festival alternativo de Latinoamérica en Bogotá, Colombia. Produjo y participó junto con Las Reinas Chulas en “Gregoria la cucaracha” que se transmite por Canal 22. Actualmente es locutora y escribe para el programa “El Weso Informativo” que se transmite por WRadio.
“Una cabaretera es una actriz comprometida, con su sociedad y su país, que se divierte y que goza, que ríe, lee y le interesa, desde cambiar ella hasta su entorno a través de la risa.” ¿Porqué hacer cabaret?
Es una larga historia. Yo quería ser actriz, seria, como Ofelia Gilmain y Julieta Egurrola, pero tuve la fortuna de conocer a José Antonio Alcaraz, que era un gran maestro, él me llevó una tarde con Tito Vasconcelos a que me maquillara de Sarita Montiel, entonces me hizo una peluca divina con un chongo y unas pestañas postizas, que cuando me ví al espejo casi me desmayo de alegría, mientras tanto en el teatro clásico, lo que llevábamos nosotros era un vestuario muy sencillo, todo era cortarte las venas; y de repente el gran maquillaje de Tito y un gran columpio que volaba en el escenario, mi vestido muy español, yo cantaba, ahí empecé a entender, sin saberlo qué era el cabaret, descubrí que no quería hacer otra cosa en la vida que me aburriera. Al contrario del cabaret que te impulsa, tu escribes, hora nalga para buscar información, prepararte y burlarte de los personajes, como en el caso de “El coronel no entiende aunque le escriban” donde hago el papel de Beatríz Paredes, para mi es un gran deleite, porque es a la mujer que más odio ahorita, la hago con mucho odio y mucha diversión. Me encanta hacerla de forma sádica y ojete, gorda traicionera y culera (Carcajadas). El cabaret te ayuda a entender cómo el arte puede transformar a una ciudad, a través de humor y con la compañía de estas talentosas mujeres (Cecilia, Ana y Nora), creo que el que hace cabaret bien, hace bien todo, porque es el género más grande que hay. Como cabaretera irreverente y como periodista de un medio tan conservador , a veces no entras en conflicto?
Para nada. Sólo me pasó una vez, cuando censuraron a Carmen Aristegui, cuando se fue. Prácticamente ella (Aristegui) dio el banderazo para que el Wueso se hiciera en Televisa Radio y cuando la despidieron fuimos Fernando Rivera Calderón, Enrique y yo, dijimos que todos nos íbamos, chillando y toda la cosa, a lo que Carmen contestó: Por supuesto que no, ustedes se quedan y tienen que ser más aguerridos y más irreverentes y decir las peores cosas hasta que los corran también, porque todos los días se cierran puertas. Ahora tenemos el primer lugar de raiting, y creo que eso ha evitado que nos den una patada en la cola a los tres, quién diga que hay censura es porque no lo escucha, yo trato siempre de escribir y decirle lo que creo para ver en que momento me cambian una coma para agarrar mis maletitas y largarme. Creo que el cabaret ha tomado al Weso, sin duda alguna, eso es cabaret, tener la nota dura y a la vez con humor la crítica con puntos de vista muy distintos y plurales.
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Nora Huerta
Actriz y cabaretera, Fue alumna de Jesusa Rodríguez, Tito Vasconcelos y Eugenio Barba.
Ha participado en obras como “La Eva futura”, “Historias con ruiditos”, “Adictos Anónimos” y “El maleficio de la mariposa”. Ha desarrollado espectáculos unipersonales como “Dominga la chimiscolera”, “Soy Bárbara”, “Gótica” y “Alca y pone”. Actriz y coguionista del programa de televisión “Gregoria la Cucaracha” transmitido por canal 22.
“El cabaret es nuestra principal forma de ser, y eso significa tener una postura política, ser mujeres de otra manera, no somos mujeres singulares o convencionales, mirar y entender la realidad nos obliga tener otra voz, que no es igual a la de otras mujeres de nuestra generación, tratar de entender el mundo y descifrarlo, hablar de él. Somos cabareteras.” ¿Porqué hacer cabaret?
Porque se me cruzó en la vida e igual que mis compañeras/hermanas encontré el espacio más divertido y más creativo, exigente, que requiere habilidad escénica, talento e inteligencia y humildad sobre todo (Carcajadas). Al tener los elementos dije, pues de aquí soy. Como vas con el chistosito, con algo que me mueva, importe, me conmueva, que me lastime, que me inquiete, pues intentar hacer todo eso de manera chistosita es un fenómeno bastante atractivo. Tenemos la fortuna de tener una formación como actrices, de haber tenido una técnica, que en medio de este camino nos salvan, aunque creo que en éste camino nos falta un poco por andar. Creo que es un buen género, muy noble, que llega directo a la gente. Cómo surge la identificación en común entre las Reinas Chulas?
Creo que surge a raíz de que hemos vivido cosas juntas, muy fuertes, que nos han marcado la vida, tenemos la fortuna de entrar al género juntas. Por ejemplo el primer espacio, era un espacio gay, donde trabajamos juntas con Tito Vasconcelos, era un espacio disidente, desde la sexualidad, entonces nos hizo entender esa voz del cabaret, que se convierte en la voz de los que no la tienen. Tuvimos la fortuna con Jesusa Rodríguez de viajar por toda la republica y trabajar con campesinas y comunidades indígenas, lo cual nos acercó a una realidad que era avasalladora, hacíamos unos talleres de empoderamiento, era un trabajo de escuchar historias y entender realidades, de descifrar situaciones políticas y sociales, yo creo que eso nos ubicó en otro tiempo y espacio y después Ana (Francis Mor) por ejemplo, se involucró mucho en rollos de feminismo, lo cual eso también nos llevó a otro espacio intelectual y de reflexión, entonces hemos tenido la fortuna de caminar juntas en estos distintos ambientes de lo social, político o cultural lo cual nos ha abierto los ojos hacia otros lugares. Por gracia del destino las cuatro tenemos la terrible coincidencia de creer en ello, afortunadamente. Nos hemos encontrado en la vida con gente que cree en lo mismo, grandes músicos, o grandes compañeros escénicos que han desfilado por éste lugar. Ponemos nuestro ser, nuestra vida e inteligencia, y nuestras ganas al servicio de eso.
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EN PORTADA
REGINA OROZCO La Dama Enamorada
del Cabaret Por Aldo Ortiz-Reyes
Fotos: Miguel Ángel Rodríguez
Sentados entre dos tumbas en medio del Panteón Jardín, Regina Orozco espantaba a los tristes moscos que me atacaban, entre carcajadas y enfundada en su traje de Catrina, esta diva del cabaret me contó de su carrera, vida y sueños. Porque aunque ella niegue ser diva, todos la ven como tal, es una dama que no le teme a la carcajada pública, pero menos a pararse en Bellas Artes y cantar una ópera clásica con su magnífica voz y hacernos sentir que estamos viendo a una María Callas muy a la mexicana, que algunos días se levanta enamorada del cabaret.
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“la ópera no, yo quería ser actriz y cantante pero no sabía cómo, en la adolescencia descubrí que existía la ópera y que te enseñaban a cantar. ¿Porqué no estudiar canto? Cosa que muchos no hacen (risas)...”
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esde muy niña sabía lo que quería, tenía ganas de cantar, actuar, subirse al escenario y demostrarle al público su talento, esta era una Regina que comenzó participando en obras musicales de una pequeña parroquia sateluca, el párroco de la iglesia nunca imaginaría que estaba reclutando dentro de su reparto, a una niña que en un futuro no muy lejano, se convertiría en una las mujeres más reconocidas de la industria del entretenimiento en Latinoamérica y ovacionada cantante de ópera en Europa. En ese entonces la decidió rebautizar como la “Megabizcocho” mote que ha hecho propio y todo mundo reconoce en la actualidad. Regina: “Nunca tuve duda, desde los 3 años ya estaba haciendo personajes, estaba actuando, agarrando todo, les actuaba a mis hermanos, les actuaba a mis
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papás. A los 6 años nos cambiamos de San Ángel hacia Satélite y ahí había una iglesia donde cada año hacían comedias musicales y dije de aquí soy. Nunca pensé a qué me iba dedicar porque yo ya estaba, yo ya andaba ahí.” Comenta Regina entre risa y risa. ¿Pensaste que te dedicarías a la ópera? “No a la ópera no, yo quería ser actriz y cantante pero no sabía cómo, en la adolescencia descubrí que existía la ópera y que te enseñaban a cantar. ¿Porqué no estudiar canto? Cosa que muchos no hacen (risas), entonces por suerte pude entrar al conservatorio y pude encontrar lo que era el mundo de la ópera y ahora lo puedo hacer mejor(cantar), que si no me hubiera dedicado a estudiar.” El estudio y perfeccionamiento de la técnica la llevaron no solo a ser una de las egresadas más conocidas
de Conservatorio Nacional de Música, sino también alumna de la academia Julliard de Nueva York, para poder cantar y después ser reconocida con varios premios en el Metropolitan Opera House de Nueva York, en la Ópera de Palm Beach Florida y de ahí dar el gran salto a Europa donde Alemania le abrió las puertas e hizo el ofrecimiento de pertenecer a una de las compañías más importantes de ópera del país germánico, oferta que rechazó. Ahora Regina volvía a México, preparada, reconocida como soprano y lista para cantar junto a las orquestas más exclusivas del país como: La Orquesta Sinfónica Nacional, La Orquesta de Cámara de Bellas Artes y muchas más. Participó en óperas como “Aida”, “Hansel y Gretel”, “Turandot”, “I Pigliacci” y “Elektra”, por mencionar algunas de la amplísima lista. Pero la vida le decía que su carrera no sólo sería la ópera, necesitaba darle un giro a su vida como artista, sentía gran inclinación por el humor y sobretodo por expresar todo aquello que la ópera no le permitía, sus convicciones, su filosofía y sobre todo lo que creía del amor y el activismo social. Que mejor plataforma para todo eso que el Cabaret.
REGINA EN PORTADA
“Nunca llegué a pensar en hacer una carrera en Europa como cantante de opera, incluso me invitaron a participar en una compañía de opera en Alemania pero no me vi como cantante de ópera...” Fotos: Miguel Ángel Rodríguez Martínez Maquillaje: Álvaro Moedano Peinado: Fernanda García Trejo Joyerúa: Gustavo Herlguera
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“Nunca llegué a pensar en hacer una carrera en Europa como cantante de opera, incluso me invitaron a participar en una compañía de opera en Alemania hace ya casi 15 años, pero no me vi como cantante de ópera viviendo un mes acá otro en Italia, ¿Qué rico no?, (risas) Pero ya vivir así y con mi hija, como que dije, esto no es lo suficiente, por ahí no es mi camino. Entonces decidí hacer más cabaret y hacer mis shows. No sólo estudié ópera, también tomé clases de teatro, miles de cursos, no tengo diploma o licenciatura, me la pasé picoteando, a donde me gustaba iba y ahí conocí a una mujer que se llama Jesusa Rodríguez que es la master, la reina del cabaret en México y dije: el hacer reír pues se me da. El hacer humor negro, el hacer una crítica social y una crítica hacia mi, era como lo más acorde a mi personalidad. El cabaret llegó a mi por suerte y hacer algo más convencional ¡ahora no me lo imagino!” Desde entonces no podemos referirnos a Regina sin verla arriba de un escenario, cantando, disfrazada y contando chistes entre canción y canción. Porque no sólo se volvió actriz y cantante cabaretera, empezó a escribir y producir sus propios shows, discos. Como “La Megabizcocho”, “Rosa Mexicano” y “Regina Agogó”.
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Cantando canciones de Chava Flores y Agustín Lara, junto a Eugenia León, Susana Zabaleta, Astrid Hadad, Liliana Felipe, Ely Guerra, Cecilia Tousant y hasta con la responsable de que se convirtiera al cabaret, Jesusa Rodriguez. Simultáneamente a su carrera como cantante y gracias al cabaret, también pudo impulsar su carrera como actriz y empezó a hacer pequeñas apariciones en películas y programas de televisión.
REGINA Y EL CINE
¿Cómo fue tu primer acercamiento al cine? “Tuve una novia a los 18 años que se dedicaba a hacer cine y yo estaba ahí metida. Me parecía muy interesante el asunto, un día me llamaron, y empecé a participar en un rodaje, pero a mi me pareció de flojera! No me gustaba porque todo el tiempo estás esperando, estas ahí ¿a ver cuándo me toca hacer algo!?, Te la pasas ahí en el café y en el chisme comiendo
REGINA EN PORTADA galletitas, pero de repente les funcioné y dijeron: – esta mujer tampoco es mala para esto y me dijeron vengase pa acá!- Desde entonces empecé a hacer papeles más fuertes y aunque no lo sean, para mi son muy divertidos. Después de tanto tiempo, ahora ya se tener paciencia para hacer cine, sobre todo cuando ves el resultado y te ves grandototota en la pantalla, te das cuenta de lo bonito que es.” Su emergente carrera como actriz no solo gustó a Regina, a los productores y directores, fue el factor determinante de que su fama se disparara y se convirtiera en un elemento clave para diversas películas e historias, en un rostro icónico del cine nacional y en un ídolo para muchos y sobre todo muchas. Desde entonces ha participado en cortometrajes como “De tripas corazón” (1996) de Antonio Urrutia y nominado al Oscar, también en decenas de películas entre las que destacan: “Dama de Noche”(1993) de Eva López, “La vida conyugal” (1993) de Carlos Carrera, “Perdita Durango” (1997) de Alex de la Iglesia, donde compartió créditos con Javier Bardem, “Sólo con tu pareja” (1991) de Alfonso y Carlos Cuarón, “Efectos Secundarios”, “Santitos”, “Crónicas Chilangas”, “Paradas Continuas”, “No eres tú soy yo”, entre muchas otras. Pero en definitiva siempre será recordada por una
de la obras maestras de Arturo Ripstein, “Profundo Carmesí”, cinta donde interpretó a Coral Fabre, una enfermera que es madre soltera de dos niños, decepcionada de la vida y con muy mala suerte para el amor, situación que la lleva a conocer a Nicolás Estrella (Daniel Jiménez Cacho) un seductor farsante y asesino de mujeres, Coral deja todo, a sus hijos, profesión y vida para unirse a Nicolás y dispuesta a sacrificar su vida y ser parte de los crímenes, sólo por el amor de su cómplice. Regina interpreta magistralmente el personaje a lado de Jiménez Cacho, la película se convirtió en un clásico, ovacionada y galardonada internacionalmente. Regina fue nominada como mejor actriz en el Festival Internacional de Venecia, los reflectores se pusieron sobre ella y la vieron ganar un Ariel por mejor actriz. Después de eso nada sería igual.
el publico
“Cuando me reconoce la gente en la calle hay veces que digo chin! No me peiné! Me vine en fachas y ya me cacharon. Me da gusto, me siento cómoda con la gente, hay veces que la gente llega con una energía demasiado familiar, hay veces que ya me han nalgueado, esos es muy muy de ARGGG! Y me da horror. Pero normalmente me gusta que valoren lo que he hecho y valoren nuestros esfuerzos. Soy una Regina en equipo, totalmente, este trabajo siempre es en plural, aunque estos (su staff) me tratan como su Barbie! (Risas)” ¿Todo mundo te ve como una Diva del showbussines, lo eres? “Ser diva pa ra mi es un personaje. Creo que cada quien tiene su concepto de divas, creo divas hay muy pocas y divos también, son gente que llega a una sublimación artística que ni yo ni nadie
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Me apasiona en lo que estĂŠ trabajando interiormente en ese momento como el amor, y aunque suene redundante, siempre busco el tratar de amar mejor, que estĂĄ difĂcil.
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REGINA EN PORTADA puede llegar a ser como María Callas. No me considero una Diva, repito hay que llegar a un punto de sublimación artística como los grandes compositores, Bach, Brams, Mozart que esos son dioses! Diva es un sinónimo de dios, como por ejemplo IL Divo, ¡yo no los veo como dioses! (carcajadas), harán bien su trabajo pero esos no son dioses, no te llevan a unos estados totalmente artísticos que ya están conectados con otros mundos.” Después de haber labrado un nombre y carrera en el cine, Regina siempre vuelve a lo suyo, el cabaret y lo hace con pasión, se mantiene constante y creativamente activa. Siempre con ideas nuevas y mucho humor. “Me apasiona mucho mi trabajo, me fascina hacerlo, cuando empiezo a escribir un nuevo espectáculo, comienzo a investigar, ahora la maravilla que es esta época, antes era con libritos, pero ahora, nada más le picas un botón y encuentras toda la información, habida y por haber en Internet! Canto de todo, canto vareadito, la música es mi pasión también y expresa esa emoción, yo así solita y sin la música digo ¡Ay que hueva!. El amor es lo que trato de poner en todo y es lo que más trabajo me cuesta. Es muy difícil que en tu vida uno
tras otro todos sean trabajos de amor esta muy cabrón, pero le intentas”
Megabizcocho
Como narraba antes, el párroco de la iglesita de Satélite fue quién le puso el mote, pero el significado se lo puso Regina y la gente que vio en ella no solo a un artista que canta, baila y actúa, sino a un ícono que se ríe de si misma y le dice a todas la mujeres que pueden ser como quieran y ser felices, que no necesitan ser igualitas a una super modelo para ser sexys. Un mensaje que la gente vio como un estandarte. Pero a pesar de que a la imagen de Regina no se decaía por tener sobrepeso, si afectaba su cuerpo y ánimo. Cosa que ni el éxito ni premios hacían olvidar. “Ser la Megabizcocho, con 25 kilos de más y tener éxito, enamorarme, se seguida por hombres y mujeres, que varias mujeres me hayan escrito que dejaron de ser anoréxicas, fue un logro de cierta manera, pero también fue un acto de rebeldía muy fuerte, porque llegó un momento en que la gordura me pesaba, en los pies, en la energía y había siempre un dejo de tristeza en mi. Aunque si se puede vivir con la imagen y proyectarla, ahora trato de recuperar un poco de esa energía y mi cuerpo, ser un poco menos rebelde y encontrar una
Sigo siendo la Regina del Tlakoyo con coka Lait, porque eso lo viví y lo llevé mucho tiempo, pero ahora uno va cambiando según la necesidad que tenga mi camino, que por cierto lo ando buscando, que es a veces que no me hayo! (Risas) manera un poco más pacífica conmigo. Ya no tan estridente y tan cabaretera, aunque si seguiré siendo excéntrica, pero arriba del escenario, cuando tenga que ser, no para ocultar ciertos temores o ciertos vacíos que llegué a tener. Regina, Susana y Eugena,
el DivaPack.
Siempre has estado envuelta en la controversia y riñas con Susana Zabaleta, aunque constantemente trabajes con ella y Eugenia León ¿En verdad hay una rivalidad ahí? A Eugenia León la admiro y quiero muchísimo, ella ha
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personajes
cantado todo el repertorio maravillosamente y cuando yo empecé dije yo quiero eso, esa difusión, porque es una persona totalmente integra donde la música que hace es auténticamente de ella, la hace personal, lo hace muy bien, entonces ha sido un ejemplo de ser auténtica, de tratar de mantener mi centro para llevar mi trabajo. Con Susana siempre nos han estado comparando, pero realmente si nos pones a las dos si somos un desmadre, si cantamos opera y hacemos cine, pero es muy diferente realmente lo que hacemos, yo la quiero mucho y la admiro. Me da un especie de juego sobre todas las imágenes que no me han parecido, entonces se las pongo a ella y ella también lo hace conmigo. Incluso fue a ver Spamalot y nos empezamos a perrear y Germán Ortega se espantó, y dijo – Hay cabrón estas dos Divas se están peleando, qué miedo!- Pero realmente es un juego totalmente infantil y divertido el cual disfrutamos mucho Susana y yo el estarnos perreando. (Carcajadas)
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“susana y yo, Somos un par de desquiciadas arriba del escenario y nos encanta molestar, pero en el escenario siempre tratamos de divertirnos y molestarnos mucho, porque es muy atractivo ver a dos mujeres molestándose...”
Regina Catrina.
¿De donde sale la idea de cantar a los muertos y de revivir a la música que se creía muerta? “Hace ya muchos años, un amigo, León Faure, me dijo que quería hacer un espectáculo de día de muertos, se llamaba, “Calaverita de azúcar”, hice un concierto,
yo no tenía la conexión con la muerte, a mi me daba mucho miedo. Luego quise retomarlo y me puse a investigar sobre la muerte y me divertí muchísimo hablando a Gayosso, me empezó a entrar un terror y empecé a ver sombras y a ver cosas. Este espectáculo en si ya fue armado entre Rodolfo Ritter, el amor de mi vida y yo, le pusimos Regina Catrina. Los clásicos, la llorona y demás, en el cual hay escenas muy divertidas. Hay unos videos que hace Carlos A. Rincón increíbles, sobre películas de los 50 y 60 sobre fantasmas, hizo un clip sobre el protoplasma con escenas de Profundo Carmesí, son una joya! También sale la voz de Carlos Monsivais, que en vez de recibirme San Pedro, me recibe él. El disco lo grabamos en vivo el año pasado, es en vivo con música de muertos (risas), salió bastante bien, no es impecable, pero tiene toda esa energía cuando uno hace las funciones en vivo, enfrente del público.”
los proyectos
REGINA EN PORTADA
Después de su presentación como Regina Catrina en el Teatro de la Cuidad Esperanza Iris, Regina continuará en la obra musical Spamalot, producida y protagonizada por los Mascabrothers en el teatro Aldama y además en cine, haciendo la voz de una elefantita rosa en la megaproducción animada “Ana”, de Carlos Carrera. “También va a salir El Santos contra los Zombies de Sahuayo, yo hago a la Tetona Mendoza. Y Francisco Franco va a hacer una película donde saldrán toda la crema y nata, todos los actores. Y Beto Cohen escribió una película para mi, hace 25 kilos (risas) entonces no sabemos cómo vamos a hacerla, de que sigo gordibuena sigo, (Risas) Después de una hora sentados platicando en el panteón, la charla con Regina llega a su fin, aún tiene que tomarse algunas fotos por ahí vestida como Regina Catrina, me duele la panza de tanto reír y la frente de los piquetes de mosco, que algunas veces Regina mataba a manotazos, me despido de ella y me doy cuenta el deleite que es platicar con una mujer así y entiendo porqué se ha ganado el corazón de México, los chiflidos y aplausos de tantos, que la ven como una diva multifacética, yo digo que más bien es una artista viva, que diva. Antes de irme le pregunto Regina: ¿Cómo te va recordar la gente cuándo mueras? A lo que me responde con una gran sonrisa: “Más que por la música, por la risa, van a decir: Regina era pura risa… Más que la voz, la risa.”
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PORTAFOLIO
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PATRICIA DE LEÓN
Y EL SUEÑO AMERICANO Por ALDO ORTIZ-REYES Fotografías de STEVE KAY
Con tan sólo 19 años Y
ya era Miss Panamá,
estudió la carrera de Derecho y se convirtió en la chica del clima en un canal local y de ahí a presentadora titular del noticiero. Su carrera en su país natal parecía limitarla, trabajando para La Prensa de Panamá y dos cadenas importantísimas del país, es invitada a emigrar a Houston para experimentar en el país más poderoso del mundo como presentadora de noticias de Univisión, pero un casting en la película independiente “La llorona” la hizo saltar repentinamente del periodismo a la actuación, su vida nunca sería igual y definitivamente no volvería a regresar a Panamá. Hoy ha trabado con importantes directores de cine internacional, ha hecho más de una docena de películas y participado en importantes series norteamericanas como “Cold Case”, “Crossing Jordan”, y en “Men of a certain age” junto a Ray Romano. Recientemente trabajó junto a José María Yazpik en “Love Orchad” un drama social sobre los derechos de los inmigrantes ilegales en Estados Unidos. Platicamos con Patricia de León para saber cuál es su secreto y cómo es vivir el verdadero sueño americano.
“Nunca soñé con ser actriz, quise ser presentadora de noticias. La carrera de actuación me cogió más bien a mi.” www.stageonemexico.com
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AOR: ¿Cuál fue el momento más difícil en tu carrera como periodista? PDL: Es una historia muy triste. Yo, como no estudié periodismo, me tocó aprenderlo en la calle. La persona que me dio la oportunidad de aprender, fue un reportero que se acabó convirtiendo en uno de mis mejores amigos, Ricardo Montenegro. Un día llegué al estudio a dar las noticias y él no llegaba, no llegaba... Me siento en la silla de presentadora y leo en el pronter la noticia de que ha muerto. Me toca dar esa noticia... Fue muy difícil y ahí me di cuenta de lo importante que es ser un comunicador; no importa lo que lleves dentro, ‘the show must go on’, tienes que ser profesional. Me tragué mi llanto por una hora y media. Jamás se me va a olvidar. AOR:¿Cómo fue entrar a un mundo totalmente nuevo para ti, cómo la industria del entretenimiento Norteamericano? PDL: Muy difícil porque llegué de Panamá, un país con 3 millones de habitantes que puedes recorrer en 8 horas, a una súper metrópolis como L.A. , con una cultura y mentalidad muy diferentes. También el lenguaje era diferente y yo no hablaba ingles, tan solo conocía a una persona, no sabía dónde iba a vivir... Llegué con una mano delante y otra detrás, con una mochila de ropa y mil dólares en el bolsillo. AOR: Trabajaste con Danny Trejo y Ron Pearlman, en la película “Bad Ass” ¿Cómo fue la experiencia? PDL: Para mi fue un logro increíble. Recuerdo cuando leí en la revista de un avión que Danny Trejo iba a 60
protagonizar Machete y lo contenta que me puse por él. Trabajar con él fue un placer, además de porque es un gran actor, primero porque es latino, y segundo porque es un hombre con el que se lo pasa muy bien uno! Cuando lo conocí me preguntó si era soltera. Le contesté que si y entonces me dijo que si algún día quería ser madre él era un buen candidato para ser padre. Entonces se levantó la camisa y descubrió los tatuajes que lleva con las caras de sus hijos y me dijo: ‘ Ves qué buen papacito soy.” Nos reímos mucho y lo pasamos muy bien. Además es una persona muy humilde. AOR:Platícanos un poco de Marisa, tu personaje en la película. PDL: Marisa es la típica mujer de East LA, una área bastante pobre y de raza en L.A. Marisa tiene hijos y es como si fuera madre soltera porque su esposo no le pasa dinero ni hace caso de sus hijos. Es un ama de casa que trabaja lo imposible por proteger a sus hijos, como toda madre latina, y sacarlos adelante aunque su marido no esté. AOR:¿Qué fue lo más difícil durante el rodaje? PDL: Trabajar con niños no es fácil. Es muy difícil porque no se les puede exigir a un pequeño lo mismo que a un adulto. Hay veces que no entienden... Aunque estoy acostumbrada a ello, sigue siendo bastante difícil. AOR:¿Cómo llega a ti “Love Orchard”? PDL: Me llamaron para el casting de este personaje, una mujer que es totalmente opuesta a cómo Patricia de León se ve en persona. Así que fui al casting muy
pobrecita, sin maquillaje... Era el papel de una inmigrante mexicana pobre, así que también mi vestuario iba acorde al papel. Leí mi papel tres veces, me escogieron y me dieron la noticia de que iba a trabajar con Jose María Yapzik. Yo ya sabía de su trabajo así que para mi fue todo un triunfo. Trabajar con José María fue divino. Es un tremendo actor y aprendí mucho de él. Es un gran compañero y lo quiero mucho, le tengo mucho cariño. No podía haber tenido mejor pareja para la película. Es una gran ser humano y un tremendo actor. AOR: Interpretas a María Salazar, una inmigrante ilegal mexicana “Love Orchard”. PDL: Maria Salazar es una mujer que, por cosas del destino, le toca jugársela con su familia para darle mejor futuro a sus hijos. Trata de seguir todos los requisitos burocráticos, papeleos... hacer las cosas bien. Pero le son negados y no le queda más remedio que arriesgarse. AOR:¿Qué piensas respecto a las posturas externas que se han tenido en E.U. sobre los inmigrantes latinoamericanos? PDL: Por querer hacer las cosas bien, como mi personaje en la película, he sufrido mucho a consecuencia de toda la burocracia. Por experiencia propia puedo decir que la manera en que se maneja la situación en E.U. es a veces injusta. Hoy en día, después de años de trabajo, impuestos, etc., sigo sin tener mi residencia en E.U., aunque vivo y trabajo aquí. Entiendo también los motivos por parte del país, que quieran protegerse de una superpoblación, pero hay que hacer las cosas bien. No es justo que quieran traer gente para trabajar como campesinos, recoger basuras, y luego no provean residencia, que es agente tenga que esconderse. Espero que la situación mejore. AOR: Acabas de ser la imagen de PETA (People for the Ethical Treatment of Animals), específicamente en contra de las polémicas corridas de toros, ¿Qué te hace unirte a esta causa? PDL: Entro a Peta por problemas de salud. Sufro de problemas digestivos desde chiquitita que no sabía a qué se debían hasta convertirme en vegetariana. Entro en una página de Peta a buscar recetas vegetarianas y hago click en uno de los videos. Así me entero de cómo maltratan a los animales injustamente para quitarles las pieles, cómo les sacan la piel cuando están
vivos de una manera tan cruel. A raíz de eso me comunico con Peta para realizar una campaña para la población latina. Esta campaña consiste en dar a conocer la opción vegetariana ya que, por tradición, en nuestra cultura siempre se nos enseña a tomar leche y a comer carne pero no por qué, o qué otras opciones hay. Peta acepta esta campaña y además, me da como opción trabajar con algún tipo de animal q esté en situación de maltrato y pensé en los toros. Pensé que las tradiciones latinas, nuestra cultura, es siempre alegre, cosas lindas, música, baile, familia... y que por qué identificarnos con algo tan cruel como es ver a un animal sufrir, sin que el toro tenga ni voz ni voto en decir no quiero participar. Yo me convierto en su voz para dar a conocer cómo se maltrata al toro, no solo en el ruedo, sino antes de salir, algo que mucha gente no sabe. AOR:Platcanos un poco a cerca de “How the García gilrs spent their summer” PDL: Esta película trata de reflejar la manera en la que vive una familia latina. Es una película muy jocosa. Tuve un papel pequeño en ella pero me dio la oportunidad de trabajar con América Ferrara y otras actrices latinas muy talentosas. AOR:¿Qué acostumbras hacer cuando no estás frente a la cámara? PDL: Paso mucho tiempo estudiando libretos, preparándome para mis próximos trabajos. Ser latino no es fácil y me toca estudiar mucho. También me encanta pasar tiempo con mis perros, con mis amigos y hablando con mi madre que, aunque no esté cerca, hablamos a diario. También me gusta escaparme a la playa siempre que puedo y disfrutar del mar.
Una de las experiencias que nunca olvidaré, que casi me quedo desnuda en set de la novela que estoy grabando ahora mismo, Corazón Apasionado. Era una escena de pelea con mi compañera Gabi Rivero y se me desató la blusa...con el set lleno de extras!
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CREATIVIDAD {ENTREVISTA}
MARTÍN BOEGUE PARÉ EL HOMBRE DETRÁS DE LA LENTE Por ENID DE LA PARRA
IMÁGENES: CORTESÍA DE MARTÍN BOEGE
Qué tienen en común largometrajes como El violín, El traspatio, Noticias lejanas; las series de televisión Gritos de muerte y libertad, Mujeres asesinas, y Capadocia; los documentales La requisa, Down the mayas (Nat. Geo. TV), El informe Toledo; y los cortometrajes De murmullos y reflejos y Los caídos ? Todos son proyectos multipremiados y reconocidos, es material para devorar con los ojos y disfrutarlo en cada cuadro, y todos, son solo algunos de los trabajos del cinefotógrafo mexicano Martín Boege Paré. EP: ¿Qué distingue tu trabajo? MB: Mi trabajo es una búsqueda.
Trato de encontrar guiones que tengan trascendencia, que no sean solo para entretenimiento. He hecho comerciales y otras cosas, pero el enfoque de mi carrera son los largometrajes, los documentales, las series de televisión. Una vez que está la sustancia, que es lo que me interesa, el guión y el director, trato de ayudarle a la historia con mis herramientas que son la cinefotografía, pero también participo mucho del lenguaje cinematográfico, de la gramática visual, es lo que más me interesa, porque una vez entendiéndola y haciendo esa gramática junto con el director, 62
puedo añadirle mis herramientas que son la composición, la luz, el volumen, el contraste. Una profundidad que vayan acorde con la historia, eso es lo que me define. EP: Cuáles son tus influencias MB:Me formé en la escuela, estudié cine en el Centro de Capacitación cinematográfica y ahí absorbí muchas cosas. Aprendí a través del cine, la corriente del cine europeo principalmente. El cine principalmente, aunque no niego que crecí con el cine de fantasía y ciencia ficción con películas como Star wars de niño, pero después vi el cine de Francoise Truffaut, Wim Wenders, Akira Kurosawa y así fui profundizando en temas como la composición y el lenguaje cinematográfico; me gusta como el quehacer cinefotográfico se mezcla con la dirección. Es como contar histo-
EP: En tu trabajo hasta dónde
rias visualmente, El ir a los museos y ver los trabajos, mucha pintura, el impresionismo principalmente. Martín dirigió los documentales vivir con la selva y aquí nació la mera mata, así como el cortometraje de murmullos y reflejos. EP: ¿Qué es lo más importante que has aprendido dentro del medio cinematográfico? MB:El trabajo en equipo por un proyecto común, la tenacidad, la lucha contra el propio ego. Es muy importante lo que sucede en las relaciones laborales, se trata de colaborar, no de competir. La técnica no me parece lo más importante, es algo difícil, pero finalmente se hace más fácil, por lo tanto encontrar el concepto, cómo ves tu mundo, cómo ves la vida y como lo expresas. Eso lo aprendí en la escuela, no te preocupes por lo superficial, sino por la esencia, encontrar la esencia de cada plano es importante; todo tiene una carga lírica y poética.
el realismo y hasta donde la estética MB: No están peleados, abordo los temas desde el realismo, desde el naturalismo. Si lo analizas, el trabajo en blanco y negro no es realista, nadie ve en blanco y negro, pero hay elementos que ayudan a darle un enfoque realista. Este lirismo o un carácter dramático no está peleado con el realismo, tú puedes usar el medio ambiente, las atmósferas de manera dramática: ese es mi trabajo, es el contexto para apuntalar la historia. Tiene que ver con el instinto y con la colaboración, es un proyecto en común con un director y basado en un guión. EP: De qué manera evolucionas como fotógrafo MB: Se aprende con el tiempo y los errores. El cine es movimiento, viene de kinema, en una escena hay avance constante. Busco que se vaya avanzando a través del lenguaje, la cámara se mueve en la composición, pero también se mueve en la luz y en la sombra. Vas descartando opciones y
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tomando las que más te gustan, La selección de jugadas, maneras de decir las cosas, eso creo que se ha ido afinando. De todo esto se aprende de manera constante y permanente. EP: Con los reconocimientos que has obtenido, seguramente has hecho conciencia de la responsabilidad que adquieres y el reto que tienes al hacer tu trabajo… MB. Eso es interesante, porque hubo varios premios que se dieron, y fue inesperado. En las primeras películas me angustiaba mucho cual iba a ser el resultado, y de pronto saber que fueron premiadas me dio más confianza en mis instintos. Recibir el Ariel por Backyard en 2010 fue muy significativo, porque me di cuenta de que la historia de los arieles para fotografía en el cine nacional, está encabezada por Gabriel Figueroa, Rodrigo Prieto y otros grandes fotógrafos, y que dentro de la historia del cine voy a estar en esa lista, me dio mucho orgullo. EP: Muchas de las películas en las que trabajas abordan problemas sociales. ¿Esto es solo una coincidencia? MB No, siempre busco guiones inteligentes. Hay entrelíneas, busco reflexión, emoción. Me interesa que mis proyectos
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tengan un sentido social. Creo que el cine tiene un sentido importante en la comunicación y mi preocupación es que se pueda abrir los ojos a través de las historias y de ciertas particularidades se puedan mostrar temas universales. Estudié cine y ahí aprendí fotografía, dirección, guión, y así encontré un lineamiento más artístico. Lo que me gusta es expresarme en guiones que creo que tienen un sentido y los tomo como bandera, como es el caso de le violín, backyard y otras más recientes en las que se invita a razonar para que la gente reaccione. siempre busco guiones inteligentes. Hay entrelíneas, busco reflexión, emoción. Me interesa que mis proyectos tengan un sentido social. Creo que el cine tiene un sentido importante en la comunicación y mi preocupación es que se pueda abrir los ojos a través de las historias EP: En tu trayectoria hay con-
gruencia, eres versátil pero no has perdido la ruta que quieres seguir, hay equilibrio, no haces todo lo que te ofrecen, escoges con cuidado y no pierdes tu camino. MB Sí, si el guión no está acorde con mis ideales no lo voy a hacer bien, o no lo voy a hacer con tanta pasión, y eso no me gusta. A veces te absorbe mucho, en-
tras en esa dinámica de que tienes trabajos, uno y otro que te ofrecen y te pasaste un año entero haciendo cosas que ya se te olvidaron, haciendo solo dinero y esas cosas, pero yo tengo sueños, proyectos propios, que son documentales, ciertas expresiones que son mías también, con otros fines, en un circuito de desarrollo sustentable, de co-desarrollo de las comunidades indígenas,
CREATIVIDAD aquí nació la mera mata y vivir con la selva, son documentales que hice con mi papá. Mis padres son Eckart Boege y Luisa Paré, ambos antropólogos, y ellos fueron los que me inculcaron la preocupación y amor por México y por conocer la realidad; de chico me iba mucho a su trabajo de campo en diversas comunidades, entonces el campo, los campesinos y su problemática son algo que entiendo y que me interesa. En la película La niña, que es mi proyecto más reciente que es de un neoyorquino que se llama David Riker y del productor Paul Messei, que son los que hicieron María llena eres de gracia, es mi película más grande, estará en el Sundance el próximo año, va a tener una salida asegurada en Estados Unidos, posible candidata a los oscares si queda bien. En la niña hay un planteamiento de una mujer estadounidense que cruza la frontera y trata de sobre-
vivir en el sur de Texas, se le ocurre cruzar migrantes para ganar un poco de dinero, y se encuentra con una niña oaxaqueña que queda huérfana porque su madre muere al cruzar… Esa historia me atrapó justamente porque abre otros caminos, no me gusta el miserabilismo. EP: ¿Con qué director en especial te gustaría trabajar? MB Con muchos… por ejemplo, Carlos Reygadas, y también me gustaría trabajar de nuevo con Francisco Vargas. EP: Háblame de tus proyectos más recientes MB Este año trabajé en 3 películas: El sargento matacho, La cebra y La niña. Están en etapa de postproducción, y el 12 de octubre empiezo con la tercera temporada de Capadocia. Así termina la entrevista y el cafecito con el que nos recibió amablemente en su casa, una tarde lluviosa de octubre.
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MÚSICA
{CULTURA} {CULTURA}
TARTE A LA CREME!,
OPERETA Y COMEDIA DE OFFENBACH Por Por ADRIEL ADRIEL GALICIA GALICIA Y Y ERICK ERICK SUASTE SUASTE FACTOR FACTOR 44 COMUNICACIÓN COMUNICACIÓN IMÁGENES: IMÁGENES:ALDO ALDODOWERMAN DOWERMAN
“Queremos comunicar, y sobre todo en tiempos como estos, tan tristes en este país, que el teatro es un buen lugar para reunirnos (…) pretendemos volver a hacer teatro, deseamos crear una oferta más del buen teatro que se hace en México”, sostiene el director escénico de las operetas “La niñera” y “Un marido en la puerta”, Oswaldo Martín del Campo.
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l interés de Tarte à la crème por representar la obra de Offenbach se debe a que su amplísimo catálogo de música es prácticamente desconocido en el mundo entero, siendo Francia el país donde más se representa el trabajo del autor. Por ello, la Compañía ve como una oportunidad única el montar de manera fresca y creativa las composiciones de Offenbach, terreno en donde pocos se han aventurado y con lo cual, se puede contribuir a desarrollar referencias escénicas y/o fonográficas de su repertorio. Oswaldo Martín del Campo no sólo es el director de escena, también es tenor, tiene una amplia formación musical y par-
ticipa en la representación de las operetas. En su carrera, ha montado las óperas “Bastián y Bastiana” de Mozart y “La Selva Padrona” de Pergolesi, entre otras. En la faceta de tenor, ha participado como solista en los montajes de las óperas “El Teléfono” de Menotti y “El contrato de Matrimonio” de Rossini y Réquiem de Duruflé; está última a la Orquesta de Cámara de Bellas Artes. Como director de escena ha hecho diversos montajes con compañías como Artescénica, Arpegio Producciones, la Sociedad Internacional de Valores de Arte Mexicano (SIVAM), y el Centro Cultural Ollín Yoliztli. LOS INTEGRANTES
Tarte à la Crème está integrada por los sopranos Brenda Yanel Gar-
OSWALDO MARTÍN DEL CAMPO
REBECA SAMANIEGO
Abd El Hadi Sabag
cía Santiago, (concursante del reality cultural ópera prima), Scherhezada Cruz, Martha Llamas y Blanca Rodríguez; la única mezzo soprano es Rebeca Samaniego; Felipe Gallegos, Yovanni Catalán y Ricardo Castrejón son los tenores del equipo; los barítonos son Omar Lara y Oswaldo Martín del Campo y el único bajo es Cesar Castro. El caso de Rebeca Samaniego es especial, pues ella también funge también como presidente de la compañía junto a la mezzo soprano Rebeca Samaniego, vicepresidenta de Offenbach Opereta Studio A.C., también protagonista de la opereta “Un marido en la puerta”. Además de representar el repertorio de Offenbach, Oswaldo Martín del Campo explica que Tarte à la crème también surge por el deseo y la necesidad de brindarles una oportunidad a los nuevos talentos de la ópera, puesto
que lugares como Bellas Artes, por ejemplo, son espacios muy pequeños que no satisfacen las demandas de los cantantes y donde sólo se presentan artistas con una trayectoria más larga.
Ángeles e hizo la transcripción para dos pianos, de L’Heure Espagnole (Ravel) en Clermont-Ferrand.
UNA DIRECCIÓN DE PRESTIGIO
Hace falta mucho espacio para describir la carrera de André Dos Santos, director artístico de Tarte à la Crème. De origen brasileño, comenzó a tocar piano a la edad de 11 años; fue ganador del Concurso Instrumentistas Jóvenes en Bahía 1989 y desde entonces, inició una prolífica carrera musical como solista, música de cámara y acompañamiento en festivales alrededor del mundo, incluidos Brasil, Grecia y Austria. Entre sus múltiples logros, ha dirigido la preparación musical del estreno mundial de la ópera Grendel (Elliot Goldenthal) para la Opera de Los
EL PIANO
Musicalizada en vivo para deleite de los espectadores, el espectáculo de Tarte à la Crème presenta las canciones en su idioma original (francés), pero quienes asistan no deben preocuparse por aprenderlo antes, pues una pantalla en la parte superior del escenario proyecta subtítulos simultáneos. Pero dos de las herramientas más aplaudidas son las voces y por supuesto, el piano en vivo, ejecutado por el maestro Abd El Hadi Sabag. De ascendencia belga, comenzó sus estudios musicales a los ocho años de edad. En 1994 resultó ganador del Concurso “Mejor Intérprete 1994”, ahora estudia en Escuela Superior de Música en donde está por terminar su licenciatura en piano.
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MÚSICA
{JAZZ}
CHARLES GAYLE LA DENSA MÚSICA DEL CORAZÓN Por SERGIO A. UBALDO S.
C
erca de tres décadas en la música, compiladas en visitas a diferentes partes del mundo y poco más de sesenta presentaciones en festivales, hacen a Charles Gayle uno de los más importantes representantes del jazz contemporáneo. A través de su particular visión, plasmada en cerca de treinta álbumes, grabados por importantes compañías discográficas, Gayle ha creado un sonido poderoso, pero también visceral y estridente, situaciones que lo separan del sonido clásico. Gracias a su versatilidad, este del talentoso músico ha colaborado no sólo con reconocidos músicos del jazz, sino también con bandas de rock como Sonic Youth. 68
La música de Charles Gayle suena bastante diferente al jazz clásico, es un sonido bastante particular. Charles Gayle: Lo que hago es free jazz (jazz libre). He grabado discos dentro del sonido clásico, pero ahora quiero hacer algo más lírico. He tocado música desde los 7 años, durante tres o cuatro años tomé lecciones de piano, pero a los 13 años supe que quería ser un músico de jazz, y como a los 17 o 18 años me enamoré del saxofón. En los cuarenta y los cincuenta me gustaba tocar un jazz muy regular, pero hacia los sesenta y los setenta mi estilo se transformó en un sonido más de vanguardia.
La música que tocó viene de mi corazón y a menudo surge de la improvisación. Sé en que dirección voy, donde la música se parezca mucho a la voz humana. ¿Qué situaciones cambiaron su visión del jazz? Charles Gayle: Viví durante algún tiempo en las calles, me convertí en un vagabundo. En el tiempo que pasé en las calles tocaba mi música, y vamos es Nueva York, te acostumbras a tocar con los llantos de los niños o el ruido de los automóviles. Entonces traté de poner todos estos sonidos dentro de mí y así convertirlos en música. Eso fue una gran experiencia, la cual me ayudó mucho, pues no sólo se trataba de hacer música, sino también de integrar los sonidos urbanos a una experiencia de vida. ¿Quién o quienes influenciaron la música de Charles Gayle? Charles Gayle: Mis mayores influencias están en los artistas del piano y del saxofón. Siempre me gustó escuchar a Louis Amstrong, Charlie Parker, Art Tatum y John Coltrane. Ellos fueron mi mayor influencia, los admiré mucho y fue un placer escucharlos mientras estuvieron vivos. Quizá tam-
bién el jazz avant-garde de Ornette Coleman o Alber Yler, aunque no toco como ellos. No obstante, creo estoy más influenciado por la ciudad y no por la gente. Por los sonidos de la calle, por el llanto de los niños, por las campanas de la iglesia, pues crecí en un ambiente cristiano. Acerca del tema de la religión, ¿Cuánto ésta ha influenciado a su música? Charles Gayle: Quizá ya lo sabrán, soy cristiano. La religión ha influenciado en toda mi música. Mi corazón está entregado a Jesucristo, él es todo para mí. Eso me ha funcionado muy bien, pues me dio una libertad de espíritu y le da un enfoque distinto a lo que hago. No sólo se trata de hacer música, sino también del amor por Cristo, del amor por la gente. El sonido de su música me parece visceral, estridente, muy denso, me recuerda al punk de los setenta o al hardcore, ¿Hay algo de esta música en
su propuesta? Charles Gayle: La música que tocó viene de mi corazón y a menudo surge de la improvisación. Sé en que dirección voy, donde la música se parezca mucho a la voz humana. Quiero que el saxofón este muy cercano a lo vocal. Otra cosa que deseo es tocar el corazón de la gente y ésta llore o se ría. Si alguien está triste intentó que mi música lo ponga alegre, y si alguien llora que sea de felicidad. Una experiencia más allá de la música, alma con alma y que el alma de Cristo toque a la gente a través de mi música. ¿Charles Gayle ha escuchado música mexicana? ¿Algún músico mexicano ha llamado su atención? Charles Gayle: : En realidad no. En Nueva York hay millones de mexicanos. Escuchó su música, pues resulta inevitable porque ellos tocan mucho. Pero no conozco algún género en específico.
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FRANKY
, POR HERNÁN VIGNA
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OPINIÓN
{VOCES DE STAGE}
UN MUNDO QUE CABE EN EN EL BAÑO, METRO, PESERO O EN LO QUE DURA UN ALTO Por
MARA ARELLANO ARJONA
H
ablar sobre los beneficios de la lectura es ser reiterativo. Decir que si lees tendrás mejor ortografía, es por todos sabido. Insistir en que los mexicanos no leen es sólo evidenciar una realidad, la cual nada cambia. Entonces, ¿por qué hablar de libros? Si se piensa bien, no hay ninguna nueva razón para hacerlo, pues todas ya se han dicho y todas han sido tristemente ignoradas. Sin embargo, hoy debemos rescatar una realidad muy interesante, la cual además ha sido expuesta en un cartel promocional por la maravillosa campaña publicitaria de librerías Gandhi: “No es que la gente no lea. Es qué no sabe qué leer” 1 y la verdad es que esa es una razón de gran peso. Cuántas veces no hemos oído frases llenas de razón pero terriblemente lastimosas, como: “la lectura me aburre”, “es que es bien pesado leer”, “qué flojera leer un libro” o la no menos célebre expresión, que a los buenos lectores nos pone los pelos de punta, “mejor me espero a que la hagan película”. Sin embargo, la verdad es que sí, la lectura es muy aburrida y muy pesada y da mucha flojera cuando no sabemos lo que nos gusta leer, y por esta razón es que muchas veces leemos cosas que no van con nuestra edad, o nuestro perfil, o interés, en otras palabras, leemos lo que nos imponen personas que no tienen ninguna idea de cómo incentivar la lectura, es decir, por qué insistimos en pedirles a los niños de secundaria que lean el Principito de Antoine de Saint- Exupèry, si es una doctrina de vida, que a los adolescentes poco les importa. O por qué pretendemos hacer que los niños se interesen en la lectura a través de Tom Sawyer de 71
Este espectacular pertenece a la campaña de Librerías Gandhi del 2008 1
Mark Twain, si ya para la mayoría de ellos esas aventuras, son irrelevantes. Me explico. Actualmente los jóvenes tienen acceso a mucha información que les abre un mundo mucho más grande que lo dado por lecturas, que para apreciarlas es necesario una madurez que no tienen, es decir, Tom Sawyer es una lectura maravillosa por ser una obra maestra y por retratar una forma de vida ya inexistente para los jóvenes, pero éstos no lo aprecian así, pues viven en un mundo en el que: ya no hay manera de irse de pinta para pescar, en donde las niñas son las que se les lanzan a los niños, o en donde la esclavitud es algo que no se relaciona con ellos. Ahora bien, si a todo esto le sumamos que vivimos en un mundo de imágenes, en donde las obras maestras de la literatura ya están hechas películas y que fisiológicamente nuestro cerebro decodifica más rápido una imagen que un texto, pues entonces “mejor me espero a que la hagan película”, a fin de cuentas con la pobreza a nivel mundial de guiones cine. matográficos, seguro en poco tiempo, esa obra literaria, ya sea buena o no, llegará a las pantallas grandes. De hecho eso fue lo que pasó con obras como Harry Potter, de J. K. Rowling, o el Señor de los anillos, de J.R.R. Tolkien, las cuales en su momento despertaron el ánimo de lectura
de muchos chicos y jóvenes alrededor del mundo y que hoy, la nueva generación, prefiere verlas en películas a conocerlas en los libros. Bajo esa perspectiva entonces, ¿qué hacer? Pues un buen principio sería tratar de enganchar al lector con obras que le vayan a su edad, sus inquietudes e intereses, es decir, debemos iniciar a los niños desde muy temprano -un año o dos- a la lectura, a través de cuentos que ellos puedan manipular, entender y gozar. Posteriormente ir aumentando el grado de complejidad: un libro de literatura fantástica, una novela sencilla, ciencia ficción, un libro histórico, etc., el caso es tener un libro conforme se va creciendo, hasta que ya de adolescente se tengan un poco más de criterio para ver qué es lo que más nos gusta leer. Evidentemente en todo este camino debe haber alguien que guie y esté siempre presto a ofrecer, en el momento justo, la mejor opción de libro en cuanto a género, autor, y temática. La casa puede ser el mejor lugar para lograr lo anterior, y sería mucho más interesante si padres e hijos emprendieran el camino juntos. Lo anterior debería ser sencillo, sobre todo si pensamos que durante toda nuestra educación básica llevamos materias de español y de literatura, lamentablemente nuestro magisterio no es lector y por lo mismo no puede recomendar-
nos nada. Además muchos de los programas de primaria, secundaria y bachillerato no están elaborados para incitar la lectura, por el contrario, ponen una cantidad de trabas que van desde que el maestro no sabe qué recomendar, hasta la aberración de darles a leer a los estudiantes síntesis mal hechas de grandes obras literarias. Ciertamente un buen principio para el cambio sería educar al profesor en el tema, tratar de instalar programas que incentiven la lectura, motivar la construcción de bibliotecas públicas, buscar la manera de salir del insultante lugar 107, de 108 países encuestados, en que nos colocamos después de que la OCDE y la Unesco realizó su estudio “Hábitos de lectura”. No vamos hablar de estadísticas, son terribles, y como decimos al principio, ya todos las conocemos. Por eso la propuesta es que la literatura vaya creciendo con nosotros para que cuando estemos en la adultez, ya sepamos qué tipo de libro nos gusta, y seamos capaces de escoger entre una gran variedad de temas, géneros y autores. Entonces sí, un libro puede ser nuestro compañero inseparable, y esa famosa frase publicitaria de Gandhi, “Leer te trasporta. Literalmente”2 la entenderemos al 100%, porque la lectura es esa hermosa oportunidad que nos permiten los
buenos autores de transportarnos al mundo donde ellos habitan, es el crearnos la imposibilidad de dejar abandonado un texto que nos tiene atrapados en cárceles de imaginación, interés, conocimiento, entretenimiento, gozo y por qué no, también sufrimientos.Es la lectura la infinita gloria de sabernos espectadores de primera fila en una aventura que jamás podríamos vivir sin la intermediación de un libro, es saber que podemos salir del mundo cotidiano y monótono que nos rodea sin salir del baño. Que con todos y los apretones del metro, estamos volando en los brazos de una realidad plasmada en papel. Que aún con los movimientos bruscos del pesero, somos capaces de seguir ensimismados en la descripción majestuosa de una tierra nunca antes vista. Porque a un libro, cuando sabemos escogerlo, nos los llevamos en el carro, y cuando nos toca el alto, sin importarnos el tiempo que tenemos, lo tomamos entre las manos y seguimos leyendo cómo es que el protagonista, sin prisa y con todo el amor del mundo, le hace el amor a la protagonista al mismo tiempo que a nosotros, sin importarnos que un claxonazo nos devuelva abruptamente a la realidad, antes de llegar al orgasmo, el cual alcanzamos cuando cerramos la última página. Este espectacular pertenece a la campaña de Librerías Gandhi del 2010 2
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