Mis Palabras

Mis Palabras Stella Maris Leone Geraci

Stella Maris Leone Geraci

Mis palabras

Este libro está dedicado A mis Padres que me abrieron la puerta del Arte , cuando tenía 8 años y hoy es mi mundo .

Quiero dar las GRACIAS a todos aquellos que creyeron en mis palabras.

A Carlos y Nino de Vivir por un Sueño.

A Claudia de Janukarte.

A los Artistas y Galeristas que me permitieron entrar en su mundo.

Mis Palabras es la recopilación de textos que vengo escribiendo hace años.

De adolescente solía escribir algunos poemas, cuando empecé a exponer tuve la necesidad de expresarme con palabras, así que comencé a escribir los textos para mis muestras, luego algunos colegas me pidieron que le escribiera sobre su obra y las palabras se volvieron parte.

Desde el 2010 comencé a publicar en mi blog, notas sobre Arte, algunos ensayos, entrevistas que le hice a Artistas, hablar del Mundo del Arte, hizo que completara mi visión dentro de mi Mundo del Arte, para esa misma época comencé a desempeñarme como Fotoperiodista Freelance, cubriendo algunos eventos dentro del ámbito local, del partido de Tres de Febrero, a las fotos luego llegaron las palabras, esto me dio un ejercicio distinto el de la rapidez con la que debía publicar el material, tanto el fotográfico como el escrito, comenzaron a llenar mi mundo.

Mi profesión de Artista y Fotógrafa se enriqueció, mi visión del Arte sigue creciendo, no solo cuando trabajo en mi obra con temas sociales o de violencia de genero, que me hacen investigar, buscar frases, textos para incorporar en la obra; ahora mi Mundo se volvió más grande, GRACIAS a Mis Palabras.

Stella Maris Leone Geraci

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Arte en Palabras

La salud de la pintura Hace unos días en una reunión con otros artistas me preguntaron por ¿la salud de la pintura?, les dije que a mi parecer goza de buena salud, hace años que vengo escuchando sobre la muerte de la pintura, pero sin embargo y con asombro veo como los jóvenes artistas y otros no tan jóvenes siguen trabajando con Ella, a pesar de otros medios como las artes electrónicas, fotografía, instalaciones, body art, land art,la pintura había tenido su auge en los 80 y luego volvió a decaer; a principios del siglo XXI, la pintura volvió a renacer.

La pregunta sería ¿porque pintar? en una época en donde los ordenadores marcan la tendencia, la verdad es que la pintura más allá de estar alejada tecnológicamente, está relacionada con la materia, el tiempo, el espacio y con eso que llamamos poner el cuerpo en la obra, el acto físico de pintar, mezclar los colores, las herramientas, el soporte es la unión de todos esos factores que responde a la pregunta ¿porque pintar?. Sin la existencia de los pintores la pintura, no podría sobrevivir, en una época en donde el trabajo en equipo y la nueva tecnología parece ser la moda, el pintor solo en su estudio frente a sus dudas sigue siendo muy envidiable.

Quizás por eso muchos se preguntan ¿por la salud de la pintura? debido a que el mercado del arte, dejó de lado la pintura, para mostrar las nuevas tendencias, que no está mal, ya que estas nuevas tendencias engrandecen al Arte en general, pero si vemos las cotizaciones que en el mundo están teniendo pintores reconocidos como Bacon o un Lucian Freud, sin dejar de lado a los jóvenes codiciados como Cecily Brown, Marlene Dumas; son hechos que pueden demostrar más que un tono saludable de la vieja practica como algunos la llamamos, siempre recorro muestras y puedo ver como jóvenes artistas no solo trabajan con el acrílico o el esmalte, algunos podríamos decir que son los materiales más populares pero pude ver muestras muy buenas realizadas en acuarelas y tintas, quizás a los más puristas no les agrade el tema de como las emplean, con otras técnicas, puedo decir que no me molesta siempre y cuando la pintura no solo quede para las clases de arte, que no está mal, ya que Yo enseño, pero en esa calidad de Artista - Docente, me interesa que la pintura salga de los talleres para copar las salas de arte, aunque el mercado considere que la salud de la pintura, está en baja.

Retrato y comunicación ¿Que es un retrato? es el arte de la representación de la figura humana tanto en escultura, pintura o fotografía; en literatura es la presentación de un personaje. ¿Que es la comunicación? es el acto o efecto de comunicar, el hecho de estar comunicados, el intercambio de información.

Partiendo de las definiciones sobre retrato y comunicación puedo empezar a hablar del tema.

El retrato siempre fue un medio de presentación, utilizado por las personas que solían encargarles a los pintores o escultores un retrato o busto de ellos o de algún familiar, no olvidemos al grabado con el cual se reproducían los retratos en algún libro o diario, hasta la llegada de la fotografía, el retrato cambia la manera de comunicar la imagen pasa de ser exclusivo, para empezar a ser masivo, comenzaba una nueva manera de comunicar la propia imagen, se imprimían tarjetas de presentación con sus fotos para intercambiar entre personas o enviarlas como postales por carta a sus familiares, el retrato solo se hacía publico cuando teníamos un evento social.

El retrato cambió, como cambiaron los tiempos, cambiaron las técnicas, pasamos del formalismo, del marco dorado, las esculturas en mármol o bronce a las fotos en sepia, colgadas en la casa de alguna abuela o tía, de los porta retratos y álbumes familiares, a los correos electrónicos, a los cd - dvd, los álbumes en linea, a las redes sociales.

Antes el hecho de hacer un retrato implicaba dedicarle un tiempo, se pasaban horas posando frente a un pintor y no hablar de los primeros retratos fotográficos donde se acomodaba al retratado sobre una estructura para que la imagen no saliera movida y el retratado no se cansara ya que los tiempos de exposición eran largos. Entonces ¿cuantos retratos pintados o esculturas se encargaban?, ¿cuantos retratos fotográficos se hacían al año??... 1 quizás?!, luego pasamos a los estudios ambulantes, cuantos de nosotros no fue retratado por algún fotógrafo que pasaba por nuestras casas, ofreciendo sus servicios; con las cámaras familiares cambió, los cumpleaños o fiestas eran motivo de un retrato, luego llevábamos el rollo a revelar, hacíamos copias que repartíamos a la familia y amigos, hoy con los medios digitales, es instantáneo, ya no llevamos las fotos impresas en las carteras, ahora las llevamos en el celular ó en un pendrive, cuantas de esas imágenes terminan en la papelera de reciclaje, de nuestras cámaras ó computadoras. ¿Dejamos de ser anónimos para mostrarnos?, ya no se necesita ser actor ó actriz para que nuestra foto sea publicada en un medio, solo nos basta con crear un perfil en alguna red social, subirla y todos nos conocen, el mundo nos ve ahora y ya.

Esta nueva forma de comunicar nuestra imagen nos hizo iguales o nos sigue separando como en las épocas en las que se les encargaba un retrato a un pintor, que pensaba Manuelita Rosas, cuando Prilidiano Pueyrredón la retrataba, quería dejar su imagen reflejada en ese cuadro para siempre, para que todos nosotros la viéramos en la sala del Museo Nacional de Bellas Artes o solo cumplía con una tradición de las familias de esa época.

Hoy vemos los retratos tomados por los fotógrafos de finales del siglo XIX o principios de siglo XX a algún miembro de nuestra familia, quien enviaba esa foto por carta, suelo mirarlas, algunas son de casamientos que mandaron desde Sicilia, sus rostros se veían serios, eran jóvenes los cuales parecían de mayor edad; hoy esas mismas fotos muestran rostros mas alegres, grandes sonrisas. ¿Que cambio? la forma de retratar, los medios para realizar los retratos, el retratado y el que retrata. Todo cambio, la sociedad, los medios para retratar y como comunicar nuestra imagen al mundo......

Si volvemos atrás en el tiempo vemos que los retratados no solo eran los miembros prominentes de la sociedad, también algún político de la época que quería ser inmortalizado

tanto en una pintura como una escultura; hasta la misma Lola Mora realizo bustos en bronce que le solicitaban por encargo.

Nos retratamos para ser inmortales para dejar constancia de nuestro paso por este mundo, quizás somos como Narciso que cuando vio su rostro reflejado en el agua se enamoro de si mismo. Nos gusta vernos y volver a vernos, saber que nuestro retrato quedará!!!....¿quedará realmente?, si somos simples mortales lo más probable es que terminen en la basura o en la papelera de reciclaje. Yo misma me vi un día quemando retratos de personas que no conocía, otras si, casi todas ya habían fallecido. Y me pregunto si ese es el destino de mis fotos?...si lo son!!!

Que pasa con tantas fotos publicadas en las redes sociales que será de ellas cuando no tengamos el control de las cuentas, que pasa con el derecho sobre nuestras fotos, alguien puede tomarla y utilizarla, modificarla y decir que le pertenece; ese sería otro tema a tratar.

Cuantos fotos de des conocidos se hicieron famosas al ser publicadas en una revista ó un diario no hablamos de las fotos que Annemarie Heinrich, tomó de las divas del cine Argentino ó como la foto que Adriana Lestido le tomó a una mujer con su hija en brazos pidiendo por su marido desaparecido, en Plaza de Mayo; hoy es un retrato que ninguno de nosotros olvidaría.

Miembros de la sociedades, políticos, artistas, simples des conocidos fueron y son retratados día a día, nosotros mismos nos retratamos con nuestra cámaras digitales, la cámara de las computadoras, el celular, todo sirve; nuestra imagen personal cambia todos los días, así como nuestro avatar, nick o foto de perfil.

Dejamos de posar de manera acartonada, estática, formal como lo hacían antes, hoy cuando nos solicitan algún trabajo fotográfico, para una boda, 15 años, un retrato, lo primero que nos dicen es que sea algo distinto, ya nadie quiere verse como nuestros abuelos en esas fotos, queremos vernos diferentes a los demás, los modelos que teníamos de trabajo, ya quedaron obsoletos como los medios con los que trabajábamos, ahora nos piden un foto reportaje en donde todos queremos ser las estrellas, hablo de fotos, ya que en estos tiempos a muy pocos se le ocurriría pedirle a un pintor que le haga un retrato, el último que pinte por encargo fue hace diez años; quizás podemos solicitar a algún artista callejero que por unos pesos y siempre con un mismo diseño de rostro, nos retrata en 15 minutos, así nosotros nos vamos contentos con ese original enrollado bajo el brazo diciendo mira me hizo igual. No digo que en la actualidad los artistas plásticos no realicen retratos, tenemos el caso del Grupo Mondongo, que con materiales no tradicionales, expusieron en 2002 en la Galería Braga Menéndez una serie dedicada al Jet Set Argentino, luego comienzan a realizar retratos por encargo como los que hicieron a la familia Real de España, en 2004 exponen en la Casa América de Madrid una serie de retratos de personalidades internaciones entre ellos un retrato de Juan Pablo II, realizado con hostias; como dije anteriormente es una excepción a la regla, al común de las personas.

Hoy todos llevamos una cámara en la cartera de la dama y en el bolsillo del caballero; el celular es una herramienta que se utiliza y mucho, así que no importa donde nos encontramos, vemos una imagen, un rostro, una acción y tomamos la foto, tan rápido como eso mandamos la foto por mensaje a alguna red social, ya no nos tomamos el tiempo de descargar la imagen para luego enviarla, todos estamos conectados a la red. ¿La manera de retratar, lo inmediato hizo que se vuelva más cruel?...ó ¿siempre fue así?.

Cuando un fotógrafo, quería que le publicaran una imagen debía armar una red de emisarios, como enviar el rollo por avión, conocer a alguien de la tripulación que le hiciera el favor de

entregarlo, otros armaban pequeños laboratorios en los baños de los hoteles y luego siempre y cuando la linea telefónica no se cortara enviaban las imágenes, hoy solo basta con una computadora portátil, un bar con conexión inalámbrica, enviamos la foto o la subimos a la red; antes para ser publicada debía pasar por el filtro de un editor.

Ante tanto bombardeo de imágenes que vemos constantemente en internet, la pregunta es ¿cuales de esas imágenes llegara a trascender en el tiempo?, pero también me pregunto cuantas de esas imágenes subidas sin pensar, solo por el hecho de decir Yo también puedo tomar esa foto; ¿pueden causar algún daño?.

En está vorágine en la que todo es ahora y ya; todos queremos ser fotógrafos o reporteros, subimos la foto o la enviamos a algún medio de comunicación en linea, luego vemos como son utilizadas para ilustrar una nota, hasta que el periodista llega y así tuvimos nuestra oportunidad de decir publicaron mi foto, como si el hecho de realizar una fotografía fuera algo tan simple como hacer un click, como cuando hacía algún retrato pintado y me decían ahora hace me un retrato a mí, para muchos solo son tres pinceladas o un click.

Nos retratamos para mostrarnos, para que nos conozcan, la pregunta que me hago es si realmente nos conocen, ó si seguimos siendo anónimos, no se si el retrato y los medios de comunicación van de la mano, creo que no importa cuantos “amigos” tengamos en nuestro perfil, lo más seguro es que si nos cruzamos frente a frente no nos reconozcamos. Suelo bromear cuando voy a algún evento y hablo con alguien de mi red, les digo que voy a llevar puesta una capellina.

La verdad es que tanta comunicación solo nos hace más anónimos, como cuando estamos en la sala de pre embarque de un aeropuerto al que muchos llamamos un no lugar, creo que lo que logramos con las redes sociales, subiendo nuestros retratos es un gran anónimato; el mismo que teníamos cuando los medios de comunicación no eran tan masivos.

Que hace que ese retrato trascienda, sea recordado por muchos, como la foto de la niña afgana que tomó Steve McCurry; ¿es la imagen?, ¿es el retratado?, ¿es el que retrato?, ¿fue el medio con que se realizó el retrato?, ó ¿el medio en el que se dio a conocer el retrato?.

Quizás fue un conjunto de todas esas preguntas, que me hice anteriormente, las que llevaron al reconocimiento de la fotografía; entonces si “una imagen vale más que mil palabras”, ¿porque hay miles de imágenes sin palabras?, acaso la comunicación constante en la que vivimos, hace que necesitemos un bombardeo de imágenes sin sentido; ¿porque nos importa tanto retratarnos? y ¿retratar a quien sea?, en cualquier situación sin importarnos, no estamos avasallando la dignidad del retratado, los medios, la tecnología en este constante crecimiento, en donde lo nuevo de hoy, es viejo mañana, como los posteos cortos del twitter, que nos obliga a estar permanentemente comentando nuestra vida, así hacemos con nuestros retratos, en donde por no perder los primeros lugares en las noticias de nuestros contactos subimos imágenes permanentemente, sin importar que subimos.

Escuche decir a Sara Facio en un reportaje, que para hacerle unas fotos a Victoria Ocampo tuvo que hablar mucho con Ella para convencerla y luego buscar el momento indicado para realizar la foto y no perturbar a la retratada, el caso contrario es Martín Parr que con su manera irreverente de fotografiar a los concurrentes a las playas latino americanas y sin pedir permiso los retrato, el comentaba lo cómodo que se sintió haciendo el trabajo en Sud América, por el hecho que en varios países de Europa ya está prohibido retratar gente común sin su consentimiento, debo recordar que la muestra Playa se vio en 2009 en el Centro Cultural Recoleta, en Buenos Aires. Los tiempos cronológicos entre las fotos de Sara Facio y Martín

Parr, son distintos pero la forma de encarar el trabajo de cada uno sigue siendo la misma en el tiempo.

Me vuelvo a preguntar ¿todos queremos ser transgresores?, en nuestra manera de retratar y retratarnos, con los nuevos medios de comunicación perdimos esa delgada linea en donde mostramos y nos mostramos al mundo sin importar como. Que nos importa comunicar ¿Nuestra vida?, ¿Nuestra imagen?, dejar constancia de nuestro paso ó simplemente que nos reconozcan.

Un encuentro entre Mujeres Artistas Trabajar sin la presión del éxito; No tener que exponer con hombres; Tener una evasión del mundo artístico con tus cuatro trabajos free-lance; Saber que tu carrera será conocida después de cumplir ochenta años; Estar convencida de que cualquier arte que tú hagas sera etiquetado de femenino ; No quedarte anquilosada en una plaza fija de profesora de arte; Ver que tus ideas cobran vida en el trabajo de otros; Tener la oportunidad de escoger entre tu carrera o tu maternidad; No tener que justificar tu éxito económico con antiguas militancias conceptuales; Dedicar más tiempo a tu trabajo cuando tu compañero te haya abandonado por alguien más joven; No tener que avergonzarte porque te califiquen de genio; Poner tu fotografía en una revista de arte moderno usando un traje de gorila.

Manifiesto del colectivo anónimo de Mujeres Artistas, "GUERRILLA GIRLS" Extracto del libro: El extravío de los límites....de Jorge López Anaya.

Con la lectura de este texto, empezamos una charla entre Mujeres Artista, en un encuentro que realizamos, las edades estaban entre los 25 a los 70 años, sus estados civiles variados, pero a todas nos unía el mismo tema, como ser una Artista Mujer en un país de Sud América y como manejar no solo la profesión, además de nuestros hogares, y el reconocimiento dentro del mundo del arte.

El tema de ser Artistas en Sud América ya no se veía como un obstáculo para el desarrollo de la carrera, hoy con los medios electrónicos es muy fácil hace difundir la obra artística y abrir puertas para trabajar, en América del Norte o Europa, pero si quizás nos afecta el tema económico, claro el más importante, muchas de las referencias que hacían eran quizás la falta de apoyo a la actividad y ahí veíamos el tema de la discriminación no solo la de ser mujer, también le sumamos la de ser artistas y no sin despreciar a las amas de casa, muchas veces para no decir siempre encontramos obstáculos y los proyectos salvo raras excepciones deben ser financiados por las propias artista, que no olvidemos si además de artistas son esposa, madre y si la familia no son parte de nuestra actividad suele hacerse por demás complicada, pero que pasa con las otras Mujeres las que no tienen una familia y decidieron dedicar su vida a ser Artistas no hay mucha diferencia en este tema, conseguir el financiamiento para un proyecto puede ser una gran epopeya.

Pero no solo el tema económico influye a la hora de definir nuestro trabajo, muchas repartimos nuestra actividad de Artista, con la docencia o realizando trabajos esporádicos para otros, si la artista en cuestión no tiene familia a su cargo, el uso del tiempo y del dinero para financiar los proyectos puede ser mucho más fácil, pero que pasa cuando una tiene una familia, el tema de los horarios se complica y mucho, poder dividir los tiempos de trabajo y los del hogar, el dinero; hace que muchas crean que son malabaristas, como los que se ven en la vía publica por unas

monedas. Varias de estas Artistas se han unido en cooperativas para financiar proyectos, los resultas son variados, algunos fueron exitosos y otros verdaderos fracasos.

Pero no termina ahí que pasa con la sociedad que nos rodea cuando les decimos somos artistas, te miran y aunque no te lo dicen con palabras, una sabe que por dentro están diciendo anda a lavar los platos, otros te preguntan como se puede vivir de eso, de esto, va de ser una Artista Mujer en estos tiempos y no estar trabajando en una oficina o en la casa cuidando a los hijos y ni les cuento cuando además de ser Mujeres Artistas somo solteras!!! como podemos justificar vivir de nuestro trabajo, que en algunos casos son tres a la vez y no tener un Señor a nuestro lado proveedor del sustento y poder pagar las cuentas a fin de mes, en este punto aparece la discriminación hacia la mujer ya no solo por el hecho de ser Artista, soltera o casada, es el hecho que no hacemos lo mismo que las demás mujeres, el no cumplir con un mandato impuesto por la sociedad puede ser para muchos algo fuera de lugar, pero de seguro si trabajaramos en una oficina nos dirían por que no estamos en casa cuidando del hogar y si nos quedamos en casa nos diríamos que fuéramos a trabajar, porque para muchos ser amas de casa no es un trabajo.

Pero que pasa con nuestra obra, en el 80% de los casos nos dicen que es arte femenino, como si eso fuera hacer un arte menor, para muchos la diferencias entre mujeres y hombres en el arte sigue existiendo, las últimas tendencias con respecto a las obras es que los hombres no importa su trayectoria realizan obra grande, cuando más grande mejor, parece que el tamaño importa y que pasa con nosotras las mujeres, muchas hoy ya están compitiendo en tamaño con los hombres, otro punto en cuestión es tratar la problemática femenina y hacer respetar nuestro genero, es considerado por muchos como feminista, como si eso fuera una enfermedad, pero acaso no tenemos el mismo derecho de exhibir nuestro trabajo y hablar sobre temas que nos preocupan como las violencia de genero, no solo física, también verbal, las violaciones y abusos a los que son sometidas las mujeres en varias partes del mundo, si hablamos de esos temas, es porque los entendemos mejor, porque los vivimos en nuestros cuerpos y tenemos el derecho y la obligación de ponerlos en consideración del resto la sociedad.

La charla continuo y uno de los temas finales fue que pasa cuando Nosotras obtenemos un reconocimiento, que publiquen nuestra obra, que nos hagan una nota en algunos casos recibimos las felicitaciones, sinceras o no, no lo sabremos; pero no faltan los comentarios bueno fue solo la foto o pagaste por la nota y ni hablar si en el barrio en el que vivís se enteran, la frase es que va a salir en el diario si viví a la vuelta de casa, como si ser una Artista Mujer y vivir en un barrio no es posible.

La mirada del Artista.....la mirada del Fotógrafo Todo se trata de la mirada, cuando un artista empieza a realizar su propias fotografías, su mirada sobre la luz, la construcción de la imagen, el encuadre, el foco, suele tener mucho de lo que viene en su formación como artista, donde la linea, el color, la trama, el hilo conductor son tan necesarios a la hora de construir un cuadro, eso es lo que pasa con la pintura, el dibujo, el grabado, la escultura, el Artista se toma el tiempo para crear la imagen, se piensa, se elabora mental y físicamente, donde los bocetos juegan un papel fundamental, hasta llegar a la conclusión de esa obra, pero muchas veces el Artista no sabe en que momento dar el final a su obra, muchos en el momento de firmar, ahí finalizan la obra, pero otros no se detienen ahí siguen corrigiendo hasta cuando están montadas en la galería, volviendo a la construcción de

la obra, está el espacio, la linea, la forma y el color, en ese orden, luego el juego de luces y sombras, que da los volúmenes, pero cuando el Artista comienza a sacar fotos, su mirada sigue construyendo de la misma manera, busca la dirección de la luz, si la linea, el color, en este proceso que puede parecer lento y hasta engorroso se hace automáticamente, está tan incorporada a su forma de crear, podríamos decir que es hasta inconsciente.

La mirada del Fotógrafo es distinta, crea a partir de la imagen, el encuadre, el foco, claro no pueden faltar la luz y la sombra algo que lo une con la mirada del Artista, el Fotógrafo capta el momento; a diferencia del Artista su mirada es más rápida, ve y ahí en una fracción de segundo toma la foto, no se detiene a pensar o evaluar la luz, la sombra, el color, la linea; no puede si está haciendo fotos de calle, cuando el Fotógrafo trabaja con más tranquilidad pensando la imagen, también busca la linea, el color, oí decir a algunos Fotógrafos ahora llamarse Artistas por su manera de construir la imagen, pensarla, dirigirla es el caso de Marcos López, que hace grandes puestas en escenas para sus fotografías, llegando más a cumplir la función de un director de escena, en estos momentos con su trabajos; otro ejemplo es el de Sergio Fasola que con su formación artistica, compone sus fotografías desde el punto de vista de un artista con la calidad técnica de la fotografía. Que pasa cuando un Fotógrafo como Jeff Wall, que con su formación comienza a escenificar pequeños retablos de una gran credibilidad teatral y atractivos a la vista, como en su reinterpretación de la obra clásica de Hokusai, Artista Japonés del Grabado; Wall realiza el montaje del escenario en el lugar, sustituye las hojas y los árboles de Hokusai por papel y postes de teléfono.

Ya estamos viendo como los fotógrafos se alimentan visualmente en recreaciones tanto de la pintura como del grabado; pero también los artistas se valieron de la fotografía y la siguen utilizando para crear sus obras.

En este punto deberíamos decir que la mirada de uno y otro se juntan y alimentan entre si; pero hoy más Artistas hacen fotos y la incorporan a su obra como medio de expresión y son más los Fotógrafos que se vuelven artistas para realizar sus fotografías.

Esto cambia la mirada de los Artistas y de los Fotógrafos o siguen mirando desde el mismo lugar de pertenencia y así amplían sus miradas????

Recreación o apropiación de una obra Una vez al mes, solemos reunirnos un grupo de Artistas, para hablar sobre arte, intercambiar opiniones, analizar como vemos el arte hoy, en está ocasión surgió el tema sobre recreación, apropiación de obra, varios de nosotros en algún momento tuvo un intercambio de palabras con personas, que nos acusaban de apropiarnos de alguna imagen, hacerlas nuestra y no respetar los derechos de autor, en lo personal me paso con unas fotos que Yo había tomado, me preguntaban si mis fotos eran de una muestra, Ella consideraba que Yo estaba haciendo apropiación de obra y que eso iba en contra de los derechos de autor, le comente que mis fotos habían sido tomadas en un lugar totalmente distinto y le explicaba que en todo caso los artistas suelen tomar una obra y recrearla, solo le bastaba con leer historia del arte y ver como los casos se repiten, muchos hemos rendido homenaje a algún pintor, grabador o escultor que admiramos, Seguía sosteniendo que se debe hacer docencia con los derechos de autor, intente explicarle que nadie estaba haciendo plagio de una obra, solo se la recrea. Muchos de mis colegas me decían que también se enfrentaron a la misma situación y lo molesto que suele ser tener que explicar el trabajo que uno realiza; en otro articulo que escribí La mirada del

Artista....La mirada del Fotógrafo comente el caso de Jeff Wall que toma el grabado de Hokusai y lo recrea. Pero que nos lleva a nosotros los Artistas, a realizar estas recreaciones en mi caso personal la admiración, además un Rembrandt, es difícil de no conocer, cuantas recreaciones vimos sobre La lección de anatomía, no solo en pintura, también en fotos.

Quizás para muchos es lo más común investigar sobre un Artista, estudiar su trabajo y luego realizar una recreación de alguna obra en particular. Mis colegas me comentaban que en estos tiempos en donde la información está al alcance de la mano con internet, no es muy difícil ver cuantas recreaciones hay de una misma obra, solo basta con poner el nombre de la obra y ya está, entonces porque acusar sobre robo de una imagen; quizás esto se solucionaría si quienes se creen en dueños de la verdad por ser egresados de alguna carrera en gestión, se tomaran el tiempo de leer historia del arte.

Voy a darles un ejemplo nuestro, todos conocemos la obra de Eduardo Sivori, El despertar de la criada, que se realizó en 1887 y que podemos ver en Museo Nacional de Bellas Artes, en la última edición del Bs. As. Photo 2010, se pudo ver una fotografía de Leonel Luna, El despertar de la soltera, impresa en vinilo, donde recrea la obra de Sivori, agregando una lampara de luz y un teléfono infaltable en la habitación de una mujer de hoy, la postura de la modela es igual, hasta el gesto de estar doblando la media, la ropa de la cama, si hacemos una comparación con la obra de Sivori. Entonces alguien llamaría apropiación, recreación o plagio.....la conclusión a la que llegamos en esa reunión, era la misma que teníamos antes de empezar la charla. Ahora la pregunta es ¿que piensan Ustedes?

Si la fotografía si, si la fotografía no.

Sigo leyendo notas y escuchando hablar sobre la fotografía, parecería para muchos que todavía debe dar examen a diario y demostrar su lugar en el mundo del arte, dicen que los nuevos coleccionistas la prefieren por ser más accesibles sus valores a la hora de comprar, no necesito aclarar sus diferencias técnicas, en el caso de la pintura hablamos de un solo original; con la fotografía estamos hablando de reproducción como en el caso del grabado, un factor importante en el valor, es la cantidad de copias que se hacen sobre esa obras, algunos Fotógrafos creen importante limitar la cantidad de copias, como así también cuidar el papel que utilizan para hacer la copia, todo depende del tamaño a mayor tamaño menor cantidad de copias, pero nunca superan las 10 copias en su tamaño más chico, hasta podríamos hablar de una menor cantidad; otros creen que limitarse en la cantidad de copias es perder una posibilidad de venta. Deberíamos ser sinceros y decir que al menos en el mercado local la fotografía debe seguir dando examen, para algunos críticos que se sorprenden por muestras como Bs. As. Photo, en donde la fotografía es la estrella absoluta por unos día, pero si vemos los valores que se pagan en el mundo por fotografías como las de Andrea Gursky, Cindy Sherman, por citar algunos Artistas. Todos los años en el Malba se hace la subasta de fotografía a beneficio de la esclerosis múltiple, logrando valores muy importantes, entonces que lleva a muchos a seguir sorprendiéndose porque el publico hace colas para entrar a la feria o se está comprando más fotografía o si se compra por que su valor es menor a la pintura, decir eso seria menos preciar a la fotografía y a la pintura, quienes estén interesados en tener arte en sus hogares para armar una colección o por el simple placer de tener una obra lo harán sin hacerse ninguna pregunta. La fotografía si, la pintura si, el grabado si, la escultura si.......el arte si.

Marta Minujín en el Malba Son las 12 horas, estoy entrando al Malba para ver la muestra de Marta Minujín, no es la primera vez que veo su obra, pero si quizás la mayor cantidad de obra junta de Ella, el recorrido de esta muestra va desde 1959 - 1989, tampoco les voy a contar en detalle la muestra ya se hablo mucho y además me interesa que vayan a visitar la exposición. Comencé mi recorrido por la terraza donde se exhiben sus esculturas fraccionadas, donde la luz del sol jugaba con los fragmentos de las esculturas, mostrando un juego de luces y sombras que hacían que uno la recorra en todos sus lados. Luego pase a la sala y me encuentro con una gran instalación de fotos, vídeos donde cuenta en detalle sus performan, happening, las instalaciones a gran escala, como el Partenon de Libros y su proceso de realización, claro no faltan sus colchones, como tampoco su GALERÍA BLANDA a la que no me resistí, me saque las sandalias y ahí estuve un rato viendo los vídeos. Sus viajes a Estados Unidos, Francia, sus acciones en esos países, su partición en distintas Bienales; podemos encontrar recortes de diarios donde se mencionan las actividades que Marta Minujín, realizó en los distintos momentos de su vida artística como los documentos, manifiestos y cartas que intercambio como por ejemplo con Rafael Squirru, no faltan imagenes de su participación en el Instituto Torcuato Di Tella; en los dos pisos donde se desarrolla la muestra, uno va teniendo una gran clase se historia del arte, de una Artista Argentina,voy a decir algo que ya les dije a mis alumnos algunos adolescentes, otros no; es una muestra que no se debe dejar de ver y no hay nada mejor que ver la obra en el lugar, a tener que verla en un libro, la experiencia sigue siendo por demás gratificante.

Las Elegías Muchas veces solemos hablar de elegías, pero sabemos de que estamos hablando, que lugar ocupan en las artes y en la vida de las personas, Yo misma en algún momento me puse a investigar sobre el tema por eso en este ensayo les hablare de algunos ejemplos conocidos de elegías en las artes y en nuestra vida diaria.

Primero deberíamos dar una definición de elegía es un subgénero de poesía lírica que se designa a todo poema de lamento como alabanza a la muerte, Jorge Luis Borges (Escritor Argentino) durante treinta años realizó una investigación sobre las elegías anglosajonas; para así dejar algunos textos en su literatura, podemos encontrar algunos poemas de tema anglosajón en Breve Antología Anglosajona.También en la música hay elegías, en La Boheme, de Giacomo Puccini (Compositor Italiano) donde la muerte, el hambre y el frío siguen conmoviendo al público.

Sabemos que las elegías corresponden a grandes estados de ánimo de los seres humanos, donde un hecho de dolor lo transforman en una obra de arte, las sociedades también responden con elegías cuando alguien muere trágicamente en un lugar, se levantan pequeños altares con velas para recordar a la persona; podríamos decir que los funerales del Ex Presidente Nestor Kirchner, con la gente en la Plaza de Mayo llevando flores, haciendo vigilia por la noche; ese acto sentido se convirtió en una elegía social.

Y que pasa con las elegías en las artes plásticas, tenemos varios ejemplos, uno es Sebastiao Salgado (Fotógrafo Brasileño) con sus fotografías en blanco y negro, tomadas en distintos puntos del planeta nos muestra una realidad dolorosa y terrible, pero cuando uno mira esas imágenes, no puede dejar de ver belleza a pesar del contenido de alto impacto social; si bien fue muy criticado por muchos de sus colegas por hacer bello el dolor, sus trabajos son un buen ejemplo.

Un ejemplo de elegías es el Parque de la Memoria (Buenos Aires, Argentina), emplazado frente al Río de la Plata donde un grupo de esculturas realizadas por distintos Artistas, hacen un homenaje a los desaparecidos por la dictadura militar, una de las esculturas es de Roberto Aizenberg (Pintor y Escultor Argentino) son figuras geométricas que representan a tres personas, solo con lineas rectas dejando un gran vació en su interior, como el vació que dejaron los desaparecidos; otro de las obras es Monumento al escape de Dennis Oppenhein (Artista gráfico y Escultor Estadounidense) nos muestra tres estructuras que simulan celdas vacías y dadas vueltas, colocadas en forma de triángulo encimadas entre ellas.

Pero no solo El Parque de la Memoria es una gran elegía, el lugar del emplazamiento no es casual está a 300 metros del Aeroparque de la Ciudad de Buenos Aires, donde funciona el aeropuerto militar, de ahí salían los vuelos de la muerte, haciendo incapié en una elegíade dolor y ausencias que sufrimos los Argentinos en esos años.

La pintura también tiene su elegía Robert Motherwell (Pintor Estadounidense) realizó una serie de pinturas cuando estallo la Guerra Civil Española, todas pintadas al oleo en blanco y negro con un detalle de rojo u ocre, figuras abstractas de formas rectas con algunas circulares, de una gran belleza, estás series de obras son conocidas como Las elegías a la República Española.

Si con las elegías transformamos un dolor intenso en arte tendríamos que decir que en los ejemplos que cite las elegías surgen de una perdida política, en todas partes del mundo podemos encontrar parques y monumentos en conmemoración a un hecho político.

Cuantos artistas realizan sus propias elegías por perdidas personales, intentando calmar su propio dolor, tratando de llevar su duelo, convirtiéndolo en una obra de arte, pero no necesariamente tenemos que ser artistas para realizar una elegía, muchos de nosotros vimos a algún familiar, llevando flores o prendiendo velas para no sentir un gran vacío en su interior.

Soy la mujer que te abandona.....Luciana Pia Faccini Martes 14 de diciembre, las 2 de la tarde, estoy llegando a la Casa Taller de Luciana Pia Faccini, Artista Visual; que vive en el barrio de Congreso: la conocí a través de Facebook, así comencé a seguir su obra, hace unos días publico un blog en el que va contando algunas de sus vivencias con el arte, era el momento para conocerla personalmente y hablar de su obra, el mate está listo, comenzamos!!!!!

Que paso a los 17 años, para que tomaras tus cosas y decidieras venirte a Buenos Aires

LPF Yo ya sabía que quería ser artista desde que tenía 7años y mis viejos que son médicos me decían Lu, no estudies arte te vas a morir de hambre, Miralo a Picasso, es el único que hizo dinero, era el comentario de alguien que no tiene la menor idea y yo que quería hacer un taller de arte, a los nueve años me dejaron ir, muy a pesar de Ellos, no les gusta pero no se permiten reprimirse y termine haciendo lo que quise por suerte, fui a varios talleres en Chivilcoy, mi Tía me decía que estudie diseño gráfico y mi Abuela que es muy machista, tuvo dos hijas mujeres las que mando a estudiar a la UBA, me decía hay Negra no estudies arte, estudia arquitectura y después me decía: hay no quien va a querer una arquitecta mujer, por lo cual me crié con modelos de mujeres muy ambiguas, eso me marcó bastante; en mi familia la figura dominante es mí Mamá y me fui, Yo viví en Chivilcoy desde los 3 años hasta los 17 años, te mandan a estudiar, para hacer carrera, volver con el título, te cases, tengas auto, casa y familia. Entonces me vine a estudiar artes visuales, me decían te va a ir mal, después nosotros te vamos a tener que mantener, era una situación extraña por un lado querían que me vaya y por el otro me psicopateaban, aparte mis amigos de allá son repitentes así que me fui sola, estuve haciendo changas de mosa, por que la facultad era paga. ¿A que universidad fuiste?

LPF A la del Museo Social Argentino, esta buena igual, pero como toda Universidad paga, te quieren cobrar hasta el aire que respiras, los docentes eran buenos, pero al año y medio estaba tan aburrida que me quería ir, pero en mi casa me mataban, encima que querés ser artista no querés terminar la carrera y dije voy a empezar a hacer otras cosas, talleres ya venia haciendo de chica así que empecé con el Turco Jalil, que es un misógino mal, pero sabía que me estaba faltando algo, que había un vacío y yo seguí grabado por que no había especialidad en dibujo y a mí lo que me gusta es dibujar y llegue de casualidad, google taller de pintura y grabado y salio Él, arranque mal pero aprendí muchísimo, yo iba a las clases y no podía entender como sus otras alumnas permitían ese trato, así que muchas veces me levantaba y me iba, empezábamos a discutir y yo pensaba en algún momento me va a echar y no me echaba y me preguntaba que onda, entonces dije voy a seguir yendo hasta que Yo vea que estoy trabajando bien y así hice, pero más allá de su trato él me enseño a dibujar y a conocer la forma, que es muy importante, justo acá tengo el cuenta hilos, porque le enseñaba a una alumna a conocer la forma y le explicaba que cuando fui con mi profesor el Turco yo empecé a dibujar insectos, así que tome figuritas y Él me explica mira estás patas son palos, me dice toma una abeja muerta y dibujala, empecé a recolectar insectos muertos de hecho la lata debe estar por ahí, si es que en mi última limpieza no la tire, dibujaba y veía la forma, es la base para empezar a dibujar, ver la forma, gracias a está base tan dura yo ahora puedo dibujar lo que sea, total la belleza es un discursó de poder.

Entonces nos preguntaríamos que es bello LPF Entendemos la belleza como un discurso cultural o de poder, que querés hacer confirmar ese poder, avalar ese poder o subvertirlo, si lo subvertís va a dejar de ser lindo, por lo cual si lo trabajas desde la estética pasan muchas cosas, pero también está esa gente que si no le es agradable a la vista, considera que no es bello, un ignorante importante, es un tema fundamental y también desde que lugar te interesa trabajar el tema.

Vos contás en tu blog, que al llegar a Buenos Aires, te llama la atención los carteles de los prostíbulos LPF Claro los miraba y me preguntaba que es esto y me indignaba, era tan ofensivo que hasta causa gracia; está es parte de mi colección (Luciana me señala el piso donde sobre un tablero tiene pinchados con alfiler los afiches de los prostíbulos)

Esto fue el disparador de tu obra o además se une el tema de tu familia matriarcal que te dice anda a estudiar, pero te vas a casar LPF Si estaba esa cosa de estudia pero me vas a traer un bis nieto, yo siempre viví esa tensión permanente, pero además al vivir en un pueblo si vos te pones en pedo, sos una puta y a mí era algo que me reventaba los nervios (risas), acá hay algo mas de tolerancia allá no, así que me vine chocha de la vida esto influyo para que yo trabajara en este tema, además de ser chica, no saber dibujar y tener menos calle que Heidi, tuve que hacer un montón de cosas para seguir.

Claro para vos no era lo mismo estar en la calle allá, que acá.

LPF Claro que allá hay bulos, pero es tan paqueta la onda y son tan católicos, todo es pecaminoso, todo está mal visto, que imagínate si una un mina hetoro se transa un joven es una atorranta e ir a un bulo también estaba mal visto por más que fueras muy macho, todo estaba oculto y acá todo estaba a la vista, placer renovado, completitas, como si las minas vinieran por partes, como si fueran muñecas, como si fueran comida rápida, era como un bombardeo de sentidos, habiendo dejado al turco, comenzando a ver otras tendencias artísticas, instalaciones, el minimal.

El minimal lo vez con Horacio Zabala LPF Antes de Horacio el minimal ya me había echo flashear, me gustaba la obra de Horacio, me parecía inteligente, lúcida, ambigua, el es muy ambiguo y me gustaba esa movida, lo conocí por facebook, le mande un mensaje le dije vos sos Horacio Zabala, bárbaro y ahí lo conocí, el esta en pareja con una mujer joven inteligente, muy buena docente y con Ella también fue una apertura interesante, además desde el Turco a Zabala, dos polos opuestos, un gran contraste.

Esté cambio hace que vos te empieces a interesar más por el tema de la mujer y lo lleves a tu obra LPF Por el tema de la mujer y manifestaciones marginales de obra, marginales no porque no se puedan exponer en un espacio institucionalizado, sino porque me interesaba trabajar con materiales baratos y yo no tenía un mango y no quería pagar un papel caro para que la estampa me saliera mal, no tenía ganas de invertir en eso, por millones de cosas, aparte porque me gusta trabajar con la basura, con objetos que están en desuso, había como un pre concepto, que yo lo viví mucho como me especialice en grabado; que el grabado no es un arte, sino una artesanía, como la cerámica, lo cual a mí nunca me afecto porque nunca me consideré una grabadora, eso me hizo pensar que se podía hacer arte con cualquier cosa, si dicen el grabado no es un arte, es una artesanía y a nosotros los grabadores no nos dan pelota, bla bla bla, pero los grabadores si la impresión tiene un poco de más de brillo, la tiran, si el papel es de medio pelo la tiran, entonces es muy ambiguo, hay sos un pobrecito pero te compras un papel europeo que te sale muy caro para que te den pelota, como es, entonces dije veamos ahora que tengo el juego mucho más abierto, tenía una serie florcitas que venía haciendo durante el taller del Turco y paralelamente venía juntando papeles, cartas de amor que las tiran a la basura, que viviendo acá y si sos observador, vas encontrando, después formica, después plástico y empecé imprimiendo estas florcitas, que no era la flor fucsia y linda y esa bajada de linea del objeto como símbolo de algo que se debe ser, entonces yo dije estoy siendo subversiva en un punto, bueno voy a buscar un soporte subversivo, después me dieron la idea a mi, porque yo llegue a un punto que estaba tan estimulada que no sabia que hacer, de llenar el taller con la idea del virus, pensé hay que expandirlo, después recupere la idea de los volantes, 4 años después de verlos por primera ves, los empecé a recolectar suponiendo que está flor es un virus y los virus mutan porque se adaptan a distintos ambientes y entornos, invente un virus a partir de este estereotipo de la mujer como carne, como muñeca, como

comida rápida, como cachivache barato que no dispone de voluntad, no tiene poder de decisión, siempre disponible, las 24 horas, solo pendejas, entonces dije si acá pongo las florcitas no pasa nada e invente un anti volante, con el mismo formato que dice soy la mujer que te abandona.

Esa era una de mis preguntas de donde viene “soy la mujer que te abandona”, el titulo de tu blog LPF Claro viene de ahí, entonces empecé a repartirlos a pegarlos por ahí, de echo tengo pocas fotos porque es difícil documentar, armar la movida, además me metí en la militancia, estuve en un encuentro Nacional de Mujeres lo filme, ahora lo tengo que editar, después fui a la quema de papelitos de prostíbulos que están haciendo un par de grupos feministas y yo pegue estos y una mina que conocí que es Estadounidense, me paso las fotos que saco de mis cosas, para que yo después las suba, me paso que venga un tipo y se queje por lo que hacia, vaya a ver un policía y me dijeran que despegue los mios y deje los de los prostíbulos, todas cosas raras.

Vos no estarías entorpeciendo el negocio del Señor LPF Quizás era un cliente feliz, los volanteros se mataban de risa, entonces me despegaban sus volantes para que yo pegara los mios.

Vos trabajas el tema del virus en varias de tus obras y viene a relación con que tus padres son médicos, como lo relacionas con tu origen en esa familia matriarcal LPF Bueno por eso de lo femenino que no tiene lugar, que es virósica, la existencia parasitaria de la mujer, siempre a la sombra del varón, casada, viste esa frase odiosa que aparecía como separador en Fox de los simpson que decía detrás de cada gran hombre, hay una gran mujer y yo pensaba no puede ser, ese tipo de cosas, soy mujer tengo algo que decir, es como un virus un parásito, de echo las mujeres que acceden en su momento a los primeros lugares eran las hijas de, o las hermanas de un gran hombre, prevalece está cosa parasitaria una especie de Atenea que es poderosa por que es hija de Zeus, todo esto me lleva a trabajar sobre el tema, soy hija de médicos, justo paso cuando estaba el tema de la gripe a, el tema del grabado que es considerado parasitario en la historia del arte, porque es una forma de ilustración, el germen inicial de la imprenta, no es como la pintura o la escultura, es un accesorio y además porque se reproduce con una facilidad increíble como un patrón, cuantas veces quieras, como se disemina un virus.

Lo primero que me llama la atención cuando empecé a ver tu trabajo, es un grabado de una mano con unas madejas, eso es anterior al tema del virus.

LPF Es una serie que hice cuando yo estaba aprendiendo a dibujar y hacia panes, objetos, manos, mis propias manos, era una época en la que no conseguía trabajo, entonces era todo el tiempo una mano tratando de alcanzar algo, era una excusa para aprender anatomía, yo era mí modelo, además me gustaba trabajar con este motivo, el trabajador y la mano agitando , bueno está era una mano de mujer tratando de alcanzar un pedazo de pan, estaba sin trabajo, después conseguí en el Sheraton en temporada alta trabajando mucho y faltando a la facultad, viviendo en San Justo, mientras tanto haciendo esa serie, yo estaba flasheando con el dibujo, cursando, la facultad que me parecía dura, si bien me abrió muchas puertas el proceso de cursar no me gusto.

Te parecía demasiado riguroso LPF Era rígido en la enseñanza y a pesar de esa rigidez tenía fallas, faltas, no te enseñan a dibujar, además de cursar todos los días, en ese momento tenía tres horas de viaje, trabajar para pagar la facultad, entonces faltaba y daba libre, prefería quedarme y dibujar manos, si bien las materias teóricas me interesaban, como contemporáneo 2, ahí me empezó a gustar el

arte contemporáneo, lo empecé a entender; pero terminaba aprendiendo sola y después iba a los dos años, como no me daba vergüenza y no me conocían rendía los exámenes libres.

Hiciste clínica de obra y arte conteporáneo con Horacio Zabala y Mariana Heredia LPF Si de echo Ellos me acompañaron en el proceso de la tesis, fue fundamental para mí.

Cuando armas la instalación del virus en tu taller, ¿porque lo haces?, para dar un cierre a un tema y empezar con otro.

LPF Si, era para darle una patada al grabado y a tanta enseñanza académica, tampoco dejarla atrás pero si despegarme de esas enseñanzas puras y de esas ideas de que el arte es para ser enmarcado.

Cuando leía tu blog en una parte vos decís que el arte no cambia el mundo, vos creías que el arte cambiaba al mundo LPF Si yo flasheaba con eso, que en un punto si, pero tiene una función social tan indirecta y vos te encontras trabajando y acumulando obra que no va a ver nadie, entonces me generaba una angustia terrible, era seguir generando y esperar que lo vea alguien o mostrarlo en algún salón, entonces dije voy a hacerlo en mi casa, que lo vean mis alumnos, mis amigos, mi familia, después lo voy a hacer en la calle y que lo vea la policía y me insulte.

Ahora estas haciendo una convocatoria, donde pedís que te donen medias de mujer en desuso LPF Con esto empecé a trabajar con una amiga, vive cerca de acá en San Cristobal, Ella cursaba conmigo, me pareció siempre muy creativa, tiene buena onda, empezamos a frecuentarnos, a trabajar juntas, Ella trabaja mucho con el arte textil, y a mí mucho el arte textil no me gustaba es la verdad, hice una obra y la mande al salón de arte textil hasta sin embalar , me doy la oportunidad, si la aceptaban bien y si no igual (la obra de Luciana fue aceptada en el salón nacional) pienso que quiero mostrar, donde lo quiero mandar, que quiero decir, es una manera de moverse y después criticamos si lo que había en el salón era bueno o malo, entonces empezamos a trabajar juntas, Ella traía cosas, se nos ocurrían otras y un día trajo una tela fucsia horrible, ordinaria, dije que bueno para hacer salchichas, que te la vendan como carne, (hace referencia a los anuncios de los prostíbulos), me gustaba esa idea además en la publicidad mayormente a la mujer la tratan como algo especial, distinta de una manera peyorativa, fíjate que hay unas toallitas femeninas que se llaman siempre libre, (risas) yo soy libre ahora porque compro tu producto y soy libre unos días más, que es eso, imaginate que no miro televisión, cuando estaba más grande y mi hermana era adolescente me decía , la típica que te quieren hacer creer, a nosotras las mujeres nos pasa todo nos embarazamos, tenemos que dar la teta y a los hombres no les pasa nada, es una basura no quiero ser mujer, que esto, que lo otro, bueno dije está chica tiene el canto del patriarcado, una cosa que te la meten adentro y después terminas reventando, por eso el proyecto se llama metástasis, por eso son medias de mujer y mi amiga está trabajando con tetas, pedazos de corpiños y cada una va a llenar su taller de metástasis y vamos a inaugurar el mismo día, para armar un dialogo, Yo invito una cantidad de gente, Ella otra y cambian que sea un recorrido, que sea compartido y hacerse uno el lugar para exponer y no esperar a que te acepte pirulo, si te acepta genial, para mí hay que mostrar las cosas, hay que transar, es hacerte tu lugar, si no, no pasa nada, a menos que vayas al taller de fulano o seas el nieto de mengano.

Cuando decís hay que transar, hay que transar con todo.

LPF No con los que uno quiere, si a mí me dicen vení a exponer a un lugar que está buenísimo, por ejemplo el Centro Cultural Recoleta, por más que yo sepa que es malo, si voy, lo mio vale la pena.

Por eso la pregunta muchas veces recibimos propuestas para exponer acá o en el exterior, formar parte de alguna movida y después nada.

LPF Si ya me paso, pero eso lo vez sobre la marcha, a eso te decía de transar, participar en la movidas en general, que por ahí no son barbaras, pero pueden llegar a ser útiles oh no, oh pueden llegar a interesarte oh no, te vas a comer un garrón, pero bueno el que no arriesga no gana; por eso cuando empecé a participar en concursos si mandaba a cualquier lado porque no entendía nada, ahora ya tengo una idea de que me gusta, oh donde puedo llegar a exponer y en otros digo acá no les interesa lo que hago, lo importante al final es participar.

Como fueron tus experiencias en galerías, si es que las tuviste.

LPF Si tuve un par de veces, no muchas, son todos iguales o la mayoría, no les interesa si vos tenés una serie eso que hablábamos al principio y te mandan con 80 monos más y queda divino, si lo pones en tu currículum, como en las ferias o en las galerías que se ven esas mescolanzas, que podríamos decirlo en términos contemporáneos curatorial mente, he visto en galerías la lista de los artistas en un costado, la obra en otro y vos no sabes quien hizo esa obra que está buenísima, no todas son malas, pero cuando querés saber de quien es esa obra no podes, porque la lista está en un costado.

Que te pasa a vos con esas curadurías en donde todos trabajan el mismo formato.

LPF Si me estás estandarizando, lo hice una vez el año paso y dije ok nunca más, fui a la inauguración vi como estaba montado todo y me fui, a partir de esas experiencias, empiezo a seleccionar y surgen cosas, incluso te convocan.

Cuando me junto con artistas mujeres les hago una última pregunta, es más difícil ser artista mujer hoy LPF No se si es más difícil como te lo venden, a mi me encanta el tema de la mujer y me interesan las luchas sociales por la mujer, es más difícil se mujer en términos generales, ser mujer en el mundo del trabajo, te van a pagar menos por que sos mujer, este ambiente y el del arte es históricamente misógino, pero la humanidad es misógina y a mí como mujer me va bárbaro y la paso bien, porque hay mucho discurso de la mujer flagelo o artistas que hacen series de obra con el dolor de la mujer, si yo la paso bárbaro porque me querés hacer creer que estoy destinada a ser una pobre infeliz, porque soy mujer, no necesito comer activia, si moves el culo y le pones onda las cosas salen.

Vanitas vanitatum omnia vanitas (vanidad de vanidades, todo es vanidad) La primera vez que escuche decir vanitas, era chica y me quede muy intrigada porque no sabía que significaba, me dio vergüenza preguntar, mi cabeza daba vueltas imaginando que seria, no había internet, solo podía acudir a los diccionarios, por suerte para calmar mí curiosidad; cuando legue a casa, lo primero que hice fue buscar su significado, hoy en muchos escritos se vuelve a mencionar el termino vanitas, pensé que era el momento de ver que estaba pasando en el arte y como se la representa en la actualidad.

Primero la definición de vanitas, es un término latino que puede traducirse como vanidad, aunque algunos la traducen como nada; en el arte es una categoría de bodegones, de gran importancia y valor simbólico practicado en el barroco holandés.

Entonces que significa vanidad, orgullo o sentimiento de superioridad, que lleva a tratar a las otras personas en forma despectiva o desconsiderada / cosa que solamente sirve para mostrar lujo, riqueza o poder y carece de valor moral.

Hasta la biblia pretende moralizarnos con la expresión vanitas vanitatum omnia vanitas (vanidad de vanidades, todo es vanidad) es un pasaje del Eclesiastés, queriéndonos enseñar que la vanidad es algo que dura un instante.

Ah y claro está que la más famosa de las vanidades es La hoguera de las vanidades, está ocurrió en febrero de 1497, durante una fiesta de Martes de Carnaval, en Florencia, Italia donde el Monje Girolamo Savonarola y sus seguidores quemaron objetos considerados pecaminosos, espejos, maquillajes, vestidos lujosos ( voy a esconder mi maquillaje y zapatos por la dudas), hasta Sandro Botticelli (Pintor Italiano) sufrió las consecuencias, algunas de sus pinturas fueron quemadas por el monje, no quedaron fuera de esas aberrantes actividades los libros, manuscritos con música e instrumentos musicales. La literatura y el cine también se ocuparon del tema.

Ahora si hablemos de las vanitas en las artes, en la Edad Media en las pinturas se representaba la belleza, la vanidad y la muerte, como símbolos de vanitas utilizaban frutas pasadas, burbujas, relojes, humo, joyas, la decadencia, la lujuria, la fragilidad de la vida, todo debía tener un final, todo es efímero, por eso la inclusión de cráneos como símbolo de la muerte, estás pinturas solían tener un mensaje moralizador, nos recordaba que todos estos placeres llegarían a su fin.

En el siglo XVII el tema de las vanitas fue utilizado por los pintores del Norte de Europa, donde la belleza y la muerte estaban presentes, no se si estás pinturas eran realizadas por encargo o realmente los pintores de esa época creían en este modelo, además debemos decir que eran utilizadas por las distintas iglesias para predicar sobre la moral, de nosotros los mortales.

Que pasa hoy en el arte contemporáneo con las vanitas, desde luego siguen mostrando su relación entre belleza y muerte algo que el arte más allá de los tiempos nunca dejará de tratar, como el principio y el fin, siempre está presente en la obra del artista.

Uno de los artista que trato el tema es Félix González Torres (Artista Cubano) con su obra “amantes perfectos”, dos relojes uno al lado del otro, sincronizados a la misma hora, solo que uno de ellos dejará de funcionar antes que el otro, como alegoría de lo perecedero de la vida, Él no lo presenta como un readymade, nos habla sobre el amor y la muerte, ya que la pareja de Félix González Torres muere de sida, un tiempo después Él artista también muere.

Otro de los artista que trabaja el tema es Damien Hirst (Artista Ingles) donde la vida y la muerte están presentes en toda su obra, un ejemplo es “Por el amor de Dios” está construida con una calavera autentica, incrustada con casi 9000 diamantes, la lujuria, la decadencia, la vanidad de las vanidades como son los diamantes y la muerte presentes en un mismo objeto, quizás como diciendo que la belleza supera a la muerte y por una vez puede ganarle, hoy Damien Hirst, dobla la apuesta con la calavera de un infante recubierta de diamantes que se exhibirá en Hong Kong hasta marzo.

Muchos artistas trabajan el tema de la vida y la muerte, la belleza y la muerte, la vanidad, no todos incluyen una calavera, y no quieren predicar un sermón como lo hacían en la Edad Media, eso no quiere decir, que la vida sigue siendo efímera como una flor cuando se marchita.

Llegaron los reality-show, al mundo del arte Como si ya no había suficientes reality show, ahora llegaron al mundo del arte, no bastaba con ver todos esos programas en donde la gente se dice esto o aquello, al final se dan besos, abrazos y tienen un final feliz, después de ventilar sus miserias, siempre y cuando todo ese show sea verdad. También están esos programas donde quieren bajar de peso, oh bailan por el sueño de alguien que no sabemos quien es y tampoco sabemos si al final del baile el sueño es realizado.

A la cabeza de todos los reality esta Gran Hermano con su gran conventillo mediático, donde un señor al que solo escuchamos su vos les dice los participantes estás nominado ¿nominado a que? sería la pregunta, a 15 minutos de fama, a convertirse en la nueva vedette de turno si la ganadora es mujer o en el muevo panelista de algún programa de la televisión y no faltan esos otros programas que buscan talentos cantantes, bailarines, músicos, modelos, hasta tuvimos uno que buscaba al nuevo jugador de fútbol y siempre me pregunto que pasa con todos esos ganadores, con esos días de angustia que nos hicieron vivir a nosotros los televidentes cuando los veíamos encerrados en la casa con todas las comodidades y ellos sintiéndose mal porque dejaron a un esposo/a, una hija/o, ahí estábamos nosotros emocionandonos hasta las lágrimas por sus historias de vida, pero no era suficiente; algo estaba faltando y se preguntaban que?.

Y llego para todos aquellos que amamos el arte, nos estaba faltando el reality show, el primero que salio al aire fue, Arts Star organizado por Jeffrey Deitch(curador, coleccionista, galerista), realizo una convocatoria en su Galería de Nueva York, a la que concurrieron 400 aspirantes, de los cuales solo 8 llegaron a la final, en los distintos programas estos candidatos a artistas, son examinados y guiados por otros Artistas y Coleccionistas, como siempre en todo reality show, no faltaba el monologo que intentaba ser filosófico, profundo, con contenido, pero al final terminaba aburriendo por no decir nada, los 8 artistas debían realizar un proyecto grupal para el desfile del arte que se realiza en las calles de Nueva York y luego al final del programa obtienen una muestra grupal en la Galería Deitch Projets, una de las Artistas que expuso en dicha galería fue Vanessa Beecroft (Artista Italiana) en 1996, cuando llego el último capitulo me quedo por saber si alguno de los 8 participantes había ganado el reto a convertirse en el nuevo Artista de Nueva York.

Como con un reality no basto el mismo Charles Saatchi ( Publicitario, coleccionista y marchante de arte Británico), dobla la apuesta y saca su propio programa el que llama Escuela de Saatchi, para encontrar la nueva estrella del arte Británico, no olvidemos que Saatchi fue el mentor, mecenas de Damien Hirst (Artista Británico) y Tracey Emin (Artista Británica), juntos formaron parte del grupo de Jóvenes Artista Británicos. Solo 6 aspirantes a Artistas son los seleccionados para ingresar a la escuela, una de las particularidades de este concurso es que los participantes no necesitan saber dibujar (algo en todo esto me produce ruido), el programa tendrá distintos profesores entre ellos la misma Tracey Emin, el critico Matt Collin serán algunos de los que evalúen a estos aspirantes a artistas, el ganador obtiene una muestra individual y el mecenazgo del mismo Saatchi.

Ahora si un aspirante a Artista como mínimo no sabe dibujar y cuando le preguntaban si el trabajo que habían presentado ¿era arte y porque? y solo podían balbucear algunas palabras incoherentes, sin poder defender su propia obra, ¿como es que pueden representar el arte británico?, pero como todo reality el dinero se mueve por detrás y el propio Saatchi no escapa a eso, volviéndose a poner en la mira de todos.

Que pasaría en la Argentina si se lanzara un concurso de este tipo, ¿quien seria el mecenas galerista que lo organizaría?, ¿quienes serían los artistas y críticos que actuarían como jueces?, los coleccionistas intentando dar consejos a esos aspirantes y ¿quien seria el ganador a Artista del Arte Argentino?.......mmmmmmmmm......... tengo algunos nombres para esos puestos, pero me los guardo, seguro que en un tiempo corto, nosotros tendremos nuestro propio reality show!!!!!.

Mejor me calló y no doy ideas.

El nuevo rol del artista Ya quedo atrás el tiempo en que el Artista, solo era pintor, grabador, escultor, fotógrafo y se dedicaba ha crear, daba clases a sus discípulos; los tiempos comienzan a cambiar y el Artista empezó a incursionar en otras áreas del arte, comprendio que no solo debía conocer su disciplina en profundidad, tenia que ampliar sus conocimientos y entender los procedimientos de las otras técnicas, las exigencias del mercado de arte, los nuevos alumnos que le pedían algo más, el artista comprendió que así como un actor, que no solo sabe actuar, también canta, baila, hasta produce sus propios espectáculos, los dirige y algunos escriben sus guiones, ahora Él debía convertirse en un artista visual, ahora no solo se trataba de colgar las obras en las paredes, había que transformar el espacio, las instalaciones, performance, le abrieron las puertas a otro mundo dentro del arte y era necesario conocer sobre otras disciplinas, para no quedarse relegado, no solo el mundo se había globalizado, el artista también.

El artista visual comienza a cubrir más áreas de trabajo, ya dejo de crear solamente y tener un taller llenos de discípulos, hoy muchos artistas abren sus propias galerías, como una alternativa para exhibir su obra y abrir las puertas a otros artistas, otros comenzaron a curar muestras, no solo las propias, también la de otros, primero por afinidad con la obra de un colega y luego como una nueva actividad a su profesión, están aquellos que realizan criticas de muestras para medios o escriben sobre arte, en el catálogo de un colega; la actividad docente también cambio, ya no esta limitada a la enseñanza exclusiva de la disciplina artística, ahora las clases van más allá, trabajan en proyectos individuales, desarrollando cuerpos de obra, guiando a su discípulo, para ingresar en el arte.

El artista debió adaptarse a las nuevas necesidades del mundo del arte, quedo atrás el tiempo de encerrarse en su estudio, debía ir un paso más allá, poder reflexionar sobre el arte actual y ser parte, ya no es extraño ver como un artista crea - produce en las distintas áreas del arte, genera proyectos individuales o grupales, trabajando solo en su estudio, internet le abrió otras puertas una computadora portátil con conexión inalámbrica lo mantiene comunicado, el espacio físico ya no es un impedimento para la generación de nuevos proyectos, hoy, artistas que viven en distintos lugares geográficos trabajan juntos, los limites físico y artísticos cambiaron, por eso Él debió integrarse al nuevo siglo, ampliando sus áreas de trabajo, modificando su rol en el arte.

La perfección no es belleza......Natalia Masserano

Es viernes 21 de Enero, cerca de las 11 horas, no hace tanto calor como otros días y me dirijo a la casa de Natalia Masserano, ceramista, estoy caminando por la calle Serrano y como siempre me pasa no encuentro la numeración, cuando estoy por llamar a Natalia, descubro que estoy parada frente a un gran edificio blanco con escaleras en la entrada, portero eléctrico y me recibe en su casa taller, comenzamos la charla en el patio, pero el ruido de una máquina, hizo que entráramos a su estudio para hablar más tranquilas.

Revisando tu página para ver tu formación, para mi sorpresa descubro que ¿sos un gran signo de interrogación es como si antes del 2006, no existías en el arte?

NM No, no existía en el arte, (risas), en el tiempo que viví en Rosario donde curse la primaria y secundaria tampoco hice mucho de arte, si lo que hacia en mi casa dibujar, pintar, porcelana fría, goma eva, cualquier cosa que había en mi casa hacia, como cuando era chica, en realidad lo único que le pedía a mí Mamá era mándame al taller de dibujo, estudie dibujo y pintura, cosa que hoy ya no me atrevo a dibujar por respeto a los dibujantes. ¿Porque, no te atreves a dibujar?

NM Respeto mucho el trabajo de los demás, fíjate que a mí me cuesta mucho poner en mi tarjeta y ningún lugar artista plástica, me parece que es una palabra demasiado grande y que se gana, con los años, con el trabajo y con la trayectoria, entonces Yo hago, lo que siento, desde chica, no estudie Bellas Artes por lo que ha muchos le a pasado que vas ha estudiar arte, termine estudiando educación física, soy profesora y me dije que estoy haciendo, luego la vida te va llevando por distintos lugares, vine a Buenos Aires por mí pareja, empecé a trabajar convengamos que del arte pocas personas viven, es muy difícil dedicarte a lo que que te gusta cuando tenés que sobrevivir, así que trabajaba muchas horas, después cuando empezamos a estar más estables, Él me dijo porque no te dedicas a lo que te gusta en 2006, en realidad la pasión y la conección siempre estuvo, siempre estuve mirando, no tenía una gran vida social acá, era de mi casa al trabajo y del trabajo a mí casa y uno va postergando, postergando y después te das cuenta que en la vida no vale la pena postergar nada, lo único que haces es hacerte viejo, amargado y engordas. Empecé dos veces por semana, después a reducir las horas de trabajo, un día deje de trabajar, con el apoyo de Él, comencé a buscar talleres, estuve en varios, no me sentía cómoda, a mí no me gusta copiar, puedo mirar muchisimos libros, pero tengo muy mala memoria y por ahí me dicen esto parece un.....no se que parece, voy recolectando imágenes, sensaciones, lo que veo, va adentro mío y después sale, de echo tampoco hago bocetos y me odian, por más que lo dibuje no lo voy hacer igual, lo voy a modificar cuando este en el material, Yo hago lo que siento, ahora tengo este pedazo de arcilla y me preguntan que voy hacer y no se cuando empiece a trabajar vemos que sale, me pasa siempre empezar con una idea y terminar haciendo otra.

Podemos decir que tu trabajó es la unión de tu interior y tu formación artística.

NM Si formación en dibujo tengo, hace rato que no haga nada, algunas cosas por ahí, pero las imágenes las tengo en la cabeza, para mí es mucho más fácil la tridimensión, que la bidimensión, es más un cuadro lo veo en relieve, no lo veo plano, por eso tengo un tema con la pintura o con los pintores, porque aunque sea un cuadro de un paisaje, necesito ver la bidimensión, como muchos no lo logran para mi, la pintura a veces me hace ruido, por eso veo mucha pintura, aunque no pinte oficialmente, se que en algún momento lo voy a volver a hacer porque me gusta y mucho, respeto mucho el trabajo y para hacerlo, hay que hacerlo bien.

En 2006 lo conoces a Gabriel Cantilo y con él empezas a realizar escultura cerámica, ¿como fue ese encuentro?.

NM Yo trabajaba en un consultorio médico y ellos eran pacientes, un día charlando supieron de mí gusto y pasión por el arte, me invitaron a pasar por el taller, pasaron años, me seguían invitando hasta que un día fui y mi agradecimiento está a la persona que me dio la posibilidad de volver a descubrir mi vocación y que más allá de ser una persona mayor y estructurada me dio bastante libertad, que es muy difícil ya que en muchos talleres te condicionan mucho o te quieren formar a imagen y semejanza de.... en eso soy muy rebelde soy la peor alumna, esto es rojo (señalando un pulverizador) y lo pintaba de verde, me decían pero es rojo a mi me gusta verde, esa parte creativa en los talleres tienden a cortarla, hay profesores de pintura que vos vez el cuadro del alumno y decís este es alumno de de.... y yo quiero que digan este el cuadro o la escultura de Natalia, porque es mi mano, es mi imagen, sino seria un homenaje y entonces lo diría, una solo hice que está inspirada en una obra de Pablo Curatella Manes (Escultor Argentino) que está vendida, la modifique y mucho, pero esencialmente tiene una linea que te das cuenta, la hice porque me gusta mucho su obra, fue un desafío me decían no copias por que no te sale, les decía no copio porque no es autentico, no dice nada de mí y si del otro. ¿Que te da la arcilla, que no te da otro material?

NM Placer, placer absoluto, me parece que es un material que te permite absolutamente todo, todo; hasta que la cocinas, previa a la cocción la hidratas, pones, sacas, agregas, es fiel, siempre que la respetes, el que no se lleva bien con la arcilla, es por los tiempos, no trabajas cuando vos querés, lo haces cuando ella quiere y me parece placentero el material, tocarlo, lo maleable que es, después viene el proceso de vaciado, lijo mucho, soy una fanática de las terminaciones, tengo a mi maestra que la curva es curva y la recta es recta. ¿No te permitis una textura o que algo quede librado al azar?

MN Si hago una textura es a conciencia, si suma a la obra si, soy muy limpia y ordenada para trabajar, por eso no puedo, admiro cuando lo hacen y sobre todo porque me da mucho placer lijar, la trabajo cuando está a punto cuero, cuando está ahuecada la trabajo con cuchillo, utilizo muy pocas herramientas, mientras la modelo con las manos, después el cuchillo o la hoja del cúter, mucho a mano, se me pasa el tiempo.

Vos me decías que no haces bocetos, la pregunta seria ¿de donde surgen, las obras, de algo que paso en el día, algo que viste?

NM Es una mezcla de todo, a veces hasta que no veo la obra no me doy cuenta de donde surgió, tengo la cabeza llena de imagenes, sensaciones, de una charla que me gustaría representar y de todas esas me surge una distinta a la que quería representar, es algo más intuitivo, el pensamiento más interno mio, están reflejadas todas las etapas de mí vida desde el 2006 hasta hoy, vos vez la obra y fue evolucionando técnicamente, soy más exigente y sigo buscando la pieza, voy pasando de un estilo a otra, pero todas representan algo de mí.

Trabajas con el tema de la mujer, algunas son muy fuertes y otras son muy etéreas ¿porque?

NM Son los estados de ánimos, en algunos momentos necesito ser esa super mujer que no necesita absolutamente de nadie y por momentos soy esa mujer que necesita ser esa madre o tener esa madre, tengo muchas que hablan de la maternidad yo no tengo hijos, por muchos momentos te traspasa el tema, por la edad, creo que es natural, que en algún momento te lo preguntas, después si te contestas si o no, tengo dos gatas para eso, pero es inevitable que te surja el tema, ahora las estoy llevando a la abstracción, las primeras eran las más rígidas, más estructuradas tiene que ver conmigo. ¿Todas tienen que ver con vos o es además la problemática de la mujer en general?

NM Soy parte de esa mujer y somos todas, no importa la raza, somos todas las mujeres, para mí el genero de la mujer es fundamental.

Además de la serie de las mujeres, pude ver que tenés una serie de máscaras NM Me gustan mucho las máscaras, lo que es de pared el alto relieve, estoy trabajando en el proyecto de las caras, que lograré concretarlo cuando esté madura, esa va hacer la primer muestra individual mía, con relieves. ¿Porque las máscaras?

NM Me gustan muchos las máscaras venecianas, algunas están inspiradas en ellas aunque no se parezcan y también las máscaras africanas, me encantan, además me permiten poner color, me gusta mucho el color, soy bastante osada con el color y en la escultura tradicional me juego hasta ahí, si le pones color la arruinas, salvo que esté muy bien puesto, por eso son monocromáticos y con la máscara me permite jugar, además nunca tiene que perder el placer y lo recreativo mí trabajo, aunque lo esté haciendo en serio, en el momento que no me de placer fuiste, entonces hago una encerio y una para jugar me dejo llevar y puede surgir algo que nunca muestre y la deje guardada ahí, o una maravilla que surge de esa libertad que me permito no estar pensando en lo técnico, en la linea, aunque una ya tiene el ojo entrenado y se da cuenta donde están los errores, pero como es parte de un juego y no si no me es placentero no tiene sentido.

Estos rostros que me mostraste que estás haciendo últimos, hablame sobre ellos NM Son de la serie de los sueños, están todos con los ojos cerrados, es una secuencia de distintos sueños, tengo varias hechas, para luego seleccionarlas cuando arme la muestra. ¿Ya tenés el lugar donde vas a exponer?

NM No porque es un espacio negro el que necesito, como es un sueño. ¿Como te manejas con el tema de las galerías y las muestras?.

NM Muy tranquila ¿No te presionas con ese tema?

NM Al principio, cuando me animé hacer la primer muestra, nunca tuve a nadie que me apoyara, que conociera, entonces era sola mirar en internet, presentarme comerme todos los garrones, por no tener quien te avise de como son las cosas, por eso me da mucha bronca, el ambiente del arte es muy egoísta, es el señor ego y en realidad no existimos ninguno de nosotros, somos parte de una gran mentira pero que no se lo sepa y todos jugamos ha algo que no somos en un circulo de corto alcance, los grandes artistas son muy pocos y fueron reconocidos cuando se murieron, por eso desde mí criterio deberíamos ser más solidarios, en la medida que puedo lo hago, me mandan un mensaje, donde exponer y les digo cuales son las

más confiables donde exponer, hay un juego básico que ellos nos necesitan, nosotros los necesitamos, sin el artista la galería no existe es un juego de existencia y al artista le cuesta conseguir espacios, más al escultor, en cualquier momento me pongo a pintar en serio, porque un cuadro lo pones en cualquier lado, en un banco, una restaurante, una empresa, una municipalidad, en cualquier lugar donde tengan una pared pones un cuadro y la gente lo mira, una escultura no, necesita un espacio físico otro cuidado, seguro que te la rompen, ya me paso que me rompieron varias en galerías y bien que dios te lo pague, un cuadro te lo pueden romper pero no están común, además el traslado cargas la escultura, el pedestal, deci que yo hago formatos medianos a chicos, es tedioso, llega un momento que te cansas, trato de ir mostrando en las distintas galerías, variando para no tener siempre lo mismo y voy donde me siento cómoda, con la que tengo onda, con la que me puedo sentar a tomar un mate, que se, que van a cuidar la obra y si se rompió es porque paso y espacios si consigo para ir incorporando al currículum, que no sea otra galería lo aprovecho si me interesa y si me gusta, no estoy participando como loca en todos lados, no siento que sirva de nada hacer tres exposiciones por mes y el resultado es el mismo si haces una cada dos o tres meses.

Cuando te llegan convocatorias temáticas algo muy normal y que nos llega a todos ¿que haces? ¿participas, lo dejas?

NM Primero me fijo si tengo del tema, si tengo más de una, jamás se me ocurriría trabajar para la convocatoria, es raro que me inscriba en esas que sean temáticas, lo manejo igual que sea para un salón, como para una muestra; primero lo económico, todos cobran, si el precio es razonable y no me estén matando, bien, tiene que ver con el lugar, la energía y quien me lo esté mandando. ¿Estas participando en salones?

NM Ahora no tanto hasta mitad del año pasado si, en la galería de San Telmo por una cuestión de afinidad, en algunas para no ir perdiendo el ritmo, voy a las inauguraciones, pero no participo con obra, sigo presente yo, pero no presente con mi obra, porque no tengo ganas de estar tipo canguro cargando una obra de un lado a otro, además si te invito vos no vas a venir porque ya viste la obra en otro lado, te invito si es obra nueva, prefiero guardarme más, no yo, la obra y tratar que la obra no esté en más de dos lugares, se que lo hacen, es un error que cometí al principio quizás por inexperiencia, después hablando me di cuenta; me encanta cuando la gente ve una obra en la galería y dice esto es de Natalia y no porque vieron la obra en tres galerías más, si porque conocen el estilo, porque es mi mano que la hizo, que me ha pasado y eso es fantástico, pero no porque la vieron y están cansados de verla, no quiero tener cuatro obras y que son las que están recorriendo el mundo, no es mí idea, prefiero donarlas, si no las vendo algunas las he donado, ya cumplieron un ciclo ahora que las disfruten otros, no tengo un apego tan terrible y creo que necesitan hacer su camino, en la medida que te vas desprendiendo le vas dando lugares a nuevas.

Vos decís que el arte es el motor que te mueve MN Todo, todo tiene que ver con el arte, para mi, cocinar, arreglar las plantitas, es como el fotógrafo que mira y ve fotos, a mi me pasa, me fascina la fotografía, veo una imagen, me digo si pudiera captar esa imagen, creo que el arte es una manera de ver la vida, de vivirla, en las cosas en las más pequeñas.

Esto surge a partir de 2006 NM Esto fue toda mi vida, por eso me cuelgo muchas veces y me preguntan que te pasa y les digo mira que bueno para una escultura o algo que vi en la calle que me genero una situación, quizás nunca la lleve a una obra, pero seguro una parte, luego la incorporo a una obra.

Vos hablas de la maternidad en tu obra NM De la mujer en general, ahora la voy llevando a la abstracción, que van perdiendo la forma que no sabes si es hombre o mujer, si vez que es una figura humana y paralelo a eso por épocas con objetos, ahora con las puertas, ventanas, llaves; después analizare porque me está llevando a eso, así como algunas son muy sexuales, otras con los árboles depende el momento.

No trabajas con una serie en la mente.

NM La mujer es el eje central de toda la obra.

Siempre les hago una pregunta a las mujeres artistas, si ¿es más difícil ser artista mujer hoy?

NM Para mi no, es difícil ser mujer, es tan difícil como ser hombre, para mi lo difícil es ser, están complicado como ser uno u otro, pero viendo la historia del arte, la mujer a logrado una presencia en primera persona no como la ayudante, la pareja, siempre estaban en segundo plano, no formaban parte, pero terminaban siendo la parte, ya que muchas veces Ellas terminaban haciendo la obra y Ellos solo firmaban y aparecían en la foto como un gran artista, pero detrás de cada gran hombre siempre hay una gran mujer y esos hombres no hubieran llegado a nada sin esa mujer, pero como no existía la posibilidad de que la mujer tuviera vos propia y obra propia, me parece que hoy es más fácil, hoy las mujeres si podemos, siempre es más difícil que nos reconozcan, siempre tenés que justificarlo más, más en la escultura, más allá de la cerámica, que siempre la menosprecian, es el escultor y el ceramista, siempre te ponen un escalón abajo, el ceramista solo puede hacer ceniceros no puede hacer obra, a mi me enferma eso pero es así y el escultor es el hombre, es la fuerza, es verdad necesitas una fuerza física y necesitas trabajar con muchos materiales pesados, si Lola Mora (Escultora Argentina) les tapo la boca a todos, muchas mujeres hacen escultura y son muy buenas, pero sigue siendo un mundo de hombre, la mujer es sumamente inteligente para estar en ese lugar y no me es un impedimento.

Muchas veces se habla del tema económico, la situación familiar.

NM En ese caso somo privilegiadas nos pueden mantener. ¿Te parece?

MN Si te dan la libertad, si están dadas las condiciones, si pones tu taller das clases tenes la solvencia de mantenerte, el artista plástico no vive de la venta de su obra, la mayoría de dar clases. ¿Éstas dando clases?

NM Como adjunta, todavía no, el tema es el económico, el espacio, acá en casa el ambiente es chico y más de dos o tres personas no puedo tener, por el momento no, trabajo mucho y cuando Estela mi amiga se tiene que ir doy las clases, en realidad doy clases con Ella, trabajamos juntas practicamente, si viene mucha gente a consultar, más que darle clases a mi me parece que dar clases es cuando das consejos técnicos, no me gusta la estructuración en un taller, creo que son pocas las que van a buscar a un taller una formación profesional y creo que la gente va a buscar a hacer algo lindo, a relajarse, expresarse, me gustan que sean muy libres yo te corrijo lo técnico, te puedo dar una guia de como manejar el material, pero si queres hacer un pie plano, una cara con una nariz desproporcionada, yo te digo está desproporcionada, si vos la queres así dejala, yo voy en la calle mirando gente todo el tiempo, muchas de las caras que hago me matan, me dicen está mal, pero yo la vi en la calle, no existe la perfección que buscan.

¿Para vos la perfección no es belleza?

NM Para mi la belleza no es perfecta, la perfección no es belleza, para mi la belleza es lo natural, lo autentico en todo sentido, no tiene que ver lo estético.

Por eso siempre nos planteamos ¿que es bello y que no?

NM Gracias a dios, si no todos pensaríamos igual y nadie nos miraría. ¿No todos hacemos obra bella, para colgar en el living?

NM Ese es otro tema, lo vendible, lo no vendible, si haces arte que se venda, estamos en el límite del arte decorativo, ¿el arte decorativo no es arte? ¿Depende que entendemos por arte decorativo?

NM Porque si vos pintas bonito, hay que comprar un cuadro, para verlo todos los días en tu pared, es fuerte y hay obra que es muy fuerte para verla todos los días en tu casa, pero tiene que pensar eso el artista me parece que no, tiene que hacer lo que siente y ante de juzgar una obra, quiero que no me sea indiferente, prefiero decir es un horror, porque movilizo algo en mí que me molesto, el efecto lo hizo. ¿Algo puede ser un horror en arte?

NM Si cuando te moviliza lo que no queres ver de vos mismo. ¿Por eso te pregunto, me quedo la duda?

NM A mi me parece que si, porque en realidad no es la obra el horror, pero para otra persona es bellisima y como la misma obra depende de quien la está mirando, para mi la obra se completa con la mirada del espectador y él la está mirando con todo su bagaje de sentimientos, experiencias, conocimientos y entonces te toco el punto neurálgico que no es en todos igual, porque no todos tenemos la misma trayectoria y la misma vivencia, por eso una misma obra para uno puede ser bellisima y para otro puede ser un horror.

Que te pasa con el publico en general, cuando le pasa por al lado a la obra y no la miro.

NM Me jode cuando no la miro, porque no hubo comunicación con la obra, oh la obra no se comunico con él, quizás no estaba dentro de la temática y la obra no tenía ningún punto que lo movilizara, a mi me pasa como observadora, cuando voy a ver muestras ciertas obras es como que te vienen a buscar, ¿es la obra?, por eso cuando pasa con mi obra, no siento que fracase, es como todo, uno pasa por al lado de gente que no la ve, es que no hubo una conección, no están en la misma frecuencia y energéticamente nos comunicamos y la obra carga la energía del autor, pero no la intención, muchas veces me paso con mi obra darle una intención y la gente le dio otra y tiene mil maneras de verse.

Eso siempre pasa NM Y es fantástico, porque es la interacción con la obra. ¿Cuando pasa eso, te cuestionas la obra?

NM Yo soy todo me importa un......, en realidad si no la vio nadie, no seamos necios, si hay un error, pero si por unos pocos que no la miraron y muchos otros si, entonces ya está, también hay gente que va ha esos lugares a hacer rostro no a ver la obra.

Vas ha seguir trabajando con la arcilla o el vidrio la va a remplazar NM El vidrio cuando tenga un horno propio y no tenga que depender de otro para la horneada, quiero empezar a incursionar con metales, maderas, soldaduras, la arcilla siempre va ha estar presente.

Tu censuras....El censura....Nosotros censuramos Yo creía que la censura había desaparecido pero solo cambió de lugar, en estos días la red social Facebook, se vio llena de denuncias por parte de varios artistas los que cuento entre mis contactos por actos de censuras sobre sus obras, todo este lío sin sentido me hizo recordar cuando leí el libro “Encuadre y Foco” de Sara Facio (Fotógrafa Argentina), en su capitulo Fotos Obsenas,relata tres escándalos artísticos que pasaron en la década del 90, una fue la muestra de Robert Mapplethorpe (Fotógrafo Estadounidense), la foto que tomó Annie Leibovitz (Fotógrafa Estadounidense) y la última la muestra de Annemarie Heinrich (Fotógrafa Argentina), en 1990 Mapplethorpe exponía El momento perfecto, en el Centro Cultural de Cincinati, Estados Unidos,se produjo un gran debate en la sociedad estadounidense, hasta una causa en contra del artista, por sus fotos de alto contenido erótico, romper las reglas y tratar temas tabú nunca es fácil de ser aceptado por los otros.

La actriz Demi Moore (Actriz Estadounidense) se hizo fotografiar por Leibovitz embarazada de 8 meses, mostrándose feliz, está foto luego fue tapa de una revista norteamericana, el mayor de los pecados lucir felizmente embarazada, como si fuera lujuria que obsceno...no.

Annemarie Heinrich, tenía su estudio en Barrio Norte (Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina) en abril de 1991, se exhibe en la vidriera de su estudio, un desnudo que fue tomado por Ella en 1949, un señor que paso por la puerta lo vio y se sintió muy ofendido en su moral, así que realiza una denuncia, se clausuro el local, la Jueza que intervino en la causa, dicta el sobreseimiento, como si en esos tiempos los Argentinos ya no teníamos bastante.

En el libro hay un texto que cita Sara Facio que le pertenece a la ensayista Susan Sontag (Escritora Estadounidense) La belleza -como era fotografiada en la tradición corriente que prevaleció hasta hace pocodesdibujada la sexualidad femenina. E incluso en fotografías que eran abiertamente eróticas, el cuerpo podía estar contando una historia y la cara otra: una mujer desnuda yaciendo en una posición absolutamente indecente, con las piernas abiertas o exhibiendo las nalgas, con la cara hacia el espectador mostrando una insípida expresión de respetable retrato fotográfico.

Las formas más recientes de fotografiar mujeres encubren menos la sexualidad femenina, sin embargo, la exhibición del otrora prohibido cuerpo femenino o de posturas carnales, sigue siendo temido como tema. La libidinosidad de las mujeres es siempre reprimida o echada en cara.

Las mujeres son juzgadas por su apariencia de una manera que no son juzgados los hombres, y las mujeres son castigadas en mayor medida que los hombres por los cambios que trae la vejez. La apariencia ideal, como la juventud y la delgadez, son actualmente creadas y reforzadas en gran parte por las imágenes fotográficas. Y existe además un gran interés en fotografiar bellezas célebres para poder evaluar, después de pasados los años cuan bien o mal han podido negociar con la vergüenza de envejecer.

Así como en los 90, hoy esa falsa moral, falsa información y porque no decir, la falta de creatividad de algunos, cambia de lugar la censura de espacios físicos a espacios virtuales como Facebook, algunos artistas están siendo censuradas sus obras, por motivos que van más allá de lo estético o el pudor que podían objetar en los 90, es lamentable que estando en el 2011, solo por revanchismo nos llenemos la boca diciendo que determinadas fotos por su contenido erótico, no deben estar en una red social, donde se supone que las cuentas están

creadas por adulto y los niños si es lo que nos preocupa no deberían estar viendo, acaso esas mismas personas o entidad que censura, no los he visto con esa misma moral cuando se ven imágenes de maltratos a niños o se habla de pedofilia y trata de blancas no abren la boca expresándose en contra, me pregunto cuantos de esos censores, miran páginas pornográficas, en las oscuridad de su habitación, pero por envidia, desconocimiento o solo porque si, censuran el trabajo de un artista.

Pasaron 20 años del relato de Sara Facio en su libro y en el siglo XXI, nada ha cambiado, todavía las mujeres seguimos siendo cuestionadas si nos mostramos sexuales en una foto o si hacemos respetar nuestras convicciones y todavía hay quienes se creen que nos pueden dar lecciones de moral, como si la moral pasara por un desnudo.

Todo cambia del espacio físico al espacio virtual.......lástima que algunos comportamientos se siguen manteniendo.

Ensueños....SPIN, colectivo Artístico 17 de febrero, tengo un encuentro con SPIN, Colectivo Artístico, ellos en su página dicen enmarcarse dentro de las artes electrónicas, buscando la integración de la tecnología, sonido, imagen, acercando al espectador, a interactuar con la obra, SPIN está compuesto por 4 Artistas Argentinos, Esteban Cardinaux (Músico), José María D’Angelo (Músico, compositor, docente), Eyelén Giacobbe (Fotógrafa), a quien conozco desde hace un tiempo y Cristian Vexina (Pintor).

Como les conté al principio de la nota ellos vienen de distintas disciplinas artísticas, esto los llevo a querer experimentar, ir un paso más allá y lo que estos artistas tienen en común es haber cursado la Licenciatura en Artes Electrónicas, en la Universidad Nacional de Tres de Febrero (Provincia de Buenos Aires, Argentina), cuando les pregunto como llegaron a cursar la carrera Eyelén dice que llego engañada (entre risa), Ella en ese momento se encontraba trabajando en un estudio de edición e imagen y su pareja le trajo el programa de la carrera de 4 años de duración así fue que se anoto, José María y Cristian querían llevar más allá sus conocimientos, experimentar, el deseo de investigar y forzar más los limites, algo que no es nuevo entre los artistas, pero hoy con todos los avances tecnológicos, puestos al servicio del arte le dan un plus, para quienes están interesados en ir un paso más allá.

Mientras cursaban el final de la carrera deciden unirse y forman SPIN entre ellos existía la química que todo grupo necesita a la hora de crear y trabajar juntos, algo que no sabia es que son muy pocas la mujeres que cursan la carrera, por eso la formación del grupo donde los hombres son mayoría, el nombre SPIN surge del movimiento y la espiral, antes de llegar a este intentaron muchos otros nombres.

SPIN fue seleccionado, entre otros artistas y grupos, a participar desde el 1 al 9 de marzo, en la Semana de Arte Contemporáneo, en Mar del Plata, allí presentaran Ensueño, una obra cinético - lumínica - sonora, donde las sensaciones invaden al espectador, el juego de luces

interactivas, en tonos de azul que cuelgan del techo, como una trama rizomática, en distintos niveles invitan al visitante a caminar entre ella, mirarla, sentirla, hasta tirarse al piso para observarla como quien mira un cielo estrellado en la noche, para descubrir las formas que componen Ensueño.

Para aquellos que trabajamos en la soledad de nuestro estudio, nos preguntamos como surge el proceso creativo en el grupo, me cuentan que todo empieza con la experimentación, el juego, tirar ideas, sonidos y luces e intentar llevarlas a la realidad.

En el fondo siempre es la misma propuesta Hace unos días recibí en mi correo un par de propuestas para participar en unas muestras colectivas, eso no seria nada raro y otra para formar parte de un libro de arte, lo que me asombro de estas propuestas que venían de distintas galerías, es que todas eran iguales, se nos pedía a los Artistas participar con un formato establecido, algo que en los últimos años, meses, estamos viendo como si fuera lo único que se puede hacer para una muestra colectiva, ellos dicen que de está manera se armaría un gran mural, mosaico o como lo llamemos, pero muchas veces salvo que alguien trabaje con formato cuadrado y la medida solicitada, debemos hacer obra específica para esa muestra, supongamos que aceptamos las reglas y producimos la obra, esto no termina ahí, el costo para participar no es económico, al contrario muchas veces nos piden el importe en dólares por una obra, que luego será mostrada una al lado de otra sin identificación, no solo igualando el formato, también el criterio, donde no hay una lectura coherente de los trabajos y donde la curaduría se deja de lado, por el hecho de participar en esa mega muestra, temática.

Alguna vez participe en una propuesta de este tipo y seamos sinceros no les interesa mí obra, si el dinero que me piden para formar parte de la muestra, pero que pasa cuando se exhibe la obra, en ese gran mural como lo presentan en la gacetilla, otra cosa que suele suceder en estás muestras como ya dije la falta de identificación es una, suele pasar que el espectador no logra ver bien en detalle la obra que le interesa, no sabe quien la hizo y muchas veces una muy buena obra se pierde en esa inmensidad que forma el mural.

La pregunta que me hago cuando veo estás instalaciones repetidas una y otras veces, es si ya no hay más propuestas, o solo es comodidad, por parte de los que organizan, es como decir si esto funciona por que cambiarlo, con este criterio tan facilista, los Artistas deberíamos hacer siempre lo mismo, para que estar pensando en algo nuevo, intentar crear y producir, si todo se ve resumido a un mismo formato, según la medida que tenga la pared para poder llenar mejor el espacio con mas obra y mejor recaudación.

En lo personal me molestan dos cosas la moda de estandarizar la creación de los Artistas y los valores por demás elevados que cobran en todos los casos, cuando trabajo con Artistas en la revisión de sus obras, si veo algo que ya se hizo, intento explicarles y mostrarles mira esto de esta manera alguien ya lo hizo, busquemos otra forma para decir lo mismo, sin que se vea igual, sería mucho pedir a quienes organizan estás muestras que dejen de utilizar este formato que establecieron y comiencen a pensar en la obra que el Artista produce y no es su propio beneficio.

Con el tema de los libros no es muy diferente de lo anterior, parecería por el dinero solicitado que el libro es producido por mi en su totalidad y solo participo Yo, pero no es así, depende

cuanto abonemos si media página, página entera no importa, si el dinero determina el espacio que tendremos y a esto debemos sumarle, si no tememos un critico o alguien que hable de nuestra obra, tener que pagarle a quien amablemente nos sugieren, para que escriba una prosa amable y gentil de las dos ó tres fotos que enviamos para que publiquen, sin saber está persona, sobre que habla nuestra obra, pero suena lindo cuando lo leemos.

Como si ya no fuera oneroso el tema de producir obra, además tener que estar solventando este tipo de propuestas, no hay bolsillo de Artista que alcance.

Estoy en la red Estoy en la red, es la frase que hoy escuchamos, buscame en google, tengo cuenta en blogspot, facebook, twitter, YouTube, skipe y.......no se cuantas más, hoy todos estamos conectados, lo que empezó con nuestra propia página web, alguien que diseñe el espacio, pagar el dominio, hoy paso a ser moneda corriente, los blog abrieron las puertas a todos aquellos que navegamos en estos mares virtuales, en Febrero de 2006, cree mi blog, ya tenía una página en un servidor de internet, esas posibilidades que te dan al tener una cuenta, pero el blog al ser mucho más sencillo de utilizar me permitió, poder posicionarlo mejor en los buscadores de internet, además de empezar a subir información de mí trabajo, en forma constante, publicar mis exposiciones, este diario virtual fue un paso importante, recuerdo que cuando quería que un diario me publicara una muestra tenía que mandar la gacetilla, por fax o correo electrónico y si tenía suerte, salía publicada en fecha, pero con el blog al mantenerlo actualizado diariamente, fue sorprendente el ida y vuelta que obtenía, de personas que también navegan por este mar virtual, hacían comentarios sobre mi obra, para alguien que siempre dice yo solo lo uso, no se como funciona, este ponerme en contacto con gente que se encuentra del otro lado del océano y querer saber de mí y de mí obra era y es sorprendente hoy día. Pero esto no quedo acá, comenzaron a aparecer las redes sociales, que si, que no, que no entiendo como utilizarla y ahí fui, tomé el teclado, como me había enseñado mí profesora de mecanografía y dije: redes sociales, allá voy; algunas batallas las ganaron las redes, pero luego.......fue volver a descubrir este mundo virtual, donde el ida y vuelta, es más instantáneo, la comunicación directa que tengo con otros colegas, en lo personal, para mi es muy buena, ver el trabajo de otros Artistas, hablar con Ellos, que hagan comentarios sobre mis obras, me sigue sorprendiendo, porque Yo sigo sin entender como funciona internet.

Aunque muchos critiquen, el sistema de las redes sociales, esto de estar conectados, con desconocidos al principio y luego empezar a generar una entramada red de comunicación, para muchos Artistas en los que me incluyo es un buen lugar, no solo para “conocer gente”, es una gran herramienta de difusión, hoy aquel que no utilice uno de estos medios lo mantiene alejado por así decirlo, los artistas, promocionan sus obras, las galerías además de anunciar su espacio, y llegar a muchisimos interesados, cuando quieren hacer una convocatoria, con que un artista diga asisto; pone en marcha un mecanismo, en donde no importa si otro forma parte de la red de esa galería, el evento empieza a circular, no debo dejar afuera a algunos organismos oficiales, como museos, intendencias que utilizan este método.

En estos tiempos donde la comunicación está al alcance del teclado del teléfono o una computadora, no importa si son 140 caracteres, o más, el hecho de estar activos, contarles a todos sobre una muestra, mostrarles la fotos de una nueva serie en la que estoy trabajando, este articulo que estoy escribiendo en este momento, o poder conocer personalmente a quienes forman parte de mí red, para generar proyectos de trabajo, hasta entrevistarlos como

hice, el más grande de los beneficios que tiene, es, que es gratuito, entonces porque no aprovechar está posibilidad de comunicación que da internet.

Todavía hoy me encuentro con Artista que no forman parte de ninguna red o que no no tienen un blog y es algo que no tiene que ver con la edad exclusivamente, este mundo virtual y fascinante, el que sigo sin entender me permite hoy hablarle sobre este tema, pero no nos quedemos solo en las redes sociales, Google creo Google Art Projet donde podemos navegar por el interior de alguno de los museos más importantes, ver en detalle las obras y eso es muy bueno si uno no puede viajar, este año se llevo adelante por primera vez, VIP Art Fair una feria de arte, más allá de las criticas favorables o no que pudo recibir, el espacio físico cambio y se volvió virtual, una manera de estar presente en todos lados, haciendo difusión.

Si con todas estas herramientas a nuestro favor, no somos capaces de sacar el mejor de los partidos, entonces apaguemos nuestras computadoras y celulares, la forma de comunicarnos cambio, los tiempos de pegar un volante en un negocio, ya quedaron atrás, hoy no solo utilizamos la computadora para trabajar, también para hacer prensa desde nuestro lugar de trabajo.

Ahhhhh..... Estoy en la red.

LOUISE BOURGEOIS: El retorno de lo reprimido “Para Bourgeois, el arte era un medio de “sobrevivir”, no la libre elección de una carrera, y no había “escapatoria” de él. La “catarsis”o la “sublimación” que con lleva el arte puede ser terapéutica en lo personal; pero sus “vibraciones” van más allá de ella misma, hasta las situaciones emocionales “universales”. “El arte es un modo de reconocerse, razón por la cual siempre será moderno”.

Extracto del catálogo Ayer 1 de abril de 2011, tuve el placer de ver la muestra de Louise Bourgeois, El retorno de lo reprimido, ya mucho se dijo sobre la muestra, demasiadas criticas hablan sobre arte y psicoanálisis, les voy a hablar sobre mi visión, la mirada de una Artista que tuvo un pequeño paso por la escultura, llegar a la Fundación Proa (Buenos Aires, Argentina) y encontrarse con esa araña gigante, ya resulta emocionante, pararse debajo de ella, tocarla recorrerla, hace que el corazón empiece a latir de ansiedad, cumplir el tramite de sacar la entrada y listo, uno ya entra en el mundo de Louise Bourgeois, una instalación de la araña, donde una la recorre, empieza a descubrir los pequeños tesoros que hay dentro de ella, ya comienza el enamoramiento, pero al entrar en la otra sala me encontré con una obra, que en lo personal siempre vi en los libros “El arco de la Histeria”, ahí estaba para que yo pudiera recorrerla, verla, mirarla, observarla desde todos sus ángulos, eso para mí ya era cumplir un sueño, que más podía pedir.

No les voy a detallar obra por obra, quiero que vayan a ver la muestra, que no es lo mismo que mirar, eso lo hacen todos, esta muestra es para ver, en la siguiente sala van a encontrar dos instalaciones, “El cuarto rojo”, donde la intimidad y esa cosa de querer ver hace que intentemos de todos los modos, espiar, otras de las instalaciones que llama la atención por su vibrante color rojo es “la destrucción del padre”, que la sensación que produce es querer meterse dentro de ella, pero claro no es posible.

En el segundo piso sigue la magia, una de las dos instalaciones que voy a comentar es “El reto”, compuesta por objetos de vidrio, todos perfectamente alineados, todos vacíos, salvo alguno de ellos que tienen otro objeto de vidrio adentro, la fragilidad y sutileza de esa obra conmueve, para mi llega el plato fuerte la instalación “El niño reservado”, donde el ver, nos permite jugar con su obra, el reflejo de las piezas, en determinados puntos producen una distorsión tan interesante, que nos obliga a ver desde que otros lugares podemos encontrar otra imagen fraccionada.

Como les comenté anteriormente, es una muestra para VER, no solo para MIRAR, además de las grandes instalaciones, pueden ver sus dibujos, pinturas y grabados, una última recomendación si pueden comprar el catálogo es una gran inversión, porque no solo tendrán un registro de la obra, también de sus escritos, que tienen el mismo valor, que su obra artística.

Luis Seoane......en MUNTREF Por estos días en el Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, (Tres de Febrero, Buenos Aires, Argentina) se puede ver la muestra de Luis Seoane (Artista Visual, Argentino), un gran recorrido por su obra, Seoane fue uno de esos Artista que trabajo en todas las ramas del arte, fue dibujante, pintor, grabador, escritor, muralista, en esta muestra podemos ver sus pinturas, grabados, las ilustraciones que hizo para libros, diarios y revistas, siempre es bueno ver con detenimiento el trabajo que realizaba en sus xilografías, su obra es tan variada y tan importante por el compromiso político que el tenía, en el sector de las vitrinas ahí se encuentran todas los libros y revistas que contienen sus trabajos, en un televisor se proyecta un vídeo con todos los murales que realizó y como la frutilla del postre se encuentra en exhibición también su prensa de grabado y varias de las matrices con las que realizó sus obras.

Para quienes vivimos en Tres de Febrero (Buenos Aires, Argentina) es todo un lujo que el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y la Universidad Nacional de Tres de Febrero se unieran para traer fuera de lo que es el circuito comercial, la obra de Seoane y como si esto fuera poco, la entrada es libre y gratuita, así que a ir a ver la muestra.

El arte es mundano!!!!

Mundano: Propio del mundo humano. Propio del ambiente de la alta sociedad. Se aplica a la persona que participa frecuentemente de fiestas de alta sociedad.

Hace unos días tuve el placer de participar de una selección de jóvenes artistas, para unas becas de estudio, se les pedía que presentaran una obra, la cual debían justificar, algo que no podía ser muy difícil, si uno es el que, proyecto esa obra.

Nos encontramos con una gran sorpresa, algunos no podían formular una respuesta sobre la obra y otros nos contestaron que “el arte es mundano”, todos nos miramos sorprendidos, que hoy alguien piense que el arte es mundano, ¿para que hace arte?, era contradictorio, como pensar eso y hacer arte a la vez.

Pero se preguntaran como surge este comentario, cuando nuestro joven artista nos presenta su obra, la pregunta que le hicimos fue si veía el trabajo que realizaban otros artistas, así es que nos responde “el arte es mundano y por eso prefiero no ver que hacen otros Artistas”.

Todos le dijimos que la mejor manera de aprender, ver que pasa en el mundo del arte y salir de su propio cascaron es ver que hacen otros artistas, de esa manera podía ver, que lo que Él hacia ya lo habían echo, como alguna vez dije todo ya fue echo, nada es nuevo pero nosotros somos lo suficientemente creativos, para dar una vuelta de tuerca por así decirlo y no copiar exactamente igual a otro artista, aunque sabemos que en esto tenemos mucho de moda o tendencia y también eso que alguna vez criticamos el formato ya determinado o la misma convocatoria.

El tema no solo quedaba ahí, muchos de los jóvenes que se postularon a la beca tienen formación académica o están estudiando y muchos otros no tienen ninguna formación, este punto se hizo notar, pero cuando intentamos hacer alguna recomendación sobre la obra y que vieran a otros colegas contemporáneos, surgieron las objeciones, diciendonos por que estudiar, porque ver que hacen otros, como si vivieran en una burbuja, en un tiempo en el que todos estamos conectados en forma real y virtual, que un joven artista crea que no es necesario para su formación y para su desarrollo como artista, no ver y no estudiar, como si todo fuera arte porque uno lo determina, es como la frase que hoy escuchamos a menudo todos somos fotógrafos, porque tenemos una cámara digital, en verdad es que para cualquier disciplina artística, necesitamos asistir a un taller y conocer las bases, la técnica, el porque, el corazón.

Como resulto todo al final se están preguntando, un grupo pequeño recibió la beca, muchos de ellos recibirán dinero hasta el día que terminen con la escuela o la universidad y a otros se les dio dinero para asistir a talleres en el exterior.

Antes que alguien pregunte, esta beca la organizaron personas interesadas en fomentar la cultura y el arte, que no les interesa la publicidad que este echo podía brindarles; los jóvenes artistas se escogieron entre una selección que hizo en forma privada, quienes tuvimos la tarea de seleccionar estos jóvenes artistas, no conocíamos su nombre.

Sur Polar III y Víctor Magariños en MUNTREF Hace unos años compre un libro que se llama “Sur Polar. Arte en la Antártida”, el texto y las imágenes hablan de la experiencia de varios Artistas Argentinos y Extranjeros que realizan una residencia en las Bases Antárticas Argentinas, para interactuar con el paisaje y mostrar la problemática ambiental.

En Agosto el Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (MUNTREF) (Caseros,Tres de Febrero, Buenos Aires, Argentina) inauguró SUR POLAR III, (con nuevos artistas tanto de Argentina, como del Exterior), fui invitada a la inauguración pero preferí ir después para verla tranquila y poder recorrerla, es una muestra que nos impacta al entrar en la sala, varias pantallas proyectan las acciones perfomáticas que realizaron los Artistas en su estadía en la Antártida; algo que llamó mi atención, no solo por su estructura, además de estar instalados en una de las mitades centrales de la sala son unos molinos replicas de los que se encuentran en la Antártida para generar frío y así seguir evitando el des hielo, producido por el calentamiento global, la muestra además de ser una experiencia visual, es sonora, impactante

y nos genera una necesidad de querer estar en ese lugar, donde solo existe la naturaleza y el hombre resulta insignificante.

Otra de las muestras que pueden ver es la Víctor Magariños (Artista Argentino 1924 - 1993), Aníbal Jozami (Rector de la Universidad Nacional de Tres de Febrero), en el texto del catálogo dice en una parte “linea, punto, plano, son los elementos básicos que conforman el trabajo de Magariños”, parte de su obra pude verla en los distintos Museos de Buenos Aires (Argentina), el ver toda su obra en conjunto y la genial sutileza con la que Él trabajaba llena de regocijo el alma, y nos hace comprender más su trabajo y esa definición que el tenía de su obra como Arte Cosmológico las pequeñas esculturas realizadas en papel o los acrílicos tallados nos muestran un mundo de lineas que pueden ser tan simples a la vista, pero que al mirarlas con detenimiento nos muestra mundos interconectados, mucha de la obra expuesta fue realizada con materiales nuevos para la época y fue considerada experimental, algo que hoy muchos Artistas utilizan como una novedad.

Como nos está acostumbrando MUNTREF con muestras de gran nivel, algo que no puedo dejar de comentar son los talleres dirigidos a niños de 4 a 11 años que organiza los fines de semana; les recuerdo que la entrada es gratuita y para quienes vivimos en el Partido no podemos dejar de ir, son dos experiencias totalmente distintas tanto en lo visual, sensorial y auditivo, así que no a no perderselas.

De vender bufandas a fundar el Malba Su familia tejía bufandas, así que en el tiempo libre que tenía mientras trabajaba y estudiaba, las vendía en la Avenida Santa Fe (Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina), esas bufanda que Él mismo le colocaba los flecos y elegía los colores.

Su primer obra la compró cuando tenía 23 años, no conocía de pintura intento comprar un Berni (Artista Plástico Argentino) pero el precio era elevado para Él, si pudo comprar en cuotas una obra de Leopoldo Presas (Artista Plástico Argentino), estoy hablando de Eduardo Constantini fundador del Malba (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Argentina).

El 20 de septiembre se celebran los primeros 10 años del Malba, si bien la idea empezó mucho antes, tres años antes Eduardo Constantini compro el terreno para construir el Museo, ubicado en el Barrio de Recoleta (Ciudad de Buenos Aires, Argentina) cuenta con una de las colecciones de Arte Latinoamericano más importe de la región, no solo del país, desde Frida Kahlo (Artista Plástica Mejicana), Antonio Berni (Artista Plástico Argentina), Oscar Bony (Fotógrafo Argentino), Tarsila do Amaral (Artista Brasileña), se siguen sumando los nombres, ya que el patrimonio del Museo continua creciendo.

“Según Constantini el Malba debe constituirse como un Museo sustentado no solo en forma financiera, también como custodio del patrimonio, junto a los amigos del Museo y las familias”.

Uno de los proyectos a futuro es la ampliación del Museo bajo la Plaza Perú contigua al Malba, para generar un espacio de exposición de más de 1000 metros cuadrados, este proyecto está esperando la aprobación de la Legislatura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

Mi experiencia con el Malba es de muchos años de ir y venir, recorrerlo, sentirlo, las muestras que más me marcaron y perduran en mí memoria son las de Félix Gonzáles Torres (Artista Cubano), Robert Mapplethorpe (Fotógrafo Estadounidense) y Marta Minujín (Artista Visual Argentina), sin dejar de recordar la colección permanente que mencione al principio de esta nota, pero no solo se pueden ver muestras, también está el cine, su restaurante, la tienda y deje para el final mi lugar preferido la librería, donde muchas veces conseguí verdaderas joyas, que forman parte de mi biblioteca y que utilizo como material junto a mis alumnos.

Es la visita obligada de los turistas, quien recorre el Museo puede encontrarse con personas hablando en distintos idiomas que solo el arte puede unir, si todavía no fuiste, es un buen momento para hacerlo y disfrutarlo.

Cenizas de Rosas Cenizas de Rosas, un Libro de Artista sobre la violencia de genero que realizaron dos adolescentes de 13 años.

Marcelo Castillo es profesor del Colegio Southlands School de Lomas de Zamora (Provincia de Buenos Aires, Argentina) hace unos meses me cuenta que uno de los trabajos que les hizo realizar a sus alumnos de segundo año de EGB fue investigar sobre Libros de Artistas, entre los temas a desarrollar estaban deporte, maltrato animal, música y violencia de genero, les mostró varios trabajos entre los cuales estaba el mío Sin Tu Fuego, los alumnos debían formar grupos de dos, para realizar la investigación y los libros.

Camila Cusani y Micaela Scarampi trataron el tema de violencia de genero, Cenizas de Rosas es el titulo de su libro, investigaron sobre el tema y una de las cosas que hicieron fue preguntar entre sus compañeros, sobre que debería decir el libro, ya que la palabra está presente, la respuesta fueron basta, tratame bien, no me grites, estás palabras están contenidas dentro de una silueta de mujer que se despliega realizadas por ellas mismas, cuando vieron las imágenes del Libro Sin tu Fuego, en una parte incorporaron cenizas de rosas que quemaron y en la caja están los pétalos de las rosas.

Por dos motivos quise escribir está nota, primero es destacar que dos adolescentes de 13 años trataran el tema de violencia de genero, investigaron sobre el mismo, además de saber que una parte de mi Libro pudo generar en Ellas algo que las motivara para incluir en su Libro, pocas veces como Artista uno puede sentirse alagada, a veces una nota, un premio, que alguien hago un comentario, cuando Marcelo me contó sobre el Libro Cenizas de Rosas, el saber que en algo mi obra había influido, son de esas recompensas que en lo personal no puedo dejar de agradecer y mencionar, es la razón más importante por la que escribí esta nota.

Hoy tuve una breve charla vía Skype con Camila, Micaela y Marcelo, para hablar del Libro, su experiencia y agradecerles personalmente, algunos de los Libros de Artistas realizados por los alumnos se presentan en el Gallery Nights, en el barrio de San Telmo (Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina).

El matrimonio Arte Moda - Moda Arte, viene marchando Desde hace años se viene consolidando un matrimonio entre el Arte y la Moda, Artistas que crean diseños, diseñadores que trabajan en conjunto con Artistas o presentan sus colecciones en Museos.

La moda en el arte, hace años que el Museo del Louvre (París, Francia) es sede dos veces al año, de los desfiles de moda que se organizan en París, debido a la cantidad de diseñadores que se presentan año tras año, en la semana de la moda parisina, ya que es el lugar soñado por los diseñadores para saltar al mercado mundial, el Carrusel del Louvre dejara de ser la sede, por razones de organización, de ahora en adelante se harán en un corredor que sigue el curso del Río de Sena (París, Francia) facilitando la llegada de quienes asisten a los desfiles.

Este año la firma Mango tomo el Centro Pompidou (París, Francia), presentando su colección 2011- 2012 en sus cinco tramos de escaleras exteriores, con el marco del atardecer parisino; generando un dialogo visual entre el arte y la moda, en la que todos se dieron cita, para ver el espectáculo.

Quien puede negar que Karl Lagerfel (Diseñador de moda, Alemán), va más allá de su profesión como diseñador de moda, si bien mucho lo llaman Artista por sus creaciones, además en un reconocido Fotógrafo, es uno de esos ejemplos donde la moda y el arte forman matrimonio, en una misma persona.

El arte en la moda, desde siempre los Artista han incursionado en la moda, creando diseños de uso cotidiano joyas, ropa, accesorios, el Arte Argentino no es una excepción, una de las Artistas más reconocidas que este año celebro sus 50 años en el Arte, es Dalila Puzzovio (Artista Visual, Argentina), conocida como la Reina del Pop, formo parte del Instituto Di Tella, una gran experimentadora, que la llevo a crear los zapatos de doble plataforma, por está obra le valió el premio internacional del jurado, no quedo ahí con el apoyo de la firma Grimoldi, la obra de Dalila salio del espacio del Di Tella para ser vista en las vidrieras de las Zapaterías Grimoldi.

Nicola Constantino (Artista Visual, Argentina), es otro ejemplo que puedo mencionar, es una de las Artistas Contemporáneas que incursiona en el mundo de la moda, es una gran investigadora, esto la llevo a realizar replicas de piel humana, en silicona, la cual utiliza en prendas de vestir y accesorios, que confecciona Ella misma.

El matrimonio arte - moda; moda arte ya está totalmente consolidado y vino para quedarse en este mundo en donde todo se alimenta de todo, no nos extrañaría ver en los próximos años a Artistas, creando colecciones completas de moda y no solo pequeñas intervenciones como se dan la actualidad.

En el descanso de la escalera...Elena Davicino Fui a Caseros (Provincia de Buenos Aires, Argentina) por un tramite que necesitaba realizar, después pase por la Sede Cultural Intendente Heredia, decidí entrar ya que todos los meses tienen distintas exposiciones de arte, en está ocasión era “CARAMELOS SURTIDOS” grabados de Elena Davicino (Grabadora Argentina), fue una de esas gratas sorpresas que uno tiene cuando ve una muestra, hacia tiempo que personalmente, no veía una exposición de aguafuertes, que me diera tanto placer y no se si es la palabra justa, recuerdo que miraba los grabados, me acercaba, me alejaba, veía los detalles del color, el troquelado de la imagen, cuando averigüe hasta cuanto estaba la muestra terminaba el 15 de septiembre; tomé unas fotos de la muestra con la cámara que siempre llevo en la cartera, pensando en escribir una breve reseña, pero al llegar a casa y ver la fotos tuve la necesidad de encontrarme con Elena y hablar sobre su obra, así que la busque en internet, por medio de su página me contacte con Ella, para así encontrarnos en su Taller y hablar sobre su obra. ¿Porque caramelos surtidos?

E. D. Porque para mi es un surtido de obra, cuando a me avisaron el año pasado si quería exponer, le dije mira obra nueva no voy a realizar, estoy embarcada en otro proyecto, pero puedo presentarte lo que vos ya conoces, me dijeron que no había problema, hace dos o tres meses viene María Laura Maestri que está encargada del área de plástica, también es grabadora vino a ver la obra, luego llego el flete y montamos la muestra, que se inauguró al día siguiente, en realidad fue una muestra de tenor didáctico, se invitaron alumnos de escuela de arte, fueron alumnos mios de la Escuela de Bellas Artes Rogelio Yrurtia (Ciudad Autónoma de Buenos Aires) y también de María Laura Maestri, es un lindo intercambio, me hicieron preguntas ¿donde me forme? ¿con quien me forme? ¿que pienso acerca de lo que hago? ¿porque hago lo que hago? en fin esas preguntas. Después dedique un apartado al ex librismi colección particular que forme a lo largo de los años, con obra me mandan del exterior, los lleve en pequeñas carpetas que mostré y luego me los traje, cuando la muestra bajo, me traje la obra y está lista para guardar, presente material desde el año 2005 en adelante y del año pasado, nuevo, nuevo recién salidito del horno, no tengo nada, estoy en pleno proceso, buscando otros caminos.

Cuando hablas de otros caninos siempre hablando del grabado o buscando otras técnicas.

E.D. Si dentro del grabado, por ahora voy a tomar una distancia del color, tengo ganas de volver al blanco y negro o al sepia, no lo se, la verdad no lo se, como veras tengo ahí algunas chapas para mandar al ácido, otras que ya fueron, mañana imprimo, mañana te cuento, (risas) si si mañana te cuento.

A mi me llamo mucho la atención cuando vi la muestra lo sutil del color, después de ver varias aguafuertes y aguatintas, me sorprendía esa sutileza en el color que decía me encanta.

E.D. Mira eso es el paladar, el gusto de cada uno, el gusto por las combinatorias, algunos les gusta los colores estridentes, a mi me gustan los colores neutros, me gustan los colores raros, que a veces no tienen nombre, que son tan raros que no sabes que son, por supuesto trabajo con acentos de color bien saturados, estridentes, pero la parte de color la hago Yo a posteriori con acuarela y me gusta muchísimo.

Si note el toque de acuarela presente en la obra, además en ese objeto que presentaste.

E.D. Si esos son objetos incorporados a la obra, porque estoy trabajando con yuxtaposición de géneros, vas a encontrar estampas, vas a encontrar grabados, acuarela, troquelados, perforado, collage, si es lo último que hice, pero necesito tomar distancia para encontrar otras rutas, este año trabaje bastante poco, por otras cuestiones, lo último que estoy haciendo son monocopias de dibujante, con un papel que volvieron a traer después de muchos años de no tenerlo en plaza, siempre trabaje con un papel que es español, tiene una textura que a mi me gusta mucho, un día no lo trajeron más y que amargura, hace un tiempo se me ocurrió preguntar si lo tenían, cuando me dijeron que si me traje una gran cantidad.

Por las dudas para tener antes que se arrepientan E.D. Por supuesto Si, si, acopio de papel, te entiendo porque hago lo mismo.

E.D. Pero por supuesto, tengo un arsenal acá de papeles, pero porque, tengo miedo que cierren la importación, trato de tener stock y ahora estoy contenta, empecé a trabajar con eso en blanco y negro El color en blanco y negro o el soporte, vi obra en la muestra en soporte negro que me parecieron maravillosas.

E.D. Eso por ahora no, si bien tengo papel negro, no tengo una idea que sea interesante para hacer en ese soporte, los estoy haciendo en papel blanco.

No es común ver soporte negro y Yo los miraba fascinada, por como quedaban.

E.D. Es sumamente inusual, a mi me gusta mucho el Teatro Negro de Praga, esas negruras donde emerge lo fantástico, para mí el Teatro Negro de Praga, siempre fue una fuente de mucho disparador, de muchas ideas e imágenes que surgen de la negrura, el misterio que emerge, ahí es otra mentalidad, es otro procedimiento, volveré a trabajar sobre el papel negro, por ahora me tomaré unas vacaciones y cuando tenga algo interesante para hacer lo haré.

Volviendo al tema del Teatro Negro de Praga, tus obras tienen algo de onírico.

E.D. Si la presencia de lo fantástico, lo surreal, lo onírico están presentes, Yo creo que esto es el emergente de muchas lecturas en mi infancia, me gusta el absurdo, me gusta el capricho, me gustan las cosas que no tienen ni pies, ni cabezas, organizar el desorden, organizar lo fantástico, organizo la composición, los elementos no están puestos graciosamente, allá por

acá o los colores no están elegidos porque eran los que están más a mano, podrá ser disparatado lo que narro, pero no la forma en que lo narro.

A mi no me pareció disparatado.

E.D. No, lo digo porque a veces piensan que todo es como soñado, surreal Una de tus series, los habitantes, vos decís que ellos pueden ir solas, acompañadas, hasta pueden ser caprichosas.

E.D. Si, son por recortes de otras estampas yuxtaponiendo géneros, ahora lo estoy haciendo justamente pero para unas aguafuerte, parte de las piezas de esas composiciones las hago a parte, después las corto, las intercalo y después las pego, o las dejo en relieve según lo que tenga previsto hacer, a veces las trabajo a color a veces no, incluso muchos de esos personajes que en la página esta sin color, en otro serie que hice hace unos años y que están en otra galería ahora, están coloreados.

Por eso te preguntaba, son seres que salen del plano, en algunas estampas, da la sensación de ventanas.

E.D. Si suelo hacer eso, es otra forma de presentar la obra, abro como ventana, grandes troqueles y por detrás suelo poner la obra.

Me gusto y mucho esa manera de presentar la obra.

E.D. Si, Yo por lo menos me tomo mucho esas licencias plásticas, poética y la verdad me las tomo porque quiero tomarles y no le pido permiso a nadie.

Vos decías que en la muestra Caramelos Surtidos no había un hilo conductor, pero para mi si lo había.

E.D. Si creo que la presencia de lo onírico, de lo extraño, de lo soñado, está presente ahora te voy a mostrar los últimos trabajos, si tal vez lo pueda expresar en términos de aguafuertes, en términos de objetos.

Es el aguafuerte el medio en el que mejor te manejas.

E.D. Cuando estudie en la Cárcova (Instituto Universitario de Arte, Buenos Aires, Argentina), sobre todo cuando me forme, fueron años de mucha experimentación, de exploración de todas las técnicas, experimente con todas, con cuantos procedimientos cayó en mis manos, para poder elegir, si no conozco no puedo elegir, pero me doy cuenta que me siento más identificada con las técnicas del metal y en especial con la técnica del dibujo en el aguafuerte la linea, es raro que use aguatinta, que utilice barniz blando, no, no lo hago, mezzotinta ya no lo hago porque me duelen mucho las manos, muchas cosas ya nos los hago, hasta por mis problemas visuales, crease o no, eso me está marcando restricciones en el campo plástico, me está diciendo, bueno hasta acá podías, ahora no, tengo poco tiempo porque estoy en la docencia, sigo mandando obra al exterior, a veces grabadores del exterior o coleccionistas de ex libris, me piden ediciones, justamente ahora estoy haciendo una, mañana empiezo hacer unas pruebas de estado y trabajar porque en veinte días lo tengo que sacar, me muevo dentro de los tiempos que me deja la docencia, ya que es parte de mi trabajo artístico, me gusta enseñar grabado, me muevo dentro de lo que es primaria, media, terciaria. Terciaria

me gusta mucho y terciaria artística ni te cuento, primaria es una etapa que Yo siento que ya di todo lo que tenia y que en algún momento es una etapa que voy a tener que superar.

Estás enseñando en terciaria, ¿los alumnos nuevos eligen el grabado?.

E.D. Pocos. algunos si, pero históricamente siempre fue así, la mayoría va a pintura y algunos pocos a grabado y algunos menos, menos a escultura, pero esto es siempre así desde que Yo estudie hace 25 años atrás, de un grupo de 100 alumnos, 60 van a pintura, 25 a grabado y el resto a escultura.

De esos 25, ¿llegan a terminar la carrera?.

E.D. Hay deserciones, algunos que hacen un paréntesis y después continúan, hay de todo, algunos que solo se dedican a la docencia y no a la actividad plástica, gente que por suerte puede dedicarse a la plástica y no a la docencia.

Por eso la pregunta, porque noto que son muy pocos los que eligen el grabado.

E.D. Mira debe tener un poco de todo, es una disciplina cara, pero todas son disciplinas caras, lo que no te gastas en chapa, te lo gastas en oleo y lo que no te gastas en chapa y oleo te lo gastas en bronce, así que no podríamos decir que es una cuestión de costos, todas son caras, vos gastaras más acá, el otro más allá, pero de poner la moneda ninguno se salva; ahora tal vez el grabado como la escultura tienen una parte técnica como la escultura, muy engorrosa, muy ardua, del conocimiento del oficio y Yo no se si la gente tiene ganas y paciencia de aprender el oficio, pero no para quedarnos y aprender el oficio y nada más, para trascender el oficio y estar habilitado para expresarte de la manera más plástica posible, donde el oficio no sea un impedimento, si Yo me quiero expresar con solvencia en el aguafuerte, tengo que saber hacer un aguafuerte al derecho y al revés, con la diestra y la siniestra; sino la posibilidad expresiva va a quedar trunca, por el desconocimiento del oficio.

Es eso, o es el esfuerzo físico.

E.D. Además el esfuerzo físico, el escultor ni te cuento y el grabado es bravo, pero mira si a uno le gusta, Yo con ayudantes nunca trabaje, siempre hice todo solita, desde ir a comprar los materiales y limpiar el taller después de trabajar, pero con los años no descarto tomar un ayudante para que me haga las ediciones, porque ya no tengo ganas, eso que se llama la Bon á Tirer, y Yo haré algunos no descarto la posibilidad, o alguna persona que me ayude con la limpieza, con la parte más fatigosa, porque de aquí a unos años no me va a dar el cuerpo.

Además está la posibilidad de tener a una persona a la que podes ir entrenando como a un discípulo.

E.D. Si todo cuesta, lleva tiempo, encontrar a la persona ideal, es una posibilidad, porque nadie trabaja gratis, es una posibilidad que existe y que por ahí la implemento, todo depende.

Te manejas mucho mandando obra al exterior.

E.D. Si este año mande poco me tome como unas vacaciones entre comillas, lleva un ritmo muy arduo y para que correr tanto, este año más tranquilidad, el que viene no se, me escriben mando obra, esto de la página web y de los catálogos que circulan por el mundo, hace que en este momento en que vos y Yo estamos hablando acá quien te dice que en Ucrania,

Groenlandia, Pizza esté mirando la obra y diga que interesante o que porquería, que se Yo lo que puede estar pasando, no a todo el mundo le gustamos y además uno no es monedita de oro para gustarle a todo el mundo, está muy bien que así sea, me da mucha tranquilidad Participaste en una muestra homenaje a Alicia Scavino (Grabadora Argentina 1937 2006).

E.D. Si en marzo me invitaron de una galería que trabaja solo obra en papel, muy buena , la galería esMundo Nuevo Art Gallery, es preciosa, me invitaron a ver si quería exponer, vino uno de los curadores, prepare todo el material y ahí presente una serie cuadrada con troqueles que a mi me gusta y mucho, que en este caso en Caseros no la presente porque la obra está en está galería; fue un homenaje aAlicia Scavino, que de docente no la tuve, pero si compartí algunos momentos en los talleres en laCárcova, una excelente Grabadora, bellisima persona, una gran artista; te digo el día que se fue, laGráfica Argentina perdió una luminaria.

Hablame sobre la tesina, que presentaste.

E.D. Hace unos años cambiaron los planes de estudio, entonces me presente en la tesina del IUNA (Instituto Universitario Nacional de Arte) para obtener el grado de Licenciada, el trabajo me llevo más de dos años, decidí dejar de grabar para avocarme a la tesis, que fue un escrito y una muestra que me invitaron a hacer en la sala que remodelaron en la Pueyrredón (Escuela Nacional de Arte) que la dejaron barbara, cuando presente los trabajos la Directora de los tesistas María Rosa Figari, me dijo “no, vos a demás de hacer una exposición oral, haces una muestra”, algo que no estaba en mis planes, bueno a preparar todo, presente la tesis me pusieron un tribunal interesante, me fue muy bien, tengo a consejo de unas amigas mías, todo con derecho de autor, no lo pensaba hacer, pero es lo mejor, está todo registrado.

Decidí titular este trabajo La mirada interior, en el descanso de la escalera es una comparación plástica, el subir y bajar por escaleras, el descanso de la escalera es porque me planté en un descanso y miré un poco para atrás y vi lo que había hecho hasta ahora y en el mismo descanso levanto la vista y miro para que lado sigo, es un trabajo más bien poético, está publicado, ahí está. Ahora creo que estoy detenida en otro descanso de la escalera, sospecho que estoy en otro descanso de la escalera.

Uno tiene esos intervalos.

E.D. Por supuesto uno no es una máquina, porque si uno se transforma en máquina, termina haciendo del arte una artesanía y no es la idea, el arte es una cosa y la artesanía es otra cosa de hecho muy valiosa, he hecho hago algunos pequeños objetos artesanales que me encantan, que me divierten, pero la plástica es otra cosa y no se si pueda hablar acá de diversión, sino de goce, de satisfacción, la diversión para la manualidad, me divierte, pero con esto no, no se si existen, creo que toma otra palabra.

Quizás el juego está en como presentas la obra.

E.D. Si ahí me divierto, parezco una chiquilina jugando, lo pongo lo saco, lo dejo, bueno mañana encuentro la solución, cuando llegas a la solución o cuando uno cree que es la solución; el juego da lugar a otra cosa, es decir barajando o hilvanando momentos de juego, con momentos que no son de juego, así me la paso, hace quince días que tengo diseños pasados, para hacer un par de aguafuerte y las estoy mirando, no es que no me convenzan del todo, pero es como que digo acá falta algo, o sobra algo, es esa duda que......y después estás viajando en colectivo y te llega esa respuesta que te falta.

Hiciste algo en grabado experimental que ahora muchos están utilizando.

E.D. No yo todavía no llegue, porque estoy muy entretenida haciendo esto, incluso ahora se está trabajando con corrosión menos tóxicas, en realidad tóxicas son todas, tengo el manual, tengo la droguería a diez cuadras, pero no tengo en estos momentos interés en hacer eso, se que por obligación profesional lo debo hacer, pero no ahora, si hay una parte muy interesante en lo digital, pero no me llama, ni siquiera en esté momento explorarla, tal vez a mirarlas, apreciarlas.

Buenos Aires Photo, en la mirada de Fernando Entin Desde del jueves 27 de octubre Buenos Aires Photo, volvió a presentarse en el Palais de Glace (Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina), en está séptima edición de la feria, podemos ver el más amplio abanico de obra fotográfica, desde los grandes maestros, hasta los nuevos valores, obra en blanco y negro, color, impresiones en papel fotográfico, en acrílicos, cajas de luz, instalaciones, todos los años la visito luego les doy mi impresión sobre la feria, pero este año preferí hablar con uno de sus protagonistas Fernando Entin (Galerista Argentino) Vos hace varios años que participas en Buenos Aires Photo, ¿como vez la feria desde la primera hasta ahora?

F.E. Bueno la feria tiene 7 años, es bastante joven, joven en el sentido para que tenga historia, pero ya con 7 años el niño camina, lo cual me parece que empezó a caminar sola, sobre todo que la gente entiendo y comprendio la fotografía, parte del mundillo del arte y de la plástica, cosa que ante les costaba.

Era como la hermana menor F.E Si la que estaba en el cuarto de atrás y que muchos no la incorporaban, ni la gente y te diría que los galeristas, también es como nuevo que los galeristas incorporen en sus muestras anuales, una dedicada a la fotografía; ahora es muy común ver esto, pero me parece que la veo, muy solida a la feria, muy buen material, este año la veo como más prolija, bien colgada, buena selección, buenas galerías del exterior, Espacio Mínimo (Madrid, España) que siempre los nombro, son un ejemplo, hay unas galerías de Perú, con muy buen material y siempre incentivando con los premios de Petrobras, los viste?

Si, me pareció muy buena la elección este año F.E. Una elección muy seria, muy bien el jurado, todo eso suma, aparte de acercase alumnos de fotografía que hay miles, hoy sacar fotos es mucho fácil, está cosa de lo digital, no es tan complicado como antes.

La hizo más masiva, las cámaras digitales, el celular, ¿le aporto o le quito a la fotografía para vos?

F.E. Yo quiero pensar que todo tiempo nuevo es mejor, como una mirada distinta, quizás mis padres dicen que todo lo que paso, es mejor; todo aporta, la gente se intereso más en la fotografía, también entiendo que la gente mira a través del aparato, va a ver un espectáculo y no se queda quieto, con el celular, todos están con una cámara de fotos, así que es un poco y un poco, me parece que aporta a que la gente se acerque a un tema fotográfico y empiece a entrenar un ojo y que no es lo mismo sacar con un celular, a tomar un curso, con una buena cámara como la que tenes vos.

En el plano nacional, ¿como vez el mercado?

F.E. Yo quiero ser optimista, no quiero decir que tenemos un mercado frío, si un mercado tibio, mejorando hacia a la tarde (risas) me parece que cada año estamos dando un pasito para que la gente se anime, hoy es muy fácil tener una colección fotográfica, hay muy buena obra y a precios no muy caros, que no pasa con la pintura, la escultura, el grabado, la gente se está animando mas.

Estuviste en Lima Photo, ¿como fue esa experiencia?

F.E. En Lima es impresionante como tomaron el tema de la fotografía y la gente se volcó a la compra masiva y al interés por los fotógrafos de afuera, que no es muy común que un país acepte a galerías del exterior y acepten los Limeños a artistas de afuera, porque acá cuesta, cuesta mostrar a los propios y que te compren los Argentinos, al coleccionista le interesa saber del artista, que hace, donde está, donde va a exponer.

Este año armaron el Stand con Gachi Prieto Gallery, porque?

F. E. Gachi Prieto Gallery, una amiga, una compañera en la Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo, Ella es la Vice Presidenta, eso nos fue acercando más y como hay un mercado tibio y me parece que no podes, no, estar en esta feria; por que tampoco no hay muchas ferias en Buenos Aires, Yo creo que hay dos ferias esta de fotografía y Arte Ba, es bueno que existan otras ferias, pero me parece que las otras no encontraron su rumbo o lo que quieren contar, igualmente me parece que en su ultima edición de Expo Trastienda estuvo mucho mejor, más cuidada, porque nos juntamos por eso, porque en el tema de fotografía dijimos vamos a trabajar juntos, fuimos a Lima, el año pasado acá y ahora volvimos acá y está bueno juntarse y para no estar solo.

Hablame sobre los fotógrafos que están exponiendo en el stand F.E. Es una excelente elección que tuvimos, los juntamos a todos, porque todos son de todos.

Simon Altkorn viene de la mirada del cine, la puesta en escena, la iluminación, vestuario, Él hace un trabajo previo de boceto de la fotografía, que me gusta.

Arturo Aguiar un gran fotógrafo que se conecta con la pintura barroca, pesada, densa y que a la vez la hace liviana, es una linda imagen, la que está en el stand para tener.

Lena Szankay viene trabajando en Berlín y Buenos Aires, estás imágenes son de la serie que hizo en los talleres de arte de Berlín, es una obra tan despojada, en blanco y negro.

Gaby Messina está es la primer obra de la serie que se llama Noé, ese hombre desnudo, después de un tsunami digo Yo, que a pesar de todo quedo ahí parado, derecho, arriba de la roca y lo único que le quedo fueron las antiparras para seguir remando.

Carolina Magnin rescata las fotografías de su familia, de su abuela y las reinterpreta, vuelve a sacar las fotos, encontró un montón de películas de rollos, a partir de una reconstrucción histórica familiar, revive la familia a partir de eso, su amor a la fotografía y me encanta que le compraran esa obra.

Daniel Kiblisky es muy conocido en el medio como fotógrafo de artistas y esa serie habla mucho de nosotros, como se construía antes, son espacios despojados, la biblioteca en el Colegio Nacional Buenos Aires, quien lee ahora y esos espacios son maravillosos.

Me parece que todos estos artistas suman, así que los esperamos a todos hasta el domingo tienen tiempo para venir y comprar.

Buenos Aires Photo puede visitarse hasta el domingo 30 de octubre de 2011, 13 a 21 horas en el Palais de Glace, Posadas 1725 (Ciudad Autónoma de Buenos Aires), para los fotógrafos profesionales, los aficcionados, los estudiantes de arte, o simplemente para aquellos que quieren ver una muy buena muestra de fotografía con lo más variado del arte contemporáneo no pueden perdérsela.

Ella baila sola “La crisis económica también, también llego al mundo del arte, dejando sin comprador, para la escultura La pequeña bailarina de 14 años, de Degas” En estos días el mercado del arte bajo el martillo, o intento bajarlo en la famosa casa de subastas Christie’s de Nueva York (Estados Unidos), todos hablaban al comenzar la semana de la primer subasta de arte del otoño neoyorquino, cuando se supo que la escultura “La pequeña bailarina de 14 años” de Edgar Degas (Artista Francés) ; se ponía a la venta, la pieza está valorada entre los 18 y 25 millones de euros, si como leyeron, pero hasta para los compradores de arte, ese valor era demasiado alto.

El martes por la noche podía leerse en algunos medios de internet que la obra había sido vendida por 14 millones de euros, pero el miércoles la información era otra en los medios digitales diciendo que La bailarina no encontró comprador.

La pequeña bailarina de 14 años, es una de la esculturas más famosas de Degas, es la única que decidió mostrar en público, fue realizada en cera, la ropa es de algodón, tiene una cinta para el pelo y está montada sobre una base de madera; no es la primera vez que Degas trata el tema de la danza, en su serie de pasteles, se puede ver a las estudiantes de ballet en sus clases, como si las espiara y no en retratos posados, sobre La pequeña bailarina de 14 años, mucho se a dicho sobre su protagonista y Degas, era usual en esa época, que las bailarinas de la Opera de París buscaran protector, estamos hablando de 1880.

Cuando la escultura fue presentada en 1881, recibió muchas críticas en contra, decían que era fea, aunque para los coleccionistas de la época no fue así, muchos le pidieron a Degas copias y el se negó, después de su muerte, sus herederos hicieron 27 copias en la técnica de vaciado en bronce, que se pueden encontrar en manos de coleccionistas.

Pero por ahora La pequeña bailarina de 14 años seguirá bailando sola, ya que el martillo del arte no pudo decir vendida.

La Muerte de la Virgen El Barroco es una época de la pintura europea, con grandes maestros del claroscuro, Italia tuvo un grande exponente y también uno de los más polémicos, en esta nota me voy a referir Él y una de sus obras.

La Muerte de la Virgen, es uno de los cuadros que pinto Caravaggio (Michelangelo Merisi, pintor Italiano) es considerado uno de los primeros pintores del Barroco Italiano, una de las particularidades que tenía Caravaggio para sus pinturas eran sus modelos, ya que utilizaba a la gente común, prostitutas, niños de la calle, vagabundos, esto en muchas ocasiones le trajo problemas.

La Muerte de la Virgen, causo escandalo por como interpreto a la Virgen, era una mujer común, sin atributos místicos, sin santidad, sin es dulzura y juventud como se solía representar, para indicar la inmortalidad de la Iglesia (no olviden que esa época La Iglesia eran los grandes mecenas de los Artistas) no la muestra en su ascensión, si en su muerte, pero cual es el detalle que más escandalizo, era que la modelo está muerte, dicen que era una prostituta que encontraron ahogada en el río Tiber, en estado de descomposición, con sus pies y vientre inchados, la mano apunta al suelo y no al cielo como era habitual.

En la escena también se encuentran María Magdalena y los Apóstoles, el lugar es humilde, oscuro y el único detalle de color rojo, son la ropa de María y el gran telón que cuelga, únicos, los detalles luz, son los aquellos sobre los rostros de algunos de los protagonistas, el juego de luz y sombra era algo que Caravaggio maneja con gran maestría.

Nada en el cuadro refleja esa alegoría de santidad, a la que estamos acostumbrados a ver, la imagen es de una gran crudeza, brutal, está obra tuvo un gran rechazo como muchas otras de sus pinturas.

Es una de las obras más importantes en la historia de las pintura, no solo porque sus personajes son personas del pueblo, además de estar iluminada de manera tenebrista, uno tiene la sensación al verla de sentir ese dolor cuando se pierde a un ser querido.

Un nuevo record para una fotografía Siempre escuchamos sobre los valores astronómicos en el mundo del arte, cuando se compra o vende un Monet, Picasso, Modigliani, pero ahora la fotografía está dando que hablar.

El 15 de noviembre, en la casa de subastas Christie’s de Nueva York, el martillo dio un fuerte golpe al decir vendida, por una fotografía panorámica del Río Rhin, en 4,3 millones de dólares de Andreas Gursky (Fotógrafo Alemán), no es la primera vez que logra un record por una de sus fotografías, hace unos años otra de sus obras “0,99 centavos”, se había subastado en 3.34 millones de dolares.

“Rhein II” es una copia, que mide 155 x 308 centímetros, montada en plexiglas, tomada en 1999, está foto tiene un total de 6 copias, una pertenece a un coleccionista privado, las otras se encuentran en el MOMA (Museo de arte moderno de Nueva York), el TATE (Londres) y la Galería Glenstone (Potomac, Maryland, EEUU).

Aunque muchos hoy día sigan considerando que la fotografía puede ser un arte menor y otros crean, que cualquiera puede hacer fotos, la verdad es que Andrea Gursky y Cindy Sherman (Fotógrafa Estadounidense), quien tenía el último record en venta por una fotografía, fue en mayo de este año cuando se subasto “Sin titulo #96”, por un valor de 3.89 millones de dolares, Ellos sin ninguna duda son los dos fotógrafos vivos mejor cotizados en el mundo del arte.

Toco y me voy en el Arte....hoy Eyelén Giacobbe Toco y me voy en el Arte, está basado en el cuestionario Proust, el cual modifique con preguntas sobre arte, hoy responde Eyelén Giacobbe, Fotógrafa, Licenciada en Artes Electrónicas.

1- ¿Cuando fue la primera vez (en el arte)?

Bueno hay dos momentos, uno fue a los 5 años cuando le robe una Nikon F a mi papa y me puse a sacar fotos a todo lo que encontraba por la casa… y el otro momento fue a los 6 años cuando pinte un incendio con muchas llamas y bomberos incluidos y a mi madrina que es artista plástica, le gusto… o al menos eso dijo ajajaja 2- ¿En que periodo del Arte te hubiera gustado nacer?

Vanguardias del S XX… Bauhaus , Dada, Surrealismo… Cuando vi Medianoche en París, la escena donde están Dali, Buñuel y Man Ray, dije ese hubiese mi momento ideal del arte para vivir 3- ¿Cual es el Artista Masculino que más te gusta del mundo del arte?

Tengo varios, El Bosco, Dali, Man Ray, Bresson, La Chapelle, Mondrian, Berni y Helio Oiticica, No puedo elegir solo uno, es muy difícil, todos estos están el puesto Numero uno y seguro me olvide de algunos cuantos 4- ¿Cual es el Artista Femenino que más te gusta del mundo del arte?

Hay muchas, pero por sobre todas Lygia Clark 5- ¿Que otra profesión tendrías si no fueras Artista?

Veterinaria, Bióloga… creo que hice un secundario con orientación biológica, para poder hacer algunas de estas dos carreras…

6- ¿Que Artista te hubiera gustado ser, si no fueras vos?

Helio Oiticica, a pesar de que tuvo una corta vida, fue intensa.

7- ¿Tu color favorito?

Rosa brillante, fluo, que vibré 8- ¿Cual es el artista que menos te gusta? … debo decirlo? Hay algunos contemporáneos… Pero de los mas famosos, busco en mi mente y no encuentro alguien que diga este es el que menos me gusta.

9- ¿Que obra de arte te hubiera gusta hacer vos?

Tropicalia de Helio Oiticica, el represento su laberinto mas grande, o “Penetráveis”… representando el ambiente y la arquitectura de las favelas, en esa época el vivía en la favela de Mangueira .

10- ¿Con que técnica te sentís más cómoda/o?

Con la fotografía y el videoarte 11- ¿Que profesión no tendrías si no fueras Artista?

Abogada, escribana, dentista… todas la que dejan dinero… por eso soy artista ajajaja 12- ¿Cual es tu mayor temor cuando armas una muestra?

Que algo se rompa o no funcione bien, esto me pasa con las obras de arte electrónico.

13- ¿Cuando está para vos terminada una obra?

La obra me dice cuando ya esta, es un instante donde digo LISTO, pasemos a otra cosa 14- Nombrame cuatro artistas, vivos o muertos, no importa la época, que sentarías a tu mesa en una cena.

Creo que ya adelante algo en otra pregunta, Pero serian: Man Ray, Bresson, Dali y Duchamp 15- ¿si existe el cielo que Artista te gustaría para darte la bienvenida y que te gustaría que te dijera?

Uf que difícil, pero creo que por una gran cosa en común, seria Helio Oiticica, y me gustaría que me dijera: vamos dançar com a Mangueira.

El porque de una foto ganadora Cuando una foto es la ganadora de un premio internacional, recorre el mundo, que la hace merecedora de un premio tan importante.

Que hace que una foto, se convierta en ganadora de uno de los tantos premios internacionales y de mayor prestigio que conocemos, uno de ellos es el Premio Pulitzer, seguro lo escucharon en alguna película, donde el protagonista un reportero intenta acceder a el, por alguna de sus notas; los Premios Pulitzer los otorga la Universidad de Columbia a la excelencia en distintas categorías una de ellas es el periodismo y el fotoperiodismo no queda fuera de esta selección, el otro premio al que voy a nombrar son los que otorga National Geographic a la fotografía en distintas categorías, quien de nosotros no se quedo mirando una revista, con la boca entre abierta por una foto publicada por National Geographic, Yo si, debo confesarlo.

Por eso hoy quiero hablar sobre dos fotos que ganaron este año, estos premios, distintos en sus categorías, uno premia la realidad de la vida cotidiana y el otro la realidad de naturaleza en su total esplendor.

Barbara Davidson, Fotógrafa Estadounidense, trabaja en Los Ángeles Time, este año ganó el Premio Pulitzer, por su fotoreportaje a las victimas de las pandillas callejeras en Los Ángeles, una foto en primer plano, blanco y negro (mis preferidas a la hora de hacer fotos), en el rostro del protagonista se puede ver como una lágrima lo recorre, su cabeza hechada hacia atrás, mostrando solo el perfil, podemos ver el dolor que siente el retratado al regresar a su

casa después de haber sido herido por una de las bandas callejeras que hay en Los Ángeles, no necesito mostrar su herida o el rostro completo, vemos la foto y sentimos el dolor.

Por otro lado está la foto ganadora del premio National Geographic, este año en la categoría Naturaleza fue para Shinkei Goh, Fotógrafo de Indonesia, se puede ver a una libélula sujetarse a una rama, cuando es sorprendida por la lluvia y el viento, la luz es impecable, hasta diríamos que podemos sentir la lluvia y el esfuerzo que hace la pobre libélula, intentando sostenerse, todo en está foto es impecable, el Fotógrafo dijo “que no pensaba tomar la foto ya que se había largado a llover y su cámara se mojaría”, pero lo hizo, era el momento justo, así decía Henri Cartier Bresson, Fotógrafo Francés, considerado el padre de fotoreportaje.

Vuelvo al principio de la nota, que hace que una foto gane un premio como los que mencione, muchos son los factores, técnica, luz, el momento justo, en el caso de los Premios Pulitzer seguir una historia, comprometerce con ella y mostrar su realidad por difícil que pueda resultar para quien la realiza y para nosotros los espectadores; en el caso de la foto de National Geographic, a pesar de correr el riesgo de mojar nuestra cámara, no podemos perder la posibilidad de realizar una foto como está, y solo sabremos el resultado cuando revisemos la memoria de nuestra cámara.

Mas allá de los premios que pueda o no recibir una foto, siempre nos queda la luz, la técnica y el momento justo y por sobre todas las cosas, saber ver, ese es el único secreto.

El supermercado del arte, también es Chino Oriente está marcando el ritmo en el mundo del arte, es el momento de empezar a mirar hacia un nuevo horizonte.

El mercado del arte tiene un nuevo competidor desde hace unos año, es China y se está convirtiendo en el líder, parece que los tiempos donde las casas de subastas de Londres (Inglaterra) y las de Nueva York (EEUU) lideraban el mercado, está llegando a su fin.

Cuando hagamos referencia a China ya no solo vamos a hablar de supermercados, casas de comidas o los negocios de todo por 2 pesos, claro en el plano domestico, todos sabemos que China es una de las dos economías más fuertes del mundo, algunos de sus Artistas son los más cotizados en el Arte Internacional, los Coleccionistas Chinos cuentan con dinero en efectivo, dos factores importantes para hacer que el mercado crezca.

Dos de las casas de subastas más importantes de China, son Poly Internacional (como dato el Ejercito Chino es uno de sus principales accionistas), la otra casa es Guardian, hay una tercera es Beijing Art Auction, los volúmenes de dinero que están facturando hicieron que Pekín se convierta en la segunda plaza más importante por detrás de Nueva York, dejando a Londres en tercer lugar.

Muchas casas de subastas importantes y galerías de arte están viendo la posibilidad de abrir sucursales en Oriente, un nuevo horizonte en el mundo del arte llego para quedarse y marcar un nuevo rumbo para aquellos que quieran hacer negocios con el Arte.

Toco y Me voy en el Arte.....hoy Mirian Casualnovo Curto Toco y me voy en el Arte, está basado en el cuestionario Proust, el cual modifique con preguntas sobre arte, hoy responde Mirian Casualnovo Curto, Artista Plástica 1- ¿Cuando fue la primera vez (en el arte)?

Era muy chica,no recuerdo la edad,tal vez 4 o 5 años, un tío de mi mamá era artista plástico y me enseñaba a dibujar.

2- ¿En que periodo del Arte te hubiera gustado nacer?

No se, valoro mucho todo el movimiento artístico. Cada época fue contando su propia historia.

Hoy día me gusta ver tanto arte tan cerca y accesible a todos.

3- ¿Cual es el Artista Masculino que más te gusta del mundo del arte?

La genialidad de Leonardo, su espíritu investigador .Los colores de Kandinsky. De hoy día visité las muestras de Marcelo Vatuone y me emociona e impacta. Maneja las texturas como ninguno.

4- ¿Cual es el Artista Femenino que más te gusta del mundo del arte?

Lola Mora por audaz y combativa, su fuerza. De la actualidad , Andrea Trota, vecina de mi barrio, que llevó el arte a un evento abierto en la vereda de su estudio. De ella la expresión plasmada en varios tamaños de soportes.

5- ¿Que otra profesión tendrías si no fueras Artista?

De chica junto al los dibujos quería ser bailarina clásica como Norma Fontenla.

6- ¿Que Artista te hubiera gustado ser, si no fueras vos?

No puedo elegir.

7- ¿Tu color favorito?

Azul 8- ¿Cual es el artista que menos te gusta?

Algunos no los entiendo aún. A veces me leva tiempo leer la obra de alguien, sea pintura, escultura, danza, música. Todos quieren contar algo, más que cuestión de gusto creo que es entender el lenguaje, el código, ver con el alma.

9- ¿Que obra de arte te hubiera gusta hacer vos?

La Paloma de Picasso. Simple, unas líneas, movimiento y lo es todo.

10- ¿Con que técnica te sentís más cómoda/o?

Con texturas en acrílico. Uso varios materiales.

11- ¿Que profesión no tendrías si no fueras Artista?

Ninguna que no me dejara crear, poner de lo mío. Rápido te respondo cosas como podóloga, administrativa, bancaria, no se…

12- ¿Cual es tu mayor temor cuando armas una muestra?

Tengo miles de temores. No quiero escuchar algunos comentarios o comparaciones.

13- ¿Cuando está para vos terminada una obra?

Cuando después de mirarla mucho mucho, ella misma me dice que ya está completa. Hay un dialogo entre el soporte en blanco y yo. Día a día conversamos entre colores, pinceles y texturas. Necesitamos ese tiempo de reconocernos. Y llega ese instante en que está todo dicho.

14- Nombrame cuatro artistas, vivos o muertos, no importa la época, que sentarías a tu mesa en una cena.

El tío Juan que me guío de chica, Lola Mora, Frida Kahlo y alguno que no conozca aún.

15- ¿si existe el cielo que Artista te gustaría para darte la bienvenida y que te gustaría que te dijera?

Mi Tío Juan Otaviano, tengo mucho que decirle.

La gran retrospectiva de Damien HIrts Todo empezó en un almacén abandonado....hoy en el Tate Moderm Los tiempos en que escandalizaba el arte británico ¿terminaron? o ¿quizás no?, Él supo poner el acento, hacernos cuestionar si un tiburón o una ternera suspendidas en formol, hasta sus calaberas cubiertas en diamantes algo de lo que hable en este blog, Damien Hirst (Artista Británico) fue tan criticado, eso no le impidió llegar a pero a la cima del Arte Londinenses, además hoy es uno de los artistas mas ricos, no le preocupa que lo difamen, le gusta escandalizar y su trabajo ya se reproduce en serie, aunque tenga que delegar parte de ese proceso, esto no es todo.

Desde su primer muestra en un almacén abandonado, donde presento Freeze, junto a sus amigos y compañeros del Goldsmiths College, pasaron casi 25 años de esa primer muestra y este año tendrá su primer gran retrospectiva en la Tate Moderm de Londres, coincidiendo con los juegos olímpicos, se podrá ver toda su obra iconica, aquella que nos hizo hablar de Él y cuestionarnos ¿eso es arte? ¿que es el arte? ¿cuales son los limites del arte?; mientras nosotros nos seguimos haciendo esas preguntas, Hirts sigue dando que hablar acaso ya toco su techo con esta muestra, después de esto, ¿nos preguntamos que?.

Podemos o no estar de acuerdo, pero a cuantos de nosotros, nos gustaría estar en Londres y poder ver esta exposición que reune casi todo su trabajo.

Yo les aseguro que me encantaría poder verla, para quienes puedan estar en Londres entre el 4 de abril al 9 de septiembre, la Tate presenta una de las muestras que dará que hablar en este 2012.

Un nuevo Museo para la Ciudad de Buenos Aires Para quienes estamos en el mundo del Arte, saber que un nuevo Museo, abrirá sus puertas a mediados de año, es una de esas noticias que debemos celebrar con un buen espumante.

El MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires) así se llamara, tendrá un espacio de más 1000 metros cuadrados, distribuidos en distintas plantas, su creador Aldo

Rubino, viene del mundo de las finanzas, desde hace más de 20 años colecciona arte geométrico, participando en ferias y remates de arte, sin dejar su actividad profesional, lo interesante es que el MACBA viene mostrando su obra desde hace un tiempo de manera virtual y desde el 2010 está participando en distintas ferias arte.

El Museo estará dedicado al arte geométrico latinoamericano, promete abrir sus puertas con una intervención lumínica de Carlos Cruz Diez (Artista Venezolano) uno de los mayores representantes del arte óptico, aprovechando que Él artista en Julio inaugura una muestra en San Pablo, si bien en la pagina personal de Cruz Diez no se hace referencia, se puede ver hasta el 5 de Marzo en el Malba su obra.

Más allá de si está confirmada o no su presencia en la inauguración, siempre es bueno celebrar un nuevo Museo, dedicado al arte y junto con el Museo de Arte Moderno y del Cine que están en San Telmo vienen a crear un nuevo polo para el arte, revalorizando una zona que ya es visitada por los turistas, el aporte del MACBA, que se plantea como un Museo Boutique le dara a la zona una nueva mirada.

Un dato para tener encuenta, en Argentina en los últimos tiempos los Museos vienen siendo creados por particulares, el Malba dio el puntapié inicial hace 10 años, ya hable de su origen, Amalia Lacroze con su Museo en Puerto Madero, donde alberga su colección privada de arte, Alan Faena que inauguró a finales del año pasado el Faena Arts Center, ¿es una nueva tendencia?, antes mayormente se donaban a los museos, hoy tener un museo propio, es asegurarse que el día de mañana esa obra seguirá protegida y no corre el riesgo al ser donada que quede arrumbada en algún deposito, sin que nosotros podamos disfrutar de ella o que se termine deteriorando, más allá de si es el sueño propio del museo, bienvenida sea esta decisión, que muchos particulares están tomando y compartiendo con el resto de la sociedad.

Los obreros del arte “Todos estos trabajos están hechos personalmente por el Artista” Así dice el cartel que anuncia la próxima muestra de David Hockney (Artista Inglés), que a mediados de Enero inaugura en la Royal Academy of Arts de Londres y con esta frase comenzó la polémica, Hockney dice que su expresión fue sacada de contexto en una entrevista que le realizaron, que Él nunca quiso criticar a su colega Damien Hirst (Artista Inglés).

A que viene la frase, Hockney critica el hecho de que muchos Artistas delegan su proceso de producción a otros, en clara alusión a Hirst, los considera Artistas sin arte, según Él los Artistas hoy aprenden la poesía y no la técnica.

Mientras tanto Hirst que tendrá su retrospectiva este año en Londres, no contesto los dichos de su colega.

Es posible que abriera el debate nuevamente en torno al arte y sus ejecutores, hoy son dos Artistas reconocidos mundialmente, pero cuantos Artistas que sin ser de fama internacional utilizan esté método, recurren a “los obreros del arte” (así se los llaman en el medio) para que les realicen la obra, en este punto nos deberíamos cuestionar si ¿es legitimo o no?, ¿porque lo hacen?, ¿por la comodidad de que otro haga el trabajo pesado? Hirts dice que cuando llega a esa etapa se aburre, por eso delega esa parte en la producción; o es solo llevarse la gloria de

la firma y los aplausos, tendríamos que preguntarnos como dice Hockney que conocen la poesía y no la técnica, es una cuestión de no conocer el oficio, la técnica o como queramos llamarle.

Antes los grandes maestros del arte tenían a sus discípulos para que hicieran el trabajo pesado, además de aprender el oficio, hoy se contrata a los obreros del arte, que en muchos casos son Artistas, en pocas ocasiones son alumnos de este Artista; se les paga para que hagan la obra, eso es lo que cambia el titulo, antes tenían un fin aprender la técnica, hoy son los obreros del arte.

Toco y me voy en el Arte....hoy responde Ato Menegazzo; Artista Plástico Músico Toco y me voy en el Arte, está basado en el cuestionario Proust, el cual modifique con preguntas sobre Arte.

1- ¿Cuando fue la primera vez (en el arte)?

Creo haber leído que responder con preguntas es mala educación... pero me llena de preguntas esto.. ¿debería ser educado? ¿hay una primera vez en el arte? ¿cuenta si uno no llegó al orgasmo? ¿puedo contar mi experiencia en el arte marcial?

2- ¿En que periodo del Arte te hubiera gustado nacer?

En el paleolítico, eso sí ser profesional ante todo. Los cazadores acudirían a mí por ritos de fecundidad y magia propiciatoria.

3- ¿Cual es el Artista Masculino que más te gusta del mundo del arte?

Hace poco escuche un pianista increíble, se llama Leo Genovese y es de Venado Tuerto.

4- ¿Cual es el Artista Femenino que más te gusta del mundo del arte?

Marcia Swchartz 5- ¿Que otra profesión tendrías si no fueras Artista?

Rabdomante 6- ¿Que Artista te hubiera gustado ser, si no fueras vos?

Menchi Sabat 7- ¿Tu color favorito?

La próxima combinación 8- ¿Cual es el artista que menos te gusta?

El que agrede como estrategia de marketing o el que simula sentimientos.

9- ¿Que obra de arte te hubiera gusta hacer vos?

El Sermón de San Marcos en Alejandría, de Giovanni Bellini o alguna otra pintura veneciana renacentista 10- ¿Con que técnica te sentís más cómoda/o?

Con una que practico pero no le he puesto nombre aún, además me gusta mantenerla en secreto por el momento.

11- ¿Que profesión no tendrías si no fueras Artista?

Proctólogo.

12- ¿Cual es tu mayor temor cuando armas una muestra?

La indiferencia del receptor.

13- ¿Cuando está para vos terminada una obra?

Muchas veces me pasé de rosca con alguna por no terminarla a tiempo. Ese es un riesgo que acepto felizmente. Supongo que depende de cada una, cuando creo que está diciendo algo que con las palabras no puedo comunicar.

14- Nombrame cuatro artistas, vivos o muertos, no importa la época, que sentarías a tu mesa en una cena.

Antón Chejóv, Goya, Niemeyer y Mozart.

15- ¿si existe el cielo que Artista te gustaría para darte la bienvenida y que te gustaría que te dijera?

Johann Sebastian Bach me recibiera como director de un coro de ángeles entonando el aria número 47 de la pasión según San Mateo "Erbarme dich, mein Gott" (Apiádate de mí, Dios mío)

Leonardo y La Gioconda En estos días Leonardo Da Vinci y La Gioconda volvieron a ser noticia, se descubrió que la copia que se encontraba en el Museo del Prado, pudo haber sido pintada por un discípulo de Leonardo, en el mismo tiempo que la original que se puede ver en el Museo del Louvre.

Soy una gran admiradora de Leonardo, hasta podría decir que es mi Gran Amor, así que siempre trate de leer y ver cuanto se publica o se realiza sobre Leonardo, las historias sobre La Gioconda, son tantas y tan conocidas, hace unos años llego a mi mano un libro de finales de 1800, eran biografías de grandes pintores, el libro estaba escrito en francés, con algo de esfuerzo logre traducirlo ya que, el francés que había aprendido en la escuela secundaria estaba algo oxidado, mientras leía sobre Leonardo, en uno de sus capítulos, en un apartado hace referencia sobre una historia de la Gioconda que no conocía y que nunca volví escuchar o leer, así que se las voy a resumir.

“Leonardo estaba enamorado de La Gioconda, así que siempre encontraba alguna excusa para no entregar el retrato, además del original se dice que pinto dos cuadros más, entre todos sus viajes y en los últimos años de su carrera y sin poder olvidar a su gran amor, uno de los retrato de La Gioconda lo acompañaba siempre, se dice que cuando lo encontraron muerto, estaba abrazado a uno de los retratos de La Gioconda” Como dije al principio, son muchos los relatos que se pueden encontrar sobre La Gioconda, pero recuerdo cuando leí está nueva versión para mí, me pareció tan bella y romántica que decidí quedarme con ella, un hombre de una gran inteligencia como Leonardo, pudo sucumbir al amor a una Mujer y guardar su imagen hasta el final de sus días.

Si es verdad o no, no lo sabremos, los protagonistas no son fácil de encontrar y todavía no se invento un 0800 más allá para poder entrevistarlo y que me cuente la verdad.

El ser interior Del autorretrato como medio de expresión y la autorrepresentación, pasamos a la búsqueda de nuestro ser interior.

En un momento de nuestras carreras todos los Artistas, nos exponemos en nuestra obra, el autorretrato tan temido y conocido, era una forma de mostrar nuestra imagen al mundo, para ser recordados como eramos o como queríamos que nos recuerden, en los tiempos de Leonardo Da Vinci (Artista Italiano), o Vincent Van Gogh (Pintor Holandés) era una opción, así dejábamos constancia de nuestro cuerpo en la obra, presentándonos, la autorrepresentación era otra opción, el Artista trabaja en su mayor parte en el Renacimiento por encargo, los mecenas cumplían un rol importante, en el impresionismo eran pocos aquellos que tenían un mecenas, pero la búsqueda de un nuevo movimiento pictórico, hizo que el Artista no necesitara una búsqueda interior, el buscaba cambiar la historia de la pintura.

En el arte contemporáneo el Artista, se expone en la obra, formando parte de ella, ya no es solo dejar una imagen que lo perpetué en el tiempo, ahora uno se convierte en la obra, desde distintos puntos de vistas, ser su propio modelo, sin la necesidad de estar dirigiendo y lidiando con un modelo que puede comenzar a cuestionar la pose, la dirección o solo decir yo no hago esto, después que uno pauto y preparo el espacio para trabajar.

Uno de los ejemplos más conocidos es el caso de Cindy Sherman (Fotógrafa Estadounidense), conocida por sus fotografías en blanco y negro, donde Ella es la protagonista, recreando escenas de antiguos filmes, como escribí en otra nota su fotografía es una de las más caras del mundo para un artista vivo.

También está la búsqueda personal, ese ser interior que se refleja en la obra y que necesitamos expresar, en muchos de los casos esas búsqueda interior suele reflejarse en imagenes donde la exposición de uno mismo, cambia por una representación.

La cuestión de genero suele estar presente, en otros casos el exponerse en la obra es autobiográfica, contar la propia historia, provocar al espectador Tracey Emin (Artista Inglesa), se hizo conocida por la instalación “Mi Cama”, la cual llevo a la sala de exposiciones, con sabanas de varias semanas de uso, condones, cigarrillos y ropa interior, casi toda su obra se genera de la experiencia personal de Emin, odiada y amada, es hoy una de las artistas británicas más reconocidas.

Y cuando la enfermedad es la protagonista de la obra, muchos trataron el tema de su propia enfermedad y sus vaivenes, en la actualidad también es un recurso utilizado por muchos Artistas, Frida Kahlo (Artista Mexicana), en sus pinturas contaba la historia de su enfermedad, el tiempo que paso postrada en la cama, sus miedos, sus dolores, era un tema recurrente en su obra.

La enfermedad, el abuso, el maltrato hoy se lleva a la obra, como una forma de exorcizar los demonios que uno lleva adentro, es el caso de Nan Goldin (Fotógrafa Estadounidense), fotografío su rostro después de la golpiza que le diera su pareja, el arte como catarsis, como liberador del ser interior, el arte para exponerse física o virtualmente, ya no solo uno se expone en la obra, ahora la exposición va más allá, en esa búsqueda, por encontrar al ser interior y trabajar desde ahí, a veces solo nos estamos escondiendo.

Cuanto de nosotros mostramos en la obra, cuanto estamos dispuestos a mostrar, cual es nuestro limite, la próxima pintura, la siguiente foto, ya no estamos hablando de dejar una imagen que nos pertenece, para ser recordados en distintas etapas de nuestra vidas, ahora somos los protagonistas de la obra, contamos nuestra historia, ya no nos alcanza mostrar una serie que nos refleje como artistas, porque de eso se trata cada obra, acaso cada serie en la que nos embarcamos, no es el fruto de nuestro interior, hoy no basta ya con nuestra representación, ¿hoy tenemos que ser los protagonistas, de nuestras vidas, como de nuestra obra?.

Me pregunto que mostramos, en esa búsqueda interior, casi mística y profética, nuestro ser real, nuestro ser interior, nuestro ser inventado, o tan solo mostramos lo que podemos y como podemos.

Sherman, siempre Sherman Cindy Sherman ( Fotógrafa Estadounidense), el próximo 26 de Febrero inaugura una gran muestra en el MOMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York), son más de 180 fotografías que recorren toda su carrera.

Que tiene de particular Sherman, hoy es una de las fotógrafas vivas más cara en la historia de la fotografía, que no es un dato menor, en el mundo del arte, la fotografía fue ganando posiciones, en las casas de subasta donde compite en valor con la pintura, algo de lo que hable en otra nota.

Sherman por más de 30 años viene trabajando el autorretrato, a diferencia de otros Artistas que hacen trabajos autorreferenciales; Ella interpreta muchos personajes, todos mujeres, es el mundo que representa, desde sus primeras fotografías en blanco y negro en las que recreaba escenas de viejas películas de Hollywood; se ocupa de todo, desde el maquillaje, el vestuario, la escenografía, el peinado, para reflejar el mundo femenino, sus esterotipos, se alimenta de todo, desde una pintura del renacimiento, una foto en una revista, las toma, las reinterpreta.

Con los años años comenzó a agregar prótesis, el maquillaje evoluciono, así se convierte en una aristócrata o una mujer donde los años ya están dejando su huella en la piel, en esta interpretación constante del mundo femenino, Ella juega distintos roles, nos hace preguntar si quiere ser todos esos personajes o solo nos dice miren quien soy ahora.

En una época donde todos vivimos exponiéndonos, en las redes sociales, blog, fotolog; Ella sigue interpretando o soló interpreta, en mi opinión soló interpreta, es de las Artistas que pone su cuerpo en la obra, le sirve de modelo, se muestra, se expone, revela, el mundo femenino; cuanto de Ella hay en la obra, su cuerpo, su idea, el trabajo, organiza todo hasta el momento del click final en la foto, que también hace Ella misma; como una mujer orquesta. Si nos preguntamos cuantos se expone, diría que un 100 por ciento, pero no como todos conocemos la exposición hoy, Ella expone a las mujeres y Ella expone su trabajo.

Paso bastante tiempo desde las primeras fotografías en blanco y negro de formato mediano a las gigantografías a color que hoy realiza, recuerdo una entrevista que le hicieron hace unos años en referencia al cambio del tamaño de sus fotos, comentaba “que sus colegas hombres

cada vez hacen fotografías de mayor tamaño, según el ego del colega, así Ella decidió hacer lo mismo con sus fotos”.

En este punto ¿el tamaño no importa o si?, soló el trabajo que realiza a solas sin asistente, tomando, creando, recreando, interpretando, interpretándose haciendo que nosotros los espectadores, en algunos ocasiones nos podamos sentir incómodos ante su obra y nos hace esperar hasta el próximo click.

Toco y me voy en el Arte.....Hoy responde Lidia Kelly, Escritora.

Toco y me voy en el Arte, está basado en el cuestionario Proust, el cual modifique con preguntas sobre Arte.

1- ¿Cuando fue la primera vez (en el arte)?

Mi primer contacto con el todas las formas del arte fue a través de mi madre que era un talentosa tenía el don! Escribía poesía, dibujaba, cantaba, hacia esculturas. Las tardes en provincia frente un buen fuego del hogar eran para hacer las tareas escolares y dejarse llevar por la creatividad, títeres caseros, láminas y pinturas no faltaban nunca! Ella por sobre todo era una ávida lectora, pasión que yo compartí. A los 11 años ya estaba leyendo; “El viejo y el mar” de E. Hemingway, “La luna y seis peniques de W. S. Moughan. Fueron por ejemplo mis primeros libros.

2- ¿En que periodo del Arte te hubiera gustado nacer?

Me hubiese gustado vivir entre 1880 y 1940, ya que es una época en que conviven varios artistas de la literatura que admiro como James Joyce, E. Hemingway, J. Paul Sartre, Pablo Neruda.

En una situación imaginaria podría haber compartido conversaciones con ellos, en tertulias donde se discutían o evaluaban las obras y ser testigo presencial.

3- ¿Cual es el Artista Masculino que más te gusta del mundo del arte?

Es Mario Benedetti, escritor y poeta Uruguayo, su obra es mi inspiración, es un militante de la vida, uno de los pocos artistas latinoamericanos que trascendieron fronteras, de sus poesías se han creado himnos que cante en mi juventud. Un sensible!

4- ¿Cual es el Artista Femenino que más te gusta del mundo del arte?

Jane Austen, escritora inglesa con un manejo de la novela impresionante, sobre todo admiro su enfoque de los personajes, y el fondo de su obra la ingenuidad y el romance dentro de un paisaje de campiña inglesa.

5- ¿Que otra profesión tendrías si no fueras Artista?

Decoradora, diseñadora de interiores, lo soy y disfruto mi trabajo porque es creativo, se trata de belleza y de armonía. Se elabora con sensibilidad y con buen trato de gentes y materiales.

Cuando tomo un trabajo también es una obra, que se piensa, se diseña, se elabora, se lleva a cabo y tiene una devolución inmediata que es la satisfacción del cliente, que es como un aplauso para el final feliz.

6- ¿Que Artista te hubiera gustado ser, si no fueras vos?

Lola Mora, una iluminada, atrevida, transgresora, una de las pocas mujeres escultoras. “La fuente de la Nereidas” estaba para ser alzada en Plaza de Mayo, pero la sociedad pacata de la época, no soportó los desnudos , y la fueron proponiendo cada vez mas alejada hasta donde esta hoy cerca del río.

7- ¿Tu color favorito?

El verde, esmeralda como la isla de mis ancestros Irlanda, el color de la esperanza, de los tréboles de buena suerte , de las praderas, el color del follaje fresco, del mar, y porque no del dinero!

8- ¿Cual es el artista que menos te gusta?

Picasso, no tengo piel con su obra.

9- ¿Que obra de arte te hubiera gusta hacer vos?

Me hubiese gustado escribir” Cien años de Soledad” una historia llena de matices y personajes fuertes, la puerta de entrada a la Literatura mágica, singular, una obra que no va a morir en el olvido, que no pasa desapercibida.

10- ¿Con que técnica te sentís más cómoda/o?

La técnica que más aplico es la libre, dentro de los géneros de poesía y narrativa 11- ¿Que profesión no tendrías si no fueras Artista?

La profesión que no tendría si no fuera artista: cualquiera inherente a la represión de las ideas o personas, que conlleve violencia, explicita o sicológica, que ejerza castigo sobre cualquier ser humano o animal.

12- ¿Cual es tu mayor temor cuando armas una muestra?

Mi mayor temor cuando armo una muestra, es simplemente que no guste.

13- ¿Cuando está para vos terminada una obra?

Pienso que una obra está terminada cuando no la corrijo más.

14- Nombrame cuatro artistas, vivos o muertos, no importa la época, que sentarías a tu mesa en una cena.

Los cuatro artistas que sentaría en mi mesa para cenar serían: Gabriel García Márquez, James Joyce, Charles Dickens, y Audrey Hepburn.

15- ¿si existe el cielo que Artista te gustaría para darte la bienvenida y que te gustaría que te dijera?

Si existiera el cielo y me recibiera un artista quisiera que fuese : Mario Benedetti, y que me dijera que leyó mi poesía y que lo conmovió.

El legado Fortabat

Hace ya unos días, que todos nos enteramos de la muerte de Amalia Lacroze de Fortabat, mucho se dijo, mucho más se puede decir, algunos a favor, otros en contra, su relación con el poder, su empresa, su vida.

Pero Amalita, dejo un legado cultural al que muchos no podemos no mencionar, fue su amor por el arte, si bien en los últimos años debió desprenderse de algunas obras y muy valiosas para el arte y en lo económico, quienes vivimos en Buenos Aires, podemos visitar su Museo, un edificio moderno construido en Puerto Madero (Ciudad Autónoma de Buenos Aires), diseñado por el Arquitecto Rafael Viñoly, la misma Amalita superviso el diseño del edificio de 6 plantas con techo de vidrio, que se abre en las noches estrelladas para observar el cielo y las obras de arte, con grandes espacios, en todos los niveles, construido en forma paralela al río y su ultima planta además de disfrutar de las obras, se puede ver por los ventanales el río, para una cuidad que fue construida en su totalidad a espaldas al río, la vista que propone el último nivel es maravillosa, lo más importante es que la obra ocupa su lugar y se las puede ver en su esplendor.

Recuerdo cuando recién inauguro que fui a recorrerlo y me sorprendí por la colección de Arte Argentino e Internacional que poseía, me resultaba maravilloso poder ver muchas obras a las que solo había visto en los catálogos de arte, lo bien cuidada que estaban las obras, cosa que a veces sabemos no ocurre con los Museos de Arte, que las dejan en depósitos, arrumbadas y cuando quieren exhibirlas están deterioradas, ver una instalación de Berni, quedarme a contemplarla era maravilloso para el alma.

En estos tiempos en donde quienes tienen una colección de arte, tan valiosa como está, la moda es tener el propio museo, moda o no como comente en otra nota hace un tiempo, lo importante es que este legado lo dejo a la cultura, podrían haber quedado en su casa, venderlas y así generar más dinero, en cambió creo está colección de puertas abiertas, para que todos la podamos disfrutar, lo único que criticaría es el hecho de que solo se puede ver la colección permanente, ya que no cuenta con muestras temporarias, por eso es mi comentario si esto fomenta que volvamos a visitar la Colección, igual siempre vale la pena volver a recorrerla, las segundas miradas, suelen hacer que descubramos detalles que no vimos en la primera.

Si todavía no fueron se los recomiendo, además de hacer un paseo por Puerto Madero, ver el río, disfrutar del Arte, en un edificio que no le envidia nada a los nuevos Museos de Europa por su diseño, se puede disfrutar de un café o un almuerzo con una gran vista, en lo personal me gustan los Museos en los que puedo sentarme un rato a tomar algo y luego seguir mi recorrido, eso me da el tiempo necesario, para pensar en una obra y volver a verla, muchos están acostumbrados a mirar el titulo y seguir el recorrido, pero cuando uno ama el Arte, el titulo es solo una referencia, ver la pincela, el movimiento, el gesto, la luz, la intensidad que un Artista le dio a su obra ese es uno de los valores más importantes.

Por eso cuando el Legado es el Arte, todos debemos agradecer, sin importar nuestras opiniones personales, sin abrir juicios de valor, no muchos compran arte, para luego dejarlo como legado a la sociedad, para muchos hoy el Arte es una inversión a largo o corto plazo, para otros es si combina o no con el sillón del living.

La condición de Mujer en el Arte

La condición de La Mujer en el Arte muchas veces cuestionada y muchas veces relegada, considerada un obrero del arte, debió abrirse paso y demostrar que podía estar a la altura de cualquier Artista Hombre, en la actualidad La Mujer es generadora de Arte en mayor proporción que el Hombre pero sigue estando en un segundo plano, pocas son Las Mujeres Artistas que llegan a ocupar el primer lugar en un Museo importante, en muchos casos deber demostrar el lugar que se ganaron, muchas son las Mujeres Artistas que hablan sobre Mujeres o sobre acontecimientos de su propia vida, Tracey Emin (Artista Inglesa), Nan Goldin (Fotógrafa Estadounidense), a las Artistas que trabajan solas les sumamos los grupos de Mujeres Artistas,que intentan cambiar esa realidad, pero cuando forman hacen una muestra, lo primero que se dice es que hacen arte femenino, y ¿cual es el arte femenino?, el hablar de La Mujer y su condición, el más conocido de los grupos integrados por Mujeres es; El Grupo Colectivo Anónimo Guerrilla Girls que en su manifiesto dicen: “Trabajar sin la presión del éxito; No tener que exponer con hombres; Tener una evasión del mundo artistico con tus cuatro trabajos free-lance; Saber que tu carrera será conocida después de cumplir ochenta años; Estar convencida de que cualquier arte que tú hagas sera etiquetado de femenino ; No quedarte anquilosada en una plaza fija de profesora de arte; Ver que tus ideas cobran vida en el trabajo de otros; Tener la oportunidad de escoger entre tu carrera o tu maternidad; No tener que justificar tu éxito económico con antiguas militancias conceptuales; Dedicar más tiempo a tu trabajo cuando tu compañero te haya abandonado por alguien más joven; No tener que avergonzarte porque te califiquen de genio; Poner tu fotografía en una revista de arte moderno usando un traje de gorila.”

Creí necesario en está ocasión convocar distintas Artistas Mujeres para que hablen sobre La Condición de la Mujer en el Arte, bajo esta consigna, cada una de Ella se expreso.

Lorena Pradal - Grabadora “Siento que no podría hablar desde el lugar de la mujer en el arte sino mas bien del rol del creador y hacedor que no diferencia géneros ni separa, creo que lo que da el oficio justamente es esta noción de igualdad, este articular un sistema de pensamiento que es el arte y nos enfrenta con procesos que no solo no son privativos del arte sino que nos ligan a la vida.

Si podría referirme al campo de la gráfica que me compete y decir que antaño y por nuestra condición este oficio “sucio” para muchos no era digno de ser ejecutado por mujeres que debían conservar sus manos impolutas del trazo de la tinta y las herramientas, de igual manera hoy día hay ciertos pensamientos que conservan su antigüedad y opinan que el cuerpo “débil” de la mujer no debería ejecutar por ejemplo una técnica “pesada” como la litografía.

Ahora mi mensaje es que aquello que es inherente al arte puede ser ejecutado por todo aquel que tenga a bien practicar el amor, la fe, la perseverancia y la concentración a la hora de desarrollar este sistema de pensamiento que es el arte y requiere el entrenamiento del oficio.”

Claudia Susana Días - Licenciada en Artes Visuales “8 de marzo. Mujeres, un día, una fecha. Reivindicar nuestro lugar en la sociedad patriarcal tanto en lo familiar, como en lo social y laboral es una lucha que no debemos olvidar cada día, por nuestra dignidad y por las generaciones venideras. Si esta es una tarea difícil, trasladarla al ámbito del arte lo es más aún. Por años las mujeres artistas han sido invisibilizadas por la Historia del Arte, siendo su lugar el de objeto de representación artística. Han sido pintadas, esculpidas pero no quedan registro de artistas produciendo arte hasta que una joven italiana Sofisbona Anguisola se registró como pintora en la corte española de Felipe II. En el siglo XXI sigue siendo complicada la relación mujer-arte más allá de la gran cantidad de artistas que han emergido desde los años 90. Si bien su presencia es fuerte también lo es la del discurso del imaginario patriarcal, siendo un gran desafío el poder obtener un lugar de mayor protagonismo

femenino en la actividad artística. Somos nosotras las mujeres las que debemos abrirnos camino con mayor presencia para disolver tramas de poder y no quedar presas de un discurso estéril de desigualdad.”

Eyelén Giacobbe - Licenciada en Artes Electrónicas, Fotógrafa “Estudie una carrera de arte, “Licenciatura en artes electrónicas” , donde siempre hubo mas cantidad de hombres que mujeres, lo mismo sucedía cuando estudiaba fotografía… siempre me pregunte porque pasaba esto, pero nunca llegue a una conclusión exacta.

Si bien dentro de estos rubros del arte hay muchísimas mujeres talentosas, algunas veces no son tan reconocidas como deberían, basta con ir a una librería y mirar las estanterías de arte, por ejemplo, en fotografía, vamos a encontrar mas libros de fotógrafos hombre que de fotógrafas mujeres.

Aun en 2012, todavía nos encontramos con exposiciones que se titulan “La mujer en el arte”, quizás todavía sentimos esa necesidad de manifestar que existimos las Artistas Mujeres.”

Carla Rey - Directora de Carla Rey Arte Contemporáneo “Frente a la posibilidad de perdidas , nuestros antepasados inventaron una herramienta que hasta ahora nos permite gozar de libertad: el arte.

Pero el arte también es perecedero y solo hay que mirar para atrás para ver todo lo que se ha hecho y de lo que apenas tenemos un vago registro. Esto es lo mejor del arte, su frágil carácter, ya que solo de esta manera siempre habrá un espacio para nuevas creaciones artísticas.

Mi propuesta es la de arte/ vida, concepto acuñado por las primeras vanguardias del siglo XX: esto es lo que mas disfruto. Vivo como artista: arte, hijos, gestión, creación.

Arte/vida es lo que mas disfruto. Y esto si, debería ser imperecedero para todos.” esa necesidad de manifestar que existimos las Artistas Mujeres.”

Ser Artista, Ser Mujer!!!!

Tiempo de Mujeres Estaba revisando material para un seminario sobre Arte Femenino, porque lo llamamos así y cuales fueron las artistas que trabajaron el tema, podría separarlos por varias etapas o generaciones desde los años 60, las Mujeres Artistas comenzaron a hablar de la Mujer en su obra, feminismo, concientización, espíritu de combate, que llevaba a las Mujeres de esos años, a demostrar que no solo servían para atender la casa, una posición a la que la Mujer había sido relegada, aunque las Mujeres votaban, no tenían voto en muchas de las decisiones.

Una de las muestras que marca un punto de inflección importante en el arte, fue en los 60, se llamo “Womanhouse”, el proyecto estaba a cargo de Judy Chicago y Mirian Schapiro, donde estudiantes del programa de Arte Feminista del institute of Arts, formaron parte del proyecto, que duró varias semanas después de poner en condiciones la casa, cada parte de la casa fue intervenida, Judy Chicago hizo el Baño de la menstruación (simbolizaba a la mujer que sangre todos los meses y el misterio que genera en el hombre); Faith Wilding, Cuarto Útero (simboliza el primer cuarto que todos tenemos al llegar a este mundo); así cada una de Ella en forma individual o en conjunto con otra Artista dieron intervención a esta casa.

Para los 80, se busca la ironía, el humor, se vuelven más retórica, se imponen medios como la fotografía, fotoperformance y la instalación; varias de las artistas que se destacaron por su trabajo es Rosemarie Trockel, Barbara Kruger (presenta textos, que se vuelven preguntas, sobre enormes fotografías, como la 1987 “Compro, por lo que soy”, cuestionando el tiempo que se pasa haciendo compras), Jenny Holzer (trabaja con textos que se muestran en motogran, siempre con el mismo formato de letra, que se pueden leer en forma constante), Cindy Sherman, Rebecca Horm, entre otras.

En los 90, las Artista Mujeres se vuelven indiferentes al binarismo Hombre - Mujer, se expande la visión, Helen Chadwick (Artista Inglesa), presenta en la Bienal de San Pablo de 1994, Cacao (la obra simulaba, ser chocolate en ebullición, en un enorme recipiente, podía verse de dos maneras como los fuidos corporales, aunque Chadwick, hacia una clara referencia al acto sexual, el recipiente era la vagina y la varilla era el falo, agradable - desagradable, placentero displacentero, femenino - masculino), un tema que comparten Artistas Hombres y Mujeres es la expansión del cuerpo físico, mental y espiritual, en esta etapa ya incorporan feministas, gays y lesbianas, marginado, emigrantes de países subdesarrollados, en está etapa se destacan artistas como Nan Goldin, Adrian Piper, Kiki Smith, una de las exponentes mas fuertes en la construcción del cuerpo fue Orlan (quien se realizó varias cirugías plásticas y fue transformando su rostro y cuerpo).

El tema del cuerpo, los miedos, la agresión se vuelven temas a tratar, tanto por Artistas Mujeres y Hombres, lo privado y lo individual, son el tema a explorar en estos tiempos, la lucha del feminista se diluye y el arte se vuelve uno, pero si es así, porque todavía se le sigue diciendo arte femenino, si la Artista trata temas concernientes al genero, al menos en el arte actual la Artista Mujer ya no esta marcando diferencia entre los sexos, me pregunto en este punto si le podemos atribuir el titulo de Arte Femenino solo al realizado por las Mujeres, aunque las feministas sigan utilizando el termino Mujer como una herramienta política, creo que llego el momento de empezar a analizar las nuevas narrativas.

La picadora del arte Reality - reality - reality-show, en lo unico que son real es en show.

Siempre estamos hablando de la picadora de carne que puede ser la televisión, los realityshow, se convirtieron en la gran ventana donde todos vemos como viven los demás, y ellos tienen sus 5 minutos de fama, hace más de un año en esta columna comentaba con asombro que los reality habían llegado al mundo del arte, para estos días en Argentina se está emitiendo la segunda temporada de Work of Art, el programa es producido por Sarah Jessica Parker, si la misma de la serie “Sexo en la Ciudad”, antes de que digan algo si la veía, soy mujer y me encantan los zapatos y cambios de ropa, que tenían las protagonistas.

Volviendo al tema que me trajo a escribir está nota, decidí que era un buen momento investigar que había pasado con los ganadores de los anteriores reality-show, fui al gran ojo de internet y busque en google de todas las maneras posibles, con todas las combinaciones de palabras que podía imaginar y para mi sorpresa, que fue una muy grande, no encontré nada y esta vez la palabra nada indicaba eso, porque ahora todos utilizan la palabra nada cuando dicen algo, pero Yo no encontré nada, solo las antiguas crónicas que hablaban del estreno de los programas.

Me pregunto ¿que paso con ellos? también se los comió la picadora de carne que es la televisión, sus carreras no fueron tan fabulosas y ascendentes como prometían, o solo fueron como decía “Warhol, 5 minutos de fama”, acaso eso no basta para ser un Artista, parecía que no, el dinero, la exposición publica, no alcanzaron y sus nombre ya quedaron en el olvido, como el de muchos participantes de los distintos reality-show, que hemos visto a lo largo de estos años, tanto en la televisión Argentina, como en la extranjera.

Lo real o no, es que el formato de reality- show para el arte, llegó para quedarse, así que para aquellos que amamos el Arte, seguiremos pendiente del destino de los futuros Artistas y sus intentos por crear una obra de arte por semana, que resulte del agrado del jurado, así poder sobrevivir hasta el final de la competencia, lo que no se, es, si el que llega a la final y se convierte en el ganador, sobrevive al Arte, el tiempo nos dirá.

Toco y me voy en el Arte....hoy responde Celeste Ledezma, Artista Plástica Toco y me voy en el Arte, está basado en el cuestionario Proust, el cual modifique con preguntas de arte; hoy responde Celeste Ledezma, Artista Plástica, 1- ¿Cuando fue la primera vez (en el arte)?

Cuando agarre mi primer lápiz 2- ¿En que periodo del Arte te hubiera gustado nacer?

En éste, me encanta éste 3- ¿Cual es el Artista Masculino que más te gusta del mundo del arte?

Francis Bacon 4- ¿Cual es el Artista Femenino que más te gusta del mundo del arte?

Marlene Dumas 5- ¿Que otra profesión tendrías si no fueras Artista?

Ninguna, seria un gatito 6- ¿Que Artista te hubiera gustado ser, si no fueras vos?

Estoy muy bien siendo yo misma 7- ¿Tu color favorito? rosa 8- ¿Cual es el artista que menos te gusta?

Difícil de contestar 9- ¿Que obra de arte te hubiera gusta hacer vos?

Cualquiera de Bacon 10- ¿Con que técnica te sentís más cómoda/o?

Acrílco 11- ¿Que profesión no tendrías si no fueras Artista?

No tendría ninguna profesión 12- ¿Cual es tu mayor temor cuando armas una muestra?

No tengo, por suerte 13- ¿Cuando está para vos terminada una obra?

Cuando la ve la gente 14- Nombrame cuatro artistas, vivos o muertos, no importa la época, que sentarías a tu mesa en una cena.

Balthus, Modigliani, Kahlo y Tizziano 15- ¿si existe el cielo que Artista te gustaría para darte la bienvenida y que te gustaría que te dijera?

Prefiero el infierno, el cielo debe ser muy aburrido......

El arte en tiempos del 2.0 Cuando empecé en 1985 a dar clases de dibujo y pintura, tenía el taller instalado con los caballetes, libros y un grupo de alumnos de distintas edades con ganas de aprender a pintar y dibujar.

Hoy después de 27 años de tener mi Estudio, la forma de enseñar cambió, a las clases de dibujo y pintura, ahora agregue la computadora, no solo para realizar algunas intervenciones en los trabajos que realizan los Alumnos, otras veces para ver el material que no pueden trasladar al Estudio, no solo para eso ahora si bien los libros siguen formando parte de las clases, para ver los distintos Artistas de todos los tiempos, hoy recurro a internet como fuente de ilustración para las clases; alguna vez hablé esta misma columna sobre la importancia de estar conectados, como hacer visibles nuestro trabajo en la red.

Ahora en las clases la tecnología también está presente, cuando queremos hablar de Arte Contemporáneo, el presupuesto en libros nos llevaría a la bancarrota, siempre me gusto contar historias en mis clases, las que tenía a mano las ilustraba, las otras quedaban en la imaginación del Alumno, hoy puedo llegar más allá, la dinámica que se crea en las clases, hace que los Alumnos puedan desarrollar su trabajo con otras bases de conocimientos, más actualizadas, si vemos los grandes maestros del arte, los libros son una buena fuente, pero cuando queremos trabajar con Artistas Contemporáneos, además de los libros que tengo en la biblioteca del Estudio, en la mayoría de los casos no suele ser suficiente, hoy la información se actualiza día a día, la incorporación de la computadora, es un elemento fundamental, no solo como herramienta de trabajo, ya que el dibujo y la pintura, todavía sigue siendo algo que realizamos en el papel, el bastidor o el soporte que elijamos, la computadora nos abre las puertas al Arte y nos acerca a la producción actual del Arte.

El arte en tiempos del 2.0, me hubiera resultado imposible mostrar el trabajo del Artista Chino Cai Guo-Qian, quien realiza sus obras en el sitio donde expone, y para ello utiliza la pólvora en su proceso creativo, no es lo mismo ver las fotos de sus obras después de su proceso, como ver cuando está realizando la acción performática, hace unos días una alumna me decía que había ido a un taller donde le pusieron un modelo y le dijeron que pinte como Monet, pero la

Profesora no le explico como pintaba Monet, como era el movimiento de sus pinceladas, además de los libros, donde les puedo mostrar las obras de Monet, si busco en internet, hasta puedo encontrar vídeos que recrean sus movimientos, cuando mostré un vídeo en 3D sobre una de las pinturas de Leonardo Da Vinci, mis alumnos no solo entendieron la perspectiva, quisieron verlo más de una vez.

Aunque muchos se nieguen, hoy más que nunca debemos estar conectados, mucho se habla del tema, como nos está afectando el estar conectados, como el cerebro procesa la información de manera diferente, antes debíamos almacenar mucha información, hoy solo almacenamos la que es relevante, la información está en linea, la verdad es que las historias sobre los artistas y el arte que contaba ahora se hacen más interesantes.

El proceso creativo sigue siendo el mismo, el punto, la linea, el plano, van a estar ahí, pero las nuevas tecnologías no vienen a reemplazarnos, son nuestras aliadas y porque no utilizarlas, estar conectados, no significa estar aislándonos, acaso los Pintores no creábamos a solas en nuestros Estudios, recuerdo cuando hacia mis series de pinturas que solo podía hacerlas publica cuando tenía una muestra, ahora puedo mostrar mi trabajo en forma más inmediata, eso no me aísla, del mundo y no cambio mi método de trabajo, al contrario, muchas veces se generan contactos importantes al estar conectados.

El arte en tiempos del 2.0, vino para quedarse porque no aprovechar todo lo que nos da.

Nos seguimos leyendo en la web.

Prensa

En el día Internacional de la LUCHA CONTRA LA VIOLENCIA DE GENERO Buenos Aires, 25 de noviembre de 2010 A vos: Estamos en 2010 y me pregunto como es posible que tengamos un día para educar sobre la violencia de genero, en estos tiempos tan globalizados donde la comunicación llega a lugares que antes no hubiéramos imagimado tenemos que seguir trabajando sobre el tema, es tan difícil hacerte entender que algunas de tus bromas me molestan, que si te contesto no es porque soy una histérica o que me desubico, era solo una broma; cuando me gritas que vaya a lavar los platos, que te molesta como estoy vestida, tu maltrato verbal o psicológico es tan malo, como el maltrato físico, porque no podes entender que te estoy diciendo NO.....te estoy diciendo BASTA, si una mujer no tiene un señor a su lado lo más seguro para tu pobre mente es que soy lesbiana o una cualquiera, y si lo fuera es mi asunto; solo para probar tu machismo y menospreciarme porque decido elegir no tener un señor, las 24 horas a mi lado, no importa si soy soltera, casada, separada, viuda o solo una nena o adolescente, solo te importa hacerme

sentirme una NADA. Muchas veces me pregunto de donde naciste de un repollo, tu maltrato hacia mí es el mismo trato que le das a tu Madre, claro que no en este punto es como en el tango mi madre es una santa y las demás no valen nada.

Por eso en esté día a todas las Mujeres que alguna vez sufrieron algún tipo de maltrato y a aquellos que alguna vez maltrataron a una mujer, les pido que evalúen sus valores y se detengan cuando les decimos BASTA.

En el día de la Mujer “AVATARES DEL MONSTRUO: ESPOSAS, VIUDAS, MADRES, HIJAS, VIEJAS, SUEGRAS, SOLTERAS Y OTROS DEFECTOS “Los defectos de las mujeres no son innumerables. Están cuidadosamente enumerados en muchos textos. Son curiosas, interesadas, codiciosas, charlatanas, desleales, malvadas, celosas, descontentas, insatisfechas, insaciables, mentirosas, fals ...as, engañadoras, exigentes.”

“Pero además son hijas, esposas, madres, y en casa una de esas relaciones con el hombre, pueden ser vistas como amenazadoras, hay tres avatares (a veces concurrentes) que tienen un lugar especial en la literatura popular. Son las viejas, las viudas y las suegras.”“Las viejas han perdido las únicas ventajas de ser mujer: no pueden ser madres ni pueden ser bellas. A las viudas se las acusa simultáneamente de ser infieles al muerto y peligrosas para los demás hombres. Y las suegras son suegras: no es necesario dar explicaciones sobre un folklore tan vigente.”

[Textos extraídos de “Cabras, mujeres y mulas. Antología del odio/miedo a la mujer en la literatura popular”, de Ana María Shua, Escritora Argentina]” Con este texto como introducción quiero hablar sobre la Mujer, sobre Nosotras, todavía en estos tiempos seguimos peleando por Nosotras, defendiendo nuestros derechos, seguimos buscando respeto y un trato igualitario, nada cambio desde la revolución industrial a nuestros días, somos cuestionadas, no solo por los hombres, muchas veces por nuestras propias congéneres, si son solteras, si son separadas, si son lesbianas, si son heterosexuales, si son sexualmente activas, si son.....se nos enseña desde niñas a cumplir el mandato, con algo tan simple como las canciones de rondas infantiles, que cantábamos a diario en nuestros juegos quien de nosotras no recuerda “el arroz con leche, me quiero casar” o “yo soy la viudita”, en todas se nos decía que el ideal de Mujer, era, casarnos puras y virginales, tener una casa blanca con hijitos vestidos de blanco, algo así como la idílica serie la “Familia Ingalls”, así como los finales de los cuentos hadas donde se nos decía en el final “y vivieron felices por siempre”, hoy las Mujeres cambiaron su roles son profesionales, tienen sus hijos, llevan una casa adelante, son esposas, Mujeres Plenas que disfrutan, pero cuando alguna de Ellas no quiere cumplir el mandato social, es profesional, se separo de su marido, decide no tener hijos, se muestra plena y feliz, no se casó y no tiene un Señor a su lado, es considerada un cero a la izquierda, pero las conjeturas no terminan ahí, van más allá y comentan con ese carácter quien la va a aguantar, es lesbiana como si fuera una herejía, una aberración al hecho de ser Mujer, o la otra es, es una puta, en todo caso como decía “Mí Abuela cada una de su vida hace un mundo, (va lo decía de otra manera)”, las que se separaron no les va mejor que a las solteras, quizás es peor, porque no solo tomó la decisión de alejarse de ese hombre, sustento del hogar, porque Ella hasta ahora no hizo nada en su casa, además luego debe pelear la custodia o la

cuota alimenticia.....no debemos olvidar que para muchos solo fuimos creadas para procrear y no para pensar y disfrutar.

Las Mujeres, seguimos defendiendo hoy en 2011 el derecho de elegir nuestra sexualidad, si queremos o no una familia, si somos profesionales, si queremos abortar y no tener que esperar la decisión de un juez hombre en la mayoría de los casos, porque pareciera que no podemos pensar por Nosotras mismas, todavía seguimos hablando sobre educación sexual en las escuelas como si con esa materia, fuéramos a crear máquinas sexuales y no estamos viendo que podemos evitar tantos embarazos adolescentes y el hecho de que las niñas no digan por miedo o vergüenza que son abusadas, es más fácil, esconder el tema bajo la alfombra.

Pero cuando las Mujeres somos víctimas de la trata de personas, de la violencia domestica, de la violencia psicológica, ejercida por la pareja o un jefe, aquellos que levantan la vos en nuestra contra, hacen silencio, si una Mujer denuncia el maltrato de su pareja la mandan a su casa y después.... ya sabemos lo que pasa después, últimamente en la Argentina leemos como son quemadas por sus parejas, no faltan las que fueron apuñaladas o baleadas, otras que son asesinadas por ser lesbiana...las excusas son variadas, que Ella no lo quería más, que Ella lo trataba como una cosa, o jóvenes que eligen su vida sexual fuera de los cánones establecidos son asesinadas por un miembro de su familia.

Pocas veces vemos acciones generadas por los hombres en favor de la Mujer, mayormente estos movimientos son propiciados por Nosotras, marchas, muestras de arte, pedidos de leyes que protejan a la Mujer.

Me pregunto que pensarían hoy las Mujeres que murieron calcinadas en la fabrica de Nueva York (Estados Unidos), por las bombas que arrojaron, cuando Ellas se negaron a salir, solo porque pedían mejores condiciones de trabajo y salarios dignos, en lo personal que hoy después de 100 años tenga que estar escribiendo sobre el tema, me da vergüenza, ver como la sociedad en general sigue sin reconocer a la Mujer, los sueldo siguen siendo menores en las mismas condiciones de trabajo, si tienen hijos son discriminadas laboralmente, la falta de educación, nos siguen mandando a lavar los platos, con una son risa, pero nos mandan a lavar los platos si decidimos por Nosotras somos cuestionadas y todavía seguimos hablando de maltrato o leyes sobre el aborto.

Todas las Niñas tienen derecho a una infancia digna.

Todas las Adolescentes tienen de derecho de crecer protegidas e informadas.

Todas las Mujeres tienen derecho a poder decidir.

A las niñas de hoy, a las adolescente de hoy, que serán las Mujeres de mañana, no dejen de defender su derecho a elegir.

Y Nosotras las Mujeres de hoy, sigamos adelante, quizás en 100 años, está defensa de los derechos de las Mujeres, ya sea un logro y solo figure en los libros de historia.

FELIZ DÍA A TODAS LAS MUJERES!!!!! *Mi agradecimiento a Osvaldo Hirsch, que me facilitó el texto de Ana María Shua.

Presentación del libro VILLA RAFFO, AYER Y HOY

Hace un mes, recibí un llamado que me sorprendió y mucho, era Horacio Callegari, Historiador de Tres de Febrero, para contarme que había escrito un libro sobre la historia de Villa Raffo, lo cual para quienes vivimos en la zona es muy importante, pero el llamado además tenía otro motivo, era para decirme que en la sección Vecinos Destacados, estoy incluida en el libro, eso fue una doble sorpresa y una gran emoción de mí parte, todos saben que siempre hablo de mi lugar, donde vivo y trabajo desde 1982, pero formar parte de un libro eso nunca me lo esperaba.

El viernes 8 de abril de 2011, se presento en el Centro Cultural y Recreativo Villa Raffo, el libro “VILLA RAFFO, AYER Y HOY”, hace un recorrido desde su fundación, las instituciones sociales y religiosas que formaron y forman parte del barrio todavía, el porque de sus calles, las empresas que dieron crecimiento a la zona, así que varios vecinos nos dimos sita para la presentación del libro.

Por eso comparto esta breve nota con Ustedes y mi agradecimiento Horacio Callegari, por incluirme en el libro.

El adiós a Ernesto Sábato Fiel a tus convicciones, así viviste tu vida. Un ejemplo en lo ético, un hombre comprometido con sus ideales, un pensador extraordinario. ¡Hasta siempre Maestro don Ernesto Sábato!

Esa era la frase escrita en un cartel, que estaba pegado en el frente de la casa de don Ernesto Sábato (Escritor Argentino), como muestra de respeto al Maestro como todos lo llamaban, un hombre comprometido con sus pensamientos y su vivir, el barrio era su mundo, su lugar de pertenencia, todos se dieron cita para darle el último adiós, sin diferencia de edad, como si solo aquellos de edad podíamos despedirlo, no importaba, muchos niños acompañados por sus padres y abuelos se hicieron presentes, que más uno puede agregar a la figura de un hombre que nos dejo su enseñanza, sus palabras, como dije en el muro de facebook Don Ernesto nunca lo olvidaremos.

Gracias Maestro.

Hoy cumple 100 años Don Ernesto Sábato Hoy cumple 100 años Don Ernesto Sábato, sus vecinos, amigos y autoridades Provinciales y Municipales se hicieron presentes en el acto que se realizó frente a su casa de Santos Lugares, uno de los motivos la inauguración del mural que se pinto en la fachada del Club Defensores de Santos Lugares, el otro; la firma del convenio entre la Provincia de Buenos Aires, el Municipio de Tres de Febrero y la familia de Don Ernesto, para poner en valor la casa y convertirla en un Museo Viviente, así la llamo Mario Sábato, su hijo, quien emocionado recordó a su Padre, con algunas anécdotas, como está “cuenta Mario que cuando eran chicos jugaban en el jardín delantero y estaban gritando, Don Ernesto que estaba escribiendo en una de las habitaciones delanteras abrió la ventana y les pregunto porque gritaban, Mario comenta que el respondió nosotros somos chicos y vos, después de eso Don Ernesto cambió su lugar de trabajo a la parte trasera de la casa”.

Los presentes pudimos ver un avance del documental que Mario, hizo sobre Don Ernesto, disfrutar del tema que interpretó Flavio Cianciarullo (ex integrante de los Fabulosos Cadillacas), que hicieran hace unos años en honor a Don Ernesto, las palabras emocionadas de Horacio Salas (periodista Argentino) entre palabras de emoción y el compromiso que en un año La Casa de Ernesto Sábato, como dice el cartel abrirá sus puertas como Museo.

Conferencia de prensa de Héctor Dáttoli Viernes 8 de Julio, Caseros, Tres de Febrero, 19,30 horas, los medios de prensa fueron citados para la presentación como candidato a Intendente de Tres de Febrero a Héctor Dáttoli, por la lista que encabezan Alfonsín - De Narváez, entre quienes acompañaban a Dáttoli, se encontraban presentes Natalia Gambaro, Nelson Romero, Cecilia Moreau, Diego Valenzuela entre otros.

Al momento de dirigirse a los presentes Dáttoli dice tener la responsabilidad de llevar adelante el cambio para Tres de Febrero, agradeció el esfuerzo conjunto entre Alfonsín - De Narváez, para llevar una lista única en el Partido, buscando un consenso entre todos, comenta que la campaña no va ser fácil ya que el gobierno no está resignado a perder espacio, pero asegura que va a estar al lado de la gente, como siempre lo hice, militando desde joven en la UCR, luego como Intendente y después como Legislador Asegura que piensa igual que la gente, va a trabajar para el bien común, que son los de la justicia social, para todos por igual, promete devolver el Municipio a la gente, nada se hará a espalda de la gente; además agrego que el Partido es digno de ser vivido y debe volver al lugar en que estaba, entre sus primeros actos de gobierno promete darle seguridad a sus habitantes, solucionar los problemas de salud, la limpieza del Municipio y la iluminación, son algunas de sus prioridades.

Ante la pregunta de los periodistas sobre la problemática social comento hoy los jóvenes que forman pareja son los que más dificultades tienen para salir adelante, asegura que los planes sociales se deben seguir dando, pero también hay que ayudarlos con la creación de guarderías, jardines de infantes para que tengan un lugar donde Ellos puedan estar seguros para dejar a sus hijos y salir a trabajar, garantizar una educación primaria, uno de sus planes es solicitarles a las empresas que son 8000, en todo el distrito, que tomen a quienes viven en el Partido, para que no tengan que emigrar, luego a estás empresas se les daría algún beneficio, de esta manera se les da todos los recursos a las familias jóvenes.

Cuando le preguntaron sobre su primer gestión de gobierno dice es importante ordenar las cuentas públicas, la salud, la limpieza del distrito, el estado debe salir a la calle y no quedarse en cuatro paredes y gobernar con los ciudadanos.

Está convencido que su destino está atado a De Narváez que va a Gobernar la Provincia y el Municipio será tenido en cuenta, otra de sus prioridades es ordenar el Municipio en el personal, asegura que el personal ocioso no sera echado, si invitado a realizar otra tarea, sobre el tema seguridad dice que creara Patrullas Municipales que actúen en conjunto con la policía, poner más cámaras que después de algunos anuncios que nosotros hicimos, ya se están instalando,

en conjunto las cámaras, las patrullas y la policía custodiaran los corredores en los horarios picos donde se producen los mayores problemas de inseguridad.

Cuando fue consultado sobre la contaminación en el Partido y la política ambiental, asegura que van a ser muy severos, con los controles, voy a convocar a la juventud, para controlar donde las empresas tiran los residuos, el tema del agua corriente, es otro punto en cuestión comenta que hace unos días estuvo recorriendo Loma Hermosa donde no tienen agua corriente, algo que hace 20 años ya se había dejado preparado, el tema de las cloacas, también está presente, dice que creara un organismo en conjunto con la juventud, que son quienes llevan la delantera en este tema.

Cuando el Pan y el Trabajo.....es cuestión de FE Cuando el Pan y el Trabajo....es cuestión de FE; como todos los años en la víspera del 7 de agosto, el día de San Cayetano, Santo Patrono del Pan y del Trabajo, los fieles comienzan a llegar, algunos forman las filas para entrar al templo cuando abre sus puertas a las 12 de la noche, otros prefieren entrar hoy, para acercase al Santo, dar gracias y pedir, pedir y dar gracias van de la mano y de la FE, cuantos de nosotros no hemos ido a pedir y cuantos hemos ido a agradecer, la relación de los fieles con San Cayetano, es intensa, de gran devoción, muchos de Ellos se instalan en las cercanías del Santuario varios días antes del 7 de agosto, como un acto ritual, no importa el clima, en este ritual de FE, donde Ellos consideran que estar esperando para entrar el 7 de agosto con los primeros minutos del día es poco, si el Santo les concedió su pedido, otros en su desesperación acuden a Él; como una última instancia, como el último recurso.

Cuando el Pan y el trabajo....es una cuestión de FE, está relación que tienen San Cayetano, sus Fieles y el Barrio de Liniers (Ciudad autónoma de Buenos Aires, Argentina), viene de muchos años, el día 7, la fila puede llegar cerca de la cancha del club Vélez Sarsfield y eso no les importa, porque al final de esa larga fila y espera podrán entrar al templo, para Ellos que mantienen está mutua comunión de Fe y Devoción, es poco o nada si se trata de agradecer o pedir.

Oración ¡Oh Glorioso San Cayetano!

Padre de la Providencia, no permitas que en mi casa me falte la subsistencia y de tu liberal mano una limosna te pido en lo temporal y humano. ¡Oh glorioso San Cayetano!

Providencia, Providencia, Providencia.

(Aquí se pide la gracia que se desea conseguir) Padre Nuestro, Ave María y Gloria JACULATORIA Glorioso San Cayetano, interceded por nosotros ante la Divina Providencia.

Muestra de ARGRA, en el Palais de Glace Desde el 16 de agosto, se puede ver en el Palais de Glace (Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina) la muestra de ARGRA (Asociación de Reporteros Gráficos de la

República Argentina) como siempre son esas muestras en las que uno no sale defraudo por lo que ve, el trabajo que realizaron durante un año los fotoperiodistas, es seleccionado y presentado en esta muestra anual, que ya lleva su edición n° 23, algunas fotos las vimos publicadas, otras quizás se nos pasaron por alto, la selección es muy amplia, desde los social, el deporte, el espectáculo, y más.

Una mención especial es la sala que recuerda el trabajo de los reporteros gráficos y está asociación en su inicio, con fotos en blanco y negro en su mayoría varias de ellas originales, además de los recortes de los diarios de la época.

Es una de esas muestras que uno no puede explicar con palabras, ya que cuentan la historia de lo ocurrido en la Argentina, también se pueden ver imágenes del terremoto de Chile, pero como les dije al principio de mi relato es una muestra “en la que uno cuando va a verla no sale defraudado”.

El Museo de la Casa Rosada Muchos de nosotros, que contamos con algunos años, solíamos pasear por lo que era la Plaza Colón que está detrás de la Casa Rosada (Buenos Aires, Argentina) y podíamos ver desde arriba las antiguas galerías de la Aduana Taylor y del Fuerte de Buenos Aires, está construcciones fueron realizada en el siglo XVIII, después de varios años de estar cerrada al público por remodelación hoy estas galerías forman parte del Museo de la Casa Rosada.

El recorrido por el lugar con tanta historia, es muy interesante, el patio que antes podíamos ver desde arriba quedo cubierto con un techo translúcido, hoy en uno de los sectores se puede ver una muestra de Arte Argentino, partes de las columnas originales fueron dejadas a la vista, así como el piso original que fue protegido con vidrio para su conservación.

Una de las atracciones sin duda es un vestido de gala que perteneció a Eva Perón, con una pintura que la retrata junto a su marido el ex Presidente de la Argentina Juan Domingo Perón en el sector de las galerías se cuenta los 200 años de Historia Argentina, con vídeos y objetos que pertenecieron a los distintos Presidentes, uno de ellos es el bastón y la banda presidencial de Raúl Alfonsín (ex presidente de la Argentina), el traje del ex Presidente Néstor Kirchner.

Algunos objetos que llamaron mi atención es una mesa vidriada con diferentes libros de la Constitución Argentina, así como una de las primeras urnas electorales que se utilizaron en el país, vehículos de época algunos ellos fueron utilizados por los ex Presidentes para su traslado personal, para aquellos que les gustan los autos tienen un ejemplar de lo que se llamo el Auto Justicialista, es este caso es una cupe muy bien conservada.

Pero si algo se lleva todos los premios es el Mural de Siqueiros (Artista Plástico Mexicano), que se encuentra en un ambiente controlado al que para entrar debemos ponernos unos escarpines o de lo contrario descalzos, el solo hecho de pensar que el mural estuvo tantos años abandonado, fue recuperado y hoy aquellos que amamos el arte podemos entrar verlo y recorrerlo, como dije antes es el premio mayor.

Los días de visitas son de Miércoles a Domingo, además tienen una cafetería para poder sentarse y disfrutar del lugar, lo mas importante la entra es libre y gratuita.

Presentación del Libro ERNESTO SÁBATO, EL VECINO Viernes 14 de Octubre, 19 horas, la sala del Centro Cultural Ernesto Sábato, ubicada en el Club Defensores de Santos Lugares (Santos Lugares, Tres de Febrero, Buenos Aires, Argentina), estaba llena de gente nuevamente Don Ernesto Sábato (Escritor Argentino) nos volvía a juntar a sus vecinos, amigos, admiradores, en su lugar, si su lugar ya que el Club queda frente a la que fue su Casa y era su lugar habitual en el que solía pasar algunos momentos, Horacio Callegari (Escritor e Historiador de Tres de Febrero, Buenos Aires, Argentina), presento el libro ERNESTO SÁBATO, EL VECINO, si el vecino que caminaba por el barrio paseando al perro, que se cruzaba al Club, tan reconocido a nivel Nacional e Internacional; en la presentación además de Horacio Callegari, se encontraban Pablo Manili (Abogado Argentino), quien escribió el prologo del libro y Mario Sábato (Director de cine Argentino).

Pablo Manili, comienza con la presentación del Libro dando un esbozo general a los presentes, hablar de la trayectoria puede ser una tarea difícil, cuando se trata de resumir en pocas palabras y en poco tiempo para hablar sobre de Don Ernesto, sin dejar de mencionar algunos de sus títulos como “Sobre héroes y tumbas” (el preferido de Pablo), donde Manili lee varios fragmentos del libro, llego el momento de mencionar el paso tan importante de Don Ernesto por la CONADEP (Comisión Nacional de desaparición de personas) el trabajo que realizo, fue tan importante para los Argentinos y nuestra historia, que luego se vio plasmado en el libro “NUNCA MÁS”, el cual Pablo Manili, muestra a los presentes.

Después de la introducción que realizó Manili, comienza la presentación del libro, que se vuelve un dialogo cálido y enriquecedor entre Mario Sábato y Horacio Callegari, lleno de anécdotas, recuerdos e imágenes visuales donde los presentes disfrutamos, festejando con risas, en ocasiones aplaudiendo algunas de las historias a las que Mario Sábato, solía agregarle algún detalle que falta en el libro.

Los relatos se sucedían unos tras otros, uno de los tantos ejemplos es, sobre los visitantes que Don Ernesto recibía en su casa, desde un Payaso del Circo de Moscú, admirador de la obra literaria quien con un traductor por medio mantuvo una larga charla, periodistas, escritores, todos llegaban a La Casa de Santos Lugares, para entrevistarse con Él, sin importar la distancia y bajo el amparo de sus vecinos que solían indicar como llegar hasta La Casa.

El final quedo a cargo por Mario Sábato, deleitándonos con más relatos y contarnos dos ideas que el tiene en mente hace un tiempo, una de ellas es que La Casa que se convertirá en Museo, se llame La Casa de Ernesto y Matilde, no solo La Casa de Ernesto Sábato, los presentes respondimos que si, a esa propuesta. La segunda idea, en realidad era un deseo de Don Ernesto, de ser sepultado en La Casa; Mario nos cuenta que siempre lo desalentaron, pero ahora que La Casa se convertirá en Museo quisiera que sus Padres estén enterrados ahí, solo con una placa, como un gesto de amor y del amor de sus padres, una Mujer presente en la sala comenta el caso de Pablo Neruda (Poeta Chileno) que está sepultado en su Casa Museo de Isla Negra.

Dejo para el final una de las anécdotas que se contaron en la presentación del libro, fue sobre Roque el perro de Don Ernesto, y como se origina su nombre van dos respuestas, la que cuenta Horacio según el relato de Don Ernesto y la versión de Mario Sábato.

“Horacio Callegari: Solíamos encontrarlo paseando a Roque y Yo le decía Usted está seguro que lo saca a pasear a Roque, porque Roque lo saca a pasear a Usted, le decía, Roque era el perro y es el segundo nombre de Don Ernesto, pero el decía que era un perro muy democrático y se llamaba Roque por Roque Sáenz Peña (Presidente Argentino) Mario Sábato: tengo que contar algo a vos te dijo la verdad, a algunos le daba esa respuesta porque era la más seria, cuenta Mario que cuando trajo al perro a La Casa Don Ernesto querría ponerle de nombre Duque a nosotros nos perecía horrible, así que le dijimos que el vecino Juan Carlos tenía un perro que se llamaba Duque y que cuando Él lo llamara o venían los dos o no venia ninguno, era mentira el vecino no tenía un perro y menos que se llamaba Duque, le sugieren que lo llamen Roque por su segundo nombre que Él no utilizaba” Nota Quiero hacer un comentario personal sobre el deseo de Don Ernesto de ser sepultado en su Casa, hice la misma referencia en la reunión, hace unos años tuve la posibilidad de leer una carta que Don Ernesto le dirigió a Héctor Dáttoli, Vice Cónsul de Tres de Febrero, en ese entonces era Diputado Provincial, donde le expresaba que quería ser sepultado en su Casa.

En voz alta Cuando la violencia de genero, cambia para convertirse en asesinato infantil, es tiempo de hablar en vos alta.

En los primeros días de octubre, viaje a Miramar (Provincia de Buenos Aires, Argentina), para conocer, descansar, sacar fotos, encontrarme con Mónica una amiga, vecina, compañera de colegio, que formo parte de mi vida en mi infancia y adolescencia, pero por esas cosas de la vida crecer, uno de deja de verse, se muda, hace un tiempo volvimos a encontrarnos en eso que Yo llamo gente que busca gente, el Facebook, Ella vive hace más de 20 años en Miramar y era una buena excusa para mi, ir a conocer y encontrarme con Mónica.

Cuando uno llega, un cartel nos da la bienvenida a Miramar la ciudad de los niños, recorrí sus calles, camine a orillas del mar, me dije cuanta paz algo que perdimos aquellos que vivimos en la ciudad, en mi encuentro con Mónica hablando de muchas cosas algo que me quedo grabado fue cuando me dijo que era una ciudad tranquila, acá aunque nosotros vivamos en algún barrio, nuestros ritmos de vida es tan rápido que no sabemos de esa paz.

Pero en estos días un hecho violento contra un niño movilizo a los habitantes de Miramar y en este punto una empieza a realizar un recuento de los últimas noticias que involucran a los niños; hoy ellos son las víctimas de la violencia de genero de estos tiempos, la mujeres vienen luchando por leyes que las protejan, cuantas veces me vi escribiendo sobre la violencia hacia las mujeres o realizando obra que refleje esa condición, pero hoy la sociedad en la que todos formamos parte y somos parte, debemos empezar a pedir leyes y en vos alta que protejan a los niños, al maltrato cotidiano que todos sabemos que existe, ahora la muerte es una moneda de cambio para algunos, “te voy a pegar donde más te duele”, como si el hecho de pegar no doliera, las causas son muchas ajuste de cuenta, gatillo fácil, secuestros, abuso, maltrato, pornografía infantil, algo de lo que hablamos en voz baja, hoy se convirtió en muerte a los niños.

Como en muchos otros casos en los que me he expresado, creo que llego el momento de hablar en voz alta, exigiendo a nuestros legisladores leyes que protejan a los niños y que Nunca Más tenga que hablar sobre la muerte de un niño.

Por un 6to mandato en Tres de Febrero Juró por un 6to mandato al frente de la Intendencia de Tres de Febrero.

La invitación decía que el lunes 12 de diciembre a las 19,30 , todos podíamos asistir, pero desde antes, los vecinos y los grupos pertenecientes a distintas organizaciones gremiales y sociales estaban llegando al playón de la Municipalidad de Caseros, para presenciar la asunción en su 6to mandato del Intendente Hugo Curto, las banderas, los cánticos, los redoblantes mostraban que era día de fiesta, si la fiesta de la democracia, así los sentimos todos los Argentinos en estos días, poder ver como los candidatos que fueron elegidos en voto popular, entre el publico se encontraban presente el Ex Arquero de River Amadeo Carrizo y el Actor Osvaldo Santoro.

Cerca de las 20,30 horas, comenzó el acto oficial, se presento un vídeo institucional en el que un niño habla sobre todo lo realizado en el Partido, además de relatar la vida de Hugo Curto, luego se procedió a la toma de juramento del Intendente, después se dirigió a los presentes.

En sus palabras a los vecinos, hablo de su gestión, los hechos realizados y los que quedan por realizar, una de su preocupaciones es sacar a los chicos de las calles y alejarlos de la droga, creando lugares para que puedan practicar deportes; la adquisición durante su gestión de los edificios que pertenecieron al Banco Cooperativo de Caseros, donde ahora funcionan sedes culturales, la compra del Cine Paramout, el último cine que quedaba en Caseros.

Contó sobre su relación con el Ex Presidente Nestor Kirchner, la que tiene con la Presidente Cristina Fernández, sobre el Gobernador Scioli, lo feliz que se siente de poder haber hecho en su vida todo lo que deseaba, uno de los momentos más emotivos fue cuando hablo de su Madre que siempre lo acompaño y lo acompaña, Ella se encontraba presente en primera fila.

Por los próximos 4 años el Intendente Hugo Curto, seguirá dirigiendo los destinos del partido de Tres de Febrero.

¿Cual es el valor de una foto?

Cual es el valor de una foto, para algunos es una ataque a la intimidad para otros es un acto libertad, ¿puede ser un arma?, ¿puede ser la palabra?.

Nuevamente una foto y un fotógrafo están siendo cuestionados, hace unos días cuando la revista Caras, publico la foto que le tomaron a Luis Alberto Spinetta (Cantante Argentino), las tintas se cargaron contra el fotógrafo, como esto no era suficiente para algunos, fueron más allá e intentaron que ARGRA (Asociación de Reporteros Gráficos de la República Argentina), le aplicara una sanción al fotógrafo, acaso esos mismos que se rasgaron las

vestiduras por estás fotos ¿no les hubiera gustado tomarlas?, me imagino a todos ellos diciendo no, Yo no las tomo, acá tienen mi renuncia, pocos casos de esos conocemos, y creo que eran otros tiempos, tampoco vi al publico que compro la revista, que a devolver l al puesto de diario o a la editorial, el numero en cuestión.

Que hubiera pasado si esas mismas fotos las habrían publicado en internet por un fotógrafo independiente, que tiene su propia página, hubieran recorrido el mundo y alguna editorial habría intentado comprarle las fotos, siempre hablando en potencial del supuesto caso, sería ingenuo pensar que las fotos no estarían publicadas en un medio gráfico..

Hace unos años todos decíamos somos todos fotógrafos, tras la muerte de José Luis Cabeza (Reportero Gráfico, Argentino), también fue una foto que tomo, fue publicada, y le costo la vida, cual es el valor de una foto, porque algunas fotos si pueden y deben ser publicadas y otras no, en algunas consideramos que su publicación es un acto de libertad de expresión y en otras es violar la intimidad del retratado, ¿no tiene todas el mismo valor?.

El doble discurso en el que nos involucramos dando nuestra opinión sobre un tema como en este caso, en mi caso como fotógrafa independiente puedo decidir si tomo o no la foto, pero imagino que si mi trabajo dependiera de un empleador, con el cual pago las cuentas a fin de mes sería otro el tema, y hoy donde el periodismo se volvió una moneda de cambio, el trabajo tiene un valor agregado, aquellos que levantan el dedo acusador, no son los primeros en comprar esa revista, no vi que la venta bajaran en señal de castigo por esa fotos en cuestión, es más quienes criticaban esas fotos, las subían a las redes sociales, sigo pensando en el doble discurso.

Voy a contarles algo que me ocurrió el 29 de septiembre de 2009, llevaba algo más de un año trabajando como fotógrafa, parte de mi obra la realizo en la calle, con lo que veo, ese día cruzaba el puente de Víctor Hugo y General Paz, ya en el lado de Capital Federal, a pocos metros de esa esquina me crié, en la que fue la casa de mi Abuela Josefa, así que conozco el barrio de Villa Real, en esos días había un carro de cartoneros parado sobre la colectora, a unos 50 metros del puesto de la Policía Federal, la imagen del carro me resultaba interesante para mi trabajo, aproveche y fui a tomarle una fotos, en la cartera siempre llevo una cámara compacta de uso manual por comodidad, cuando estoy terminando de hacer un par de fotos, un oficial que se encontraba de servicio, se me acerca preguntándome porque hacia las fotos y para que, le dije que eran para mi, Él alego en ese momento que el carro estaba bajo su custodia y que Yo estaba invadiendo propiedad privada, nuevamente me pregunta para que eran las fotos, recuerdo que en ese momento tome mi cámara muy fuerte, le conteste que en todo caso estaba en la vía publica, que no está prohibido hacer fotos y el carro en cuestión no se encontraba justo al lado de su destacamento, luego me presente como fotógrafa, en ese instante su actitud cambio, bajo el tono de su cuestionamiento y Yo descubrí que en mi mano tenía un arma, la conversación siguió el queriendo saber si era para un medio y en mi caso respondiendo que la ley no me prohibe hacer fotos en la calle, di media vuelta y me fui.

Cuando todo termino y lo comente con unos amigos, lo primero que me dijeron vos no te acordas de Cabeza, ahí entendí que mi cámara era mi vos y si con una simple foto podía incomodar, cuanto podía decir, esa no fue la primera vez que me vi en problemas.

Pero no es el tema de esta nota, vuelvo a cuestionarme el valor de una foto, el doble mensaje que damos como sociedad, donde condena una foto y pone en el pedestal a otra.

Celeste, Blanco, Celeste

Hace 200 años, Manuel Belgrano hizaba por primera vez la Bandera Argentina y más allá de las diferencias históricas, que si se inspiró en el color del cielo o en los colores Borbones, Nuestra Bandera flameo por primera vez.

Cuando llegan estas fechas siempre me pregunto porque Nuestra Bandera no flamea en tantas casas como debería ser, pero si cuando se celebra un mundial, todos ponen una Bandera en sus casas, hace unos años cuando, hice un trabajo con la Bandera, unas pinturas y fotografías pregunte a muchos que significaba para ellos la Bandera, las respuestas fueron variadas, orgullo al verla flamear, emoción cuando la veían desfilar en un evento deportivo, para otros era solo un trapo, como dije las opiniones fueron variadas.

Pero si aquellos que sienten emoción por la Bandera, ¿porque no la colocan en sus casas?, nos acercamos a el Bicentenario y me sigue intrigando ese doble discurso sobre, me emociona, siento orgullo, pero solo la saco al balcón, o a la ventana de casa cuando jugamos un mundial, esa forma selectiva de hacer flamear Nuestra Bandera, también es una forma selectiva de nuestro patriotismo.

Las viejas divisiones en rojos o azules, peronistas o radicales, boca o river, ahora k o anti k, siempre esas divisiones, que a mi parecer llegaron al fondo de nuestro Ser Argentino, como la General Paz divide a la Capital Federal, del resto del país, como si solo fuéramos Argentinos cuando nos va bien en un mundial, perdón si utilizo siempre el mismo ejemplo, pero en un país futbolero, como el nuestro creo que es el mejor de los ejemplos que puedo citar, después nos dividimos y así dividimos a Nuestra Bandera, que solo flamea cada 4 años.

Se dispuso un feriado para celebrar los 200 Años, por única vez y claro coincide con el fin de las vacaciones, es un feriado largo y sigo sin escuchar a la gente a convocar a colocar nuestra Bandera aunque sea pequeña en las puertas de nuestras casas. El símbolo que nos representa es el más olvidado, hasta dejamos en el fondo del cajón una pequeña Escarapela, cuantos salen con Ella en estas fechas, si hacemos un pequeño censo visual les puedo asegurar que pocos, cuando era niña, hace algunos años, recuerdo que cuando prometíamos o jurábamos la Bandera, llevamos una cinta en el brazo, durante el mes de junio eso indicaba que le íbamos a prometer honor, respeto y.......

La Bandera no se mancha, no se ensucia, la Bandera, hoy lleva insignias partidarias en las marchas, pero sigo sin verla flamear en las casas.

Quizás en estos 200 Años, todos deberíamos volver a prometer a la Bandera.

Felices 200 Años..... Querida Bandera Argentina!!!!!

Arroz con leche.....

Arroz con leche me quiero casar.....

Que sepa coser, que sepa bordar, que sepa abrir la puerta para ir a jugar....

Con este si, con este no, con este Señorito me caso Yo”

Cuantas de nosotras cantamos esta canción de ronda, en cada frase que repetíamos se nos daba un mandato que cumplir en la sociedad, en las que nuestras Abuelas y Madres fueron criadas, nosotras también fuimos criadas con esos mandatos, solo que algunas los rompimos.

Hoy las Mujeres pasamos de lavar los platos a ser Presidenta de la Argentina como Cristina Fernández; me pregunto si Alicia Moreau (Dirigente Socialista) y Eva Duarte (Dirigente Peronista), dos mujeres opuestas políticamente, hubieran pensado que algún día una Mujer ocuparía un cargo tan alto en la política Argentina, Florentina Gómez Miranda, solía decir que en el Radicalismo eran machistas, como en el resto de los partidos políticos, donde las Mujeres ocupan cargos, solo por una ley “del cupo femenino” que se respeta a medias. Cuantas Mujeres quedaron en el camino, cuantas dieron su vida por una causa, cuantas desaparecieron.

Mientras tanto Margarita Barrientos, día a día, da de comer en Los Piletones, a todos aquellos que lo necesitan, es el ejemplo de una Mujer que con muy pocos recursos personales, da una mano a otros en igual o inferior condición social que Ella.

Todavía en estos días muchas Mujeres no tienen vos, no tienen voto, son tratadas como objetos, son secuestradas, luego incorporadas a las redes de prostitución, son violadas, asesinadas; a pesar de tantos logros y avances; para algunos “las Mujeres solo siguen siendo eso, Mujeres”, que se pueden exponer y denigrar en algún programa de televisión como si fueran objetos, (desde luego esas Mujeres aceptan ese rol) el mensaje que se nos da al resto de las Mujeres, es que siempre debemos vernos jóvenes, tener cuerpos perfectos, no tener arrugas, ese bombardeo constante al que somos expuestas, en especial las Niñas esta creando, grandes desordenes alimentarios, los casos de anorexia y bulimia aumentaron, las Adolescentes piden cirugías de seno, las Jóvenes de veinte años se aplican botox, la desinformación sexual hace que los casos de madres adolescentes, aumente, sin hablar de las demás consecuencias a las que están expuestas como el HIV. ¿Cual es el ideal de Mujer? pasamos del mandato familiar, al mandato estético, esta sociedad mediática en la que vivimos, donde solo vende la imagen; las compañías cosméticas nos ofrecen sus milagros en cremas a las que tenemos más de 40, donde nos muestran fotos de actrices con pieles suaves y tersas, para después descubrir que esa publicidad fue prohibida , por el uso de photoshop*; ¿como la crema no hacia milagros en nuestro rostro?.

Me pregunto ¿que nos queda a aquellas Mujeres que no cumplimos con todos estos requisitos?, las que salen todos los días temprano en la mañana a tomar un colectivo repleto, para dirigirse al trabajo, estudian, cuidan de su hogar, su familia, tienen kilos de más, algunas arrugas en el rostro, somos descartables, ¡claro que no!, todavía tenemos mucho que aprender y mucho que dar, el legado que le dejamos a las más Jóvenes es importante, ya que Ellas serán las Mujeres del mañana y es nuestra responsabilidad, enseñarles porque seguimos peleando por nuestros derechos a pesar de tantos años y de tantos logros.

Todas las Niñas, las Adolescentes, las Mujeres tienen derecho a elegir, estar informadas y tener leyes que las protejan.

A TODAS LAS MUJERES QUE TENGAN UN MUY FELIZ DÍA!!!!! *A mediados de 2011, el parlamento Ingles prohibió la publicidad que protagoniza la Actriz Julia Roberts, para Lancome, por el exceso de uso del photoshop.

Palabras para mis obras

Ser Mujer....texto de la muestra, en el Museo Social Argentino “Uno no nace mujer, más bien deviene mujer” Simone de Beauvoir Ser Mujer.....con muy poco, casi nada.

Ser Mujer emancipada, trabajadora, que deja de ser paria, para ocupar su lugar en un mundo legalizado o codificado, donde se muestra desnuda, oculta....con el velo de su obra.

Y ahora si decimos, hay mujeres.

*Texto para la muestra SER MUJER, con alumnas y artistas invitadas, en el Museo Social Argentino en Agosto de 2005.

Arroz con Leche Como todas las MUJERES fuimos criadas bajo los mandatos, como la canción de ronda dice, QUE SEPA COSER, QUE SEPA BORDAR, la única parte que he seguido al pie de la letra es QUE SEPA ABRIR LA PUERTA PARA IR A JUGAR, los mandatos femeninos todavía vigentes que nos enseñaron fueron y son MUJERES que deben tener sus casas blancas e impecables, tener lista la cena para la familia, pero que pasa cuando algunas MUJERES rompemos esos esquemas y decimos “YO VOY A SER SOLTERA Y NO SOLTERA” , “NO SOY DE LAS QUE SE CASAN”, nos encontramos que somos las parias de la sociedad, mal vista como no queres una familia, como no queres casarte, ver como otras MUJERES se apartan de vos, no sea cosa que las contagies con algo raro, lejos está de mí..... Esta serie, habla de los mandatos a los que fuimos sometidas las MUJERES, y como algunas nos libramos de ELLOS decidiendo nuestras vidas. *Texto escrito para la muestra “Arroz con leche”, mayo de 2007

Ausentes Esparcidos, tirados, desgarrados, como despojos humanos nos dan señales de una vida ya pasadas.

Los Ausentes cuentan su historia, pequeñas partes..... por un camino de migajas.

Hoy los Ausentes habitan la ciudad esperando ser encontrados.

Para demostrarnos que no están Ausentes. *Texto para el Libro de Artista AUSENTES, abril 2009.

Una Una caricia, una mano indiscreta en un lugar inapropiado, una cachetada, que termina en un golpe en el cuerpo.

Una palabra de amor, que se vuelve insulto,

que termina en un golpe en el alma.

Un regalo, un pedido de perdón, para que todo vuelva a comenzar. *Este poema forma parte del Libro de Artista UNA, que escribí en Octubre de 2009

Ella Habla de dos Mujeres, las primeras son las Ellas que día a día, cumplen con sus obligaciones, son mujeres, abuelas, madres, hijas, profesionales, estudiantes, amigas. Ellas son Mujeres que no temen en mostrarse y enfrentar la sociedad, cumplen los mandatos que nos impusieron desde chicas, “saber coser, saber bordar”; otras, tiran los mandatos a la basura y saben “abrir la puerta para ir a jugar”, pero todas Ellas tienen en común que son Mujeres que no temen mostrarse felices y plenas con su elección, hoy cuando todavía se sigue cuestionando el rol de la Mujer en la sociedad con sueldos más bajos en iguales posiciones a la de los hombres, no es si son solteras, si se separon, si deciden ser madres después de los 35, porque antes quisieron desarrollar una profesión. Ellas demuestran que a pesar de todos van a seguir ocupando su lugar.

Ella también habla de la Mujeres que son excluidas socialmente, que no pueden elegir, Ellas deben enfrentar a la sociedad con los pocos medios que tienen, a diferencia de las anteriores Ellas solo se muestran como pueden y aunque algunos no lo vean así Ellas también se muestran plenas, en su mundo de contratiempos.

En la serie Ella intento homenajear a todas las Mujeres que pelean por su lugar en la sociedad. *Texto para la muestra Ella, en el Museo de la Mujer, en agosto de 2011.

Mujeres Atrapadas - Mujeres Liberadas Mujeres Atrapadas - Mujeres Liberadas surge como serie fotográfica en 2007, con un registro de mis muñecas de la infancia, aquellas que me mis Padres me regalaban para el 6 de Enero día de Reyes Magos, esas muñecas guardadas en una bolsa, se convirtieron en protagonistas, comenzaron a representar a Mujeres en distintas actitudes, fueron mujeres golpeadas, mujeres que formaron parte de un cacerolaso, posan desnudas, es en ese momento que llegaron las Barbis que siempre sonríen, como si a ellas nada les pasara en la vida tienen cuerpos perfectos, usan minifaldas, trajes de baño, ellas son distintas a las muñecas de mi infancia grandes y toscas, las barbis van de shopping, a la playa, posan como modelos, siempre están felices, tienen hasta un novio, tan perfecto como ellas, pero que pasa cuando uno, ubica a las barbis dentro de una jaula como un juego, para luego hacerlas representar distintos papeles esclavas sexuales, o como una mujer que lo tiene todo, pero está atrapada en una jaula, de la que no quiere o no puede salir, puede seguir sonriendo, para quienes la miran.

No solo las muñecas de mi infancia y las barbis fueron las protagonistas también unas muñecas de trapo, que había confeccionada para una muestra y un registro fotográfico, habían quedado guardadas en una bolsa, ahora también forman parte de está serie, pequeñas, blancas, suaves, sin rostros, se convierten en las nuevas protagonistas, se quedan atrapadas en una maraña de días, y momentos, pero comienzan exigir ser liberadas, en este pequeño juego de fotos que empecé a realizar, también volví a cuestionar en cuantas situaciones nos encontramos atrapadas.

Acaso las Mujeres no nos sentimos atrapadas desde niñas cuando nos enseñan a jugar a la mamá con nuestras muñecas y nos cantan, canciones de ronda, con pequeños mensajes de Mujeres perfectas, la casa, la familia, el trabajo, el dinero, la fe, la profesión......

Buscamos liberarnos, ser libres de muchas maneras, de pocas maneras, de todas las maneras, ser libres en el pecado, en la ambición, ser libres de no sonreír las 24 horas, ser libres de elegir, ser.....

Todavía hoy en las publicidades se nos trata como muñecas de trapos, que el detergente nos cuida las manos, que las toallas femeninas son más absorventes, que el yogurt nos ayuda con el transito lento y nos vamos a ver más delgadas o de mejor humor, que cuando nos juntamos con los hombres en una publicidad de cerveza, les decimos dejame todos los calzoncillos sucios que yo los lavo, todavía para algunos creativos somos muñecas de trapo, a las que pueden solucionarle la vida con un señor de dibujado de grandes músculos.

Como las muñecas de trapo que se les dan las niñas para incentivar su instinto maternal así las Mujeres son atrapadas en mandatos, costumbre, publicidades y cuando alguna quiere liberarse, muchas veces es cuestionada por sus pares.

MUJERES ATRAPADAS - MUJERES LIBERADAS que comienza como una experimentación fotográfica, o el recuerdo de los momentos de una infancia que quedaron en el pasado, se convirtió, en un trabajo sobre la Mujer, así como una muñeca de trapo, es el primer contacto de una niña, en algunos casos se utiliza a las muñecas de trapos en terapia para sanar los traumas que tuvieron de niña algunas Mujeres, como procesos de liberación, desapego y sanación, mis muñecas y las barbis fueron donadas, para que otras niñas puedan jugar con ellas, hoy las muñecas de trapos que confeccione, están siendo liberadas, en una acción performática, dejándolas en distintas partes de la ciudad, en un umbral, en una plaza o haciendo que tomen vuelo junto globos rojos, como en una sesión de terapia, mis muñecas se vuelven Mujeres que quieren dar vos a quienes no la tienen, quieren sanar quienes no sanaron y porque no sanar a la niña que fui y a la mujer que soy. *Texto escrito, para Mujeres Atrapadas - Mujeres Liberadas, marzo de 2012

Atrapadas en la Liberación En el limite de la puerta abierta, para buscar la libertad tan deseada, las Mujeres se cuestionan si esa Libertad tan deseada, es como ellas la imaginan, se preguntan si el dolor dejara de ser negro para ser blanco, si las lágrimas dejaran de tener sabor amargo, para ser dulce como la miel, se cuestionan si es un derecho ser feliz, o si solo se es feliz, si es preferible malo

conocido a malo por conocer, si al cruzar el umbral de la puerta, el viento borrara las lineas del pasado, si es el momento de barajar y dar de nuevo, si serán tratadas como Mujeres o solo como un Trapo.

El desapego, el miedo, el dolor, el perdón de no haber sido quienes debieron ser, el olvido, juega una parte fundamental, se olvidaron de jugar y quedaron en un rincón, en un baúl, en una bolsa negra de consorcio, así quedan a veces los sueños postergados, las ilusiones y el deseo.

En está nueva etapa, donde pueden abrir la puerta para salir a jugar y ser libres, buscar sus sueños perdidos, cumplir sus deseos de cumpleaños, de fin de año, del huesito de pollo, de una pestaña, de una estrella fugaz, de la ropa nueva, de la bombacha rosa de navidad, de tantos deseos soñados y no cumplidos.

A partir de ahora son LAS MUJERES LIBERADAS las que salen a buscar, la libertad, la felicidad, los sueños perdidos. *Texto escrito para Mujeres Atrapadas - Mujeres Liberadas, marzo 2012

Desnudas después de la liberación Después de encontrarnos con nuestros miedos, nuestra maldad, nuestro ego, nuestro dolor, nuestros propios actos destructivos, el miedo de enfrentarnos a nuestro pasado, enfrentar las sombras de nuestros propios actos, forma parte de nuestra propia sanación y así dejar de estar atrapadas.

Los actos de nuestro pasado, hoy se convierten en los actos nuestro renacimiento, como quien sale de velar una larga noche de oscuridad y dolor, tratando de sanar los traumas de nuestra vida anterior, nos volvemos fuertes, nos volvemos luz, volvemos a nacer, sin olvidar nuestro vida anterior.

En este nuevo nacimiento nos encontramos desnudas ante la luz, liberadas del pasado, enfrentando el nuevo escenario, sin olvidarnos de nuestro lado oscuro, como el bien y el mal, nuestras vidas están formadas de eso, hoy en nuestro renacimiento, desnudas, despojadas y con una nueva vida por delante.

Volvemos a abrir la puerta para ir a jugar.

30 años Eran niños Eran jóvenes Fusil en manos Salieron al frente

La Bandera flameo El frío los llenaba La sangre corría por primera vez Algunos durmieron El sueño de los héroes Eran niños Eran jóvenes Algunos intentan olvidar Yo los quiero honrar. *Texto para el Libro de Artista “30 Años”, marzo 2012

Palabras para otros

Para Lidia Orellano Artista plástica, grabadora, papelera, Artista intuitiva, alguien para quien la creación es una profunda búsqueda interior, que aflora con gran sensibilidad, sus obras son una invitación a recorrerlas, no solo visualmente, si no con el corazón.

Para Eyelen Giacobbe Cuerpo: Según Gichtel, “sede de un apetito insaciable, de enfermedad y de muerte”. Según el mitraísmo, el alma para liberarse tiene que atravesar siete esferas.

En estos tiempos donde el cuerpo, es algo más que el continente de nuestro interior y de nuestro exterior, hoy se busca el ideal del cuerpo perfecto, pero ¿cual sera ese cuerpo perfecto?, hace unas décadas las medidas ideales para ser una modelo profesional eran 90-6090, como si una medida métrica indicara perfección, hoy no se cual es la medida de perfección para las modelos de pasarelas, muchas de ellas ya no tienen formas y se parecen a las modelos que pintaba Gauguin, que por sus problemas visuales, eran alargadas y sin forma; hoy parece ser el ideal del cuerpo perfecto y nuevamente me pregunto ¿cual es el cuerpo perfecto? el del renacimiento donde las mujeres para mostrar salud se veían entradas en carnes o el que nos muestran hoy donde para algunos el cuerpo anoréxico es el ideal.

El tiempo histórico, el tiempo humano, fue creando distintos ideales de cuerpos y hoy algunos quedan fuera del ideal impuesto por los medios, la sociedad, no se nos permite mostrar un cuerpo flácido, no se nos permite mostrar un cuerpo con celulitis, ni hablar de un cuerpo con algunos kilos de más, si todos debemos ser perfectos, cual es la perfección de los cuerpos el de Leonardo Da Vinci, los cuerpos de Rembrandth, los cuerpos de Gauguin o los que nos imponen hoy, nos vemos frente a una nueva violencia, la del cuerpo, a los niños hoy se les impone el cuerpo perfecto, y se les dice “sin ese cuerpo no van a lograr nada”, ahora el cuerpo es la puerta de entrada al mundo.

El cuerpo dejo de ser el contenedor y el continente, para ser el ideal, la meta a alcanzar, el principio de una vida fabulosa, el cuerpo ya no se vive con placer, se vive con dolor, el del gimnasio, el de las cirugías, las dietas hipercalóricas y todo aquello que nos lleve al cuerpo ideal, ¿ideal para quien?.

Eyelén nos muestra cuerpos reales, esos cuerpos que vemos frente al espejo, no los cuerpos de ficción, esos que aparecen día a día en las revistas o en la televisión, en sus vacaciones Eyelén no olvida que es Fotógrafa, así dio comienzo está serie en las playas de Río de Janeiro, viendo, observando, como los cuerpos reales se muestran sin miedos, sin tabú, hombres y mujeres se exhiben tal como son, no importa si el cuerpo está flácido por los años, si está torneado por el gimnasio, si tienen algunos kilos de más, si son delgados, o solo porque sus cuerpos son así, en esa mirada, muestra los cuerpos que quedaron excluidos, los cuerpos reales, en toda su belleza, acaso no hay belleza, en esos cuerpos que quedaron fueron de las tapas de revistas; para algunos esos cuerpos no forman parte del ideal y no les importa si son flacos o gordos, creen que deberían quedar guardados bajo 7 llaves; en su mirada encuentra la belleza de esos cuerpos que se muestran sin pudor, irreverentes, diciendo a quien los quiera ver, si Yo estoy acá, en la playa y no me molesta, mostrar mi cuerpo.

Al final de nuestro tiempo no importa si el cuerpo es perfecto o imperfecto, nos debería importar si es un cuerpo sano, para contener nuestra vida, ya que el se quedará y solo nuestra alma será libre.

Las Palabras que forman parte de este libro van desde el 2005, hasta mayo de 2012.

Las fotos que ilustran el libro son todas de mi autoría.

Stella Maris Leone Geraci 1965, nace en Capital Federal, desde 1982 vive y trabaja en Villa Raffo, Tres de Febrero, Buenos Aires. Argentina.

Comencé a estudiar dibujo y pintura a los 8 años, Mamá estaba algo cansada de calcarme los dibujos, cuando volví de mi primer clase le dije “Mamá quiero seguir dibujando siempre”.

Además tomé clases de fotografía, grabado tradicional y experimental, escultura, cerámica, arte digital, ya que quería conocer como eran las demás técnicas y sus procesos de realización.

Hice diseño de indumentaria, decoración de interiores, desde 1985, tengo mi Estudio - Taller - Galería, desde 1991 realizo muestras individuales y colectivas.

En la actualidad además de mi actividad artística, y dictar clases en mi Estudio - Taller - Galería, me desempeño como fotoperiodista, escribo sobre arte que publico en mi blog, en otras paginas en linea y en un periódico zonal.

En el plano personal soy Armonizadora Angélica, trabajo con la energía de los Ángeles, buscando el equilibrio entre el plano físico y espiritual.