SurVivArt III Edizione

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ATALOGO D'ARTE

ONTEMPORANEA

Il mutamento dell’ar te dal covid

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Stefano Zanus

SurVivArt Project 2 0 2 1

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in copertina

K.B. Rossetto "Composizione"

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Olio su tela cm 80 x 80

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C ATA L O G O

Direttore Generale Stefano Zanus Testi e Recensione critiche Stefan o Z an u s Gian p ietro Cu d in Patrizia Fia sconaro Siro Pe rin Gian carlo Da Lio Qe d im Ba cci

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Traduzioni in inglese Qe d im Ba cci

Progetto Grafico Qedim Bacci

© SURVIVART PROJECT 2021

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SurVivArt Project

CATALOGO INTERNAZIONALE D'ARTE

LA STORIA DELL'ARTE DAL 2020

PRESENTAZIONE

Stefano Zanus “Responsabile del Progetto”

Stefano Zanus è un'artista poliedrico, la sua cultura multidirezionale lo ha portato a sviluppare molteplici tecniche artistiche: pittore, grafico, fotografo, scultore, creatore di installazioni, performer, giornalista, animatore di attività artistiche. Un’esperienza tecnico-umanistica lunga quasi cinquant’anni, tutta all’insegna della curiosità, della sperimentazione, della ricerca di nuovi modi e tecniche per esprimere il contemporaneo.

Veneziano, diplomato in maturità tecnica, dipinge da

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autodidatta e si avvicina alla fotografia come “paparazzo”. Nel 1968 la sua prima mostra personale. Nel 1973 va ad apprendere le tecniche incisorie alla Scuola Internazionale della Grafica.

Nel 1999 iniziano le sue sperimentazioni di “Dripping Light Art”, dove il supporto fotografico è usato come tavolozza. Tra i tanti eventi che l’hanno visto protagonista, da segnalare la partecipazione a due mostre collaterali della 51° e 53° Biennale di Venezia: “kamikazeartwork n.1” e “krossing”.

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SOPRAVVIVERE Vivere - Arte Nasce il Progetto SurVivArt !

L’arte di chi la fa, di chi la usa, ne parla o solo la guarda. L’arte che è il tubo catodico della nostra fantasia.

L’anno duemilaventi iniziato come molti, con progetti in programma a medio e lungo termine dopo pochi mesi prende in contropiede il Mondo!

Molti stati chiudono le frontiere, come gli Stati Uniti e l’Inghilterra, ma anche nei paesi europei dell’area Schengen (Austria, Belgio, Repubblica Ceca, Danimarca, Estonia, Finlandia, Francia, Germania, Grecia, Ungheria, Islanda, Italia, Lettonia, Liechtenstein, Lituania, Lussemburgo, Malta, Paesi Bassi, Norvegia, Polonia, Portogallo, Slovacchia, Slovenia, Spagna, Svezia e Svizzera) non si circola più liberamente. questa è una delle tante limitazioni che d’ora in poi verranno prese anche da altre Nazioni ed in modo sempre più restrittivo senza essere certi di quando finirà.

Ma quello che nessuno potrà fare è limitare i confini dell’arte.

Quotidianamente questi confini sono travalicati dagli artisti che con i prodotti del loro intelletto riescono a profondere la voglia di sopravvivere. Con il “progetto internazionale d’arte survivart” si vuole raccogliere questa grande sinergia in un’unica testimonianza e renderla pubblica!

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Tutta la storia dell’umanità è stata soggetta a grandi mutamenti dopo eventi che hanno cambiato le abitudini della gente e questo progetto vuole in primo luogo documentare come gli artisti hanno reagito dopo l’evento pandemico del 2020 ed in pratica scrivere quella che sarà la Nuova Storia dell’arte visiva contemporanea.

Per fare questo, chiamiamo gli stessi artisti che forniranno la loro testimonianza con le loro opere che per questo motivo, non dovranno essere antecedenti all’anno 2020 o almeno rielaborati da questa data.

Il primo strumento del progetto è questo Catalogo, che ha una data di inizio ma non una di chiusura, in quanto man mano che gli Artisti aderiscono verranno di volta in volta inseriti. Un Catalogo diverso, perché non ci saranno artisti storici del passato, ma tutti quelli che stanno lavorando per il futuro!

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SURVIVE Live - Art Project SurVivArt is born!

The art of those who make it, of those who use it, of those who speak about or just look at it. Art as the cathode ray tube of our fantasy.

Year 2020 started, like many others, with medium and long-term program projects but, just few months later, caught the World wrong-foot!

Most countries close their borders such as United States and United Kingdom, but free circulation is no longer possible also through the borders of most European countries inside the Schengen Area, such as Austria, Belgium, Czech Republic, Denmark, Estonia, Finland, France, Germany, Greece, Hungary, Island, Italy, Latvia, Liechtenstein, Lithuania, Luxemburg, Malta, the Netherlands, Norway, Poland, Portugal, Slovakia, Slovenia, Spain, Sweden and also Switzerland. This is one of the many limitations that will be applied also by other nations from now on in a stricter way without a possibly predictable end.

But no one will be able to limit the boundaries of art.

Artists trespass these boundaries every day thus inspiring the will to survive with the product of their intelligence. The intent of “Survivart International Art Project” is to gather this massive synergy in one common statement and share it as public domain.

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The history of mankind has always been subject to great changes after events that changed the habits of people, and this project in first instance wants to witness the way artists reacted after the pandemic event of 2020 and basically the intent is to describe what will be the new history of contemporary visual art.

To do so, we muster artists to witness by means of their artwork, that for this reason, shall not be earlier than 2020 nor at least redrafted before such date.

The first tool of this project will be this catalogue that has a starting date but not a closing date since all artists will be included as they adhere. This will be a different catalogue because it will not comprise historical artists from the past but all those artists who are working for the future!

Translated by Mariachiara Sassu

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ÜBERLEBEN LEBEN – KUNST Das Projekt SurVivArt ist geboren!

Die Kunst derer, die sie schaffen, derer, die sie benutzen, darüber sprechen oder sie nur anschauen. Die Kunst ist die Kathodenstrahlröhre unserer Phantasie!

Das Jahr zweitausendundzwanzig begann wie viele andere, mit mittel- und langfristig programmierten Projekten, und trifft die Welt nach wenigen Monaten unvorbereitet.

Viele Staaten schließen die Grenzen, wie die Vereinigten Staaten und England, aber auch in europäischen Ländern des Schengen-Raums (Österreich, Belgien, Tschechien, Dänemark, Estland, Finland, Frankreich, Deutschland, Griechenland, Ungarn, Island, Italien, Lettland, Liechtenstein, Litauen, Luxemburg, Malta, Niederlande, Norvegen, Polen, Portugal, Slowakei, Slovenien, Spanien, Schweden und Schweiz) bewegt man sich nicht mehr frei. Dies ist eine der vielen Einschränkungen, die von nun an auch von anderen Nationen und in immer restriktiverer Weise vorgenommen werden, ohne Gewißheit zu haben, wann sie enden werden.

Aber das, was niemand tun kann, ist, die Grenzen der Kunst einzuschränken.

Täglich werden diese Grenzen von Künstlern überschritten, die es schaffen, mit den Produkten ihres Intellekts den Überlebenswillen anzuregen. Mit dem internationalen Kunstprojekt survivart möchte man diese große Synergie in einem einzigen Zeugnis sammeln und öffentlich machen!

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Die gesamte Menschheitsgeschichte war, nach Ereignissen, die die Gewohnheiten der Menschen verändert haben, großen Wandlungen unterworfen, und dieses Projekt möchte an erster Stelle dokumentieren, wie die Künstler nach dem Pandemie-Ereignis des Jahres 2020 reagiert haben. Es geht im Grunde darum, eine neue Geschichte der zeitgenössischen visuellen Kunst zu schreiben.

Um dies zu erreichen, rufen wir die Künstler selbst auf, mit ihren Werken, die aus diesem Grund nicht vor dem Jahr 2020 liegen dürfen oder zumindest ab diesem Datum überarbeitet sein sollten, Zeugnis abzulegen.

Das erste Instrument des Projekts ist dieser Katalog, der ein Datum für den Beginn, aber keines für das Ende hat, da die teilnehmenden Künstler im Laufe der Zeit jeweils eingefügt werden. Ein andersartiger Katalog, denn es wird keine historischen Künstler der Vergangenheit geben, sondern all jene, die für die Zukunft arbeiten!

Stefano Zanus Traduttrice e Interprete Ute Koslowski 9

SURVIVRE VIVRE - ART Le Projet SurVivArt est né!

L’art de celui qui le crée, de celui qui l’utilise, en parle ou simplement l’observe. L’art qui est le tube cathodique de notre imagination.

Pour beaucoup d’entre nous, l’année 2020 démarra avec des projets à moyen et long termes, mais, à peine quelques mois plus tard, le monde bouleversa l’ensemble.

De nombreux États, comme les États-Unis et le Royaume-Uni, ferment leurs frontières et il n’est plus possible de circuler librement dans les pays européens de l’espace Schengen (Autriche, Belgique, République Tchèque, Danemark, Estonie, Finlande, France, Allemagne, Grèce, Hongrie, Islande, Italie, Lettonie, Liechtenstein, Lituanie, Luxembourg, Malte, Pays-Bas, Norvège, Pologne, Portugal, Slovaquie, Slovénie, Espagne, Suède et Suisse).

Et, ce n’est là qu’une des restrictions que, désormais, d’autres Nations imposent de plus en plus strictement et cela sans que l’on sache à quel moment elles seront levées.

Mais ce que personne ne pourra jamais faire, c’est de fermer les frontières de l’art.

Chaque jour, ces limites sont dépassées par les artistes qui, grâce aux fruits de leur intellect, réussissent à insuffler l’envie de survivre.

Avec le “projet international d’art Survivart”, nous voulons rassembler toutes ces synergies en un seul témoignage et le rendre public!

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Tout au long de son histoire, l’humanité a été confrontée à de grandes mutations à la suite d’événements qui ont changé les habitudes des populations. Ce projet a l’ambition, d’une part de montrer comment les artistes ont réagi à la pandémie de 2020 et, d’autre part, d’écrire la Nouvelle Histoire de l’art visuel contemporain. Appelons donc les artistes mêmes à nous offrir leurs créations artistiques qui, pour cette raison, ne devront pas avoir été produites avant 2020 ou, tout au moins, devront avoir été réélaborées à partir de cette année-là.

Le premier dispositif du projet est ce Catalogue, qui évoluera dans le temps étant donné que les Artistes qui adhèrent à ce projet y seront intégrés au fur et à mesure.

Un Catalogue unique parce que nous n’y trouverons pas d’artistes du passé mais uniquement ceux qui travaillent pour le futur! traduction par Stéphanie Leroy

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SOBREVIVIR VIVIR-ARTE Nace el proyecto SurVivArt! El arte de quien lo realiza, de quien vive, habla o solamente observa. El arte que es un tubo catodico de nuestra imaginaciòn.

El año dosmilveinte comenzo como todos los otros ,llenos de proyectos a mediano y largo plazos,luego de unos meses ,el mundo cambio repentinamentede una forma drastica nuestras vidas a la que estabamos habituados ,sobretodo a nuestra LIBERTAD. Muchos paises se vieron obligados a cerrar sus fronteras como los EE.UU. Inglaterra, tambien la Union Europea (Austria, Belgia, Republica Checa, Dinamarca, Estonia, Finlandia, Francia, Alemania, Grecia, Ungria, Islandia, Italia, Lituania, Liechtenstein, Lituania, Luxemburgo, Malta, Paises Bajos, Noruega, Polonia, Portugal, Eslovaquia, Eslovenia, Espana, Suiza, Suecia) se vieròn restringidos de circular libremente. Esta es una de las tantas limitaciones dràsticas, que desde ahora en adelante seran aplicadas en el resto del mundo, sin saber cuando terminarà.

El mundo se transformò por una Pandemia, en un equipo unificado con una sola meta, formar una barrera y luchar contro un virus mortal .

Però lo que ninguno podrà es limitar, cohartar o restringir el confin del Arte.

Diariamente estos limites vienen modificados del intelecto fantacioso del artista plàstico, renaciendo de sus cenizas como el ave Fenix, para sobrevivir.

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Con el “Proyecto Internacional de Arte SurVivArt” se quiere absorver el impacto de cada artistas plasticos, en una testimonianza unica de esperanza hacia el futuro.

Toda la historia de la humanidad misma tuvo grande cambios y eventos que lograròn cambiar las costumbres de las personas para sobrevivir y este proyecto quiere documentar cada suceso de los artistas en esta etapa de la pandemia. Y describir la nueva versiòn de la historia del arte contemporaneo llamando a los artistas dando la testimonianza a travèz de sus obras del 2020.

Este primer instrumento que toma este proyecto, es este catàlogo que data el inizio y no de cierre ,que mano a mano que los artistas se van involucrando, seràn plasmados de vuelta en vuelta.

La diversidad de este catàlogo es que no estaràn los artistas historicos del pasado, solamente los actuales, aquellos que están trabajando por el futuro. traduzione con il contributo di Raiquen Arduini

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VIZHIT’ ZHIT’ – ISKUSSTVO Proyekt SurVivArt poyavilsya!

Iskusstvo tekh, kto eto delayet, tekh, kto ego ispol'zuyet, tekh, kto govorit o nem ili prosto lyubuetsya im.

Iskusstvo kak elektronno-luchevaya trubka nashey fantazii.

2020 god nachalsya, kak mnogie drugiye, s planirovaniya sredne- i dolgosrochnyh proyektov, kotoriye spustya vsego neskol’ko mesyatsev byli ostanovleny vsemirnym perepolokhom!

Bolshinstvo stran zakryli svoi granitsy (takie kak SSHA i Velikobritaniya), svobodnoe peredvizhenie iz strani v stranu stalo bolshe nevozmozhno dazhe vnutri Shengenskoi zony (eto kosnulos’ takikh stran kak Avstria, Belgiya, Chekhiya, Daniya, Estonia, Finlyandiya, Frantsia, Germanya, Gretsiya, Vengriya, Islandiya, Italia, Latvia, Likhtenshtein, Litva, Luxemburg, Mal’ta, Nederlandy, Norwegiya, Pol’sha, Portugaliya, Slovakia, Sloveniya, Ispaniya, Shwetsiya i dazhe Shweitsariya. Eto odno iz mnogochislennikh ogranicheniy, kotoryye otnyne budut primenyat'sya i drugimi stranami i v boleye strogoi forme, bez ponimaniya, kogda eto zakonchitsa.

No nikto ne mozhet ostanovit’ iskusstvo.

Khudozhniki yezhednevno peresekayut eti granitsy s pomoshch'yu tvoreniy svoyego intellekta, kotorie vdokhnovliaut na vyzhyvanie.

Tsel' «Mezhdunarodnogo khudozhestvennogo proyekta Survivart» - sobrat' etu ogromnuyu sinergiyu v odnom obshchem sobranii i podelit'sya yeyu kak obshchestvennym dostoyaniyem.

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Istoriya chelovechestva vsegda podvergalas' bol'shim izmeneniyam posle sobytiy, kotoryye izmenili privychniy obraz zhyzni, i etot proyekt v pervuyu ochered' khochet pokazat', kak khudozhniki otreagirovali na pandemiyu 2020 goda, a takzhe tsel' sostoit v tom, chtoby opisat', kakim budet sovremennoye izobrazitel'noye iskusstvo.

Imenno poetomu nashi trebovaniya k rabotam khudozhnikov sostyat v tom, shtobi oni byli sosdany ne raneye 2020 goda, libo pereosmisleny i dorabotany posle etogo goda.

Pervyy instrument proyekta - eto katalog, u kotorogo yest' data starta, no netu final’noi daty, vse khudozhniki budut uchavstvovat’ v kazhdom nomere i smogut obnovliat’ svoi raboty, takzhe vremya ot vremeni smogut dobavlyat'sya novyie.

Eto budet sovershenno novyi katalog, potomu chto v nego voydut ne istoricheski izvestnyie khudozhniki iz proshlogo, a vse te, kto rabotayet na budushcheye!

Translated by Mariia Kuzina 12

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Cudin Gianpietro “Artista e Pensatore”

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Nella sua carriera artistica in continuo divenire, ha partecipato alla Biennale Internazionale della Piccola Scultura di Padova e alla Biennale della Scultura d’Arte Dantesca (Ravenna).

La curiosità che accompagna il suo animo gentile lo porta ad esporsi a sempre nuove sfide che lo vedono via a Nanao in Giappone per una realizzazione di un tabernacolo ed esposizione di Grafica e Scultura (1982), a Montrèal in Canada per presentare «Immagini» una cartella di grafica dedicata a Carolyn Carson (1983) a Santa Monica - California USA (1997), a Parigi (1998), in Russia, a Mosca per la realizzazione di più opere scultoree: Macchiavelli, Padre Alexander Men, Raoul Wallenberg per i Giardini della Biblioteca M. Rudomino (1996), a Venezia per una «performance» durante la 48° Biennale d’Arte Contemporanea (1999). Ha realizzato il design del soffitto della chiesa di S. Bellino a Padova e una serie di sculture monumentali che sono state collocate in vari punti della città di Padova e di fronte al Castello Carrarese. Dopo aver Realizzato il busto del «Giusto» G. Perlasca presso l’Istituto di Cultura Italiana a Budapest, copia dello stesso busto è stata collocata a Toronto – Canada, nei giardini della sede associativa degli Italiani-Veneti. Nel 2013 ha realizzato un intervento a Forte Marghera con il gruppo Materia Prima e partecipato all’evento collaterale alla Biennale di Venezia presso il Padiglione Tibet sede a Santa Marta.

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S U RV I VA R T Il mondo dell'arte va verso un concetto che si scosta dalla realtà, in un mondo di significati che possiamo dire " una continua ricerca del senso della vita", superando la regola di libertà limitata, perché l'arte può esprimersi in qualsiasi forma.

Una realtà idealizzata è spesso manipolata, tutto secondo una proiezione che l'artista ha del suo fare, del suo bisogno di esprimersi, accostando materiali in un pensiero evocativo della capacità creativa. Il desiderio di una ricerca poetica originale, elabora una visione delle cose, degli oggetti, della materia, evocando spesso il proprio pensiero interiorizzato nel vissuto.

Proporre un lavoro non può essere un fatto isolato o temporaneo, ma il piacere di rompere l'aspetto cinico e indifferente con cui un'opera viene vista

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perché non conosciuta. Nell' irrefrenabile voglia di esprimersi dell'artista, non va dimenticata la sua forza interiore che ha oggi nel creare una forma e domani un'altra. E' la leva che lo spinge continuamente nell'andare avanti nell' affermazione della propria personalità, dello stile, di una armonia tra il pensiero interiore, il proprio lavoro e la vita!

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S U RV I VA R T

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The world of art moves towards a concept that deviates from reality, in a world of meanings that we can say "a continuous search for the meaning of life", overcoming the rule of limited freedom because art can express itself in any form.

An idealized reality is manipulated, all according to a projection that the artist has of his doing, of his need to express himself, combining materials in an evocative thought of creative capacity. The desire for original poetic research elaborates a vision of things, objects, matter, often evoking one's own internalized thought in the lived experience.

Proposing a work cannot be an isolated or temporary fact, but the pleasure of breaking the Chinese and indifferent aspect with which a work is seen because it is not known. In the artist's irrepressible desire to express himself, the inner strength of him that he has today in creating one form and tomorrow another must not be forgotten. It is the lever that continually pushes him to go forward in the affirmation of his personality, style, of a harmony between inner thought, his work, and life!

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Patrizia Fiasconaro “Mediatrice tra artista e pubblico”

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Patrizia Fiasconaro ha studiato a Venezia presso la Facoltà di Lettere e Filosofia, laureandosi con il massimo dei voti nel 1991 discutendo una tesi pioneristica sul ruolo della donna in Platone e nelle società antiche, da cui è poi nato un manuale per le scuole superiori e l’Università (edito da Paravia). Vive a Mira e occupa una cattedra a tempo indeterminato di storia e filosofia presso il liceo Majorana-Corner di Mirano. Per anni ha tenuto corsi di filosofia presso le Università Popolari di Borbiago e di Dolo, in provincia di Venezia. Approdata al mondo dell’arte grazie alla curiosità e all’urgenza, tutta filosofica, di capire il perché di un’espressione piuttosto che il come, non si è mai riconosciuta nel titolo di Critico d’arte, preferendo per sé quello di Mediatrice tra Artista e Pubblico. Senza mai venir meno a questa vocazione, da quasi trent’anni realizza e presenta mostre d’arte, convegni, lezioni-conferenza ed eventi culturali per conto di Associazioni, di Amministrazioni Comunali e di scuole superiori dell’intero territorio italiano.

In varie occasioni è stata chiamata a far parte o a presiedere giurie di Concorsi poetici e artistici. Socia onoraria del Gruppo Forma & Colore dal 1997 al 2016, vi ha ininterrottamente coperto la carica di vicepresidente dal 2004 al 2016. Molti dei suoi interventi sono contenuti in opere di natura filosofica, poetica, letteraria e in cataloghi d’arte.

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KRONOS E KAIROS prigioni, ebbe il sapore di un placebo utile per esorcizzare paure e scoramenti, ma non servì a ripartire: la consapevolezza che quell’evento inatteso, arrivato da Oriente, avrebbe avuto una portata rivoluzionaria esibiva drasticamente il biglietto di sola andata: la vita non sarebbe più stata quella di prima. Per sopravvivere bisognava cambiare ottica, partire dall’etimo della parola crisi, momento in cui Ippocrate, di fronte al malato, respirando l’olezzo di piaghe in putrefazione, cercava di leggere -tra le pieghe della sofferenzai segni di speranza e di vita. Crisi in medicina era la sottile lama del rasoio che separava morte e vita, dando a ciascuna la medesima possibilità. Ecco, per non avere solo paura del futuro si doveva ripartire proprio da questa duplicità semantica, smarrita nella polvere dei secoli. Crisi era anche sfida. La prima sfida riguardò la percezione del tempo: l’obbligo di stare a casa trasformò Kronos - terribile divoratore di figli- in Kairos, dono. Il tempo si dilatò, divenendo preziosa sacca di riflessione, inatteso spazio di ripensamento. Qui, prima della politica e dell’economia, ritrovò vigore l’arte: riflettendo, raccontando, interpretando nell’immobile attesa, cominciò a rielaborare il lutto; poi, intuendo, pre-sentendo e progettando si fece carico di una nuova responsabilità: traghettare il fragile malato verso la resilienza.

Lo fece con l’incisività delle pennellate e il vigore della materia plasmata, con la luce della fotografia e con l’occhio della telecamera, con la pregnanza dei versi e la forza delle lettere.

L’arte trasformò la disabilità collettiva in nuova abilità, parlò di nuove opportunità, usò tocchi di originalità per rompere lo spirito gregario ed evitare la sparizione, lo smarrimento totale. Lo fece lacerando griglie, superando confini reali e virtuali; cercò di risocializzare monadi alienate e sempre connesse con nuove domande e nuove risposte, creando esili ponti per andare oltre la voragine abissale. Se ci riuscì nel suo intento globale lo racconterà un’altra storia, intanto a ciascuno di noi sia dato di cogliere e vivere questa sfida.

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La consapevolezza di scrivere una nuova pagina della Storia, di vivere un momento epocale di passaggio si è fatta strada nel 2020, proprio quando la natura si trovava nella fase di transizione dall’inverno alla primavera. Fu quella volta in cui l’umanità, la nostra umanità, in tutto simile a un formicaio caotico e sfuocato, si trovò improvvisamente costretta a inchiodare, a spingere con forza sul pedale del freno. Con l’auto bloccata in mezzo alla strada, di fronte ad una voragine appena spalancata, il cuore in gola, la testa che girava per la paura e l’ebrezza dello scampato pericolo, ha cominciato a sperimentare qualcosa che -più di un contraccolpo- aveva il sapore del contrappasso: l’essenziale, finalmente smascherato, stava trasformando gli impazienti in pazienti, gli invisibili in visibili, la forza in fragilità, il necessario in superfluo, la vicinanza in distanza e, inesorabilmente, poneva in stand-by assieme alle feste, ogni rituale associativo e lavorativo.

Dismesse le maschere del carnevale e della vita, se ne dovettero indossare altre, asettiche, senza sorriso e senza pianto: i nuovi volti di un mondo messo in fila, ingabbiato in un gigantesco, mostruoso condominio, da cui non si poteva uscire. La gente, affacciata ed esposta al davanzale di miliardi di quotidiane finestre, mentre imparava a guardarsi a quadratini, cercò di trasformare in normalità quello che normale non era: ripulì casa, si dilettò a cucinare, sostenne un esercito silenzioso di nuovi eroi, cantò sul balcone, allenò il corpo tondo e goffo sulla piastrella della cucina, si sentì cullata da pubblicità create per sostenere fragili emozioni di un’umanità sospesa. Obbligata a vivere in isolamento, privata di ogni contatto, la società fu costretta a sperimentare alla rovescia la sindrome di Asperger e, nella difficoltà di non riconoscersi, di non rincontrarsi e di non capire più nulla, entrò in panico. Il grandioso reticolo in cui tutto sarebbe dovuto apparire sotto controllo -dalle scadenze alla razionalizzazione delle pauremostrò le sue crepe: cercare la quadratura del cerchio tramite infiniti numeri di statistiche e percentuali, coniare slogan per tenere insieme nostalgie e speranze, assenze e presenze, solitudini e convivenze obbligate, libertà e 18

Buon passaggio a tutti!

KRONOS E KAIROS taste of a placebo useful for exorcising fears and discouragement, but it did not help to restart: the awareness that that unexpected event, which arrived from the East, would have had a revolutionary significance drastically exhibited the ticket of one way: life would never be what it used to be. To survive it was necessary to change perspective, starting from the etymology of the word crisis, the moment in which Hippocrates, in front of the patient, breathing the stench of putrefying wounds, tried to read - between the folds of suffering - the signs of hope and life. Crisis in medicine was the thin razor blade that separated death and life, giving each the same chance. Here, in order not to be afraid of the future only, one had to start again from this semantic duplicity, lost in the dust of the centuries. The crisis was also a challenge. The first challenge concerned the perception of time: the obligation to stay at home transformed Kronos a terrible devourer of children - into Kairos, a gift.

Time expanded, becoming a precious pocket for reflection, an unexpected space for reflection.

Here, before politics and economics, art regained vigor: reflecting, narrating, interpreting in the still waiting, he began to rework mourning; then, sensing, introducing, and planning he took on a new responsibility: to ferry the frail patient towards resilience. He did it with the incisiveness of the brushstrokes and the vigor of the molded material, with the light of photography and with the eye of the camera, with the meaningfulness of the lines and the strength of the letters. Art transformed collective disability into a new ability, spoke of new opportunities, used touches of originality to break the gregarious spirit and avoid disappearance, a total loss. He did it by tearing apart grids, crossing real and virtual boundaries; he tried to re-socialize alienated monads always connected with new questions and new answers, creating thin bridges to go beyond the abyssal chasm. If he succeeds in his global intent, another story will tell, meanwhile, each of us may be given the opportunity to take up and live this challenge.

Happy good transition to everyone!

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The awareness of writing a new page of history, of experiencing an epochal moment of transition made its way in 2020, just when nature was in the transition phase from winter to spring. It was that time when humanity, our humanity, in all similar to a chaotic and out-of-focus anthill, suddenly found itself forced to nail down, to push hard on the brake pedal. With the car stuck in the middle of the road, in front of a newly opened chasm, his heart in his throat, his head spinning with fear and thrill of the narrow escape, he began to experience something that - more than a backlash - had the taste of retaliation: the essential, finally unmasked, was transforming the impatient into patients, the invisible into visible, the strength into fragility, the necessary into the superfluous, the proximity in the distance and, inexorably, putting parties, all associative and working rituals.

Once the masks of carnival and of life were removed, others had to be worn, aseptic, without smiles and without tears: the new faces of a world lined up, caged in a gigantic, monstrous condominium, from which one could not get out.

The people, looking out and exposed to the sill of billions of daily windows, while learning to look at each other in squares, tried to transform into normality what was not normal: they cleaned up the house, delighted in cooking, supported a silent army of new heroes, sang on the balcony, trained her round, clumsy body on the kitchen tile, felt lulled by advertisements created to sustain the fragile emotions of suspended humanity.

Forced to live in isolation, deprived of all contact, society was forced to experience Asperger's syndrome upside down and, in the difficulty of not recognizing itself, of not meeting again and of not understanding anything, it panicked. The grandiose network in which everything should have appeared under control - from deadlines to the rationalization of fears - showed its cracks: seeking the squaring of the circle through infinite numbers of statistics and percentages, coining slogans to hold together nostalgia and hopes, absences and presences, solitudes and forced cohabitation, freedom and prisons, had the

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Siro Perin

“Storico e Critico d'Arte”

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Laureato in Storia dell'Arte Bizantina con una testi sulla "Scultura Esterna Erratica Bizantina a Venezia", dal 2001 insegna materie umanistiche presso Istituti di Scuola Secondaria di primo e secondo grado.

Dal 2004 e' il critico ufficiale del movimento d'arte “Materia Prima”. Ha organizzato svariati eventi artistici presso svariati centri d'arte e gallerie, tra cui si ricordano: Business Center dell'aeroporto Marco Polo di Venezia; Galleria Contemporaneo a Mestre con patrocinio della Fondazione Bevilacqua La Masa, Peggy Guggenhein Collection e Centro Culturale Candiani; Palazzo Grassi di Chioggia come evento collaterale all'interno della 51° Biennale d'Arte di Venezia; Forte Marghera (Venezia) come evento collaterale all'interno della 53° Biennale d'Arte di Venezia; “Accademia di Sant'Agostino”, Roma; Galleria “Il Canovaccio”, Roma; Galleria “Gadarte”, Firenze; IV edizione di "Vagiti Ultimi" Atri, Te. Ha presentato mostre collettive e personali di artisti contemporanei come: L. Alinari, F. Angeli, U. Attardi, E. Baj, E. Bajoni, G. Barbisan, V. Basaglia, A. Bomalumi, F. Borghese, R. Borsato, G. Cadorin, S. Campesan, M. Campigli, G. Cardellini, F. Carena, C. Carrà G. Casali, M. Cascella, G. Celiberti, L. Ceschin, G. Cesetti, S. Chia, F. Costalonga, A. Costi, E. Costantini, N. Costantini, S. Dalì, G. De Chirico, A. Del Donno, P. Dorazio, A. Faccincani, T. Festa E. Finzi, S. Fiume, M. Galimberti, G. Giuliani, O. Guarnirei, V. Guidi, R. Licata, M. Lodola, L. Luporetti, L. Marcon, C. Magnolato, Malvisi, D. Marinotto, A. Martini, U. Mastroianni, Movimento Materia Prima (G. Baldessari, G.Negretto, G. Pagliaro, S. Zanus), G. Morandis, A. Murer, G. Novello, R. Nucara, L. Marcon, A. Milesi, A Murer, U. Nesolo, B. Ormenese, P. Penzo, G. Pomodoro, A. Possenti, G. Potenza, Rabarama, T. Ravà, M. Romagna, O. Rosai, A. Rossi, M. Rotella, G. Santomaso, Santorossi, Satiam, E.

Scanavino, M.Schifano, E. Tadini, O. Tamburi, E. Treccani, G. F. Tramontin, R. Varese, E. Vedova, A. Viani, C. Vighi, T. Zancanaro, L. Zanettin, R. Zanon, e molti altri italiani ed esteri.

Ha poi presentato mostre di artisti moderni come : C. Allori, J. Bassano, G. Boldini, G. Fattori, G. fattori, G. Marchini, G. De Nittis, A. Rossi e molti altri Collabora con l'Associazione Culturale I.R.I.S. per gestire gli eventi artistici presso il Centro Culturale “De Andrè” a Marcon (VE), a seguito dei quali è stato realizzato un DVD-raccolta di interviste agli artisti intervenuti dal titolo "La pittura veneta contemporanea".

Collabora con vari Comuni ed Enti Culturali in qualità di guida storico artistica di gruppi presso città storiche o altre mostre d'arte nazionali.

Scrive per conto di alcune gallerie articoli recensioni critiche su giornali come "La Repubblica", "L'Osservatore Romano", "Il Giornale", "Il Gazzettino" e periodici specifici come "Archivio", "Arte e Cultura", "Eco d'Arte Moderna" e molti altri.

Realizza una guida storico-artistica su Venezia, edita da “Grafiche Biesse” dal titolo “Per non perdersi a Venezia”, tradotta in cinque lingue; Ha curato l'introduzione critica di numerosi cataloghi di artisti veneti, nazionali ed internazionali tra i quali si ricordano O. Guarnieri, Santorossi, Satyam, F. Costalonga, L. Zanettin, Silviogiovanni Viola, Choi Yoon Sook (Corea), Kiyomi Sakaguchi (Giappone), E. Mazza (RSM), M. Mandelartz (Germania).

Collabora con varie emittenti televisive tra cui “Televenezia”, “Televeneto” e “Televenetosat” con interviste e presentazioni di opere in diretta; ho gestito inoltre la rubrica “Il cannocchiale del critico” presso Televeneto e attualmente cura la rubrica televisiva d'arte “Plak Klag whomp”.

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Ha presenziato in qualità di giudice e critico in premi nazionali ed internazionali.

Inoltre ha realizzato il Catalogo "Venticinque secoli di scultura e altro" dal quinto secolo A.C. all'Art Déco" <Edizioni Imagina, 2021>.

Parallelamente prosegue la sua attività di scultore, con mostre nazionali ed internazionali.

IL PERIODO BUIO su modalità creative contemporanee molto variegate, tanto che si avvalgono spesso della tecnologia multimediale e dell'informatica.

Infatti in questo periodo di lock-down gli artisti hanno continuato, seppur in sordina, a creare, a porsi domande e dunque a riflettere su ciò che accadeva nel mondo, talvolta creando opere dal forte contenuto riflessivo oppure rappresentando semplici rimandi alla natura capaci di elargire momenti di serenità.

In questo frangente temporale apocalittico, ci sono state persone che hanno continuato a lavorare per tenere sempre vivo l'aspetto sensibile dello spirito umano, agendo talvolta come visionari Don Chisciotte. Gli artisti hanno cercato di far emergere le inquietudini, lo sconforto le angosce i dolori ma anche la voglia di farcela della società odierna costretta a fermare il suo ritmo frenetico per bloccarsi repentinamente come se fosse piombata dentro un coprifuoco da tempi di guerra.

Questo catalogo, impostato secondo la modalità multimediale dei nostri giorni, in modo da essere ancora maggiormente divulgativo, si inserisce in quella scia di manifestazioni per la ripartenza, proponendosi due compiti fondamentali: essere uno strumento per la memoria di ciò che è successo in questi primi mesi del 2020 e trasmettere la voglia di futuro e di rinascita dell'uomo. Ciò comporta un'ulteriore assunzione di responsabilità morale per gli artisti presenti all'interno della raccolta: dovranno impegnarsi veramente, sfruttare al meglio la loro creatività, interrogando se stessi e il mondo con onestà intellettuale in modo da evadere dal banale, da inutili manierismi e ripetitività. Solo così facendo essi potranno essere utili per le generazioni future.

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Questo è stato un lungo periodo di buio per la cultura: musei chiusi, o con limitati accessi, biblioteche semi-aperte, concerti annullati, teatri chiusi, manifestazioni di vario genere (come ad esempio mostre, fiere, festival, ecc.) posticipate al prossimo. Sembrava che l'arte e la cultura fossero state sospese se non addirittura imprigionate in una sorta di limbo. Insomma durante questa quarantena forzata provocata dall'emergenza Covid 19, le potenzialità del nostro patrimonio culturale passato e presente si sono spente. Ma l'arte, tra gli innumerevoli compiti che manifesta, ha anche quello di interrogare l'uomo, di porgli delle domande sul suo io, su ciò che lo circonda e soprattutto su ciò che gli accade, tentando di favorire riflessioni e, conseguentemente, possibili vie d'uscita. E sempre nel caso di eventi negativi globali quali conflitti e catastrofi e pestilenze, la cultura e l'arte, con il loro agire, si sono mosse nel tentativo di raccontare i fatti (si pensi agli artisti di guerra) consegnandoli ai posteri come simboli eternizzati e moniti. E per avere la conferma di quanto scritto poc'anzi, basta, per esempio, leggere i testi dei letterati, come Giovanni Boccaccio, Alessandro Manzoni e, per rimanere vicino a noi, Albert Camus, e osservare le opere di artisti, quali Mattia Preti, Pieter Bruegel Il Vecchio e Giovanbattista Tiepolo, in cui è stata trattata la tragica tematica del flagello della peste.

Oggi, nel ventunesimo secolo, non è più la peste, magari di manzoniana memoria, a colpire l'uomo e la società, bensì la nuova pandemia che abbiamo dovuto affrontare e che risveglia le coscienze degli artisti. L'opinione pubblica e gli intellettuali, ieri come allora, sono dunque chiamati ancora una volta, forse meglio dei politici e degli strilloni di professione, a dare il proprio contributo sul piano morale, sociale e culturale. Chiaramente i mezzi espressivi non sono più quelli di una volta, spesso vicini a una rappresentazione realistica e ammantati di richiami religiosi o sacri, ma sono impostati

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THE DARK PERIOD cloaked in religious or sacred references, but are set on very varied contemporary creative methods, so much so that they often make use of multimedia technology and information technology. In fact, in this period of lock-down, the artists continued, albeit quietly, to create, to ask questions, and therefore to reflect on what was happening in the world, sometimes creating works with a strong reflective content or representing simple references to nature capable of giving moments of serenity.

In this apocalyptic temporal juncture, there have been people who have continued to work to keep alive the sensitive aspect of the human spirit, sometimes acting as Don Quixote visionaries. The artists tried to bring out the restlessness, the despondency, the anguish, the pain but also the desire to succeed in today's society forced to stop its frenetic pace to stop suddenly as if it had fallen into a wartime curfew.

This catalog, set up according to the multimedia mode of our days, in order to be even more popular, is part of that trail of events for the restart, proposing two fundamental tasks: to be a tool for the memory of what happened in these first months of 2020 and convey the desire for the future and the rebirth of man.

This entails a further assumption of moral responsibility for the artists present in the collection: they will have to really commit themselves, make the most of their creativity, questioning themselves and the world with intellectual honesty in order to escape from the banal, from useless mannerisms and repetitiveness. Only by doing so can they be useful for future generations.

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This has been a long period of darkness for culture: closed museums, or with limited access, semi-open libraries, canceled concerts, closed theaters, various kinds of events (such as exhibitions, fairs, festivals, etc.) postponed to the next one. It seemed that art and culture had been suspended if not imprisoned in a kind of limbo. In short, during this forced quarantine caused by the Covid 19 emergency, the potential of our past and present cultural heritage has been extinguished. But art, among the countless tasks it manifests, also has that of questioning man, of asking him questions about his ego, about what surrounds him, and above all about what happens to him, trying to encourage reflections and, consequently, possible ways out. And always in the case of global negative events such as conflicts and catastrophes and plagues, culture and art, with their actions, have moved in an attempt to tell the facts (think of war artists) by delivering them to posterity as eternalized symbols. and warnings. And to confirm what has just been written, it is enough, for example, to read the texts of writers, such as Giovanni Boccaccio, Alessandro Manzoni and, to stay close to us, Albert Camus, and observe the works of artists, such as Mattia Preti, Pieter Bruegel Il Vecchio and Giovanbattista Tiepolo, in which the tragic theme of the plague was treated.

Today, in the twenty-first century, it is no longer the plague, perhaps of Manzoni's memory, that affects man and society, but the new pandemic that we have had to face and that awakens the consciences of the artists. Public opinion and intellectuals, yesterday as then, are therefore called once again, perhaps better than politicians and professional newsboys, to make their own contribution on a moral, social and cultural level. Clearly, the means of expression are no longer what they used to be, often close to a realistic representation and

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Giancarlo Da Lio “ Critico d'Arte”

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Giancarlo Da Lio è nato a Venezia nel 1951. Critico militante ha organizzato mostre ed eventi sia in spazi pubblici che privati. I suoi progetti più noti sono: L’Albero della Poesia, La Poesia in scatola, Iperspazialismo, Mail Art tutti documentati con libri, articoli e scambi epistolari. Ha fondato, con Tiziana Baracchi, L’Ambasciata di Venezia, Il Garage n.3 Gallery e il Virtual Museum 3 dei quali è direttore artistico e conservatore.

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ANNUS HORRIBILIS

L’arte è un atto di coraggio di un oggi che è già domani. Quel domani di cui il Covid-19 ha messo in discussione, facendoci prigionieri della paura, dell’ansia ma soprattutto di un oggi breve.

Troppo breve. Infatti pensiamo a sopravvivere rinunciando a tutte quelle funzioni psicologiche che ci aiutano a condividere che è il principale scopo di appartenenza all’universo. Per fortuna che l’atto artistico è sempre un atto sacro e quindi rivolto all’eternità. Un aspetto non trascurabile che ci fa vivere in una dimensione che oltre ad annullare il concetto di tempo annulla i limiti che artificialmente impediscono il nostro vivere.

Ostacoli spesso creati per aiutarci a superare i limiti dell’ovvio, del convenzionale. Limiti che ci vogliono non creativi ma solo succubi del non pensare. Per fortuna che qualche artista esiste ancora e i suoi sogni diventano i nostri.

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ANNUS HORRIBILIS

Art is an act of courage of a today that is already tomorrow.

That tomorrow of which the Covid-19 has questioned, making us prisoners of fear, anxiety but above all of a short day. Too short. In fact, we think about surviving by giving up all those psychological functions that help us to share that is the primary purpose of belonging to the universe. Fortunately, the artistic act is always a sacred act and therefore aimed at eternity. A not negligible aspect that makes us live in a dimension that in addition to nullifying the concept of time cancels the limits that artificially prevent our living. Obstacles often created to help us overcome the limits of the obvious, of the conventional. Limits that take us not creative but only succubi of not thinking. Luckily

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Qedim Bacci

“ Grafico e Maestro d'Arte”

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Nasce in Toscana a Volterra nel 1992, sviluppa fin da subito una buona capacità creativa intervenendo su quello che la circonda; cuce piccole agende, dipinge su vestiti, disegna i libri del padre e persino le mura di casa. Anche quando frequenta il liceo Classico il disegno en plein air l'accompagna per tutti i cinque anni di studio. Dopo il Liceo s'iscrive al corso di Decorazione dell'Accademia di Firenze, ma poco dopo prevale un'altra sua grande passione così si iscrive all'Università per Stranieri di Siena a Lingue e Cultura Araba, dove consegue il primo livello di Arabo. Riaffiora però l'interesse per l'arte e così sarà la città d'acqua ad ospitarla, dove per tre anni frequenta il corso di Grafica d'arte tradizionale col professor Andrea Serafini, nel Biennio invece si sposta a Grafica sperimentale con Jacopo Abis. Le interessa la riproducibilità dell'opera, ritiene che questa sia il motivo per cui è nata l'arte: comunicazione a un pubblico più ampio e non soltanto con quell'élite che maneggia l'arte per appenderla in salotto e farla vedere agli ospiti. Nell'ottobre 2017 completa i 5 anni di studio laureandosi con la tesi "ILSOLE NERO/ La cerca dei tesori negli Inferi", un libro di oltre 100 pagine interamente rilegato a mano con copertina a tiratura singola, accompagnato da una cartella per ognuno dei 5 capitoli di 7 stampe tra xilografia, litografia e calcografia a tiratura singola, riferite ai soggetti dei testi e altri 5 libri d'artista di sole immagini e poche righe in metrica classica. Il tema dei percorsi iniziatici, dei passaggi tra vita e morte, i rituali funerari e l'oltretomba sono tematiche che l'accompagnano in ogni sua ricerca, in ogni suo studio e le sue creazioni. L'anno successivo alla Laurea è stata collaboratrice esterna per il corso di serigrafia presso l'Accademia di Belle Arti di Venezia e ha collaborato con il Laboratorio di stampa indipendente Lab for Print 43.

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ANDIAMO OLTRE

Come si sa le idee e i progetti vanno e vengono, ma poi ci sono quelli su cui alle volte ci soffermiamo, riempiendoli di ambiziose fantasticherie; dopo le buone idee restano e si sviluppano, si scremano di chimere e toccano la Terra: ed è lì che nasce il Progetto SurVivArt, da quando le chiacchiere si sono fatte spazio tra i lumini della logica!

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Come ogni novità non sappiamo mai come iniziare, cosa proporre, come è meglio muoversi e così, tirando avanti con i tempi ci siamo ritrovati in piena pandemia a pensare sul da farsi e lì, nel Caos, tutto è stato più chiaro. Di cosa avevano bisogno tutti quei “simpatici irrazionali che contribuiscono a creare la cultura”, chiusi da un momento all’altro a blaterare col proprio sé tra quattro mura!?

Un punto di riferimento, di sfogo, un mezzo per incanalare la loro espansione immaginaria e, con le mostre saltate e le Gallerie chiuse, i contatti esterni ridotti al minimo, eccoci qua, a proporre una novità: riscrivere la Storia dell’Arte dal 2020, archiviare le voci e le immagini di tutti coloro che credono di essere singoli, soli nel loro pensare.

SurVivArt vuole riproporsi come archiviazione degli artisti e delle arti senza porre alcun limite a questi due concetti, ormai esasperati da troppi intenditori dai titoli altisonanti. Così, periodicamente vi proponiamo queste pubblicazioni online a dimostrazione che, anche adesso nell’emergenza non possiamo e non vogliamo vivere soltanto di doveri e vincoli.

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GO BEYOND! As you know, ideas and projects come and go, but then there are those we sometimes dwell on, filling them with ambitious reveries; after the good ideas remain and develop, they are skimmed with chimeras and touch the Earth: and this is where the SurVivArt Project was born since the chatter found its way into the lights of logic!

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Like any novelty, we never know how to start, what to propose, how it is best to move and so, moving forward with the times we found ourselves in the midst of a pandemic thinking about what to do and there, in the Chaos, everything was clearer. What did all those "nice irrationals who help create culture" need, silent at any moment to chat with themselves within four walls !? A point of reference, an outlet, a means to channel their imaginary expansion and, with the skipped exhibitions and the closed Galleries, the external contacts reduced to a minimum, here we are proposing something new: rewriting the History of Art from 2020, archive the voices and images of all those who believe they are single, alone in their thoughts.

SurVivArt wants to re-propose itself as an archive of artists and arts without placing any limits on these two concepts, now exasperated by too many connoisseurs with high-sounding titles. Therefore, we periodically propose these online publications to show that, even now in an emergency we cannot and do not want to live only on duties and constraints.

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OMAGGIO A

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K.B. Rossetto

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Risparmio dell’Associazione Casse di Risparmio Italiane per un manifesto con esposizione a Roma e Treviso. Dal 1967 si è dedicato esclusivamente alla pittura ed all’arte calcografica. Servendosi di varie tecniche, propone una pittura concettuale.

Di lui si sono interessati qualificati critici, italiani ed esteri. E’ stato uno dei fondatori del Gruppo Artisti Veneti, poi U.P.F. (Unità Pittorica e Formale), con il quale ha esposto in varie mostre itineranti in Italia e all’estero.

Sue opere sono esposte in vari Enti pubblici e privati, tra i quali: Municipio di Creil (francia), Museo Sebenico (Ex Jiugoslavia), Biblioteca Comunale di Cavarzere, Biblioteca Comunale di Resana, Comune di Scorzé, Comune di Noale, Comune di Venezia, Fundacion Fernando Quiñones – Cadice (Spagna), ecc.

Ha eseguito le vetrate della Chiesa di San Paolo di Mestre, proponendo la Genesi in chiave simbolica per complessivi mq24. Un suo murales di 8,5 mq è presente a Bordano, Il Paese delle farfalle, (Udine).

Al suo attivo ha circa 250 collettive e 50 mostre personali. Tra le ultime personali si ricordano: Torre Civica di Mestre 2008; Banca Fideuram di Mestre e Galleria Luigi Sturzo di Mestre nel 2009 / Polveriera

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Rossetto Franco, in arte K.B.Rossetto, è nato a Tarvisio (UD) nel 1938 ed è deceduto a Venezia-Mestre il 29 gennaio 2014. Ha conseguito il diploma di Maestro d’Arte presso l’Istituto Statale d’Arte di Venezia nel 1957. Ha avuto come insegnanti i Maestri Carlo Dalla Zorza, Mario Dinon, Mario Pellarin e Mario Disertori, rispettivamente per la grafica, cartellonistica, arte decorativa e figura.

Il prof. Dinon lo ha voluto nel suo studio per perfezionare le varie tecniche calcografiche e pittoriche. Qui ha conosciuto vari artisti, fra questi Tancredi Parmeggiani, con il quale ha collaborato su opere calcografiche.

Nei primi anni dopo il diploma, ha prodotto cataloghi, copertine, manifesti, e partecipato a concorsi nazionali ottenendo vari riconoscimenti. Ha esposto alle collettive dell'Opera Bevilacqua La Masa di Venezia negli anni 1956, 57, 58, ed ha vinto il concorso per la copertina del catalogo del 1967, con la pubblicazione della stessa.

Diversi i manifesti pubblicati, tra i quali “Il problema di Venezia” del 1962; manifesto riprodotto per il convegno “The artists workshop” svoltosi alla Fondazione Giorgio Cini di Venezia; la Giornata mondiale del

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Le Courrier de l’Oise (Francia), Le Parisien (Francia), RevistaAtlantica (Spagna), Secolo d’Italia, Voce dell’Istria, Messaggero di Udine, La Voce di Mantova, Il Friuli, Campo De Agramante (Spagna). E’ intervenuto a diverse interviste radiofoniche, tra cui: Antenna 3, Grande Italia TV, Rai 3, Radio Cortina, Radio Giornale del Veneto, Radio Mestre Centrale, Teleregione, Telenova, Televallissima, Televenezia, ecc.

Figura nei due cataloghi delle esposizioni dell’Opera Bevilacqua La Masa 19081993, nel catalogo “100 Anni di Collettive” della Fondazione Bevilacqua La Masa, e in quello “Artisti Veneti” della Rizzoli. La documentazione della sua attività figura presso l’Archivio Storico per l’Arte Italiana del Novecento KUNSTHISTORISCHES INSTITUT di Firenze.

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Napoleonica di Palmanova; Istituto Statale d’Arte di Venezia; Villa Giustinian Morosini di Mirano nel 2010; Spazi Bomben Fondazione Benetton di Treviso nel 2011.

E’stato membro di giuria in diversi premi di pittura, ed ha partecipato a vari seminari sulle tecniche pittoriche e dell’incisione calcografica.

Ha realizzato la copertina di molti libri, ed ha illustrato undici volumi della moglie Laura Pierdicchi. Nell’anno 2007 ha pubblicato la sua opera monografica.

Numerosissime le recensioni in quotidiani e riviste, con relative pubblicazioni di sue opere. Si ricordano: Aidanews (Svizzera), Arte News, Caleta (Spagna), Corriere Veneto, Diario de Cadiz (Spagna), Il Gazzettino, Il Gazzettino Illustrato, Il Resto del Carlino, La Notte, La Nuova Venezia, La Provincia di Como, La Serneta (Spagna), La Vernice,

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K. B. ROSSETTO Il primo impatto con la pittura di K.B. Rossetto rivela la tensione creativa dell’artista, proteso a ricercare nella realtà quella cifra metamorfica, che la fa lievitare verso azzardi formali, capaci di sconfinare nell’astrazione. In effetti la concretezza dell’esistente è ben leggibile anche quando il quadro compositivo si complica di situazioni, in cui le cose sembrano aver perso il dato della propria fisicità ed evaporare in un contesto incorporeo, dove sono possibili incastri e sovrapposizioni, innesti e abbinamenti a volte sorprendenti. È il risultato di un processo che frammenta gli oggetti considerati e ne ricombina le porzioni in un ordine di strutture prismatiche, quasi la metafora del mondo odierno, distinto in una miriade di brani che fluttuano in uno spazio (quello della storia e della cronaca), fino ad approdi in cui mostrano di aver perduto la fisionomia d’origine e di aver assunto determinazioni lontane dai punti di avvio. Il repertorio di requisiti messi in atto da K.B. Rossetto parlano di un segno che viaggia lungo linee strategiche precise e genera un dinamismo di fondo in una sorta di architettura dell’“altrove”, con cui l’artista invita il fruitore a entrare nel gioco di interpretazione per decifrare il bandolo di una matassa che si può dipanare in più direzioni. Il quadro presenta sempre uno o più elementi che, a figura intera, incarnano il perno concettuale attorno a cui ruota il senso di tutta l’opera, dislocata talora in un reticolo di tratti che le fanno assumere una parvenza labirintica. L’occhio dell’osservatore è attratto in questo dedalo compositivo dove il colore, nelle sue variegazioni dettate da una squisita adesione a norme cromatiche personali, attutisce e annulla l’idea eventuale dello smarrimento nelle articolazioni pulsanti della superficie.

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Enzo Santese

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Composizione Acrilico e pastelli ad olio su carta 39,5 x 51cm

Concerto Olio su tela 180 x 215 cm

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Composizione- Frammento Tecnica mista su tavola 20 x 20 cm

Composizione- Frammento Tecnica mista su tavola 20 x 20 cm 34

Composizione- Frammento Tecnica mista su tavola 20 x 20 cm

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...Ricordo a questo proposito una divagazione di Octavio Paz, nel suo aureo libro su Duchamps, a proposito dei titoli dei quadri e che cosa significa metterli o non metterli. Ci sono infatti dei titoli che fanno parte del quadro, lo completano, ed altri che semplicemente lo spiegano, ed altri che fanno questo e quello. Insomma, Franco Rossetto di solito non mette i titoli. E il perché è semplice: pensa che i suoi quadri non ne abbiano bisogno, o meglio che non debbano avere bisogno del titolo per lo stesso motivo per il quale non parla della sua pittura, dato che questa basta, o deve bastare, a sé stessa. E in questo comportamento è evidente l’etica professionale dell’artista.

E’ da aggiungere che Franco Rossetto ha una straordinaria abilità tecnica, penso istintiva, e una grande competenza, ovviamente acquisita con lo studio e l’esercizio della professione, una straordinaria padronanza delle intenzioni dell’arte, e della storia dell’arte e (cosa rara) delle sue tecniche, e tutto questo gli permette di usare queste tecniche, le più disparate, e di variare le strategie e le stilistiche. Io credo che sarebbe capace di fare un Piero della Francesca, un Canaletto o un Pollock, e qualche critico vedendoli li aggiungerebbe ai rispettivi cataloghi...

Bruno Rosada 35

...Per Rossetto dipingere è affrontare un coraggioso corpo a corpo con la realtà, aprire con fatica e coraggio un sentiero alla rappresentazione. E come il previdente esploratore si dota degli attrezzi per affrontare la foresta vergine e il deserto, così Rossetto ha acquisito sin dalla sua giovanile passione per l’arte solidi strumenti per il cammino successivo, con un talento istintivo affinato con il tirocinio di scuola e il mettersi ben presto in competizione. Valgano a riprova gli studi di mani – ah, le mani, croce e delizia dei pittori – e la partecipazione sullo scorcio degli anni Cinquanta del Novecento, non ancora ventenne, alle Collettive della Bevilacqua La Masa di Venezia.

A quella prima formazione, legata anche alla ricerca grafica, va attribuita pure l’abitudine a selezionare con lo sguardo: è proprio del grafico infatti separare il singolo oggetto fino a ipostatizzarlo e assolutizzarlo. Nella tela Rossetto dispone pochi e distinti elementi, non più raffigurati secondo la tradizionale collocazione orizzontale su cui corre lo sguardo, abituato a cercare una prospettiva che dia profondità all’immagine; gli oggetti si trovano ora su un piano verticale, in modo da offrirsi alla vista simultaneamente presenti, come se il nostro occhio si fosse posto non di fronte alla realtà, ma al di sopra. Fuori della tela rimane così l’effimero, il secondario, il transeunte, caduto oltre, al di là della visione, mentre il quadro vibra di straordinaria condensazione cromatica. Il tratto distintivo più forte della ricerca espressiva di Rossetto risiede proprio nella capacità di scegliere ed isolare i propri soggetti, che assumono la loro responsabilità attraverso l’unicità che si assomma all’intensità del colore. Ma anche i toni più accesi e più luminosi nascondono un fondo sepolto di opacità, che rimanda alle nostre vite, incapaci di sollevarsi dalla greve materialità…

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Tiziana Agostini

Tramonto Olio sabbiato su tela 150 x 200 cm 36

Emanuele Horodniceanu

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Composizione Acrilico su carta intelata 124 x 103 cm

...Una pittura mai conclusa, né appagata, pronta a rimettersi in viaggio, ad andare avanti e tornare sui propri passi, scoprendo e rivisitando luoghi e cose, circumnavigando l'arcipelago dell'astrattismo, del geometrico e del gestuale, del cubismo, del figurativo, del concettuale… Franco Rossetto non si è mai posto un traguardo, un punto d'arrivo: a spingerlo - in oltre cinquant'anni di carriera - è sempre stata la curiosità, la voglia di conoscere e sperimentare, di provare nuove soluzioni formali e cromatiche, facendo convivere istinto e razionalità, irrequietezza e compostezza, colore e segno. Paesaggi, nature morte, interni, elementi della natura, figure femminili, temi sacri, sono i soggetti protagonisti di una ricerca che ha trovato elaborazioni ed esiti sempre diversi, temi recuperati, ribaltati, ricuciti, rivissuti e riattraversati scomponendo e ricomponendo le forme, rivisitandole seguendo una "necessità" espressiva che si manifesta, di volta in volta, con differenti modi e maniere. Un'operazione artistica di recupero "storico" e al contempo di rottura, di adesione e di fuga da questo o quell'ambito pittorico…

Paesaggio - Frammento Tecnica mista su tavola 20 x 20 cm

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Bagnanti Olio su tela 150 x 150 cm

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...Contemplare i quadri più recenti di Franco Rossetto ha il sapore di un ascolto musicale: la partitura dei suoi “interni con strumenti” rispetta l’ortodossia costruttiva, con un uso sapiente del colore campito – pazientemente, a strati e velature contrapposte - , con la consueta felice aggressività del tratto; eppure, all’improvviso, la visione deraglia, si distorce, si emancipa dissonante, si effonde in una bruciante cascata di accordi vaganti, urla come un assolo acuto ed irraggiungibile. Più che un intervento di scomposizione del reale, l’opera di questo artista integrale ed intransigente, coraggioso, è atto di demiurgo: da sempre Franco – che ha attraversato cocciuto un cinquantennio di tendenze e mode rimanendo fedele alle proprie serissime pulsioni – fa quadri per costruire il mondo, e lo fa per rapporti di forze, accettando che l’immagine si sostituisca alla rappresentazione. Di più, è l’immagine ad inventare una presenza…

Francesca Brandes

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SurVivArt Project

CATALOGO INTERNAZIONALE D'ARTE

LA STORIA DELL'ARTE DAL 2020

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A R T I S T I

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Abbiezzi Silvia silvia.abbiezzi@fastwebnet.it

www.abbiezzisilvia.it

Silvia Abbiezzi è nata nel ’66 a Milano dove vive e lavora. La sua opera si distingue per una marcata tendenza alla sperimentazione che si esprime attraverso l’impiego di tecniche e materiali di vario genere, preferibilmente oggetti di recupero. Premiata in concorsi nazionali e internazionali ha esposto in Italia e all’estero. Nel 2020 ha partecipato alle collettive “Domani In Arte”, Galleria d’Arte Moderna (Roma), “La Corona”, Mutual cultural Círculo Italiano Joven Italia, (Miramar, Buenos Aires, Argentina), “Acqua bene comune”, Ca' dei Bossi, (Biassono, MB). Pubblicazioni recenti.

Speciale Arte e illusione. Da Arcimboldo a Salvador Dalì e i contemporanei” di Sevagian Haiganusc Arpiné - ed. Studio d’Arte e dintorni (2020), Biancoscuro, Numero 33 (aprile/maggio), ed.

Biancoscuro (2019).

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Dalla serie “I’m in smart working”, questa mini scultura, chiaro riferimento all’arte concettuale e al “readymade”, è realizzata a casa, in tempo di isolamento a causa del Coronavirus. Il soggetto è esplicitamente un insieme di simboli, in quanto l’uovo è uno dei pochi emblemi universali da reputarsi all’origine della vita, cellula primordiale e figura della vita in formazione. La corona, segno di dignità, con le spine acquisisce un significato di sofferenza ma rimanda anche, secondo la cultura cattolica, a un regale segno di salvezza. Le spine acuminate della rosa (assente) ne proteggono la bellezza, rappresentano la difesa, e la guarigione.

Corona visus - 01, 2020

guscio d’uovo e spine di rosa con colla vinilica scultura-ready made 40

Alberti Isacco Isacco Alberti nasce nel 1993 a Este (PD) e lì frequenta il Liceo Scientifico Tecnologico all’istituto ITIS Euganeo. Nel 2012 ottiene il diploma e s’iscrive all’Accademia di Belle Arti di Venezia dove consegue il diploma di primo livello in Grafica d’Arte nel 2015 e di secondo livello nel 2018 con una tesi di anatomia artistica intitolata “Ouranosaurus nigeriensis, Studio Anatomico-Artistico di un Dinosauro Iguanodontiano” dedicata alla ricostruzione di un dinosauro esposto al Museo di Storia Naturale di Venezia.

Nell’estate dello stesso anno espone il suo lavoro assieme ad altri studenti dell’Accademia nelle sale del museo e intraprende un viaggio di due mesi in Australia per esplorare gli ecosistemi e le forme di vita del continente girando il documentario “Australian Expedition” pubblicato sul suo canale You Tube. Negli anni successivi collabora con alcune istituzioni scientifiche come CNR Ismar e Science Gallery Venice.

Attualmente fa parte dell’Associazione Padovana Acquariologica Erpetologica e svolge l’attività di insegnante, grafico e disegnatore occupandosi di illustrazione scientifica e paleoarte.

Albertosaurus sarcophagus, 2020 Matita su carta 297 x 210 mm.

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isacco.alberti@hotmail.it bIsacco Alberti projects

Tethyshadros insularis, 2020 Matita su carta 297 x 210 mm.

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"Ho da sempre fatto delle immagini e del disegno il mezzo per capire la natura unendo arte e scienza per parlare agli altri, comunicare e comprendere."

Hypsilophodon - A Suspicious Shadow, 2020 Acrilico e matita su carta 420 x 297 mm

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Alegiani Lucia coloridautunno@gmail.com

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Lucia Alegiani vive e opera a Roma.

Da sempre appassionata d’arte, nonostante i suoi studi di orientamento economico, intraprende la sua formazione pittorica in vari studi d’arte di stimati pittori romani, dove inizia ad arricchire la sua esperienza coloristica e a esprimere la sua creatività. La sua produzione artistica, dopo varie esperienze di pittura a olio, è attualmente rivolta alla realizzazione di opere ad acquerello e a china.

Ed è proprio nei lavori a penna, tecnica prediletta dell’artista, che traspare tutto il suo mondo poetico spesso velato di soffice malinconia. Pittrice di grande sensibilità a partecipato a varie mostre collettive, conseguendo numerosi riconoscimenti.

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tuuhnL Il giardino del melograno (work in progress) olio su tela 100*100*2 45

Arduini Raiquen Arduini Mirta Lucia, Nata a Corrientes(Argentina)-Italo-Argentina, abita a Monfalcone (Gorizia)Italia.

Nel percorso istruttivo superiore ha imparato certe tecniche in disegno, ed altre nei sue due anni di architettura. Non le piace parlare d'arte, senza identificarla con il mondo,l'integrazione dei popoli.

La psicologia, la sociologia, l'antropologia, la geografia,la storia,soprattutto la terra,la donna e gli emarginati, l'animo umano, dove è la nascita vera del arte.

Ha in attivo concorsi e mostre riscuotendo notevoli consensi di critica e pubblico. Le sue opere sono pubblicate su prestigiose riviste e cataloghi d'arte ,casa d'aste e recensite da illustri critici.

MOSTRE Castello di Marostica con Massimo Tegon • 2019-Mostra a Matera città della cultura con Giorgio Grasso -Critici d'arte:Maria Paladino e Giada Tarantino.

• 2019-Mostra New York .Premio Citta New York. Con Critico d'arte Sandro Serradifalco.

• 2019-Mostra MUSEO Sciortino di MonrealePremio "Star dell'anno".

• 2019-Batuta d'Asta. Casa d'ASTA ARTVALUEPRINCE ART. • 2019-Mostra a Milano- Con lo storico Giorgio Grasso.

• 2019- Mostra PERSONALE patrocinata dal Comune di Monfalcone(GO)-in Palazetto Veneto presentata dallo Storico e Critico Giorgio G. Grasso.

• 2019- Biennale Internazionale di Atene-Grecia, Istituto di Cultura Italiana ad Atene,Artetra,SEPI e Società Dante Alighieri.

• 2019-Mostra "Humanizing the icons" Prof.e critico Giorgio Grasso e Critico d'arte Maria Palladino • 2019- Mostra Art Paris 2019-Le Marais-Francia • 2019- Mostra La democrazia nell'Arte-La fabbrica del vapore-Milano. Con lo Storico e critico d'arte Giorgio Grasso,Giada Tarantino e

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• 2020-Mostra colletiva International Contemporary Art Venezia-a Venezia con il Prof.Giorgio Grasso • 2020-Mostra concorso New York.Contest Covid-19 • 2020-Mostra a Milano con il Prof.Giorgio Grasso e maria Palladino.

• 2020- Mostra a Venezia in Venice Art Gallerycon il critico Giorgio Grasso.

• 2020- Mostra Colletiva ELLE Galleria di Andrea Lucchetta con la presenza del prof.Vittorio Sgarbi.

• 2020 Mostra Personale patrocinata dal Comune di Monfalcone(GO) • 2020- Fiera Art festival show con Massimo Tegon.

• 2020-Mostra Accademia Internazionale di significazione di Poesia e Arte.Roma • 2020-Mostra con Art Value in Frankfurt 2020co Byblos.

• 2020- Mostra a Parma Capitale della cultura con Giorgio Gregorio Grasso • 2020- Mostra a Sicilia con Lo storico e critico d'arte Giorgio Gregorio Grasso • 2020- Fiera INNSBRUCK con Artetra.

• 2020 Biennale Ville Venete”Gli alfiere del arte”46

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contemporany art.

2018- Mostra "Mondiale del Arte"San Pietroburgo e Mosca(Russia)- a cura Salvo Nugnes e Prof.Vittorio Sgarbi.

2018-Mostra In contemporanea alla Biennale di Architettura di Venezia, presso Galleria AccorsiArte-Critico d'arte Vulcano.

2018-Mostra a Londra"London Art Prize"Great Master-Brick Lane Gallery. Prince Group-Veronica Nicoli-Armando PrincepeSonia 2018-Mostra a Venezia Mestre"Galleria D'EM Venice Art Gallery con Marco Dolfin Critico d'arte 2018-Mostra a Monreale"Van Gogh multimedia experience con i critici Josè Dali ,Paolo Levi e S.Serradifalco.

2018- Mostra Internazionale Venezia "Scuola Grande San Teodoro". Associazione Eclettica word. Direttore GiulianoOttaviani 2018-Mostra a Bologna "Palazzo Farini".

Curatrice-Nadine Nicolai- Critico d'arte Giorgio Grasso.

2018- Mostra Mestre. "Nuove Espressioni" Galleria D.E.M con presenza del critico Siro Perin.

2018- Mostra Venezia "Arte senza tempo" Galleria San Vidal- Con Presenza dei critici D ott.Vulcano Giorgio e Bogliolo Francesca.

2017- Mostra a Mestre "Arte International Visions" DEM.veniceartgallery- curata dal Prof.Sgarbi 2017- Mostra a Bologna diArte contemporanea "Amore che tutto move" Galleria Wikiarte - a Cura delle Dott.Francesca Bogliolo e Diana Cardaci 2017- Mostra “57 esposizione d'arte internazionale La Biennale di Venezia 2017” Palazzo Albrizzi-Sede Padiglione di Guatemala.

2017 – Mostra “Confini” Galleria ELLE”Treviso.a cura del Critico Siro Perin.

2017 – Mostra”In camino verso l'arte”Galleria “Arte & Cultura in Laguna” Treporti - Cavallino(VE). A cura Prof, Giorgio Grasso, Prof.ssaFrancesca Bogliolo – Inseg. Claudio Rorato e Presidente Della Assoc. Giorgio Baldisera.

2017 – Mostra del piccolo formato. Smoll is Better.Roma.

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Maria Paladino.

2019Mostra Spazio M'Arte-La pittura figurativa a Brera-MilanoCon lo Storico e critico d'arte Giorgio Grasso,Giada Tarantino e Maria Paladino.

2019-Mostra Lisona-Galleria Natalia BromicioPremio Internazionale Vasco de Gama in contemporanea AR.CO. 2019- Mostra"Lo stato dell'arte nella 58ma Biennale di Venezia "-Palazzo Zenobio- Con lo Storico e critico d'arte Giorgio Grasso,Giada Tarantino e Maria Paladino.

2019- Mostra MUSEO d'arte contemporanea di Monreale-Con i critici d'arte Sandro Serradi Falco e Leonarda Zappulla.

2019-Mostra a Spagna-Galleria Gaudi-Premio InternazionalVelazquez, in contemporanea AR.CO 2019--Fiera ArtNordic -con Eccletica 2019-Mostra a Praga"Biennale Internazionale Praga -Istituto della cultura Italiano.

2019- Batuta d'ASTA. ARTVALUE-Casa d'ASTE GIGARTE.Archivio internazionale delle Arti Contemporanea.

2018-Mostra Arte e Cinema 75°Biennale di Venezia 2018- Palazzo Zenobio- a cura del Critico d'arte Giorgio Grasso,Giada Tarantino e Maria Paladino.

2018-Mostra Internazionale"Arte Palermo"Palermo a cura di Sandro Serradifalco, Paolo Levi e Philip Daverio.

2018- Mostra "3° biennale di Spoleto" Galleria Ass.culturale Eclettica Word-Palazzo comunale Spoleto.A cura Giuliano Ottaviani.

2018- Mostra"Premio Modigliani" MUSEO Modigliani-Spoleto a cura di Vittorio Sgarbi, 2018-Mostra Accademia Internazionale di significazione di Poesia e Arte.Roma- a cura dei Critici d’arte: Prof.ssa. Fulvia Minetti, Dott.Renato Rocchi e Antonino Bumbica 2018-Mostra 2° Biennale di Pisa Arte mediterranea- a cura Critico d’arte e giornalista Jolanda Petrobelli.

2018- Mostra MUSEO-Ugo Guidi dei Forte Marmi.

2018- Mostra Selezione biennale 2019 VeneziaRalph Ruldof Galleria Albatros-Parma 2018-Mostra In contemporanea alla Biennale di Architettura di Venezia, presso Palazzo Zenobio International Exhibition of

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in Laguna a cura dei critici d’arte Prof.

Siro Perin, Prof. Giorgio Grasso e Prof.ssa.

Francesca Bogliolo.

2016 – Mostra internazionale”Arte Expo New York” ArtAvita.

2015 – Mostra “International exhibition of contemporary art”.Venezia in contemporanea alla biennale.Grand’art. Galleria San VidalVenezia 2015 - Mostra -ART IN WORD2015 - Mostra on line “Expo-milano 2015” 2014 - Mostra “Artisti in Vetrina” -TorinoNatale. Art Expo.

2015 - Premio Lynux 2020-–Concorso -Biancoscuro Context2020-Concorso”Accademia Internazionale di significazione di Poesia e Arte. Critici d’arte: Prof.ssa. Fulvia Minetti, Dott.Renato Rocchi e Antonino Bumbica 2020-Pubblicazioni TV Odeon e da tutti i media da Critico d'arte Sandro Serradifalco.

2017 - Concorso”Accademia Internazionale di significazione di Poesia e Arte. Critici d’arte: Prof.ssa. Fulvia Minetti, Dott.Renato Rocchi e Antonino Bumbica 2017 - Concorso - Gran Premio di SavonaCritico Aldo Maria Però 2017 –Concorso -Biancoscuro Context- winter edition 2015 –Concorso Gran premio di Savona.

Critico Aldo Maria Però, Critico d’arte Aldo M. Però 2016 –Concorso internazionale”Arte Expo New York” ArtAvita.

2015 -Concorso “30°Arte Contemporanea” 2015 -Concorso”31° Arte Contemporanea” Ad-Art. 2015 -Concorso “Premio internazionale d’arte contemporaneo” Artprotagonist2015- Artista segnalata dalla giuria internazionale.

2015 -Concorso “Tema libero” LA Quadrata.

2015 - Repertorio Internazionale Artisti Contemporanei-Milano-Venezia-ParigiTorino.YOO-ART 2014 - Concorso “Arte abstratta-informale”.

AD-Art. 2014 -Concorso “Il ritratto nell’arte”. AD-Art.

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• 2017 - Mostra Collettiva “ Arte Milano” Milano.

A cura dei critici d’arte Sandro Serradifalco e V. Sgarbi • 2017 - Mostra Collettiva “Sale del Bramante” a cura dei Critici d’arte: Prof. Mara Ferloni, V.Sgarbi e Arch.Barbara Righetti.

• 2017 - Mostra Collettiva Umbria-”Museo Palazzo Eroli”. A cura dei critici d’arte: Prof.

Francesco Santaniello , Prof.Giorgio Grasso, Dott.ssa.Claudia Sensi e Dott.ssa. Claudia Zaccagnini.

• 2017 - Mostra “Galleria Arttime”-Udine • 2017 – Mostra colletiva “ Il Tempo di Attesa”Galleria La Vaccarella”. Curatore:Renato Costrini-Roma.

• 2017 - Mostra - Gran Premio di Savona- a cura del Critico Aldo Maria Però • 2017 – Mostra Biancoscuro Context- winter edition.

• 2017 – Mostra Biennale di Palermo. A cura dei Critici d’arte P.Levi,V. Dali e S.Serrafialco • 2016 - Mostra Il Sestante-Duino.

• 2016 –Mostra 1° Biennale del'arte contemporanea Pisa “Artemediterranea.

A cura Critico d’arte e giornalista Jolanda Petrobelli. Andrea Ferrante Ass. alla Cultura(Pisa) • 2016 - ”Accademia Internazionale di significazione di Poesia e Arte,Roma. A cura dei Critici d’arte: Prof.ssa. Fulvia Minetti, Dott.Renato Rocchi e Antonino Bumbica • 2016 - Mostra “Contemporanei agli Uffizi”.

Firenze. A cura del Critico d’arte Sandro Serradifalco.

• 2016 - Premio Linx. Mostra Collettiva.Trieste • 2016 - Mostra collettiva "L'Anima tra Eros e Thanatos" - “Galleria La Vaccarella” RomaCuratore: Renato Costrini.

• 2016- Mostra Internazionale-Pariggi.Viena e Roma, a cura di Critico d'arte Paolo Levi.

• 2016 – Mostra 1°Triennale dell’arte contemporaneo di Verona- a cura dei critici d’arte: Paolo Levi,Vittorio Sgarbi e Sandro Serradifalco.

• 2016 - Mostra “ Museo della città di NarniPalazzo Eroli. A cura del Critico d’arte Prof.

Claudia Sensi.

• 2016 - Mostra Collettiva“tema libero” e “Donna e Violenza”- Galleria Arte & cultura in LagunaVenezia (Treporti)-(Arte e Cultura 48

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PREMI • Premio Vasco da Gama.Portogallo-Atellier Bromicio Natali -Lisbona 2019, • Premio Velazquez-Madrid-Galeria Gaudi 2019.

• Premio Alfons Mucha-Praga- Nomina AMBASCIATORE DELLA BELLEZA E DEL GENIO ITALIANO-Istituto Italiano della cultura Praga 2019.

• Premio Great Master Londra-Gallery Brick Lane.2018.

• Premio Internazionale Van Gogh 2018 a Monreale.

• Premio Leone Alato- 57° Biennale di Venezia-Padiglione di Guatemala-2017 • Premio Arte Milano 2017 • Nomina Ambasciatore dell'Arte-Palermo.

2017 • Premio Contemporanei nella CITTA DEGLI UFFIZI 2016 • Premio Internazionale ARTE IMPERO 2016

CRITICA Mi permetto di complimentarmi per quella verve che ho letto in tutta la sua produzione figurativa in cui non mancano rese figurative. Ho visto diverse opere, tutte diverse tra loro, accomunate da cromie intense, fervide come emerge in 'rinascere', 'sentiero', 'dignità', 'energy','Mimmo', 'Cosciens' ed altre ancora in cui ho rintracciato energia e grinta in forma grandiosa. Ho percepito uno spirito frizzante che si muove sul supporto con entusiasmo, grazia e pazienza offrendo al pubblico rese di grande impatto

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Anna Soricaro Direttrice della Fondazione Giuseppe De Nittis di Barletta

I dipinti di Raiquen Arduini sono caratterizzati da vivaci e sgargianti cromie e da una particolare stesura del colore che prevede la realizzazione di piccole pennellate a forma di puntini circolari,generando cosi un effetto che ricorda quello dei tasselli di un mosaico.

Critico d'arte Marco Dolfin

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tuuhnL La bambina del vestito blu, olio su tela 60x80 cm

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Amazonas,

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olio su tela 40x30 cm

Emozioni, olio su tela 40x30 cm 51

Mimo,

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olio su tela 60x80 cm

Più in là dei limiti e i sogni, olio su tela 90x80 cm 52

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L'ultimo bacio...ai tempi del covid19, olio su tela 40x30 cm

Energy, olio su tela 90x80 cm 53

tuuhnL La figura danzante se chiama MONICA (violenza sulle donne-in ricordo a una donna uccisa dal marito)

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tuuhnL La Abuela Correntina olio su tela 40*40*2

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Dignità tecnica mista 60*80*2

Deprecion olio su tela 40*50*2

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Barin Flora florabarin@libero.it

"Ho sempre amato il mondo dell'arte pittorica, la considero un'espressione sublime che nobilita ed arricchisce l'animo umano.

Ognuno di noi di fronte ad un'opera può dare una sua personale interpretazione che sia di bellezza, di denuncia, di protesta, di provocazione, di ironia, di segno del tempo in cui è stata eseguita, di emozione.

In quei momenti si crea un intimo filo diretto e la comunicazione diventa viva, si ritrova se stessi."

MOSTRE • •

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Noale 2019 - Collettiva di pittura presso Torre Campanaria Noale.

2019 - AUTUNNO ROSA- collettiva del gruppo "CHIAMIAMOLE EMOZIONI" Villa Guidini - Zero Branco - Tv. 2019 - Collettiva del gruppo "CHIAMIAMOLE EMOZIONI" presso Face Art Bristot - Scorzè - VE 2020 - OTTOBRE ROSA - Collettiva del gruppo " CHIAMIAMOLE EMOZIONI" Villa Guidini - Zero Branco - Tv. 2020 - EXTEMPORE BOCCE &COLORI - presso Bocciofila Terraglio- Mestre.

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• 2007 - L'Estro delle Donne - Villa Orsini - Scorzè -Venezia • 2007 - Allievi laboratori d'Arte di acquerello, disegno, pittura. Scorzè - Villa Orsini.

• 2008 - Allievi laboratori d'Arte di acquerello, disegno, pittura. Scorzè - Villa Orsini.

• 2009 - Allievi laboratori d'Arte di acquerello, disegno, pittura. Scorzè - Villa Orsini.

• 2010 - Allievi laboratori d'Arte di acquerello, disegno, pittura. Scorzè - Villa orsini.

• 2017 - Collettiva di pittura presso Torre Campanaria Noale.

• 2018 - Collettiva di pittura ARTE IN LOGGIA -

E ti vengo a cercare, acrilico su tela- 50x70 cm 57

Belloni Giulio Giulio Belloni è nato a Milano il 17 maggio 1937, vive e lavora a Rho (MI) in Via Lodovico il Moro, 10.

Prima pittore, ora scultore e talvolta incisore: “Ogni opera dell’arte deve attingere alla profondità dello spirito, altrimenti rimane un pezzo di materia senza vita” (Giulio Belloni, Prolusione al corso universitario di Costruzione di Macchine tenuto al Politecnico di Milano). Chiamato all’arte fin da bambino e allievo del maestro pittore vercellese Umberto Amedeo Solaro, seguito al liceo dall’arch. Tommaso Gnone, da cui apprese l’arte dell’incisione, nel 1972 fu incoraggiato a dedicarsi alla scultura dall’amico Fortunato Cecchetti, apprezzato scultore in Rho.

MOSTRE • Il Segno 2010, a cura di Virgilio Patarini, Apollo e Dioniso Edizioni, finalista, Milano, Lug. 2010.

• Mostra Collettiva Terra, Aria, Fuoco, Acqua, Galleria La Pigna, Roma, Apr. 2014.

• Il Segno 2011, a cura di Virgilio Patarini, Apollo e Dioniso Edizioni, finalista, Milano, Lug. 2011.

• Mostra Collettiva Terra, Aria, Fuoco, Acqua, Pinacoteca Arte Moderna Le Porte, Napoli, Giu. 2014.

• Il Segno 2012, a cura di Virgilio Patarini, espositore a Palazzo Zenobio, Venezia, Nov. 2012.

• Mostra Collettiva Terra, Aria, Fuoco, Acqua, Centro Arte San Vidal UCAI, Venezia, Lug. 2014.

• Il Segno 2013, a cura di Virgilio Patarini, espositore a Palazzo Racchetta, Ferrara, Set. 2013.

• Mostra Collettiva Linee Artistiche a Confronto, Galleria d'Arte Anacapri, Isola di Capri, Set. 2014.

• Il Segno 2014, a cura di Virgilio Patarini, espositore a Palazzo Racchetta, Ferrara, Ago. 2014.

• Mostra Collettiva Art Shopping Louvre Carrousel, EA Editore, Palermo, Ott. 2014 • Mostra Collettiva Biennale Internazionale Arte Palermo, Palermo, Ott. 2014.

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• Mostra Collettiva Periodica Gruppo All'Est dell'Eden, Spazio E, dieci mesi , Milano Ott. 2013-Lug. 2014.

• Mostra Collettiva Periodica Gruppo All'Est dell'Eden, Spazio E, dieci mesi, Milano, Ott. 2014-Lug. 2015.

• Mostra Collettiva Periodica Gruppo All’Est dell’Eden, Spazio E, cinque mesi, Milano Feb.Giu. 2016.

• Mostra Collettiva Periodica Gruppo All’Est dell’Eden, Spazio E, cinque mesi, Milano Gen.Mag. 2017.

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• Mostra Collettiva Piacenza Art Festival, a cura di Virginio Patarini, Piacenza, Nov. 2014.

• Mostra Collettiva Associazione Napoli Nostra presso Arte Padova, Padova, Nov. 2014.

• Iniziativa Italia nell’Arte, Itinerario Storico Stilistico, EA Editore, Palermo, Nov. 2014.

• Mostra Collettiva Galleria Giacomo Leopardi, Bologna, Nov. – Dic. 2014.

• Seconda Biennale Palermo Arte Expo, Palermo, Gen. 2015.

• Mostra Collettiva Correnti Artistiche a 2015 Confronto, Pinacoteca Arte Moderna Le Porte, • Mostra Collettiva Arte Jubileum, Roma, mag.

Napoli, Gen. – Feb. 2015.

2016.

• Mostra mini Personale, Galleria La Spadarina, • Mostra Collettiva Museo Levi, Palermo, 9-12 Piacenza, Feb. 2015.

Mar. 2017 • Mostra Collettiva Premio Cristoforo Colombo, • Mostra Collettiva Contemporanei nelle Sale del Galata Museo del Mare, Genova, Mar. 2015.

Bramante, Roma, 23-29 Mar. 2017 • Mostra Collettiva per il Premio Guglielmo II, • Mostra Collettiva Effetto Arte Top Selection, EA Monreale, Palermo, Mar. 2015.

Editore, Palermo 8 Aprile-30 Maggio 2017

• Mostra Collettiva Fra Tradizione e Innovazione, • Mostra Collettiva Bellagio Art Expo, Bellagio la Vita e i suoi Misteri, Galleria La Pigna, Roma, (CO), 30 Apr.- 7 Mag. 2017.

Apr. 2015.

• Mostra Collettiva Biennale Morgana, S. Agata • Mostra Collettiva Da Caravaggio ai Nostri Giorni, Militello, 19 Mag.-30 Giu. 2017.

Piazza del Popolo, Roma, Mag. 2015.

• Mostra Collettiva Scala dei Turchi, Agrigento, 1 • Mostra Collettiva Art Taormina, Taormina, Giu. Lug.-30 Lug. 2017.

2015.

• Mostra Collettiva Summer Exibition, Made4Art, • Mostra Collettiva Eccellenze, Villa Castelnuovo, Milano, 26 Lug.-4 Set. 2017.

Palermo, Lug. 2015.

• Mostra Collettiva Eccellenze Museali, EA • Mostra Collettiva Una Vita per l’Arte, Firenze, Editore, Palermo, 12-23 Set. 2017.

Lug. 2015.

• Mostra Collettiva Biennale Internazionale • Mostra Concorso Collettiva Passato Presente Mantova, con targa, EA Editore, Mantova, 4-11 Futuro, Galleria La Spadarina, Piacenza, Lug. Nov. 2017.

Madre, 2020

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scultura a tutto tondo in marmo di Crevola, 80x47x30 cm

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• Mostra Collettiva S. Leonardo, Cannaregio, Venezia 23-27 Nov. 2017.

• • Mostra Collettiva Premio Internazionale Brunelleschi, con targa, Firenze, 19-21 Gen. 2018.

• • Mostra Collettiva Venezia Art Expo Exibition of Nations, Venezia 16-19 Mar. 2018.

Lug. 2018.

Mostra

Collettiva

“Transizioni”,

Galleria

Esse&rre, Porto Turistico Roma, 21-31 Lug. 2018 Mostra Collettiva “Mi Fido di Te”, EA Gallery, Palermo, 25 Nov. – 29 Dic. 2018

• Mostra Concorso Collettiva 2019, Galleria La • Mostra Collettiva “Infiniti Mondi”, Galleria La Spadarina, Piacenza, Dic. 2018 – Mar. 2019 Pigna, Roma, 6-16 Apr. 2018.

• Mostra 3° Biennale d’arte Barcellona, 5-7 • Mostra Collettiva “Arte Libera tutti”, Arte

Aprile 2019

Borgo Gallery, Borgo Vittorio, Roma, 22 Giu –7

PREMI • Premio Guglielmo II con targa, Monreale, Palermo, 2015 • Premio Cristoforo Colombo, Galata Museo del Mare, II con targa, Genova, 2015 • Premio Internazionale Mazzullo con targa, Taormina, 2015 • Premio Una Vita per l’Arte con targa, Galleria Centro Storico, Firenze, 2015 • Premio Internazionale Cultura con targa, EA

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Editore, Serradifalco, Palermo, 2015 Premio David del Bernini con targa, Lecce, 2015 Premio Artista dell’Anno 2015 con targa, Palermo, 2016 Premio Internazionale Leonardo da Vinci con targa, Firenze, 2016 Attestato L’Isola che c’è, Protagonista a Hollywood, 1° Premio Internazionale Cultura, Palermo, 2016

Andromeda, 2020

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scultura in terra cotta bianca su struttura di acciaio, 43x28x28 cm

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Cristo nel Sepolcro, 2020 scultura in terra cotta su lastra di acciaio, 35x35x7 cm

• Premio Internazionale Brunelleschi, con targa, EA Editore, Firenze, 2018 • International Prize Cristoforo Colombo, con targa, EA Editore, Genova, 2018 • Primo Premio Arte Palermo, EA Editore, Palermo, 2018 • Premio Internazionale Raffaello, EA Editore, Bologna, 2018 • Premio Artista dell’anno 2019, Effetto Arte, Palermo, 2019 • Premio Internazionale Michelangelo, Art Now, Roma, 2019 • Premio della Critica, Art Now, Palermo, 2020

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• Premio Protagonista a Hollywood, con targa e pergamena, EA Editor Palermo, 2016 • Prima Edizione Premio Tiepolo, con targa, Milano, 2016 • Trofeo Internazionale Arte Impero, con recensione e targa, EA Editore, Palermo, 2016 • Premio Contemporanei nella città degli Uffizi, con targa, Firenze, 2016 • Premio Grande Maestro 2016, con targa, Palermo, 2016 • Premio Arte Milano, EA Editore, Milano, 2017 • Premio Berlino, EA Editore, Berlino, 2017 • Premio Internazionale Paolo Levi, EA Editore, Palazzo Clerici, Milano, 2017

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CRITICA Ripetizione e variazione della realtà. La scultura di Giulio Belloni è racchiusa in questo movimento di duplicazione e contestualmente di differenza rispetto al reale. Un processo che trova il suo apice nell’incontro dell’esistente con la natura esploratrice dell’artista. Infatti lo scultore di origini milanesi sembra muoversi attraverso un impulso irrefrenabile che lo conduce verso l’essenza, agendo in accordo con la propria mano alla ricerca del vero nel mondo. Un mondo che subisce nel mentre il ruolo demiurgico del pensiero e dell’istinto artistico di Belloni il quale, nel soffermarsi a indagare e riflettere sull’esistente, nell’osservarlo e nominarlo, contribuisce egli stesso a definirlo. Si sente l’epidermide di Giulio Belloni protesa verso l’altro da sé in un tentativo di estrema sintesi e comprensione quando ammiriamo le sue sculture che, meravigliosamente, tendono verso la purezza e l’elevazione, come a voler sconfiggere le leggi della fisica. I limiti rappresentati dai confini corporei dell’artista vengono travalicati nell’istante della manifestazione fisica della creazione, esito di una ricerca della perfezione che mira ad esprimere il tutto.

quasi “grezzi”, nella loro purezza, i materiali che utilizza e dando vita così, con pochi ma decisivi tratti, a forme sintetiche che, nella loro semplicità, vengono innalzate ad una elegante nobiltà. Egli stesso dirà che “lo scultore è colui che scopre la verità trascendente nell’interno della materia che contiene potenzialmente l’idea” ricollegandosi ad un filone di pensiero antichissimo, quello della disputa delle arti, che indusse anche Michelangelo ad affermare che la scultura è la più nobile delle arti perché si fa “levando” distruggendo la materia, anch’egli persuaso che l’immagine sia fin dal principio contenuta nella materia e che il compito dello scultore è quello di liberarla”.

Redazione, Rivista As Art, Bologna

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Il suo talento rende unico un linguaggio espressivo che possiede la preziosa dote della comunicatività.

La creatività è la forza motrice della sua arte che permette di realizzare opere pregevoli, riproducendo le emozioni di una realtà ispiratrice.

Arte ricercata, che contempla ed esalta la bellezza regalandoci autentici attimi di pura poesia. Ogni opera è caratterizzata da una perfetta armonia Lara Nuvoli, Critica a Giulio Belloni in occasione compositiva, frutto di un’attenta maestria tecnica della mostra “Infiniti Mondi”, Galleria La Pigna, affinata con lo studio e l’esperienza.

Roma, 6-16 Apr. 2018 Paolo Levi, Premio Internazionale nelle Stanze del Scultore poliedrico, Giulio Belloni realizza le Tiepolo, Milano, Nov. 2017. prime opere in legno, sperimentando in seguito la terracotta, la pietra e soprattutto l’acciaio “Ogni opera dell’arte deve attingere alla profondità materiale duttile dalle molteplici sfumature e dello spirito, altrimenti rimane un pezzo di materia dalle splendide luminosità. La luce è essenziale senza vita”. Sono le parole del Maestro Belloni, e parte integrante dell’arte. Fa risplendere le un manifesto artistico evidente. La sua arte nasce opere e rafforza il senso di bellezza e completezza dall’introspezione e si rivela al fruitore in tutta la dell’opera. Sperimentazioni che si ergono nello sua potenza espressiva. Portatrice della magia spazio alla ricerca di significati nuovi e linguaggi creativa della scultura, doma la materia, la plasma attuali, stanno ad indicare stati d’animo e desideri e le dà vita. Nasce così un dialogo profondo facenti parte dell’intuizione dell’artista. tra i personaggi e lo spettatore, fatto di parole rivelatrici dei loro intenti e dei loro sentimenti.

Paolo Levi, Primo Premio Arte Palermo, Effetto Arte, Palermo, Luglio 2018.

Dino Marasà, Polychromia International, Palermo, Dic. 2017.

Rispettoso della materia, la plasma lasciando 62

tuuhnL La gara, 2020

scultura a tutto tondo in gesso, 115x53x38 cm

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Biagini Patrizia patricanto@virgilio.it www.biaginipatrizia.it

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Vpatrizia.biagini.manziana

Losing - semi autoritratto,

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2020 tecnica mista 40x40 cm

Biasin Monia Nasce ad Arzignano il 28 /07/ 1972 e si avvicina al mondo della pittura nel 2015 iniziando col maestro Pietro Tracca dei corsi di acquerello. Vince il 4 posto al concorso acquerelli in libertà a Posina e nel 2017 vince il primo premio a Mestre. Nel 2018 primo premio al l’ Accademia d’Arte di Pisa col maestro Bruno Pollacci direttore della omonima accademia. Selezionata nel 2019 a partecipare alla mostra dedicata al ritratto in una villa del Palladio.

biasin535@gmail.com

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"Cammineremo questa strada e non sarò mai stanca finchè il tempo non porterà sui tuoi capelli … il bianco."

Il respiro dell'anima, 2020 tecnica mista 40x50 cm

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Billo Livio

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livio.billo@gmail.com

Livio Billo, è nato a Legnago (VR) nel 1952 e vive nei pressi di Padova. Laureato in Lettere Moderne e perfezionato in Storia dell’Arte, per tale disciplina è stato titolare di cattedra negli istituti secondari e docente a contratto presso l’Ateneo padovano. Autore di saggi e contributi su arte contemporanea e moda, fra cui si segnalano Figure della Transavanguardia, Carte Segrete, Roma 1989 (prefato da A. Bonito Oliva) e Figurini, Cleup, Padova 2003 (prefato da G. Dorfles, collabora attualmente con la prestigiosa fondazione londinese “The Sir Denis Mahon”, per la realizzazione e/o la recensione di mostre su fenomeni artistici contemporanei, quali Techno-Medioevo.

Age of Future Reloaded (Londra 2018); Visions and Visionaries.

Visions and Imagining in Blake, Burne-Jones, Allen Ginsberg, John Latham and other masters (Londra 2019); Visionaries and the Art of Performance (Spoleto 2019).

Coltiva fin da giovane l’interesse per poesia e pittura, pratica quest’ultima nella quale si è formato da autodidatta, traendo inizialmente spunto da post-impressionismo, simbolismo e avanguardie di tipo non aniconico. Maturando l’esperienza, procedimenti tecnici e linguaggio optano per soluzioni pittoriche consonanti – a detta di taluni critici (A. Mozzambani, G. Segato, S. Salvagnin, A. Sandonà) – con quelle dell’espressionismo “storico” (nelle tematiche) ed “astratto” (nel ductus); consonanze che l’artista riconosce, per altro, come funzionali alla definizione formale di quel suo prioritario e connotante rapporto uomo/natura e uomo/storia/società che la condizione “postmoderna” ha drammaticamente problematizzato, rendendolo eticamente “fluido” e umanisticamente “debole.

In risposta a tale congiuntura, tiene le mostre itineranti a tema del decennio ’80: Confronti con il quotidiano e I sensi della memoria. Segue poi una parziale inattività, dettata da un radicale ripensamento teorico che ne rafforza infine il convincimento da sempre sotteso al suo fare artistico: la c.d. “pittura da cavalletto”, per quanto ostracizzata e marginalizzata dall’attuale “sistema dell’arte”, non è affatto “lingua morta”, ma anzi sempre viva, e capace di dare voce all’umano e alla sua innata tensione spirituale.

Tra i riconoscimenti alla sua opera, si segnalano le recenti acquisizioni del MUDI di Rodello d’Alba (2017) e del MOA di Eboli (2019); è risultato inoltre “Vincitore Assoluto” della 21ͣ e 23ͣ edizione del “Premio L. Tito” (Dolo, 2017, 2019) e della 2ͣ edizione del premio “We are the world” (Napoli, 2019).

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MOSTRE •

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urbane e di natura. Personale (a c. di C. Limentani Virdis); 2019 – Asti, Museo Diocesano San Giovanni, Tra il Sacro e la Terra. L’esperienza di “Rodello Arte”. Collettiva degli artisti selezionati; 2019 – Eboli (SA), MOA (Museum of Operation Avalanche), Gerda Taro – Arte, Guerra e Ribellione. Women, IV ed. Collettiva degli artisti selezionati 2019 – Cormons (UD), P.zzo Locatelli – Sala Civica, “Premio Leonardo”. Collettiva dei finalisti selezionati 2019 – Dolo (VE), Barchessa di Villa Concina.

Personale (offerta dal Comune al Vincitore assoluto del 23° Concorso d’Arte “L. Tito”); 2020 – Monte San Savino (AR), Galleria Itinerante, Ad alcuni la notte. Collettiva degli artisti selezionati; 2020 – Tuscania (VT), 100 Pittori a Palazzo Fani. Collettiva degli artisti selezionati; 2020 – Salerno, L’arte al tempo del Coronavirus. Gli artisti si raccontano, Artetra.

Collettiva on-line degli artisti selezionati; 2020 – Art and Act – Marie Marzloff Award.

Selezionato e inserito in Catalogue of Artworks, Edition 2020; 2021 – Palermo, MY2020, MyRoom Gallery.

Collettiva degli artisti selezionati.

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2016 – Piove di Sacco (PD), Side by Side, Centro d’Arte e Cultura. Personale (a c. dell’Autore); 2017 – Rodello d’Alba (CN), Tra il Sacro e la Terra, MUDI (Museo d’Arte Moderna e Religiosa). Workshop residenziale e collettiva degli artisti selezionati (a c. di F. Ghisi); 2017 – Padova, Progetto Porta Aperta 2017, Porta San Giovanni. Collettiva “Arte della Saccisica”; 2017 – Mestre (VE), Visioni urbane e industriali – Premio Mestre di Pittura, D’E.M. Venice Art Gallery. Collettiva degli artisti selezionati (a c. di S. Zecchi); 2018 – Mestre (VE), Nuove Espressioni, D’E.M. Venice Art Gallery. Collettiva degli artisti selezionati (a c. di S. Perin); 2018 – Matera, Anatomia della Bellezza, Casa Cava – Sasso Barisano. Collettiva degli artisti selezionati (a c. di G. Affinito); 2018 – Napoli, Mare _Motus: approdi dell’anima, Molosiglio – Lega Navale Italiana.

Collettiva degli artisti selezionati (a c. di G. Affinito); 2018 – Bormio (SO), Immagina e dipingi, Concorso Internazionale di Pittura “R. Togni”.

Collettiva dei finalisti selezionati; 2018 – Padova, Spazio Biosfera, Restituzioni

RECENSIONI - S. Weiler Simonin Jacur, La collettiva dei pittori universitari, a Palazzo della Ragione, in “Il Gazzettino di Padova”, 20 marzo 1974; - C. Marcantonio, Billo, in “La Sponda”, nn.

4-5, aprile-maggio 1978; - R. Margonari, Billo, in “L’Arena di Verona”

e “Il Giornale di Vicenza”, 25 agosto 1978; - C. Marcantonio, Livio Billo, in “Cimento”, n.

110, 31 dicembre 1979; - A Mozzambani, Una situazione periferica solo per collocazione. Tre pittori di Bovolone: Massagrande, Billo e Tajoli, in “Il Mattino di 67

mercato di pittura, scultura, grafica, fotografia, in “Il Mattino di Padova”, 22 novembre 1990; - P. Rizzi (a c. di), CAT. Censimento Artisti Triveneti, Edizione Arte Trivenenta, 1990, p. 68; - p.r., Rodello torna culla dell’arte contemporanea, in “Gazzetta d’Alba”, 14 marzo 2017; - s.a., Tra il sacro e la terra, mostra a Rodello, in “Gazzetta d’Alba”, 8 maggio 2017; - Catalogo Internazionale SurVivArt, 1ͣ Edizione, Venezia 2020.

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Verona”, 15 gennaio 1982; - C.C. Frigo, G. Segato, I sensi della memoria.

Conversazione su Antonio Benemia, Livio Billo, Giuseppe Nigretti, Panda Edizioni, 1988; - S. Salvagnini, Le tele di Benemia, Billo, Nigretti al castello di S. Zeno a Montagnana.

Memoria come motore immobile, un dialogo con la propria tradizione, in “Il Mattino di Padova”, 22 marzo 1989; - O. Campigli, Biennale ’90. Mostra a Venezia, in “Il Secolo d’Italia”, 17 luglio 1990; - A. Di Mauro, “ArtePadova ‘90”. Mostra-

No one around, 2020 tecnica mista su carta 54,5x64,5 cm

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Zona Rossa, 2021

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olio e acrilico su carta intelata 55 x 75 cm

Chiuso/Vendesi, 2021

olio e acrilico su carta intelata 50x40 cm

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Bollato Iris bollatoiris@gmail.com

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Campi d'Irlanda, 2020 acrilico su tela 50x70 cm

Rialto, 2020 acrilico su tela 40x60 cm

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Bulegato Michela

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" Da sempre la passione per il disegno e la pittura fanno parte di me e cerco di coltivarla ogni volta che posso. "

Fichi e le zucche del nonno, 2020 acrilico su tela- 35x45cm

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Campanella Fabrizio Nasce nel 1965 a Roma, dove vive e lavora. Espone in Italia e all’estero dal 1990.

E’ invitato a numerose mostre di rilievo nazionale e internazionale tra cui la XIV Quadriennale di Roma, il LII e il LVII Premio Termoli, il XXIX Premio Vasto (sala personale con Achille Pace), il XXV e il XXVII Premio Sulmona, il IV Premio Città di Laives, la II Edizione della rassegna “Hommage à Vlado Gotovac” presso la Galleria “Klovicevi dvori” di Zagabria, la XLVI Mostra Nazionale d’Arte Contemporanea della Galleria Civica di Termoli (“Intenso Essenziale - Evoluzione dell’Astrattismo in Italia”), la rassegna “Dal Futurismo ai Percorsi Contemporanei” presso il Naval Heritage Museum di Tivat (Montenegro).

La sua prima personale è del 1992 alla Galleria "La Gradiva" di Roma, presentata in catalogo da Silvano Giannelli. Tra le personali successive si menzionano, sempre a Roma, quelle del 1996, del 2000 e del 2008 allo “Studio Soligo” (rispettivamente a cura di Domenico Guzzi, Mario de Candia e Gianluca Marziani), quella del 2009 allo “Studio N.I.R.A - Nuovi Indirizzi di Ricerca Architettonica” (a cura di Stefania Caforio), quella del 2001 all’ “Osservatorio per le Arti Visive” di Salerno (nell’ambito del ciclo “Sistemi Cognitivi dell’Arte – Media e Tecnologie dell’Arte Contemporanea”) e in ultimo, a cura di Gianluca Marziani, quelle del 2012 a Palazzo Collicola Arti Visive di Spoleto, del 2013 a Palazzo Ca’ Bonvicini (nell’ambito degli Eventi Collaterali della LV Biennale di Venezia) e del 2014 all’Officina delle Zattere di Venezia.

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Già iscritto ad “Art Club International”, l’associazione artistica indipendente rifondata da Piero Dorazio nel 1995, ha inoltre al suo attivo una nutrita serie di presenze in cataloghi, stampa quotidiana, riviste di settore, case d’asta, rubriche televisive specializzate, collezioni pubbliche e private.

mail@fabriziocampanella.com

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tuuhnL Mad Man, 2020 Acrilici su tela cm 80x100

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Capobianchi Catia ca-tia@live.it

È nata a Bologna il 22 maggio 1968. Attualmente risiede ad Ancona. Diplomata Maestra d’Arte all’Istituto Statale d’Arte di Ancona, ha iniziato a scrivere all’età di tredici anni: poesie, brevi racconti surreali a volte tristi, altri pretenziosi di comica realtà e infine a lieto fine. All’età di diciotto anni ha abbandonato la narrativa per dedicarsi alla pittura, partecipando a vari concorsi tra cui ha raccolto alcuni riconoscimenti. In questo periodo ha messo da parte.il disegno per riabbracciare la poesia.

MOSTRE • • • • • • •

bicicletta” Mostra di pittura Arco Amoroso Ancona Mostra fotografica “Saline Senigallia” Concorso fotografico “Memorial Giannini” Concorso e mostra mercato di pittura Castelplanio 5 classificato Esposto alla Galleria “Il Greco” Esposto alla galleria “Puccini” Ancona Concorso estemporaneo Casteleone di Suasa Collettiva di pittura scuola G Secchiaroli Ripe Ancona Attualmente dipinge con varie tecniche prediligendo l’acrilico.

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• Mostra di pittura contemporanea P.S Lazzaro Ancona • Concorso fotografico “VI edizione di una Settimana in collina” Roncitelli 1 classificata categoria A con i “Due soli” • Mostra collettiva di pittura Senigallia 528 Edizione Fiera fiera • XV Concorso internazionale dell’Adriatico “Pisarum d’Oro” (Premio speciale “Fanum-Fortunae) Fano Pesaro • 2 classificato con “Le memorie e il presente” • Mostra collettiva di beneficienza “ Begnamini” Falconara • Mostra collettiva 3 circolo via Maratta, Ancona • Mostra concorso fotografico nazionale “Premio Macerata” 1 classificato “Addio 74

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• Novembre 2019 – Mostra personale – “Mosaicasa” – Via del Corso 528, Roma

tuuhnL Le Ballerine, Acrilico cm 52x67

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Carraro Patrizia

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L'incanto della luna, acrilico- 30x30.60x40.30x30 cm

Il marchio, acrilico su tela- 50x50 cm

Volontà, acrilico su tela - 60x30cm 76

Castello Elisabetta Elisabetta Castello nasce a Genova nel 1959. È un’artista da sempre, ha impostato la sua vita sul suo bisogno espressivo, ha scelto studi artistici ed ha avuto per tutta la vita dei lavori attinenti al suo percorso, prima lavorando come grafica pubblicitaria nella sua agenzia e dopo come insegnante di arti figurative. Questo le ha permesso di lavorare dipingendo e di potersi inoltre dedicare alla sua inclinazione. Il suo percorso va a toccare diversi stili e strumenti espressivi, passando da tele ad olio e acrilico, all’acquerello e infine al suo grande amore, il pastello, dove vengono ad aggregarsi in modo unitario i vari linguaggi attraverso cui questa artista comunica la propria estetica della vita.

L’ incontro con il pastello e’ stato per lei il mezzo rivelatore di una potenzialità espressiva a lungo ricercata, dopo una prima fase di tipo più realista la sua potenza espressiva ha potuto usufruire della nuova tecnica per addivenire a nuovi linguaggi, in cui massimamente l’articolazione tra rappresentazione e creatività ha trovato il proprio medium. Fa parte della Società di Pastello Italiana ed è un’artista professionista riconosciuta Aiapi UNESCO. È presente sui social con le sue pagine di arte fb e Instagram e cura un suo blog personale.

MOSTRE • 2020/Premio Arte Veneto/Mogliano Veneto/Italia (con menzione speciale pittura figurativa)

• 2018/I percorsi della mente/ Biblioteca Berio/ Genova/ Italia

• 2020/Arte Genova Fiera Mercato/ Genova/ Italia

• 2018/Terre di Liguria/Museo del mare/Genova/Italia

• 2020/Cuvee Art Bistrot/Milano/Italia/ ( bipersonale)

• 2018/Marcinelle262/Museo del vetro Unesco/Charleroi/

• 2019/La Signoria Delle Stelle/Spoleto Art/Milano/Italia

Belgio ( con acquisizione delle opere nella collezione

• 2019/Wall of doll/Genova/Italia/ (opera in permanenza)

privata del museo) • 2018/Scrambled Art/Museo Guareschi/ Brescello/ Italia

• 2019/Con la luce negli occhi/ Amici di M.Cea/ Fornace

• 2018/I Dauni / Nikephoros Art/ Vieste/ Italia.

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• 2019/Caput Mundi/Caffè Letterario/Roma/Italia Gola/Milano/Italia

• 2017/ Prima mostra internazionale di pastello/ Scuderie

• 2019/Acqui Terme Colours/Sala d’Arte l’Origine/Italia • 2019/Ineditus

Tempus/cerchio

Cromatico/Genova/

Italia(collettiva con grandi artisti del ‘900, De Chirico) • 2019/ Fiori recisi/ San Zeno degli Erzellini/ Treviso / Italia • 2019/Next

stop/Palazzo

Zenobio/Venezia/Italia

(collaterale della biennale di Venezia) • 2019/Biennale Ville venete/ Ville del Brenta/Treviso / Italia

degli Estensi/Tivoli/Roma/Italia

• 2017/ Profondo blu/ Art Saloon / Roma/ Italia • 2017 / Micro Art Show/Gamec / Pisa/ Italia • 2017/ World wide art show/ Caelum gallery / New York/ US • 2017/ Human Right H2o Unesco / Fondazione Opera Campana dei caduti/ Rovereto/ Italia

• 2019/Arte Genova Fiera Mercato/Genova/Italia

• 2017/ Milan Biennal of Art/M.A.D. Gallery/ Milano / Italia

• 2018/Collettiva Gaudium/associazione Gaudium/Milano /

• 2017/ Dentro di me/Divulgarti / Genova/ Italia

Italia

• 2017/ La memoria dell’acqua /Divulgarti/Galata Museo 77

del Mare / Genova/ Italia

Italia

• 2016/ Adunanza Top of Art/ M.A.D. Gallery/ Milano/ Italia

• 2016/Art Rome Gallery/ Flyer Gallery / Roma /Italia • 2016/ LO Art/ LO Gallery/ Bergamo/ Italia

• 2016/ 2nd Satura International Contest /Satura Gallery/ Genova/ Italia

• 2015/Imago,I miei ri-tratti/ Satura Gallery / Genova / Italia (personale)

• 2016/ Love Valentino / Galleria Accorsi / Torino/ Italia • 2016/ MadBdays / MAD gallery / Milano / Italia

• 2015/Prima mostra nazionale di pastello/ Sabaudia/ Italia

• 2016/ Genova Art Expo / Satura Gallery / Genova /

" Questo pastello è dedicato alle mamme, alle notti in bianco, alla stanchezza, alle occhiaie per il sonno mancato, alle tisane in piena notte, ai capelli scomposti e alla vestaglia buttata sulle spalle un po’ curve. Una stanchezza che però resterà nel cuore come uno dei periodi più belli e intensi della vita. "

Madre,

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pastello morbido su cartone vegetale 25x30 cm

Cell. 3383849219 elisabetta.castello.art@gmail.com w w w.faceb o ok.com/ ElisabettaCastello.Artista www.instagram.com/eli._.art w w w. e l i s a b e t t a c a s t e l l o a r t . blogspot.com

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Celin Ferdinando NANDO

celinarte46@libero.it Sito web: www.nandocelin.it

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"Venezia mi vede nascere nel 1946. Già alla scuola media inferiore, che frequento presso i padri Cavanis all’Accademia, le mie nature morte a carboncino, fatte dal vero in classe, sono prese a esempio dal professore di disegno. Quando passo poi all’Istituto Tecnico per Ragionieri Paolo Sarpi, proprio allora, quattordicenne o poco più, incontro in Piazza S. Marco Elio Lazzari, di circa un lustro più vecchio, che, dietro al suo cavalletto, con occhiali scuri, camicia a quadretti bianchi e azzurri, cappello di paglia e l’eterna NS blu fra le labbra, ritrae palazzi e rive, cieli ed acque, partendo con viola, gialli e rosa eclatanti, riconducendo, alla fine, il tutto ad un gradevole equilibrio. Ne rimango affascinato e, tornato a casa, con dei colori da quattro soldi, tento di riprodurre i lavori tanto ammirati.

Vengono poi gli anni della morosa, del diploma, del militare e del posto fisso. Non manca l’iscrizione a Ca’ Foscari, alla facoltà di Economia e, naturalmente, il matrimonio.

E la Pittura? Pur restando sempre presente, la frequento saltuariamente. In seguito al matrimonio e al trasferimento a Mestre, cado preda di una struggente nostalgia per la mia Venezia, che da questo momento diviene il tema centrale dei miei tentativi pittorici, specialmente nelle notti in cui non ho proprio voglia di stare sopra i libri di diritto o di economia. Per una persona che vi è nata, Venezia è come la propria Madre, di cui ci si accorge quando manca, perciò dico sempre che dal 1970 mi sento apolide. Mi manca l’acqua alla vista, le calli, el liston in Piazza, gli amici con le ombre e i cicchetti, le ciacole, le risate e le prese in giro, le discussioni di politica fatte di notte in campiello.

Ho circa ventotto anni quando vengo ricoverato al reparto malattie infettive dell’Ospedale Umberto I di Mestre con il tifo e il mio fedele libro di Matematica. Mi viene a trovare un amico fraterno: da poco ha aperto uno studio di commercialista e mi offre di entrarvi come socio. È il sogno di tutti quelli che studiano e lavorano nel campo economico, ma mi riservo di dargli una risposta. Le giornate sono lunghe in ospedale e, pensa e ripensa, arrivo all’ovvia conclusione che fare il commercialista vuol dire interessarsi dei fatti degli altri e, purtroppo, non mi vedo in questa veste, proprio io che curo poco e a fatica i casi miei.

Una volta dimesso, ringrazio l’amico per l’affettuosa offerta, ma la declino. Abbandono l’Università e la decina di esami già sostenuti reputando, a questo punto, superflua anche la laurea. Mi iscrivo al corso di nudo “Ettore Tito” tenuto dal prof. Missaglia e dipingo durante la notte.

Cominciano i primi concorsi, gli ex tempore, le collettive e, finalmente nel 1976, la prima 79

pedissequamente un modello preconfezionato: il quadro.

Credo invece che si debba costruire l’opera colore per colore, lastra per lastra, seguendo le necessità e l’estro artistico del momento, salvando il principio hic et nunc proprio dell’opera d’arte.

Intanto gli anni passano e sono sempre più preso dalle mie cose: di giorno in banca, di notte in studio, sabato e domenica passati fra concorsi e mostre.

La crisi matrimoniale sfocia, nel 1987, nella rottura.

Cocente è il dolore per il distacco da mio figlio. Per fortuna ritroverò il suo affetto qualche anno più tardi, in un incontro fra persone adulte che tutto hanno compreso.

Incontro poi Adriana, che mi ridà la gioia di vivere in una compenetrazione di anime fatte per intendersi. È il 1990 quando Adriana, visto che non sopporto più il mio impiego, mi dice: «Se la banca ti è stretta e non ne puoi più, vola: ci sarò sempre io a sostenerti!».

E io prendo il volo. Con la buona uscita mi costruisco una villetta in riva alla laguna a Lughetto.

Qui esprimo tutto il mio pragmatico eclettismo: disegno i progetti, faccio l’idraulico, il falegname, il posatore, affresco e decoro la cucina, le camere, i bagni e i caminetti.

Anche in relazione all’affresco metto a punto una nuova tecnica, perché osservo che il grassello di calce, con un po’ d’olio dato a fresco sulla malta, conserva per un periodo abbastanza lungo la proprietà della carbonatazione.

Negli anni Novanta organizzo un mio laboratorio di serigrafia, stampando da solo i miei lavori. Grazie a questa indipendenza metto a punto il concetto di Monotipo serigrafico, dove i singoli esemplari hanno la stessa iconografia, ma differiscono visibilmente tra loro. È una tecnica unica nel suo genere, dove l’intervento manuale dell’artista prima, durante e dopo la stampa, nonché i cambi di inchiostro durante la stampa, oppure l’apertura o la chiusura di certe zone del telaio, danno dei risultati cromatici e materici dissimili pur con lo stesso soggetto.

Nel 1996, all’Accademia di Belle Arti, ottengo il diploma in Pittura e Disegno con voto 107: un bel

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mostra personale alla galleria CDE di Mestre, in concomitanza con la nascita di mio figlio Francesco. È circa in questo periodo che fondo con i pittori Bovo, Spanio, Moretti e Siebessi il circolo culturale Gruppo 5. Il circolo ha una propria galleria e riesce a guadagnarsi una certa visibilità, ma il sodalizio dura poco tempo, per diversità di vedute, di formazione e di gestione, inducendomi a seguire una strada solitaria e indipendente.

In seguito alla personale del 1978 alla galleria Bottega di Omiccioli in via Margutta a Roma, conosco Vittorio Esposito. Questi si occupa della pagina artistica del giornale “Italia Sera” e di altre testate e agenzie giornalistiche. Frequentazioni comuni rafforzano la stima e l’amicizia fra noi due, tanto che Vittorio si attiva per organizzare alcune mie mostre a Roma e a Tivoli, sostenendomi sempre dalle colonne dei suoi articoli.

Curioso di tutto ciò che riguarda l’arte pittorica, mi documento leggendo testi specialistici e frequento quante più mostre possibili. Sperimento tecniche diverse, anche la calcografia, acidando le lastre sul terrazzino di casa e scaldandole sul gas della cucina.

Nei primissimi anni Ottanta, per un caso fortuito, entro in contatto con il laboratorio serigrafico di Claudio Barbato e incontro la Serigrafia, per la quale nutrirò una passione incondizionata.

Rubo un po’ alla volta la tecnica al serigrafo stampando, a mie spese, vari lavori e pretendendo di intervenire di persona nell’esecuzione delle matrici e delle fasi di stampa.

Entro subito nella materia, che sento così congeniale, studio e mi informo, arrivando alla conclusione che la serigrafia non può essere la fotocopia colorata di un quadro, così come viene trattata dal mercato, ma deve essere il frutto di matrici fatte rigorosamente dall’artista e non dall’artigiano serigrafo fotograficamente, il quale deve solo stampare. Parlo di stampa (serigrafia o litografia) originale: questo è ciò che insegnano i trattati di grafica!

Successivamente elaboro il concetto di Pittura serigrafica. Penso che il processo di produzione serigrafica debba svilupparsi senza seguire 80

con cui mi scopro presto molto affine, per gusti artistici, politici, etici e per un savoir vivre, che comprende anche convivialità e allegria: è subito amicizia. È il momento di belle mostre sia collettive sia personali, coronate dalla personale a Monselice per il trentacinquesimo anno di attività espositiva.

E per il futuro? Questo succedeva nei “ miei primi sessantacinque anni”. Sono passati dieci anni l’entusiasmo scema e cresce l’artrosi: ma non ci sarebbe da meravigliarsi nel vedere un gabbiano artrosico spiccare il volo nel cielo lagunare verso chissà quali mete."

Nando Celin

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regalo per il cinquantesimo genetliaco! Proprio con la tesi di laurea, discussa all’interno della mostra personale d’obbligo in Accademia, nasce la tecnica del “Bianco su Bianco”, dove leggere differenze di tonalità del bianco, concorrono alla formazione di lavori strettamente figurativi, come in tutta la mia produzione. La sensazione cromatica nulla ha da invidiare all’uso dei colori. Conferma della bontà della nuova tecnica viene dall’apprezzamento dei professori e grande soddisfazione deriva anche dall’entusiastica partecipazione dei custodi e dei bidelli, solitamente estranei a questi frequenti avvenimenti.

Subito dopo c’è l’incontro con Manlio Gaddi, responsabile dell’Archivio Storico Tono Zancanaro,

Dietro a Ca' Dario olio 60 x 80 cm

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tuuhnL Luce di primavera in rio, 2021 olio su tavola 55 x 70 cm

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tuuhnL Neve in Canal Grande olio su tela 50 x 70 cm

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Codato Duilio 349 564 6333 duilio.codato@gmail.com

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Duilio Codato è nato a Mestre nel 1936, vive ed opera a Zelarino (Venezia). Si avvicina alla poesia ed alla scultura simultaneamenteagli inizi degli anni ’90, arti che ha sempre portato avantiin modo simbiotico, legate l’una all’altra in uno stretto nodo. Ha partecipato attivamente all’associazione “Gruppo poesia comunità di Mestre”, ha all’attivo tre libri: “Vento di Marzo” (2003); “Raise che Buta” (2011) raccolta di poesie in dialettoimperniate sui ricordi d’infanzia e sulla famiglia; “Più di me Sei” (2016) dedicata al fratello Giorgio. Scrive in lingua ed in dialetto ed è ispirato dal legnoper le sue realizzazioni, composte da piccoli pezzi di albero infilati in un’anima guida che variano forma a secondo della loro apertura, cosicché da un’opera si creano molteplici varianti. Partecipa a mostre e concorsi di scultura dove riscuote riconoscimenti e premi.

La danzatrice del pianeta terra, 2020 Legno (ramo di pino), sassi e creta 130x100x50 cm 84

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CRITICA Opera che mette in relazione le origini ancestrali e religiose con l’oggi, che ripercorre nel suo sviluppo verticale la storia della vita. Creato il cosmo tramite logos, Dio ha vivificato l’uomo dopo averlo plasmato con la creta. A lui ha affidato tutto, e, pur lasciandolo libero, non lo ha mai abbandonato, anzi, a lui si è sempre offerto come pietra salda su cui poggiare, manifestandosi nella pienezza trinitaria. Ma nella creatura prediletta, nella fragile creta, già da subito ha preso forma un virus letale che ha portato l’uomo a dominare piuttosto che a custodire il kosmos. La sfida di Adamo ed Eva verso il Creatore ha fatto danzare il pianeta al proprio ritmo con fretta ed esuberanza, perseguendo -lungo i secoli- interessi sempre più individualistici, fino alla proclamazione dell’onnipotenza superomistica, che è coincisa con la sostituzione della terra a Dio. La rottura dell’armonia, dell’ordine originario, ha avviato il chaos, il male per l’intera umanità e di esso non ne ha più potuto fare a meno.

Con “La danzatrice del pianeta terra” Codato

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non denuncia quanto già si sa, piuttosto invita a fidarsi dell’ordine divino originario, a divenire consapevoli dell’unicità della vita sotto ogni aspetto. Lo fa con gli elementi a lui cari, quelli che la natura gli ha messo a disposizione nel periodo del lockdown, nell’opera, infatti, si fondono -come in una danza- creta, pietra, legno di pino, semi bolliti ed essiccati.

Patrizia Fiasconaro

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Coletti Roberta Roberta Coletti promuove corsi, equipe intorno al Brainworking, all’educazione, alla valorizzazione, all’arte. Si sperimenta nel disegno come autodidatta.

robertacoletti_@libero.it Associazione Culturale Altra Lettura www.altralettura.it

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L'ironia non viene mai meno.

Commesso viaggiatore bel flusso, 2020 colori a cera colati con il phon su supporto in legno cm 70x45 87

Si apriranno altri spazi, utilizzeremo l'oggetto tecnico senza che questo ci deresponsabilizzi, impossibile il lavaggio del cervello da parte del cervello artificiale.

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Senza cervello come dispositivo intellettuale nessun itinerario può intraprendersi.

Schizotipi, 2020 Olio e colori acrilici su legno cm 50x70 88

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Qual è la direzione del viaggio? Ce ne accorgiamo dalle virtù del viaggio: l'infinito del viaggio, la sua leggerezza, la sua libertà. Il viaggio non è né positivo, né negativo, è viaggio di scrittura e di pittura, di arte e invenzione.

La sorte ha la sua forza nell'assenza di alternativa e ciò che è in contrasto non si può scegliere. Nessuna pandemia potrà fermare il flusso artistico, nessuna chiusura potrà impedire la ricerca in direzione della qualità, ci sarà sempre un angolo di libertà.

Appunti per un viaggio, 2020 disegno a china su cartoncino cm 10x20 supporto legno e gesso cm 30x40 89

Apertura, chiusura, nessuna pena da sopportare dentro una tana protettrice.

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Le spire lattiginose del Maternage, 2020 gesso e tempere su legno cm 70x45

Non so quello che s'abbia far di me, 2020 tecnica mista su cartoncino telato cm 40x60 90

Colussi Silvia

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colussisilvia@libero.it http://www.colussi.it http://www.colussi.com vwww.istagram.com silvia_ colussi (@silvia_colussi) esilvia colussi (colussisilvia)

Nel panorama artistico contemporaneo, la pittrice veneziana Silvia Colussi spicca per la particolarità delle sue opere, ricche di contenuto e di significato introspettivo. Pittrice e Storica dell'arte si pone all'attenzione per la duplicità del suo percorso formativo. Nata a Venezia nel 1962, è una figlia d'arte. Dalla madre insegnante Annamaria Molino, pittrice e poetessa, eredità la sensibilità cromatica e l'amore per l'arte. Dal padre ingegnere viene stimolata nell'interesse per lo schizzo veloce. Conseguito il diploma di Liceo Scientifico si laurea a pieni voti in Lettere, Storia dell'arte. Frequenta alcuni corsi di disegno presso la Scuola Internazionale di grafica di Venezia, proseguendo il suo percorso artistico come autodidatta. Dal 1990 ad oggi partecipa ad esposizioni collettive, tra le quali nel 1993 presso la Fondazione Bevilacqua La Masa di Venezia. Silvia Colussi è un'artista che trasmette il suo vissuto con eleganza e raffinatezza. Un segno sicuro ed al contempo delicato contraddistingue la sua produzione, che spazia dagli scorci di soggetto veneziano, alle sensuali e misteriose figure femminili ed al paesaggio. Le sue immagini si caricano di contenuto e di stati d'animo, ma il colore e la luce, con la loro forza contrastante e positiva, trasmettono nell'osservatore una speranza.

Paesaggio boschivo acrilico su tela 70x50 cm 91

Profumo di lavanda acrilico su tela 70x50 cm

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MOSTRE • 1991 Mostra collettiva presso Scuola Internazionale di grafica di Venezia. Il corso di disegno era tenuto da Ennio Finzi • 1993 Mostra collettiva presso la Fondazione Bevilacqua la Masa di Venezia.

• 2018 Mostra collettiva presso Palazzo Zanardi a Venezia • 2020 Mostra collettiva presso Padiglione Bocce & Colori. Terraglio.

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bruconte@gmail.com

Conte Bruno

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Raffinato artista, poeta e scrittore, Bruno Conte è nato a Roma, dove vive e lavora. Nelle sue opere, superfici o oggetti, dipinti o rilievi su tela, carta e legno, il pieno e il vuoto si situano in un limbo intermedio fra pittura, scrittura e scultura. In questa realtà nascono oggetti-concetti, messaggi, pagine di lettura rivolte verso lo spettatore curioso. Caratteristici della sua produzione sono i libri lignei e altre opere oggetto come le scatole o i cassetti dove nel buio dei loro interni, interagendo con il bianco delle superfici in primo piano, crea ambigue prospettive di interni e di lettura. La critica ha rilevato in questi lavori un riferimento alla scultura di Melotti, ma qui il recupero di una pittura mentale, sempre legata al rilievo bidimensionale emergente fa diventare questi libri lignei dei paginari da parete dove apparizioni, attrazioni, contagi e narrazioni rendono il repertorio di queste opere contenitori di concetti, analogie e soprattutto enigmi. Significativo per tutto questo è il libro d’artista che, recentemente, Bruno Conte ha prodotto con le Edizioni Peccolo di Livorno, per il n.10 della collana Memorie d’artista dal significativo titolo Divario, pagine di un diario senza giorni. libro nelle cui pagine scorrono in parallelo i pensieri intimi e gli aforismi descritti con parole e le immagini a fronte che seguono i percorsi con pagine scandite dai ritmi di segni o calendari ritmici. Un lavoro sugli accadimenti delle forme che Bruno Conte prosegue con estrema attenzione ed equilibrio dal 1961.

Ponte Cestio 93

tuuhnL Ex Mattatoio

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Isola Tiberina

Gasometro 95

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Ponte Sant’Amgelo

96

EUR

De Giovanni Franco C AVA L I E R E D E L L A R E P U B B L I C A È presso l’insenatura di Acquaviva a Marina di Marittima, dove ogni giorno da anni Franco De Giovanni dipinge guardano l’infinità del cielo e del mare.

Sulle scale che conducono lentamente alla spiaggetta affollata da folle incalzanti di bagnanti e turisti Franco dipinge, e dipinge sull’acqua, affidando all’Acquaviva gli scorci segreti di una vita fatta di sofferenza, di orgoglio e di coraggio. Nato a Cutrofiano 51 anni fa e residente a Surano De Giovanni è un poeta buono, un artista mite che si esprime con la semplicità dei gesti e la complessità delle sue opere. Dipinge su cartapesta o su terracotta ed ha esposto i suoi lavori in mezzo mondo, dall’Europa all’Africa, dall’Asia all’America.

Franco De Giovanni è un pittore attento un interprete sincero della sua amata terra, il Salento, così che egli mette nelle sue creazioni artistiche l’amore che nutre per la sua gente e il desiderio di trovare una via d’uscita per quanti sono meno fortunati di noi. Il suo altruismo, la sua filantropica vena artistica si mette in relazione con gli altri, con tutti coloro che incontra e che inevitabilmente entrano a far parte della sua vita e della sua pittura.

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francodegiovanni@alice.it

Franco De Giovanni dipinge e crea. La sua è un pittura poetica che esprime attraverso il suo calore umano. Un artista straordinario, attento a far a parlare la natura per mezzo della sua opera, preoccupato dell’espressione autentica, vera, reale dell’esistenza umana. Di un mondo fatto di tutto, del creato e delle sue creature, di Dio e dell’uomo.

Sacra Famiglia, olio 70x50 cm 97

tuuhnL L'infinito di essere amati, 2020 olio 30x40 cm

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tuuhnL La Sperana della Pace, 2020 olio 80x80 cm

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tuuhnL Sognando la luna, 2020 olio 120x50 cm

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tuuhnL La confusione dell'umanità, 2020 olio 30x40 cm

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tuuhnL Il violino dell'amore, 2020 olio 30x40 cm

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tuuhnL La Pajara Salentina, 2020 olio 30x40 cm

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tuuhnL Ricordi di una poesia Salentina, 2019 olio 30x40 cm

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tuuhnL Torre Pali Salento, 2018 olio 30x40 cm

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tuuhnL L'organetto dell'amore, 2018 olio 30x40cm

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tuuhnL Giovanni Paolo II L'uomo della Pace, 2006 olio 30x40 cm

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tuuhnL Onori ai carabinieri di Nassiriya, 2003 olio 50x60 cm

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tuuhnL Vita Nuova 2020, olio su tela cm 50x70

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Depaoli Gianni

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Gianni Depaoli artista materico è nato a Ivrea il 04 marzo 1961, vive e lavora a Candia Canavese.

Ha creato mostre e installazioni che testimoniassero il degrado ambientale e sociale attraverso mostre e progetti itineranti sostenuti da musei e da Enti Istituzionali: iniziative note con il nome di Mare Nero Museo di Bergamo, Allarme Ambiente Museo di Scienze Genova, Museo A come Ambiente Torino, Museo Garda Ivrea, Museo Acquario di Milano, Museo La Specola Firenze, Museo Tecnologicamente Ivrea, Museo Acquario Messina, AAM Spazio 24 Milano, Casa Ernesto Francotto Busca .Installazioni, Anime Silenziose inaugurato all’ Acquario civico di Milano, Verso il Quinto mondo Paratissima Torino, Oceaniche Alchimie Biennale Italia -Cina Torino, 54° Biennale Internazionale d’ Arte della Biennale di Venezia, “Hopeart Jungle” alla Venaria Reale. La nuova ricerca sviluppata con l’ uso di inchiostri e pelli di cefalopodi trattati per la conservazione e manipolati con aghi d’ acciaio e bisturi, lo porta ad indagare e trasformare la materia per scoprirne bellezza e trasparenza , ma non dimenticando i drammi precedentemente trattati. Questo nuovo studio dona nuova vita allo scarto organico che considera l’ anello di congiunzione ed il ricordo indelebile del prodotto che ha nutrito l’ Essere Umano. “Dall’edibile che nutre il corpo, all’arte che nutre lo spirito”. Viene invitato alla Galleria d’Arte Moderna di Genova Nervi per la personale “Rossomare” l’opera I.E.F. è nella collezione del Museo, all’Ambasciata Italiana a Montecarlo con l’ opera in permanenza “Prede e Predatori” sul catalogo dell’ Ambasciata ed a GemLucArt di Montecarlo per i progetti annuali sulla Ricerca Sul Cancro, al progetto “EkoVespa Project” in permanenza al Museo Piaggio di Pontedera. Nel 2017 la ricerca della forma, del colore e della trasparenza lo porta ad un nuovo studio. La pittura materica diventa il più forte impulso per la ricerca del colore naturale, che diventerà l’ unico colore utilizzato, regolato dalla manipolazione dei cromatofori esistenti nel prodotto, senza aggiunte di colori artificiali. Con il progetto Abissi, indaga il noto e l’ ignoto e i percorsi tortuosi del pensiero umano. Scopre ed evidenzia le ferite e le escrescenze della pelle lacerata che diventano abissi e meandri dove il pensiero si perde e si modifica, svelando i patimenti che ha subito l’ artista durante il suo percorso di vita, che lui stesso definisce la sua Via Crucis. Viene invitato ad esporre al Mauto con “Eko500Project” in occasione del 60° anno della Fiat 500, al Macist di Biella in occasione 70° anno della Vespa, a Paratissima Milano, Bologna e Torino, Biennale Internazionale di Asolo, Biennale Internazionale di Salerno, GemLucArt di Montecarlo con l’ opera che denuncia la violenza sulle donne “Silence Kills”, personale a Montreaux, installazione “Oceani 2.0” site-specific al Museo del Parco di Portofino e inviti in altri Enti Istituzionali, nel 2020 viene inserito nell’ Atlante dell’ Arte DeAgostini, nel 2020 partecipa in periodo Covid alla mostra virtuale #domaniinarte alla G.A.M. di Roma, una sua opera viene esposta alla 17° Montecarlo Film Festival, vince a Paratissima Best N.I.C.E. Artist 2020, finalista Exibart Prize 2020, finalista Mellone Art Prize 2020. Dal 2020 in seguito a vicende subìte da lui e dai suoi famigliari, torna a trattare con molta più forza e rabbia i temi che gli sono stati cari fin dagli esordi: i comportamenti scellerati dell’ uomo ed il conseguente deterioramento ambientale e sociale, rappresentando nelle sue opere soprattutto le conseguenze sull’ uomo. Nella sua incessante ricerca di materiali organici marini che trasmettano dei messaggi forti ha scoperto nel 2020 “le schiuse di ovature” affascinanti agglomerati che evocano il senso della Vita, ora fanno parte delle nuove opere.

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VIDEO DI PRESENTAZIONE Genova, RAI TG3, Galleria Arte Moderna “ROSSOMARE” https://www.youtube.com/embed/7h8JszwR8tw Pontedera, Museo Piaggio “EKOVESPA” http://youtu.be/61x4Iod4Rr8 Montecarlo, Radio Monte Carlo, Art Monaco Grimaldi Forum “EKOVESPA” http://youtu.be/b5D1pSJelYk Milano, Milano Scultura “EKO500PROJECT” https://www.youtube.com/watch?v=pfuCi_ljuyI Candia Canavese, Foto Elena Parisi, Studio “ MENOTRENTA” Fasi di Lavorazione. https://www.youtube.com/watch?v=Fzu663857as&feature=share&fbclid=IwAR1hEgcJSipaGjQdfSyf5MyDRrccFX3Ij8GtixNpYrKKTW-jg3Rd8Iks6kY Candia Canavese, PIAZZA D’ ARTI, Museo MENOTRENTA. Sede e Studio “ Le Jardin des Caresses” https://youtu.be/s79OeConAAc Estratto catalogo SurVivArt https://issuu.com/survivart20/docs/estratto_depaoli_con_copertina/32

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CRITICA “Per fare un tavolo ci vuole il legno...Per fare il legno ci vuole l’albero...Per fare l’albero ci vuole il seme...Per fare il seme ci vuole il frutto...Per fare il frutto ci vuole il fiore...”. Quante volte abbiamo cantato e ripetuto i versi di questa famosa canzone scritta da Gianni Rodari e musicata da Sergio Endrigo? Sicuramente moltissime. Ma quante di queste si è riusciti a cogliere appieno il messaggio che il testo sottolinea: l’importanza del ciclo della vita e del rispetto della natura? Guardando il mondo attuale si può tranquillamente dire che questo brano, seppur molto profondo, è stato compreso veramente molto poco. Anzi, come altre canzoni che trattano questo importantissimo tema, spesso è rimasto lettera morta. La canzone, infatti, sottolineava-denunciava già dal 1974, anno di pubblicazione, l’incapacità dell’uomo di capire che la realizzazione di un banale tavolo avrebbe comportato una ricaduta sull’ambiente e che il sistema produttivo, soprattutto se esasperato, avrebbe generato violenze, inquinamento, degrado, nocività e distruzione.

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Ai nostri giorni, come scritto poc’anzi, la situazione non è certamente migliorata e la società, nonostante alcuni tentativi, non sembra ancora aver compreso appieno il problema del rispetto della natura e di come esso sia connaturato anche ad altre criticità altrettanto deprecabili, se non orribili, che toccano da vicino l’uomo contemporaneo. E’ dunque necessario quindi che la cultura e la scienza si adoperino perché l’opinione pubblica tenga sempre alta la guardia e suoni quel famoso campanello d’allarme per evitare l’ineluttabile, proprio come intende fare Gianni Depaoli grazie al suo fare artistico: far riflettere l’uomo sulle negatività che egli stesso genera a causa del suo individualismo nichilista.

Visti i frastornanti tempi contemporanei dove tutto è fagocitato dalla frenesia, dalla velocità e dalla spettacolarizzazione, anche mediatica, l’artista, per essere maggiormente incisivo e spiazzante, si esprime tramite lo strumento della metafora. Quest’ultima, attraverso l’uso di icone e svariati materiali che evadono dal consueto e dal figurativo, costringe l’osservatore quasi ad una sorta di repulsione che paradossalmente sollecita la sua curiosità e che lo spinge a voler capire la motivazione che si cela dietro la scelta dell’artista, sottoponendosi in tal modo ad uno sforzo mentale maggiore. Depaoli infatti è arrivato ad usare nei suoi lavori addirittura elementi naturali, in particolare le pelli di cefalopodi, su cui è intervenuto con crudezza, senza risparmiare all’osservatore nessuna sofferenza visiva. Tali resti animali sono divenuti il suo mezzo espressivo perché, nonostante siano scartati dall’uomo perché ritenuti sciaguratamente oramai inutili, permettono a Depaoli di infondere alla metafora espressiva un crudele rimando memoriale di quando l’essere era in vita e quindi necessario al mondo. Così facendo l’artista obbliga l’osservatore a riflettere sul rapporto tra lo scellerato consumo e la necessità del riciclo come scelta etica e necessaria nonché, più in grande, del concetto di ecologia. Egli quindi non risparmia nessuno, chiama tutti in causa: critica sia le grandi istituzioni, come organizzazioni internazionali e Stati, spesso incapaci o attanagliati da interessi vari, sia i singoli individui, i quali, o perché pervasi da un malsano cinismo o perché si ritengono troppo piccoli per cambiare le cose, credono che il rispetto dell’ambiente non li coinvolga oppure che ci penserà qualcun altro.

Ma non è tutto. Depaoli estende la sua necessità di indagare a tuttotondo l’umanità, con le sue tristezze, i suoi mali e le sue tragedie, partendo dal piano personale e familiare per giungere alla dimensione collettiva e oggettiva. Unitamente alla sua poliedricità esecutiva, l’indagine umana che egli compie lo ha portato a realizzare numerosi progetti itineranti, installazioni e opere, come “Silence kill”, in cui si vedono la cattiveria, la violenza e l’indifferenza di cui è capace l’uomo nei confronti dei suoi simili e della natura.

Così facendo egli si inserisce in quel numeroso gruppo di artisti sociali i quali usano la loro creatività non solo per sensibilizzare e denunciare le crisi della società, ma soprattutto per fare breccia nella mente e nel cuore di ogni singolo uomo, in modo da favorire in lui una presa di coscienza più ampia e consapevole di ciò che lo circonda permettendogli così evadere dall’egoismo e impegnarsi per cambiare le cose.

Siro Perin

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MOSTRE • Rossomare, Galleria d’Arte Moderna, a cura di Maria Flora Giubilei, Genova Nervi (2011 personale) • OnlyItaly, Teatro Stabile di Hangzhou, Hangzhou (Cina). (2010 collettiva) • Allarme Ambiente, Museo Civico Garda, , a cura della Fondazione Natale Capellaro , Ivrea.

(2009 personale) • La Programma 101, installazioni CentoOlivetti, Fondazione Natale Capellaro, Ivrea. (2008 personale) • Allarme Ambiente, Museo Giacomo Doria, Genova. (2008 personale) • Allarme Ambiente, Museo A come Ambiente, Torino. (2008 personale) • Mare Nero, Museo Civico Enrico Caffi, Bergam.

(2007 personale) • Nuove tecniche al servizio dell’ esposizione museale, Museo La Specola, Firenze.(2007 personale

PREMI • Torino 2020, Paratissima Premio Best N.I.C.E. Artist • Milano 2020, Biancoscuro Art Contest 20 Premio collettiva Montreaux • Montecarlo 2019, 1° classificato”green green”GemLucArt Auditorium Ranieri • Montecarlo 2018, 1° classificato Biancoscuro Art Contest 18 .

• Montecarlo 2017, 1° classificato Biancoscuro Art Contest 17 .

• Asolo 2016, 3° classificato Biennale Arte Contemporanea Asolo • Salerno2015, 2°classificato, Biennale Arte Contemporanea, P.Fruscione • Montecarlo 2014, 1° classificato, GemLucArt, Auditorium Ranieri III. • Roma 2014, S.E.R.R., 1° classificato Palazzo Valentini.

• Torino2013, 1° classificato, Millennium Museo Scienze Naturali .

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• Arte Sacra, Bacs, Mentone, Francia. (2021 collettiva) • Esposizione Triennale di Roma, Palazzo Borghese, Roma.(2021 collettiva) • War Drama, finalista, Fondazione Dario Mellone, Villa Brentano, Busto Garolfo(2021 collettiva) • 9° Biennale d’ Arte Internazionale a Montecarlo, Metropole Palace, Montecarlo.

(2021 collettiva) • Exibart Prize 2020, Finalista. (2021 collettiva) • Crac, Paratissima N.I.C.E., Torino. (2020 collettiva) • #domani in arte, Galleria Arte Moderna, Roma.

(2020 collettiva) • Hope, Museo M.A.C.I.S.T., Biella. (2020 personale) • Oceani 2.0, Opera in permanenza, site specific, Museo del Parco di Portofino. (2019 personale) • GemLucArt auditorium Ranieri III, Montecarlo.

(2019 personale) • Abyss Montreux Art Gallery, 2M2C, Montreux, Svizzera.(2019 personale) • Hit Parade, Mauto, Torino. (2018 collettiva) • La Vespa nella Storia e nell'Arte, a cura di Omar Ronda, M.A.C.I.S.T., Biella. (2018 collettiva) • 4 °Biennale Internazionale, terzo classificato, Asolo. (2016 collettiva) • Biennale Italia-Cina alla Cittadella a cura di Sandro Orlandi, Torino. (2016 collettiva) • GemLucArt, primo classificato con le jardindescaresses, Montecarlo. (2014 collettiva) • EkoVespa, Museo Giovanni Alberto Agnelli Fondazione Piaggio, Pontedera(2014 personale) • Eko500 Project, AAM Spazio Eventiquattroa cura Francesca Baboni, Milano.(2013 personale) • Hopeart Jungle a cura Francesca Canfora, Reggia di Venaria Reale. (2012 collettiva) • L’Arte non è cosa nostra, 54° Biennale di Venezia,Padiglione Italia a cura di V. Sgarbi.

(2011 collettiva)

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C O L L E Z I O N I P U B B L I C H E • • Galleria Arte Moderna di Genova Nervi, Genova • Museo del Parco di Portofino, Portofino • Museo Giovanni Alberto Agnelli Fondazione Piaggio, Pontedera • AMIU, Genova • Museo A come Ambiente, Torino • Fondazione Natale Capellaro – Museo Tecnologic@mente , Ivrea • Museo Acquario Civico, Messina.

• Ambasciata Italiana nel Principato di Monaco, Montecarlo.

• Parco Querini , Vicenza • Museo a cielo aperto , Camo.

• Museo M.A.C.I.S.T., Biella.

• Circolo degli Artisti di Torino

PUBBLICAZIONE LIBRI

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Catalogo 4° Biennale di Asolo, 3° classificato opera Le jardindescaresses, anno 2016 Libro Biennale Italia-Cina alla Cittadella di Torino a cura di Sandro Orlandi, opera “Alchimie Oceaniche”, anno 2015 Catalogo Milano Expo dal 1906 al 2015, palazzina liberty Milano, a cura di Vittorio Tonon anno 2015 Libro “l’ Ambasciata d’Italia nel Principato di Monaco”,anno 2014, opera Prede e Predatori Libro Mostra Internazionale GemLucArt Montecarlo 1° classificato, opera Le jardindescaresses, anno 2014 “Contaminazioni e mattanze da Museo” Catalogo mostra personale GAM di Genova Nervi "Rossomare" 22 opere, anno 2011 “Lo stato dell' Arte”, 54 ° Biennale Internazionale d' Arte di Venezia, a cura di Vittorio Sgarbi, anno 2011, opera I.E.F. e EKOSEA “1938” Catalogo 150 artisti raccontano la nostra storia, cura di Vittorio Tonon, Archivio di Stato, Novara opera Black and whiteskin with knife, anno 2011

• L’ Arte al tempo del Corona Virus 2021, edito da Skira, Milano.

• Atlante dell’ Arte Contemporanea 2021, edito PUBBLICAZIONE QUOTIDIANI da DeAgostini • Atlante dell’ Arte Contemporanea 2020, edito • Sole 24 Ore, La Stampa, Secolo XIX, La da DeAgostini GazettedesArts, La Repubblica, Sentinella • “L’ art de la corbeille organique”, Catalogo del Canavese, La voce, Risveglio, Mondo GemLucArt 2019, Montecarlo.

Sommerso, La Gazzetta del Canavese, • Libro Museo Parco di Portofino opera Oceani 2.0, anno 2020 Confindustria Canavese, HetUrkerland NL, • Catalogo ProBIENNALE Palazzo Corriere dell’ Arte, Cartellone Contemporary GrifalconiLoredanacura di Vittorio Sgarbi, Art, Marie Claire, Juliet, Arte Mondadori, Venezia, opera Marilin, anno 2017 Corriere Mercantile Genova, Incontri Fnac • Catalogo Milano Scultura Limited a cura di Genova, Rai 3 Liguria, Valeri Dehò, anno 2017, opera Installazione • Radio Monte Carlo, Info Monaco Channel, EKO500PROJECT. Auto d’ Epoca, periodico Fiat 500 Club Italia, • Catalogo mostra Internazionale Spoleto a cura Gambero Rosso on line, 24 Ore news Milano, di Vittorio Sgarbi, Festival due Mondi, anno Exibart, Il Tempo, Monaco Monsieur.

2017, opera Marilyn e Essenze scomposte.

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tuuhnL Acque sporche, 2020 tecnica mista su legno, vasetti vetro, residui inquinanti, schiuse di ovature marine, resina 250x250 cm

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Madre natura, 2020

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tecnica mista su legno, legno marino, resina pigmentata, ovature, metacrilato 75x45cm

Afrodite, 2020 tecnica mista albero arso, schiuse di ovature, resine 250 x 100cm 116

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Spiedino di mare, 2020 tecnica mista su legno, legno marino, inquinanti vari, metacrilato 75x45cm

Porzione di mare, 2019

tecnica mista, legno marino, resina pigmenti, pelle di pesce, plastica 60x40x70cm

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Occhi, 2020

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tecnica mista su fibra, pelle e inchiostro di calamaro, resine 50x50cm

Vita , 2020 tecnica mista su fibra, schiuse di ovature, pelle e inchiostro di calamaro, resine 50x50 cm

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Reliquie. Save the Sea, 2019

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tecnica mista petrolio,plastica, pelle e inchiostro di calamaro 70 x40 cm anno 201

Positivo/Negativo, 2020 tecnica mista su legno, schiuse di ovature, reperti inquinanti, resine.

75x45 cm

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Alieni, 2020

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tecnica mista, legno marino, pelle e inchiostro di calamaro, lapis, resina 75 x 45 cm

Il Canto delle Sirene, 2020 tecnica mista, legno marino, pelle di Cefalopode, coltello, resina 40x30x25 cm

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tuuhnL Resilienza biologica, 2020 tecnica mista su legno, legno marino, pelle e inchiostro di Calamaro, schiuse di Ovature, metacrilato

75x45 cm

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Dall'emozione alla ragione, 2021 "...giacché, quando s’è per la strada della passione, è naturale che i più ciechi guidino." (Promessi Sposi)

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150 x 40 x 4 cm

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Dall'emozione alla ragione, 2021

Dall'emozione alla ragione, 2021

part. I

part. II

Ventiventi, 2020

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particolare I-III

Ventiventi, 2020

Ventiventi, 2020

Chi si è salvato e chi non ce l’ha fatta nel terribile 2020

particolare II

(la riga che livella è la scritta venti venti)

45 x154x 3 cm 123

La morte di Cecilia, 2021 (Promessi Sposi)

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T. mista su fibra, pelle e inchiostro di calamaro 120 x 75 cm

Espulsi, T. mista su fibra, pelle e inchiostro di Calamaro, metacrilato 154 x 40 x 3 cm

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Solo,

“La preghiera del Papa da solo in piazza San Pietro, implora Dio perché ci salvi dal baratro” T. mista su fibra, pelle e inchiostro di Calamaro, metacrilato 154 x 40 x 3 cm

Solo,

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particolare I

Solo, particolare II 125

arte@giannidepaoli.it www.giannidepaoli.it https://www.facebook.com/gianni.depaoli.773 https://www.instagram.com/giannidepaoli/

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https://twitter.com/giannidepa

https://www.youtube.com/channel/UCdFsf3GfcdkmJTQ4ltmUQdQ

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Di Oriente Irene www.frammentidisegni.blogspot.com Irene Di Oriente è un'illustratrice e incisore italiana. Si è irene.dioriente95@gmail.com diplomata nel 2018, con 110 su 110 e lode, nel corso di Arti Grafiche presso l'Accademia di Belle Arti di Venezia, dove v@irenedioriente attualmente frequenta il Master sempre in Arte Grafica. È uno dei membri del “Collettivo BaldoBranco” con il quale ha partecipato a numerose mostre e vari festival in Italia e all'estero. Dal 2013 è volontaria al “Treviso Comic Book Festival” ed è entrata a far parte dello staff esecutivo nel 2017.

Assistente di illustrazione per la docente Marilena Nardi presso l'Accademia di Belle Arti di Venezia dal 2018 al 2020.

Inoltre, fa parte dell'Associazione “Lab43-for print” a Forte Marghera a Venezia

MOSTRE E PREMI • “NON BUTTARMI! Istruzioni per il riuso”, Colonia Agricola, Vascon, Treviso • Illustration for the collective project “Tina”,a book published by editions Aguaplano Libri 2019 • Miniprint Exchange exhibition in Paese (TV).

“Libri dai Libri”, Arcugnano di Vicenza. Venice Academy of Fine Arts the illustration for the book: “Mai più qui. La forza di ricominciare”, published by the Associazione Venezia Pesce di Pace for which she collaborated on another project with a painting put on canvas for the initiative entitled: “21 Artisti per Forte Marghera”. “Per Incidere”, Columns Hall of the Headquarters San Sebastiano, Ca’ Foscari University, Venice. “Questione di Segno”, exPescheria, Este (PD) Traveling exhibition of illustrations of the 13 Biennial of Humor et Vigne themed “Volare” in Einserb- MatmecaTalence,France.

• “4° Global Print 2019” Museum of Douro, Portugal. Traveling exhibition of the 13th Biennial Humor et Vigne themed “Volare”,

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2020 • Primo Premio “La poesia illustrata, Betty B Festival, Salotto Muratori Via Selmi, Vignola, Modena 2018 • Primo Premio per la categoria giovani artisti emergenti in “Volare” , 13° Biennal Humor et Vigne, Jonzac, Francia 2020 • “Limiti”, XXVIII Rassegna Internazionale di Satira e Umorismo Città di Trento, Trento • “La poesia illustrata”, Betty B Festival, Spilamberto, Modena • “La poesia illustrata”, Betty B Festival, Savignano sul Panaro, Modena • “La poesia illustrata, Betty B Festival, Salotto Muratori Via Selmi, Vignola, Modena • 4° Bienal Internacional Mini Print 2020, Proyect Arte, Laguna Paiva, Santa Fe, Argentina • 10°Bienal Internacional de Gravura do Douro, Douro, Alijò, Portogallo • “Batom, Lapis e Tpm”, Salao Internacional de Humor de Piracicaba, Brasile.

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• Third International Miniprint Biennial, Proyect Arte, Laguna Paiva, santa Fe, Argentina 2017 • Marciana Library of Venice as part of the Rotary Art and Culture Award: “Forme in Mutamento” 2016 • Premio Internazionale Biennale d’Incisione in the city of Monsummano Terme. Third edition of the Biennal Design in the National Academy of Sofia in Bulgaria • “Riproduzione”, collettiva Il Citofono a Spresiano.

• Invulnere ( Dentro la ferita) Palazzo dei Trecento, Treviso 2012 • Exposition the Galleries of Piedicastello in Trento and in the Paese(TV).

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Donjon-Pons,France. She selected in “ Image of the Book”, in the category “New names in book illustration” called from Moscow International Book Fair and Bologna Children Book Fair. “Questione di Segno,bis”, Centro di Cultura La Medusa, Este (PD). “NON BUTTARMI! Istruzioni per il riuso”, Loggia dei Cavalieri, Treviso • “Che aria tira?”, XXVII Rassegna Internazionale di Satira e Umorismo, Trento.

2018 • “High Density”, Academy of Fine Arts of Venice, at warehouses of salt 3, Venice.

She was awarded in Jonzac, France, in the category as Young Emerging Talent in the “Volare” themed illustration competition, the 13° Biennal Humor et Vigne. Exhibition “Wonderful? World Cartoon” in Tokyo.

• “Donne e Sport”, Palazzo dei Trecento (TV).

Riposo 128

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Immigrazione

Sono frammenti dei miei sogni o i tuoi racconti 129

Fachechi Francesca

KEKI

vkeki.arte bkeki-arte

www.kekiarte.com

Francesca Fachechi nasce il 29 Novembre del 1973 in Friuli.

Autodidatta, ha iniziato a dipingere con colori acrilici su tela, concentrandosi sul bianco/nero per poi dedicarsi al colore. L’arte figurativa è al centro delle sue opere e in particolare la figura femminile sospesa, non ascrivibile ad uno spazio ed ad un tempo precisi. Dalle donne che rappresenta traspare una sensualità mistica e inviolabile, un'invulnerabilità carnale, sublimata dalla pienezza e dalla consapevolezza di esistere come quintessenza di armonia e di bellezza.

In particolare colpiscono i colori sugli sfondi, sicuramente più cupi, ma con chiaro richiamo alle opere di Klimt.

MOSTRE 2006 Movimento “NE5” • • 2019 Galleria Farini Bologna “In mostra con i • grandi artisti” • 2019 Subcity Gallery Milano “Bright2” •

2019 ArtePadova 2019 WikiArte Bologna “Tra linee forme e colori” 2020 Galleria Malinpensa Torino

CRITICA quale protagonista assoluta della drammaturgia e della composizione, in una tensione verso una limbica immanenza. Ciò che l'osservatore esamina, ha dinanzi a sè, è solo un'istante che l'artista ha catturato eternando volti e sinuosi corpi che abitano luoghi non riconoscbili ma scrivibili ad una tradizione che guarda alle avanguardfie tedesche ed alla tradizione orientale.

Le donne di KEKI sono l'emblema della consapevolezza, della propria forza. Da ciò emerge anche quella libertà di cui la pittrice fa cenno che oltre ad essere pittorica, è anche ed in particolare di valenza ontologica.

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Le sue opere rappresentano la propria ricerca ed il proprio linguaggio, che sin dalle titolazioni scelte, intendono avanzare secondo una narrativa precipua, frutto di questa volontà di sublimazione mediante cui armonia e bellezza dialogano in maniera essenziale. Tutte le sue opere propongono raffigurazioni in cui l'eterno femminino si rende sensuale protagonista di una visone misterica e mistica, lontana da qualsivoglia retro pensiero malizioso. I dipinti si delineano, secondo canoni di una mimesis che affonda nel reale, nella messa in scena di atmosfere calde, vibranti, velate di raffinata sensualità, in cui la donna campeggia 130

tuuhnL Kundalini,

acrilico su tela 80x120 cm

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Fantuzzi Tullio

A R T U CRITICA

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Magistrale disegnatore d’interni, Tullio Fantuzzi dipinge fin da giovanissimo, dai tempi in cui frequentava l’Istituto Statale d’Arte “Nordio” di Trieste sotto la guida di maestri storici quali Riccardo Bastianutto per le tecniche pittoriche, Dino Predonzani per la progettazione decorativa delle navi, Girolamo Caramori per l’incisione, Ugo Carà per la plastica, Ladislao De Gauss per il disegno dal vero ecc. Dopo questa fondamentale formazione, nel cui ambito si sono affinati i migliori artisti triestini, il pittore partecipa ai corsi della Scuola Libera di Figura tenuti da Nino Perizi al Museo Revoltella, componendo architetture figurative, in cui il corpo femminile si propone in tutta la sua rigogliosa bellezza. Ma in pittura, campo in cui l’autore ha meritato numerosissimi riconoscimenti, Fantuzzi approccia un altro genere: dipinge abitati silenti e luminosi, le cui forme, sottolineate da caldi cromatismi, proseguono armonicamente nello spazio della cornice. Una laboriosa tecnica ad affresco su intonaco, arricchita da inserzioni in cartone, connota i suoi lavori, in cui il soggetto prediletto, cioè i muri di vecchie case, trasmette al fruitore l’anima di chi vi ha vissuto. Razionalità, buon gusto ed estro fantastico s’intrecciano in queste opere dal taglio inizialmente figurativo, di forte e raffinata valenza materica: seguendo un percorso di progressiva semplificazione, interpretano il tema e si accostano sempre di più a un contesto che guarda all’astrazione e attualmente si attesta sulla soglia di un armonico minimalismo, in cui l’equilibrio delle parti è spesso sotteso e compendiato da un filo reale, ma nel contempo simbolico, che collega le diverse componenti del quadro, bilanciandone il rapporto. Sono lavori fantasiosi, vivaci e delicati, caratterizzati appunto da un simbolismo lieve e da colori accattivanti e coinvolgenti, in cui all’intonaco arricchito di pigmenti naturali, declinati generalmente su tela incollata su truciolare, Fantuzzi sa aggiungere la componente ineffabile del sogno.

Marianna Accerboni

tulliofantuzzi@gmail.com www.tulliofantuzzi-artu 132

tuuhnL Esplosione estiva, 2020 affresco 84X97,5 cm

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Favaretto Annalisa annalisafavaretto@gmail.com

photo by Alessandro Berton

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Veneziana d'origine, ma cittadina del mondo, classe 1982, autodidatta, appassionata d'arte fin da quando ha preso in mano il suo primo gessetto colorato, crea opere uniche e non replicabili; Ispirandosi al modello artistico proposto da Yves Klein, con disinvoltura e talento, da origine nelle sue performance artistiche a quadri astratto concettuali che portano lo spettatore e chi successivamente prende visione delle sue produzioni ad emozioni intense e riflessioni introspettive profonde; La sua idea e' quella di trasmettere un concetto che vede l'essere umano, ormai nella globalità, bisognoso d'esser parte attiva dell'arte e quindi percepire le sensazioni forti che solo l'esser usati materialmente nella tela può dare, quindi il suo è un dono artistico per tutti, permettendo a chi né fa parte, di liberare il proprio animo e di lasciarsi sopraffare dalle emozioni.

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Vulcano, 2020

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tempera e acquarello su tela 100x40 cm

Opera rivisitata in piena pandemia aprile 2020 ...

Vulcano erutta dai suoi occhi lacrime di sangue ed è sul punto di esplodere, esecuzione con auto dipintura delle mani e del corpo parte

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Opera nata nel gennaio 2017 l'evoluzione umana rappresentata in alto con l'utero materno poi uomo primordiale e uomo moderno, eseguita con modello con solo l'uso del viso.

Storia dell'uomo, 2017 tempera su tela 45x45 cm

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Elaborazione dell'opera F u t u r a

2 0 2

M a r z o 0

2

1

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FASE 1

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Elaborazione dell'opera F u t u r a

2 0 2

M a r z o 0

2

1

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FASE 2

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Futura, 2021

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tempera su tela 200x105 cm

Opera nata nel marzo 2021 opera che rappresenta un essere umano che protende in avanti con forza, spinto come da un vortice, che lo porta ad andare il più velocemente possibile verso il futuro, eseguito con modella dipingendo le sue gambe, i piedi, il viso e la parte alta del busto.

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CRITICA La documentazione è la protagonista in queste opere dell'Artista Annalisa Favaretto, alias Lady Annaly. E' di notevole importanza questa sua volontà di voler documentare con immagini la sua stessa arte, una catalogazione visiva di quelli che sono i passaggi che portano all'operato finale, come una spinta, un'aiuto all'interessato per sviscerare i procedimenti che portano a ciò che si vede, a "ciò che resta in superfice sulle tele". Annalisa Favaretto svela la sue opere, i suoi pensieri, ci svela il segreto delle sue forme artistiche, intingendo il "suo pennello" e toccando e posizionandolo con mano sul supporto che lo accoglie e lo integra. Il corpo umano qui, come d'altronde nelle prime forme di happening diventa il mezzo e l'arte stessa al contempo, come per le Antropometrie di Yves Klein esposte nel 1960 nella Galleria d'Arte Contemporanea di Parigi: ciò che resta sulla tela è una vera e propria "impressione" del corpo della modella.

La Favaretto non si limita semplicemente a imprimere il corpo, ma lo amalgama al resto della tela e lo risalta al contempo, abbinando un colore più denso per la figura a varie velature che movimentano lo sfondo rendendolo ondeggiato e variabile, come un terreno instabile su cui si muovono le impronte, testimonianza di una vita in evoluzione.

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The documentation is the protagonist in these works by the artist Annalisa Favaretto, aka Lady Annaly. Her desire to document her own art with images is of considerable importance, visual cataloguing of the steps that lead to the final work, like a push, an aid to the interested party to dissect the procedures that lead to the final work to what you see, to "what remains on the surface on the canvases". Annalisa Favaretto lays bare her works, her thoughts, reveals the secret of her artistic forms, dipping "her brush" and touching and positioning it with her hand on the support that welcomes and integrates it. Here the human body, as indeed in the first forms of happening, becomes the medium and the art itself at the same time, as for Yves Klein's Anthropometries exhibited in 1960 in the Gallery of Contemporary Art in Paris: what remains on the canvas is a real "impression" of the model's body.

Favaretto does not simply imprint the body, but amalgamates it with the rest of the canvas and highlights it at the same time, combining a denser colour for the figure with various veils that move the background making it wavy and variable, like an unstable ground on which the footprints move, a testimony of evolving life. criticism and translation by Qedim Bacci

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Ferrera Monica Nasce a Sesto San Giovanni, MI nel 1972

mariefrances3@gmail.com

Amante dell’arte sin da piccola avrebbe voluto studiare all’Accademia delle belle Arti...Un Dono a suo dire...Stilista specializzata con una scuola Private di MI ha sentito un connubio con l’arte in età adulta iniziando a scrivere e trovando un senso alle sue sensazioni, dal 2016 pubblicando il suo primo libro di Poesie e nello stesso anno anche con la pittura creando su tela partecipando a molti concorsi sia letterari che Artistici aderendo a molte Gallerie Italiane che estere, riscuotendo consensi e Premi Letterari e Artistici : Foto e Pittura. Ha sentito questa grande e immensa vena Artistica continuando a scrivere Poesie e anche testi di Narrativa e Saggistica, arrivando a pubblicare nel 2019 il suo sesto libro, presente in molte Antologie con le sue tre qualità -Scrittrice-Pittrice e Fotografa. Presente sul web.

CRITICA

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Quella di Monica Ferrera è una pittura che ci invita a riflettere sulla realtà del mondo in cui viviamo secondo il suo punto di vista, e secondo i suoi ideali. Tutto è raccontato con una maestosità impressionante per dare il giusto valore alle scene rappresentate, tutto diventa energia, sentimento, impulso interiore. Sempre attratta dall’arte e dalla musica classica adora stare in silenzio in mezzo alla natura dove vive l’essenza della vita. Ed è per questo che le sue opere suscitano nello spettatore una sorta di meraviglia che travalica il senso della curiosità attestando nei confronti di chiunque una totale e piena libertà. I colori forti ed accesi testimoniano questa sua intemperanza per la vita che l’artista alterna con cromie in grado di dare il giusto valore dei soggetti ritratti. Monica Ferrera è mossa anche da un forte desiderio che scandisce i suoi pensieri e le sue sensazioni che fanno riflettere e meditare sul tema della convivialità tra gli esseri umani parlandoci come un libro aperto scegliendo di dar risalto a una produzione artistica di ampio respiro guardando all’aspetto più significativo della sua formazione trasmettendo le sue impressioni e le sue percezion. Come quando dipinge l’opera “L’audacia” dove la donna in primo piano ascende ad un modello rappresentativo di emozioni e di 141

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splendore capace di riscattare l’essenza decorativa propria della pittura.

Questo processo diviene nelle opere di Monica Ferrera un pretesto, un vero e proprio capovolgimento del mondo che mira ad una finalità che ripercorre le vicende artistiche del mondo attuale e raggiungere attraverso un uso impareggiabile della ragione un universo simile al suo contesto oggettivo ed incontestabile. Oppure quando dipinge “Pensieri” un omaggio all’attrice Virna Lisi dove il pretesto è quello di far trasparire una donna nel massimo del suo splendore scandito da un eccessivo realismo attraverso una meravigliosa fusione tra impeti di verità, spessore di sentimenti, altissima maestria tecnica, qualità di stile, intensa e a volte misteriosa poesia. Mentre in Angel Roses l’artista divinizza la donna fino a farla comparire come un angelo una figura maestosa che sovrasta la scena in un linguaggio ideale pieno di significati profondi. Ed ancora nell’opera “Nero Velluto” c’è sempre un riferimento alla figura femminile rappresentata in un contesto quasi metafisico attraverso un mondo interiore denso di intimità ed emozione poetica. Una continua ricerca delle forme e dello stile che Monica Ferrera armonizza con una forte dose di energia. Attraverso una sua ricerca personale a favore di una stesura nella quale emergono le immagini con una intonazione stilistica tra l’informale ed il linguaggio reale-figurativo. Ed è proprio l’aspetto più significativo quello che ci porta a scoprire un artista che con la sua inesauribile carica intellettiva ci fa vivere momenti legati alla sua intensa capacità creativa. Ed è così che dopo una lunga ricerca ed una approfondita sperimentazione l’artista cerca l’ispirazione e la realizzazione di immagini ravvicinate e descritte attraverso i ritmi scanditi e la linearità dialettica della poesia.

Possiamo dire, che il poeta e l’artista teorizzano lo stesso concetto estetico di sintesi, intendendo con ciò che la vena artistica continua ininterrottamente con il componimento poetico. I due aspetti si fondono perfettamente e si rivolgono nella stessa direzione. L’artista proietta le sue emozioni in composizioni su cui appone il proprio pensiero utilizzando liberamente simboli, metafore e analogie per descrivere il proprio stato d’animo. Attraverso le sue impressioni l’artista rappresenta un’umanità colta nella sua profonda complessità.

Antonio Castellana

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tuuhnL Conoscenza, 2020 Olio su tela cm 50x70

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tuuhnL Il bacio, 2020 Olio su tela cm 70x100

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Ferro Antonino Maria

www.ferroantoninomaria.com antoninoferro67@gmail.com

Antonino Maria Ferro (Mazara del Vallo 1967) è diplomato in Elettrotecnica presso l’Istituto Tecnico industriale di Mazara del Vallo, ha lavorato in diversi campi dell’industria e ha frequentato di informatica e sulla sicurezza.

Attualmente si dedica a diversi studi (come astronomia ed energia) e lavora presso l’Istituto Scolastico “San Gaspare Bertoni” di Udine. Tra le sue pubblicazioni: Nozioni sull’elettricità per giovani e giovanissimi (Aracne 2012); Nozioni sull’antincendio per giovani e giovanissimi (Aracne 2013); Interpretazione geometrica dei Simboli Cristiani (Edizioni Segno 2013); Perché la buona volontà (Edizioni Segno 2013); Un futuro possibile (Aracne 2014); Esercizi di matematica per giovani e giovanissimi (Aracne 2014); Croci geometriche (Edizioni Segno 2014); Moto perpetuo o future fonti energetiche?(Aracne 2015); Astronomia cubica (Aracne 2017); Identificazione dei corpi celesti nella mappa cubica (Aracne 2018); Ponti viadotti e cavalcavia in sicurezza (Aracne 2019); Cortocircuitatore (Aracne

CROCE CHE EMETTE IL FUOCO BRUCIANDO IL PECCATO Nel disegno viene rappresentata una croce, che emette raggi di fuoco allo scopo di bruciare i peccati. Il colore dorato della croce ha come significato l’importanza della croce nella vita dell’uomo. La Croce in “oro” a indicare il Sacrificio di Gesù, “Io, quando sarò elevato da terra, attirerò tutti a me. Questo diceva per indicare di qual morte doveva morire”.

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Sopra la croce cinque stelle in “oro” [5] ad indicare i cinque continenti dove è presente la Fede Cristiana quindi le Sacre Scritture. Lo sfondo “azzurro ad indicare l’universo, dove risiede Dio” [4]

Il disegno è stato fatto con tempera su pannello telato.

Colugna Tavagnacco

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tuuhnL Croce che emette Fuoco

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Giannella Renzo

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info@renzogianella.it www.renzogianella.it

Corona nel Vuoto smalto su tela 70x100 cm

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Giorgini Elvis

www.pitturiamo.com giorginielvis@gmail.com bElvis Giorgini velvisgiorgini_artist

Nato nel 1982, sin da subito attratto dall' arte, dalla pittura dei grandi artisti , partendo dagli affreschi nei palazzi e nelle chiese fino ai murales, graffiti e alle opere più attuali. Nel 2015 ho iniziato a dipingere seguendo un percorso da autodidatta, guidato dai sentimenti. Ho trovato sin da subito interessante e quasi necessario creare qualcosa che descrivesse le emozioni, esponendo le immagini ed i contesti creati dalla mia mente.

Quello che dipingo è la mia personale reazione a quello che mi succede intorno, i temi di attualità per esempio o comunque a tutto quello che mi impressiona, mi colpisce e mi emoziona è per me fonte di grande ispirazione. Mi identifico principalmente nello stile metafisico o nel surrealismo, anche se talvolta sento la necessità di svariare con opere astratte e più istintive. Realizzo quadri su misura e personalizzati su commissione. Sperimento tecniche come: applicazioni di vari materiali, sabbiatura, foglia d' oro. Dipingo sia su tela che su pannelli di legno, utilizzo colori a olio, acrilici e occasionalmente smalti e spray.

MOSTRE •

riconoscimento e pubblicazione sulla rivista ART NOW Serradifalco Edizioni dell' opera "Il desiderio di volare" , febbraio 2020.

- Dal 23 Aprile al 13 maggio 2020: Biennale Ville Venete – Edizione Vicenza Verona. Gli alfieri dell’arte, Castello di Marostica con 3 opere.

ANNULLATA CAUSA CORONA VIRUS - Commento audio da parte del Critico e Storico d’ arte Marco Dolfin pubblicato anche su Facebook.

- Mostra PREMIO VENETO ARTE 2020 organizzato da “ARTIST PROMOTIONS 360” a Mogliano Veneto dal 12 al 14 Giugno 2020 - BIENNALE DEI NORMANNI , Monreale dal 12 al 18 settembre 2020 con l’ opera “Natura indifferente”

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• Agosto 2017 : Critica del pittore Andrea Tassini - Cesenatico.

• - 2017/2018 : Corso di pittura a olio presso Accademia Romagna di Cesena con il maestro pittore Claudio Lasagni.

• - 05/02/2018 – 19/02/2018 : Esposizione del quadro "Malvides" al Comune di Cesena (FC) • - 10/06/2018 : Esposizione personale al Dismano Festival di Cesena, con 12 opere • - Dal 10 Novembre 2018 (Inaugurazione) : Esposizione di 8 opere per un anno presso Showroom Idroexpert di Cervia (RA) • - Dal 14 al 30 Novembre 2019 : Mostra a Palazzo Zenobio di Venezia a cura del critico d'arte Giorgio Gregorio Grasso con l' opera "La Venere e la metamorfosi" • - Premio della Critica con targa di 148

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tuuhnL Un Virus chiamato Uomo, tecnica mista cm 50x50

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Gobbi Maria Emma Originaria di Piove di Sacco (PD) dove tuttora risiede, fin da giovane coltiva la passione per la pittura ad olio. Nel 2001\2002\2003 e successivamente nel 2013\14\15 frequenta il corso di disegno, scultura e pittura "LA SCOLETTA" con il maestro Giuseppe Lotto e il docente Furio Frontini. Partecipa a mostre collettive organizzate nella Saccisica. Alla Biennale Nazionale di Pittura e Grafica “Campagnola” riceve la prima SEGNALAZIONE.

Quotazione: da 150,00 a 2.000,00 euro.

Cell. + 39 3290215566 magmariaemma@gmail.com sites.google.com/view/artegobbi/home

MEG Succinta presentazione dell’Artista “Attraverso la porta mattutina della bellezza si entra nella terra della conoscenza” George Simmel

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In seguito ha partecipato a diversi concorsi nazionali e internazionali ed a numerose mostre, collettive, di varie associazioni. Segnalata in più occasioni ha ottenuto, diversi premi e riconoscimenti. Le sue opere sono state esposte in Fiere e Gallerie: Tant Arte, D’E.M. in collaborazione con ABCO Associazione Beni Culturali Onlus, “ Ambasciata di Venezia” . Inoltre ha realizzato opere d’arte su richiesta divulgate in diversi paesi europei, ottenendo ottimi consensi.

Hanno scritto giornalisti e critici d’arte fra i quali: Giancarlo Da Lio, Alessandro Costanza, Marco Dolfin, Siro Perin, Angelo Lorenzo Dolce, Stefano

Zanus, Francesco Savina, Beunida Melissa Shani, Francesca Callipari, Giorgia Pollastri, Ives Celli, Mattia De Luca e Gianfranco Vergani.

Le sue opere sono inserite in riviste d’arte nazionali, internazionali e in quotidiani locali e regionali. Cataloghi ed enciclopedie come: Fondazione Costanza, La Feltrinelli, Mondadori, De Agostini, Amazon, Google Play Libri, Hoepli.

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CRITICA Un’artista contemporanea che rinnova costantemente la sua contemporaneità, presentando in ogni sua opera un racconto diverso ma legato da codici omogenei non solo per le tematiche affrontate ma anche dalla tecnica pittorica che le accomuna.

Osserviamo quindi varie situazioni che spaziano dal classico “olio su tela” policromatico ad opere monocromatiche, sempre ad olio ma su tela ricamata a mano. Questa peculiarità dell’artista la pone all’attenzione del pubblico anche per la sua bravura rappresentativa del corpo femminile e non, che spesso, nel primo caso, si offre come modella di sé stessa.

L’Artista Maria Emma Gobbi è presente in molti ed importanti Cataloghi d’Arte, oltre e fin dalla prima edizione nel Catalogo Internazionale D’Arte Visiva <SurVivArt> sposandone attivamente il significato: nessuno potrà limitare i confini dell’Arte!

Stefano Zanus

MOSTRE Costanza con coppa e diploma. Video dell’evento realizzato e promosso da Sound Management Corporation, Casa Discografica Pubblicazione libro, Maria Emma Gobbi. Artista d’Arte • Pubblicazione opere, con nota contemporanea. Visioni pittoriche. Casa Editrice. Feltrinelli, Mondadori, Amazon, critica del prof. Siro Perin e Attestati della I° Google Play Libri, Hoepli II° III° edizione nel Catalogo Internazionale • Esposizione della Fondazione d’Arte SurVivArt Costanza Art e Music International Digital • “Artisti in tele” Programma di arte Exhibition con Attestato. in TV sul Canale Arte Italia, frequenza 125 Nel 2021 partecipo e in diretta su youtube

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• Pubblicazione opere e recensione di Francesca Callipari, al Giornale online I Love Italy News - Arte e cultura . Inserimento all’atlante dell’arte contemporanea 2021 De AGOSTINI

• Esposizione alla 6° Edizione “Arte è donna” al Museo diocesano di Terni, con inserimento nel catalogo, video nei social e trasmissione su Sky

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Esposizione

digitale

della

Fondazione Costanza in collaborazione con “ La tua arte nella famosa Pasticceria Enea” con cover e video nel Social Web con Attestato

Esposizione digitale della • Premio Internazionale all’Eccellenza • Artistica e Professionale “Artist Pro Fondazione Costanza in collaborazione 2021 conferito dalla Fondazione 151

con l’Associazione Poliziotti di Milano 1° International Digital Art Exhibition “Union and Security” con cover e video nel Social Web. Con Attestato.

ARTE con Galleria “TANT’ARTE”

• Mostra "INTERNATIONAL ART EXHIBITION 2019" presso l'Hotel "Santa Croce Boutique" di Venezia organizzato • Premi Nazionali di Pittura a dalla D’E.M. VENICE ART GALLERY con Cordignano con attestato di Partecipazione attestazione e certificazione di merito

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II^ Edizione di "C’è POSTO per • Fiera internazionale S. Lucia di Piave • TE! 2019" Pittura, Scultura, Fotografia in (TV)“In Vinium Expo Festival dell’Arte” con la presenza di Vittorio Sgarbi e Tele Venezia concomitanza alla 58° Biennale di Venezia organizzazione della D’E.M. VENICE ART • EXTEMPORE Bocce e Colori, GALLERY con il patrocinio e la collaborazione Concorso di Pittura patrocinato dal Comune di “Consulado dell’ Uruguay Venecia” – di Venezia e il contributo della inserzione nel “AVA Associazione Veneziana Albergatori Catalogo Internazionale d’Arte SurVivArt, - Venetian Hoteliers Association” -ABCO con Attestato di partecipazione e Primo ASSOCIAZIONE BENI CULTURALI ONLUS artista Segnalato dopo il terzo Premio 2020 • 2019 I^ edizione della Mostra • Esposizione internazionale d’arte Concorso di Pittura a tema “Natura e Vivai STENDARDI - Io sono libertà-io sono forte. di Saonara” Evento organizzato da Officine Forte • 2018 Esposizione al Castello del Marghera e Rosso Veneziano • Mostra Bi-personale di Maria Emma Catajo di Battaglia Terme, con "Emergere in Gobbi e Renzo Gianella “ Emozioni” in Arte". Evento recensito e pubblicizzato dai collaborazione con D’E.M. VENICE ART media Partecipo nel 2003\4\5\6 e 2010 al GALLERY l’Assessorato alla Cultura di Piove "CONCORSO NAZIONALE DI PITTURA di Sacco e il Gruppo Artisti della Saccisica ACQUERELLO E GRAFICA - G.B. Cromer” • INTERNATIONAL ART PRIZE 2020 Arte Agna seconda edizione D’E.M. VENICE ART • 2017 Mostra personale, nella sala GALLERY con Attestato di Merito e di Cordella di Adria. Partecipo al "Concorso Partecipazione nazionale di pittura e grafica via Ruzzina" • Biennale Ville Venete 2° edizione ad Adria e alla prima edizione del "Novent “Gli Alfieri dell’Arte” Con il patrocinio del ART" a Noventa Padovana Comune di Marostica prima del covid19 • 2016 Concorso "Arte 90" di Legnaro, e del comune di Mogliano Veneto poi, vinco con l’Opera “SMS in Prato della Valle” PREMIO VENETO ARTE con attestazione di • 2015 Mostra personale di maschere partecipazione • Bauta d’Doro seconda edizione Mostra di Carnevale 2020 edizione D’E.M. VENICE ART GALLERY con attestazione e certificato di merito • Mostra mercato nazionale di Arte Moderna e Contemporanea pittura, scultura e arti visive di autori del ‘900- PORDENONE

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artistiche nella Torre Carrarese di Piove di Sacco •

2004

partecipo al 7° Concorso

di Pittura “LA CERTOSA” della citta di Vigodarzere(PD)

tuuhnL Abbraccio onirico, 2020 olio su tela 80x60 cm

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tuuhnL Bacio Stellare, 2020 olio su tela 80x60 cm

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tuuhnL Madre Terra I, 2020 olio su tela 60x45 cm

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tuuhnL Madre Terra II, 2020 olio su tela 60x45 cm

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tuuhnL Madre Terra III, 2020 olio su tela 100x60 cm

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SENSUALITÀ È

ATTUALITÀ

L'Arte di Emma Maria Gobbi è raffinata, attenta al dettaglio più nascosto, piacevole quanto provocante. Le figure femminili non lasciano trasparire alcun pudore, nella loro semplicità e purezza, appaiono nude come nei primordi, nella piena consapevolezza del loro ruolo di "femme fatale"; ammaliatrici, ma anche messaggere di principi superiori all'aspettativa comune: non sono soltanto corpi, eseguiti con maestria nei tratti della loro carne, ma anche Alma Mater, generatrici dal ruolo fondamentale e naturale; ma l'Arte di Emma non si fermaa qua, affronta tematiche disparate e tra struggenti "Abbracci Onirici" dai colori caldi e dame distese in pose lussuriose, l'occhio si getta su un richiamo di aiuto soffocante e punta l'attenzione proprio sull'uomo, inteso come entità artefice e industriosa, è il richiamo della Terra, della Natura, un richiamo all'ordine, un richiamo di aiuto "ATTENZIONE": I ghiacci si sciolgono, gli incendi, l'inquinamento...!

E' sempre l'uomo il protagonista laborioso, chino su sè stesso, disperato, con la testa tra le mani, nudo, schernito e senza protezione alcuna, è impotente di fronte a ciò che lui stesso ha creato: la disarmonia, il caos, la natura viva e femmina, soffre trascurata e usata.

tuuhnL

Non è con facilità che si affrontano determinate tematiche senza cadere nel banale, nel "visto-e-rivisto", Emma Maria Gobbi, oltre a padroneggiare la tecnica è sicuramente accompagnata da una grande forza di volontà, che le permette di affrontare le tematiche da disparate ad attuali, da semplici a complesse e concettuali, senza cadere nel "quotidiano", nel dipinto routine.

Qedim Bacci

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tuuhnL I ghiacci si sciolgono e liberano gas, 2020 Dittico- olio su tela 200 x 120 cm

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tuuhnL INCENDIO -conseguenza del cambiamento climatico, 2020 Trittico-olio su tela 210 x140 cm

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tuuhnL Tornado d'Eros Tecnica, 2020 Dittico- olio su tela 200 x 120 cm

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tuuhnL Laghetto d'Eros, 2020 olio su tela 70 x 60 cm

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tuuhnL Gemellaggio, 2020 olio su tela 120x100 cm

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tuuhnL Tsunami, 2020 olio su tela 200x120 cm

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tuuhnL Ricordi d'Infanzia, 2020 olio su tela 100x70 cm

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Qedim Bacci

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La ricerca del reale effettivo, della realtà oltre all'essere tangibile, dell'effetto della prospettiva visibile bene si accosta ai quadri di Maria Emma Gobbi.

L'autenticità, intesa come verità reale non è perfettamente riconoscibile dai colori e dalla pennelata scomposta ma compatta dei dipinti, al contrario, i principi, i ricordi e i pensieri su cui essi si fondono vanno ben oltre a ciò che si vede, ogni opera, dall'erotico al paesaggio solitario, lasciano trasparire che c'è altro per chi vuol vedere: le immagini non si fermano sulla tela, ma si protendono verso un concetto ben più profondo. In quest'opera dal titolo "Metafisicità" l'artista si astrae completamente dal reale e si fonde con l'esperienza sensibile, occupandosi di aspetti più autentici e fondamentali della realtà, secondo una prospettiva più ampia e universale possibile

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METAFISICA E REALTÀ

Metafisicità, 2020 olio su tela 60x100 cm

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tuuhnL Castelluccio da Norcia, 2020 olio su tela 100x60 cm

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tuuhnL Fuga, 2020 olio su tela 70x50 cm

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tuuhnL Amore Saffico, 2020 olio su tela 120x70 cm

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tuuhnL Blitz, 2020 olio su tela 50x70 cm

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tuuhnL Bacio inquadrato, 2021 olio su tela 60x60 cm

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tuuhnL Cuore, 2021 olio su tela 60x100 cm

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tuuhnL Angelo, 2021 olio su tela 70x60 cm

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tuuhnL Nido, 2021 olio su tela 100x60 cm

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tuuhnL Cammino, 2021 Dittico- olio su tela 60x60 cm

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tuuhnL Labirinti, 2021 olio su tela 60x100 cm

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tuuhnL Pinocchio, 2021 olio su tela 70x50 cm

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tuuhnL Mangiafoco, 2021 olio su tela 50x70 cm

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tuuhnL Foglie, 2021 olio su tela 100x60 cm

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tuuhnL Tavolozza, 2021 olio su tela 60x60 cm

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tuuhnL Leone di San Marco, 2021 olio su tela ricamata 70x60 cm

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LIBERA DAL PERBENISMO Il corpo della donna e più in generale la figura femminile, fin dai tempi antichi (si vedano le dee madri preistoriche, per esempio quelle custodite nel Museo delle Civiltà anatoliche) e poi lungo lo scorrere della storia, risulta essere uno dei soggetti più ricercati e rappresentati nell'arte.

Le motivazioni di ciò sono molteplici e hanno risvolti che toccano ambiti culturali, sociali, politici, religiosi e tradizionali (la cui trattazione richiederebbe numerosi approfondimenti che esulerebbero da questo contesto). La donna è stata quindi iconizzata in infinite e molteplici forme che vanno dal realismo più attento all'interpretazione più fantasiosa (simbolica, astratta, surrealista, ecc....), assumendo innumerevoli significati a seconda delle necessità ideali degli artisti. Anzi, il corpo stesso delle artiste è diventato vero e proprio strumento di creazione (si pensi all'opera di Marina Abramovic e, nelle forme più estreme, di Shigeko Kubota con suo vagina painting). La donna è stata rappresentata usando i più disparati supporti e materiali, a figura intera o parziale o esaltata per alcuni particolari anatomici, spesso intimi.

Anche Maria Emma Gobbi si ascrive all'interno di quella scia di artisti che si avvalgono del soggetto femminile per esprimere concretamente le loro istanze culturali e ideali.

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Ella infatti vede la donna come elemento cardine dei suoi dipinti, eleggendola a strumento simbolico della sua poetica. E sebbene M. E. Gobbi la rappresenti con un attento realismo, nel quale emerge la cura dei particolari, la stessa viene trasformata in un tramite per far riflettere l'osservatore. E questo lo si evince dal fatto che la donna è raffigurata senza veli o leggermente coperta, quindi libera da falsi perbenismi, ed inserita all'interno di svariati contesti/sfondi, in cui ella appare da sola, o mentre si relaziona con altre figure, per lo più maschili, che partono dal reale, come nel caso di alcune opere in bianco e nero, per arrivare sino al surreale, si vedano le opere a colori, in cui prevalgono atmosfere trasognanti e fantastiche.

E' chiaro che la nudità e la forte carica sensuale non debordano mai nell'ostentazione, bensì celano una duplice funzione: da una parte, affascinare ed attirare l'osservatore, dall'altra, amplificare l'effetto paradossale ed estraniante della visione per sollecitare un pensiero su ciò che si vede, sia che si tratti di una scena di vita legata alla quotidianità, sia che ci palesi un'altra dimensione. Realtà, dimensione onirica, azioni, sentimenti e stati d'animo sono dunque da leggersi come momenti/eventi della vita che, grazie alla presenza di questa donna così suggestiva, amplificano il loro valore intrinseco fino ad arrivare ad un livello così alto da meravigliare l'osservatore e fare breccia, in modo quasi indelebile, nel suo cuore e, soprattutto, nella sua mente.

E' chiaro che M.E. Gobbi non dà sfogo solamente alla sua creatività e ai suoi propositi culturali, ma intreccia il proprio lavoro con la propria biografia e la propria sensibilità, stabilendo un forte e intimo legame tra arte e vita in cui la sua soggettività assurge ad oggettività di tutti e dove gli aspetti fondamentali si ammantano di così tanta importanza da essere indispensabili.

Venezia, febbraio 2021 Siro Perin

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tuuhnL Serenata, 2020 olio su tela ricamata 30x40 cm

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tuuhnL Miss MEG, 2020 olio su tela 60x100 cm

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tuuhnL Scopriti, 2020 olio su tela ricamata a mano 45x60 cm

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tuuhnL Libertà, 2020 olio su tela a stendardo 72x136 cm

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tuuhnL Prigioniero, 2021 olio su tela ricamata a mano 70x50 cm

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tuuhnL Arrivo, 2020 olio su tela ricamata a mano 45x60 cm

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tuuhnL Reflex, 2020 olio su tela ricamata a mano 50x40 cm

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tuuhnL Morgan, 2020 olio su tela ricamata a mano 45x60 cm

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tuuhnL Urlo, 2021 olio su tela ricamata a mano 40x60 cm

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tuuhnL Mi basto, 2020 olio su tela ricamata a mano 45x60 cm

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grilloart7@gmail.com

BFrancesco Grillo Vfrancescogrillo460

Grillo Francesco occasione di un’asta collabora con il “Lions Club” Toscana riscuotendo un ottimo successo.

Non solo Tamburi ma anche Pierluigi Garofalo rimane favorevolmente colpito da ciò che Grillo realizza. Nel 2007 apre una galleria a San Gimignano in provincia di Siena e nel 2010 i suoi quadri finiscono negli archivi Mediaset grazie a Massimo Canino giornalista responsabile della regione Toscana. Dal 2010 al 2020 continua la sua ascesa artistica attraverso numerose mostre, in cui, l’artista continua ad esporre.

Il 2020 è l’anno in cui viene inserito tra i nomi illustri del libro “Annuario d’Arte Moderna Artisti Contemporanei 2020”.

Nello stesso anno riceve il titolo Menzione Speciale, con targa e diploma, per l’opera ”Donna moderna” con seguente motivazione: “Per un’ opera che rappresenta la donna del Mare Nostrum, mediterranea, bruna, armonia del corpo e pelle d’ambra, attraverso una brillante tecnica che mostra,del pittore, la buona conoscenza dell’ anatomia del corpo umano femminile” attraverso il concorso: “Premio Mare Nostrum Mediterraneo 10ª Edizione 2020 Accademia Euromediterranea. Partecipa alla collettiva d’arte a Roma ”The Room Exhibition” all’ interno di Bauhaus Home Gallery; una casamuseo dove i complementi d’arredo e il design sono desunti dalle opere stesse.

Ancora nello stesso anno ottiene: Targa di merito alla collettiva Art Event Internazional e d’Arte Bruxelles Galleria Sensi “New Concept Store”; Attestato di merito Collettiva “Mostra d’ Arte” nel prestigioso Viola Palace Hotel di Villafranca Tirrena.

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Francesco Grillo nasce a Castroreale Terme in provincia di Messina e già dai primi anni di vita sviluppa la passione per il disegno e poi per la pittura. Non si ferma di fronte alle prime difficoltà, con perseveranza e attenzione cresce in questa professione che farà di lui un ottimo autodidatta. Negli anni Novanta incontra il suo pigmaglione, Giuseppe Fortebracci, affermato pittore romano che lo aiuta a far emergere il proprio talento delineando, raffinando e perfezionando le sue qualità artistiche e quindi i suoi lavori futuri. È il 2001 quando inaugura le sue prime opere, e lo fa alla grande. La mostra prende il nome di “Horti Lamiani”, sita in via Giolitti (Roma) e la critica lo premia. È T. Tamburi a parlar bene dei suoi quadri che vengono esposti nel prestigioso palazzo Barberini.

Egli dà un elevato valore ai dipinti sia in termini economici che qualitativi. In quest’ occasione il suo nome compare nel giornale romano “Il Difensore”.

Nel 2002 ottiene un altro grande successo divenendo Professore Accademico Associato Sezione Arte della prestigiosa accademia “Greci Marino” di Novara. Negli anni, i suoi lavori si espandono su Territorio Nazionale e Internazionale. Il giornale “Il Tirreno” lo cita durante le sue mostre in Toscana e afferma “ I quadri di Grillo Francesco vanno a ruba tra i vip”.

Anche “Desarts” parla di lui. Il talento lo porta ad esporre a Stia(AR) durante la terza mostra nazionale di pittura ma anche a Sanremo, in Costa Smeralda, Pisa, Ferrara,Volterra, Pontedera, Roma, Giappone, Irlanda, Germania...In

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tuuhnL Nudo, 2020 tecnica mista su tela 50x70 cm

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Girasole, 2020

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tecnica mista su tela 50x30 cm

Pesche, 2020 tecnica mista su tela 49x30 cm

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Groja Lucio

Il tappeto orientale, 2020 olio su carta Fabriano 70x100 cm

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CRITICA

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Agli amici di “Arte Vera”, con questo post, presento un singolare e gramscianamente “intellettuale organico”. Un uomo-artista formatosi primariamente nel terreno dell’impegno sociale e delle lotte per migliorare le condizioni dei lavoratori a Porto Marghera. Lucio Groja è un protagonista e un testimone delle lunghe e difficili vicende per difendere la salute e la sicurezza dei lavoratori all’interno dello stabilimento Petrochimico (Enichem) di Porto Marghera. Ma è stato anche un difensore della libertà e della democrazia in anni in cui il terrorismo delle Brigate Rosse imperversava nel territorio veneziano, fino a giungere, il 3 Luglio 1981, ad assassinare il direttore del Petrolchimico Giuseppe Taliercio. Nel presentare l’artista Lucio Groja, non potevo non partire dal dato biografico e dire che il geometra divenuto responsabile dell’ingegneria civile dello stabilimento veneziano ha avuto sempre, oltre all’impegno civile, anche la passione per l’arte e la cultura. Assieme all’amico poeta Milo Polles, anch’egli dipendente del Petrolchimico, lavorò assiduamente per organizzare eventi culturali a favore dei lavoratori, chiamando importanti artisti a dipingere opere di gran valore, oggi presenti all’interno della sala convegni e di assemblee sindacali e politiche del capannone del Petrolchimico. Il suo impegno pittorico nasce nel 1963 frequentando a Mestre lo studio dell’artista Domenico Boscolo “Nata”. Prosegue il tirocinio artistico seguendo gli insegnamenti di Vedova, Pizzinato, Guidi, Borsato e delle nuove generazioni di qualificati artisti come: Luigi Voltolina, Luigi Viola, Gianfranco Quaresimin. Entra in contatto con gli esponenti autorevoli della “Scuola di Burano” E. Trevisan, V. Felisati, G. Mioltello.

Dal 1965 si data la sua presenza in mostre collettive e personali, sia sul territorio veneziano e nel resto d’Italia. Importante è la sua presenza all’interno della mostra “60 artisti a sostegno del popolo palestinese”, come pure nella rassegna “Le montagne del cuore” al museo Murer di Falcade e “Dialogo segreto: le dolomiti di Dino Buzzati”. Nel 2012, ha fatto parte dei 6 artisti nella contro-biennale per il padiglione Venezia. Fin dall’inizio del suo impegno creativo, Groja sente forte il bisogno di raccontare le vicende umane che lo coinvolgono quotidianamente. Ma anche la necessità di approfondire la conoscenza della storia dell’arte per cui s’immerge nel dibattito sempre vivo a Venezia. Tanto che, assieme al poeta Polles e all’artista Gianni Trevisan organizza all’interno del Capannone del Petrolchimico la 1° biennale “Arte-lavoro in fabbrica”.

Le sue preferenze espressive rimangono e si sviluppano soprattutto attraverso l’arte figurativa e i cicli pittorici sono legati alle nature morte, ritratti, nudi, paesaggi montani, composizioni floreali. Nel 2003 inizia il suo nuovo percorso creativo, dopo essersi trasferito a Somor una piccola frazione di Falcade e il suo studio diviene luogo di eremitaggio ispirativo. La tavolozza “rinasce” attraverso la prevalenza di verdi, di intensi azzurri, e tutte le sfumature di marroni e grigi rosati delle montagne dolomitiche, anche se continua a misurarsi con i colori caldi sempre presenti nelle opere degli anni precedenti. Il paesaggio cambia ed entra appieno nel silenzio del suo messaggio, tutto si ammorbidisce, il tratto si rilassa e l’attenzione dell’artista si sposta verso l’ammirazione delle emozioni elementari per le piccole cose della quotidianità. I colori vivono potentemente attraverso calibrati bilanciamenti, non c’è dissonanza, ma una incessante e meticolosa attenzione verso l’equilibrio sia delle forme e sia delle tonalità. I tagli di luce, non colti dai bianchi puri, ma prodotti da un’attenta preparazione di mescolanze di colori con toni più o meno forti, conferiscono alle opere una capacità di donare la vita alle sue rappresentazioni.

I suoi lavori, anche quando insiste nella rappresentazione di eventi storici ritenuti importanti (come l’omicidio di Che Guevara), non sono manifestazioni di pessimismo e di rinuncia alla vita, ma vengono definiti con le visioni ottimistiche che risiedono nel miracolo delle piccole cose, del fluire della vita che scorre imperterrita attraverso le stagioni, la limpidezza della luce e lo slancio delle “sue” montagne.

Pino Bonanno 197

tuuhnL Il Marzenego visto dal Ponte delle Erbe, 2020 olio su carta Fabriano 70x100 cm

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tuuhnL Divertimento pittorico, 2021 olio su cartone cm 30x33

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G u b b a t i Va l e r i a VAGU Valeria Gubbati (in arte VAGU) vive e lavora a Mestre, Venezia; autodidatta, ha conosciuto e frequentato gli studi dei Maestri Corrado Amadi, Millo Bortoluzzi e Bruno Saetti. Espone da parecchi anni e numerose sono le sue personali e collettive, italiane ed estere; ha partecipato a concorsi e manifestazioni d’arte segnalandosi con successo. Le sue opere sono presenti in diverse collezioni pubbliche e private. L’artista è tra i primi fondatori del Museo degli Artisti Contemporanei del Terzo Millennio a Policastro Bussettino nel Convento di San Francesco.

CATALOGHI/ANTOLOGIE/ATLANTE/ RIVISTE - Catalogo Bolaffi Arte - Catalogo Dell’Arte Moderna ed. Giorgio Mondadori - Atlante dell’Arte Contemporanea ed. De Agostini - Enciclopedia d’Arte Italiana- Milano - Albo degli Artisti Urbis et Artis - Roma - Arte Collezionismo - Art Market Shop

- EA Effetto Arte - Euro Arte - Il Grande Canale della Pace - Italia Arte - Museo MIIT Torino - Ad Art New Artist - SurVivArt

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MOSTRE • “D.O.C. Artisti su cui investire” e “Trofeo Internazionale d’Arte ARTE IMPERO “ a cura di Paolo Levi • Selezioni

d’Arte

Contemporanea

“ • Nel 2018 espone a New York presso la

ITALIANI”, “MAESTRI” e “ECCELLENZE

galleria d’arte RIZZI GALLERY con la

MUSEALI”

mostra dal titolo “ Rosa Italiano” a cura del giornalista Raffaele De Salvatore

• Esposizione d’Arte Contemporanea a 200

cura di Vittorio Sgarbi – “INTERNATIONAL VISION” / “Nuove Espressioni” a cura di Sirio Perin – D’E.M. VENICE ART GALLERY.

• Arte Padova

- Mostra Mercato d'Arte • Mostra permanente a Torino, Accorsi Arte Moderna e Contemporanea

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• “PREMIO VENETO ARTE 2020” c/o Centro • In permanenza MACO Museum Veroli (FR) Sociale Città di Mogliano Veneto

Nemesi tecnica mista su legno 80x100 cm 201

tuuhnL Creazione, 2017 Tecnica mista su tela cm 20x30

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tuuhnL La memoria dell'acqua

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tuuhnL Sotto l'albero, 2021 Tecnica mista su legno cm 85 x 125

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tuuhnL Paesaggio fantastico, 2021 Tecnica mista su legno cm 85x120

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tuuhnL Angeli-Il Guardiano della soglia, 2019 Tecnica mista su tela cm 46x82

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tuuhnL Angelo del sostegno, 2018 Tecnica mista su tela

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tuuhnL Manifesto della Mostra I miei 111 passi -Anda Hotel-

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tuuhnL L'attesa, 2019 Tecnica mista su tela cm 100x150

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tuuhnL Ritorno tecnica mista su legno 100x100 cm

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tuuhnL Ali d'Amore, 2021 Tecnica mista su legno cm 70 x 90

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tuuhnL Angelica mente, 2019 Tecnica mista su tela cm 60x70

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La Pro Loco di Martellago, non potendo fare le solite manifestazioni causa pandemia, ha voluto comunque dare un segno di colore, di gioia e di rinascita ai paesi di Martellago, Maerne e Olmo e soprattutto ai tanti bambini.

Il Presidente con alcuni soci e volontari, ispirandosi a mostre che si tengono nei paesi dell’est, ha deciso di acquistare una cinquantina di uova in polistirolo ed invitare alcuni artisti della zona a dipingerle per poi metterle nelle varie piazze.

L’iniziativa è stata ben accetta da tanti artisti e, nonostante la grande difficoltà di dipingere su quel materiale, la riuscita è stata ottima e molto ammirata da tutti con recensioni in molti giornali e Tv, inoltre grazie alla Tele Pro Loco, le uova dipinte sono state viste in tutta Italia.

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Marina Bergamo Presidente Probiviri Pro Loco di Martellago

Presenza in vetrina Caberlotto, marzo 2021 ARTE é DONNA

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UOVO PASQUALE Acrilici Tecnica Mista su polistirolo In quest'opera l'autrice si stacca dai suoi abituali colori che richiamano ombre che offuscano la mente ma si è espansa verso il colore. Gialli arancio, la luce vuole uscire ed il volto ancora nascosto tra le linee, osserva la metamorfosi dell'anima. È fede, fiducia che quel verde appena abbozzato sia foriero di primavera, di rinascita.

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Giorgia Pollastri 15 marzo 2021

UOVA-Dopo il dolore la Rinascita!

2021 H= 100 cm

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tuuhnL UOVA-Dopo l'inverno si risveglia la natura e i bucanevi spuntano dal manto innevato verso il sole!

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tuuhnL Sacro sangue, 2021 Tecnica mista su tela

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Diciamo pure che la libertà è qualcosa di vago La sua assenza non lo è

Rodrigo Rey Rosa

L IBERA D I E SSE R E È si faticoso di vivere senza libertà … senza poter scegliere e vivere secondo chi sei, quale prodotto sociale che fa numero e, se non produttivo … inutile, invisibile a chi ha il potere di fare. È si faticoso non poter fare quel che il cuore sente e desidera!

Vorrebbe dovrebbe …

Libera di poter fare, forse, nella mente.

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Valeria Gubbati

B113c_Mi chiamo Libertà!_Tecnica mista su tela-cm 100 x 150_2019

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Gurrera Filippo

info@filippogurrera.com filippogurrera@libero.it www.filippogurrera.com

Gurrera Filippo Pittore nasce nel 1984 il 25 gennaio a Palermo. Giovane ex pugile, pur conseguendo il titolo di campione regionale decide di lasciare la boxe per dedicarsi alla pittura. Egli intraprende studi di Pittura presso le Belle Arti. Nelle sue prime opere vi sono molte vedute urbane, folle, architetture, interpretate come se si trattasse di un sogno. Filippo parla della realtà di tutti i giorni filtrata dal nostro subconscio e restituitaci sotto forma di sogno. Porta avanti la sua ricerca basandosi sulla luce e sul colore, in particolare sulla porzione di luce che il nostro occhio riesce a percepire cercando di trasporla sulla tela attraverso la distruzione della figurazione. Sarebbe naturale chiedersi come si fa a parlare al tempo stesso di figurazione e astrazione nella stessa opera, in realtà non si tratta di due generi diversi, ma di un lento passaggio che lo ha portato ad analizzare il paesaggio naturale non più soltanto per la sua rappresentazione realistica ma a filtrarlo attraverso una visione personale. Il paesaggio naturale nasconde sempre aspetti oscuri e misteriosi che cerca di sviscerare e raccontare come per esempio in “Fontana di petrolio”,è questa componente losca ad attrarlo,in quanto un bosco meraviglioso apparentemente incontaminato può trasformarsi attraverso l’intervento umano in qualcosa di spaventoso. Assume altre volte un valore simbolico e sacrale come nel quadro “Apparizione” in cui l’elemento dell’acqua riporta agli elementi primordiali e al tempo stesso al rituale religioso.

Utilizza la realtà, ma per distruggerla e ricreare una sorta di realtà alternativa in cui i suoi segni riportano alla mente l’idea di elettricità e movimento creando cosi una dimensione astratta.

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MOSTRE Nel 2004 comincia a fare le sue prime esposizioni presso i cantieri culturali della Zisa di Palermo. Nel 2006 partecipa ad una collettiva presso i cantieri culturali della Zisa organizzata da Marco Cingolani ed Alessandro Bazan dal titolo “Nervi Saldi “e nello stesso anno esegue una mostra per il comune di Palermo. Nel 2008 gira un cortometraggio di 24 minuti intitolato “Never the first one” con la partecipazione di tredici pittori italiani. Nello stesso anno viene recensito per alcuni giornali come “Cronaca vera” , “Inside”, e dal “Giornale di Sicilia”. Nel marzo 2009 partecipa ad una collettiva insieme ad artisti come Davide Nido, Francesco Lauretta, Dani Vescovi dal titolo “Copio Proietto Incollo”. Nel 2010 realizza una 218

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persona presso l’Université de valenciennes et du Hainaut-Cambresis, Lille Francia. Nel 2015 parteciperà alla “Biennale d’Arte di Palermo” e nel 2020 riceverà il “Premio Arte Cairo Editore” e il “Luxembourg Art Prize”.

Gallo Rosito, 2020 Olio su tela 40x40 cm

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tuuhnL Bagnata, 2020 olio su tela 20x30 cm

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tuuhnL È Primavera, 2020 Olio su tela 80x70 cm

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tuuhnL Tratto, 2020 Olio su tela 80x60 cm

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tuuhnL Befreiungsversuche 80x120 cm. 2021

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Kriechbaum Helmut

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psypoint@gmx.at

Il Dr. Helmut Kriechbaum è nato nel novembre 1970 in Austria. Successivamente agli studi di psicologia e psicoterapia si dedica ad un settore remoto al suo ambito professionale: lo studio dell'Arte e in particolare della scultura e della ceramica presso l'Art University of LinzAustria. Nel frattempo questa nuova grande passione lo porterà a ritirarsi completamente dalla professione di psicoterapeuta per dedicare la sua vita alla pittura e alle arti in generale. Riguardo alla sua pittura, egli stesso riferisce: "Il fatto che tutta la mia vita sia sempre stata caratterizzata dalla pluralità trova espressione anche nei miei dipinti e nel mio lavoro con le sculture. In sintesi si può dire che il mio stile nella pittura è associato al tachismo.

Come psicoterapeuta, spesso il subconscio era il focus nel mio lavoro. Ed è il subconscio quello che viene mostrato nelle mie opere d'arte."

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tuuhnL Der Gefangene acrilico su tela 100×100 cm

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Kuzina Mariia A seguito di studi specifici nell'ambito della Grafica e dell'editoria presso il National Technical University of Ukraine nel 2013, presterà presso lo stesso come assistente docente.

zepennikova@gmail.com

MOSTRE • • • • • •

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University, House of culture Kyiv Polytechnik Institute, Kiev Ukraine 2016 III All-Ukrainian Triennale book graphics, The National Union of Artists of Ukraine, Kiev Ukraine 2016 My road to myself, exhibitionperformance, Center for Contemporary Art DAH, Kiev Ukraine 2021 Sil’-Sol’ online art promotion by Marat Gel’man&EuvgeniyKaras’ (facebook platform) 2020 Sil’-Sol’ online art promotion by Marat Gel’man&EuvgeniyKaras’(facebook platform) 2018 Blue Show Colors of Humanity Art Gallery (exhibition online platform)

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• 2018 National Exhibition of painting, The National Union of Artists of • Ukraine, Kiev Ukraine • 2017 II National Exhibition of abstract painting, The National Union of Artists • of Ukraine, Kiev Ukraine • 2017 Talented women, House of culture Kyiv Polytechnik Institute, Kiev • Ukraine • 2016 CONTEMPORARY VENICE – Architectures of Identities, Palazzo Ca’ • Zanardi, Venice Italy • 2016 Art-Reviviscence, art-project, Ukrainian House – Center of national • idea, Kiev Ukraine • 2016 Women of National Technical

CURATRICE • • • • 230

2018 FONTS: New generation (students exhibition), National Sanctuary Complex “Sophia of Kiev”, Kiev Ukraine 2017 LIFE: Illusion / Reality (students exhibition), House of culture Kyiv Polytechnik Institute, Kiev Ukraine

tuuhnL Intimità, 2020 olio su tela 60x80 cm

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The worldwide pandemic changed all my plans. Personal income fell, it was necessary to change the usual way of all costs. Before the quarantine restrictions, my daughter was born, which also changed the course of possible employment. I wanted to hold a series of exhibitions and art shows, but due to changes in the budget, I had to cancel everything. Now I plan to hold an exhibition on the banks of the river and in the park on the lawn, so that no one can restrict me with quarantine prohibitions. Therefore, I look forward to good weather, warmth and inspiration. Now I have changed my occupation a little in order to adapt to modern needs, I began to paint on clothes, accessories and develop prints for fabrics and design for sportswear.

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La pandemia mondiale ha cambiato tutti i miei piani. Il reddito personale è diminuito, è stato necessario cambiare il solito modo di tutti i costi. Prima delle restrizioni di quarantena, è nata mia figlia, che ha anche cambiato il corso del possibile impiego.

Volevo tenere una serie di mostre e mostre d'arte, ma a causa di cambiamenti nel budget, ho dovuto cancellare tutto. Ora ho intenzione di tenere una mostra sulle rive del fiume e nel parco sul prato, in modo che nessuno possa limitarmi con divieti di quarantena. Pertanto, non vedo l'ora che arrivi il bel tempo, il calore e l'ispirazione. Ora ho cambiato un po 'la mia professione per adattarmi alle esigenze moderne, ho iniziato a dipingere su abiti, accessori e sviluppare stampe per tessuti e design per abbigliamento sportivo.

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tuuhnL Tuman- Flying over the ground, 2021 olio su tela 70x70 cm

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tuuhnL Boats, 2021 olio su tela 70x50 cm

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tuuhnL Never- never fear failure, 2021 olio su tela 40x50 cm

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La Neve Marcello

Il silenzio dell'attesa, 2020 olio su tela 70x50 cm

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Lodi Albertina Albertina Lodi nasce a Modena nel 1957. Attratta fin da giovanissima dalle arti decide di frequentare non soltanto le Magistrali ma anche l’Istituto d’Arte al corso di Decorazione Pittorica, percorso di studi completato poi presso l’Accdemia di Belle Arti di Bologna con indirizzo pittura nel 1981. Per un anno frequenterà anche un corso di Cartonist dove apprenderà l’utilizzo dell’areografo tecnica che assieme alla pittura e alla grafica la porteranno ad affermarsi come designer e grafica pubblicitaria presso un suo studio privato. La sua voglia di conoscenza la porterà a contatto con lo scultore modenese Paolo Sighinolfi che l’avvicinerà alla scultura in terracotta. Tuttora vive ed opera a Modena.

MOSTRE Albertina ha esposto molteplici opere di pittura e scultura in diverse mostre collettive a Modena, Guiglia, Castelfranco Emilia, Castelnuovo, Reggio Emilia, Correggio e Grosseto e Treviso.

Sarà anche selezionata con una scultura alla Prima Biennale d’Arte di

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Palermo del gennaio 2013.

Piovra

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CRITICA Il concetto di arte per Albertina Lodi è da intendersi come espressione dell’animo umano che si concretizza in un messaggio sensibile diretto alle persone che lo possono captare. Ma quando questo viatico comunicativo, afferma l’artista, è inficiato dalla relatività e dal pressapochismo, esso genera rifiuto ed incomunicabilità perché diviene solo mero e vuoto iconismo. Su tali presupposti concettuali, Albertina Lodi attribuisce alla sua arte l’intenzionalità di agevolare e facilitare la veicolazione, attraverso idee raffigurate, del messaggio allo spettatore, in modo che questo possa giungere ad una auto riflessione interiore protesa a favorire i buoni sentimenti. Così facendo, ella vuole dunque colpire il cuore di colui che osserva le sue opere, per indurlo così ad una maggiore comprensione di se stesso: questa però non è da intendersi come la sola acquisizione di un dato di fatto razionale, derivato dall’osservazione, ma come la possibilità di giungere alla felicità. Per concretizzare visivamente tale tramite all’auto comprensione, da parte del fruitore, ed alla successiva acquisizione di questa felicità del capire, l’artista si avvale di una sua passionale e personale interpretazione della fiaba:

essa è da intendersi come una narrazione nella quale l’elemento fantasioso, positivo ed edulcorato si mescola alla crudezza concreta della storia vera. In tal modo quest’ultima appare più mitigata e perciò compresa più piacevolmente. Ma non è tutto.

Albertina Lodi trasforma i soggetti reali in personali ed affascinanti metafore: in tal modo la figura umana o animale, le costellazioni di segni e di svariate immagini, quali ad esempio l’occhio da intendersi come specchio dell’anima, o la mano da leggere come manifestazione dell’esistenza umana, nonché le molte raffigurazioni mitologiche danno un universo costellato di simboli da leggersi come una sorta di paradigma riflettente, nel quale l’osservatore può rispecchiarsi, riconoscersi, riflettere e perciò…essere felice. In fine per rendere ancora più conturbante questo suo pseudo-mimetismo l’artista, sul piano esecutivo, lo arricchisce con una politecnicità, tra cui spicca l’uso dell’aerografo, strumento, che sapientemente da lei usato, accentua l’atmosfera favolosa dei soggetti.

Siro Perin

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Sogno Natura

albertinalodi@gmail.com https://albertina14.jimdo.com www.premioceleste.it/artista-ita/idu:22370

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Marenghi Leonardo Diviso tra Venezia e Urbino, il giovane artista vicentino ha completato gli studi artistici all'Accademia di Belle Arti di Venezia. Durante gli ultimi due anni accademici ha svolto la mansione di assistente presso i laboratori di litografia e xilografia. Da sempre l'artista unisce il binomio scultura e incisione, lo stesso afferma: " Trovo un'analogia tra l'atto di scolpire e quello di incidere.

Negli ultimi anni sto realizzando xilografie di grande formato che mi permettono di muovermi liberamente dentro e sopra l'opera ".

MOSTRE Este, curated by Centro di cultura La • Medusa • Grafica della 102ma collettiva, Venice, curated by Bevilacqua La Masa • Miniprint exchange, Paese, curated by Valeria Bertesina • Miniprint Paese, Paese, curated by Valeria Bertesina • Mirror Face to Face 2019 - Italian and Portuguese Artist Exhibition, Villa Caldogno • Caldogno, curated by Valeria Bertesina • Global Print Douro 2019, Douro, Portugal, curated

by Nuno Canelas • Mirror Face to Face 2019 - Italian and Portuguese Artist Exibition, Qu.Bi Gallery • Vicenza, curated by Valeria Bertesina 2018 • 3rd Bienal International de Miniprint, Laguna Paiva, Argentine, curated by Proyect Arte • International Triennial of Graphic Art Bitola 2018, NI Institute and museum Bitola • Macedonia, curated by Vlado Gorenski • Mirror Face to Face 2018 - Italian and Chilean Artist Exhibition, Villa Caldogno • Caldogno, curated by Marchant Rubilar and Valeria Bertesina • 9th International Printmaking Biennial of Douro 2018, Texeira de Sousa, Portugal, • curated by Nuno Caselas • Interazioni - L’Arte incontra l’Archeologia, Museo

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2020 • Biennial do Douro 2020, Douro, Portugal, curated

by Nuno Canelas • 4th International Printmaking Triennial, Belgrade, Serbia, curated by Suzana Vuckovic • 4th Bienal International de Miniprint, Laguna Paiva, Argentine, curated by Proyect Arte • Mini maxi print Berlin 2020, Berlin, Germany, curated by Galleri Heike Arndt • Carnello Carte ad Arte XXXIV, Museo civico della Media Valle dei Liri, Sora, curated by • Andrea Lelario • 7th Biennial FOOTPRINT, Center for Contemporary Printmaking in Norwalk, Connecticut, • United States of America, curated by Jane Kinsman • The International Biennial of Miniature Arts Timisoara 2020, West University of Timisoara • - Faculty of Arts and Design, Romania, curated by Valentina Ștefănescu • 11th kochi International Triennial Exhibition of Prints, Ino-cho Paper Museum, Kochiken, • Japan, curated by Tosa-washi International Committee 2019 • Questione di Segno, ex pescheria, Este, curated

by Centro di cultura La Medusa • 4 PaperMade, Palazzo Fogazzaro, Schio, curated

by Valeria Bertesina • Questione di Segno bis, chiostro di San Francesco,

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• Inspiro, Scuola internazionale di Grafica, Venice, curated by Farbod Ahmvadt and Stefano • Mancini • Vivarium, Magazzini del Sale, Venice, Academy of Fine Arts of Venice • Carnello Carte ad Arte, Museo Civico della Media Valle, Sora, curated by Loredana Rea • International Art Forum Graphics“Leopolis”, Lviv, curated by Roman M.Biliavskyi 2015 • biancoNERO, Associazione Culturale Internazionale “Atelier 3+10”, Venezia Mestre • curated by Saverio Simi de Burgis • Solchi, Stamperia Busato, Vicenza • 10 Artisti per Hagal, Galleria Argo, Trento, curated by Collettivo Coyote • A site specific process on Satellite, Fusion Art Center, Padova, curated by Giovanna • Maroccolo and Marta Fassina • Carnello Carte ad Arte, Museo Civico della Media Valle, Sora, curated by Loredana Rea 2014 • Giorgione partitura per un romanzo, Galleria del Liceo Artistico di Treviso, Treviso • curated by Paolo Fraternali • Canis Latrans, Magazzini del sale, Sale Docks 2, Venice, curated By Collettivo Coyote • Cà Bembo, Venice, curated by Collettivo Coyote • Guerra e Pace, B52, Vicenza, curated by Collettivo La Qasba • Biosalus Art 10.25, Teatro Sanzio, Urbino, curated by Associazione culturale Lab 43 for print

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Nazionale Concordiese, Portogruaro • Mirror Face to Face 2018 - Italian and Chilean Artist Exhibition, Qu.Bi Gallery • Vicenza, curated by Marchant Rubilar and Valeria Bertesina • Mirror Face to Face 2018 - Italian and Chilean Artist Exhibition, Parque de las • Escolturas Santiago del Cile, curated by Marchant Rubilar and Valeria Bertesina • The First International Biennale of Lithography, Parobrod cultural istitution, Belgrade, • curated by Marko Kalezic 2017 • 10° Premio Internazionale Biennale d’Incisione Città di Monsummano Terme, Museo di • arte contemporanea e del Novecento, Monsummano Terme, curated by Marco Giori • Carnello Carte ad Arte XXXI, Museo civico della Media Valle dei Liri, Sora, curated by • Loredana Rea • GazzeraArtVenice, Forte Gazzera, Mestre (Venice), curated by collective of artist • Just Under 100, International Print Center New York, New York, selected by Katherine • Bradford • Paper Against Cement, Galerija Stab, Belgrado, curated by Alberto Balletti and Marco • Trentin • Artistic holy cards “modern intrepretations for devotional images”, Fiera di Vicenza • Vicenza, curated by Luca Gori 2016

Isidora 240

Eufemia

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Eutropia

Laudomia 241

Margari Franco Vive e lavora a Firenze. Inizia la sua esperienza artistica in campo grafico negli anni ‘80 e si specializza in tecniche incisorie, dai primi anni ‘90 si dedica contemporaneamente anche alla pittura.

www.margarifranco.com

In questo arco di tempo ha qualificato la sua attività espositiva partecipando a numerose collettive di prestigio e ha allestito molte personali, tra le più importanti quelle del 2000 alla Galleria Art Point Black con la quale ha presentato per la prima volta il suo ciclo “Orizzonti”, così come in quelle al Centro d’Arte Puccini e alla Villa Medicea di Poggio Imperiale. Si ricorda inoltre la mostra del 2004 al Museo Diocesano di Firenze con 12 lavori ispirati al Vangelo di Giovanni, uno dei quali è presente nella collezione contemporanea del Museo e quella al Consiglio della Regione Toscana, dove ha esposto 20 lavori di intenso astrattismo evocativo, uno dei quali fa parte della Pinacoteca Regionale. Sempre nel 2004 ha partecipato al Concorso Internazionale Firenze e ha vinto il primo premio fiorino d’oro per la pittura.

francomargari@hotmail.it

MOSTRE

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Ha fatto parte, nel 2006 del movimento “NE5” con altri 4 artisti fiorentini, coi quali ha partecipato a vari eventi fra i quali il più importante la mostra al Palagio di Parte Guelfa a Firenze. Ha fatto parte del gruppo d’Arte sperimentale KPK (Kantiere post Kontemporaneo) col quale ha allestito installazioni di grande rilievo come “SEARCHING FOR” alla Loggia del Grano a Firenze e “ESPANSIONEPROIEZIONE a Palazzo Medici Riccardi sempre a Firenze, con lo stesso gruppo ha avuto l’opportunità di allargare la sua esperienza artistica anche nel campo della Performance contemporanea. Nel 2008 è presente al padiglione arte italiana a Pechino in occasione delle Olimpiadi, una sua opera fa parte della collezione del CONI. Nel 2010 inizia una collaborazione con la Galleria americana Damoka Gallery che lo porta a fare due personali a Los Angeles e a New York.Una importante personale è stata nel 2011 nei prestigiosi spazi del Circolo degli Artisti Casa di Dante a Firenze in occasione dei 150 anni dell’Unità d’Italia. Si ripete nel 2013 sempre negli stessi spazi presentando i suoi ultimi lavori del ciclo “Respiri degli elementi“.Nel 2016 altra personale di rilievo alla Chiesa sconsacrata di Santa Maria dei Laici a Gubbio. Le ultime presenze dei suoi lavori sono nel 2016 ad Amsterdam all’Istituto di Cultura Italiana, nel 2017 a Berlino presso Galleria The Ballery, a Londra ART MOOR HOUSE, nel 2018 a Stoccolma GALLERIA SVEA. Mosca GALERIA MASTERSKAYA LEGA. Nel 2019 gli è stato conferito il Fiorino d’Argento per la Grafica a Palazzo Vecchio a Firenze. Numerose sono le presenze in collezioni pubbliche e private.

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CRITICA L’artista approda all’informale, mantenendo un solido substrato ‘grafico’, proveniente dalla sua consolidata preparazione nel campo del disegno e della figura, qualità indispensabile anche per gli artisti che, con la loro opera, si distanziano dalle forme riconoscibili e prospetticamente costruite. Le sue forme astratte, - continua Trotta - disegnate con la plastica materica, increspata e tormentata del colore (talvolta dalle lontane eco tardogotiche della pittura tedesca di Matthias Grünewald o dei ‘segni’ moderni di Georges Rouault) dato con decisione attraverso ampie e veloci pennellate, disegnano linee spezzate ed elementi primari, spesso diedri elementari di cristalli, scomposti e frantumati in una sorta d’esplosioni vitali. Ma è la luce, una luce bianca e pura come quella sognata dall’Umanesimo, che interviene plasmando e modificando la materia inerte.

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Giampaolo Trotta

Una Possibile Via di Fuga, smalti acrilici, olio e colle su lamina metallica dm. 80 cm 243

tuuhnL Paura di Volare, tecnica mista su lamina metallica e legno 100x75 cm

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tuuhnL Doppio Confine, tecnica mista su lamina metallica e legno 100x75 cm

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Masi Michela

Luce, acrilico su tela 70x100 cm

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michelamasi18@gmail.com www.michelamasi.eu

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via Paolo Veronese 2/A 40133 Bologna (BO)

Union Religions, matita chiaro-scuro, pennarelli china punta fine, sfondo fotografico digitalizzato A3 – ridimensionabile a scelta fino a carta da parati per pareti intere

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Michielan Elisabetta BETTY Nata a Noale (Venezia) nel 1965, ho sempre avuto la passione per l'arte ma solo nel 2011 inizio un corso, il "laboratorio dell'acquerello" a Scorzè (VE), con il maestro Gianni Trevisan, acquerellista e incisore.

Dal 2014 ho partecipato ad altri corsi di disegno e pittura con il maestro Gianni Gobbo.

MOSTRE

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2012 collettiva, "laboratorio dell'acquerello", Villa Orsini (Scorzè, Venezia) 2012 collettiva, Villa Farsetti (Santa Maria di Sala, Venezia) 2013 collettiva, "laboratorio dell'acquerello", Villa Orsini (Scorzè, Venezia) 2013 collettiva, (Zianigo, Venezia) 2014 collettiva, "laboratorio dell'acquerello", Villa Orsini (Scorzè, Venezia) 2014 collettiva, "mostra di disegni e dipinti", Torre Campanaria (Noale, Venezia) 2014 collettiva, "Arte in parco", (Spinea, Venezia) 2016 personale, (Gardigiano di Scorzè, Venezia) 2017 colletiva, Extempore e Mostra di pittura, Auditorium S.Salvatore (Martellago, Venezia) 2018 personale, "Fiera degli antichi mestieri", (Conzano, Alessandria) 2018 personale, Galleria Prosdocimi, (Noale, Venezia) 2018 colletiva, "Arte in Loggia", (Noale, Venezia) 2019 personale, "Fiera degli antichi mestieri", (Conzano, Alessandria) 2019 colletiva, "Settima Biennale Internazionale delle arti visive", Villa Farsetti (Santa Maria di Sala, Venezia)

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tuuhnL Scorcio Veneziano, 2021 olio su tela cm 25x35

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tuuhnL Gondoliere, 2021 olio su tela cm 50x70

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tuuhnL Aspettando...barche al lago, 2021 acrilico su tela cm 25x35

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tuuhnL Incanto, 2021 acrilico su tela cm 50x70

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Modin Mauro Chi guarda chi? Come dipingere lo sguardo, disegnando con precise e fugaci pennellate, pupille, occhi, ciglia? Un segno, uno solo, veloce e determinato, un solo colpo in canna, o tocchi che si appoggiano sulla tela? Impossibile lo sguardo, non si vede, non si rappresenta. Non so dire cosa vedo, posso immaginarlo, posso crederlo, ma sfugge, tranne in un caso, un solo estremo caso: Mauro Modin. Attraverso le sue dita lo sguardo emigra dalla sua insituabilità e ci affronta, ci coinvolge. Lo sguardo si sottrae? Non più, diventa condizione della curiosità.

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Nei ritratti dei musicisti che hanno viaggiato a più titolo con il maestro, l’inganno delle immagini toglie il velo per mostrarsi nella sua sincerità.

La lealtà di questa pittura transita dal cuore musicista di Mauro Modin per farsi catturare, per restare con chi per un caso, per un attimo, per un’avventura si è trovato lì, davanti a queste tele avvolgenti, lo spazio di un istante infinito.

Quando si scrive il nome artista? Quando un’opera è tutt’uno con la mano? Forse.

Non c’è significazione realistica, razionale, oggettiva, possibile per questi volti, per questa scrittura della musica, poiché se ne sente la voce, l’armonia, ogni goccia di colore ci appare come una nota, scritta?

Composta? Suonata? Spartiti colorati mescolano questo suo messaggio di vita che porta con sé la profondità, a volte malinconica, ma sempre, sempre amabile.

Non accade mai di uscire, se si riesce a farlo! da una sua mostra ed essere ancora quelli di prima. Spettatori tinti da quel colore che cola nell’anima, in quei segni precisi, artistici, sottili ordinati nel loro debordamento, nella loro imprevedibilità. Noi stessi? Non più...

Mauro Modin si regala attraverso la sua pittura inquieta ma sicura, colmando sì il viaggio, ma come un vento che dà la direzione e non abbandona mai.

Roberta Coletti

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QUANDO I COLORI SUONANO I colori suonano quando raggiungono un cromatismo bilanciato che satura lo spazio attraverso la creazione dell’immagine del jazz, nei ritratti di coloro che sono il jazz, i testimoni di questo straordinario corpus musicale.

Per il maestro d’arte Mauro Modin, che interroghiamo intorno al suo denso e straordinario viaggio della vita, il jazz è soprattutto ricerca e trasformazione. Lo attrae questa assoluta verità del musicista jazz che non rincorre rappresentazioni di icone già consolidate. “ci sono sempre suoni nuovi da immaginare, nuovi sentimenti da sperimentare” J.Coltrane In che modo questo non esserci mai fine a ciò che non è stato ancora suonato, si trasforma in ciò che non è ancora stato colorato, dipinto emerge già dal primo sguardo di chi varca la soglia del suo atelier.

Dopo tanto girovagare nell’etere della telematica, finalmente riusciamo a vedere le opere del maestro Mauro Modin dal vivo, nella loro dimensione reale. In atelier! Chissà se il maestro ha creduto al pretesto:” le serve qualcuno che pulisca i pennelli? Che le prepari i fondi?” la fantasia era intono all’icona dell’artista: malinconico, un po' chiuso in sé stesso, tra le nuvole, distante e forse autoreferenziale. Ci riceve invece, una persona gentile, allegra, che scherza e gioca con le parole, si prende in giro e prende in giro, assente qualsiasi falsa modestia. Ci viene un dubbio: forse non si rende conto della straordinarietà dei suoi quadri, eppure un grande lavoro è stato fatto, un grande impegno in quell’intreccio tra la ricerca del colore e la storia che ciascun musicista emana.

Jazz, volti, figure di musicisti in posture aderenti allo strumento che suonano, pittura. La musica fonda il pittore che crea, a sua volta, in un volto, attraverso precisissimi tratti, la storia, il pensiero, l’esperienza, la memoria dandone voce, nel senso di vocazione.

Vorremmo intervistare i pennelli: “tu così piccolo, tu a spatola o tu così grande e morbido, quanto colore avete assorbito su di voi, per poi lasciare la traccia sulla tela?” Le tele aprono braccia immense per assorbire tutto ciò e trasporlo nell’infinito.

L’atelier, se prende così intensamente per i quadri, lo fa anche con l’abbondanza dei libri d’arte, dei cataloghi, degli assemblages, dei disegni, delle installazioni, delle incisioni, delle invenzioni: oggetti del quotidiano come sedie, tavoli trasformati in opere d’arte, in materiale vivo e da vivere.

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Un pomeriggio nell’atelier di Mauro Modin! Viene da chiedere al nostro ospite se possiamo fermarci anche per la sera e perché no, tornare domani! Se possiamo restare con lui finché ogni dettaglio si trasponga nel nostro viaggio.

Lo specifico dell’artista è la creazione poiché come in un teatro, la sua maestria cambia la scena, sensazioni mai tristi, note divengono colore vivo, vitale, nell’aria c’è un cuore che pulsa, lo godiamo fin nei più sottili colamenti di viola, di seppia, di azzurro, di rosso, percorsi sui quali perdersi per ritrovare istanti intensi e improvvisamente felici. “i colori sono i miei amici!” precisa il maestro.

Nei colori c’è il jazz, c’è il dettaglio della bocca di Sade, il labbro di Bill Evan che trattiene una indifferente sigaretta, c’è lo sguardo e ci chiediamo come sia possibile dipingere non solo gli occhi, ma anche tutto ciò che questi occhi hanno scorto in tutte le costellazioni vissute.

Molteplici tecniche pittoriche e una costante ricerca sui materiali in ciascuna opera sono il risultato di una vita interamente dedicata all’arte e immersa nel mondo del cromatismo.

“Ma – dice ironicamente Philippe Daverio guardando una mostra tenutasi a Milano nella fantastica location della Fabbrica del Vapore – come fa uno come lei con una faccia così da “buono” a fare quadri così forti?”

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Questo contrasto affascina come un enigma irrisolto che non ha significazione in quanto appartiene alla genialità di chi fa dell’inquietudine intellettuale una forza straordinaria e la dipinge con dei rossi ardenti, infiammati messi in moto dalla sua caparbia dissidenza.

Mauro Modin nasce a Bergamo il 19/07/1963, ma poteva essere anche un’altra città, un altro paese poiché lui viene dall’infinito dell’arte, dal suo artificio.

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Roberta Coletti

ph. by ALEX RUFFINI

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Eric Dolphy,

Eric Dolphy, 35 x 50 cm

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100 x 150 cm

D. Gillespie,

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120 x 90 cm

G. Benson, 150 x 100 cm

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Trombone Shorty Live,

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60 x 50 cm

Jazz collage, 60 x 90 cm 258

Jazz collage, 60 x 120 cm

John Coltrane, 100 x 150 cm

Il messaggio musicale trova accoglimento anche attraverso la tecnica del collage, che si avvale di fotografie, materiali inediti, dischi e copertine di vecchi dischi uniti tra loro da un nesso fatto di pennellate veloci, di getto, intrise di gocciolature. Un modo di dare nuova voce e scrittura alla sua collezione di libri di fotografie, creando costantemente letture inedite.

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Roberta Coletti

Jazz collage, 60 x 60 cm

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Questo anno di difficile segregazione non è rappresentato né dai grigi, né dai neri, Modin non può rinunciare ai colori. Nel quadro Pubblico live in concert ogni partecipante è apparentemente incorniciato in un piccolo schermo, ma non c’è nessuna riduzione, perché ciascun volto attraverso il colore esce da questa ironia della sorte per trovare il suo infinito, nei blu, nei rossi, nei gialli, nei verdi, nei viola trova la sua presenza.

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Roberta Coletti

Pubblico, 60 x 60 cm 260

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E' l'ora di ascoltare della buona musica 235x75x53 cm

Una sedia trasformata in opera d'arte, un collage che rappresenta il valore storico della musica, un orologio che segna il tempo del godimento e del piacere che dà la musica, mentre un fiore aggiunge solarità al tutto.

Roberta Coletti 261

Moreno Eduardo arteduardomoreno@gmail.com

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Fin da giovanissimo, esposto con intensità ad ogni forma d'arte e alle diverse discipline, il ballerino Eduardo Moreno riscopre, dopo dieci anni da esperto di progetti ambientali e sociali, l'astrazione come un nuovo modo di esprimersi artisticamente a tutti i livelli confermati. "Forse il mondo mi ha cambiato più di come ho cercato di cambiarlo". Poi fondatore del Design - Art - Concept Studio - Gallery - Store, tramite cui afferma una sua personale proposta che si esplica verso l'emotivo e lo spirituale nell'estetica e la tecnica, il trasmisibile, il trasmesso e il definitivamente sigillato dall'altro, a volte anche all'identificazione artista o artista - spettatore.

Vampire, 2020 tecnica mista su cartone 30x20 cm 262

Paloma Ludovica Ludovica Paloma è nata e vive tutt’ora a Venezia.

Ha sempre cercato diverse forme di espressione: dalla danza classica che le ha fatto compagnia durante la sua infanzia , fino a trovare nel 2000 un grande compagno di vita il “Tango”.

Grazie allo studio dei classici greci e latini che l’hanno fortemente influenza nelle ricerca delle forme e del bello, questa passione viene celebrata nei suoi scatti che hanno l’intento di fermare il tempo e narrare frammenti di emozioni .

fataturchina667@gmail.com

bv

Ludovica Paloma

Fotografa per gli eventi più importanti di tango in Italia, nel 2019 è stata artista ospite presso lo spazio espositivo dell’artista Caroline Lepinay durante La Biennale d’Arte di Venezia

Ludovica Paloma has born and lives in Venice.

She has always looked for different art expressions: from classical dancing, since she was a child, to the Tango dance in 2000. Thanks to the humanistic studies she has been influenced in seeking shapes of beautifulness and this passions celebrated in her pics with which she wants to stop that time and tell about emotional fragments.

She takes photos of the most important Tango competitions in Italy, 2019 has been a host artist in the exhibitions space of Caroline Lepinav during the Biennale d’Arte di Venezia.

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translation by Qedim Bacci

Onyricon, fotografia

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tuuhnL Visions, fotografia

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tuuhnL Trascendent, fotografia

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tuuhnL Gente di Mare, fotografia

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tuuhnL Gente di Montagna, fotografia

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Pavan Sandro

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Autodidatta, figurativo, impressionista. Ama dipingere la Mestre storica. Studio in Via S. Donà a Carpenedo Mestre. Sue opere si trovano in collezioni pubbliche e private, italiane ed estere specialmente in Germania. Suoi “murali” sono a Ro (FE), Cà Savio (VE) e Bordano (UD). Ha tenuto personali e collettive in tutta Italia ed all’estero a Novigrad, Buiè (HR); Istambul (TR), Washington, Las Vegas (USA); Hong Kong (HK), Palma De Mallorca (E) e Tokyo (J). Ha ricevuto molti Premi e Riconoscimenti; appare in 38 Cataloghi, 17 periodici e molteplici pubblicazioni. Molti critici e addetti ai lavori hanno scritto di Sandro Pavan, in particolar modo il prof. Flavio Andreoli che nel 2006 gli ha dedicato un fascicolo con riflessioni e critiche sul suo lavoro.

Provveditoria di Mestre, acrilico su tavola 40x60 cm 268

tuuhnL Piazza Mestre verso le Barche, acrilico su faesite 37x53 cm

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Pecorari Eleonora

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Eleonora Pecorari,anno 1992 friulana di origini. Appassionata di fotografia nel tempo libero ama immortalare alcuni momenti della vita quotidiana.

Nascono così le sue foto, carpe Diem il motto del suo lavoro

Croazia Marinaia

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Vie

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tuuhnL Casa

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Peruzzo Stefania

... e venne l'inverno, acrilico su faesite 50x70 cm

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Pietrafitta Paola Vanessa Paola Vanessa Pietrafitta nasce a Messina. Fin da bambina, il richiamo della pittura, la spinge a fare i primi passi verso il disegno artistico, in particolar modo verso varie impressioni pittoriche da lei create. Oltre queste opere, si dedica ad immagini figurative, scopre il Bricolage, oltre la pittura, ha un’altra grande passione, il restauro. Spesso, con piccoli accorgimenti, da una visione innovativa al prodotto finito. La Posizione Artistica della pittrice Paola Pietrafitta viene valutata DAL’ACCADEMIA INTERNAZIONALE D’ARTE MODERNA DI ROMA, Inserendola nei suoi registri come socia di merito.

Le sue opere figurano in collezioni private e pubbliche.

pietrafittapaola@yahoo.it

Maria Teresa Prestigiacomo

www.gigante.com/paola-pietrafitta

MOSTRE • 2019 collettiva di pittura con due pittrici Barcellonesi Nella Parisi e Maria Zarcone alla “Villa Liberty” Barcellona P.G. • 2019 Partecipa inoltre ad una estemporanea d’Arte di beneficenza organizzata del’ associazione • “Lions Club” presso “ Giardini Oasi” • 2020 Partecipa al Primo Memoriali Antonio Bucolo donando alla famiglia una Gigantografia raffigurante un ritratto, la pittrice viene premiata con una targa.

• 2020 Collettiva di Pittura alla galleria GAMeC Centro Arte Moderna a Pisa dal 1976 espone con Artisti famosi e affermati, in particolare con Giuseppe Viviani pittore noto in toscana e in particolare con il famosissimo Renato Guttuso.

• 2020 Partecipa con L’ACCADEMIA DEI BRONZI di Catanzaro, al premio di pittura” Mattia Preti”e viene premiata tra tanta artisti ricevendo un riconoscimento di

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• 2011 Partecipare a un estemporanea di pittura La nostra terra a colori MarchesanaTerme Vigliatore ricevendo un riconoscimento di merito.

• Nel 2016 Espone con la sua prima mostra alla “Villa Liberty” di Barcellona Pozzo di Gotto.

• La mostra ha suscitato grande entusiasmo e approvazione anche da parte di personaggi pubblici.

• I lavori da lei presentati sono stati: figure in bianco e nero, figure statiche, figure in movimento su juta.

• 2016 collettiva di pittura “Galleria civica seme d’arancia” • 2017 collettiva di pittura” ex. Pescheria” • 2018 collettiva di pittura “Galleria civica seme d’arancia” • 2018 collettiva di pittura piazza San. Sebastiano , Barcellona P.G. • 2019 collettiva di pittura ”Villa liberty” 274

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“Segnalibro d’Artista” in mostra nella Libreria Mondatori Book store a Messina la seconda tappa coinvolgerà la Antica libreria di Catania la terza vedrà protagonistaBiblios Caffè di ,Siracusa ela quarta la biblioteca Civica diCapo d’Orlando.

2020 Partecipa a una mostra collettiva Online con la fondazione BellasArtes incontro internazionale di artisti di tutto il continente, di arte e cultura per il bicentenario del indipendenza diGuayaquali, Ecuador.

2020 Partecipa a una collettiva d’arte a Roma The Room Exhibition, all’interno di Bauhaus Home Gallery Una casa museo dove i complimenti d’arredo e il design sono desunti dalle opere stesse.

2020 Partecipa a una mostra collettiva di arte contemporanea virtuale dal titolo “come una barca nel bosco” organizzata da Ossimoro Art Gallery Torino.

2020 Partecipa al Premio Mare Nostrum Mediterraneo premiata del Accademia Euromediterranea delle Arti di Messina premiata nella sezione PitturaMinzione Speciale con targa e diploma.

2020 Partecipa agli Oscar dell’Arte 2021 viene premiata per la sua professionalità Artistica con la statuetta diploma di merito e certificato di autenticità dell’operato Articolo.

2021 Partecipa alla D’E.M. Venere Art Gallery al premio Mini Gold classificandosi il secondo posto.

2021 2’Concorso nazionale di pittura “FilicusArte “ha avuto un pregusto successo vincendo il 1’ Premio.

2021 Partecipa al Premio San Valentino L’amore e tutti i giorni organizzata dal’Accademia Euromediterranea delle Arti di Messina premiata nella sezione Pittura menzione Speciale premiata con medaglia e diploma di merito.

2021 Partecipa con l’accademia Internazionale il Convivio Verzella, Catania Premio di Arti figurative “Antonello da Messina “ed 2021 viene premiata col diploma d’onore 2021 Partecipa Annuario d’arte Moderna artisti contemporanei 2021con artisti affermati come De Chirico, Fontana, Botero, ecc con quotazione da 4.000.00€ a 10.000.00€

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merito sezione pittura.Ealla 1’ edizione GIOVANNI PATARI viene selezionata tra tanti Artisti, e partecipare a libro, Pagine di Arte e Poesia, il volume si trova risiede nelle più importanti Accademie delle Belle Arti e Biblioteche italiane.

2020 “Soli,insieme “mostra collettiva di arte contemporanea , galleria Ossimoro Art gallery, Torino 2020 Partecipa al Trofeo internazionale tavolozza d’argento e viene premiata con la tavolozza d’argento un attestato di merito, è una pagina sulla rivista Art Now. 2020 Viene inserita nel Archivio storico Universale delle Belle Arti ,Centro Accademico Maison d’art di Padova. Premiandola con il diploma honoris causa Maestra d’Arte, è Diploma Accademico dell’albo d’onore di Artisti Italiani.

2020 partecipa a una collettiva Online “Albo artisti creativi” rivivendo un riconoscimento di merito.

2020 partecipa a una esposizione d’arte in Villa Primo Levi . Ricevendo un riconoscimento artistico sezione Arte e Pittura premiata per la dedizione e l’impegno costante è profuso al Arte e Pittura e di aver dato lustro alla città di Barcellona 2020 Nell’importante Viola Palace Hotel di Villafranca Tirrena partecipa ad una collettiva “Mostra d’Arte “ricevendo elogi ed un attestato di merito.

2020 Partecipa alle Biennale Internazionale Arti Visive 2020 Hotel Martinez Affacciato sulla Baia di Cannes questo Hoteldi lusso sito lungo il famoso viale Promenade de la Croisette a Cannes .Salon Cytrus - Francia ,la pittrice viene premiata con un attestato di merito.

2020 Partecipain una collettivaArt Event Internazionale d’Arte Bruxelles Galleria Sensi “new concept store “premiata con una targa di merito.

2020 Partecipa tra tanti Artisti affermati Internazionali alla Biennale Internazionale per le Arti Visive 2020 “La Palma D’ORO “al Hotel il Principe a Venezia.

Viene premiata l’opera “campo di primavera” con la palma d’oro il diploma è una critica su pergamena e catalogo internazionale.

2020 Partecipa alla Mostra d’Arte internazionale

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La pesca, 2020

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tecnica mista 80x50 cm

Per una pittura che ritrae un momento vibrante di emozioni del Mare Nostrum: la pesca del tonno, la mattanza, dunque una pittura evocatoria di miti storia e leggenda del mare Nostrum, declinata attraverso una tecnica brillante e funzionale ad esaltare il dinamismo scenico e l’esecuzione dell’azione del pescatore Maria Teresa Prestigiacomo

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Nella natura morta, la composizione formale rivela un vigoroso disegno nella severa purezza cromatica che primeggia nello sfondo terroso, mentre la soffusa luminosità si modula armoniosamente sui dati figurali e valori chiaroscurali, in cui allega una solitudine romantica nel suggestivo gioco dei contro luce, rendendo l’immagine lirica con un senso fantastico nell’essenzialità caravaggesca per un nuovo linguaggio d’arte.

Cesto di fichi, 2020 tecnica mista

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Natura morta con cavallino, 2021

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tecnica mista su tela 120 x 80 cm

Pecsatori al tramonto, 2021 tecnica mista su tela 50 x 70 cm

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Quintavalle Alfio Pittore autodidatta, partito dal più tradizionale paesaggio veneto è arrivato all’informale puro attraverso la rappresentazione di momenti angoscianti degli interni di fabbrica e di preziosi e vissuti muri e portoni.

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Partecipa a moltissimi premi e concorsi espone in collettive e personali, sue opere si trovano in Argentina, Francia e Belgio; in Italia principalmente a Torino, Bergamo, Firenze, Milano e Palermo.

In particolare hanno scritto di lui, Guglielmo Gigli e Giulio Gasparotti.

Natura morta, 2020 tecnica mista 50x70 cm 279

tuuhnL Composizione su tela, 2020 tecnica mista 50x70 cm 280

Reveylant

reveylant@libero.it www.reveylant.it

Revelant Tarcisio, in arte REVEYLANT, nasce a Magnano in Riviera, in provincia di Udine, il 06 luglio 1950. Si trasferisce poi a Tarcento, dove visse per diversi anni. Fin da giovane frequenta lo studio del maestro e pittore Marino Rossi di Tarcento, Udine. Per motivi di lavoro si trasferisce a Malcontenta di Mira Ve, dove attualmente vive e lavora. Gli inizi della sua pittura appaiono contrastanti e dopo una lunga pausa dedicata alla ricerca della sua identità artistica, Reveylant cerca di esprimersi in diverse tecniche: acquarello, tempera, olio, acrilico, fino ad approdare alle terre naturali colorate provenienti da paesi africani e medio orientali dove si è recato sia per lavoro che per turismo e a seguire la linea del divisionismo- puntinismo,tecnica pittorica nata in Francia alla fine del 1890 dai pittori Georges Seurat e Paul Signac, grafica, che tuttora esprime ed esegue. L’esecuzione delle sue opere risulta molto lunga.

Dopo un minuzioso e particolareggiato disegno di base a matita, procede con un piccolo pennino di acciaio depositando le terre colorate sciolte in piccoli contenitori di vetro o acciaio con della colla arabica aggiunta come medium, innumerevoli punti di colore sul cartoncino fino a formare l’immagine. Per completare un’opera di medie dimensioni cm.20x30 servono circa 35-40 ore di lavoro. Ha esposto in gallerie nazionali ed estere. Numerose sono le sue partecipazioni ad importanti rassegne e molti riconoscimenti conseguiti. Le sue opere sono uniche.

MOSTRE • Personale presso il palazzo delle esposizioni in Rio Terrà a Caorle nel 1992; • Primo premio al “Centro culturale artistico S. Rocco” di Cesena nel 1993; • Medaglia d’argento al concorso “Arti figurative e grafica” di Ponzano nel 1993; • Terzo premio per la grafica al “Centro culturale Serenissima” nel 1993; • Premio speciale della giuria per la grafica al “Premio internazionale di pittura e grafica città di Codogno”, Milano, nel 1993; • Secondo posto al premio nazionale

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• Recensioni di Paolo Rizzi, Piera Piazza, Orfango Campigli, Gabriella Niero, Lucia Majer, Giorgio Pilla, Patrizia Fiasconaro, Carla D’Acquino, Mario Cossali.

• Secondo premio al “Centro culturale Serenissima” di Venezia nel 1992; • Primo premio al “Centro culturale Serenissima” di Venezia nel 1992; • Terzo posto al premio nazionale “Città di Treviso” nel 1992; • Terzo posto al premio nazionale “Salvatore Fiume” di Strà nel 1992;

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2003; 2° Premio al settimo concorso regionale “Luigi Tito”, Dolo, 5 Ottobre 2003; Esposizione annuale alla galleria “Cassiopea”, Roma, 21 Febbraio 2004; Personale al Palazzo Scotti, Treviso, 7-19 Maggio 2004; Menzione all’internazionale Arte Biennale Malta 2005; Personale nelle sale del museo di Villa Pisani di Strà, Venezia, dal 1° al 11 Settembre 2005; Personale alla Galleria “La Scoletta” di Venezia, dal 16 al 30 Settembre 2006; Personale alla Villa Gualtieri Morosini, Mirano, dal 2 al 11/5/2007; Personale nei locali del Presidio Militare di Venezia, dal 7 al 22/12/2007; Personale nei locali del Circolo degli Artisti di Venezia, dal 3 al 27/01/2008 1° Premio al 12° concorso regionale “Luigi Tito”, Dolo (Ve), dal 14 al 21/09/2008.

Personale nei locali dell’agriturismo ”Al Falconiere” Tarcento (Ud), dal 01/03 al 31/05/2009; 1° Premio al 5° concorso di pittura “Artisti in parco” Spinea 17/05/2009; Personale al Circolo degli Artisti di Venezia dal 02/02 al 14/02/2010; Personale nei locali del Circolo Unificato del Presidio Militare Ve dal 16/02 al 28/02/2010; Personale al Museo di Villa Pisani di Strà Ve dal 25/09 al 03/10/2010; Arte Sotto i Portici 14-15-16/05/2011 Bologna; Esposizione alla galleria “Dell’Europa” Parigi dal 16/04 al 14/05/ 2011; Targa della giuria al premio”Renato Nardi” Ve 24/09-09/10/2011; Personale al Centro culturale “Maison D’Art” Padova 15-10/04-11/ 2011; 1° Premio all’expo internaz. indetta dall’ONU “Il richiamo della foresta” Stra Ve 2011; 1° Classificato “Arte in parco” Spinea Ve 23/09/2012; Personale presso la galleria Maison D’Art

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“Salvatore Fiume” di Strà Ve nel 1993; Esposizione alla 42esima Fiera del Quadro presso la galleria S. Vidal a Venezia nel 1994; Primo premio al 19° concorso nazionale al”Centro Culturale S.Rocco” Cesena 021994; Primo premio al 6° concorso nazionale di pittura e grafica, Dolo, Venezia, nel 1994; Secondo posto al centro culturale artistico Serenissima 1994; Premio rappresentanza al “Premio d’arte città di Breno”, Brescia, nel 1994; Personale nei locali del golf club di Ca' della Nave a Martellago, Venezia, Ottobre 1994; Medaglia d’argento alla mostra di pittura e grafica a Paderno di Ponzano Veneto, Tv, nel 1994; Medaglia d’argento al premio “Agazzi”, Bergamo, Aprile 1995; Palma d’oro ed esposizione alla quattordicesima Rassegna del C.C.A.V. per il centenario della Biennale Internazionale d’Arte di Venezia 1995, ex Scuola dei Lanieri S. Croce; Terzo posto al Premio Estate Trevigiana piccolo formato di pittura-grafica, nel 1995; Esposizione “Arte Agna”, Padova XXXVI Edizione concorso nazionale di pittura grafica; Primo classificato ex-equo per preferenze di pubblico alla Rassegna Nazionale Miniopere Galleria Tiepolo Udine, nel Marzo 1997; Premio speciale Assess. Cultura Venezia al 2° conc. Miniquadro “Le Quattro Stagioni”1997; Secondo posto per la grafica al premio “Bepi Spolaor”, Mira, Venezia, nel Marzo 1998; Secondo posto al 14° premio Marghera “Renato Marinato”, 1998; Collettiva alla galleria “Lazzaro by Corsi” di Milano, 28 Maggio-11 Giugno 2000.

Personale nelle sale del museo di Villa Pisani di Strà, Venezia, dal 23 al 30 Marzo

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• AFFORDABLE ART FAIR 17-20 Marzo 2016 Milano • Pubblicazione su "Maestri sezione d'arte" a cura di Vittorio Sgarbi • Pubblicazione su rivista "Effetto arte" Direttore Paolo Levi, 2016 • Partecipazione a "Arte States" Casa editrice E.A. 2016 • "EART shopping la tua arte in vetrina" progetto a cura di V. Sgarbi • Collettiva alla D.'E.M.Venice Art Gallery 20/10-12/11/2017Mestre Ve • Selezionato al concor."visioni urbane e industriali" 18-30/11 17 Ve • Esposiz."Internenational visions"19-12-'17-7-1-'18 con V. Sgarbi • Esposiz. "L'incanto del gesto" Gall. San. Vidal Ve 17.03>11.04.2018 • Esposiz. " te Coseano" Coseano Ud 10 -06-2018 • Personale a Palazzo Libera a Villa Lagarina (TN), 1/6-7/7/2019

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Padova dal 20/10 al 20/11/2012; Esposizione ad “Arte Padova” 2012; Personale a palazzo Frangipane Tarcento Udine dal 04 al 12 maggio 2013.

Collettiva alla mostra “Verona Contemporanea” a Palazzo della Gran Guardia 1-15/07/2013; Personale nei locali della trattoria “Villafredda” a Loneriacco di Tarcento (UD) dal 3/10/2013 al 30/4/2014; Personale nei locali di CastelBrando di Cison di Valmarino Tv, dal 04/02 al 31/04/2014.

Esposizione Arte Padova dal 14 al 17/11/2014 Collettiva presso la galleria San Vidal alla Scoletta dal 20/12/2013 al 06/01/2014 Collettiva "ART EXHIBITION" ex macello Padova 15-05/02-06-2015 Esposizione "ARTE PADOVA" 14-17 Novembre 2014 MoMART ART EXHIBITION 15 Maggio 2 Giugno 2015 Padova

L'albero geloso, puntinismo-grafica 30x50 cm

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Chiaro di luna,

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puntinismo-grafica 30x20 cm

Il colore dell'autunno, puntinismo-grafica 35x55 cm 284

Rigolli Milena Nato a Fiorenzuola d’Arda, Italia nel 1963, area in cui Giuseppe Verdi, Luigi Illica e Antonio Stradivari sono nati nel mondo della creatività, e Leonardo Da Vinci ha raccolto fossili dal vicino Castell’Arquato, non ancora 10 anni, grazie alle visite dello zio Danilo Crovetti, pittore residente a Firenze, ha avuto il suo primo sguardo nel mondo dell'arte.

Crovetti dipinge paesaggi figurativi. Milena vive a pochi chilometri dalla sua casa natale, a Terenza sulle colline dell'Appennino Emiliano, tra i vigneti di Gutturnio e Ortrugo. La sua casa, occupata da molte generazioni da un membro della famiglia, sorge nei pressi del vigneto di famiglia.

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www.milena-ri-art.com milena-ri@gmail.com

Gökotta, 2020 pigmenti organici su carta 70x100 cm 285

Rizzo Nicola

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erkla@libero.it www.rizzonicola.it

Ricordi, 2020 olio su tela 70x70 cm 286

Rossi Cristina

YA G O Cristina Rossi nasce a Torino il 14/12/64, dove tutt'ora risiede e lavora.

Usa

lo

pseudonimo di Yago, il nome del suo

affezionatissimo border collie.

Ha seguito diversi corsi di pittura presso l'Accademia di Belle Arti di Torino.

MOSTRE

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• Ho esposto presso la galleria Satura di Genova in diverse occasioni quali SATURA , GENOVA ART EXPO 20 ed altre • Ho esposto presso l ex ospedale psichiatrico di Genova nel 2017 e 2019 .

• Ho partecipato al concorso Premio Mestre di Pittura nel 2017 e 2018 e 2019 con intenzione di partecipare anche nel 2020 • Ho esposto a Paratissima 2018 a Torino, • In diverse occasioni presso la galleria d’ arte di Matera di Gina Affinito. Interessante è stata la mostra con collaborazione con l ‘ unione italiana ciechi ed ipovedenti a Lecce.

• Esposto a Treviso alla fiera del miniquadro • Inoltre a due vote a Fiano romano presso l’ associazione Giarte, due volte a Palermo al concorso Cuore d’ artista, a Firenze, a Este, a Venezia al concorso la Bauta d’oro • Partecipazione on-line al premio Lexenia prima edizione con l intenzione di partecipare anche nel 2020 e al concorso Eneganart • Esposto al castello di Cavagliano in occasione della mostra selezione XIII Biennale di Roma 287

tuuhnL Covid

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tuuhnL cristinarossi1264@gmail.com

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Svyatoslav Ryabkin In Italia le opere dell’artista Il pittore Svyatoslav Ryabkin è nato nel 1965 nella città di Zhitomir in ucraino Svyatoslav Ryabkin Ucraina, quando faceva ancora parte dell’Unione Sovietica. Ha studiato all’università di Kharkov conseguendo una formazione scientifica. sono promosse dal gruppo L’arte ha iniziato ad entrare nella sua vita abbastanza presto, quando è andato a convivere con la donna che sarebbe diventata poi sua moglie.

“Amici di Ryabkin” Lei era una pittrice e ha avvicinato l’artista alla tecnica della pittura ad olio su tela tralasciando i pastelli che avevano contraddistinto i suoi tramite il sito primi lavori. Il loro appartamento era ricco di tele, tavolozze e pennelli da sembrare uno studio artistico. Il suo matrimonio non è durato a www.ryabkin.tk lungo ma gli ha portato due grandi gioie: una figlia e la pittura. Nel tempo Svyatoslav, chiamato Slava dagli amici, ha trasformato la pittura curato dalla blogger Elena nel suo lavoro sperimentando una personale stesura del colore che Sechet, autrice delle recensioni contraddistingue le sue opere. Il colore, spesso vivido e intenso, viene e dei testi. steso copiosamente sulla tela, spalmato con una spatola e infine rigato È possibile ottenere ulteriori con la punta del manico del suo pennello. informazioni sull’Artista tramite l’e-mail Con l’indipendenza dell’Ucraina l’artista ha avuto la possibilità di

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organizzare le sue prime esposizioni personali nelle città di Kiev (nel ryabkin.andclaudio@gmail.com 1996 nella Galleria Nikolay’s House e nel 2009 nella Galleria 36) e Karkhov (dal 1997 al 2005 nella Galleria DAIS) riscontrando l’interesse di connazionali e collezionisti stranieri. La profonda crisi economica che ha segnato l’Ucraina dal 2008 ha avuto ripercussioni anche sulla vita dell’artista che, malgrado il periodo e grazie al sostegno di qualche amico mecenate, ha potuto proseguire con successo il suo lavoro vendendo le opere all’estero e iniziando ad esporre regolarmente in Italia dal 2013.

Nel nord Italia ha esposto nella Galleria Villa Simion di Spinea in molte occasioni avendo stretto una collaborazione continuativa e presso il Centro d’Arte e Cultura Brolo e l’Abbazia benedettina a Mogliano Veneto. Nel 2016 ha partecipato alla mostra collettiva presso la Galleria d’arte contemporanea Elle a Preganziol con un’opera che ha ottenuto un giudizio lusinghiero da parte della critica. E l’anno seguente ha tenuto una mostra permanente nella corte Banca Santo Stefano a Martellago.

I suoi quadri hanno impreziosito le pareti di ristoranti (l’Osteria Arman a Treviso e Per.Gola a Martellago) e del Salone di bellezza Lui e lei a Mogliano Veneto in cui è stato organizzato uno splendido evento con vari ospiti tra cui un volto noto della televisione.

Le opere dell’artista sono state esposte anche nella Sala del Giubileo di Trieste e presso il Castello di Duino. Nel 2019 Ryabkin è venuto per la prima volta in Italia lasciando la sua Mirgorod, città termale ucraina, in occasione di una mostra d’arte a lui dedicata organizzata presso l’Hotel Danieli di Venezia negli spazi del Salone Dandolo. Oggi i suoi quadri fanno parte di numerose collezioni private in molti Paesi tra cui l’Italia, la Russia, la Polonia, l’Uzbekistan, l’Azerbaijan, la Repubblica Ceca, l’Inghilterra, l’Irlanda, la Germania e gli Stati Uniti oltre l’Ucraina dove l’artista tuttora risiede.

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CONTESTO STORICO “FURIA CIECA”

Light in the Window, 2020 olio su tela cm 80 x 60

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Nei primi mesi del 2020 il pittore Svyatoslav Ryabkin ha realizzato molti nuovi oli su tela, costretto a casa dalle restrizioni della quarantena dopo la diffusione del Coronavirus o “furia cieca” come lo chiama lui. Il virus ha causato grande instabilità in tutto il mondo portando l’aumento della disoccupazione, gravi perdite economiche e casi di depressione. Più un Paese soffre la povertà, sostiene l’artista, più è vulnerabile agli eventi negativi. Ryabkin accusa indignato le autorità secolari e spirituali ufficiali di diffondere fake news sulla pandemia attraverso i media. Auspica alla verità e alla giustizia; combatte ogni forma di disinformazione perché considerata maligna alla stregua del virus. Ha trovato conforto dal senso di smarrimento e sfiducia nelle Letture del Vangelo da cui trae la forza per guardare con speranza al futuro. Inoltre, sta vivendo anche la critica situazione di aspro conflitto tra le forze militari ucraine e quelle separatiste delle repubbliche di Donetsk e Luhansk che continua dal 2014 nel Donbass sul confine in Ucraina orientale. E ad aprile un altro allarme ha preoccupato le regioni di Kiev e Zhitomir (la sua città natale): molti incendi boschivi si sono diffusi velocemente nelle zone adiacenti la centrale nucleare di Chernobyl facendo temere una dispersione, attraverso il fumo, delle radiazioni ancora presenti nel terreno. Ma Ryabkin ha imparato a tenere duro.

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tuuhnL Road, 2020 olio su tela cm 80 x 70

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tuuhnL Khorol River, 2020 olio su tela cm 60 x 45

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TEMATICHE KHOROL RIVER

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L’artista Svyatoslav Ryabkin raffigura e interpreta con il suo stile personale un linguaggio espressionista figurativo. Dipinge ambientazioni favolistiche lasciandosi ispirare dal mondo animale e dell’infanzia. Reinterpreta le proporzioni stimolando nuove percezioni visive, in particolar modo nelle immagini surreali che appartengono alla sfera onirica. Come gran parte del popolo ucraino Ryabkin ha un radicato senso religioso che manifesta in molte sue opere raffigurando Cristo e gli angeli. Spesso però inserisce solo un simbolo della cristianità, come un pesce, una capra e sulla linea dell’orizzonte alcune piccole croci dorate delle chiese ortodosse che veicolano il significato di fede nella risurrezione e speranza dell’esistenza del paradiso dopo la morte. Le sue opere più realistiche riguardano ambientazioni di interni con scene di quotidianità, ma predilige omaggiare la natura con paesaggi rurali spopolati.

Ne sono un esempio i campi di girasoli su ispirazione di Van Gogh e l’olio su tela intitolato “Khorol river” (60 x 45 cm, 2020) con cui il pittore ricorda la serenità sulle rive del fiume ucraino Khorol che ha frequentato in diverse occasioni della sua vita. Le pennellate ampie e le tinte fluide contribuiscono a rendere l’effetto dello scorrere delle grosse nuvole nel cielo e il loro riflesso sulla superficie dell’acqua.

L’effetto ottenuto è dinamico seppur molto delicato. Un esempio di quadro facilmente riconducibile all’artista è “Light in the window” (80 x 60 cm, 2020) per la predominante presenza del colore blu nelle diverse sfumature, dall’azzurro impalpabile fino al blu più vibrante, e per la sua presenza in stile personaggio dei fumetti al centro della tela e del villaggio. Con lo sguardo rivolto verso l’unica finestra con la luce accesa lascia l’osservatore con il fiato sospeso in attesa di una imminente rivelazione. Come in quest’opera, anche nel dipinto “Road” (80 x 70 cm, 2020) si manifestano le peculiarità della sua personale tecnica pittorica come le evidenti rigature che solcano il colore steso in abbondanza e il soggetto fanciullesco. In quest’ultimo quadro incuriosisce la strada fantastica che arriva fino al cielo; denota la grande capacità d’immaginazione dell’artista. Le case sono spesso protagoniste nelle sue opere come simbolo di intimità e i colori vivaci rendono la gioia dello stare in famiglia. Ryabkin predilige i paesaggi marini agli scenari innevati ed entrambi a volte fanno da sfondo alle sue attività ricreative preferite come la pesca, il ciclismo e la musica. La riproduzione minuziosa di alcuni prodotti della terra dimostra la sua gratitudine per le cose più semplici. Numerosi sono i paesaggi notturni con la luna protagonista. Essi esprimono la poesia che è riuscito a cogliere nella realtà, come nelle opere su Venezia che testimoniano il suo unico viaggio in Italia. Gli esseri umani raffigurati dall’artista ricordano le opere di Chagall. Il pittore esalta la bellezza delle donne e le sue figure femminili sono bionde, spesso in vesti bianche, eteree e diventano l’emblema di puro amore. Quando l’artista le affianca agli uomini, spesso bassi e tozzi, l’insieme assume una connotazione grottesca.

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TEMATICHE T H I S I S T H E WAY

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“Questa è la via” (Таков путь in ucraino, 60 x 100 cm) è il titolo del surreale olio su tela realizzato nel 2020 dall’artista Svyatoslav Ryabkin. Testimonia il percorso della vita degli esseri umani che appartengono alla nostra società. Gli uomini indossano cappelli e abiti scuri, le donne sono preferibilmente bionde e poi ci sono anche i bambini. Sono tutti nel medesimo ampio viale candido, all’apparenza senza insidie, ma le brevi rigature create con la punta del manico del suo pennello sulla superficie esprimono l’imprevedibilità del caso. A tratti monotono, il viale si piega su se stesso come un foglio e curva in una spirale che disorienta. Sono distanti gli uni dagli altri a testimonianza del periodo storico attuale e procedono verso l’orologio del tempo posto al centro della tela. Malgrado le modeste dimensioni, tutto ruota attorno a questo elemento che diventa il simbolo della fine.

O dell’inizio? Da qui infatti, il bivio. Ai fortunati spetta la vita eterna e si elevano volando verso il sole caratterizzato da una forte tonalità di ocra.

I raggi filtrano tra le nuvole e lasciano tracce di colore sbiadendo nell’azzurro tenue del cielo. Le decise spatolate irregolari di colore pieno creano l’effetto desiderato per lo sfondo. Gli altri, ormai ridotti a scheletri, precipitano a testa in giù nel mare in tempesta, simbolo dell’eterno tormento che accoglie i morti nelle sue oscurità. In questo sorprendete quadro tutte le figure dipinte dal pittore Ryabkin (umani, angeli e scheletri) sono stilizzate. Le tonalità delicate della parte superiore contrastano con le pennellate cariche di colore blu cobalto nella parte inferiore. Le forme circolari (del viale, del sole, delle teste degli angeli e dell’orologio) suscitano un senso di infinito, quindi di eternità. Da notare in quest’opera, come in molte altre dell’artista, le tinte che prevalgono sono il binomio vincente dei colori primari giallo e blu.

This is the Way, 2020 olio su tela cm 60 x 100

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NUDI D’ARTISTA a cura di Elena Sechet Nelle opere d’arte dell’artista Svyatoslav Ryabkin le curve morbide del corpo umano sono armoniosamente proporzionate, il tratto preciso èessenziale e la quasi totale assenza di chiaroscuri annulla la tridimensionalità delle figure. La collezione dei nudi del pittore ucraino esprime con naturalezza il concetto di bellezza. Le donne vengono celebrate nelle diverse fasi della vita senza apparire mai volgari.

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Nell’olio su tela “Ragazza allo specchio” (Девушкасзеркалом in ucraino), 75x85 cm, realizzato nel 2009, una ragazza ammira le sue forme in posa seducente nell’intimità della dimensione domestica. La prospettiva è resa dalle lunghe pennellate marroni sul pavimento che convergono nel punto di fuga in cui primeggia la figura femminile, libera da vestiti, pregiudizi e orgogliosa di essere se stessa. Le vesti si intravedono maliziosamente nell’armadio e il suo sguardo allo specchio segue la linea sinuosa della schiena e i fianchi snelli fino a incrociare il volto fiero dai lineamenti delicati e le audaci labbra rosse.

La tecnica distintiva della pittura di Ryabkin si rileva sullo sfondo. Il colore denso sulla parete è solcato da tratti verticali e orizzontali, realizzati con la punta del manico del pennello. Il contrasto è forte tra la chiarezza della pelle e la stanza cupaper le pareti verde scuro e il pavimento di legno. In posizione centrale risulta ancora più grandela figura femminile cheriempiel’ambiente spoglio illuminandolo. Anche il messaggio intrinseco è essenziale nella sua drammaticità: un domani tutto finirà e lei morirà.

Infatti, l’immagine riflessa nello specchio magico mostra lei con gli occhi chiusi, emblema che la giovinezza passerà e l’idillio di un futuro infinito e meraviglioso si è interrotto. Neanche il suo carismatico grande gatto blu con gli occhi gialli, sfiorandole le gambe in cerca di attenzioni, la distoglie da questo pensiero. In qualità di elemento surreale è l’unico a poter passare in un attimo dal fantastico mondo dell’infanzia ad un futuro tutto da scoprire.

Da realistiche ambientazioni l’artista spazia a contesti spirituali in cui il nudo femminile celebra lagrazia della creazione in chiaro riferimento alla religione cristiana. Nel 2011 il pittore Ryabkin, di profonda fede ortodossa, con il quadro “Luce del sole” (Солнечныйсвет in ucraino), 70x100 cm, ha raffigurato di spalle la prima donna comparsa sulla Terra secondo la sua interpretazione. Con i lunghi capelli biondi che coprono l’intera schienadenota i tipici tratti somatici delle donne ucraine. Aggraziata e senza alcun pudore ascende verso l’immenso sole di fronte a lei in totale adorazione del divino. I colori brillanti dello sfondo infinito, che libera la donna da costrizioni spaziali, sono un’esplosione di luce. Le spatolate leggere sul sole dorato, i cui contorni sfumano nell’azzurro del cielo, creano innumerevoli irregolarità sul colore pieno,

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inizialmente steso in modo uniforme. Spesso nelle sue opere l’artista utilizza i colori primari a dimostrazione che le cose più semplici sono le migliori, ma per un effetto sorprendente sfrutta l’evanescenza utilizzando tonalità più intense in alcuni punti.

L’immagine metafisica esprime l’armonia tra l’aspetto immateriale e la fisicità della donna che percepisce sensazioni terrene come il calore dei raggi del sole sulla pelle nuda. L’artista ammira le donne e spesso le idealizza come se fosserodelle dee con la pelle rosata perfetta, le dita affusolate dipinte con cura e le curve aggraziate della femminilità più autentica.

Questo gioioso olio su tela lascia senza fiato per la pace unita a forza che trasmette.

Inoltre, rende manifesta la grandiosità della figura femminile affascinando l’osservatore, specie quello occidentale, che oltre la soavitàdel soggetto coglie un senso di pienezza in cui rivede le donne emancipate che vivono indipendenti nella società attuale.

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Quando il piano orizzontale everticale si chiudono in un abbraccio le regole della prospettiva lasciano spazio alla libera immaginazione di comporre gli elementi in modo nuovo. Questo è il caso di “Incontro” (Встреча in ucraino), 70x100 cm, che simboleggia la sessualitàtra un uomo e una donna su un pianoforte.

Con gli occhi chiusi vivono un momento romanticofino all’estasi che sembra durare un’eternità, ma il piccolo orologio in alto a destra sulla telaricorda che il tempo continua a scorrere e solo la musica si è fermata. Losfondo blu simboleggia la notte che sta per diventare alba, infatti il celeste sulla parte alta della tela è gradualmente schiarito come un dolce riflesso, mentrenella parte inferiore il colore steso copiosamente è stato spatolato con brevi gesti. La tinta nera del pianoforte è stesa uniformemente, qualche tocco di giallo sullo sfondoricorda il bagliore lunare e il bianco le prime luci del giorno. Si tratta di un’opera materica di forte impatto visivo e dallostile unico.

La posizione spregiudicata della donna è di tensione verso l’uomo per laschiena allungata.

La carnalità esplicita sfrutta il vedo non vedo infatti l’immagine erotica non risulta volgare. È inconsuetoche l’artistaSvyatoslav Ryabkin, per rendere l’intesa tra i due amanti che respirano vicini, abbia scelto di dipingere la donna calva e sia riuscito comunque a renderla sensuale. Come in molte altre sue opere la figura maschile è in netto contrasto con la bellezza della donna. In questo modo, con la schiena massiccia in primo piano e le braccia sottili, la esalta maggiormente apparendo tarchiato e per nulla affascinante. Il suo tocco è passato dai tasti alla pelle di lei con la stessa delicatezza. Nella prospettiva dall’alto il grande pianoforte a coda delinea le forme dei corpi chiari marcandone i contorni tondeggianti.

Realizzato nel 2005, questo sofisticato olio su tela emoziona quanto l’amore stesso che ci fa mostrare al partner senza veli, per come siamo realmente e ci fa compiere follie in quanto l’amore stesso è una follia.

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tuuhnL The girl with a mirror/Ragazza allo specchio/Девушка с зеркалом, 2009 olio su tela cm 75x85

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tuuhnL Meeting/ Incontro/ Встреча, 2005 olio su tela cm 70x100

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tuuhnL Sunlight/Luce del sole/Солнечный свет, 2011 olio su tela cm 70x100

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Sacchi Franca f.sacchi@tiscali.it

CRITICA I racconti dall’Es

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A differenza della musica, della poesia e della danza, l’arte non ha a disposizione la dimensione del tempo.

L’immagine ci si presenta davanti tutta insieme, simultaneamente, nella sua perentorietà. Non c’è un percorso, un’attesa, una progressione: è un confronto diretto, muto e forte. Franca Sacchi ha attraversato numerose e diverse esperienze espressive, ha messo alla prova la sua sensibilità e la sua creatività in forme differenti, come la musica, la danza, il canto, il controllo del gesto, ma sempre con un preciso punto di riferimento: il punto di contatto tra il mondo interiore e la sua manifestazione. Tutto ruota intorno a questo delicatissimo snodo del nostro vivere, il rapporto fragile e indispensabile tra le vibrazioni dell’anima e la manifestazione fisica, corporea, relazionale. Accostandosi alla pittura quasi come uno sviluppo fisiologico e indispensabile di un percorso artistico continuamente variato e sensibile, Franca Sacchi indaga il limite tra lo spazio (vale a dire la dimensione caratteristica delle arti figurative) e il tempo (indispensabile per le fasi della elaborazione del dipinto, ma “riassorbito” nell’aspetto finale dell’opera). E’ qualcosa di molto simile al “varco” cercato da Montale: l’angolo sottile, il passaggio segreto, il filo che ci accompagna mentre attraversiamo il labirinto, il desiderio struggente di conoscere, persino di “vedere” qualcosa che sentiamo, avvertiamo, ma non riusciamo a descrivere. Ed è particolarmente significativo il fatto che i dipinti di Franca Sacchi siano intitolati “racconti”: uno dopo l’altro, sono come pagine di una storia, di un’avventura.

D’altra parte, i quadri di Franca Sacchi sono astratti: Si presentano come campiture preziose d’oro su fondi compatti e neutri, in una consapevole rinuncia di qualsiasi “realismo”: mancano del tutto volume, ombra, prospettiva, ipotesi di riconoscere forme riconoscibili, riconducibili a oggetti o situazioni. Il “racconto” si dipana lungo momenti affidati completamente alla sensibilità di chi guarda. Formatasi come musicista, l’artista sa bene che il rapporto tra l’opera d’arte e il pubblico non si limita certo ad una banale esperienza dei sensi, ma deve passare attraverso una ben più profonda comunicazione interiore. Come le note di un concerto, le pennellate d’oro non hanno un esplicito ed oggettivo “significato”, ma ciascuno di noi ne coglie una risonanza, una vibrazione, un’eco diversa. In questo senso, i quadri sono molto simili a quanto Franca Sacchi scrive a proposito del canto: per “favorire uno stato mentale di totale concentrazione e di intenso sentire”, la voce (o, nel nostro caso, la mano che regge il pennello) “viene considerata come uno strumento musicale”. Nel canto non vengono usate parole, e nella pittura non vengono proposte immagini realistiche, “perché sarebbe un limitare l’espressione di un sentimento molto forte e coinvolgente sia per chi canta o suona (o dipinge), sia per chi ascolta (o guarda). Ecco che, nello stringente paragone con la musica e il canto, anche nella pittura si affaccia la dimensione del tempo, alla quale accennavo all’inizio. Nella loro immediatezza, i quadri di Franca Sacchi suggeriscono a che guarda l’immersione in un “tempo” interiore: nati dall’esperienza personale, ci vengono offerti come occasioni di un itinerario interiore. Onde, boccoli, gocce, nuvole, sagome: i tracciati dei segni sono frammenti di un alfabeto segreto da decifrare, forse anche di un’immagine da ricomporre. Sono una finestra aperta sulla libertà dei sentimenti, o forse, dato l’uso del metallo più prezioso e lucente, le schegge di uno specchio in cui veniamo inviati ad affacciarci. Certo, l’eleganza “classica” dei quadri, il rapporto sempre riuscito tra formato, segno e colore, fa sì che i quadri di Franca Sacchi possano essere osservati in una chiave anche semplicemente formale: sono, per così dire, “belli” e piacevoli in sé, come espressione di un equilibrio formale dietro il quale si sente l’autorità serena di millenni di storia dell’arte. Ma questo aspetto, sia pure appagante, è solo una parte di quanto ci viene offerto: l’inizio di un percorso, l’incipit di un “racconto” cui Franca Sacchi, con dolce fermezza, ci invita.

Stefano Zuffi

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Racconti dell’Es,

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vernice su tela 18x24 cm

Racconti dell’Es, 302

vernice su tela 18x24 cm

LEGGIADRE ED AUREE SCANSIONI MUSICALI Sono molti e diversificati gli interessi nel settore della comunicazione visiva e, pertanto, emotiva, che Franca Sacchi nutre, elabora e vive nella sua tipica concettualità. Tutte le sue diverse ed elaborate connotazioni ed espressioni hanno un denominatore comune: l’arte – comunque concepita, ideata, codificata, interpretata nelle sue diverse espressioni – rappresentata nella forma più congeniale ed idonea ad essere compresa. Il ritmo così concepito, cadenzato e suadente nelle volute o accettate scansioni musicali da lei interpretate, è studiato ed interpretato in simbiosi con il maestro che ne ha codificato la musica sul pentagramma. Scansioni che con leggiadria interpreta in volute aeree che delimita nello spazio: comunicative movenze che danno la sensazione di una sequenza di passi nel ritmo della danza. Sintetizzate nell’aureo cromatismo li evidenzia, con sobria e pastosa densità, sulle tele per materializzarne quei principi ispiratori che presiedono all’antica arte pittorica. Così manifesta il desiderio di partecipare la sua intima vitalità, dando configurazione armonica ai colori che illustrano la fonte della vita divinizzata nell’arte, espressa in tutte le sue forme. Configura così il suo modo di interpretare ed esprimersi nella musica, nella danza, nella pittura. Individuando nel metallo principe che regola l’economia di mercato, l’oro, inteso anche come fonte preziosa di purezza, nobiltà e valore, lo asserva alla propria capacità elaborativa affinché possa comunicare il dramma della sua privazione o la gioia del suo evidente possesso. E’ la sua testimonianza della subdola compattezza del metallo e irretisce e concupisce le masse ma anche la creatività che esprime nelle opere con sinuosa e fluttuante armonia dalle volute e invitanti fibrillazioni, quasi movimentate dai tentacoli e dagli invitanti richiami. Sono i suoi dipinti, “racconti dall’es”, testimonianze di stati d’animo che superano l’attualità curiosa, il linguaggio usuale e consueto, ma lanciano messaggi riservatissimi capaci di comunicare introspettivi e latenti mondi interiori comuni a chi sensibilmente riesce a guardarsi dentro. Il suo è un aiuto a compenetrare per capire, il semplice e complesso, personale, mondo interiore. Vi è da chiedersi – osservando la estrema sintesi grafica e cromatica mediante le quali esprime la sua elaborata concettualità – come può indurre la fruizione a seguirla?

Questa domanda, che potrebbe apparire ad alcuni interlocutori apparentemente superflua, si pone perché quanto da lei viene nelle opere rappresentato non sempre diventa comprensibile, anche se le sue articolate configurazioni, caratterizzate da sottili differenziazioni, non dovrebbero porre problemi a chi è aduso a recepire un linguaggio d’arte.

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La spiegazione va ricercata proprio nella linea dalla Sacchi ordita perché lascia intravedere quei concetti che ognuno può sviluppare seguendo le sensazioni ricevute ed aiutato dalle movenze che l’oro materico, il colore elaborato in variegate campiture, “disegna” sul manufatto usato: la masonite. E’ indubbiamente il suo un particolare e difficile, anzi direi molto personale, “linguaggio” di non facile accesso se si è prevenuti, nel senso di non riuscire ad aprirsi completamente al suo nuovo “dire” perché si è “vincolati” da preconcetti, cioè da quelle immagini cui la mente e gli occhi sono adusi. Se, invece, ci si apre ad “entrare”nel dialogo dalla Sacchi proposto, a “leggerlo”così come ci viene dalla stessa rappresentato, sforzandoci di comprenderne le motivazioni di fondo, diventa relativamente facile entrare in simbiosi con quanto ci vuole “raccontare” per sottoporlo alla nostra attenzione. E’ l’iterare di un’azione non sempre ben recepita perché materializzata dall’oro plasmato, materiale nobile ma fluttuante, idoneo a poter rappresentare la ricchezza evolutiva dell’umana creatività, capace di sottolineare anche i cambiamenti di umore ed il mutevole raziocinio della psiche nella spazialità del cosmo di cui fa percepire le sensazioni.

Vito Cracas 303

tuuhnL Racconti dell’Es, vernice su tela 18x24 cm

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Scomazzon Federico

fscomazzonartist@gmail.com

Federico Scomazzon nasce a Bassano del Grappa (Vicenza) nel 1960 e in questa bellissima città vive e lavora. Fin dall’adolescenza manifesta abilità e passione per il disegno a matita realizzando principalmente paesaggi e nature morte. Tra la fine degli anni ‘80 e l’inizio degli anni ‘90 si avvicina all’arte figurativa approfondisce la conoscenza con alcuni pittori, tra cui ricordiamo il Maestro Gianfranco Pellizzoni. Federico Scomazzon inizia un percorso artistico basato principalmente sullo studio della ritrattistica, studia ed elabora ritratti, figure immobilizzate si arricchiscono di suggestione, sguardi profondi e posture complesse diventano protagonisti delle sue opere. Da autodidatta, nel 1999 si appassiona alla ritrattistica, tematica centrale della sua produzione pittorica. Affina sempre più le tecniche pittoriche del ritratto utilizzando matita e carboncino. Si confronta con il lavoro di artisti italiani e stranieri apprendendone i segreti e le varie tecniche. Nel 2008 frequenta un corso di ritrattistica negli Stati Uniti approfondendo le sue conoscenze nella realizzazione di ritratti sempre più particolareggiati. Negli ultimi anni, Federico Scomazzon segue con passione la corrente dell’iperrealismo, realizza riproduzioni quasi meccaniche della realtà, elabora il soggetto immortalandolo in una composizione dagli effetti fotografici.

Scomazzon propone una realtà percepita e ripresa dal suo stesso sguardo, una continua ricerca della perfezione ed ininterrotti apprezzamenti da parte del pubblico lo inducono ad affacciarsi al mondo espositivo presentando le sue opere in mostre d’arte contemporanea; numerose gallerie d’arte presentano le sue opere ottenendo successo di visitatori.

www.fscomazzonartist.wixsite.com/ website

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MOSTRE • 21/3 31/3/2014 partecipazione con 6 opere alla collettiva RITRATTO Galleria Art Expertise di Firenze • Artista pubblicato sulla rivista Euroarte nel mese di Giugno 2014 • 01/06 30/06/2014 partecipazione al XII Premio Visionarie Galleria RossoCinabro Roma • 25/7/2014 31/8/2014 Artista selezionato a rappresentare l’Italia alla Rassegna Internazionale d’Arte di Bratislava (Rep. Slovacca)

• 16/11 23/11/2014 1° Premio Arte Catania • 12/05 22/05/2015 Artlove Napoli • 13/06 22/06/2015 Fra tradizione e innovazione Artisti europei da non dimenticare Napoli • 15/07/2016 28/02/2017 Marcinelle 1956 Art Exibition Veneto Abruzzo Sicilia • 08/04/ 09/04/2017 Omaggio a Frida Palazzo della cancelleria Roma • 16/09 24/09/2017 2° Festival dell’Arte figurativa dell’Iperrealismo e del ritratto Civitavecchia 305

CRITICA Scomazzon, artista dalla tecnica impeccabile, si diffonde nella ritrattistica con una resa oggettiva perfetta senza che il risultato stesso possa meccanicamente definirsi fotografico.

I soggetti ritrattati, piuttosto, non posano in atteggiamenti da studio descrittivo e analitico ma si mostrano per la loro concreta verità fenotipica, dalla quale poter saggiare quell’intima essenza fermata, come di un attimo fuggevole come di una vita eterna. Del resto l’oggettività del segno, a matita o a carboncino, si sgrana in atmosferici passaggi modulati e supportano la possente plasticità della figura, al cui sguardo si concentra il lirismo dell’anima. Qui, attraverso gli occhi ritratti, Scomazzon ci insegna a vivere e a condividere il vero pathos dell’umanità, i suoi silenzi profondi e i suoi profondi sogni anelati.

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Mauro Fantinato

Black & White #2 grafite su carta 30x42 cm 306

Sicchiero Maurizio

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maurizio.sicchiero@gmail.com

Natura ribelle e la forza della natura rigeneratrice grafite su carta 100x70 cm 307

Storto Ivana

ivana.storto@alice.it

Ivana Storto e’ nata in provincia di Venezia nel 1938, ora è residente a Caserta. Si e’ sempre interessata di dipingere fin da ragazza. Dopo una prima fase formativa e di studio con impronta naif, l’artista inizia a declinare il proprio baricentro verso il raggiungimento di una personale testimonianza stilistica. Se le prime opere di Ivana raffiguravano una realtà di superficie, le attuali sono un viaggio emozionale nel mondo dei colori ma anche delle forme rese con geometrie libere e giocose ed in qualche caso fiabesco L’obiettivo non si ferma per Ivana al raggiungimento di un semplice valore estetico, bensì a produrre un linguaggio dettato da stati d’animo e pulsioni personali. Nelle sue opere i colori, armonizzati con sapienza, si caricano di significati e valori. La sua pittura è vissuta come un’esperienza connessa con la vita stessa, per esprimere il proprio io, in modo libero, attraverso una lucida visione di profondità

https://www.gigarte.com/ivana-storto

PAROLA D’ARTISTA Donne all'epoca del Corona Virus

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Trattasi di un dipinto acrilico su tela dimensioni 50x50 realizzato nei primi giorni dell’epidemia da coronavirus, quando in Italia non era scoppiata la diffusione. In questo dipinto ho cercato di sdrammatizzare la situazione, applicando alcune immagini del virus, trovate nel web, come collane della prima donna, poi altre immagini del virus tagliate e incollate su varie parti del dipinto confuse tra fiori e ghirigori colorati, nonché un virus tagliato in due metà come base per il ventaglio della seconda donna. Insomma il tutto come un assembramento pittorico piacevole

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Tenderini Francesca

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luit1951@gmail.com

Pappagallo, pennarello su supporto di velluto 47x35 cm

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Tenderini Luigino

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luit1951@gmail.com

Serenità, olio su tela 50x70 cm

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Paul Tiililä Gli eventi più importanti della mia carriera di artista dovevano essere un artista invitato nel Giubileo del 504 ° anniversario della Biennale di Venezia nel 2003 e delle Olimpiadi di Pechino nel 2008, in connessione con le Olimpiadi di Pechino.

Degni di nota sono inoltre la mostra 1OO Artisti eccellenti a Penang, Malesia 2009, 4tb International Art Exhibition on Peace a Pechino 2010, The Lifelong Scorning Feeiiu'al a Daegu, Corea del Sud, 2010. Invitata alla 13a Mostra mondiale della pace a Seoul e Ansan Dan Won, Corea del Sud, 2010, e le due mostre OFAA in Bosnia e Erzegovina 2010, e Northern Lights, Finlandia, 100 anni di mostra d'arte a New York, USA 2017.

www.paul.tiilila.com

Pau1 Tiililä è anche giornalista e scrittrice. Numerosi testi, storie e colonne in vari giornali e riviste - anche in Svizzera e in Italia; giornalista freelance a partire dagli anni '60. Redattore capo di Nokia Kirjeitfi 1975-1979. Ha anche pubblicato cinque libri.

INTRODUZIONE ALL'

ARTISTA

Venticinque mostre private, in Finlandia, Svizzera, Italia e Brasile.

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140 mostre congiunte, in Finlandia, Italia, Francia, Svizzera, Romania, USA, Spagna, Regno Unito, Brasile, Turchia, Lituania, Egitto, Polonia, Malesia, Cina, Corea del Sud. Ha partecipata anche alla Biennale di Venezia, 2003 Extra50, e 1° premio a Jesolo, Italia, 2004. Olympic Fine Arts 2008 Pechino, Cina; Penang 2009, Sarajevo 2010, Daegu 2010, Jakarta 2011.

1005 partecipazioni alle mostre di Mail Art, concorsi ecc. dal 2001

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CATALOGHI • Catalogo Art Diary International, 1999-, Milano, Italia • Catalogo Mail Art 7, 40 anni di Mail Art, Castel San Pietro Terme, 2002 • Catalogo La Biennale di Venezia, 2003 • Catalogo Europa in Arte Internazionale d'Arte Contemporanea 2006-2007, Italia • Diploma di eccellenza, premio d'onore di Artoteque, Londra, 2007 • Te Rerioa, Portofolio di Tracce, Edizioni d'Arte Félix Fénéon, Italia, 2007 • Catalogo delle belle arti olimpiche 2008, 2008 • Catalogo 9th Lessedra World Stampa artistica annuale, Bulgaria, 2010 • Catalogo Festival Internazionale di Arte Contemporanea, Daegu, Corea del Sud, 2010

MUSEI • Museo d'arte di Emil Cedercreutz, Harjavalta, Finlandia 1994 • Futurmuseum, Roma, Italia 2002 e 2003 • Carrer Mail Art Collection, Milano, Italia 2002 • l'Archivio Internazionale Mail Art 2002 • Museo postale, Helsinki, Finlandia 2004 • Artoteque, Londra, Regno Unito 2007

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• Museo Internaçionale de neu art, Canada 2007

• World Museum, Collezione Barindelli, Cesano Maderno / Milano, Italia 2007 • Words of Light Mail Art Blog, USA 2007 • Museo dei poster, Lahti, Finlandia 2007

• Museo Internaçionale de Neu Art, Courtenay, BC, Canada 2007 • Pinacoteca Local, Zarzuela del Monte, Segovia, Spagna 2008 • Museo Olimpico, Sarajevo, 2010

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tuuhnL Il Nemico - Covid, 2020

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tuuhnL Arriva l'Autunno, 2019

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tuuhnL Esuberante

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Van Hissenhoven Maria Laure Marie-Laure van Hissenhoven diplomata all’accademia di Belle Arti di Carrara di dedica alla pittura a tempo pieno. La formazione e le esperienze artistiche si sono svolte in Italia fino al 2014, dopo si trasferisce a Ginevra. Ha esposto in Italia, Svizzera e qualche parentesi in Danimarca, Corea del Sud, Giappone. Si trovano alcune opere presso delle collezioni private e pubbliche come l’archivio Ferruccio Battolini a La Spezia, la Galleria Jean Blanchaert, l’Academia Belgica a Roma e l’Istituto Portoghese di Cultura a Roma

marielaurevanhissenhoven@gmail.com Ph. Alessandro Le Petite, 2019

MOSTRE • • •

Genève.

2018 - La Strana Coppia, bi personale, galleria Zanuso, Milano 05/16.03.2018 - Armory Artweeks NY, Artbox projects, NY. 2018 - collective Art’Place, Espace Nouveau Vallon, Chênes-Bougerie, Genève.

2019 - Collective du Printemps, Art’Place, Ink Gallerie, Genève.

2020 - collective galerie Art’Place to Be, Genève.

Maggio 2020 - Renaissance, collective organisée par François Bianchi et l’association EMA art, Genève.

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• 2016 - Collettiva a cura dell’Associazione Verum Arte, fortezza Firmafede, Sarzana.

• 2016 - Big Teuf, a cura della galerie Valentina Kaech, Genève.

• 2016 - collettiva a cura dell’Associazione Quarto Pianeta, Genova, • 2016 Arcobaleno di Forme e Colori, a cura di Lucia Raveggi per Associazione Toscana • Cultura e Museo Ugo Guidi, Forte dei Marmi (LU).

• 2017 - Artbox projects Basel.

• 2018 - Atelier du Square, a cura di Artplace, Genève.

• 2018 - Imagique, galerie S.M.A, Carouge,

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tuuhnL Viral waves, 2020 olio su tela di lino 70x60 cm

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Viganò Lucia Ida

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luciaida.vigano@crppsrl.it

Covid emozione I, 2021 acrilico su tela 70x70 cm

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Visentin Denise

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denisevisentin37@gmail.com

Modella con girasole, 2020 matita su foglio 297x210 cm

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Vitellozzi Caterina www.caterinavit.com bcaterinavitmosaicart vcaterinavitmosaicart caterinavit@gmail.com

Caterina Vitellozzi è nata a Roma ed è laureata in Lingue Orientali.

Il mosaico, di cui apprende i fondamenti e le tecniche alla scuola del Gruppo Mosaicisti di Ravenna, rappresenta il punto di partenza del suo percorso artistico che si evolve attraverso la contaminazione di diverse tecniche: dalle procedure del mosaico classico fino ai linguaggi interdisciplinari dell’arte contemporanea. Ha anche studiato disegno presso la Scuola d’Arte Davinci di Barcellona. Nei suoi lavori combina mosaico e scultura, sperimentando l’uso di diversi materiali (pasta vitrea, marmi, vetro, pietre, alberi, cemento, resine, raffia, etc.). Caterina focalizza la sua ricerca sulla relazione tra umanità, natura e ambiente; i suoi lavori invitano a pause di riflessione e creano stimoli per raggiungere nuovi equilibri per un futuro sostenibile e armonico.

MOSTRE • • • • • •

Asti, Milano Gennaio 2011 – Collettiva “Pomeriggio di Rinascita”, Ascoli Febbraio 2011 – AAM Affordable Art Fair Milan 2011, Milano Giugno-Agosto 2011 – Collettiva “Invisibili” – Galleria Artidec, Bracciano Luglio 2011 – Installazione “Ri-genesi” in occasione di Direzione Alterità - Teatro India, Roma Settembre 2011 – Collettiva “Human rights?”

– Fondazione Campana dei Caduti, Rovereto Ottobre 2011 – Mostra personale “Big Bang Era” Bibliothè Contemporary Art, Roma Dicembre 2011 – Collettiva “Peace Island”, Roma Gennaio 2012 – Colletiva “Materia Oscura” – Montegiordano 59, Roma Febbraio 2012 – Collettiva “Because I love – Montegiordano 59, Roma Febbraio 2012 – Collettiva “Direzione Alterità’” – Rising Love, Roma

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• Novembre 2009 - Collettiva “Il muro di Berlino, 13 agosto 1961 - 9 novembre 1989Galleria 196, Roma • Febbraio 2010 - Collettiva - Galleria 196, Roma • Marzo 2010 - Fiera AAM Arte Accessibile Milano 2010, Milano • Aprile - Maggio 2010 - “Kontakt” - Spazio PwC Experience, Milano • Giugno - Agosto 2010 - “Respirami” - Galleria Svettini, Milano • Luglio 2010 - Collettiva “Ciclo Riciclo” – Chiostro San Paolo e Spazio d’Arte L’Altrove, Ferrara • Luglio 2010 - Collettiva “Eroici Bagliori di Luglio” – Gli eroici furori Arte • Contemporanea, Milano • Luglio - Agosto 2010 - Collettiva “SoWeArt!” – Galleria Rilievi, Roma • Settembre - Ottobre 2010 - Mostra personale “Incomparabile Natura” - Gli eroici furori Arte Contemporanea, Milano • Ottobre - Dicembre 2010 - “Dentro” - Galleria Blanchaert, Milano • Novembre 2010 - Collettiva - Ecopink – Spazio 320

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• Marzo 2012 – Mostra personale “Sulla via dell’attrazione” a cura di Jean Blanchaert -Milano

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Vascello, Roma Maggio 2016 – Mostra personale “Absolue d’Osmanthe Santal du Pacifique” Campo Marzio 70, Roma Novembre 2016 – Collettiva “In 25 per la donna e per I diritti”- Museo civico archeologico polo culturale, Tolfa Dicembre 2016 – Collettiva “Texture” - Villa Brasini, Roma Giugno 2017 –– Collettiva Carrara Studi Aperti Studio La Grotta, Avenza Carrara Luglio 2017 – Collettiva Galleria Intrecciarte, Pietrasanta Marzo 2018 – Collettiva “50 anni fa nello stato dell’arte contemporanea” – Nuovo Regina Margherita, Roma Agosto 2018 – Collettiva – “Arti in mostra” – Chiostro di Sant’Agostino, Veroli Novembre 2018 – Mostra personale – “Mosaic on Skin” – Via del Corso 528, Roma Agosto 2019 – Collettiva – “L’esercito dell’Arte” – Tolfarte, Tolfa Settembre 2019 – Collettiva - “L’esercito dell’Arte” – Palazzo Velli, Trastevere, Roma Ottobre 2019 – Collettiva – “La voglia che ci prende per mano” Museo Civico, Tolfa Novembre 2019 – Collettiva - “L’esercito dell’Arte” – MUG, Latina Dicembre 2019 – Mostra personale – “Mosaicasa” – Via del Corso 528, Roma

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• Maggio 2012 – Installazione per la scenografia dello spettacolo teatrale “Macbeth” –Teatro Keiros, Roma • Luglio 2012 – Collettiva “Hortus Conclusus” – Galleria Tila, Helsinki • Settembre 2012 – Installazione “Rosso” presso la Galleria Otto, Roma • Ottobre 2012 – Collettiva “Mi rifiuto” – Montegiordano 59, Roma • Ottobre 2012 – Personale “Vibrazioni di Luce”, rassegna per pianoforte ed immagini– Teatro Keiros, Roma • Novembre 2012 – Installazione in occasione della presentazione del libro “Indian emoticons” – Libreria Rinascita, Roma • Gennaio 2013 – Mostra personale “Con l’acqua” – Vanio Centro d’Arte, Roma • Aprile 2013 – Montegiordano 59, Roma • Gennaio 2014 – Mostra bi-personale Trip Advise: Carrara – Roma – Istituto Portoghese di Sant’Antonio, Roma • Giugno 2014 – Collettiva “Materia”, Galleria Montegiordano 59, Roma • Settembre 2014 – Mostra personale “Life Bubble”, Cortile del Vignola, Stadio di Domiziano, Piazza Navona, Roma • Ottobre 2015 – Collettiva in Arte, Galleria Intrecciarte, Pietrasanta (LU) • Novembre 2015 – “Paratissima”, Torino Esposizioni, Torino • Gennaio 2016 – Mostra personale, Teatro

Venus

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Zammit Mary Anne Mary Anne si è laureata presso l'Università di Malta in Social Work, in Probation Services, in Diplomatic Studies e in Masters in Probation.

Mary Anne ha anche conseguito il Diploma di Freelance e Feature Writing presso la London School of Journalism. Mary Anne dipinge, scrive poesie, romanzi e articoli sia in maltese che in inglese. Mary Anne ha studiato arte nel 1983 e nel 1984 presso la Society of Arts, Manufacture and Commerce, La Valletta e ha seguito nuovamente nel 1997-1998 presso l'Euro Institute of Music and Arts, Hamrun sotto la guida del signor Mario Cilia. Tra il 1999 e il 2000 Mary Anne seguì un corso di Belle Arti sotto la supervisione di Matthew Cassar. Per quanto riguarda le mostre d'arte, Mary Anne ha partecipato a mostre collettive dal 1999 sia localmente che all'estero fino ad oggi.

livio.billo@gmail.com

PROGETTI Nel luglio 2001, Mary Anne ha realizzato la sua prima mostra personale, ANIMA presso Artisan Center Bay Str. St. Julians e fu ripetuto nell'ottobre 2001 presso il Workers Memorial Building Valletta. Nel 2003 ha ottenuto un premio speciale per la pittura nell'edizione della Biennale Internazionale di Malta.

Nel marzo 2004, Mary Anne ha partecipato con un dipinto al Museo Tempra di Palazzo Ducale Gattopardo a Palma di Montechiaro, in Sicilia. L'opera di Danza Megalitica è permanentemente esposta nello stesso museo. Inoltre, nel novembre 2004, Mary Anne ha partecipato al Grollo D’Oro di Venezia e ha ricevuto un premio nella categoria pastello. Successivamente, Mary Anne Zammit ha partecipato a diverse mostre collettive a livello locale fino al 2018.

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Mary Anne ha partecipato con un dipinto al Museo Tempra di Palazzo Ducale Gattopardo a Palma di Montechiaro, in Sicilia. L'opera di Danza Megalitica è permanentemente esposta nello stesso Museo e nel Grollo d'Oro di Venezia e riceve un premio nella categoria Pastelli. Nel 2018, Mary Anne è stata premiata come Artist of the Year alla fiera internazionale Mezzujuso in Sicilia e Comiso.

Nel 2019 Mary Anne è stata nuovamente premiata con l'Emeritato artistico dal Maestro per l'alto messaggio artistico, nella seconda Mostra Internazionale d'Arte di Mezzujuso.

Nello stesso anno Mary Anne è stata insignita dell'Art Excellence Award for Honor. L'opera d'arte di Salvatore Mary Anne è stata anche presentata nell'edizione autunnale 2018 di Art Ascent e nel Rejoinder Journal online pubblicato dall'Institute for Research on Women e in The Universal Sea, il movimento dell'arte e dell'innovazione contro l'inquinamento delle acque. Tra il 24 e il 28 ottobre 2019 Mary Anne ha partecipato alla mostra d'arte erotica a Londra.

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Tra il 14 novembre e il 17 novembre 2019, Mary Anne ha tenuto una mostra personale con il titolo Women and Her Emotions a Jasmine Nursing Home, Msida.

Mary Anne è anche autrice di tre libri di narrativa in maltese. Il primo libro è stato Id-Dell ta 'l-Eżmeraldi e Ir-Raġel l-Iswed, a quest'ultimo è stato assegnato un premio da MAPA (Associazione maltese di autori ed editori), a cui è seguito un libro di narrativa con il titolo Stupru (Rape ). Nel 2005 Mary Anne ha partecipato a un seminario di sceneggiatura a Sitges, in Spagna. Il libro è stato presentato nella sezione letteraria del festival; Creatori di donna dei due mari. Donna e tradizione, tenutasi a Salonicco, in Grecia, dal 28 agosto al 4 settembre 2006. Il Festival è stato organizzato dal Centro UNESCO per le donne e la pace nei Balcani. Nel 2008 il romanzo Torn Velvet è stato pubblicato ed esposto al New Title Show Case alla London Book Fair tra il 14 e il 16 aprile 2008. Lo stesso libro è stato pubblicato dal Mental Health Group con il titolo Shattered Wings.

Nel 2009, il quarto libro di Mary Anne è stato pubblicato sul maltese Tefal Misruqa, (Kidnapped Children), un romanzo sulla realtà dei bambini scomparsi e della pornografia infantile. Nel 2009 il racconto di Marie Anne, My Son, My Past, è stato elogiato nel concorso creativo annuale Aesthetica UK. Nel 2010 sono state pubblicate due poesie nel libro Strand for International Poetry di Strand Publishers UK. Nel 2015 il romanzo Dawn è stato pubblicato a Siviglia. Nel 2015 una delle poesie di Mary Anne è stata messa in musica ed eseguita durante la Biennale dell'Arte della Cattedrale di Mdina dal Maestro Reuben Pace. L'opera letteraria di Mary Anne è stata descritta anche in Literature Today, Volume 4,5 e 6.

Altre due poesie sono state pubblicate nel 2016 in Taj Mahal Review Volume 15, pubblicato da Cyberwit India. Un'altra poesia è stata pubblicata nel New English Verse nel 2016, e nella rivista Praxis on Line per l'arte e la letteratura, e nella Collezione internazionale di poesie e prosa sul coraggio e l'orrore della guerra. Nel 2017 nell'edizione su Tradimento e tradimento e Edizione sulle stagioni, e prosa sull'edizione con il titolo Le sfide di trovare l'amore, Empowerment, The Elements, Eros e Suicide. Altre poesie sono state pubblicate nel 2017 in International Contemporary Poetry Volume 4 e nel 2018 altre poesie sono state incluse in Qutub Minor Review Vol. 1. Nel 2019 è stato pubblicato un altro poema in Literature Today Volume 8 e in un'antologia internazionale Nicosia Beyond Barriers.

Nel luglio 2020 la prosa di Mary Anne è stata pubblicata su Barzakh, una rivista di poesia. Il tema era il carcere. Nel novembre 2020, la poesia è stata inclusa in Literature Today, Volume 11.

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PROJECTS In July 2001, Mary Anne had her first solo exhibition, ANIMA at the Artisan Centre Bay Str. St. Julians and was repeated in October 2001 at the Workers Memorial Building Valletta. In 2003 She got a Special Distinction Award in Painting in the edition of the Malta International Biennale In March 2004, Mary Anne participated with one painting at Museo Tempra at the Gattopardo Ducal Palace in Palma De Montechiaro, Sicily. The art work Megalithic Dance is being permanently exhibited at the same Museo. Further in November 2004, Mary Anne participated in the Grollo D’Oro in Venice and received an award in the category of Pastels. Further on Mary Anne Zammit participated in several collective exhibitions locally till 2018.

Mary Anne participated with one painting at Museo Tempra at the Gattopardo Ducal Palace in Palma De Montechiaro, Sicily. The art work Megalithic Dance is being permanently exhibited at the same Museo and in the Grollo D’Oro in Venice and received an award in the category of Pastels. In 2018, Mary Anne has been awarded l-Artista dell Anno at the Mezzujuso International exhibition in Sicily and in Comiso.

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In 2019 Mary Anne was again rewarded Emeritato Artistico al Maestro per alto messagio artistico, in the second Mezzujuso International Art Exhibition.

In the same year Mary Anne was awarded the Art Prize Eccellenza in Onore Mary Anne s’ art work has also been featured in Autumn edition 2018 of Art Ascent and in Rejoinder Journal on line published by the Institute for Research on Women, and in The Universal Sea, The Art and Innovation Movement against water Pollution. Between the 24 th and 28 th October 2019 Mary Anne participated in the Erotic Art Exhibition in London.

Between the 14 th November and 17 th November 2019 Mary Anne had a solo exhibition with the title Women and Her Emotions at Jasmine Nursing Home, Msida.

In 2020 Mary Anne ‘s Art was included in Dagaz Art Gallery on line and in the first edition of the Catalogue Survive Art in Italy.

Writing Experience

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Mary Anne is also author of three fiction books in Maltese. The first book was Id-Dell ta’ l-Eżmeraldi, and Ir-Raġel l-Iswed, the latter was awarded a prize by MAPA (Maltese Association of Authors and Publishers) This was followed by a fiction book with the title Stupru (Rape). In 2005 Mary Anne attended for a script writing workshop in Sitges, Spain. The book was presented in the literary section in the festival; Woman Creators of the Two Seas. Woman and Tradition, held in Thessaloniki, Greece between the 28 August and 04 September 2006. The Festival was organized by the Unesco Centre for Women and Peace in the Balkan. In 2008 the novel Torn Velvet was published and exhibited at the New Title Show Case at the London Book Fair between the 14 and 16 April 2008. The same book was published by the Mental Health Group with the title Shattered Wings.

In 2009 Mary Anne's fourth book in Maltese Tfal Misruqa, (Kidnapped Children) a novel about the reality of missing children and child pornography, was published. In 2009 the Marie Anne's short story My Son, My Past was highly commended in the Aesthetica Annual Creative Competition UK. In 2010 two poems were published in the Strand book for International Poetry by Strand Publishers UK. In 2015, the novel Dawn in Seville was published. In 2015 one of Mary Anne‘s poem has been set to music and performed during the Mdina Cathedral Art Biennale by Maestro Reuben Pace. Mary Anne‘s literary work was also featured in Literature Today, Volume 4,5,and 6.

Other two poems were published in 2016 in Taj Mahal Review Volume 15, published by Cyberwit India. One other poem was published in the New English Verse in 2016, and in Praxis on Line Magazine for Arts and Literature, and in the International Collection of Poetry and Prose on the Bravery and Horror of War. In 2017 in the edition on Betrayal and Being Betrayed and Edition on Seasons, and prose on the edition with the title The Challenges of Finding love, Empowerment, The Elements and Eros and Siucide. Other poetry was published in 2017 in an International Contemporary Poetry Volume 4 and in 2018 other poetry was included in the Qutub Minor Review Vol. 1. In 2019 another poem was published in Literature Today Volume 8 and in an International Anthology Nicosia Beyond Barriers.

Participation with art work and poetry during an International Showcase in Fact Liverpool on Experiencing Intersectionality, Other Perspectives, Other Lives, in June 2019.

In November 2019 Mary Anne was interviewed for the International Poet Magazine compiled

by Robin Barrett and her poems included in the edition of The Poet collection,the Seasons 2019, and War and Battle 2020, and in Special Edition of Lock Down and on the Road, Summer 2020.

Literature Today .

In July 2020 Mary Anne ‘s prose was published in Barzakh a journal of poetry. The theme was on incarceration. In November 2020, poetry was included in the Literature Today, Volume 11.

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tuuhnL In lock

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tuuhnL Blue flower dream

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tuuhnL Embracing Power charcoal and acrylics

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tuuhnL Caduceus charcoal and acrylics

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tuuhnL Red Dream acrylics and fabrics on wood

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tuuhnL Lovers charcoal and Acrylics

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Zingarelli Laura

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lallamiticales@libero.it www.laurazingarellipainting-googlesites

La stanza rossa, acrilico su tela 130x110 cm

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Zini Mara zinimara53@gmail.com www.marart.it L'astrattismo di Mara Zini immerge la fantasia osservatrice in vortici colorati, imprigionati in geometrie in cui l'ordine stesso è sciolto della non forma dei pigmenti netti, con una tecnica che annuncia la nascita di nuovi universi pittorici, che si formano inseguendosi l'un l'altro, allacciandosi dalla tela e promettendo rivelazioni di sfumature non ancora immaginate.

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Stefania Ferrari

Caldo e dolce tramonto, 2020 tecnica mista su cartone 40x40 cm

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Zurlo Marilù

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marilizurlo@gmail.com

La storica, 2020 acrilico su tela 50x50 cm

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tuuhnL Riflessi, 2020 acrilico su tela 50x60 cm

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CRITICI

• ZANUS STEFANO • CUDIN GIANPIETRO • PATRIZIA FIASCONARO • PERIN SIRO • DA LIO GIANCARLO • BACCI QEDIM

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SPECIALE RUBRICA .......................................................................29

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• K.J. ROSSETTO

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INDICE DEGLI ARTISTI ABBIEZZI SILVIA ALBERTI ISACCO ALEGIANI LUCIA ARDUINI RAIQUEN BARIN FLORA BELLONI GIULIO BIAGINI PATRIZIA BIASIN MONIA BILLO LIVIO BOLLATO IRIS BULEGATO MICHELA CAMPANELLA FABRIZIO CAPOBIANCHI CATIA CARRARO PATRIZIA CASTELLO ELISABETTA CELIN FERDINANDO//NANDO CODATO DUILIO COLETTI ROBERTA COLUSSI SILVIA CONTE BRUNO DE GIOVANNI FRANCO DE PAOLI GIANNI Di ORIENTE IRENE FACHECHI FRANCESCA FANTUZZI //ARTU TULLIO FAVARETTO ANNALISA FERRERA MONICA FERRO ANTONINO GIANELLA RENZO GIORGINI ELVIS GOBBI MARIA EMMA GRILLO FRANCESCO GROJA LUCIO GUBBATI VALERIA GURRERA FILIPPO

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KRIECHBAUM HELMUT KUZINA MARIIA LA NEVE MARCELLO LODI ALBERTINA MARENGHI LEONARDO MARGARI FRANCO MASI MICHELA MICHIELAN ELISABETTA//BETTY MODIN MAURO MORENO EDUARDO PALOMALUDOVICA PAVAN SANDRO PECORARI ELEONORA PERUZZO STEFANIA PIETRAFITTA PAOLA VANESSA QUINTAVALLE ALFIO REVEYLANT RIGOLLI MILENA RIZZO NICOLA ROSSI CRISTINA SVYATOSLAV RYABKIN SACCHI FRANCA SCOMAZZON FEDERICO SICCHIERO MAURIZIO STORTO IVANA TENDERINI FRANCESCA TENDERINI LUIGINO TIILILÄ PAUL VAN HISSENHOVEN MARIE LAURE VIGANÒ LUCIA IDA VISENTIN DENISE VITELLOZZI CATERINA ZAMMIT MARY ANNE ZINGARELLI LAURA ZINI MARA ZURLO MARILÙ

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SurVivArt Project

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