VOUS POUVEZ VOUS ASSEOIR Une exposition qui vous fera voir l’art autrement
FABIEN MERELLE / MIREN AMAYA HERNANDEZ SILVIA VELAZQUEZ / VALERIA TRAVERSA DAN SCHER / KHRISSY CLEMENT KMANU BERGUER / HUGO BONAMIN
PRÉSENTATION DU PROJET L'association D3 vous invite à découvrir une exposition pas comme les autres : « Vous pouvez vous asseoir ». Son objectif : désacraliser l'œuvre d'art. L'art contemporain est, en effet, souvent perçu comme inaccessible, voire incompréhensible, par la plupart des personnes y étant confrontées. Il est vrai que l'on a souvent l'impression que les galeries sont plutôt réservées à l'élite des collectionneurs, artistes et professionnels de l'art en tout genre. De plus on ne comprend pas toujours pour quelles raisons certaines œuvres d'art sont mises sur un tel piédestal. L'association D3 a eu envie de permettre à tout un chacun de se sentir intégré dans ce monde mystérieux qu'est l'art contemporain en demandant aux artistes de créer une installation à laquelle le spectateur prendra part en s'y asseyant. Cette exposition permettra à chacun de découvrir une multitude de techniques, de la peinture à l'art vidéo, en passant par l'abstraction géométrique ou la photographie. Mais également une variété de styles et de cultures. En effet les artistes viennent d'horizons très différents que ce soit par leurs origines, de Suisse, des Etats-Unis, d'Uruguay, d'Argentine ou d'ailleurs, ou par leur parcours, car, lors de cette exposition, diplômés de hautes écoles et autodidactes se mélangeront. Offrir au public un nouveau regard sur l'art contemporain en lui proposant une relation plus proche avec l'œuvre et l'artiste pour qu'il puisse les comprendre à travers sa propre vision des choses, ses propres expériences, tel est l'objectif de cette exposition. Julie Bianchin D3 – Association pour la promotion de l’art contemporain
ARTISTES FABIEN MERELLE (FR) MIREN AMAYA HERNANDEZ (VE) SILVIA VELAZQUEZ (UY) VALERIA TRAVERSA (AR) DAN SCHER (USA) KHRISSY CLEMENT (CH) KMANU BERGUER (CH) HUGO BONAMIN (AR-CH) MEDIATION CULTUREL JULIE BIANCHIN (CH)
FABIEN MERELLE BORN IN FONTENAY AUX ROSES, FRANCE, 1981 Lives and works in Tours and Paris. Fabien Mérelle is a highly talented and emerging young French artist who creates delicately detailed drawings in black ink and watercolour. A recent graduate from the Beaux-Arts academy in Paris, Mérelle received a scholarship in 2005 to attend the BeauxArts academy in Xi'An, China. Already passionate about the art of drawing, this trans-global opportunity permitted Mérelle to discover and perfect the use of alternative Eastern drawing techniques, such as Chinese ink. Upon his return to the West, Mérelle was granted a residence at the prestigious Casa Vélasquez in Madrid and in 2010 he was the first winner of the highly lauded Canson Prize. Although Mérelle's drawings appear at first sight realistic in their rendering, they in fact depict outworldly scenarios, unsettling situations and dream-like occurrences. Working on a minute scale against a sparse white background, Mérelle prompts the viewer to individually examine his figures and peer into a world, which from the outset may appear as our own, but upon closer inspection is a rendering of a personal streaming subconscious : in 'Avant' (2012), the still-life depiction of a coniferous tree is distorted by the slouching torso of a bearded man, the artist himself, perched atop the tree's crown; in 'Ile' (2012), a man, yet again Mérelle himself, tentatively stands on the border of a perspectival slice of terrain, suggesting his proximity to an infinite abyss-like precipice; in 'Pentateuque' (2012), a man, cast as Mérelle, performs the impossible of balancing on his back, arms outstretched, a perched elephant. These renderings, simultaneously absurd, humorous, ironic and cruel, weave their own tapestry of tales and legends, blurring the line between what has been written and what our memory has forged. Mérelle's insistence on anatomical precision, an art historical tradition borrowed from great draughtsmen such as Albrecht Dürer, adds a dimension of doubt and moderate belief, as the viewer simultaneously quizzes yet recognises and understands what he sees. Mérelle thus brings our inner thoughts and mental scenarios
on to the surface of a page, channelling psychological theories of great 20th century thinkers such as Pierre Janet, and providing viewers with a visual of what the depths of our minds might conjure. Fabien Mérelle's exquisite work has received international recognition and has been exhibited at The Armory Show in New York as well as Art Paris. Mérelle recently had a solo exhibition at PrazDelavallade gallery in Paris and was previously part of a group show at Guy Bärtschi gallery in Geneva. His work has also appeared in various prestigious publications such as Art Actual, Beaux-Arts Magazine and Le Monde. Mérelle's work can be found in several private and public collections, including the Daniel and Florence Guerlain contemporary art foundation in Paris. Démarche artistique Je glane des images sur le net, souvent pour rien, classées, oubliées. Cet adolescent existe, je me suis inspiré d'une photo qui peut être à son insu circulait sur la toile. Mon but n'était pas de me moquer de lui. Dessiner pour moi, c'est révéler, c'est aussi prendre soin de l'autre. J'ai voulu par le pinceau, par la plume, prendre le temps de m'attarder sur son histoire. Ce soutien-gorge permet à lui seul d'imaginer ce qui entoure cet enfant. J'ai été ce garçon, qui dans sa chambre ce construisait des mondes. Je me suis cherché. Pour ma part, corps trop maigre, nez trop long. Cet âge est celui des essais, des hontes. Et de lui, je n'ai pas envie de rire mais pour lui, une infime tendresse. J'ai voulu le peindre de la plus douce des manières.
MIREN AMAYA HERNANDEZ Née au Venezuela en 1963, secrétaire de l'association D3 et formatrice d'adolescents et d'adultes, Miren a toujours été attirée par les arts plastiques. En 2004, après avoir suivi des cours en technique picturale, elle développe un style personnel qu'elle définit comme « naïf-expressionniste » et où l'être humain tient le rôle principal. Elle présente régulièrement ses œuvres dans des expositions collectives et personnelles. Depuis 2014, elle suit des cours d'Histoire de l'Art à l'Université de Lausanne en tant qu'auditrice. Elle s'intéresse également à la photographie.
« Et si c'était moi ? » « Et si c'était moi ? » Prendre la place des autres, ceux qui doivent partir et tout laisser derrière eux, s'habiller de leur peau momentanément et, une fois la chaise quittée, savourer la chance précieuse que nous avons d'être maîtres de notre destin, tel est le défi que je vous propose au travers de cette installation. Cette œuvre est le résultat d'une démarche intimiste, dans un style que je définirais comme « naïf-expressionniste » de par le fait que je parviens à faire abstraction des règles propres à la composition, pouvant ainsi concevoir librement les sujets, de façon à susciter chez le spectateur une forte réaction émotionnelle. L'utilisation de techniques mixtes sur toile, papier, ainsi que l'utilisation de matériaux de récupération, me permettent d'atteindre l'objectif recherché qui consiste à ce que, durant un instant, le spectateur soit happé par l'installation.
www.mirenamayah.blogspot.ch
SILVIA VELAZQUEZ Silvia Velázquez est née à Punta del Este, en Uruguay, en 1980 et vit en Suisse depuis 2009. L'art n'a pas été son premier choix. Si elle opte pour l'économie et travaille dans la finance, la pratique artistique n'a de cesse de la tarauder. Dessiner, peindre lui sont nécessaires au point qu'en 2010, elle abandonne définitivement toute autre activité. Un choix récompensé par la Ville de Lausanne qui met à sa disposition un atelier. Tournée vers l'abstraction géométrique, elle interroge de manière pugnace la ligne et les espaces qu'elle crée. Depuis 2012, elle participe régulièrement à des expositions collectives et, parmi ses expositions personnelles on peut retenir son intervention au Temple de St-Cierge lors du parcours d'art contemporain ArtEdifices (2015), ainsi que sa participation à l'événement Flon Art (2016). De plus, en 2016 elle co-fonde l'association D3 dans le but de promouvoir l'art contemporain à travers divers événements en mettant l'accent sur la médiation culturelle. Actuellement, elle oriente sa recherche vers une façon d'utiliser la géométrie comme langage, lui donnant ainsi du sens pour qu'elle ne soit plus abstraite, mais bien qu'elle devienne de la figuration géométrique.
« Ceci est une chaise » Le point de départ pour la réalisation de cette installation a été la « chaise ». Après avoir parcouru brocantes et magasins de seconde main, je suis finalement tombée sur ce siège qui aurait pu être, à lui seul, une œuvre d'art. Considérant absolument superflue l'intervention directe sur un tel objet, ici la « chaise », celui-ci devient une œuvre d'art non seulement par sa représentation dans le dessin accroché au mur, mais aussi, et surtout, par sa mise en scène. C'est au travers du diptyque, que je laisse une empreinte tangible de mon intervention. Dans la première partie de celui-ci, j'ai voulu faire allusion au public qui viendra parcourir l'exposition et qui prendra place dans l'œuvre pour l'achever et la compléter par le simple geste de s'y asseoir. Afin de renforcer l'idée qu'il s'agit bien d'une œuvre d'art, j'ai non seulement représenté l'objet et son espace, mais j'ai également dessiné un piédestal sur lequel, en quelque sorte, le tout viendrait s'appuyer.
www.silviavelazquez.com
VALERIA TRAVERSA Née à Buenos Aires, Argentine. Elle est Diplômée d´Art Visuels, Université Nationale D´Art (UNA), Argentine. Professeur National de peinture, École Nationale des Beaux-Arts, Prilidiano Pueyrredón, Argentine. En 2013, elle obtient la Bourse à la création, Fonds national des Arts. En 2014 elle intègre le groupe d´artistes sélectionnés pour participer au Programme d'artistes, Université Torcuato Di Tella. En 2015 elle est sélectionnée pour le Club des outils pour artistes d´atelier Marina De Caro et au Centre de recherche et production d´Art, Université National de Córdoba. Puis elle intègre la sélection des artistes présentés dans le e-book Dessin Contemporain D´Argentine produit pour Itaú Cultural. Depuis l´année 2000, elle participe à des expositions collectives, prix et salons contemporains. Entre ses expositions personnelles, sont remarquées celles qui sont faites au Centre Culturel Conti (2015), Centre Culturel Recoleta (2013), Galerie Bustillo, Banque National d´Argentine (2013), Musée Yrurtia (2012), Fondation Lebenshon (2011) et le Centre Culturel Borges (2004 et 2007). Depuis 2008, elle coordonne les expositions “la linea piensa”, Centre Culturel Borges. Elle Est Professeur de peinture á l´Université National d´Art (UNA). Actuellement, elle est Coordinatrice de Programme des Publics du Centre d´Art Contemporain de l'Université Nationale Tres de Febrero (MUNTREF) et intègre le Réseau des Educateurs de Musées et Centre d´Art d´Argentine (REMCAA).
Démarche artistique Ma recherche se centre sur l'interrelation entre la dynamique physique, l´opération gestuelle, l´espace environnant et le langage graphique. Une combinaison dynamique de motifs géométriques, élaborée avec du papier comme matière première, qui s´étend sur le mur établissant ainsi des relations modulaires et complémentaires entre les différentes parties de l'œuvre. Dans la composition physique de chacune de ces parties, le pli, le doublage et la superposition des plans sont fondamentaux. Le tout constitue un travail sur la dualité, entre solidité sculpturale et la fragilité du papier. Le pli agit comme un outil formel et en même temps sémantique et philosophique. Il met en avant ses propriétés physiques et visuelles propres et celle de la coupure, à partir d'un travail de superposition en étapes et couches. L´hypothèse constructive des différents plans vise à établir une résonance forte et une relation d´aller et retour avec le mur et l´espace architectural de l´installation. De façon à redéfinir les caractéristiques de son statut physique.
DAN SCHER Né en 1956 à Chicago, il entre à l'école des Beaux-Arts de la Washington University à St.Louis en 1975. Diplômé en 1979, il a voyagé 9 mois à travers la Gréce, Israel, et le Nord de l'Afrique où il peint des paysages d'après nature. En 1981, il est admis à la Parsons School of Design de New York. Diplômé en 1983 il s'établit à New York. En 1985, il crée une série de sculptures faites d'objets de récupération. En 1990, il commence une série de peintures inspirées de la vie urbaine. Cette série intitulée « City Painting » fait partie intrinsèque de son activité actuelle. En 1995 il crée en collaboration avec la pharmacie Ansonia ( à Greenwich Village ) , une galerie appelée « The Ansonia Window Show » un espace alternatif exposant des peintures, des sculptures, et des photographies. En 1997 il commence à enseigner le dessin à la Cooper Union School Of Engineering and Architecture. De1999 à 2002 il voyage en Grèce et il y séjourne deux mois par année en peignant des paysages. Il quitte les Etats-Unis pour la Suisse en 2002 et installe son atelier à Montreux. Il vit actuellement à Lausanne où il poursuit son activité artistique. Il est membre de Visarte depuis 2007
« Diminishing Returns » The paintings presented are from a series called « City Painting » which I began in 1990. It is an on going series about contemporary urban society. I grew up in Chicago and St. Louis, then lived in New York from 1981 to 2003. I wanted to find a language in painting which would communicate my ideas of urban life. For 10 years I searched for a consistent way to paint urban subjects. Then in 1990 I was riding a bus up Madison Ave. and I noticed a view framed by the bus window which cropped the pedestrian traffic at the shoulders. This gave me the idea for a language I could use to compose city paintings. It was this parallel view from the bus of people walking that initiated the dialogue I was looking for. I began making many composition studies, using observations from my walks around the city. I made drawings of legs and feet against a negative space of sidewalk. Then I introduced buildings into the negative space, making a structure of buildings, armes, legs, feet, torsos, briefcases, newspapers, umbrellas, shopping bags, and sidewalk. I limited the imagery to these objects and repeated them from composition to composition. Correspondingly, during this period, I developed a liking for jazz music and listened avidly to it on the radio. I heard a decidedly urban pace in syncopated jazz rhythms. I found color solutions in jazz harmonies and used color and contour to reflect the city's pace. Today I continue my work with color and space, the figurative and the abstract.
www.danscher.org
KHRISSY CLEMENT Née à Schönenwerd (SO) Suisse. Elle passe une partie de son enfance en Amérique du Sud (Uruguay), en Italie (Milan) et s'installe aux USA à Hollywood. Lors de son retour en Suisse en 1995, elle étudie à l'école d'Arts Appliqués de Vevey où elle obtient le diplôme des arts visuels. Après un nouveau séjour à l'étranger, elle s'établit à Veytaux, dans la belle région du lac Léman. Très tôt son intérêt pour la photographie fera d'elle une passionnée. Elle travaille la photographie numérique, argentique, ainsi que le laboratoire photo, la peinture, et le dessin. Elle édite des livres sur divers thèmes sur demande. Ses œuvres sont diversifiées, avec des techniques et supports variés qui vont mettre en valeur ses clichés toujours inspirés du clair-obscur. Ces thèmes de prédilection se sont la musique et les châteaux, tout particulièrement le Château de Chillon, qui voisine son atelier mais en restant toujours ouverte à d'autres projets artistiques. Exposant régulièrement, elle apporte son style qu'elle nomme «Expression».
« CO - COBALTIS » C O B A L T I S
Castle / Château Obscure/ Obscurcir Blue/Bleu Atome Light/Lumières Time/Temps Insider/Initié Show
Ma vision va à la découverte de l'ancien et le nouveau. Les associations et les contrastes se révélant, m'ont entraînée dans une recherche picturale inspirée du clair-obscur. Amoureuse des châteaux et des lieux chargés d'histoire, ma proximité avec le château de Chillon, m'a rendue complice de celui-ci. Ce lien m'a permis d'affûter mes yeux pour capturer des images étonnantes au-delà de premier regard. Mon choix va se diriger vers des effets de lumière violente et scénique. L'agressivité des contrastes lumineux, enveloppées par l'ombre et sillonnées par des vifs éclats de lumière, va se transformer en une vague et mystérieuse allusion des formes géométriques qui plongera le regard dans un monde plus contemporain lors de ses expositions.
www.khrissy-expression.com
KMANU BERGUER KManu Berguer est né à Lausanne en 1966. Il est très jeune familiarisé avec les arts plastiques. Artiste autodidacte, il dessine, peint, réalise des collages et des assemblages dès l'adolescence. Puis il se passionne pour les nouvelles technologies, la vidéo notamment, mais aussi des médiums plus rudimentaires comme la photo polaroid par exemple. Il réalise alors des installations, des objets-sculpture mis en espace et des oeuvres multimédia. Depuis quelques années, il s'exprime principalement par le dessin, ce médium répondant au plus près à sa recherche de simplicité. Il continue néanmoins de réaliser avec bonheur des installations multimédia. « Vo Tsarstvi Tvoiem » (Dans Ton Royaume) Installation. audio, vidéo, diaporama, pastel sur bois, divers objets.
Thème: catastrophe nucléaire de Tchernobyl. La catastrophe de Tchernobyl a entraîné l’exode des quelques 20.000 habitants de la ville de Prypiat qui se trouve à proximité de la centrale nucléaire de Tchernobyl et qui a été construite en 1970 pour héberger les employés de la centrale. Du jour au lendemain cette ville est devenue une ville fantôme. Mon installation figure ce que pourrait être le salon d’un de ces appartements abandonnés. Un vieux poste de télévision diffuse de la neige (qui pourrait symboliser un nuage nucléaire) au-dessus de la centrale nucléaire. Sur le poste de télévision sont disposées comme des bibelots des poupées russes dont les visages ont été inspirés par des photos de liquidateurs. Les liquidateurs sont les gens qui sont intervenus sur place dès le lendemain de l’explosion afin d’assainir le site et qui sont décédés prématurément peu après les événements du fait de la radioactivité.
L’ensemble de ces poupées russes rend hommage aux morts et aux vivants qui ont dû tout quitter du jour au lendemain. La télévision qui se trouve au mur figure la fenêtre du salon par laquelle on voit les rues de Prypiat à l’abandon (images street view). Quelque part sur un mur est accroché un cadre photo passant le diaporama de photos des habitants de Prypiat AVANT la catastrophe. Sur la chaise est imprimé le dessin d’un visage que j’ai copié sur un graffiti se trouvant à Prypiat. Ce salon est comme hanté par la mémoire des morts et des vivants, victimes de la catastrophe. Le fond sonore, qui est un chant de béatitude orthodoxe (Vo Tsarstvi Tvoiem, titre de l’installation) passé à l’envers (et qui devient du coup un champ de damnation), renforce l’ambiance morbide et anxiogène.
kmanuberguer.wix.com/kmanub
HUGO BONAMIN Hugo Bonamin naît à Paris en 1979 d'une mère suisse et d'un père argentin, tous deux architectes. Il a 4 ans lorsqu'il réalise sa première œuvre peinte d'importance. Parallèlement à sa scolarité, il fréquente l'Atelier Nicolas Poussin et suit les cours de l'Ecole du Louvre. Suite à l'obtention de son baccalauréat scientifique en candidat libre à Londres, il devient Artiste-Peintre autodidacte et s'installe successivement à Londres, Buenos-Aires, Kolkata(Inde), Paris et Caux(Suisse) où il réside actuellement. Depuis 2015, Il travaille sur la publication d'un livre réunissant 784 portraits d'inconnus, en collaboration avec une galerie parisienne. Ami de longue date avec Samuel Theis, ils décident d'explorer ensemble les thèmes de l'égo et de l'intimité en mettant en scène leur propre relation.
www.hugobonamin.wordpress.com
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JULIE BIANCHIN Née à Lutry, ayant suivit ma scolarité dans la région lausannoise, j'étudie actuellement l'histoire de l'art et les sciences sociales à l'Université de Lausanne. C'est au gymnase que je découvre ma passion pour l'histoire de l'art et plus particulièrement pour l'art contemporain. Je décide alors, dans le cadre de mon Travail de Maturité, de monter une exposition sur le thème du détournement. L'exposition eut un grand succès avec plus de 300 visiteurs au vernissage. Cette expérience m'a aidé à découvrir ce qui me plaisait dans l'art, c'est à dire le contact avec les artistes. Comprendre et aider le public à comprendre le travail et la démarche des artistes et ce qui me plait. Ce contact m'apporte également beaucoup personnellement car j'aime apprendre et, en étant en contact avec un grand nombre de personnes de milieux différents, on apprend beaucoup sur eux, sur soi, sur leurs projets, sur le monde. C'est pourquoi je me destine à une carrière en journalisme.
Une proposition de D3 - Association
Conception et graphisme Silvia VelĂĄzquez CrĂŠdits photographiques Miren Amaya Hernandez
Remerciements