Sublime Collection

SUBLIME COLLECTION ARQUITECTOS Le Corbusier Oscar Niemeyer Zaha Hadid BARROCO VS ESTILO MODERNO

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VISIONARIOS DE LA MODA McQueen Viktor & Rolf Jean Paul Gaultier

DISEÑOS EXLUSIVOS HAUTE COUTURE AW/10 y las últimas novedades de SS/11

Stéphane Rolland

con

SS/2011 PREVIEW

EXPOSICION SKIN and BONES P. F. de Moda inspiración arquitectónica

SUMARIO ARQUITECTURA 4 Periodo Barroco 12 Arquitectura moderna 20 Deconstructivismo BARROCO 24 Barroco diseño actual ARQUITECTURA Y MODA 30 Exposición Skin and Bones 32 Paralelismos DISEÑADORES 38 40 41 42 43 44 45 46 47 48 49

Balenciaga Issey Miyake Vivienne Westwood Jean Paul Gaultier Commes des Garçon Yohji Yamamoto Alexander McQueen Hussein Chalayan Viktor and Rolf Gareth Pugh Amaya Arzuaga

TENDENCIAS 50 Primavera-Verano 2011 HAUTE COUTURE 52 Otoño-Invierno 2010 56 Primavera-Verano 2011 SUBLIME COLLECTION 58 Memoria descriptiva 60 Memoria explicativa 64 Diseños 104 Fichas tecnicas y escandallos 116 Shooting BIBLIOGRAFÍA 126

Linea: colecciones Proyecto: Inspiración arquitectónica Título : Sublime Collection Proyecto fin de carrera de Moda Alumna: Sara Muñoz Mayor Directora de proyecto: Rocío Ruíz Cáceres Escuela Superior de Diseño de Murcia Marzo 2011

ARQUITECTURA PERIODO BARROCO

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a arquitectura barroca se generó en Roma durante el siglo XVII y se extendió por los Estados absolutistas europeos hasta mediados del siglo XVIII. Durante un tiempo fue entendido como un arte decadente y corrompido, pero en el siglo XX es revalorizado por los vanguardistas y se conoce como un arte tremendamente coherente y lúcido, lleno de inventiva, donde la sensación suple a la razón. La

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obra equilibrada y racional del Renacimiento es sustituida por la expresión desequilibrada del Barroco.

El contexto histórico en el que se desarrolla es el de una Europa dominada políticamente por las monarquías absolutistas y una Iglesia de la Contrarreforma, que usaron el barroco como una expresión propagandística para manifestar su grandeza a través del arte.

El palacio barroco de Versalles en Francia, diseñado por Philibert Le Roy en 1624. En 1669, el arquitecto Louis Le Vau comenzó una renovación y ampliación detallada.

Foto © Pascal Le Segretain / Getty Images

En la página contigua imagen del Museo del Louvre, (París)

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entro del barroco podemos encontrar algunas variantes como por ejemplo el barroco católico que muestra a través de sus obras el triunfo de la Iglesia Católica sirviéndose del lujo y la riqueza. Pretende demostrar que la Iglesia es la representante de la fe verdadera y se da en Italia, en España y en el sur de Alemania.

Otras variantes son el barroco absolutista, que triunfa en Francia y se sirve de medios similares a los de la Iglesia para expresar el poder del Estado, y el barroco burgués que triunfa en los países protestantes, especialmente en Holanda. Destaca la pintura, de carácter intimista, con escenas de género y retratos que gustan a la clientela, en su mayoría perteneciente a la clase burguesa.

Templo de Santo Domingo de Guzmán en Oaxaca de Juárez (México)

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PERIODO BARROCO

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elativo a las características generales, podemos observar que el naturalismo es la característica esencial del arte barroco, los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos. Es un arte dinámico que pretende impactar al espectador, sacarle de su actitud contemplativa. Existe una tendencia de dotar a los edificios de movimiento empleando para ello líneas curvas. Es una arquitectura que gusta de formas complejas, adornos extravagantes, pinturas opulentas y contrastes audaces.

Columna salomónica

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n cuanto a los materiales utilizados podemos destacar desde la piedra y el mármol hasta el ladrillo y el estuco. El mármol se emplea, por ejemplo, de colores para subrayar la suntuosidad y el lujo.

También se utiliza en tonos dorados y en bronce en abundancia.

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Respecto a los soportes más empleados en el arte barroco cabe destacar el muro, que posee un carácter dinámico, es decir, se ondula y se modela permitiendo plantas flexibles. Los soportes se usan mucho con fines decorativos. Existen dos soportes típicamente barrocos como son la columna salomónica, que se ca-

racteriza por tener un fuste torsionado en forma de espiral, y la estípite, soporte vertical cuyo tronco tiene forma de pirámide invertida.

Dentro del barroco hay un elemento esencial, se trata del arco de medio punto aunque se complica construyéndolo de forma oval, mixtilíneo o elíptico, entre otros. También se emplean bóvedas y cúpulas como cubiertas, siendo las más frecuentes las cúpulas ovaladas.

Como podemos extraer de nuestro análisis, en el arte barroco interesa más lo plásticoarquitectónico que lo constructivo. Se rompe con las formas geométricas simples y los principios de la proporción matemá-

tica y ordenada, utilizando para ello formas complejas, juegos de espacios y volúmenes. Además, se emplean mucho los relieves que refuerzan el contraste de claro-oscuros. Dentro de esta decoración en relieve destacan los elementos botánicos y las placas rectangulares. La decoración de los exteriores resultan bastante diferente a la de los interiores, hay una organización en torno a un volumen dominante, de este modo, las fachadas y las cúpulas juegan un papel fundamental en la obra, donde se da gran importancia a la organización ur-

banística, cobrando interés por jardines, calles y plazas. Respecto a los interiores, encontramos juegos de contraposiciones, teatralidad que mezcla la arquitectura con otras artes, así como efectos ópticos causados por los cambios de perspectivas y de luz, proporcionando luces y sobras, claro-oscuros, para hacer resaltar las piezas principales.

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PERIODO BARROCO ARQUITECTURA BARROCA EN FRANCIA

HARDOUIN MANSART: Fachada del palacio de Versalles. Concebido con dimensiones gigantescas. El palacio barroco francés, del que éste es el modelo, nunca será muy alto a diferencia del italiano, por lo que ganará en extensión. Esta fachada tiene más de 600 metros, aunque la sabia disposición de entrantes y salientes le resta toda monotonía.

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finales del siglo XVII Francia, que ha permanecido católica, se convierte en la primera potencia europea. En ella encontramos una arquitectura principalmente al servicio de la monarquía absoluta, especialmente en la

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persona de Luis XIV, el “Rey Sol”, quien tomó el palacio de Versalles como expresión de su poder y de su propia persona. El monarca es el astro rey, de quien emana toda la sabiduría, toda la luz, y con su gloria ilumina a toda Francia. Este mensaje está

claramente presente en la disposición de salones, así como en la fuente de Apolo, donde el carro tira del sol y parece que va a emerger del agua, ya que la fuente está mirando hacia el este.

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tra de las características del Barroco francés es que opone los exteriores y los interiores. El exterior se mantendrá en una línea de relativa pureza clásica, el francés preferirá la majestad a la suntuosidad, al menos hacia fuera.

El interior es todo lo contrario, los espejos y los cielos decorados nos sumergen en un mundo refinadísimo y suntuoso.

En arte, la arquitectura atenderá a los palacios y jardines; la pintura a escenas míticas y bucólicas y de género; y la escultura a los retratos e inmortalización de los poderosos.

HARDOUIN MANSART: Salón de los espejos, palacio de Versalles. Decoración suntuosa y con un refinamiento exquisito. La riqueza y el lujo como expresión del poder absolutista.

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PERIODO BARROCO

CLAUDE PERRAUT: Palacio del Louvre, París, 1673. Este enorme palacio se levanta durante siglos, desde Francisco I hasta Napoleón III. En tiempos de Luis XIV, PERRAUT diseña la fachada a modo de gran decorado que nada tiene que ver con el interior. Utiliza estructura de hierro, anticipándose al siglo XIX.

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entro de las grandes figuras de la arquitectura barroca destacan arquitectos como Salomón Brosse, creador del Palacio de Luxemburgo en París; Jacques Lemercier, considerado el arquitecto francés más representativo, ya que entre sus obras se encuentran La iglesia de la Sorbona y El palacio de Richelieu en Poitou;

Louis le Vau, creador del Hotel Lambert; y François Mansart, cuya obra fue la Mansión Laffitte.

Pero en Francia destacaron dos proyectos reales monumentales: el Louvre, en el que trabajó Claude Perrault, y Versalles, obra de Louis le Vau y Charles le Brun, autor de la escalera de los embajadores y de la gale-

ría de los espejos. Otro de los nombres que cabe mencionar es el de Jules Hardouin-Mansart, que realiza numerosos hoteles, como por ejemplo el Hotel de los Inválidos, y diseña también la ampliación del conjunto de Versalles, una obra maestra que será imitada en todo el mundo.

André le Notre fue quien diseñó los jardines.

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ARQUITECTURA

ARQUITECTURA MODERNA 12

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n el siglo XX tiene lugar el movimiento moderno que plantea una nueva visión del arte y la construcción. La arquitectura no se comprende bajo una actitud contemplativa, sino que a partir de este momento no habrá obra arquitectónica si no visitamos su interior. Las artes plásticas se van a definir por su verdadera e inmutable esencia, en la pintura será ante todo el color, en la escultura el volumen y en la arquitectura el espacio. Hay una nueva conciencia de estética que nos revela el verdadero significado de la arquitectura, su habitabilidad, que se antepone a funciones secundarias como la ornamentación. Se trata de una estética que radica en la función. Si un edificio tiene una distribución armoniosa, está integrado en el entorno, resulta grata su habitabilidad, el edificio es bello.

ERICH MENDELSOHN Y SERGE CHERMAYEFF: Escalera de caracol en el De La Warr Pavilion,1935

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ARQUITECTURA MODERNA «Las formas primarias son las formas bellas, pues tienen una lectura clara».

Le Corbusier

«Un camino abierto a la nueva arquitectura se halla señalado por otro punto de partida: lo interior y lo exterior, lo superior y lo inferior, se funden en una sola unidad. (...) Las aberturas y los límites, las perforaciones y las superficies movibles, llevan la periferia al centro y desplazan el centro hacia afuera. Una fluctuante constante, hacia el costado y hacia arriba, radiante, multilateral, anuncia que el hombre se ha posesionado -hasta donde le permiten su capacidad y sus concepciones humanas- del imponderable, invisible y, sin embargo, omnipresente espacio».

Lazlo Moholy-Nagy La nueva visión, Buenos Aires, Ediciones Infinito (edición castellana), 1972.

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ras una revolución industrial el Movimiento Moderno promulga una nueva concepción de espacio a partir de nuevos avances tecnológicos, estructuras de hormigón armado y acero laminado, así como cerramientos de cristal.

Como Moholy- Nagy plantea se trata de un espacio libre, fluido, ligero, continuo, abierto, transparente, en total contraposición a la idea tradicional de espacio diferenciado volumétricamente, de forma identificable, discontinuo, cerrado y estático.

Entre las posibilidades tecnológicas la transparencia constituye una de las más fascinantes. Aunque ésta necesita de opacidad, ya no sólo por una razón estética, sino porque la transparencia en su totalidad excluye aspectos como la intimidad. Este dualismo inherente se usa del mismo modo para resolver la mayoría de problemas que se plantean.

En las construcciones hay soportes y cargas, compresiones y tracciones. En las superficies hay colores y texturas, formas y espacios, edificios y paisajes.

A lo largo de este movimiento podemos destacar en una fase inicial un funcionalismo o racionalismo arquitectónico don-

de encontramos fuertes personalidades como Le Corbusier, arquitecto suizo, en cuyas primeras obras vemos impreso este rigor racionalista a través de volúmenes limpios, acompañados de connotaciones cubistas. Un léxico que comprende el uso de formas elementales en la construcción arquitectónica con la idea de obtener simetría, regularidad y equilibrio en su conjunto de cara a la proyección del diseño. Los puntos base de esta arquitectura serán el uso de materiales nuevos, estructura aparente, cubiertas planas, grades superficies encristaladas e hincapié en el espacio interior.

Arriba: Nueva Galeria Nacional de Berlín de Mies van der Rohe, Alemania, 1922.

En la página contigua: Villa Savoye de Le Corbusier, Poisy, Francia, 1928-1931.

«La arquitectura no consiste en resolver determinados problemas formales, por muy arraigados que los mismos estén en ella, sino en [...] ejecutar en el espacio las decisiones espirituales».

Ludwing Mies van der Rohe

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ARQUITECTURA MODERNA

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ambién la Bauhaus se convierte en un importante referente icónico de este nuevo concepto arquitectónico, que nos plantea una arquitectura centrada en temas técnicos y constructivos que huye

Destacar por último dentro de este racionalismo arquitectónico a Ludwing Mies van der Rohe, sucesor de Gropius en Bauhaus, que emigrará con este a EEUU. Para Mies el uso de los materiales será el elemento expresivo, combina en su obra técnica, claridad y sencillez expositiva.

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del historicismo. Valga como ejemplo la figura de Walter Gropius, quien eliminó del programa docente de la Bauhaus la asignatura de historia del arte en los estudios de arquitectura con la pretensión de partir exclusivamente de las necesidades del hombre moderno. Este re-

chazo de Gropius a ideas apriorísticas se ve reflejado en su obra ceñida a necesidades concretas, sin estridencias, su arquitectura se presenta de un modo lógico.

Con el uso de sus grandes ventanales queda patente una transparencia que pone a la vista diversas partes del edificio.

«No sabemos de ningún problema formal, sólo problemas constructivos. La forma no es la meta, sino el resultado de nuestro trabajo. La forma, por sí misma, no existe.

La verdadera plenitud de la forma está condicionada, está entremezclada con la propia tarea, sí, es la expresión elemental de su solución. La forma como meta es formalismo; y esto lo rechazamos. Tampoco buscamos un estilo. También la voluntad de aspirar a un estilo es formalismo.

Tenemos otras preocupaciones. Precisamente nos interesa liberar la práctica de la construcción de los especuladores estéticos, para que vuelva a ser aquello que únicamente debería ser, es decir, CONSTRUCCION».

“Bauen” publicado en la revista G, n°2, Septiembre de 1923

Página contigua: Edificio de la Bauhaus de Dessau de Walter Gropius en Alemania, 1925-1926.

Abajo y derecha: La Casa de la Cascada de Frank Lloyd Wright en Pelsilvania, 19351939.

«Cinco líneas donde tres son suficientes es una estupidez. Nueve libras donde tres son suficientes es obesidad. Pero eliminar palabras expresivas al hablar o al escribir, palabras que intensifican o vivifican el significado no es simplicidad. En arquitectura una eliminación similar tampoco es simplicidad; puede ser, y normalmente es, estupidez» Frank Lloyd Wright

Este pensamiento se irá transformando dando paso a una arquitectura orgánica en la que se muestra la importancia de la carga simbólica que tiene la construcción sobre el individuo.

«Se ha hecho imperativo que al diseñar nuestro entorno físico planteemos conscientemente la cuestión fundamental de la supervivencia en el sentido más amplio de este término. Todo diseño que imparta o imponga una tensión excesiva sobre el equipo natural humano debería ser eliminado o modificado de acuerdo con las necesidades de nuestro sistema nervioso, y más gradualmente de todo nuestro funcionamiento fisiológico».

Neutra nos plantea una arquitectura que parte del individuo, y no únicamente de un aspecto ingenieril y tecnológico. Pues sí necesitamos de estos elementos para que un edificio funcione, pero también hay que considerar que su pretensión principal es ofrecer a los individuos un confort y seguridad y para ello debemos utilizar un planteamiento que incluya una percepción sensorial apacible.

Richard Neutra Survival Through Design 1954

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ARQUITECTURA MODERNA

Frank Llody Wright, discípulo de Louis Sullivan quien ya introdujo la renovación de la arquitectura y el abandono del eclecticismo en el último cuarto del siglo XIX, fue el verdadero creador de la arquitectura orgánica. Se interesa por una ruptura entre el interior y exterior de los edificios “Hay que crear espacios, no dibujar fachadas”.

Esta arquitectura germina con 18

la comprensión de la vida en su mayor plenitud, es espíritu individual e integración en la civilización. Está en armonía con la naturaleza, el espacio es continuo de interior a exterior, el punto de partida es el lugar en que se engendra, se funde con este, con una visión del mundo que respeta a la gente y la naturaleza en su esencia más profunda.

También conocido será Erick Asplund, arquitecto sueco, que empezó siendo racionalista, pero derivó hacia una humanización de la arquitectura, concebida como un refugio contra la dureza de la vida exterior. Así como Alvar Aalto que sigue una trayectoria semejante.

«El funcionalismo solo está justificado cuando se amplía para incluir tambien aspectos psicofísicos. Esta es la única forma de humanizar la arquitectura».

Alvar Aalto

Para Alvar la arquitectura está por encima de la técnica, está sujeta a contingencias humanas, debe ir de la mano de las necesidades humanas.

HUGO ALVAR HENRIK AALTO: Arriba: Sanatorio de turbeculosos en Paimo, Finlandia, 1928-1933.

Página contigua: Escuela Superior técnica, Espoo, Finlandia, 1949-1974.

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ARQUITECTURA

FRANK GEHRY: Museo Guggenheim, Bilbao, 1998. La arquitectura, como todo el arte del siglo XX, traza un inmenso arco que parte de la más pura abstracción y racionalismo, al más delirante expresionismo en las últimas décadas, aunque el funcionalismo de la primera época no se abandonará jamás. El museo combina sabiamente espacios internos subyacentes con la violenta explosión del metal y las superficies alabeadas en el exterior. A sido definido como “una tormenta de titanio a las orillas de la ría de Bilbao”

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a arquitectura orgánica que establecía una relación armónica entre razón y sentimiento, da paso a una arquitectura de postguerra en la que se replantean algunos de los criterios de la arquitectura moderna de cara a la proyección de edificios.

FRANK GEHRY: Hotel Marqués del Riscal, situado en Elciego, La Rioja.

«Para decirlo con pocas palabras, un edificio posmoderno interpela simultáneamente como mínimo dos grupos: a los arquitectos y a una minoría comprometida que se preocupa por problemas arquitectónicos específicos y al público y a los visitantes in situ interesados por los problemas del confort, de la arquitectura tradicional y de su manera de vivir».

JECKS, Charles, El lenguaje de la arquitectura posmoderna, Barcelona, Gustavo Gili, 1984

El libro El lenguaje de la arquitectura posmoderna (1977) fue una gran aportación de Jecks, quien mantiene que en los años sesenta acaece un punto de partida para el pluralismo

fragmentario de una cultura de masas en contraposición de las vanguardias elitistas. Desde su perspectiva era necesario reintroducir los referentes históricos. Digamos de otro modo que el postmodernismo surge a raíz de la arquitectura moderna como una crítica o quizás cierto rechazo hacia un planteamiento que se centra en el individuo y rehúsa del pasado, señalando el peso fundamental que juega un historicismo y centrándose más en la vida pública y las relaciones de vecindad que en las necesidades individuales.

«Intento llevar a cabo las fantasías de mis clientes, crear una forma arquitectónica específicamente destinada a ellos».

Frank Owen Gehry

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ARQUITECTURA DECONSTRUCTIVISTA Dentro del posmodernismo encontramos estilos como el deconstructivismo, una tendencia que presenta analogías con el constructivismo ruso de los años veinte también relacionada con el movimiento literario en el que el filósofo Jacques Derrida sostenía que “deconstruir un texto era sacar a relucir lógicas conflictivas de sentido y significación, con el objeto de mostrar que el texto nunca significaba lo que decía o decía lo que significa”, lo que viene a decir que se trata de un estilo lógico-paradójico. Este concepto ya suscita una contradicción, pues la lógica la entendemos como aquello que no quebranta las leyes del pensamiento, sin embargo la paradoja es contradictoria y opuesta a la razón. Derrida también decía que “no se obtendrá respuesta alguna facilitando el acceso a un sentido racional cuya realización se nos haya prometido. Se trata justamente de lo que sucede al sentido”. Esto significa que el sentido no se encuentra en una determinación racional, si no que va mas allá.

«Un arquitecto deconstructivista no es alguien que desmonta un edificio, sino alguien que localiza los problemas inherentes al mismo. Trata las formas puras de la tradición arquitectónica como un psiquiatra a sus pacientes y establece los síntomas de una impureza reprimida, que aflorará combinando los halagos dulces con la tortura violenta: la forma es oída».

Mark Wigley

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REM KOOLHAAS: Museum Plaza en Louisville, Kentucky

La fragmentación formal, así como la carencia de continuidad o simetría evocan un caos controlado, los arquitectos deconstructivistas plantean soluciones a los problemas arquitectónicos con una percepción contrapuesta a la visión cotidiana moderna y prescinden de leyes clásicas de soportes y cargas, de proporción y regularidad. Arquitectos como Zaha Hadid, Coop Himmelblau, Frank Gehry, Rem Koolhaas o Daniel Libeskind serán algunos de los más importantes dentro de este estilo con obras apreciadas por su belleza y excentricidad.

ZAHA HADID: Bar Moonsoon en Sapporo, Jap贸n, 1989-1990.

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BARROCO EN EL DISEÑO ACTUAL

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ecordando una época fastuosa y romántica el estilo barroco sigue vigente en el diseño contemporáneo. Es utilizado como fuente de inspiración en la decoración de hogares dando ese toque espectacular y suntuoso del que se caracteriza. Podemos ver cómo conjugado con el arte moderno

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constituye un elemento que da calidez a espacios minimalistas.

Encontramos variantes exquisitas de este estilo adaptadas a los espacios interiores de acuerdo a nuestra forma de vivir y sentir actuales.

En el papel de colgadura las flores como los cartuchos y las azucenas se utilizan como un elemento de sofisticación y elegancia

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demás de en la industria de la decoración podemos encontrar esta influencia del movimiento barroco en diseños gráficos de hoy en día. Estos proyectos visuales incluyen flores exuberantes, frisos, rosetas y otros muchos ornamentos de influencia claramente barroca.

No es extraño encontrar interesantes obras que incluyen este influjo barroco combinado, a fin de enriquecer, con un diseño moderno, creando bellas atmósferas.

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BARROCO EN EL DISEÑO ACTUAL

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or último, y no por ello menos importante, hacer referencia a diseñadores como Balmain, Alexander McQueen, Lanvin, Versace, Cavalli… quienes conjugan a la perfección una extraordinaria combinación de texturas, conceptos y colores representando este magnífico estilo barroco en sus prendas, con diseños opulentos en los que encontramos lujosos tejidos brocados y dorados renovados y adaptados a un tiempo actual pero con la esencia de grandiosidad que nos transmite este periodo tan majestuoso.

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Cavalli

Alexander Mcqueen

Versace

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ARQUITECTURA Y MODA SKIN & BONES

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kin and Bones es una exposición donde descubrimos la sinergia existente entre arquitectura y moda, que se muestra en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles. Incluye las prendas más icónicas y modelos en 3D de las construcciones arquitectónicas diseñadas por más de 50 arquitectos de renombre internacional y diseñadores de moda como Alexander McQueen, Vivienne Westwood, Comme des Garçons y Yohji Yamamoto, entre otros.

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ARQUITECTURA Y MODA SKIN & BONES

Ha llegado el momento de hablar de las distintas disciplinas en una misma fase, encontrando su mayor progreso en el intercambio que nos ofrece resultados sumamente atractivos.

Arquitectos y diseñadores de moda nos proponen ideas que expresan una identidad personal, social o de una cultura, preocupaciones o ambiciones existentes en una época. Ambos coinciden en la búsqueda de la protección o refugio del cuerpo jugando con el espacio y el volumen que vemos en los diversos

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temas específicos escogidos para las prendas de vestir y la paralela proyección arquitectónica, donde hallamos en su máxima expresión la frase “una imagen vale más que mil palabras”.

El punto de partida de esta muestra será 1980, una época marcada por importantes cambios culturales que afectan a un diálogo cada vez más común entre arquitectos y diseñadores de moda. La creciente proliferación de este cruce creativo se encuentra en su momento más maduro.

El diseño contemporáneo conlleva que los diseñadores más vanguardistas aborden las prendas desde una perspectiva constructiva arquitectónica, mientras que los arquitectos adoptan, gracias a los avances tecnológicos e innovadores de los materiales, nuevas formas, incluyendo de hecho técnicas como el plegado, la costura, términos recurrentes en la confección textil que ahora también forman parte de un vocabulario arquitectónico.

Skin and Bones destaca en esta muestra edificios y prendas cuyas construcciones comprenden ingeniosos métodos y técnicas con resultados volumétricos inusuales y escultóricos, desafiando la convencional visión hacia estas disciplinas, revelando el gran potencial de los arquitectos y diseñadores integrantes.

Para ver información más detallada acceder a la guía de la exposición en la página: http://www.somersethouse.org.uk/documents/skinbones_exhibition_guide.pdf

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ARQUITECTURA Y MODA PARALELISMOS

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a arquitectura y la moda presentan una simbiótica innegable, ambas disciplinas se centran en la persona desde el ámbito interno hasta el más visible.

La abundancia de formas que recoge la arquitectura parece a veces desafiar las leyes de la gravedad. Es impresionante como estas formas y colores pueden desencadenar sensaciones capaces de alterar nuestro estado de ánimo, tratándose no sólo de un impacto visual, sino también de un choque emocional.

Del mismo modo el diseño de moda pretende exteriorizar elementos integrantes en el sujeto, nos introduce o aleja del entorno, nos realza, nos protege, se convierte en expresión inherente de los rasgos más profundos de nuestra persona.

A la hora de diseñar, arquitectos y diseñadores de moda prosiguen métodos semejantes. Un arquitecto propone el plan de construcción mostrando todos los elementos del edificio, así como el diseñador de moda prepara los patrones de forma detallada. También hay diferencias obvias como es la flexibilidad estructural o la escala, pero cada vez es más frecuente ver a arquitectos capaces de desarrollar las curvas más complejas. Éstos comienzan a descubrir como los diseñadores de moda crean formas que se adaptan a las curvas

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del cuerpo partiendo del plano, incluso se percatan de cómo está construida la prenda y los tejidos que se usan para conseguir ciertas estructuras y volúmenes. Un ejemplo de la posible transformación de las técnicas de corte y confección en técnicas arquitectónicas las muestran arquitectos como Diller Scofidio + Renfro. Por otro lado, también podemos encontrar diseñadores de moda que a su vez son arquitectos como Gianfranco Ferré, Paco Rabanne o Devota.

IRIS VAN HERPEN: Colecci贸n Escapismo.

ZAHA HADID: Zapatos dise帽ados por la arquitecta para Lacoste, y para la zapateria Melissa.

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ARQUITECTURA Y MODA PARALELISMOS

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Es ineludible que en los últimos años descubrimos de una forma más obvia esta proximidad interdisciplinar, pudiendo apreciar como la colaboración entre diseñadores de moda y arquitectos se da de forma continuada no sólo en el proceso proyectual de un diseño, sino también en la ambientación de pasarelas o en la construcción de tiendas de moda.

Las grandes marcas de moda trabajan con los arquitectos más vanguardistas para conseguir puntos de venta que sean por sí sólo un reclamo para los clientes. No se trata únicamente de construcciones arquitectónicas con diseños innovadores sino de edificios impregnados con la esencia de cada diseñador.

Algunos de estos ejemplos los encontramos en la ciudad de Tokio, como es el caso de la firma de moda PRADA, cuya tienda es dise帽o de los arquitectos suizos Jacques Herzog y Pierre de Meuron. El edificio presenta una especie de membrana compuesta por cristales c贸ncavos y convexos en forma de rombos que transmiten una sensaci贸n de movimiento y parecen dar lugar a la fusi贸n del interior con el exterior.

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ARQUITECTURA Y MODA PARALELISMOS

ISSEY MIYAKE ofrece un nuevo concepto de tienda, obra de Oki Sato, de su estudio Nendo.

Vemos como la ropa se sitúa sobre unas varillas blancas que la mantienen elevada del suelo.

Se trata de prendas accesibles y bastante sencillas con respecto a lo que estamos acostumbrados a ver en sus creaciones, ya que se trata de diseños para el día a día.

ARMANI, cuyo edificio fue diseñado por Doriana y Massimiliano Fuksas, encarna lujo y

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elegancia, es un claro reflejo del código estético de este genio italiano. Vemos conjugados materiales translúcidos, la luz tratada como una delicada exhalación.

La sofisticación de Giorgio Armani sucumbe con translucidez e intimidad, que se confronta con la inmediatez y modernidad de los espacios dedicados a Emporio, donde los cortes de la luz blanca se reflejan a través del establecimiento.

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DISEÑADORES REFERENTES

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lo largo de la historia los diseñadores de moda han planteado una amplia variedad de estilos introduciendo formas y materiales de lo más heterogéneos. Los avances tecnológicos y el ingenio de cada uno de ellos han hecho posible

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que la evolución de la moda no frene. Aunque sí es cierto que actualmente es importante cierta retrospección, ya que la base de la que parten todos es el cuerpo, aunque cada uno realiza sus propias interpretaciones y transformaciones.

En esta propuesta en la que arquitectura y moda se fusionan es interesante tomar nota de diversos diseñadores que nos sirven como referentes, como es el caso de Cristóbal Balenciaga quien decía “El diseñador debe ser arquitecto para saber cortar, escultor para dar forma, pintor para saber escoger los colores, músico para encontrar las ar-

monías y filósofo para crear estilo”. Fue un gran maestro en la alta costura, creador de formas geométricas elegantes, prendas voluminosas y un experto en el corte casi arquitectónico.

Balenciaga será siempre una figura inolvidable y sin duda deslumbrante, cuya obra manifiesta una implacable armonía.

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DISEÑADORES REFERENTES

Issey Miyake es conocido por sus diseños con sistemas arquitectónicos de plisados en Pleats Please (plisados por favor) y APOC (A piece of Cloth “una pieza de tela”). El diseñador ha introducido un vocabulario experimental, plisados marcados, jerséis metálicos forrados de papel cosidos con calor, junto con una tecnología y profusos contrastes cromáticos que serán su sello de identidad más sobresaliente.

Prendas de vestir que se expanden a partir de formas geométricas.

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Vivienne Westwood, diseñadora inglesa conocida por la estética punk, ha utilizado la cultura pop y otros referente históricos para realizar un trabajo destinado a mujeres fuertes e independientes, seguras de sí mismas. Con una imaginación infinita combina las técnicas y los tejidos intrínsecos junto a una gran visión de diseño que demuestra que sus formas y construcciones subversivas van por delante de los tiempos.

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DISEÑADORES REFERENTES

Jean Paul Gaultier, diseñador francés que ha hecho que las mujeres sean fuertes y poderosas pero sexys, es conocido por diseños muy iconoclastas como la corsetería empleada como prendas exteriores que por ejemplo vemos en el vestuario de Madonna en su gira de 1990 Blonde Ambition, donde resalta un corsé con copas cónicas. Este genio en algunos de sus diseños de alta costura nos plantea figuras de lo más estructuradas con construcciones fruto de un talento inigualable.

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Rei Kawakubo, más conocida bajo el nombre de la marca Commes des Garçon, prescinde de las normas para construir prendas que desafíen las convenciones distorsionando la figura. Corta y construye hasta llegar a la máxima deconstrucción. Su ropa ha producido desconcierto y entusiasmo, posicionando a su marca en la vanguardia.

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DISEÑADORES REFERENTES

«Se puede decir que el diseño es bastante fácil, la dificultad reside en encontrar una nueva manera de explorar la belleza».

Son palabras de Yohji Yamamoto diseñador que se caracteriza por sus prendas negras de formas asimétricas con las que pretende reinventar el concepto de belleza. Su inspiración nace de los fenómenos de cada momento. Sus diseños transmiten espiritualidad mediante siluetas dramáticas.

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El espectáculo y la teatralidad siempre ha sido el punto fuerte de Alexander McQueen. Ha producido algunas de las más bellas y sorprendentes imágenes a lo largo de la historia de la moda, convirtiéndose en el foco de todas las miradas.

Sus espectáculos encierran una narrativa romántica y, a menudo, profundamente pesimista. Siempre respaldado por la impecable sastrería y diseños de gran inventiva, sus espectáculos han suscitado reacciones muy emocionales, donde la construcción de sus prendas con grandes volúmenes y formas inverosímiles son un rasgo imperante en toda su obra.

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DISEÑADORES REFERENTES

Hussein Chalayan es uno de los diseñadores más originales de nuestro tiempo. Chalayan dice: “mi inspiración viene de la antropología, la antropología genética, la migración, la historia, los prejuicios sociales, la política, el desplazamiento, la ciencia ficción y, supongo, mi propio trasfondo cultural”. Este sorprendente diseñador presta especial atención a los detalles técnicos, la estructura y las costuras, que dan lugar a desfiles que son auténticas performance donde puede ocurrir de todo.

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Viktor & Rolf, formado por los diseĂąadores holandeses Viktor Horsting y Rolf Snoeren, desafiantes en la moda, nos presentan colecciones en las que investigan telas innovadoras, siluetas y funcionalidad. En sus desfiles nos sorprenden con formas y volĂşmenes exagerados y rompedores con un enfoque surrealista y abstracto de la moda.

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DISEÑADORES REFERENTES

Gareth Pugh es un joven diseñador inglés que experimenta con cortes arquitectónicos y volúmenes en sus prendas, incluye en ocasiones una imagen distorsionada del cuerpo humano. Con una visión extrema del diseño y una teatralidad oscura, su imaginación y entusiasmo serán los factores que atraigan a la gente a sus espectáculos.

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Amaya Arzuaga es una diseñadora española que introduce toques arquitectónicos en cada una de sus colecciones. Siente especial predilección por las minifaldas, los hombros ligeramente marcados y las espirales envolventes, ofreciéndonos líneas de lo más atrevidas.

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TENDENCIAS PRIMAVERA-VERANO 2011

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evisando las últimas tendencias para la próxima temporada primavera-verano 2011 encontramos propuestas de lo más sugerentes, los cortes remarcan la cintura y las curvas de la mujer. Vemos desde maxi vestidos ajustados a prendas que introducen volúmenes para intensificar las formas del cuerpo, pero siempre con fuertes vestigios de feminidad.

En cuanto a los tejidos, están impregnados de un estilo barroco que proporcionan una elegancia embaucadora. Las gasas en forma de cortinas de humo nos sumergen en la más sutil sensualidad. Formas voluminosas y estructurales que parecen representar construcciones arquitectónicas donde el blanco aparece como símbolo de pureza.

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HAUTE COUTURE OTOÑO-INVIERNO 2010- 2011

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a alta costura dio sus primeros pasos de la mano del diseñador Charles Frederick Worth y tuvo su gran apogeo en la primera década del siglo XX. Se trata de prendas hechas a medida, ropa confeccionada a mano, lo que supone un trabajo muy laborioso, donde se utilizan materiales exclusivos, de una calidad exquisita, que hacen que su producción sea muy costosa.

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plisados o bordados espectaculares serán algunos de los detalles presentes en las colecciones, así como fastuosas siluetas que aparecen con un talle alto femenino y delicado. De la mano de Gaultier y Dior encontramos un estilo glamuroso propio de los años cuarenta, donde resaltan En las creaciones de alta costura la cintura con faldas tipo midi, otoño-invierno 2010-2011 en- que es una falda por debajo de contramos diseños sorprenden- la rodilla. tes dignos de reinas: pliegues, A veces los diseñadores utilizan las pasarelas de la alta costura como escaparates en los que exponen sus gustos, su personalidad, su lado más artístico, con la intención de atraer a la clientela para sus colecciones de prêt-à-porter.

La elegancia de Chanel incluir谩 en su propuesta faldas tanto por encima como por debajo de la rodilla, siluetas estructuradas, sofisticaci贸n en el corte y en la forma, con suntuosos brocados y bordados.

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HAUTE COUTURE OTOÑO-INVIERNO 2010- 2011

Zuhair Murad, diseñador libanés, evoca el romanticismo y la suntuosidad de un “boudoir belle époque”, de una Europa de finales de siglo XIX. Tules incrustados con pedrería, organza en degradé, bordados, abullonados y drapeados son elementos que desvelan una atmósfera deliberadamente barroca.

Otro protagonista de la temporada será el color rojo. En los diseños de Elie Saab nos seduce aplicado en tul drapeado, encaje, crepé plisado o gasa, con resultados maravillosos. Y como no, Valentino también nos deleita con sus diseños en rojo que conjugándolos con el negro nos dice querer evocar el lado oscuro del primer amor combinando este color de la pasión desbocada con cortes baby doll que simbolizan la inocencia e ilusión infantil.

Aunque sin duda alguna, el negro y el blanco siguen ganando considerablemente frente a otros tonos por su peso en la alta costura para los vestidos de noche.

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HAUTE COUTURE PRIMAVERA-VERANO 2011 La última novedad que nos presenta la alta costura para la colección de primaveraverano 2011 incluye una interesante referencia arquitectónica, como podemos apreciar en los diseños de Stéphane Rolland, donde el diseñador está claramente inspirado en la obra arquitectónica de Zaha Hadid, haciendo un homenaje a la sencillez agregando preciosos detalles, cortes y volúmenes, jugando para ello con materiales y formas con el objetivo de alcanzar un resultado fabuloso.

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SUBLIME COLLECTION

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sta colección de prêt-àporter para primaveraverano 2011 está inspirada en la arquitectura, tanto del movimiento moderno como del barroco. En ella encontramos una interpretación personal de construcciones de diferentes arquitectos, que se verán reflejadas en diseños concretos, así como una sinfonía de formas, volúmenes y estructuras que aparecerá a lo largo de los 20 diseños que la componen. Son prendas enfocadas a eventos especiales, y por tanto serán diseños exclusivos proyectados para una realización a medida de cada pieza, con una gran calidad y acabados

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impecables. Tejidos como el tafetán de seda, brocados, georgette, muselina y micado hacen posible conseguir los efectos deseados.

Son prendas dirigidas a mujeres elegantes y sensibles, pero sin olvidar la sensualidad más sutil. Seguras de sí mismas a la par que exigentes, que buscan diseños únicos y de calidad con los que puedan sentirse identificadas. Mujeres naturales a las que no les interesa el alarde y la opulencia. La prenda representa una segunda piel que realza su belleza. No se ciñen a una edad determinada, pues es más una tipología fisonómica el factor determinante para adaptar los diseños.

Esta propuesta expone una gama de colores donde el contraste del blanco, símbolo de pureza y sencillez, y el negro, como insignia

de sofisticación, poder y elegancia, primará a lo largo de toda la colección cohesionados con el rojo, fuente de pasión y sensualidad como tercer elemento cromático.

Las formas de lo más variadas, siempre buscan realzar las curvas femeninas, con cortes que remarcan la cintura y elementos que resaltan las caderas. Pliegues, formas geométricas, rellenos y varillas serán los ingredientes para conseguir formas y volúmenes que nos sugieren construcciones arquitectónicas, aunque siempre teniendo en cuenta que serán estructuras que se ajusten al cuerpo. Las transparencias y las aberturas introducen el toque de sensualidad. Las faldas aparecen con diferentes longitudes, irán por encima, por debajo de las rodillas y hasta los pies.

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SUBLIME COLLECTION

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ublime collection no es un simple título elegido al azar, sino que recoge la esencia de lo que pretendo transmitir con este proyecto.

Considero que cuando hacemos una elección, una parte de nosotros se está manifestando en ese instante. De una forma más o menos consciente nos decantamos por una cosa y no por otra porque de algún modo creemos que eso es lo mejor en ese momento. A la hora de vestir realizamos esta operación que nos permite transmitir a su vez una impresión. Nosotros elegimos cómo queremos ser y cómo queremos mostrarnos. Por esto podríamos considerar la moda como un lenguaje no verbal. Al igual que cualquier afición, forma de pensar o sentir, la forma de expresarnos crea un vínculo con aquello que nos rodea. Pues es ineludible que nos sentimos atraídos de una manera especial hacia ciertas cosas, a veces sin

explicación aparente. Y aquí es donde introduzco la palabra sublime. Sublime para mí es crear algo que pueda producir esa sensación. Cuando realizas un diseño de algún modo lo impregnas de un sentimiento, es el resultado de todo lo que has procesado reflejado de forma inefable en una prenda, ya que podríamos partir del mismo punto y cada individuo sería capaz de ofrecer un matiz singular. De aquí nace mi pretensión de realizar diseños exclusivos, de diseñar para las personas y manifestar a través de ellos que son únicas.

Llegados a este punto podríamos decir que se trata de un trabajo visual, detrás del cual hay un estudio formal, funcional y simbólico.

Partiendo de la arquitectura moderna podemos extraer esa rigurosa atención a la construcción, algo que es inherente en la creación de una prenda, pues debemos ser conscientes de

cómo realizar los cortes y qué materiales utilizar para poder crear una estructura deseada.

También plantea la reducción de las formas a elementos sencillos y geométricos, que será un factor imperante en la colección, en la que observamos configuraciones que integran este principio.

El barroco queda integrado en las prendas más como un componente simbólico, como una exteriorización de la riqueza interior de una forma sutil, sin llegar a la ostentación. Y esto deseo plasmarlo a través de los tejidos brocados, ya que están compuestos por elementos vegetales que parecen transmitirnos cierta calidez con sus formas sinuosas.

Por último, el por qué de haberme decantado por diseños para mujeres, es porque pienso que conforma la silueta más hermosa de la naturaleza.

Cuerpo de mujer, blancas colinas, muslos blancos, te pareces al mundo en tu actitud de entrega.

Mi cuerpo de labriego salvaje te socava y hace saltar al hijo del fondo de la tierra.

Fui sólo como un túnel. De mí huían los pájaros, y en mí la noche entraba en su invasión poderosa.

Para sobrevivirme te forjé como un arma, como una flecha en mi arco, como una piedra en mi honda.

Pero cae la hora de la venganza, y te amo.

Cuerpo de piel, de musgo, de leche ávida y firme. ¡Ah los vasos del pecho! ¡Ah los ojos de ausencia! ¡Ah las rosas del pubis! ¡ Ah tu voz lenta y triste!

Cuerpo de mujer mía, persistiré en tu gracia.

Mi sed, mi ansia sin límite, mi camino indeciso!

Oscuros cauces donde la sed eterna sigue, y la fatiga sigue y el dolor infinito.

Cuerpo de mujer, Pablo Neruda

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SUBLIME COLLECTION Outfit 1

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Cuerpo asimétrico de crepé de seda en color blanco. La parte de la derecha simula un corsé donde el bies de color negro remarca la división de las piezas, que a su vez están reforzadas con ballenas. la parte izquierda esta formada por una manga japonesa con pliegues sobre el hombro que continúan hacia la espalda.

La falda es de tafetán de seda de color negro modelada de forma irregular que combina contraposición de formas puntiagudas y sinuosas con abertura en el lado izquierdo. Una muestra de deconstrucción.

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SUBLIME COLLECTION Outfit 2

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Cuerpo con cuello barco con piezas en el delantero y en la espalda de muselina negra creando un juego de transparencias.

Las copas de la parte delantera estĂĄn realizadas en tejido brocado de color negro y los picos, que se ciĂąen en la cintura, en micado blanco.

Falda de tejido brocado de color negro con forma de campana con una abertura en el lado izquierdo.

En este modelo he intentado crear una fusiĂłn de estilo moderno y barroco.

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SUBLIME COLLECTION Outfit 3

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Camisa simétrica y estructurada de popelín blanco que incluye en los hombros y en la parte superior de la espalda piezas de georgette negro. Es una prenda ajustada a la cintura con dos piezas laterales que introducen un volumen que nos recuerda a la Ópera de Sídney. Las divisiones de la camisa están remarcadas por medio de unas tiras negras. En el interior de estas piezas laterales, los puños y el cuello se ha utilizado un tejido brocado de color blanco como alusión al barroco francés en el que encontramos esa yuxtaposición del un interior más rico y suntuoso y un exterior clásico.

La falda larga de georgette negro es un poco evasée.

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SUBLIME COLLECTION Outfit 4

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Este diseño consta de una parte superior que es un corpiño de muselina drapeada de color rojo, cuyas piezas serán remarcadas con un bies de color negro.

La falda de este mismo tejido va fruncida y unida a la parte superior. Al igual que en la Maison de Verre que utiliza el vidrio que permite que la luz nos deje entrever el interior, en este caso la muselina adopta este juego de fusión del exterior con el interior.

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SUBLIME COLLECTION Outfit 5

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Vestido de crepé de seda en color blanco con cuello desbocado y asimétrico de tafetán de seda en color negro. La falda larga también en tafetán de seda plisado acabada en un juego de pliegues que nos proporcionan estos volúmenes geométricos. La falda se realiza con dos piezas rectangulares que a través de dobleces conseguiríamos esta forma.

Como referente de esta composición de formas y volúmenes tenemos la construcción del Templo de oraciones de Seirei en Kawanishi, Japón, 1996-1998 del arquitecto Shin Takamatsu.

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SUBLIME COLLECTION Outfit 6

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Rem Koolhaas y sus O.M.A. Edificio y Centro Cultural CCTV, 2002-2008, Beijing. Punto de partida para un diseño de lo más arquitectónico y asimétrico, con una abertura rectangular en el lado derecho por debajo del pecho hasta la cadera y unas cintas negras que van desde el interior de la espalda del vestido hasta el costado izquierdo. El vestido en crepé de seda blanco y en el interior brocado de color negro. Con el hombro caído en el lado izquierdo y en el derecho recto y acabado en pico. La falda larga y con un añadido plisado y con aberturas detrás.

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Este diseño consta de una parte superior compuesta por una camisa asimétrica de popelín de color blanco con un plisado pequeño en el lado izquierdo. Sobre los hombros y el centro de pecho así como ciñendo la cintura y en los puños piezas en georgette de color negro reforzadas con entretela. La falda por encima de la rodilla también de georgette acaba en la pierna izquierda en pantalón ajustado.

Un diseño cuya deconstrucción hace alusión a la magnifica obra de la arquitecta Zaha Hadid

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SUBLIME COLLECTION Outfit 8

Formosa 1140 es un edificio de once viviendas diseñado por Lorcan O’Herlihy Architects (LOHA) en West Hollywood (California).

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La sensualidad de las transparencias y la calidez del brocado, en un color rojo carmín son elementos que encontramos en este vestido en el que la pieza superior ajustada al cuerpo ciñendo la cintura y remarcando las caderas con relleno, se superpone a una falda por encima de la rodilla y con una abertura central. En esta parte central estas piezas se unen a una franja de muselina de color rojo.

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Vestido en crepé de seda de color blanco y negro. Se compone de una pieza en negro con hombro cuadrado, manga larga y ajustada acabada en un puño, y falda larga con abertura en el lado izquierdo.

La pieza de crepé de color blanco iría sobre la negra y se divide a su vez en dos piezas, una que conforma la parte que rodea al hombro y se pliega y va hasta la cadera con una abertura para el brazo derecho y otra pieza sobre ésta, que iría desde la cintura en el lado izquierdo hasta la cadera en el lado derecho. Esta pieza parece envolver el cuerpo en una espiral que nos recuerda a la escalera de caracol de la Villa Savoye de Le Corbusier.

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De nuevo Zaha Hadid y sus combinaciones de formas y volúmenes fruto de un increíble ingenio son el punto de partida. Este diseño combina formas estructuradas y ajustadas al cuerpo en un corsé de micado de color blanco, dividido en piezas que irán remarcadas con un bies de color negro, la pieza del pecho en forma de corazón invertido y las que salen del corsé en la cadera son de micado de color negro. La falda larga de muselina de color negra irá en varias capas, de modo que las superiores irán cogidas en ciertos puntos dando un toque deconstructivista a la prenda.

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Este vestido tiene el cuerpo y parte delantera transparentes y ajustados, realizado en muselina de color blanco y mangas mitad muselina blanca mitad crepe de seda blanco con pliegues a la altura del pecho. La falda estรก superpuesta sobre una estructura de varillas que le darรกn el volumen deseado para remarcar las caderas. Con pliegues recogidos en ambos lados y abierta por delante. Nos recuerda a Rem Koolhaas y sus formas curvas que parecen plegarse .

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Vestido que combina crepe de seda en color rojo en el torso con la superposición de piezas en raso de seda color burdeos en el lado izquierdo y en las caderas. En los añadidos de las caderas los bolsillos también en crepe de seda y el resto del vestido en muselina de color rojo fruncida en la falda larga.

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Inspirado en una de las maravillosas obras del arquitecto Santiago Calatrava, el Auditorio de Santa Cruz de Tenerife, 1991-2003. Este diseño se compone de una pieza central en crepe de seda color blanco y el resto del vestido en crepe de seda color negro. En las caderas un volumen añadido con la superposición de capas. El vestido queda por encima de la rodilla y tiene la espalda al descubierto con una tira que sale del cuello y se subdivide hasta llegar al inicio de la falda.

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Este diseño está formado por dos piezas, por un lado un body-short de crepe de seda de color blanco, con escote de pico y pliegues en el escote, con una división marcada mediante bies negro, y sobre la cintura una falda que exagera las caderas y se cierra por encima de la rodilla a través de el volumen que introduce el façone ikat de color blanco.

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Este diseño consta de una parte superior con cuello en micado de seda de color blanco que se prolonga hasta el fin de la espalda en dos tiras que se unifican en una. Por delante irá unido a través de una pieza negra de micado de seda, el mismo tejido que compondrá el resto de la prenda. Una falda muy voluminosa y grandiosa intentando aludir con ella de forma conceptual al barroco.

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Ito Toyo es un arquitecto japonés conocido por sus innovadoras obras, como es el Pabellón de la galería Serpentine en Londres. Trasladado este concepto de diseño a una prenda, que combina formas estructuradas ajustadas al cuerpo en crepe de seda en color rojo y negro y transparencias en muselina roja, junto con una pieza más rígida que resalta la cadera, también en crepe de seda negro pero reforzada con una entretela.

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Zaha Hadid deja su huella de nuevo en la interpretación que este vestido hace de las formas curvas. Vestido de georgette negro, con numerosos pliegues desde la sisa derecha pasando por el hombro izquierdo y volviendo a la sisa. Piezas que serán marcadas en el vestido por costuras sin más y una superposición de una capa que irá desde el lado izquierdo de la cintura hasta el derecho de la cadera quedando más separada del cuerpo en este último, en una organaza doble de color negro.

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Innumerables pliegues conforman la falda de este dise単o que nos recuerdan al Aqua Building, de Jeanne Gang en Chicago 2006-2010. Esta falda realizada en micado blanco se sobrepone a un vestido negro ajustado de tirantes y con la espalda al descubierto en crepe de seda de color negro.

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Partiendo de estructuras clรกsicas como un traje de chaqueta, esta prenda se compone de una parte superior donde el cuello de smoking acaba rodeando los hombros hasta espalda y queda sujeto en el centro por una franja transparente de muselina de color negro. Este cuerpo acaba en dos picos por delante y uno por detrรกs. Irรก cosido a la falda formando un vestido largo en micado de color negro con una abertura en el lado izquierdo.

Las formas nos recuerdan a este edificio de Richard Meier.

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SUBLIME COLLECTION Outfit 20

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Este vestido inspirado en el Teatro Ă gora de UNStudio tiene una parte superior formada por piezas de crepe de seda de color blanco y una pieza central de muselina drapeada en zig zag en color rojo.

La falda midi estĂĄ compuesta por dos piezas plisadas. A travĂŠs de los pliegues de la falda en el raso de seda de color burdeos conseguimos un resultado muy interesante.

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SUBLIME COLLECTION FICHA TÉCNICA 1

PROYECTO INSPIRACIÓN ARQUITECTÓNICA SUBLIME COLLECTION

TEMPORADA PRIMAVERAVERANO 2011 MODELO B-01

DISEÑADORA SARA MUÑOZ MAYOR FECHA:14-2-2011

DELANTERO

ESPALDA 40 27 55

34 10

TEJIDO: Crepé de seda Color: Blanco Ref: 004 Ancho: 1'40m Composición: 80% triacetato, 20% poliéster Proveedor: CAVALLERI & C. SAS Simbología:

Cremallera: invisible color hueso de 35 cm en el lado derecho Fornituras: Aro de sujetador, bies negro de 1 cm y hombrera en el hombro izquierdo.

Hilo: blanco 65% poliéster, 35% algodón SSa Puntada: Etiqueta: Composición Simbología Fabricante

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SUBLIME COLLECTION FICHA TÉCNICA 2

PROYECTO INSPIRACIÓN ARQUITECTÓNICA SUBLIME COLLECTION

DELANTERO

TEMPORADA PRIMAVERAVERANO 2011 MODELO F-01

DISEÑADORA SARA MUÑOZ MAYOR FECHA:14-2-2011

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ESPALDA

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TEJIDO: Tafetán de seda Color: Negro Ref: 018 Ancho: 1'50m Composición: 60% acetato, 40% seda Proveedor: CAVALLERI & C. SAS Simbología:

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Cremallera: invisible color negro de 22 cm en el lado izquierdo Hilo: negro 65% poliéster, 35% algodón SSa Puntada: Etiqueta: Composición Simbología Fabricante Observaciones:Falda modelada sobre la modelo. Debajo de la cola un forro con capas de tul para dar volumen

SUBLIME COLLECTION ESCANDALLO DISEﾃ前 1

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SUBLIME COLLECTION FICHA TÉCNICA 3

PROYECTO INSPIRACIÓN ARQUITECTÓNICA SUBLIME COLLECTION

DELANTERO

TEMPORADA PRIMAVERAVERANO 2011 MODELO C-01

DISEÑADORA SARA MUÑOZ MAYOR FECHA:14-2-2011

32

12 14 ESPALDA 4

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4 Cremallera: invisible color hueso de 35 cm en el lado izquierdo Hilo: negro y blanco 65% poliéster, 35% algodón

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TEJIDO: Micado Color: Blanco Ref: 010 Ancho: 1'50m Composición: 100% seda Proveedor: CAVALLERI & C. SAS Simbología:

TEJIDO: Muselina Color: Negro Ref: 013 Ancho: 1'40m Composición:100% seda Proveedor: CAVALLERI & C. SAS Simbología:

SSa Puntada: Etiqueta: Composición Simbología Fabricante Observaciones: Las copas irán del mismo tejido que la falda.

Todo el cuerpo irá forrado por dentro . Los picos se harán por piezas

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SUBLIME COLLECTION FICHA TÉCNICA 4

PROYECTO INSPIRACIÓN ARQUITECTÓNICA SUBLIME COLLECTION

TEMPORADA PRIMAVERAVERANO 2011 MODELO F-02

DISEÑADORA SARA MUÑOZ MAYOR FECHA:14-2-2011

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DELANTERO

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ESPALDA

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90 Cremallera: invisible color negro de 22 cm en el lado izquierdo Hilo: negro 65% poliéster, 35% algodón TEJIDO: Brocado Color: Negro Ref: 002 Ancho: 1'40m Composición: 69% poliéster, 28% viscosa, 3% nylon Proveedor: CAVALLERI & C. SAS Simbología:

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SSa Puntada: Etiqueta: Composición Simbología Fabricante Fornituras: un botón de cierre en la cinturilla en el lado de la cremallera.

Observaciones:Falda modelada sobre la modelo

SUBLIME COLLECTION ESCANDALLO DISEﾃ前 2

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SUBLIME COLLECTION FICHA TÉCNICA 5

PROYECTO INSPIRACIÓN ARQUITECTÓNICA SUBLIME COLLECTION DELANTERO

TEMPORADA PRIMAVERAVERANO 2011 MODELO CA-01

DISEÑADORA SARA MUÑOZ MAYOR FECHA:14-2-2011

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55 35 ESPALDA 43

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Observaciones: : las piezas de colo negro son del mismo tejido que la falda.

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18 Cremallera: invisible color hueso de 35 cm en el lado izquierdo Hilo: negro y blanco 65% poliéster, 35% algodón

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TEJIDO: Popelín Color: Blanco Ref: 016 Ancho: 1'50m Composición: 50% poliéster 50% algodón Proveedor: CAVALLERI & C. SAS Simbología:

TEJIDO: Brocado Color: Blanco Ref: 001 Ancho: 1'40m Composición:100% rayon Proveedor: CAVALLERI & C. SAS Simbología:

SSa Puntada: Etiqueta: Composición Simbología Fabricante Fornituras: bies negro de 1 cm, cordoncillo, hombreras, botones metálicos y negros en el delantero y los puños.

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SUBLIME COLLECTION FICHA TÉCNICA 6

PROYECTO INSPIRACIÓN ARQUITECTÓNICA SUBLIME COLLECTION

TEMPORADA PRIMAVERAVERANO 2011 MODELO F-03

DELANTERO

DISEÑADORA SARA MUÑOZ MAYOR FECHA:14-2-2011

Observaciones:Falda modelada sobre la modelo. Debajo de la cola un forro con capas de tul para dar volumen ESPALDA

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Cremallera: invisible color negro de 22 cm en el lado izquierdo Hilo: negro 65% poliéster, 35% algodón SSa Puntada: Etiqueta: Composición Simbología Fabricante Fornituras: cierre con corchete en la cinturilla.

SUBLIME COLLECTION ESCANDALLO DISEﾃ前 3

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