Año 1 - Número 1 - Junio 2016 Argentina (precio en Capital y GBA) $50 Recargo por envio al interior $3,50
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NO CUELGUES!
COLORHUMANO CULTURA QUE SANA ALMAS
romina ressia el pasado es el futuro AGUSTINA GUERRERO La VOLATIL
Guille Pachelo MUROS QUE flasheaN amor
wes anderson El FASCINANTE estilo único del cineasta
COLORHUMANO ¿Inspiración o trabajo? Ese es el eterno dilema... ¿Esperamos sentados a que nos iluminen las musas o buscamos encontrar la solución de forma consciente con trabajo y esfuerzo? ¿Qué es lo que les impide a las personas cambiar algo en sus vidas? A Charles Bukowski le gustaban las expresiones fuertes, por eso no esperes que sea gentil con sus palabras. “Ya sabés, la familia el trabajo, siempre hay algo en el camino. Pero todo parece diferente, vendiste tu casa... Te mudas a un gran estudio, espacioso y luminoso. Parece que por primera vez en la vida tendrás tiempo y espacio para crear ¡Nada de eso! Si quieres crear... Crearás aunque trabajes 16 horas diarias en una mina de carbón. O crearás aunque vivas en un cuarto pequeño con tres niños y estés desempleado. Crearás con parte de tu cuerpo y mente destrozados. Crearás ciego y paralizado condenado a la cama. Crearás con un gato subiendoté por la espalda mientras la ciudad entera se estremece ante un terremoto, un bombardeo, una inundación, un incendio... Aire, luz, tiempo y espacio no tienen nada que ver con la creación... Y no crean nada. Más que, quizá, un par de años adicionales para inventar nuevas excusas para no crear nada”. Si ves algo genial que te parece improvisado lo más probable será que lleve muchas horas de trabajo tras ello. La Inspiración existe, el toque de genialidad, la idea feliz, la mano celestial que te da eso que no eras capaz de encontrar pero la única forma que hay de que te alcance es si trabajas, si investigas, si peleas, si vas a por ello porque de otro modo no esperes milagros. ¡La Inspiración existe! Pero tiene que encontrarte trabajando
staff Director editorial Facundo tula EDITORES natasha zahn REDACTOR candela reynoso
jefe de arte daiana bejarano diseño gráfico rocío bayón jefe de fotografía agustin galeano
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CONTACTO COLORHUMANO @GMAIL.COM 1 // COLORHUMANO // JUNIO 2016
sumario // noticias
skecthbook
pág 3
pág 24
PlAylist
BIBLIOTECA
pág 4
pág 33
cine/ fotografía
letras
Romina Ressia pág 6
Hernan Casciari pág 26
Wes Anderson
Milena Busquets
pág 10
pág 30
94 artistas Y 1 muestra
NOTICIAS música
Mac DeMarco
pág 40
iLUSTRACIÓN/ PINTURA
diseño
Cronograma
Guille Pachelo
Mark Newson
pág 44
pág 18
pág 34
Agustina Guerrero
Santi Pozzi
pág 20
pág 36
Google: obras de Arte en hd ¿Escuchaste hablar del Google Cultural Institute? Es una galería virtual mediante la cual podemos viajar a museos de todo el mundo para ver sus cuadros.
// DREAM COME TRUE Es la primera exposición retrospectiva en la Argentina de Yoko Ono, pionera y figura ineludible del arte conceptual y participativo contemporáneo. La muestra está compuesta por más de 80 trabajos, que incluyen objetos, videos, films, instalaciones y registros sonoros producidos desde principios de los 60 hasta hoy, y tiene como eje las llamadas Instrucciones, que Ono viene desarrollando desde hace más de sesenta años. Asociada con el arte conceptual, la performance, el grupo neo-vanguardista Fluxus y los happenings de los 60, Ono ha sido, una pionera en el cuestionamiento del concepto y el objeto de arte. Ha roto las fronteras tradicionales que dividen las distintas disciplinas artísticas y ha creado un nuevo modo de relación con los espectadores. En el MALBA desde el 24 de junio hasta el 31 de octubre Av. Figueroa Alcorta 3415, Capital.
Recientemente incorporó más de 1000 imágenes de obras de arte de Monet, Van Gogh y otros. ¿Cómo las captura? Con una cámara robótica llamada “Camera Art”. Gracias a ella, la obtención de las fotos es más rápida y la calidad, insuperable. El concepto está inspirado en la tecnología con la que Google realiza sus recorridos virtuales: captura cientos de imágenes de primeros planos de la pintura de alta resolución. Además, se asegura de que cada pincelada esté enfocada. El proceso no tarda más de una hora. Google dispone de 20 cámaras robotizadas y las pone a disposición de los museos de todo el mundo de forma gratuita, lo que permitirá a las organizaciones digitalizar sus obras de arte y documentos sin coste. Así, la empresa tendrá la base de arte digital más grande y con mayor calidad del mundo.
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Si querés una dosis intensa de arte visitá la segunda muestra Bosquejar, esbozar, proyectar en Quimera (Humboldt 1981, Buenos Aires). Entre tres paredes, obras por doquier y una instalación site-specific para ver, es la suma de diferentes artistas de diferentes disciplinas convocados para contar su trabajo desde el trazo del dibujo. Claro que cada cual lo interpreta como quiere y ahí está lo interesante. Hay de todo para mirar. Además podés llevarte un libro de colección con todas las obras que viste. Apurate, tenés tiempo hasta el viernes 25/7
Arte de Portadas por
Gary Andrew Clarke Nacido en Inglaterra en 1970. Estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Manchester desde 1989 a 1991. Podés ver sus obras en www.garyandrewclarke.com
Si querés que tu arte salga en nuestras portadas el próximo numero, contactanos!
colorhumano @ gmail.com 3 // COLORHUMANO // JUNIO 2016
PLAYLIST // Ya te escuchaste todo y no sabes qué hacer? Acá te tiramos data de los nuevos lanzamientos (Y no tan nuevos) para darte una mano
Everything You’ve A moon shaped pool FUTURE PRESENT PAST Come To Expect Con guiños a su pasado, borrando el contenido de sus redes sociales (guiño a How to disappear completely, de Kid A) pasaron a estrenar Burn the witch (frase ya presente en el arte de Hail to the thief), el más claro ejemplo es la bella True love waits, el cierre de este disco, que el grupo ya ejecutaba en vivo en los años de The Bends (1995). Un disco melancólico, armado con collages de cuerdas, pianos gélidos, guitarras muy sutiles que acompañan la voz de Yorke. La oscuridad del disco está más insinuada que explícita, como esos cuentos minimalistas que ocultan más de lo que dicen. Y ese gesto, en épocas en las que todo parece digno de ser mostrado, suena a ejercicio a contramano: Radiohead hizo otro gran disco.
La banda estadunidense de rock The Strokes presentó “Future present past”, disponible desde el 3 de junio tanto en formato digital como físico, son solo tres canciones y un remix, pero Future Present Past llegó al 2016 como un shot que alivió la sequía de tres años sin escuchar algo nuevo de los Strokes. Tienen el sonido típico de la banda neoyorquina y las influencias claras que han tenido sus integrantes a lo largo de los últimos años. En especial las guitarras y teclado en donde parece que fueron poseídos por Daft Punk, lo cual recuerda a la colaboración que tuvo Casablancas con los franceses en el tema Instant Crush. Se pueden notar tendencias a swing, a los 60, una mezcla exitosa de sonidos más orgánicos que bien puede ser su forma de interpretar tiempos pasados.
El proyecto de Alex Turner (Arctic Monkeys) y Miles Kane (The Rascals), The Last Shadow Puppets, lanzó nuevo disco y ya se puede comprar y escuchar online. Y si nunca los escuchaste o pensas en algo similar a Arctic Monkeys o crees que The Last Shadow Puppets es su copia, estás muy equivocado, tal vez estarás decepcionado, o no. Y es que esta banda británica es única, si bien podemos encontrar influencias de Alex y Kane, el disco entero no decepciona de ningún modo. Es un nuevo disco con una historia entera entrelazada, muy pasional, que fácilmente podría ser el soundtrack rockerito de una romantica película de los 60’s. Algo que se debe recalcar es la lírica impresionante que presenta TLSP.
Nunca está de más escuchar
Color Humano Por Almendra (1969)
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// Hombre No - Loli Moina (Rubí - 2015)
// Pelea Callejera - Los Espiritus (Gratitud - 2015)
// Desastre - Gustavo Cerati (Fuerza Natural - 2007)
// 1999 - Love Of Lesbian (1999 - 2009)
// Gallo Negro - Illya Kuryaki And The Valderramas (L.H.O.N - 2016)
// The Less I Know The Better Tame Impala (Currents - 2015)
// Lazarus - David Bowie (Blackstar - 2016)
// The Rain Song - Led Zeppelin (Houses of the Holy - 1972)
// La Gota en el Ojo - Sumo (After Chabon - 1987)
// Eras - Juana Molina (Wed 21 - 2013)
CINE FOTOGRAFÍA 5 // COLORHUMANO // JUNIO 2016
FOTOGRAFÍA
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ROMINA RESSIA
¿Cualquier tiempo pasado fue mejor?
R
omina Ressia es una fotógrafa nacida en un pequeño pueblo a las afueras de Buenos Aires, Argentina, que originalmente se graduó con el grado de Economista, aunque sus intereses realmente estuvieron desde temprana edad en el arte. Tiempo después estudió Fotografía y Dirección de Arte, lo que le abrió las puertas a su producción para poder exponer en ciudades como Milán, Buenos Aires, Edimburgo, República Checa y Nueva York, además de estar representada
por diversas galerías a nivel mundial. La influencia clásica puede ser detectada en la mayoría de sus proyectos, pues una de sus intenciones es la representación de temas modernos con ésta línea de producción, pues pretende averiguar, cómo nuestro pasado afecta a la sociedad en la actualidad y cómo otros temas atemporales se gestionan en la actualidad. Es su manera de examinar cómo estamos tocados por el mundo cambiante en el que vivimos. Sus imágenes, de una elegancia exquisita y un detallismo perfeccionista, comparten muchas características con la fotografía de moda, en las que
la artista toma como referente un arquetipo conocido, que reinterpreta desde su propia visión particular y los convierte en atípicos. Todo ello, nos sitúa en la controversia pasado y presente llevado a cabo a través de la mirada de una mujer que retrata mujeres. Creadoras y musas que reivindican un espacio en el arte y en la sociedad a través de los siglos hasta nuestra sociedad actual.
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sU MÁS FAMOSA SERIE
How would have been?
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I
nspirada en el hecho de que, a pesar de los avances y la tecnología que la humanidad tiene hoy en día, hay una añoranza de los tiempos pasados. Un proyecto presentado en la edición italiana de la revista Vogue que muestra la añoranza del pasado, la vuelta a lo natural y artesanal, a lo más puro del ser humano, a pesar de estar sumergidos en la era de los avances y la tecnología. La fotógrafa y artífice de las imágenes se pregunta, ¿Cómo lo habría hecho la gente del Renacimiento hoy? Es posible, que en estas imágenes encontremos la respuesta.
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CINE
Un recorrido por su geométrico y maravilloso mundo
WES ANDERSON No hay muchos directores que puedan ostentar un título como lo hace Wes: Su breve filmografía está llena de éxitos, su estilo propio, actores fetiche y ese toque característico que lleva a uno a reconocer la estética y su discurso narrativo le ha hecho ganar la admiración y el respeto de grandes cineastas como Martin Scorsese.
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Wes junto a Jared Gilman (SAM SHAKUSKY) EN EL RODAJE DE MOONRISE KINGDOM EN 2012
E
l director y escritor estadounidense Wes Anderson ha hecho de sus películas obras de arte tanto por su trama y estética. Anderson obtuvo un título en filosofía en 1990 y fue ahí donde conoció a Owen Wilson con quien en el futuro, colaboraría en varias oportunidades. Él escribe todos sus obras y en algunas ocasiones también participa como productor. Se enfoca más en un tipo de comedia con tono pintoresco y nada típico. Sus mayores influencias cinematográficas son Stanley Kubrick, Orson Welles y Roman Polanski.omenzó con films de bajo presupuesto, como “Bottle Rocket” la cual estuvo protagonizada por los hermanos Wilson quiénes desde aquella vez, lo han apoyado en casi todos sus trabajos. La película tuvo muy buenas críticas pero no logró recoger ni uno de los siete millones invertidos en su producción. Después de esta película, vinieron otras como “Rushmore” en donde conoce a Bill Murray quién desde aquí, participaría en todas las producciones siguientes. Esta le dio una entrada al mundo de Hollywood y él no la desaprovechó, estrenando un par de años después “The Royal Tenenbaums”, la obra que definitivamente daría a conocer su estilo respecto al tipo de historias
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que le gusta escribir, la forma en como la de los films de los años 60 a 80. Con esta película se ganó su primera nominación al Oscar por mejor guión y la revista Empire la ubicó en el puesto 159 de las mejores películas de todos los tiempos. Luego del asombroso éxito, Anderson hizo un par de films más “The Life Aquatic with Steve Zissou” y “The Darjeeling Limited” que tuvieron poca aceptación del público y, los críticos no las odiaron porque eran claras obras de arte cinematográfica en trama y fotografía, pero sin duda eran una prueba de que tal vez él estaba perdiendo su racha de buena suerte. Sin embargo, la siguiente película suya sería un campo totalmente nuevo para él puesto que sería enteramente una obra de animación. En 2009, se estrena “Fantastic Mr. Fox” una película en stop-motion que a pesar de ser algo nuevo para él, resulta ser un éxito y logra nominaciones para los Globos de Oro y al Oscar como mejor película animada. Incluso aquí, logra que el público sepa que es un trabajo suyo por el tipo de tomas que hace y la paleta de colores que que siempre usa, la cual es muy limitada en tonos pero a la vez muy intrigante y un
sello propio de él. La siguiente que sacó al mercado fue “Moonrise Kingdom” otra película adaptada en décadas pasadas lo que parece fascinarle a Anderson
Wes Anderson toma las mencionadas señas de identidad como materia prima para sus obras: su paleta de colores, los vestuarios, la tipografía, y los movimientos de cámara dinámicos. Un director que da vida a personajes perdidos que hallan su lugar en el mundo de las imágenes. Su más reciente película “The Grand Budapest Hotel”, la cual como es de esperarse, escribió y dirigió, es prueba de su habilidad para ganar puntos en la crítica al igual que en la bolsa. La película es un claro ejemplo, de cómo le gusta que luzcan sus trabajos cinematográficos y además sigue el patrón de los problemas familiares como en The Royal Tenenbaums y de cuán importantes son los lazos que conforman a una comunidad como en Fantastic Mr. Fox. A pesar de ser una comedia, existe nostalgia en su guión pero el espectador no siente que está
a punto de llorar sino que toma la reflexión y avanza con la película de manera delicada para en un segundo volver a reír, convirtiéndolo en un maestro para controlar los giros que determinan el destino de los protagonistas en cualquiera de sus obras. El Gran Hotel Budapest es Wes Anderson en estado puro: personajes insólitos, excesos visuales y una narrativa tan alocada como trepidante. Con su reconocible estilo, el director ha compuesto una historia a caballo entre el drama nostálgico y la screw-ball comedy que hará las delicias de los fans y horrorizará a sus detractores. El guión de El Gran Hotel Budapest está escrito por el propio Anderson y su amigo Hugo Guiness, inspirados por la obra del escritor austriaco Stefan Zweig, quien a lo largo de su obra retrató el estilo de vida excéntrico y suntuoso en los extertores del Antiguo Régimen. En el reparto, plagado de habituales del realizador, como Adrien Brody, Willem Dafoe, Edward Norton, Jason Schwartzman y, por supuesto, Bill Murray, destaca el trabajo de la pareja protagonista, formada por un excepcionalmente tragicómico Ralph Fiennes (transformado en el ex-
travagante y refinado director del hotel, quien presta servicios excepcionales a mujeres “ricas, viejas, inseguras, vanidosas, superficiales y rubias”) y Tony Revolori, quien da el salto a las ligas mayores con una interpretación magistral del nuevo botones extranjero dispuesto a demostrar a los blancos su determinación y valía.
// El Gran Hotel Budapest parece una producción muy compleja para haberla terminado en tan poco tiempo desde el estreno de tu anterior película ‘Moonrise Kingdom’. ¿Cuándo empezaste a trabajar en el proyecto?
Has dicho que la principal inspiración para el personaje del Sr. Gustave H. ha sido un amigo común que tienes con el co-guionista Hugo Guinness. ¿Cómo es este amigo y qué tiene de especial? W.A: Se trata de un hombre muy culto, que ahora ronda los 50 años, pero que ya era la persona que es ahora cuando tenía 16. Es muy bien hablado, parece saberlo todo, y es del tipo que te corrige todo el rato, de ésos que cuando le enseñas algo que acabas de hacer te dice: “Deberías haberlo hecho de otra manera. Te has equivocado”. La forma en la que habla el personaje de Raplh Fiennes en la película es definitivamente así.
W.A: Los primeros bosquejos de la historia los escribí hace bastantes años. Durante mucho tiempo lo único que tuve fueron algunas escenas y el personaje protagonista. El guión lo acabé justo antes del Festival de Cannes, hace dos años, cuando presentamos ‘Moonrise Kingdom’. Por esa época, más o menos, empezamos a preparar la producción de ‘El Gran Hotel Budapest’, y ésa es la razón de que haya sido un proceso tan rápido… para lo que suelo ser yo.
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Hay algo que nos inquieta del Sr. Gustave H. ¿Por qué le gustan las mujeres tan mayores? W.A: Las mujeres que le gustan suelen sentirse solas, y además tienen mucho dinero. Así que él llena ese vacío que hay en sus vidas, las atrae y se convierte en la persona de sus sueños. A cambio, él se siente atraído hacia ellas porque tienen el dinero que le permite llevar su estilo de vida, formar parte del mundo en el que sirve. Al Sr. Gustave en realidad le gustan todas las mujeres, pero la situación en la que se encuentra es la que hace que congenie tan bien con las mayores
Has dicho que tenías a Ralph Fiennes en mente mientras escribías el guión. ¿Por qué él? W.A: Antes de esta película nos habíamos conocido brevemente, y llevo muchos años queriendo hacer algo con él. Algunos de los personajes que ha interpretado a lo largo de su carrera tenían algún rasgo cómico, que me indicaban que podría funcionar para este papel. Pero esto es una opinión totalmente personal. Por otro lado, su papel tiene muchísimo texto, y pensé que él era uno de los pocos actores que podrían encajar con el personaje y defender todas esas palabras.
La cinta presenta unos villanos al estilo clásico, perfectamente reconocibles con sus uniformes, siempre a la caza del héroe… ¿En quién te inspiraste? W.A: Son unos malos de inspiración dickensiana. Pero incluso la situación, de la lucha de un hombre honesto contra una cruel familia por la muerte de la matriarca, responde al esquema de trama que escribía Dickens.
Ésta es una película muy europea. ¿Por qué elegiste esa época y esa zona como escenario para la historia? W.A: Creo que se debe a que en los últimos años he pasado mucho tiempo en Europa y he leído mucho… a Stefan Zweig, desde luego. Pero también me interesaba esa idea de la Europa del Este que uno se hace a través de las películas americanas, como las de Lubitsch o Fritz Lang, que son directores que vinieron de esa zona a trabajar en California. Siento que, de alguna manera, ‘El Gran Hotel Budapest’ conecta con su obra.
“Creo que incluso si hiciese una película ambientada en el futuro, parecería el pasado” propio para los personajes y el público, no quiero que se parezca a la realidad. Prefiero inventar cosas, es parte de la experiencia que ofrecen mis películas. Así que, aunque no sea una cinta de época, siempre puedes notar que no se desarrolla en el aquí y el ahora. Creo que incluso si hiciese una película ambientada en el futuro, parecería el pasado. Ése es el contexto en el que me siento cómodo para trasladar mis experiencias a la pantalla.
¿Es difícil permanecer fiel a tu estilo en estos tiempos? ¿Aceptarías rodar una película escrita por otro? W.A: En realidad no me resulta complicado, porque ni siquiera pienso en ello. Por cada idea que tengo para hacer una película, no he descartado otras muchas. Ésas son las que tengo, y me siento afortunado de que se me ocurran. Así que voy proyecto a proyecto, pero hago sólo lo que quiero. Y así es cómo funcionan las cosas, supongo… Mientras tenga ideas propias creo que no haré una película basada en las ideas de otro.
En tus películas siempre te acompañan amigos y conocidos. Y no podemos evitar preguntarnos: ¿harás alguna otra película con Bill Murray de protagonista? W.A: Es una buena pregunta. Espero que sí. Tengo una idea para hacer algo con él, aunque aún tengo que escribirla. Pero me atrevería a decir que sí, que la rodaré.
Dicen que todas tus películas parecen de época. ¿No te gustan los tiempos que corren para contar historias?
Wes en el rodaje del GRAN HOTEL BUDAPEST 2014
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W.A: Creo que incluso cuando ruedo una película que se desarrolla en la actualidad me gusta crear un mundo
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wes y su mundo perfecto overhead shots
PALETAS DE COLOR
Simetría perfecta
Básicamente se trata de un plano cenital que representa el punto de vista de un personaje enfocando su mirada hacia abajo, normalmente aplicado a acciones bastante personales como preparar una maleta o escribir una carta. Es un plano muy característico de Wes Anderson que logra trasmitir esa conexión con el personaje y dotar de gran intimismo a la escena.
Su estilo es muy característico por poner especial cuidado en sus paletas de colores minuciosamente planeadas, paletas muy retro, con muchos tierras y desaturados, que hacen que toda su filmografía tenga ese estilo propio, y asi transportar su imparable imaginario en escenas que perdurarán en la memoria de sus adeptos, un universo que va de los tonos sepias a los pasteles.
Se puede observar sin detenimiento alguno la obsesión por la geometría perfecta del director de cine, quizá inspirado por el la cultura de la arquitectura china. Cada una de sus películas están perfectamente medidas para generar una perfecta perfección. Incluso la nariz de muchos de sus personajes estan perfectamente alineadas al eje central.
Ilustración pintura 16 // COLORHUMANO // JUNIO 2016
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H
ace algunos meses, las calles de Buenos Aires se llenaron de afiches con una cara, viñetas y mensajes de amor. La intervención llegó a la boca (y al Instagram) de todos. De a poco parece también estar llegando a más barrios y ciudades. Una invasión de arte y amor.
pintura
Guille Pachelo
Ese rostro tiene un cuerpo, nombre y apellido. Se trata de Guille Pachelo, artista de Buenos Aires ya conocido por sus anteriores obras, entre ellas collages y la serie Hacer algo con dos pesos. Nunca se sabe cuál será el próximo blanco de Pachelo, porque no se queda en ningún lugar, pasa por todos lados buscando arte y haciéndolo estallar. Eso es pop, Guille Pachelo es pop.
¿Cuál fue tu primer contacto con el arte? Mi primer contacto con el arte fue cuando tenía 16 años, de la mano de la fotografía. Dos años más tarde aprendí a usar un poco el Photoshop, porque uno de mis hermanos estudiaba arte multimedia en el IUNA. Un poco más tarde me pase a la pintura por un tiempo. Estudie bastantes técnicas de pintura y algunas técnicas de estampado textil. Hoy en día dedico la mayor parte de mi tiempo a combinar técnicas con el arte digital. ¿Cuáles son los espacios y momentos que te inspiran a crear? Prefiero la última mitad del año para ordenar y seleccionar las ideas con las que voy a trabajar al año siguiente. No creo que exista un momento puntual donde uno se pone más creativo, todo se va dando solo y creo que soy víctima de ese momento repentino. Por ejemplo, la idea Hacer algo con dos pesos me vino escuchando un remix en un taxi mientras habla con el chofer. Cuando ya tengo definido más o menos por dónde voy a ir o lo que me interesa representar, sólo me tengo que limitar a seleccionar paletas de colores o materiales y eso te lo da la experiencia y saber a quién consultar. Cuando era más chico pensaba que la noche era el momento ideal para trabajar, pero eso con el tiempo se fue.
muros que flashean
amor
Si vas por las calles de Palermo, puede ser que te cruces con algún que otro mural desde donde un chico te dice que “Amar Garpa”
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Tus intervenciones en la vía pública tuvieron una gran repercusión y aceptación por parte de la sociedad, ¿Qué te llevó a realizar afiches con tu rostro y mensajes de amor? Venía con ganas de hacer alguna intervención en la calle. Jamás lo había hecho, pero me interesaba la idea, entonces empecé a pensar en lo que a algunos nos pasa: estamos ahí buscando en libros, películas, pinturas, programas de televisión alguna sensación o pen-
samiento que nos mueva internamente. Elegí frases con mensajes positivos porque las calles son algo negativas. Cuando vas caminando por las calles de Buenos Aires ves mucho grafiti de letras ilegibles o frases con bastante odio y no está bueno. Me pareció que tenía que ir en contra de eso, dar mensajes positivos que puedan ayudar de algún modo a que el paseo sea más liviano. Las frases nacen de situaciones que viví. Por ejemplo “Ante la duda bese” nace de una vez que me gustaba una amiga, pero yo no activé y tiempo después, cuando ya estaba en otra, me dijo que estaba todo bien entre nosotros en ese sentido. Todas las frases tienen su historia. ¿Cómo definirías, en general, tu obra? Amplia y variada. No me gusta limitarme, no me veo haciendo los mismos dibujos, con los mismos colores y los mismos fondos como otros artistas lo hacen (los admiro por hacerlo), pero en mi caso me mataría el alma y me llevaría a abandonar el arte, creo que la repetición tiene un límite. Se puede ver en vos una constante exploración del arte en todas sus ramas. Entre otras cosas, incursionaste en la publicidad, la música y el cine. ¿Qué es lo que más te entusiasma a la hora de encarar un nuevo desafío? Lo que me entusiasma de las obras es que generan un contacto con la gente, la meta que tengo es lograr participación de otras personas en la obra de alguna manera, invitando a que participen de las series o la vayan transformando o completando. Con los carteles, en un futuro, la idea es ponerlos con cuadros de diálogo en blanco para que la gente escriba sus propias frases. ¿En qué estás trabajando actualmente? Estoy terminado algunas series para finalizar el año. Generalmente suelo trabajar en dos o tres proyectos/series al mismo tiempo, estoy trabajando en unas ilustraciones inspiradas en el artista Tom Wesselman y en paralelo sigo realizando retratos a pedido y collages digitales. También estoy trabajando en los afiches con frases traducidas al portugués para pegar en Sao Pablo en el mes de octubre. ¿Qué artistas locales e internacionales te gustan? Me gustan muchísimos artistas, internacionales como Andy warhol, Sean Micheal Basquiat, Haring Keith, Kandinsky, Jan Van Eyck, Hikari Shimoda y locales como Diego Gravinese, Elias Santis, León Ferrari, Paula Duro, Molina Campos.
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Ilustración
La Volátil nació en un simplre blog y ahora tiene casi 400 mil seguidores en Facebook
AGUSTINA GUERRERO La Volátil es una treintañera menudita, simpática, insegura y muy expresiva, que viste una camiseta de rayas y que tiene una visión del mundo muy particular. Nació hace cuatro años, se dio a conocer hace dos, y en este corto periodo de tiempo ya ha conquistado a casi cuatrocientos mil seguidores en Facebook.
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“La volátil comenzó como una desgracia” L
a Volátil es el alter ego de la joven dibujante argentina, Agustina Guerrero, que vive en España hace 14 años y que un buen día decidió plasmar sus vivencias en un diario. “Yo siempre me he expresado mejor dibujando que hablando –confiesa Agustina- y La Volátil comenzó como un diario íntimo que no tenía intención de enseñar a nadie. El personaje soy yo, y el protagonista masculino del cómic también es mi pareja. Y las primeras tiras eran completamente autobiográficas, aunque últimamente observo a mis amigas y también utilizo sus experiencias para el personaje”. Unas tiras que, tras su éxito en Internet, se recopilan ahora en el libro Diario de una Volátil (Lumen) “Son viñetas que hablan de la vida cotidiana de una treintañera, de las relaciones de pareja, sus miedos y sus inseguridades –asegura Agustina-. Unas experiencias que creia que sólo me pasaban a mí, pero que, viendo la repercusión en Facebook y la gente que me escribe (tanto chicas como chicos de todas partes del mundo) parecen muy habituales. Me confiesan que sienten empatía con el personaje, lo que me hace no sentirme tan sola”. Un libro que, según Agustina, “Tiene un 30 por ciento de material inédito. Además he hecho una selección de las viñetas más atractivas y al juntarlas en un libro hace que el ritmo de lectura sea diferente. En Internet ves los chistes a toda velocidad, mientras que en el libro, además de que huele bien, tienes más tiempo para recrearte en los detalles, que para mí son muy importantes. Creo que al recopilarlas en un libro ganan muchísimo”. Todo comenzó con un robo: “El nacimiento de La Volátil coincide con mi llegada a Barcelona –confiesa Agustina-, necesitaba dibujar mis experiencias en un momento en el que comenzaba mi relación con la que es mi pareja actual. Recuerdo que en aquella época estaba haciendo una serie de ilustraciones muy oscuras sobre mujeres y trabajaba en un cuento infantil”. “Pero un día llegué a casa y me lo habían robado todo. Lo peor fue que se llevaron el ordenador y el disco duro donde tenía las ilustraciones del cuento. Sin embargo no se llevaron un ordenador y la carpeta
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azul donde tenía los dibujos de La Volátil. Para enfocar mi rabia en ese momento, decidí colgar esas viñetas, que eran lo único que me quedaba de mi trabajo. Y, para mi sorpresa, la repercusión fue inmediata, dos años después tengo 380 mil seguidores en Facebook. Así que podemos decir que La Volatil comenzó con una desgracia”. “El éxito en las redes me sorprendió – confiesa Agustina- y no quiero dejar de sorprenderme, porque eso es lo que me motiva a seguir adelante. Y aunque tengo menos tiempo, intento seguir un ritmo de publicación, de sacar una viñeta semanal, por lo menos. Además cuelgo el making of de las páginas en Instagram o Twitter para compartir con la gente el proceso de cómo se realiza una viñeta” Un personaje nada tímido “La Volátil no es nada tímida –asegura la dibujante- es mi yo exagerado, mi alter ego. Muchas veces habla por mi y dice cosas que yo no me atrevería. Es un personaje bastante crudo que puede pasar de ser completamente dulce a una loca desquiciada, temerosa, insegura…. o que se enfada por todo. Es un personaje muy exagerado porque así sus vivencias llegan mejor al lector”. Agustina nos relata las diferencias y similitudes entre autora y personaje: “Físicamente somos muy distintas, yo mido 1,75 y a ella la dibujo menudita. Aunque confieso que cuando la empecé a dibujar yo llevaba moño, como ella. Y siempre la visto con el jersey a rayas porque me interesa destacar las situaciones, no la ropa. Mi pareja también suele llevar gorra, como la de La Volátil”.
femeninas y a este tipo de humor. Por supuesto, también Quino, ambos han hecho mi trabajo mucho más fácil”. “Hablar de Quino es hablar de palabras mayores. De pequeña lo leía porque mi tía tenía toda la colección. Y estaba deseando visitarla para poder leer sus libros, aunque a veces no entendía mucho porque era demasiado pequeña. Pero hoy en día me sigue fascinando”. “La gente me dice que tengo un humor muy argentino, a pesar de que llevo 14 años en España. Será porque me crié y crecí con ese tipo de humor. Pero no me gusta calificarlo de humor argentino, sí puedo decir que es un humor bastante irónico y que me viene de nacimiento”. En cuanto a sus proyectos, Agustina asegura que “Tengo muchos. Me gustaría retomar el libro infantil que me robaron, aunque ahora lo haría de una forma muy distinta, también seguiré con La Volátil mientras me sigan pasando cosas en la vida y a la gente le guste leerlas, y ahora mismo estoy muy ilusionada por la publicación de este libro”. Un personaje tan Volátil como adorable al que esperamos seguir leyendo por mucho tiempo. “Siempre me he preguntado si La Volátil crecerá conmigo -confiesa Agustina-. Supongo que lo hará sin que yo me de cuenta, de forma que dentro de unos años seguiré haciéndome la misma pregunta aunque espero que, para entonces, ambas habremos madurado”.
“Tener un momento en el día haciendo lo que te gusta, es invertir en uno” “Mucha gente se da por vencida, dicen que no saben dibujar, no saben crear, o no saben cocinar… Pero todos nacimos dibujando igual. Cuando éramos pequeños, todos dibujábamos muy parecidos. Se aprende a dibujar, a ser creativos, estando, moviendo la mano. Se aprende a dibujar, dibujando. Evidentemente, claro que hay gente que se le da más fácil una cosa que otra y hay distintos niveles. Yo reconozco que no sabía dibujar, empecé a dibujar hace relativamente poco y todo fue por cabezonería Lo único que hay que tener es ganas. Uno con ganas puede hacer cualquier cosa”.
Su trabajo como diseñadora gráfica ha ayudado bastante a Agustina a la hora de dibujar este libro: “Me ha sido muy útil a la hora de la composición de las viñetas, el uso del color como elemento narrativo y otro tipo de recursos que plasmo en las viñetas. Por ejemplo, cuando comienzo una viñeta siempre le pongo muchísimo texto, pero según voy trabajando en ella, voy quitando el texto y expresándome con el color o el lenguaje corporal y gestual de los personajes. Siempre pienso cómo sería la reacción de los personajes en la vida real e intento expresarlo mediante el dibujo, con esos elementos”. “Maitena ha sido un referente para todas las mujeres” Cuando se habla de humor argentino y mujeres, es inevitable hablar de Maitena. “Crecí con Maitena –confiesa Agustina- siempre me ha encantado y es un referente para mí, una mujer que ha abierto el camino a las ilustradoras
Encontrá más en https://www.facebook.com/diariodeunavolatil www.agustinaguerrero.com http://guerreroagustina.blogspot.com
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SkeTchbook // Un rincón de inspiración, donde los sueños se plasman en papel para hacerse realidad. Lisi Cárdenas, nacida en Buenos Aires en año 1989 e influenciada por su abuela pintora, desde corta edad comenzo a hacer arte. En 2013 se recibió como licenciada en Artes Visuales en la Universidad del Museo Social Argentino (UMSA), aunque también practica Iyengar Yoga desde 2009, buscó certificarse hace dos años y comenzó a enseñar.
LETRAS 24 // COLORHUMANO // JUNIO 2016
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LETRAS
HERNAN CASCIARI El periodista y autor que se hizo popular a través de un blog defiende la creación artística sin presupuesto y relanza ‘Orsai’, una revista literaria sin publicidad con la que ya perdió más de 50.000 euros
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E
scribe pensando en llegar a dos personas: Chiri, su amigo del alma, y su papá, otro de los seres que marcaron su destino. Es que para Hernán Casciari, las cosas que importan, las que determinan los deseos más hondos, no cambiaron mucho desde los años de su infancia, en la localidad bonaerense de Mercedes, hasta su vida adulta. Ése es su gran orgullo: no haber “bardeado” al niño que soñaba con contar historias. “Yo quería trabajar de cosas copadas con mi amigo, no era un tema de triunfar, era que ninguno de los dos nos hayamos tenido que poner la corbata, que estuviéramos haciendo cosas que tuvieran que ver con un guioncito, con llamar a un ilustrador, con poner en página una revista, todo lo que nos gustaba cuando éramos chicos”, dice. En una entrevista dijiste que la cultura, en principio, no necesita del dinero, ¿cómo es tu relación con la plata? Yo creo que no es la cosa que más me importa en el mundo y eso, en determinados ambientes o estratos, es raro. Yo soy muy obsesivo del tiempo más que de la guita, del tiempo de tranquilidad. Soy avaro pero de tiempo... No me gusta la intermediación en el tema económico. No me gusta que haya gente que se lleve porcentajes de algo por cosas que no hace? ¿Te enoja o te entristece? Me enoja y me dan ganas de cagarlos, de hacer algo para que eso no ocurra, de inventar una manera donde ya no participen. ¿Atravesaste muchas crisis vitales? No. Mi hija me preguntó el otro día si alguna vez no me gustó mi vida. Me lo preguntó hace dos semanas. Y le dije: “No”. Y me preguntó: “¿Por qué?”, y le respondí que porque yo quiero escribir desde que aprendí a escribir. Siempre supe que quería contar historias. La clave entonces es encontrar algo que te movilice... Sí. Porque después tenés todos los ingredientes de una vida: los desengaños amorosos, la pobreza o la riqueza. Pero en los momentos de mayor debilidad tener algo que hacer está buenísimo. Podés ir preso por matar a un tipo o porque
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“SOY INMADURO. NO TENGO LA CAPACIDAD MENTAL PARA SER MADURO”
te metió un kilo de merca la policía para que vayas preso, está todo mal. Pero si hay un lápiz y hay una libretita, podés sacar un cuento. Hay algo, queda algo. Es mi juguete. Y mi juguete no es una cosa que me puedan sacar. La vida puede ser una garcha, pero en los momentos más oscuros tenés tu juguete y podés jugar. Yo lo agradezco como una suerte que no busqué. ¿En algún momento alguna pareja te acusó de inmaduro? Mi esposa hace dos semanas debe haber sido la última persona que me lo ha dicho. Es que soy inmaduro. No tengo la capacidad mental para ser maduro. Me aburre muchísimo, me disperso... No lo digo como virtud. Pero me parece que es una cosa del siglo pasado el hombre maduro. Están todos paveando con la PlayStation. ¿Creés que sos buen escritor? No, yo creo que soy buen comunicador. No me hace falta escribir para convencerte. Lo puedo hacer hablando o de otra manera. ¿Es una herramienta de poder? Yo creo que si hubiera elegido de chiquito ser abogado, sería impresionante. Pero no elegí eso. Elegí jugar. Tengo herramientas que si las usara para cosas que me parecen feas, como por ejemplo, el poder, las usaría superbién. ¿Internet verdaderamente democratizó la producción cultural? Me parece que sí. Hace veinte años, si querías hacer un corto, tenías que comprar cinta de Super-8, un rollo, y para hacer ocho minutos sin cortar, tenías que gastarte dos o tres sueldos de tu papá. O si tenías una banda de rock de garaje y querías grabar en 16 canales, te salía tres sueldos y medio de tu papá. Antes había muchísima gente que le echaba la culpa a la falta de recursos. Ahora ya no, tenés que echarle la culpa finalmente a la falta de talento. Es mucho más fácil saber que no servís para eso.
de un abismo, sino que no puedo soportar que una persona que quiero esté cerca de un lugar del que yo me imagino que se podría caer. Tengo vértigo propio y ajeno ¿Escribís pensando en llegarle a tu papá, pese a que falleció? Sí, a mi viejo y a Chiri. Chiri es un amigo mío de toda la vida con el que tenemos gustos intelectuales muy parecidos y bastante complejos. Y mi viejo es un amigo que tuve toda la vida también, con gustos intelectuales muy básicos. Y yo trataba siempre que escribía de no aburrir a Chiri y de no hacer que mi viejo se sintiera excluido. Que mi viejo lo entienda y que Chiri no se aburra. Y yendo por ese caminito me hice un automatismo donde tengo una literatura que es muy ligera, que no es compleja ni prolífica, pero que llega rápidamente al otro. ¿Qué literatura te aburre? Casi toda. Pero no porque no sea buena. Yo reconozco que hay genialidades que me aburren, porque tengo un problemón en la cabeza con la desconcentración. No por el pobre hombre que se escribió 600 páginas maravillosas de algo. ¿Qué culpa tiene Javier Marías de que yo esté con el fútbol, el porno, las series de televisión y no le dé pelota a él...? No es que la literatura sea mala, es que yo no puedo más. .
MESSI ES UN PERRO Y OTROS CUENTOS Es el cuarto y último libro (hasta ahora) de relatos de Casciari. Son dieciocho cuentos que fueron escritos entre los mundiales de Sud-
¿Tenés alguna fobia?
áfrica 2010 y Brasil 2014. No todos
Siendo literal y no metafórico, no sólo que no puedo soportar ponerme cerca
tienen que ver con el fútbol, pero la competencia desleal los atraviesa.
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LETRAS
Milena busquets
En su novela También esto pasará, la escritora española narra la pérdida de su madre, Esther Tusquets, la legendaria editora de Lumen. El libro fue la revelación de la última Feria de Fráncfort
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a la sensación de que Blanca pasa por la vida muy deprisa, por instinto, necesitada de aferrarse a ella, por la vía de un amor que busca en paraísos perdidos de hombres, madres o amigas. Vive incómoda en este mundo, del que se defiende con una fórmula: mentiras más cortesía, más sonrisa veloz. “Creo que no sé mentir, pero mi madre decía que lo hacía por los descosidos”, intenta alejarse Milena Busquets Tusquets de la evidente vida paralela con la protagonista de su novela También esto pasará (Anagrama), que se distribuirá en la Argentina en marzo La autora está inquieta porque es consciente de que en su segunda obra, tras Hoy he conocido a alguien (2008), se desnudó demasiado. No hace falta que aparezca el nombre de Esther Tusquets -la escritora y editora de Lumen fallecida en julio de 2012- para identificarla con la madre de Blanca. Del dolor por su pérdida, la protagonista intenta guarecerse desplazándose al pueblo de Cadaqués con sus dos niños pequeños
de diferentes matrimonios, invitando a sus dos ex maridos, coincidiendo con su amante casado, y llevando de notarias morales a sus dos mejores amigas. El grito vital que destila la breve novela tiene un timbre particular, detectado pronto: un fenómeno no visto en décadas en un autor español; en la última Feria de Fráncfort fue comprado por prestigiosas editoriales como Gallimard, Rizzoli, Suhrkamp y Hogarth Press (que pagó 500.000 dólares). Los derechos se vendieron a 27 países. “Siempre me he dejado llevar por el apasionamiento por las cosas, por la vida misma y por la gente”, se sincera Busquets (Barcelona, 1972), que admite una nostalgia imposible por los años sesenta y setenta, los de la Gauche Divine de sus padres. La sensación de fiesta terminada es patente y agria en También esto pasará, donde con dureza se autocritica a la generación que hoy supera los cuatro decenios, gente de “promiscuidad
gratuita y tolerancia blanda”. “Esa tolerancia ha surgido de una falsa idea imperante de igualdad que ha sido nefasta; en casa teníamos un ambiente de gran libertad, pero con poca broma. Mi madre era muy exigente con los modales. Claro que también con muy buenos modales se puede ser una persona cruel; mi familia es muy salvaje.” No era fácil, sostiene, el trato con su madre, esa “bruja burlona y hada posesiva. Fue una relación muy apasionada, pero muy compleja; era un trabajo de seducción puro y duro”. Y eso se intuye en la novela. El resultado es que se siente “muy incómoda en esta vida. Confío en que la gente me vaya salvando; uno, a sí mismo, nunca se salva; de la gente, quiero la salvación, si no, nada”. Busquets ha regresado al mundo de las letras con una novela que, al contrario que Hoy he conocido a alguien, ha levantado expectativas.
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Biblioteca // Si ya te leiste todo o si no sabes que leer por estos días, acá te damos info de los nuevos lanzamientos en el mundo literario.
El Ultimo Adios
Destroza este diario underground de Keri smith
de Haruki Murakami
Kate Morton creció en las montañas del noreste de Australia, en Queensland. Posee títulos en arte dramático y literatura inglesa y es candidata doctoral en la Universidad de Queensland. Morton sobresale una vez más con esta novela de misterio, con la Inglaterra de la década de 1930 como sugerente telón de fondo. La trama es impecable y los personajes, modelados con habilidad y reunidos al final del libro como resultado de la investigación de Sparrow, quedan tan sorprendidos como los lectores por el inesperado desenlace.
¿Sientes que deberías plasmar todo tu potencial artístico, pero no sabes cómo? Keri Smith anima a los propietarios de este diario a cometer actos “destructivos” agujereando sus páginas, añadiendo fotos para dibujar encima o pintando con café, con la intención de experimentar el verdadero proceso creativo. Se destruye porque deja de ser como era gracias a la intervención de otros, así, se produce un nuevo libro, un libro que ahora tiene la huella creadora del lector. Podrás descubrir una nueva forma de arte y elaboración de un diario, además de formas novedosas de superar el miedo.
El ataque con gas sarín que se produjo en el metro de Tokio en marzo de 1995 se cobró doce vidas; además, miles de personas resultaron heridas y muchas otras sufrieron sus consecuencias y secuelas. Hondamente afectado, el novelista Haruki Murakami entrevista a las víctimas, a los que vivieron y sufrieron en su propia carne el atentado, para establecer con precisión qué ocurrió ese día en las distintas líneas de metro afectadas y cómo lo vivieron. También desentraña la verdadera historia que se ocultaba tras aquel acto terrorista que convirtió una mañana en una tragedia.
de Kate Morton
recomendado del mes También esto pasará
de milena busquets
Cuando era niña, para ayudarla a superar la muerte de su padre, a Blanca su madre le contó un cuento chino. Un cuento sobre un poderoso emperador que convocó a los sabios y les pidió una frase que sirviese para todas las situaciones posibles. Tras meses de deliberaciones, los sabios se presentaron ante el emperador con una propuesta: «También esto pasará.» Y la madre añadió: «El dolor y la pena pasarán, como pasan la euforia y la felicidad.» Ahora es la madre de Blanca quien ha muerto y esta novela, que arranca y se cierra en un cementerio, habla del dolor de la pérdida, del desgarro de la ausencia. Pero frente a este dolor queda el recuerdo de lo vivido y lo mucho aprendido, y cobra fuerza la reafirmación de la vida a través del sexo, las amigas, los hijos y los hombres que han sido y son importantes para Blanca, quien afirma: «La ligereza es una forma de elegancia. Vivir con ligereza y alegría es dificilísimo.»
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diseño 33 // COLORHUMANO // JUNIO 2016
DISEÑO
MARc NEWSON
El icono del diseño industrial contemporaneo nació en Sydney Australia el 20 de octubre de 1963, y pasó gran parte de su infancia viajando por Europa y Asia.
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arc Newson comenzó a experimentar con el diseño de muebles como estudiante y, al recibirse de diseñador industrial, le fue otorgada una beca del Consejo de Artes de Australia con la que llevó a cabo su primera exposición con la Lockheed Lounge. Es uno de los diseñadores más influyentes de la actualidad. Trabaja como un designer creando todo: muebles y objetos del hogar, bicicletas y autos, aviones privados y comerciales, yates, encargos arquitectónicos y piezas escultóricas de firmas para clientes de todo el mundo. En la actualidad es profesor adjunto en diseño en Sydney College of the Arts (donde primero estudió escultura y joyería).
dado y dirigido varias compañías exitosas, incluyendo una marca de relojes selectos y una consultoría de diseño aeroespacial; ha ocupado cargos de alta dirección en las empresas de clientes, incluyendo que en la actualidad es el director creativo de Qantas Airways, diseñando en 2.013 sillones de primera clase. Su estilo utiliza líneas suaves geométricas, la translucidez, la fuerza, la transparencia y tiende a tener una ausencia de bordes afilados. “Una de las primeras piezas donde di con un estilo discernible”. Su cita se ve reflejada en una de las sillas más conocidas de este diseñador australiano, la Embryo, que representa, como su nombre lo indica, un embrión. Fue diseñada en 1.988 cuando Newson tenía 25 años para Idee, compañía japonesa.
Se unió a Apple Inc. en 2014 y en 2015 fue convocado por Tim Cook para diseñar “Manzana reloj del deporte”, el reloj de Apple. El diseñador australiano trabajó antes en la creación de relojes y otras piezas para Ikepod y Jaeger Le-Coultre. Y es el inventor de los relojes dentro de los aviones. En Apple, Newson le apostó a un reloj de forma rectangular, pero con puntas redondeadas. Su obra está presente en numerosas colecciones de los museos más importantes, incluyendo el MoMA de Nueva York, el Museo de Diseño de Londres, y V & A, el Centro Georges Pompidou y el Museo de Diseño Vitra.
Vivió y trabajó en Tokio, París y Londres. Actualmente está establecido en Gran Bretaña, y continúa viajando intensamente. Sus clientes abarcan una amplia gama de las marcas más conocidas y de mayor prestigio en el mundo, desde la fabricación y la tecnología para el transporte, la moda y el sector de bienes de lujo. Muchos de sus diseños han alcanzado el estatus de iconos del diseño moderno. Además de su actividad principal, ha fun-
En 2.002 diseñó el Lever House Restaurant & Bar en Nueva York y en 2.005 la recepción, sala de reuniones y la sexta planta del Hotel Puerta de América en Madrid, donde cada piso estuvo a cargo de un arquitecto o diseñador de renombre mundial. En 2014 fue elegido por la firma Louis Vuitton para conmemorar el monograma y lo realizó con su propuesta “Celebrando Mochila”.
Silla embryo
camara leica
Iwatch
Una de las sillas más conocidas es la silla Embryo, diseñada en 1988 cuando solo tenía 25 años para Idee, compañía japonesa.
La cámara digital M Typ 240, diseñada especialmente por una subasta cuya recaudación va directamente a la lucha contra el SIDA.
La marca de la manzana se interesó en él y Mark resolvio el estetico diseño del nuevo iWatch y ahora trabaja en la planeación de nuevos productos para Apple.
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DISEÑO
SANTI POZZI
La perfecta mixtura de la música en forma de poster
S
anti Pozzi, 29, diseñador gráfico nacido en Pergamino, impresor y referente argentino del diseño de pósters de rock. Diseñó pósters para Pearl Jam, Tame Impala, Foals, Astro, Michael Mike, Álamos, Tulús por nombrar algunos en su taller Imprenta Chimango con base en Lomas de Zamóra fundado a fines de 2010. Acá nos cuenta como es su metodología de trabajo, inspiraciones, y algunas anécdotas. No todos tienen la oportunidad de aprender de los mejores. Esto le pasó a Santi Pozzi (diseñador e impresor) cuando viajó a San Francisco a conocer a Chuck Sperry y a Ron Donovan, referentes internacionales del diseño de pósters de rock. Un viaje sin muchas promesas se convirtió para Santi en un punto de inflexión en su vida. Llegar y que se le abran las puertas de The Firehouse era una especie de nirvana constante aunque, más allá de la enorme generosidad de los grandes que Santi es el primero en reconocer, también cuenta que tuvo que demostrar su capacidad para ganarse un lugar dentro del taller: “Llevó mucho trabajo y mucho remarla. Barrer el piso, contar las hojas que íbamos a imprimir, mover los racks de secado, hasta pinté las paredes del baño… pero al final me gané un poco su confianza y vieron que era capaz, entonces me encargaban que grabe y desgrabe los shablones, que haga el registro de los colores. A veces, Ron se iba a comprar cerveza y me dejaba a mi imprimiendo en la mesa semi automática el póster de la gira mundial de Eric Clapton“. Además de asistir a Sperry y a Donovan, fue en The Firehouse donde Santi imprime su primer póster diseñado por él, el primer contacto entre sus diseños y la serigrafía. El encargo fue un póster para la película “Breakfast At Tiffany’s” para el cine Red Vic de San Francisco: “Al estar 3 meses, todos los días practicando, gané esa seguridad de poder tirarme a hacer lo que sea. Aprendí muchísimos trucos y pude resolver distintas cuestiones con respecto a la serigrafía“. “El arte de los pósters es algo que me gustaba de chico. Incluso en mi adolescencia en Pergamino, solía dibujar unos posters sesentosos, con la típica tipografía tipo Victor Moscoso en mi cuaderno en horas de clase.” Una vez devuelta en Buenos Aires, Imprenta Chimango tomó definitivamente su forma y color. El primer trabajo bajo
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las reglas de la serigrafía fue para Dani Umpi y un show que daba en Club Severino. Ya comprometido con el oficio de impresor, Santi cuenta como el haber estudiado diseño gráfico en la Universidad de Buenos Aires, le enriqueció la búsqueda de recursos gráficos y herramientas que luego vuelca en sus posters: “Yo me formé como diseñador gráfico y creo que trabajo como tal. Sin embargo a veces soy muy caprichoso, lo que hago es muy personal, y ahí es donde me acerco un poco al arte. Siento que ahora mis posters están en un limbo entre lo que es diseño gráfico y el arte“. Resulta interesante el acento que pone en el tema. La impronta manual y artesanal de la serigrafía, genera una sensación vulnerable para quienes lo llegan a valorar. No resultaría extraño compararlo con los vinilos. Con Santi acordamos que en ambas situaciones, tanto en la serigrafía como en los discos de vinilo, se da una situación de sobre saturación digital. “Hoy en día la experiencia musical está muy digitalizada y esa necesidad de comprar un recuerdo de la banda, como a veces es el merchandising, puede ser suplida por el póster en serigrafía.” La poética del diseño en el póster, el mensaje o estética personal que se le da, hace del mismo un “objeto fetiche” como lo llama Santi: “El póster en serigrafía no deja de ser un producto comercial que puedo vender en un recital y a la vez una obra que puedo exponer en una galería de arte. En cada marco es algo distinto. En los recitales me interesa que se lo pueda llevar cualquiera a un precio accesible.” “El póster es la posta, es lo que está impreso en el papel. El hecho de poder tocar y tenerlo, es lo que lo hace una obra. Sino se convierte en un montón de pixeles organizados que por mas flashero que sea no transmite lo mismo que si está plasmado en el papel. La apreciación táctil te sorprende, te corre de lo vivimos diariamente con la computadora”.
Profundizando en el tema de la música y el proceso de trabajo, es interesante que Santi muchas veces recurre a las bandas en vez de suceder al revés. Hay una especie de dinámica a seguir que empieza y termina con la música. Escuchar, analizar, pensar de que se trata la música en cuestión, de que hablan las letras y ver que parte de todo eso influencia o inspira alguna célula de este individuo tan especial, y hace que se ge-
“El póster es la posta, es lo que está impreso en el papel. El hecho de poder tocar y tenerlo, es lo que lo hace una obra” nere lo que vemos en el papel después. Al trabajar con la música y lo intangible de la música, asegura que hay mucha libertad al trabajar. Esa independencia que parte de lo subjetivo que es la música, esa sensibilidad auditiva genera en el proceso de trabajo diferentes relaciones entre los estilos musicales y los estilos visuales. Al menos para Santi, quien admite que a veces le gusta trabajar con tal o cual banda para desarrollar diferentes estilos que le interesan. Ahí se delata como casi un melómano monotemático y reconoce que la música forma parte de un presente constante, tanto en el taller, como en la casa o en la bici: “Cuando estoy cebado con un estilo o un lugar escucho todo con respecto a eso“. Sus preferencias actuales que suenan cuando imprime son Pablo Malaurie, Shaman y Los Pilares De La Creación y La Perla Irregular. Si bien el póster tiene un carácter comercial innegable, al ver el trabajo lleno de amor, dedicación y humildad de quien es hoy uno de los referentes argentinos del diseño de posters de rock (y otros estilos!) alcanza para saber que el hecho publicitario puede ser un complemento para el arte. Las técnicas artesanales y auto gestivas, como la serigrafía, que permiten otra sensibilidad y otro tacto son, para quien se cansaron de ver constantemente a través de la pantalla, un camino a otra dimensión. Un momento especial. Una búsqueda que moviliza la sensibilidad tal vez artística del individuo como tal.
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el serigrafista del rock La magia y psicodelia de Pozzi en sus mejores posters
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música
No el tipico chico indie con peinado cool
mac demarco A los 23 años goza de total impunidad para hacer lo que realmente se le dé la gana. Pintarse los labios de rojo intenso, vestirse de mujer o ahogarse en mares de cigarrillos son sólo detalles de color en la ascendente carrera de este músico: un loco canadiense que llegó con su guitarra para hacer música.
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¿Qué hacías antes, cuando vivías en Canadá? Viví un tiempo en Vancouver, cuando terminé el secundario. Ahí trabajé –mejor dicho: traté de trabajar– en obras viales, con pavimento y grandes máquinas; obviamente no era lo mío y fue un gran fiasco. Luego me fui a Montreal, donde se habla francés y todo es más barato. Mi idea era trabajar lo menos posible, uno o dos meses, y después aguantar. Lo bueno es que no tenía muchos gastos. Pasé por varios lados, incluso fui voluntario para experimentos médicos. Mi último trabajo en serio fue en un supermercado, donde me ocupaba de almacenar las verduras. Después llegué a Nueva York, donde vivo desde mediados del año pasado. Simplemente quise probar cómo es vivir en otro lado. Y la verdad es que me gusta ir cambiando de ciudades: si me aburro, me mudo. Se te adjudican influencias variadas, de Shuggie Otis a Jonathan Richman. ¿Te interesa más lo viejo que lo nuevo?
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ac DeMarco podrá parecer el bufón del indie, pero su música está lejos de ser una joda. El irreverente canadiense es conocido por sus producciones caseras como Salad Days y por Another One, un excepcional mini álbum que grabó en su casa de playa en Queens. DeMarco explica cómo un tipo de apariencia payasesca puede escribir canciones tan sentimentales. ¿Cómo conciliás tu personalidad humorística con esas canciones conmovedoras? Estoy siendo yo mismo. Sólo que no soy el típico rockero indie solemne con un peinado cool. Al mismo tiempo, la gente piensa que jodo con eso. Es útil. La gente lo nota y le gusta. Cuando lo ven, piensan que no tiene sentido, se supone que debería sonar como Weird Al’ Yankovic [humorista estadounidense]. Eso confunde a la gente, y les hace tener una segunda mirada. Al público las cosas no le importan una mierda por más de 30 segundos. Es un
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truco que funciona a mi favor. En tu nueva canción, My house by the water, das a conocer tu dirección e invitás a tus fans a tomar un café. ¿Estás recibiendo respuestas? Unos 30 pibes vinieron hasta ahora. No sé en qué estaba pensando [risas]. Todos fueron muy amables. El otro día le pregunté a uno: “¿Chequeaste si estaba de gira, o viniste nomás a ver qué pasaba?”. Y me decían que simplemente se mandaban. Esos pibes vienen desde Long Island y Staten Island. Se toman un tren de dos horas. ¿No se les ocurrió pensar si estaba de gira? Mencionaste una vez que te asustó haber agotado las entradas para tu show del Webster Hall en Nueva York. ¿Sigue siendo extraño para vos tener tantos fans? Pienso poco en eso. Nadie en mi pueblo me va a reconocer nunca. Es un barrio de gente trabajadora. Se agitarían si supieran que vivo acá, pero la mayoría del tiempo me manten-
“No soy el tipico rockero indie solemne con un peinado cool” go encerrado. Después voy a Brooklyn y no lo puedo creer. En tu video de Another One llevás puesta una remera y una máscara de Michael Jackson. ¿Lo escuchabas cuando eras chico? Mucho –inconscientemente, porque sonaba en películas y en la televisión. A medida que fui creciendo, me di cuenta de que Michael Jackson es una parte muy importante de mi vida musical, no sólo el tipo que escribió la canción de Liberen a Willy. No era la idea hacerle un homenaje en el video. Simplemente yo tenía la remera y mi amigo, la máscara.
Me gusta investigar. Y hallar cosas que sean nuevas para mí, aunque no sean necesariamente nuevas. Cuando eso sucede, voy por más, trato de ir hasta el fondo y escuchar todo lo que esté a mi alcance. La última banda que me encantó, por ejemplo, es japonesa: YMO. O sea: Yellow Magic Orchestra. Es muy interesante cómo combinaban y trabajaban diferentes tipos de música, incluyendo el pop. Siempre hay cosas por descubrir… ¿Algo de Sudamérica? Me gusta la bossa nova… João Gilberto, sobre todo. Y esa canción suya que habla del pato [se pone a cantar “O Pato”]. ¡Adoro esa canción! Tus recitales son célebres por las situaciones grotescas que se generan. Incluso se les puso un rótulo: “festivales obscenos”. ¿De dónde viene esta incitación? ¿El escenario te transforma? Nunca me gustó eso de parecer cool cuando subís al escenario. Tampoco es que traté de hacer lo opuesto… Supongo que así es mi personalidad. No sé cómo se da, simplemente me sale y me dejo llevar. Es algo que se definió con el correr de las fechas: cuanto más tocaba en vivo, más cómodo y libre me sentía. Algo pasa arriba del escenario, sin dudas: ahí vale todo. Me gusta desafiar al público. Quiero sacudirlos, que se diviertan y tengan una noche distinta, y no me importa hacer el ridículo o parecer inmaduro si es necesario.
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cronograma // Las próximas fechas de conciertos para que tengas en cuenta en Julio y Agosto !
Sábado 30 julio
viernes 12 agosto
El mató a un policía motorizado en Niceto Club Full Chamba se presenta en Roseti Oesteheld y Peces Raros en La Ronda (Espacio Cultural)
Domination en La Colorada Music Bar Television en Teatro Vorterix
Domingo 31 julio
martes 16 agosto
XII Ciclo Musica Sacra San Benito Clasico en la Parroquia San Benito Abad
Sun Kil Moon en Niceto Club
Martes 2 agosto
Camus junto a Arrayán y Dual Cero en Niceto club
Swans en Argentina en Niceto Club
lunes 22 agosto
Miercoles 3 agosto Goodbye Meli en Eter Club
viernes 5 agosto Francisca y los exploradores + Jvlian + Juan Ingaramo en Caras y Caretas
sabado 13 agosto Festival Ahora en Konex
sabado 2o agosto
Megadeth en el Luna Park
viernes 26 agosto Yoma Fest en Uniclub
sabado 27 agosto Prietto viaja al cosmos con mariano en Xirgu
sabado 6 agosto Fiesta PIEL ‘Pop Culture’ en Basquiat Street Pub
miercoles10 agosto El Guincho en Buenos Aires Niceto Club KaS Product en requiem 44 // COLORHUMANO // JUNIO 2016
si queres saber más sobre las entradas y horarios
Para más info sobre las fechas visitanos en www.colorhumano.com.ar/eventos www.facebook.com/colorhumano