Siete Días: Resiliencias | Rastros y Síntomas by tallertransversalmx

¿Cómo ensayar paisajes inundados?, 2021. Javier Acevedo-Mota. Fotografía: Taller Transversal Mx.

Créditos de la Exposición Brenda Granados Segovia (Taller Transversal Mx) Administración, gestión de artistas y patrocinios, montaje. César Jesús Acevedo Rojas (Taller Transversal Mx) Operación y logística, gestión de artistas y patrocinios, procuración de recursos. Iván Méndez Vela (Espacio Limítrofe) Curaduría, dirección de arte, gestión de artistas, montaje. Juan Muciño Díaz (Taller Transversal Mx) Asistencia curatorial, edición y corrección de textos y publicación, diseño gráfico, gestión de artistas y patrocinios, montaje, registro fotográfico. Emmanuel Rodríguez Mazón / Zael von Mazon (Taller Transversal Mx) Curaduría, dirección de arte, gestión de artistas y patrocinios, diseño gráfico y editorial, montaje, registro fotográfico. Javier Luna Instalación de iluminación. Luis Manuel Gutiérrez Alvear Operación y logística, montaje. Mónica Méltis (Mezcal Aperlado 48º) Patrocinadora. Simón Sánchez (Mezcal Aperlado 48º) Patrocinador.

Contenido Desplazamiento y Memoria 1 5 Alfredo Esparza Cárdenas 144 Rastros y Síntomas 18 Iván Méndez Vela y Zael von Mazon 414 Arte y Resiliencia 14 Joaquín Arteaga 414 “Ras7ros y Síntomas”: La resiliencia desde el takeover 16 Julia Pérez Schjetnan 414 Catálogo de la exposición Brenda Virginia Castro Raisa Pimentel Daniel C. Fernández Vanessa Freitag Ximena García Álvarez Jay Vélez Fernanda Uski Javier Acevedo-Mota Laura Marnezti Guillermo García Cruz Activación l met(L/ZTLI) - Háptō

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Agradecimientos 90

En tres aguas, 2021. Brenda Virginia Castro. Fotografía: Taller Transversal Mx.

I Desplazamiento y Memoria Alfredo Esparza Cárdenas Este texto ha sido escrito antes de la apertura de la exposición y no he visto las piezas finales, por lo que no hablaré sobre ellas. Sin embargo, he seguido de cerca el proceso de cada artista durante el programa de residencias/takeover; así que comentaré partiendo desde su forma de trabajar. Al fin y al cabo, mucha de su metodología es palpable en obras previas. Ras7ros y Síntomas es una zona de convergencia de diferentes maniobras para plantarse en el mundo y que sin embargo, comparten estrategias en común; colección y recolección de objetos, reflexiones sobre_vivir el espacio tanto personal como público y quizás la más relevante: la facultad de nominar continuamente su relación con el entorno a través de la creación de cada artista. Creación y lenguaje, lenguaje y sentido, sentido y formas, formas y espacio, espacio y afectos, afectos y deseo, deseo y memoria, memoria y emplazamiento, emplazamiento y método, método y mirada, mirada y vacío, vacío y caos, caos y futuro, futuro y vida, vida y saber, saber y experiencia, experiencia y creación. Esta concatenación de palabras se articula con diferentes elementos y objetos, pero se despliega de manera similar entre los exponentes. El trabajo de Brenda Virginia Castro, Javier Acevedo-Mota y Raisa Pimentel, parte principalmente de sus derivas por el entorno y de la compilación y estudio de elementos vivos que se integran al flujo de sus procesos, los cuales devienen obra. Pero no únicamente hay acopio de formas de vida, también lo hay de elementos inertes manufacturados por el ser humano, como es el caso de del propio Acevedo-Mota, Vanessa Freitag, Jay Vélez, Laura Marnezti y Daniel C. Fernández, quienes reestructuran las funciones de dichos elementos para incidir en los espacios en donde se disponen sus piezas. Fernanda Uski y Ximena García por su parte, trabajan con las políticas del uso y distribución del espacio, tanto público como privado, y la relación del cuerpo con el mismo. Otros elementos comunes a la mayoría de los procesos presentes en la exhibición, son el desplazamiento y la memoria, los artistas van al encuentro de las experiencias y materiales necesarios para desarrollar obra Este movimiento implica acuerparse en la confección

desarrollar obra Este movimiento implica acuerparse en la confección de las piezas, en sus huecos, pero también en las formas construidas. Y es justo en esto último, en el hacer formas, donde se sedimenta la memoria de tales desplazamientos. Dicho de otro modo, para generar memoria son necesarias dislocaciones, puntos de quiebre. En este sentido, toda producción de obra es producción de memoria. Así pues, aunque en este grupo de artistas trabaja cada quien de manera autónoma, su participación en el takeover ha dejado ver las convergencias y similitudes que comparten entre sí. Aunque sus preocupaciones e intereses puedan ser diferentes, sus metodologías les acercan. Haber sido espectador recurrente de cada uno de los procesos a lo largo de estas semanas, me dio la fortuna de conocer nodos localizados en diferentes partes del país, que trabajan desde lo específico pero que unidos, develan un panorama amplio y complejo de las producciones periféricas artísticas actuales; que trabajan desde su sitio en la generación de memoria, memoria que se revela en la casa anhelada, en cauces de ríos, en esculturas blandas, en la naturaleza de las relaciones afectivas, en objetos que eran una cosa y ahora existen en la forma de otra, en la salud física o en la domesticación de la flora y áreas verdes. Pensar en estos procesos y las obras resultantes de los mismos, es pensar en la memoria desde lo plural, pensar desde las unidades básicas conceptuales y materiales que habrán de hilvanar la narrativa de Ras7ros y Síntomas. Por tanto, el crisol de trabajos incluidos en esta muestra se vuelve esencial para imaginar nuevas formas de producción y conservación de la memoria. Como dice Donna Haraway: importa qué historias contamos para contar otras historias, importa qué pensamientos piensan pensamientos, importa qué conocimientos conocen conocimientos, y yo agregaría que también importa qué procesos elegimos para detonar nuevos procesos. Importa porque permite acercar lo que estaba lejos, unir lo que no estaba unido (también de Haraway), importa porque amplifica nuestra experiencia en la vida, la robustece y al mismo tiempo la sensibiliza. Importa porque nos situamos en el ejercicio consciente de la elaboración y disfrute de la memoria.

Alfredo Esparza Cárdenas (Torreón, 1980) Maestro en Estudios Humanísticos con especialidad en Historia por la UV del ITESM (2008). Egresado del Seminario de Fotografía Contemporánea del Centro de la Imagen (2012). Ha expuesto individual y colectivamente en Islandia, Colombia, España, EEUU, Reino Unido, Argentina, Guatemala y México. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2021), México. Acreedor al estímulo Arte Resiliente, otorgado por la Secretaría de Cultura de Coahuila (2020), Saltillo, México. Seleccionado en La Bienal en Resistencia 2021 en Guatemala, Guatemala. Ganador de la VII edición de Latin America Fotografía de AI-AP (2018) en New York, EEUU. Seleccionado en la XVIII Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen (2018). CDMX, México. Mención honoríﬁca en el concurso Memoria Visible, en Medellín, Colombia (2018). Finalista y premio especial en Tercer Concurso de Fotografía Contemporánea (2017). Monterrey, México. Ha realizado residencias artísticas en el Curatorial Program Research en Nueva York, USA, en 2019. En Fish Factory Creative Centre en Stöðvarfjörður, Islandia en 2019 y 2017. En 2011-12, en 357 Estudio creativo, en Tlalnepantla, México. Su obra forma parte de la colección del Banco Interamericano de Desarrollo (New York, EEUU), El Museo de la Cancillería (CDMX, México) y del Museo de Artes Gráﬁcas de Saltillo (Saltillo, México). Vive y trabaja entre Torreón y CDMX.

II Rastros y Síntomas Iván Méndez Vela y Zael von Mazon Siete Días es una dinámica de autoexploración estética, teórica y conceptual diseñada por Taller Transversal Mx, que registra y socializa en redes sociales el proceso creativo de lxs artistas al evidenciar la producción en tiempo real. Durante siete días cada artista compartió un rincón íntimo de su proceso creativo, aspecto que pocas veces es profundizado en la salida expositiva de una obra de arte y que rara vez es posible atestiguar más allá del estudio o taller como ‘santuario de creación artística’. Utilizamos el término resiliencia para denominar el proceso de resistencia y adaptación de un organismo ante condiciones adversas. La pandemia ha sido un episodio de adversidad que puso a prueba al sector cultural en diversos aspectos; es así que este proyecto, producto de la colaboración entre Espacio Limítrofe y Taller Transversal Mx, buscó ser un frente común de resistencia, el cual mediante una convocatoria abierta reunió a diversxs artistas para que compartieran su visión y procesos en torno a cómo afrontan su realidad. A través del uso de fotografías, reels, historias y transmisiones en vivo, durante diez semanas cada artista resistió desde la virtualidad, al darle continuidad a su proceso más allá de los aforos o los cubos blancos clausurados. Esta exposición reúne el producto de las investigaciones de lxs creadorxs que participaron durante este proceso. Dichos artistas fueron… Brenda Virginia Castro: A partir de la expansión del dibujo más allá de lo bidimensional, investiga el entorno y las afectaciones socioambientales en los cuerpos de agua en Culiacán (Sinaloa), que son producto de la acción humana. Replanteó soportes y materiales más cercanos a una solvencia discursiva con su objeto de estudio. Raisa Pimentel: Mediante el uso de materiales experimentales buscó indagar acerca del sentido de la identidad afectiva y sexual, más allá de los parámetros patriarcales y heteronormados. Acentuó y focalizó una línea de trabajo formal entre todo su andamiaje teórico. 8

Daniel C. Fernández: Explora un proceso autorreferencial afectivo y de pertenencia que busca formular una idea propia de comunidad, al vincular dos casas pertenecientes a dos hitos temporales en su historia personal, que lo hace contrastar las ideas entre casa y hogar como promesa de axis mundi y despojo. Su imaginario ronda el cadáver de un entorno onírico producto de anhelos pírricos y esfuerzos comunes entre él y su círculo cercano. Vanessa Freitag: Encarna la visión decolonial de la producción escultórica por medio de la afectividad al usar materiales y formas próximas a la organicidad del entorno amazónico. Expande la idea del rastro del cuerpo al recuperar prendas que alguna vez fueron habitadas por alguien más. A través de un lenguaje estético, explora los límites del cuerpo y sus funciones en relación con su percepción del entorno que habita. Esbozó nuevas líneas de trabajo como las cualidades auráticas de los materiales que ocupa y sus efectos agenciales. Ximena García Álvarez: Desde una visión imaginativa y ficticia sobre la manera de investigar y producir, fantaseó un entorno virtual donde, al retomar metodologías y procesos de terceros, los reinterpretó como vía para la producción intangible y social de una acción poética. Jay Vélez: A partir de la liminalidad entre arte y ciencia, nos presenta posibilidades mediante el uso de materiales constructivos que, con una carga semiótica, responden a la interpretación personal de cada espectador que activa al objeto con su percepción. Javier Acevedo-Mota: Al trabajar directamente con el impacto de la acuacultura en Tezontepec de Aldama, investiga las consecuencias del extractivismo desmedido producto de la acción humana. Durante este proceso y a partir de la crisis, revisitó el andamiaje conceptual de su proyecto, ejercitó y estimuló un diálogo entre lenguajes científicos y artísticos al procurar la integración de la investigación estética. Fernanda Uski: Busca expandir la plasticidad de su obra pictórica e investigaciones estéticas que al mismo tiempo son estrategias resilientes ante el duelo; sin embargo canaliza estas preocupaciones particulares en problemáticas urbanas comunes referentes al paisaje urbano de Tijuana, al optar por unificar una perspectiva desde lo general y lo particular simultánea y armónica. Formalmente en su obra, cuestiona posibilidades distópicas producto del deterioro matérico de la arquitectura, donde se plantea la concepción del Paraíso como un constructo de ideas e intenciones que van más allá

matérico de la arquitectura, donde se plantea la concepción del Paraíso como un constructo de ideas e intenciones que van más allá del espacio habitable. Laura Marnezti: A partir de una situación personal sobre el despojo y la enfermedad, su investigación aborda el entendimiento del cuerpo desde la intersección entre vestuarismo, escultura y materialidad. Esta condición le permite explorar otras formas de percibir el mundo más allá de las convencionales, enriquece su proceso creativo al partir principalmente de lo táctil, y potencia su campo de investigación como estrategia resiliente. Adicionalmente se integra la obra de un artista invitado que maniﬁesta las intenciones de la dinámica en su proceso personal, esto como referencia potencial y complementaria al trabajo de lxs artistas seleccionados… Guillermo García Cruz: Resalta la profundidad y experiencia en el arriesgue de su proceso artístico, al encaminarlo hacia la interdisciplinariedad. Desde su visión resiliente, cuestiona la legitimación de la obra a partir del espacio expositivo y las repercusiones que el cubo blanco le otorga a esta, por lo que reduce sus piezas a meros objetos inválidos al despojarlos de estas connotaciones hegemónicas e insertarlos en el espacio público. Siete Días: Resiliencias nos permitió dar seguimiento al desarrollo creativo de diversxs artistas a pesar de la pandemia y sobrellevarla; contemplar un panorama amplio de formas de resiliencia desde diferentes trincheras. A través de los ejes curatoriales, nos dio la posibilidad de entablar diálogos entre distintas visiones sobre problemáticas en común para vincular distintas preocupaciones, estimular los procesos creativos y propiciar la empatía y la tolerancia.

Es así que Rastros y Síntomas reúne diversas piezas que, pertinentemente y desde una visión intergeneracional, cuestionan e incitan a la reﬂexión crítica sobre situaciones vigentes no sólo correspondientes a la crisis epidemiológica global, sino también a problemas sociales, económicos y políticos que ya se manifestaban previamente y cuyos impactos se acentuaron ante la mirada pública durante el periodo de enclaustramiento. Brindan una visión fresca y coetánea sobre dichos temas, que si bien ya se han tocado previamente en la escena artística mexicana, su planteamiento por parte de lxs artistas participantes en esta muestra responde a una apertura y alteridad disciplinar encaminada a la resolución estética desde las transferencias y metodologías híbridas inherentes a la complejidad. correspondientes a la crisis epidemiológica global, sino

Aspectos generales de la exposición, 2021. Fotografía: Taller Transversal Mx.

apertura y alteridad disciplinar encaminada a la resolución estética desde las transferencias y metodologías híbridas inherentes a la complejidad.

Iván Méndez Vela (Ciudad de México, 1986) Maestro en Historia del Arte, (FFyL-UNAM). Licenciado en Artes Visuales, (FAD-UNAM). Ha participado en más de 20 exposiciones colectivas nacionales en internacionales desde 2006 entre las que destacan: Séptima Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zálce, (Morelia, Michoacán 2009) donde obtuvo mención honoriﬁca, así como Encuentro Nacional de Arte Joven (Aguascalientes, 2007) 24 Cuadros por Segundo (Universidad Iberoamericana, Ciudad de México, 2008), Quinta Bienal de Arte Universitario (Universidad Autónoma del Estado de México, Estado de México, 2012). Cartografía Personal (Casa Terán, Aguascalientes y Galería de la ENPEG, “La Esmeralda” CENART. CDMX, 2013), Por Oaxaca (The Institute Library, New Heaven, Connecticut, E.U.A.), Portable Hell (Stirling Castle, Escocia, Reino unido) y TIAF London 2015 (The Rag Factory, Londres, Inglaterra) Dibuja México, (Centro Cultural de España en México y museo ABC de Madrid, España). También ha sido Beneﬁciario del programa Proyectos de Inversión en la Producción de Pintura Nacional, con el proyecto: “Ciudad Portátil: Morada insondable” (CONACULTA-INBA, 2013) como curador y en el programa Piso 16 Laboratorio de iniciativas culturales Cultura UNAM en 2020. En 2014 fue artista invitado del Dembo Fellowship Program (Pyramid Atlantic Art Center, Silver Spring, MD, EUA.). De 2010 a 2013 laboró en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo.

Zael von Mazon (Ciudad de México, 1988) Emmanuel Rodríguez Mazón, bajo el pseudónimo de Zael von Mazon, es un artista interdisciplinario residente en la CDMX. Es egresado de la Escola Massana, centre d'Art i Disseny (UAB, España) y de la Facultad de Arquitectura (UNAM, México). Participante en el Programa de Acompañamiento 2020 de Piso 16 - Laboratorio de Iniciativas Culturales UNAM y beneficiario del PECDA CDMX durante el periodo 2017-2018. Entre premios y distinciones destacan: Tercer Premio de adquisición en la XI. Bienal Puebla de los Ángeles (2017), mención honorífica en el XXXVIII Encuentro Nacional de Arte Joven (Aguascalientes, 2018), mención honorífica en la categoría de técnicas alternativas profesional dentro del FINI 2018 (Hidalgo). Seleccionado en Maker Art Pandemia de The New Art Fest (Portugal, 2020), la V Bienal de Pintura J.A. Monroy (Jalisco, 2020), la Duodécima Bienal Puebla de los Ángeles (2019), la Segunda edición de la Bienal de Santorini (Grecia, 2014) y Somos Creadores, certamen de Chrysler México (2015). Formó parte de la residencia ‘ReVisión Mestiza’ (2019) de Casa Báanal (México) y One Moment Art (Chile). Cuenta con dos exposiciones individuales y ha participado en diversas exposiciones colectivas en México, Alemania, Brasil, Ecuador, España, Estados Unidos, Italia, Grecia, Nigeria y Portugal. Su obra actualmente forma parte del acervo de la Universidad Pontificia de Salamanca en España, de la Colección de la Universidad Iberoamericana en Puebla y de colecciones privadas. Ha sido mediador de laboratorios artísticos en el Museo Rufino Tamayo, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), el Antiguo Colegio de San Ildefonso, la Facultad de Arquitectura (UNAM), la Maestría en Estudios y Procesos Creativos en Arte y Diseño (UACJ), la NANA (CONARTE), la biblioteca Vasconcelos, ARCA Mx y espacios independientes. Entre 2020 y 2021 fue coordinador de exposiciones y gestor en Purísima Arte Contemporáneo, programa curatorial acreedor al Apoyo PAC / Covid-19 (2020) otorgado por el Patronato de Arte Contemporáneo.

III Arte y Resiliencia Joaquín Arteaga Hay tantos cruces entre arte e imaginar como mapas del mundo. Imaginar: futuros, pasados, monstruos, claves, identidades, mundos, llaves. Lxs artistas invitados en el proyecto Siete Días: Resiliencias trabajaron imaginando qué hay más allá de los límites de su práctica artística y cuáles son los cruces que atraviesan aquellas fronteras. Cada propuesta expuesta mapea –similar a las diﬁcultades de representar un mapa bidimensional en un modelo tridimensional– las montañas y valles que arrojó la residencia. Cada artista se propuso trabajar con claves de su producción a los que no estaban acostumbradxs, en ocasiones las preguntas más incómodas venían de lugares muy cómodos. Entonces, la labor de cada artista consistió en encontrar qué ruta cruzaba de manera perpendicular la dimensión en la que se estaban formulando su quehacer creador, y que otras dimensiones le ayudarían a acercarse a su pregunta incómoda. En algunos cruces las sombras fueron muy importantes, y ubicarlas permitió que las exploraciones técnicas y conceptuales fueran parte de nuevos procesos creativos / imaginativos. - Preguntar: parte clave de este proyectoLas preguntas que son parte del proceso artístico tienen un valor muy especial mientras no se respondan. Es común leer historias del arte donde una de las mayores preocupaciones de un teórico o crítico es la de clasiﬁcar en periodos de tiempo la producción de x o y artista. Muchas veces la producción de tal artista se vio detenida por causas mortales, sin embargo su obra (que pudiera seguir viva) sigue en diálogo con nosotrxs quienes la observamos y podemos preguntar como si sostuviéramos un espejo mágico en nuestras manos. Le debemos muchas preguntas a lxs artistas, muchas más al arte. Con ellas crecemos e imaginamos intentando responderlas, crecemos porque el arte y la resiliencia nos dan la oportunidad de reconocer qué conservar y qué soltar. El arte como parte del proceso de resiliencia es entonces valioso en tanto nos provoque preguntas. ¿Qué del pasado quiero que sea parte de mi presente? ¿Qué del futuro existe en mi presente?

Joaquín Arteaga (Atizapán, 1993) Egresado de la licenciatura en Artes Visuales de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo en el año 2017, Radica en Guadalajara Jalisco y actualmente cursa la Maestría en Comunicación de la Ciencia y la Cultura en el ITESO. y es docente en la Licenciatura de Arte de la Secretaría de Cultura del Estado de Jalisco desde el 2019. Ha colaborado en diversos programas del Despacho de Servicios Curatoriales y con instituciones como la Secretaría de Cultura del Estado de Jalisco y la licenciatura en Estudios del arte y gestión cultural de la Universidad Autónoma de Aguascalientes.

IV “Ras7ros y Síntomas”: La resiliencia desde el takeover Julia Pérez Schjetnan He visto aparecer la dinámica del takeover de cuentas de Instagram en dos contextos distintos. El primero es una estrategia de marketing donde alguna persona famosa toma las riendas de la cuenta de un negocio o empresa buscando mayor difusión y frescura para la segunda. Por otro lado, aunque hasta cierto punto en sincronía con el primer caso, están los proyectos culturales cuyas cuentas de Instagram devienen en espacios colectivos que recopilan las experiencias de distintos agentes, especialmente artistas que utilizan las plataformas para mostrar su trabajo por un periodo delimitado de tiempo. Ahora más que nunca, con las adversidades que ha traído consigo la pandemia, el takeover ha signiﬁcado una herramienta importante para el trabajo de la comunidad artística en plataformas digitales, permitiendo que se desarrollen proyectos alternos de un carácter heterogéneo difícil de obtener en redes sociales. Siete Días: Resiliencias fue una dinámica que se desarrolló a través de la colaboración entre Espacio Limítrofe y Taller Transversal Mx, la cual, tras un proceso de convocatoria, reunió a diferentes artistas a que compartieran sus experiencias, procesos y reﬂexiones en torno a sus formas particulares de resiliencia. Así, cada unx de lxs artistas (Brenda V. Castro, Raisa Pimentel, Daniel C. Fernández, Vanessa Freitag, Ximena García, Jay Vélez, Javier Acevedo Mota, Fernanda Uski y Laura Marnezti) ocupó durante una semana la cuenta de Instagram de @tallertransversalmx a través de fotografías, reels, historias y en vivos, en un ejercicio que vuelca la autoexploración hacia lo colectivo. Como síntesis de las investigaciones creadas durante estas semanas, el pasado 6 de noviembre se inauguró la exposición «Ras7tros y Síntomas» en la sede de Espacio Limítrofe, en la Unidad Modelo, Iztapalapa. Todxs lxs artistas presentan la obra (u obras) en las que trabajaron durante sus estancias en Resiliencias. Además, la exposición cuenta con la participación del artista invitado Guillermo García Cruz, cuya obra hace de complemento y diálogo con el trabajo de lxs artistas seleccionadxs.

Sin Título, 2021. Fotografía: Julia Pérez Schjetnan.

La muestra goza de multiplicidad, cada una de las piezas constituye un mundo de reflexiones críticas específicas, que se materializan a través de diversas disciplinas y metodologías. Dentro del espacio pequeño se reúnen materiales tan diversos como pétalos de buganvilia procesados, alfileres, exoesqueletos, lentes, losetas de cerámica. Al mismo tiempo, a través de la cuidada curaduría de Iván Méndez Vela y Zael von Mazon, estos contrastes son reconocidos y atendidos para abonar de manera coherente al discurso de resiliencia particular que dirige al proyecto. Un paréntesis. Take over es un verbo preposicional en inglés que se conforma por la combinación del verbo take (tomar) y la preposición over (sobre o encima). Sus traducciones varían dependiendo del contexto porque no tiene un equivalente en español, pero los resultados que aparecen en el traductor de Google son tomar el control, asumir, tomar relevo y dominar. Fin del paréntesis. Supongo que takeover se trata de una palabra insuperable para nombrar lo que sucede en las cuentas de Instagram como se describió al principio y específicamente para referirse a lo que fue Resiliencias. Pero ¿podría utilizarse el mismo término más allá del mundo de las redes sociales?, ¿qué pasa si pensamos el takeover como una práctica expansiva, contagiosa?, ¿no es también la salida al espacio expositivo un acto de absorciones?, ¿qué es una exposición si no un takeover en donde las obras de arte reconfiguran el espacio? Siguiendo sobre esta idea, la exposición «Ras7ros y Síntomas» podría pensarse como el octavo takeover de lo que ha sido Resiliencias. La traducción de los procesos de cada artistas al Espacio Limítrofe es también una manera de transformar el control y dejar que algo arrebate a otro algo. Como su nombre lo indica, se trata de la presentación de los indicios que se manifiestan y apoderan del espacio expositivo para contagiarnos a lxs espectadores de las reflexiones planteadas por lxs diversxs artistas. No queda más que dejar que el takeover suceda: que la exposición tome las riendas de nuestras sensaciones por un periodo delimitado de tiempo, como si fuera un influencer y nosotrxs una cuenta de Instagram.

Publicado originalmente el 17 de noviembre del 2021 en primerapaginarevista.com.

Julia Pérez Schjetnan (Ciudad de México, 1998) Estudiante de la licenciatura en Historia del Arte por la Universidad Iberoamericana Ciudad de México. Columnista y parte del comité de dirección de la revista independiente Primera Página, en donde escribe sobre distintos espacios en los que habita el arte en la Ciudad de México. Ganadora de la convocatoria de curaduría de Obras de Arte Comentadas en enero 2020 con el proyecto “Hijaedades Subversivas”. Trabajó en la investigación y elaboración de textos para la Colección Isabel y Agustín Coppel, A.C. Colabora con textos de catálogo en la plataforma curatorial @latig.x.

Catálogo de la exposición

Hoja de sala de la exposición.

En tres aguas, 2021. Brenda Virginia Castro. Fotografía: Taller Transversal Mx.

En tres aguas Brenda Virginia Castro México Desde que leí la convocatoria de este proyecto de takeover: Siete Días: Resiliencias, supuse que sería una participación diferente y con un desarrollo de proyecto o proceso resultante bastante enriquecedor. A pesar de ser un takeover largo, el enfoque que llevaría esta participación se me hizo importante para compartir el proceso creativo de mis proyectos de dibujo. Pensar en un takeover que no sólo mostrara trabajos anteriores, sino que permitiera mantener un diálogo abierto del día a día en el estudio y mostrar abiertamente cómo se van articulando los proyectos con sus fallas y aciertos, me pareció una forma muy honesta de compartir el trabajo de cada artista. Era importante para mí compartir mi mirada con ustedes a través de los recorridos por los ríos y las observaciones que iba realizando con bocetos, fotografías y otras interacciones en la ciudad. Reflexionar como el agua va dejando huella, como fueron alterados los cauces de los ríos de la ciudad y la relación que mantenemos con ellos. Busqué con cada una de las historias y publicaciones de los 7 días, generar una secuencia de notas e imágenes que los hiciera acompañarme y entender mejor mi proceso de dibujo. Aunque quise editarme, mis publicaciones fueron vastas; me parece que es parte de cómo funciona mi mente, cómo voy reflexionando y entendiendo a la vez lo que me rodea. Encontré también muy enriquecedor el diálogo de la sesión curatorial. Es un buen ejercicio de reflexión hacia la/mi práctica, el replantearnos formas de hacer, pensar y considerar otras posibilidades en el medio mismo que ayuden a concretar los procesos de formas distintas, más abiertas. Repensar la práctica artística. ¿Cuáles son los materiales que utilizo? Pensar en el dibujo en lo interior y lo exterior, cómo se comunican estos tiempos en mi propio proceso de pensamiento gráfico. Me hizo plantarme en el espacio de manera distinta y aún más en la expansión del dibujo hacia otros soportes y objetos. Los diálogos generados cada semana entre artistas también me parecieron muy interesantes. Conversar sobre los procesos de los otros, compartir dudas y generar aún más preguntas; nos permite acercarnos desde los motivos más profundos hasta la parte formal de ejecución: Conocernos. desarrollar obra Este movimiento implica acuerparse en la confección

En tres aguas, 2021. Brenda Virginia Castro. Fotografía: Taller Transversal Mx.

En tres aguas Brenda Virginia Castro Lápiz de acuarela, graﬁto, plumón e hilo sobre tela. 290 x 140 cm. 2021

Brenda Virginia Castro (Culiacán, 1983) Artista Visual egresada de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos UAEM (2002-2006) y del Programa Educativo SOMA 2016-2018 en la Ciudad de México. Seleccionada en Artistas Sinaloenses en el MASIN producción en confinamiento (2020), participante en el catálogo nacional de Monolito Arte Actual y de contenido en el Cuadernillo de dibujo Vol. 1 de Dulce Chacón. En 2019 formó parte del programa Estudio Abierto en la Galería de Arte Antonio López Sáenz en Culiacán, Sinaloa. En 2018 Obtuvo el premio Edgardo Coghlan del Salón de la Plástica Sinaloense y beneficiaria del programa Jóvenes Creadores FONCA 2017-2018 en la categoría de dibujo. Fue beneficiaria del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico de Sinaloa PECDAS 2015-2016 en la categoría de Creadores con Trayectoria y seleccionada en el programa Doce x Doce: Arte emergente del Museo de Arte de Sinaloa y Fundación BBVA 2015. Obtuvo el estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico de Sinaloa PECDAS 2013-2014 en gestión y producción artística. Obtuvo mención honorífica en el Salón de la Plástica Sinaloense 2014, 2006 y Primer lugar en gráfica en 2004. Adquirió la beca de residencias artísticas de FONCA-CONACYT- CENTRO BANFF en 2013 y fue becaria del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes del Estado de Sinaloa FOECA por el periodo 2010-2011 en la categoría de jóvenes creadores. Actualmente forma parte del programa de la Maestría en Producción Artística (MAPA) de la Universidad Autónoma de Morelos (UAEM).

La cocina de los afectos, 2021. Raisa Pimentel. Fotografía: Taller Transversal Mx.

Vínculos Afectivos Raisa Pimentel México A veces sucede que un proyecto surge de algún rincón sin que una lo espere o lo busque, pero es lo que demanda atención e interés; éste ha sido el caso del proyecto que he desarrollado durante Siete Días. Al ser una obra individual en cuanto a temática y desarrollo, me he encontrado bajo cierta vulnerabilidad, en la que, a pesar dé y con ella, he continuado en la búsqueda de explorar los afectos a través de la creación de materiales, experimentar cómo hacerles tangibles y visibles a aquello que sabemos que existe y disfrutamos, pero al mismo tiempo solo yace en nuestros recuerdos y sensaciones. Hubo veces en las que no tuve claro cuál sería el resultado, pero contar con el apoyo, escucha y el espacio para participar en esta edición ha sido favorable para conﬁar en mi proceso y en las búsquedas no certeras de la experimentación. Asimismo, ha sido agradable ver los puntos en común con lxs demás artistas seleccionados durante los takeover, en ellos pude apreciar que aunque no trabajamos sobre la misma temática, ciertos procesos son similares y es interesante ver cómo se bifurcan hacia otros horizontes. El ser público de estos procesos permite conocer un proyecto de una forma cercana, alejada de cierta rigidez a la que estamos acostumbrados. Y estando del otro lado, siendo el artista que comparte, es bastante retador exponerte, ya que conlleva cierta vulnerabilidad y honestidad; esto me ha hecho valorar los procesos, ser consciente de mis indagaciones y buscar una forma de comunicarlas sin enrollar demasiado. Ésta es una reﬂexión para mi yo del futuro, no sé en donde me encuentre en ese momento y lo que haya conllevado la realización de este proyecto, sin embargo, considero importante darle valor a las emociones que acompañan la creación artística.

desarrollar obra Este movimiento implica acuerparse en la confección

La cocina de los afectos / Vínculos Afectivos 1.0, 2021. Raisa Pimentel. Fotografía: Taller Transversal Mx.

La cocina de los afectos, 2021. Raisa Pimentel. Fotografía: Taller Transversal Mx.

Vínculos Afectivos 1.0, 2021. Raisa Pimentel. Fotografía: Taller Transversal Mx..

I La cocina de los afectos Raisa Pimentel Biomateriales, maderas, vasos de vidrio, pétalos procesados de bugambilia y astronómica, cáscara de piña procesada, hoja de maíz procesada, cúrcuma, pétalos de bugambilia y un recetario colaborativo. 75 x 60 cm. 2021 II Vínculos afectivos 1.0 Raisa Pimentel Biomateriales, bordado y electrónica. 28.5 x 16.5 cm. 2021 Electrónica: Lorenza Tabares

Raisa Pimentel (Estado de México, 1991) Artista audiovisual. Estudió la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual en la Facultad de Artes y Diseño, UNAM (2012-2016) y el Máster en Innovación Audiovisual y Entornos Interactivos en BAU, Centro Universitario de Diseño (España,2020). Ha participado en las residencias artísticas VÓRTICE (Chile,2016) y en el Quintessence Dome Lab (España,2020), los proyectos realizados formaron parte del Immensiva Festival en el marco de Ars Electronica Solar Orchard Garden. La instalación interactiva Physis, se ha presentado en MUTEK [ES], Urban Creative District e Intropías Fest (España). Actualmente participa en la convocatoria Siete Días: Resiliencias organizada por la plataforma interdisciplinaria Taller Transversal MX® y Espacio Limítrofe. Su obra audiovisual ha formado parte de la Selección Oﬁcial de Dulcísimo Ovario, Miradas Locales Cine Fest, Tlanchana Fest y del concierto audiovisual FONIMA durante el ANIMASIVO. Es co-fundadora de Fogat.A, laboratorio de creación artística multidisciplinaria.

Cartografía del hogar 1, 2021. Daniel C. Fernández. Fotografía: Taller Transversal Mx.

Construcción del habitar Daniel C. Fernández México Mi práctica artística siempre se ha visto interrumpida por trabajo (en su momento, por dinámicas escolares), el espacio en dónde vivo, la falta de tiempo, los recursos materiales y económicos. Pero, al mismo tiempo, las condiciones materiales y geográﬁcas del contexto en el que me relaciono (además de no poder dedicarle tiempo completo a mi práctica artística) han afectado directamente las obras que hago y cómo las hago: desde los formatos de éstas, hasta los soportes y los materiales sobre los que trabajo. Para el takeover tuve la posibilidad de poder concentrarme únicamente en desarrollar mi proyecto artístico de manera casi ininterrumpida. Durante algunos días previos a mi participación, estuve pensando, escribiendo y boceteando algunas ideas que, ya en la práctica, fueron modiﬁcándose, descartandose, e incluso fueron surgiendo ideas nuevas que fui organizando y priorizando, unas sobre otras, para poder desarrollarlas a lo largo de 7 días. Una dinámica que en la práctica conllevó gestionar y organizar mis tiempos. Siete Días implicó un lapso de tiempo corto para poder desarrollar y materializar algunas de las ideas que tenía en mente, para registrar y pensar formas atractivas de mostrar los procesos y las inquietudes que atraviesan mi proyecto. Este takeover sin duda fue una gran excusa para permitirme explorar otras posibilidades de creación distintas a las fórmulas ya aprendidas y reiterativas dentro de mi práctica artística, experimentar con otros materiales e incluso emplear herramientas que nunca antes había utilizado.

desarrollar obra Este movimiento implica acuerparse en la confección

Cartografía del hogar 1, 2021. Daniel C. Fernández. Fotografía: Taller Transversal Mx.

Cartografía del hogar 1 Daniel C. Fernández Loseta cerámica intervenida. 20 x 20 x 25 cm 2021

Daniel C. Fernández (Estado de México, 1997) Artista visual que emplea diversos medios como la pintura, el dibujo y la instalación, para repensar en los procesos de urbanización y transformación del paisaje urbano. Su producción gira en torno a las dinámicas sociales que se establecen entre el centro y la periferia, así como las narrativas que se generan entorno al habitar, los trayectos y el recorrido. Su trabajo ha sido seleccionado en la Bienal Nacional “ARTEMERGENTE (2019) en Monterrey y en la Bienal PARAMETRO 03 (2018) en el Museo de la Ciudad de México. Además, ha participado en diversas exposiciones colectivas entre las que destaca “Teorías urbanas, paisajes de la ciudad” en la galería Artbaena (2021) en la ciudad de México. Formó parte de una residencia artística en COBERTIZO (2020) en Jilotepec Estado de México. Ha participado en dos ocasiones en la Revisión de Proyectos Artísticos, ICDAC-MUAC en la Facultad de Arte y Diseño; Participó con SOMA en el proyecto colaborativo “Paisajes” en el Museo Jumex Arte Contemporáneo en la ciudad de México y formó parte del seminario “Apropiación, historia y crítica de arte. Taller de análisis y producción de arte” impartido por Daniel Montero en la Ciudad de México.

Cartografía Cuerpos Nostálgicos, del hogar2021. 1, 2021. Vanessa Daniel Freitag. C. Fernández. Fotografía: Fotografía: Taller Transversal Taller Transversal Mx. Mx.

7 Creaturas de Topiarus Vanessa Freitag Brasil

Para el proyecto Siete Días: Resiliencias propuesto por Taller Transversal Mx y Espacio Limítrofe, quise hacer “7 Creaturas de Topiarius”, es decir, una por día. Inicialmente, pensé en hacer registros fotográficos vistiéndome con las esculturas textiles, donde pudiera transformarme en 7 creaturas distintas de Topiarius. No obstante, y con base en la afortunada orientación curatorial, el proyecto se modificó con el transcurso del tiempo. De modo que decidí compartir el proceso de creación de una de las creaturas, lo más concreto y honesto posible. Representó todo un reto pensar en los materiales diarios por compartir vía Instagram, me tomó mucho tiempo y energía ese proceso de pensar, escribir y compartir lo que sucedía en el taller. A tal punto, que terminé agotada pero feliz de haber logrado culminarla en el transcurso de las semanas. Algo que me di cuenta es que todo en el proceso importa: desde cómo selecciono las piezas/ropas, cómo las clasifico por colores, las corto, las relleno y las reconstruyo mediante la costura. El papel que cumple el dibujo previo a la creación de la escultura. De modo que la pieza no es solo lo que se ve, sino lo que generalmente queda invisible, que es su proceso de materialización. Otro aspecto que me di cuenta y que empezó a tomar importancia, son las historias que me invento para pensar a estas esculturas: es como si tratara de darles características humanas y/o resaltar las características de su “naturaleza” inventada. Entonces, ellas tienen voluntad propia, tienen una historia y personalidad. Para la pieza “Cuerpos Nostálgicos”, imaginé tres cuerpos (uno de tela, otro de crochet y otro vidrio) que se enlazan y se anidan. Y para tal, les construí su historia: En Topiarius hay creaturas de toda naturaleza. Una de ellas se da a conocer por el nombre "Cuerpos Nostálgicos". Ellas se buscan mediante todo tipo de afinidad: cromática, material, formal, temporal. Son cuerpos autónomos, pero sienten que siempre "les hace falta algo" que no logran identificar. Así de ambiguas son. Por ello, son cuerpos nostálgicos y se pierden en sus derivas por los paisajes de Topiarius. No se dan cuenta de que arrastran consigo, en sus propios cuerpos, los cuerpos de algo más. Como no tienen ojos, ni cabeza, únicamente boca, no logran notar lo que se cuelga desde sus paseos y desde sus vísceras. No obstante, hay algo en su composición, en sus fibras, que simplemente atrae y repele todo lo que necesitan para su existencia.

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Cartografía Cuerpos Nostálgicos, del hogar2021. 1, 2021. Vanessa Daniel Freitag. C. Fernández. Fotografía: Fotografía: Taller Transversal Taller Transversal Mx. Mx.

Cuerpos Nostálgicos, 2021. Vanessa Freitag. Fotografía: Taller Cartografía Transversal del hogar Mx. 1, 2021. Daniel C. Fernández. Fotografía: Taller Transversal Mx.

Cuerpos Nostálgicos Vanessa Freitag Escultura textil, crochet con alﬁleres y canicas. 55 x 38 x 18 cm. 2021

Vanessa Freitag (Santa Rosa / RS / Brasil, 1982) Licenciada en Dibujo y Plástica (2004) y en Arte y Educación (2006); Maestría en Educación (2008), todos por la Universidad Federal de Santa María/RS/Brasil. Doctorado en Ciencias Sociales por el CIESAS-Guadalajara (2012). Además de desempeñarse profesionalmente como artista, también es docente e investigadora en la Universidad de Guanajuato/Campus León (México), donde trabaja temas relacionados con el arte textil contemporáneo y el arte y la cultura popular. Ha expuesto en países como Brasil, Chile, México, Puerto Rico, Estados Unidos y Ucrania. Ganadora de la VII edición del Salón Guanajuato de Arte Contemporáneo (2021) en la categoría escultura y mención honoríﬁca en FIBRA - I Bienal de Arte Têxtil (2019, Brasil). En octubre del 2020, realizó una residencia de corta duración en el Proyecto ACE (Argentina). También ha colaborado en el Proyecto MEIO Cura 2020 - Flotar Programa (CDMX). Participó en Otra Feria - CUBO (2020) y recientemente fue seleccionada en Salón ACME 9.0 (CDMX/2021) y en la Trienal Internacional de Pintura de Tijuana (2021). Actualmente vive y trabaja en León, Guanajuato.

Sansaviera y los objetos imaginarios, 2021. Ximena García Álvarez. Fotografía: Taller Transversal Mx. Cartografía del hogar 1, 2021. Daniel C. Fernández. Fotografía: Taller Transversal Mx.

Esculturas imaginarias. Pesquisa Ximena García Álvarez México Me agrada la idea de pensar que estuve trabajando en un taller elaborando una o varias piezas como si de verdad hubiera estado en un espacio físico, con compañerxs artistas, con propietarixs de un lugar cuya forma de pensar corresponde a otras estructuras de comunicación y pedagogía, pocas veces frecuentadas por mí; con un espacio arquitectónico cuyos límites físicos obligan a cambiar la forma de la propia obra, la cual, como si fuese una pieza de metal, se veía afectada por perturbaciones externas. Y yo, cada día, intentando llegar al final sin perder la imagen de lo que para mí es importante en el arte: el humor, la poesía, los juegos de palabras y las combinaciones rebuscadas. Recordé estando ahí, muchos otros proyectos no finalizados, fue interesante entonces recuperar el pasado, recordarlo como si fuera un caso de estudio antropológico, del cual se puede ir juntando evidencia cada vez que uno integra experiencias. Finalmente, cada vida de artista puede relatar su estancia y así describir la forma de trabajo y las estructuras sociales que ocurren en las escuelas, las academias, los talleres, los colectivos y los artistas, que solitariamente trabajamos en nuestro estudio. Esta experiencia abrió para mí el camino a indagar acerca del o los patrones comunes en las sociedades interesadas en la observación y participación del arte. Uno de esos patrones comunes es la práctica de hablar sobre la pieza propuesta por el artista a través de la recomendación de piezas de arte, que, por lo general ya están establecidas en el mercado. Es decir, el artista muestra su obra, los observadores buscan en su acervo de recuerdos obras similares y comparten esos referentes con él; la finalidad es hacerle mirar lo mismo que él está viendo en su pieza de arte. Esa práctica pedagógica resulta bastante útil para ambas partes; el artista conoce así otras manifestaciones y maneras de producción; además, puede entrever la postura del otrx, lo que comprende, observa y conoce. Para la otra persona, el compartir este conocimiento puede darle la satisfacción de estar abriendo horizontes, de establecer una comunicación y de validar su forma de pensar. Dos referentes valiosos me llevo de esta estancia, Yoko Ono y Pablo Helguera: la primera para estudiar más a profundidad la poesía y el arte; el segundo, para practicar el gusto que tengo por recrear las actuaciones en el arte desde el discurso y el humor. Hasta pronto, Taller Transversal Mx + Espacio Limítrofe 47

Cartografía del hogar 1, 2021. Daniel C. Fernández. Fotografía: Taller Transversal Mx.

Sansaviera y los objetos imaginarios, 2021. Ximena García Álvarez. Fotografía: Taller Transversal Mx.

Sansaviera y los objetos imaginarios Ximena García Álvarez Acuarela y plumones de colores sobre papel de algodón / texto escrito a lápiz de graﬁto H sobre la pared. 72 x 72 cm. 2021

Ximena García Álvarez (Ciudad de México, 1982) Egresada de la ENAP, CMA y de la Academia de Artes de Düsseldorf en Alemania obteniendo de esta última el título de Meisterschülerin por parte del artista Martin Gostner; estudio finalizado gracias al apoyo del FONCA CONACYT / Becas para estudios en el extranjero (2012). Recibe el premio al Arte Joven de la Academia PwC / Museo KIT, Düsseldorf (2012). Ha sido ponente en el Congreso de Inclusión y educación Artística APECV / RIAEA en Coimbra Portugal (2018), donde también inicia su proyecto de Performance El Mundo. Participó en la residencia artística de la Galería No Lugar en Quito Ecuador (2019), finalizando con la exposición Plan Sin Fisuras. Realizó un proyecto titulado Simposio de Escultura. Imposibilidad de la Realidad. Todas las Realidades en la plataforma de IG Mental Space Gallery (2021). En ese mismo año viaja a Sao Paulo, Brasil para realizar una residencia de investigación en Uberbau_haus desarrollando un proyecto sobre arquitectura - pedagogía - arte, titulado Ficción Público Privado No 2 en referencia a un proyecto anterior de video que aborda la relación entre arquitectura y espacio público en la Ciudad de Barcelona (2010). A finales del 2021 participa del proyecto de Taller Transversal Mx® y Espacio Limítrofe titulado Siete Días: Resiliencias, y Originarias propuesta de performance y libro colaborativo del colectivo Flotar. 51

Enana Roja, 2018. Jay Vélez. Fotografía: Taller Transversal Mx.

Densidad Crítica Jay Vélez México Me interesa de gran manera el intercambio, la sinergia y todo lo referente al crecimiento en una amalgama de conocimiento y desarrollo. La experimentación y la intuición son parte fundamental de mi labor, y creo que no existe mejor forma de desarrollar y ejercitar estos aspectos que al compartir y, simplemente, hacer. Hacer desde la simplicidad o la complejidad, hacer desde la sutileza de un gesto, de una profunda implosión.

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Cimientos, 2019. Jay Vélez. Fotografía: Taller Transversal Mx.

Enana Roja, 2019. Jay Vélez. Fotografía: Taller Transversal Mx.

Cimientos, 2019. Jay Vélez. Fotografía: Taller Transversal Mx..

I Enana Roja Jay Vélez Herrería y ladrillos. 110 x 110 x 110 cm. 2019

II Cimientos Jay Vélez. Madera y pintura vinil. 40x8x8 cm. c/u. (variable). 2019.

Jay Vélez (Ciudad de México, 1985) Mediante la exploración del objeto escultorico a través del espacio (y viceversa) la labor artística de Jay Vélez se centra en la reflexión sobre la ilusión de unidad y separación, lo finito e infinito, sobre como es que breves instantes/trayectos/pedazos forman parte, inevitablemente, de un complejo sistema en el que coexisten y generan un equilibrio caótico elemental que va y viene desde y hacia todas direcciones. Su obra ha sido mostrada en España, Brasil, Argentina, así como en diversas instituciones y ferias en México tales como, la Sala de Arte Público Siqueiros, el Museo de la Ciudad de Cuernavaca, el XXXVI Encuentro Nacional de Arte Joven, la Academia de San Carlos, el Museo Morelense de Arte Contemporáneo MMAC, así como en Salón ACME, Material Art Fair y Zona MACo. Ha sido acreedor a la beca del Programa de Estimulo a la Creación y Desarrollo Artístico del Estado de Morelos (PECDA-CONACULTA) en 2 ocasiones (2015-2016/ 2018-2019), becario del programa 'Jóvenes Creadores' del FONCA (2016-2017) y nombrado ganador de la edición numero 6 de Salón ACME. También ha formado parte de residencias artisticas en Casa Wabi y Celaya Brothers Gallery. 57

Cartografía del Construcción dehogar un paraíso, 1, 2021.2021. Daniel Fernanda C. Fernández. Uski. Fotografía: Fotografía:Taller TallerTransversal TransversalMx. Mx.

Construcción de un paraíso Fernanda Uski México Estos 7 días me hicieron recordar lo gratificante e intenso que es sumergirte en la investigación para producir una pieza con una intención en mente y a la vez experimentar “otras formas”. El torbellino que es desarrollar una ramificación de ideas, regresar a ellas y tratar de llegar a la entraña de lo que he venido produciendo en los últimos años. No fue un proceso fácil, me cuesta mucho salirme de las técnicas que me resultan familiares, pero la retroalimentación y la bibliografía compartida enriquecieron mi línea de investigación. Aún quedan muchos cabos sueltos y dudas siempre surgen, pero creo que la pieza que elaboré para este taller es un esbozo de los temas que me interesa seguir indagando y cómo puedo relacionarlos con el lenguaje pictórico. Este tipo de esquemas de producción, nos abren un espacio para la reflexión y nos ayudan a darle forma a nuestras construcciones de ideas y emociones. En mi caso, la investigación para la construcción de un paraíso sigue en curso y me entusiasma mucho pensar en las diferentes formas y posibilidades de seguir desenvolviendo este proyecto.

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Cartografía del Construcción dehogar un paraíso, 1, 2021.2021. Daniel Fernanda C. Fernández. Uski. Fotografía: Fotografía:Taller TallerTransversal TransversalMx. Mx.

Construcción de un paraíso, 2021. Fernanda Uski. Fotografía: Cartografía Taller Transversal del hogar Mx. 1, 2021. Daniel C. Fernández. Fotografía: Taller Transversal Mx.

Construcción de un paraíso Fernanda Uski Mixta sobre ensamble de dos bastidores y lámina de plexiglass. 31 x 30 x 25 cm. 2021

Fernanda Uski (Tijuana, 1986) Vive y trabaja en la ciudad de Tijuana. Egresada de la licenciatura de Artes Plásticas, Escuela de Artes, en la Universidad Autónoma de Baja California. En 2013 presentó su primera exposición individual “TELLURIC TRACES” en 206 Arte Contemporáneo, Tijuana B.C. Ha formado parte de diversas exposiciones colectivas incluyendo,“Cuentame una historia”, 206 Arte Contemporáneo, Tijuana B.C, México (2021); “Cinco espacios en el quinto” con la galería KRSTO, MIA Co Growing, Ciudad de México (2019); SALON ACME Estado invitado Baja California curado por Periférica, Ciudad de México (2018); “LA/Landscapes: Real and Imagined”, Studio Channel Islands, Camarillo, CA (2017); TAPETES 20, Colectivo Martes, Centro Cultural Tijuana (2017)); “Natural Systems”, Atheneum Art Center, San Diego, CA (2017); “Alguna vez volveremos a ser la punta en la montaña”, EL Cuarto de Luz, Tijuana, B.C. (2015); “HOGAR” como parte del colectivo Martes , en el Centro Cultural Tijuana (2014); “VOLUMEN 1”, 206 Arte Contemporáneo, Tijuana B.C. (2012); The 3rd Zone: Consistent Inconsistency, Avenue 50, Los Angeles , CA, entre otras. En 2018 fué seleccionada por San Diego State University para formar parte de la colección de arte de dicha universidad con una pieza comisionada. En 2013 obtuvo el primer lugar en el Premio Nacional LA CETTO Arte Contemporáneo, Centro Cultural Tijuana, B.C. Actualmente fué seleccionada para formar parte de la Feria de Arte “FAMA”, San Pedro Garza García, Nuevo León, México (2021).

Cartografía ¿Cómo ensayar del hogar paisajes 1, 2021. inundados?, Daniel C. 2021. Fernández. Javier Acevedo-Mota. Fotografía: TallerFotografía: Transversal Taller Mx.Transversal Mx.

Expedición Arrastre Javier Acevedo-Mota México Durante mi participación en el takeover de Taller Transversal Mx + Espacio Limítrofe tenía planificado ciertas actividades relacionadas a mi proyecto Expedición Arrastre, el cual ficciona una expedición científica en busca de cambios que ha tenido Tezontepec de Aldama, Hidalgo (donde vivo) ante las actividades de la acuacultura, para llevar a cabo durante los 7 días. Sin embargo, no contaba que un mes previo a que me adueñara de la cuenta de Instagram, iba a suceder una de las peores inundaciones en la región de Tula. Como es bien sabido, al río Tula se vierten aguas provenientes del EdoMex y CDMX, residuales, con basura o cadáveres, llega el agua a la presa Endhó y de ahí sale por todo el cauce del río que se expande hasta el corazón del Valle del Mezquital. Ante el incremento del nivel del río, ciertos lugares en los que estaba buscando especies exóticas quedaron inundados, muchas de las zonas donde trabajaba piezas de sitio específico tardaron en reaparecer un mes después de la inundación, pero completamente cambiadas, sin peces, sin plantas, con un nuevo elemento exótico-invasor que persiste en esta zona, basura. Ante este inesperado suceso que me mostraba una perturbación y un escenario de resiliencia a futuro, empecé a poder tejer ideas para desarrollar la pieza del takeover. Con lugares para explorar, material colectado previamente y nuevo por recolectar, reflexioné sobre otras vertientes en mi investigación, dando como resultado: ¿Cómo ensayar paisajes inundados? Esta vertiente conceptual dio como resultado una serie de terrarios compuestos de elementos recuperados del Río Tula tras la inundación y su día a día, ya que su cuerpo de agua se ve alterado constantemente de elementos externos. Creo que en nuestros procesos como artistas a veces los cambios, más allá de arruinar ideas estructuradas y planificadas, abren la posibilidad de crear y retan la resistencia y recuperación de nuestro proceso creativo. Disfruto mucho estar en Instagram, este takeover, a diferencia de otros en los que he estado, fue diferente porque muestra los procesos de cada artista participante. En mi caso recurrí al uso de reels, función que tiene la nueva cualidad en hacer imágenes en movimiento. Aunque su duración máxima es de 60 segundos, se pueden realizar buenos materiales audiovisuales, y me han dado la posibilidad de crear pequeños clips que articulen bitácoras de mi práctica artística y al mismo tiempo darla a conocer. Porque divas virtuales 💕.

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Cartografía ¿Cómo ensayar del hogar paisajes 1, 2021. inundados?, Daniel C. 2021. Fernández. Javier Acevedo-Mota. Fotografía: TallerFotografía: Transversal Taller Mx.Transversal Mx.

¿Cómo ensayar paisajes inundados?, 2021. Javier Acevedo-Mota. CartografíaFotografía: del hogarTaller 1, 2021. Transversal Daniel C. Mx. Fernández. Fotografía: Taller Transversal Mx.

¿Cómo ensayar paisajes inundados? Javier Acevedo-Mota Arena, juguetes, troncos, rocas, basura y exoesqueletos colectados en la ribera del Río Tula, fotografías instantáneas, vidrio, madera y metal. 47 x 55 x 12 cm. 2021

Javier Acevedo-Mota (Hidalgo, 1995) Interesado por las resignificaciones y reconfiguraciones de la biodiversidad a partir de los problemas socioambientales, busca relaciones entre territorio, paisaje, identidad e imaginario social a partir del trabajo interdisciplinario entre arte, biología y complejidad ambiental. Su investigación se ha desarrollado en Tezontepec de Aldama, municipio de donde es originario, reflexionando sobre los cambios que ha tenido el Río Tula ante la contaminación, la extracción ilegal de combustible y la introducción de especies exóticas invasoras. Egresado de la Licenciatura en Biología y actualmente estudiante de Artes Visuales por la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo (UAEH), cuenta con exposiciones individuales y colectivas destacando Crónicas del transcurso de un río en el FINI 2021, Festival Transpiksel 2016, y Exhibición Simbiosis 2015. Ha impartido conferencias en el Centro de Ciencias de la Complejidad C3 (UNAM), festivales y coloquios universitarios (UAEH). Es coautor en artículos de divulgación y actas científicas, acreedor a dos medallas por mérito académico (UAEH) en 2017 y 2018; y beneficiario por Jóvenes Creadores del FONCA 2020 y PECDA Hidalgo 2018. Su obra forma parte del catálogo de Monolito/Arte actual (Mx).

Cartografía del hogar 1, 2021. Daniel C. Fernández. Fotografía: Taller CSC:Transversal mirada sobresaltada, Mx. Laura Marnezti. Fotografía: Taller Transversal Mx.

CSC: mirada sobresaltada Laura Marnezti México La pieza surge a partir de un padecimiento que tengo en el ojo izquierdo llamado Coroidopatía Serosa Central (CSC), la cual tiene lugar cuando se acumula agua debajo de la retina, lo cual puede llegar a distorsionar la visión, no se sabe la causa de esta alteración; sin embargo, un factor puede ser el estrés. Es un padecimiento que se dio repentinamente y se da por lapsos de tiempo variables. El primero fue de seis meses, en el cual experimenté distintos síntomas, uno de ellos fue ver como si tuviera una lupa en el ojo, por lo tanto, las escalas de los objetos se alteraban, todo tipo de luz me molestaba y también se modificaban los tonos de los objetos, era como poner un filtro ámbar a mi ojo. Debido a que el malestar pasa conforme el ojo se estabiliza, no hay un tratamiento específico. Este takeover de siete días fue un tiempo dedicado para procesar la experiencia que he vivido, anteriormente no había encontrado una palabra para nombrar el sentir de mi cuerpo hasta que en la convocatoria observé Resiliencias; un concepto adecuado para reflexionar sobre cómo nuestro ser puede transitar entre distintas emociones y pensamientos. Durante los siete días realicé exploraciones de materiales, piezas exprés, problematizando mi cuerpo y rituales personales, estos últimos porque considero que mi práctica es el lugar donde puedo vaciar la carga emocional que provoca las alteraciones de mi cuerpo. En estás exploraciones encuentro la creación como un laboratorio para hacer alquimia y donde mi ser puede verse atravesado por pensamientos, ideas y preguntas, las cuales no siempre tienen respuesta o tienen una nueva pregunta como conclusión. Siete Días: Resiliencias me motivó a aceptar lo vulnerable como algo inherente a mí, reafirmo que al entrar al espacio de creación el cerebro y cuerpo se estimulan, es mi sitio para llevar mi cotidiano a experiencias extracotidianas, saboreando y observando mis distintos estados de ánimo y pensamiento… Siete días para dialogar con ideas y encontrarme con la resiliencia, adoptarla como una herramienta para recuperar la estabilidad de mi esencia.

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Cartografía CSC: miradadel sobresaltada, hogar 1, 2021. Laura Daniel Marnezti. C. Fernández. Fotografía: Fotografía: Taller Transversal Taller Transversal Mx. Mx.

CSC: mirada sobresaltada, Laura Marnezti. Fotografía: Taller Cartografía Transversal del hogar Mx. 1, 2021. Daniel C. Fernández. Fotografía: Taller Transversal Mx.

CSC: mirada sobresaltada Laura Marnezti Solera soldada con esferas de acrílico. 90 x 50 x 60 cm. 2021

Laura Marnezti (Ciudad de México, 1985) Escenógrafa por la ENAT-INBAL; Maestra en Artes Visuales, con orientación en Escultura, del Posgrado en Artes y Diseño de la UNAM con el proyecto de investigación "Dispositivo proxémico: una tipología sobre escultura habitable a partir de la expansión del vestuario escénico”. Su interés artístico se enfoca en tomar como soporte de obra al vestuario escénico, al cual integra valores escultóricos con el ﬁn de expandir sus capacidades expresivas para que pueda dialogar entre las artes escénicas y visuales. Dicho interés la llevó a realizar una estancia de investigación sobre el paisaje sonoro con el vestuario en el Master de Arte Sonoro en la Universitat de Barcelona; tener una residencia artística en el Centro Cultural Manuel Benito Moliner, España; fue beneﬁciaria del programa Jóvenes Creadores 2017-2018 con el proyecto de vestuario “Habitando el ruido y el silencio”, mismo que fue seleccionado para presentarse en Prague Quadrennial 2019 y en la plaza Václava Havla por parte de la Embajada de México en Republica Checa; la pieza forma parte de la exhibición Critical Costume 2020 Academia Nacional de las Artes de Oslo. Tuvo su primera exposición individual “Esencia humana. El vestuario como metáfora del ser” en el CEART, Ensenada. Difunde su investigación bajo el nombre “El vestuario como pieza artística” a través de conferencias y talleres. 75

Cartografía del hogar 1, 2021. Daniel C. Fernández. Fotografía: Taller Wall Transversal XXIizt, Mx. 2021. Guillermo García Cruz. Fotografía: Taller Transversal Mx.

Artista Invitado Wall XXIizt Guillermo García Cruz Acrílico sobre tela. Díptico a. 90 x 70 cm. / b. 50 x 40 cm. 2021

Guillermo García Cruz (Montevideo, 1988) Es Profesor de Artes Visuales en la Universidad Católica de Montevideo. Su obra ha sido expuesta individualmente en el Espacio de Arte Contemporáneo de Montevideo, e internacionalmente en exposiciones en Lima, Buenos Aires, Miami, Washington DC, Nueva York, Connecticut, Chicago, Madrid, Barcelona, Lisboa y Tianjin. Entre otros artículos y menciones, en 2019 ha sido destacado a nivel global entre los 12 artistas en el foco de la próxima generación, por el sitio iberoamericano Arte Informado. En 2021 su obra ha sido adquirida por la colección permanente de la Northwestern University of Chicago. Actualmente trabaja entre las ciudades de Madrid, NY y Lima, desarrollando un cuerpo de obra interdisciplinario que se compone de pintura, fotografía, acción e instalación, persiguiendo una mirada problematizadora ante el fenómeno de la validación en el sistema actual del arte contemporáneo, y el planteamiento de problemáticas actuales mediante la exploración de las posibilidades de la abstracción geométrica.

Cartografía Wall XXIizt, del 2021. hogar Guillermo 1, 2021.García DanielCruz. C. Fernández. Fotografía:Fotografía: Taller Transversal Taller Transversal Mx. Mx.

Cartografía del met(L/ZTLI), 2021. hogar Háptō. 1, 2021. Fotografía: Daniel Taller C. Fernández. Transversal Fotografía: Mx. Taller Transversal Mx.

met(L/ZTLI) Háptō Brenda Granados Segovia / Ingrid Lisac / Laura Marnezti

Activación Esta pieza performática devino una suerte de ritual sonoro e inmersivo con gotas de Gastronomía en torno a la leyenda de la resiliente diosa mexica Mayahuel. A partir de un diálogo vocal, de la resonancia multi-instrumental a través del ser, y de su relación con el espacio-cuerpo-tiempo desde la memoria, las artistas Brenda Granados Segovia e Ingrid Lisac activaron algunos dispositivos ornamentales de Laura Marnezti, portándolos como un guiño a habitar el vientre de la diosa. Complementariamente, tuvo lugar una degustación de mezcal que exploró narrativamente el valor simbólico y antropológico de la bebida ancestral (atribuido a dicha deidad), compartida por Simón Sánchez de Mezcal Aperlado 48°.

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Cartografía Cuerpos met(L/ZTLI), Nostálgicos, del 2021. hogar Háptō. 2021. 1, 2021. Fotografía: Vanessa Daniel Freitag. Taller C. Fernández. Transversal Fotografía: Fotografía: Mx. Taller Transversal Taller Transversal Mx. Mx.

Cuerpos Nostálgicos, met(L/ZTLI), 2021. Háptō. 2021. Fotografía: Vanessa Freitag. Taller Transversal Fotografía:Mx. Taller Cartografía Transversal del hogar Mx. 1, 2021. Daniel C. Fernández. Fotografía: Taller Transversal Mx.

Cuerpos Nostálgicos, 2021. Vanessa Freitag. Fotografía: Taller Cartografía Transversal del hogar Mx. 1, 2021. met(L/ZTLI), Daniel C.2021. Fernández. Háptō. Fotografía: Fotografía: Taller TallerTransversal Transversal Mx. Mx.

Brenda Granados Segovia (Ciudad de México, 1987) Egresada de la Facultad de Arquitectura de la UNAM (2012), inició la travesía del camino _Sono-Musico/terapéutico en el 2014, formándose como maestra e instructora en cuencos de bronce por parte de la organización The Elephant Bowl International. Ha tomando distintos talleres en cuanto al sonido y voz se refiere, desde una visión científica con el etnomusicólogo neoyorquino Alexandre Tannous (How to facilitate a sound meditation 2016) hasta la visión artística contemporánea con la performer y artista vocal Barbara Lazara (Voz expandida - 2017). Desde el 2018 hasta la fecha ha estudiado musicoterapia con el maestro y músico Erick Yoltisi, fundador de Crystal Bowls Mexico, obteniendo tres certificaciones ante la SEP como Musicoterapeuta en cuencos de bronce, Musicoterapeuta General y Musicoterapeuta en cuencos de cuarzo. Ha presentado piezas en vivo en Casa Lamm, Museo Rufino Tamayo, Ex Teresa Arte Actual y Centro Cultural del México Contemporáneo así como en distintas galerías de arte, espacios públicos y privados en la Ciudad de México principalmente y en los estados de Guanajuato, Morelos y Estado de México. Asimismo ha brindado conferencias y talleres en recintos como la Antigua Academia de San Carlos, durante el XIII Simposio Internacional de Posgrado en Artes y Diseño (UNAM), en la Biblioteca Vasconcelos (CDMX) y en el Seminario de Procesos Creativos 2018 “Espacio e inventiva” IADA-UACJ (Ciudad Juárez, Chih.). En cuanto becas obtenidas, fue co-beneficiaria del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico (PECDA, Secretaría de Cultura - CDMX) en la categoría de interdisciplina con el proyecto “Aquí la memoria se abre al viento - Memorial de esculturas volátiles” durante el período 2017-2018. Asimismo del Programa de Acompañamiento 2020 de Piso 16 Laboratorio de Iniciativas Culturales UNAM. 88

Ingrid Lisac (Ciudad de México, 1984) Musicoterapeuta certiﬁcada por la SEP,, que explora las relaciones sonoras y vocales de la música ritual, fusionando técnicas tradicionales de Mongolia, el Tíbet, Australia y México, entre otras partes del mundo. Sus prácticas indagan en los efectos que los sonidos producen en la mente y la materia. Realiza estudios de cimática con el ﬁn de descifrar los patrones que los distintos instrumentos musicales provocan en el agua. En el ámbito de la salud mental combina recursos de la música con técnicas de respiración y meditación, para fomentar la creación de estados de bienestar. Ha participado en proyectos de sensibilización artística en sedes como el Antiguo Colegio de San Ildefonso y Purísima Arte Contemporáneo, entre otras. Ha colaborado en proyectos comunitarios alrededor de la resiliencia e integración de emociones. Insiste en que el sonido es un espacio habitable, un alimento digerible, y un recurso para reconocer, procesar y transformar nuestras emociones y procesos mentales para un mayor bienestar. 89

Agradecimientos A cada unx de lxs artistas participantes en la exposición, el ciclo de takeover y aplicantes en la convocatoria de Siete Días: Resiliencias. Textos Alfredo Esparza Cárdenas (LCPA - Laboratorio Continuó de Prácticas Artísticas) Joaquín Arteaga (Despacho de Servicios Curatoriales) Julia Pérez Schjetnan (Revista Primera Página) Patrocinio Mónica Méltis (Mezcal Aperlado 48º) Simón Sánchez (Mezcal Aperlado 48º) Adriana Palacios Alexander Fortún Amalia Alvear Bertha Figueroa Muro de Mazón Carlos Lino González Maraver (Revista Primera Página) Cecilia Barreto Dante Arredondo (Casa Báanal) Doly Peón Martínez del Campo Elías Zacarías Esteban Acevedo Galindo Fernanda García Gabriela Mazón Figueroa Galería Zielinsky Iván Mújica Izzel Gil Arciniega Javier Luna José Carlos Grave Peón José Guerrero Cruz Joshua Cordova (Revista Primera Página) Juan y Renata Muciño Laura Herrera Teista Luis Alfonso Grave Tirado Luis Frías Leal Luis Manuel Gutiérrez Alvear Mariel Escamilla Arriaga Marisela Rojas Pacheco Nadia Osornio Natalia Grave Peón Patricia Segovia Beltrán Piso 16 - Laboratorio de Iniciativas Culturales UNAM Renato Muciño Rosa Vela Martinez TACO A.C. - Talleres de Arte Contemporáneo Víctor Esquivel (Casa Báanal)

Sobre el Editor Juan Muciño (Ciudad de México, 1996) Estudió la licenciatura en Artes Visuales (FAD, UNAM), y desde su primer semestre en la carrera fue quedando irremediablemente atrapado en la Fotografía, la Instalación y el Arte Sonoro. Su trayectoria engloba diversas exposiciones colectivas en espacios culturales de todo tipo, incluyendo ser seleccionado para la exposición e impresión de catálogo del Primer Salón Virtual MUNO (2020), la muestra internacional Inmersos (2020) de Pira Espacio, el quinto ciclo expositivo Souvenir (2021) de Mvseo Privado y la exposición Tejiendo la mente (2021) por parte de la Antigua Academia de San Carlos. Cuenta con publicaciones literarias en el segundo número de Revista Híbridos (2020) y fue ganador del Concurso de microliteraturas En la palma de la mano (2020) por parte de Revista Zompantle. Actualmente es integrante de Taller Transversal Mx. Su línea de trabajo se basa en la interdisciplina y los procesos. Entiende sus proyectos como intenciones que requieren medios siempre distintos para llegar a sus últimas consecuencias; a un concepto y materialidad especíﬁcos e individuales. Le interesa hablar de la individualidad en colectivo, de sus implicaciones éticas y psicológicas. Del cotidiano perdido y del gran formato pequeño; de la imagen, su contenido y lo que signiﬁca hoy en día.

Este folio ha sido publicado con motivo de la exposición colectiva Siete Días: Resiliencias l Rastros y Síntomas (del 6 al 27 de noviembre del 2021) en la sede de Espacio Limítrofe: Retorno 102 de Calzada de La Viga, ediﬁcio 50 interior 110, Unidad Modelo. Alcaldía de Iztapalapa en la Ciudad de México. Esta exposición colectiva es una iniciativa de Espacio Limítrofe y Taller Transversal Mx® como cierre del proyecto Siete Días: Resiliencias, llevado a cabo entre julio y noviembre de 2021 en formato transmedia e híbrido. Este proyecto ha sido posible gracias a: La colaboración de

El patrocinio de

Primera Edición / 2021 D.R.© Espacio Limítrofe y Taller Transversal Mx® D.R.© del diseño gráﬁco y editorial. Taller Transversal Mx® D.R.© de los textos, sus autores. D.R.© de las obras de arte, las imágenes, material audiovisual y logotipos; sus autores.

Este folio se terminó durante el mes de diciembre del 2021, teniendo salida digital para su difusión sin ánimo de lucro. En su composición se usaron las fuentes de libre acceso Quattrocento Sans y Quicksand. Esta publicación no puede ser reproducida total o parcialmente por ningún medio o método sin la autorización por escrito del editor, organizadores y los autores. Contacto Espacio Limítrofe elimitrofe.com FB: @espaciolimitrofe l contacto@elimitrofe.com

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Cuerpos Nostálgicos, 2021. Vanessa Freitag. Fotografía: Taller Transversal Mx.