“El arte, tiene la bonita costumbre de echar a perder todas las teorías artísticas.” Marcel Duchamp
Beartvior surge de la fusión de la palabra del inglés “behavior”, traducida como comportamiento y la sustitución de “ha”, por nuestro querido ART. que en definitiva, es lo que trata nuestra revista.
STAFF
@CristinaFz:
directora
Si no ofreces un cielo, no tendrás creyentes #piensaesgratis.
La vida es bella.
coordinadora editorial
@luciagasrciacest:
secretaria direccuón
Isa:
Que una vieja frene en seco en el super y te rompa la rodilla con la cestita.....
@lucia_ny:
Happiness makes me coordinadora beautiful.
editorial
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No sueñes tu vida, vive tu sueño.
Iñaki:
@tanimurujijaja:
Más vale prevenir que curar.
No hay nada que el “Ctrl+Z” no solucione.
maquetadora
becario porno
SUM ARIO
O
ARTE y PUBLICIDAD
8 DISEÑO GRÁFICO
DISEÑO GRÁFICO
curiosidades
tipografía
12 ARTE y MODA
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14 MODA entrevista reyes muelas
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OCIO CULTURAL
OCIO CULTURAL
teatro y arte
titirimundi
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OCIO CULTURAL el cine como arte
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ARTE
& publicidad
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esde prácticamente sus inicios, la publicidad ha estado vinculada al arte, sirviéndose de ésta para lograr su principal objetivo, la persuasión del consumidor,. Y qué mejor manera que hacer uso de mundos ya creados, como los del arte para obtener dicho fin. Son numerosos los ejemplos en los que la publicidad se ha servido no solo de una corriente artística, sino de una obra en concreto para lograr su objetivo comercial de una manera original, con un ejemplo conocido a nivel cultural y social, debido a la cotidianeidad de la imagen, lo cual hace que el anunciante sea afín a un mayor sector de público.
¿Pero es esto un simple recurso publicitario, o tiene un fin estético al igual que el arte?.
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La publicidad y el arte podríamos decir que tienen ciertas semejanzas, pues como hemos citado antes, tanto el arte como la publicidad se sirven de su imaginación para crear mundos imaginarios, paralelos e idílicos con la única diferencia de que en el mundo publicitario se introduce un bien o servicio, que aparece idealizado en dicho universo. Pero al ser la función última y esencial de la publicidad la venta de un producto, provoca diferencias esenciales entre uno y otro lenguaje empleado en estos.
El arte, es un lenguaje que podríamos decir, se trata de un medio en sí mismo, mientras que la publicidad, siguiendo este mismo planteamiento, se trataría de un lenguaje en el que la finalidad no está en la imagen plástica sino en el efecto comercial que esa imagen plástica produce. Dicho esto podríamos decir que la publicidad y el arte caminan por sendas bien distintas. Sin embargo si añadimos el peso de la historia nuestra percepción puede cambiar sustancialmente. Las imágenes publicitarias con el paso de los años pierden su función, dejan
de ser reclamos, en tanto que la oferta que hacen está ya caduca, y se transforman en imágenes cuya función es exclusivamente icónica. De este modo las tenemos al mismo nivel que )as imágenes artísticas y podemos analizarías conjuntamente. Es por ello que cabe preguntarnos si la publicidad es un arte o el arte una modalidad de publicidad. A lo largo de este siglo la publicidad ha ido adquiriendo cada día un mayor pro-
“Tanto el arte como la publicidad, se sirven de su imaginación para crear mundos imaginarios, paralelos e idílicos.”
es el arte y se transforma en un lenguaje, como el cine, en el que la autoría se reparte entre muchas personas. Desaparece la impronta del artista y el acabado final es industrial. En este punto las diferencias entre el arte y la publicidad son muy significativas y a partir de ahora hasta los años ochenta, cuando se produzca un acercamiento, éste será fundamentalmente conceptual.
Actualidad de la Publicidad.
tagonismo, convirtiéndose en uno de los lenguajes con mayor repercusión sobre la sociedad. La producción visual publicitaria es extensísima, y los artistas actuales no escapan a su influencia y ésta se deja sentir en sus obras. Otros artistas huyen de esta influencia y retornan a la tradición pictórica. La publicidad tarda casi medio siglo hasta que adquiere una identidad propia alejada de los modelos artísticos. Con
el auge de la publicidad como negocio, aparecen las agencias de publicidad y con ellas una nueva estrategia de producción. Los estudios sociológicos determinan el perfil del receptor al que hay que dirigirse y la mecanización, el proceso divide la creación en una serie de apartados relacionados entre si pero independientes. Un comercial contacta con el cliente, el director creativo(avalado por estudios sociológicos), concibe la idea, el director de arte la plasma gráficamente y otras personas, fotógrafos, personal de artes gráficas, etc, la desarrollan. La publicidad deja de ser un proceso creativo individual, como lo
En la actualidad hay dos ejemplos significativos de nuevas propuestas publicitarias que buscan en el arte un referente conceptual. Nos estamos refiriendo a las célebres campañas de Absolut Vodka que catapulté comercialmente un producto desconocido por el gran público, y las polémicas campañas de Benetton. Los creativos responsables de la campaña de Absolut, decidieron delegar la interpretación del producto en artistas como Warhol, Haring, Scharf y un largo etcétera. Con ello consiguieron ofrecer una visión del producto totalmente novedosa, fresca y sobre todo muy alejada de las convencionales páginas de publicidad de bebidas. La idea funcionó y para algunos artistas el ser elegidos para la campaña de Absolut añadió prestigio a su carrera. El diseñador español Oscar Mariné adquirió notoriedad internacional gracias a esa campaña. Por último la campaña que más relación tiene con las propuestas artísticas actuales es sin lugar a dudas la de Benetton. Si quitáramos el logotipo «United Colors of Benetton» de sus carteles, éstos podrían estar en cualquier feria interna-
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cional de arte, como obras artísticas. Las fotografías de Toscani, se encuentran dentro de una línea creativa muy cercana a las actuales tendencias artísticas, en las que algunas de sus características son el uso de la fotografía de gran formato y la representación del cuerpo humano. La producción publicitaria de Benetton a lo largo de estos diez últimos años ha sido muy extensa y ha resultado significativo que la compañía italiana haya decidido enfocar toda su estrategia publicitaria a la publicidad en revistas y en vallas, prescindiendo de la televisión. Esta reivindicación de lo estático y bidimensional resulta muy próxima a las artes plásticas.
Conclusiones básicas. Consideramos que la interacción entre el arte y la publicidad crecerá en los próximos años, porque como decía Cioran el público está desapareciendo de los museos y para evitar que su profecía se cumpla sobre el fin del arte, éste tendrá que cambiar los espacios de difusión de sus obras. Por último decir que la publicidad va evolucionando lentamente hacia nuevas propuestas plásticas. Las agencias de publicidad se enfrentan en muchos de los casos a clientes temerosos de que una idea muy arriesgada pueda influir negativamente en las ventas. Sin embargo la franja de mayor consumo se sitúa entre aproximadamente entre los 17-34 años. Un público joven, familiarizado con la imagen, que es capaz de deglutir ingentes cantidades de publicidad y que reclama una amplia diversidad de recursos para seguir sorprendiéndose.
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O Ñ E S DI O C I F GRÁ “El diseño grafico no solo es conocido por su elemento creativo, también lo es por ser un campo de trabajo atractivo y agradable. “
L
as tecnologías y métodos utilizados antiguamente para transmitir la comunicación visual se han ido modificando sucesivamente. Esta actividad, que hoy conocemos como diseño gráfico, abarca muchos aspectos. Sus límites quedan difusos, hasta el punto de confundir el campo de actividades y competencias que debería serle propio, incluyendo, por supuesto, sus lejanas fuentes originales. El desarrollo y evolución de los productos y servicios de las empresas y particulares ha crecido espectacularmente.
Esto las obliga a competir entre sí para ocupar un sitio en el mercado. Es en este instante cuando surge la publicidad y, con ella, la evolución del diseño gráfico como forma de comunicar, atraer y salir victoriosos en la batalla frente a los competidores. El diseño publicitario es un arma importante dentro de las empresas, hay muchas clases de diseño publicitario todos ellos validos elegidos por cada una de las empresas. Este abarca un amplio campo de actuación como pueden ser: carteles
publicitarios, diseño de folletos y flyers publicitarios, publicidad exterior, packaging, logotipo, contenidos visuales en los anuncios, semiología, etc… El diseño grafico no solo es conocido por su elemento creativo, también lo es por ser un campo de trabajo atractivo y agradable. Como en toda actividad, dentro del diseño gráfico existen infinidad de datos curiosos dignos de ser comentados. Algunas anécdotas son escuchadas frecuentemente, mientras que otras siguen siendo desconocidas para muchas
Uno de los ejemplos más importantes que podemos mencionar., para descubrir por nosotros mismos la importancia que tiene el diseño grafico, es esta imagen, en la que sobra la explicación.
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curiosidades 1. Sorprendentemente la primera comunicación visual reconocida apoyada con pictogramas y símbolos se encuentran fechada entre 15.000 – 10.000 ac, en las cuevas de Lascaux en el sur de Francia. 2. Claude Garamond, el legendario editor y diseñador de tipos creador de la fuente Garamond, de la que toma su nombre, murió en la pobreza a los 81 años. 3. Peretz Rosenbaum fue la idea detrás del logotipo de IBM, el antiguo logotipo de UPS, y muchas otras identidades corporativas. Peretz Rosenbaum es sólo el nombre de nacimiento de Paul Rand. 4. El “hombre Michelin” que aparece en el diseño del logotipo de Michelin es el nombre original de “Monsieur Bibendum”. También aparece como el héroe en la película ganadora del Oscar, “Logorama”.
12. El Gran Sello de los Estados Unidos fue diseñado en la década de 1770 por Charles Thomson (ex secretario del Congreso). 13. El tipo de letra “Sans-serif ” tenía varios nombres en el pasado. Algunos de los cuales son Egyptian, Antique, Grotesque, Doric, Heiti, Lineale, y Simplices. 14. John Horsley Callcott diseñó la primera tarjeta de Navidad en 1843. Pero fue Sir Henry Cole el primero al que se le encargo comercialmente la primera tarjeta de Navidad. 15. The Designers Republic (ya desaparecida) fue la encargada de diseñar todo el material gráfico del juego, la cubierta y la guía de “Wipeout” (serie de videojuegos).
5. El famoso cartel de reclutamiento del “Tío Sam” “I Want YOU for the U.S. Army.”, diseñado por James Montgomery Flagg, fue en realidad inspirado por una versión del cartel británico de Alfred Leete. 6. El primer sitio de la internet fue “http:// info.cern.ch/“, iniciado en 1992 por Tim Berners-Lee. Aun se mantiene activo. 7. La tipografía Georgia diseñada por Matthew Carter, fue nombrada después de que leyó un titular sensacionalista que decía “Encuentran cabezas de aliens en Georgia”. 8. Recuerda el famoso logo de la NBA? No es Michael Jordan el que ves en la representación. El jugador se muestra en el diseño del logotipo es Jerry West. 9. La silueta del niño en el logotipo de los estudios de Hollywood SKG Dreamworks es William, el hijo de Robert Hunt (el ilustrador contratado para el diseño). 10. La tipografía Avant Garde fue creada por Herbert Lubin por necesidad, debido a la incompatibilidad de la de letras en el título de la revista Avant Garde. 11. El diseño del logotipo de Coca-Cola no fue creado a partir de un tipo de letra, sino de un estilo de escritura, ahora conocido como Spencerian Script.
Por lo tanto, si queremos destacar en el mercado y competir siempre empresarialmente, el diseño gráfico tiene gran importancia al éxito o fracaso de una empresa, ya que es el primer punto de contacto con clientes y consumidores. El Diseño gráfico se ha convertido en el elemento más importante a la hora de elaborar una estrategia empresarial y campañas para potenciar productos. Siempre se tiene que tener en cuenta varios elementos y por eso es muy importante un estudio de marketing para analizar y llegar a nuestros clientes. Partiendo de realizar y diseñar un logo que es el elemento más importante y a partir de él, se elaboran todas las estrategias de publicidad, catálogos, diseño web, medios de comunicación, etc.
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DISEÑO ICO GRÁF
Tipografía
“El arte de la escritura” Las palabras forman ideas cuando las escuchamos y esas ideas, imágenes.
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oy en día, la tipografía ha evolucionado trasladando el arte a la escritura, creando así la gran variedad de tipografías. Podemos elegir, entre los diferentes tipos, para dar al texto la imagen adecuada en torno a la idea que queremos transmitir. Decíamos que las palabras forman imágenes, y esto es posible cuando la tipografía actual se une al diseño. La tipografía es fundamental en el diseño, un campo más de este mundo que se abre ante tus ojos en tan solo un clic.
Su evolución a través de los años ha sido constante. Han influido en ella numerosos escritores, diseñadores, hasta el propio creador Apple y de Macintosh, Steve Jobs, quien estudió por elección propia una asignatura de tipos de caligrafía en su carrera que le sirvió de gran utilidad cuando diseñó la tipografía de su primer Mac; y como resultado tenemos la amplia gama de tipos de escritura en nuestros ordenadores, además de todos los que se pueden añadir desde internet.
Si te interesa conocer cómo funciona este mundo de la escritura digital, estas perfeccionando alguna tipografía propia o piensas crear un tipo de letra algún día en este artículo te explicamos cómo registrar una tipografía en España. Es muy importante proteger el contenido que tú mismo elaboras y cuelgas en la red para evitar que otro fabricante o distribuidor utilice tu diseño con su nombre. Puedes venderlo o regalarlo directamente; puedes ganar dinero con ello y prestigio como diseñador. Para proteger el diseño en el ámbito europeo, éste puede ser registrado como dibujo industrial gracias a la ley de protección jurídica del diseño industrial en España, pero la protección por este medio está limitada entre 15 o 25 años.
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VOLVEMOS en un click..
MODA Como el arte, la moda responde a una necesidad latente o cuando surge, de un excepcional talento. Anticipa el espíritu de la próxima época.
E
n 1914, cuando a pesar de la guerra las mujeres más refinadas se envolvían en metros y más metros de encajes con el sello de Worth, una desconocida diseñadora de sombreros, Coco Chanel, creó una aseroría de imagen para una nueva mujer, libre de movimientos, con faldas más cortas, sacos inspirados en la ropa marinera, sueters de cuello alto y telas que por entonces se consideraban rústicas: “le stile pauvre gent” sedujo al mundo. Segunda guerra mundial: cuando la línea predominante era austera, casi militar, con grandes hombreras y zapatones con gruesas suelas de corcho, Dior percibe la necesidad de lujo, de refinamiento, y responde con su new look : cinturas muy ceñidas, faldas largas y amplias, mucho raso y terciopelo, zapatos con grandes hebillas de strass. No fue una revolución, pero sí una brillante respuesta. Hoy la moda refleja el desconcierto de toda nuestra cultura. El jean universaliza y despersonaliza en igual medida. Y a falta de una línea que defina la tendencia de la época, los diseñadores mezclan añejas ingenuidades hippies con propuestas étnicas y zapatos de línea 1930 con shorts y camperones de cuero. Como resultado, la gente ya no busca el prestigio personal en un estilo: simplemente va a las tiendas de ropa a comprar marcas. Es posible que algún creador aún desconocido esté ya gestando una síntesis que defina a la época. Entre tanto, los que admiran la pureza de líneas y la audacia del color o del diseño, valoran más los amarillos y los violetas de un sari hindú o la simplicidad de líneas del vestido chino,
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cerrado en el cuello y con un astuto tajo lateral. Bien; después de todo, París y Roma, y aún el nostálgico New York de Woody Allen son ya parte del pasado. Y los imperios emergentes son los más antiguos: India y China.
“
Nuestra revista ha tenido el placer de conocer a esta diseñadora de joyas e informarnos más sobre su trabajo y obra de primera mano.
a y o j a n U al”
n a s e t r A C
omo revista que os acerca la cultura en general intentamos daros a conocer nuevas revelaciones artísticas de la actualidad, en este caso aquí os aproximo la obra de una excepcional artista como es Reyes Muelas cuya labor en los últimos dos años se ha centrado en la creación de joyas únicas y artesanales las cuales se ofrecen a la venta a un precio asequible y económico para el bolsillo de cualquier fhasionista o coleccionista de piezas únicas. Reyes Muelas procede de una familia de artistas por lo que su formación
comienza a temprana edad aunque oficialmente consta de unos estudios de bachillerato artístico en la ciudad de Salamanca (2004-2006), posteriormente se licenció en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid (2006-2011) y actualmente estudia en la Escuela de Arte nº 3 de Madrid, Joyería artística. Dentro de sus numerosas exposiciones destacan la exposición colectiva en la galería de joyería contemporánea Lalabeyou de tres esculturas joya, la colección “Love is the Guts” (2012) y la exposición
de Fin de Carrera en la cual una selección de alumnos mostraron sus proyectos en el Museo del traje de Madrid, en la que participó con la serie “Demasiado té” (2011). En cuanto a sus publicaciones la más relevante es la publicación en la revista Smoda, con la Gargantilla “Marlene”. Pocas artistas jóvenes pueden presumir de que sus creaciones se vean expuestas por celebridades a nivel internacional como lo es la modelo Irina Shayk la cual lució la gargantilla creada por Reyes Muelas.
La diseñadora el día de la inauguración de la exposición en la Galería Lalabeyou.
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“
Sobre todo, intento que la obra sea fiel a lo que yo intento transmitir.�
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Entrevista Beartvior: Sabiendo tu formación académica como artista, actualmente, ¿cómo te presentarías? Reyes Muela: Actualmente un artista abarca muchos campos y gremios por lo que lo que hay ciertos términos que ya no sirven. Yo simplemente considero que intento trabajar con mis manos. Sin que suene muy pretencioso creo objetos que salen del plano escultórico al campo de la joyería para que así la gente los pueda disfrutar, sacarlos de sus vitrinas y lucirlos en la calle, en definitiva sacar el arte a la calle. B: ¿Cómo definirías tus obras? R.M.: Sobre todo intento que la obra sea fiel a lo que yo intento transmitir. Son pequeñas piezas escultóricas, otras simplemente son bellas estéticamente por lo que puedo decir que sigo dos líneas. La parte de las joyas escultóricas tratan de expresar un concepto o idea de sacar las esculturas de las vitrinas como ya he dicho antes. Cada pieza es diferente y única de la otra. Por ejemplo, una vez realicé un colgante que se trata de una sirena realizada con la técnica de la medalla, con su anverso y reverso. Esta iba enmarcada en una caja en la cual nosotros si observábamos de frente veíamos la parte trasera perfectamente detallada y bella de la sirena pero en el reflejo del espejo que poseía en su interior la caja se podía apreciar una imagen fea y deforme. En el espejo se puede observar un collage de lo que en mi opinión es el mundo de las apariencias (políticos, banqueros,...) El concepto que quería transmitir es que las cosas que son bellas, o aparentemente lo son,
o que nos quieren mostrar que lo son esconden cierta maldad. Por ejemplo seguimos comprando en tiendas que trabaja con niños y los explota pero seguimos consumiendo por el simple hecho de que el producto que ofrecen nos atrae. B: ¿Cuál de tus creaciones considerarías tu favorita? R.M.: Se trata de una manta realizada de bolsas de té llamada “Sólo nosotros dos”. He encontrado en el té un medio con el que he trabajado desde acuarelas, piezas escultóricas, amuletos (collares), etc. El té es un medio que aparte de limpiar físicamente el cuerpo encuentro que alivia interiormente, te tranquiliza, te estabiliza, encuentra un equilibrio en la persona por lo que esa es la razón por la cual trabaje con ello. Es tan especial para mi puesto que metafóricamente nos representa a mi pareja y a mi debido a que de la bolsa de té ha salido la esencia que ha recorrido nuestro cuerpo puesto que ese té únicamente lo bebimos él y yo. Uso las bolsas de té contenedoras de ese medio para tratar de airear nuestro interior que se refleja en esas mantas. Me apropio y me refugio en ellas, en ese fruto. Mi manta. Una manta tejida de sentimientos, frustraciones, alegrías y llantos. Partí de la idea de sacar las entrañas y vestirse con ellas. Es un acercamiento a lo profundo y humano, a lo más íntimo, se trata de una introspección por cada taza de té pues verdaderamente invita a la meditación. Otra pieza dentro de mis creaciones favoritas es la denominada “Art is a guarantee of sanity” como una frase de la célebre escultora Louise Bourgueois que quiere decir que “El arte es la garantía de la salud mental”. Esta pieza es un anillo compuesto por pequeños cubos de metacrilato en la que una de las caras es una chapa grabada con una frase de la obra de Louise Bourgueois “Je t’aime”, “Be calm”. Dentro del cubículo de la obra “Be calm” se encuentra una bolsita de té, mientras que en el cubículo de la obra “Je t’aime” se halla una gota de sangre.
B: ¿Te gustaría aprender de la mano de algún diseñador en concreto? R.M.: Hay una galería que se llama “La Basílica” en Barcelona que acoge la obra de artistas relacionados con el mundo de la joyería realizando una obra contemporánea y creo que con cualquiera de ellos podría aprender de su técnica y obra. La basílica “La Galería online Klimt 2” es otro lugar idílico para un aprendizaje en cuanto a obras de arte en general se refiere pues ver las piezas de los artistas que allí exponen ya es una experiencia enriquecedora. B: Por último, ¿cuál de los personajes que componen el sector de la moda tanto textil como de bisutería podría considerarse tu ídolo o referencia a la hora de trabajar? R.M.: Tomo como referentes las empresas pequeñas que poco a poco van subiendo hasta posicionarse y mantenerse. Empresas como Lucuix, Lalabeyou, Circo que con un estilo muy personal y diferente se abren un hueco. Los artistas joyeros como Otto Kunzli, Gijs Bakker, Marjorie Schick, Gerd Rothmann o en la actualidad, Tifanny Parbs, Sebastian Buescher, son algunos de los que más admiro.
Fotografía: Irene Muñoz.
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ocio
L A R U T CUL El Cine como arte L
os pioneros de la industria y la creación cinematográfica jamás pensaron a finales del siglo XIX que lo que ellos hacían podía llegar a ser considerado un arte. La verdad es que la envergadura de lo que se hacía en el mundo del cine muy pronto comenzó a ofrecer obras que, sin ningún tipo de dudas, iban más allá de lo que generalmente se podía considerar como producto de consumo. Es el teórico italiano, Riccioto Canudo, una persona que se mueve en el mundo del periodismo y la literatura, el que reconoce en unos de sus textos de 1911 que el cine debe ser considerado como “Séptimo arte”. Este rasgo amplía notablemente la perspectiva de acercamiento a las películas que se producen en todo el mundo. Ya no se trata sólo de productos para un consumo masivo, sino que el espectador debe asumir que además de pasar un rato agradable y de mero entretenimiento en la sala de cine, también se va a encontrar con otras obras que merecen una contemplación más apasionada que, por su interés y calidad artística, va a derivar, inevitablemente, en una reflexión sobre lo contemplado.
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No se puede decir que la consideración de “Séptimo arte” suponga un aval para todo lo que se exhibe en las pantallas del mundo. Las cualidades artísticas de una obra van emergiendo en cuanto los directores apuestan por trabajos más cuidados desde el punto de vista de la iluminación, la interpretación, el montaje, la dirección o la puesta en escena en general. En su revalorización intervienen todos los apasionados que se reúnen en torno a asociaciones que buscan desde su fundación disfrutar del valor artístico de la película. El valor que tienen las películas alcanza una mayor dimensión cuando
a partir de 1920 en Europa se viven las vanguardias con mayor apasionamiento y se producen algunas de los títulos más emblemáticos del cine expresionista, por mencionar sólo dos caminos. Conforme pasa el tiempo se presenta un mayor reto para los directores, actores y técnicos que intervienen en los filmes, ya que cada día crece el número de personas que gustan del cine, es por eso que la creatividad y la originalidad son ingredientes que no deben fallar para cubrir la exigencia del público, de ahí la gran responsabilidad que tiene el director y escritor para hacer del cine un trabajo majestuoso, que más allá de ser una simple película, se convierta en una verdadera obra de arte. El cine no sólo trata de transmitir una “imagen en movimiento”, también genera un proceso especial que permite la realización de una producción; es decir, no basta tener una “buena” idea, sino más bien poder y saber transmitirla con la finalidad de que el espectador se sienta parte de ella. El espectador no recibe un simple
mensaje o idea, sino que realiza todo un proceso de comprensión, interpretación, asimilación y respuestas o reacciones emocionales e ideológicas: extrae de la obra un sentido propio dado por el carácter subjetivo que le caracteriza, he aquí una de las principales causas que hacen del cine un arte. El cine compendia y se basa en todas las artes. Más que ninguna otra las utiliza, trasvasa y recrea, necesita de ellas, las mejora y las difunde. Sin la literatura y los escritores, sean de novela, cuento, guión o poesía, el cine no tendría argumentos. Sin la fotografía, la pintura, la escultura y la arquitectura, no tendrían soporte estético ni justificación teórica. Sin la música y la danza, la luz o el color no podría expresarse en su plenitud. Sin las ciencias, la física y la química, la tecnología o la informática, el cine no tendría base material en que sustentarse. El cine,
E
l teatro (lugar para contemplar) es la rama del arte escénico relacionada con la actuación, que representa historias frente a una audiencia usando una combinación de discurso, gestos, escenografía, música, sonido y espectáculo. Es también el género literario que comprende las obras concebidas para un escenario, ante un público. El teatro es un arte en el que se pueden fusionar todas las artes. Permite analizar desde nuestra propia experiencia interior, el mundo exterior, a través de nuestros complejos, inquietudes y temores. Es un instrumento para plasmar ideales, un instrumento de lucha para encontrar objetivos. Puede ser un método de aprendizaje, y no de enseñanza, tanto para el que lo realiza como para el espectador. Teatro como lugar de búsquedas, encuentros y desencuentros, Teatro como lugar de creación, Teatro como reflejo de la realidad, sin moralejas, Teatro como compromiso.
además, conduce a la tecnología hacia el arte, reproduce la luz y el color y eleva el movimiento y el ritmo a las alturas de las artes llamadas «nobles», para generar la fantasía, la ficción y la realidad. Además, un gran número de técnicas y artesanías (la peluquería, la electrónica, la iluminación, la sastrería...), alguna disciplina científica (óptica y geometría, por ejemplo) y el resto de las artes, confluyen en buena medida en la realización de una película, a la que debe añadirse el arte dramático, la interpretación de los actores, la imaginación o la fuerza creativa del trabajo en grupo. Todas las disciplinas científicas, técnicas y artísticas, mas todos los esfuerzos profesionales y personales, participan directamente en un día cualquiera de rodaje. Por eso y por todas las connotaciones que conlleva, el cine es considerado un arte en su máximo esplendor.
Teatro y Arte Teatro y vida cotidiana El teatro es un arte que, a diferencia de otras manifestaciones, contiene en sí una paradoja: el actor, en una representación, es al mismo tiempo creador y creación, es artista y obra de arte. De alguna manera, su vida se expone en el escenario, pero de un modo distinto a cómo aparece fuera de él. El teatro y la vida mantienen una relación que se expresa en el cuerpo del actor y descifra su ser dentro y fuera del escenario; pensarla supondría organizar una propuesta sobre un modo de hacer el teatro y de vivir la vida. Explicar aquello de que la vida es un teatro al tiempo de que el teatro es un arte vivo. ¿Cuál es el lenguaje específico del teatro como arte de representación y como hecho de comunicación, y cómo
se relaciona éste ámbito de la vida cotidiana? El teatro, además de un arte, es un hecho de representación que crea signos, es un espacio definido a través de un actor, que tienen existencia y significación por sí mismos dentro de una realidad, y que están referidos a otra realidad. El teatro es arte, es espectáculo, es ritmo, es metamorfosis. Desde sus orígenes busca la empatía con el espectador. Empatía es la cualidad de ponerse en el lugar de otro. Por ello el teatro explora y analiza, ya sea con la tragedia o la comedia, la naturaleza humana y nos muestra su diversidad cultural sirviendo a la integración. Se desarrolla una línea pedagógica para los jóvenes espectadores, cuyo objetivo es educarlos en una de las artes del pensamiento y creación humana. Es también llevarles calidad, calidad en la interpretación, calidad para que vean buen teatro con buenas historias.
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“El arte, cuando es bueno, es siempre entretenimiento.” - Bertolt Brecht -
El valor del teatro. Asistir a una representación teatral es una de las actividades pedagógicas más completas, pues el teatro es una fuente de placer y fantasía, de información y de saber; explora universos de ficción e imaginación para goce y disfrute de un producto altamente comunicativo, que incita a la reflexión y al análisis. Es una herramienta maravillosa de manifestación de la naturaleza del ser humano y su relación con el entorno social y contexto histórico. A la vez, una representación teatral es una experiencia social compartida ya que, como actividad en grupo provoca reacciones compartidas de alegría, de tristeza, de
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excitación y suspense que no constituyen solo a unos buenos momentos sino que favorece el desarrollo social y afectivo. El teatro es un reflejo de la vida humana y su valor educativo radica en la imitación del bien y en representación de las consecuencias del mal. Los símiles le ayudan al hombre a reflexionar sobre sí mismo y sobre lo que lo rodea y a identificarse con lo positivo. Ante la televisión y el cine, más que el aspecto cronológico, la ventaja inminente del teatro estriba en la forma vívida, como se desarrollan los argumentos y en su capacidad envolvente.
Los espectadores se funden con el actor, se convierten en testigos de su personificación y rebasan los límites imaginarios del proscenio cuando los sentimientos y las pasiones se conjugan con lo histórico y lo real.
E
l Festival Internacional de Teatro de Títeres de Segovia Titirimundi llegó en este año 2013 a su 27 edición, después de haberse consolidado como “uno de los más reconocidos festivales de títeres y de mayor prestigio” –tal y como aseguran profesionales de diferentes países y público–. De hecho, puede presumir de que los mejores titiriteros se den cita en él y de que existan pocas ciudades en el mundo que gocen de un festival anual de títeres de tal dimensión en el que la realidad intrínseca a este arte teatral se respire en cada momento, apropiándose de todos los públicos gracias a espectáculos exclusivamente para adultos, para niños o para público familiar y heterogéneo, que puede disfrutar de multiplicidad de montajes. Desde el 10 hasta el 15 de mayo miles de personas disfrutaron en este año de un
Sello indiscutible de calidad y distinción. Titirimundi que se celebró en 6 días, con 309 funciones, 200 de las cuales se representaron en Segovia capital, en cuyas plazas, calles, patios históricos, iglesias y teatros se dieron cita, de forma intensiva, 31 compañías de diferentes países. Segovia es la ciudad de los títeres por excelencia, y tiene cada vez más extensiones por todo el territorio nacional, llegando hasta Navarra, con la que mantiene una estrecha vinculación. Castilla y León y Madrid y su provincia son espacios donde Titirimundi ofreció también su programación durante este periodo. La sierra madrileña y otros pueblos de la comunidad se unieron a la gran fiesta de Titirimundi, en la que este año volvió a participar, además, el Centro Dramático Nacional (CDN), y también el Ayuntamiento de Madrid y el Corral de Alcalá de Henares.
Por su origen, continuidad, rigor en la selección de artistas y notoriedad, Titirimundi 2013 se caracterizó por el eclecticismo de una programación basada en la calidad, en lo más selecto del teatro vanguardista belga y francés y en la gran presencia española, con espectáculos de pequeño formato llenos de curiosidad y originalidad. Único en el mundo en su género que continúa funcionando, su antigüedad, su alto valor artístico y el espíritu de feria ambulante dotan a este Festival de un carácter extraordinario dentro de nuestro patrimonio teatral. Pero, ¿cómo es Titirimundi desde dentro? Para darle un enfoque más subjetivo hemos conseguido una pequeña entrevista de Ana Roitvan Nemirovsyi, una de las organizadoras del Festival.
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“Sin voluntarios no hay festival.”
Ana Roitvan responde: Behavior: ¿Cómo surgió la idea de crear Titirimundi? Ana Roitvan: Julio Michel, el director del festival es, además titiritero, y consideró que sería interesante y bonito generar un encuentro anual de titiriteros con el fin de que cada compañía pudiese compartir con el resto y con el público su trabajo. Esto fue en el año 85, cuando es España no existían este tipo de eventos.
espacios, compañías, voluntarios, entradas,… Por otro, me encargo de las redes sociales. B.: ¿Cómo se organiza un Festival de esta magnitud? A.R.: Necesitaría unos 100 folios para responder a esta pregunta…
B: Cuánto tiempo llevas colaborando con el Festival? A.R.: Desde el año 2001.
B.: ¿Qué papel tiene para ti el voluntariado en este tipo de eventos? A.R.: El voluntariado cumple un papel fundamental, aunque parezca una frase hecha es totalmente literal: sin voluntarios no hay festival.
B: ¿En qué consiste tu trabajo dentro del mismo? A.R.: Por un lado soy la regidora de Interiores y de Patios, esto significa que coordino todo lo que sucede en esos
B.: ¿Va creciendo cada año la participación de voluntarios, compañías, etc. o por el contrario, cada vez es más difícil mantener el Festival? A.R.: Debido a los recortes los últimos
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dos años han resultado especialmente difíciles, aun así, Titirimundi es un evento de tal magnitud y tan arraigado en la cultura de la ciudad que no creo que desaparezca, simplemente nos esperan años un poco bajos. B.: ¿Veis una respuesta positiva tanto de la ciudad de Segovia como de la gente que viene de fuera? A.R.: Totalmente, la ciudad de Segovia se vuelca con el festival, y cada vez es mayor el público que viene de otras ciudades o países. B.: ¿Crees que Titirimundi podría mejorar en algo? A.R.: En mil cosas, como todo, siempre es mejorable. Necesitaría otros 100 folios para esta pregunta también…
EL PROBLEMA DE LAS MENTES CERRADAS, ES QUE SIEMPRE TIENEN LA BOCA ABIERTA.