LA VISIÓN FOTOGRÁFICA EDUARDO MOMEÑE
Raquel Rodríguez Bueno 1ºB Fotografía
DATOS DEL ALUMNO/A: APELLIDOS: RODRÍGUEZ BUENO
NOMBRE: RAQUEL
CURSO: 1ºB FOTOGRAFÍA LIBRO MOMEÑE Añadimos enlaces web a imágenes y datos que complementen. Completamos con alguna imagen relevante referida al párrafo donde aparezca autor/imagen en negrita. NOTA: Entregaréis pdf y Word.
FICHA BIBLIOGRÁFICA: AUTOR: EDUARDO MOMEÑE TÍTULO: LA VISIÓN FOTOGRÁFICA EDICIÓN: AUTOR-EDITOR (editorial), MADRID (ciudad), 2009 (año), 168 págs (nº de páginas).
RESEÑA DEL CAPÍTULO 1. RESUMEN Empieza resumiendo de que se ha hablado en el primer capítulo y partiendo de ese punto, empieza a hablar del Renacimiento, como comienza a mostrar el mundo como lo es, como lo vemos en principio, con el gran hallazgo de la perspectiva como una Revolución visual y compara a los grandes artista de esa época con la fotografía y como la cámara oscura certificaría la visión del Renacimiento. No solo muestra a los fotógrafos que marcaron un antes y un después, sino que muestra también a pintores y escritores. Después de hablar sobre el Renacimiento, empieza con una nueva época, el Pictoralismo, aquí se cuestiona si la fotografía se podría asemejar a la pintura, haciendo una crítica pero también aportando ideas mostrando a grandes fotógrafos, pintores, actores, cineastas y escritores para darnos a la idea de que queremos crear aprendiendo y apoyandonos de estos artistas. 2. TEMA PRINCIPAL (general) Hace una comparación entre la pintura y la fotografía, mostrando a los grandes artistas de las diferentes épocas. 3. IDEAS PRINCIPALES La fotografía es el medio para plasmar las vistas que la naturaleza nos brinda sin necesidad de un dibujante. El Renacimiento mira y muestra el mundo con orden y crea al artista, hace consciente nuestro individualismo, nuestra intención de expresarnos como personas únicas, mostrar el mundo según nuestra visión, como hace la fotografía. Nuestra mirada es intransferible, no es solo como lo vemos sino como lo comprendemos Las mujeres comienzan a tener peso en lo relacionado con la fotografía y la historia. Lo primero que dice un fotógrafo con sus fotos es “yo estuve aquí”, lo que estas viendo en esta fotografía es lo que yo quise ver cuando disparé la cámara. El Renacimiento como la primera gran revolución de la mirada. La fotografia se va convertir en otra manera de mostrar las cosas, empiezan a transmitir emociones. 4.IDEAS SECUNDARIAS El boom de las instantaneas, se habla de como eran las cámaras Brownie de Kodak, y con ello habia nacido la instantánea, el sanpshot. Mismo concepto antes y ahora, la instantaniedad en la toma.
5. VALORACIÓN PERSONAL La lectura se me ha hecho un tanto pesada pero, sin embargo, lo que se dice en estos dos capitulos es bastante interesante y es satisfactorio cuando habla de fotógrafos que ya conoces y entiendes lo que quiere decir, o habla de artistas como Brunelleschi o Velázquez que desde que conocí sus obras los tengo en un pedestal, porque son brutales y a día de hoy me siguen fascinando. La mayoría de autores que se mencionan lo hemos visto en clase y es genial que ya sepas de antemano el tipo de fotografía que hacen y como ha evolucionado la técnica hasta llegar a nuestros días. Me he divertido más con el segundo capitulo que con el tercero (que también es importante) ya que el Renacimiento es uno mis movimientos favoritos junto al Barroco, y porque no había pensado en la comparación que se hace entre la pintura y la fotografía y gracias a esto, me hace pensar que quizás no están tan distanciadas la una de la otra. Finalmente, he conocido a muchísimos autores de los que no había oido hablar nunca y que sus fotografías son fantásticas, como Margaret Bourke-White, Joel Meyerowitz o los autorretratos de Lee Miller.
6. AUTORES DEL TEXTO
1.- Louis Daguerre Louis Daguerre fue el inventor del primer proceso práctico de la fotografía, el daguerrotipo, una fotografía reaizada en una placa de cobre revestida de plata tratada con vapor de yodo. Pasó a la historia por descubrir el Diorama, la cual daba sensación de profundidad a través de imágenes enormes, que se podían mover y que se combinaban con un juego de luces y sonidos. Para que todo pareciese real las pinturas debían ser miy realistas, por eso estaba muy interesado en la aplicación del principio de la cámara oscura al Diorama. Siguió los descubrimientos sobre la fotografía pues utilizaba la cámara oscura para hacer la maqueta de sus composiciones. Firmó un contrato con Niépce para investigar con placas sensibles de placa, cobre y cristal, utilizando vapores para ennegrecer la imagen. En 1835 hico un descubrimiento importante por accidente: puso una placa expuesta a su armario químico y encontró después de unos días, que se había convertido en una imagen latente. Estuvo perfeccionando el daguerrotipo hasta 1835.
http://culturaaudiovisualuno.blogspot.com.es/ http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=louis+daguerre https://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/daguerre.htm http://www.photo-museum.org/es/daguerre-invencion-foto/
2.- Julia Margaret Cameron Julia Margaret Cameron fue una fotógrafa inglesa que se dedicó al retrato fotográfico de corte artístico, así como a la representación escenográfica de alegorías que la enmarcan en la corriente de la fotografía academicista. Llegó a exponer en la Exposición Universal de 1870, y su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Lewis Carroll, gracias a su reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo, así como al apoyo del grupo literario de Bloomsbury y a su sobrina nieta Virginia Woolf. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=julia+margaret+cameron https://oscarenfotos.com/2013/09/21/julia-margaret-cameron-fotografa-visionaria/ https://graffica.info/julia-margaret-cameron/
3.- Nadar Gaspard-Félix Tournachon, más conocido como Nadar fue un fotógrafo, periodista, ilustrador y caricaturista francés que está considerado como el gran fotógrafo del siglo XIX. Nunca se planteó el retrato fotográfico como una actividad con la que ganar dinero, pues mantenía unas ideas estéticas sobre cómo realizar los retratos que le alejaban de los criterios más comerciales, pero que por el contrario lo elevaban al rango artístico. Nadar únicamente se sirvia de la luz (modo de iluminar al modelo) y del gesto (mirada y actitud de los modelos favorecida por la relajación de los los amigos fotografiados), como elementos principales de la fotografía. https://www.xatakafoto.com/fotografos/nadar-uno-de-lo-mas-grandes-fotografos-del-siglo-xix
http://www.revista.escaner.cl/node/2609
4.- Edward Curtis Edward Sheriff Curtis fue un fotógrafo estadounidense que fotografió el oeste e indios americanos. Llamado “Shadow Catcher” por algunas tribus, tomó unas 40.000 fotografías, hoy en día, apenas se conservan 2.500 negativos (la razón de que se conserven tan pocos se debió a su divorcio) y grabó información etnográfica de unas 80 tribus indias, desde esquimales e Inuits del norte hasta los Hopi del sudoeste. Sus fotografías son conocidas en todo el mundo, y algunas han alcanzado el estatus de iconos culturales, sobrepasando la fama de su autor. Los últimos años del siglo XIX y los primeros del XX se especializó en documentar la forma de vida de los indios, así como su lengua, su cultura, su religión, sus mitos, su folklore y en definitiva, toda su particular idiosincrasia. Las fotografías de Curtis, además de tener un indudable valor artístico, son un auténtico tesoro etnológico, sociológico y antropológico. Sus retratos poseen, además de una sensibilidad extraordinaria y una composición exquisita, un enorme valor científico. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=edward+curtis http://hombredetrapo79.blogspot.com.es/2012/07/edward-curtis-el-fotografo-de-los.html
5.- Irving Penn Irving Penn fue un fotógrafo americano famoso por sus fotografías de moda y de retrato. Después de la Segunda Guerra Mundial, Penn adquirió fama por sus elegantes y glamurosos retratos femeninos publicados en Vogue. En sus fotografías, el sujeto solía posar ante un sencillo fondo blanco o gris, usando la simplicidad más efectivamente que otros fotógrafos de la época. Recibió el premio Hasselblad en 1985, y dos años más tarde fue galardonado con el Premio de Cultura de la Asociación Alemana de Fotografía. La carrera de Penn abarcó casi seis décadas y un amplio espectro de trabajos, retratos, fotografías publicitaria y de tribus. El clásico ‘menos es más’ se convirtió en su lema. Revivió la técnica de platino-paladio. El dominio de la luz en estudio y el fuerte contraste del blanco y negro fueron su marca personal.
Irving Penn marcó con su técnica un antes y un después en la fotografía de moda apoyado en un enfoque vanguardista, el uso agresivo del contraste en el blanco y negro, y el tratamiento de los retratados como objetos. La sencillez era su marca y en base a ella Irving Penn sacaba a la luz lo mejor de aquello que retrataba, ya fuera una modelo, un personaje famoso o un objeto. En sus fotografías, el sujeto solía posar ante un sencillo fondo blanco o gris, usando la simplicidad más efectivamente que otros fotógrafos del momento. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=irving+penn http://culturainquieta.com/es/foto/item/12009-los-maravillosos-retratos-de-irving-penn-maestro-delmenos-es-mas.html
6.- Robert Mapplethorpe Robert Mapplethorpe fue un fotógrafo norteamericano, célebre por sus fotografías en blanco y negro de gran formato, especialmente flores y desnudos. La connotación erótica de alguno de sus trabajos generaron más de una polémica durante su carrera. A mediados de la década de 1970, adquirió una cámara Hasselblad de formato medio y comenzó a tomar fotografías de un amplio círculo de amigos y conocidos, incluidos artistas, compositores, y gente de la alta sociedad, así como actores pornográficos y miembros de la comunidad
sadomasoquista underground. En la década de 1980 se refina su estética, realizando fotografías de desnudos de aspecto escultural, tanto de hombres como de mujeres, delicados bodegones de flores, y retratos de artistas y celebridades con un énfasis en la belleza formal clásica. Fue un artista controvertido sobretodo por sus desnudos y la orientación abiertamente homosexual de su erotismo. Hoy su trabajo forma parte de la cultura popular homosexual, son símbolos de la cultura gay y de su lucha por la igualdad y el reconocimiento. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Robert+Mapplethorpe https://graffica.info/robert-mapplethorpe/ https://www.xatakafoto.com/fotografos/robert-mapplethorpe-a-perfeccionist-nueva-oportunidadpara-conocer-la-obra-de-un-fotografo-tan-perfeccionista-como-provocador
7.- Bill Owens Bill Owens es un reportero gráfico, editor y fotógrafo estadounidense conocido mayormente por sus fotografías de escenas domésticas suburbanas tomadas en la ciudad de Livermore, donde vivía en ese momento, publicadas en el libro Suburbia en 1973. Es uno de los pocos fotógrafos que han fotografiado a las personas en los suburbios de forma importante. Otros lo han hecho puntualmente, pero Owens se asocia únicamente con los habitantes de los suburbios que viven en urbanizaciones que absorbieron 60 millones de estadounidenses en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. https://otraformademirar.org/2010/07/28/suburbia/ http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=bill+owens http://www.billowens.com/
8.- Robert Frank Robert Frank es un fotógrafo y cineasta americano, cuyo trabajo más destacado es el libro de fotografía The Americans, publicado en 1958, que está fuertemente influenciado por el periodo de la post-guerra, tiene una visión escéptica y fresca de la sociedad estadounidense vista desde una perspectiva de extranjero. Tomó cerca de 28.000 fotos en 43 estados, 83 marcos de las cuales se convirtieron en el libro The Americans, un auténtico legado sobre la sociedad estadounidense de la postguerra, un trabajo en el que ayudado por otro grande, Walker Evans, padre del fotoperiodismo contemporáneo, y gracias a la financiación de la Fundación John Simon Guggenheim dedicó 1955 a fotografiar aquella sociedad estadounidense de postguerra en todos sus estratos sociales. https://clubdefotografia.net/robert-frank/ https://lamiradadelosfotografos.com/fotografos/robert-frank/ http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=robert+frank
9.- Edward Weston Edward Weston fue un fotógrafo estadounidense considerado uno de los más importantes del siglo XX y cofundador del Grupo f/64. Su obra es una continua búsqueda y esconde un ser inquieto y apasionado con su trabajo. Aunque sus inicios se habían enmarcado en el pictorialismo, coincidiendo con su estancia en México sus ideas se clarificaron y destruyó sus primeras fotografías y se inició en el movimiento purista. Weston era un artista que, como el resto de sus compañeros de generación, buscaba despojar a la fotografía de aquella carga pictorialista con la que parecía haber sido apabullada durante el siglo XIX. Weston se relacionó con otros artistas que lo inspiraron a buscar la autonomía formal de la fotografía y la búsqueda de la belleza en los objetos cotidianos. Este artista coadyuvó de manera importante en la legitimación de la fotografía otorgándole un lugar preponderante en el medio artístico modernista.
Regresó a California a mediados de la década de los 20, donde realizó sus trabajos más representativos. Trabajó sobre el terreno en el desierto de Mojave y se enfrentó al paisaje, abriéndose nuevos caminos creativos. Es en esta etapa cuando en sus trabajos fotográficos comenzó a emplear una gran profundidad de campo y un alto nivel de enfoque en las escenas de paisajes y en sus retratos y de modo especial en los primeros planos de formas naturales poco usuales, que fueron las que le hicieron famoso posteriormente. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Edward+Weston https://oscarenfotos.com/2017/02/06/edward-weston-y-su-pimiento-30/ https://hipertextual.com/archivo/2010/12/fotografo-edward-weston/ http://culturainquieta.com/es/fotografia/item/1221-edward-weston.html
10.- Samuel Bourne Samuel Bourne fue un fotógrafo inglés conocido por sus 7 prolíficos años fotografiando la India con cámara de placas y la técnica del colodión húmedo. Su capacidad de crear excelentes fotografías mientras viajaba por las áreas más remotas del Himalaya lo coloca firmemente entre los fotógrafos de viajes más importantes del siglo XIX. Bourne hizo un recorrido fotográfico por Lake District, y en 1859, expuso sus fotografías en la exposición anual de la Sociedad Fotográfica de Nottingham. Al año siguiente, sus fotografías también se mostraron en Londres, en la Exposición Internacional de 1862. Con estos éxitos, decidió renunciar a su cargo en el banco, y se embarcó para la India para trabajar como fotógrafo profesional. Cuando regresó a Inglaterra en enero de 1871, había hecho aproximadamente 2.200 bellas imágenes del paisaje y la arquitectura de la India y el Himalaya. Trabajando principalmente con una cámara de placa de 10x12”, y con el proceso de colodión húmedo, complicado y laborioso, su impresionante cuerpo de trabajo fue siempre de excelente calidad técnica y, a menudo de brillantez artística. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Samuel+Bourne https://cfrivero.blog/samuel-bourne-y-el-lejano-oriente/ https://mastersofphotography.wordpress.com/2014/04/07/samuel-bourne/
11.- Joel Meyerowitz Joel Meyerowitz es un fotógrafo estadounidense que realiza fotografía de calle, paisaje y retrato y fue uno de los precursores en el uso del color en 1962, cuando no se consideraba serio el uso del color en la fotografía artística. Después de un tiempo de alternar color y blanco y negro, adoptó permanentemente el color en 1972, antes de que éste fuera puesto en valor por la exhibición de un desconocido William Eggleston en 1976. El trabajo de Meyerowitz, visto y publicado en América y Europa, preparó el paso al color de la siguiente generación de fotógrafos. La pérdida de calidad al imprimir a partir de las diapositivas le hizo pasarse a cámaras de 8x10, que le permitieron conseguir textura, luz y color suficientes en su serie de retratos, paisajes y marinas Cape Light, un libro considerado un verdadero clásico de la fotografía en color y que, desde su edición por primera vez en 1979 ha vendido cientos de miles de copias. Fue el único fotógrafo al que se permitió el acceso a la zona zero inmediatamente después del ataque a las torres gemelas de Nueva York. Pero aunque ha tocado el retrato, el paisaje (ya sea o no urbano) y otras disciplinas, Joel Meyerowitz se considera, ante todo, un fotógrafo callejero. Las capturas callejeras no se limitan a documentar lo que sucede; tienen el atractivo de congelar algo más de lo que podría parecer a simple vista. Al verlas tienes la impresión de que no podrían haber sido tomadas ni un segundo antes ni uno después, que responden justamente al momento en que se revela algo exclusivamente reservado a quien esté suficientemente entrenado en la espera y la anticipación. No se trata de encuadrar perfectamente, de dejar el horizonte alineado o de cortar a los caminantes de forma académica, sino de fijar para siempre esos momentos que suceden continuamente pero casi siempre de manera invisible para la mayoría de nosotros. Su uso de la luz y las sombras merece una mención aparte, en algunas de sus imágenes éstas se combinan de una forma magistral. http://rubixephoto.com/2014/05/11/joel-meyerowitz-el-mago-de-la-fotografia-callejera/ http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Joel+Meyerowitz
12.- Stephen Shore Stephen Shore es un fotógrafo estadounidense conocido por sus inexpresivas imágenes, escenas banales y objetos sobre los Estados Unidos. También fue uno de los pioneros en el uso de la fotografía en color. Su carrera profesional comenzó con catorce años cuando presentó sus fotografías a Edward Steichen, por entonces encargado de fotografía del Museum of Modern Art (MoMa) de Nueva York. Éste supo reconocer el talento de Shore y adquirió tres de sus trabajos. Cuando tenía diecisiete años conoció a Andy Warhol y empezó a frecuentar su estudio, la Factoría, para fotografiarle a él y al entorno creativo que le rodeaba. En 1971, con 24 años, Shore fue el segundo fotógrafo en vida que expuso su obra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. en un viaje desde Manhattan a Amarillo, Texas, que despertó su interés por la fotografía en color. Observando las calles y pueblos por los que viajaba tuvo la idea de fotografiarlos en color, primero usando una cámara de 35mm y luego una cámara de 4x5" y finalmente una de 8x10". http://stephenshore.net/photographs.php https://oscarenfotos.com/2013/11/16/stephen-shore-de-la-superficie-a-las-profundidades/ http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=stephen+shore
13.- Luis Baylón Luis Baylón es un fotógrafo español que realiza fotografía de calle, principalmente de Madrid. También tiene series sobre Benarés, Pekín y Valencia. En el 80 consiguió su primer trabajo profesional como retratista en colegios que compaginó más tarde con su faceta de freelance. A finales de los 80 montó un estudio con Quico Rivas y García Alix en Vallecas. Su trabajo es principalmente con película y en blanco y negro, aunque también dispara en color. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=luis+bayl%C3%B3n https://www.relendo.com/es-es/c/fotografia-y-video/entrevistas/entrevista-a-luis-baylon-3
14.- Max Pam Max Pam es un fotógrafo australiano considerado uno de los fotógrafos contemporáneos más importantes de su país. A través de textos y fotografías plasma su compromiso con las culturas que ha conocido en sus viajes. http://www.traveler.es/experiencias/articulos/max-pam-fotografo-viaje-asia/9968 http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=max+pam
15.- Man Ray Man Ray, fue un artista estadounidense impulsor de los movimientos dadaísta y surrealista en Estados Unidos. En 1918 trabajó con aerógrafos sobre papel fotográfico. En 1920, con K. Dreier y Duchamp, fundó la Société Anonyme, una compañía desde la cual gestionaban todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.). Sus primeras obras experimentales son las Rayografías de 1921, imágenes fotográficas sacadas sin cámara (imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hizo también retratos, de hecho se convirtió en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura. Cuando el surrealismo se separó del dadaísmo en 1924, Ray es uno de sus fundadores y está incluido en la primera exposición surrealista en la galería Pierre de París en 1925. Con él se descubre que no hace falta una cámara como herramienta para crear fotografías, y segundo porque gracias a la psicología del retrato y a las connotaciones más allá de la imagen que nos regaló el surrealismo, apreciamos que detrás de una estampa debe existir algo más que un encuadre bonito. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=man+ray https://www.xatakafoto.com/fotografos/man-ray-el-surrealista-que-convirtio-la-fotografia-en-arte
http://culturainquieta.com/es/foto/item/219-man-ray-maestro-de-la-fotografia-experimental.html
16.- Helmut Newton Helmut Newton (En 1945 Helmut Neustädter pasa a llamarse como lo conocemos hoy en día: Helmut Newton) fue uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX. Creó un nuevo estilo en sus fotografías, que están repletas de glamour, de seducción y de elegancia, predominando los desnudos femeninos y los tacones de aguja. Son famosas sus fotos de bellas mujeres en ambientes lujosos. Ha sido siempre un enamorado de la belleza, que casi obsesivamente, sabía captar como nadie con su cámara. a 1946, fecha en la que Newton establece su propio estudio en Melbourne. A partir de aquí comienza a ganar relevancia y al poco da el salto a Vogue Australia donde logra tener un mínimo reconocimiento. Su primer trabajo lo logra en 1956 con el suplemento de British Vogue edición australiana. Pese a que la oportunidad de firmar un contrato con dicha cabecera de Vogue y volar para Londres con un contrato de 12 meses era un sueño, al mes ya está en París donde sigue trabajando con revistas francesas y alemanas. Antes de asentarse en París en 1961 pasa dos años en Melbourne, colaborando de nuevo con la cabecera australiana de Vogue. En la capital gala encontrará el estilo que le hará único: encontrará el sexo. Y si es posible con un toque de perversión que luego aumentaría. La técnica de Helmut Newton era muy depurada. Elegante, en blanco y negro por lo general, con ningún retoque, apuesta por la luz natural y gusto por retratar al personaje. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=helmut+newton https://www.trendencias.com/fotografos-de-moda/los-mejores-fotografos-de-moda-helmut-newtonla-naturalidad-del-sexo https://culturafotografica.es/helmut-newton-siglo-xx/
17.- Shelby Lee Adams Shelby Lee Adams es un fotógrafo estadounidense conocido principalmente por sus fotografías de la gente de los Apalaches profundos. Con 18 años salió para estudiar bellas artes y fotografía a Cleveland, aunque pasaba los largos veranos en el campo. Rodeado de artistas, el choque cultural fue muy fuerte y, avergonzándose de sus orígenes decía que era de Cincinnati. Desde 1974, y casi ininterrumpidamente, fotografía una de las regiones más atrasadas de Estados Unidos, en los confines de Kentucky, Tennessee y Virginia. Es conocido allí como picture man (el hombre de las fotos), pero para llegar a ser aceptado ha debido salvar barreras sociales muy difíciles de franquear. hoy en día sigue trabajando con cámaras de gran formato 4×5 en la zona de los Apalaches, en el estado de Kentucky, en los Estados Unidos. Es una zona pobre de la América profunda que parece vivir como si el mundo no hubiera avanzado. Tienen problemas muy serios de endogamia, lo que da lugar a problemas de salud muy graves. Y esto, aunque parezca increíble, es lo que une a nuestro fotógrafo con esta comunidad, pues su tío fue el médico de la zona, por lo que es una persona respetada y querida por todos. http://www.ferfoto.es/ferfotoblog/naturaleza/entender-a-los-maestros-shelby-lee-adams/ http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Shelby+Lee+Adams http://www.fronterad.com/?q=shelby-lee-adams-en-apalaches
18.- Sebastião Salgado Sebastião Salgado es un fotógrafo brasileño mundialmente conocido por sus fotografías en blanco y negro de trabajadores y desplazados. Sus fotografías más conocidas podrían ser las realizadas en las minas de oro de Serra Pelada en Brasil. Suele fotografiar en blanco y negro con Leica. Salgado inició su carrera como fotógrafo profesional en París a la edad de 29 años, primero con la agencia fotográfica Sygma y más tarde, en 1979, con Magnum Photos, que abandonaría en 1994 tras crear, con Lélia Wanick, Amazonas Images, una agencia que se ocupa exclusivamente de su trabajo. Uno de los ingredientes que dotan a las fotografías, siempre en blanco y negro, del brasileño con el esplendor que las caracteriza es la dilación con la que opera. Salgado no es un fotógrafo de “pisa y corre” que hace imágenes desde un helicóptero y pasa a la próxima locación. Labora con sosiego. Sus series suelen tomarle unos siete años de producción en decenas de países. El sobresalto inicial de los estadounidenses ante sus imágenes se contrastó con la respuesta europea mucho más favorable y en 1986 publicó su primer libro Otras Américas. Entre 1986 y 1992 realizó una de sus obras más importantes, Trabajadores, que lo colocó entre los fotógrafos documentalistas de primer orden. https://oscarenfotos.com/2013/02/23/sebastiao-salgado/ http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Sebasti%C3%A3o+Salgado https://culturafotografica.es/sebastiao-salgado-fotografo-documental/
19.- Lewis Hine Lewis Wickes Hine fue un fotógrafo estadounidense conocido principalmente por sus imágenes de los inmigrantes que llegaban a la Isla de Ellis, Nueva York y por documentos fotográficos que reflejaban las condiciones laborales en los Estados Unidos de la época. Con una sencilla cámara de fuelle de 13 x 18 cm, montada en un trípode inestable y un flash de magnesio, Hine emprende un año de expediciones fotográficas a Ellis Island (Nueva York), con el fin de hacer retratos de inmigrantes recién llegados que sirvieran de inspiración a sus alumnos. Entre 1904 y 1909, Hine hizo unas 200 placas (fotografías), y se dio cuenta que su vocación era el fotoperiodismo. Un día decidió dejar su trabajo como profesor para dedicarse a la fotografía, medio que hizo servir para sacar a la luz y denunciar sus preocupaciones en una sociedad que mantenía unas duras condiciones laborales (y de vida) para muchos. Hine no se quedó simplemente en la belleza de sus fotografías, si no que con ellas, y conociendo el valor persuasivo de la fotografía, presionaba a las
autoridades para mejorar las condiciones laborales de los trabajadores e inmigrantes y para mejorar leyes relacionadas con los trabajos de menores y la seguridad en el trabajo. De Hine se conocen sobre todo las imágenes en las que recoge las duras condiciones de trabajo de su tiempo y las ya mencionadas de los inmigrantes llegando a la Isla de Ellis. Si bien es cierto que las imágenes de este autor son estéticamente incuestionables, lo innegable es que supo plasmar en sus fotografías la indefensión, el riesgo, las penurias, la injusticia y lo inmoral de ciertas condiciones no sólo laborales sino vitales. Hine demostró que no es lo mismo decir en un periódico que los niños trabajaban en condiciones deplorables que mostrarlo con una fotografía. Esta última movía a la opinión pública por encima de las posibilidades de cualquier texto en aquella época. https://rebecapardo.wordpress.com/2014/05/02/lewis-hine-el-padre-de-la-fotografia-social/ http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Lewis+Hine https://fotografodigital.com/exposiciones/lewis-hine-en-el-inicio-de-la-fotografia-comprometida/
20.- Josef Koudelka Josef Koudelka es un fotógrafo checo, nacionalizado francés, considerado uno de los grandes en la fotografía en blanco y negro, socio de la agencia Magnum y conocido por sus fotografías documentando la vida de los gitanos. Durante los años sesenta compagina su trabajo de ingeniero en Praga y Bratislava con la fotografía, que cada vez le ocupa más tiempo, siendo los gitanos su principal sujeto fotográfico. En 1967 decide abandonar su trabajo como ingeniero para dedicarse exclusivamente a la fotografía. Mostró en aquellos años 60, que la comunidad gitana Europea eran claramente marginados, apartados y silenciados. Un pueblo desconocido en sus costumbres, al margen del folclore. Hasta tal punto fue su integración que aquellas comunidades con las que tenía trato, poco a poco comenzaron a invitarle a momentos más íntimos, más cercanos que así quedaron documentados con su cámara. Unas composiciones que en algún momento tienen algo de teatrales gracias a la pasada experiencia de Koudelka en el teatro de Praga.
En 1970 abandona Checoslovaquia con un visado de tres meses para continuar fotografiando gitanos, en esta ocasión, en el oeste de Europa. En 1971, se une a la cooperativa Magnum Photos y conoce a Henri Cartier Bresson y al editor y fotógrafo Robert Delpire, con el que reconoce que aprendió de fotografía más que nunca en su vida. En 1975, llevó a cabo la publicación de sus primeros libros sobre el pueblo gitano y, algo más en 1988, sobre los exiliados. desde 1986, ha trabajado con una cámara panorámica y publicado una recopilación de estas fotografías en su libro Caos en 1999. Ha ganado importantes premios como el Premio Nadar (1978), Premio Nacional de la Fotografía en EE.UU (1989), un Premio Cartier-Bresson (1991) o el Premio de la fundación Hasselblad Internacional de Fotografía (1992), entre otros muchos. http://pro.magnumphotos.com/C.aspx?VP3=CMS3&VF=MAGO31_10_VForm&ERID=24KL535C7T https://www.xatakafoto.com/fotografos/josef-koudelka-el-fotografo-que-nunca-acepto-un-encargo http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Josef+Koudelka http://www.oldskull.net/fotografia/10-fotografias-imprescindibles-de-josef-koudelka/
21.- Edward Steichen Edward Steichen fue un fotógrafo luxemburgués, nacionalizado americano, que es considerado el Iniciador de la fotografía de vanguardia y de la fotografía publicitaria, sentando las bases de la fotografía moderna. Buscó la interpretación emotiva e impresionista en sus temas y luchó para que la fotografía fuese reconocida como una manifestación formal de arte. También realizó heliogramas con papel japonés, difuminaba los contornos y manipulaba las fotografías para conseguir efectos artísticos. También fue precursor de la fotografía en color. Tomó su primera foto en 1895 y posteriormente fue miembro del Photo-Secession y uno de los mayores representantes del Pictorialismo. Durante la primera guerra mundial fue fotógrafo en el ejército americano. En 1923 trabajó para las revistas de moda Vanity Fair y Vogue. Entre los famosos que retrató para la primera, se encuentran Greta Garbo y Charles Chaplin. Se le considera el creador de la fotografía del glamour. La carrera fotográfica de Steichen, de quien se ha dicho que es "el mejor fotógrafo de todos los tiempos", puede dividirse en tres etapas diferenciadas: el periodo pictorialista hasta la Primera Guerra Mundial, con sus desnudos, retratos y paisajes profundamente simbólicos y atmosféricos; el periodo moderno de entreguerras, caracterizado por una imaginería de la era industrial, de gran fuerza, claridad y precisión; y el periodo expositivo tras la Segunda Guerra Mundial, durante el cual produce monumentales exposiciones. Edward Steichen fue un artista impecable en todos los géneros y estilos de fotografía que cultivó. http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/edward-steichen-epopeya-fotografica https://oscarenfotos.com/2012/06/06/galeria-edward-steichen/ http://www.elcultural.com/revista/arte/Impecable-Edward-Steichen/2630
http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Edward+Steichen
22.- Francesca Woodman Francesca Woodman fue una fotógrafa americana que vivió una buena parte de su vida artística en Italia, cuya obra se caracterizó por sus fotografías en blanco y negro, en formato cuadrado, dando prioridad a la iluminación para, a través de ella, conseguir centrar la atención sobre un sujeto principal (normalmente ella desnuda) en la escena. Su interés por la fotografía surgió a una edad muy temprana. Con solo 13 años empezó con sus primeros trabajos, adoptando ya su estilo característico. Sus padres eran artistas plásticos (fotógrafo y ceramista) y ejercieron sobre ella sus primeras influencias hacia el arte, de tal forma que, desde pequeña, lo conceptualizó no sólo como un modo de vivir, sino más bien como un modo de pensar. Woodman creó un corpus fotográfico donde exploró la corporeidad, el ser, la feminidad, la evanescencia, la relación con el espacio físico a través de tintes performáticos, ecos de simbolismo, notas surrealistas así como referencias a la literatura gótica. Sin embargo, Francesca no era famosa: Todo lo contrario. Al graduarse de la escuela de diseño solamente encontró negativas e incomprensiones. Envió portafolios a algunos fotógrafos de moda, pero sus esfuerzos no se vieron recompensados. Debido a su fracaso y a una rotura sentimental, Woodman entró en una depresión y se suicidó saltando por una ventana del Lower East Side de Manhattan. Francesca Woodman se ha convertido en uno de los más comentados, estudiados e influyentes fotógrafos de finales del siglo XX. En la obra de Woodman se percibe una clara influencia de la pintura barroca,practicó el arte moderno y contemporáneo post-minimalista en sus inquietantes y sensuales imágenes. Tanto en su trabajo con los modelos como en sus, a veces inquietantes, autorretratos, desafió totalmente las certezas de la fotografía. https://oscarenfotos.com/2016/04/02/francesca-woodman-la-evanescente-informe-especial/ http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Francesca+Woodman http://culturainquieta.com/es/fotografia/item/1808-francesca-woodman.html
23.- Jacob Riis Jacob August Riis fue un fotoperiodista danés-estadounidense célebre porque utilizó su talento como fotógrafo y periodista para ayudar a los menos afortunados en la ciudad de Nueva York quienes fueron los principales sujetos de sus obras. Contribuyó con un modelo de vivienda subsidiada en la ciudad con la ayuda del filántropo Lawrence Veiller. Fue además uno de los primeros fotógrafos en utilizar el flash y por ello considerado uno de los pioneros de la fotografía. Fue el primer periodista estadounidense en utilizar el flash, lo que le permitió hacer tomas fotográficas nocturnas y elaborar sus célebres documentales sociales como aquel de la Calle Mulberry, tenida entonces como centro del crimen en la ciudad. El descubrimiento de la piedra filosofal de la fotografía como medio de denuncia de las condiciones laborales y de vida que llevaban muchos inmigrantes europeos que llegaban a América en busca de un presente mejor, repercutió en las clases sociales dominantes y les hizo tomar conciencia que ese otro mundo también existía y que no era suficiente girar la cara para mirar hacia otro lado. En 1890 creó su obra más meritoria, "Cómo vive la otra mitad". Dicho documental convenció al comisionado de la policía, Theodore Roosevelt, de cerrar las residencias para pobres controladas por la policía en las cuales Riis sufrió sus primeros años en Estados Unidos. https://miquelpellicer.com/2014/10/jacob-riis-el-fotoperiodista-que-cambio-calles-nueva-york/ http://www.fotonostra.com/biografias/jacobriis.htm http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Jacob+Riis
24.- Lee Friedlander
Lee Friedlander es un fotógrafo americano que publicó una amplia obra de investigación sobre el paisaje urbano y natural estadounidense. En 1956, se trasladó a Nueva York donde fotografió a músicos del jazz para las portadas de discos. Su trabajo fue influenciado por Eugène Atget, Robert Frank y Walker Evans. Algunas de sus fotografías más famosas aparecieron en Playboy de septiembre de 1985, fotografías en blanco y negro de desnudos de Madonna de los años 70. Trabajó inicialmente con cámaras Leica de 35mm y película en blanco y negro, con un estilo que podríamos definir como "paisaje social", con una mezcla de imágenes sueltas de vida urbana, reflejos de escaparates, estructuras enmarcadas por vallas, carteles y señales de tráfico. Allá por los años 60, en concreto en 1967, tuvo lugar una exposición fotográfica en el MoMa que es clave en la historia: ‘New Documents’. En ella participaron tres figuras clave para la fotografía de la época: Garry Winograd, Diane Arbus y Lee Friedlander. Fueron la punta de lanza de una nueva fotografía documental y, en concreto Friedlander, se distinguió con un estilo propio, diferente al habitual lenguaje fotográfico y que sería clave para siguiente generaciones de fotógrafos. Friedlander estaba muy interesado en fotografiar el paisaje. Un paisaje social que mostraba los cambios de la sociedad, de cómo eran los Estados Unidos, pero básicamente dejándose llevar allá por donde iba y viajaba. Así encontramos multitud de elementos urbanos, de interior y exterior en su fotografía. Fue su principal rasgo: sujetos banales, letreros y señales viales,… acumulando elementos en un aparente caos con su arriesgada forma de composición. Sus fotos generan extrañeza, e incluso incomodidad. No era algo casual, era el estilo que Friedlander había forjado y que suponía una innovación a la hora de documentar. Además de en la forma, también innovó en el fondo: no buscaba una historia concreta, se dejaba llevar por su instinto. Fotografiaba a modo de diario visual, lo que le llamaba la atención, incluso objetos tan banales y comunes (como empezaron a ser en los sesenta) como los televisores. https://www.xatakafoto.com/fotografos/lee-friedlander-el-mas-influyente-fotografo-del-paisajesocial http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Lee+Friedlander https://oscarenfotos.com/2015/01/03/lee-friedlander-y-su-paisaje-social/
25.- Henry Peach Robinson Henry Peach Robinson fue un fotógrafo pictorialista inglés conocido principalmente por la utilización de múltiples negativos o impresiones para formar una sola imagen. Fue uno de los fotógrafos artísticos y comerciales de mayor éxito en el siglo XIX en Gran Bretaña.
http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Henry+Peach+Robinson
26.- Oscar Rejlander Oscar Gustav Rejlander fue un fotógrafo sueco afincado en Inglaterra que es considerado uno de los pioneros de la fotografía artística en la época victoriana. Abandonó su profesión inicial de pintor y retratista de miniaturas, tras comprobar cómo la fotografía, recientemente inventada (1839), conseguía los logros que a él se le negaban, al ver el pliegue de una manga de chaqueta en un retrato fotográfico. Rejlander se especializó en escenas de género de la vida doméstica, con sus amigos y vecinos como modelos. Creyendo que la fotografía haría a los pintores dibujantes más cuidadosos, se ganó una vida modesta haciendo estudios fotográficos para artistas. Su obra fotográfica, realizada en estudio con el empleo de mucho atrezzo, se centra en temas como la alegoría, el mito y la historia. Para la obtención de la obra final realizaba bocetos previos y luego retocaba los negativos (montándolos, coloreándolos, etc.), imprimiéndolos en una sola hoja de papel, que volvía a fotografiar para crear una imagen completa y perfecta, con tal maestría que no se notaba el retoque. Se dedicó al retrato fotográfico y a la fotografía de desnudo. Acometió diversos experimentos para mejorar sus fotografías, incluyendo un procedimiento de impresión fotográfica del cual parece ser su inventor. Trasladó su estudio a Londres en 1862 donde más tarde experimentaría con la doble exposición, el fotomontaje, la manipulación y el retoque fotográfico. Llegó a ser un experto en técnica fotográfica, convirtiéndose en maestro de otros fotógrafos y realizando diversas publicaciones, lo que le valió ser considerado como uno de los padres de la fotografía artística. http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/10/biografia-oscar-gustav-rejlander.html https://oscarenfotos.com/2012/09/15/infografico-oscar-gustav-rejlander-padre-de-la-fotografiaartistica/ http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Oscar+Rejlander
27.- Robert Demachy Robert Demachy fue un fotógrafo francés que destacó en el estilo pictorialista, siendo muy conocido por las manipulaciones de sus obras proporcionándoles un acabado similar a las pinturas. A mitad de la década de 1870 descubrió la fotografía y se apasionó por ella. Desde ese momento dedicó su tiempo a la misma, realizando continuamente tomas fotográficas y se dedicándose a escribir sobre fotografía. Aunque nunca trabajó como profesional la fotografía fue la actividad a la que dedicaba un mayor tiempo. Fue de los primeros en emplear el procedimiento de la goma bicromatada introducido por A. Rouillé-Ladevèze en el Salón de París. Desarrolló un estilo que se basaba en una gran manipulación de la imagen, tanto durante la toma, como en los procesos de revelado del negativo y de nuevo durante la impresión. Estas ideas que él mismo había experimentado las desarrolló en escritos teóricos y prácticos señalando sus conclusiones acerca de la estética y de la goma bicromatada, ayudando a divulgarlas entre los fotógrafos franceses. Entre otras ideas defendió el retoque de la fotografía con el fin de convertirlo en una copia única. Durante la primera década del siglo XX siguió escribiendo sobre fotografía, y pronto se convirtió en uno de los escritores más prolíficos sobre el tema, incluso sigue siéndolo en la actualidad. Durante su vida escribió más de mil artículos sobre estética y técnicas de manipulado de las copias. Sobre 1906 abandonó la técnica de la goma bicromatada a favor de la impresión al óleo y escribió un libro con Constant Puyo titulado Procédés d’art en photographie (procesos artísticos en fotografía) que ejercería gran influencia en el pictorialismo. En 1911 perfeccionó el proceso del bromóleo. Lo que le permitió llegar a ser incluso más audaz en su estilo visual y en su obra atrayendo pronto a un amplio público internacional. A principios de 1914, sin explicación, Demachy dejó de hacer fotografías y nunca más tocó una cámara. Poco antes de su muerte destruyó sus bocetos y las fotografías que le quedaban de sus anteriores exposiciones. http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/11/robert-demachy.html http://purakastiga.blogspot.com.es/2015/09/robert-demachy-fotografia-pictorialista.html https://oscarenfotos.com/2012/07/06/galeria-robert-demachy/ http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Robert+Demachy
28.- Bernard Plossu Bernard Plossu es un fotógrafo francés del que la parte más importante de su trabajo está constituida por reportajes de viajes. Es el fotógrafo viajero por excelencia. Su espíritu nómada le ha llevado desde hace décadas a deambular por el planeta con el espíritu abierto y el ojo presto. En 1958 (a los 13 años) empezó con la fotografía. En 1965, se marchó a México en compañía de una expedición inglesa para fotografiar la jungla de Chiapas. Realizó numerosos reportajes en color en tierras de los indios mayas, en California; recorrió todo el oeste americano, Nevada y el Medio Oeste. En 1970 realiza un trabajo sobre la India, ideando las secuencias "subanalistas": Sigue viajando continuamente, realizando numerosos reportajes en color y, en 1975, no hace más que fotografías en blanco y negro tomadas con una focal de 50 mm. para quedarse al margen de la fotografía comercial. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Bernard+Plossu
29.- José Ortiz Echagüe
José Ortiz Echagüe fue un ingeniero militar, piloto y fotógrafo español de gran vitalidad y profundo sentido del humor cuya obra mostraba belleza y majestuosidad, delicadeza y sensibilidad en sus composiciones y respecto y afecto por los tipos tradicionales que retrataba. Enfocó su obra fotográfica hacia la plasmación de los caracteres más definitorios de un pueblo: sus costumbres y atuendos tradicionales y sus lugares. Cumpliendo destino en el norte de África, trabajó en 1909 como responsable del servicio de fotografía aérea, lo que le permitió practicar sus dos grandes pasiones, la toma de instantáneas y los ingenios aeronáuticos. Para entonces ya era un fotógrafo de reconocido prestigio que había conseguido retratar a Alfonso XIII y realizar la famosa fotografía Sermón en la aldea (1903) con medio minuto de exposición, en la que aparecía todo un pueblo. En el campo de la fotografía artística es quizá el fotógrafo español más popular y uno de los más reconocidos internacionalmente. Algunos críticos lo consideran el mejor fotógrafo español hasta el momento, lo cual es más meritorio porque la fotografía fue para él una afición a la que dedicaba ratos libres, especialmente los fines de semana y durante sus viajes. Desde el punto de vista artístico y por su formación y temática se le podría considerar el representante de la generación del 98 en la fotografía. Su obra fotográfica se enfoca hacia la plasmación de los caracteres más definitorios de un pueblo: sus costumbres y atuendos tradicionales y sus lugares. Consigue expresar con sus fotografías una expresión personal más cercana a la pintura, casi siempre mediante efectos durante el positivado. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Jos%C3%A9+Ortiz+de+Echag%C3%BCe https://oscarenfotos.com/2016/06/05/galeria-jose-ortiz-echague/
30.- George Rodger George Rodger fue un fotoperiodista inglés fue uno de los fundadores de la agencia Magnum y después de sus fotografías de la II Guerra Mundial documentó diversas culturas africanas. Su meta era fotografiar a personas comunes en situaciones extraordinarias con una dosis de humor. Fue África el lugar que más le apasionó y al que regresó más de 15 veces para hacer reportajes sobre diferentes tribus. Durante la Segunda Guerra Mundial, fue el único fotógrafo independiente británico que pudo tomar fotografías de la liberación de los campos de concentración, realizando una dura crónica de guerra. Rodger fue el primer fotógrafo en entrar en el campo de concentración de Bergen-Belsen en 1945.
Sus fotografías de los supervivientes y de las pilas de cuerpos muertos fueron publicadas en Life y en Time sirvieron para mostrar la realidad de los campos de concentración, los campos de la muerte. A partir de ese año y dado el éxito de sus reportajes, Life lo envió como corresponsal a África durante dos semanas que se convirtieron en dos años. De esta manera pudo aprovechar su vasta experiencia como sobreviviente de la gran depresión y comenzó a realizar sus mejores trabajos. Poco a poco fue conociendo a varios de los grandes fotorreporteros de la época. En 1947, fundó junto a Robert Capa, David Seymour y Henri Cartier Bresson la agencia Magnum, trabajando durante más de 30 años como freelance, haciendo expediciones y fotografiando gente y paisajes de África. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=George+Rodger http://pro.magnumphotos.com/C.aspx? VP3=CMS3&VF=MAGO31_10_VForm&ERID=24KL53ZWR0 https://maestrosdelafotografia.wordpress.com/2014/03/22/biografia-george-rodger/ https://www.xatakafoto.com/fotografos/george-rodger-las-imagenes-mas-crudas-de-la-historia-poruno-de-los-fundadores-de-magnum
31.- Ralph Gibson Ralph Gibson es un fotógrafo estadounidense que desarrolla una idea teórica basada en que dos imágenes individuales, vistas una junto a otra, se combinan generando una tercera en la mente del espectador, produciendo bajo este concepto y hasta la fecha más de 25 libros fotográficos. Durante su juventud Ralph participó como figurante en películas de Nicholas Ray o Alfred Hitchcock, del cual era asistente su padre. Por azar ingresó en la Escuela Naval de Fotografía con sede en Pensacola (Florida), donde adquirió una formación técnica muy completa. Su trabajo en la marina consistía en realizar retratos, fotografía aérea y fotografía documental. Terminado su servicio militar empezó a estudiar fotografía en el instituto de arte de San Francisco, pero enseguida paso a ser asistente de Dorothea Lange. Con ella estuvo trabajando durante un año y medio al mismo tiempo que desarrollaba su estilo personal. Publicó sus primeras fotos en 1963 en la revista Nexos de San Francisco. A principios de 1967 conoció a Robert Frank, que lo contrató como asistente en la película Yo y mi hermano.
Su concepción de la fotografía cambia y se convierte en el instrumento de su introspección, sus negativos adoptan un tono surrealista y con ellos decide (pero no consigue) publicar un libro: The Somnambulist. Crea su propia editorial Lustrum Press, para mantener su independencia editorial. En 1970 realizó una tirada de 3000 ejemplares del libro The Somnambulist, cuya publicación supuso un éxito inmediato y a partir del mismo Gibson fue reclamado para exponer sus obras y dar conferencias. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Ralph+Gibson http://www.ralphgibson.com/gallery.html https://www.xatakafoto.com/fotografos/ralph-gibson-un-sonambulo-en-nueva-york
32.- Eugène Atget Jean Eugène Auguste Atget fue un fotógrafo francés considerado como un maestro de la fotografía. Después de trabajar en diversos oficios como marino, camarero o actor de provincias, se establece en París donde se convierte en fotógrafo ambulante (tras fracasar como pintor) y suministra material a los pintores de estudio de la época, los cuales incorporan a sus cuadros los detalles, flores, objetos y árboles que registra con su cámara. Él considera sus fotografías como documentos para artistas. Atget no hacía instantáneas ni levantaba imágenes al vuelo: su propia cámara se lo impedía. Sus fotografías eran realizadas con gran paciencia y sin prisas. Incluso sus numerosos retratos distan de ser imágenes espontáneas. Son fotografías posadas. Esto también indica que sus retratados no solamente habían accedido a ser fotografiado, sino que habían sido increíblemente pacientes y colaboradores. Para subsistir, también se dedica a sacar retratos de personas en plena calle y, por otro lado, empieza a crear una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a principios del siglo XX (Monumentos, parques, vendedores, prostitutas o escaparates). Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejan la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos más artísticos. Los surrealistas lo encumbraron viendo en sus imágenes, sobre todo en las figuras reflejadas en las cristaleras, una visión natural y pura que sugiere algo fantasmal. A pesar de esa popularidad en alza murió en la miseria. https://oscarenfotos.com/2012/06/03/eugene-atget-el-primer-fotografo-moderno/ http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Eug%C3%A8ne+Atget http://www.fotonostra.com/biografias/eugeneatget.htm https://clubdefotografia.net/eugene-atget/
33.- Clementina Hawarden Lady Clementina Hawarden fue una fotógrafa escocesa que obtuvo un notable reconocimiento como fotógrafa en la Era Victoriana, a pesar de su prematura muerte. Es considerada una precursora de la fotografía de moda. Es probable que comenzara a experimentar con la fotografía a partir de 1857, realizando inicialmente fotos estereoscópicas de paisajes en los alrededores de la finca. Pero en 1859 cuando la familia regresó a Londres, comenzó a fotografiar a sus hijas adolescentes en un estudio que se montó en el primer piso de su lujosa casa. La vizcondesa sentía gran pasión por el arte de la composición teatral y la luz que supo retratar con maestría. Como puede comprobarse, al mismo tiempo que Lady Clementina se dedicaba a la maternidad, se convirtió en una prolífica fotógrafa, produciendo unas 800 fotografías, la mayor parte de sus hijas adolescentes. En 1863 expuso por primera vez su trabajo en la Photographic Society of London y repitió exposición al año siguiente. En ambas oportunidades fue galardonada y muy aplaudida. Sus fotografías representan la vida de una familia victoriana de clase alta. Las posturas, muchas veces provocativas de sus hijas, fueron muy criticadas. La sociedad victoriana estaba molesta por la idea de la sexualidad en la adolescencia, tema explícito en la obra de la vizcondesa. Al crear estas imágenes enigmáticas, replanteó nuevos retos al arte de la fotografía. Es por ello que está considerada por algunos especialistas como la primera artista de la imagen fotográfica. Le gustaba utilizar la luz natural para hacer sus fotografías. En su momento esto fue visto como algo “atrevido” y novedoso; colocaba espejos para reflejar la luz y los utilizaba para explorar la idea de “el doble”. También, como otros fotógrafos, utilizó una cámara estereoscópica para producir impresiones individuales. Su trabajo confunde a veces lo contemporáneo con la fantasía teatral. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Clementina+Hawarden http://lamentable.org/lady-clementina/
34.- Pierre-Louis Pierson
Pierre-Louis Pierson fue un fotógrafo francés de la corte imperial francesa. Entre sus obras destacan los retratos de legisladores franceses aunque es más conocido por los cientos de fotos que tomó (a lo largo de décadas) a la Condesa di Castiglione, Virginia Oldoini. Pierre-Louis Pierson tuvo un temprano interés en la fotografía. Desde 1844, tuvo un estudio en París, y contó con una sólida reputación. Estuvo instalado profesionalmente durante muchos años en el Boulevard des Capucines, cuando se unió a los hermanos Mayer. Su sociedad se mantuvo en esa dirección, y se convirtió en una empresa comercial importante. Inicialmente con el daguerrotipo, su taller fue uno de los primeros en especializarse en la fotografía de retrato retocado en acuarela o en óleo. Gozó del favor Imperial e hizo muchos retratos de la familia imperial durante el Segundo Imperio. Su encuentro con la Condesa de Castiglione fue en 1856 y siguió siendo el fotógrafo oficial de la condesa durante 40 años. En 1867, Pierson presentó su retrato de la dama de corazones en la Exposición Universal de París. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Condesa+de+Castiglione
35.- Leni Riefenstahl Leni Riefenstahl fue una bailarina, actriz, cineasta y fotógrafa alemana célebre por sus magníficas producciones propagandísticas del régimen de la Alemania nazi y por sus posteriores fotografías de tribus africanas. A partir de la década de 1950, Riefenstahl inició una nueva y estimulante etapa profesional, esta vez como fotógrafa. A finales de la década siguiente produjo una detallada y bella documentación fotográfica sobre un pueblo africano, los Nuba, para lo que, con más de 60 años, se integró en sus tribus y aprendió su lengua, y en años posteriores realizó varias producciones sobre la vida submarina.
http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Leni+Riefenstahl
36.- Claude Cahun Claude Cahun fue una escritora, mujer de teatro, artista plástica y fotógrafa francesa que pasó casi inadvertida en su época, sin duda a causa de su independencia y libertad, pero que desde 1992, varios museos de todo el mundo (Museo nacional de Arte Moderno de París, Instituto de Arte Contemporáneo y Tate Modern de Londres, Grey Art Gallery de Nueva York) han consagrado exposiciones a su obra. En la década de 1920 se instaló en París con su pareja, Suzanne Malherbe (Marcel Moore), y comenzó a publicar artículos y relatos en el periódico Mercure de France. En 1929, la revista Bifur publicó una de sus fotografías. El año siguiente publicó su ensayo autobiográfico Aveux non avenus (Confesiones mal avenidas), ilustrado con fotomontajes. En 1936, expuso en París durante la Exposición surrealista de objetos y en Londres en la Exposición Internacional Surrealista en las galerías Burlington. En 1937, Lise Deharme publicó el poema Le cœur de Pic (El corazón de picas), ilustrado con veinte fotografías de Claude Cahun. Su obra fotográfica es de difícil clasificación. Sus poemas visuales constituyen un trabajo muy original, único en su género, que tuvo una difusión muy restringida. No pretende provocar ni dar espectáculo. Se trata de una búsqueda de sí misma, en un juego permanente de espejos y de metamorfosis, entre la fascinación y la repulsión, en una obra compuesta en gran parte de autorretratos. La creadora se reinventó a sí misma a través de la fotografía, elaborando personales performances frente al objetivo de la cámara, vestida de mujer o de hombre, con el pelo largo o la cabeza rapada, escandalizando a la sociedad del momento. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Claude+Cahun https://oscarenfotos.com/2017/05/06/claude-cahun-y-la-exploracion-de-la-identidad/ http://lamentable.org/claude-cahun-la-fotografa-surrealista/
37.- Lee Miller Elizabeth 'Lee' Miller fue una modelo y fotógrafa americana conocida principalmente por sus fotografías surrealistas, aunque también trabajó el retrato y la fotografía de moda, además de la documental sobre la Segunda Guerra Mundial y su postguerra. Abrió su propio estudio en Paris y se estableció dentro de la escuela surrealista fotográfica de Paris. En 1929 se trasladó a París y consiguió trabajar como asistente de Man Ray que la convirtió en su musa. Avanzó velozmente en su aprendizaje y reunió bagaje técnico suficiente para convertirse en una auténtica fotógrafa profesional con personalidad propia. En ese periodo muchas de las fotografías tomadas por Lee fueron falsamente atribuidas a Man Ray, de la misma forma, el descubrimiento de la técnica de la solarización fotográfica a partir de ensayos en los que Miller participó activamente, ha sido injustamente reconocida en algunos medios como de Man Ray, Miller fue perfeccionando esa nueva técnica convirtiéndose en una auténtica experta. En 1932 tuvo su primera exposición en Nueva York. En 1933 vuelve a Nueva York donde instaló, junto a su hermano, un estudio para dedicarse al retrato, haciendo ella las tomas y su hermano el trabajo en el cuarto oscuro. A fines de este año tiene lugar su segunda muestra individual en Nueva York sobre retratos y moda. Finalmente en 1939 vuelve a Inglaterra y cuando estalla la segunda guerra mundial consigue trabajar para la oficina de Vogue en Londres y comenzó a documentar los horrores de la guerra.En 1941 conoce al fotógrafo de la revista Life David Sherman, con el que viajaría y fotografiaría la segunda guerra mundial: el sitio de St. Malo, la liberación de París, la batalla de Alsacia, los campos de concentración de Buchenwald y Dachau, los hospitales de huérfanos de Viena y el fusilamiento del ex-primer ministro húngaro László Bárdossy. En 1947 se funda la agencia Magnum y Lee Miller se convirtió en uno de sus primeros miembros. http://www.tribunafeminista.org/2016/04/mujeres-en-el-arte-lee-miller/ http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Lee+Miller
http://www.museoartemoderno.com/lee-miller/ http://arteycultura.com.mx/7355/
38.- Aenne Biermann Aenne Biermann fue una fotógrafa alemana, que fue una de las principales defensoras de la Nueva Objetividad, un importante movimiento de arte que se desarrolló en Alemania en la década de los años 20. Fue una fotógrafa autodidacta. Sus primeros temas fueron sus dos hijos, Helga y Gershon. Mineralogista aficionada, gracias a su colección de rocas conoció al geólogo Rudolf Hundt en 1926, quien le encargó fotografiar su colección al año siguiente para su trabajo científico. Sus fotografías de minerales transformaron su práctica fotográfica hasta de ella una figura central en la Nueva Objetividad fotografía, un importante movimiento del arte en la República de Weimar. Su trabajo se dio a conocer internacionalmente a finales de los 20, cuando formaba parte de cada gran exposición de fotografía alemana. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Aenne+Biermann http://losgrandesfotografos.blogspot.com.es/2017/01/aenne-biermann-1898-1933.html
39.- Florence Henri Florence Henri fue una pintora fotógrafa suiza que experimentó la técnica del fotomontaje, la impresión negativa asociada a la positiva, la superposición de imágenes, el uso de espejos para distorsionar las perspectivas y muchas otras técnicas innovadoras. Gracias a su enfoque especial, sus temas, que van desde retratos de la naturaleza muerta a desnudos, respiraron siempre un aire original e innovador. En Alemania, se unió a la escena artística parisina y creó su propio estudio, donde se dedicó al retrato, la fotografía de moda y publicidad. En París, conoció entre otros a Man Ray, Germanie Krull y al húngaro André Kertész, que fueron importantes para su trabajo fotográfico. Desarrolló un trabajo muy personal, basado en experimentos con espejos y prismas, con un estilo que tocaba desde la Bauhaus, el dadaísmo y el surrealismo, y no dudando tampoco en adoptar ángulos originales y la producción de imágenes fragmentadas, como cubista. Florence participó en 1929 en las exposiciones pioneras de la nueva fotografía, Film und Foto (FiFo)en Stuttgart y Photographie der Gegenwart. En 1930, contribuyó a la revista Cercle et carré. ncluso en la década de 1950, sus fotografías de los años 30 se celebraban como iconos de la vanguardia. Su obra fotográfica fue reconocida durante su vida en exposiciones en solitario y en publicaciones en diversas revistas. También produjo fotografías durante este período, como una serie de fotos de la bailarina Rosella Hightower. El último periodo de su vida lo dedicó a la publicación personal de su antiguas fotografías y volvió de nuevo a trabajar el collage, en una serie de obras abstractas y geométricas, siguiendo la tendencia marcada por el constructivismo y su experiencia de la Bauhaus. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Florence+Henri http://www.heroinas.net/2017/06/florence-henri-fotografa-experimental.html
40.- Margaret Bourke-White Margaret Bourke-White fue una fotógrafa americana pionera como mujer en muchos campos de la fotografía. Hija de un judío y de una irlandesa, heredó de su padre (ingeniero e inventor) la perfección y la técnica y de su madre una gran capacidad de auto superación, cualidades que marcaron positivamente su vida. Se interesó por la fotografía cuando estudiaba en la Universidad de Cornell. Fue alumna de Clarence H. White en la Universidad de Columbia y después abrió su estudio en Cleveland donde se especializó en la fotografía arquitectónica. Fue la primera mujer en ser
contratada para fotografía industrial y contribuyó a mejoras en los flash de entonces, consiguiendo luces blancas con antorchas de magnesio. En 1929 fue contratada por la revista Fortune (primera mujer contratada como fotoperiodista). En 1935 fue contratada como fotoperiodista en la revista Life, siendo también la primera mujer en serlo, y una foto suya fue la primera portada en 1936. Fue la primera corresponsal de guerra y la primera en ser permitida trabajar en zonas de combate y uno de los primeros fotógrafos en documentar un campo de concentración. Tras la Segunda Guerra Mundial se interesó por la campaña de la no violencia impulsada por Gandhi, fotografiando a éste con su rueca, a Mohammed Ali Jinnah sentado y documentó las consecuencias de la partición India-Paquistán. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=+Margaret+Bourke-White https://oscarenfotos.com/2013/06/15/margaret_bourke-white_la_primera_dama/ https://fotografiadslr.wordpress.com/2017/01/10/margaret-bourke-white-una-fotografa-en-unmundo-de-hombres/ https://hipertextual.com/2015/05/margaret-bourke-white
41.- Gordon Parks Gordon Parks fue un músico, compositor, poeta, novelista, periodista, director de cine, activista y fotógrafo americano que utilizó sus prodigioso talento para relatar la experiencia de los afroamericanos y su propia historia personal, tanto en ensayos para la revista Life como en el cine. En 1937, trabajando como camarero en un tren vio una revista con fotografías de emigrantes que había realizado la FSA y se compró una cámara Voigtländer Brilliant y empezó su camino con la fotografía. Convenció al dueño de una tienda de ropa para señoras de que le dejara hacer sesiones fotográficas y Marva Louis (la esposa de Joe Louis, el campeón de los pesos pesados) le convenció de que se marchara a Chicago, donde tendría más posibilidades con la fotografía. Quizá su fotografía más conocida sea la que tituló American Gothic que tomó durante su breve estancia en la FSA. La foto muestra a una empleada de limpieza de nombre Ella Watson de pie delante de un bandera norteamericana, con un trapo en una mano y una escoba en la otra.
Una muestra del poder de su fotografía es su famoso artículo para Life, que trataba sobre el niño Flavio Da Silva desesperadamente enfermo que vivía en una favela de Río de Janeiro. Las fotos de Parks causaron tanto revuelo al ser publicadas en 1961 que los lectores recaudaron 30 mil dólares en donativos y la revista llevó al niño a Denver para su tratamiento contra el asma y pagó una nueva casa para su familia en Río. En su tiempo libre fotografiaba desnudos femeninos, experimentaba con la doble exposición de película de color y fotografiaba escenas pastorales al estilo pictorialista de principios del siglo XX. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Gordon+Parks http://www.circulodelarte.com/es/autor/parks/es http://masdearte.com/gordon-parks-blanco-y-negro-contra-la-segregacion/
42.- Willy Ronis Willy Ronis fue un fotógrafo francés quien retrató la vida de post-guerra en París y en Provenza, siendo considerado el fotógrafo parisino por excelencia. Los trabajos de los fotógrafos,Alfred Stirglitz y Ansel Adams le inspiraron para empezar a explorar el mundo de la fotografía. En 1937 se encontró con David Szymin y Robert Capa e hizo su primer trabajo para Plaisir de France. Con Cartier-Bresson, entra en la Association des Écrivains et Artistes Révolutionnaires y será siempre un hombre de izquierdas. Ronis fue el primer fotógrafo francés en trabajar para la revista Life. Ronis comenzó a enseñar en los 50, y llegó a dar lecciones en la Escuela de Bellas Artes de Avignon y en Saint Charles en Marsella. En 1979 fue galardonado con el Gran Premio de las Artes y las Letras en Fotografía por el Ministro de Cultura. En 1981 obtiene el premio Nadar. Finalmente, por su edad, abandonó el reportaje, pero continuó sacando desnudos. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Willy+Ronis https://oscarenfotos.com/2013/03/16/galeria-willy-ronis/https://trianarts.com/grandesfotografos-recordando-a-willy-ronis/#sthash.2bvwDHMe.dpbs https://trianarts.com/grandes-fotografos-recordando-a-willy-ronis/#sthash.2bvwDHMe.dpbs
43.- David Seymour David Robert Seymour, también conocido por el seudónimo Chim, fue un fotógrafo polaco miembro fundador de la Agencia Magnum de fotografía. Comienza en 1929 sus estudios en arte y fotografía en Leipzig. En 1931 viaja a París, donde termina sus estudios en 1933. En París conoce a Robert Capa y Henri Cartier-Bresson. Fotografía las manifestaciones del Frente Popular, coalición de los partidos de izquierdas, y realiza retratos de improtantes intelectuales antinazis. Para la agencia Alliance concibe una serie de reportajes en Europa y el norte de África. Como antifascista viaja en 1936 a España y fotografía el horror de la guerra civil. Compone con sus imágenes retratos formales de figuras importantes. Fotografía a grandes personalidades, a los soldados en la retaguardia o el duro trabajo de los campesinos. Chim figura entre los pioneros del fotoperiodismo refugiados en París: los de Hungría, Polonia o Rusia, Luego se establece en Nueva York y servirá en el ejército de los Estados Unidos en la segunda guerra mundial como fotógrafo e intérprete hasta 1945. En 1947, junto con Capa, Cartier-Bresson y George Rodger, funda la agencia de fotografía Magnum. En 1949 publica el libro Children of Europe. También retrató a celebridades de Hollywood como Sophia Loren, Kirk Douglas, Ingrid Bergman y Joan Collins. Tras la muerte de Robert Capa en 1954 toma la presidencia de Magnum. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=David+Seymour http://pro.magnumphotos.com/C.aspx? VP3=CMS3&VF=MAGO31_10_VForm&ERID=24KL53Z58C http://www.revelartfotografia.org/cultura-fotografica/david-seymour/
44.- Robert Doisneau Robert Doisneau fue un fotógrafo francés conocido por su poética aproximación a la fotografía de calle, principalmente las de París. En 1929 comienza a realizar sus primeras fotografías aprendiendo de forma autodidacta y leyendo las instrucciones de las cajas de emulsión para revelar. Comenzó a trabajar en un estudio fotográfico que posteriormente compraría al morir su dueño. En 1931 gracias a sus conocimientos como grabador, comienza a trabajar con el artista André Vigneau, que le introduce en el mundo de la fotografía como arte. En esta época también descubriría a Man Ray. Inicialmente trabajó como fotógrafo industrial y de publicidad en la factoría de Renault de Billancourt hasta ser despedido por sus repetidas ausencias. En 1932, L'Excelsior publica su primera fotografía. Es contratado por la agencia ADEP y trabaja junto con Henri Cartier-Bresson y Robert Capa, reflejando la alegría y la jovialidad de la ciudad de París tras la desgracia. Desde 1945 colabora con Le Point y se integra de por vida en la agencia Rapho, retratando, entre otros, a Pablo Picasso. Todo su trabajo, fuera de los encomendados, siguió centrándose en la vida pública y situando a sus personajes en un ámbito cotidiano. Se abre a la vida nocturna de la capital: jazz, cafés y el arte alternativo. Recorre Montparnasse y Saint-Germain-des-Prés donde se encontrará con Jean Paul Sartre, Albert Camus y Jean Cocteau entre otros. Es su modo de escapar del mundo artificial de 'Vogue'. En 1950, Doisneau buscaba material para cumplir con un encargo de la revista estadounidense America´s Life, interesada en los enamorados de París. De ahí saldrá la serie Besos y su obra más significativa: El beso del Hôtel de Ville. En 1953 abandona Vogue, sufriendo el eclipse de la fotografía y de los fotógrafos de la posguerra en la década de 1960. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Robert+Doisneau https://www.xatakafoto.com/fotografos/robert-doisneau-el-fotografo-de-un-teatro-llamado-paris
45.- Edward Sheriff Curtis Edward Sheriff Curtis fue un fotógrafo estadounidense que fotografió el oeste e indios americanos. Llamado “Shadow Catcher” por algunas tribus, tomó unas 40.000 fotografías y grabó información etnográfica de unas 80 tribus indias, desde esquimales e Inuits del norte hasta los Hopi del sudoeste. Con 12 años construyó su primera cámara fotográfica, y con 17 años entró de aprendiz de fotógrafo. Durante su juventud se dedicó a realizar retratos y paisajes y llegó a ser propietario de un estudio fotográfico en Seattle. En 1899 participó como fotógrafo en una expedición a Alaska. En 1900 viajó a Montana para fotografiar la danza del sol en la Reserva de Piegan. Pasó la mayor parte de su vida, a caballo entre dos siglos, inmortalizando los paisajes del oeste americano y los rostros y maneras de vivir de los pueblos nativos y las tribus indígenas del continente. Sus fotografías son conocidas en todo el mundo, y algunas han alcanzado el estatus de iconos culturales, sobrepasando la fama de su autor. Curtis trabajó más de 30 años en su intento de por lo menos documentar la vida, costumbres, mitos, hábitos, religión y lengua de decenas de tribus americanas. En 1914 filmó la película Land of the Head-Hunters sobre la vida de los pueblos de la costa noroeste del los Estados Unidos. Además de ser fotógrafo también fue cámara en Hollywood. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Edward+Sheriff+Curtis
http://hombredetrapo79.blogspot.com.es/2012/07/edward-curtis-el-fotografo-de-los.html
46.- Raymond Depardon Raymond Depardon es un fotógrafo y cineasta francés fundador de la agencia Gamma y, actualmente, uno de los más prestigiosos directores de cine documental. Con 12 años realiza sus primeras fotografías con la cámara Lumière de 6x6 de su padre. En 1956 obtiene su certificado de estudios y su padre, convencido que que nunca trabajará en la granja le compra una máquina 6x6 de segunda mano. Se apunta como aprendiz en una tienda de óptica y fotografía de su pueblo. En 1957 se apunta a un curso de fotografía por correspondencia y hace sus pinitos fotografiando a futbolistas aficionados. En 1958 va a París para trabajar como asistente del fotógrafo Louis Foucherand. En 1960 entra en la agencia Dalmas. Su trabajo es variado. Fotografía a personalidades de la noche, notas de sociedad, los Juegos Olímpicos de Tokio, construcción del muro de Berlín, guerra de Argelia y su primer gran artículo sobre una misión militar en el desierto de Argelia, convirtiéndose en el reportero principal de la agencia. En 1973 toma la dirección de la agencia Gamma cuando Huber Henrotte abandona ésta con una buena parte de los fotógrafos para fundar la agencia Sygma. Redinamiza la agencia y recibe la Robert Capa Gold Medal por su libro Chili, en ocasión del golpe militar. En 1979 abandona la agencia Gamma y se une a la cooperativa Magnum Photos, fotografiando la guerra civil del Líbano y Afganistán cuando la intervención soviética. En 1989 fotografía la caída del muro de Berlín. En 1991 recibe el Grand Prix National de fotografía. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=Raymond+Depardon http://pro.magnumphotos.com/C.aspx? VP3=CMS3&VF=MAGO31_10_VForm&ERID=24KL535T16 https://www.xatakafoto.com/fotografos/raymond-depardon-de-fotografo-a-director-dedocumentales