LA VISIÓN FOTOGRÁFICA Eduardo Momeñe
Raquel Rodríguez Bueno 1ºB Fotografía
DATOS DEL ALUMNO/A: APELLIDOS: RODRÍGUEZ BUENO
NOMBRE: RAQUEL
CURSO: 1ºB FOTOGRAFÍA LIBRO MOMEÑE Añadimos enlaces web a imágenes y datos que complementen. Completamos con alguna imagen relevante referida al párrafo donde aparezca autor/imagen en negrita.
FICHA BIBLIOGRÁFICA: AUTOR: EDUARDO MOMEÑE TÍTULO: LA VISIÓN FOTOGRÁFICA EDICIÓN: AUTOR-EDITOR (editorial), MADRID (ciudad), 2009 (año), 168 págs (nº de páginas).
RESEÑA DEL CAPÍTULO 1.RESUMEN En estos capítulos Momeñe comienza haciendo una pequeña parábola relacionada con la fotografía. Esta parábola cuenta la actitud que tiene un cazador de mariposas con su trabajo, centrándose y dejándose de distracciones. Tambiénen esta parábola asemeja el jardín al mundo real, donde todo está visto pero donde podemos mostrar nuestra mirada personal, única. En las fotografías no sólo se muestra el mundo sino que muestran cómo lo miramos, por eso es necesario tener un punto de vista personal, conseguir que la fotografía permita expresarse visualmente, y para expresarlo es fundamental el tener algo que decir. Posteriormente, cuando habla del poeta Paul Eluard, hace otra paradoja comentando que el encanto tampoco existe hasta que se crea. Luego comienza a hablar sobre el carrete y su proceso, destacando que la parte del positivado no se debe descuidar ya que este es un complemento de la fotografía, que una buena fotografía acaba cuando la tenemos en papel y que no es buena fotografía´ sino hay una buena plasmación. Finalmente, vuelve hablar sobre las buenas fotografías, y que puedes llegar a ellas a través de anotaciones que te vayan sugiriendos las fotografías. Después de ello, te da dos ideas imprescindibles y termina diciendo que para formar nuestra educación visual, aparte de los museos o galerías, es un interés obsesivo por conseguirlo.
2.TEMA PRINCIPAL (general) El tema principal del capítulo 4 es de mostrar cómo vemos el mundo, de tener algo que contar, reflejándolo a través de la fotografía. El tema principal del capítulo 5 es como algunos fotógrafos a través de sus cámaras construyeron historias.
3. IDEAS PRINCIPALES Tener las ideas claras desde un principio ayuda a simplificar, ya que no te vas alejar de tu cometido. Las diferentes formas de mirar producen diferentes imágenes. No es lo mismo integrarse que percibir desde la distancia. Dar a conocer nuestro punto de vista, nuestra mirada personal e intransferible. Una buena fotografía es un punto de vista bien expresado. Para los fotógrafos por suerte, la realidad si parecer ser infinita. El gran reto es conseguir que la fotografía es conseguir arrancar ese potencial que el lenguaje posee, le permita expresarse visualmente. La primera opinión fundamental e irrenunciable debe ser la opinión visual. Las buenas fotografías son imágenes arriesgadas, desconcertantes, imprevisibles. Ver, mirar, es algo que se aprende, al igual que los idiomas.
4.IDEAS SECUNDARIAS Si tenemos una cámara fotográfica, solo nos hará falta ese “algo” inspiratorio para embarcarnos. La fotografía sirvió para mostrar cómo era la apariencia del mundo lejano. La fotografía trataría de lo no visto, es decir, de lo no dicho. El blanco y el negro tiene más misterio que el color, algo que en todo caso habría que demostrar. El positivado de la fotografía no es un complemento, es también la fotografía.
5. VALORACIÓN PERSONAL Para empezar, he disfrutado leyendo estos dos capítulos (más que 4 que el 5 para ser sincera), por una parte porque lo he leído calmadamente, sin estrés y por otro lado porque estoy en un momento de mi vida donde todo me está afectando más y me calan más hondo las cosas, como por ejemplo, ha habido un momento de la lectura donde realmente me he emocionado y no sé por qué, cuando
estaba hablando del poeta Paul Eluard sobre la belleza y lo extraño ha dicho “no es lo extraño lo que crea la belleza, sino que lo extraño podría ser una de las condiciones de la belleza” y me ha resultado tan bonito y tan natural que me ha emocionado, por emocionado quiero decir que se me ha escapado alguna lágrima. Y finalmente, gracias a la práctica y a mis pequeños fracasos, puedo pensar en otros problemas a resolver de los que me he dado cuenta mientras leía.
6. AUTORES DEL TEXTO: 1.- DUANE MICHALS Duane Michals es un fotógrafo americano, cuya fotografía destacó en los años setenta por sus exposiciones múltiples, por sus secuencias y por la incorporación de dibujos y textos como elementos de las fotos. Se le considera uno de los principales representantes de la fotografía conceptual y filosófica. Su formación fotográfica es autodidacta, siendo Atget el fotógrafo que más le influyó, aunque en sus fotografías se nota la influencia del surrealismo, especialmente de Magritte y Balthus. Sin embargo, suele introducir elementos de reflexión sobre la existencia humana. Michals decidió salirse del guión fotográfico que proponía el realismo del "momento decisivo" de Cartier-Bresson o los mandamientos que Roland Barthes dictaba al hablar del "Studium" o el "Punctum". Comenzó a fotografiar en los años 50, añadió texto a sus imágenes en los 60 y, a finales de esa misma década, comenzó a trabajar en secuencia. En 1958 viajó a la Unión Soviética y con una cámara prestada retrató a las personas que se encontraba. Tuvo algunos problemas a la vuelta, pues era la época de la "guerra fría". En 1963, con estas imágenes organizó su primera exposición en la Underground Gallery de Nueva York. Los retratos que ha ido realizando después han continuado esta tendencia de hacerlos en su propio ambiente y no utilizando el estudio fotográfico. En 1970 realizó una exposición en el MOMA de Nueva York. Desde estos años ha realizado bastante exposiciones en todo el mundo siendo considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. Una característica esencial de su obra es la redefinición del medio fotográfico como un medio artístico y no como un registro de la realidad, destacando el papel de las emociones y los sueños. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=DUANE+MICHALS https://www.xatakafoto.com/xataka-foto/duane-michals-el-fotografo-artista-que-nunca-supo-seguirlas-reglas
2.- RICHARD MISRACH Richard Misrach es un fotógrafo estadounidense que ha abordado la relación entre la sociedad contemporánea y la naturaleza, especialmente en el Oeste Americano. Consigue que el espectador se meta en su mundo por medio del dominio del color. En la década de 1970, fue uno de los precursores del renacimiento de la fotografía a color y a gran escala. Misrach es conocido por su serie en curso, Cantos del Desierto, un proyecto en el que lleva trabajando durante más de 35 años, revelando un complejo panorama del desierto americano. Se trata de uno de los proyectos más extensos de la fotografía contemporánea. Otros de sus proyectos incluyen la documentación del corredor industrial a lo largo del río Mississippi que se conoce como el Callejón del Cáncer; el estudio riguroso de las condiciones meteorológicas y la hora en sus fotografías de serie Golden Gate; On the beach, en la que sus fotografías desde una perspectiva aérea, estudian la interacción de las personas y el aislamiento; y su proyecto actual, que supone una ruptura radical con su trabajo hasta la fecha, con sus primeras imágenes digitales. Misrach, tras trabajar con cámaras de gran formato, ha adoptado la técnica digital hábilmente y la utiliza para generar paisajes surrealistas, intercambiando los positivos y negativos a lo largo del espectro de color. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=RICHARD+MISRACH
3.- JOEL STERNFELD Joel Sternfeld es un fotógrafo estadounidense pionero del color, es conocido por sus imágenes documentales de gran formato y en color de escenas de los Estados Unidos. Su obra busca introducirnos en una realidad donde la nitidez, el color resplandeciente y luminoso, nos sumerge de lleno en uno de los instantes perfectos, detenidos y llenos de detalles de una narración. Comenzó a hacer fotografías en color en 1970 después de aprender la teoría del color de Johannes Itten y de Josef Albers. El color fue un elemento importante de sus fotografías a partir de entonces. Comenzó fotografiando la realidad social de las ciudades y los campos norteamericanos, siguiendo de alguna manera la estela de la obra fotográfica de Walker Evans. American Prospects (1987) es su libro más conocido y explora la ironía de los paisajes alterados por la mano del hombre en los Estados Unidos. Para hacer el libro, fotografió cosas ordinarias, incluyendo también ciudades abandonadas y paisajes estériles. Su libro On This Site: Landscape in Memoriam (1997), es sobre la violencia en América. En él fotografía los lugares de tragedias recientes. Al lado de cada fotografía está el texto sobre los acontecimientos que sucedieron en esa localización.
Ha influido en una generación de fotógrafos del color, incluyendo a Thomas Struth y a Andreas Gursky, que ha tomado prestadas muchas de las técnicas de Sternfeld.
http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=+JOEL+STERNFELD https://oscarenfotos.com/2017/01/29/joel-sternfeld-galeria/
4.- FRANCIS FRITH Francis Frith fue un fotógrafo británico que fomenta un interés por la fotografía, convirtiéndose en un miembro fundador de la Sociedad Fotográfica de Liverpool en 1853 y cofundador de la Royal Photographic Society. Vende sus empresas (primeramente una tienda de comestibles y luego una imprenta) en 1855 para dedicarse enteramente a la fotografía. De 1856 a 1859 Frith hizo expediciones fotográficas a Egipto y Palestina. Su obra aparece en libros publicados por las empresas de Londres James S. Virtud y William Mackenzie entre 1858 y 1865, y publicado por Stereographs Negretti & Zambra en 1862. En 1860, Frith fundó su propia compañía en Surrey, que produjo y distribuyó fotografías e imágenes estereoscópicas para la ilustración de libros y discos. La empresa también hizo reportajes fotográficos de viajes internacionales por Italia, Escandinavia, Suiza, Japón, China y la India, así como un amplio cuerpo de trabajo en Gran Bretaña a fines del siglo XIX. Fue uno de los primeros productores en masa de fotografías en Inglaterra; F. Frith & Co. cerró en 1960. https://oscarenfotos.com/2012/04/22/galeria-francis-frith/ https://fotografiahistorica.com/tag/francis-frith/ https://es.wikipedia.org/wiki/Francis_Frith
5.- RALPH EUGENE MEATYARD Ralph Eugene Meatyard fue un óptico y fotógrafo estadounidense interesado en lo extraño y lo simbólico, con raros contenidos y una puesta en escena (niños enmascarados, muñecos mutilados, casas abandonadas) respondiendo siempre a una sabia reflexión intelectual. Tras la guerra se trasladó a Lexington, Kentucky, trabajando como óptico en Tinder-Krausse-Tinder que también vendía material fotográfico. Con el nacimiento de su primer hijo, con 25 años, se compró una cámara para hacerle fotos. En 1954 se unió al Lexington Camera Club y a la Photographic Society of America. En el club se encontró con Van Deren Coke que sería una gran influencia en sus trabajos y con el que realizó la exhibición Creative Photography en 1956. Continuó con su trabajo fotográfico, generalmente en los días de fiesta, en su cuarto oscuro en su casa, hasta su muerte en 1972. Su acercamiento a la fotografía era improvisado e influenciado muy fuertemente por la música de jazz de su tiempo. Cuando hacía fotos no era tradicional: reclutaba a sus hijos y amigos y los metía en bosques o edificios abandonados, enmascarándolos de tétricos animales humanoides, retrataba a muñecos mutilados, escenificaba escenas que, decía, nacían de sus sueños en vigilia. Produjo mucho trabajo altamente experimental, incluyendo exposiciones múltiples, movimientos deliberados de la cámara, luces sobre el agua y sobre todo imágenes desenfocadas, creando un estilo propio “Sin foco”. Nunca respondía a composiciones banales, sino que detrás de esas fotografías había "un fondo zen". http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=RALPH+EUGENE+MEATYARD https://www.xatakafoto.com/fotografos/ralph-eugene-meatyard-el-fotografo-de-lo-extrano
6.- GUY BOURDIN Guy Bourdin fue un dibujante y fotógrafo de moda y de publicidad francés, uno de los más destacados de la segunda mitad del Siglo XX. Fue un personaje obsesionado y apasionado por su trabajo que construyó un mundo de imágenes surrealistas, extrañas, llenas de violencia y sexualidad. Durante los años 1948 y 1949 asumió labores militares en la fuerza aérea de Francia. Aquel año, recibió su primer entrenamiento en fotografía y fue destinado a vivir en Dakar, Senegal. En 1950, exhibe por primera vez su trabajo, un conjunto de dibujos y pinturas en la galería Rue de la Bourgogne en París. Dos años después, ofrece una muestra fotográfica en la Galerie 29. Este catálogo incluye una presentación del artista estadounidense Man Ray. En 1955 se publicaron sus primeras fotografías de moda, en la portada de la revista Vogue francesa. En 1967 fue el responsable de la campaña publicitaria de la marca de calzado Charles Jourdan
además de realizar su primera editorial de fotografías de moda en las revistas Harper’s Bazaar y Photo. La fotografía del fotógrafo francés, nos parece absolutamente contemporánea por el minimalismo de sus composiciones. Por el colorido, con fuerte presencia del rojo como representación del universo femenino. Y por la incomprensión del espectador ante encuadres exquisitos pero completamente absurdo comportamiento de los que figuran en ellos o de las escenas que se representan. Su fotografía no deja indiferente, porque rompe códigos y esquemas, porque hipnotiza, porque su imaginación era desbordante y porque a día hoy su obra nos parece tan actual que parece no tener fecha de caducidad. https://www.xatakafoto.com/fotografos/guy-bourdin-el-fotografo-que-no-pasa-de-moda http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=GUY+BOURDIN
7.- ALFRED EISENSTAEDT Alfred Eisenstaedt fue un fotógrafo y fotoperiodista americano, de origen judío-alemán reconocido mundialmente por su fotografía espontánea y sus retratos. Con catorce años su tío le regala una Eastman Kodak número 3 Folding Camera, realizando fotografías de forma amateur. En 1927 consiguió vender su primera fotografía a una publicación y, a raíz de ello, decide que quiere vivir profesionalmente de la fotografía, convirtiéndose en fotógrafo freelance para el periódico Berliner Tageblatt en Berlín, mientras trabaja como tendero. En 1929 tiene el suficiente éxito como para dedicarse a tiempo completo a la fotografía y en 4 años tiene el suficiente nombre como para fotografiar la reunión de Hitler y Mussolini en Italia y a Goebbels en la Liga de las Naciones. Trabajó en el staff de la revista Life desde 1936 hasta 1972. Destacan sus fotografías de celebridades, desde Sophia Loren a Bill Clinton, pasando por John Fitzgerald Kennedy, Churchil, Marilyn Monroe o Hemingway, muchas de las cuales fueron portadas de la revista Life. Eisenstaedt trabajaba con una Leica 35mm M3, siendo su fotografía más famosa la del Día de la victoria en Times Square, también conocida como The Kiss (El Beso). https://www.xatakafoto.com/tag/alfred-eisenstaedt https://www.xatakafoto.com/historia-de-la-fotografia/alfred-eisenstaedt-y-la-historia-del-beso-masfamoso-de-la-fotografia http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=ALFRED+EISENSTAEDT
8.- JOHN COHEN John Cohen es un musicólogo, cineasta y fotógrafo estadounidense que, a través de la fotografía, documentó una de las eras más transformadoras del arte estadounidense Algunas de sus mejores imágenes conocidas documentan la escena expresionista abstracta centrada en Cedar Bar de Nueva York; donde actuaban diversos artistas emergentes, como la llegada del joven Bob Dylan a Nueva York, los escritores de la Generación Beat durante el rodaje de la película de Robert Frank y Alfred Leslie “Pull My Daisy” y los músicos folk de los Apalaches. Ha estado haciendo fotografías desde 1954. Su visión fotográfica se formó antes de que hubiera galerías de fotografía. En ese momento el único trabajo de un fotógrafo se encontraba en el fotoperiodismo o en la publicidad, y no era esto lo que quería hacer. En su lugar, hizo sus propias fotografías personales, así como documentación de cosas que eran importantes para él: en su mayoría artistas y músicos. Sus investigaciones fotográficas lo llevaron a los Andes y a los Apalaches, donde fotografió músicos tradicionales en sus propios lugares de origen. Sus fotografías se han empleado en portadas de discos, y sirvieron como prueba preliminar para sus proyectos cinematográficos posteriores.
http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=JOHN+COHEN
9.- PETER BEARD Peter Beard es un artista, escritor y fotógrafo estadounidense conocido principalmente por sus collages de fotografías de África, principalmente fauna. En Kenia realizó muchas fotos de fauna y allí comenzó su fuerte apuesta por los collages y el uso de sangre animal en los recortes para realzar su obra, siendo testigo del comienzo de la explosión demográfica de Kenia, que puso en jaque a los recursos limitados e hizo mella en la fauna. Es famoso no sólo por sus fotografías de elefantes africanos en peligro de extinción, sino por los retratos de supermodelos y estrellas de rock como Mick Jagger, David Bowie, Iman, Veruschka y Minnie Cushing. Tuvo amistad con Andy Warhol, Jackie Onassis, Radziwill Lee, Truman Capote y Bianca Jaggercuando todos vivían en Montauk y Manhattan, Nueva York, en los años 1970 y 1980. En sus obras, documenta la historia de sus relaciones con todo el mundo que le rodeaba: África, Karen Blixen, la farándula de Nueva York, el mundo de la moda, Hollywood y la administración Kennedy. Las página están cubiertas con fotografías de mujeres, mensajes telefónicos, los márgenes escritos en tinta china, recortes de periódicos, hojas secas e insectos, viejas fotografías en tonos sepia, dibujos de animales y personas realizados por artistas kikuyu, citas de Joseph Conrad, objetos encontrados, imágenes de cadáveres en descomposición de elefantes y, a veces, la propia sangre de Beard. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=PETER+BEARD
10.- NAN GOLDIN Nancy Goldin es una fotógrafa estadounidense renovadora de la fotografía documental y narradora de la escena contracultural de Nueva York de los años 70 y 80. Entró en una escuela experimental del área de Boston, la Satya Community School. Teniendo con 15 años su primer contacto con la fotografía en dicha escuela. Dos años más tarde, cuando empiezan los años 70, es una aspirante a fotógrafa profesional, inspirada en las imágenes de las revistas de moda. Por esa época, empezó a frecuentar la comunidad de Provincetown, un destino de vacaciones de Massachusetts muy popular entre los homosexuales de la Costa Este estadounidense. Allí, la artista conoció a los que habrían de ser habitantes y protagonistas de sus fotografías durante los siguientes 20 años. En 1978 empieza a trabajar con películas de color y a emplear luces de flash. Se estableció en el barrio de Bowery, en Manhattan, donde se topó con el estallido punk y la aparición paralela de decenas de impulsos contraculturales. En Nueva York, la fotógrafa encontró el
gran tema de su obra: la narración de la vida sentimental y sexual de ese ambiente. Trabaja con series de fotografías que cuentan desde dentro la vida de sus amigos: iniciación, plenitud y dependencia sexual, depresión, pobreza, amor, soledad, violencia, enfermedad... Para enfatizar el efecto narrativo, presenta esas imágenes en películas que muestran las fotografías sucesivamente. La balada de la dependencia sexual ya muestra el efecto devastador del sida sobre esa generación en 1986. Una de sus series posteriores, La balada desde la morgue insiste en el mismo tema. Tanto es así que, poco después de presentar La Balada de la dependencia sexual en Europa, ingresó en una clínica de desintoxicación. Poco después de salir de la clínica, en 1991, abandonó los Estados Unidos y se marchó a Berlín. Desde entonces, la fotógrafa vive entre la capital alemana, París y Yale, donde es profesora. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=nan+goldin https://oscarenfotos.com/?s=Nan+Goldin https://oscarenfotos.com/2017/07/23/la-balada-de-la-dependencia-sexual-de-nan-goldin-seriecompleta-y-comentada/ https://maestrosdelafotografia.wordpress.com/2015/03/14/nan-goldin-la-fotografa-de-lo-intimo/
11.- BILL BRANDT Bill Brandt fue un fotógrafo británico conocido por sus imágenes en blanco y negro sobre contrastes sociales en la sociedad británica y sus fotos distorsionadas de desnudos y paisajes. También trabajó como periodista gráfico. Al comenzar su trabajo como fotógrafo se trasladó a París donde quedó muy impresionado por el movimiento surrealista. En 1931 se instaló en Londres, allí comenzó a realizar un trabajo documental sobre las diferencias sociales en la sociedad británica y los contrastes que producían; así como los problemas del paro en la minería. Sus reportajes más conocidos trataban sobre las desigualdades sociales en el Reino Unido. Durante la segunda guerra mundial estuvo trabajando para el gobierno británico fotografiando a la vida nocturna de la población londinense durante los bombardeos, en ese momento consigue fotografías de la ciudad sin personas. Al finalizar la contienda su estilo pasa poco a poco del
reportaje gráfico a la fotografía de paisajes, desnudos y del cuerpo humano con el empleo de grandes angulares y puntos de vista poco usuales. Durante los últimos años de su vida estuvo dando clases en el Royal College of Art y exponiendo su trabajo. https://oscarenfotos.com/2015/06/14/galeria-bill-brandt/ http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=BILL+BRANDT
12.- HERBERT LIST Herbert List fue un fotógrafo alemán conocido por sus colaboraciones en las revistas Vogue, Harper's Bazaar y Life y por sus trabajos sobre desnudos masculinos. Su obra se suele denominar como fotografía metafísica, como si naciese misteriosamente del interior, pero de un modo especial está considerado como uno de los más importantes fotógrafos del homoerotismo y gran cantidad de sus fotos tratan el desnudo masculino en blanco y negro. Empezó a interesarse por la fotografía animado por Andreas Feininger en 1930 tras conocer el trabajo visual de René Magritte, Man Ray y Giorgio de Chirico. Por ello su trabajo se inició bajo el prisma del surrealismo. En 1935, por motivos políticos y personales, dejó el trabajo en su empresa y se trasladó a París y al año siguiente a Londres, donde montó un estudio fotográfico en 1938 y comenzó a vender sus fotos para revistas como Vogue, Harper's Bazaar y Life. En 1945 regresó a Munich y en 1948 se convirtió en editor de arte de la revista Heute que publicaban los aliados. En 1951 se encuentra con Robert Capa, que le anima a entrar en la Agencia Magnum, aunque realizó pocos encargos para ella. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=HERBERT+LIST http://pro.magnumphotos.com/C.aspx? VP3=CMS3&VF=MAGO31_10_VForm&ERID=24KL53ZB9Y
13.- MARTIN PARR Martin Parr es un fotógrafo británico reconocido internacionalmente por su particular acercamiento a la fotografía de documentación social. Su obra se caracteriza por el sentido del humor y la ironía de su mirada sobre el estilo de vida de la gente corriente en Gran Bretaña. Su interés por la fotografía fue alentado desde niño por su abuelo, George Parr, un fotógrafo aficionado. Estudió fotografía en la Escuela Politécnica de Manchester de 1970 a 1973. A principios de los ochenta, su trabajo reflejaba el estilo de vida de la gente corriente en Gran Bretaña, reflejando el deterioro social y los problemas de la clase trabajadora durante el gobierno de Margaret Thatcher. Inicialmente trabajó en blanco y negro, pero en 1984 se pasó al color. También ha trabajado en el cine documental. Su primer contacto con este medio fue su colaboración con Nick Barker en 1990-1992, realizando fotografías de la película Signs of the Times. Es miembro de la Agencia Magnum desde 1994. El sentido del humor es muy importante en la obra de Matin Parr. Para él, es el modo de salvarse del ridículo y la decadencia en nuestra vida diaria. La banalidad, el aburrimiento y la falta de sentido de la vida moderna es plasmada en trabajos como "Parejas aburridas" y "Sentido Común". http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=MARTIN+PARR https://www.martinparr.com/ https://pro.magnumphotos.com/C.aspx? VP3=CMS3&VF=MAGO31_10_VForm&ERID=24KL5357TF
14.- CLARENCE JOHN LAUGHLIN Clarence John Laughlin fue un fotógrafo americano considerado el primer fotógrafo surrealista de los Estados Unidos. Laughlin descubrió la fotografía cuando tenía 25 años y aprendió de forma autodidacta. Comenzó a trabajar como fotógrafo de arquitectura de forma independiente y fue empleado posteriormente por agencias tan variadas como Vogue Magazine y el gobierno de los E.E.U.U., teniendo problemas con ambos, por lo que, después de eso, trabajó casi exclusivamente en proyectos personales utilizando una amplia gama de estilos y de técnicas fotográficos, desde abstracciones geométricas simples de características arquitectónicas a elaboradas alegorías utilizando modelos, trajes y escenografía. Sus imágenes son a menudo nostálgicas, influenciado por Eugene Atget y otros fotógrafos que intentaron capturar paisajes urbanos en fase de desaparición. El libro más conocido de Laughlin, “Ghosts Along the Mississippi”, fue publicado en 1948. Murió en 1985 y muchos historiadores acreditan a Laughlin como el primer fotógrafo surrealista verdadero de los Estados Unidos. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=JOHN+LAUGHLIN https://oscarenfotos.com/2014/10/04/clarence-john-laughlin-galeria/
15.- LISETTE MODEL Elise Seybert, más conocida como Lisette Model, fue una fotógrafa austriaca nacionalizada americana figura clave de la historia de la fotografía, tanto por su personal y característica forma de fotografiar como por la labor docente que desempeñó. En 1933 se empieza a interesar por la fotografía por razones puramente económicas. Su amiga Rogo André, fotógrafa y primera mujer de André Kertész, le enseña a manejar una Rolleiflex. En 1934 visita a su madre en Niza e inicia su serie Promenade des Anglais, un estudio crítico de la burguesía. En Octubre de 1938 visita Nueva York, donde conoce a Ralph Steiner, Director Artístico de la revista liberal PM's Weekly, donde publica su trabajo Promenade des Anglais, con fotografías realizadas en Niza y Montecarlo. En los años cuarenta, coincidiendo con su traslado a un apartamento de Greenwich Village, empieza una serie de reportajes de la vida cotidiana, ya sea en la calle, o frecuentando bares, cafés y cabarets. Estas imágenes se publican en revistas como París Match, Look, Ladies Home Journal, Harper's Bazaar. En 1951 se inicia como profesora en el New School for Social Reseach, donde daría clases años mas tarde a Larry Fink, Diane Arbus y Bruce Weber. Sin duda Lisette Model es una autora cuyas estampas callejeras deberían ser siempre motivo de revisión por parte de quienes disfrutan con la Street Photography.
Los retratos directos, desde un punto de vista bajo, los encuadres a ras de suelo, dando protagonismo a la belleza femenina gracias a los zapatos, su instinto para apretar el disparador justo en ese momento donde los gestos se hacen espontáneos, su sentido de la composición, concretando los elementos en su lugar o jugando con el uso de diagonales, hicieron que tuviera una forma de buscar las imágenes inconfundible. https://www.xatakafoto.com/historia-de-la-fotografia/lisette-model-una-fotografa-austriaca-ennueva- york http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=LISETTE+MODEL
16.- TINA BARNEY Tina Barney es una fotógrafa estadounidense conocida principalmente por sus retratos a gran escala y en color de su familia y amigos cercanos, muchos de los cuales son la clase alta de Nueva York y Nueva Inglaterra. Tina Barney se introdujo a la fotografía por su abuelo cuando era una niña pero no fue hasta 1973, cuando se mudó a Sun Valley, Idaho, con su esposo e hijos, cuando ella comenzó a estudiar la fotografía, aburrida de ser la clásica mujer de clase alta norteamericana centrada en la gestión del hogar, los hijos y a ocupar el tiempo libre en compras o deporte. Tina es conocida principalmente por sus fotografías de gran formato y a todo color de su rica familia de la Costa Este. Usando una cámara de gran formato y brillantes colores, sus imágenes seductoras conforman un estilo de realismo característico, que ofrece una visión de la alta sociedad que la mayoría de la gente no puede contemplar habitualmente. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=TINA+BARNEY
17.- ERICH SALOMON Erich Salomon fue un fotógrafo alemán que fue pionero del periodismo fotográfico moderno y uno de los primeros en usar máquinas de pequeño formato y en fotografiar interiores sin flash ni lámparas. Llegó a ser llamado “el rey de los indiscretos”. Después realizó diversos trabajos hasta entrar como colaborador en 1926 en la editorial Ullsteindonde, con 41 años, se inició en la fotografía al emplearla para demostrar el empleo de las paredes reservadas por su clientes para poner carteles. En 1928 obtuvo la fotografía de un acusado en un juicio a pesar de la prohibición de realizar fotos en el tribunal, para lo que empleó su cámara oculta en un maletín y a partir de ese momento estuvo trabajando como reportero gráfico hasta 1933. Los principales temas que abordaba eran reuniones oficiales de las autoridades y también del mundo cultural y artístico. Realizó un importante cambio en la concepción del reportaje ya que utilizaba una cámara de pequeño formato. Comenzó con una de marca Ermanox con un objetivo muy luminoso (1.8f) y el uso de placas fotográficas ultrarrápidas le permitió «fotografiar todo cuanto se ponía al alcance de sus ojos». También defendió la iluminación natural (en contra del flash) para no interferir en las escenas destacando su ambiente; estos resultados los lograba empleando unas velocidades de obturación de un cuarto o quinto de segundo y unas aberturas de f/1.8 o f/2. Al alcanzar el poder Hitler emigró a los Países Bajos pero tras la invasión de éstos fue localizado en Scheveningen y deportado a Alemania. En 1944 fue asesinado en Auschwitz junto a su esposa y su hijo. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=ERICH+SALOMON https://oscarenfotos.com/2013/04/12/galeria-erich-salomon/
18.- MARTÍN CHAMBI JIMÉNEZ Martín Chambi Jiménez fue un fotógrafo peruano que es considerado una de las grandes figuras de la fotografía americana, siendo reconocido por sus fotos de profundo testimonio social, histórico y étnico, donde retrató profusamente a la sociedad agraria y urbana de los Andes peruanos En su condición de indio y desheredado, la pobreza y la muerte del cabeza de familia le hace emigrar, con sólo catorce años, a buscar trabajo en las multinacionales que explotan las minas de oro de Carabaya en la selva a orillas del río Inambari. La fortuna hace que sea allí donde traba su
primer contacto con la fotografía, aprendiendo sus rudimentos de los fotógrafos ingleses que trabajan para la Santo Domingo Mining Co. En 1908 emigra a la ciudad de Arequipa, donde la fotografía estaba muy desarrollada y donde destacaban fotógrafos notables con estilo propio y manejando una técnica impecable. Trabaja de aprendiz en el estudio fotográfico de Max T. Vargas (pictorialista), a quien él consideró su maestro en el arte de la fotografía. En 1917 abre su primer estudio en Sicuani, Cuzco, donde se convierte en el fotógrafo pionero de las tarjetas postales en el Perú. En 1920 se establece en la ciudad de Cuzco, donde su estudio llega a ser el más importante de la ciudad. En 1927 inicia su etapa madura en la fotografía. Expuso en vida por lo menos diez veces, tanto en Perú como fuera de él. Dividió su trabajo en dos grupos: El de índole comercial, que incluía los retratos por encargo, en estudio y exteriores, los grandes retratos grupales y el de carácter personal, que incluía su registro antropológico, básicamente retratos de la etnia andina y registro de tradicionales locales, sus numerosas vistas urbanas de Cuzco y sus vistas de restos arqueológicos. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=MART%C3%8DN+CHAMBi+JIM%C3%89NEZ https://oscarenfotos.com/2013/09/01/martin-chambi-articulo/
19.- ALEKSANDR RODCHENKO Aleksandr Mijáilovich Ródchenko fue un escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso. Fue uno de los artistas rusos más polifacéticos de la Rusia de los años veinte y treinta. También fue uno de los fundadores del constructivismo ruso. Ródchenko exploró el fotomontaje para el diseño de carteles y cubiertas de libros. Lo usó como una alternativa a la pintura que se beneficiaba de su reproducción automática, lo que le hacía tener una audiencia masiva. Fue en 1924, al emplear materiales cada vez más peculiares para sus fotomontajes cuando recurrió al empleo de la cámara fotográfica. En el campo de la fotografía Ródchenko fue también célebre. Como la cámara permitía tomar fotos en cualquier posición, dedujo que la fotografía correspondía a la actividad del ojo humano. De esta forma usó la cámara fotográfica para crear sensaciones desconcertantes, a la vez que usaba las fotografías con un objetivo de compromiso social. Formalmente, las fotografías solían ser o planos cenitales o planos nadir, planos opuestos totalmente al Pictorialismo y que impactaban al espectador, causándole dificultades en reconocer el objeto fotografiado. Tuvo varias etapas fotográficas, desde la etapa del abstracto (etapa en la que llego a la fotografía no figurativa), hasta etapas en las que fotografiaba actividades deportivas, paisajes o coreografías. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=ALEXANDER+RODCHENKO
https://oscarenfotos.com/2013/05/11/alexander-rodchenko-la-revolucion-fotografica/ https://www.xatakafoto.com/fotografos/rodchenko-el-constructivismo
20.- PAUL OUTERBRIDGE Paul Outerbridge Jr. fue un fotógrafo americano de educación multidisciplinar, sus primeras fotografías se centraron en abstracciones de estilos de vida, con objetos comunes como tazas, bombillas, botellas de leche, piezas de maquinaria y huevos. Trabajó como fotógrafo comercial, principalmente de moda, siendo conocido por la alta calidad de sus ilustraciones en color, realizadas por medio del proceso tricolor carbro, que era extremadamente complejo. Además, tiene una serie de desnudos eróticos en color que apenas pudo exhibir y publicar durante su vida. En 1921 asistió a la escuela de fotografía Clarence H. White en la Universidad de Colombia. En 1922 su trabajo empezó a aparecer en revistas como Vanity Fair y Vogue. En París produjo la versión francesa de Vogue, trabajó con Edward Steichen y construyó el estudio fotográfico para publicidad más grande y mejor equipado de todos los tiempos. En 1929, 12 de sus fotografías fueron incluidas en la prestigiosa exposición Film und Foto en Alemania. Volvió a Nueva York en 1929, donde abrió un estudio donde realizaba trabajo comercial y artístico y comenzó a escribir una columna mensual sobre fotografía en color para U.S. Camera Magazine. En 1940, publicó su libro Photographing in Color, usando ilustraciones de la alta calidad para explicar sus técnicas. En 1943 se trasladó a Hollywood tras retirarse como fotógrafo comercial tras los escándalos por sus fotografías eróticas. Un año después de su muerte, la institución Smithsonian efectuó una exhibición de las fotografías de Outerbridge. http://www.cadadiaunfotografo.com/search?q=PAUL+OUTERBRIDGE