Pintura y Psiquiatría
Cuerpo que baila, alma que danza
Colombia $10.500 Número cero
VII Bienal Internacional de Arte Suba 2010
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Portada Punto de entropia Danilo Dávila Directores Tatiana Gómez Juan Orjuela Corrección Francisco Pabón Impresión OP Gráficas Distribuidores Distribuidoras Unidas, S.A. Tr 93 # 52 - 03 Tel: 413 9300 - Bogotá, D.C. ISNN 0122-9289 Prohibida su reproducción sin previa autorización escrita de El Atelier ABRIL - MAYO 2010
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El Ágora
Sumario
En Foco 8
VII Bienal Internacional de arte Suba 2010
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Pintura y psiquiatría
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Síndrome de Cotard
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Genio y locura
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La enfermedad mental de Syd Barret
Voces 16
Cuerpo que baila, alma que danza
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Bobby McFerrin, VOCAbularieS
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Stanley Kubrick; camino a la perfección
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Cabeza de sangre; Marc Quinn
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Land Art arte y naturaleza
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Aviones robóticos; recogen datos climáticos
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a sociedad contemporánea de nuestro país es bastante amplia, una aleación de culturas, formas distintas y pensamientos heterogéneos. En medio de tantas diferencias sociales en el aspecto ideológico, político, religioso, cultural, etc., se origina la idea de una publicación que dentro de tanta variedad tome lo positivo de cada terreno y compile toda la información y rasgos culturales que una sociedad de mentalidad evolucionista debe tener. La misión es educar, ilustrar, y ampliar la visión de los lectores a través de información en todas las áreas artísticas y culturales sin imponer un pensamiento o globalizar opiniones. Por tal razón la revista ofrece un amplio espacio de participación para todos. Un acercamiento general al mundo de la fotografía. Diversidad de imágenes capturadas por los fotógrafos más talentosos, una descripción de situaciones actuales o un viaje a través de la imaginación pasando por la realidad subconsciente del compositor de la imagen. Un lenguaje visual que se convierte en la mejor opción de
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comunicación, parte en la estructura de la fotografía y el análisis de sus partes y elementos para la comprensión del mensaje. Para quienes la lectura representa una pasión, los mejores relatos, cuentos, fábulas, poesías, dramas, tragedias, comedias, etc, creados por los que subliman las letras. Un acercamiento al arte de escribir mediante diversas técnicas y estilos con la sensibilidad particular de cada escritor, revelando una visión del mundo implícito en sus escritos. Reflexiones que vinculan el conocimiento con la existencia, dirigidas a personas que buscan el saber dentro del mismo conocimiento, motivadas por la curiosidad y que buscan establecer las dimensiones de la realidad basadas en la razón. Paralelamente a estos razonamientos filosóficos, se aborda el tema científico evidenciando sus planteamientos a través de la experiencia. Una mirada al séptimo arte, las películas que están en cartelera, recomendados, las obras clásicas del cine y análisis a las mejores películas de la
a presente es una revista cultural cuyo fin es el de servir de espacio para la reflexión Es el deseo de sus creadores centrarse en temas como las artes, la filosofía, la sociología y demás disciplinas que se pregunten por la naturaleza del hombre y su relación con otros y el mundo. Aquí se expone el trabajo de profesionales en las áreas antes mencionadas así como la opinión de otros autores frente este, de hecho cualquier lector estará en libertad de compartir sus ideas en cada publicación. En otras palabras, no se pretende únicamente informar o educar de manera unidireccional, la intención es construir conocimiento mediante el debate intelectual, así que evidentemente se necesitará del interés y colaboración del lector constantemente. La posición de
historia. Un experto en el tema hace una completa exploración de una cinta, en todos los aspectos, producción y elementos compositivos de esta, sobre cómo fue realizada, técnica utilizada, iluminación, dirección de arte, sonido y musicalización de la cinta, dirección de actores y por supuesto el guión y el transfondo de la historia. Un espacio para aquellos que ven la música como un elemento fundamental en sus vidas más que una expresión artística. Se trata un tema músical específico, una corriente o un artista. Programación cultural del mes, una guía completa de los eventos artísticos y culturales que se desarrollan en las principales ciudades del país. Teatro, música, cine, danza, conferencias, exposiciones, proyecciones, charlas, conferencias, etc. Tatiana Gómez
la revista en las distintas discusiones será la de mediar, revisando constante la coherencia y pertinencia de todo lo que se quiere decir y manteniendo siempre completa objetividad. Por otra parte se mantendrá al lector informado de conferencias, exposiciones o cualquier evento que pueda ser de su interés. Es importante también destacar que el tipo de publicación así como su periodicidad (mensual) se relaciona con los propósitos dichos. El tiempo entre las distintas entregas permite digerir la información y expresarse frente a esta. Su naturaleza también la lleva a convertirse además en un excelente material de consulta. Se espera además que la dinámica propuesta,
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Editorial
según la cual cada publicación es importante para abordar la siguiente, sea comprendida por el lector. Ahora la gran preguntar a resolver es ¿Qué utilidad podría tener una revista cultural en Colombia? Nuestra respuesta es: educar. Consideramos que los esfuerzos de una sociedad deben estar enfocados en prepararse para superar los problemas que le agobian, problemas que no le son indiferentes a ninguna rama del conocimiento. Por ello aunque el público objetivo está constituido por personas adultas, que se desempeñan como
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maestros, artistas, historiadores, entre otros, no queremos manejar un tono excluyente, esto ante todo una apuesta por la educación, se tratan asuntos que hasta el momento han permanecido expuestos tan sólo para un sector muy reducido. Se pretende acabar con esto, la publicación debe ser atractiva a cualquiera, debe mostrarse como una invitación a conocer ideas y posiciones con las cuales no se habían tenido contacto alguno. En conclusión nos unimos a la labor que hasta ahora han desempeñado revistas como El malpensante, Puesto
de combate, Arcadia, entre otras, pero manteniendo algunos puntos diferenciadores, como el enfoque pedagógico y la constante participación del lector en el desarrollo de la publicación. Juan Sebastián Orjuela
de la serie “Fragmentos elementales” 52 Lucía Gómez Óleo sobre lienzo Colombia
Mirar para imaginar
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a séptima versión de la Bienal Internacional de arte suba 2010, se presenta como el espacio adecuado para reafirmar el carácter público y abierto de éste evento para comprobar así la dinámica y madurez adquiridas en el tiempo, hasta consolidar un carácter especial en el ámbito artístico y cultural colombiano. En éste sentido es necesario relacionar el perfil de la Bienal con algunas reflexiones estéticas necesarias para hacer claridad sobre el derecho que tiene el observador de apropiarse conceptualmente de criterios que favorezcan la interpretación global de la obra observada. Se trata, apreciado lector, de recordar la interacción que se establece entre la obra artística, su autor y el observador de la misma. Inicialmente, el público debe saber que el arte sigue siendo arte, pero también sigue siendo trabajo y sigue siendo política. Esto se traduce en el reconocimiento del arte como expresión de la realidad comunitaria. En el lenguaje artístico se admite que para el artista, el arte se presenta como el mejor medio para alejarse y a la vez recrear una visión de la realidad, efecto que se traslada igualmente al espectador de manera liberadora, como una evasión momentánea. De éste modo, el estudiante, el campesino, el obrero, el empleado y el científico, todos, podemos dentro de nuestras posibilidades contemplar, leer e interpretar
En Foco
VII Bienal internacional de arte • Suba 2010
para comprender el alcance estético del arte, porque se convierte en un idioma que todos los seres humanos podemos expresar desde nuestro ser sensible. No olvidemos que el arte es la respuesta del hombre a la presencia devoradora del tiempo y de la muerte, es un medio que nos lleva a apartarnos de la realidad para enriquecerla y para comprobar que éste va más allá de la filosofía y de la ciencia. Evocando a Schelling: “el arte debe su nacimiento a una viva conmoción de los poderes más profundos del alma que se llama entusiasmo”. Por esa misma razón creemos que los valores expresados por la conciencia artística corresponden a intereses emocionales que encuentran una vía adecuada en la expresión misma del arte. Para integrar estas reflexiones con el objeto de la Bienal, debemos pensar que el evento es 9
una extensa panorámica artística que permite un acercamiento a obras consideradas singulares por su sentido, color y forma con la pretensión especial de permitir que sean vistas con placer y así facilitar una comprensión y una interpretación integralmente humanas. Para concluir, se puede afirmar que el más alto interés de éste evento cultural busca que las obras seleccionadas aporten los elementos necesarios para que el arte público siga siendo considerado como la mejor manera de difundir la conciencia estética en la población para sentirnos más civilizados y más humanos. Eliecer Camargo Osorio Artista Plástico y Filósofo Curador Séptima Bienal Internacional de Arte Suba 2010
Poesía magenta Danilo Dávila Mixta Colombia
Cosmopolitas Carlos Antonio Pérez Óleo sobre lienzo Cuba
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Mouvement a la plage dimanche Andreas Eiserbeck Ă“leo sobre lino Alemania
Sentimientos encontrados Elberto Pinto Ă“leo sobre lienzo Colombia
Sabor latino Santiago Mele FotografĂa digital Argentina 11
En busca de una esperanza Miguel Angarita Técnica Mixta Colombia
de la serie “Cobras” 1 Yanela Ruano Fernández Acrílico sobre lienzo Cuba
Creación divina Carlos Acosta Óleo sobre lienzo Colombia
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Sin título Miguel Angarita Técnica mixta Colombia
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Nacimiento Manuel F. Blanco Ă“leo sobre lienzo Colombia
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La niĂąa y el depredador Alejandro Prado Ă“leo sobre lienzo Colombia
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Cuerpo que baila, alma que danza
De cosmogonía en cosmogonía, de cultura en cultura, de civilización en civilización, el cuerpo humano siempre danzó y seguirá danzando. El baile es un deseo arcaico que se apodera del soma por sus raíces y lo echa dentro del movimiento. El baile es un chorro de vida que no conoce atolladero ni aprisionamiento del alma. No conoce racismo ni juicio moral. Es una necesidad inefable, es un ímpetu cultural inexhaustible, es supervivencia, es terapia psicosomática, es autosuficiencia del cuerpo, es ineluctable, es expresión de cada uno individual o colectivamente. Es erótica de vida. Es vida. Desde los tiempos antiguos de Grecia, Egipto, Asia, América precolombina, África, Oceanía, frescos, dibujos, estatuas dan a conocer el cuerpo humano en movimiento. En rituales de amor o de guerra, de ofrendas o de amenazas, de libertad o de esclavitud, desde siempre, todos los pueblos del mundo han comunicado por la danza su estado de alma, su realidad social, su atavismo intrínseco. El baile es la Historia de los pueblos. En sus pasos se inscriben las memorias heredadas de tiempos sin tiempo. En la expresión colectiva, cada individuo cuenta, cada momento vivido se explica. El baile se transforma en poética del universo. Desde el removido de polvos africanos al son del batido de la tierra, el baile sacramental de un Asia mística, hasta el frenesí latinoamericano en su multitud polifónica de ritmos, danzar es hablar con su cuerpo, es abrirlo, es invocar todos los elementos del universo, es existir por sí mismo y desear existir en la mirada del otro, es crearse su propio espacio para moverse, es dejar que el cuerpo llore y dejar que el cuerpo goce.
La danza es y será siempre la expresión de una tradición completamente libre de imposición cualquiera. Esta libertad no impide que un baile tenga sus normas y sus pasos contados. Desde la descarga desenfrenada de una rumba cubana a un cuarto de vuelta hacia atrás de un tango porteño, el exorcismo corporal no acepta nada más excepto su propio cuerpo. La pasión se vuelve evasión trascendental. La evasión puede llegar al trance. Lo natural alcanza lo extra natural. Tambores, bandoneones, son, danzón, merengue, chachachá, vals peruano, una infinitud de músicas se hace cómplice del cuerpo que acompaña. En un bailar a solas o bailar acompañado, en la necesidad de tocar o no tocar al otro, lo seguro es que cada movimiento responde al decir personal y sensual de cada uno que danza. Se danza o no se danza. Mas, si se danza significa que cada uno se libera de sus cadenas atávicas, se deja llevar, no traza fronteras en su pista, engloba en su mirada gozosa lo bello, exorciza lo feo. Además como dice la canción, ¨no hay que llorar, que la vida es un carnaval¨. Basta con que uno olvide su entorno oscuro y se eche al baile como uno se echa al amor confiado de que su cuerpo es único, y lo deje gozar al son de la música que resuena en su alma como eco de su propio cuerpo.
>>Moverse con la mùsica Has de aprender a sentir la música y a expresarla a través de la forma de tus movimientos. El sentido musical es vital para un bailarín, muchos se empeñan en realizar los ejercicios con una base musical sin prestarle atención a los matices del compás o al ritmo, esto es peligroso pues el bailarín que no conoce bien la técnica llega a acostumbrarse a realizar los ejercicios sin prestarle atención a la música, a tener esta de adorno de acompañamiento a sus pasos o ejercicios. Es conveniente que durante la enseñanza, profesores hicieran bastante hincapié en el compás de la música pues es primordial, primero deberían afianzar la técnica y no hacer ejercicios por hacer, deben prestar atención a la ejecución de estos al ritmo correcto que marca la música.
Fotos: Enoch Chan, Bailarina: Vanessa Carmichael-Elder
>>Respiración Utiliza la respiración para encontrar un lugar en el cuerpo que te gustaría explorar. Permanece en este lugar solamente con la respiración, mientras la mente se mantiene tranquila y receptiva. Nota cómo la respiración afecta esta área. ¿Se crea movimiento? ¿Cambia la sensación de espacio que tienes en esta área? Respira hacia el interior del brazo derecho durante unos minutos. Imagina que puedes sentir el brazo derecho con la respiración. Intenta guiar la respiración a lugares exóticos como el espacio entre la rótula o las suturas del cráneo. Escribe la experiencia. Escribir, o entrevistar, es un proceso utilizado para crear una simulación mental adecuada del movimiento. Victoria Shelter, bailarina profesional
Bobby Mc Ferrín; VOCAbuLarieS Cada nuevo trabajo de Bobby MacFerrin es una celebración, una fiesta de la voz humana como expresión artística y de comunicación musical. A estas alturas no voy a descubrir ni sus facultades naturales para crear una sinfonía a partir de las cuerdas vocales que Dios le dió, ni su poder de comunicación con los simples mortales que lo escuchamos boquiabiertos. Sólo hay que hechar otro vistazo a esta clase magistral sobre la escala pentatónica, o asistir a cualquiera de sus conciertos para lo primero, o escuchar VOCAbuLarieS para lo segundo.
Vocabularies (2.010), un collage de lenguas de todo el mundo
VOCAbuLarieS es el primer trabajo después de ocho años de silencio discográfico. La colaboración con el compositor, arreglista y productor Roger Treece es la base de la obra. Todo supervisado por su productora de toda la vida Linda Goldstein. Cuenta en sus créditos con más de cincuenta de los mejores cantantes del mundo, grabados uno a uno y en pequeños grupos para crear un coro virtual formado por más de 1.400 pistas. Todo ha sido construido meticulosamente y entrelazado como los múltiples lenguajes humanos que utilizamos para conseguir sólo uno y totalmente accesible, alegre y de una forma fraternal. Todo el CD es una muestra del amor que Bobby tiene por todos los géneros musicales, desde la música clásica, al Rhythm and Blues pasando por el Gospell sin olvidar influencias de culturas de todo el mundo y en especial de la madre África.
Las siete canciones que incluye VOCAbuLarieS mantiene el oído del oyente en un estado constante de sorpresa. Cada canción se desarrolla con una perspectiva caleidoscópica en los riffs vocales de Bobby. Las letras ofrecen un collage de latín, italiano, sánscrito, zulú, español, ruso, hebreo, portugués, mandarín, japonés, francés, árabe, alemán, Inglés, irlandés, así como el lenguaje inventado y exclusivo de Bobby. Desde el grito de un bebé hasta las notas finales son una mirada a la eternidad. McFerrin, Treece y su coro virtual nos transportan a terreno desconocido. Es la música universal que funciona en muchos niveles. Cada oyente escuchará algo diferente pero todo llega a un mismo punto creativo elevado de posibilidad infinita.
Foto: Miguel Palacio
La irrupción de Bobby McFerrin en el escenario del jazz en los años ochenta, supuso una corriente de aire fresca en el mundo de los vocalistas. Por primera vez en muchos años, un cantante de jazz lograba llamar la atención del publico, incluso antes de su extraordinario éxito con su tema "Don't Worry Be Happy", tras muchas décadas en que los cantantes de la música afroamericana, habían optado por estilos musicales mas rentables económicamente. Con un técnica sorprendente, un registro amplísimo y un dominio absoluto del scat, este hijo de cantante de opera, abarca musicalmente varios estilos sin que en ninguno de ellos baje el tono y la calidad de su voz. Hace un paréntesis en su producción jazzistica y gira hacia la música clásica interpretando obras de Mozart, Bach y Tchaikovsky, con la "Saint Paul Chambers Orchestra". En 1996, da un nuevo giro a su actividad musical y graba junto al grupo Yellowjacket, el álbum: Bang! Zoom (Blue Note, 1995). Para el mismo sello graba en 1997 el disco "Circlesong" donde ofrece una espectacular forma de improvisación vocal. Bobby McFerrin, continua en estado de gracia, y alterna en la actualidad sus grabaciones en estudio con actuaciones en pequeños clubes donde se explaya con maestría. Por: José Airam
Ilustración: Luis Díaz
Trece largometrajes de ficción en cuarenta y seis años de carrera. Seis de ellos a lo largo de la primera década tras la cámara. No puede decirse que Stanley Kubrick se prodigara en filmar películas. Cada una de sus criaturas cinematográficas era única y exigía de él una preparación minuciosa, hasta el feliz alumbramiento. Un halo de misterio rodeó siempre la personalidad de Stanley Kubrick. Nacido en 1928 en el neoyorquino barrio de Bronx, perteneciente a una familia judía procedente de la Europa central, su personalidad era arrolladora. Tozudo y determinado, frío y calculador -una de sus aficiones favoritas era el ajedrez-, parecía capaz de acometer todo lo que se proponía. No le gustaba exhibirse en público, sobre todo tras fijar su residencia en Londres. Fue después del rodaje de Espartaco (1960), el único film del que no tuvo el control absoluto, y en el que relevó a Anthony Mann. Las dificultades en Hollywood y los problemas subsiguientes en la adaptación de "Lolita" de Vladimir Nabokov, tuvieron mucho que ver con su empeño en retirarse del mundanal ruido. La fama de taciturno y maniático crecería con el paso del tiempo, junto al aura de gran gurú, que Tom Cruise y Nicole Kidman alimentaron al contar su experiencia junto a él en Eyes Wide Shut (1999), su último film, que no llegó a ver estrenado .
Stanley
Kubrick; Camino a la perfección Por: Santiago Botero
La fortuna y el gusto por la fotografía condujeron a Kubrick en su juventud al periodismo gráfico. Sus instantáneas, muy apreciadas en la revista Look, le llevarían a la filmación de noticiarios de cine. Y entonces lo tuvo claro. Quería contar historias con la cámara. Y estaba dispuesto a invertir su propio capital. Todo con tal de hacer lo que él quería, sin interferencias. Fear and Desire, El beso del asesino, Atraco perfecto. Pequeñas películas realizadas a partir de 1953 con escasos medios, pero que consiguen la exhibición. Y llaman la atención de la crítica y de un tipo avispado, James B. Harris, que se convertirá en amigo y confidente. A partir de aquí los estudios, primero MGM, luego Warner, advierten el talento innegable de un director con inquietudes intelectuales y enorme poderío visual. Al rodar un film parece estar resolviendo un problema matemático, calculando las jugadas necesarias para dar el decisivo jaque mate. Una toma no es perfecta, y la repetirá una y otra vez hasta lograr lo que desea, aun a costa de exasperar a actores y equipo técnico. Inventará mil trucos y artilugios para que los planos sean cómo él los ha imaginado AÑO 1955 1956 1957 1960 1962 1964 1968 1971 1975 1980 1987 1999 2001
PELÍCULA TÍTULO ORIGINAL EL BESO DEL ASESINO KILLER’S KISS CASTA DE MALDITOS THE KILLING LA PATRULLA INFERNAL PATHS OF GLORY ESPARTACO SPARTACUS LOLITA LOLITA DR. INSÓLITO DR. STRANGELOVE 2001 ODISEA DEL ESPACIO 2001: A SPACE ODYSSEY LA NARANJA MECÁNICA A CLOCKWORK ORANGE BARRY LYNDON BARRY LYNDON EL RESPLANDOR THE SHINING NACIDO PARA MATAR FULL METAL JACKET OJOS BIEN CERRADOS EYES WIDE SHUT INTELIGENCIA ARTIFICIAL ARTIFICIAL INTELLIGENCE Filmografía de Stanly Kubrick
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Cabeza de sangre;
La obra corresponde a un autorretrato del provocador artista británico Marc Quinn, quien utilizó entre cinco y seis litros de su propia sangre para esculpir su cabeza.
Foto: Sofia Bautizta
Marc Quinn Una provocadora escultura de sí mismo esculpida por el artista británico Marc Quinn con más de cinco litros de su propia sangre y posteriormente congelada, está expuesta desde este jueves dentro de la colección permanente de la National Portrait Gallery de Londres. La obra, que data de 2006 y lleva por título "Self", fue adquirida por 495 mil dólares por el prestigio museo de retratos de personajes famosos, que la calificó como "una de las obras más importantes e influyentes de Quinn". "Self" es la cuarta de una serie de "cabezas de sangre" hechas por Quinn con sangre congelada, que se han convertido en una de las imágenes más duraderas del movimiento conocido como Brit Art, que lidera el estelar Damien Hirst. Entre cinco y seis litros de sangre fueron necesarios para su elaboración, según una portavoz del museo. Desde que comenzó su proyecto, en 2001, Quinn fabricó un nuevo molde cada cinco años para "documentar su propia transformación y envejecimiento". "Esta escultura surgió del deseo de llevar el arte del retrato al extremo, una representación que no sólo tiene la forma del modelo, sino que está hecho de la carne del modelo", declaró Marc Quinn a través de un comunicado. "Sólo existe en algunas condiciones, en este caso congelada, equivalente para mí de que una persona está viva", agregó el provocador artista. 21
“Self”, escultura elaborada por Marc Quinn
Para poder exponer y conservar la obra en las mejores condiciones, los especialistas del museo estudiaron cuidadosamente los problemas técnicos que plantearon las otras piezas de la serie, todas ellas en el extranjero. Calificada por la directora de la National Portrait Gallery, Sandy Nairne, de "extraordinaria" adquisición, formará parte de una colección compuesta por unos 10 mil cuadros, esculturas, caricaturas y dibujos que retratan a personajes famosos, en su mayoría británicos. Por: Jorge Zambrano
Land art=
>>Land Art, arquitectura natural, arte inspirado por el espiritu de la tierra. Visión poética del universo y sus elemetos. Durante el último siglo la expresión artística se ha abierto camino a través de nuevos medios, lenguajes, materiales, significados. La búsqueda de novedad, sin embargo, no aleja al arte de una de sus misiones originales: la reflexión acerca del sentido de la existencia humana y de los mundos de lo visible y lo invisible. Uno de los enigmas que ha inquietado al ser humano desde la antigüedad es su relación con la naturaleza. El arte contemporáneo, a través del Land art, se adentra en esta antigua preocupación humana. ¿Qué es el Land art? En la década de los setenta del siglo XX hubo varios artistas, en especial norteamericanos y europeos, que comenzaron a elaborar obras de arte a partir del medio natural. A esta corriente artística contemporánea se le llama Land art (arte-Tierra) porque sus creaciones usan el paisaje como soporte (escenario) o materia prima de la obra. El principio fundamental del Land art es alterar, con un sentido artístico, la superficie de la Tierra. Muchas de estas obras tienen proporciones monumentales y la mayoría se realizan y ubican en sitios remotos, lejos de la mirada del espectador: en la ribera de un lago, en un escarpado paisaje rocoso, en una isla, en un campo abierto al pie de las montañas, en el bosque. La mayoría del Land art es efímero, no sobrevive el paso del tiempo, pues desaparece debido a la erosión del terreno, la lluvia, las mareas o porque el propio artista desarma su obra una vez cumplido su propósito. Muy pocas personas pueden observar directamente el Land art y sus obras quedan completamente fuera del circuito comercial; sólo llegan a ser conocidas por el público a través de registros fotográficos y fílmicos, mapas o dibujos que se exponen en museos y galerías, o se venden a coleccionistas privados. Esto provoca que el Land art permanezca dependiente del museo o galería para darse a conocer, a pesar de la decisión del artista de rechazar los espacios institucionales, cerrados o privados.
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El Land art se inspira en la arquitectura antigua o los sitios sagrados del pasado más remoto, como son los monolitos o cuadrantes solares prehistóricos del tipo de Stonehenge, tumbas egipcias, montículos funerarios precolombinos, altares o marcas rituales a cielo abierto. Como en el arte primitivo, los diseños del Land art usan un mínimo de elementos expresivos y parten de trazos primarios: línea recta, zigzag, círculo, cuadrado, espiral, cruz. A través de la simplicidad, los artistas del Land art exponen reflexiones profundas, sobre la relación entre el ser humano y la Naturaleza, entre el mundo trascendente y el mundo natural. La mayoría de las obras del Land art transmiten un sentido místico o misterioso.
y Arte Naturaleza
Artistas y obras Una de las obras ejemplares de esta corriente artística fue Spiral Jetty (1970) de Robert Smithson, una gran espiral hecha a partir de rocas, tierra y cristales de sales en las costas del Great Salt Lake (Gran Lago Salado) en el estado de Utah, Estados Unidos. Quizá el más reconocido de los artistas del Land art sea el inglés Richard Long, que trabaja tanto directamente en el medio natural como fuera de él. Para sus creaciones "interiores", Long acarrea materiales naturales a los espacios cerrados de museos y galerías e instala allí su obra, generalmente consistente en un sencillo diseño colocado sobre el suelo. Por ejemplo, para Georgia South Carolina Wyoming Circle, usó piedras de colores provenientes de cuatro Estados distintos de Estados Unidos. A través de los distintos elementos que escoge —piedras, maderas, ramas, tierras—, Long intenta evocar el espíritu de un determinado sitio geográfico. Durante su proceso creativo, el artista registra fotográficamente las intervenciones que practica en el orden natural, donde va dejando rastros de su paso (hace marcas en la tierra, mueve de lugar piedras, algas, palos o lo que encuentre), con lo cual expresa ideas acerca del tiempo, del movimiento, del espacio y de la "huella" del ser humano sobre el planeta. Asimismo, dibuja mapas de las largas caminatas que realiza para llegar a cada lugar y diseña diagramas de su obra para que pueda trasladarse a otro lado si fuera necesario. Por: Patricia Aristizabal 23
Fotos: Danna Klaus
Foto: Esteban Duque
Aviones robóticos recogen datos climáticos
Robo-avión: la NASA y Northrop Grumman han desarrollado este avión no tripulado. Un avión no tripulado que puede volar al doble de altura que uno comercial ha realizado su primera misión con fines científicos, a lo largo de toda la costa oeste de Norteamérica, recorriendo 8.300 kilómetros en una ruta de ida y vuelta. Ha sido el primer vuelo de los cinco programados en la misión Global Hawk Pacific, o Glopac, de la NASA, para estudios de ciencia atmosférica sobre los océanos Pacífico y Ártico. “Hay ciertos tipos de datos atmosféricos y de ciencias de la tierra que nos estamos perdiendo, a pesar de tener cosas como satélites, aeronaves tripuladas y redes basadas en superficie”, señala Robbie Hood, directora del programa de sistemas aéreos no tripulados de la National Oceanic and Atmospheric Administration (NOAA). NOAA ha llegado a un acuerdo con la NASA para ayudarles a construir los instrumentos científicos y orientarlos en las misiones científicas de los Global Hawks. Hood evaluará las aeronaves para determinar cómo se podría mejorar su uso.
Por ejemplo, según ella, podrían sobrevolar un huracán para monitorizar sus cambios de intensidad o sobrevolar el Ártico para hacer un seguimiento más detallado de los cambios en el hielo marino. El avión no tripulado Global Hawk, usado por los militares de EE.UU. en Irak y Afganistán, completó el primero de sus cinco vuelos de investigación atmosférica sobre una región del occidente del país, informó la NASA. El vuelo sin tripulantes se realizó el martes pasado y en vez de sensores térmicos para la detección de nidos de insurgentes, el aparato fue equipado con 11 instrumentos para tomar muestras de gases invernadero y contaminantes atmosféricos, dijeron fuentes de la Agencia Espacial Estadounidense. El avión despegó desde el Centro Dresden de Investigación de Vuelos de la NASA en el desierto de Mojave (California) y durante 14 horas recorrió una distancia de más de 8.000 kilómetros.
Fabricado por la empresa aeronáutica Northrop Grumman la nave voló a 20 mil metros, el doble de la altura que recorren los aviones comerciales, y su información fue transmitida a los ordenadores del control de vuelo por vía satélite a los ordenadores del Centro Dresden. Debido a su autonomía y a la capacidad de volar a gran altura durante 30 horas, el aparato es ideal para captar la información sobre el estado atmosférico, manifestó en una declaración Paul Newman, uno de los científicos encargados de su misión. “Ninguna otra plataforma científica proporciona esa capacidad para tomar muestras de los fenómenos atmosféricos que evolucionan con mucha rapidez”, añadió. Los científicos también esperan utilizar la nave para estudiar formaciones climáticas originadas en las zonas polares y así como para la observación de la reducción en la capa de ozono. Por: Roman Spitia
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El Ágora
Dr. José Guimón Ugartechea Universidad del País Vasco
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a Aristóteles señalaba la existencia de una indudable relación entre genialidad y locura, y Sigmund Freud se preguntó también por las razones que explican que algunas personas privilegiadas tengan el don de la creatividad. Ante esto cabe preguntarse: ¿Es verdad que para pintar hay que estar loco? ¿Es cierto que, para ser un pintor creativo, hay que tener un cierto grado de locura? ¿Genio, pintura y locura están íntimamente unidos? Frecuentemente hay que ser un poco distinto, anticonvencional, diferente de carácter o especial. En ocasiones también se ha visto clarísimamente que hay más enfermos mentales entre los artistas pintores. Podemos distinguir artistas con diagnósticos que actualmente se denominan trastornos psicóticos, depresivos y también los de ahora muy de moda “trastornos de la personalidad”. En un reciente trabajo de investigación se hacen públicos distintos casos de sujetos que, no habiendo pintado nunca, después de sufrir trombosis cerebrales frontales izquierdas comenzaron a pintar de una manera compulsiva y con calidad en la forma y en lo pictórico, incluso alguno de ellos llegando a exponer a edad madura. Aunque esta reacción, naturalmente, iba asociada a otro tipo de sintomatología (de desinhibición, de hostilidad, etc) parece ser que esa zona del cerebro se desinhibe de sus contactos, y que predomina la otra parte del cerebro que hasta entonces estaba inhibida. Por consiguiente, comprobamos que el proceso de desinhibición cerebral por lesión puede facilitar en algunas ocasiones la creatividad artística. Eso es precisa-
mente lo que buscan muchos artistas al entrar en un lugar y nos ha parecido cuando toman drogas como el LSD, que el sitio nos sonaba de algo, que sustancias que pueden activar unas ya habíamos estado allí antes, o que zonas y desactivar otras, y que les pro- conocíamos a determinado personaje ducen una mayor capacidad creativa sin que jamás lo hubiéramos visto; o en algún momento determinado. nos hemos mirado al espejo y hemos Parece ser que, si uno está bien, dicho “no me reconozco, qué extraño tranquilo y sin ansiedad, no tiene estoy, quién soy”. necesidad de crear, sino de pasearse, ver el campo y La psicosis facilita en sus inicios la sentir placer. También parece ser cierto que, para obcreatividad a los artistas, pero cuando la tener un mínimo de tensión creativa, hace falta la posible psicosis o la esquizofrenia se instauran, reverberación de unos circuitos cerebrales que tienen la calidad de la producción artística que ver con la ansiedad y disminuye la depresión. En otras palabras, se puede decir que intervienen los mismos circuitos cuyo Despersonalización y desrealización equilibrio está desarreglado en los son fenómenos que todos hemos sentrastornos depresivos y en los trastor- tido en algún momento (por cansannos psicóticos. cio, por ejemplo). Quizás por eso es Frecuentemente, los artistas suf- común y se promueve la idea de “toren pequeños grados de desequilibrio dos llevamos un artista dentro”. Lo cierto es que la historia del arte de esos neurotransmisores que les inclinan a crear, y si no los tienen se los está plagada de padecimientos, transbuscan con drogas, insomnio o una tornos y sufrimientos que tienen basvida agitada y tormentosa. Entonces tante que ver con las enfermedades la creatividad les calma mentales. Van Gogh era un psicótico y les relaja, y disminuye (probablemente sufría una psicosis su ansiedad o depre- esquizoafectiva) y también padecía sión, y ese desequilibrio episodios de inquietante extrañeza, si les produce un nuevo bien cuando ya se había sumido en la psicosis aguda realizó la producciones arreglo homeostático. En cuanto a los trastor- que todos conocemos. Uno de los grandes surrealistas, el nos psicóticos, la despersonalización es un fenó- pintor y escritor francés Antonin Armeno que todos hemos taud fue también claramente psicótico vivido en algún momento y estuvo internado varias veces. Desde determinado. Por ejemplo, niño de salud frágil se convertirá en el
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Pintura y psiquiatría hombre que hará uno de los aportes más contundentes de todos los tiempos a la teoría del teatro en torno a una nueva idea: la del Teatro de la Crueldad. En 1936 viaja a México, donde vive varios meses con los indios tarahumaras y experimenta con el peyote. A su regreso a Francia, emprende casi de inmediato un místico viaje a Irlanda, es deportado desde Dublín e internado en diversos asilos mentales prácticamente hasta su muerte. La psicosis facilita en sus inicios la creatividad a los artistas, pero cuando la psicosis o la esquizofrenia se instauran, la calidad de la producción artística disminuye. A pesar de ello, sobre todo los surrealistas se interesaron por el arte de los locos, y visitaban los hospitales (donde entonces los enfermos mentales permanecían años y años), hasta el punto de que se reunió una auténtica colección de arte psicopatológico que hoy día se conserva en Lausana (Suiza). En realidad, el campo que guarda más relación con la pintura es la depresión. El trastorno depresivo y la creatividad pictórica están claramente relacionados. Existe un estudio muy interesante sobre los quince expresionistas abstractos de la escuela de NuevaYork, que tanta importancia tuvieron para la historia del arte después de los surrealistas europeo sy de Joan Miró (en quien tanto se inspiraron y que era un psicótico depresivo grave que confesabaque pintaba para salir de su estado de depresión). De esos quince, consultando la biografías ycotejándolas, se concluye que tres se suicidaron, siete estuvieron ingresados en el hospital psiquiátrico, seis sufrieron depresiones y cinco arrastraban problemas con el alcohol. Comparado con las estadísticas de la población, la diferencia resulta enorme. Un ejemplo que ilustra este campo es la ansiedad 27
mórbida con que se puede caracterizar la obra de Edvard Munch, el famoso autor de El grito, que también era un paciente psicótico. Los pintores también destacan en el campo de los trastornos de la personalidad. Los pintores y los artistas en general son en sí mismas personalidades diferentes, contestatarias, que, por definición, tienen que ir en contra de lo establecido y destruir los moldes de la generación anterior; son, por tanto, anticonvencionales, frecuentemente de izquierdas, y a menudo llevan vidas desairadas de conducta riesgosa, dentro de lo que se conoce como personalidades de novelty seaking (que buscan la novedad) y risk seaking (que buscan el riesgo). Estas personalidades son claramente frecuentes en los pintores, si bien a menudo arrastran trastornos mucho más graves. Andy Warhol era una persona tímida y acomplejada por su aspecto físico aniñado, enormemente dependiente de su madre, burlado en el colegio, que tenía tal complejo de inferioridad por su aspecto que se sometió a todo tipo de cirugía estética. Adolecía de una inseguridad física extraordinaria y presentaba una conducta sexual muy patológica. Así, aparte de su homosexualidad, que él declaró y defendió honestamente durante su vida, era voyeur declarado, pornógrafo y sadomasoquista, y celebraba orgías en las que participaba como voyeur , lo que reflejó después en algunas de sus obras. Sin embargo, era un hombre profundamente católico y estaba muy apegado a su madre, que vivió siempre al lado de él. Por el contrario, Salvador Dalí (quien se llamaba a sí mismo “loco paranoico” y que se aventuraría a decir: ¡”El surrealismo soy yo”!) era un individuo perfectamente normal, como aseguraban todos los psiquiatras que lo conocieron. Presentaba, eso sí, un cuadro de trastorno
Ilustraciones B.M.C
Colaboración de Elena B.
E
l síndrome de Cotard o creerse un muerto viviente es un extraño síndrome psiquiátrico que conlleva depresión, tendencias suicidas y otros síntomas descritos por Jules Cotard en 1880, una de sus pacientes lo padecía, posteriormente han habido otros casos. En Depsicología hablamos del síndrome de Cotard o creerse un muerto viviente. La característica más llamativa del síndrome de Cotard es que los pacientes que lo sufren tienen la creencia que están muertos , que no tienen nervios, ni san gre ni cerebro ni otros órganos, creen que se están pudriendo, incluso dicen oler como se pudre su carne. Se perciben como muertos vivientes o zombies. Otras veces creen ser inmortales aunque solo sean piel y huesos. Creen ser muertos vivientes. Los aquejados con este síndrome tienen delirio nihilistico o de negación. Comienzan con la negación de la existencia del exterior y llegan luego a negar su propia existencia. Se aíslan del mundo. Principales síntomas del Síndrome de Cotard: • Depresión • Pensamientos suicidas • Creencia que no existe su cuerpo. Es un delirio el pa-
Pintura y psiquiatría exhibicionista y narcisista, y no en vano empleó todo lo que estuvo a su alcance para medrar en el mundo, especialmente la publicidad. Él hablaba de delirio paranoico, pero nada de ello ha habido en su obra. De hecho, entre sus frases polémicas encontramos: “La única diferencia entre un loco y yo, es que yo no estoy loco”. Tras todo lo dicho hasta aquí es el momento de plantearse otra cuestión: ¿Cuáles son los mecanismos inconscientes de la génesis de una pintura? Freud, por una parte, afirmó que todos somos artistas, y no en vano, cu-
Katherine Hepburn
Ilustración de
Síndrome de Cotard ciente cree estar viviendo algo de forma real cuando sòlo se da en su imaginación • Creencia que se están quedando sin sangre. • Pensamientos negativos • Creencia que ya están muertos- Con delirios olfativos ellos incluso huelen que se están pudriendo • Creencia que los gusanos están bajo su piel • Creencia que son inmortales • Creencia que se están descomponiendo • Creencia que no tienen órganos internos. • Analgesia o ausencia de dolor • Automutilaciones Antes que Cotard lo describiera ya se habían encontrado casos clínicos similares aunque no descritos con tanto detalle como hizo Jules Cotard.
ando hemos sido niños, todos hemos pintado. Sin embargo, de pronto vamos al colegio y, como si nos castraran, dejamos de pintar. Aprendemos a hacer números y a jugar al balón, pero dejamos de pintar. Los pintores, en cambio, continúan haciéndolo. El niño expresa sus sueños, fantasías e ideas a través de la pintura, y Freud afirma que en la edad adulta la pintura se convierte en el juego del adulto y que ésta es una prolongación del proceso primario de pensamiento, que es el que se produce en los sueños. Por otra parte, Freud también propone que esa mutilación del pintar que se produce se debe a la represión de los instintos sexuales pregenitales perversos (no el deseo sexual, sino los impulsos anales, visuales, sadomasoquistas…) y agresi-
vos que llegan en la época de la escolaridad. Todos esos deseos perversos reprimidos, de los que además el ser humano acaba por no darse cuenta, necesitan ser sublimados inconscientemente a través de la creatividad artística. Igualmente, el duelo (por la pérdida de seres queridos, del amor, etc) es un momento propicio para la creatividad, siempre que este duelo no sea tan profundo que, postrándonos en un estado de melancolía, termine por inhibir al sujeto. El sentimiento de inferioridad motivado, por ejemplo, por una irregularidad corporal, también puede conducir a la creación. Representa un ejemplo de ello Frida Kahlo, la gran pintora mexicana. Padeció poliomielitis, lo que le dejó un pie algo
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Se desconoce con certeza qué provoca el síndrome de Cotard, aunque aparece relacionado con la depresión y con la esquizofrenia. Habitualmente aparece de forma repentina. Se han descrito diversos niveles del síndrome de Cotard, desde síndrome parcial a síndrome completo. Algunos investigadores han visto con las técnicas de neuroimágen , algunas lesiones que afectan al procesamiento visual. La terapia TEC (terapia electro convulsiva) suele producir mejorías en todos los pacientes al incrementar el flujo sanguíneo en zonas del cerebro como la corteza frontal, los ganglios basales, o el tálamo. Los Psiquiatras Eduardo Castrillon y Boris Guitérrez de la Universidad del Valle presentan un caso del síndrome de Cotard: • Paciente mujer (a la que daremos el nombre de “Laura”) • Edad 48 años • Estado civil: Lleva viuda desde los 24 años. • Lugar de residencia: Laura ha vivido en los Estados Unidos y en Colombia. Trastornos del estado de ánimo: Laura durante su estancia en los Estados Unidos sufrió varios episodios depresivos recurrentes, fue tratada con distintos antidepresivos. Al perder su trabajo la paciente presenta síntomas depresivos, insomnio recurrente, incapacidad para sentir placer, ansiedad, sentimiento de culpa y minusvalía. Después aparecieron las ideas suicidas, hubo varios intentos de suicidio (cortes superficiales en las muñecas). Al parecer al darse cuenta no era capaz de suicidarse aparecieron otros síntomas.
renqueante (la llamaban Frida “Patapalo”); además, fue víctima de un grave accidente con el autobús del colegio a consecuencia del cual su pelvis quedó destrozada, además de rota su vagina, lo que la obligó a someterse a múltiples operaciones que destrozaron su vida. Desde la primera operación, su padre le regaló unas pinturas con las que empezó a pintar. Su obra contiene órganos exteriorizados que parecen buscar la reparación de sus alteraciones corporales, lo que nos lleva a preguntarnos, ¿no sería una tentativa de curación por parte de Frida como el delirio lo es para el sujeto psicótico? Lo que resulta evidente es que la pintura, a día de hoy, es una terapia útil para los enfermos mentales. La arteterapia ya no es una práctica aislada
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Laura comenta: “El 20 de febrero vi que salía un humo por mi boca, al día siguiente me miré al espejo y mis ojos habían cambiado, no tenían vida. Me di cuenta que ese humo que salía por mi boca era mi alma saliendo de mi cuerpo”. A partir de ese momento, Laura tenía la creencia de ser una muerta viviente, se veía como una zombie. Laura pensaba que sentirse así era un castigo divino por haber intentado suicidarse. Laura comenzó a desarrollar alucinaciones olfativas, decía su cuerpo se estaba pudriendo y ella lo olía. Decía sentir un cosquilleo bajo la piel como si los gusanos la estuvieran devorando. Al ser consciente de que estaba muerta dejo de comer, porque decía que “los muertos no comen”, esto provocó un drástico descenso de peso. Se le realizaron estudios de neuroimagen para detectar si había algún problema cerebral, pero todos dieron negativos. A ser un caso extraño y no haber muchos casos descritos en en mundo no se sabía bien que tratamiento ponerle a la paciente. Algo había que hacer, el descenso de peso era preocupante. Se comienza a tratar a Laura con distintos medicamentos antipsicóticos (como Prozac , flouxetina). Pasaron unos meses y aparentemente no había señales de mejora. Se recurrió a una herramienta terapéutica, la terapia electro convulsiva a fin de incrementar el flujo sanguíneo en su cerebro. Después de 6 sesiones, los delirios comenzaron a controlarse hasta llegar a desaparecer.
y está presente en muchos centros y hospitales. Se basa como elemento importante en la catarsis, en la descarga de emociones que alivia. Además, es un instrumento de comunicación con el terapeuta. Muchos pacientes encuentran problemas para expresar sus conflictos y, cuando los dicen, son tan evidentes que se avergüenzan, lo que resulta doloroso; en cambio, pintar es una labor más inconsciente y oculta, y cede más fácilmente a la represión y a la censura, con lo que se expresa de forma más sencilla lo que no se alcanza a expresar con palabras. A través del intermediario que es el cuadro se explican cosas que no se dirían directamente. En definitiva, la producción pictórica se torna una herramienta para
comprender los comportamientos humanos, por supuesto también de aquellos que padecen alguna forma de trastorno. El arte, la pintura, siempre fue refugio para el loco que busca posiblemente la reconciliación esperanzadora en el acto creativo, lo cual, sorprendente o no, puede acabar no pocas veces con grandes y novedosos resultados estéticos, en auténticos emblemas de nuestra confusa cultura. Mª Carmen Velasco Almirón Este artículo es una adaptación hecha por margn.es basada en una conferencia más extensa que la propia autora pronunció en el centro cultural Casa de Las Sirenas, en Sevilla, el 8 de noviembre de 2005.
Genio y locura Dra. Raquel Buznego Universidad de Cataluña
O
bservamos, en no pocas ocasiones, que el lenguaje cotidiano, confunde genio y superdotado; sin embargo ambas personas se sitúan en polos radicalmente opuestos. La tarjeta de identidad del genio consiste en su talento creativo, rompedor, innovador. En cambio en pruebas de inteligencia obtiene un CI entre 110 y 130. El superdotado se caracteriza por un elevado rendimiento intelectual, en las pruebas psicométricas un sujeto es considerado como tal cuando su rendimiento supera un CI de 130-135. La distinción entre genio y superdotado no sólo se refiere al distinto grado de rendimiento obtenido en las escalas psicométricas sino al tipo de inteligencia. En el superdotado prevalece la inteligencia fluida, especializada en los procesos de aprendizaje, registro de información y aporte de soluciones rápidas a problemas. En el genio prevalece la inteligencia cristalizada que le permite novedosas asociaciones conceptuales vividas o inventadas. Las ideas racionales se enriquecen con intuiciones, fantasías y elaboraciones inconscientes. Los genios y los superdotados suelen transitar por vías diferentes. Puede ocurrir que se asocie una inteligencia superdotada con un talento creativo, sin embargo esta asociación es muy poco frecuente. En las aulas, el genio, puede ser considerado como un estudiante de baja calidad, un sujeto extraño que muestra desinterés por la enseñanza reglada. Suele caracterizarse la personalidad del genio por un sometimiento a oscilaciones periódicas ya que su vitalidad presenta una frecuente inestabilidad que se manifiesta como un movimiento pendular que le lleva de la inacción a la exuberancia creativa. Con frecuencia su producción se vincula a ciertos momentos del día y del año. La productividad circadiana suele ser más intensa en las mañanas y en las noches. La mayor productividad circanual se produce en primavera y verano Debido a estas diferencias el superdotado es socialmente considerado como el triunfador nato, mientras el genio es, o puede ser, objeto de recelo, desconfianza, incomprensión y, en no pocas ocasiones, tildado de loco.
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La enfermedad mental de Sid Barret Colaboración de Martín
Un genio que merece consideración especial es el idiota sabio o, más propiamente dicho, el genio subnormal. Este sujeto suele poseer una memoria portentosa acompañada de aportaciones creativas inimaginables dado su bajo CI (entre 70 y 75 ). La mayor parte de la producción de estos genios se da en el campo de la música, la escultura y el cálculo matemático Se desconoce la fuente de esta creatividad pero probablemente se deba a mecanismos que se ponen en funcionamiento debido al aislamiento social y/o sensorial, forzando a la mente a habilitar vías especiales. Entre la genialidad también caben distinciones, a grandes rasgos podemos hablar de genialidad científica y genialidad artística. El genio científico se caracteriza por los siguientes rasgos: descubridor de paradigmas, creatividad como producto del esfuerzo y la tenacidad, personalidad más equilibrada, desarrollo de la creatividad en la edad adulta y actitud escasamente narcisista. En cuanto a las características del genio artístico cabe distinguir: creador de mundos y formas, pensamiento dominado por la fantasía, desarrollo de la creatividad en la infancia y fuerte componente narcisista.
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Existe una tercera figura en discordia, radicalmente diferente a las anteriores, pero frecuentemente confundido con ellos: el Sabio. El sabio tiene gran facilidad para el aprendizaje de conocimientos, producto de la agudeza de observación y/o percepción, una gran asimilación de la experiencia, mentalidad abierta, consideración de todas las opciones posibles y capacidad de resolución de problemas. La sabiduría se va acumulando con el paso de los años, es un modo especial de cognición, una especie de metaconocimiento producto de una personalidad paciente, madura y generalmente altruista. El genio deslumbra por sus creaciones, el sabio por su brillante equipamiento, producto de una personalidad paciente, madura y generalmente altruista. Es maestro del aprendizaje convencional. Genio, sabio, superdotado, tres figuras brillantes, excepcionales, seductoras. Radicalmente diferentes, pero igualmente atractivas.
Barret suele ser llamado el chico dorado de finales de los 60s, de la era psicodélica, su estrella más brillante y su víctima más trágica. Su genio se evidenció en el primer álbum de Pink Floyd, The Piper at the Gates of Dawn,y luego en los dos que sacó como solista: The Madcap Laughs y Barrett. Pero su genio, su excentricidad, y su personalidad creativa fueron virando hacia un estado psicótico que lo recluyó, alejándolo de la vida pública en 1974. Barret falleció el año pasado a los 60 años de edad como consecuencia de un cáncer pancreático. El comportamiento errático de Barret está bien documentado, la alarma de su psicosis se cree que habría sido cuando dejó encerrada a su novia durante tres días. Este estado afectó mucho a la banda, que le habló directamente en temas como “Wish You Were Here” y “Shine on You Crazy Diamond”. Y le dedicó álbumes enteros a la locura: Wish You Were Here y The Wall. Barret permaneció desde entonces en casa de su madre en Cambridge, pintando y cuidando su jardín. Se ha especulado mucho sobre la enfermedad mental de Syd. Muchos creían que sufría esquizofrenia, si bien su conducta no encajaba en el perfil típico. Otros dijeron que sufría de trastorno bipolar. Incluso se especuló que podría sufrir de síndrome de Asperger, un conjunto de desórdenes autísticos. La mayoría dice que el abuso de LSD por parte de Barret fue el culpable o al menos ayudó a su enfermedad mental. Pero según el Dr Paolo Fusar-Poli la psicosis de Barret ya estaba en camino antes. David Gilmour dijo cuando Barret falleció: “En mi opinión, su quiebre habría ocurrido de cualquier modo. Era algo con raíces profundas. Podría decir que la experiencia psicodélica actuó como catalizador. Igual, no creo que él pudiese lidiar con la visión de éxito y todas las cosas que venían con el éxito”.
Afuera del taller
Qué
Bogotá
Cali
Cartagena
Manizales
Medellín
Dónde
Cuándo
Taller de performance
Fundación nexos urbanos
10 al 12 de abril
Temporada de Zarzuela
Teatro de Bellas Artes
9 de abril al 2 de mayo
Temporada Alfa Romeo de música del mundo 2010
Teatro Colsubsidio
26 al 30 de abril
Eurocine
Distintas salas
14 al 25 de abril
Inauguración de la exposición Trivial de Carlos Galería de arte Jenny Vilá Andrade Exposición Los argumentos de la fortaleza de Esteban Coro del Hotel Santa Clara Benito Rebollo
22 de abril hasta el 3 de mayo
Conferencia La Biblioteca de Cristina Fernandez
Biblioteca Bartolomé Calvo
15 de abril
Lengua a la criolla: Homenaje a los poetas colombianos
Banco de la República: Sala múltiple
16 de abril - 6:30 p.m
Exposición Realidades difusas
Banco de la República: Sala de lectura
13 al 17 de abril
Exposición Escritosdibujados
Club Comfenalco la Playa
hasta el 24 de mayo
Niños malos
Teatro Águila descalza
todos los martes y miércoles de abril - 8:00 p.m
XIII Temporada Internacional de Zarzuela Española 2010
Teatro metropolitano
15 al 23 de abril - 8:00 p.m
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