Cinema de Temporada - Temporada Alta 2014 by Temporada alta

DOSSIER DE CINEMA

CINEMA DE TEMPORADA

I SI ELLES MARXESSIN A MOSCOU?, MURIERON POR ENCIMA DE SUS POSIBILIDADES, LA HISTÒRIA D’UN TEATRE LLIURE, SOBRE LA MARXA, LA FOSSA i PEEPING TOM www.temporada-alta.net

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PRESENTACIÓ: CINEMA DE TEMPORADA En el moment actual de mestissatge de l’escena i hibridació de llenguatges, sumar a l’oferta teatral una mirada complementària sobre el cinema del país obre perspectives a la creació contemporània. El festival d’Avinyó ja ho feia l’any 1968 amb la pel·lícula La Chinoise. I, amb la col·laboració del cinema Truffaut de Girona, Temporada Alta comparteix aquest punt de vista, sobretot quan compta amb directors catalans de projecció internacional i les estrenes serveixen per difondre les últimes tendències en la creació cinematogràfica, de difícil accés a les pantalles comercials. En la passada edició s’estrenava Història de la meva mort, d’Albert Serra. I aquest any són estrena a Catalunya dos dels llargmetratges que arriben al Truffaut: el 7 d’octubre, Murieron por encima de sus posibilidades, d’Isaki Lacuesta, una comèdia negra sobre la crisi i les retallades; i el 25 de novembre, el tríptic sobre la memòria històrica La fossa, de Pere Vilà Barceló, un poètic retrat sobre la desmemòria. Entremig, el document La història d’un teatre lliure, de Manu Benavente i Marga Ninou, a més de la mirada sobre els paradisos perduts que representa Sobre la marxa, de Morató

Doble mirada

Contenim multituds deia el poeta Walt Whitman, en el que podria servir de declaració d’intencions postmoderna sobre la multiplicitat de la mirada contemporània. Si som múltiples, cal repartir cartes, multiplicar els registres de la realitat, sumar punts de vista, i l’any passat la brasilera Christiane Jatahy ja ens va ensenyar com ho feia en escena. El 4 i el 5 d’octubre va més enllà i la dramatúrgia de I si elles marxéssin a Moscou? és doble: mentre els actors entren i surten de l’escena en directe al teatre El Canal de Salt, hi ha la possibilitat simultània de veure’ls com a matèria cinematogràfica a l’Auditori Coma-Cros, en el que són dues mirades creatives sobre la passivitat voyeur de Les tres germanes de Txékhov.Una reflexió sobre l’acte voyeur i la seva dimensió creadora-destructora és també la pel·lícula Peeping Tom, de Michael Powell.El festival ens convida a veure-la amb el joc de miralls que després hi aportarà la conferència teatralitzada del crític Àlex Gorina dirigit per la seva pròpia filla, la directora Alícia Gorina. Aquest és el diàleg entre llenguatges creatius, disciplines i generacions de Watching Peeping Tom. Joaquim Noguero Suplement especial Temporada Alta de La Vanguardia

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ICHRISTIANE SI ELLES MARXESSIN A MOSCOU? JATAHY AUDITORI COMA-CROS (SALT) Dissabte 4 d’octubre a les 21 h

MURIERON POR ENCIMA DE SUS POSIBILIDADES ISAKI LACUESTA

CINEMA TRUFFAUT Dimarts 7 d’octubre a les 21 h

LA HISTÒRIA D’UN TEATRE LLIURE MANU BENAVENTE I MARGA NINOU CINEMA TRUFFAUT Dimarts 14 d’octubre a les 22 h

SOBRE LA MARXA JORDI MORATÓ CINEMA TRUFFAUT Dimarts 21 d’octubre a les 22 h

LA FOSSA PERE VILÀ BARCELÓ CINEMA TRUFFAUT Dimarts 25 de novembre a les 22 h

PEEPING TOM MICHAEL POWELL CINEMA TRUFFAUT Dissabte 29 de novembre a les 18 h

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ICHRISTIANE SI ELLES MARXESSIN A MOSCOU? JATAHY

FITXA Adaptació i direcció: Christiane Jatahy Intèrprets: Isabel Teixeira, Julia Bernat i Stella Rabero Fotografia i vídeo: Paulo Camacho Escenografia: Christiane Jatahy i Marcelo Lipiani Director d’art i escenografia: Marcelo Lipiani Vestuari: Antonio Medeiros i Tatiana Rodrigues Música: Domenico Lancellotti Il·luminació: Paul Camacho i Alessandro Boschini So: Denilson Campos Tècnic de música i vídeo: Felipe Norkus Operador de so: Pedro Montano Mesclador d’àudio (cinema): Francisco Slade Tour manager: Henrique Mariano Producció: Cia Vértice de Teatro Coproducció: Le Centquatre-Paris, Zürcher Theatre Sepktakel i SESC – Serviço Social do Comércio Patrocini de Vértice de teatro: Petrobras ESTRENA A L’ESTAT ESPANYOL Pel·lícula 04

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INFORMACIÓ BÀSICA Dia i hora: Dissabte 4 d’octubre a les 21 h i diumenge 5 d’octubre a les 18 h Lloc: Auditori Coma-Cros (Salt) Preus: 7€ Durada: 1 h i 30 min. Pel·lícula en portuguès amb subtítols en català Projecció simultània a l’espectacle I si elles marxessin a Moscou?

PRESENTACIÓ Junt amb l’experiència teatral, la cinematogràfica: dos punts de vista diferents aplicats sobre Txékhov, dues lectures complementàries. Podeu veure la pel·lícula l’endemà d’haver vist què passa a escena o a l’inrevés. Representació i pel·lícula són simultànies en dos espais diferents. Però, com que n’hi ha dues sessions, podeu quedar-vos amb una o bé anar a les dues i comparar. Creada en directe, els actors entren i surten de l’escena per a anar a la sala de la càmera i ser capturats per la pantalla, eternitzats en el temps parat on encara semblen viure Les tres germanes txekhovianes que versiona Jatahy.

SINOPSI “A Moscou! A Moscou!” Qui no recorda aquell crit d’afany per fugir pregonat a Les Tres Germanes, de Txèkhov? Per a aquelles noies, jovenetes i per sempre afeblides per la rutina provincial, el nom de la gran ciutat ressonava con l’esperança d’una vida de veritat. Des de la llunyana Rio de Janeiro, Christiane Jatahy va sentir el seu crit centenari i va revolucionar el paper de la dona txekhoviana injectant-hi l”i si” de la utopia: What if They Went to Moscow?: I si elles marxessin a Moscou? Com amb Julia, la directora-realitzadora ha adaptat personatges des d’una nova perspectiva i ha situat l’obra al present a través de la intervenció d’un quart actor: el càmera. Les seves imatges preses in situ, que no deixen d’interpel·lar el públic, es barregen en directe amb altres, més antigues, on s’expressa el desig de canviar de ciutat i de país, d’alterar el destí a través de l’emigració. Mentre l’obra es representa en una primera sala, en un segona sala

adjacent es munta i es projecta simultàniament una pel·lícula que mostra tot el que va succeint. Ambdues representacions formen dues cares possibles d’una mateixa obra, que poden veure’s alternativament. Dos exercicis que desplacen els camps respectius del teatre i del cinema, la qual cosa no està consagrada a l’única perspectiva d’un muntatge final, sinó que proclama, sota la forma del work in progress, la seva aportació directa i participativa a l’espectacle en viu. Directora de teatre i alhora de cinema, la brasilera Christiane Jatahy compagina els mitjans del teatre amb els del cinema. Amb la seva companyia Vértice de Teatro, imagina, fora dels teatres, dispositius originals que qüestionin la relació entre l’actor i el públic. Jean-Louis Perrier

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LA PEL·LÍCULA La pel·lícula que es crea al teatre s’exhibirà simultàniament en un altre espai. El film es projecta en el mateix edifici, en una altra sala (Auditori Coma-Cros), al mateix temps que l’obraEn definitiva, en funció de les instal·lacions de cada lloc, aquest desplegament d’espais pot modificar-se i adaptar-se. La idea és que en

algun punt el teatre envaeixi el cinema i el cinema envaeixi el teatre. Com que la zona de la projecció i el teatre estaran a prop, els espais es barrejaran: el cinema es convertirà en teatre i el teatre mostrarà cinema. I al final, el públic del teatre i el del cinema es trobaran al carrer, on tindrà lloc la darrera escena de l’obra/pel·lícula.

SOBRE EL PROCÉS DE RECERCA I si elles marxessin a Moscou? és un projecte que dóna continuïtat a la recerca creativa de la directora Christiane Jatahy. La investigació sobre el llenguatge dramatúrgic va començar l’any 2004, amb la trilogia titulada Una cadira per la solitud, dues pel diàleg i tres per la societat, que estava formada per les obres L’estudi, La carència que ens mou i Cut. L’objectiu principal de la recerca era experimentar amb zones frontereres com l’actor i el personatge, la realitat i la ficció a l’escenari, la matriu de l’elaboració de dramatúrgies en un procés col·laboratiu, i amb una sèrie d’aparells que generen tensió creativa i xarxes relacionals diversificades entre l’escena i el públic. El 2009 aquesta tasca va ampliar-se cap a la realització cinematogràfica amb la pel·lícula La carència que ens mou, rodada ininterrompudament durant 13 hores, sense talls, amb tres càmeres de mà. El metratge editat va resultar en una pel·lícula que va exhibir-se no només als cinemes sinó també en una funció cinematogràfica de 13 hores que va començar a les 5 en punt de la tarda, la mateixa hora en què havia començat

el rodatge, i va acabar a dos quarts de set del matí, també com el rodatge. En la vetllada, la pel·lícula va projectar-se en tres pantalles de cinema. La recerca d’un llenguatge híbrid que combinés teatre i cinema està present tant en la pel·lícula com en la peça teatral, titulada Cut. Aquesta obra va ser filmada i editada en directe, amb una estructura dramatúrgica que canviava a cada funció. L’obra es desenvolupa tant a l’escenari com als voltants del teatre, que estarà equipat amb càmeres de seguretat. Algunes escenes tenen lloc al carrer i són vistes pel públic de dins del teatre. El 2011, amb la presentació de Julia, l’obra de Jatahy va incloure la possibilitat de crear dramatúrgia escènica contemporània a partir de textos clàssics. A Julia, cinema i teatre coexisteixen de forma plenament madura i es crea una nova pel·lícula en directe a cada nova representació combinant imatges rodades prèviament i escenes capturades amb la presència del públic. El text original de Strindberg segueix present, però està actualitzat per la mirada de la càmera i per una adaptació als temps actuals. D’aquesta manera, un argument creat al segle

DOSSIER DE CINEMA CINEMA DE TEMPORADA dinou serveix de rerefons per a discutir a nivell dramatúrgic els problemes socials i polítics del Brasil d’avui dia. Aparells creatius a banda, el contingut principal de totes les obres de Jatahy representa la realitat del Brasil i una mirada a la societat actual del país. La vida real es trasllada a l’escenari gràcies a la recerca de camp realitzada prèviament i a través de la connexió de l’obra amb el temps actual, amb l’aquí i l’ara. LES FASES DE LA RECERCA Estudi, 2004-2007. Van enregistrar-se en vídeo diverses entrevistes amb persones que viuen soles a Rio de Janeiro. Aquest material va generar contingut dramatúrgic per a la mateixa obra i va esdevenir un documental exhibit com a peça d’instal·lació de vídeo, com a part de l’obra. La carència que ens mou o Totes les històries són ficció, 2005-2009 es basava en material personal on els actors revelaven el perfil d’una generació que ara ronda la trentena, i que havien viscut la seva infància i joventut en un país sota un règim dictatorial. Els temes polítics afecten la història personal de cadascun d’aquests actors/personatges. Interpreten una no-interpretació, on els actors cuinen i beuen damunt de l’escenari, barrejant realitat i ficció, per parlar de records i relacions. La carència que ens mou -la pel·lícula- 2007-2011: La Nit de Nadal, durant dotze hores seg-

uides i en un únic lloc, cinc actors foren filmats ininterrompudament per tres càmeres de mà. La reunió d’aquests cinc amics, les absències, les alegries i tristeses són compartides per tots en el moment de màxima tensió. Una pel•lícula dins d’una pel·lícula que es mostra a si mateixa. L’enregistrament d’aquesta trobada radical també recupera records d’una generació que actualment es troba a la trentena. Nascuts després de l’aixecament militar, aquesta generació va passar la infantesa sota un regim dictatorial, una dictadura encoberta, alimentada pel suport de la classe mitjana, en una època on se suposava que el que realment succeïa no s’havia de fer públic; en altres paraules, una generació que va viure dintre d’una bombolla, sense educació política i sense dret a la pròpia seva biografia. Avui dia, plenament conscients d’aquesta situació, aquesta generació es mostra a si mateixa amb valentia i ànsia. Cut, 2009-2013 va crear-se recorrent a demandes i a través d’una recerca que incloïa entrevistes i visites al Tribunal de Justícia de Rio de Janeiro per donar forma a una obra amb una estructura dramatúrgica de gran abast. Julia, 2010- 2013, és una obra situada al límit entre el text clàssic i la perspectiva contemporània, que porta a escena els problemes polítics i socials del Brasil actual. El paper de Jean l’interpreta un actor de color i la relació entre els dos personatges principals gira entorn el sexe i el poder, en un joc que reflecteix la realitat brasilera.

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CURRÍCULUM DIRECTORA CHRISTIANE JATAHY (1968)

Nascuda a Rio de Janeiro, Christiane Jat-ahy és alhora dramaturga, cineasta, directora de teatre i actriu. Amb la seva companyia Vertice de Teatro, instal·la els seus muntatges fora dels teatres imaginant dispositius originals que qüestionin la relació entre l’actor i el públic. El 2004, radicalitza la seva postura amb Conjugado, el monòleg d’una dona solitària que barreja projeccions de documentals i interpretació davant del públic, i també amb Corte Seco, on càmeres de seguretat mostren el quadre d’escena i els bastidors.L’any 2005, A Falta que nos Move ou Todas as Historias Sao Ficçao

(La carència que ens mou, o totes les històries són ficció) explora la frontera entre realitat i ficció.El 2012 dirigeix sota aquest mateix títol un llargmetratge filmat durant tretze hores sense interrupcions amb l’ajuda de tres càmeres de mà. La durada de la pel·lícula un cop muntada és també de tretze hores, de manera que es projectava de 17h fins les 6 del matí, exactament com fou rodada. El mateix any guanya el Premio Shell de Teatro a la millor direcció de 2012 amb l’espectacle Julia.

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MURIERON POR ENCIMA DE SUS POSIBILIDADES ISAKI LACUESTA

FITXA Direcció: Isaki Lacuesta Guió: Isaki Lacuesta amb la col·laboració de Isa Campo Intèrprets: Raúl Arévalo, Imanol Arias, Bruno Bergonzini, Àlex Brendemühl, Jose Coronado, Eduard Fernández, Ariadna Gil, Bárbara Lennie, Sergi López, Carmen Machi,Ángela Molina, Àlex Monner, Albert Pla, Josep Maria Pou, José Sacristán, Jaume Sisa, Emma Suárez, Ivan Telefunken, Luis Tosar, Jordi Vilches i Julián Villagrán Ajudant de direcció: Abel García Roure Direcció de producció: Ángeles Hernández, Marta Mas i Aitor Martos Direcció de fotografia: Diego Dussuel i Marc Gómez del Moral So: Amanda Villavieja i Eva Valiño Art: Roger Bellés i David Faüchs Vestuari: Alba Costa i Xènia Gassull Maquillatge: Gina Ros Títols de crédit inicials: Albert Coma Música: Judit Farrés i Albert Pla ESTRENA A CATALUNYA Pel·lícula 09

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INFORMACIÓ BÀSICA Dia i hora: Dimarts 7 d’octubre a les 21 h Lloc: Cinema Truffaut Preus: 7€ Durada: 1 h i 40 min. Estrena el 26 de setembre al Festival de San Sebastián

PRESENTACIÓ La crisi econòmica i les retallades són al cor d’aquesta curiosa comèdia negra. En les històries explicades hi ha múltiples drames humans, però també molta follia. L’humor negre i iconoclasta serveix a Isaki Lacuesta per dur a terme una mena de catarsi sobre les misèries del nostre temps. Una catarsi especial en què s’ha convidat a participar una bona part dels actors i actrius més famosos que treballen en el cinema espanyol. Pel·lícula esperpèntica o metàfora política? Les dues coses alhora.

CURRÍCULUM

DIRECTOR ISAKI LACUESTA(1975) Isaki Lacuesta és un director de cinema i guionista gironí que en la seva producció compagina els gèneres d’autor i ficció. Va estudiar comunicació audiovisual a la Universitat Autònoma de Barcelona i es va graduar en la primera edició del Màster en Documental de Creació de la Universitat Pompeu Fabra. Compagina el cinema amb la docència en els Màsters de documental de la Pompeu Fabra, de la Universitat Autònoma de Barcelona en el Centre d’estudis cinematogràfics de Catalunya (CECC) i la Universitat de Girona, entre altres. Col·labora en diversos mitjans escrivint articles sobre cinema, música i literatura. L’any 2012 va rebre el Premi Nacional de Cinema, concedit per la Generalitat de Catalunya. Entre els seus llargmetratges hi podem trobar: Los pasos dobles (2011); El cuaderno de barro (2011); La noche que no acaba (2010); Los condenados (2009); La leyenda del tiempo (2006); i Cravan vs Cravan (2002). Entre els seus curtmetratges hi podem trobar: El rito (2011); Retablo de las adivina010

ciones (2010). Co-realitzada amb Isa Campo; Mullada llum (2010). Co-realitzada amb Isa Campo; 2012 (2010); Llocs que no existeixen (2009); In between days (2009). Correspondència amb Naomi Kawase; Soldados anónimos (2008). Co-dirigit amb Pere Vilà; Sol (2008); Alpha and again (2008) Co-dirigit con Isa Campo; Luz azul (2008). Co-realitzada amb Isa Campo; Los cuerpos translúcidos (2008); Marte en la Tierra (2007); Las variaciones Marker (2007); i Traços/traces (2007), etc. Com a guionista ha escrit Garbo, l’home que va salvar el món (2009), que el va portar a aconseguir el premi Gaudí al millor guió l’any 2010. A part dels ja dits, obté els següents premis: Premi FIPRESCI Festival de Sant Sebastià al 2009; Festival de Málaga-Cine Español, premi Eloy de la Iglesia al 2011; i Concha de Oro a la millor pel·lícula al Festival Internacional de Cinema de Sant Sebastià per Los pasos dobles al 2011.

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SOBRE L’ANTERIOR PEL·LÍCULA DE ISAKI LACUESTA, LOS PASOS DOBLES, LA PREMSA N’HA DIT... “El cinema d’Isaki Lacuesta sorgeix sempre d’una inquietud, d’un clar desig de no resignar-se a acceptar lo previsible per explorar nous camins, formes i recursos audiovisuals” Angel Quintana La Vanguardia

“Los pasos dobles explora en tan sols vuitanta minuts nombroses formes cinematogràfiques, sent moltes coses i deixant de ser-les en el mateix moment” Angel Quintana La Vanguardia

“Los pasos dobles és una pel·lícula per paladars sotisficats i ments obertes a lo poc convencional” Pedro Vallín La Vanguardia

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DOSSIER DE CINEMA CINEMA DE TEMPORADA Angel Quintana La Vanguardia 05 d’octubre del 2011

Cuando el cine es inquietud y búsqueda ‘Los pasos dobles’ Dirigida por Isaki Lacuesta. Guión: Isa Campo e Isaki Lacuesta. Con Bokar Dembele alias Bouba, Miquel Barceló, Alou Cissé alias Zol, Hamadoun Kassogue http://www.avalonproductions.es/lospasosdobles

Cultura|s La Vanguardia

Miércoles, 5 octubre 2011

PANTALLAS

‘Los pasos dobles’ Concha de Oro en San Sebastián

Diversos fotogramas del filme ‘Los pasos dobles’. Las tierras de Mali –donde se desarrolla la historia– filmadas por el director de fotografía Diego Dussuel

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ÀNGEL QUINTANA

El cine de Isaki Lacuesta surge siempre de una inquietud, de un claro deseo de no resignarse a aceptar lo previsible para explorar nuevos caminos, formas y recursos audiovisuales. La principal virtud de su peculiar filmografía reside en que rechaza todo planteamiento acomodaticio para partir hacia una búsqueda, con la incertidumbre de que al final puede surgir el fracaso o la decepción. Esta actitud es una de las más nobles que puede llevar a cabo un cineasta porque parte del rechazo de toda forma de academicismo y de toda voluntad de bendecir lo que muchos consideran aceptable. Isaki Lacuesta se sitúa siempre en torno algunas interesantes fronteras, ya sean las establecidas entre el arte

contemporáneo y el mundo del cine o las que han forjado la separación entre el documental y la ficción. Los pasos dobles, su merecida Concha de Oro del Festival de San Sebastián, es el premio a esa inquietud. Es el premio a una trayectoria compartida por diversos creado-

contactos con ninguna moda posible y no funciona como una obra que diseñe un camino trazado con coherencia, sino como una obra llena de agujeros, vericuetos y líneas de fuga de todo tipo. No es de extrañar que aquellos que aún creen en la linealidad del relato y en la acumulación de causas y efectos, se sientan perplejos, como si les faltara un mapa para poder orientarse. Los pasos dobles explora en tan sólo ochenta minutos numerosas formas cinematográficas, pudiendo ser muchas cosas y dejando de serlas al mismo tiempo. En primer lugar, nos encontramos con un relato de aventuras en la que dos personajes buscan en paralelo el legado mítico de un pintor llamado François Augiéras que vivió y creció en Mali unos años atrás. La tradición del cine de aventuras mezcla Las minas del rey Salomón con El corazón de las tinieblas. No sabe-

Es el premio a una trayectoria compartida por diversos creadores que han soñado con que un cine diferente también podía llegar a triunfar res que han soñado en que un cine diferente también podía llegar a triunfar. A priori, Los pasos dobles es la película más imprevisible de Isaki Lacuesta. Su forma aparente no remite a las formas minimalistas del cine contemporáneo, no guarda

mos si el motivo es el tesoro perdido o la posibilidad de comprender la personalidad de alguien que se ha desviado de la norma para buscar refugio en un universo primitivo. El relato de aventuras con bandoleros, grutas misteriosas o tribus de exóticos albinos enlaza con otro

relato de iniciación en que un joven soldado intenta encarnarse en el espectro de otro –el coronel Kurtz en el horizonte– y vivir un camino hacia su propia formación adulta. Los referentes aventureros alternan con elementos sacados de un western de Sergio Leone, con imágenes étnicas que establecen un homenaje a Jean Rouch o con algunos relatos que intentan enlazar con la tradición del cine africano, tomando como estela Yeleen de Souleymane Cissé. Esta amalgama de contrastes y de formas irreconciliables se integran con agilidad en Los pasos dobles gracias a la habilidad de Lacuesta para superar obstáculos, para plantear verdaderas acrobacias narrativas marcadas por búsquedas elipsis y por numerosos sobreentendidos. En el horizonte de todo esto aparece la figura de Miquel Barceló que adquiere un aire espectral interpretando el papel genérico del artista aferrado al misterio de lo primitivo, la reencarnación de François Augiéras. La fuerza de Los pasos dobles reside en que estos elementos tan heterogéneos parecen ajenos al universo que Isaki Lacuesta había explorado en sus otras películas. Si tomamos como punto de partida de su obra el personaje de Arthur Cravan nos encontraremos con que este personaje dadaísta, capaz de convertir la vida en arte, es la matriz que nos ayuda a comprender a François Augiéras, como disidente y creador de obras efímeras que funcionan más como leyenda que como materialización visible. En La leyenda del tiempo, Isaki partió de un fantasma –Camarón– para buscar la dialéctica entre lo real y lo suplantado, entre los dobles y los simulacros. Este juego de dobles acaba adquiriendo un tono mucho más sofisticado y complejo en Los pasos dobles porque la leyenda ha difuminado definitivamente la realidad. En Los condenados, además de establecer un discurso político sobre la leyenda del traidor y el héroe, exploró la selva. Los misterios de alguna cosa enterrada de la que surgen otras verdades, creando nuevas incertidumbres, abriendo caminos a la complejidad. La mezcla de todos estos elementos, junto con otros provenientes de sus instalaciones y ensayos, acaban convirtiendo Los pasos... en una especie de película resumen de una búsqueda que avanza. ¿Hacia dónde irán los caminos de Isaki Lacuesta después de esa apuesta límite? La cuestión aparece rodeada de numerosos interrogantes, ya que no es fácil diseñar nuevos caminos cuando la exploración llega al límite. De todos modos, la posibilidad de que nos preguntemos sobre estos nuevos caminos es un signo que nos indica que aún hay vida tras las imágenes, que existe un deseo de seguir, de transformar la experiencia de hacer cine en una maravillosa experiencia vital. |

DOSSIER DE CINEMA CINEMA DE TEMPORADA Pedro Vallín La Vanguardia 25 de setembre del 2011 46 LA VANGUARDIA

C U L T U R A

DOMINGO, 25 SEPTIEMBRE 2011

59.º Festival Internacional de Cine de San Sebastián

El arriesgado filme de Lacuesta y Barceló logra la Concha de Oro El jurado, presidido por la actriz estadounidense Frances MacDormand, premió el documental ‘Los pasos dobles’ PEDRO VALLÍN San Sebastián Enviado especial

ecir que la Concha de Oro para Los pasos dobles, de Isaki Lacuesta, fue una sorpresa es poco decir. Pero al jurado presidido por la actriz Frances McDormand, musa de los hermanos Coen, no le tembló la mano y premió la más arriesgada, con mucho, de las películas vistas en esta competición oficial. Otro de los miembros del jurado, el guionista Guillermo Arriaga, ofreció dos claves que, leídas ahora, anticipaban el fallo ayer mismo en la revista oficial: dijo que la narración lineal estaba obsoleta, y que le encantaba el riesgo. La película de Lacuesta –colaborador del Suplemento Cultura/s de La VanguarDESCONCIERTO

Sorpresa general ante los premios a Julie Delphy y a la cinta ‘Adikos kosmos’ DE VACÍO

Urbizu, Ripstein y Terence Davies, grandes favoritos, se fueron sin nada dia– cumple ambos requisitos como ninguna. Otro indicio de que el palmarés venía calentito era el testimonio de uno de los miembros del jurado, al que, tras concluir las deliberaciones alguien preguntó si ya había concluido su cometido: “No, aún nos queda el abucheo”. No lo oyó el jurado des-

El palmarés CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA

‘Los pasos dobles’ de Isaki Lacuesta CONCHA DE PLATA AL MEJOR DIRECTOR

Filippos Tsitos ‘Adikos kosmos’

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO

Julie Delphy ‘The Skylab’

CONCHA DE ORO AL MEJOR ACTOR

Antonis Kafetzopoulos ‘Adikos kosmos’ CONCHA DE PLATA A LA MEJOR ACTRIZ

María León ‘La voz dormida’

CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA

‘Neds’ de Peter Mullan PREMIO MEJOR FOTOGRAFÍA

Ulf Brantas ‘Happy end’

PREMIO AL MEJOR GUIÓN

Hirokazu Kore-Eda ‘Kiseki (Milagro)’ PREMIO DEL PÚBLICO

‘The artist’ Michel Hazanavicius PREMIO DEL PÚBLICO EUROPEO

‘Et maintenant, on va où?’ de Nadine Labaki PREMIO HORIZONTES LATINOS

‘Las acacias’ de Pablo Giorgelli

de la platea, pero lo hubo potente y prolongado, en la sala de prensa, desde donde seguían la gala los medios, a los que el cineasta catalán –que recibió algunas críticas realmente virulentas y tuvo una rueda de prensa muy poco plácida– mandó un recadito desde el atril: “Quiero decir a los espectadores que si leen que los críticos dicen que es una película ininteligible, ustedes no hagan caso”, y se remitió a la inteligencia del público y el criterio del jurado. En todo caso, Isaki Lacuesta se ha aupado a un palmarés donde sólo han logrado encaramarse en estos 59 años una docena de directores españoles, el último Fernando León con Los lunes al sol hace ya nueve años. El director, no obstante, no quiso hacer patria con el premio, y dijo, sobre el momento del cine catalán: “Yo no creo mucho en los países, pero es todo el cine español el que vive un buen momento, con propuestas muy diversas”. Los pasos dobles –estrenada el viernes en sólo doce pantallas de toda España– es una película para paladares sofisticados y mentes abiertas a lo poco convencional, y también es, según el propio Miquel Barceló, cuyo universo inspira el proyecto, la película “que mejor refleja, no sólo mi obra, sino mi mundo”. La película, rodada en Mali, en el País Dogón donde vive Barceló desde hace décadas, reconstruye el mito del desconocido pintor François Augiéras reintepretándolo, así como la cultura oral deforma las historias que pasan de mano en mano, de boca en boca. También causó sorpresa el premio especial del jurado, para la directora francesa –y actriz– Julie Delphy, por Le Skylab, una comedia coral de familia que cayó simpática sin más en Donostia y que desconcierta por ser justo lo con-

Las secciones paralelas ratifican el buen estado del audiovisual catalán P.V. San Sebastián

Que la sección oficial a concurso de este muy español festival de San Sebastián sólo haya contado, para representar al cine catalán, con la atrevida propuesta de Isaki Lacuesta y Miquel Barceló con Los pasos dobles –frente al año pasado, en que Pa negre, de Villaronga, y Elisa K., de Jordi Cadena y Judith Colell, se fueron de aquí con premio– no significa que la presencia de la industria catalana no haya sido abundante

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y muy aplaudida. El propio Lacuesta exhibió en Zabaltegi la otra mitad de su díptico maliense con Barceló, El cuaderno de barro, fedatario de la performance Paso doble del artista mallorquín. Además de la robustez de las propuestas que el cine catalán ha demostrado en las secciones paralelas, quizá la otra virtud destacable –tan consolidada que mencionarla casi es un lugar común– es la diversidad de las propuestas. Anteanoche, por ejemplo, Ma-

nuel Huerga, Toni Soler y TV3 trajeron a Zabaltegi 14 d’abril: Macià contra Companys, un solido largometraje televisivo sobre los célebres acontecimientos de la primavera de 1931 que llevaron a la proclamación de la república en Catalunya. La fórmula elegida, un facsímil de documental televisivo rodado en 1933 y en el que hablan los protagonistas de los hechos (o sea, los actores que les dan vida) en paralelo a una dramatización en blanco y negro, funciona como un tiro, con una

Los críticos premian a Canijo ]La asociación de la críti-

ca internacional (Fipresci) anunció ayer el premio a la mejor dirección que entrega anualmente en Zinemaldia (y que en 2009 fue a parar precisamente a Isaki Lacuesta por Los condenados), que esta edición fue a parar a manos del portugués João Canijo, por Sangue do meu sangue, un drama familiar en el Portugal rescatado por la UE, en el que las clases trabajadoras tratan de sobrevivir a la crisis. / P.V.

intensidad dramática notable, pero permitiendo que la película pueda ser expositiva e históricamente minuciosa sin parecer una densa lección de historia. Una gran ovación saludó su pase en el Kursaal donostiarra, al que asistieron productor, guionista director y Pere Ponce, que da vida a Lluís Companys. También ha sido interesante volver a ver en San Sebastián el Catalunya über alles de Ramon Termens –ya estrenada en el festival de Málaga el pasado mes de abril–, que recogía un premio –el Donostia Film Comission–, y que, tras lo ocurrido en mayo, se ha convertido en una obra profética sobre la conversión de la xenofobia en un activo político. La Escac barcelonesa de nuevo

trario que Los pasos dobles: una película convencional y amable de muy limitado riesgo (contradiciendo a Arriaga). Y en la misma línea fueron recibidas las Conchas de Plata al director, Filippos Tsitos, y al mejor actor, Antonis Kafetzopoulos, ambos por la película griega Adikos Kosmos (Mundo injusto), una fábula sobre un policía (Kafetzopoulos) que decide juzgar por sí mismo la sinceridad de los sospechosos y perdonarles los cargos. la trama se complica cuando comete un asesinato y extravía un dinero que no es suyo, y todo compone un cuento sobre las deudas, los impagos y las redenciones, es decir, sobre el momento que atraviesa el país. Adikos kosmos, más que una película es un síntoma porque adopta la narrativa triste y cadenciosa de Kaurismaki (salvando las dis-

LO MÁS NUEVO

‘Puzzled love’ se reveló como una de las propuestas más frescas del festival LO MÁS DIFÍCIL

Gran ovación para ‘14 d’abril’, de Huerga, lección de historia, con tensión dramática trajo la propuesta más refrescante, Puzzled love es un trabajo fin de curso de 13 alumnos de la escuela que se han repartido los doce meses de la relación de una pa-

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LA HISTÒRIA D’UN TEATRE LLIURE MANU BENAVENTE I MARGA NINOU

FITXA Direcció i guió: Manu Benavente i Marga Ninou Guió: Marga Ninou Realització: Manu Benavente Música original: Marta Andrés i Joan Gil Assessor de continguts: Guillem-Jordi Graells Producció executiva TVC: Jordi Ambròs Producció executiva Manual, SCCL: Manu Benavente Producció delegada TVC: Ruth Llòria i Joan Pavón Producció: Marga Ninou, Sonsoles Miguel i Xavier Bentuè Redacció / documentació: Sonsoles Miguel Direcció fotografia: Alfons Garrido Operadors de càmera: Alfons Garrido i David Naudin Tècnic so directe: Miguel Gispert i Jordi Gallofré Animació / AF / grafisme: David Naudin, Jorge Subirats i Asler Lasa Espanya, 2013 Una producció de Manual, SCCL en coproducció amb Televisió de Catalunya, el suport de la Fundació Teatre Lliure, Teatre Públic de Barcelona, la col·laboració del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya i el patrocini del Grup Mémora. 014

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INFORMACIÓ BÀSICA Dia i hora: Dimarts 14 d’octubre a les 22 h Lloc: Cinema Truffaut Preus: 7€ Durada: 1 h

PRESENTACIÓ L’1 de desembre de 1976, amb l’obra Camí de nit, s’iniciava una de les experiències teatrals més sòlides dutes a terme al nostre país: el teatre Lliure. A partir de l’experiència d’aquells que van ajudar a crear-lo, del testimoni fotogràfic de Ros Ribas i de múltiples records es recull la lluita per crear un sòlid espai teatral català en el marc de la transició. Dirigit per Manu Benavente i Marga Ninou, ens trobem amb un documental excepcional per entendre millor la història del teatre a Catalunya.

SINOPSI L’1 de desembre de 1976, el Teatre Lliure obria les portes de Gràcia al públic i aixecava el teló a una proposta diferent i trencadora dins del panorama teatral nacional. La utopia d’un grup de tres directors, onze actors i quatre tècnics entrava en escena en un moment de la història del nostre país en el que la tant reclamada llibertat d’expressió tot just començava a treure el nas.

a bon preu, retallaven les entrades del públic, decidien junts una primera programació, i sempre sota l’exigent mirada del mestre Fabià Puigserver.

L’esperit del Lliure”, que configurava el principal anhel d’un grup de joves: una manera de fer i viure el teatre amb el màxim compromís personal, professional i social, una recerca constant de la complicitat de l’espectador, la formació continua i global dels seus components, la consolidació d’un col·lectiu de treball estable, amb un lema molt explícit: “un teatre d’art per a tothom”.

Com en tots el projectes col·lectius, la continuïtat és un repte i, en aquest cas, s’ha superat amb escreix. La utopia va fer-se realitat i 35 anys ininterromputs de treball seriós, de recerca constant de camins inexplorats, de proximitat amb l’espectador, d’aposta pel teatre públic, han convertit el que era només un somni en un referent teatral tant a nivell nacional com internacional.

Van ser anys de molt d’entusiasme, feina, compromís, passió, il·lusió. Només el fet d’aconseguir un local per començar, ja va ser tota una aventura en la que van comptar amb la complicitat dels socis de la Cooperativa La Lleialtat, de Gràcia. Directors, tècnics, actors, tots participaven en el procés de producció, de principi a fi, per tal de reduir despeses i poder dedicar els diners a la subsistència col·lectiva. Cosien peces de vestuari, pintaven decorats, buscaven mobiliari i atrezzo pels Encants

Però qualsevol projecte que busqui perllongar-se en el temps passa per una transformació inevitable, pel canvi forçós de protagonistes, per l’adaptació constant a la realitat canviant. La transformació del vell somni d’aquell grup coratjós de joves, i de no tant joves, no és només una evidència sinó una necessitat. Per tant, com mantenir-se fidel a “l’esperit del Lliure” en una situació tant diferent? Com combinar les dosis necessàries de fidelitat i de renovació? Què és el que cal mantenir –només perquè

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Va ser una aventura molt engrescadora, rica en experiències i anècdotes, èpica en les formes i el context, que ha deixat una primera generació d’artistes extraordinària.

DOSSIER DE CINEMA CINEMA DE TEMPORADA és una marca d’identitat de la casa– i el que cal anar modificant per no trair l’essència del projecte original? Què en queda avui d’aquell “esperit del Lliure”? Què el continua fent un teatre diferent de qualsevol d’altre?

Teatre Lliure, farem una reconstrucció nostàlgica i apassionada d’aquells inicis valents i ambiciosos i, fent un seguiment cronològic de les diferents etapes evolutives, acabarem fent un retrat del Teatre Lliure avui.

A partir de les experiències personals i vivencials, de les anècdotes i les opinions d’aquells/es que han fet possible i han contribuït a l’existència del

Aquesta pel·lícula ha estat possible gràcies al micromecenatge.

CURRÍCULUMS

EL DIRECTOR MANU BENAVENTE Va estudiar a l’Escuela Internacional de San Antonio de los Baños (Cuba) “Estética de la realización documental y fotografía cinemotagrafica”. És professor de diferents cursos de capacitació per a immigrants en mitjans audiovisuals per a la plataforma MIGRAMEDIA, i a L’institut d’Educació Contínua de la UPF (Màster vídeo corporatiu, institucional i empresarial). El 1993 crea Manual SCCL, una productora de televisió. Des de llavors, ha estat realitzador, productor i director de televisió de festivals, programes de TV, spots publicitaris, teatre per a TV, Microespais, TV-

Documentals TV, retransmissions en directe... Entre les produccions que ha participat, hi podem trobar: Va de cine (TVE); La mirada d’un geògraf. Vida i viatges de Gonçal de Reparaz (documental, TV3), codirector i productor executiu; Nus (TV3), director i realitzador; i productor executiu del documental Azalaï, la darrera caravana. Ha dirigit el curtmetratge Hermanos (35 mm) que ha estat finalista en diferents festivals internacionals, destacant la seva participació a Shooting Europe 2006.

LA DIRECTORA MARGA NINOU (1975) Ha fet el curs “Estética de la realización documental” a l’Escuela Internacional de San Antonio de los Baños (Cuba) i el 1995 s’incorpora a Manual SCCL com a sòcia de la cooperativa. És professora de diferents cursos de capacitació per a immigrants en mitjans audiovisuals per a la plataforma MIGRAMEDIA, i professora a l’Institut d’Educació Continua de la UPF (Màster vídeo corporatiu, institucional i empresarial).

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Ha participat en diferents produccions com a guionista i editora (programes de TV, espots, teatre per a TV, microespais TV, documentals, retransmissions en directe, institucionals i vídeos corporatius). Ha participat en els següents projectes: guionista en la producció Nus (TV3); codirectora i guionista del documental Azalaï, la darrera caravana; i productora de Los desiertos de Alqaeda (CUATRO).

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SOBRE LA MARXA JORDI MORATÓ

FITXA Direcció i guió: Jordi Morató Idea original: Jordi Morató, Laia Ribas, Charly Torrebadella Protagonista: Josep Pijiula “Garrell” (Tarzan d’Argelaguer), Ricard Ayats (fill de Tarzán), Ivó Pijiula (fill de Tarzán), Aleix Oliveras, Josep M.Costa, Albert Pujolar, Jordi Pujolar, David Fernández, Miquel Masdevall, Isaac Merino, Joel Vila. Veu en off: Jordi Morató Script Editors: Isaki Lacuesta, Gonzalo de Lucas i Elías León Siminiani Producció executiva: Isa Campo, Isaki Lacuesta, Jordi Morató Producció delegada UpF: Gonzalo de Lucas, Aitor Martos Direcció de Fotografia: Jordi Morató, Laia Ribas Montatge: Jordi Morató, Laia Ribas Ajudant de montatge: Margarida Meneses So directe: Jordi Morató, Laia Ribas Música original: Charly Torrebadella Postproducció de color: Albert Sellés Postproducció de so: Ignasi Jacob Diseny de cartell i presskit: Natàlia Mitjà Imatges d’archiu: Jo Farb Hernández, Sam Hernández, Andreu Nebot

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INFORMACIÓ BÀSICA Dia i hora: Dimarts 21 d’octubre a les 22 h Lloc: Cinema Truffaut Preus: 7€ Durada: 1 h i 17 min Idioma V.O: Català Format de exhibició: DCP 2K Sonido: Dolby Stereo Color, Relació d’aspecte: 1,85:1

PRESENTACIÓ La pel·lícula explica la història d’un home que va muntar i desmuntar tres vegades una selva al costat de l’autopista. És el retrat d’un nen gran que jugava a fer de Tarzan o d’un bon salvatge que s’oposava a les convencions de l’home civilitzat. Josep Pijiula “Garrell”, conegut com el Tarzan d’Argelaguer, va ser filmat durant més de 14 anys. Jordi Morató ha reordenat el material per explicar-nos la crònica d’una entranyable reivindicació dels paradisos perduts. Presentada al festival de Rotterdam, Sobre la marxa no ha parat de ser reclamada per tots els festivals internacionals.

SINOPSI Aquesta és la història d’un home que va crear una selva al costat de l’autopista. Un home que va alçar al bosc, amb les seves pròpies mans, construccions tan belles com inversemblants. És també la història de com va acabar reduint a cendres per tornar a reconstruir-les, una vegada rere l’altra, durant dècades. Se li coneix com el “Garrell”, àlies “Tarzan d’Argelaguer” i no es guia per cap propòsit aparent, excepte el seu lema: anar fent “sobre la marxa”. El relat de com va aconseguir crear un món fantàstic ens arriba a través de les seves

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pròpies filmacions, peculiars remakes de Tarzan gravats amb la complicitat d’un jove de 14 anys. Però també per les imatges d’una historiadora de l’art nord-americana i finalment, per les gravacions de l’autor d’aquest documental, que junta les peces d’aquesta vida extraordinària de múltiples facetes: l’ancià que segueix tenint ànima de nen, el salvatge modern, el visionari admirat pels quals peregrinen al seu bosc, el incomprès a qui titllen de boig ... Com ell mateix diu: “Aquí a la meva selva no em falta res. Aquesta serà la meva vida. No vull saber res més de l’home blanc civilitzat “.

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FESTIVALS Aquesta pel·lícula ja està estrenada i ha tingut un recorregut per tot el món, aconseguint diversos premis. S’ha pogut veure a: -International Film Festival Rotterdam 2014 Secció Bright Future -Festival Internacional de Màlaga 2014 (Menció especial del premi del públic) -Hot Docs 2014, Toronto -Visions du Réel 2014, Nyon -Festival Internacional de Cinema d’Autor 2014, Barcelona (Premi del públic) -IndieLisboa 2014

-Trento Film Festival 2014 (Premi del públic i Premi del jurat a la millor contribuciñon tècnicartística) -Documenta Madrid -Doc ‘s Barcelona -Olhar de Cinema, Brasil -Jeonju International Film Festival, Corea -Taipei International Film Festival, Taiwan -MedFilm Festival Roma Itàlia (Menció especial del jurat) -New Horizons Film Festival, Polònia -Syros International Film Festival, Grècia -European Film Festival Palic, Sèrbia

CURRÍCULUM

DIRECTOR JORDI MORATÓ (1989) El seu primer curtmetratge documental Els Sentits, La vista (2009) va ser guardonat amb el primer premi en els IV Premis Mediavall i seleccionat en el YEFF (Young European Film Forum) de Suècia. Amb Camí de terra (2012), va guanyar el primer premi del festival de cinema Foradcamp i la menció especial del jurat de la Mostra de Cinema de Frontera de Portbou (2013).

Jordi Morató Pujol és titulat per l’EMAV (Escola de Mitjans Audiovisuals de Catalunya) com a Tècnic Superior en Realització d’Audiovisuals i Espectacles i graduat en Comunicació Audiovisual per la Universitat Pompeu Fabra. Ha realitzat estudis complementaris a la Universitat del Cinema de Buenos Aires i actualment està cursant el Màster en Documental de Creació IDEC / UPF. 019

Ha exercit com a operador de càmera i muntador en cinema, publicitat, registre d’espectacles i diverses televisions. Entre els seus treballs recents destaquen la seva col·laboració en l’equip de càmera de la pel·lícula Morir per sobre de les seves possibilitats d’Isaki Lacuesta i la realització dels audiovisuals de l’espectacle de dansa Homenatge a Vicente Escudero del coreògraf i ballarí Cesc Gelabert.

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SOBRE LA MARXA. QUÈ N’HA DIT LA PREMSA “L’inventor de la selva, una pel·lícula imprescindible: perquè s’aprèn més d’un personatge com Garrell, que de la immensa majoria de protagonistes de la televisió diària” Andrea G. Vázquez Diari de Sevilla

“La pel·lícula és, i això és l’important, la puntual reformulació de cada un dels codis que configuren això, anomenat cinema: la ficció, el documental, la transformació i degradació de la realitat, la memòria i l’oblit. I així, de sobte, una pel·lícula es pot convertir en símptoma d’alguna cosa nova. L’últim i un dels més brillants de tots ells” Luis Martínez El Mundo

“Divertida, sempre commovedora i inspiradora. Una pel·lícula prioritària si encara té ocasió de veure-la: no se’n penedirà” Andrew Parker Dork shelf, Canadà

“Un documental èpic sobre el vici de divertir (...) La pel·lícula més bella vista al festival s’atreveix a postular sobre el sentit últim de l’existència: jugar sense parar” Jorge Mauro de Pedro La Vanguardia

“Sobre la Marxa és un acte d’amor, el degut reconeixement en una batalla sense esperança, sempre disposats a postrar-se davant l’adveniment de la modernitat (...) Un captivador treball i combatiu, sincer i esquerp com el seu protagonista inefable “(Raffaele MeAla, Crítica Quinlan Revista Film, Itàlia)” Raffaele MeAla Crítica Quinlan Revista Film, Itàlia

“És captivadora, encantadora, tràgica de vegades i en última instància, una història que un ha de veure per creure (...) una de les pel·lícules més encantadores de l’any fins ara” CJ Prince Camí a Indie

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50 LA VANGUARDIA

Teresa Sesé La Vanguardia 26 de maig del 2014

Cultura

LUNES, 26 MAYO 2014

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Un documental sobre un hombre que nunca dejó de jugar

‘El inventor de la selva’, la premiada película de Jordi Morató, se proyecta el viernes en el CCCB dentro de DocsBarcelona

TARZÁN En la selva de Argelaguer

die”, dice Morató. Pero no estaba en medio de la nada, y llegaron los visitantes. “Venía gente buee niño, a Josep na, pero también macarras que se fumaban cuatro porros y lo Pujiula, Garrell, le gustaba ir a judestrozaban todo”, recuerda Garrell en el filme. Hasta que un gar al bosque de Argelaguer, el día, después de ser agredido por pequeño pueblo unos gamberros, decidió reducir en el que nació hace 76 años, en aquel paraíso a cenizas. No será la Garrotxa. Jugaba a hacer el salla última. Volverá a levantarlo y a vaje. Trepaba a los árboles, se badestruirlo en otras dos ocasiones. “Lo fabuloso de su obra reside no ñaba en el río y pescaba peces con las manos. Pasaron los años, sólo en su capacidad de crear, siy aquel niño construyó torres de no también de destruir aquello 30 metros, cabañas para los que levantó”, reflexiona animales, una presa para baahora el director. ñarse, cascadas, un laberinTambién su película se to de más de un kilómetro... ha ido construyendo sobre Así comienza El inventor de la marcha. Morató comenla selva (Sobre la marxa), un zó a filmar el laberíntico pohermoso y fascinante docublado situado en torno al bamental que desde su estrerranco del Rec de la Font de no, el pasado enero en el Can Sis Rals. Un paraje hasFestival de Cine de Rotterta el que –además de los dodam, donde fue elegido enmingueros que lo descutre los diez filmes preferibrían a su paso por la autodos por el público –por devía– habían llegado experlante de Spike Jonze o Jim tos de la otra punta del munJarmusch–, no ha dejado de do, como la historiadora del TERMITA FILMS cosechar premios por todo arte americana Jo Farb Herel mundo. Dirigido por el El director Jordi Morató nández, que considera a Ganovel Jordi Morató (Torerrell como uno de los máxilló, 1989), y producido por Isaki mos exponentes internacionales Lacuesta, el largometraje, que ya Producida por Isaki de art brut y lo incluyó en estuobtuvo el premio del público en dios publicados por la University Lacuesta, la película el pasado de Cinema d’Autor de Press of Mississippi y la San José Barcelona, se proyectará el vier- nace de un proyecto State University. A Morató el dones en el CCCB dentro del procumental le dio un giro de 360 de fin de carrera de grama de DocsBarcelona. grados, cuando hablando con GaEl inventor de la selva es la his- la Pompeu Fabra rrell supo que con la complicidad toria de Garrell, tornero de profede un vecino de 14 años, Aleix Oli-

D TERESA SESÉ Barcelona

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sión y vecino de Castellfollit de la Roca, casado y padre de una hija, que cada fin de semana acudía con su 4L blanco al bosque donde jugaba de niño para crear una selva donde poder seguir jugando. Domesticó el agua, levantó laberintos aéreos que le permitían caminar por encima de los árboles, lo pobló de burros, faisanes, conejos, cabras... “Se le fue de las manos, cada vez las construcciones eran más grandes, más altas... y sin pretenderlo levantó una ciudad entera donde no vivía na-

Garrell construyó con sus manos torres de 30 metros, una presa para bañarse, cascadas, un laberinto veras, al que sus padres habían regalado una cámara de vídeo, había filmado tres películas que él mismo dirigió y en las que interpretó el personaje de Tarzán. Y es este material el que acabará ganando metraje en el documental. La primera se titulaba Tarzán perseguido por la raza humana, y en ella se ve al Garrell llegando con su 4L y calzándose un taparrabos

de piel de cabra, lanzándose al agua desde una liana de seis metros, cazando conejos con su hijo (papel que interpretaba su propio nieto), luchando con una cabra como si se tratara de un cocodrilo –“soy el rey de la selva, aquí mando yo”, le reta– e imitando el grito de Johnny Weissmuller... “Aquí en mi selva no me falta nada. Esta será mi vida. No quiero saber nada más del hombre blanco civilizado”, dice. “Él construyó ese mundo y cuando empezó a tener problemas con la gente, que destrozaba sus creaciones, en lugar de enfrentarse a ellos o pelearse, empezó a rodar películas donde Tarzán tenía problemas con la civilización. Aquellas construcciones

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# t u it s d e c u lt u r a

LA VANGUARDIA 51

CU LTU R A

LUNES, 26 MAYO 2014 Bonnefoy: “La poesía es ajena al discurso político, es una lucha contra la ideología”

M’he sentit forastera al poble quan m’he trobat una cosina al col·legi electoral i li ha dit fluixet a sa mare: “qui és aquesta pèl-roja?”

“Dar el Nobel a escritores es una farsa grotesca”: una visita a casa de Peter Handke

La próxima edición impresa del Diccionario de la lengua española se publicará en otoño del 2014

>>http://bit.ly/S6AcSR

http://ow.ly/xb5T7

@emotionslab Raquel Vicedo Traductora

@rosersl Roser Sebastià Periodista

@BibliObs ‘Le Nouvel Observateur’ Revista

@RAEinforma Real Academia Española

De Rousseau a Sísifo A N ÁL ISIS Pedro Vallín

comienzan a tener un nuevo sentido”, reflexiona el director. El desdoblamiento de la N-260 entre Sant Jaume de Llierca y Besalú le obligó a demolerlo de nuevo. Llevado por una pulsión creadora fuera de lo común, Garrell bajó entonces de los árboles y construyó un kilométrico laberinto con palos, creando un ambiente mágico con pequeñas esculturas de piedra, cavidades y escalones de bordes redondeados por donde discurre el agua de la acequia. Pero chocó con los técnicos municipales (carecía de medidas de seguridad) y él mismo la haría desaparecer de nuevo con la ayuda de una motosierra. Hoy excava la tierra, Una vez más se le ha ido de las manos y ya ha comido a la piedra más de veinte metros de galerías. “Posiblemente será su propia tumba”, dice Morató. En sus profundidades descansa ya su viejo 4L blanco que le llevaba cada día al paraíso... Ha levantado una torre de 15 metros para poner una cruz encima... “Garrell no sólo cumplió su sueño, lo cumplió tres veces y eso no se lo quita nadie”, concluye el director. Además de los remakes de Tarzán filmados por Garrell y de las grabaciones de Morató, la película –que ha sido producida por La Termita Films y la Universitat Pompeu Fabra– incorpora imágenes de la citada historiadora del arte norteamericana. Recientemente, Garrell salió por primera vez de España. Junto a Morató viajó a Trento para recoger dos galardones: el del Público y el Premio del Jurado a la mejor contribución técnico-artística.c

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Arriba a la izquierda, Garrell, interpretando el papel de Tarzán en diferentes escenas de las películas que rodó en los años noventa. En la imagen de la derecha, destruyendo una de sus construcciones, antes de volver a levantar un espacio laberíntico kilométrico

Como a menudo ocurre con los grandes documentales, antes que a un empeño creativo obedecen a una mirada atenta al mundo. Jordi Morató prueba en su primera película que la posee y que además se trata de una mirada sagaz. La historia de Josep Pijiula Garrell invitaba a acomodarse a lugares comunes, tan confortables para el público como para el cineasta, de los que Morató tiene la astucia de emanciparse. Porque esta singularísima peripecia se presta a un discurso rousseauniano de tipo pastoril al ilustrar la colisión del hombre sencillo de campo, inmerso en el bosque, con los furores de la algarabía urbana y civilizada, la misma que llega en moto y destruye la selva inventada o envía un edicto de expropiación para abrir el paso a una autopista que supondrá la consunción de ese Lothlórien hecho de cañas y tablas. La propia existencia del impagable material videográfico de lustros en que Garrell encarna a un pintoresco Tarzán –el personaje de Edgar Rice Burroughs es en sí mismo un arquetipo rousseauniano– parecen empujar en esa dirección la película. Sin embargo, Morató opta por la heterodoxia huyendo del maniqueísmo dramático. Repara en el detalle esencial que da cuerpo a Sobre la marxa: el inventor de la selva: Garrell asume y aprende el oficio de la destrucción con idéntico mimo que la construcción previa. Una y otra vez. El buen salvaje torna entonces Lo genuino del relato en otro arquetimás complees cómo Garrell asume po jo, un Sísifo que edifica su y aprende el oficio formidable pade la destrucción lacio de madera y que es a la de su propia obra vez administrador del hacha y el fuego destructores. De algún modo, Garrell encuentra un círculo virtuoso, una dedicación enriquecedora en la heroicidad de reconstruir, cada vez de forma más intrincada y bella, su coloso de torres y laberintos. Remite a una pulsión sustancial e instintiva, testaruda en su pugna con lo irremediable, como el empeño genuino de un niño que levanta un muro de arena en la playa porfiando fútilmente por contener las mareas. En ese ciclo infinito, en la exuberancia y precisión técnica de tal obstinación, se asoma la vertiginosa conciencia de lo infructuoso de cualquier empresa humana, condenada a desaparecer, después de todo, el día, ya escrito, en que el sol muera. O seguramente mucho antes.c

DOSSIER DE CINEMA CINEMA DE TEMPORADA Olga Pereda El Periódico 27 de gener del 2014

espectáculos / cultura

LUNES 27 DE ENERO DEL 2014

UN DOCUMENTAL CATALÁN CON PROYECCIÓN INTERNACIONAL

El Tarzán del siglo XXI

LA TERMITA FILMS

Jordi Morató lleva a Rotterdam ‘El inventor de la selva’, retrato de un hombre que vive en el bosque OLGA PEREDA MADRID

Josep Pujiula es un hombre libre. Se ha pasado 45 años haciendo lo que ha querido: construyendo con sus manos un mundo propio en mitad de un bosque. Con sus laberintos, sus casas, sus torres, sus adornos y sus cuevas. Da igual que la Tierra entre a toda pastilla en el siglo XXI. Para Pujiula solo existe un tiempo: el suyo. Cuando Jordi Morató – alumno de Comunicación Audiovisual en la Pompeu Fabra– descubrió el poblado de madera (ubicado en Argelaguer, Garrotxa) construido por Pujiula se enamoró del lugar. Acudía con frecuencia y un día

«Él va a la suya y no le importa que tú estés grabándole», dice el director de su protagonista conoció a su autor, al que todos llaman El Garrell. Morató comenzó a investigar su historia. Se apasionó y decidió coger una cámara para filmar. El resultado lo entregó como proyecto de fin de carrera. Cuando el cineasta Isaki Lacuesta, uno de sus tutores en la facultad, lo vio, lo tuvo claro: Aquí hay una película. Y tanto que la hay: El inventor de la selva (sobre la marcha) se presentó el pasado viernes en el Festival de cine de Rotterdam. «Cuando nos seleccionaron no me lo podía ni creer», cuenta por teléfono Morató, que, de la mano de Lacuesta

(que ejerce de productor), tratará de que el filme recorra todos los festivales posibles e, incluso, llegue a las salas comerciales.

El mundo de ‘El Garrell’ A Morató (Torelló, 1989) le encanta que los espectadores terminen de ver su película y se queden con dudas. ¿Es un falso documental? Lo que cuenta es tan increíble que la duda es más que razonable. Pero –aclara el director– «todo es verdad». El inventor de la selva (sobre la marcha) recorre los 45 años que El Garrell se ha pasado construyendo su mundo. En las imágenes aparece él montando su propia ciudad, sus casas, sus torres y sus laberintos. Juega a ser Tarzán. Y eso es lo único que le mueve: jugar. Jugar en el bosque, en el agua, con los animales. Pero muchos curiosos y turistas terminan destrozando lo que El Garrell ha construido con tanto amor y esfuerzo, aunque él repite hasta la saciedad que lo hace de manera natural, «sobre la marcha» (de ahí la segunda parte del título del filme). Harto de que el «hombre civilizado» destroce su mundo, El Garrell lo arrasa. Pero lo vuelve a construir. Y más grande. Y con torres más altas. Una pena que lo vuelva a destrozar cuando las autoridades políticas le pongan mil pegas debido a la autovía de Girona a Olot. Los años pasan, pero no hay dos sin tres, así que El Garrell vuelve a construir (una vez más) su mundo. Y más y más enorme. Y más complejo. Y con más laberintos. A Morató no le costó mucho entablar amistad con El Garrell. «Es un hombre libre, que ha vivido al mar-

33 Vivir en la naturaleza 8 Josep Pujiula, encaramado a un árbol, en un fotograma del documental. LA TERMITA FILMS

33 El director de cine Jordi Morató.

JUAN MANUEL PRATS

NUEVO OCUPANTE DEL SILLÓN Z DE LA INSTITUCIÓN

José Luis Gómez entra en la RAE 3El actor defiende su oficio, la oralidad y la alquimia del teatro 023 EL PERIÓDICO MADRID

Ayala, a quien elogió y de quien leyó

gen de la sociedad y que se ha pasado 45 años haciendo lo que quería, sin tener en cuenta el contexto que le rodeaba». Cuando Morató le propuso hacer la película, el artista espontáneo no le puso ninguna pega. «Me recibió muy bien. Le gustó el proyecto y se mostró siempre muy receptivo. Él va a la suya y no le importa que tú estés ahí, grabándole», explica el cineasta, que, además, tuvo acceso a material grabado hace muchos años, cuando El Garrell jugaba a ser Tarzán y le filmaba un muchacho amigo suyo. «Al principio no sabía si utilizar esas imágenes porque eran muy amateur, algo anecdótico. Pero luego vi que eran fundamentales para contar la historia. Son fantásticas», explica Morató. Efectivamente, esas imágenes son muy valiosas y reflejan tal cual es El Garrell: un ser humano libre que vive y deja vivir. H

co elogió «la oralidad que hizo po-

DOSSIER DE CINEMA CINEMA DE TEMPORADA César López Rosell El Correo 21 de març de 2013 68

Jueves 20.03.14 EL CORREO

El Tarzán de La Garrocha :: ANTONIO CORBILLÓN

Creó su propia selva con estanques, cascadas, burros, faisanes y pasarelas para caminar sobre el bosque. Encarnó al buen salvaje. A sus 76 años, Josep Pujiula ha bajado de los árboles para esculpir su tumba

er un poco salvaje es bueno para el cuerpo. Todos tenemos algo de raíz salvaje». Josep Pujiula cumplirá 77 años en junio, pero nadie le encontrará sentado en el sofá de su casa o jugando a la petanca con sus vecinos de Castelfollit de la Roca, municipio de La Garrocha gerundense y uno de los más pequeños de España. Su carácter se asemeja más a esas acacias que durante casi medio siglo utilizó para construir su propio mundo selvático. Un hombre duro y dúctil a la vez, que se ha doblado y dejado zarandear por las tormentas de la vida; pero ninguna le ha vencido. Por tres veces tuvo que destruir el paraíso agreste que se había creado y las tres veces lo aceptó, e incluso disfrutó, quizás porque descubrió que, después del final, siempre estaba el principio. El eterno retorno a la naturaleza, que tiró de él más que cualquier otra pasión. La suya era una vida como otra cualquiera. La de un joven tornero que trabajaba diez horas diarias, casado, con una hija. Pero la sangre le reclamaba la vuelta a la simplicidad de la tierra. El paisaje de La Garrocha, dominado por los bosques de Argelaguer, hicieron el resto. Para Josep, «no hay comparación posible a la vida al aire libre». Recuerda una niñez perdido por aquellos parajes, bañándose o pescando en el río Fluviá. «Nunca dejó de ser aquel chico que se crea su propio mundo silvestre», resume el director Jordi Morató, que presentará en unos días, en el Festival de Málaga, el documental sobre la vida de Pujiula ‘El inventor de la selva’. Todo empezó hace 45 años «sobre la marcha», una de sus frases habituales. Sin encomendarse a nada ni nadie, Josep comenzó a dedicar sus fines de semana a domesticar el agua. Con ella llegaron los estanques, las cascadas. Después las gallinas, faisanes, los burros... Y sus pasarelas y laberintos aéreos que le permitían caminar sobre los árboles. Pero aquel bosque no estaba en mitad de la nada y el ocupa de la naturaleza comenzó a recibir visitas. «Venía gente buena, pero también macarras que se fumaban cuatro porros y rompían cosas. El conflic-

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Josep Pujiula, dentro del laberinto que construyó en los bosques de La Garrocha (Gerona). Con madera autóctona levantó torres de 30 metros que acabó derribando por problemas legales.

EL MUNDO DESCUBRE AL SALVAJE DE GERONA

Película. La historia de Josep Pujiula, reflejada en ‘El inventor de la selva’ (‘Sobre la marxa’ en catalán) sorprendió al público del Festival de Rotterdam que

to había llegado para quedarse». Las estructuras de aquel mundo, visibles desde la cercana carretera, lo convirtieron en una especie de parque temático. Pero él no buscaba un Port Aventura forestal. «Me gustaba que viniera la gente, pero aquello murió de éxito. Un día incluso me pegaron y decidí desmontarlo».

Del árbol a la cueva

Grabó tres películas caseras en las que encarnaba a Tarzán frente a la civilización. :: FOTOS TERMITA FILMS

Solo halló una forma de enfrentarse. Sus vecinos le llamaban Garrell, pero él decidió ser ‘Tarzán de Argelaguer’. Aleix, un chaval de 14 años al que sus padres regalaron una cámara de vídeo, fue su cómplice y notario visual de sus correrías en taparrabos. En sus tres películas se aprecia el portento físico que era hace 30 años. En la primera, que tituló ‘Tarzán perseguido por la raza humana’, se ve a un hombre capaz de

la incluyó entre las 10 más valoradas de las 200 que pudieron verse. Su estreno en España llegará este domingo en el Festival de Málaga.

correr descalzo, descender acantilados de roca con sus manos, trepar a los árboles y jugarse la vida lanzándose al agua desde una liana a seis metros de altura. No faltan los alaridos. Sus cocodrilos eran cabras a las que domaba tras frenar sus embestidas y gritarles ¡soy el rey de la selva! Josep Pujiula nunca buscó el conflicto y siempre aceptó los arañazos de la civilización. Pero, como el personaje que popularizó Johnny Weissmüller, sabía que pretendía «vivir en un mundo que ya no existe». Cuando decidió destruir su obra y entregarla al fuego bailó junto a las llamas. «Fui el rey del agua y de la selva, también quería serlo del fuego», recuerda ahora desde su casa en Castellfollit. Su lado silvestre volvió a tirar de él y, siempre «sobre la marcha», decidió bajar de los árboles y crear un laberinto con palos. «Una guía de recreo para la buena gente, un lugar lleno de trampas para los

Descalzo. Un chaval de 14 años grabó hace 30 años sus correrías. Sale en taparrabos y se aprecia el portento que era entonces. ‘Soy el rey de la selva’, grita.

pasotas». Su pelo encaneció concentrado en su obra, que volvió a ser víctima del cercano mundo civilizado. Su bosque fue declarado ilegal porque «carecía de salida de emergencia». Su motosierra echó abajo estructuras que superaban los 30 metros. Hoy, El Tarzán de Argelaguer ya no está para cruzar lianas. Pero ha vuelto a su lado salvaje. Dominó el agua y el fuego, elementos que «siempre desaparecen». «Ahora ha decidido crear algo que le suceda: su propia tumba», comenta Jordi Morató (1989), que encontró en Pujiula toda la complicidad para su ‘opera prima’ tras una cámara. Desde hace un año, el Garrell escaba la tierra. Una vez más se la ha ido de las manos y ya ha creado 20 metros de galerías. «He subido para arriba pero me han cortado las alas. Pero siempre encuentro soluciones para seguir». Esta vez, nadie echará por tierra el mundo perdido del Tarzán de Argelaguer.

DOSSIER DE CINEMA CINEMA DE TEMPORADA José Cabello Cinedivergente.com 6 de maig del 2014

Jordi Morató, director de El inventor de la selva (Sobre la marxa)

TODOS (HTTP://CINEDIVERGENTE.COM/ENTREVISTAS)

JORDI MORATÓ, DIRECTOR DE EL INVENTOR DE LA SELVA (SOBRE LA MARXA) POR JOSE CABELLO (HTTP://CINEDIVERGENTE.COM/AUTHOR/JOSE-CABELLO)

onstruir una selva con las manos, al lado del paso de una autopista, es la hazaña sobre la que gira el documental El inventor de la selva (http://cinedivergente.com/festivales/festivales-2014/festival-de-malaga/elculo-del-mundo-los-fenomenos-y-el-inventor-de-la-selva). El artíﬁce de este extraño levantamiento, Josep Pujiula -también conocido con el apodo de “El Garrell”emula en su creación, por medio de construcciones de madera, laberintos naturales y ediﬁcaciones entre árboles, un trozo de jungla que, al mismo tiempo, funciona como coartada perfecta para la ambientación de tres películas sobre la vida de Tarzán. Lecturas y reinterpretaciones de un Tarzán que él mismo encarnó y rodó con la ayuda de un niño del pueblo. De ahí su otro apodo, “El Tarzán de Argelaguer”, municipio donde se desarrolló la aventura del protagonista de El inventor de la selva .

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Jordi Morató, director del documental, se sirve de la ﬁgura de Garrell y de sus construcciones alienígenas, para erigir un elogio al acto lúdico y hacerlo entender como una de las virtudes más sanas e innatas del ser humano. Jordi recoge con su cámara la inyección de actitud positiva que sustenta el manual de vida de Garrell. Tras haberse visto en el Festival de Málaga (http://cinedivergente.com/festivales/festivales-2014/festival-de-malaga), la ópera prima de Jordi Morató encontró su hueco dentro de la sección Un impulso colectivo, en el marco del D’A, Festival de Cine de Autor de Barcelona (http://cinedivergente.com/festivales/festivales-2014/da-festival-de-cine-de-autor), donde se alzó con el premio del público del certamen, para luego poder verse en Documenta Madrid (http://cinedivergente.com/festivales/festivales2014/documenta-madrid). Aprovechando la presencia del director en el Festival de Málaga (http://cinedivergente.com/festivales/festivales-2014/festival-de-malaga), quedamos con Jordi para hablar de su película.

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¿Cómo conoces la historia de “El Garrell”? Fue una cadena de casualidades. Por una parte, conocí Argelaguer, un pueblo de la provincia de Girona, cuando unos amigos me cuentan de la existencia de estas construcciones. Fui a visitarlo y quedé impresionado con la obra. Por otra parte, en una sesión de rodaje, cuando comienzo a grabar el sitio, como espacio, conozco a Garrell, y al conocer su historia me doy cuenta de que es más impresionante todavía que el propio lugar. Ahí comienza la idea de El inventor de la selva (http://cinedivergente.com/festivales/festivales-2014/festival-de-malaga/el-culodel-mundo-los-fenomenos-y-el-inventor-de-la-selva), con grabaciones, entrevistas y documentación del lugar.

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EL C INVE

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LA FOSSA PERE VILÀ BARCELÓ

FITXA Direcció: Pere Vilà Barceló Guió: Pere Vilà Barceló i Laura Merino Intèrprets: Lluís Homar, Emma Vilarasau, Àlex Monner, Josep Maria Domènech i Josefina Espinosa Ass. de direcció: Laura Merino Fotografía: José Luís Bernal Producció: Manium produccions

INFORMACIÓ BÀSICA Dia i hora: Dimarts 25 de novembre a les 22 h Lloc: Cinema Truffaut Preus: 7€ Durada: 1 h i 30 min

ESTRENA A CATALUNYA Pel·lícula 026

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PRESENTACIÓ Tríptic sobre la memòria històrica. Un ancià decideix abandonar un geriàtric a la recerca del seu passat. El seu viatge acabarà a les terres de l’Ebre, caminant per les restes d’una guerra, cercant un lloc on morir. La Guerra Civil és al cor d’aquests tres relats que acaben lligats entre si: un retrat sobre la desmemòria, en què els silencis poètics s’alternen amb grans moments dramàtics.

SINOPSI Josep és un ancià que viu en un geriàtric. En la seva soledat l’acompanya una vella ràdio que escolta a la seva habitació. A través d’aquesta coneixerà la notícia de la troballa d’una fossa comuna de la Guerra Civil amb centenars de soldats republicans. Aquest serà el detonant que farà que l’ancià vulgui fugir del geriàtric acompanyat d’una anciana que sembla formar part del seu passat. Mentre fuig, la seva ment ens mostra el passat. Un mes després de la mort del general Franco, en Josep decideix tornar a Espanya després d’anys d’exili. El primer que farà és anar a retrobar la Laura, la dona que va conèixer tot just després de la Guerra Civil. A través de la seva

conversa descobrirem les divisions d’un país, entre vencedors i vençuts, que malgrat la mort del dictador encara es mantenen, i que sobretot van fer impossible l’amor de dues persones simplement perquè representaven dos bàndols oposats. Una ferida oberta que en alguns aspectes, es manté així encara avui dia. Novament en Josep ancià iniciarà un viatge que el portarà a les muntanyes on va tenir lloc la batalla de l’Ebre, moment clau de la guerra. Aquest serà el lloc que ell ha escollit per morir. Paral·lelament, un grup de persones organitzen una batuda per buscar l’ancià. Un jove desplaçat del grup de recerca es veurà obligat a acompanyar en Josep en aquest camí final.

CURRÍCULUMS LA PRODUCTORA MANIUM PRODUCCIONS Manium Produccions es va constituir l’any 2006 com una productora petita i familiar, creada amb l’objectiu d’impulsar el projecte de llargmetratge de ficció Pas a nivell, dirigit per Pere Vilà Barceló. Després l’exit d’aquesta pel·lícula per Festivals Internacionals de Cinema com: Gijón, Las Palmas, Rotterdam, Londres, Buenos Aires, Lisboa, Nova York i Sant Sebastià, la productora va produir diversos curtmetratges, tant de ficció com documentals, mentre es buscava el finançament per la producció del

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segon llargmetratge la Lapidation de Saint Étienne.Finalment el rodatge de La Lapidation de Saint Étienne de Pere Vilà Barceló es va inciar el juny de 2011 gràcies als acords de coproducció amb les productores: DDM Visual, Eddie Saeta i la productora marseillesa Âge d’Or. La participació en la producció d’aquest llargmetratge, que es va presentar a la secció oficial de Karlovy Vary el juliol de 2012, ha significat un pas per la consolidació d’aquesta productora.

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EL DIRECTOR PERE VILÀ (1975) Pere Vilà Barceló va estudiar escriptura de guió al Centre Calassanç de Barcelona (actual ESCAC). Amb el seu professor Joaquim Jordà va començar una relació d’amistat que els va portar a escriure junts en diverses ocasions. Cal destacar per exemple la tvmovie Andorra, entre el torb i la Gestapo. Després d’això, va guanyar diversos premis en concursos de guions de curtmetratge. Va guanyar el premi a la millor direcció de la Elsa Peretti Foundation per Els peixos del riu Leteo (2005), amb Emma Vilarasau com a protagonista. Ha acumulat una notable experiència com autor de curtmetratges, una trajectòria que inclou títols com Sabi (2005), Des del balcó (2005), i Ressaca (2006, premi de l’Associació de Realitzadors i Productors de les comarques de Girona, ARPAGI). També va rebre, el premi al millor guió del diari El País i la New York Film Academy per Diagnòstic. Gràcies a alguns d’aquests premis, el 2007 va iniciar el projecte del seu primer llargmetratge, Pas a nivell. Amb característiques d’un cinema auster i contemplatiu que el mateix Festival de Gijón va comparar amb Antoni i Tsai Ming Lian. Rodat amb només 30.000€ i totalment al marge de les línies habituals de producció, aquest llargmetratge va ser seleccionat en una vintena de Festivals Internacionals entre els quals estan: Gijón, Las Palmas, Rotterdam, Londres, Buenos Aires, Lisboa, Nova York i Sant Sebastià. Mentre preparava el seu segon llargmetratge, va seguir amb la producció de curtmetratges com Origen, encàrrec del Museu del Cinema de Girona i presentat al festival de Gijón 2008 com un treball homenatge a la figura de Charles Chaplin. També cal destacar el documental

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sobre la Guerra Civil Soldats anònims codirigit amb Isaki Lacuesta, que va ser presentat al Festival Punt de vista 2008. A més de l’encàrrec pel Museu del Cinema de Girona, el 2009 va realitzar altres treballs audiovisuals presentats en centres d’art com l’exposició Indisciplinats per la Sala 15 a Olot, o història de les individualitats exposada al Museu de l’Empordà i que va rebre una Beca Agita 2009. També ha treballat com a guionista per l’artista visual Marcel.lí Antúnez (La Fura dels Baus) en la seva obra de teatre Cotrone, presentada al Festival Grec i Temporada Alta el 2010, i més recentment amb el projecte de llargmetratge cinematogràfic del mateix artista Duramater. El juny de 2011, Pere Vilà Barceló comença el rodatge del seu segon llargmetratge La lapidation de Saint Étienne coproduït per Eddie Saeta (Lluís Miñarro), L’Âge d’Or i DDM visual. Protagonitzat pels actors francesos: Lou Castel, Luis Rego i Marie Payen, el film tracta sobre un drama social en el qual un ancià que viu sol és atacat pel mobbing immobiliari de la propietària del pis on viu.

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SOBRE L’ANTERIOR PEL·LÍCULA DE PERE VILÀ, LA LAPIDATION DE SAINT ÉTIENNE, LA PREMSA HA DIT... “Ja sabem que Pere Vilà prefereix mirar endavant, com mira la vellessa abandonada a La lapidation de Saint Étienne, una pel·lícula que fa que l’amor, de Haneke, també la vellessa com a protagonista, sembli tan alegre i optimista com ¡Qué bello es vivir!, de Capra” Salvador Llopart La Vanguardia

“Vilà, considerat per Joaquim Jordà un dels narradors cinematogràfics amb més talent, introdueix l’espectador a la cotidianitat de Étienne, un home ancià que viu sol i atrapat en el record de dos absències, la dona i la filla” Marta Sureda La Vanguardia

“La magnífica escenografia ha sabut reflexar el sindrome de Diógenes que pateix Étienne, i la direcció de fotografia recrear i capturar una atmòsfera tenyida de nostalgia” Marta Sureda La Vanguardia

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Cultura|s La Vanguardia

Pantallas

Miércoles, 10 julio 2013

PANTALLAS

Pedro Vallín La Vanguardia 25 de setembre del 2011

La lapidation de Saint Étienne (La lapidació de Sant Esteve) Guión y dirección: Pere Vilà i Barceló. Reparto: Lou Castel, Marie Payen, Luis Rego, y Elsa Toro. Fotografía: José Luis Bernal

El actor Lou Castel en su interpretación de Étienne, un anciano enfermo que vive rodeado de los objetos de su pasado trágico, que no quiere olvidar

Crónica de un rodaje Tras el estreno de ‘La lapidation de Saint Étienne’ de Pere Vilà, publicamos una narración sobre algunos detalles de la estancia, las ideas y la actitud de su principal protagonista, Lou Castel, en las calles de Girona

Lou Castel o el actor indignado MARTA SUREDA

Excéntrico y anárquico como Alex de la ópera prima de Marco Bellocchio, I pugni in tasca (1965). Justiciero y rebelde como Requiescant del spaghetti western homónimo, que firmó Carlo Lizanni en 1967. Excesivo y pasional como Jeff de la película de Fassbinder, Atención a esa prostituta tan querida (1971). Crítico y reflexivo como Arie de La Question humaine dirigida por Nicolas Klotz, y estrenada en el 2007. Esta serie de adjetivos define parcialmente algunos de los personajes interpretados por Lou Castel, pero también esboza la personalidad intensa y magnética de este actor nacido en Colombia y establecido en París. Intérprete fetiche de producciones independientes y arriesgadas de los años 60 y 70, siempre ha mostrado cierto escepticismo hacia el estilo de vida superficial y glamuroso que a menudo rodea su profesión. Castel ha dedicado su existencia al compromiso político y social, desde la militancia y la acción comunista de sus años de juventud, hasta la crítica más mordaz a los actuales sistemas políticos y económicos. El actor, rehuyendo cualquier forma de vida convencional, no ha dejado nunca de creer en sus ideales, manteniendo siempre encendida la llama de su espíritu revolucio-

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nario. Una actitud crítica y combativa que ha explotado tanto artística como personalmente. El mes de junio del 2011, con casi setenta años, luciendo una media melena blanca y despeinada, y una mirada clara que todavía preserva cierto espíritu infantil, Lou Castel llegó a Girona para protagonizar con Luis Rego i Marie Payen el segundo largometraje de Pere Vilà, La lapidation de Saint Étienne. Y en esta ocasión, el direc-

El filme es la tragedia de un hombre que vive de espaldas a la sociedad, rodeado de objetos y recuerdos tor de Pas a nivell (2007) ha rodado en francés un filme producido conjuntamente por la marsellesa Âge d’Or, Eddie Saeta de Lluís Miñarro y la gerundense DDM. Vilà, considerado por Joaquim Jordà uno de los narradores cinematográficos con más talento, introduce al espectador en la cotidianidad de Étienne, un hombre anciano que vive solo y atrapado en el recuerdo de dos ausencias, la de mujer e hija. Esta memoria se materializa físicamente en las radiografías que visten las ventanas

de la casa, y revive en la percepción constante de sus presencias. La magnífica escenografía ha sabido reflejar el síndrome de Diógenes que sufre Étienne, y la dirección de fotografía recrear y capturar una atmósfera teñida de nostalgia. El aislamiento y la incomprensión del personaje se ven intensificados por el rechazo de sus vecinos y por la presión recibida para que abandone el inmueble; en definitiva, La lapidation de Saint Étienne es la tragedia de un hombre que vive de espaldas a la sociedad, rodeado de objetos y recuerdos. Desde su primera lectura, Lou Castel se sintió atraído por el guión escrito por Vilà y Laura Merino, y lo trabajó de una manera muy especial, pintando cada escena con un color diferente según el estado de ánimo que le provocaba. El guión se convirtió en un objeto artístico y a la vez en un recurso mnemotécnico que le acompañaba a todas partes. Su metodología de trabajo, poco habituada a los ensayos y repeticiones, basculaba entre la obsesión por capturar los matices emocionales y la primera intuición, entre el rigor y el azar: exprimiendo toda la intensidad interpretativa en la primera toma, Castel imposibilita la repetición exacta de la escena. Para el intérprete francés, el actor es un ser consagrado a la palabra,

mientras que la expresión gestual queda relegada a un segundo término. La película de Vilà, en cambio, está construida básicamente a partir de pequeños movimientos cotidianos y silencios; y es por este motivo que el reto de Castel fue conseguir plasmar con naturalidad estos gestos. Castel estaba más interesado en el aspecto social de la película, entendiendo la lapidación como metáfora contemporánea de la situación que viven algunas personas mayores. En cambio para Vilà la dimensión existencial y espiritual del filme, centrada en la relación que mantiene al personaje con la vida y la muerte, era uno de los elementos fundamentales. La conciliación de estas visiones opuestas entre la palabra y el gesto, entre lo social y lo existencial, se convirtió en la pieza clave para hacer funcionar la maquinaria del rodaje, enriqueciendo el proyecto en matices y variaciones. En su tiempo libre, Castel aprovechó para descubrir Girona, abandonando el set de rodaje situado en un piso en el edificio del cine

Fascinado por el tono festivo y pacífico de la convocatoria, Castel bailó entre los manifestantes Truffaut. La muralla se convirtió en su lugar preferido, gracias a la visión privilegiada que le permitía observar desde las alturas la fisonomía de la ciudad. Su inquietud lo llevó a acercarse a la acampada de plaza Catalunya, interesado por el movimiento de los indignados. Su observación atenta de las asambleas le permitió apreciar enseguida el esfuerzo del diálogo dentro de un grupo heterogéneo de personas, y la fluidez de la comunicación entre ellas a través de gestos con las manos.

DOSSIER DE CINEMA CINEMA DE TEMPORADA Pedro Vallín La Vanguardia 25 de setembre del 2011 40 LA VANGUARDIA

C U L T U R A

LUNES, 15 JULIO 2013

EL CREADOR (160) PERE VILÀ

“¿Demasiada guerra (civil)? ¡Para nada!”

SALVADOR LLOPART / AGUSTÍ ENSESA (FOTO) lguien dijo que, a veces, si es necesario, uno es suficiente; que dos son una multitud, y que tres, bueno, que tres pueden ser toda una fiesta. Y ese alguien muy bien podría haber sido Pere Vilà. Pere Vilà (Girona, 1975), director de cine. Después de casi un mes desde su estreno, todavía tiene en cartel (Barcelona, Cine Alexandra) La lapidation de Saint Étienne, descarnada mirada a la decrepitud y la soledad que traen los años, cuando son años malvividos. La lapidación... fue producida por Lluís Miñarro, pues para afrontar una película como esa, dura, sin concesiones a la galería –premiada en Karlovy Vary– fueron necesarios dos. Uno de ellos, Vilà. Y el otro Miñarro, productor capaz de producir películas que otros no se atreverían nunca. Pero ahora, ya sólo, que no en soledad, Vilà prepara otro filme de contenido tan insobornable como el anterior. De hecho ya lo ha rodado, en tan sólo seis días. Habla de nuevo de la vejez, como el anterior. Pero sobre todo habla de la guerra civil española y la memoria histórica que deja (o no) tras de sí el conflicto. Quiere Vilà acercarse al momento histórico, evitando falsas simplificaciones. Desde la misma complejidad de la propia historia. Sin apaños ni mixtificaciones. Pues lo que es complejo, en su opinión, complejo debe quedar. “Es el resultado de una preocupación de años por la Guerra. He hablado con soldados, con supervivientes, con testigos. Y tengo la sensación que es un asunto que, a pesar de su trascendencia, se está quedando en los márgenes”. ¿Pero no hay ya demasiadas películas sobre la Guerra Civil?, apostilla uno, iluso. A lo que Pere responde: “Me río cuando me comentan que se han hecho demasiadas películas sobre la Guerra Civil. Por el contrario, tengo la sensación que

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tos. Desde las personas que vivieron el conflicto, coes un asunto muy poco tratado. O mal tratado. Como mo el personaje de Josep Maria Domènech, o de quiesi siempre estuviéramos mirando hacia otro lado”. nes, por ser de generaciones posteriores, han sufrido Y ya sabemos que Pere Vilà prefiere mirar de frenlas consecuencias. “El filme tiene un presupuesto de te, como mira la vejez abandonada en La lapidación, unos 15.000 euros que Pere Vilà ha levantado como una película que hace que Amor, de Haneke, también ha podido. Con pequeñas donaciones. Rodando porcon la vejez como protagonista, parezca tan alegre y que tenía que rodar, sin esperar subvenciones. optimista como ¡Qué bello es vivir!, de Capra. La lapi“La cuestión es hacer. Ponerse en marcha como dación, en fin, un filme ponzoñoso, que a uno se le sea”, afirma. “Recuerdo una charla de Béla Tarr en engancha en el espíritu, por situar en algún sitio tanBarcelona –a quien presentó el recordado Domènec to estrago. No se sabe muy bien si para bien o para Font en uno de sus congresos– en la que el cineasta mal, pues acaba por dejarte perdido de resentimienhúngaro afirmaba que hay que ponerse manos a la to, de culpa, y de ese dolor difuso que deja el paso del obra y quejarse lo menos posible. Yo intento aplicartiempo dilapidado. La lapidación, sí. me ese consejo a mi mismo”. ¿La precariedad es un ¿Por qué motivo tendría uno que ir a verla? “¿Y por qué no?”, conincentivo? “Tanto como eso no. La testa Vilà, para quien esa precariedad no es buena. sería precisamente la verTe hace convivir con la dadera pregunta. Pero a lo que íbamos. sensación de que todo es Hablemos del nuevo profrágil; que se te puede esyecto que Vilà ha levancapar de las manos”, afirdo, él solito, en un año de ma, para añadir a contipreparación. Y que ha ronuación: “Pero también dado en tan sólo seis días, es cierto que, en cuanto como antes decíamos. aprendes a convivir con Con la ayuda inestimable, esa sensación, sigues adeno obstante, de actores colante si realmente crees mo Emma Vilarasau, en lo que haces”. La tenaLluís Homar y el joven cidad, pues, como una de Àlex Monner. las bellas artes. La nueva película de ViPere Vilà es de Girona, là se llama La fossa y, adecomo Isaki Lacuesta y Almás de los citados intérbert Serra, otros dos direcpretes, tiene como protatores que no se atienen a Joaquim Jordà: “Un maestro te ayuda gonista a Josep Maria Dolas reglas. Que crean su a descubrir tu propio camino” mènech, quien encarna a propio camino. “En realiun viejo soldado republidad no tenemos nada más ]“Ir a su casa era una peregrinación, encano. El descubrimiento en común que el hecho de trar en un libro no escrito. Se sentaba en de una fosa común, con que los tres somos de Gisu sillón, rodeado de toda una vida cinemarestos de soldados, lo porona, o del vecindario (Altográfica. Esto ya era estimulante. Más ne en movimiento; en la bert Serra es de Banyoque un maestro, siempre lo he consideramedida de lo que puede les)”. Tres directores sindo un amigo, y si es un buen amigo, tammoverse, claro, lo justo pagulares, sin embargo. Lebién puede ser las dos cosas. Nunca me ra escapar del geriátrico. jos del gran público todadirigió hacia un camino concreto, él, intui¿Cómo hablar de la vía, los tres. Pero camino tivo como era, ya veía mi camino antes Guerra Civil en el año de encontrarlo. ¿Tres dique yo. Pese a que su cine no fue una in2013? “Desde la actualirectores hacen una genefluencia directa, ya que yo tenía otros refedad, por supuesto. Sin falración? “No, seguramenrentes, creo compartir con Jordà su intesas recreaciones. Viendo te no”, afirma Pere Vilà. rés por los temas complejos y menos agraqué queda de la historia Pero son tres, al menos. decidos, y por eso mismo, tan necesarios”. mediante diferentes rela¡Fiesta!

MI MAESTRO

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PEEPING TOM MICHAEL POWELL

FITXA Direcció: Michael Powell Guió: Leo Marks Intèrprets: Carl Boehm, Moira Shearer, Anna Massey i Maxine Audley

INFORMACIÓ BÀSICA Dia i hora: Dissabte 29 de novembre a les 18 h Lloc: Cinema Truffaut Preus: 7€ Durada: 1 h i 48 min Aquesta projecció està lligada a l’espectacle Watching Peeping Tom. Es recomana veure la pel·lícula (18 h) abans de la conferència teatralitzada (21 h).

PRESENTACIÓ Peeping Tom (El fotógrafo del pánico, 1960) és un saló ple de miralls. A Peeping Tom, el realitzador britànic Michael Powell hi posa de protagonista un realitzador obsessionat per captar el terror amb la seva càmera: un assassí que necessita filmar el pànic que senten les seves víctimes en morir. La pel·lícula agafa el punt de vista subjectiu del protagonista i és una reflexió sobre la nostra condició de voyeurs. Segons Martin Scorsese, aquest film conté tot el que es pot dir sobre la direcció cinematogràfica, junt amb 8 ½ de Fellini. 032

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SINOPSI

Böhm és un realitzador psicòpata que graba les seves víctimes mentre moren. És un home profundament pertorbat, amb un desequilibri que prové de la seva infància. El seu pare, un científic obsessionat en estudiar les reaccions infantils davant la por, va destrossar la seva psique i l’ha convertit en un adult acomplexat i afectat per una demència demoníaca. El personatge necessita registrar en imatges el terror que senten les seves víctimes abans de morir. Per això exerceix la professió de realitzador, per camuflar les seves intencions i poder satisfer els seus morbosos impulsos sense aixecar sospites. La pel∙lícula reflexiona sobre la corrupció dels sentiments al ser instrumentalitzats, que es reflexa en el propi estil de la pel∙lícula, que adopta el punt de vista subjectiu del seu protagonista. El crític Roger Ebert comentant la pel∙lícula va dir: “El cine ens converteix en voyeurs. Seiem a l’obscuritat, i observem la vida dels altres. És en aquests termes que el cinema s’entén amb nosaltres”. Martin Scorsese va declarar que aquesta pel·lícula juntament amb 8 ½ de Fellini, conté tot el que es pot dir sobre la direcció cinematogràfica: “Sempre he cregut que Peeping Tom i 8 ½ diuen tot el que es pot dir sobre l’art de fer pel∙lícules, sobre el procés per dur-les a terme, l’objectivitat i subjectivitat, i la confusió entre les dues. Peeping Tom mostra l’agressió que hi

ha en la realització cinematogràfica, com la càmara infringeix una violació... Veient-la pots descobrir tot sobre les persones que fan cine, o al menys com aquestes persones s’expressen a elles mateixes a través de les pel∙lícules”. Quan la pel∙lícula es va estrenar l’any 1960 va provocar un greu escàndol i que el seu director Michael Powell caigués en l’oblit i el desprestigi fins al 1970, any que se li va dedicar una retrospectiva. El nom de Peeping Tom (voyeur en anglès) prové de a llegenda de Lady Godiva. Lady Godiva va ser una dama anglosaxona de principis del s.XI, famosa per la seva bondat i bellesa, casada amb Leofric, comte de Chester i Mercia i senyor de Coventry. Davant l’ambició del seu marit, ella li va demanar que rebaixés els tributs. Ell ho va concedir amb la condició que Lady Godiva recorrés Coventry a cavall i despullada. La dama ho va fer, però abans va pactar amb els veïns que tots es tancarien a les seves cases per no pertorbar-la. El dia escollit Lady Godiva es va passejar despullada pel poble, muntant a cavall, mentre tots els veïns de Coventry van romandre a casa seva amb les finestres tancades. Tots menys un sastre conegut més endavant com a Peeping Tom (Tom el voyeur), que segons la llegenda no va poder resistir veure la seva senyora despullada a través d’un forat de la persiana, i es va quedar cec per culpa d’això.

EL DIRECTOR MICHAEL POWELL (1905-1990) Michael Latham Powell, va ser un director i productor de cinema britànic, associat des del 1937 amb el director de cinema Emeric Pressburger, amb qui va produir una sèrie de clàssics sota el segell de “The Archers”, entre els quals s’hi troba Pepping Tom (1960). Com a director de cinema trobem més de 35 peces al seu nom (algunes d’elles desaparegudes): The Edge of the World (1937), Smith (1939), The Lion Has Wings (1939), codirector de The Thief of Bagdad (1940), An Airman’s Letter to His Mother (1941), The Sorcerer’s Apprentice (1955), Luna de Miel (1959), The Queen’s Guards (1961), Herzog 033

Blaubarts Burg (1963), They’re a Weird Mob (1966), Age of Consent (1969), Return to the Edge of the World (1978), etc.

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