UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO Campus Le贸n Divisi贸n de Ciencias Sociales y Humanidades Licenciatura en Cultura y arte.
Materia: Artes y Oficios
Profesora: Dra.Maru Rabadan.
”MÁS ALLÁ DE LA FORMA, UNA RETROSPECTIVA AL EXPRESIONISMO ABSTRACTO” El Expresionismo Abstracto Estadounidense adquiere su nombre, por un lado, del movimiento procedente de Alemania, ya que como este, toma como la fuente de toda expresión presentada en la superficie del olea, la concepción proveniente directamente por parte del ejecutante, más que de una formalidad artística; en el que se busca la autonomía, la libertad y la pureza de la expresión. Trabajando las formas, las líneas, los colores; como también era característico del movimiento homónimo en Alemania, el Expresionismo Abstracto en esta ocasión se libera por completo del objeto y su representación, libertad directa y forma pura, estas características le vinieron a añadir su segundo nombre al movimiento, abstracto. Se han formulado varias ideas sobre el surgimiento de lo abstracto, por un lado lo correspondiente a las circunstancia en la que se encontraba el arte figurativo, ya que algunas tesis sostienen que el agotamiento presentado por este arte, devino en la conclusión lógica de comenzar a alejarse de los objetos representados, tratando de presentar la esencia de los mismos o lo que provocan en el artista. La visión de los colores y formas libres sin objetos específicos, sin representación y ataduras, aporto a los artistas, nuevas herramientas y posibilidades ilimitadas, encontrándose libres de todo lazo concreto y sometimiento de cánones estéticos anteriores; se libera la capacidad de plasmar la expresión de manera pura, cosa que en otros tiempos hubiera resultado imposible con las estructuras del pensamiento antiguo, como en el Renacimiento. Ya que como es bien sabido, la mimesis de la naturaleza con la fidelidad más exacta representaba la excelencia estética que se apreciaba y era bien recibida en estas épocas. Pero esta explicación, sobre surgimiento del movimiento sería insuficiente y simplista, pues mengua la actividad humana a solo una reacción a una acción repetida y desgastada, una acción mecánica.
Cabe mencionar que para algunos autores el surgimiento de la abstracción no tiene ninguna relación con las condiciones históricas presentes en el momento. Entonces resultará sin sentido la explicación del movimiento artístico por consecuencia de eventos históricos paralelos, no así el estudio de expresiones que llevan implícitas, secundariamente, el uso de la abstracción, pero en menor grado. Como por ejemplo: En el cubismo, en el que podemos observar, como es que la no necesidad de tener presentes los objetos al momento de ser pintados, sino que pintarlos por medio de los que se conoce de ellos, y además de la implementación de figuras geométricos y cortes de partes del objeto vistos a través del tiempo, se comienza a ver como el abstraccionismo emprende su camino. El pintor alemán Kazimir Malévich y la creación del termino “suprematismo”, pregona la idea en la que el sentimiento y la sensación son liberados de la carga que, según él, le infringe el mundo objetual. Llegando a conclusiones como la que podemos ver en su obra, “Cuadro blanco sobre fondo blanco”. Kandisky nos presenta su teoría en la que señala, como es que el mundo material es ilusorio, y lo que trata es dirigir la mirada hacia sí, esto se ve reflejado en su obra, obra que el espectador aprende a ver como la representación grafica de un estado de animo. Al margen de la naturaleza y la sociedad el Expresionismo Abstracto se desarrolla bajo la idea de concepciones estéticas puramente artísticas en donde se rechaza toda regla preestablecida, en las que se ve presente la liberación de sentimientos provenientes de la vida interior del artista y la liberación de sensaciones obsesivas. Muchas veces implementando el azar como instrumento para volcar sobre los materiales a utilizar estas necesidades cohibidas.
El rechazo de toda norma y parámetro de la creación artística anterior, se ve justificado y secundado por la nueva sensibilidad hacia manifestaciones artísticas provenientes de culturas antes ignoradas, por encontrarse fuera del desarrollo occidental, pues esta misma actancialidad con respecto a la creación de lo abstracto se ve palpable en estos objetos de estudio. Algunas de las Ideas implementadas por el Expresionismo Abstracto que tiene su origen en estudios de expresiones no occidentales son: la intuición, el subconsciente, lo natural, lo mítico, lo intemporal, estos conceptos han causado un gran impacto en la teoría del arte, el estudio de otras culturas y su incorporación y aceptación creativa e intuitiva pura como la de un niño, le aportan un carácter liberado y sin consecuencias. Es inevitable para la comprensión de este término, la comparación que se hace con otras disciplinas, algunas de ellas no provenientes del mundo del arte, como es el caso de las matemáticas expresión abstracta y pura de la rama de la geometría. Y por parte de disciplinas del artes es inevitable ejemplificar este concepto con la expresión artística más abstracta de todas, por supuesto me estoy refiriendo a la música, que no ha tenido la necesidad de asirse a algún sonido proveniente de la naturaleza, o no es su principal fuente de creación, ya que lo que en realidad se busca, es a través del enlazamiento y ordenamiento de sonidos, silencios, fortes o pianos, expresar conceptos completamente inmateriales, algunos de ellos fuera del razonamiento humano como lo es dios, o sentimientos humanos como el amor. Estas ideas de libertad, de búsqueda del yo, del individualismo proveniente de la expresión puntual de cada uno de los artistas, y que aunque los métodos para la elaboración de las obras presenten una grado de similitud, la implementación de herramientas azarosas dan al artista una propiedad insuperablemente individual. Podemos ver manchas, líneas, figuras abiertas o cerradas, figuras inconclusas. En todas y cada una de las pinturas, pero jamás serán, ni por casualidad, iguales. El Expresionismo Abstracto surgido en los años 40 del siglo XX, se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense y síntoma del liderazgo que este país asumió después de la Segunda Guerra Mundial. Schapiro, Meyer. El arte Moderno. La naturaleza del arte abstracto.
MARK ROTHKO
MARK ROTHKO Mark Rothko, (Marcus Rothkowitz), nació el 25 de septiembre de 1903 en Dvinsk, Rusia. Rothko y su familia emigró a Estados Unidos cuando él tenía diez años y se estableció en Portland, Oregon. En 1921 asistió a la Universidad de Yale. En 1923 abandonó sus estudios y se trasladó a Nueva York, donde se matriculó en la Art Student League y brevemente estudió con Max Weber. A fines de 1920 Rothko conoció al artista Milton Avery y fue influenciado profundamente por sus representaciones simplificadas y colores de temas domésticos. De 1942 a 1947, Rothko trabajó en asociación con Gottlieb y tenía un especial interés en el surrealismo, basándose en la mitología griega, el arte primitivo, la tragedia y el simbolismo cristiano a modo de contraste con un período dominado por la ansiedad y la tristeza y los peores años del Mundo Segunda Guerra Mundial. Sus obras se convirtieron en formas horizontales con la experimentación de nuevas técnicas, lo que lleva al desarrollo de la luminosidad. Rothko comenzó a experimentar con bandas horizontales y trabajó en una escala más amplia de lo que solía hacer antes. En 1945, Peggy Guggenheim organizó una exposición individual del trabajo de Rothko en su galería Art of This Century, New York. En 1947, Rothko abandonó el uso del tema de la mitología, y trabajó más en la abstracción. Elementos lineales se eliminaron de manera progresiva y asimétrica dispuestas parches de color se convirtió en la base de las composiciones de Rothko. Comenzó a pintar los bordes de sus lienzos, que muestran sin marcos de confinamiento. También abandonaron el que da derecho a su trabajo para crear una interpretación pura en los ojos del espectador. A finales de la década de 1950 su paleta de colores se volviómás oscura. Sus obras figuran en las colecciones públicas de El Instituto de Artes de Detroit, Detroit, el Museo Guggenheim, Nueva York, The Metropolitan Museum of Art, Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Boston, el Museo de Bellas Artes de Houston, El Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Galería Nacional de Arte, Washington DC, The San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, La Colección Phillips, Washington DC, el Museo de Arte de Brooklyn, Nueva York, el Museo de Arte de Cleveland, Cleveland; El Folkang Art Museum, Essen, El Museo de Arte de Fukuoka, Fukuoka, el Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas, Washington DC; El Kunstmuseum de Basilea, el Museo de Arte Moderno de Fort Worth, Fort Worth, El Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, el Smart Museum of Art de la Universidad de Chicago, Chicago, The Tate Gallery de Londres, el Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, El Walker Art Center, Minnesota, El Whitney Museum of American Art, Nueva York. Mark Rothko murió el 25 de febrero de 1970 en su estudio de Nueva York. Una retrospectiva póstuma Mark Rothko 1903-1970 se organizó en el Museo de Arte Moderno en 1970.
Idolo arcaico Rothko 1945 55.6 x 76.2 cm Tinta y gouache sobre papel.
Intitulado Rothko 1944 57.5 x 39.3 cm Tinta y lรกpiz sobre papel
Intitulado Rothko 1945-1946 102 x 66.8 cm Acuarela y tinta sobre papel.
Intitulado Rothko 1945 Acuarela y gouache sobre papel 54.7 x 75.8 cm
N째 10 Rothko 1950 229.6 x 145.1 cm Oleo sobre lienzo
Untitled (Red, 1968), Rothko 1968 Acrylic on paper, mounted on canvas, 83.8 x 65.4 cm
Untitled Rothko 1960 painting | oil on canvas 69 in. x 50 1/8 in. (175.26 cm x 127.33 cm) Acquired 1962
Untitled Rothko 1955 painting | oil and acrylic on canvas 91 1/2 in. x 59 1/8 in. x 1 1/2 in. (232.41 cm x 150.18 cm x 3.81 cm)
Untitled Rothko 1969 painting | oil on paper on canvas 38 3/4 in. x 25 1/4 in. x 1 1/2 in. (98.43 cm x 64.14 cm x 3.81 cm)
Untitled (Painting), Rothko 1953–54 Oil on canvas 265.1 x 298.1 cm (104 3/8 x 117 3/8 in.), unframed
BRADLEY WALTER
BRADLEY WALTER TOMLIN (B. Tomlin) Pintor estadounidense. Estudió escultura de modelado en el taller de Hugo Gari Wagner de 1913 y la pintura desde 1917 hasta 1921 en la Universidad de Syracuse. Después de graduarse, se mudó a Nueva York y comenzó a trabajar como ilustrador comercial, con muchas comisiones de Condé Nast Publications. Tomlin visitò Francia por primera vez en 1923 y pasó unos meses estudiando en París, en la Académie Colarossi y la Académie de la Grande Chaumière. Él seguía siendo un ilustrador freelance hasta 1929. En 1925 pasó el primero de muchos veranos en la naciente colonia de Woodstock, NY. Sus primeras Pinturas, como Young Girl (1925;. Newark, Nueva Jersey, Mus) o el posterior ligeramente Autorretrato (1932, Nueva York, Whitney), emocionalmente evocador sentimental, pero pronto dio paso a un formato más estilizado. Tomlin estaba impresionado por la exposición 1936-7, Fantastic Art: Dada y el surrealismo, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y regresó a ella en varias ocasiones. Era a la vez atraído y repelido, pero encontró otro arte más aburrido y poco interesante después de ver ese trabajo. Los cuadros que se producen durante la Segunda Guerra Mundial, como el Cáliz (1940, Washington, DC, Phillips Col.) y Defunción (1943;. New York, Met), hacer un uso ocasional de inspiración surrealista combinaciones en un lenguaje cubista decorativo tarde . Él era un miembro fundador de la Federación Americana de Pintores y Escultores Modernos, una organización dedicada no sólo a la modernidad, sino también a la erradicación del nacionalismo artístico. Otros miembros incluyen Adolph Gottlieb, Rothko Mark y Greene Balcomb ( 1904). Desde la década de 1930 comenzó a compartir estudios con otros artistas, en primer lugar con James Brooks, en Woodstock, y por último con Robert Motherwell en Nueva York desde 1948 hasta 1949. Él también comenzó su carrera docente en la Escuela de Buckley de 1932 a 1933, antes de trasladarse a Sarah Lawrence College (1933-1941), ambos en Nueva York. Trabajo maduro de Tomlin se puede decir que la fecha de c. 1947, cuando sus obras abstractas ya dejó de mostrar una deuda directa a cualquiera surrealismo o el cubismo. El uso de puntos, cruces y otros símbolos derivados de la participación en surrealista y el uso de imágenes universales, pero, como Gottlieb, Tomlin abrió las formas densamente aplicados sobre el lienzo de una manera nueva y más pictórico, como en el número 3 (1948 , Nueva York, MOMA) y número 11 (1949; Utica, Nueva York, Instituto Munson-Williams-Proctor).. Aunque mucha textura y ricamente pintados, pinturas Tomlin eran más lírico y menos gestual que las de Pollock o De Kooning. Se refieren más a la obra de Philip Guston, Ad Reinhardt y pintores de la "segunda generación" de expresionistas abstractos como Joan Mitchell, Frankenthaler Helen y Milton Resnick (1917). Clement Greenberg identifica 1948 como el año en que Tomlin y Guston se unió a los expresionistas abstractos, y Tomlin se convirtió rápidamente en un líder reconocido del grupo. En 1952 una selección importante de sus obras recientes fue exhibido en 15 americanos en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Pinturas, como el número 9: Elogio de Gertrude Stein (1,24 × 2,59 m, 1950, Nueva York, MOMA) muestran cómo su pasado y en esta etapa lienzos de gran tamaño se llenaron de un patrón más uniforme y global de las pinceladas caligráficas que había sido e l caso de sólo dos o tres años antes. Debido a los cambios evidentes en las pinturas de sus últimos años, es difícil asignarle un lugar importante en la historia del expresionismo abstracto, pero sigue siendo uno de los pioneros de la rama del movimiento lírico de la mitad del siglo 20 David M. Sokol From Grove Art Online © 2009 Oxford University Press
“Number 3” Bradley Walter Tomlin Oleo sobre tela 1948 40 x 50 1/8" (101.3 x 127.2 cm).
“Number 20” Bradley Walter Tomlin Oleo sobre tela 1949 7' 2”x6' 8 1/4" (218.5x203.9 cm)
“Number 9: In Praise of Gertrude Stein” Bradley Walter Tomlin Oleo sobre tela 1950 49" x 8' 6 1/4" (124.5 x 259.8 cm).
“Still life of a bowl with a flower “ Bradley Walter Tomlin óleo sobre tela 50.8 x 61 cm
“All Souls' Night” Bradley Walter Tomlin 1947
“Maneuver for Position” Bradley Walter Tomlin 1947 òleo sobre tela
“Number 12” Bradley Walter Tomlin Oleo sobre tela 1949 81.28 x 78.74 cm
“Number 13” Bradley Walter Tomlin Oleo sobre tela 1952 116.8 cm x 88.9 cm
“Number 5” Bradley Walter Tomlin Oleo sobre tela 1952 178.6 x 114.3 cm
“Number 8” Bradley Walter Tomlin 1955 Oleo y carbón sobre tela 65/8 x 47/ 8 in
Sin tĂtulo Bradley Walter Tomlin 1952 oleo sobre tela 40.5 x 51 cm
“Number 15” Bradley Walter Tomlin Oleo sobre tela 1953 116.8 x 193 cm
CLYFFORD STILL
CLIFFORD STILL Clyfford Still nació n 1904 en Grandin, Dakota del Norte. Pasó su infancia en Spokane, Washington y la isla de Arco en el sur de Alberta, Canadá. Se graduó de la Universidad de Spokane en Washington en 1933 y en 1934 fue invitado a unirse a la comunidad de artistas Yaddo en Saratoga Springs, Nueva York como artista invitado. Luego regresó al oeste de Washington State College, donde recibió su maestría en 1935. Aún permanecía en Washington hasta 1941, co-fundó la colonia del arte Nespelem Worth con Griffin en 1937, tratando de representar el paisaje y la gente de la reserva india de Colville durante los veranos. Estas representaciones, considerada su primera obra, están marcadas por un estilo figurativo expresivo, en algún lugar entre la representación y la abstracción pura. En 1941, todavía se trasladó al área de San Francisco Bay. Después de trabajar en diversas industrias de guerra, enseñó brevemente en Virginia en Virginia Commonwealth University 1943-45 antes de convertirse en profesor en la Escuela de Bellas Artes de California en 1946. Mientras que continuó enseñando en la Escuela de Bellas Artes de California, Still visitó Nueva York por períodos prolongados de tiempo durante la década de 1940. Fue durante estas estancias que entró en contacto con Betty y Peggy Guggenheim. La Galería Guggenheim le dio su exposición individual de avance en 1946, lo que provocó Robert Motherwell a proclamar Still del trabajo el "más original" de todos los primeros shows de Peggy, entre ellos Jackson Pollock, Mark Rothko y Motherwel. Fue el abandono total de las imágenes que azotaron a Motherwell y se caracteriza Todavía como un presagio de la madurez estética expresionista abstracto. Entre San Francisco y Nueva York en la década de 1940 desarrolló su "madurez" de estilo, caracterizado por líneas irregulares, gruesas lágrimas de color que a través de sus lienzos. El uso de pintura empastada da a su obra una fuerza y crudeza que no es evidente en sus contemporáneos del campo de color, como Mark Rothko. Sus lienzos grandes, generalmente oscuros evocan el mundo natural y el paisaje americano primordial, a la vez maravilloso y aterrador y su calidad desgarradora, gestual habla de los temas clásicos expresionistas abstractos de lucha y de la condición humana, del hombre contra el vacío. En 1951, después de cinco años de docencia en California, se mudó a Nueva York tiempo completo. Cada vez más criticado el mundo del arte en Nueva York en el pico del expresionismo abstracto, él rompió relaciones con galerías comerciales poco después de su movimiento y finalmente se trasladó a Maryland en 1961. Se quedó allí con Patricia, su segunda esposa, hasta su muerte en 1980. En 1979, el Museo Metropolitano de Nueva York organizó un estudio exhaustivo de su obra, la encuesta más grande de su arte hasta la fecha. Después de Still muerte en 1980, su obra, que no había entrado en el dominio público se selló por completo, bloqueando el acceso público y académico a su patrimonio. En 2004, el Clyfford Still Estate Denver eligió como sede para el Museo Clyfford Still, que se inaugurará en 2011. La colección será exclusivamente de Still del trabajo y estará prohibido tanto prestar o vender. Otros museos con grandes colecciones incluyen todavía la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo, Nueva York, el SFMOMA, Hirshorn, y la Metropolitana, todos los cuales tienen galerías dedicadas exclusivamente a Still.
1938-N-No. 1 Clyfford Still 1938 painting oil on canvas 30 7/8 in. x 25 1/4 in. (78.44 cm x 64.14 cm) Â
1947-H-No. 3 Clyfford Still 1947 painting oil on canvas 91 1/2 in. x 57 1/2 in. (232.41 cm x 146.05 cm)
1947-S Clyfford Still 1947 Painting oil on canvas 85 in. x 72 in. (215.9 cm x 182.88 cm)
1950-K-No. 1 Clyfford Still 1950 painting oil on canvas 108 1/8 in. x 86 1/8 in. (274.65 cm x 218.77 cm)
 Untitled 1951-1952 Clyfford Still Painting oil on canvas 113 3/8 in. x 156 in. x 1 3/8 in. (287.99 cm x 396.24 cm x 3.51 cm)
1952-A Clyfford Still 1952 Painting oil on canvas 118 1/8 in. x 106 1/8 in. (300.05 cm x 269.57 cm)
Name: 1955-H. Clyfford Still 1955 Abstract Expressionist United States. Â
BARNET NEWMAN
BARNETT NEWMAN Barnett Newman nació el 29 de enero de 1905 en Nueva York. De 1919 a 1923 asistió a De Witt Clinton High School en Manhattan. Durante su último año, Newman asistió a clases de dibujo seis días a la semana con Duncan Smith en la Art Students League. Mientras que en la Liga de Estudiantes de Arte, Newman conoció al artista Adolph Gottlieb. Gottlieb introduciría más adelante Newman a los artistas Milton Avery y Mark Rothko. En 1943, Newman se reunió Betty Parsons, que dirigía una pequeña galería y le dio su primera exposición individual el 23 de enero de 1950. El programa recibió atención crítica ante todo negativo. En 1951 con la ayuda de los amigos de Lee Krasner, Jackson Pollock, y Tony Smith, Newman instaló su segunda exposición en la galería Betty Parsons. Una vez más, los críticos condenaron la exposición. En los meses siguientes, Newman se quitó el trabajo de Betty Parsons y se retiró de todas las actividades de la galería. El estilo maduro de Newman se caracteriza por la cremallera, una delgada línea vertical que a través de cremalleras grandes áreas de color. A pesar de los cambios en su paleta de colores, cremalleras sigue siendo un aspecto fundamental del trabajo de Newman, creando simultáneamente espacial divide y une el lienzo. A pesar de la tradición expresionista abstracto de dejar obras sin título. A lo largo de finales de 1950 y 1960, Newman ganó el reconocimiento como artista, y desde entonces ha sido incluido en la galería de numerosas exposiciones de museos, entre ellos, la nueva pintura americana, el Museo de Arte Moderno de Nueva York; Barnett Newman y Willem de Kooning, Allan Stone Gallery, Nueva York; Barnett Newman, las Estaciones de la Cruz: Lema Sabachtani, Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York; Barnett Newman: enero 29, 1905 a julio 4, 1970, Museo de Arte de Pasadena, California, y Barnett Newman, Tate Modern, Londres. En 1970, Newman recibió la Medalla de la Universidad de Brandeis de Creative Arts. Barnett Newman murió 04 de julio 1970 de un ataque al corazón a la edad de sesenta y cinco años.
Barnet Newman Ad谩n 1952, 2.40 x 2.00 cm. Tate Gallery, London 贸leo sobre lienzo
Barnet Newman, Chartres 1969 oil, acrylic on canvas, 305 x 290 cm, Nueva York
Barnett Newman - Onement vi 1953
Barnett Newman Untitled Etching #1 1969 37.9 x 60.6 cm
Barnett Newman Canto 16 de 18 cantos litografĂa, 1964
Barnett Newman, Jericho 1968-69
Barnett Newman, Midnight Blue 1970, oil, acrylic on canvas 193 x 239 cm
Barnett Newman 贸leo sobre tela 243 x 4.1 cm, 1950
Barnett Newman Vir Heroicus Sublimis 1950-1951 óleo sobre tela 242´2 x 513´6 cm.
PHILIP GUSTON
PHILIP GUSTON Pintor estadounidense asociado al Expresionismo abstracto, nacido en Montreal el 27 de Junio de 1913 y fallecido el 7 de Junio de 1980, que ejerció una gran influencia en la pintura americana de la década de los ochenta. Durante su infancia muestra un inclinación por dibujar y, tras el traslado de la familia a Los Angeles, entra en la Manul Arts High School. Allí conoce a Pollock a quien le unirá una gran amistad. En los años treinta se interesa especialmente por los maestros italianos del Renacimiento, sobre todo por Piero della Francesca, por De Chirico y por la etapa clásica de Picasso; con estas influencias elabora un estilo ecléctico y personal. A finales de los años cuarenta hace algunos murales (el de la Feria Mundial de Nueva York de 1939) donde añade a sus influencias algún comentario social y una organización abstracta del espacio. Esta mezcla de realismo, surrealismo y clasicismo es característica de la pintura europea y americana del periodo de entreguerras. Su primera exposición individual es en 1945, en Nueva York, en las Midtown Galleries; ese mismo año recibe el primer premio del Carnegie International de Pittsburgh. Durante los años cuarenta es profesor en la Washington University en St. Louis y en la Universidad de Iowa. En 1948 gana el Premio de Roma de la Academia Americana y viaja por Italia, Francia y España. De vuelta a Nueva York, su pintura se hace abstracta por la influencia que ejercen sobre él sus amigos John Cage y Harold Rosenberg. A finales de los años cincuenta desarrolla una especie de estilo lírico dentro del expresionismo abstracto, caracterizado por la presencia de grandes masas de color oscuro y títulos evocadores como en Cythera de 1957. En 1962 tiene lugar la primera gran restrospectiva de su obra en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York. A finales de los años sesenta vuelve a la figuración y realiza las ácidas y mordaces cabezas del Ku Klux Klan, naturalezas muertas y otros temas, en un estilo descuidado y fuertemente icónico que ejercerá una poderosa influencia en los pintores americanos de los años ochenta.
Gladiators Philip Guston 1940. Oil and pencil on canvas, 24 1/2 x 28 1/8" (62.2 x 71.4 cm)
Red Painting Philip Guston 1950 Oil on canvas 34 1/8 x 62 1/4" (86.4 x 158.1 cm)
Painting Philip Guston 1954 Oil on canvas 63 1/4 x 60 1/8" (160.6 x 152.7 cm)
The Clock Philip Guston 1956-57 Oil on canvas, 6' 4" x 64 1/8� (193.1 x 163 cm)
Last Piece Philip Guston (1958) Gouache on board 22 x 30" (55.9 x 76.2 cm)
Untitled Philip Guston1963 Synthetic polymer paint on paper, 30 x 40" (76.2 x 101.6 cm)
Ischia Philip Guston 1949 Ink on paper 10 5/8 x 13 7/8" (27 x 35.2 cm)
Study for "Tormentors� Philip Guston 1947 Ink on paper, 10 3/8 x 10" (26.4 x 25.4 cm)
Loft 1 Philip Guston 1950 Ink on paper 17 x 22" (43.2 x 55.9 cm)
Pleasures Philip Guston 1961 Ink on paper 26 x 36" (66 x 91.4 cm)
ADOLPH GOETTLIEB
ADOLPH GOTTLIEB La obra del pintor norteamericano Adolph Gottlieb (1903-1974). esta completamente vinculada a la ciudad de Nueva York, donde nació, aunque con menos de 18 años pudo viajar a Europa y conocer directamente el ambiente de las vanguardias pictóricas. A su regreso, tras una etapa como muralista, en 1935 Gottlieb es uno de los fundadores del grupo independiente The Ten, muy cercano a los planteamientos del expresionismo europeo. Después inicia la serie de "pictografías" unas obras en las que el lienzo se divide en casillas cuadriculadas, en cada una de las cuales se dispone un signo elemental, de claro sentido simbólico, con predominio de los colores vivos. En 1943 forma parte, junto a Rothko (de quien era gran amigo) y otros artistas, del llamado "grupo de pintores de Nueva York" caracterizado por el empleo tanto de la estética surrealista como del expresionismo abstracto como medio de comunicación. En uno de los escritos del grupo, podemos leer esta frase: "Nuestro cometido como artistas consiste en hacer que la gente vea el mundo tal como lo vemos nosotros y no como lo ven ellos". . Más tarde Gottlieb, además de practicar la escultura, desarrolló una serie de "paisajes imaginarios" en los que una línea horizontal, a modo de horizonte, separa claramente las dos zonas del cuadro. Por último, inició un proceso de progresiva simplificación de su pintura, llegando a producir obras en las que los únicos elementos visuales son uno o dos símbolos aislados. De esta manera, nuestro artista nos dejó una espléndida lección de como la sencillez de las formas puede conducir también a la belleza. Y a la reflexión más profunda.
Adolph Gottlieb. Floating, 1945 Oil, gouache and casein on canvas, 81 x 63,5 cm
Adolph Gottlieb
Untitled 1965 Acrylic on canvas 66 x 50.8 cm
Adolph The 26 Oilxon 1942 Sea 34Gottlieb canvas inches Chest (66 x 86.6 c
Adolph Gottlieb The Red Bird 1944 Oil on canvas 40 1/16 x 30 1/8 inches (101.8 x 76.5 cm)
Adolph Gottlieb
Landscape 1956 Gouache on paper 20 x 29 1/4 in. (50.8 x 74.3 cm
Adolph Gottlieb
Totem 1947 Painting, Oil on canvas, 48 x 36 in. (121.92 x 91.44 cm)
Adolph Gottlieb
The Alchemist 1945 Oil paint on canvas Dimensions support: 711 x 908 mm frame: 742 x 943 x 56 mm
Adolph Gottlieb
Primeval, 1962 Oil on canvas 213.4 x 228 cm (84 x 89 3/4 in.)
Adolph Gottlieb
Untitled, 1971 Color aquatint on paper 446 x 605 mm (image/ plate); 670 x 830 mm (sheet)
Adolph Gottlieb Pictograph-Symbol, 1942 Gouache on cream wove paper 137.2 x 101.9 cm (54 x 40 1/8 in.)
William Baziotes
William Baziotes (Pittsburgh, 1912-Nueva York, 1963) Pintor estadounidense. Se formó en la National Academy of Design de Nueva York y en 1948 fundó una escuela de pintura junto con Motherwell, Newman y Rothko. Obras como Cíclope (1947) evidencian su paso a la abstracción sin renunciar al surrealismo. William Baziotes (American, 1912–1963) was a painter associated with the Abstract Expressionist movement and best known for depicting Surrealist-inspired, biomorphic imagery. Born in Pittsburgh, PA, he studied at the National Academy of Design in New York City, NY, and became friends with many of the emerging Abstract Expressionists, such as Jackson Pollock and Robert Motherwell. The influence of Cubism and the grids of Piet Mondrian can be seen in one of Baziotes’ early works, The Room (1945). Baziotes was also inspired by the writings of Charles Baudelaire, the French Symbolist poets, and ancient Greek sculpture. The Surrealist principles of fantasy, automatism, and mystery are key elements in Baziotes’ work. In The Flesh Eaters (1952), he creates a fantastical marine world suggestive of the story of the Cyclops in Homer’s Odyssey. Throughout his career, Baziotes taught at the Brooklyn Museum Art School, the City University of New York, Hunter College, and New York University. His work is currently held in several permanent collections, including the Whitney Museum of American Art and the Guggenheim Museum in New York.
La stanza (The Room), 1945 Guazzo su tavola, 45,6 x 61 cm Collezione Peggy Guggenheim, Venezia
I paracadutisti (The Parachutists), 1944 Pintura sobre tela, 76,2 x 101,6 cm Fondazione Solomon R. Guggenheim, Venezia Donazione, Ethel Baziotes 2004.89
Untitled, 1943 Tempera on black paper, 23 x 30.5 cm Peggy Guggenheim Collection, Venice 76.2553 PG 157
Pompeii William Baziotes (American, 1912–1963) 1955. Oil on canvas, 60 x 48" (152.4 x 121.9 cm). Louise Reinhardt Smith Fund
Dwarf William Baziotes (American, 1912– 1963) 1947. Oil on canvas, 42 x 36 1/8" (106.7 x 91.8 cm). A. Conger Goodyear Fund 229.1947
The Flesh Eaters, 1952 William Baziotes (American, 1912–1963) Oil and charcoal on canvas 60 x 72 1/8 in. (152.4 x 183.2 cm)
Cyclops, 1947 Oil on canvas 121.9 x 101.6 cm (48 x 40 in.) Walter M. Campana Memorial Prize Fun 1947.468 Unknown 10. Contemporary Art Gallery 289A
Amorphic Forms signed 'Baziotes' (lower right) gouache on board 11 x 14 in. (28 x 35.6 cm.)
Untitled watercolor and graphite on paper 16¾ x 13 7/8 in. (42.5 x 35.2 cm.)
Sea Phantoms 1952 Oil on canvas 40 1/4 x 60 inches Â
Stuart Davis
Stuart Davis Pintor estadounidense. Nació el 7 de diciembre de 1894 en Filadelfia (Pensilvania). Reconocido como el primer artista capaz de asimilar los cambios del arte moderno francés a las máquinas del pintor francés Fernand Léger, transformándolos en un estilo nuevo y confiriéndoles un carácter muy nacional. Es uno de los pioneros del arte abstracto en EE UU. De su producción, cabe destacar obras abstractas inspiradas en el cubismo sintético (Lucky Strike, 1921) y la serie de los Batehuevos. En Sweet Caporal (1922, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid), Davis celebra la cultura comercial estadounidense, añadiendo US América bajo dos rótulos. También en la cajetilla que escogió se puede observar los colores de la bandera americana: rojo, blanco y azul. Entre 1927 y 1928 realizó una serie de obras en las que tan sólo se pinto una batidora de huevos, un ventilador y un guante de goma. Llegando a la década de los años 30 recurrió a los colores brillantes y a composiciones de ritmos variadísimos inspiradas en su amor por el jazz. Fue reconocido como el precursores desde 1960 del Pop Art. Stuart Davis falleció en Nueva York el 24 de junio de 1964.
“Deuce” 1954 Painting | oil on canvas 26 in. x 42 1/4 in. (66.04 cm x 107.32 cm) Acquired 1955 Collection SFMOMA Gift of Mrs. E. S. Heller
“Sweet Caporal” 1922 Óleo y acuarela sobre cartón entelado.51 x 47 cmMuseo Thyssen-‐ Bornemisza, MadridNº INV. 513 (1973.55)
“Pochade” 1956-1958 Óleo sobre lienzo.132,1 x 52,4 cmMuseo ThyssenBornemisza, MadridNº INV. 514 (1977.38)
“Color Sketch for Drake University Mural” (Study for Allée), 1955 Gouache on paper, 24.7 x 90.8 cm Solomon R. Guggenheim Foundation, Venice Gift, Earl Davis 97.4564 © Stuart Davis, by SIAE 2008
“Barber Shop Chord” 1931 Zincograph in black on cream laid paper 356 x 483 mm (image); 484 x 610 mm (sheet) Gift of the Print and Drawing Club, 1947.396 Sweeney 13; Cole 17
Electric Lights and Buildings, c. 1931 Gouache, over graphite, on cream wove paper 365 x 495 mm Gift of Professor William A. Hunt, 1973.711
“Fishing Equipment” 1931 Gouache, over touches of graphite, on cream wove paper 381 x 507 mm Gift of Kate L. Brewster, 1950.120
Detail Study #1 for "Package Deal", 1956 Gouache with graphite on off-white wove paper 411 x 331 mm Gift of Leo S. Guthman, 2003.270
“Saw” 1923 Oil on canvas 94 x 55.9 cm (37 x 22 in.) Signed l.r.: Stuart Davis 1923 Through prior gift of William Wrigley, 1988.144
Ready-to-Wear, 1955 Oil on canvas 142.6 x 106.7 cm (56 1/8 x 42 in.) Signed l. right: Stuart Davis Restricted gift of Mr. and Mrs. Sigmund W. Kunstadter; Goodman Endowment, 1956.137
Jackson Pollock
Jackson Pollock
Pintor estadounidense, el miembro más destacado del expresionismo abstracto. Nació en Cody, Wyoming y estudió en la Art Students League de Nueva York con Thomas Hart Benton. Estuvo varios años viajando por el país y dibujando. A finales de la década de 1930 y principios de 1940 colaboró en Nueva York en los Proyectos de la Administración para el Federal Art Project (Proyecto de arte federal). Sus primeras obras, en el estilo naturalista de Benton, representan escenas estadounidenses de forma realista. Entre 1943 y 1947 Pollock, influido por el surrealismo, adoptó un estilo más libre y abstracto, como en La loba (1943, Museo de Arte Moderno, Nueva York). A partir de 1947 Pollock evolucionó hacia el expresionismo abstracto, desarrollando la técnica de la action-painting o dripping, consistente en derramar, dejar gotear o lanzar pintura sobre lienzos sin tensar. Mediante este método Pollock realizó esquemas de formas entrelazadas como se observa en los ejemplos Full fathom five y Lucifer (ambas de 1947, Museo de Arte Moderno, Nueva York). También pertenece a esta época Marrón y plata I (1951, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid). A partir de 1950 su estilo cambió de nuevo, retomando la figuración en blanco y negro, dentro de un estilo muy virtuosista. Entre las pinturas de su último periodo destaca Ocean grayness (1953, Museo Salomon R. Guggenheim, Nueva York). Murió el 11 de agosto de 1956 a consecuencia de un accidente de automóvil.
Hacia el Oeste (1938) Oli on gesso on fibreboard. 38,3 x 52,7 cm. Museum of American Art. Smithsonian Institution  Â
Stenographic Figure (1942) Ă“leo sobre lienzo. 101.6 x 142.2 cm. MOMA. Nueva York
The Key (1946) Óleo sobre lienzo. 149 x 213 cm. The Art Institute of Chicago
Lo Profundo (1953) Oil and enamel on canvas. 220,4 x 150,2 cm. Centre Georges Pompidou. París
La mujer luna (1942) Óleo sobre lienzo. 175,2 x 109,2 cm Colección Peggy Guggenheim. Venecia
Robert Motherwell
Robert Motherwell Aberdeen, Washington, 24 de enero de 1915 – 16 de julio de 1991. Pintor americano nacido en Aberdeen, Washington, uno de los fundadores del expresionismo abstracto y uno de sus miembros más prolíficos e influyentes. En 1941, abandonó sus estudios de literatura y psicología para comenzar a pintar en un primer momento bajo la influencia de los surrealistas, sobre todo del pintor chileno Roberto Matta, con quien viajó a México. Su primera exposición individual fue en 1944 en la galería Art of this Century en Nueva York. A partir de aquí se sucedieron las exposiciones en Estados Unidos y en Europa. Representó a su país en la Bienal de Venecia de 1950 y en la de Sao Paulo en 1961. Entre sus obras más conocidas destaca The crossing (1948, Colección Rockefeller, Nueva York), y series de grandes lienzos en blanco y negro que se engloban bajo el título Elegía a la República española, más de cien obras inspiradas en la Guerra Civil española pintadas entre 1949 y 1976. El uso de grandes áreas de color caracteriza la última producción del artista, a menudo denominada Window-and-Wall series (Series de ventana y pared).
El cisne de Mallarmé (1944) Gouache, lápiz cera y papel sobre cartón. 110,5 x 90,2 cm. Cleveland Museum of Art
Te Amo nº 2 (1955) Óleo sobre tela. 137,2 x 182,9 cm. Colección Gibert W. Harrison. Nueva York
Vista desde una torre alta (1944) Collage de 贸leo y papel sobre tabla. 74,3 x 74,3 cm. Colecci贸n particular
Historia de un pintor (1956) Collage de papel, l谩piz y cera sobre cart贸n. 38,7 x 27,9 cm. Cleveland Museum of Art
Sam Francis
Sam Francis
Samuel Lewis Francis (San Mateo, California, 25 de junio de 1923 - Santa Mónica, California, 4 de noviembre de 1994) fue un pintor y artista gráfico estadounidense. ocupa un lugar destacado en la pintura de la posguerra americana. Aunque asociado con el movimiento expresionista abstracto y la abstracción de Clement Greenberg postpictórica, a diferencia de muchos pintores americanos de que el tiempo que tuvo la exposición directa y prolongada a la pintura francesa y el arte japonés que tuvo un impacto individual en su obra. Francis se dedicó a la pintura como un hobby. . Él estuvo muy influenciado por el expresionismo abstracto en particular las obras de Clyfford Still y Jackson Pollock. En su uso de espacio en el lienzo para permitir la libre circulación de fuerte color y la sensibilidad a la luz Francis desarrolló su propio estilo. Francis se trasladó a París en 1950 donde conoció a Jean-Paul Riopelle que iba a seguir siendo una influencia importante, y el estudio de Nenúfares de Monet tuvo un profundo impacto en su obra. A partir de una paleta muy silenciado de grises y blancos volvió a las cualidades de la luz y el color produciendo obras como el Big Red 1953. Se sigue desarrollando el uso de espacio en blanco y el aumento de las dimensiones de sus cuadros para mayor énfasis. Durante su periodo en Europa ejecutó una serie de pinturas murales monumentales. Esto dio lugar a combinaciones de color duro y estructuras más disciplinados con rectángulos colocado en posición central durante la década de 1970. Con el tiempo estas estructuras más rígidas dio paso a configuraciones más flexibles a veces de formas de serpiente con como patrones.
Sin tĂtulo, SFP90-2pr 1990 152 x 122 cm acrĂlico sobre lienzo firmado
Sin tĂtulo, 1974 acrĂlico sobre papel 43 x 35 cm firmado
Sin tĂtulo, 1988 acrĂlico sobre papel 184 x 91 cm
Sin tĂtulo, 1987 AcrĂlico sobre lienzo 35 x 27 cm Estate sello en el reverso
Autorretrato, 1978 acrĂlico sobre papel 30 x 23 cm
Willem de Kooning
Willem de Kooning Róterdam; 24 de abril de 1904 - Long Island; 19 de marzo de 1997) Pintor expresionista abstracto estadounidense, de origen holandés, que ha tenido una enorme influencia de ámbito internacional en los estilos artísticos posteriores. Nació en Rotterdam, Holanda, y abandonó la escuela a la edad de 12 años para trabajar como aprendiz en una empresa de artistas comerciales y decoradores. También asistió a clases de arte en la Academia de Rotterdam. En 1926 se trasladó a Estados Unidos y trabajó durante una época como pintor de brocha gorda y, algo después, como artista comercial. Durante la década de 1930 pintó murales dentro del programa de arte de la administración federal dando muestras de conocer profundamente a Picasso, más que cualquier otro artista de la época excepto Arshile Gorky. En 1948 hizo su primera exposición individual de arte abstracto en blanco y negro en Nueva York, lo cual le situó como uno de los líderes del expresionismo abstracto de la escuela de Nueva York. El término action painting se aplicó por primera vez a la obra de De Kooning y hace referencia a sus trazos vigorosos, amplios y muy marcados. Dos de los lienzos más sobresalientes que se conservan de este periodo son Asheville (1948, Colección Phillips, Washington) y Excavación (1950, Instituto de Arte de Chicago). En 1953 De Kooning mostró al público un conjunto de seis obras denominadas Mujer, figuras demoníacas pintadas con colores violentos y grueso empaste. Era una serie innovadora porque unía la pintura figurativa con el arte abstracto. A finales de la década de 1950 evolucionó hacia un estilo más abstracto en sus obras, que evocan formas paisajísticas y, desde entonces, ha alternado el estilo figurativo y el abstracto, combinándolos en ocasiones. Al mismo tiempo también ha hecho litografías y, desde 1969, esculturas figurativas en bronce. En 1980 ganó junto al español Eduardo Chillida el premio Andrew W. Hellon en el Pittsbursh International. En el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York se celebró en 1983-1984 una exposición retrospectiva de su obra.
Mujer sentada (1940) Ă“leo y carboncillo sobre tablero de masonite. 137 x 91,5 cm. Philadelphia Museum of Art
El vidriero (1940) Óleo sobre lienzo. 137 x 111,5 cm. Metropolitan Museum. Nueva York
Mujer (1949) Óleo, esmalte y carboncillo en lienzo. 152,4 x 121,6 cm. Colección privada
Isla de fuego (1946) Ă“leo en papel. 48,3 x 67,3 cm. Margulies Family Collection
Clam Diggers (1963) Óleo en papel en cartón compuesto. 51,4 x 36,8 cm. Colección privada
Hans Hofmann
Hans Hofmann (Alemania, 1880-1966) Pintor y profesor alemán nacionalizado estadounidense en 1941, conocido como el decano del expresionismo abstracto. Nació en Weissenberg, Baviera, el 21 de marzo de 1880, y estudió pintura en Múnich y París, Francia. Recibió influencias del fauvismo, del cubismo y del expresionismo alemán. En 1915 abrió una escuela de arte moderno en Múnich. En 1932 emigró a Estados Unidos y en 1933 inauguró una escuela en Nueva York. Después de 1940 su estilo, en el que se mezclan los planos cubistas con la brillantez de la paleta fauvista, como puede observarse en Fantasía en azul (1954, Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York), comenzó a evolucionar hacia una pintura gestual. Durante esos años muchos pintores expresionistas abstractos acudieron a sus clases absorbiendo sus enseñanzas sobre el arte no representativo. En 1958 Hofmann abandonó la enseñanza para dedicarse a la pintura, con la que obtuvo reconocimiento internacional. Murió el 17 de febrero de 1966 en Nueva York.
Hechizo azul (1951) Ă“leo sobre lienzo. 152,4 x 121,9 cm. Museo Thyssen-Bornemisza
La catedral (1959) Óleo sobre lienzo. 188.5 x 123.9 cm. MOMA. Nueva York
Exhuberancia (1955) Ă“leo sobre lienzo. 127,6 x 101,6 cm. Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.
La Pared Dorada (1961) Ă“leo sobre lienzo. 151 x 182 cm. Instituto de Arte de Chicago
ARSHILE GORKY
Arshile Gorky Nacido en Armenia, Arshile Gorky se convirtió en uno de los pioneros del expresionismo abstracto, corriente surgida en Nueva York después de la Segunda Guerra Mundial. Su nombre de nacimiento era Vosdanig Adoian, pero adoptó el pseudónimo con el que se le conocía a comienzos de la década de 1920 con el propósito de hacerse pasar por el sobrino del escritor ruso Maksim Gorky. La infancia y juventud de Gorky estuvieron marcadas por la invasión turca de Armenia durante la Primera Guerra Mundial, que tuvo como consecuencia que su padre se exiliase en Estados Unidos y que él, su madre y su hermana tuvieran que huir de las tropas turcas a pie, lo que acabó con la vida de su madre. En 1920 llegó a Nueva York y estudió diseñó en Providence y Boston. En 1925 se matriculó en la Grand Central Art School, donde pronto comenzó a dar clases. Desde el principio, sus obras se centraron en sus vivencias personales, primero en un estilo de inspiración impresionista y, durante su etapa neoyorquina, más cercano al cubismo sintético.
Good Hope Road II. Pastoral 1945 Óleo sobre lienzo. 64,7 x 82,7 cm Museo Thyssen-‐Bornemisza, Madrid Nº INV. 563 (1977.94)
Última pintura (El monje negro) 1948 Óleo sobre lienzo. 78,6 x 101,5 cm Thyssen-‐Bornemisza, Madrid Nº INV. 564 (1978.72)
Los esponsales, II 1947 Museo Whitney Oleo sobre lienzo
Agonía 1947 Óleo sobre lienzo. 101,6 x 128,3 cm MOMA Nueva York Nº INV. 563 (1977.94)
Master Bill 1937 Óleo sobre lienzo. 132,4 x 101,9 cm Colección Privada
Diary of a Seducer 1945. Oil on canvas, 50 x 62" (126.7 x 157.5 cm). Gift of Mr. and Mrs. William A. M. Burden. Š 2012 Estate of Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York
Garden in Sochi c. 1943. Oil on canvas, 31 x 39" (78.7 x 99 cm). Acquired through the Lillie P. Bliss Bequest. Š 2012 Estate of Arshile Gorky / Artists Rights Socie New York
Composition: Horse and Figures 1928. Oil on canvas, 34 1/4 x 43 3/8" (87 x 110.2 cm). Gift of Bernard Davis in memory of the artist. Š 2012 Estate of Arshile Gorky / Artists Rights So New York
Argula 1938. Oil on canvas, 15 x 24" (38.1 x 61 cm). Gift of Bernard Davis. Š 2012 Estate of Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York
The Leaf of the Artichoke Is an Owl 1944. Oil on canvas, 28 x 35 7/8" (71.1 x 91.2 cm). Sidney and Harriet Janis Collection Fund. Š 2012 Estate of Arshile Gorky / Artists Rights Societ New York