Territorios Nº1 by Territorios Magazine

Nﾂｺ1

SEPTIEMBRE 2015

BCORE ALEJANDRO MENDOZA MUSEO INTERNACIONAL DE CHILE MARISA NIﾃ前 WES CRAVEN OLFA MEOCORDE ENFERMOS TERMINALES CUCO CRISTIAN ROMA WILD ANIMALS

EDITORIAL 1 Desde que tenemos conciencia se nos ha enseñado a respetar los espacios y los límites del otro. Todo es demarcado por una línea imaginaria que no podemos traspasar. La cultura, las civilizaciones, las emociones, entre otros. Se nos somete a seguir una línea de ideas que son la concepción de lo que nos hace pertenecientes a un lugar. En el fondo, es un entrenamiento silencioso que nos dirige a encaminarnos hacia algo que esas mismas instituciones no saben lo que es. Pero hay algo que está más allá, y son esas cosas las que nos liberan y nos llevan a explorar espacios que, desde nuestra esencia, nos convierte en personas con un interés en común. Queremos descubrir qué es eso que nos hace sentir las mismas emociones y sensaciones que otros experimentaron hace minutos, horas, años, décadas o siglos atrás. Territorios únicos, en un espacio delimitado por la imaginación de unos que quieren gobernar, pero siempre habrá hambre de revelarse y expresar lo que mejor sabemos hacer. Dejar de lado las diferencias y ver que apreciamos el arte, la música, la estética de formas que, tal vez en su base, son distintas, pero son una sola. Queremos compartir las experiencias de otros, por medio de aquellas muestras artísticas que entendemos por medio de nuestros sentidos. Dejando de lado la distancia deseamos, sin aires de grandezas, derribar los límites y acercarnos a los territorios que sentimos como nuestros. La imaginación es una las mejores armas y es algo que nace y muere con nosotros.

TERRITORIOS MAGACÍN es: Alejandra Torres, Lita Lazo, Alvaro Gonzalez, Carlos Lobos, José Miguel Canales. COLABORADORES: Paul Stalin, Rogelio Krusty, Teo, Ricardo Maurtua, Cristiano Monga, Andrés Hoguera, Esqueleto Libros, Charly Suarez, Ignacio Giménez, Marisa Niño, Alejandro Mendoza, Cristian Roma SANTIAGO · CHILE / SEPTIEMBRE 2015

BCORE 25 años de músicA e independencia

por ALEJANDRA TORRES

como no había dinero para alquilar un espacio, decidió poner todo en la antigua peluquería de su madre Este año y después de mucho tiempo decidí tomar vacaciones, pero de aquellas que corresponden. Con una amiga en febrero fuimos a una agencia de viajes y compramos los pasajes para ir a recorrer Europa. Dentro de todos los destinos que teníamos programados estaba la idea de llegar a Barcelona. Uno de los lugares más visitados en temporada estival. Y donde además, se alimenta una de las escenas más importantes a nivel musical. Y justamente en la fecha que llegaba se iba a celebrar los 25 años de unos de los sellos más importantes de la ciudad. Para algunos Bcore resulta ser un referente en cuanto a sellos independientes y cómo no pasar por ese lugar. Un día con la mejor de las intenciones pasé a comprar unos discos. El lugar queda relativamente cerca del casco histórico, en unos pasajes que parecen reflejar una zona residencial, pero que por las noches cobra vida. En la calle Montmany se encuentran algunos bares, como lo son el Heliogàbal, donde tuve la oportunidad de ver a J.G.G., con sus sintetizadores y pistas grabadas me sentía como en casa (la experiencia del turismo y los viajes largos, siempre resultan ser cansadores. Tanto a nivel físico como mental, por lo mismo encontrarse con este tipo de cosas resulta ser todo un relajo). Sin embargo, ese paso por la ciudad de Barcelona sería algo más que parte de mis vacaciones. Hablando con un amigo y gestor de este proyecto (Territorios) nos pareció una buena idea hacer una entrevista a la gente del sello, saber cómo empezó, cuáles son los proyectos que más han marcado la historia de Bcore, qué pasó con algunas bandas que fueron parte de la génesis de todo esto. Por lo mismo y dejando de lado un poco la vergüenza fui nuevamente a Bcore. Cuando llegué a la tienda había un chico, tenía treinta y tantos años, conocido entre sus pares, pero un absolu-

to extraño para mí. Me acerqué y le comenté mi intención de realizar una entrevista a alguien del sello; para que me hablara sobre lo ya nombrado. No puso peros y nos juntamos al día siguiente. Eso sí, me pidió que lo pasara a buscar a las siete de la tarde y ahí veríamos dónde era mejor hacer la entrevista. Ese día miércoles, el sol hizo el mejor de sus trabajos, había más de 34 grados y ya durante la tarde, si bien había bajado la temperatura, ese ambiente y calor mediterráneo seguía humedeciendo la ciudad. Me junté con Èric Fuentes, él es parte del equipo de Bcore hace ya bastante tiempo, y por lo general él se encarga de dar las entrevistas. Tiene ese don para desenvolverse con la gente y, la verdad, conversar con él fue todo un gusto. Llegamos a un bar cercano al sello y comenzamos la entrevista. Me comentó como Bcore nació casi por accidente… Todo parte con Corn Flakes Para contextualizar un poco, a inicios de la década del 90, Jordi Llasamà (cabeza del sello), era un fan de la escena Punk y Hardcore de la ciudad. Y una de las bandas que lo hacía delirar era “Corn Flakes”. Un grupo que por aquel entonces tenía un estilo más apegado al Hardcore melódico. El grupo se formó en 1989 y al cabo de unos meses editaron un demo llamado “No Comment”, fue ese trabajo el que despertó todo el interés de Jordi y que, finalmente, lo llevó a invertir parte de su sueldo como diseñador en la realización del primer disco de ellos - “No Problem”-. Por lo que cuenta Èric, fue tan buena la acogida que las mil copias que se editaron se vendieron al instante. Incluso, el propio Jello Biafra de Dead Kennedys escribió para pedir una copia de ese disco.

También me contó que para la difusión de éstos se hacía por medio de un fanzine llamado Lo Kurkó de les Korts, el cual les permitió poder difundir los trabajos de la banda, vender el disco y promocionar algunos conciertos. Un solo trabajo y su primer éxito lo llevó a conseguir una especie de fama y Jordi vuelve a editar. Esta vez es el sencillo de los suecos Dentity, quienes llegaron a Bcore por el boca en boca de la época. Pasó un poco el tiempo y esta iniciativa comenzó a generar sus primeros ingresos, además de formar una identidad con un número pequeño, pero muy marcado de seguidores que veían en el sello un interés en común. Finalmente, ante la demanda Jordi decidió dejar su trabajo como diseñador y compró sus propios equipos de grabación. Sin embargo, como no había suficiente dinero para arrendar una oficina o estudio, decidió poner todo en la antigua peluquería de su mamá. El proyecto iba creciendo y cada vez eran más las bandas que se acercaron a Jordi para ser editados. Aina, Innocents, The Unfinished Sympathy, Standsill, Tokio Sex Destruction, No more Lies, The New Raemon, HHH, son solo algunas de las bandas que pasaron por el sello y todos con algo en común: un lazo de amistad con Jordi. Por lo que me comentó Èric, desde los inicio del proyecto, las bandas que eran editadas, nacían del sentimiento que generaban en Jordi. Ahora con 47 años, una hija y su familia se ha ido alejando un poco de la escena por lo que las bandas que pasan por ahí son recomendaciones de los más cercanos. Siguen siendo un sello independiente y el apostar por algo desconocido o pretensioso podría resultar un riesgo. Tal como fue el caso de “Coconot”, donde se apostó por una banda más grande y conocida y que finalmente, su trabajo, terminó acumulándose en las bodegas del sello. Otro de los cambios importantes que ha experimentado Bcore son los distintos estilos musicales. En su primera etapa, se partió con la escena más Hardcore Punk, pero en la actualidad, y según mencionó Èric, los punk no editan con un sello, lo hacen ellos mismo y lo suben a internet, es por ello que se empezó a apostar por otros estilos como el Indie, la electrónica, por decir algunos. Dentro de esta nueva línea aparecen bandas como No more lies, Jupiter Lion, María Rodes, Dulce pájara de juventud, Delorean, Aminic, Happy meals. Quienes marcan esta nueva tendencia a un sonido más elaborado, dejando atrás los inicios del sello.

BCORE NACIÓ CASI POR ACCIDENTE

Sobreviviendo en la era del internet En cuando a la tecnología y pese a que durante los primeros años el sello vivió su mejor época, el internet comenzó a hacer de las suyas. Las ventas de discos comenzaron a bajar y las bandas aficionadas comenzaron a grabar sus propios demos. Además, durante los noventa y parte del dos mil era preferible editar en formato de CD, y hace sólo unos cinco años o un poco más se apostó por la reedición en vinilo de algunas bandas, rescatando temas inéditos y apuntando a este público más adulto y que siente una pasión por el trabajo de los músicos. Actualmente en la vitrina de la tienda o del mismo sitio en internet de Bcore se encuentran a la venta las reediciones en vinilo de “Sin identidad / intelectual Punks” de HHH, “Antitodo de Eskorbuto, Deep Wound de Rouse, “Estoc de Pus” de Kangrena, entre otros. El sello se la jugó por las reediciones y ha funcionado, según cuenta, son trabajos únicos y que aquellos que saben de esas bandas van a querer tener una copia, es parte de la historia también, me dice emocionado Èric.

Celebrando un cuarto de siglo En cuanto a la tan esperada celebración el 24 de junio, a una semana de la conversación con Éric Fuentes, se celebró el aniversario del sello. Los encargados de abrir la jornada fueron Bullit, No More Lies, Xmilk, 24 ideas. El segundo día estuvieron en escena The New Raemon, Joan Colomo, Nueva vulcano y The Unfinished Sympathy, me detengo acá porque al momento de hacer la entrevista a Èric Fuentes no sabía quién era. Es más, me regaló un disco y lo miré sorprendida y lo guardé. Él es parte de este círculo de músicos destacados en Barcelona y quién ha vivido el paso del tiempo y cómo la misma escena de hace unos años atrás ha pedido de vuelta algunos proyectos que se dejaron en pausa. Ese segundo día de celebración se prestó para que Unfinished Sympathy volviera a los escenarios. Finalmente y para cerrar este aniversario como corresponde Standstill, Tokio Sex destruction y Betunizer prendieron el City Hall de Barcelona, el cual estuvo relleno a tope. Lamentablemente el viaje debía continuar y no me pude quedar más días para ser parte de esta celebración. Sin embargo, hablando con este nuevo amigo me contó que el evento estuvo “apoteósico”.

psicodelia oscura: Cr贸nica de una muerte por PAUL STALIN

relatos del fin del mundo por ROGELIO KRUSTY

Capítulo 2 - título tentativo: a) Telecentro b) La Primavera en sus Ojos c)…II Sin mayores expectativas me dirijo al telecentro a buscar mensajes tal vez olvidados de gente que alguna vez conocí o que dadas las infinitas posibilidades hayamos coincidido en algún intercambio de datos. El lugar era más bien opaco, sin luz ni brillo, los monitores irradiaban lo que suponían de calor y una ampolleta insulsa emitía lo necesario para iluminar, dadas las particulares condiciones me dirijo al mesón de atenciones en los que un par de ojos miel intenso, perdidos en algún lejano rincón, me saludan amablemente y noto en aquellos cierto dejo de nostalgia, ciertas notas de melancolía. Me asignan un equipo que al parecer definen como lo más moderno, para la época, en este paraíso perdido, leo desganado: “Ud. Tiene 30 mails sin leer”, reviso los remitentes y decido no leer ninguno, a través al monitor sigo viendo a mis espaldas esos ojos que en silencio me auscultan, ¿Qué querrán saber? ¿Estarán mirándome realmente? Simulo buscar en mi mochila, la que mojada ha esperado junto a mis pies los 15 minutos que permanezco sentado, algún objeto al parecer perdido y al otear hacia el mesón descubro para mi asombro que aquellos ojos se han clavado en los míos, pero no sé realmente si la coincidencia hace de las suyas o si se trata de movimientos fríamente calculados, al darse cuenta noto como la sangre sube por su rostro sonrojando sus mejillas, la he descubierto espiándome y este solo hecho hace que, torpemente, su

cuerpo derrame el mate que ha estado bebiendo sin parar desde mi llegada al local, me incorporo e intento ayudarle, tímidamente recibe papel tras papel, mojados y teñidos por el verdoso color de la infusión; me agradece cabizbaja cada uno de los gestos; nerviosas su manos intentan poner orden al micro caos que provoco en ella sin querer, en tanto amablemente le saluda un niño tras otro que acuden al local en busca de ese mundo inalcanzable, al que acceden y recorren por computadores e internet. Un poco más repuesta se yergue en lo que supongo sea su lugar de trabajo, una silla hirsuta en la que un cojín con patchwork multicolor es el único acercamiento a la vida, un mesón de mediana altura que deja a la vista del público el torso de la encargada, un par de cajones cerrados y el computador de última generación (para la época y el lugar) que la conecta al mundo más allá de las islas y canales, más allá de un camino en pésimo estado y las 7 horas que separan este paraíso del único centro urbano de la región. Me presento extendiendo la mano, puedo sentir sus latidos a través de la palma tibia que me responde: hola buenas tardes soy “X” encargada del telecentro, miro sus manos blancas, siento su piel tersa y noto algunos destellos pecosos en ella, me mira a los ojos, se sonroja nuevamente y saca su mano como de una olla hirviendo y para disminuir la tensión pregunto seguro y convincente por algún lugar donde comer y dormir, baja la guardia y con sus dedos me indica un listado pre establecido en el que los escasos locales han dispuesto sus datos para posibles viajeros interesados (de inmediato pienso únicamente en mí). Me acerco y me instalo junto a ella, quien me indica las opciones y en una suerte de plano del pueblo va indicando cada uno de los datos que me entrega, hombro con hombro siento su respiración entrecortada a centímetros de mi oreja izquierda, puedo sentir, así mismo, como su voz va diluyéndose con cada una de las indicaciones señaladas en el plano, la conversación no existe, es sólo un intercambio de monosílabos sin sentido, de reojo veo como tiembla al acercarme aún más y ya sólo me basta ese detalle técnico para alejarme y agradecer la gestión, la miro fijamente e intento descubrir lo que esconde esa mirada miel cálida e intensa, que se oculta tras la primavera entre el follaje del bosque y la interminable lluvia. Vuelvo antes de salir por la mampara y me prodiga una última sonrisa nerviosa, difícil de esquivar, imposible de olvidar.

el mito de la gente acorralada

Este disco es la una prueba de una leyenda. De un secreto que corre lentamente entre busquillas y melómanos, que se esconde en una de las calles del centro de Santiago. “Cahuiniando” es el testimonio de la existencia de “Malalche”, un proyecto que se gestó y desapareció en una casa de Lord Cochrane a finales de los setenta y principios de los ochenta. “Malalche”, nunca fue una banda convencional, nunca tocaron en vivo, no había una formación estable, no había espacio para aspiraciones de fama, reconocimiento u otras banalidades. Era solo el escape para botar tensiones de lo que se vivía en el país y de una búsqueda de experimentación estilística. Con el pasar del tiempo y ya con el grupo de inquietos músicos dispersos por el peso de las formalidades. La demanda del círculo de amigos de Malalche presionó para que se formalizara algo el material que había de las sesiones. Fue así como Tavo Aliste (responsable de la gestación del combo y anfitrión de las sesiones) buscó y fue seleccionando y editando los temas que darían forma a “Cahuineando”. Inspirado en pasajes y tradiciones del sur de Chile, el disco es una respuesta a los mitos del Canterbury. En “Cahuineando” habita el Trauko, la isla de Chiloé, hasta el nombre del proyecto Malalche tiene su origen en el Mapudungún y se traduce como gente acorralada. El nombre del disco y dibujo de portada hace referencia a la tradición del campo de juntarse alrededor de un fuego a cahuinear o a contar historias de terror. La experimentación de Malalche, esta directamente relacionado al bagaje musical de sus integrantes sobre todo de Tavo, un gran conocedor ya en esa época de material vanguardista desde free jazz, punk, rock experimental como Captain Beefheart y Rock in Opposition. El disco te lleva desde el primer tema en un suave y lisérgico viaje con arreglos de sintetizador que se funden con el folklore y el rock dando vida a oníricos y densos pasajes. Adelantados a su tiempo… Absolutamente y en pleno siglo XXI y a más de 30 años el álbum demanda ser escuchado. En plena calle San Diego, si tienes suerte puedes comprar alguna copia de este disco en cedé. No daré más datos. Debes de hacer el viaje y tomar tus riesgos.

MUSEO INTERNACIONAL DE CHILE por ALEJANDRA TORRES

El Museo InterNACIONAL de Chile lleva cinco años en circulación, han realizado numerosas intervenciones en los barrios y apuestan por aquellos artistas que no les interesa o no alcanzaron a postular a los fondos de arte; son parte de un colectivo autogestionado que realiza exposiciones en la pieza de un departamento, jornadas de dibujo al aire libre, intervenciones en espacios comunes y tienen un mensaje bien claro “haz lo que se te dé la gana”. El colectivo compuesto por Sebastián Riffo, Pilar Quinteros, Héctor Vergara, Simón Catalán, Javiera Muñoz, Alexis Llerena y Héctor Vergara partió el año 2010, cuando decidieron armar un grupo llamado MICH y que hasta la fecha ha sido contactado por artistas de Argentina, Brasil, España, estados Unidos, Colombia, entre otros países, que buscan exponer o simplemente donar algunas obras.

responder (no nos cerramos en los grupos de pintores o alfareros) somos un colectivo bien diverso y vamos en busca de la resolución de problemas. Somos casi todos estudiantes de arte, otros del ámbito de la fotografía, el video, el diseño. Entonces cuando nos juntamos vimos las habilidades que cada uno tenía y que conjugados se llevan muy bien, somos como los X-Men –jajajá-.

¿Por qué decidieron llamarse Museo Internacional de Chile? Nos pusimos el nombre más grande que pueda existir en términos de espacio de arte. Es una ironía.

Dentro de los proyectos que han podido realizar, desde que están junto, ¿Cuáles han sido los más importantes? El primer año (2010) nosotros queríamos hacer una muestra colectiva. Para ellos, invitamos a 30 artistas para exponer en nuestra sala, pero nunca llevamos a término esa iniciativa. Sin embargo, sí aprendimos de las dinámicas colectivas y con eso llevamos a cabo la iniciativa “Chile dibuja”, que éramos nosotros mismos dibujando en la calle. De este gesto pudimos dialogar con la gente que participó y muchos nos decían “¡Uy! Yo no dibujada desde niño” o “yo cuando chico dibujaba tales cosas”. La idea era que grandes y chicos participaran. Luego nos cambiamos del taller de Irarrázal y llegamos a este departamento en Providencia.

Una ironía que hasta la fecha ha funcionado y que no es difícil de olvidar. Pero ¿Por qué nace MICH? ¿Cuál fue la idea inicial y que los motivó a llevarlo a cabo? En junio del 2010 el colectivo nace con un espíritu que tiene que ver con construir colectivamente las ideas que tiene continuamente este grupo de apoyo. En el fondo es “tú tienes una idea, nosotros te ayudamos a llevarla a cabo”. No tenemos un programa al cual

Ese paso por Irarrázabal ¿Les sirvió para conectarse más como grupo? Sí, porque era un espacio dónde nos reuníamos todos, y porque el Barrio Italia estaba recién naciendo como espacio cultural. Ahí empezaron a abrirse más talleres de artes, restoranes, locales de restauración de muebles, etc. Sin embargo, nos llamó mucho la atención el cómo se estaba destruyendo el barrio con la construcción de automotoras o edificios nuevos que echaban a bajo casas antiguas. Entonces ese espacio nos ayudó para pensar cómo es la ciudad y eso mismo a llevarlo a una obra de arte.

Mistral, Galería Animal se estaba cerrando. Entonces, había un cierto ánimo de que no habían lugares dónde exponer más allá del Museo de Bellas Artes. Además el año 2010, viene el gobierno de Piñera, pasó el tema del terremoto, los 33 mineros, el incendio de la cárcel de San Miguel, entonces nace como un sentimiento que no se necesitaba a la institución para hacer algo más. Creo que ese es importante, porque pasó en una escena general en Chile, donde comenzaron los espacios autogestionados. No necesitamos una institución galerista privada, porque estar bajo su alero es darle muchos privilegios; como no exponer en otros lados, tener ciertas líneas de obra, y lo nuestro era mucho más experimental y libre.

¿Y cómo lo plantearon? Hicieron algún tipo de intervención o proyecto para ejemplificar esa situación. Sí, pero eso lo realizó Pilar Quinteros, dentro de su obra personal con la realización de las casa de Irarrázal. Que es la construcción en maquetas de madera de algunos edificios emblemáticos que estaban en la zona, y donde años después fueron destruidos.

Hablamos de este encuentro de “Chile dibuja” que se instaló en un espacio público con lápices, pinturas y atriles, pero ¿Hay alguna otra intervención que haya sido igual o más importante que aquella? Hicimos un proyecto que se llamaba “Show”, que era un registro de artistas callejeros desde el 2009 hasta el 2012. Todo esto se editó y por medio de un dispositivo mostrábamos ese video en los distintos espacios de la ciudad. Era una remirada de estos artistas callejeros. Esto apareció luego que habíamos hecho una intervención en el Paseo Ahumada, que era cómo pensar el video en Chile y para mí (Sebastián Riffo) era el típico video club de barrio, de hecho en mi casa se arrendaban mucho las películas de “Cementerio pal Pito”, “Los atletas de la risa” , ese humor de calle. Entonces lo que hicimos fue llevar uno de esos videos a la Plaza de Armas, que era el lugar dónde se juntaban, y pusimos el video. Ahí la gente comenzó a agruparse, se reían. En el fondo, estaban reproduciendo la misma escena. Nosotros queremos intervenir en el espacio público y cuando leímos una de las biografía de los Atletas de la risa ellos decían que empezaron en la calle en los años 80, cuando la gente no

La idea de tener una galería de arte en un espacio tan poco usual, como lo es la pieza de un departamento, la recogieron de algún lado o ¿nació simplemente de alguna necesidad por seguir abriendo espacios donde los artistas puedan exponer libremente? Entre el 2008 hasta 2010, fue un periodo importante en lo nefasto para las artes visuales. Fue en ese momento que comenzaron a cerrarse importantes galerías “tradicionales” como: Galería Moro, estaba el rumor de que se iba a cerrar la Galería Gabriela

tú tienes una idea, nosotros te ayudamos a llevarla a cabo 15

nunca quisimos que nos Llamasen â&#x20AC;&#x153;Artista emeRgenteâ&#x20AC;?, porque no somos un proyecto de artista

utilizaba los espacios públicos. Es decir, no comían, no se reían en la calle porque estaban viviendo en un contexto de represión, entonces cuando empezaban a hacer humor ellos tenían que salir corriendo y por eso se llaman así. Entonces, consideramos que a nivel político, contextual y artísticos, ellos respondían a todas estas cualidades. ¿Cómo ven ustedes actualmente el arte? Porque siempre hay una escena artística que busca nuevas formas o espacios para exponer, pero las personas comunes ¿Están interesadas en acercarse? ¿Cuál es el aporte que ustedes pueden hacer? Nosotros siempre hemos pensado en cómo realizar actividades en los espacios públicos y aprovechar ese lugar para captar el público que no va a galerías, pero es una misión difícil que se acerquen, porque muchas veces cuando hacemos intervenciones, como el Chile dibuja, la gente se acerca y nos dicen que volvamos y nosotros les respondemos que ellos mismos pueden continuar realizando este tipo de actividades, pero no se da mucho. No existe el interés previo, pero cuando pasa se acercan y participan. Nos gustaría que fuera algo común.

Y en cuanto a esta sala de exposición que tienen acá ¿Cómo hacen para que los artistas expongas? ¿Realizan algún tipo de convocatoria? O ¿Llegan por el boca en boca? En general la intención que tiene la galería es exponer trabajos que tienen personas que son de profesión artista o no, y ahí vamos buscando o nos comentan sobre el trabajo de alguien, son pequeños hallazgos. Lo importante sí, es que estas personas no estén exponiendo en otro lado. No nos gusta mucho recibir proyectos, incluso a veces son artistas que se les pasa la fecha de algún convocatoria o no postularon a algún fondart y están dedicados a trabajar en sus talleres. Antiguamente la “escena” estaba sujeta a la postulación de concursos, pero estoy casi seguro (Sebastián Riffo) que ya no es tan importante, pero aun así están pendientes de si hay algo o no para concursar. De hecho, los concursos establecían un circuito y había una palabra que estaba muy de moda “el artista emergente”, nosotros nunca quisimos que nos llamasen así porque no somos un proyecto de artista, no estamos supeditados a ese circuito. Por lo mismo, exponer acá igual es extraño, aparte que nosotros (Pilar y Sebastián) convivimos con las obras, entonces las mismas personas que exponen se lo toman como un desafío. ¿En qué están ahora? Estamos haciendo un catálogo a pedido, correspondiente a un encuentro que se realizó en el Museo de Arte Contemporáneo donde se juntaron los distintos colectivos de arte de Chile y espacios independiente. Nosotros estamos haciendo el diseño, edición visual de este catálogo. Esta propuesta tiene muchos dibujos que pretende mostrar los distintos espacios independientes. Y ¿Cuál es el mensaje del MICH? ¡Todos es posible! Uno, puede sonar muy tonto, pero uno es dueño de hacer lo que quiera. Por lo mismo, yo creo que el máximo mensaje que entrega el MICH es: ”no pidas permiso, para hacer nada” no dejes que las convenciones te impidan hacer las cosas y por último “si no tienes plata, invéntalo”.

WES CRAVEN (1939-2015) por ALEJANDRA TORRES

Tenía cinco o cuatro años, cuando un día en la casa de mi

humor, todos los clichés de las películas de terror en una sola, se comenzó a

abuela estaba una tía sentada en el mejor sillón del living, ese

burlar de su propio nicho y desde su estreno en 1996, sigue generando las

que quedaba justo mirando frente al televisor. La miré con cara

mismas sensaciones en las generaciones más nuevas.

de “qué mierda le pasa”, y en lo primero que me percaté fue que

Sin embargo y lamentablemente, hace poco salió la noticia de su muerte pro-

tenía unos lentes blancos de cartón, con un lente rojo y otro

ducto de un cáncer cerebral. Pero siento que vivió la suficiente para marcar con

azul, no entendía nada de los que estaba sucediendo, sólo sé

su trabajo. Era un tipo que fue contra las reglas de dónde vivía, se crio bajo un

que algo estaba esperando que apareciera en la pantalla, algo

régimen sumamente estricto, donde no se podía fumar, beber, menos ir al cine.

que ella entendía y que evidentemente no me iba a contar. Le

En 1962 fue editor de la revista de literatura de Wheaton, Kodon, hasta que un

pregunté qué era lo que estaba viendo y como era de esperar

día tuvo problemas por publicar una historia de amor entre un hombre blanco

me respondió: “Una película para gente grande”. Ok, como no

y una mujer negra, además de otro relato de una chica soltera y embarazada.

me estaba prestando atención, no puso mayores peros y me

Finalmente el Rector de la Universidad lo denunció, pero esto no impidió que

senté a su lado. Era sábado por la noche y en Canal 13 pasaban

siguiera escribiendo y sacara su propia revista fuera del campus. Ese mismo

“Pesadilla”, ¿Cuál era? Eso lo vine a saber con los años.

año también se atrevió a ir al cine donde vio “To Kill a Monckingbird” de Robert

Recuerdo, a esta altura, un hombre con la cara desfigurada, un

Mulligan, quien hizo una adaptación de la novela de Harper Lee.

chaleco rojo con líneas gruesas, un sombrero desaliñado, mucha

Ese primer encuentro lo hizo querer entrar en el mundo del cine, es ahí que

sangre, pasillos oscuros y una fuente de agua gigante que se

conoce a Sean Cunningham, antes de que fuera autor de Viernes 13. Ambos

caía sobre algo. Mi corazón latía y no podía parar de mirar, fue

participaron en la filmación que más escándalo generó en la década del 70,

ahí que por primera vez vi esas garras afiladas y Freddy Krueger

“Garganta Profunda”, la cual fue condenada por la crítica como obscena.

invadiendo mi cabeza por años. La película que pasaron esa

En 1972 Wes estrenó “The Last House on the Left, una historia de violencia in-

noche fue “Pesadilla: el fin de Freddy”, esa donde nos enteramos

spirada en los clásicos de Ingmar Bergman, Director de “El séptimo sello”, “Gritos

que tenía una hija, una historia torcida y que aclara un poco la

y susurros”, “Secretos de un matrimonio”, entre otros. Pero no fue hasta 1982

trama de las anteriores. Creo que fue la primera vez que me asusté mucho, y cómo olvidar esa cara y esos cuchillos que penetraban la piel de sus víctimas, su sonrisa demoniaca. Hay que reconocer el talento de Robert Englund (el actor tras el personaje de Freddy), no había otra persona que pudiera ponerse en esa piel, pero va más allá porque él junto a Wes Craven (director) pudieron crear un imperdible dentro del género de terror. Si bien los efectos especiales, a esta altura y a 31 años del estreno de “Pesadilla en la Calle Elm”, no son del mayor impacto, hay escenas que marcaron y siguen siendo replicadas con el tiempo. Cómo no mencionar cuando la primera víctima de Freddy comienza a luchar con él, mientras flota en el techo de su pieza, para mí ese momento era real, o cuando Nancy Thompson comienza a subir la escalera mientras sus piernas se entierran en los peldaños, estaba intentando correr y no podía. Quién no ha sentido esa suerte de amenaza y querer refugiarse, pero simplemente no puedes, el miedo es más grande.

EL FIN DE LA PESADILLA

Mi acercamiento con el cine de terror vino de ese pequeño

que presentó su primera película de terror, una adaptación del comic de “La

encuentro en el living de mi abuela junto a mi tía, y con el paso

Cosa del Pantano”.

del tiempo me volví adicta a Pesadilla, las vi todas; las siete

Podría seguir escribiendo y contando todas mis experiencias respecto a este

entregas más el remake, siendo “La nueva pesadilla de Wes

hombre. Quien tuvo un pensamiento que lo llevó a ser unos de los más grandes

Craven” la que más me hizo delirar. Hacer una película de la

directores del cine de terror, tal vez habrá quienes no estén de acuerdo, pero él

película, es algo que te confunde y te lleva a despegar de la

me voló la cabeza llevándome a una simple reflexión. Siento, y creo, que el cine

realidad y creer que realmente está pasando. Nuevamente, lo

de terror nunca ha sido para quienes se sienten adultos, ya que no entienden y

vuelvo a decir, Craven era un genio.

no se entregan a lo que están viendo. Pero cuando eres niño, o lo ves como tal,

Años más tarde otro hito volvió a marcar el cine de terror, y

lo crees, se vuelve parte de tus pesadillas, luchas por espantar el fantasma que

obviamente la taquilla. Todos hablaban de Scream. Más que

puede estar en tu pieza, te da miedo sacar un pie de la cama y que algo te lo

terror era suspenso a lo largo de toda la cinta. Es aquí donde

pueda agarrar y cuando crees que lo tienes dominado, no va a faltar la sombra

Craven reinventó el género, replanteando el tema de los ase-

o el chirrido que te haga pensar que Freddy pueda estar ahí, esperando a que

sinatos en series. Hay una combinación entre suspenso y

te quedes dormido.

MARISA NIﾃ前 20

Las fotografías de Marisa Niño son un cruce entre Cronenberg y Ballard, en una cruz disocial de un finis terrae donde cada automóvil recrea un cadáver -leit motiv de su fotografía-, cadáveres desmembrados que son metáforas o metonimias de los cuerpos en tanto desastres del accidente de la carrocería. Cuerpo y chatarra de Cronenberg, la nueva carne y sus sustitutos del no cuerpo contra la experiencia existencialista. Cada cual elije su cuerpo, su carne o su remedio de la carne y el cuerpo; encada imagen, en cada fotografía: Marisa Niño lo sabe. Thomas Harris Espinosa

escribir cortos hacer poemas por TEO

Las ratas son tan internacionales como las constelaciones; “el único animal libre en la ciudad” Blek le Rat Karl Marx Alle es un encanto a las tres de la mañana. Camino al White Trash, las luces cálidoartificial, me muestran la ciudad Deseo. estoy borracho de TODO me voy diciendo reiteradamente La ciudad se excita, se retuerce, se pone más caliente que un koala con el contacto de la bicicleta. Todo se electrifica y me siento en casa. La bicicleta se vuelve la casa perfecta la amenaza del vagar perfecto pedaleo y pienso que la bici es la mejor máquina hecha por la mano de nuestra decepcionante especie qué bueno por el caballo y por nosotros también que no tenemos que sumarle una mierda más a nuestras decadente ciudades llenas de mierda. Un par de ratas conversan bajo un auto y como es costumbre en Friedeschain, Neukölln oder Kreutzberg, se toman unas chelas balbuceando un alemán extrañísimo. Las miro y comienzan a mirarme y sin mirarse comienzan a moverse, vienen hacía mi con la decisión cinematográfica de una mesera. Matones de tomo y lomo. Y los muy malditos saben que les tengo asco. No por el balbuceo de una lengua que desconozco ni por sus chelas, sino porque su inmundicia es proporcional a la nuestra

uestra asquerosidad ciudadana n que lo inunda todo y es la cara de todas las ciudades. Y mientras las ratas siguen avanzando, pasan a ser guárenes, y en un pestañeo ya no veo otra cosa que un par de policías y es que el cerebro es un organismo vertiginoso y el asco es el asco. Estoy borracho y la noche es un túnel irresistible de luces. Avanzo por Karl Marx Alle y Kath me guía, me dice con suaves manos: izquierda derecha derecho y yo no dudo en seguirla, dejando atrás los ascos, frustraciones, miedos y ventanas entreabiertas del entendimiento corazón. Mientras sobre nuestras bicicletas, compradas con la mayor parte mis últimos euros esa misma mañana, hacemos nuestro baile cortejo. La noche es el lugar perfecto, el mar vuelto loco-rabia. y nuestras bicicletas nuestros botesguerraesperanza de los que no damos más.

Piratas de la ciudad de cualquier ciudad.

Entrepiernas llenas de presión a una velocidad borracha y nítida. Todo claro, alles klark. Berlin no es para nada frío, no desde esta montaña rusa que es seguir las exquisitas piernas de Kath, ese ángulo todo color que de manera totalmente inesperada me chupa a vivir esta vida.

paradero por RICARDO MAURTUA

Marcelo inclinaba la cabeza en la ventana izquierda del bus, siempre lo hacía, podía esperar horas y horas hasta encontrar uno vacío, allí cogía su libretita de notas y apuntaba frases para su próxima novela: “La Novela” se decía. No había contado las horas de bus, pero suponía que pronto ya la tendría terminada y podría ganar el premio de Literatura que había perdido hace tres años, perdí por política decía a quien le preguntaba, y luego empezaba a divagar ideas sobre una próxima novela que revolucionaría todo, siempre cada argumento totalmente diferente. ¿Por qué iba en bus? Un día vio a Gabriel a su lado, claro que él iba en su auto y él inclinado viendo a los autos del costado, en la facultad él había sido el primero, el más polémico con los profesores, incluso había tenido una discusión inacabable sobre la obra de Camus en la que él sintió que debió ser aplaudido, pero no importaba pronto tendría la novela acabada, y él tendría también su auto, uno mejor y saludaría hipócritamente a Gabriel y haría esa pregunta incómoda que todos temen al ver a alguien después de años, esa que pregunta de cómo le ha ido a uno, y en la cual casi nadie tiene el arrojo de decir, “como la mierda viejo, si puedes préstame plata, que algún día te pagaré”. Con la plata del premio le pagaría todo a todos, no era mucho, pero le jodía que le cobrasen, quizás hasta dejaría de usar ropa que los primos le donaban, quizás dejaría de comer la comida que la vieja no quería, quizás hasta podría comprar una casa, una no muy grande solo para él y para las fotos de Nancy que aun guardaba, hasta quizás Nancy volvería con él, estaba seguro… Nancy volvería con él. En esas horas de congestión se quedaba dormido y se soñaba en el podio desaliñado siempre, tenía el discurso preparado eso sí, en algún lado de su computadora malograda que obviamente repararía al ganar el premio, pero la plata la daban después de recibido, así que tendría que pedir plata prestada por última vez para repararla, iba soñando en eso cuando sintió un brazo que lo despertaba. Último paradero, bájese por favor- escuchó decir a una voz un poco gruesa que le recordaba a los golpes vocales de su padre. Y Marcelo descendió del bus aun medio en sueño, bajado del podio y no se dio cuenta del auto de algún Gabriel que lo arrastró 5 metros, con su estatuilla imaginaria en los brazos, y un montón de coágulos que hubiesen sido las lágrimas de emoción de su madre, y que nadie quiso recoger y que se volvieron con los días parte del asfalto. Una pequeña muestra de su triunfo.

ENFERMOS TERMINALES por ALVARO GONZALEZ

santiago chile

20 años tocando, tomando y festejando. Enfermos Terminales una banda que ha ido viendo el cambio de sus integrantes sin afectar el sonido que los caracteriza. En esta última etapa rescataron una canción en casete y ya no viajan en micro con los equipos para ir a las tocatas.

¿En qué año se conocieron y por qué deciden formar una banda? No recuerdo el año, lo que pasa es que con los hermanos Olea (Huevo y Kano) éramos vecinos, vivíamos en el mismo barrio en Gran Avenida, ellos en el paradero 24 y yo en el 221/2, entonces lo de conocernos fue cosa natural. El huevo me propuso hacer una banda, él ya tenía bastante carrete en esto de tener banda (DTH, Proyecto CTM, Políticos Muertos) le dije que sí al tiro, porque tenemos gusto semejante en música y de verdad no había nada más interesante que hacer.

Han transitado por en cierta medida la historia del hardcore en Santiago, desde el taller del sol, el cimarrón a la pica de On chito, ¿Cómo se han ido generando cambios musicales en cuanto a las bandas con las que tocan/tocaban y las que hay ahora, han existido cambios en cuanto a la organización de las tocatas y en las producciones de los discos? En cuanto a cambios musicales la gran diferencia, creo que ahora las tocatas suenan un poco mejor, pero siempre ha existido variedad en las propuestas musicales de las bandas con las cuales hemos compartido escenario. Hemos visto pasar muchas bandas

Partimos con loncheras y ahora tocamos con refrigeradores buenas pero hoy también las hay. En cuanto a la organización de las tocatas es lo mismo desde hace 20 años atrás, sólo que ya no transportamos las cosas en micro, hemos acumulado cachureos para meter bulla y tenemos que conseguir un camión para mover todo, los locales al igual que cuando partimos no pasan de dos o tres años, nacen, los descubrimos y mueren. Con respecto a la producción de los discos es igual que antes, se venden al costo antes de que salgan y con ese dinero se fabrica, nos quedamos con algunas copias y las vendemos en las tocatas. Después de 20 años que es lo que quiere decir enfermos terminales y que es lo que ya no le interesa nombrar En este último disco (que aún no llega) rescatamos una canción que alguna vez salió en casete y que escribí en el colegio “Autodefensa”, lamentablemente las cosas no han cambiado y por ende aún no nos da para cantar de las flores y mariposas. ¿Cuál ha sido la peor formación de enfermos y porque? Esta jajajá , siempre la actual es la peor, porque cada día que pasa nos conocemos más y nos damos cuenta de lo que somos. En la banda ha habido una gran rotación de personajes, desde gente que tocaba en Disturbio menor, Marcel Duchamp, Nada de público, Disputa, Pirómanos del ritmo, Mal gobierno, etc ¿Cómo han afectado al sonido de la banda? El paso de integrantes no ha afectado el sonido de la banda, el poder de los amplificadores sí. Partimos con loncheras y ahora tocamos con refrigeradores. ¿Por qué no viajan al extranjero? Es difícil por problemas con el alcohol…

Luego de 15 años comenzaron a sacar discos, luego del compilado de los hermanos de la mente furiosa y el vamos bien mañana mejor, ¿Por qué la urgencia de ir sacando discos en estos momentos? No existe ni ha existido tal urgencia de sacar discos. Los que han salido es de forma natural, es como un embarazo no deseado, sucede no más. Ahí se ve si abortas o sigues adelante. el último disco se viene en formato vinilo, ¿Por qué ese formato? El formato es una mierda, pero es lo que tenemos en nuestras casas para poder escuchar música, se dio la oportunidad gracias a que un ex batero que se fue a Alemania y realizó las gestiones desde allá. ¿Con qué banda de la historia les gustaría tocar? En lo personal con la banda del cubano Dámaso Pérez Prado, cuando en México en 1965 grabo en vivo el Concierto para Bongó. ¿Qué se viene para la banda? Ayer se nos pasó la caña de la celebración de los 20 años, ahora debemos hacer la tocata de lanzamiento del tercer disco y después de eso ni idea lo que pase, espero como siempre que el cuerpo y la mente nos dé para seguir machacando. ¿Algo que les quede por decir? Gracias por esta entrevista, es un gusto salir en tan linda revista, me imagino leer esto tomándome un cafecito con galletitas. Ámense, respétense, amíguense y odien a quien corresponda.

JANDRO ALE DOZA MEN 32

soy de Monterrey, Nuevo León, una de las ciudades más influyentes en todo el país pues es una ciudad industrial y maneja cantidades exorbitantes de dinero, ya sabrás... Acá he vivido toda mi vida y desde la adolescencia estoy en el mundo de la música y la fotografía, aunque la fotografía nunca fue más allá como quizá hoy lo estoy haciendo.

olfa meocorde BUENOS AIRES ARGENTINA

por CRISTIANO MONGA

Hace 15 años que están dando vueltas por Buenos Aires, son inclasificables y están a punto de lanzar “Torpe y elegante” su tercer disco. Hablamos con Demian Visgarra (guitarra y voz) y Federico Lavia (bajo y voz) de Olfa Meocorde y esto es lo que nos contaron.

¿Qué significa “Olfa” y que significa “Meocorde”? ¿Cómo dieron con esas dos palabras? Federico: Cómo dimos con estas palabras es algo totalmente azaroso y creado a través de la improvisación de los miembros fundadores que le dieron origen a la banda, Hernán Cassiodoro y Alfonso Beuter. Olfa, según el lunfardo, hace referencia al servil, lamebotas o adulador. Y Meocorde tiene una sonoridad o fonética que podría provenir del latín aunque no creo que signifique nada aunque podría ser “mi cuerda” o “mi corazón”, así que somos los que servimos a nuestros corazones o nuestras cuerdas. ¿Qué recuerdan de los comienzos de la banda? Y ¿Qué bandas tenían como referentes en ese momento? Demian: eran épocas de mucha catarsis en los ensayos, mucha improvisación salvo algunos temas que tenían algún que otro parámetro. Los ensayos para nosotros eran como rituales, viajes. Personalmente estaba cambiando mi manera de encarar la música y con “Olfa” se me dio vuelta todo. Venía de hacer otro tipo de

música y agarraba el instrumento de otra manera. En el año 2000 vi a Sonic Youth en vivo y empecé a tocar con “Olfa”. En esa época nuestras influencias eran el Confusion is Sex de Sonic Youth, el Pink Floyd de Syd Barrett y Dios* sobre todas las cosas. Después, obviamente, cada uno tiene sus referentes, para mi eran y siguen siendo gente como Rowland S. Howard, Velvet Underground, Todos Tus Muertos, Christian Death, Dimebag Darrell, Can, Einsturzende Neubauten, Joy Division, Bauhaus... demasiados para enumerar acá. “Olfa Meocorde” fue formada por gente que ya no pertenece a la banda ¿hay una “esencia Meocorde” que está por encima de quien toque en ese momento? F: “Olfa Meocorde” es un ente superior formado por cada uno de sus integrantes, los cuales representamos una unidad inferior al conjunto. Somos eslabones de un ser más grande que podría representar esa esencia Meocorde de la que hablas, esencia que transmuta permanentemente. D: La esencia Meocorde está por encima de los que tocan: también está en aquellos que no tocan más en la banda. Es como que

ahora somos ocho personas tocando, pero en realidad somos cuatro. ¿Cómo se podría describir a cada uno de sus dos discos con una sola frase? D: Olfa Meocorde: es un producto del azar, un buen resumen de los primeros 8/9 años de la banda, mucho más fiel a la banda que el primer disco. Una de las características de la banda es su imprevisibilidad, en sus grabaciones pueden pasar de un segmento caótico, cercano al No Wave o a otros con riffs como los que hacia Jeff Hanneman pasando por pasajes que no desentonarían en alguna película de Sergio Leone. En breve, van a editar su tercer disco, Torpe y elegante ¿podemos esperar el mismo nivel de eclecticismo? D: sí, en Torpe y Elegante está ese elemento. De todos modos no es una búsqueda, no decimos “vamos a hacer re-eclecticos y mezclar géneros”. Hacemos lo que nos sale. A veces nos sale una tarantella y a veces un black metal. F: no es nuestra intención mantener una línea musical, más bien todo lo contrario. Componemos canciones que encuentran su rumbo a través del tiempo y la ejecución. Trasnochados sin rumbo, abstinencia, epifanías apocalípticas, psicofármacos, viajes psicodélicos, chicos desesperanzados pidiendo el canuto y el espejo. Todos personajes, elementos y situaciones relacionados a las drogas que podemos encontrar en las letras. ¿Qué es lo que los atrae a esto? F: las drogas nos abrieron una brecha creativa. Si bien, más allá de la droga, hubiésemos compuesto un montón de canciones, probablemente no hubiesen sido lo que son. Muchas de nuestras letras, por lo menos en mi caso, hablan de experiencias vividas. D: creo que las apariciones en nuestras letras de temáticas de drogas fueron siempre sinceras y sin buscar glorificar nada, sino más bien reflejar nuestra relación con eso en determinado momento. ¿Se sienten parte de una escena? ¿Con que otras bandas tienen afinidad? D: no siento que formemos parte de una escena, nunca lo sentí. Me parece que estamos en un limbo, que somos muy rockeros para la movida experimental, muy raros para los rockeros, muy thrashers para los indie. Sentimos afinidad personal con muchas bandas y musical con algunas otras. Te nombro algunas que me gustan: Mujercitas Terror, El Bien, Cuzcos, Descom Posicion, DHD, Mueran Humanos, Coso, Interzona, Nacen Muertes, Once Once. Hay muchas bandas muy buenas por suerte. La escena no la veo, creo que cada banda esta medio en la suya. En la presentación del South America is part of the problem * * creo que se vibró una onda especial en la que había algo en común entre las bandas, otro tipo de búsqueda. Igual a lo largo de los años hubo momentos en los que si se vibró algo como una escena, por ejemplo hubo una seguidilla de

años cuando estaba Pronoise en las que todos los fines de semana había seis o siete bandas tocando ahí en una casa, en una cocina. Creo que esa etapa fue lo más parecido a lo que podría llamarse una escena. F: no me considero parte de ninguna escena. No me interesa exponerme en la vidriera del rock para que me compren. Hace poco cumplieron 15 años. ¿Qué cambios notan en todo este tiempo con respecto a llevar adelante una banda en Buenos Aires? ¿Qué cosas mejoraron y cuáles empeoraron? D: yo no veo mucha diferencia, muchos hablan de antes y después de Cromañón. Antes de cromañón también era difícil ser una banda nueva en Buenos Aires, hoy quizás, finalmente hay un poco más de opciones en cuanto a lugares que no te estafan. También ahora hay muchas más bandas con las cuales nos sentimos afines. Cuando arrancamos había muy pocas o quizás yo no las conocía, pero en una onda más improvisación como era lo nuestro, estaba Modelle Nude, Comme y no muchas más Hoy todos conocen a Sonic Youth y cualquiera escucha Joy Division, hay miles de bandas que van para esos lados. F: el aprendizaje es el cambio más importante en cuanto a llevar una banda. Que el proyecto siga existiendo y sentir que aún le queda combustible creativo es una mejora constante. Tienen dos discos “oficiales”, pero también editaron varios casetes de manera independiente bajo el sello “La Fábrica de cosas”. ¿qué Podrían contar sobre esto? D: todas nuestras ediciones son independientes. Cuando arrancábamos, armábamos casetes con el mejor material que juntábamos de los ensayos, hicimos copias y los regalamos en nuestros recitales y de otras bandas. “La Fábrica de cosas” es el nombre bajo el cual salían esos casetes, y también es el nombre de nuestro bunker y estudio. La verdad que esas cintas estaban buenísimas. Hace un tiempo hice la digitalización de todo ese material y está la idea de hacer una edición.

Olfa Meocorde es un producto del azar, un buen resumen de los primeros 8-9 años de la banda

En el 2007 tocaron en vivo el disco The Piper at the gates of dawn de Pink Floyd en su totalidad. ¿Qué los llevo a hacer esto? ¿Versionarían algún otro disco? D: “The Piper…” era nuestro disco de cabecera cuando empezamos a tocar juntos. Siempre en los ensayos tocábamos temas de ahí y en algún momento empezamos a flashear con que en 2007 se cumplirían 40 años del disco y que lo íbamos a tocar entero. Para cuando llegó el 2007 Alfonso, el tecladista, había dejado la banda, pero le propusimos llevar a cabo la idea y se sumó para ese proyecto. No creo que volvamos a hacer algo así con otro disco, con ese se dio de manera muy natural y la verdad que hoy por hoy no tenemos, como en ese entonces, un disco que todos estemos escuchando mucho así que no la veo. Lo que sí es una idea, es que en 2017 hagamos “The Piper…” de nuevo para el 50 aniversario.

CUENTENME un poco sobre vuestros proyectos paralelo, El Ultimo Subsuelo y N-eurologico. D: El Ultimo Subsuelo es algo muy nuevo, soy yo solo usando sintetizador, caja de ritmos y una computadora. Recién hice solo seis o siete temas. Es raro encarar un proyecto solo, es la primera vez que lo hago, surge más que nada de la necesidad de estar haciendo música más seguido. “Olfa” tiene un funcionamiento un poco irregular, y a veces hay baches de varios días sin ensayo en los que quedo remanija, entonces de ahí sale El Ultimo Subsuelo. De la manija. F: N-eurológico es un dúo de bajo y batería con canciones rápidas, fuertes y con letras testimoniales con una perspectiva corrosiva de las situaciones. Pronto lanzaremos el primer cd que se va a llamar ¨MONOTRIBUTO¨.

* Trío bonaerense catalogado como “banda de culto” que tocó en Buenos Aires en los 90. Solo grabaron un disco que puede escucharse en You Tube. Recomendable. * * Compilado con bandas chilenas, uruguayas y argentinas curado por Ryan Walsh (Neg-Fi, Glenn Branca Ensemble).

CUCO BUENOS AIRES ARGENTINA por ANDRÉS HOGUERA

Su gira a Uruguay, su último disco y las temáticas de su composición son parte de esta entrevista que muestra el lado más profundo y delicado de lo que significa transmitir plasmas, momentos y sensaciones.

¿Cómo se llega a formar Cuco, quienes lo integran/lo han integrado y cómo definirían lo que hacen? Nos conocimos Daniela y Leito en la escuela de Arte en el año 2002 en la ciudad de La Plata, comenzamos amistad y al año siguiente empezamos a tocar como dúo de forma híper casera (el bombo de la batería era un bidón de agua por ejemplo) y a grabar algunas cosas con una porta estudio de cuatro canales. Luego, invitamos a un amigo a tocar el bajo (el Fisu) y cuando grabamos el primer demo en el 2004 se incorporó Fer (que fue quien nos grabó el demo) en otra guitarra. Pasaron muchísimos amigos a través de los años, bajistas, guitarristas, percusionistas, saxofonistas, “ruidistas”, etc... Hasta hace poco éramos cuatro, teníamos un tecladista, pero ahora somos tres: Seba en bajo, Daniela en batería y Leito en guitarra y voz. La música y sus definiciones son terreno pantanoso, no nos simpatiza para nada ponerle un rótulo a lo que nos hace felices. Podemos sí hablar de las cosas que nos gustan durante horas. Sería como describir algo indirectamente y de esa manera dar a entender un poco la directriz del accionar compositivo de Cuco (o no, JA!) Para las etiquetas mejor los supermercados. Entonces dime que es lo que te gusta de Cuco Uf! Al ser Cuco, un ente más o menos inexistente, lo que no nos gusta – inevitablemente- son cosas que no nos gustan de nosotros mismos. Creo que a veces nos cuesta decir que no a tocar. Siempre queremos todas las fechas que se nos presentan y después terminamos hechos mierda. Sin tiempo para ensayar o crear temas nuevos y súper cansados. Otra cosa que no esta buena son los bardos que hay entre nosotros a la hora de ponernos de acuerdo en las formas de componer, pero imagino que eso es algo común en casi todas las bandas. Hay varias cosas que molestan cada tanto, pero naturalmente son muchas más la que nos gusta y por eso estamos aquí todavía. ¿Que sensaciones les dejan estos diez años de Cuco? El aprendizaje es constante. Fuimos cambiando muchísimo y en consecuencia también nuestra música. Supimos reconstruirnos una y mil veces de ser seis o siete personas tocando y luego volver a ser dos y otra vez a empezar, pasar temas, conocer gente nueva. Con la alegría que da la libertad de la autogestión seguimos luchando por conseguir espacios para tocar y para hacer las movidas más lindas que podamos. Hicimos una pila de amigos de la música que ya son nuestros hermanos, bandas alucinantes que nos vuelan la cabeza y amamos. Insistimos, el aprendizaje es constante y eso es lo que más seguimos aprendiendo. ¿Sensaciones? Alegría y satisfacción podría ser.

¿Qué influencias son las más importantes para ustedes en lo creativo? Desde lo musical, literario, gráfico, entre otros. El impulso de una idea para la creación de un pedazo de música de Cuco, muchas veces no tiene origen en otro arte, pueden ser pequeñas frases, ideas, personajes, charlas, comentarios, acciones repetidas, las que se transforman en una letra o dan pie a hacer algo determinado con la estructura musical. La literatura, el cine y la música son alimento constante, pero también es importante la señora, la vecina que barre la vereda o un perro oliendo a otro o caminar por el microcentro a las 12 del mediodía. Igual sabemos que normalmente se encuentra un faro para entender lo que uno hace cuando se dan ejemplos concretos, cosa que realmente nos cuesta bastante. Sería más fácil para la comprensión de quien lee decir que una gran influencia pueda ser ponerle, alguna composición de John Zorn en Naked City en vez de decir: “una señora vecina que barre” Instantáneamente al nombrar un referente musical en este caso Zorn, la imaginación de quien lee se ubica en determinado sector que es una ubicación diferente a la de los Ramones por citar un ejemplo. Las denominaciones son dañinas, descuartizan el total y muestran solo una víscera. A nosotros nos gusta el cuerpo entero, nos gusta el ciboulette y nos gusta Eduardo Mateo,

Napalm Death, Camus, Fugazi, David Lynch, Rafael Barret, Boredoms, Sartre, John Waters, De Beauvoir, The Cramps, Balzac, John Casavettes, Beatriz Preciado, Gustavo Pena “El Principe”, The Ex, Roman Polanski, Horacio Quiroga, Emma Goldman, Swans, Nina Simone, Mr Bungle, Carlos Reygadas, Django Reinhardt, Neurosis, Gustavo Alonso, y que se yo cuantos millones de bandas, películas y libros más. Y no nos olvidemos de las bandas de nuestros amigos, que son las que más escuchamos. Hay un elemento oscuro (voluntario o no) dentro de las composiciones del último disco. ¿Perciben lo mismo que yo? ¿A qué se debe? No estamos muy seguros de que pueda ser ese elemento oscuro, ¿una madeja de pelos quizás? En fin, sea lo que sea, no es algo. Buscado intencionalmente y si está en las composiciones, indudablemente esta en nosotros. No habíamos visto este último disco como más oscuro. Quizás más desordenado, caótico y no lineal que otros, pero si vos lo sentís más oscuro puede ser también. Eso depende del receptor.

Las denominaciones son dañinas, descuartizan el total y muestran solo una víscera

Que me dicen sobre las gráficas de los afiches y ediciones. Son particularmente bellas y estremecedoras. De eso se encarga el ser que toca la batería en esta agrupación, Daniela Ojo en Blanco. Al igual que la música, las gráficas salen de forma muy natural y al estar, digamos en la misma frecuencia, se genera como una bola bastante homogénea. Creemos. ¿Cómo fue la experiencia de tocar en Uruguay? ¡Pa! ¡Una vacación realmente! Anduvimos tocando por allá en junio del año pasado, fue la quinta vez de hacer ruido en Uruguay y ahora en agosto vamos otra vez. Es de las cosas que más nos gusta hacer, nos encontramos con un montón de amigos: Cadáver Exquisito, Power Chocolatín Experimento, Hijo Agrio, Imao y muchas otras gentes hermosas. En todos estos años de relacionarlos con la “movida” de allá (la primera vez que fuimos fue en el 2007) vemos que creció mucho y cada vez que vamos a tocar esta más bueno. Hay una hermandad muy grande entre bandas y hemos generado entre todos un gran puente entre Uruguay y Argentina, cruzamos o cruzan el río todos los años.

¿Cuéntennos un poco sobre “Caracol Rojo” y sus oscuras intenciones? Desde los comienzos de Cuco siempre charlamos sobre compartir la música de nuestros amigos y la nuestra bajo algún ente que las nucleara. En el año 2006 Dani y Leito le pusimos nombre a esas charlas y armamos Caracol Rojo. A partir de ahí fuimos moviéndonos lentamente, aprendiendo, sumando ganas y haciendo varias cosas mediante eventos y feria de discos principalmente. Luego se fueron sumando algunas cosas más, ya no solo nos dedicamos a difundir música, si no cualquier expresión artística con la que sintiéramos afinidad y también se expandió fuera de nuestro circuito en la ciudad de La Plata, llegando a varios rincones de Buenos Aires, e incluso hasta Uruguay en donde hay varias bandas que forman parte del colectivo. Todos los años además hacemos un gran evento a fin de año en el cual celebramos a lo grande. Lo que queremos es compartir las creaciones de nuestros amigos y las nuestras y generar espacios para mostrarlas. Dar una mano en definitiva. No lo tomamos como algo trabajoso porque le ponemos la energía que podemos, algunas veces más, otras veces menos. Estamos rodeados de personas increíbles, que hacen cosas fabulosas, como no querer compartirlo.

CRISTIAN MA RO 46

â&#x20AC;&#x153;A la sangre de cada mes, no se la riega en el patio de las legislaciones machistas. Es mĂĄS, ellas regaran cada gota de sangre derramada sobre tu tumbaâ&#x20AC;?

reseñas

La literatura y el mal (1957) GEORGES BATAILLE La presente serie de ensayos, unidos bajo una misma sombra, recoge gran parte de los postulados filosóficos y estéticos que rigieron el quehacer creador de Bataille: el exceso, la soberanía, la transgresión, la libertad. Conceptos dispuestos aquí al servicio del desciframiento del lenguaje y de la literatura. De la impotencia de aquél, de la imposibilidad de ésta y de lo irrenunciable de ambas. Gracias a la perversión que la literatura, conforme a sus propias leyes, opera en el lenguaje –que sólo nos hace humanos–, se logra instaurar en su seno una experiencia límite que alumbra una nueva realidad, revelando así que la auténtica medida del hombre es la búsqueda de lo absoluto. El carácter rebelde de la literatura, su condición demoníaca, arrojan dudas acerca de si estamos a igual distancia del bien que del mal, y parece aproximarnos de manera implacable hacia este último. Esqueleto Libros

Time? Astonishing! (2015) L’Orange & Kool Keith Cuando un veterano de mil batallas siderales como Kool Keith se reúne con un productor de la calidad de LÓrange el resultado ha de ser a lo menos interesante. Es así como nos encontramos con Time? Astonishing! Un disco lanzado por el sello Mello Music Group en el mes de Julio de este año, disco en el cual Kool Keith mantiene su sello característico, una visión futurista, caótica y a veces absurda de la realidad que se complementan con las instrumentales producidas por LÓrange, donde a los elementos clásicos de su forma de producir (Samples de Jazz) agrega diálogos de películas futuristas del Cine b para acompañar con la visión de Keith y hacer que el disco tenga una línea argumental. Time? Astonishing! cuenta con colaboraciones en cinco temas, las más destacadas, son las de J-Live en el tema “The traveler”, personalmente creo que es el mejor tema del disco, Mr Lif en “Twenty Fifty Three” y Open Mike Eagle en “Meanwhile, Back Home”. Lejos de tener la pretensión de tratar de redefinir el hip hop, el disco de Lórange & Kool Keith lo que hace es sentar un precedente, me mantengo activo, inquieto (Kool Keith) y mantengo la visión que tengo de hacer hip hop sin ponerme flojo y tratar una vez más de revivir glorias pasadas, como ha pasado con algunos compañeros de su generación. El Flackelismo

BETTER LEAVE TOWN LP (2015) BETTER LEAVE TOWN En uno de los tantos encuentros musicales semi-accidentales, me topé con los Curitibanos de Better Leave Town, quienes vienen tocando hace un par de años y tienen a todos los brasileiros vueltos locos con cada producción que lanzan a internet. Acaban de hacer una gira completamente autogestionada junto a los franceses de Sport, tocando por todo Brasil, acumulando audiencia en cada parada. Si bien es cierto ya había escuchado algunos trabajos anteriores, en esta oportunidad, le daremos una pasada al disco homónimo editado este año por el sello Curitibano Prejuizo Records, quienes además editan a bandas de su ciudad como Colligere o Beyond Frecuency. Siempre es positivo cuando existe gente interesada en editar bandas de su entorno local, finalmente, es algo fundamental para mantener el circuito underground funcionando activamente. Este primer larga duración de BLT contiene 11 temazos que reunen nuevo material, junto a algunas canciones de sus ep’s y split anteriores, que iban muy por el sonido del Hot Water Music antiguo era No Idea/Doghouse Records, con toques bien Fugazeros. Canciones a 2 voces que juegan entre si, con harto carraspeo que le da ese toque “maduro” y menos adolescente, con un buen trabajo de guitarras, beats rockeros y cortes pegajosos, que mantienen una base hardcore melódica, simple y melancólica, chorreando elegancia, nostalgia y emoción. Para mi, este es uno de los discos más interesantes salidos de Brasil este año, 11 canciones y casi 33 minutos de un buen hardcore melódico con actitud

simple, cercana y de piel. Un disco que podría perfectamente, ser el soundtrack del autoexilio, del cansancio hacia esa ciudad que terminó por matar tus sueños. Quienes gustan de este estilo, seguramente van a disfrutar tanto como yo este primer larga duración de Better Leave Town, un disco que cumple con lo que cualquier canción o disco debe producir: conmover a quien escucha. Charly Suarez

Nucingen Haus (2008) Raúl Ruiz 87 min / DRAMA Tras cumplirse cuatro años desde la muerte del director chileno, Raúl Ruiz, se presenta en el Cine Arte Alameda “La maison Nucingen” basada en la novela homónima de Honoré de Balzac. Este drama es protagonizado por el escritor William Henry James III, un hombre adicto al juego y que, gracias a ello, gana una antigua mansión en el sur de Chile, muy lejos de París. Sin embargo, Cuando llega para instalarse con su mujer, Anne Marie, a la casa que fue habitada por unos austriacos, pero también chilenos, se impone una regla que sólo se puede hablar francés al interior del hogar. Para otros idiomas hay que salir al jardín. Como todo rodaje de Ruiz, esta es un relato que se desdobla y se desvía. Un conjunto de evocaciones y reunión de imágenes junto con sensaciones que vienen desde muy lejos. Desde la infancia hasta un sur extraño y remoto.

MIA MADRE (2015) NANNI MORETTI 102 min / DRAMA La directora Nanni Moretti, tiene una inclinación reflexiva por medio de sus obras. Una tendencia posmoderna que resalta su sentimentalismo autobiográfico. Sugiriendo algo personal en la sicología y perturbaciones de sus personajes. Margherita es una directora de cine que se encuentra filmando una película acerca de un conflicto laboral en una fábrica cuando su madre, Ada, ex profesora de latín, es internada en un hospital por un malestar que posteriormente pasará a ser grave. La protagonista, a sus casi 50 años, se encuentra pasando por un periodo de crisis creativa, que de primera no tiene nada que ver con la condición de su madre. Sin embargo, enfrena dudas con lo que está filmando, su pareja, una hija que no se preocupa de sus estudios. La gravedad de su madre será un catalizador de la crisis y mientras más grave esté más se quiebra el relato. Combinando los sueños con la realidad. Mia madre podría ser considerada un triunfo al oficio del cine o una reflexión acerca de sus limitaciones. Alejandra Torres

Alejandra Torres

LA VEnus de las pieles (2013) ROMAN POLAnski 96 min / COMEDIA negra La cinta basada en la obra homónima del dramaturgo David Ives, llegó a los cines bajo la dirección de Roman Polanski. Con una voz única, austera y de gran profundidad sicológica, el cineasta polaco logró nuevamente poner en el cine una obra que antes pasó por las tablas. Una obra sobre una obra, todo comienza cuando el director Thomas Novaschek tras una mala jornada, luego de haber rechazado a todas las mujeres que fueron para ser escogidas para la obra “Venus in Fur”, se cruza con Vanda Jourdain, quien llega tarde a la audición. Con un aspecto desaliñado y vulgar, no logra llamar la atención de Thomas, pero luchará hasta que éste le dé una oportunidad para el papel. Venda quiere el protagónico, y ante el cansancio de Thomas éste decide darle una oportunidad. Es en ese momento que aquel torbellino de emociones sufre una metamorfosis única. Venda comienza a revelarse aumentando su misterio, pero sumergiéndose en la perfección del personaje que lleva su mismo nombre. Alejandra Torres

SPLIT (2015) DESPERFECTO / REhusar Hace unos días me topé con un split entre dos bandas que tienen la cagá en el sur y en todos lados donde tocan. Rehusar de Talca y Desperfecto de Concepción son bandas de cabros jóvenes, con un derroche de energía y efervescencia romántica, ética punk, chicas participando y sobretodo: BUENAS CANCIONES. La cosa parte con 4 temas de Desperfecto de Concepción, y son una patada en la cara. Ya me tenían super entusiasmado con su demo del 2013 y no dudé un segundo en darle play apenas vi el anuncio de que el split estaba afuera. Estos chicos le dan a un punk crudo, enrabiado, comprometido, directo y sin vacilaciones, una voz femenina con buenas fraseadas y riffs bien logrados, muy pegajosos que motivan a salir a la calle, golpear un policía y romper todo. Las letras son en castellano y básicamente son el reflejo de la realidad que viven en su ciudad desde una perspectiva crítica y politizada, que demuestran la rabia y la frustración de vivir sometidos bajo un sistema injusto en un lugar que poco a poco se vuelve triste y aburrido. Me gustan estos cabros, tocan, viajan y viven la cosa activos bajo la lógica del hazlo tú mismo, construyendo identidad en su ciudad, tocando buenas canciones y eso siempre es admirable. Se nota que la tienen clara y seguramente un nuevo trabajo va a seguir en la misma. Lo espero con ansias. Luego siguen 4 temazos de Rehusar de Talca, que tocan un hardcorepunk agresivo, político, también con voz femenina y poguero a cagar. Un vómito atrevido que tiene partes de guitarra super jugadas y disonantes en el coro de la primera canción “Odio el trabajo” y eso lo encontré increíble, que los chicos estén dispuestos a experimentar dentro de un estilo que es por definición, bastante primitivo. Temas cortos,

rápidos y fuerte pa’ adelante, que suena muy en la onda del Latinopunk, con letras en castellano que hablan sobre el descontento, los amigos y el hacernos cargos de nuestras propias vidas, la raja. Según lo que he podido ver, estos cabros también son super movidos en su ciudad, tocan con regularidad y mantienen andando la cosa. En general este split se me hizo corto, lo cual es perfecto, porque por lo menos a mí, ya me tienen esperando un nuevo material ambas bandas. Charly Suarez

FRIDA KAHLO: MUJER, IDEOLOGÍA Y ARTE (1995) ELI BARTRA Eli Bartra se interroga sobre la existencia del arte femenino que ella se propone considerar como resultado de un proceso social global, y sobre cuáles son sus características, pasando revista a las distintas formas en que se ha planteado en teoría del arte la presencia de lo ideológico y lo social, lo masculino y lo femenino en el arte. Esqueleto Libros

madrid españa

WILDANIMALS por ALVARO GONZALEZ

Una malagueña, un asturiano y un inglés, son los que dan vida a una de las bandas madrileñas que el último tiempo ha estado dando que hablar. Este power trío formado por Enoch Ardon (bajo), Pali (batería y coros) y Jaime (guitarra y vos) compusieron en tiempo record siete canciones para un EP estando al filo de unas cuantas fechas por Europa.

¿Cómo parte Wild Animals? Nos formamos en Madrid justo antes del verano de 2014, y desde entonces hemos tocado sin parar aquí (Madrid) y también fuera, acabamos de volver de una gira por Francia y Reino Unido, también hemos grabado y editado en este tiempo nuestro primer EP. Wild Animals es un grupo formado por personas que vienen tocando hace varios años en diferentes proyectos, Cuál es la necesidad de formar esta nueva banda? Los tres hemos tenido varias bandas antes (Allfits, Enoch Ardon, Jamie 4 president, Notes to Myself...), alguna de ellas con muy poca actividad en los últimos tiempos por la distancia entre sus miembros y precisamente lo que queríamos hacer al formar una nueva era tener esa regularidad, tanto de ensayos como de conciertos, que nos faltaba en las otras.

Ustedes están formados por dos asturianos y un inglés, ¿Cómo es generar una lengua en común desde culturas distintas? Sentimos corregirte –jajajá-, pero somos un asturiano, una malagueña y un medio ingles/medio malagueño (Jamie lleva más de media vida afincado en España), con lo cual para comunicarnos entre nosotros utilizamos el castellano, ya que Jamie lo domina casi tan bien como su inglés materno. Para transmitir las letras de la banda elegimos el inglés porque para el rollo musical que hacemos a los tres nos cuadraba mejor debido a que la mayoría de nuestras referencias musicales vienen de bandas anglosajonas y también porque, aunque las letras las hacemos entre los tres, la voz principal la lleva Jamie y se siente más cómodo haciéndolo en su lengua materna.

vamos a seguir tocando sin parar Pese a estar formados hace poco, han tocado mucho durante los últimos meses, hace poco giraron por el Reino Unido, ¿Cómo fue esa experiencia? ¿Cómo recibió la gente las presentaciones? Sí, nos fuimos 10 días por Francia y Reino Unido con nuestros compañeros de Enoch Ardon. La experiencia estupenda. A todos nos encanta girar, así que partiendo de esa base no podemos decir nada más que cosas buenas. No nos conocía demasiada gente y la acogida fue bastante buena. Hemos conocido a gente genial, hemos vendido unos cuantos discos, tocado con bandas increíbles y nos hemos reído hasta morir y con ganas ya de nuevo de echarnos a la carretera. Si tuvieran que guardar un disco en una capsula del tiempo, ¿Cuál sería? y ¿Por qué? Jamie: The Wrens “The Meadowlands” - Un disco ejemplar y atemporal de indie-rock que rebosa energía, clase y sinceridad. Paula: Voy a decir Descendents “Everything sucks”, pero si pienso durante cinco minutos más me vendrán otros 30 discos a la cabeza. Es una pregunta muy difícil –jeje-. El por qué: No pasa el tiempo para este disco, lo llevo escuchando desde pequeña y siempre me produce las mismas buenas sensaciones al ponerlo. Me recuerda a mis amigos y a muchos buenos momentos de mi vida. Fon: Si me preguntas mañana igual te digo otro, ya que soy incapaz de quedarme con un disco, pero hoy diré Ekkaia “demasiado tarde para pedir perdón”. Toda la atmósfera que lo rodea me flipa desde la primera vez que lo escuché en 2004. Desde las intros habladas (en las versiones que circulan por internet no están, para ello tenéis que poneros el vinilo), el increíble arte del disco, la melodía y a la vez oscuridad de la música, las letras...

¿Que quiere comunicar la banda? Nos gusta hablar de experiencias personales, de situaciones que vivimos en el día a día y que a veces se pueden convertir en temas más sociopolíticos ya que son cosas que nos preocupan de verdad. Por ejemplo en nuestra primera grabación hay temas que hablan de la homosexualidad o la explotación animal. ¿En qué lugar se sienten más cómodos? En lugares donde se viva la música como nosotros la vivimos, con pasión y honestidad, y no sé si afortunada o desafortunadamente –jajajá- esto suele ocurrir fuera de todo el circuito comercial, al menos en este país. Tanto en el estado como en gran parte de Europa hay un genial circuito DIY del que siempre hemos formado parte: con nuestros propios sellos, montando conciertos, tocando con nuestras bandas. De ahí a lo largo de los años han salido gran parte de nuestros mejores amigos, grandes momentos, así que no tenemos pensado movernos de ahí. ¿Qué es lo que se viene para la banda? Pues vamos a seguir tocando sin parar, En Madrid abriremos para Caves, una banda inglesa que aunque no es muy conocida a los tres nos flipa. Puede que también en Madrid toquemos en unas jornadas benéficas por la liberación animal. Entre mayo y junio saldremos varios fines de semana de Madrid (Asturias, Valencia, Andalucía...) a presentar nuestro “first songs EP”. En julio haremos lo propio durante casi 3 semanas por toda Europa. Y mientras seguimos haciendo temas para quizás al final de año volver a grabar. ¿Algo que nos quieran preguntar a nosotros? Nos gustaría saber más sobre la situación general en vuestra zona...tanto musical, cultural como política.

split

fecto Desper /Rehusar

por IGNACIO GIMÉNEZ

Tuve la fortuna de ser partícipe de este Split ya que me encargue de la grabación, mezcla y masterización de este trabajo. La verdad fue una experiencia súper bonita. Nos juntamos con Desperfecto y Rehusar el día 22 de noviembre en estudios Quinto Poder en Talcahuano durante la mañana siendo recibido con el cariño y la buena onda que siempre tienen Alexis y Ricardo. A Desperfecto los había visto un par de veces tocar y solo conocía a Gatty, bajista, y a Rehusar solo los había escuchado digitalmente. Desde el minuto uno la buena onda fluyo y la sensación de que éramos todos viejos amigos, ellos si se conocían de antes, se palpaba. Para mi esa es la mejor forma de trabajar y uno de los motivos por los que disfruto mucho del proceso de grabación. Los primeros en grabar sus instrumentos fueron Rehusar, “seteamos” todo de acuerdo a la búsqueda de sonido de ellos. Repasaron un poco el primera tema, yo no conocía los que grabaríamos, y me dejaron gratamente sorprendido y motivado de lo sólido y potente que era el tema, cosa que paso con cada uno de los temas a grabados. El proceso fue relativamente corto, 4 canciones con dos o tres tomas cada uno y el duplicado aparte de guitarras, nos habrá tomado unas 4 horas como mucho. Ya con los cimientos listos dimos paso a la grabación de voces donde una vez más me dejaron boquiabiertos. El recuerdo que tenia de la voz del demo no se asemejaba en lo más mínimo a lo que estaba escuchando en el estudio carecía totalmente de la timidez clásica que tienen casi todas las primeras grabaciones, la actitud era directa y el contenido sabido, la rabia y el hastió estaban presentes. A la hora de grabar no suelo estará tan enfocado en los aspectos técnicos de la voz como entonación y afinación, lo primero que busco y trato de trabajar es el “personaje a presentar”, que la voz sea honesta y transmita lo que el texto y la música requieren, con Nicole esto no necesitaría de mucho

trabajo el mensaje y la intención estaba súper claro, la verdad que no fueron necesarias muchas tomas para tener todo listo y en menos de una hora dejamos todo grabado excepto algunos coros que los dejamos para el final de la sesión. Luego de un rato de distención fue el turno de los instrumentos de Desperfecto, la idea fue básicamente la misma, adecuar el sonido a lo que ellos buscaban. Nuevamente hay un leve repaso del material a grabar, la sorpresa fue llamativa, 3 canciones nuevas y un tema del Demo (más rápido). Estos temas estrenados eran más oscuros y agresivos que lo que había escuchado en su Demo, guitarras afiladas, un bajo elaborado y la batería mejor definida. El proceso fue intenso pero muy bueno. Al principio estaban un poco apretados, incluso asustados (las grabaciones suelen ser así al principio, te enfrentas cara a cara con lo que has creado y eso asusta), pero de a poco se fueron soltando y empoderándose más con su trabajo. El resultado, buenísimo. 4 temas muy potentes y a la espera de sus voces, estas serían grabada en una sesión aparte. Al concluir la grabación de Desperfecto dimos por cerrada la sesión, respalde la información, agradecimos la hospitalidad de Ricardo y Alexis y me fui a casa a dejar mis cosas para luego juntarme nuevamente con todos en el Terminal Collao con dirección a Chillan, esa noche tocaría Quemacoches junto Rehusar, ZAT, Cizarros y L.U.D (Los Últimos Días). Era primera vez que iba a Chillan y también que vería a estas bandas. Ver a Rehusar en vivo es una experiencia más poderosa que en el estudio, cosa que suele pasar con las bandas, ZAT mostro un show poderoso y agresivo, además grandes personas, Cizarros la verdad no me llamo mucho la atención, quizás el cansancio me gano, y me fui a relajar un rato al entretecho del Dimensión Bar. Finalmente tocaron los Quemacoches y la

(Diario de una grabación) falta de energía desapareció y fue restaurada por la que ellos emitían en el escenario y que se vivía en la tocata, era una fiesta, nuestra fiesta. Nunca vi a Ramones en vivo pero pienso que tienen que haber sido una experiencia muy similar a lo que fue la presentación de los Argentinos aquella noche. Qué más puedo decir, tremenda noche y una forma hermosa de terminar una de las mejores sesiones de grabación que he tenido hasta la fecha. No recuerdo bien que día fue, no debe haber pasado mucho tiempo, cuando grabamos las voces de Desperfecto. Otra vez en Quinto Poder, era como estar en casa. Esta vez éramos solo Mayi, vocalista, y yo. Una sesión intima, muy interesante, con la calma que da el estar de a dos y las ganas de grabar lo mejor posible. Nos dedicamos a pulir y buscar las voces “correctas” para estas canciones. Nuevamente la perfección técnica no era nuestro foco, la búsqueda iba por el lado de la crudeza y la honestidad. El esfuerzo y la constancia nos llevaron a unas voces que superaron con demasía las del demo y que rendían honor al trabajo grabado por los instrumentos. Voces oscuras, matizadas con el odio y la rabia, el descontento y por sobre todo las ganas de expresar el interior. Tras largos meses de espera el Split finalmente fue lanzado a mediados de Julio de forma digital. 8 canciones honestas y rabiosas. Nos hablan del verdadero fracaso, la renuncia de los sueños y las ideas, la condena de la rutina en la ciudad, los pecho de paloma que deambulan por la

ciudad luciendo sus cartones universitarios como si estos fueran la gloria máxima, la miserable vida que nos entregaron y nosotros seguimos perpetuando, el desgaste y frustración de la mayoría de los trabajos de la sociedad actual, el daño y la complicidad del silencio (nuestro mayor enemigo) y finalmente la necesidad de rehusar “La sensación de desamparo, el rechazo de las nuevas condiciones de vida manifestada en forma de desarraigo, de huida, aborrecimiento, desesperación, de autodestrucción ¡de muerte!” Finalmente solo me queda agradecer la confianza depositada en mi trabajo, la honestidad, humildad y amistad vivida durante todo el proceso del Split. Ese 22 de Noviembre no solo grabamos un Split. Dejamos una huella, esperemos que sea una de tantas más, forjamos lazos, esperemos perduren, y por sobre todo vivimos y vimos cómo cada uno de los involucrados dejo su corazón en 8 canciones que quedan a disposición de quien quiera escuchar. Gracias Nicole, Juanfra, Diego, Matías, Mayi, Javi, Gatty y Atacho por dejarme ser parte de su historia.

TERRITORIOSREVISTA@GMAIL.COM FACEBOOK.COM/TERRITORIOSMAGACIN INSTAGRAM.COM/TERRITORIOSMAGACIN