Revista Pulgarcito

Pulgarcito fue una revista de historietas española de periodicidad semanal publicada por la editorial El Gato Negro (luego Bruguera) desde 1921, y retomada en 1987 por Ediciones B, lo que la convierte en la de mayor duración de su mercado tras el TBO, siendo ambas las únicas que sobrevivieron a la Guerra Civil.2 En ella se publicaron las primeras historietas de Carpanta, Las hermanas Gilda, La familia Cebolleta, Zipi y Zape o Mortadelo y Filemón.3

Parte de sus historietas se recopilaron de forma monográfica en colecciones como Magos del lápiz (1949) y Colección Olé (1971).

Bruguera editó también las revistas Súper Pulgarcito (1948-1951), que aumentaba el número de páginas, y Gran Pulgarcito (1969-70), que alternaba el material autóctono con historietas foráneas, fundamentalmente francesas.

Pulgarcito era el pequeño de 6 hermanos, que siempre, junto a su gato Medianoche, corría mil aventuras por diferentes lugares. Con esta obra, Jan quería dignificar la literatura infantil, haciendo de estas historietas verdaderas joyas. Pulgarcito estuvo en las carabelas de Colón, en el país de las Maravillas, y en muchísimos cuentos y lugares históricos más.

1790–1880

La rueda vuelve a girar… Después de un periodo racional, sereno, clásico, viene uno desbocado, pasional, subjetivo. Y después del frío neoclasicismo surge el romanticismo como una tormenta después de la calma. El romanticismo se origina paralelamente en Alemania y el Reino Unido cuando un grupo de gentes variopintas deciden que ya están hartas de tanto racionalismo e ilustración. El mundo es más bien lo contrario… irracional. No es sereno ni intelectual. Más bien está lleno de sentimientos, de imperfecciones. Y ahí está la gracia.

La libertad individual es ahora lo importante, y cada uno tiene su propia forma de buscarla. Muy pronto esta idea se extiende por toda Europa (el primer movimiento cultural en hacerlo) y cada país tendrá su particular forma de romanticismo, que se proyecta a su vez en distintas disciplinas artísticas. Es por eso que nace un culto a la edad media, o mejor aún: sus ruinas (esto incluye temáticas como el ciclo artúrico o sagas de la mitología nórdica). Se valora el folclore, pues la sabiduría popular es una fuente inagotable de inspiración, como también lo es la literatura.

El subjetivismo es un rasgo intrínseco al movimiento. El yo es lo que importa y no esa científica universalidad de la ilustración. En este sentido se exalta la personalidad individual y por consiguiente la originalidad (cada persona debe mostrar lo que la hace única), se empiezan a valorar las tradiciones nacionales, con sus respectivas épocas pasadas de esplendor.

Si… Aquí empiezan los nacionalismos en Europa.

Pero también lo es el exotismo (un romántico debe viajar) o la fantasía y los sueños (viajar con la mente). Los cuadros románticos pueden perfectamente estar poblados de fantasmas, brujas y monstruos.

Surge en esta época una idea interesante: el artista como genio, como creador, como Dios. No tiene mérito imitar la naturaleza. Si es necesario hay que crearla, y es por ello por lo que en el romanticismo se valora la rebeldía. Romper las reglas era muy cool. Y eso incluía suicidarse de amor o de tristeza… o morir de tuberculosis. Un buen romántico debería morir joven.

Finalmente renace el gusto por la naturaleza, pero muy subjetiva. Es así como los paisajes son ahora un género mayor. No interesan descripciones topográficas, sino mostrar emociones humanas a través de dos vertientes principales: lo pintoresco y lo sublime.

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Una vez a Liszt le preguntaron cuál era su profesión. El maestro respondió: «Mi profesión, amigo, es desatar tormentas»

Fue un 15 de enero de 1759, tras la donación, por parte del coleccionista irlandés Sir Hans Sloane, de más de 71.000 objetos El 15 de enero de 1759, hace 254 años, abrió sus puertas en Londres el Museo Británico (British Museum, en inglés), el primer museo nacional público del mundo. El Museo del Louvre lo hizo en 1793 y el Museo del Prado, en 1819. El Museo Británico se fundó el 7 de enero de 1753, tras la muerte de Sir Hans Sloane (1660-1753), un médico, naturalista y coleccionista irlandés que donó su enorme colección privada al pueblo británico a cambió de 20.000 libras esterlinas, una cantidad que asumió el Parlamento. A lo largo de su vida, Sloane reunió más de 71.000 objetos, sobre todo miles de libros y manuscritos, pero también especímenes naturales, obras de Durero, antigüedades y material etnográfico. En 1757, el rey Jorge II donó, además, la antigua Biblioteca Real, que incluía preciosos

manuscritos iluminados. La casa Montagu acogió la colección originaria del Museo Británico, una mansión del siglo XVII que fue demolida en 1840 para edificar el edificio actual, de mayores dimensiones.

El Museo Británico en una fotografía de 1887, año en que se trasladaron los ejemplares naturales al Museo de Historia Natural.

La Sala de Lectura circular, inaugurada en 1857.

La Piedra Rosetta, descubierta en 1799, permitió descifrar los jeroglíficos egipcios.

La Piedra Rosetta, una pieza fundamental A comienzos del siglo XIX, el Museo Británico adquirió las piezas que tanta celebridad le han dado y que lo han convertido en uno de los cinco museos más visitados del mundo. En 1802 exhibió la Piedra Rosetta, que permitió descifrar los antiguos jeroglíficos egipcios; en 1805, la colección Townley de escultura clásica, y en 1816, las esculturas del Partenón, donadas por Lord Elgin, que destrozó el antiguo templo griego al llevarse gran parte del friso y varias esculturas, pero que afortunadamente el museo ha conservado en óptimas condiciones

En 1823, el rey Jorge IV donó la biblioteca de su padre, la Biblioteca del Rey, que motivó la construcción del actual edificio ante la falta de espacio. En 1857 se construyó el edificio cuadrangular y la Sala de Lectura circular, que está abierta al público. En el año 2000 se inauguró la última gran ampliación, el Gran Atrio de Isabel II, una enorme cubierta de cristal y acero diseñada por el arquitecto Norman Foster. El Museo Británico ha cerrado sus puertas únicamente en dos ocasiones, durante la primera (1914-1918) y la segunda (1939-1945) guerras mundiales. Los bombardeos sobre Londres que se produjeron durante esta última provocaron daños en la galería Duveen, que alberga la colección del Partenón, pero fue reconstruida y abierta al público en 1962. Friso del Partenón que representa una lucha entre un centauro y un lápita.

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Arnold Böcklin

Suíza, 1827–1901

Arnold Böcklin fue un simbolista suizo, deudor del Romanticismo, que influyó en las siguientes generaciones de artistas, no sólo en la pintura, sino en la música, el cine o el videojuego. Nacido en Basilea, se asoció a la escuela de pintura de Düsseldorf donde todos reconocieron en Böcklin a un estudiante muy prometedor. De joven viajó por Europa, donde copió las obras de maestros flamencos y holandeses, y luego a París, donde trabajó en el Louvre, y después Roma, donde encontró el amor. Se casaría con Angela Rosa Lorenza Pascucci en 1853

Fue una temporada en la que se empapó de pintura y empezó a pintar figuras alegóricas y mitológicas inspiradas por la ciudad eterna. Al volver al frío norte ya era un artista distinto, pero siempre que pudo regresó a Italia para buscar inspiración. Influenciado claramente por el Romanticismo, su pintura recuerda a la de Friedrich, pero también a la de los prerrafaelitas, dado el enorme simbolismo unido a temas mitológicos y fantásticos. Son habituales en sus pinturas las construcciones arquitectónicas clásicas y referencias continuas a la muerte. Unidas dan lugar a un extraño y fascinante mundo de fantasía que interesó a los futuros artistas de tendencias más «fúnebres».

Hasta Marcel Duchamp citó a Arnold Böcklin como su pintor favorito y una gran influencia en su arte. Pero claro, no nos podemos fiar de Duchamp… Otros artistas como Max Ernst, de Chirico, Dalí o su paisano H. R. Giger si tienen rasgos tomados claramente del arte de Böcklin y citan al autor como una influencia capita

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Autorretrato con la muerte tocando el violín, 1872. Berlín, Alte Nationalgalerie

La isla de los muertos, su obra maestra. Tercera versión del cuadro, 1883.

El juego de las olas, 1883, Múnich, Neue Pinakothek.

Amrita Sher-Gil

La pintora Sher-gil, fue una de las pioneras del movimiento moderno en el arte indio. Sher-Gil, nació de un padre indio y una madre húngara. Ella tenía un talento precoz para la pintura que fue notado de manera temprana y se animó en su búsqueda por su tío, Ervin Baktay, un Indologista y pintor. Durante su infancia vivió en diferentes momentos tanto en la India como en Europa. A los 16 años entró a la Escuela de Bellas Artes de París, donde ella fue influenciada por el trabajo de Paul Cézanne, Amedeo Modigliani y Paul Gauguin. En 1934 abandonó París, donde Sher-Gil había comenzado a tener cierto éxito como artista y regresó a la India, inspirada en la idea de que su futuro como pintora estaba en su país. ¿Cómo se desarrolló la vida y obra de

Amrita Sher-Gil?

En la India, el primer esfuerzo de Sher-Gil fue encontrar un modo de delimitación apropiada a sus temas hindús. Por lo que, fue influenciada en particular por las pinturas murales de las cuevas de Ajanta en la India occidental, ella trató de fusionar su estética con las técnicas de pintura al óleo europeo que había aprendido en París. Su

estilo estaba en marcado contraste con el de sus contemporáneos entre ellos, Abanindranath Tagore, que perteneció a la escuela de Bengala, y representó el primer movimiento moderno del arte indio.

En 1937 Sher-Gil emprende una gira por sur de la India, un viaje que forma y moldea su futuro trabajo. Sus obras de ese período, (trilogía de la India del Sur) (Brahmacharis), son diferentes de la modalidad de acuarela realista de la pintura india prevalente en el momento. Igualmente, estas pinturas representan su experimentación con la forma y fueron su primer intento de asimilar el tremendo impacto que hizo en ella las pinturas de la cueva de Ajanta y de Ellora.

En 1938 Sher-Gil regresó a Hungría, donde se casó con su primo Víctor Egan. Por lo que, siempre estuvo dispuesta a experimentar, buscando inspiración en miniaturas de Mughal del siglo XVII, para aplicar su sentido de la composición y el color en el sistema formal que ella había desarrollado de las pinturas de Ajanta.

En 1941 Sher-Gil y su esposo se mudaron a Lahore, donde ella murió repentinamente a la edad de 28 años. Sus últimas obras inconclusas revelan un movimiento hacia la abstracción e incorporan colores incluso más ricos que los que se ven en sus obras anteriores.

¿Cuál fue la importancia de la breve vi-

da y obra de Amrita Sher-Gil?

Amrita Sher-Gil se refiere a menudo como la Frida Kahlo de la India por la mezcla de la estética y las formas de arte tradicionales y occidentales. Este hecho hizo de Sher-Gil famosa entre los pintores de la India, las obras de Amrita Sher-Gil han sido declaradas tesoros nacionales del arte por el gobierno de la India. La mayoría de sus pinturas adornan la Galería Nacional de arte moderno de Nueva Delhi. Aunque sus pinturas estuvieron sin venderse mientras estaba viva, sus obras fueron luego de su muerte, muy apreciadas, llegando a ser una de las pintoras de la India, más cotizada de todos los tiempos.

Amrita Sher-Gil, incorporó los asuntos relacionados con la soberanía y la autodeterminación en su obra, que debían leerse en el contexto colonial. No sólo estaba ella tratando de localizar una identidad para sus súbditos locales a través de su arte sino también para sí misma, ya que tenía que luchar con dos diferentes valores culturales y de tradición artística. Igualmente, Sher-Gil tomó el recurso del neorrealismo, que surgió como respuesta a la modernidad con un enfoque formalista. Por lo que, combinó los estilos locales con el realismo, aunque con un sabor romántico.

¿Cuáles son las obras más relevantes de Amrita Sher-Gil?

A continuación, se presentan algunas de las más relevantes obras de esta notable pintora India.

-Tres muchachas (1935)

En esta pintura las tres mujeres están vistiendo trajes de brillantes colores sentadas como a la espera de algo. Hay una melancolía en sus ojos abatidos y las sombras a su alrededor.

Esta obra de Sher-Gil muestra su imagen sonriente, y fue realizado en óleo sobre lienzo, con una dimensión de 72 x 92,5 cm.

Gitanilla Húngara (1932)

Esta pintura de sí misma, fue realizada por SherGil, durante unas vacaciones de verano en el pueblo húngaro de Zebegery. Se encuentra en la Galería Nacional de Arte Moderno (GNAM), de Nueva Delhi y fue pintado en óleo sobre lienzo, con una dimensión de 82 X 54 cm.

El baño de la Novia (Bride’s Toilet) (1937)

Esta pintura fue realizada en óleo sobre lienzo, con una dimensión de 146 x 88.8 cm, y se encuentra actualmente en la Galería Nacional de Arte Moderno de la India.

https://tiposdearte.com/biografias/biografia-de-amrita-sher-gil-1913-1941-pintora-hungaro-india/

El origen de este segundo grupo expresionista se dio con la creación de un almanaque que llevaría el nombre de Der Blaue Reiter (El jinete azul), nombre con el que más tarde se identificaría a este grupo de pintores. Éste se había constituido en Múnich en torno a Wassili Kandinsky a finales del año 1910 y sus componentes fueron, aparte del mencionado artista, Franz Marc y August Macke […] Kandinsky siempre estuvo a favor de la idea del arte total que implicaba no rechazar ningún tipo de manifestación, por muy extraña que ésta pudiera parecer. Así, el arte popular, el arte infantil o bien las obras procedentes de Extremo Oriente, de Oceanía o de África sirvieron para ilustrar las páginas del extraordinario Almanaque […] El anuario tuvo gran éxito, pero sus posibilidades de continuación se vieron limitadas por la guerra. Por ese motivo sólo se publicó un número de este. Poco después de fundarse el grupo se relacionaron con el mismo los pintores Paul Klee (suizo) y Alexei von Jawlenski, procedente, como Kandinsky, de Rusia (Cirlot, 1988: 19-30).

Aunque algunos temas tratados por los artistas de Der Blaue Reiter son similares a los del grupo de Die Brücke, la plástica de las obras es bastante diferente. En las pinturas de Der Blaue Reiter aparecen con mayor frecuencia líneas curvas, mientras que las líneas que prevalecen en las obras de El puente son las quebradas, como las usadas por Kirchner y sus colegas. Por otro lado, los colores tienden a ser más suaves y luminosos en lugar de ser oscuros; hasta cierto punto “puede decirse que, en general, la obra de los artistas de Múnich es más lírica” (Fundación J. March, 1993).

Es interesante cómo la diversidad de este grupo se contrapone a la homogeneidad de Die Brücke; sin embargo, sus repercusiones fueron otras, ya que la mayoría de los integrantes evolucionaron su obra hacia ámbitos muy diferentes al expresionismo, pues “aunque en sentido estricto no era un movimiento con programa definido, el grupo se orientó más hacia el misticismo y la espiritualidad que la otra gran organización expresionista, Die Brücke. Entre los artistas clave figuraban Marc y Macke, a quienes se unieron Klee y Delaunay en 1912” (AA. VV., 1999: 509).

Al tratarse de un grupo cuyos miembros trabajaban de manera individual e independiente su visión plástica, es bastante más complicado encontrar características formales comunes que permitan identificar las obras como expresionistas en sí mismas, lo que hace que los teóricos del arte, a veces, difieran en la integración de dicho grupo, por lo que en este texto se dará sólo un acercamiento a algunos de ellos.

https:// www.correodelmaestro.com/publico/html5102016/capitulo5/ expresionismo_el_jinete_azul.html

Para hablar del nacimiento de la ópera bufa (opera buffa) tenemos que volver al país donde empezó todo: a Italia, y más concretamente a la ciudad de Nápoles.

En el S XVII, Nápoles estaba gobernada por los virreyes españoles que fueron los introductores de la ópera en sus dominios. Ya comentamos que, si bien en la corte de Felipe IV en España no se podía ver ópera, por el elevado coste que suponía, los virreyes en Nápoles sí que podían.

La ópera a Nápoles llegó desde Venecia, de la mano del virrey español Oñate, que acogió en su corte a la compañía I Febi Armonici, en los años 1651 o 1652. Así se empezó a crear una escuela napolitana de ópera, con nombres como Francesco Armonici y Francesco Provenzale, pero quien realmente alcanzó un gran relieve fue Alessandro Scarlatti (1660-1725), quien, tras triunfar en Roma, se traslada a Nápoles en el año 1683, siendo nombrado maestro de capilla en el virreinato, hecho que contrarió mucho a Provenzale, que también aspiraba al cargo.

empresarios napolitanos que vieron que al pueblo llano le gustaba la ópera, pero no le interesaban demasiado ni la mitología ni la antigua historia griega o romana, y el pueblo llano era un amplio sector de público que también merecía tener óperas que fueran de su interés.

En el año 1732, encontramos la obra Lo frate ‘nnamurato de Giovanni Battista Pergolesi, que, aunque también escribió óperas de carácter serio, pasó a la historia de la ópera por ser el autor de un intermezzo cómico: La serva padrona (1733), que se representaba en dos partes en los descansos (intermezzi) de su ópera seria Il prigionero superbo.

Hoy en día cuando se va a ver una ópera, en los descansos el público abandona las salas para ir a tomar un refresco, el aire o a charlar con amigos, pero antes no era así. Los cantantes debían descansar, pero el público no estaba cansado y para comer, charlar o pasear no necesitaba salir de la sala, puesto que todo esto lo podía hacer allí mismo ya que no estaba mal visto. Precisamente era en estos descansos, cuando se relajaba la tensión dramática de la ópera seria con sus dioses y héroes, era cuando se podían ver situaciones cómicas con el pueblo llano como protagonista, con los intermezzi.

En los inicios el idioma empleado era el napolitano, que era el que hablaban los espectadores y entendían perfectamente. En los intermezzi los cantantes no eran castrati, ni sopranos de primer nivel, ni tan siquiera tenores. En los intermezzi bufos aparecían los bajos y barítonos que apenas tenían cabida en las óperas serias; sopranos y tenores de menos nivel también eran los que actuaban en estas piezas. Un acercamiento a la realidad era también que cada personaje tenía la voz que correspondía a su personaje y a su sexo. Las normas también eran mucho más relajadas, y se interpretaban dúos y trios, algo que no se veía, o muy raramente, en otro tipo de óperas. En cuanto a las temáticas que se trataban temas críticos con las modas o costumbres locales del momento, se ridiculizaban diversos tipos de personajes públicos, etc. Poco a poco, el público se mostraba más proclive a presenciar una ópera completa de carácter bufo. Y así fue como nacieron las óperas bufas. Como reminiscencia de lo que fueron los intermezzi que se representaban en dos actos, las óperas bufas también tenían solamente dos actos, las arias eran más cortas y los temas argumentales por supuesto eran mucho más ligeros. Algunos compositores relevantes en este género de la ópera bufa en Nápoles fueron Adolf Hasse, Leonardo Vinci, Leonardo Leo, Gaetano Latilla, Francesco Corradini, Antonio Caldara y Niccolò Porpora.

https://laopera.net/ historia-de-la-opera/opera -bufa

(Andria, Nápoles, Italia, 1705 - Bolonia, id., 1782) Cantante castrato italiano. Perteneciente a una familia aristocrática, su padre Salvatore fue el responsable de su primera educación musical. Como tantos otros niños italianos aspirantes a cantantes, fue castrado en su niñez, y mantuvo la voz de soprano durante toda su vida (no era tenor, en contra de lo que generalmente se cree). Con el tiempo pasó a ser el protegido de una rica familia napolitana, de la cual adoptó el apellido Farinelli. Su primera actuación ante el gran público tuvo lugar en Nápoles, donde obtuvo un gran éxito con Angelica e Medoro. Su consagración se produjo tres años después al interpretar en Roma el papel principal de Adelaida, y en los años siguientes visitó los teatros más prestigiosos de Europa. Cantó en Viena, Milán, Venecia, Munich, Londres, París y Versalles, entre otros escenarios. Durante su estancia de tres años en Londres la entonación de su voz alcanzó el máximo nivel de pureza, y se retiró de los escenarios para instalarse de modo permanente en la corte de Felipe V. Llegó a la corte española en 1737, en los últimos años del reinado de Felipe V, y ejerció gran influencia sobre Fernando VI y su esposa, Bárbara de Braganza, uno y

otros grandes aficionados a la música. Según testimonios de sus contemporáneos, nunca usó de su influencia para intervenir en política, y se dedicó casi exclusivamente a organizar las funciones con que se deleitaba la corte, convirtiéndose en el máximo impulsor de la ópera. Fernando VI le concedió la Orden de Calatrava en 1750.

Al fallecimiento del monarca en 1759, fue desterrado de España por Carlos III; se retiró entonces a Bolonia, que se convirtió en el centro musical y teatral de Italia. Gluck y Mozart lo visitaron en esta ciudad, y el célebre franciscano padre Giovanni Battista Martini fue su consejero.

https:// www.biografiasyvidas.com/biografia/f/ farinelli.htm