Koreana Autumn 2014 (Spanish) by The Korea Foundation

Otoño 2014

Cultura y arte de Corea

Paseo por la candente escena Especial de los musicales de Corea

“¿Por qué vas a Seúl con tanta frecuencia?” ; El simbólico significado de los ídolos musicales y musical-maniáticos ; Hong Kwang-ho conquista el West End londinense con su voz rompedora ; Apasionadas incursiones de los musicales coreanos sobre el escenario global ; DIMF, Convertir Daegu en sinónimo de Musicales

Paseo por la candente escena de los musicales de Corea

ISSN 1225-4606

tomo. 23, Nº- 3

Cultura y arte de Corea 1

Imagen de Corea

<Relación inteligente-asíncrona # 01>, 53 x 80 cm, 2012

Cabezas inclinadas sobre los smartphones Kim Hwa-young Crítico literario y miembro de la Academia Nacional de Artes de Corea Kim Jung-hyo Fotógrafo

“Los cielos se elevan, los caballos engordan y las personas se hacen amigas de los faroles” Cuando llega el otoño, los coreanos a menudo reflexionan sobre estas palabras escritas hace mucho tiempo por un poeta de antaño. El mensaje del poema es que en otoño, el cielo de esta tierra es verdaderamente alto y claro, se ha recogido la cosecha -que era la esperanza del pueblo y de la alegría, incluso en los meses de escasez- y las noches se hacen gradualmente más cortas, por lo que las personas iluminaban la noche con sus faroles, para leer libros y perderse entre pensamientos hasta la madrugada, pues el frescor permite una buena concentración. De esta manera, los coreanos aprendieron que el otoño es una temporada buena para la lectura, tras repetir mucho tan usadas palabras. Pero estas son ahora palabras antiguas. Los coreanos ya no pasan hambre. Hoy en día más que el hambre preocupa el pasarse de peso, debido a los excesos de la alimentación, y el número de personas que debería estar a dieta crece día a día. Los coreanos ahora tampoco pasan hambre intelectual. Los libros son baratos, las bibliotecas son abundantes e Internet rebo-

sa de información. Y sin embargo, ahora que el otoño regresa, no hay muchos coreanos que piensan que es un buen momento para la lectura. En un lapso de sólo cuatro años, en 2010, desde que el teléfono inteligente se convirtió en algo fácilmente disponible en Corea, el número de usuarios de este dispositivo ha superado los 36 millones; mientras que la cifra de smartphones LTE de cuarta generación asciende a 33.260.000 usuarios. Bajo los cielos altos, impregnados del azul de otoño, todos los que saben leer en esta tierra -una tierra que cuenta con la mejor infraestructura de TI del mundo- tienen en sus manos un teléfono inteligente en vez de un libro. En lugar de mirar hacia el alto firmamento azul por encima de ellos, inclinan la cabeza y se encierran frente a sus smartphones. En lugar de extender sus alas y volar hacia el amplio mundo de la contemplación, están inmersos en el exceso de información que aparece ante sus ojos con el simple movimiento de un dedo. El cielo azul del otoño, cuando nadie tiene hambre, se eleva alto y desolado por encima de las inclinadas cabezas de los usuarios de smartphones. (Traducido por Javier Castañeda)

Cultura y arte de Corea 1

Carta del Editor

Musicales de Corea: Detrás del ‘boom’ “La industria de los musicales de Corea corre el riesgo de secarse”, afirma un diario de Seúl en un reciente reportaje en profundidad, sobre la floreciente escena de los musicales de la nación. Esta afirmación venía respaldada por un caso concreto: “Rebecca”, uno de los más grandes éxitos de entre los cerca de 200 espectáculos musicales que hubo en escena el año pasado, generó 7.000 millones de wones en ingresos, en comparación a los 4,9 millones de wones que costó su producción, pero la productora sólo ganó unos 100 millones de wones. Entonces… ¿Cuál sería la situación de las producciones de menor éxito? ¿O incluso de los fracasos? Un reportero del equipo de especiales afirma que el sector necesita un autodiagnóstico objetivo, para encontrar soluciones a largo plazo. Sin duda, si sólo cinco de cada cien productores ganaron algo de dinero el año pasado, como afirman los expertos de la industria, la situación es preocupante. Sin embargo, el teatro musical, por naturaleza, es conocido por ser un negocio de éxito y perder. Incluso en Broadway, todo productor sabe sólo el 25% de los espectáculos que suben a escena, generan a su vez un beneficio. Aún así, los espectáculos continúan cautivando a espectadores de todo el mundo y cosechando inspiradores artistas en muchos países. Los musicales son un verdadero semillero de jóvenes que aspiran a construirse una carrera en uno de los géneros más populares de las artes escénicas de nuestra era. En Corea sólo han transcurrido algunas décadas desde que el teatro musical comenzara a ser visto como una profesión viable para una generación de jóvenes artistas. Trabajaron duro y, contra todo pronóstico, exploraron nuevas posibilidades. Poco a poco, los fans respondieron con la compra de entradas; y tan sólo hace unos pocos años desde que los mercados y los inversores musicales de Corea, comenzaron a despertar el interés de los productores de Broadway como socios, para realizar proyectos conjuntos. El mercado musical de Corea es todavía inmaduro y presenta una serie de enormes desafíos que superar. Ahora puede estar sufriendo los dolores del crecimiento, pero a su debido tiempo las burbujas estallarán y se desvanecerán. Como crítico musical, Won Jong-won señala que estamos sólo ante el comienzo de la industria de los musicales coreanos. Por ello queremos invitar a nuestros lectores a asomarse a una escena inusualmente dinámica y en plena ebullición de vitalidad, entusiasmo, alegría y desesperación. Javier Castañeda y Kim Un Kyung Editores

Director

Yu Hyun-seok

Editor Ejecutivo Yoon Keum-jin Editores Jefes

Javier Castañeda

Kim Un Kyung

Consejo Editorial Bae Bien-u

Choi Young-in

Emmanuel Pastreich

Han Kyung-koo

Kim Hwa-young

Kim Young-na

Koh Mi-seok

Song Hye-jin

Song Young-man

Werner Sasse

Composición y Diseño Ahn Graphics Ltd. 2 Pyeongchang 44-gil, Jongno-gu, Seúl, 110-848, República de Corea Tel: 82-2-763-2303 / Fax: 82-2-743-8065 Traductores Kim Un Kyung, Javier Castañeda, Raimon Blancafort, Atahualpa Amerise, Joo Hasun Precio por número en Corea 6,000w Resto del mundo US$9 Por favor, lea la página 80 de Koreana para conocer el precio en detalle de las suscripciones Suscripción/Correspondencia Fundación Corea  19F, West Tower, Mirae Asset Center1 Building 67 Suha-dong, Jung-gu, Seúl 100-210, República de Corea Tel: 82-2-2151-6546 Fax: 82-2-2151-6592  Impresa en Otoño 2014 Joongang Moonwha Printing Co. 27 Shinchon 1-ro, Paju-si, Gyeonggi-do 413-170, Corea Tel: 82-31-906-9996 © Fundación Corea 2014

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Koreana o de la Fundación Corea. Koreana, registrada como revista trimestral en  el Ministerio de Información (número de  registro Ba-1003, con fecha del 8 de agosto de  1987), también se publica en alemán, árabe,  chino, francés, indonesio, inglés, japonés y ruso.

“Lección de tango” (2007) Kim Byung-jong Tinta y acrílico sobre papel de morera 275 x 265mm

REPORTAJE ESPECIAL

Paseo por la candente escena de los musicales de Corea

REPORTAJE ESPECIAL 1

04 “¿Por qué vas a Seúl con tanta frecuencia?”

Aya Hasegawa

REPORTAJE ESPECIAL 2

06 El simbólico significado de los ídolos musicales y musical-maniáticos 04

Won Jong-won

REPORTAJE ESPECIAL 3

10 Hong Kwang-ho conquista el West End londinense con su voz rompedora

Cho Yong-shin

REPORTAJE ESPECIAL 4

14 Apasionadas incursiones de los musicales coreanos sobre el escenario global

Foco

4 Un paraíso del jazz creado sobre 2 una isla estéril

Kim Gwang-hyun

REPORTAJE ESPECIAL 5

20 DIMF, convertir Daegu en sinónimo de Musicales

Won Jong-won

EN EL CAMINO

tonalidades del “jarrón luna” Doh Jae-kee

LIBROS Y MÁS

50 “Baekdu Daegan Corea, montañas de Corea del Norte y del Sur” Mucho más que bellos paisajes

ENAMORADO DE COREA

36 Dana Ramon Kapelian abre los

corazones de las mujeres coreanas

Ben Jackson

DELICIAS DEL GOURMET

54 C on gejang: un cuenco de arroz nunca es suficiente

Jeong Eun-suk

ESTILOS DE VIDA

58 Anuncios omnipresentes: venta

ambulante de sueños, inquietudes compartidas

Kim Sang-kyu

“Cien dedales en una caja - El espíritu y la belleza de la artesanía de Corea”

VIAJE A LA LITERATURA COREANA

Chang Du-yeong

Crónica de una búsqueda de tradiciones vivas

Lectura Peligrosa

Charles La Shure

Kim Gyeong-uk

“Bari, Abandonado”

Charles La Shure

OPINION DESDE LALEJANÍA

¡Corea, mon amour!

Carlos Bonet

Una mirada a la sociedad coreana de hoy a

Gwak Jae-gu

GUARDIÁN DEL PATRIMONIO

30 El ceramista que busca las sutiles

Park Byung-sung

42 Gochang, historias de vidas placenteras que florecen entre dólmenes

través del pansori

Song Hyun-min

ENTRETENIMIENTO

52 ‘Han Gong-ju’, entre la

desesperación y el consuelo

Kim Young-jin

62 La lectura le hará sentirse libre

Reportaje Especial 1 Paseo por la candente escena de los musicales de Corea

“¿Por qué vas a Seúl con Aya Hasegawa

periodista teatral free-lance

Viajo a Seúl unas cuatro o cinco veces al año. El propósito de mis visitas es ver musicales coreanos. Suelo salir de Tokio el viernes y volver el lunes; y en estos viajes de cuatro días veo una media de cinco musicales. Pensé en reducir la frecuencia de mis viajes a Seúl desde que aumentó el valor del won coreano; pero cada vez que tengo noticia de un nuevo espectáculo que me genera interés, he de tomar el avión. Supongo que es un dilema fácil.

i amor por los musicales se remonta a mis días de instituto. Disfruto una media de 10 musicales al mes en Japón, y viajo una vez al año ya sea a Broadway, en Nueva York, o al West End londinense, el corazón de la industria del teatro musical. Actualmente trabajo como periodista free-lancer escribiendo artículos sobre teatro para una revista de teatro japonés. Tan sólo han pasado unos cuantos años desde que desarrollé un profundo interés por los musicales coreanos: había oído hablar mucho de cómo eran de excepcionales los musicales de Corea, pero en un principio no les daba mucha importancia. Pensaba en ellos igual que en los musicales de otros países asiáticos, y realmente no hallaba la gracia a ver un musical en un idioma que no entendía.

Los actores son la energía que impulsa los musicales en Corea Mi percepción cambió después de ver un musical de Corea por primera vez en Tokio en marzo de 2006. El musical era “Jekyll y Hyde”. Había decidido verlo por curiosidad, para constatar el nivel y la calidad de los musicales coreanos, pero nunca imaginé que quedaría tan impresionada. Los actores Jo Seung-woo y Ryu Jung-han, que conformaban el doble elenco para el papel principal, eran mucho más jóvenes de lo que esperaba. En el “Jekyll y Hyde” japonés, el papel principal estaba interpretado por un actor que rondaba los 60 años. Era un gran actor con una carrera ilustre, pero sus dotes vocales habían comenzado a desvanecerse.

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Al ver a los actores coreanos en el escenario, que no sólo tenían increíbles habilidades vocales, sino que interpretaban brillantemente sus papeles, me di cuenta de cómo un mismo musical podía ser percibido como totalmente diferente, dependiendo del talento de los actores. El primer musical que vi en Corea fue “Spring Awakening”. Corría 2009 cuando visitaba Seúl con un amigo. Ya lo había visto en Broadway y en Japón, pero quería ver cómo los actores de Corea representaban la obra en el escenario. Me encantó. Me sentí abrumada por la energía de los dos jóvenes actores, Kim Moo-Yeol y Kim Yoo-young. Entonces fue cuando comencé mis excursiones musicales regulares a Corea. Un amigo me pregunta con mirada de asombro: “¿Por qué vas a Seúl a ver musicales con tanta frecuencia?” Y agrega: “¿Acaso son tan geniales?” Entonces respondo: “Para mí es la mejor forma de entretenimiento y me permite disfrutar tanto de los musicales y los dramas de Corea, como del K-pop en directo. ¿Acaso todo eso no te parece genial? “ El mayor atractivo de los musicales coreanos para mí es ver cantar a los actores. Creo que la mayoría de los fans japoneses de los musicales coreanos estarían de acuerdo conmigo. Hay intérpretes con voces increíbles no sólo en los papeles principales, sino en todo el elenco, de modo que incluso el coro tiene una gran profundidad vocal. Los coreanos dan eso por sentado -después de todo, es un musical, ¿qué esperabas?-, pero lamentablemente ese

tanta frecuencia?”

Aya Hasegaya se enamoró de los musicales coreanos después de ver “Jekyll&Hyde” en Tokio en 2006, donde quedó fascinada por la voz de Jo Seung-woo en el papel principal.

no es el caso de Japón. Aunque no todas son así, las producciones musicales en Japón tienden a elegir grandes nombres de televisión para impulsar la venta de entradas. En algunos casos, la forma de cantar de los actores es tan relativa, que incluso unos aficionados sonarían mejor, pero pese a todo les ofrecen el papel principal. A veces esto resulta inevitable, ya que los actores con talento que no tienen el tirón de las estrellas, no venden entradas. Aunque no siempre me importa tener que aguantar un desempeño mediocre cuando no pago mucho dinero por el espectáculo, y Corea ha sido testigo de una tendencia similar en los últimos años; al menos cuando protagonizan musicales, los ídolos coreanos del K-pop poseen un cierto nivel de talento.

Voces fascinantes y una pasión que quema También admiro la pasión de los actores coreanos. Podría ser atribuido a una diferencia en los rasgos nacionales, pero he visto actores coreanos que lloran y abren su corazón en escenas donde actores japoneses jamás habrían derramado una lágrima. No es una cuestión de quién es mejor: lo interesante es esta diferencia en su modo de interpretar. En ese sentido, creo que una buena opción para los actores de musicales coreanos son las obras del compositor estadounidense Frank Wildhorn, como “Jekyll y Hyde”, “Montecristo” y “Bonnie and Clyde”. Ofrecen imágenes espectaculares y números musicales, dramas explosivos llenos de notas

altas y tonos largos, que se adaptan muy bien a las voces de los actores coreanos y llaman a la Corea del temperamento. Pero durante mis viajes regulares a Corea, también me enamoré de otras producciones coreanas originales. Me pasó al ver el musical “Washing” en Daehangno, un distrito teatral de Seúl. Quedé bastante impresionada: No podía creer que un musical de tan alto nivel fuera llevado a escena en un pequeño teatro. Representaba la vida cotidiana de las personas que viven en los barrios de chabolas en las laderas de Seúl; y sus canciones suaves y quejumbrosas envolvían cálidamente el teatro. También me sorprendió enterarme que la música y los guiones de las producciones originales coreanas, fueran escritas en su mayor parte por jóvenes autores en sus treinta. Más recientemente vi el musical “Seopyonje” y me conmovió profundamente. A través de una mezcla ecléctica entre este género musical y el pansori (música tradicional folclórica narrativa coreana), retrata el han del pueblo coreano. El Han es un sentimiento único en la cultura coreana y representa sentimientos reprimidos y sin resolver, de resentimiento o tristeza. Como extranjera, me era difícil comprender plenamente el concepto de han, y debido a mí limitado conocimiento del idioma coreano: no podía entender bien las palabras o letras. Pero a pesar de las barreras culturales e idiomáticas, pude comprender la historia del karma humano que este musical trataba de ofrecer. Incluso ahora, sólo pensar en ello agita mi corazón. (Traducido por Javier Castañeda).

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Reportaje Especial 2 Paseo por la candente escena de los musicales de Corea

El simbólico significado de los ídolos musicales y musical-maniáticos Won Jong-won

Profesor del Departamento de Comunicaciones y Periodismo de la Universidad Soonchunhyang y crítico de teatro

En Seúl, se estrenan al año casi 200 musicales, al margen de musicales infantiles u obras de teatro para niños. Cuantitativamente hablando, es un mega mercado, que sería el tercero más grande del mundo después de los de Nueva York y Londres. El diario estadounidense The New York Times publicó hace poco un reportaje especial sobre la industria de los musicales en Corea del Sur. Según parece, para quien lo escribió fue toda una sorpresa que dicho género, considerado hasta ahora un producto cultural propio del mundo anglosajón, fuera tan popular entre los asiáticos. Y lo natural es que en un mercado tan activo surjan ciertas tendencias o modas. En el caso de la industria de los musicales de Corea, una de esas tendencias es el llamado “márketing de estrellas”, que consiste en incluir celebridades en el elenco de las producciones.

ctualmente es común encontrar nombres de famosos y celebridades en el reparto de una producción de teatro musical. Sobre todo, los más cotizados son los ídolos del K-pop, que gozan de una gran popularidad a nivel internacional gracias a la propagación del Hallyu, la ola cultural coreana. En los teatros donde se representan obras protagonizadas por ellos, no solo se escuchan exclamaciones en coreano, sino también en japonés o en chino. Incluso se dan situaciones bastante interesantes, debido a la presencia de tan apasionados fans. Un ejemplo es lo que ocurrió durante un musical en el que aparecía una estrella del hallyu. Una pareja mayor estaba sentada en la butaca del primer piso y durante el entreacto, recibió el cordial saludo de varios espectadores que parecían haber venido desde Japón. Entonces, al notar mi desconcierto, el encargado de relaciones públicas de la productora de la obra me explicó: “Son los padres del ídolo juvenil que actúa hoy en el escenario”. Realmente me asombró la pasión de esos fans, que hasta reconocieron a los padres de su estrella favorita y se acercaron a saludarles.

“Ídolos musicales”, estrella emergente de la industria de musicales de Corea Ultimamente hay casos en los que el elenco de un musical incluye a varias celebridades que interpretan un mismo papel sobre el escenario; y esto ha permitido que un mayor número de estrellas se anime a adentrarse en este género, superando el miedo de participar en un tipo de producciones con las que no están familiarizadas y la presión que podrían sentir si fueran los únicos protagonistas. Sin embargo, es innegable que la estrategia de contratar a varias celebridades para un mismo rol persigue -en

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muchos casos- fines estrictamente comerciales; dado que esas celebridades no tienen tiempo suficiente como para aparecer en todas las funciones, por su apretada agenda de actividades. Y el hecho de compartir su papel con otros les alivia la carga. En este contexto, el eslogan “Encuéntrate con tu estrella favorita” es una atractiva frase publicitaria, que oculta la estrategia comercial. Las estrellas más cotizadas como protagonistas de musicales son los cantantes. Hasta ahora, son muchos los cantantes que participaron en producciones de teatro musical y éstos son referidos como “ídolos musicales” (o “musical-dols” en inglés). Entre sus exponentes más famosos están Seung-ri del grupo Big Bang, que actuó en el musical <Sonagi>, que fue un éxito en Corea y se estrenó incluso en Okinawa, Japón, y Dae-sung, integrante del mismo grupo que interpretó satisfactoriamente el papel de Rum Tum Tugger en <Cats>. También son dignos de mención el miembro del grupo 2AM, Jo Kwon, quien debutó como actor de musicales en <Jesucristo Superstar> y ahora es aclamado como Adam en <Priscilla, reina del desierto>. También cabe destacar a U-Know Yunho de TVXQ, incluído en el reparto de los musicales <Princess Hours> y <Gwanghwamun Sonata>, que cosecharon un enorme éxito durante su gira de presentaciones por Japón. En este contexto, SM Entertainment, cuna de algunos de los grupos de K-pop más populares del momento como Sonyeosidae (Girls’ Generation), f(x) y Super Junior, se ha lanzando de lleno a la industria de musicales. Con una nueva filial -de nombre SM C&C-, esta empresa apuesta en estos momentos por la realización de musicales con sus artistas. Y la primera obra que estrenó fue <Singing in the rain>, con la actuación de Kyu-hyun de Super Junior, Baek-hyun de EXO y Sunny de Sonyeosidae (Girls’ Genera-

Kim Jun-su, cantante de JYJ, recientemente hizo alarde de su talento en el papel principal en “Drácula”. Es uno de los mejores ejemplos del “Musicaldol”, aclamado por su hermosa voz y su diabólico atractivo en el escenario.

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Se denominan “musical-maniáticos” a los fans más asiduos de los musicales, que apoyan una determinada obra o a una estrella en particular, y ven la misma producción una y otra vez. Similar significado tiene el neologismo “espectador de puerta giratoria”, que solo existe en el mercado de los musicales de Corea. Es más, existen programas de descuento especial exclusivamente para esa clase de público.

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1. El público en “Werther” convierte el teatro en un mar de amarillo. Dotados de pañuelos amarillos, representan al girasol, que es un símbolo importante del musical. Agitan los pañuelos para saludar a los actores al final de la obra. 2. Los fans de los actores de “¡Mamma Mia!” abarrotan el teatro en un intento por ver a las estrellas de cerca durante una sesión de autógrafos. 3. El ex integrante de Fin.KL Ok Joo-hyeon actúa en “Chicago”. Es el caso de una importante estrella del pop que renace como exitosa estrella de musical, y cuenta con diversos créditos en su haber como “Wicked”, “Elisabeth” y “Cats”.

tion), cuyas entradas se agotaron en cuestión de días.

Cantantes convertidos en actores de musicales También existen casos de ex integrantes de grupos juveniles que hoy se han convertido en exitosos actores de musical. Los ejemplos más representativos de ello son Ok Joo-hyeon y Bada, que en el pasado integraron respectivamente los conjuntos femeninos de K-pop Fin.K.L y S.E.S. Con su explosiva voz, Ok joo-hyeon ha representado papeles tan importantes como Grizabella en <Cats>, de trágica reina de la Casa de Habsburgo en <Elizabeth>, de Roxie Hart en <Chicago> y de bruja en <Wicked>. Mientras tanto, Bada ha sido ovacionada por el público por su actuación como la gitana Esmeralda de <El jorobado de Notre Dame> y como protagonista de los musicales <Carmen> y <200 libras de belleza>. Otro caso destacable es el de Kim Jun-su, del trío de K-pop JYJ. Este cantante tuvo conflictos con su ex agencia de representación y para superar tal percance probó los musicales. El resultado fue un éxito y su carrera como artista adquirió aún más fuerza. Ahora, las entradas a las producciones en las que aparece se agotan en cuestión de horas, siendo algunas de las más conocidas <Mozart>, <Tears of Heaven>, <Elizabeth> y <December>, este último un musical compuesto por las canciones del fallecido cantautor surcoreano Kim Kwang-seok. “Musical-maniáticos” o “espectadores de puerta giratoria” La popularidad de los “ídolos musicales” es entendida por algunos como el producto de la combinación entre la peculiar cultura de los admiradores de las estrellas en Corea y la industria de artes escénicas. Los que apoyan este enfoque, destacan que la manera de algunas personas de apoyar casi incondicionalmente a sus ídolos en su nueva faceta como actores de musicales, coincide con el apoyo masivo de los fans a las estrellas de pop. Y para describir a esas personas, surgió el neologismo “musical pyein” o “musical-maniáticos”. El término se refiere a los fans más asiduos de los musicales, que apoyan una determinada obra o a una estrella en particular, y ven la misma producción una y otra vez. En realidad, la palabra coreana pyein tiene una connotación negativa, dado que literalmente quiere decir “persona inservible”. Sin embargo, en este caso, debe ser aceptada como una antífrasis, ya que significa que una persona está tan apasionada por una obra o una estrella, hasta tal punto que no puede hacer otra cosa que pensar en ella. Similar significado tiene el neologismo “espectador de puerta giratoria”, que solo existe en el mercado de musicales de Corea. Es más, hay hasta programas de descuentos especiales exclusivamente para esa clase de público. Luces y sombras del “márketing de estrellas” En todo caso, no hay ninguna garantía de que los musicales que

incluyen celebridades en su elenco sean obras de calidad. Al contrario, a veces esas estrellas defraudan al público con su pobre capacidad interpretativa. Si los productores recurren al “márketing de estrellas” solo para atraer público, su estrategia será una fórmula incompleta para la promoción del musical. Lo importante no es el simple hecho de que el elenco de una obra incluya a ídolos juveniles o celebridades, sino reflexionar sobre cómo podrían estas estrellas contribuir al éxito de la producción. Si su participación se decide únicamente pensando en lo comercial, las desventajas serán más grandes que las ventajas. Puede que las entradas se vendan, pero no será beneficioso ni para la calidad de la producción, ni para la carrera de la estrella en cuestión. Aún más el problema será grave si esa celebridad solo aparece en unas cuantas funciones a la semana, dado que de ser así, su presencia puede perjudicar más que beneficiar a la calidad de la obra. Cabe resaltar que, a diferencia de los contenidos en vídeo el teatro es un arte de representación, en el que el trabajo conjunto con el resto de los actores es crucial y el que un miembro del reparto aparezca irregularmente sobre el escenario, puede ser mortal para la calidad de la producción. Es por eso que todos esperan que si un cantante de K-pop decide participar en un musical, deje a un lado sus otras actividades por un periodo de tiempo, para concentrarse de lleno en el escenario. No obstante, y pese a todo, el futuro de la industria surcoreana de musicales es muy optimista. En primer lugar, porque los musicales pueden ser un nuevo producto del hallyu. Si bien la fórmula principal para generar nuevo valor añadido en la industria cultural contemporánea es el llamado “uso múltiple de una misma fuente (one source multiuse)”, el mercado de musicales tiene todas las posibilidades de lograr un crecimiento ilimitado. Un musical puede ser un recurso capaz de maximizar el valor añadido de telenovelas, películas y música coreanas que ya son muy populares a nivel internacional, gracias a la expansión del hallyu, tomándolas como base para, a partir de ellas, crear nuevas producciones originales. En este contexto, puede ser una ventaja el que Corea cuente con un potencial realmente alto de estrellas de musicales. Ahora, celebridades e ídolos juveniles están en el núcleo de la industria nacional de musicales. Sin embargo, existe la posibilidad de que otros artistas amplíen sus actividades al género del teatro musical, como los actores Oh Man-seok, Jo Jung-suk y Um Ki-joon, quienes en los últimos años no solo han consolidado su reputación como nuevas estrellas de musicales de Corea, sino que también han aumentado su protagonismo en medios masivos como la televisión y el cine. Si las empresas de entretenimiento y agencias de representación artística se interesan un poco más por la industria de musicales, esta tendencia se propagará rápidamente y promete un futuro muy interesante. (Traducido por Joo Hasun).

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Reportaje Especial 3 Paseo por la candente escena de los musicales de Corea

Hong Kwang-ho conquista el West End Cho Yong-shin

Director y crítico musical

Estoy aquí, en el Teatro Prince Edward del West End londinense. El intérprete coreano de musicales Hong Kwangho está dando lo mejor de sí en “Miss Saigon”. Interpreta el papel de Thuy, un alto oficial del gobierno comunista vietnamita, un rol que exige tener la capacidad de abarcar tres octavas con facilidad. Aclamado en su Corea natal por su “voz rompedora”, aquí Hong exhibe plenamente su talento. A pesar de que al principio le preocupaba un poco el reto de cantar en inglés, a base de trabajo duro y talento natural ha logrado superar este escollo. Esto le valió los elogios del legendario productor Cameron Mackintosh, quien se refirió a Hong como “el mejor Thuy de la historia”.

ste año se cumple el décimo aniversario de la versión coreana del musical “Jekyll y Hyde”. En su momento este espectáculo era casi desconocido en Corea y no había cosechado gran éxito en Broadway. Sin embargo, gracias a Jo Seungwoo y Ryu Jung-han, que conformaban el doble elenco del papel principal, el musical logró atraer la atención de la gente. Jo ya era conocido entre el público extranjero por su papel en la película “Marathon”. Cuando él actuaba, los fans locales y foráneos se aglomeraban en largas colas frente al teatro, en lo que era una visión muy común por aquellos días. A partir de esta producción, el éxito o fracaso de un musical de Corea ha venido en gran medida determinado por el casting del protagonista masculino.

Ardientes fans locales y extranjeros Los musicales no solo reúnen a los mejores actores del género en los papeles principales, sino también a estrellas del pop coreano o K-pop y la televisión; e incluso llevan las representaciones al extranjero mediante giras internacionales, lo que hace aún más fuerte su dependencia del tirón de las celebridades. Sin embargo, se han planteado dudas sobre algunas de las estrellas del pop que carecían de las cualidades necesarias para actuar y cantar, factores que sin duda contribuyen a rebajar la calidad global de cualquier producción. Naturalmente, a la hora de realizar un casting, las primeras opciones siguen siendo las mejores estrellas de los musicales, tanto cantantes como actores, así como aquellos que gozan de reconocimiento en el extranjero. Los actores coreanos de musicales son reconocidos especialmente por su técnica y pasión sobre el escenario, así como por su diligencia y expresividad. Estas cualidades pueden tener sus raíces en la situación de la escena musical de Corea. Un gran número de musicales de diversos tipos, ya sean comedias estadounidenses,

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operetas británicas o dramas históricos de Europa, transcurren de forma simultánea en el tiempo. Como la mayoría de los espectáculos tienen un relativamente corto periodo de vida, los actores deben aprender un elevado número de obras en poco tiempo (en algunas ocasiones incluso se llegan a superponer el periodo de ensayos y de las representaciones). Esto ha obligado a los intérpretes coreanos a adaptarse y responder con rapidez. De este modo, el colectivo se ha beneficiado, al acumular una gran cantidad de experiencia en diversos trabajos, y esto ha dado lugar a un rápido progreso en la industria del género. En este sentido Hong Kwang-ho, que actualmente desempeña su actividad en el West End de Londres, es considerado como el representante de este flamante progreso. Nacido y educado en Corea, ha sido uno de los actores con mayor presencia en la escena musical del país asiático durante los últimos cinco años. Bendecido con lo que sus fans califican como una “voz rompedora”, la carrera de Hong incluye renombradas obras como “El fantasma de la Opera”, “Jekyll y Hyde”, “El hombre de La Mancha”, “Doctor Zhivago” o “Notre Dame de Paris”. Además, también ha trabajado como artista en solitario al protagonizar conciertos en grandes estadios en los que se ha colgado el cartel de “no hay entradas”. A principios de agosto visité el Teatro Prince Edward donde Hong ha estado actuando desde mayo con el papel del oficial Thuy del Viet Cong, en la obra “Miss Saigon”. Estrenado en el West End en 1989, el musical “Miss Saigon” se ha convertido a día de hoy en una especie de clásico. Ambientado en la Guerra de Vietnam, ha llevado al estrellato a numerosos actores asiáticos que han emprendido exitosas carreras internacionales. Hong, sin embargo, es el primer actor coreano que logra asumir un papel importante en los principales teatros de Broadway o el West End.

londinense con su voz rompedora

Hong Kwang-ho fue el primer actor masculino de un musical coreano interpretado en el West End londinense. Actualmente da vida a Thuy en â&#x20AC;&#x153;Miss Saigonâ&#x20AC;?, en el Teatro Prince Edward.

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Hong Kwang-ho es un símbolo del brillante progreso que han logrado los actores coreanos de musicales. Nacido y educado en Corea, Hong ha sido uno de sus varones más activos. Lleva en la escena del musical nacional los últimos cinco años.

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No se puede negar que el West End londinense es más especializado y posee unos sistemas muy bien organizados. No obstante, pienso que el talento y la sensibilidad de los actores musicales coreanos son insuperables.

El primer actor coreano en el West End Cho Yong-shin Bueno, ¿qué se siente al ser el primer actor coreano en el West End? ¿Cuáles son las diferencias respecto a Corea? Hong Kwang-ho Cada noche actuamos para un público compuesto por gente de distintas razas y nacionalidades, de diferentes generaciones. En primer lugar, me siento agradecido por este hecho. A diferencia de Corea, excepto en ocasiones especiales, los actores protagonistas deben llevar a cabo ocho funciones a la semana. Por eso lo más importante es mantenerse en las mejores condiciones físicas. CY Todo el mundo conoce la historia de cómo Cameron Mackintosh vio su actuación en la versión coreana de “El fantasma de la ópera” y quedó tan impresionado, que le llevó al casting de “Miss Saigón”. ¿Qué opina del sistema de castings del West End? HK Aquí los criterios para un casting son diferentes a Corea. No es tanto una diferencia en los estándares, sino más bien en la actitud. Como aquí hay tantos actores competentes, es difícil conseguir incluso un papel de menor importancia si no se posee exactamente lo que ese rol requiere, no importa que seas una gran estrella. En lugar de buscar una celebridad que se adapte a un rol particular, tratan de encontrar a los actores que más se asemejan a los personajes de la serie, y luego de entre ellos eligen al que posea más talento. Por supuesto, si la persona elegida también resulta ser una gran estrella, es todavía mejor. Aquí es la producción la que hace a la estrella. No podría decir qué sistema es mejor: El espectáculo alcanza su propio carácter cuando es visto por los espectadores, y al final el público es quien elige. CY El inglés no es su lengua materna, pero quedé muy impresionado al verle cantar y actuar en inglés con acento británico. ¿Cómo ha logrado lidiar con el problema del idioma? HK Cuando comenzaron los ensayos no era capaz de comunicarme con fluidez en inglés. La productora Mackintosh Productions me permitió amablemente trabajar en todos los ensayos con el mismo intérprete que me había ayudado en varios espectáculos en Corea. Al mismo tiempo, recibí clases de dicción de un profesional para poder interpretar el guión correctamente. De esta forma, tuve que aprender tanto el significado de las palabras y el acento correcto en el que pronunciarlas, así como el modo de responder a mi compañero en el escenario, todo en inglés. CY En su interpretación de Thuy, el personaje llega a ser mucho más humano.

HK Este musical versa sobre los estragos y los males que causa la guerra. De cara a transmitir este mensaje, pensé que para todos los personajes era importante ser víctimas, a la vez de poseer sus propios objetivos particulares. A mi modo de ver, para ser creíble, Thuy -que parece un tipo malo pero en realidad no es una mala persona- tiene que estar verdaderamente enamorado de Kim. Este amor por Kim y el deseo de recuperarla deja bien claro el motivo por el cual el protagonista asume una postura tan agresiva a la hora de alcanzar la liberación de su país. Después de dedicar tres años de su vida a la causa, Thuy reaparece como una persona totalmente diferente frente a Kim, que no tiene más remedio que darle la espalda debido al hijo nacido de su relación con el sargento estadounidense Chris. Pensando en el futuro de la mujer que ama, Thuy cree que debe deshacerse de Tam, su hijo ilegítimo mestizo; pero el amor maternal de Kim la obliga a disparar a Thuy. Al final, el amor verdadero pero ciego de Thuy aporta aún más épica a sus acciones y a su trágica situación.

“El mejor Thuy de la historia” CY Cameron Mackintosh es una figura legendaria en el mundo de los musicales. ¿De qué hablan mientras trabajan juntos? HK El Sr. Mackintosh es un hombre con una gran pasión y un fuerte liderazgo. Él muestra cómo hay que ser para capitanear un gran barco. Él fue quien me elogió al llamarme “el mejor Thuy de la historia”, por lo que tengo mucho que agradecerle. Al margen de esta producción, he recibido algunas ofertas que aún no se han concretado, y es probable que siga trabajando con él. Si tengo ocasión, me gustaría presentarle a algunos de los actores coreanos con gran talento que hay aquí. No se puede negar que el West End londinense es más especializado y posee unos sistemas muy bien organizados. No obstante, pienso que el talento y la sensibilidad de los actores musicales coreanos son insuperables. CY ¿Cuáles son sus planes después de “Miss Saigon”? HK Al principio tenía planeado quedarme en Londres hasta que acabara el año, pero he decidido prolongar mi estancia hasta el próximo mes de mayo, que será cuando la actual producción cumpla un año completo en el escenario. Al fin y al cabo mi lugar está frente al público coreano, y esto no ha cambiado en absoluto. Nunca he perdido de vista el hecho de que mi experiencia aquí es un paso en el camino para dar lo mejor de mí mismo en Corea. Después del próximo mayo, mi prioridad será trabajar en una producción en Corea. (Traducido por Atahualpa Amerise).

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Reportaje especial 4 Paseo por la candente escena de los musicales de Corea

Apasionadas incursiones de los musicales coreanos sobre el escenario global Park Byung-sung

Editor jefe, The Musical

El mercado de los musicales de Corea, que desde la década de los 2000 ha experimentado un rápido crecimiento, produce a día de hoy 200 representaciones al año de promedio. Corea se ha marcado el objetivo de convertirse, en cuanto a número de obras, en uno de los mayores productores de musicales junto con EEUU (que cuenta con Broadway en Nueva York) y el Reino Unido (donde está el West End de Londres). Ambos países acumulan una larga historia y se sitúan entre los mercados más grandes del mundo. Corea posee un mercado relativamente pequeño en comparación con estas dos superpotencias de los musicales, pero no está a la zaga en cuanto a entusiasmo creativo. Esta explosiva pasión se ha exteriorizado en numerosos intentos de expandirse más allá de su limitado mercado interno. 14 Koreana Otoño 2014

1. “Nanta”, es un espectáculo que combina la música de percusión tradicional coreana y la comedia bufa. Recreó 632 actuaciones en un año y medio desde 2004 en el Teatro Minetta Lane. 2. Es subtitulado como “actuación marcial”, al tomar como base artes marciales asiáticas como el Taekwondo o el Kung Fu. “Jump” fue aclamado por sus espectaculares acrobacias y la calidad de dichas artes.

a incursión de los musicales coreanos en la escena global se puede analizar desde dos ángulos: el del intercambio cultural y el de los negocios en el ámbito de la cultura. En el primer aspecto, los musicales coreanos comenzaron a ampliar su presencia internacional a finales de los años 80, cuando el país fue sede de los Juegos Olímpicos de Seúl 1988. Con el objetivo de mostrar al mundo las cualidades culturales de Corea, la mayoría de estos espectáculos se produjeron con la mirada puesta en los coreanos residentes en el exterior como público objetivo. Por otro lado, en cuanto a los negocios en el ámbito de la cultura, los musicales coreanos comenzaron a extender su alcance más allá de las fronteras del país en la década del 2000, cuando la industria recibió un gran impulso durante una fase de elevado crecimiento. Para superar el confinamiento del reducido mercado interno, las productoras coreanas fijaron su mirada en la escena mundial y trataron de tener más acceso por diversos medios. En principio aspiraban a representar sus espectáculos en los teatros de Broadway o el West End, pero recientemente sus intereses se han desviado gradualmente hacia Japón y China.

Reino Unido y EEUU: La batalla de David contra Goliat El primer musical original de Corea que logró entrar en el mercado estadounidense como producto cultural del país fue “La última emperatriz”. Después de su estreno en el Centro Lincoln de Nueva York en 1997, el musical se representó de nuevo en el Teatro del Estado de Nueva York y más tarde, al año siguiente, en el Teatro Shubert de Los Ángeles. “La última emperatriz” versa sobre la tragedia que sufre una reina de la Dinastía Joseon (1592-1910) asesinada por japoneses a finales del siglo XIX, cuando Japón buscaba invadir el país. Aunque el musical no logró obtener grandes beneficios y permaneció en escena durante un período relativamente corto, a pesar de sus altos costos de producción, su importancia viene marcada por ser el primer musical original de Corea que logró llegar a Nueva York, la meca de este género. En la década del 2000, las representaciones no verbales como “Nanta” y “Jump” ganaron popularidad en países occidentales. Influenciada por el espectáculo teatral de origen británico “Stomp”, “Nanta” es una combinación de comedia y música de percusión tradicional coreana, llamada samulnori. Esta singular variación de musical se creó para superar la barrera del idioma, uno de los mayores obstáculos con los que se encontraban los musicales coreanos representados en el extranjero. Después de un gran éxito en Corea, “Nanta” llegó al escenario principal del Festival Internacional de Edimburgo en 1999. Más tarde, en 2004, el show comenzó a representarse en el Teatro de Minetta Lane, un lugar a las afueras de Broadway con 400 asientos, bajo el nuevo título de “Cooking”. Con el encanto de los emocionantes ritmos de los instrumentos tradicionales de percusión, combinado con

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gestos cómicos y bailes, el espectáculo acumuló hasta 632 actuaciones en un año y medio. Por el contrario, “Jump”, que siguió de cerca el formato de “Nanta,” no tuvo tanto éxito y abandonó los teatros un año después de su estreno en Broadway en 2007. Sin embargo, a pesar de sus tibios resultados en taquilla, el espectáculo apodado como “una valerosa actuación”, que integarba la práctica de artes marciales asiáticas como Taekwondo y Kung Fu, fue aclamado por sus espectaculares acrobacias y actuaciones, lo que pone de manifiesto el nivel de las artes escénicas en Corea. El esfuerzo por romper la barrera del idioma continuó cuando las productoras coreanas comenzaron a buscar un nuevo enfoque. El guión de cada espectáculo pasó a escribirse en inglés y luego se traducía al coreano. Este proceso se alineó con las anteriores experiencias de estas empresas, a la hora de organizar un gran número de musicales de origen extranjero mediante la traducción de sus guiones al coreano. El propósito de este nuevo enfoque era atraer al público tanto nacional como internacional, mediante la creación de vínculos con reconocidos artistas procedentes de otros países. Un buen ejemplo puede ser “Dancing Shadows”, que se estrenó en 2007. Este musical, es una adaptación de la obra literaria coreana “Incendio forestal” de Cha Bum-suk, y versa sobre los conflictos ideológicos que tienen lugar en un pueblo donde solo quedan mujeres, después de que todos los hombres fueran enviados a combatir a una guerra. El guión del musical fue escrito por el dramaturgo chileno Ariel Dorfman, autor de la obra “Viudas”. Con la excepción del productor coreano y del dramaturgo original, el equipo de producción del musical se componía plenamente de extranjeros, incluyendo al director artístico, al coreógrafo, al director de escena y al diseñador de vestuario. “Dancing Shadows”, una historia alegórica adaptada de una obra de teatro realista de Corea, se convirtió así en una obra de colaboración internacional. Aunque el show fue aclamado por sus artes escénicas, así como por el baile y la música, los ingresos por venta de entradas en taquilla quedaron por debajo de las expectativas y no lograron cubrir los inmensos costes de producción. Sin embargo, estos tibios resultados no minaron el optimismo y desde entonces han persistido los intentos de llevar los musicales coreanos a los teatros de Broadway. Acom, la compañía que produjo “La última emperatriz”, ha adaptado “Woyzeck” -una obra de teatro escrita por Georg Büchner- al género musical en colaboración con el Teatro de Greenwich en Reino Unido, y tiene planes de llevarla a los escenarios de Corea en el otoño de 2014. Si la obra obtiene una buena acogida en Corea, se considerará llevarla a escena en los teatros de Broadway o del West End. Otro musical, “Speed Scandal”, que es una adaptación de una película popular coreana, se ha fijado como objetivo inical llegar a los teatros de Broadway, por lo que su productora ha contratado a un escritor y a un compositor de Canadá.

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Japón: El impulso de las ráfagas de la Ola Coreana Pocas veces los japoneses habían mostrado interés por los musicales coreanos hasta 2010, cuando Kim Jun-su, integrantes de la popular banda masculina de jóvenes JYJ representó un papel en “Mozart”. Después de la disolución de TVXQ, el grupo de pop al que pertenecía anteriormente, Kim apostó por dar un giro a su carrera y experimentar con los musicales, emocionando a sus fans tanto en el país como en el extranjero. Debido a que TVXQ había disfrutado de una increíble popularidad en Japón, muchos de sus fans nipones viajaban a Corea exclusivamente para verle en el musical. La atracción de Kim era tan grande entre sus fans, que por lo general éstos abarcaban casi el 40 por ciento de la audiencia en las actuaciones donde él participaba. A medida que más y más turistas japoneses llegaban a Corea para ver los musicales del país, los productores nipones comenzaron a realizar tímidos intentos de importar obras coreanas de este género. En 2011 Shochiku-za, la histórica firma que gestiona gran parte del teatro kabuki, importó dos musicales coreanos: “Princess Hours” (“Las horas de la princesa”) y “200 Pounds Beauty” (“200 libras de belleza”). Ambos espectáculos contaban con la actuación de sendos cantantes de K-pop que eran muy populares en Japón (Kim Sung-je de la banda masculina Choshinsung y Park Gyu-ri del grupo femenino Kara, respectivamente), y cualquier actuación al margen de estas estrellas, sumaba un número relativamente pequeño de espectadores. Yokichi Osato, presidente de Amuse Inc., una importante compañía japonesa de entretenimiento, apostó por el potencial de los musicales de Corea. Abrió el Teatro Musical Amuse, un espacio dedicado a los musicales coreanos en el centro de Tokio. Durante todo el año 2013 este teatro ofreció espectáculos a precios reducidos con actores coreanos de musicales, aunque sin estrellas del K-pop. En todo caso el experimento careció de éxito, lo que demuestra que los musicales coreanos aún no eran competitivos sin las famosas celebridades de la Ola Coreana. Los musicales coreanos pudieron encontrar desde el principio su público en Japón, en gran parte debido a un problema estructural de este género en el mercado nipón, que en más del 80% está controlado por dos empresas que son Toho Co. Ltd. y Shiki Theatre Company. Para las pequeñas firmas es difícil adquirir licencias de musicales de éxito de Broadway, por lo que algunas de ellas se han dirigido a un nuevo nicho de mercado: el de los musicales coreanos. Los musicales de Corea presentados en Japón, que sumaban solo dos en 2011, llegaron a siete en 2012 y hasta dieciocho en 2013; pero la tendencia al alza tocó a su fin en 2014, año en que la cifra se redujo al nivel de 2012. Como las compañías de teatro de Corea se dieron cuenta de que tener estrellas coreanas no era suficiente para garantizar el éxito de un show, están diseñando nuevas estrategias basadas en sus experiencias pasadas. “Sher-

lock Holmes” fue un éxito de taquilla debido, en gran parte, a una eficaz estrategia previa a la comercialización y a un reparto que contaba con reconocidos actores nipones. Este caso demuestra que los musicales coreanos originales pueden obtener el favor de los espectadores japoneses si se cuenta con un elenco con talento y se promueven las obras con una amplia difusión. Otro musical original, “On Air”, que cuenta tanto con estrellas del K-pop como con actores japoneses, recurrió a una nueva táctica para ayudar a los actores coreanos a integrarse bien en los shows realizados en japonés, mediante la creación de personajes sin fluidez en el idioma nipón.

China: Un mercado con posibilidades ilimitadas Debido a que los musicales han sido a menudo considerados algo así como la flor de las artes del capitalismo, China, un país antiguamente aferrado al socialismo, no aceptó hasta hace muy poco este género procedente del extranjero. El primer musical de Corea introducido en China fue “Línea número 1”, una recreación basada en el musical “Línea 1” del alemán Volker Ludwig. La obra representa al Seúl de hoy observado por una mujer china de origen coreano llamada Seonnyeo, de la localidad de Yanbian. La puesta en escena de esta obra en China tuvo lugar en 2001 por recomendación del novelista local Yu Hua. El célebre autor de “Crónica de un vendedor de sangre” vio el musical durante una

Estrenado en Japón a principios de 2014, el musical coreano “Sherlock Holmes” fue un éxito de taquilla, debido en gran parte a una eficaz estrategia previa a la comercialización y a un reparto que contaba con reconocidos actores nipones. Este caso demuestra que los musicales coreanos originales pueden ganarse el favor de los espectadores japoneses, si se opta por un elenco con talento y las obras se promueven con una amplia difusión.

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1, 2. “La última emperatriz” fue el primer musical coreano interpretado en el extranjero. Recrea la historia del asesinato de la emperatriz Myeongseong por sicarios japoneses, y destaca porque fue el primer musical original de Corea representado en Nueva York, la meca de los musicales . 3. La compañía japonesa Shochiku-za importó “200 libras de belleza” y lo presentó en Japón en 2011. Como un número creciente de turistas japoneses visita Corea para ver musicales, los productores japoneses comenzaron un hacer tímidos intentos de importar musicales coreanos. 4. “Sherlock Holmes” se estrenó en Japón a principios de 2014, y fue un éxito de taquilla gracias a su estrategia de pre-comercialización y a un reconocido elenco de actores japoneses de renombre.

1. “Encontrando al Sr. Destino”, fue estrenado con algunos cambios en su argumento para adaptarlo a la cultura china y gozó de enorme popularidad en dicho país. 2. “Línea 1”, un musical original alemán traducido y adaptado por la Compañía de Teatro Hakjeon, fue el primer musical original de Corea interpretado en China. El renombrado novelista chino Yu Hua, autor de ‘Crónica de un vendedor de sangre’, vio el musical en Seúl y recomendó la obra en China. 3. CJ E&M produjo “Una hazaña para la princesa” con un elenco de actores tanto coreanos como chinos. El espectáculo gira en torno a la cocina y la gastronomía, para apelar al interés culinario del pueblo chino.

visita a Corea y lo elogió como “una obra que retrata el lado más oscuro de la deslumbrante metrópoli de Seúl”. Además, añadió que la obra podría ser “uno de los más altos logros en las artes dramáticas de Corea”. Muchas otras personas en los círculos culturales chinos quedaron muy impresionadas por el modo en que un musical, considerado en tiempos pasados un símbolo de las artes del capitalismo, podía captar de manera tan noble la realidad de la vida diaria. Los siguientes espectáculos que llegaron a China fueron actuaciones en su mayoría no verbales como “Nanta” y “Jump”. Posteriormente, en la década de 2010 comenzó la cooperación a gran escala entre los dos países. El Consejo de Estado de China anunció el “Plan de Promoción de la Industria Cultural” con el objetivo de elevar su mercado del entretenimiento al nivel de los países avanzados. Aunque China tiene el segundo mayor mercado de cine del mundo, la industria del entretenimiento en vivo, que incluye los musicales, no ha florecido demasiado en el país. Para corregir esto, el gobierno chino trató de ampliar el mercado a través de la colaboración con los Teatros Delfont Mackintosh del Reino Unido, que son los responsables de la producción de “Cats”, “El fantasma de la ópera” y otros grandes espectáculos. Desafortunadamente, sin embargo, la colaboración no funcionó bien debido a que cada parte tenía diferentes objetivos. Tras la asociación para el proyecto en China tomó el relevo la firma coreana CJ E&M, que fundó una empresa conjunta llamada United Asia Live Entertainment Co. Ltd., junto con algunas empresas chinas, para introducir al público chino los musicales extranjeros; un proyecto que la compañía ya venía llevando a cabo en el país desde 2004

a menor escala. La empresa conjunta puso pronto en escena en China el musical original de Corea “Encontrar a Kim Jong-wook”. Empezando por el título, que fue cambiado a “Encontrar al Sr. Destino”, se hicieron algunas variaciones para adaptarlo a la cultura china. Por ejemplo, en el musical original el padre de la protagonista es un ex militar autoritario e inflexible, mientras en el espectáculo chino se cambió a un padre cariñoso que lleva un delantal un cucharón en la mano, en un intento por satisfacer el sentimiento de esta sociedad, que rechaza asociar a los militares con una imagen negativa. Tales esfuerzos en materia de localización contribuyeron a generar una respuesta favorable entre el público chino. Otro espectáculo producido por CJ E&M es “Un festín para la princesa”, representado con la colaboración de actores y personal de los dos países. Se trata de un espectacular show que combina el canto, el baile y la actuación bajo el tema de la cocina, con el objetivo de apelar al presente orgullo que los chinos sienten hacia su gastronomía. El gobierno chino, con el Ministerio de Cultura como órgano gestor, ha puesto en marcha un plan para revitalizar su industria del entretenimiento en vivo, proporcionando apoyo activo a la producción de musicales. Para aprovechar al máximo este apoyo a nivel estatal, los productores chinos han mostrado un fuerte deseo de aprender de las experiencias y conocimientos prácticos de Corea en la producción de musicales. Con el fin de proporcionar una oportunidad para fomentar ese intercambio, más de 100 compañías de teatro de China participarán el próximo mes de septiembre en la Feria de Arte de Corea y China, que se celebrará en Corea. (Traducido por Atahualpa Amerise). 3

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Principales obras y momentos históricos de los musicales coreanos La década de los 60: “Cariño, acércate a mí sigilosamente” La historia de los musicales coreanos comenzó con la Compañía Musical Yegrin, que fue fundada en 1961 para competir con la Compañía de Ópera del Mar de Sangre de Corea del Norte. Yegrin buscaba promover los musicales como un medio que transmitiera historias propias del país en la forma de arte escénica integral. Como resultado de este esfuerzo, “Cariño, acércate a mí sigilosamente”, el primer musical creativo de Corea, realizó su debut en 1966. Se basa en la “Historia de Bae Bijang”, un milenario cuento popular que se ha transmitido en varias versiones, manteniendo intactos su humor y sus elementos melodramáticos. Narra la historia de Bae Bijang, pequeño funcionario enviado a un puesto en la isla de Jeju que después de la muerte de su esposa, declara abiertamente que no se acercará a ninguna otra mujer. Sin embargo, se deshonra a sí mismo en público al sucumbir a la seducción de Aerang, una bella cortesana que se acerca a él con un propósito indecente. Destaca por su casting de estrellas que incluía a la cantante Patti Kim, en el papel de Aerang, y el comediante Gwak Gyu-seok, que da un toque cómico al show en el papel de Bangja. Con su combinación de drama humorístico, baile y canto, “Cariño, acércate a mí sigilosamente” sumó siete actuaciones del 26 al 29 de octubre de 1966 y su popularidad fue tan grande que algunas de las entradas de su última representación llegaron a comercializarse en la reventa por hasta cinco veces su precio original.

Los años 70: “Padam, Padam, Padam” El Teatro Hyundai, fundado en 1976, declaró su ambición de convertir los musicales en un género especializado de las artes escénicas con personal profesional y métodos sistemáticos. Para este propósito se introdujo el sistema de las productoras por primera vez en el teatro coreano, sin dejarse influir por la concepción contemporánea que desaprobaba las artes comerciales. En 1977 el Teatro Hyundai presentó “Padam, Padam, Padam,” un retrato musical de la vida de la cantante francesa Edith Piaf. Con Yun Bok-hee -una popular cantante coreana residente en EEUU- en el papel de Edith Piaf y un gran número de reconocidos artistas, el show acabó gozando de una enorme popularidad entre el público en general. Sin embargo, los críticos la castigaron con duras palabras y algunos de ellos, como el crítico teatral Yi Tae-ju, la describieron como un “vulgar espectáculo comercial”. Cuando Kim Euigyeong, director del Teatro Hyundai, que produjo y llevó al escenario el musical, refutó este punto de vista y más tarde otros críticos también se unieron a la disputa, que encendió completamente la controversia sobre este “espectáculo comercial”. Tan acalorada respuesta pone en evidencia el gran revuelo que el auge repentino de una nueva forma de arte comercial creó en los círculos teatrales de Corea, conocidos en el momento por su firme defensa de las artes clásicas. Aunque el show fue censurado ampliamente por la crítica, el público respaldó al Teatro Hyundai en su aventura en el género de los musicales.

La década de los 80: “Guys and Dolls” Estrenada en EEUU en la década de los 1950, “Guys and Dolls” (“Chicos y muñecas”) se introdujo por primera vez en Corea en 1981 con formato de musical universitario, y al instante obtuvo popularidad por su historia humorística, sus ingeniosas letras y sus fáciles melodías. En la década de los 80 había escasez de actores y actrices que fueran igualmente competentes en canto, actuación y baile, de modo que tres empresas -Minjung, Gwangjang y Daejung-combinaron a sus miembros para llevar este musical a los escenarios en 1983. Después de que su estreno recibiera una entusiasta respuesta por parte del público, el espectáculo se llevó a cabo casi todos los años hasta el 2000, consolidándose como el musical favorito de los coreanos. También fue una obra que permitió a los espectadores del país, darse cuenta de que los musicales eran un género agradable y placentero dentro de las artes escénicas. A medida que pasó el tiempo, el número de nuevos talentos para los musicales creció tanto que en 1987, las tres empresas que antes habían tenido que cooperar para esta primera producción de “Guys and Dolls”, lograron ser capaces de presentar cada una su propio show.

La década de los 90: “La última emperatriz” En la década de los 90 la sociedad coreana fue testigo de un impresionante auge de la cultura popular y un notable crecimiento del género de los musicales. En 1995 “La última emperatriz”, una obra sobre la trágica muerte de la emperatriz Myeongseong al final de la Dinastía Joseon, alcanzó una gran popularidad. En un momento en que la producción de un musical creativo a gran escala costaba en torno a 500 millones de wones (aproximadamente 500.000 dólares), en el caso de “La última emperatriz” esa cantidad fue de más del doble (1.200 millones de wones); una gran suma producto principalmente de las inversiones en escenografía, vestuario y coreografía. Incluyendo la primera escena en un set que recreaba el palacio real de la Dinastía Joseon, la escenografía era muy superior a la de obras anteriores. En la escena final, en la que la emperatriz es asesinada por japoneses, el uso de un escenario giratorio inclinado se mostró especialmente efectivo para expresar la tensión dramática. Este musical, compuesto por 54 canciones y carente de diálogos, conmovió profundamente al público con la melodía “¡Levántate, mi pueblo!”, entonada por el fantasma de la emperatriz asesinada en la escena final. El espectáculo se representó en Nueva York en 1997 y en 1998, y desde entonces ha sido considerado el más popular de entre los musicales originales de Corea.

La década del 2000: “El fantasma de la ópera” Con su estreno en Corea en 2001, “El fantasma de la ópera” marcó un punto de inflexión en la escena de los musicales coreanos. Algunos dicen que la industria musical de Corea se puede dividir en dos eras que corresponden al antes y el después de “El fantasma de la ópera”; y esto da fe de cuán pobre era antes el mercado nacional de este género. El musical obtuvo un increible éxito al romper todos los récords en cuanto a costes de producción, precio de entradas, programación de espectáculos, taquilla, etc. Sus costes de producción alcanzaron 12.000 millones de wones -20 veces el presupuesto medio de una obra presentada en un teatro de gran tamaño- mientras que las ganancias ascendieron a 19 millones de wones. Tras este éxito, los inversores comenzaron a mostrar interés por los musicales, y las productoras también se mostraron más activas a la hora de apostar en importar famosos musicales del extranjero. El éxito del “fantasma de la ópera” disparó el crecimiento del mercado de los musicales, y también sirvió como oportunidad para que el mercado pudiera ser reorganizado en su núcleo con obras originales de otros países.

La década de 2010: “La diosa está mirando” Un cambio importante en la década actual es el notable auge de los musicales originales. Entre ellos “La Diosa está mirando”, producido por CJ E&M a través de su programa CJ Mentes Creativas, ha impulsado aún más esta tendencia. Situada en el marco histórico de la Guerra de Corea, se trata de una historia de soldados de las dos Coreas, que quedan incomunicados en una isla desierta, después de sufrir un naufragio mientras los soldados del sur transportaban a prisioneros del norte. La obra aborda la hermandad recuperada entre ellos en el proceso de sus esfuerzos conjuntos para encontrar una forma de escapar de la isla. Sin embargo, esta representación musical a modo de cuento de hadas sobre la difícil situación de los soldados, nunca deja de pasar por alto las raíces de la guerra. Con este sutil equilibrio a la hora de describir la condición humana, la historia generó apasionadas respuestas del público. Este musical se representará en Japón en este otoño. A pesar de que es muy pronto para considerarlo como una obra que ha marcado una época, “La diosa está observando” muestra el potencial de los musicales originales coreanos y se considera herencia de anteriores espectáculos creativos como” Buscando a Kim Jong-wook” y “La colada”, presentadas en los teatros de Daehangno en la década del 2000.

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Reportaje Especial 5 Paseo por la candente escena de los musicales de Corea

Won Jong-won Profesor del Departamento de Comunicación y Periodismo de la Universidad Soonchunhyang; crítico de teatro

Convertir Daegu en sinónimo de Musicales La estrella del cine chino Jin Yan; la legendaria mujer espía de la Segunda Guerra Mundial Mata Hari; el Conde de Montecristo y el genio musical Wolfgang Amadeus Mozart… ¿Qué tienen estas personas en común? Todos han sido protagonistas de las producciones musicales que hicieron hervir la ciudad de Daegu este verano. Como cada año, al iniciar el verano, Daegu se convierte en un volcán de energía creativa, pues es cuando se celebra el Festival Internacional de Musicales de Daegu (DIMF).

ste es el octavo año desde que Daegu lanzó su festival internacional de musicales. Por supuesto, hay numerosos festivales de artes escénicas en todo el mundo, y dos grandes ejemplos son el Festival Fringe de Edimburgo y el Festival de Avignon. Asimismo, Nueva York, la ciudad de los musicales, también ofrece el Festival de Musicales de Nueva York cada verano. Principalmente, las obras presentadas en estos eventos suelen ser proyectos no cerrados del todo o aún en fase de desarrollo. A diferencia de lo que sucede con las películas, en el género del musical los procesos que dan forma a una producción para un largo período de tiempo, son de importancia crítica. Así que antes de inaugurar un show oficialmente, es práctica habitual trabajar en común sobre las ideas y afinar previamente la producción a través de diversos canales. En este caso, los festivales son considerados una buena oportunidad para comprobar la eficacia de un proyecto en desarrollo. Una diversa serie de éxitos de todo el mundo se produjeron de esta manera. Un ejemplo de ello es “Jerry

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Springer: La ópera”, que provocó controversia por su contenido lascivo. Mostrada por primera vez en el Festival Fringe de Edimburgo, este musical está basado en el polémico programa tabloide de entrevistas estadounidense, conocido por mostrar personajes famosos o de élite. Las figuras que aparecen en el espectáculo son todas excéntricas y poco convencionales -en todos los ámbitos de la vida- pero interpretan canciones al estilo clásico, como si fueran arias de ópera. Cuando no había televisión ni radio, el escenario era el único lugar donde se mostraba la cultura popular. De hecho, si nos fijamos en la ópera, un género que cuenta con una larga historia y tradición occidental, sus parcelas podrían ser fácilmente trasplantadas a los modernos melodramas de la TV actual, como son las telenovelas. El musical “Jerry Springer” es el fascinante resultado de la experimentación y un pensamiento radical, que se hizo posible gracias a un festival de artes escénicas. Fue puesta en escena por primera vez en Edimburgo, dirigida por Nicholas Hytner, artífice de “Miss Saigon” y director artístico del Teatro Nacional de Gran Bretaña en aquel

El DIMF de este año reunió obras de diversos países, entre ellos Rusia, Eslovaquia, China y Kazajstán. La foto muestra una escena de “Mozart, la óperarock” interpretada por la Academia Nacional de las Artes de Kazajstán, que obtuvo el Premio Especial del Comité Organizador del DIMF 2014.

momento, y se ha estado representando desde hace años en el West End de Londres.

Plantar las semillas de los musicales coreanos Lo mismo sucede en el DIMF. Por supuesto, el evento se caracteriza por la diversidad de producciones de diferentes países, como corresponde a un festival internacional (esta edición el festival también contó con obras de Rusia, Eslovaquia, China y Kazajstán). Pero igual de interesantes fueron las obras del programa titulado “Musical Semilla DIMF.” Como el nombre sugiere, metafóricamente se trata de plantar semillas, fertilizarlas y ayudarlas a crecer. Este programa está diseñado para identificar las obras más prometedoras aún en desarrollo y dotarlas del apoyo necesario para convertirlas en producciones propiamente dichas. Hasta el momento, se había centrado en propuestas originales coreanas. Este año, en dicha sección compitieron las siguientes obras: “Zapatos de boda”, la historia de las mujeres coreanas víctimas del imperialismo japonés, que

fueron obligadas a trabajar como esclavas sexuales para el ejército nipón durante la Segunda Guerra Mundial; “La Llama de Shanghái”, historia basada en el biopic de la popular estrella Jin Yan, muy ampliamente conocida en China para ser de origen coreano; “Degajean”, un juego de palabras compuesto por “degaja”, que significa “vamos adentro [al hotel del amor]” en dialecto de Gyeongsang, puesta en escena con un toque ligeramente francés; y “Fernando”, un musical infantil sobre dos chicos traviesos que viajan al espacio exterior con su perro, para llevar a una mamá elefanta noticias de su hijo Fernando. La producción elegida como más destacada por el comité de jueces, obtiene el Premio al Musical Creativo y es oficialmente invitada a participar en el festival del año siguiente. También se ofrece apoyo para la puesta en escena de dicha producción en el extranjero. Diversos musicales galardonados del DIMF obtuvieron popularidad en gran medida. Principalmente destacan “Carta Especial”, una divertida mirada a la vida cotidiana de los jóvenes mientras hacen el servicio mili-

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1. La propuesta eslovaca “Mata Hari” ganó el Premio DIMF al Musical Extranjero 2014. Presentado en la apertura del festival, este musical explora la vida de Mata Hari, una doble agente para Francia y Alemania durante la Primera Guerra Mundial. 2. “Montecristo”, el ganador del Gran Premio de este año, fue aclamado por ser una obra impecable que muestra la música rusa de forma única: sólida composición, musical original, y una actuación y efectos escénicos que estimulan la imaginación. 3. “Urine Town”, a cargo del equipo de la Universidad de Myongji, obtuvo el Gran Premio en la sección Festival Musical del Instituto del DIMF. Fue elogiado por mostrar un nivel de canto, coreografía y actuación no inferior al nivel de las producciones profesionales.

Comparado con otros festivales artísticos del mundo el DIMF es un evento relativamente joven. Sin embargo, y contradiciendo su corta historia, en el festival participan países muy diversos. No en vano el objetivo a futuro es ampliar las invitaciones a trabajos originales y de rico contenido del mundo, lo que implica que el público puede continuar esperando una selección de producciones fuertemente singulares. 2

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4. Un grupo musical de la Universidad Keimyung actúa en la Plaza Musical de Dongseongno uno de los diversos escenarios instalados en la ciudad de Daegu. 5. Mujeres árabes visitan el DIMF 2014 y disfrutan de una actuación al aire libre.

tar; “My Scary Girl “, un musical que adapta la película del mismo nombre, que recorre los acontecimientos de la vida de un hombre que se enamora de una chica que esconde oscuros secretos, y comienza a protegerla y a cuidar de ella; y “Bungee Jumping of Their Own”, otra adaptación musical de una conocida película. El DIMF se divide entre sección competitiva y no competitiva. La sección competitiva incluye producciones oficiales de todo el mundo, el Musical Semilla y el Festival Musical de Instituto (este año participaron 20 universidades, y tres universidades coreanas y una de Kazajstán llegaron a la competición principal). Mientras tanto, la sección no competitiva incluye una amplia variedad de eventos paralelos al Festival, producciones que participan por cuenta propia, encuentros con estrellas musicales y una exposición relacionada con musicales. El broche de oro del Festival son los Premios DIMF, que se emiten por la televisión local.

Llegar a un público global Así las cosas, se prevé que el DIMF genere un efecto significativo sobre la economía local. La entidad organizadora del DIMF está explorando formas de vincular el Festival con la sociedad regional, por

ejemplo, programas que conecten a los visitantes del Festival con el turismo local, alojamiento y restaurantes. Con este fin se están desarrollando paquetes turísticos para atraer visitantes -tanto coreanos como internacionales - al Festival. Bajo el patrocinio de una empresa cervecera han irrumpido en el mercado latas de cerveza y botellas que llevan el logo del DIMF. A medida que el Festival avance, se espera que se sigan creando nuevos productos de valor añadido. Para aumentar la calidad y la influencia del DIMF, se están realizando diversas acciones en colaboración con la industria musical de otros países. A través de un programa de intercambio con el Festival Musical de Nueva York, las nuevas producciones creativas desarrolladas entre ambos países se están representando en Corea y en Nueva York; y también está en marcha un intercambio con el Festival Musical de Dongguan, en China. Gracias a estos esfuerzos, las obras galardonadas en el apartado Musical Semilla del DIMF han podido llevarse a escena en Nueva York, ante la entusiasta respuesta de los espectadores locales, actores y el personal de producción, para aquellas producciones ganadoras del premio. “My Scary Girl” es un ejemplo de este tipo de musical. Por otra parte, la producción a gran escala de “Turandot”, que adopta la línea de la historia de la famosa ópera, fue puesta en escena en el Festival Musical de Dongguan, en China, donde obtuvo el Gran Premio Especial; y este año las obras del DIMF han sido invitadas a participar en el Festival de Musicales de Shanghái, para impulsar la entrada de los musicales coreanos en China. Comparado con otros festivales artísticos del mundo, el DIMF es un evento relativamente joven. Pero sin embargo, y contradiciendo su corta historia, en el festival participan países muy diversos. No en vano el objetivo a futuro es ampliar las invitaciones a trabajos originales y de rico contenido del mundo, lo que implica que el público puede continuar esperando una selección de producciones fuertemente singulares. La gente se pregunta en broma sobre qué hace Edimburgo durante los once meses restantes cuando no se lleva a cabo el festival. Poco a poco, el DIMF se está haciendo un nombre propio como el primer festival de musicales de Asia. ¿Sería mucho imaginar que un día la gente dijera: “Me pregunto qué hace Daegu los once meses restantes del año en que no hay DIMF”? Afortunadamente, ese día parece no estar muy lejos. (Traducido por Javier Castañeda).

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foco

Un paraíso del jazz creado Kim Gwang-hyun

Editor jefe, Jazz People

Disfrutar de variadas melodías interpretadas por músicos de mundo, así como de un hermoso paisaje, es posible en el Jarasum Festival Internacional de Jazz. Esta pequeña y remota isla, que solía quedar sumergida bajo el agua en tiempos de lluvia hace sólo 10 años, se ha convertido en un conocido paraíso del jazz de Corea, a la vez que en una zona turística cultural enriquecida por el festival. 24 Koreana Otoño 2014

sobre una isla estéril Después de dos horas y media en coche se llega a una pequeña y remota isla, que cada otoño se transforma en una meca para los aficionados al jazz de todo el mundo. El 11º Festival Internacional de Jazz de Jarasum, programado para el 3 y 5 de octubre de este año, trata de compartir la pasión por la música en medio de la naturaleza y aliviar el estrés de la rutina diaria. A lo largo de los años, el festival ha evolucionado de un exclusivo evento para los aficionados a la música, a un alternativo estilo de vida de retiro y una actividad de bienestar.

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odo empezó bastante casualmente. Lee Mun-gyo, un funcionario del condado de Gapyeong, en la provincia de Gyeonggi, estaba escuchando una conferencia sobre festivales de jazz impartida por el programador cultural In Jae-jin. En ese momento, Lee propuso que Gapyeong acogiera su propio festival. Un productor de música y organizador de espectáculos muy conocido, que había soñado largamente con celebrar un festival de jazz en Corea, no podía perder esa oportunidad. Acabó sembrando las semillas de un festival de jazz hecho en casa sobre la estéril tierra de Jarasum (“Isla Tortuga”). Como su director, ha dedicado completamente los últimos diez años de su vida a que el festival llegue a ser un evento internacional.

El suelo se endurece tras la lluvia Jarasum originalmente era una isla desierta y sin nombre, un lugar que siempre quedaba inundado en las épocas de fuertes lluvias. En los años cuarenta, era denominada como la Isla China, porque los chinos vinieron a cultivar esta tierra no reclamada. Su nombre actual, Jarasum o Isla Jara, se debe a una colina en la isla que parece una tortuga. En el lado opuesto de la isla –a unos 800 metros de distancia- está la Isla Nami, que en esa época se convirtió en una popular atracción turística, tras aparecer en la famosa telenovela coreana “Sonata de Invierno”, pero casi nadie conocía Jarasum. “Cuando visitamos la isla por primera vez, nos quedamos estupefactos: Todos dudaban de si sería posible organizar un festival en aquel páramo. No había ningún lugar adecuado para actuaciones ni asientos. No había absolutamente nada, excepto hierba y piedras, y también estaba muy lejos de Seúl”, recordó Lee Mungyo cuando recibió un premio por su contribución al Condado de Gapyeong tras jubilarse en 2008. El primer festival, que se llevó a cabo después de mucho trabajo sobre esa tierra estéril, presentó a unos 30 grupos de 12 países, incluyendo a Estados Unidos, Japón, Suecia y Noruega. Fue un viernes, el 12 de septiembre de 2004. Se reunieron unas 20.000 personas, una cifra inesperadamente alta. Pero el elevado estado de ánimo se humedeció mucho el segundo día por culpa de una fuerte lluvia. Sin embargo, la lluvia no supuso un fracaso para el festival. Como el suelo se endurece después de llover, los músicos -que siguieron tocando- y el público -que siguió escuchando- establecieron una conexión aún más fuerte. La potencialmente desastrosa tormenta, paradójicamente mostró el poder de la música de la forma más apasionada posible. A partir del primer evento, los organizadores del festival hicieron una guerra contra la lluvia y adquirieron experiencia a lo largo de los años. El eslogan “Naturaleza, familia, descanso y jazz”, coincide con el crecimiento de la industria del ocio y la moda del autocamping en Corea. El festival ha logrado con éxito atraer como público, no solo a aman-

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tes de la música, sino también a familias. Los organizadores de festivales de jazz de diferentes países visitan la isla cada año, porque reconocen este festival como uno de los mejores de Asia, junto con el Festival de Jazz de Tokio en Japón y el Festival de Jazz de la Isla Penang, en Malasia. Cada año, cuando los músicos programados para actuar en Jarasum viajan desde el Aeropuerto Internacional de Incheon hasta Gapyeong, se preguntan si es posible realizar un festival fuera de la ciudad de Seúl y si ese remoto lugar tendrá las infraestructuras necesarias. Pero bien pronto perciben que, en términos de infraestructura y escala, Jarasum no es inferior a otros festivales de jazz de Asia.

El Primer Festival de Jazz de Corea con éxito Actualmente, muchos festivales de música tienen lugar en todo el país, y cada año se considera que el mercado está saturado. Entre ellos, se incluyen docenas de festivales de verano de rock, como el Pentaport Rock Festival, el Jisan Valley Rock Festival y el Supersonic Festival; así como el Seoul Jazz Festival -que celebra su octavo aniversario este año- y el Gwangju World Music Festival, que empezó en 2010 y que también se centra en el jazz. Jarasum es reconocido por añadir más brillo a la ya de por sí tan vibrante escena de festivales de música de corea. El condado de Gapyeong, anfitrión del festival de Jarasum, es el hogar de aproximadamente 62.000 residentes (a febrero de 2013). Es una zona natural protegida en la que las industrias principales son el turismo y la agricultura. La isla no tiene edificios permanentes porque se inunda por el desbordamiento del río cada verano y, excepto en la temporada del festival, no es frecuentemente buscada por visitantes. Por estas razones, la isla ha preservado su estado original. Lo que a la gente le encanta de Jarasum es su hermoso entorno natural, destacando sus montañas y ríos. Otros factores que facilitaron que la isla acogiera el festival de jazz fueron el apoyo de los residentes locales, y la cooperación de los trabajadores voluntarios, conocidos como los “cuidadores de Jara”. Ellos proporcionan un gran servicio al festival, atendiendo las inconveniencias y quejas del público. En el año 2008, cuando se llevó a cabo el FICC Gapyeong International Camping and Caravanning Rally, se construyó en Jarasum el área de autocamping, junto a muchas otras infraestructuras adicionales necesarias. Gracias a estos esfuerzos, este festival de jazz ha atraído regularmente a más visitantes y en 2012, cuando se celebró la novena edición, el número total de visitantes alcanzó 234.000 personas durante tres días, un 24,5% más respecto a los 188.000 visitantes del año anterior. La cifra acumulada de audiencia llegó a un millón de visitantes en solo nueve años. Cuando el festival celebró su décimo aniversario en 2013, el programa se alargó un día más. A lo largo de cuatro días, el festival atrajo a 270.000 visitantes, cuatro veces la población del condado anfitrión.

El mayor atractivo del festival es la oportunidad de disfrutar de una variedad de actuaciones emocionantes que tienen lugar en nueve diferentes escenarios durante tres días, pero incluso si no se es un gran aficionado al jazz, es posible tomarse un descanso y relajarse en brazos de la naturaleza. El hermoso paisaje a lo largo del río Bukhan y el aire fresco le inspirarán tanto como la música.

1. Con el paso de los años el número de visitantes nacionales y extranjeros al Jarasum Festival de Jazz ha aumentado constantemente, logrando 270.000 personas en 4 días durante la 10ª edición del Festival en 2013. 2. La vocalista polaca de jazz Anna Maria Jopek actúa en el Festival 2013. 3. Las dulces melodías del Kenny Barron Trio clausuran la 10ª edición.

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El Jarasum Festival Internacional de Jazz es un evento muy esperado entre los aficionados al jazz, y también se ha posicionado como el destino favorito de aquellos que quieren hacer un paréntesis y disfrutar de la música entre la naturaleza.

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En la actualidad, algunos de los mayores aficionados al jazz se quejan por no poder disfrutar de la música adecuadamente, porque hay demasiada gente. Como esto indica, el festival ya no es solamente para los aficionados al jazz, sino para cualquier persona interesada en el jazz e, incluso, para aquellos que no saben nada del género, pero que quieren formar parte de un impresionante evento musical al aire libre.

La emocionante actuación de músicos veteranos Durante los últimos diez años, un total de 535 grupos han participado en el festival. Estos artistas han ofrecido actuaciones increíbles, regalando momentos inolvidables a la audiencia. La actuación final del primer festival en 2004 no fue de artistas extranjeros famosos, sino por la primera generación de músicos coreanos de jazz: el batería Choi Se-jin, el trompetista Kang Daegwan, el clarinetista Lee Dong-gi y el saxofonista Kim Soo-yeol, los cuales tocaron jazz en un ambiente desfavorable. A pesar de la fuerte lluvia que amenazaba con cancelar la actuación, esos avezados músicos ofrecieron una actuación impresionante que contradecía su promedio de 68 años de edad. El concierto ofrecido por Joe Zawinul, que visitó Corea por primera vez en 2006 en la tercera edición, fue un momento histórico para los aficionados locales. Zawinul lideró la escena musical de jazz estadounidense en los años sesenta junto con Miles Davis, y llegó a ser el gurú del jazz de fusión en los años setenta, cuando cofundó la banda Weather Report. En Jarasum tocó con Zawinul Syndicate, una banda orientada a la música internacional de fusión. Para los aficionados coreanos, excepcionalmente, fue la primera y la última oportunidad de verle actuar porque, por aquel entonces, el músico de 74

1. Este año, Arturo Sandoval, cuya vida fue llevada al cine en ‘For love or country: The Arturo Sandoval Story’ estará en Jarasum. 2. Tord Gustavsen es un famoso pianista de jazz de Noruega, país invitado del Festival en 2014. 3. El director In Jae Jin sembró las semillas del Festival de Jazz en Corea, que ha crecido a escala internacional durante los últimos 10 años.

años ya luchaba contra una enfermedad. El Festival Internacional de Jazz de Jarasum ha presentado a numerosos músicos famosos de todo el mundo. Entre ellos hay artistas de jazz estadounidenses mayores y más jóvenes, incluyendo a Joshua Redman y Charles Lloyd, artistas europeos como el Esbjorn Svensson Trio, el Trio Toykeat, Giovanni Mirabassi, Maria Joao y Mario Laginha, además del bajista israelí Avishai Cohen. Igualmente, Youn Sun Nah, una vocalista coreana de jazz bien conocida en Europa y esposa de In Jae-jin, también actuó en 2008 y en 2013. El espectro musical abarcó desde bebop, swing y latino hasta fusión y gypsy, eliminando barreras entre los géneros del jazz. A medida que pasan los años, el género del jazz se está ampliando y se añaden más programas al festival. Por ejemplo, cada año se designa un país como invitado de honor, pensando en el mercado: el año pasado fue Suecia y este año es Noruega. El Jarasum International Jazz Concours empezó en la cuarta edición en el año 2007, y el Creative Music Camp (‘Campamento de Música Creativa’) se inició el año pasado, para los aspirantes a jóvenes músicos coreanos de jazz. Estos dos eventos se celebrarán cada dos años.

Música, naturaleza y relajación Los escenarios principales del festival incluyen “Jazz Island” y “Party Stage”, así como el “Festival Lounge” y el “Jazz Palette”, cuyas actuaciones se realizan durante el día. Este año se han añadido otros escenarios como el “Jazz Cube”, donde los músicos coreanos ofrecen jazz contemporáneo. Durante el festival se puede oír jazz no solamente en Jarasum, sino en todo Gapyeong: en “Village Gapyeong” en la antigua plaza de la estación de Gapyeong, en “JJ Spot” que se encuentra en el centro, en “Welcome Post” en la entrada del área de acampada de Jarasum y en “JJ Garden”, en el parque temático de Ewhawon. Los aficionados al jazz ya están emocionados y expectantes ante el programa de este año. Sobre todo esperan escuchar a Arturo Sandoval tocar la trompeta en directo. La historia de su vida se convirtió en una película titulada “For Love or Country: The Arturo Sandoval Story”, protagonizada por Andy García de “When a Man Loves a Woman” y Mia Maestro de “Tango”. Además, no hay que perderse las actuaciones del prometedor pianista europeo Tord Gustavsen y el legendario bajista Arild Andersen, ambos de Noruega, país en el que el festival se centra este año. Sin duda, el mayor atractivo del festival es la oportunidad de disfrutar de una variedad de emocionantes actuaciones que tienen lugar en nueve diferentes escenarios durante tres días; pero incluso si no se es un gran aficionado al jazz, Jarasum ofrece la posibilidad de tomar un descanso y relajarse en brazos de la naturaleza. El hermoso paisaje a lo largo del río Bukhan y el aire fresco, le inspirarán tanto como la música. (Traducido por Raimon Blancafort).

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Guardián del Patrimonio

El ceramista que busca las sutiles tonalidades del “jarrón luna” El ceramista Kwon Dae-sup actualiza el concepto de “jarrón luna” con un agradable toque de modernismo. Kwon ha sido aclamado por su expresión de elegancia y refinamiento, basada en el color tradicional y la distintiva forma de las vasijas redondas de porcelana blanca de la Dinastía Joseon. No en vano, lleva fabricando “jarrones luna” desde 1978, y durante 36 años ha enfocado toda su energía artística únicamente en este tipo de cerámica. Doh Jae-kee Periodista del Kyunghyang Shinmun

Kim Kyung-soo Fotógrafo

Kwon Dae-sup estudiaba pintura occidental en la universidad, cuando entró en una tienda de antigüedades en Insadong, en Seúl, y se encontró con un “jarrón luna” de porcelana de la Dinastía Joseon. Fascinado por su belleza, decidió convertirse en alfarero.

won Dae-sup estudiaba dibujo occidental en la Universidad de Hongik cuando un día, en una tienda de antigüedades en Insa-dong, en el centro de Seúl, encontró un jarrón luna de porcelana blanca de la Dinastía Joseon. Inmediatamente quedó cautivado por su grácil belleza, y ese encuentro casual cambió el curso de su vida; pues decidió ser alfarero en vez de pintor. “Me enamoré a primera vista. Ese jarrón, a simple vista y con sencillez, me transmitió mil impresiones diferentes”, recuerda. No obstante, en la década de los 70 la información sobre estos tradicionales jarrones luna de porcelana era tan escasa, que investigar le fue difícil. Así, empezó por estudiar los fragmentos de porcelana que había recopilado por todo el país, incluyendo Gwangju, en la provincia de Gyeonggi, donde se ubicaban los hornos reales de la Dinastía Joseon (1392-1910). También viajó a Japón en busca de cualquier rastro de los antiguos coreanos que transmitieron sus conocimientos sobre cerámica a la nación vecina. Más tarde, construyó su propio horno y abrió un taller de cerámica en Gwangju. Allí, se dedicó a la búsqueda solitaria de recrear el jarrón luna mediante innumerables experimentos con arcilla, esmalte, madera y otros ingredientes. Su investigación se prolongó durante más de una década, y finalmente realizó su primera exposición en 1995. Esperó hasta sentirse confiado con su trabajo, tanto de artesano tradicional como de alfarero moderno, antes de mostrar su vida y obra al público. Hoy en día, sus obras de cerámica se exhiben en docenas de prominentes museos, incluyendo los museos nacionales de Corea, Rusia y México; y recibe numerosas peticiones para organizar exposiciones en galerías de arte, tanto del país como en el extranjero.

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“ Para apreciar un jarrón luna correctamente, debe observarse más allá de su simple forma. Aunque se trata de una pieza de porcelana lisa y sin elementos decorativos de ningún tipo, parecerá distinta cada vez que se mire, según las circunstancias. Se ve muy diferente cuando te sientes bien o cuando estás sombrío… cuando el tiempo es soleado, lluvioso o nublado”.

La solitaria búsqueda de la Artesanía Kwon vive con su esposa en una pequeña casa junto a su pequeño estudio y su horno, ambos situados al pie de una montaña. En el horno hay montones de leña, mientras que el estudio está repleto de llantas, jarrones sin terminar y artículos diversos, como muebles de madera. ¿Qué significa el jarrón luna para él? “Para apreciar un jarrón luna correctamente, debe observarse más allá de su simple forma. Aunque se trata de una pieza de porcelana lisa y sin elementos decorativos de ningún tipo, parecerá distinta cada vez que se mire, según las circunstancias. Se ve muy diferente cuando te sientes bien o cuando estás sombrío… cuando el tiempo es soleado, lluvioso o nublado”. El “jarrón luna” (hangari dal) hace referencia al tradicional jarrón de porcelana blanca coreano que es tan redondo como una luna llena. Casi de forma esférica, su diámetro en la parte más ancha es casi el mismo que su altura, que a menudo supera los 40 centímetros. La superficie de la jarra no tiene patrones o adornos, salvo un suave brillo que recuerda al de la luna llena en el cielo nocturno. Los jarrones de porcelana de este estilo se fabricaban durante el último periodo de la dinastía Joseon, cuando la porcelana blanca era la cerámica más popular. Pero se construyeron sólo durante unos cien años, desde finales del SXVII hasta el SXVIII. Los historiadores del arte de la cerámica han tratado de averiguar por qué estos jarrones desaparecieron de pronto tras un periodo relativamente breve de popularidad, pero no han logrado consensuar una explicación. Igualmente, el uso del jarrón luna también sigue siendo un misterio. Algunos piensan que era un recipiente para almacenar vino de arroz, salsa de soja, sal o grano y pescado fermentado; pero otros creen que eran utilizados en las ceremonias reales. Expresión de la Estética coreana El jarrón luna es un producto cultural exclusivo de la cerámica de Corea y presenta una larga historia. Recientemente ha despertado la atención de los amantes del arte de todo el mundo por su elegancia tranquila, como obra de arte tradicional coreana con sensibilidad moderna. La belleza del jarrón luna puede ser descrita como pura, simple y natural. Por lo general, las obras de porcelana blanca de China, Japón y Europa están decoradas con gran variedad de motivos y patrones, tales como flores, árboles, animales y figuras humanas.

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Esta tendencia, también se expandió entre los productos coreanos de porcelana blanca en general, a excepción del jarrón luna. Chung Yang-mo, historiador del arte de la cerámica y ex director del Museo Nacional de Corea, lo explica así: “Las obras de arte tradicional coreano son tan afines a la naturaleza -ausentes de embellecimientos artificiales, simples y directas, simples y audaces, llenas de generosidad y humor- que es cómodo y agradable tenerlas cerca y observarlas día tras día. En particular, el jarrón luna es grande, bello, abundante y generoso. Dudo que tanta belleza simple, ingenua y generosa se pueda encontrar en cualquier otro jarrón de porcelana”. El color del jarrón luna es excepcional. A primera vista, sólo se ve un blanco liso. Pero los coreanos, que tradicionalmente han preferido el blanco, disfrutan de las sutiles diferencias de sus tonos elegantes. Visto de cerca, un jarrón luna revela una gama de tonos de color, desde el blanco nieve al blanco lechoso, desde el blanco grisáceo hasta el blanco azulado, y así sucesivamente. Esta delicada variedad de tintes puede emocionar el corazón desde la calma. Una forma perfectamente esférica no es el ideal que anhela el jarrón luna; aunque tampoco busca una perfecta simetría. En consecuencia, la pieza se ve distinta al ser observada desde diversos ángulos. Por otra parte, incluso presenta una costura visible en el centro, ya que la pieza es creada mediante la unión de dos secciones hemisféricas. La necesidad de usar este método se debe a su considerable volumen, lo que hace difícil dar forma de una sola pieza al jarrón sobre la rueda. Pero el alfarero revela esta costura en vez de suavizarla. Esta obra de arte puede ser vista como imperfecta, pero la búsqueda de la naturalidad es reconocida como una de las características claves del arte tradicional coreano. En vez de buscar la mera decoración o el embellecimiento, expone con indiferencia la verdadera esencia de la obra. De esta manera, el jarrón luna adquiere un aspecto más natural. Michael R. Cunningham, estudioso del arte asiático, menciona el jarrón luna por primera vez al hablar del celadón de la Dinastía Goryeo (918-1392) y su elaborada artesanía, búsqueda de la elegancia y funcionalidad, y similitud con la porcelana tradicional china en general. Por el contrario, recalca que el jarrón luna es un misterio, porque usa una técnica que no se puede encontrar en las artes de China o Japón. Este experto afirma que cualquiera que vea un jarrón luna por primera vez, tomaría esta aparente falta de

El “jarrón luna” no es una esfera perfecta, por lo que parece distinto dependiendo del ángulo desde el que se mire. “Jarrón luna” de porcelana voluminosa (2012). 48 × 51cm. Arcilla blanca. Horno de leña. Cultura y arte de Corea 33

perfección como un signo de completa madurez. En este sentido, Cunningham expone que cualquier occidental que desee conocer correctamente la estética de la porcelana blanca de Joseon, debería ahondar profundamente en la propia Corea y en su historia cultural. Por su parte, Bernard Leach, el distinguido alfarero británico, es conocido por una famosa historia sobre su adquisición de un jarrón luna de Joseon: compró la pieza en 1935 en una tienda de antigüedades en Corea y al salir de la tienda dijo llevarse “un trozo de felicidad”. Este jarrón, en concreto, está ahora expuesto en el Museo Británico. En relación al reciente interés en el jarrón luna, algunas personas se centran en la calmada belleza que transmite a quienes lo observan tranquilidad y comodidad, un fenómeno descrito como reacción a la civilización moderna, que ha creado una sociedad altamente avanzada y orientada hacia la información, pero que a la vez ha generado vidas fragmentadas y una gran pérdida de la humanidad. Ciertamente, la elegante sencillez de este jarrón ha sido fuente abundante de inspiración para los artistas modernos. Muchos de ellos, no sólo del campo de la cerámica artística, sino de otros géneros como la pintura y la fotografía, han impregnado sus obras con la estética del jarrón luna.

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Una obra humana y de la naturaleza Kwon Dae-sup dice que hacer un jarrón luna le obliga a poner todo su corazón y su alma en su trabajo. También dice que le exige una intensa concentración y gran fuerza de voluntad, así como la experiencia adecuada; en un proceso que ha repetido innumerables veces a lo largo de décadas. También asegura que intervienen agentes fortuitos naturales, como el fuego y el viento. Su trabajo comienza con la preparación de una pasta de arcilla, que se procesa a partir de la recogida del suelo, en zonas que durante mucho tiempo han sido conocidas por sus suelos de alta calidad -por ejemplo, Yanggu y Jinju- y se purifica mediante su inmersión en agua. Posteriormente, la arcilla se machaca o pisotea para aumentar su viscosidad y su resiliencia, para luego cobrar forma a manos del alfarero en su torno. La más mínima distracción durante este procedimiento puede arruinar la forma del cuerpo de arcilla, y obligará al alfarero a empezar todo de nuevo. Los dos hemisferios que forman las secciones superior e inferior de la jarra se forman por separado y luego se unen por sus bordes. El jarrón debe hacerse entre un 10 y un 20 por ciento más grande que el tamaño deseado del producto final, dado que la arcilla menguará al cocerse en el horno. Los jarrones construidos a mano necesitan asentarse y secar-

se para que puedan ser manejados sin distorsionar su forma. El siguiente paso consiste pues en ponerlos en el horno para una primera cocción, que dura entre 10 y 20 horas, a una temperatura de 850-900° C. Tras este proceso inicial, las piezas se recubren de un esmalte preparado por el alfarero; y el barniz crea tonos blancos con sutiles variaciones como blanco nieve, blanco lechoso y blanco azulado, dependiendo de su aplicación. Entonces las piezas se cuecen de nuevo en un proceso que requiere un minucioso control tanto del tiempo como de la llama, algo complicado y crítico a la vez. El horno debe generar una atmósfera de oxidación (con un nivel suficiente de oxígeno para oxidar los elementos metálicos del esmalte) hasta que la temperatura alcanza aproximadamente 900° C. A continuación, el horno debe mantener (mediante la reducción del nivel de oxígeno que se logra con más madera, para que el carbono producido al quemarse la madera, pueda eliminar el oxígeno del esmalte) una temperatura de 1.200-1.300° C. La segunda cocción tarda aproximadamente 24 horas. Después de que el fuego se extingue y el horno se enfría, se sacan los jarrones. Este es el momento en que la arcilla, con agua, fuego, viento y madera -así como gracias a las habilidades del alfarero- emerge como una pieza acabada de porcelana. “Este es un proceso que no se puede cumplir sin la ayuda de la naturaleza”, expresa Kwon: “Mi papel es simplemente ayudar en el proceso, con todos mis conocimientos y esfuerzos”. En general, un jarrón luna normal requiere unos 15 días. El número de jarrones que sobrevive al proceso de cocción es bastante pequeño; pero Kwon no duda en destruir todas aquellas piezas que no se ajusten a sus normas, por lo que el número de productos finales es aún menor. “Técnicamente, la mayoría de las piezas puede estar bien; pero si en términos de arte no estoy satisfecho con ellas, o si mi trabajo no me impresiona de algún modo, no dudo en romperlas”, afirma. Al ser preguntado sobre cómo definiría un buen jarrón, Kwon afirma: “Bueno, es difícil de describir con palabras. Una pieza que ‘haría llorar a un fantasma’ es un buen trabajo. Considero que un trabajo es bueno cuando tras retirarlo del horno me encuentro dialogando con él y le digo cosas como “eres bello”, “¡Oh, eres bueno!”; pues por experiencia sé que una pieza que me atrae, también será de interés para otras personas”. Kwon se aferra a la tradición en cuanto a materiales y métodos, pero traspasa los límites en cuanto a las normas estéticas. Considera que su trabajo debe tocar el corazón y tener un significado para los habitantes del SXXI: “Trato de producir obras que no necesiten ninguna adición o sustracción”, mantiene el alfarero. “Quiero crear una obra con una presencia imponente, pero que pueda armonizar con su entorno, independientemente de dónde y cuándo sea expuesta, y que ofrezca tranquilidad y confort a todos aquellos que la observen”. (Traducido por Javier Castañeda).

1. Al tener un pie pequeño -más pequeño que su boca- el “jarrón luna” parece flotar en el aire. 2. Se tarda una media de 15 días para hacer un “jarrón luna” y cada paso se hace a mano. 3. Un jarrón es producto de la arcilla, el agua y el fuego; así como del alfarero que vierte su corazón y su alma en el proceso creativo, que requiere de mucho tiempo. Sin embargo, el alfarero no duda en destruirlo si siente que no es una obra de arte.

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Enamorado de Corea

Dana Ramon Kapelian abre los corazones de las mujeres coreanas

Ben Jackson Periodista / Cho Ji-young Fotógrafa

¿Cuál es la mejor manera de introducirse bajo la piel de una sociedad desconocida? La artista Dana Ramon Kapelian se zambulló en su nueva vida en Corea fotografiando y entrevistando a un amplio espectro de mujeres de este país, con un resultado impresionante. Como parte de un colectivo cada vez mayor de expatriados -que nada más llegar a Corea se ponen manos a la obra y crean interesantes libros, blogs y otros contenidos- Kapelian publicó en la primavera de este año “Mis mujeres coreanas”. El libro consta de una serie de entrevistas y retratos fotográficos de 60 mujeres por orden de edad, desde la más anciana (nacida en 1927) hasta la más joven (en 1997), acompañadas de textos en inglés y en coreano. 36 Koreana Otoño 2014

1. Soh Jeong-soon, nacida en 1927, tuvo un matrimonio de conveniencia. Cuando se le pregunta si guarda algún resentimiento, expresa: “Nunca supe lo que es el amor. Yo nunca tuve los derechos que otras mujeres experimentaron”. 2. Olivia Ih-Prost, nacida en 1985, es nieta de Soh Jeong-soon. Cuando se le pregunta sobre el divorcio, responde: “¿Divorcio? Es lo peor que le puede pasar a una pareja. Aunque si no hay amor, puede ser necesario”.

acida en 1963 en Haifa (Israel) Dana Ramon Kapelian partió a la edad de 19 años de su país natal rumbo a Europa, y allí pasó temporadas en Londres y en Ámsterdam. A esta etapa le siguieron otros seis años en Estados Unidos, que aprovechó para viajar mucho y cursar sus estudios en el Instituto de Arte de San Francisco. Más tarde se instaló en Francia y allí pasó 20 años en los que continuó su trabajo como pintora y artista de instalaciones. Para el año 2010, sin embargo, sentía que necesitaba un nuevo cambio. Ella y su esposo decidieron que para la pareja y sus dos hijos, había llegado el momento de ampliar horizontes. “Decidimos que queríamos mudarnos y viajar con nuestros hijos. Hablamos mucho del tema y decidimos que estaban creciendo y que éste era un momento precioso en sus vidas. Queríamos mostrarles otras cosas y decidimos que en vez de ahorrar dinero para su herencia, era una mejor idea gastarlo en nuestra vida con ellos. Así que vendimos nuestra casa y nos preguntamos si podríamos encontrar un trabajo en alguna parte, como mejor opción. De lo contrario, pensábamos estar viajando por todo el mundo durante un año entero”. Cuando vimos que el currículo de mi marido encajaba a la perfección con una oferta de trabajo de agregado audiovisual en el Instituto Francés de Seúl, toda la familia nos trasladamos a Corea por un periodo de cinco años. “Me gusta ser extranjera en un lugar porque tienes una cierta libertad y eso te permite absorber constantemente las diferencias culturales. Es algo enriquecedor. Algunas personas sienten que pertenecen a un determinado lugar. Por mi parte, yo siento que pertenezco al planeta; el mundo es mi hogar. Pienso que las fronteras son un invento ridículo creado por las personas”.

Una odisea cultural Poco después de atravesar medio mundo para llegar hasta Corea, Kapelian se embarcó en un nuevo periplo, en esta ocasión un viaje que la llevó a las profundidades de la cultura del país. La búsqueda estaba motivada en parte por la actual falta de información sobre Corea y también por la necesidad de adaptarse a su nuevo entorno desde el punto de vista artístico. “Cuando hace cuatro años me mudé aquí entré en una agencia de viajes y no había nada, ni siquiera un folleto sobre Corea”, explica Kapelian. “Tenían artículos relacionados con China, Japón, Asia Oriental… de todas partes excepto de Corea. Entonces recurrí a la literatura y la historia para tratar de recopilar información. Esa fue una de las razones por las que escribí el libro. Quería saber más sobre las personas. En mi trabajo de arte a menudo me encargaba de temas relacionados con la mujer y más tarde decidí que quería hacer algo aquí, sobrepasar los muros. No sólo hacer algo sobre los murales con propósitos decorativos, sino trabajar con las personas. Necesitaba interacción y quería aprender a conocer a la gente, con el objetivo de elevar mi comprensión del país. Así me di cuenta de que hablar con las mujeres resulta fascinante, sobre todo en Corea, ya que ellas han pasado por muchas dificultades. Kapelian también cita como fuente de inspiración la obra “Una habitación solitaria” de Shin Kyung-sook, autora del best seller internacional “Por favor, cuida de mamá”. Esta historia sobre la migración urbana, la pasión por la educación y las luchas de los trabajadores en la década de los 70, le abrió los ojos a la dinámica de la historia reciente de Corea. “Me ayudó a darme cuenta de lo duras que eran aquí las condiciones, y todavía lo son en algunos aspectos”, asegura. ¿Quiénes son las mujeres coreanas? Kapelian comenzó a elaborar una cartera de temas para su libro a partir de diversas fuentes. Descubrió algunos de los temas en artículos de periódicos y revistas; otros a través de contactos personales, o pidiendo recomendaciones a las propias mujeres a las que entrevistaba. Un aspecto del libro que sorprende a muchos lectores, dice, es que a primera vista varios de sus temas no parecen ser coreanos. “Lo primero que me dijo la gente fue: ‘Usted habla de franceses, de monjas estadounidenses, de un canadiense de origen coreano... tiene a todas estas personas, pero son extranjeras”. Y yo contestaba que, para mí, ellos eran coreanos. ¿Cómo le puedes decir que no es coreana a una monja que vino al país en 1953, justo después de la guerra, y desde entonces ha dado toda su vida por Corea haciendo buenas obras aquí? Es una locura. ¿Puedes decirle que no es coreana a una mujer francesa casada con un coreano, que tiene hijos con él y ha vivido aquí durante 30 años? No creo que el título

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1. Im Young-me, nacida en 1972, es una intérprete coreana de música clásica. Toca el janggu, instrumento tradicional de percusión a ritmo rápido. 2. Jean Maloney, nacida en 1932, es una monja que obtuvo su grado de enfermería en Nueva York y posteriormente fue asignada a Corea, cuando el país necesitaba con urgencia ayuda médica al final de la Guerra de Corea. 3. Martine Prost, nacida en 1951, es una lingüista de Argelia. Fascinada por las coreanas vigorosas y expresivas, se instaló en Corea.

del libro sea el mejor, pero es el que describe de modo más preciso lo que quise comunicar, y es que estas son mis mujeres coreanas. No es una cuestión de nacionalidad sino, insisto, una cuestión del compromiso y dedicación a un lugar de cada una de ellas”. Una de las primeras impresiones más fuertes de Corea -en el caso de Kapelian- provino de las mujeres del país. “Son tigresas. Son luchadoras. Tienen que luchar en casa, tienen que luchar en la calle. Tienen que ser ‘súper-mujeres’, como muchas mujeres en el mundo; pero aquí, hasta que llegó la ocupación japonesa, Corea era una sociedad feudal, una sociedad medieval. Las transformaciones que experimentamos en occidente durante varios siglos, en el caso de este país se concentraron en poco más de cien años. Ver luchar a estas mujeres es sencillamente increíble”. “Cuando llegas aquí tienes ese estúpido concepto de las mujeres asiáticas... japonesas, coreanas, vietnamitas, lo que sea. Cuando no las conoces tienes una imagen de ellas como mujeres que sirven a otras personas. Ellas sirven a sus hombres, sirven a sus familias. Un tipo de persona manipulable, dócil. Pero después de cuatro años conociéndolas, te das cuenta de que son personas fuertes. Muchas saben lo que quieren y no dudan en ir a por ello. Son muy obstinadas y, si deciden permanecer a la sombra de un hombre, es porque lo eligen así”.

te a las protagonistas es “ajumma”, término que se refiere literalmente a una mujer casada, pero que también conlleva innumerables connotaciones culturales intrínsecas a las concepciones de la feminidad en Corea. Descritas de vez en cuando como sujetos pertenecientes a un “tercer sexo”, las ajummas son a veces consideradas feroces, implacables y poco atractivas; aunque en otros casos se las ve como cálidas y maternales. “El libro partió de la idea de ajumma, y a partir de ahí pasó al concepto más amplio de la mujer en general. Al principio yo estaba intrigada por esta extraña palabra, ajumma, que posee tantas definiciones: puede ser negativa y positiva; tiene muchas facetas. Y entonces sentí que me estaba limitando y que quería hablar de las mujeres en general. Pero seguí mencionando en muchas de las entrevistas la palabra ajumma -aunque no tanto como otros conceptos, como el amor, el matrimonio o el divorcio- porque quería mostrar este aspecto, y también para presentar los diferentes enfoques y reacciones de las personas. Algunas mujeres que son ajummas decían: ‘¿Yo? ¡No, nunca!’ Ellas mismas rechazaban este término. Algunas me decían: ‘En mi familia no hay ninguna ajumma’. En este caso la palabra se convertía en algo parecido a un insulto. Para otras mujeres, sin embargo, era más bien un símbolo del amor, la comodidad y la maternidad”.

La cuestión de la ‘ajumma’ Todas las entrevistas en el libro siguen el mismo formato: un condensado relato de la historia de vida de la protagonista que va seguido de una evaluación de sus puntos de vista sobre diferentes palabras clave, muchas de ellas relacionadas con los derechos de la mujer: el amor, el matrimonio, el divorcio o el aborto. Por último, se pide a cada mujer que ofrezca un mensaje personal. Una de las palabras clave que Kapelian propone repetidamen-

Un tipo de diálogo diferente La producción de “Mis mujeres coreanas” no estuvo exenta de retos. Agrupar las palabras y retratos de 60 personas diferentes en un todo que resultase coherente, fue todo un desafío. La traducción -el texto está impreso en inglés y en coreano- también presentó dificultades, debido al complicado proceso de entrevistar en coreano a través de un intérprete (excepto cuando la protagonista hablaba inglés o francés, idiomas que Kapelian maneja con

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“Son tigresas. Son luchadoras. Tienen que luchar en casa, tienen que luchar en la calle. Tienen que ser ‘súper-mujeres’, como muchas mujeres en el mundo; pero aquí, hasta que llegó la ocupación japonesa, Corea era una sociedad feudal, una sociedad medieval. Las transformaciones que experimentamos en occidente durante varios cientos de años, en el caso de este país se concentraron en poco más de un siglo. Ver luchar a estas mujeres es sencillamente increíble”.

fluidez). Esto suponía pasar los contenidos orales al papel y después traducirlos al inglés. La mayor satisfacción de Kapelian durante todo el proceso tuvo lugar gracias a la generosidad de sus entrevistadas, a lo que ayudó el hecho de que la autora fuera una extraña para ellas. “Lo más asombroso es el modo en que las mujeres estaban dispuestas a abrir sus corazones. Al ser personas de distintos países, teníamos un tipo de diálogo diferente. Tal vez fui un poco ruda a la hora de hacer preguntas que los coreanos no se atreverían a lanzar. Sin embargo, las mujeres fueron muy generosas y amables.

Transformación y tradición Entrevistar a mujeres de tan diversas edades genera agudos contrastes que sirven para ilustrar la rapidez con la que este país cambia y se reinventa. “Cuando hace cuatro años llegamos a Corea, la gente nos decía que era imposible encontrar aquí un buen café. Ahora no hay una sola esquina en la calle sin una cafetería, y el producto suele ser bueno. La transformación ha sido increíble. Con las mujeres, en este sentido, todavía queda mucha lucha por delante pero, cuando piensas en lo que se ha hecho, te das cuenta de que los cambios son increíbles. La mujer más anciana del libro tiene 87 años y la más joven 14. La primera cuenta que tuvo un matrimonio de conveniencia y nunca supo lo que era el amor. Su esposo nunca preparó una sola taza de té o sopa para ella, ni siquiera cuando estaba enferma. Cuando le pregunté sobre la discriminación de género a la chica de 14 años -por supuesto, es su experiencia personal, pero representa la realidad de su generación- ella me miró con sus grandes ojos y comentó: ‘¿La discriminación de género? Si un maestro en la escuela hiciera eso, perdería su trabajo’. Para ella eso era completamente otro mundo, y fue fascinante pensar que estas dos mujeres viven juntas en la misma sociedad”. Para Kapelian, como para muchos extranjeros, observar ese cambio generaba preguntas sobre la tradición, la reforma y la continuidad. “Creo que la tradición aquí es muy fuerte, en lo malo y en lo bueno. Sin embargo, yo pienso que es una cuestión importante para la sociedad coreana: ¿Van a ‘tirar al niño con el agua de la

bañera’? Creo que, de hecho, en Occidente lo hemos tirado. Nos hemos deshecho de la tradición. Yo vivía en Estados Unidos y allí muchas personas no ven a sus familias durante tres o cinco años aunque vivan en el mismo continente. Las personas se pierden en las búsquedas espirituales. Creo que las tradiciones de la sociedad de Corea siguen siendo muy fuertes, ya que los cambios que han experimentado son recientes. Una de las muchas incógnitas que están surgiendo es cómo preservar las tradiciones, pero al mismo tiempo de qué modo es posible liberarse de la parte asfixiante que te dice qué pensar y qué hacer, matando la creatividad, y cómo a la vez mantener la parte enriquecedora que te recuerda de dónde eres”. Tal vez son las mujeres coreanas, atrapadas entre sus roles tradicionales y nuevos modelos de comportamiento, quienes más que nadie se ven afectadas por este tipo de interrogantes, afirma Kapelian. “Lo más duro se lo llevan las mujeres de alrededor de 30 años, porque sienten toda la presión de la tradición y a su vez observan todo lo que está disponible para ellas como mujeres libres y modernas.”

Un Mensaje Personal Con su obra, Kapelian ha realizado una notable contribución a la creciente colección de material en inglés sobre la cultura y la sociedad coreana. Cuando le preguntamos cuál es el siguiente paso para su familia en su periplo migratorio global, expresó su deseo de experimentar la vida en otros países como Vietnam, Mongolia, Camboya, Japón y Brasil (Que se preparen las mujeres de estos países para un buen interrogatorio). Por último Kapelian, al igual que sus mujeres coreanas, ofrece un mensaje personal: “Nunca dejes de escuchar. Sé tolerante y escucha a las personas que te rodean para ver quiénes son, qué necesitan. Nos concentramos tan a menudo en nosotros mismos, que nos olvidamos de permanecer abiertos a los demás y a la vida. Somos seres humanos, de modo que somos lo mismo. Está claro que tenemos nuestras diferencias y eso es lo que hace la vida interesante, así que esas diferencias no deben obstaculizar, sino enriquecer, nuestras interacciones”. (Traducido por Atahualpa Amerise).

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Opinion desde lalejanía

¡Corea, mon amour!

Carlos Bonet Country manager de Codorníu Corea

- ¡Carlos! Me han dicho que vas a trabajar en una Embajada Española en Octubre y que acaban de publicar los destinos. ¿Dónde te toca ir a vivir? - ¡Sí! ¡Me voy dentro de dos meses a Corea! - ¡Qué chulo! ¡Enhorabuena! ¿A Corea del Norte o del Sur? - ¿Perdón?

A finales de Julio de 2012, tras 10 duros meses de Máster en Gestión Internacional de la Empresa -para el cual fui becado junto con otros 229 jóvenes españoles por el Instituto de Comercio Exterior (ICEX)- se sabrían los destinos a los que nos aventuraríamos para integrarnos –durante un año y medio- en alguna de las Oficinas Económicas y Comerciales de la Embajada de España alrededor del planeta. El año de Máster implica una dura competencia contra amigos y compañeros de clase, para poder optar a una buena plaza en el exterior. Utilizo la palabra competir, porque durante un año te ves inmerso en un sinfín de exámenes y trabajos en grupo (5 personas con las que pasas más horas que con tu familia), que conforman tu nota global y tu puesto en el famoso ranking, ordenado por notas de mayor a menor. Durante el verano posterior al máster, lo que más deseas saber es cuál será tu hogar durante el próximo año y medio, tras haber pasado todo el máster viendo el programa “Españoles por el mundo” e imaginando cómo sería tu vida en un sitio o en otro. Desde el día que supe que me habían concedido la beca, siempre imaginaba a la persona que repartía los destinos con una especie de potestad divina para decidir si nuestras vidas irían por uno u otro camino. El camino que esa persona eligió para mi vida fue a diez mil kilómetros de Madrid: Seúl, Corea del Sur (al que me he referido como “mejor país del mundo” en numerosas ocasiones). Esta “coletilla” que añado tras decir el nombre del destino en el que ahora llevo prácticamente dos años, la he añadido aposta, por la cantidad de maravillosas experiencias que este país me ha brindado. En estas breves líneas no pretendo convencer a nadie de nada, ni mucho menos alardear de mi suerte con este destino. Tan solo busco enfatizar la importancia de una actitud frente a la vida que invita a querer probar cosas nuevas, a no asustarse frente a lo desconocido, y sobre todo la importancia de desarrollar la capacidad de adaptación a cualquier cosa o situación, dado lo grande que es el mundo y lo globalizado que está. Sin duda, o al menos desde

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mi experiencia, Corea ayuda que todo ello sea fácil, por lo que mi mérito es mínimo. Cuando uno toma la decisión de vivir en el exterior, máxime si se trata de un país con una cultura tan diferente a la nuestra -como es Corea del Sur- apenas queda mayor opción que asumir que todo lo que vemos y vivimos aquí es lo normal, y que en todo caso, si algo nos choca o sorprende, quizá el raro sea uno mismo. Empecemos por la comida. El primer comentario que me hizo un amigo coreano que ha vivido varios años en Londres -y al que conozco hace tiempo- cuando le comenté que viviría en su país tras el verano de 2012 fue: “¡Ay pobre! ¡No vas a poder comer nada! En Corea todo pica como un demonio...” Genial, pensé yo… Pobre ingenuo: Estaba convencido de que toleraría la gastronomía coreana perfectamente, pero ilustraré mi osadía con dos ejemplos. La segunda noche que pasé en Corea fuimos a cenar a un restaurante de noodles y pedí los picantes, creyendo que no pasaría nada, que podría comerlos perfectamente y que estarían muy buenos. Pero tras la cena, mi boca, mi estómago y mi baño pensaron lo contrario esa noche. Moraleja: Si juegas con fuego, casi siempre te acabas quemando. Otro llamativo reto culinario fue la visita al famoso Mercado de Pescado de Noryangjin. Desde luego, todos aquellos interesados en disfrutar del auténtico sabor de un paisaje costumbrista, han de asomarse a este bullicioso y colorido lugar. Aquí he comido el pescado más fresco que he probado en mi vida, y no resulta menos interesante el proceso de compra y consumo: una vez dentro de un gigantesco recinto de no fácil acceso, se amontonan cientos de puestos o mini-pescaderías, abarrotados de peceras bastante grandes pero extremadamente pobladas, carros repletos de cajas que deambulan por los pasillos a diestro y siniestro, mientras una algarabía de voces coronada por el chirrido de un afilador que repasa y vende cuchillos especializados en cortar pescado crudo, destacan entre otras mil cosas impactantes que les harán vivir una inolvidable experiencia. Tras dar un paseo por sus infinitos pasillos y de pre-

senciar numerosas ejecuciones en directo de los productos elegidos a dedo por los clientes, éstos se llevan los cadáveres a sus casas, o bien pueden optar por degustarlos en alguno de los restaurantes ubicados a unos diez metros de las pescaderías. Dado que parte del tipismo es comer in situ y probar el sabroso toque de las ahjummas o señoras coreanas que cocinan la compra, a recomendación de nuestros amigos coreanos decidimos probar el “Seng-Nakchi”. Se trata de una peculiar forma de degustar el pulpo, un pulpito pequeño que compras y te llevas vivo y nadando en una bolsa de plástico con agua, al igual que un niño saldría de un acuario con su pez de colores. La diferencia es que aquí, en menos de un minuto, el pulpo reaparece en la mesa cortadito en trocitos y moviéndose… casi como si estuviera vivo. A primera vista, no invita mucho a probarlo, sobre todo después de que la señora que lo acaba de cortar te aconseja que lo mastiques bien, para que no se te peguen los tentáculos a la garganta, te ahogues y mueras. Pero al final tus dedos, envalentonados por la distancia que separa el pulpo de tus palillos y un modesto aliño de salsa de soja y semillas de sésamo, recorren la distancia exacta del plato a tu boca y en menos que canta un gallo, te ves masticando pulpo vivo. Y si repites, ya hasta te gusta. Mi padre siempre me enseñó que “se come lo que hay y no se protesta”. Y como extranjero en Corea tienes tres opciones: Morir de hambre si te resistes a probar su gastronomía; pagar como un campeón para mantener tu dieta mediterránea, o bien puedes probar de todo e intentar apreciar la comida y la cultura coreana. Personalmente, me considero un admirador de la gastronomía coreana, por su compleja elaboración, por lo sabrosa que es y, lo más importantísimo: porque es muy sana ya que su dieta no suele abusar de rebozados o fritos. Pero salgamos ahora de los restaurantes para observar el paisaje urbano. Si hay algo que transforma la ciudad de noche, sin duda es el personal carácter que los neones imprimen a los edificios. No en vano suele hablarse de Seúl como la ciudad que no duerme y los paisajes nocturnos me siguen fascinando a día de hoy… Restaurantes, cafeterías y tiendas abren 365 días al año las 24 horas del día; al igual que hay miles de norebangs (karaokes), discotecas y bares, que abren todos los días de la semana y ofrecen gran calidad a buen precio. Por mencionar otros negocios, la tintorería que hay bajo mi casa la lleva un solo hombre y está abierta siempre. Sinceramente, creo que lleva años sin dormir. Y quizá otro de los ejemplos simples que muestra más gráficamente el nivel de servicios que ofrece la ciudad sea el McDelivery. Sí, habéis leído bien: Hamburguesas a domicilio a cualquier hora del día. Muchísimas tiendas de todo tipo abren 24 horas y, como bien podría deducirse, si abren es porque tienen demanda día y noche. Pero saltando de plano, la adaptación a Corea para poder disfrutar plenamente del país no solo es necesaria a nivel personal,

sino que también debe hacerse a nivel profesional. Hasta ahora no había mencionado que en Febrero de 2014 comencé a trabajar para un grupo vinícola español líder en vinos de alta gama: Codorníu Raventós. Actualmente contamos con tres oficinas en Asia, y yo estoy inmerso entre burocracia y trámites para abrir la cuarta, por lo que pronto estaré a cargo de la primera oficina en Corea de una empresa de vinos españoles. Para vender cualquier producto en Corea, al igual que el vino, es esencial trabajar muchísimo las relaciones. Los coreanos son extremadamente profesionales en la sala de reuniones, pero la esencia de los negocios son las relaciones personales que suelen forjarse alrededor de la comida, normalmente frente a una barbacoa coreana. En torno a las brasas los coreanos se sientan durante horas, comiendo carne, arroz y kimchi, para hablar de lo humano y de lo divino y sobre todo conocer de un modo más informal a aquellos con los que vas a negociar, tarea que a menudo facilitan tanto el soju como el magkeolli, típicos licores coreanos. Cerveza y soju suelen ser las opciones más comunes, para alternar, hábito frecuente en Corea del Sur, al margen del día de la semana que sea. Con este ejemplo vuelvo al tema de la actitud que he tratado anteriormente. Si queero hacer mi trabajo bien y seguir en Corea durante unos años, mi mayor prioridad ha de ser establecer una muy buena relación con mis clientes, y estar siempre atento a potenciales oportunidades de negocio, pero sobre todo, disfrutar el proceso. Los coreanos sabrán perfectamente si estás actuando y solo buscas vender, al igual que detectan si tienes un interés real por conocer su cultura y sus necesidades, pues una de las claves de la vida coreana es la cortesía y la atención. No solo la atención al cliente, sino el cuidar el detalle de cada gesto cotidiano en el trato diario con la gente. Tras dos años viviendo en Corea, uno de los aspectos que más me enriquece es que nunca dejo de aprender ni de sorprenderme, ya sea en el metro, en el trabajo, con los amigos de fiesta, con alguna costumbre desconocida, con algún artículo de consumo… o casi casi con cualquier cosa. Esta ciudad, al menos a mis ojos, desconoce la rutina: para mí no existe la monotonía ni una semana que se parezca en lo más mínimo a otra. La ciudad es extremadamente dinámica, rápida, viva, especial y distinta en muchos aspectos. Sorprendentemente fluida para su tamaño geográfico y de población (con sus más de 24 millones de habitantes) sin por ello dejar ser conveniente al facilitar el acceso a “prácticamente de todo en cualquier momento”. Mi padre también me enseñó que “cuando quieres algo en la vida, hay que luchar por ello hasta que lo consigues. Y si no lo consigues, al menos no quedarse con la sensación de no haberlo intentado con todas tus fuerzas”. Yo luché una vez por permanecer en Seúl, y por seguir aquí lucho todos los días. Creo que me enamoré de esta ciudad nada más llegar y ese romance de más de dos años perdura… Por eso, agradecido y sin rubor, puedo decir: ¡Corea, mon amour!

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En el camino

Gochang

Gwak Jae-gu Poeta Lee Han-koo Fotógrafo

Historias de vidas placenteras que florecen entre dólmenes Al subir a la fortaleza de Gochang miro hacia abajo por encima del pueblo. La forma en que se disponen los tejados de las casas bajas ofrece una vista acogedora. No hay un momento tan emocionante como cuando un viajero sube a la cima de esta fortaleza y mira abajo hacia la ciudad. Las casas, cada una de ellas, son vestigios de vidas, de sueños sepultados y añorados, así como de lágrimas y arrepentimientos a lo largo de la vida ante una luz de la esperanza que nunca parece llegar. Si hubiera una obra de arte que expresara completamente la compasión humana, sería esta villa, este conjunto de casas donde vive la gente.

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Pyeongsa-ri, famous as the setting of the epic novel “Land” (Toji) by Korea’s literary titan Park Kyung-ni, is a land favored by nature. This area is well-known as a literary village and for many scenic spots of great natural beauty. The House of Choe Champan, a re-creation of the eponymous house in the novel; and grains and fermented bean cakes drying outside the kitchen.

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n las antiguas dinastías coreanas, cuando los viajeros llegaban a una nueva ciudad, a menudo subían a la cima de la fortaleza y miraban por encima de los tejados para juzgar si el pueblo era un lugar adecuado para descansar de forma segura por la noche. Si las líneas de los tejados se encontraban en armonía y las flores de calabaza, las plantas de flor de seda y las flores de los melocotoneros crecían en los pequeños jardines entre las casas, entonces el viajero sonreía y decía: “Este es un buen pueblo”. Si era al anochecer, y el vapor del arroz cocido ascendía por las chimeneas de las casas por todas partes, miraría el paisaje con añoranza del hogar al que algún día regresaría. La presencia de una fortaleza en un lugar tan pacífico como Gochang es una paradoja que atestigua una historia no tan tranquila de la ciudad. Construida en 1453 para la defensa contra los invasores japoneses, esta fortaleza y otra próxima en la montaña Ibam, en Jeongeup, sirvieron como puestos avanzados de defensa de aldeas de cultivo de la región de Honam. Durante la fiesta tradicional de Jungyangjeol, la cual cae en el noveno día del noveno mes lunar de cada año, era costumbre para los residentes de Gochang pasear a lo largo de los muros de la fortaleza. Llevando una roca sobre sus cabezas rodeaban la fortaleza. Creían que al hacer una ronda se librarían de todas las dolencias de las piernas, que al dar dos vueltas repelerían todas las enfermedades, y que al hacer tres rondas se harían inmortales y entrarían en el paraíso. Sabiamente, superaban las dificultades de la construcción de la fortaleza mediante este entretenimiento.

Los dólmenes, símbolos de una vida más fácil en el más allá Los dólmenes son una clara evidencia de que, desde tiempos antiguos, Gochang fue un buen lugar para vivir. Los dólmenes, tumbas prehistóricas, fueron erigidos hacia los siglos IV y V a. C. Extendidos a lo largo de las áreas de los asentamientos de Jungnim y Sanggap, este grupo de dólmenes, inscrito en la lista del Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO en diciembre del 2000, es el mayor de Asia. La proliferación de tumbas es una metáfora histórica para la elevada población de esta zona en el pasado. Por tanto, los dólmenes indican que Gochang fue una vez considerado un lugar ideal en el otro mundo. En un día de otoño, el viajero se encuentra con libélulas rojas sobrevolando lentamente y crisantemos salvajes que tímidamente florecen. Mientras pasea entre los antiguos vestigios de la gente del pasado, puede sentir la energía de sus vidas. ¿En dónde nacieron, qué sueños soñaron, qué secretos tuvieron y a dónde regresaron? Mientras viajaba desde el Museo del Dolmen de Gochang, mirando los dólmenes esparcidos a lo largo de las colinas, ya pasados el templo de Seonum y Jilmajae, yendo hacia la costa oeste, repentinamente cayó la noche y se derramó la luz de la Luna.

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El viento sopla veinticuatro veces, la primavera llega trayendo vida a todas las cosas. Las flores del melocotonero se sonrojan bellamente, y las flores del ciruelo… ¡Oh, son tan blancas! ¡Vamos a verlas! ¡Vamos a verlas! ¡Vamos a ver las flores del melocotonero y del ciruelo! Extracto de la “Canción de las flores del melocotonero y del ciruelo” (“Dorihwa-ga”) de Jae-hyo Shin En Gochang se han conservado numerosas historias de amor tan perdurables como el antiguo color de los dólmenes. Una de ellas es la historia de amor que encierra la “Canción de las flores

1, 2. Las paredes de la fortaleza Gochang fueron construidas con piedras naturales sin labrar, por lo que ofrecen una estructura singular, no artificial. 3. En la vieja casa con techo de paja de Shin Jae-hyo, unos maniquĂes recrean a Shin enseĂąando a sus estudiantes en la habitaciĂłn del maestro. 2

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del melocotonero y del ciruelo”, indicada anteriormente. A finales del siglo XIX, durante el reinado de Gojong de la dinastía Joseon, vivía en Gochang un maravilloso cantante que se llamaba Jae-hyo Shin (1812-1884). Había heredado una gran fortuna, pero su pasión era el pansori, un estilo de canción popular entre el pueblo común de la época. El pansori es una forma única de canción narrativa representada por dos personas: un cantante, llamado sorikkun, y un tamborilero, llamado gosu, que se encarga del ritmo y de hacer exclamaciones intermitentes. Era un arte apreciado por los yangban, la élite dirigente de Joseon, y los artistas de pansori eran con frecuencia contratados para actuar en eventos y banquetes para funcionarios gubernamentales de alta posición.

Canción de sufrimiento por un amor perdido Jae-hyo Shin abrió su casa no solamente a sus familiares, sino que también reunió a su alrededor a gisaeng, cantantes y otros artistas. En su punto máximo, vivían unas cincuenta personas entre su casa y la vecindad, y entonces fue cuando Shin empezó a registrar por escrito las cinco principales piezas que se cantaban aquel tiempo: “Canción del acantilado rojo” (“Jeokbyeok-ga”), “Canción de Chunhyang” (“Chunhyang-ga”), “Canción del palacio bajo el agua” (“Sugung-ga”), “Canción de Heungbu” (“Heungbu-ga”) y “Canción de Simcheong” (“Simcheong-ga”). Estas canciones, que se transmitían oralmente y eran difíciles de fijar, fueron finalmente captadas en papel. De no haber existido Shin, no se sabe qué habría ocurrido con el pansori, un importante patrimonio cultural intangible de Corea. Las canciones de pansori encapsulan las vidas de las personas de la dinastia Joseon: sus historias de amor favoritas, sus historias vitales con sus animosidades y tristezas, la ropa que llevaban, la comida que comían, el licor que bebían y las flores y la música que les gustaban. Estas canciones bien podrían considerarse una amalgama de las vidas y el arte del pueblo coreano. Un día, Shin, reconocido mecenas de cantantes de pansori, encontró su destino en la persona de Chae-seon Jin (1842- ?). Jin, hija de un chamán hereditario de un pueblo costero de Gochang,

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1. Dosolam, una de las cuatro ermitas del Templo Seonun, es un retiro de oración asentado en la cima de un acantilado rocoso. 2. El nombre del tablero en la Puerta de los Cuatro Reyes Celestiales se distingue por su caligrafía blanca sobre fondo azul. Fue elaborado por el fallecido calígrafo de Joseon, Yi Gwang-sa. 3. -La talla de Buda en el templo de Dosalam Seonun es la mayor imagen de un Buda sentado tallado en roca de Corea. Fue directamente esculpido en la pared del acantilado de la Montaña Seonun.

era una rara belleza con una excepcional voz para cantar. Shin prodigó su patrocinio en ella, y ella se convirtió en discípula del cantante más reputado del momento, Se-jong Kim. En aquella época, el pansori era territorio casi exclusivo de cantantes masculinos; pero esto cambió con la aparición en escena de Jin. Ella era especialmente hábil cantando “Banga taryeong” (“Canción del mortero”). Se dice que, cuando cantaba, el rostro de los más famosos artistas masculinos de pansori palidecía. Pero la tragedia les golpeó cuando Jae-hyo Shin tenía 59 años. Disfrazando de hombre a Jin, la había enviado al palacio real, a Gyeongbokgung, para cantar en las celebraciones por la finalización de un nuevo edificio. En ese momento, ella captó la atención de Daewongun, el regente y de hecho la figura más poderosa del país. Daewongun era un gran aficionado al pansori y su gusto era

tal, que acuñó el término de “oído maestro”. En su tiempo, nadie tenía un entendimiento más afinado de este arte. Daewongun retuvo a Jin en palacio como cantante de la corte, separando a Jin y a su mentor, Shin. En aquel entonces, Jin tenía 24 años de edad. “El viento sopla veinticuatro veces”, la primera línea de la “Canción de las flores del melocotonero y del ciruelo”, es una alusión a la edad de Chae-seon Jin. Brutalmente separado de su querida protegida, Shin escribió esta canción de insoportable añoranza y de dolor. “En tanto que van y vienen, grandes hombres hablan / De un muchacho de buena cara y una voz divina / El más delicado que jamás habían escuchado…”. Shin había pensado enviar a Jin a palacio y mostrar su talento para gozar de mayor autoridad en el pansori. Pero Shin fue atrapado en la telaraña del mayor conocedor de pansori y acabó perdiendo a

su querida protegida. Es una historia que, incluso ahora, causa dolor en el corazón. Shin llegó a su lecho de muerte enfermo de dolor y de añoranza por Jin. Cuando Jin se enteró de su enfermedad, imploró a Daewongun que la dejara ir a verlo. Accedió a su petición y ella fue junto al lecho de su mentor y estuvo con él cuando murió. Tras la muerte de Shin, se fue cubriendo sus huellas. Nunca más fue vista ni se supo de ella. El nombre del templo de Seonum significa “meditar entre las nubes”. Según su propia historia escrita, el templo de Seonum se fundó en el 24º año del reinado del rey Wideok, del reino de Baekje. Fue construido por el monje Geondam, al servicio del rey Jinheung, del reino rival de Silla. Este templo también alberga una bella historia de amor. En el sendero hacia Dosolam, la ermita, hay una pequeña cueva llamada Cueva de Jinheung. El

Cultura y arte de Corea 47

Jilmajae es el puerto de montaña que los aldeanos de Gochang utilizan cuando viajan desde y hacia otros distritos. El nombre proviene de la semejanza de la colina con una silla de montar (como el soporte llamado “jilma”, que se colocaba en la parte posterior de un caballo o una vaca para transportar cosas). Jilmajae también es famoso por ser el escenario de los poemas de Seo Jung-ju, natural de Gochang.

La fortaleza de Gochang Esta fortaleza de piedra, construida en la dinastía Joseon (1392-1910) para defenderse contra los invasores japoneses, rodea la montaña Bangjan en Gochang. Se desconoce la fecha exacta de su construcción. La forma de la fortaleza del pueblo está preservada casi en su totalidad. El paisaje natural, incluyendo los pinares, los bosques de bambú y los yacimientos arqueológicos como la antigua hostería, han sido tan bien restaurados que la fortaleza es uno de los principales lugares históricos de Gochang. En el reino de Baekje, la región de Gochang, se llamaba Moyang buri y, por esta razón, la fortaleza suele llamarse Moyangseong o fortaleza Moyang. Está protegida por el Estado como Sitio Histórico número 145.

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El templo de Seonun Gracias a sus exuberantes bosques, valles y templos, una sección de 43,7 kilómetros cuadrados de la montaña Seonun ha sido designada como Parque Provincial. El templo de Seonun, data del siglo VI en el período de los Tres Reinos. La mayor parte de los templos budistas de Corea se localiza en hermosos paisajes de montaña. La estación más bonita en el templo de Seonum es el otoño. Los valles y el follaje otoñal que cubren las laderas de las montañas son espectaculares, y el templo también es famoso por sus campos de lycoris radiata (flor del infierno); en coreano sangsahwa y significa “flor del amor inalcanzable”.

La antigua casa de Jae-hyo Shin Este es el lugar de nacimiento de Jae-hyo Shin, el gran especialista en pansori de finales del siglo XIX. Esta sencilla casa con el techo de paja está cerrada por muros, tiene un patio cuadrado por su lado sur y un pozo en el lado suroeste. En esta casa, Shin estudió los procedimientos para las seis obras principales de pansori, escribió las letras de las canciones y formuló su teoría básica mientras patrocinaba a muchos cantantes de pansori. La casa ha sido designada como Material Folclórico Importante número 39, y hoy en día todavía se usa como escenario para actuaciones de pansori al aire libre, música de campesinos y otras artes escénicas tradicionales.

rey Jinheung, el 24º soberano de Silla, era un devoto budista y se dice que dejó el trono y pasó sus últimos días viviendo una vida monástica en esa cueva, acompañado por su muy amada esposa, Dosol, y su hija Jungae. La sed de poder era, sin duda, tan fuerte entonces como lo es hoy en día. Pero, a partir de la imagen de un rey pasando sus últimos días pacíficamente junto a su esposa y su hija en el templo cuya construcción había encargado, sale a la superficie el lado humano de Jinheung, como el loto que florece del agua fangosa. Siempre que voy a la Cueva de Jinheung, pienso en el rey de Silla que excavó esta pequeña gruta en las montañas y vivió aislado en territorio enemigo.

Jilmajae, inmerso en la soledad del poeta Si no fuera por una lamentable circunstancia, Jilmajae, situado en la población de Seonum, en el distrito de Buan en Gochang, debería ser considerado un sitio sagrado de la poesía moderna coreana. El poeta Jung-ju Seo (1915-2000), también conocido por su seudónimo “Midang”, nació en el pueblo de Jilmajae en 1915. La antología poética titulada Hwasajip (“Serpiente flor”), expresa con un lenguaje exquisito la realidad trágica del poeta, al tener que soportar el cruento destino del pueblo coreano. En el período de la ocupación japonesa, y después de la liberación, publicó una serie de poemarios, incluyendo Dongcheon, Sillacho y Jilmajae Sinhwa (“Mitos de Jilmajae”). Esta última obra es un brillante trabajo de poesía moderna coreana, que da vida al espíritu y a las vidas de la gente común. A juzgar solamente por sus obras, Jung-ju Seo debería ser considerado el poeta más representativo de Corea; pero hoy en día es condenado por los coreanos tan solo por una razón: sus inclinaciones políticas. Durante el período de la ocupación, adoptó el nombre japonés de Datsusiro Sijuo y escribió obras justificando el imperialismo japonés. En su opinión política, Seo incluso llegó a elogiar al ex presidente de la dictadura militar de Corea en los años 80, Chun Doo-hwan. En la actualidad, se puede

Jilmajae Jilmajae es la colina que hay en la carretera que va del pueblo de Seonun a la siguiente aldea, Osan. Su nombre deriva de la semejanza de la colina con una silla de montar llamada “jilma”, que se colocaba a lomos de un caballo o de una vaca como medio para transportar cosas. Jilmajae es el escenario de los poemas en “Mitos de Jilmajae”, el sexto poemario publicado por Jung-ju Seo (un importante poeta coreano moderno del siglo XX) que contiene poemas en prosa sobre rituales y tradiciones de su pueblo natal, tal y como él los vivió en su juventud. Muy cerca se encuentra la Casa Literaria de Midang, la cual atrae a Jilmajae a muchos aficionados a la literatura.

visitar en Jilmajae la “Casa Literaria de Midang”, un museo que conmemora al poeta. El poeta Jung-tae Seo (1923), de seudónimo U-ha, es el hermano menor de Jung-ju Seo. Cuando lo conocí en 1989, vivía en una deteriorada casita de techo de paja en Jilmajae. Había belleza en la forma en la que este anciano, que había trabajado como jefe de redacción en un periódico, vivía en un lugar tan pequeño y humilde. Mientras me preparaba una taza de café con sus propias manos, me dijo: “Puede censurar a Jung-ju Seo, “Midang”, pero para mí él es mi hermano mayor y su poesía es adorable”. Continuó diciendo: “Esta casa es donde, tanto él como yo, nacimos y donde permanecen las huellas de nuestros padres”. Debo preservar estos rastros mientras siga con vida. “Veinticinco años han pasado desde entonces, y ahora cada vez que se levanta, tiene que cogerse a una cuerda que pende de las vigas. Él se alza a sí mismo de este modo y, como lo hizo entonces, me prepara una taza de café. El pasado año cumplió 90 años y publicó un poemario titulado “Déjalo solo”.

Los cielos lejanos, mientras viaja el camino adelante aún la noche crece profunda tan terriblemente tranquila y todavía eso es difícil de soportar. Delicadamente, suavemente, agitándose, balanceándose las orquídeas bailan solas. Tomado de “La danza de las orquídeas”, de Seo Jung-tae. Me pareció que el poema “La danza de las orquídeas” reflejaba la vida de Jung-tae Seo. Comí con él, esperando que no fuese nuestro último encuentro en esta vida. En la carretera que lleva de Jilmajae a la costa de Hajeon, tuve una buena ocasión para ver el cosmos floreciendo y ondeando en el viento y la danza blanca del miscanto. (Traducido por Raimon Blancafort).

Los dólmenes de Gochang Unos 500 dólmenes están repartidos por toda el área del asentamiento de Jungnim en Gochang, la mayor concentración de dólmenes del mundo. En el año 2000, junto a los yacimientos en la isla de Ganghwa y en Hwasun, el de Gochang fue inscrito en la lista de Patrimonio Cultural de la Humanidad de la UNESCO. Tras su designación, se abrieron el parque y el museo del dolmen, sirviendo así como recursos turísticos importantes en Gochang. Los dólmenes eran la principal forma de sepulcro de la Edad del Bronce, y su número asciende a unos 50.000 a lo largo del mundo. De esta cifra, unos 30.000 dólmenes (un 60% del total) se encuentran en Corea, incluyendo unos 2.000 en Gochang.

El humedal de Ungok En tanto que hábitat principal de especies silvestres de plantas y de animales en peligro de extinción, el humedal de Ungok contiene la fuerza vital de los bosques primitivos. Cubriendo una amplia área de 8,54 kilómetros cuadrados, se jacta de su hermoso paisaje natural y, aunque hay contaminación en el área, el medio ambiente natural y el agua se mantienen limpios. Este humedal es resultado de una tierra cultivada y posteriormente abandonada por un largo tiempo, permitiendo así la restauración natural del nicho ecológico. En el año 2011, fue listado como sitio protegido por la Convención Ramsar de Humedales. Cultura y arte de Corea 49

Libros y Más

Charles La Shure Profesor del Departamento de Lengua y Literatura de Corea de la Universidad Nacional de Seúl Song Hyun-min Crítica Musical

Mucho más que bellos paisajes “Baekdu Daegan Corea, montañas de Corea del Norte y del Sur” Por Roger Shepherd, 147 páginas, 45 dólares / 38.000 wones. Seúl: Roger Shepherd (2013)

l ex policía neozelandés Roger Shepherd (que también fue durante ocho años guía rural y guarda forestal de safari en África) conduce a los lectores por un camino que pocos han transitado por completo, al menos en los tiempos modernos. “Baekdu Daegan Corea, montañas de Corea del Norte y del Sur” es un viaje fotográfico que transcurre a lo largo de la Península de Corea: en total 1.680 kilómetros desde del monte Paektu (o Baekdu) en Corea del Norte hasta el monte Jiri en Corea del Sur, a lo largo de la cadena montañosa conocida como Baekdu Daegan (“La gran cordillera de cumbres blancas”). Esta cadena montañosa es la columna vertebral y la principal cuenca hidrográfica de toda la península. Tal y como detalla en el prefacio, el autor descubrió por primera vez la cordillera durante una visita a Corea del Sur en 2006 y en los siguientes años regresó dos veces para hacer senderismo. No obstante, no estaba dispuesto a aceptar las limitaciones de la frontera artificial impuesta entre Corea del Norte y Corea del Sur. Su idea de continuar la marcha en Corea del Norte fue recibida positivamente por su gobierno y en 2011 comenzó su viaje a las montañas del norte, que concluyó finalmente en 2012.

Una mirada a la sociedad coreana de hoy a través del pansori “Bari, Abandonado” Por Han Seung-seok (voz), Jung Jae-il (instrumentos) y Bae Sam-sik (letra). CJ E&M, 75 minutos y 27 segundos. 18.500 wones

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Las fotografías de Cheonji (“El lago del paraíso”) en la cumbre del monte Paektu son un apropiado comienzo de viaje. La cascada de Ullim, una delgada franja blanca que adorna los acantilados escarpados y cubiertos con el brillante follaje del otoño, es sublime. Por otra parte, las rocas que parecen imposibles y las crestas afiladas como cuchillos de monte Kumgang (Geumgang) son fuente de inspiración de las tradicionales pinturas de montaña de Corea. Todos estos lugares se encuentran en Corea del Norte, y las fotografías de Shepherd ofrecen una peculiar visión de la belleza que estos parajes naturales brindan al hombre. Este libro aborda algo más que bellos paisajes, ya que los presenta de la forma más sorprendente. Al principio del libro Shepherd escribe sobre la gente que vive en el territorio conectado por la cordillera Baekdu Daegan: “juntos son una familia que puebla esta península. Todos ellos son uno solo”, comenta. La península se presenta tal y como era antes de la división –y muchos esperan que vuelva a ser así pronto-. La página 82 marca la transición de Corea del Norte a Corea del Sur. El autor deja esta página en blanco. Por un lado, como un testimonio mudo de la división de una cordillera y una península que son una sola unidad en cuanto a sus gentes. Pero quizás es también una forma de expresar la esperanza. Tal vez se reserva para un futuro en el que las dos mitades se conviertan de nuevo en un todo.

l pansori, la música que durante siglos ha provocado la risa y las lágrimas de los coreanos, está evolucionando de nuevo gracias al contacto con otros géneros musicales como la música clásica, el jazz, el pop y el rock. Creado por Han Seung-seok, un cantante de pansori que infunde vitalidad juvenil a este arte vocal del país, y Jung Jae-il, un músico con múltiples talentos, “Bari, Abandonado” es un CD que muestra la dirección futura del pansori o, más ampliamente, de la música coreana. El pansori es un género musical único en el que un cantante interpreta la melodía al son de un tambor. En este caso el instrumentista,

Crónica de una búsqueda de tradiciones vivas “Cien dedales en una caja - El espíritu y la belleza de la artesanía de Corea” Por Debbi Kent y Joan Suwalsky, 168 páginas, 39 dólares / 27.000 wones. Seúl: Seoul Selection (2014)

“C

ien dedales en una caja” es un trabajo de amor en todos los sentidos de la palabra. Sus autores conocieron por primera vez Corea a través de sus hijos adoptados coreanos. De forma natural desarrollaron un interés por la tierra natal de sus hijos y, después de una visita a Corea, también se enamoraron de su artesanía. Este libro es su manera de compartir el mundo de la artesanía coreana con lectores que de otra manera nunca podrían conocerla. Fotografías vibrantes y coloridas adornan todas las páginas, acompañadas de textos informativos que son producto de una minuciosa investigación. El libro comienza con una introducción sobre la artesanía, las tradiciones y la historia de Corea. El segundo capítulo es quizás aún más útil: una mini-enciclopedia de los símbolos que se pueden hallar en el arte y la artesanía de Corea. Estos son en gran medida las plantas y los animales, pero también incluyen los fenómenos naturales y unos pocos motivos conceptuales. La parte central del libro muestra al lector una variedad de arte-

Jung Jae-il, ofrece el acompañamiento con piano, guitarra y bajo en lugar de un tambor. Es aún más interesante el hecho de que la historia sobre la vida de una mujer, con todas sus idas y venidas, sea interpretada por dos músicos masculinos. La palabra “Bari” en el título se refiere al nombre de una princesa del folklore coreano. Hace mucho tiempo el monarca Ogu del Reino de Bulla lanzó al mar a Bari, la más joven de sus siete hijas, porque no era un varón tal y como había deseado. Bari es criada por otras personas y cuando cumple 16 años se entera de que el rey Ogu está enfermo. Se dice que la cura para su enfermedad solo

sanías divididas en siete categorías: la cerámica, el arte textil, el papel, las incrustaciones, el metal, la madera y las pinturas. Algunas de las categorías, como la cerámica, son fáciles de entender, mientras que otras como las artes de la fibra y la madera, cubren una amplia gama artística. Un ejemplo es el cuerno tallado de buey, una forma de arte exclusivamente coreana, o también las figuras funerarias. Al leer el libro se muestran de forma explícita una serie de temas. La conexión con la naturaleza, por ejemplo, destaca en el segundo capítulo; y la gran mayoría de los símbolos tienen de hecho sus raíces en la naturaleza. Los autores explican que la función de estos símbolos es fomentar la armonía entre la humanidad y la naturaleza, y para sostener su tesis presentan ejemplos específicos en cada una de las artes que abordan. Los dedales bordados que ponen título al libro, por ejemplo, siguen siendo prácticamente objetos de curiosidad en esta era de resistentes dedales modernos. Pero lo nuevo no siempre es lo mejor. En el capítulo de las pinturas, una descripción del laborioso proceso de creación de la tinta tradicional concluye con el comentario de que “los mejores cartuchos de tinta todavía son los que se hacen de la manera tradicional”. Tal vez los hilos más brillantes de entre todos los que recorren este tapiz son los conceptos de preservación y revitalización. A lo largo del texto existen menciones de cómo ciertas formas de arte han protagonizado un resurgimiento en los últimos años y el último capítulo, “La artesanía de hoy”, sondea con interés el futuro de la artesanía en Corea. En cierto punto los autores se enfocan en la etimología de la palabra en inglés “tradición”, que significa “algo que se ha enviado, entregado o confiado”. La palabra coreana “jeontong” tiene un significado similar al incorporar la connotación de “algo que se ha legado”, es decir, de una generación a la siguiente. La artesanía tradicional de Corea sigue luchando para sobrevivir a las sucesivas generaciones y prosperar en el mundo moderno. “Cien dedales” es una crónica -y también un paso más- de este proceso.

puede encontrarse en el elixir de la vida de un país lejano al oeste. Las seis hijas mayores se niegan a emprender un viaje tan peligroso; pero Bari, a pesar de haber sido abandonada por su padre, está dispuesta a embarcarse en la misión para salvar su vida. Después de muchas aventuras, la princesa regresa con el agua misteriosa pero el rey ya está muerto. Bari, sin embargo, es capaz de dar vida a su carne y sus huesos y, por este acto filial, se convierte en una diosa de la vida del más allá. Los temas de este cuento popular han inspirado obras de varios géneros literarios como novelas, poemas y cuentos para

niños, así como espectáculos musicales y de baile. “Bari, Abandonado” va más allá del cuento original al presentar alusiones a la diáspora mundial y a las dificultades de los trabajadores emigrantes. De este modo, a través del pansori, los dos jóvenes músicos no solo abordan la legendaria historia de una heroica princesa, sino también los problemas sociales de hoy en día. En resumen, “Bari, Abandonado” es una obra notable que combina emocionantes letras y actuaciones de jóvenes talentos de la música, cargados de espíritu innovador. (Traducido por Atahualpa Amerise).

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Entretenimiento

‘Han Gong-ju’, entre la desesperación y el consuelo “Han Gong-ju”, el primer largometraje del director Lee Su-jin, es una de las diversas películas coreanas que recientemente han llamado la atención en el extranjero. Después de su primer pase en la 18ª Festival Internacional de Cine de Busan el año pasado, y antes de su estreno nacional en abril de este año, la película fue noticia al obtener diversos premios en la 43ª Festival Internacional de Cine de Rotterdam, el 13º Festival Internacional de Cine de Marrakech y el 16º Festival de Cine Asiático de Deauville. Los críticos en el país y en el extranjero han aclamado la película por su delicada representación de la depresión colectiva que parece impregnar la sociedad coreana actual. Kim Young-jin Crítico de Cine

an Gong-ju (interpretada por Chun Woo-hee) es una chica atrapada en agonía tras el suicidio de una amiga y compañera víctima de una agresión sexual. Ella se cambia de escuela, y temporalmente se queda con la madre del profesor que la ayudó a mudarse. Con poco interés en adaptarse a su nueva escuela, Gong-ju apenas muestra emoción alguna ante cualquier situación. La película presenta un largo recorrido ante los espectadores, quienes poco a poco comienzan a descubrir por qué se comporta como lo hace. El director Lee Su-jin con cautela pero inexorablemente, va revelando toda la historia, poco a poco, para no presentar una exhibición cruda de la angustia de Gong-ju. Debido a un enfoque único que genera una sensación de claustrofobia, los espectadores no se atreven a entender la agonía de la niña en sus propios términos. El rostro de Gong-ju expresa la emoción sólo cuando está con su madre o su padre, o cuando torpemente responde a la buena voluntad de un nuevo amigo.

La reservada observación de la cámara La película evita el típico estilo de narración de cuentos basado en una dicotomía de agresor contra víctima, o del bien contra el mal. Traza las reacciones de Han Gong-ju tras el asalto, en vez de representar el incidente real. Como un amigo que en silencio se cierne en torno a una víctima, sin saber exactamente qué hacer, la cámara observa en silencio a Han Gong-ju a corta distancia. Poco a poco, a través de flashbacks, la película muestra todo lo que ella experimentó. Esporádicas y breves, pero en medio

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de la película, van llegando retrospectivas que revelan escenas horribles que son difíciles de ver. Gong-ju había mostrado simpatía hacia un alumno acosado, y por esta razón, un grupo de estudiantes varones asalta sexualmente a Gong-ju y a su amiga. Es sorprendente ver la poca preocupación por su sufrimiento que muestra la gente a su alrededor. Ninguno de los profesores en su antigua escuela, los policías que la interrogan, o los padres de los agresores, sienten preocupación alguna acerca de su trauma personal. Los profesores están más preocupados por la publicidad del incidente, mientras que la policía la intimida fuertemente, ante la sospecha de que ella pudiera haber atraído a sus agresores. Los padres de éstos la tratan como un demonio que desea destruir a sus hijos; e incluso sus propios padres, divorciados, muestran poca simpatía hacia ella. Poco a poco y cautelosamente el director revela, como si usara impasibles máscaras, la expresión facial de Gong-ju para mostrar su miedo interior. La película retrata el mundo aterrador vivido por una adolescente que no sabe protegerse ni esperar protección de la sociedad adulta. Visto a través de los ojos de este miedo, el mundo cotidiano de esta chica acobardada y aparentemente pacífica, poco a poco se revela como un mundo terriblemente cruel, sin corazón, donde no hay ninguna consideración hacia los demás. Su sensación de impotencia no muestra signos de aminorar, y desde el principio, la cámara se centra en las reacciones de Gong-ju mientras trata de enfrentarse al mundo a su manera. Ella pretende ser indiferente al mundo a su alrededor y no le importa hacer amigos en su nueva escuela. Pero cuando ella responde a algún

La película de debut de Lee Su-jin, ‘Han Gong-ju’, representa con su cámara en calma, la mirada de una chica agredida sexualmente que aguanta y vence al dolor.

gesto amistoso, los recuerdos de ese incidente aterrador retornan en escenas de flashback, como si fueran a hacer añicos sus esperanzas de disfrutar de nuevas amistades.

Sola frente a un mundo aterrador La película llega a un punto insoportable cuando los espectadores, al ver el poco interés de la gente alrededor de Gong-ju, que ante su difícil situación continúa felizmente con sus cosas, se preguntan cuánto tiempo ha de seguir sufriendo sola. Los espectadores quieren llegar a ella, pero al no poder, se desesperan. La señora Jo, la mujer de mediana edad con quien Gong-ju se queda temporalmente, ofrece un contraste. Jo vive sola y lleva un supermercado. Ella es una persona egoísta que vive la vida al máximo, satisfaciendo sus deseos personales a su manera. Mantiene un romance con el policía jefe de la zona, y aunque ella es golpeada por la esposa cuando ésta lo descubre, no se avergüenza de ser fiel a sus deseos. Cuando Gong-ju la ayuda a curar sus heridas, Jo dice: “El amor es más emocionante cuando es peligroso”, como si quisiera justificar su transgresión. El contraste entre la terrible experiencia de Gong-ju con asalto sexual y la descarada historia de amor de Jo, muestran cómo la película trata de desdibujar los límites de la moral y la ética. Esto parece implicar que la moral y la ética son relativas más que absolutas, mientras que el punto importante es si uno es capaz de defenderse a sí mismo. Como el padre de Gong-ju se lamenta en estado de ebriedad, tras recibir dinero de los padres de los agresores por haber accedido a no presentar cargos, lo único importante

en esta sociedad es quien tiene el poder. A diferencia de los otros personajes de la película, Jo es una persona bastante agradable, que sorprende a los espectadores. Es honesta, aunque imperfecta: en eso diferente de otros adultos hipócritas. Y esa honestidad puede salvarla de la antipatía que parece reflejar la mentalidad ética distorsionada de nuestra sociedad hoy en día. La primavera pasada, la sociedad coreana cayó en una depresión colectiva después de que el transbordador Sewol se hundiera con varios cientos de estudiantes de secundaria a bordo, al parecer debido a la falta de medidas de seguridad. Mediante emisiones en directo, el público vio con horror cómo los jóvenes estudiantes no pudieron salvarse debido a los ineptos esfuerzos de rescate. La causa del terrible accidente no ha sido claramente identificada, y los responsables sólo se señalan unos a otros con el dedo, mientras algunas voces de censura sobre la corrupción moral de nuestra sociedad, inundaban los medios de comunicación y las redes sociales. Ante esta situación, la mirada serena de la cámara en “Han Gong-ju” muestra una reflexiva introspección y un mayor consuelo que cualquier declaración de penitencia. En la película, los insensibles adultos dejan a la joven víctima temblando de miedo. Las escenas muestran consistentemente que no podemos y no deberíamos tratar de medir el abismo de la desesperación en el corazón de la joven. Las escenas llenas de vacilación, la rabia, la simpatía y la vergüenza evocan fuertes emociones. Ante la desesperación sobre el estado actual de la sociedad coreana, el director elige este método para ofrecer consuelo a las víctimas. (Traducido por Javier Castañeda).

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Delicias del gourmet

Con gejang

Jeong Eun-suk Columnista Culinaria Cho Ji-young Fotógrafa

un cuenco de arroz nunca es suficiente Ladrón de arroz. La expresión se usa para referirse figuramente a platos que estimulan el paladar y que acompañados de un cuenco de arroz, hacen que uno lo devore en un abrir y cerrar de ojos. Una mesa tradicional de Corea se compone de un cuenco de arroz u otro cereal cocido al vapor y una variedad de platos que se sirven como guarnición. Aquí, el elemento central es el arroz, mientras que los platos que lo acompañan son el medio para comer el arroz. Por eso, el plato que motiva a uno a comer arroz, como si fuera la cosa más deliciosa del mundo, es un “ladrón de arroz” sobre la mesa, que hace que quienes están sentados, vacíen el cuenco de arroz en tiempo récord. O sea, es un ladrón, pero un ladrón cuya presencia agrada. Es la guarnición que eleva el apetito.

l cangrejo, que habita tanto en el mar como en agua dulce, es desde hace muchísimo tiempo uno de los ingredientes más usados en la gastronomía coreana. Sobre la mesa se servían diversos platos preparados con diferentes tipos de cangrejos, como ggotge (cangrejo nadador), dolge o minggotge (cangrejo nadador japonés), chamge (cangrejo de Shanghai), teolge (cangrejo peludo) y otras variedades llamadas bange, nongge y chilge. Existen variadas formas de preparar el cangrejo en la cocina coreana. Puede ser cocido al vapor o usado en sopas. Pero, el gejang ha sido desde siempre el plato más popular de entre los preparados con cangrejos, gracias a que era posible conservarlo por largo tiempo y también a que era suficiente una cantidad relativamente pequeña del mismo para comer deliciosamente un cuenco de arroz. Se dice que en el pasado, la gente solía referirse al gejang como gejeot o salazón de cangrejos. Es más, cuando se produjo el hallazgo de un buque mercante que viajaba entre Corea y la Dinastía Song en China durante el periodo del reino de Goryeo (que existió entre 918 y 1392) en las profundidades del Mar Amarillo, dentro del barco fueron encontrados una tinaja gejeot y libro hecho de bambú cuyo contenido aludía a este plato en particular. Lo que se puede deducir de este descubrimiento es que el gejang ha sido parte de la dieta de los coreanos por más de 6 siglos.

La esencia del gejang es la salsa de soja Registros sobre el gejang también son fáciles de encontrar en libros sobre gastronomía que datan de los tiempos de la Dinastía Joseon (1392~1910). Tales registros presentan una amplia variedad de formas de preparar este plato -como por ejemplo, utilizando

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salsa hecha con heces de bebidas alcohólicas, vino de arroz, agua con sal, vinagre y salsa de soja-, mas sin embargo, la más antigua y tradicional es la de fermentar los cangrejos en salsa de soja hervida. En realidad, el mayor atractivo del gejang no es una fresca carne de cangrejo; pues la carne de cangrejo tras unas 2 semanas de fermentación en salsa de soja, se vuelve más suave y sabrosa. La salsa de soja, mientras tanto, es considerada la esencia del gejang por el sabor dulce que coge gracias al gusto natural de los cangrejos. De hecho, esta salsa de soja del gejang se toma con arroz o se usa como condimento para otros platos. En el pasado, el gejang se preparaba generalmente con chamge (un tipo de cangrejo de agua dulce), fácil de recoger en la desembocadura de los ríos, los arroyos o los surcos de agua de los arrozales; siendo el chamge más apreciado el de los ríos conlindantes al mar. Y de entre todos, el chamge del río Imjin de Paju capturado en otoño -a mediados de octubre- era catalogado como el ingrediente más selecto por su sabor y la abundante cantidad de huevas y entrañas. El chamge, aunque no tiene tanta carne como el cangrejo nadador de aguas saladas, es delicioso y exquisito por el olor de sus entrañas de color amarillo fuerte. Si bien se necesitan hasta 3 meses de fermentación antes de poder comer el chamgejang o gejang de chamge, debido al duro exosqueleto de este crustáceo, este plato es -sin lugar a dudas- el mejor acompañante del arroz. “Dentro de la dura cubierta, entrañas fragrantes y amarillas / Carne suave y blanca en las patas / Estos sabores nunca fueron probados / Por quienes llevaban una buena vida en los palacios. Se cuenta que las “entrañas fragrantes y amarillas” a las que aludía el escolar de mediados de la Dinastía Joseon, Yi Eung-hi

El Gejang es un plato de cangrejos enteros fermentados en salsa de soja hervida. Con la suave y deliciosa carne del cangrejo y el sabroso gusto de la salsa de soja, es uno de los platos favoritos de los coreanos.

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El mayor atractivo del gejang no es una fresca carne de cangrejo; pues la carne de cangrejo, tras unas 2 semanas de fermentación en salsa de soja, se vuelve más suave y sabrosa. La salsa de soja, mientras tanto, es considerada la esencia del gejang por el sabor dulce que coge gracias al gusto natural de los cangrejos.

(1579~1651) en su poema, se referían precisamente al chamgejang. Seguramente lo que quiso retratar en estos versos fue el sabor del gejang, que armonizaba mejor con la dieta simple y modesta del pueblo que con las suculentas comidas de reyes y nobles. Aún hoy en día existen muchos restaurantes que sirven el chamgejang, que es considerado un manjar, en las localidades de Jeokseong-myeon en la ciudad de Paju, y de Baekhwa-myeon en el distrito de Yeoncheon, por donde atraviesa el río Imjin.

Del sabor profundo y fuerte, a la espléndida frescura de lo crudo A día de hoy, el gejang se prepara mayormente con ggotge, que es un cangrejo de mar. Se estima que fue entre las décadas de 1960 y 1970 que el ingrediente principal del gejang cambió del cangrejo de río al cangrejo de mar. Esta sustitución se debió a la disminución de la cantidad de cangrejos de agua dulce y a la creciente captura de cangrejos de mar, como resultado del desarrollo de las técnicas pesqueras y la sofisticación de las tecnologías de refrigeración. Asimismo, influyeron la mejora del nivel de vida de las personas y la diversificación de su dieta diaria, que hicieron que la gente prefiriera el ggotgejang o gejang de ggotge -que requiere de un menor tiempo de fermentación y tiene un sabor mucho más exquisito, gracias a la abundante cantidad de carne que tiene el cangrejo de mar- por encima del chamgejang -que tiene menos carne y es más salado-. Los meses de abril y mayo son la temporada de cangrejos, y entonces, las amas de casa se ponen a trabajar y sus hogares se llenan del delicioso olor que se produce al hervir la salsa de soja casera con ajo, cebolla y jenjibre. Una vez terminado este proceso, colocan en una tinaja los cangrejos hembra limpios unos sobre otros, de manera que su caparazón mire al fondo del recipiente, para luego verter por encima la salsa de soja hervida. Más tarde, la salsa de soja se retira de la tinaja para hervirla y verterla de nuevo sobre los cangrejos. Esta tarea se repite unas dos o tres veces más. Finalmente se deja fermentar el ggotgejang durante aproximadamente dos semanas. Cuando el gejang está en su punto, la fami-

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lia se sienta alrededor de la mesa y se sirve un menú simple con este “ladrón de arroz”. Así, el gejang sube a la mesa familiar durante varios días y aún cuando se agotan los cangrejos, la salsa de soja que retiene el sabor de los cangrejos es servida como una buena guarnición al lado del cuenco de arroz, durante al menos una semana.

Restaurantes especializados en gejang La cultura de ir a un restaurante para comer gejang, no data de hace mucho. Es más, los restaurantes especializados en este plato, por muy antiguos que sean, tienen una historia de no más de 30 años. Sin embargo, hoy en día, gozan de una enorme popularidad entre los gourmets los restaurantes de chamgejang a las orillas del río Imjin en la provincia de Gyeonggi, y del río Seomjin en la región de Gyeongsang; o los que sirven el dolgejang de Yeosu de la provincia de Jeolla. Asimismo, existe una gran concentración de restaurantes de ggotegejang de muy buena reputación a lo largo de la costa oeste de Corea, en localidades famosas por la captura de cangrejos de mar, como Gunsan, Seosan, Buan y Mokpo. Sobre todo, Gunsan destaca por el ggotgejang o gejang de cangrejo de mar como su plato regional más representantivo. En Seúl también hay una zona conocida por sus restaurantes de gejang: Se trata de “la calle de gejang de Sinsa-dong”. Se formó hace tres décadas, cuando los dueños de un restaurante sirvieron gejang como plato acompañante, y éste se volvió popular entre los jugadores profesionales de béisbol. Desde entonces, en la zona empezaron a abrir otros restaurantes de gejang. Actualmente, en estas calles, a menudo se ven extranjeros que vienen a comer gejang, incluso mezclando arroz con las entrañas en el mismo caparazón del cangrejo, tal y como hacen los coreanos. En particular, el gejang es muy codiciado entre los japoneses, que están muy familiarizados con los alimentos crudos y la salsa de soja. Definitivamente el paisaje de esta zona de Seúl demuestra cuánto ha cambiado el “estatus” del gejang, que hace 100 años fue visto por un extranjero que viajaba por la Dinastía Joseon, como “langostas saladas y servidas en un pequeño plato”. (Traducido por Joo Hasun).

1 1. El Ggotge (o cangrejo azul), con su rica carne dulce, es el mรกs apropiado ingrediente para cocinar gejang . 2. Como el sabor de los huevos de cangrejo es tan especial, para preparar gejang se utilizan sobre todo cangrejos-hembra. 3. El interior del cangrejo y los huevos, junto al arroz y la salsa de soja, todo mezclado y servido en la cรกscara, aseguran un excelente plato.

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Estilos de Vida

Anuncios omnipresentes Kim Sang-kyu

Profesor del Departamento de Diseño de la Universidad Nacional de Seúl de Ciencia y Tecnología Cho Ji-young Fotógrafa

Venta ambulante de sueños, inquietudes compartidas

Apartamentos en Venta. Actuaciones musicales. ¡En venta! Cierre de comercios. Apertura de negocio. Lecciones de inglés y Tutoría. Ofertas de préstamos... El nuestro es un mundo en el que innumerables anuncios, pancartas y banderolas, gritan continuamente sus mensajes a los transeúntes. Están por todas partes y conforman un panorama del que nadie que viva en una ciudad metropolitana como Seúl puede escapar. Pero… ya que no podemos dejar de ver estos anuncios a nuestro alrededor, vamos a descubrir qué nos dicen.

ada mañana, la mayoría de nosotros contempla escenas no muy diferentes a las del día anterior. Adultos que pasan de largo caminando a toda prisa, o colegiales que a menudo van como locos corriendo a la escuela. Pero, ¿qué pasa si un día alguien con una banda roja o azul sobre uno de sus hombros bloquea tu camino y te saluda efusivamente? Puedes estar seguro de que detrás de esa persona hallarás una gran pancarta o anuncio colgante, con un adorno de color rojo o azul a juego, alentando a algún candidato o partido político. Cada vez que una de esas nuevas banderolas aparece en las calles de mucho tránsito, es que algo importante está sucediendo en negocios o en política.

Mensajes de buena voluntad convertidos en anuncios Durante la temporada de elecciones, el centro de la ciudad se convierte en una maraña enredada de anuncios y banderolas de campaña, que escupen extrañas consignas, mientras ocupan todos los rincones imaginables de tu línea de visión, desde el suelo hasta los más altos rascacielos. Pero cada vez más personas protestan por esta invasión de banderolas de anuncios gigantes que aletean en cada edificio, profanando el rostro de la ciudad; e incluso algunos maldicen esta “contaminación mediática de banderolas”. Pero cuando las elecciones terminan, apenas nada cambia en el paisaje urbano, excepto el mensaje, que ahora dice: “¡Gracias!”. Los ganadores de las elecciones y sus partidos, con-

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tinúan abordando a los votantes con estas omnipresentes banderolas publicitarias, que operan como sutil recordatorio para las próximas elecciones. Este mismo patrón egoísta de publicidad prevalece en ese supuesto reino de altas miras que es la academia: máxime en la temporada de pruebas de acceso a la universidad. Es más, diversas escuelas de secundaria y academias cuelgan enormes pancartas en sus edificios que dicen: “¡Felicidades!”. Orgullosamente exhiben los nombres de sus estudiantes exitosos, para felicitarles por su arduo trabajo y por haber accedido a las universidades de élite. Pero está claro que estos institutos y academias tienen un motivo egoísta al colgar estos carteles, ya que realmente dan a entender: “Nuestra escuela de secundaria es excelente” o “Nuestra academia es de primera clase, así que, inscríbase ahora”. Los críticos dicen que estos anuncios colgantes incitan al máximo la competencia durante los exámenes de ingreso a la universidad -cuando las escuelas de secundaria se centran indebidamente en las admisiones a las universidades de primer nivel- al considerar como méritos propios las calificaciones de los exámenes de ingreso de sus graduados; elevando así la preocupación sobre la igualdad de oportunidades educativas. En realidad, desde hace unos años las escuelas de secundaria tienen prohibido colgar esos anuncios. Sin embargo, algunos padres se quejan de que necesitan la información que proporcionan esas bandero-

En muchas partes del centro de Seúl, los anuncios se abarrotan desordenadamente, por eso algunas voces denuncian firmemente la “contaminación publicitaria”.

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las para valorar las escuelas. Así, sencillos mensajes de buena voluntad, contienen los saludos comunes como “¡Gracias!” o “¡Felicidades!” en publicidad indirecta. Y aunque la gente no ignora estas intenciones ocultas, no parece importarles.

Compartir preocupaciones mediante palabras de consuelo Si una banderola publicitaria aparece de repente junto a una carretera o al lado de un paso de peatones, uno puede adivinar al instante que alguien está buscando testigos de un accidente cuyo conductor se dio a la fuga. Ese anuncio debe haber sido colgado con la ardiente esperanza de encontrar al culpable gracias a la ayuda de testigos oculares. Las pancartas de este tipo tienen un precedente, pues se utilizaron como instalación de arte. En la Bienal de Gwangju 2002, Yoon Dong-chun inundó varios puntos de la ciudad con anuncios que imploraban: “Se buscan testigos”. Esta instalación evocaba recuerdos de las banderolas con anuncios que fueron usadas en mayo de 1980, para buscar a una persona desaparecida por la represión violenta de los militares, durante el levantamiento en Gwangju a favor de la democracia. Las banderolas de Yoon expresaban un ardiente y sincero recuerdo para que esas víctimas no fueran olvidadas. La intersección de Gwanghwamun en el centro de Seúl es una zona muy transitada por vehículos y peatones. Aprovechando la gran actividad de ese hiperactivo cruce en el centro de la ciudad, cada edificio alberga una pantalla electrónica gigante, que ince-

santemente parpadea y escupe uno u otro eslogan, como si se hicieran competencia entre sí. Aquí, cualquier mensaje tranquilo en una esquina llama la atención. Desde 1991 se han colgado pancartas con mensajes sencillos, siguiendo una sugerencia del fundador de Kyobo Life Insurance. Originalmente, estos anuncios o banderolas contenían sobre todo frases inspiradoras, pero durante la crisis financiera asiática de 1997-1998, su mensaje cambió, y ofrecía palabras de consuelo a los desempleados ante unas circunstancias económicas y sociales deprimentes. Pero además de la ya famosa banderola de Kyobo, otras que ofrecen mensajes sobre temas de interés público pueden encontrarse hoy en día. Recientemente, muchas envuelven los edificios de la ciudad para recordar la tragedia del ferry Sewol. Tal es la invasión que incluso algunos edificios expresan sus condolencias por las víctimas, entre anuncios comerciales.

Un reflejo del espíritu de los tiempos Un típico campus universitario coreano es un bosque de anuncios y pancartas durante todo el año. Cuando comienza un nuevo semestre, hileras de banderolas ondeando al viento aportan una sensación de vigor y promesa para los estudiantes, a la vez que son un resorte para sus pasos, sobre todo a lo largo de las angostas calles que conducen a los edificios principales. También hay tablones de anuncios de información, pero las banderolas se utilizan para lograr una comunicación más eficaz. Clubes de estudiantes que reclutan miembros, información sobre exámenes de

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1. ‘Buscando al Testigo’ (2002) de Yoon Dongchun, un trabajo de dimensiones variables impreso sobre tela, fue presentado en la Bienal de Gwangju 2002. Los anuncios se establecieron por varios lugares de la ciudad, y son ejemplo de un caso donde los anuncios se convirtieron en el motivo de una obra de arte.

2 3

2, 3, 4. La marca Reblank, reutiliza viejos materiales publicitarios para fabricar productos de diseño especial, tales como bolsas y cajas de lápices, que están recibiendo una respuesta positiva

inglés como el TOEFL y TOEIC, anuncios de eventos del consejo estudiantil, ideas políticas... Hay tantos anuncios y banderolas como posibles mensajes. Caminamos entre anuncios que cuelgan arriba y abajo en cada calle, junto a las carreteras y en cualquier lado, igual que si abriéramos una de esas páginas de internet en la que saltan banners y pop-ups sin parar por todas partes. Hasta no hace mucho, los principales medios utilizados en los campus universitarios para despertar el interés de sus transeúntes, y lograr que las multitudes se preocuparan o adhirieran a una causa, eran los carteles escritos a mano y las fotografías. Las pancartas jugaron un papel histórico durante las oleadas de los movimientos democráticos dirigidos por los estudiantes en la década de 1980. En todos los puntos del campus donde se llevaban a cabo las reuniones, podían verse mensajes inflamatorios, e imágenes pintadas a mano sobre serpentinas de tela que colgaban como un omnipresente telón de fondo. Una cacofonía de opiniones sobre temas de actualidad abarrotaba los pasillos de carteles escritos a mano y pegados en las paredes. Por aquel entonces, los alumnos prestaban atención a lo que decían estos carteles. Pero los jóvenes de hoy en día se mueven a un ritmo

más rápido y usan mensajes cortos, por lo que actualmente son más efectivos los anuncios y las banderolas, que colgar imágenes o carteles escritos a mano. El aluvión de anuncios que cada día inunda Corea, implica que hay muchos lugares que los producen. En los distritos de negocios, no es difícil encontrar tiendas donde diseñar o imprimir banderolas. También se pueden solicitar a través de Internet, a precios a menudo más bajos. El producto terminado se entrega en Corea con mayor rapidez que en cualquier otro país. En las últimas elecciones locales de junio, innumerables pancartas fueron colgadas por todas partes. Pero… ¿dónde están ahora? Banderolas y pancartas obsoletas, a menudo insertadas ilegalmente a lo largo y ancho de las calles, suelen ser quitadas y eliminadas por los gobiernos locales. Aunque a veces esas banderolas pueden ser recicladas para diversos usos. Por ejemplo, hay un proyecto público que utiliza banderolas viejas de anuncios para hacer las bolsas de asas; mientras que diversos grupos cívicos supervisan este esfuerzo de reciclaje, que ayuda a ahorrar recursos y a proteger el medio ambiente. (Traducido por Javier Castañeda).

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VIAJE A LA LITERATURA COREANA

Crítica

La lectura le hará sentirse libre

Gyung-uk Kim (n. 1971) tenía unos veintitantos años cuando empezó su carrera literaria y era un “autor que no se leía siquiera un libro”. Luego, se produjo un giro total gracias a la novedad casual de contar con materia prima disponible, haciendo de él un escritor que narra “leyendo todos los libros del mundo”. Esa obsesión se manifiesta en su relato “Lectura peligrosa”, en el que mediante la profesión del protagonista, un terapeuta de lectura, hace que los lectores experimenten un colorido viaje por el mundo de los libros.

Chang Du-yeong Crítico Literario

n el relato “La reina milenaria” de Kim Gyung-uk encontramos a un hombre que trabaja día y noche escribiendo novelas. Para obtener reconocimiento como novelista dejó su trabajo, abandonó la ciudad y se retiró a su estudio en la profundidad de la montaña, donde recorrió los sufrimientos de un escritor. No tardaron mucho en llegar los halagos por su creación literaria y, de inmediato, aquellos sufrimientos se transformaron en placeres. Pero, su mujer le comentó que le parecía haber visto ya en algún lugar borradores o contenidos de las novelas que él había escrito con tanto esmero. Al comprobarlo en las obras que su mujer le había mencionado, sufrió una incontenible frustración. Al prolongarse ese estado en el hombre, el sufrimiento que padecía no era más que una inútil agonía. El hombre resumía su situación de esta manera: Existen dos formas de construir un mundo original. No leer « ningún libro o leérselos todos». (“La reina milenaria”) Si consideramos esta obra como metaficción, el “sufrimiento de un escritor” experimentado por el hombre es una ficción basada en la agonía y alegría del propio autor, Gyung-uk Kim. Claro que en “Lectura peligrosa” advierte a los lectores de que no cometan el error habitual de identificar a los protagonistas con el autor, pero no es más que una conjetura descabellada. Aun así, si reconsideramos la noción del autor de que la gente puede definirse como un “libro que debe leerse”, no es otra cosa que leer en un individuo el retrato del autor que se esfuerza tanto como puede por escribir. La carrera literaria de Gyung-uk Kim, de más de veinte años, pudo

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haber estado llena de continuos momentos de dolor y de euforia. Comentó una vez que el proceso de construcción de su propio mundo requería de “miles de mañanas y noches”. Cuando Gyung-uk Kim empezó como narrador ya tenía veintitantos años y era, según sus propias palabras, “un escritor que no había leído un solo libro”. La inspiración producida por la novedad casual de disponer de materia prima solamente fue posible porque no había leído ningún libro. Un nuevo narrador deja escritas las experiencias de la vida, las preferencias culturales y la sensibilidad de la generación contemporánea joven. Absorbe ampliamente, como propiedad literaria propia, los puntos claves de la década de 1990: el cine, el jazz, el café, la depresión y el aburrimiento. Para los escritores de esa época, en la creación de un mundo original, bastaba con exteriorizarse tal como eran ellos. Eso es lo que caracteriza a la mayor parte de las obras publicadas a principios de la primera década del siglo XXI. Desde mediados de esa década y en adelante, Gyung-uk Kim empezó a mostrarse como un autor que “había leído ya todos los libros”. Este cambio se comprueba en su decisión de escribir ficción histórica. En su novela “El reino milenario” (2007) establece como telón de fondo la dinastía Joseon del siglo XVII y describe las costumbres de esa época, delineando las experiencias y los sentimientos internos de Weltevrea, un navegante náufrago holandés. Para poder recrear el pasado y estimular la imaginación es indispensable consultar infinidad de fuentes. Únicamente después de admitir el mundo que otros han construido y de asimilarlo como propio se empieza a dar alas a la imaginación.

En el relato “Lectura peligrosa”, que titula la colección que lo contiene, se describe más claramente la aspiración de un escritor de hacer uso de la narrativa después de “leerse todos los libros”. Al tratarse de una obra en la que el protagonista posee una ocupación inusual como “terapeuta de lectura”, puede hacer referencia a obras de diversos autores. No se detiene en las obras principales de escritores como Friedrich Nietzsche, Albert Camus, Vladimir Nabokov, J. D. Salinger, Milan Kundera y Osamu Dazai, sino que se extiende hasta las novelas de detectives como El halcón maltés de Dashiell Hammett, mencionándose una tras otra en un impresionante estilo. La admiración que provoca la “Lectura peligrosa” no es tan solo por la colorida travesía intelectual del protagonista. La actitud del protagonista, que al principio se dirigía a “tú” menospreciándola mientras la trataba en las sesiones de consulta enardeciéndose de sus conocimientos literarios, se agrieta a medida que progresa la narración y, al final, se encuentra al borde del colapso. El terapeuta, armado de su superioridad intelectual, se derrumba ante el sexo opuesto y los efectos de la lectura intelectual, que supuestamente curarían sus adoloridas heridas, se vuelven insignificantes al confrontarse con simples placeres mundanos como ver series de telenovelas o actualizar una página web. La espléndida lista de títulos de libros y las especulaciones teóricas sobre literatura se empobrecen a medida que se desarrolla el relato y, en el proceso de establecer el significado de la lectura, se produce cínicamente una total inversión de esa dirección. El aspecto de metaficción que el autor manifiesta no se restringe a las obras “Lectura peligrosa” y “Reina milenaria”, sino

que se extiende a las demás obras de su colección. En obras como “El pistolero Mac Donald en operación”, “Soledad en arrendamiento”, “Las reglas de juego”, reconstruye objetos, fenómenos y lugares ordinarios con el objeto de alcanzar un profundo entendimiento de la sociedad actual. Haciendo uso de elementos de la vida ordinaria, como el béisbol, las cartas de amor y los concursos de preguntas y respuestas, añade sarcasmo y humor. En el prefacio relaciona sus aspiraciones por escribir con el deseo de leer todos los libros. “No sé desde cuándo, pero todas las cosas me parecen libros. La lectura es peligrosa porque hace que te mires a ti mismo”. Es evidentemente contradictoria la afirmación del autor de que escribir no es sino leer, que leer a otra persona, que es un libro, es lo mismo que leerse a uno mismo. Sin embargo, logra demostrar con su obra que eso no es nada contradictorio. Todos los relatos recogidos en Lectura

peligrosa son historias de personas ajenas recreadas por el autor que, al mismo tiempo, ya hechos ficción se han contextualizado, pero que en realidad son propias del mismo autor. El autor, deseando leerse todos los libros, propone al lector el juego de lectura de un texto que solemos llamar el mundo. “Esta vez te toca a ti. Léeme a mí”. Esta propuesta es sumamente apasionante. Como dice Rolando Gérard Barthes, las reglas del juego puedo decidirlas yo, que soy el lector, y según esas reglas puedo disfrutar ampliamente leyendo el texto, y eso es lo que absolutamente me favorece. Aun así, el autor nos dice que la lectura es peligrosa, porque hace que nos examinemos despiadadamente a nosotros mismos. Sin embargo, como es posible obtener la libertad mediante la lectura, por mucho que perdamos algo no será tampoco en gran medida. La libertad se consigue al descubrirse uno mismo observando y comprendiendo a otros y el mundo en el que vivimos. (Traducido por Kim Un Kyung).

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