Tiempos Modernos #12 by Tiempos Modernos Villa Mercedes

#12> CULTURA-ACTUALIDAD-ARTE-SOCIEDAD> AÑO 2> JUNIO 2014

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Cinco años sin

Michael Jackson

Informe especial

Arte Callejero en V. Mercedes

Música

Solistas no tan solas Aeronave USMI

El evento teatral del año

I2ºI FESTIVAL DE ESTRENOS escribe Luis Palacio

Reseñas

ArteBA 2014 Entrevistas

Daniel Melero Lucas Marti

balcarce 560

Cool & Art

buenos aires 62

sumario

# 12 TEATRO

CULTURA

MICHAEL JACKSON

A cinco años de su muerte.

2º FESTIVAL DE ESTRENOS Informe especial sobre el evento teatral del año. Escribe Luis Palacio.

´ MUSICA

ARTE DANIEL MELERO Sus quehaceres actuales. Entrevista exclusiva.

ArteBA 2014 Reseña

21 ACTUALIDAD

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Director JEREMÍAS PEREYRA Diseño EDITORIAL TIEMPOS MODERNOS Fotografía ornela guillaumín Redacción Gastón Stein CARLA SILVA paula pino césar fazzio Depto. Comercial valeria sanchez lucero (02657) 1556-8612 (02657) 1550-1719

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ARTE CALLEJERO EN LA CIUDAD Una recorrida por este fenómeno junto a sus protagonistas

>MÚSICA: ’Solistas no tan solas’

>CULTURA: Artistas organizados - USMI

>ENTREVISTA: Lucas Marti

>HUMOR: Felices los ñoños.

ARTISTAS CIUDAD DE SAN LUIS – CICLO SOLISTAS NO TAN SOLAS

Una tropa de mujeres al servicio de la canción La 39º edición del ciclo nacional Solistas no tan solas transcurrió el 7 de junio pasado en Casa Azul. Artistas de Buenos Aires, Mendoza y San Luis, que habitualmente tocan en solitario, compartieron escenario en una experiencia y una modalidad únicas en el país.

na verdadera troupe de mujeres artistas se juntó para experimentar en conjunto lo que habitualmente hacen en solitario. Fue durante la 39º edición del ciclo nacional Solistas no tan solas, el pasado 7 de junio en Casa Azul, ciudad de San Luis. Este evento itinerante que desempaca en todo el país, propone un solo set con todas las artistas en escena al mismo tiempo. Forman un semicírculo y a la música no le queda otra que fluir sin demasiados límites. G u a d a l u p e Me d i a v i l l a , d e V i l l a Mercedes, Nadia Zoe, May Alba, Claudia Prett y Flor Bordagaray fueron el componente local del encuentro. Por su parte, la mendocina Yamila Chelar y Luz Casares, de Buenos Aires, aportaron el tinte federal al evento. Según detallan los organizadores: “El ciclo tiene como fin generar un espacio de difusión, encuentro y experimentación entre mujeres artistas que llevan adelante proyectos en solitario y buscan compartirse en la expresión de su arte. Debido a las características del formato, cada encuentro es un paseo único e irrepetible a través de las canciones, emociones y los sentimientos que cada solista aporta al semicírculo; es así que se logran infinitos matices de acuerdo con los sonidos, las melodías y las palabras que proponen estas mujeres en ensamble”.

El ciclo propone un performance colectiva a partir del repertorio individual de cada artista.

Pero no todo fue música. También hubo cabida para las visuales. Ahí aparecen Brenda Opazo (San Luis) y Mayi Solis (La Plata). Los espectadores se llevaron en la retina una experiencia poco común en la que el formato tradicional de 'espectáculo' se vuelve menos rígido y es susceptible de ser ignorado. Por último, la organización dejó bien en claro que los objetivos son crear redes e intercambios fructíferos y creativos, inspirar e inspirarse; porque, como ellos dicen: “Juntarse y compartir, es contagioso”.

Aeronave presentó nuevo single Se llama ’Planta’ y está disponible en goear y dropbox.

l nuevo single del último disco de Aeronave ya está disponible y listo para el deleite de los seguidores de la banda mercedina. Directo a la parte del cerebro que procesa el baile, la canción oscila hipnóticamente al ritmo de un funk visceral, casi de antaño, y la voz cruda y presencial de Cynthia Lucero. El fruto de años de trabajo autogestivo comienza a vislumbrar en forma de disco físico, el primero de la banda. Quienes quieran una probada de este bocadillo funk, pueden acceder desde la página de Facebook del grupo: facebook.com/aeronave.vm.

CULTURA EL ÚLTIMO MITO DE LA MÚSICA POP

Michael Jackson (1958-2009) cinco años despúes del genio El pop era Michael Jackson. Detrás de un perﬁl desequilibrado y frívolo se escondía un auténtico genio que sintetizó en su música lo mejor del funky, el rhythm & blues y el soul. A cinco años de su muerte, repasamos sus vida y cómo fue que logró torcer sin remedio el rumbo de la cultura, la industria y la estética de la música pop.

s difícil imaginar el mundo del pop sin Michael Jackson. Era el epicentro del negocio musical. La estrella que mejor resumía un género al margen de lo académico, basado en el talento natural, la sencillez y la capacidad para conectar con el gran público. Jackson era un cantante y compositor contemporáneo, directo, sin dobles lecturas, diseñado para crear melodías pegadizas, bailes contagiosos y discos de éxito. No busquen en sus canciones compromiso social, virtuosismo instrumental o alardes intelectuales. Michael Jackson era el rey del pop. Nada más y nada menos. Hizo del videoclip un arte. Y de los conciertos un espectáculo total. Sólo de Thriller, su obra maestra, el disco más famoso de la historia de la música, se han comercializado más de 110 millones de copias. Era el motor del pop durante los ochenta y noventa, una época dorada que jamás regresará.

En 1969 los Jackson Five ganaron un concurso para jóvenes talentos que se celebró en el legendario Apollo Theatre de Harlem y recibieron una oferta de Berry Gordon Jr., el capo de Motown Records, la compañía discográfica más importante en la historia de la música negra. El éxito de Michael Jackson rompió todas las barreras y superó los límites conocidos de la música negra. Las dificultades de los artistas de color para acceder al gran público se hicieron añicos ante la facilidad del pequeño de los Jackson para abrir mercados. Convirtió el videoclip en un ambicioso ensayo cinematográfico promocional, diseñó coreografías futuristas que revolucio-

El 26 de junio de 2009, Michael Jackson murió de un paro cardíaco en su mansión de Los Ángeles.

naron los conciertos y, sobre todo, reinventó la música popular. Sólo un músico como él, absolutamente genial, era capaz de sintetizar diferentes géneros bajo un concepto globalizador: el pop como matriz de los estilos negros, desde funk al gospel, pasando por el soul o el breakdance.

Su Thriller lo convirtió en una superestrella. Y pagó por ello un precio demasiado alto. Los desajustes emocionales le invitaron a pasar por el quirófano para cambiar su cuerpo La voz de Michael Jackson, muy personal y con un amplio e inconfundible registro, disparó la carrera de un niño prodigio que con sólo cuatro años recorrió Estados Unidos actuando cada noche junto a sus hermanos, los Jackson Five. “No tengo un concepto claro de infancia”, reconoció en una entrevista en los años 80. “Tal vez por eso ahora me gusta vivir la vida con un juego, y disfrutar de las diversiones infantiles, de los animales, de los cuentos. No he sido nunca un verdadero niño”. En 1969 los Jackson Five ganaron un concurso para jóvenes talentos que se celebró en el legendario Apollo Theatre de Harlem y recibieron una oferta de Berry Gordon Jr., el capo de Motown Records, la compañía discográfica más importante en la historia de la música negra. Diana Ross adoptó al grupo y se convirtió en su

madrina: “Tengo el placer de presentarles esta noche a una joven estrella que ha trabajado en el mundo del espectáculo durante toda su vida y que cuando canta y baila ilumina el e s c e n a r i o : Mi c h a e l Ja c k s o n y s u s hermanos, The Jackson Five”. La bola de nieve había comenzado a rodar, y ya nadie podría pararla, a partir de este momento el éxito jamás lo abandonaría. Su T h r i l l e r l o c o n v i r t i ó e n u n a superestrella. Y pagó por ello un precio demasiado alto. Los desajustes emocionales le invitaron a pasar por el quirófano para cambiar su cuerpo. “Michael es la persona más frágil que he conocido”, l l e g ó a a f i r m a r Q u i n c e Jo n e s , s u p r o d u c t o r. S u m u e r t e s u p o n e l a despedida definitiva a una forma de entender el espectáculo tan lúcida e inspirada como persuasiva. El mito de la Motown convirtió las etiquetas en arquetipos, rompió todas las barreras (visuales, sonoras y raciales) y consiguió con sus canciones una descripción apabullante de todos los escenarios que conforman la música pop. Brillante, optimista, carismático, excéntrico, genuinamente divertido, con su punto de pretenciosidad y su descomunal respeto por la música, Michael Jackson, la última gran estrella pop, ha ejercido una influencia trascendental en la cultura de las últimas décadas. Por eso, para su obra ya no pasa el tiempo.

ACTUALIDAD ARTE CALLEJERO EN VILLA MERCEDES Y SAN LUIS

Me voy corriendo a ver qué escribe en mi pared la tribu de tu calle Vencedores vencidos - Patricio Rey y sus redonditos de ricota

Para una nueva generación de artistas, las calles de la ciudad son el lienzo donde plasmar su obra. En Villa Mercedes y San Luis esta tendencia ha tenido un proceso particular que la hace única. En un informe especial, hablamos con los protagonistas de esta corriente de expresión que se impone a paso seguro en las paredes y en la opinión pública. CÉSAR FAZZIO Redacción

a idea o el concepto del arte callejero, o arte urbano, engloba a toda intención artística de intervenir el espacio público ya sea p a r a d e n u n c i a r, e m b e l l e c e r o sorprender al transeúnte y sacarlo de su rutinario transitar. El arte callejero es una de las tantas formas de entender, atacar y transformar el mundo. La relación se hace cada vez más estrecha, prolífica y fértil entre el arte contemporáneo y el arte callejero cuando este último toma piezas clásicas para re significarlas, ubicándolas en un espacio que no le pertenece o a la inversa: cuando el artista urbano interviene con sus piezas en el museo sin que estos siquiera lo sospechen como es el caso del artista callejero 'Banksy`. “Anti salió a la calle y volvió indignado. Como siempre, pasaban cosas grosas en la provincia y parecía que a nadie le importaban. O, si les afectab a , p e r m a n e c í a n i n m u t a b l e s. Recuerdo que se comunicó conmigo

Por la esquina de calle Buenos Aires y General Paz ha pasado Vade.

y me dijo: 'Salí a dar una vuelta y nada; en las paredes la gente no escribe nada. Solo giladas como 'Te abrocho 2008' o 'Apoyemos al ciclismo infantil'… tenemos que hacer algo. Te paso una imagen de un artista. Fijate a ver qué se te ocurre'. La imagen era un stencil de Banksy, que me voló la cabeza… eso bastó para que comenzáramos a trabajar juntos en var ios stenciles que pondríamos en la ciudad de San Luis y Villa Mercedes”, contó el artista Zipprio.

La imagen era un stencil de Banksy, que me voló la cabeza… eso bastó para que comenzáramos a trabajar juntos en varios stencilesque pondríamos en la ciudad de San Luis y Villa Mercedes Zipprio . Así fue como en nuestra provincia, casi a mediados del año 2009, surgieron piezas que retrataban al, por aquel entonces gobernador, Alberto Rodríguez Saá con un gorro de Mickey Mouse acompañado con una leyenda: MI REINO-MIS REGLAS. En otra se lo veía acompañado por E.T. como fórmula presidencial para el 2011 (la inclusión final) y en una tercera aparecía con unos bigotes recortados pregonando “parcelas de inclusión”. Los tres stenciles iban acompañados un por una dirección web, hoy fuera de servicio, a modo de firma: 'antitrasnochados.blogspot'. Ahí se encontraban los agudos textos que fundamentaban ese descontento.

ACTUALIDAD Esta acción tuvo su réplica en Villa Mercedes inaugurando el, por entonces, escaso panorama del arte callejero en nuestra ciudad ya que posterior a esto se veían trabajos que apuntaban a poner en discusión los estándares del consumismo y lo hacían a través de imágenes. Por ejemplo, a un hombre de traje con cabeza de teléfono celular pero nada tan políticamente directo, en materia de stenciles, como los de antitrasnochados. “El contacto con el arte callejero, específicamente el stencil (que es la técnica me inquieta) fue a través de una pintadas que aparecieron en la ciudad hace algunos años relacionados con el gobernador de nuestra provincia (en aquel momento Alberto) y unas replicas banskyanas”, explica Vade, joven artista callejera que ha logrado salir y plasmar varias de sus piezas en distintos puntos de nuestra ciudad. “Lo que me hizo salir fueron las ganas acumuladas y la decisión de materializar algunas ideas que tenía en mente. Ganas que también fueron estimuladas con las intervenciones hechas por otros artistas dentro de la propia ciudad y por el contacto diario con imágenes recibidas a través de internet”. Los muros del Hogar Escuela son el reflejo claro de esta transmisión de saberes y técnicas. En esas paredes se encuentra la mayor concentración de técnicas y estilos. Quizás sea porque el lugar así lo propicia; lejos de las cámaras de seguridad y del comando blanqueador que todo tapa con el fin de exhortarnos a ser “más limpios”. El Arte Callejero supo desarrollar una técnica propia y eficaz que responde a la especificidad contemporánea como ninguna otra disciplina lo ha hecho anteriormente. Es veloz, económica, inclusiva, global, de fácil aprendizaje, transmisible velozmente y apta para el perfeccionamiento personal. “El impulso fundamental fue el hecho de encontrarme con una persona con la misma inquietud, que ya venía haciendo stencil y pegatinas, y que me enseñó lo que él sabía tanto en la técnica como en la práctica. La técnica en sí

Las paredes de la Escuela Normal es una de las predilectas a la hora del stencil.

te da posibilidad de reproducir (hasta el hartazgo y con rapidez), de crear diferentes composiciones con la misma imagen y hasta de generar un sincretismo con la arquitectura y componentes de la misma ciudad”. En este sentido, los muros del Hogar Escuela (y las distintas paredes en las que Angel Pollini realizó sus trabajos) son el reflejo claro de esta transmisión de saberes y técnicas. En esas paredes se encuentra la mayor concentración de técnicas y estilos. Quizás sea porque el lugar así lo propicia; lejos de las cámaras de seguridad y del comando blanqueador que todo tapa con el fin de exhortarnos a “ser más limpios”. Pero no solo allí se albergan trabajos de artistas urbanos anónimos; basta con agudizar un poco la mirada como para poder encontrar piezas que responden a inquietudes políticas o meramente decorativas y que están impresas en la arquitectura urbana. El arte callejero, como acción de liberación individual y grupal, propone un encuentro para la discusión entre lo establecido y lo emergente tomando como lienzos las paredes siendo este el lugar que una nueva generación de tribus urbanas eligen como canal de expresión. “Lo q he hecho es algo amateur. Sin embargo cuando das el primer paso te das cuenta del abanico de posibilidades que te ofrece tener a toda una

ciudad a disposición como lienzo y espacio de expresión. Si bien en nuestra ciudad estas manifestaciones se asoman, se podría decir que tímidamente, hay un arte callejero y se aprecia en cada stencil/dibujo nuevo q aparece. Creo que la idea, además de la propia expresión, es compartir con el resto de la gente tu punto de vista e intentar que tampoco pase desapercibido para ellos, porque la obra callejera se completa justamente con la mirada del transeúnte”, agregó Vade. Caldo de cultivo y termómetro de la máquina creativa local, el arte callejero es una forma de hacer y comprender el arte en sí mismo y la realidad circundante; un filtro para interpretarla e intervenirla e intentar modificarla. Presenta sus imágenes intentando generar otro mundo posible sobre la piel de la ciudad. Cuidad que muchas veces calla y otorga cuando los políticos mienten. Cuando los medios callan. Cuando el estallido social es inminente. Cuando el pueblo sufre y no se la banca. Cuando los artistas buscan otras opciones. Cuando los mensajes no son claros, ni concisos, ni directos. Cuando todo parece negado, siempre quedará la opción de salir a leer en las paredes lo que la tribu de tu calle quiere contarte.

MÚSICA UNIÓN SANLUISEÑA DE MÚSICOS INDEPENDIENTES

Crearon un ente para los músicos independientes Es un momento inmejorable para los músicos independientes de la provincia. Con la aprobación de la Ley de servicios audiovisuales (Ley de medios) y la Ley de la Música, quienes se dedican a este arte recibieron un espaldarazo inmenso: cabida en los medios obligada en todos los medios radiales, organismos concretos de difusión y aportes gubernamentales. Para aunar esfuerzos e informar a todos los músicos locales es que hace pocas semanas se formó la Unión Sanluiseña de Músicos Independientes. Con artistas de larga data en la escena autogestiva, la comisión está dando sus primeros pasos (USMI).

ara entender el porqué de la creación del USMI, es necesario tener en cuenta la sanción de dos leyes históricas, sobre todo para el sector de los músicos independientes: la Ley de Servicios Audiovisuales (o 'Ley de Medios) y la Ley de la Música. La primera, entre otras cosas, plantea que todas las emisoras radiales deberán cumplir con una cuota de música proveniente de los circuitos independientes, el 15% del total de las canciones. Esto, más la creación del Instituto Nacional de la Música, órgano específico de fomento y preservación de los derechos de los artistas, que será gestionado con la participación de músicos. En este contexto reciente, fresco aún, y para garantizar la voz de los artistas es que nace la Unión Sanluiseña de Músicos Independientes. A principios de abril de este año. La primera comisión directiva está integrada por: Carlos Cabrera (presidente), Mariana Abecilla (secretaria), Pablo Garis (tesorero), Juan Vassallo, Guadalupe Mediavilla, Federico Goria, Cynthia Lucero y Esteban Ramos, entre otros. Todos con un bagaje demostrable en los escenarios.

“En primer lugar, estamos incentivando a que se acerquen a la asociación los diferentes actores de la actividad musical provincial, convocamos a que participen. Queremos afianzar la relación entre los músicos y los sectores de nuestra sociedad que tienen dificultades para acceder a esta manifestación del arte. También estamos dando a conocer los beneficios de la Ley de la Música”, explicó Mariana Abecilla, tesorera de la asociación. USMI comunicó que está organizando un banco de música con las grabaciones de todos aquellos músicos asociados y sus grupos/bandas para que esa producción local sea difundida por las emisoras radiales de la provincia. Además, los integrantes de USMI contaron que comenzaron con un ciclo de shows en vivo, donde primero plantean una charla y los asistentes pueden preguntar. “Es para que surjan ideas y proyectos, planteos, discusiones y soluciones música mediante. El propósito es favorecer la formación integral del

músico, poniendo énfasis no sólo en su instrucción artística, sino también en el conocimiento profundo y organizado de los distintos Derechos Intelectuales y Laborales que intervienen en la actividad musical”, agregaron. “Por ejemplo, uno de los planteos actuales de los músicos surge a la hora de valuar la entrada de sus shows. Es un tema que ya se está analizado en la asociación y estamos poniéndonos en contactos con otras asociaciones del país para cotejar las necesidades y soluciones. De esta manera, creemos que se mejoraran las condiciones en las que se desarrolla la música en vivo”, contó Mariana. Por último, pero no menos importante, la USMI comunicó que está organizando un banco de música con las grabaciones de todos aquellos músicos asociados y s u s g r u p o s / b a n d a s p a ra q u e e s a producción local sea difundida por las emisoras radiales de la provincia. Los interesados deberán concurrir a San Martín 961, futura sede de la agrupación, o bien a General Paz. No es momento de dormir para los músicos que ya tengan material registrado. A por ellos.

BOLSOS Y ACCESORIOS

9 de Julio 1359 Vm - San Luis

E-mail: info@valeriasanchezlucero.com Cel: 2657 501719 Tel:436879

ENTREVISTA ENTREVISTA EXCLUSIVA A DANIEL MELERO (PRIMERA PARTE)

“Limitarte es más interesante que la disponibilidad absoluta” si alguien comete un error y otro lo interpreta como algo interesante, ese error arrastra a la banda a una nueva forma de la canción.

Melero presentó ’Disco’ en la ciudad de Córdoba.

Todo el mundo piensa que es muy arrojado, pero yo estaba muy seguro de que íbamos a poder hacerlo, porque tenía un “report” que veía en los ensayos. La idea era crear tres o cuatro canciones por día. El técnico era Félix (Cristiani), que en esa época además tocaba el bajo en la banda. Al estudio lo dejábamos armado, lo teníamos cerrado y yo no llevé ninguna palabra; puse las letras ahí y participe de la música, toque sintetizadores y también algún piano. Hicimos el álbum en esos tres días, después falto ajustar un poco más la parte lírica. Las voces de -Gente segura- las grabe en casa una madrugada, con un micrófono frente a mi computadora y esa cualidad sonora que tiene es la del micrófono que estaba destruido, pero le queda muy bien a la canción. Es el producto de la música que imaginamos esos tres días y de haberla ajustado durante prácticamente un año. Tiene más que ver con un producto del ¿Cómo fue el proceso de gestación de tu arte pop, no con lo que ahora denominan “pop”. último álbum –Disco–?

Da n iel Mele ro e s el g ra n encargado de sacudir la música y refrescarla, constantemente, con sus inventos musicales. Un asesor conceptual bien intencionado: siempre sutil a la hora de diagramar y ejecutar sus creaciones, dejando al oyente con varias respuestas gratis en la cabeza.

En general, cuando ensayamos y en los shows en vivo tendemos a improvisar. El hecho de tocar sin pistas hace que estemos muy “aceitados” en el arte de la improvisación. Entonces, a medida que iban transcurriendo los ensayos, se me ocurrió que estaría muy bien, en vez de ensayar, directamente ir a un estudio y registrar esas improvisaciones. Por eso fuimos a Ion, un estudio muy grande y clásico de la ciudad de Buenos Aires (el único donde entra una orquesta sinfónica). Fuimos tres días sin plan, para registrar que sucedía.

El primer tema se llama –Vamos a un corte– y el último lleva el título –Fin de espacio publicitario–. Existen varios elementos interesantes a largo del disco, como el carácter publicitario y la ironía. Sí. La ironía es lo que ejerzo mucho entre amigos. Todos los miembros del grupo son extremadamente irónicos, siempre va a haber alguien que te está “verdugueando”. Nunca había llevado la ironía a un álbum; tampoco hay un tema lento en el disco. El “chiste” del disco arranca con -Vamos a un corte- y luego viene una especie de vendedor de casa de

remate, que no se sabe bien que está vendiéndote, y que dice “Bienvenidos, pasen y vean”, pero en realidad es un hipócrita. No está expuesta la ironía en la música: cuando ponemos algún arreglo que remite a la Yellow Magic Orchestra, no está hecho irónicamente. No existe un criterio kitsch, habita solamente en las letras y en el concepto del álbum. La música disco, cuando realmente ocurría, era un fenómeno que no me terminaba de cerrar. Había otra música que me atraía más, yo escuchaba punk rock, Roxy Music, Talking Heads, -Low- de Bowie. Pero algo que aprendí y comprendí con el tiempo es que es muy trágica la música disco. Siempre note eso en la película -Fiebre de sábado por la noche-. En esa música, hay mucho de “sobrevivir” a la noche, de los eventos que ocurren y mucho de traición. En general el rock, tuvo un flirteo con eso pero siempre mantuvo otro tipo de espesor. A la vez, el enfoque de grabación de la música disco era realmente increíble. Con muy pocos elementos obtenían un sonido masivo; hay un enorme proceso en cómo se graba esa música, que al final, si bien era muy dirigida, era bastante experimental. Para nosotros no fue ese el modelo. Igual revise todo ese criterio, no tanto el del tecno disco, sino el que era a “tracción humana", porque nosotros también s o m o s u n a b a n d a q u e p a re c e m o s maquinas pero no todo es cibernético, todo está tocado. Después puede estar editado en algunos casos. Tal vez en –Disco– es la primera vez que pensé que quería un disco divertido, bueno, intenso y tocable. Es un álbum “viajado”, los temas no tienen forma (es una base de la que partimos). Generalmente, en vivo, comienza a suceder que no se respeta ni lo de la sala de ensayos. Y si alguien comete un error y otro lo interpreta como algo interesante, ese error arrastra a la banda a una nueva forma de la canción. Hay un solo reglamento: la banda nunca me tiene que seguir a mí, yo tengo que seguir al grupo, porque puedo aparecerte con que salgo cantando otro tema o confundirme la letra. Lo curioso es que encajo ese tema arriba del otro, porque en realidad mi música es muy sencilla.

ENTREVISTA En Disritmia regresaste a la instrumentación y a la manipulación de los sonidos. Utilizaste los ensayos de tu baterista Silvina Costa como eje central de las canciones. Algunas veces le pedía que tocara un ritmo, “el primero que te salga”, le decía. Ella nunca lo supo hasta que empecé a trabajar en las canciones. A Disritmia lo hice en un editor de dos canales que se utiliza sólo para hacer terminaciones de disco, o sea mastering. Todo el tiempo lo que hice fue “sonidos sobre sonidos”. Una vez que había hecho un proceso lo volcaba sobre el otro (todo es volcado). A mí me fascina eso, y si algunas veces había algo que me parecía muy bueno lo salvaba, por las dudas que me mandara alguna “cagada” posterior en el próximo vuelco. Limitarte es mucho más interesante que la disponibilidad absoluta en muchos proyectos. En realidad Disritmia, cuando salió, iba a ser el regalo que venía acompañando la entrada del show que dimos a finales del 2013, pero cobró mucha entidad. Es curioso que en ésta época nadie esté haciendo discos porque no se venden y yo estoy haciendo tres y les va bien a todos. Este disco es batería y proceso solamente, no hay ningún instrumento que no sea la batería. Volviste al formato de banda estable. ¿En qué se diferencian tus métodos de composición actuales con la época de Los Encargados? Se parece mucho a la etapa con Los Encargados porque era un grupo de trabajo. Pero en Los Encargados había pistas, la música era muy “agarrada” (en ese momento era novedoso e interesante). Mi banda actual es un grupo de performance, es muy libre a la hora de tocar. A la hora de componer, yo siempre creí que Los Encargados eran la primera banda de Argentina que ensayaban alrededor de una mesa; ahora precisamos de una sala más grande por la presencia del bajo, equipos y batería. Actualmente pretendo que la batería tenga mucha presencia como la que tenía la caja de ritmos de Silencio, aunque me parecía un poco excesiva. Es una pelotudez ese mito de que era un disco “de vanguardia”; mentira, es re ochenta. Lo mejor que tiene Silencio es que refleja la época, cuando muchos discos de ese momento no lo hicieron. Para mí era una obligación porque tenía la edad adecuada y si no hacía algo que no fuese diferente jamás lo iba a hacer. Creo que un artista cuando aparece si no hace algo distinto, más vale que se quede en la casa, o sea, no lo va a hacer después. Supernatural proponía, a través de los diálogos que enlazaban las canciones, un documental sonoro de la banda. Es totalmente deliberado. Y el disco recupera un aspecto oceánico que había utilizado en Rocío: el carácter de “islas de ideas” (llegas a las canciones después de atravesar grandes distancias). Supernatural como Rocío, son discos que tienen mucho énfasis en la construcción del ligado.

A Supernatural, aunque un poco más ensayado, también lo hicimos en tres días y se mezcló en un año.–Rocío– representa una etapa muy diferente a la actual, es un disco que hice en mi casa solo, con un estudio móvil en una vieja cúpula en la que vivía y que tenía interferencia todo el tiempo de radio nacional en AM y FM a la vez. En cambio, Operación escuchar es aislacionista y celular, son mitocondrias que no saben a quién pertenecen. En esa época vivíamos con mi esposa en el centro y un día ella me regalo un telescopio. Debido a los movimientos del lugar, el trípode captaba todas las vibraciones y no podía ni ver la luna. Ella me dijo entonces: “Vos precisas un microscopio”; fue y lo cambio por un microscopio que sacaba fotos. Ese aparato me dio Operación escuchar (me pasaba horas mirando mi semen, mi saliva, mi sangre, etc). A mí me atraen mucho la tensión y la integridad de las células que conforman una canción o cuando ambas se debilitan y se funden. Tus conceptos musicales no sólo abarcan el campo de la música: los fusionas con la tecnología, la literatura, la entomología y la experimentación cientíﬁca. Es que yo compongo desde ahí. Hay una posibilidad que te ofrece el arte que no te la puede dar la arquitectura: construir una casa desde el techo. No podría desaprovechar esas condiciones donde la construcción viene de otro lado, y a la vez, te va llevando hacia algo que termina no siendo una casa si empezaste por el techo, sino el techo de una ameba gigante.

Daniel Melero. 2014.

¿Crees que muchas bandas de rock no se atreven a salir del campo de la música y terminan aburriendo al público? Totalmente. Son standard. Y no sólo hay en el rock, también encontrás standard, por ejemplo, en el campo de la medicina: con la evolución que tienen los virus y las enfermedades lo primero que se plantean es qué saben para resolver los problemas, en vez de pensar qué pasa en esta persona única que yo no sepa. Hay standard también en la construcción de edificios; así nos va, cada vez son más feos. Tener “estilo” es económico, ser standard es caro porque tiene parámetros cerrados. Entonces se arma un mercado alrededor y todo es carísimo a partir de eso. Esa gente que cree que tiene que tener un instrumento específico para poder lograr una música que existe… ¿Porque mejor no tenes uno que no la pueda lograr? Si vas a intentar lograr la música que te gusta, o sea, si vas a tratar de lograr algo que ya está hecho, hacelo desde otro instrumento o hacelo con un planteo desde el que no lo puedas realizar igual. Porque seguro que eso conduce a algo con más posibilidad de ser interesante que la meta de pretender ser tan bueno como algo que ya ocurrió. Para eso está la gimnasia y el gusto decorativo. Lo que te gusta déjaselo a tu sistema digestivo. Tiene que haber algo superior al gusto. La expresión artística a veces me pudre, lo que experimentamos sobre “arte” siempre es simbólico y está presente. Nadie es un artista las 24 horas de día, todos los días; eso tiene que ver más con una idea ilusoria de la vida. Lo que sí creo es que hay una gran diferencia entre un creador y un creativo: el creativo finalmente es aquel que realiza algo con un objetivo y lo logra (es para publicitario y un publicitario está obligado a ser creativo). Yo puedo hacer un disco jugado y poco interesante pero siempre va a ser una creación y eso, por ahí, le da posibilidades en el mediano o largo plazo. –Oar– de Skip Spence estaba lleno de intenciones ocultas y era una creación. No se trataba de creatividad, era una creación absoluta: un tipo que llegó desnudo en una moto al estudio con la poca plata que le quedaba después de comprar la moto. Yo me imagino a los que tuvieron que ver a Skip Spence atravesando la ruta 66. Ahí lo que había era un artista en plena acción. Ese disco fue considerado el peor álbum de la historia del rock por la Rolling Stones, revista que siempre se ha destacado por equivocarse. Tampoco concibieron –Sandinista– de The Clash. Indudablemente nunca entendieron nada, para ellos lo más importante es el culo de Beyoncé. Cuando salió el primer disco de Sex Pistols, la gente consideraba que la tapa era horrible; ahora cualquier local de ropa tiene esa estética. Yo aprendí mucho de los criterios del punk, cuando el punk era una forma de arte. Después se transformó en rock y termino en rock and roll, lamentablemente.

PH: Ornela GuillaumĂn

2ยบ Festival de estrenos

LUIS PALACIO

CARLA SILVA

JEREMร AS PEREYRA

Redacciรณn

INFORME ESPECIAL EL 6, 7 Y 8 DE JUNIO EN SAN LUIS, VILLA MERCEDES Y MERLO

el evento teatral del ano contado desde adentro Sin lugar a dudas, el Festival de estrenos es la ﬁesta que los teatreros independientes más esperan. También el público que gusta de estas propuestas que, por desenfadadas no menos profesionales, muestran aristas nuevas de lo que sucede en San Luis en términos teatrales. Para esta ocasión tan especial, revista Tiempos Modernos encargó al siempre polémi-

co y lúcido Luis Palacio que pintara de cuerpo entero el 2º Festival de Estrenos, aprovechando que él fue uno de los organizadores del evento, en co-gestión con el Instituto Nacional del Teatro. En ﬁn, aquí está el resultado del encargue: un texto sin desperdicio y con la impronta de uno de los actores más linkeados del interior del país.

2º Festival de estrenos de San Luis Camarines con olor a nuevo Agenda: 10 am. Rueda de prensa. 11 am. Buscar fuentón para escena de la muerte. Pedir chalina a Daniela. 6 pm. Ir a entrevista con Titi Otazú. Mandar mensaje a Banana. 8 pm. Reservar lugares para prensa, no enloquecerme y desearles mierda a los Actores! 20.55. Estamos a punto de salir, haciendo los rituales que se hacen en estos casos para subirnos a escena, ese momento en donde el presente se resignifica en más presente, poniendo en obser vación conductas, acciones, posturas filosóficas, preguntas a la vida, humoradas… Resulta que en San Luis sucedía, al mismo tiempo y en los tres polos teatrales de la provincia, el 2º Festival de Estrenos. El 6, 7 y 8 de junio la gente pudo ver un gran surtido de propuestas con muestras de grupos nuevos que se animan a sumarse a una cartelera que no se renovaba. Mientras unos reafirmaron conceptos, otros se animaron a explorar.

exploró los textos clásicos y el teatro performático visual con tres obras que podrían ser una gran obra con entremés (pequeñas comedias que se hacían en la Época de oro del teatro español). Cuadros con proyecciones de imágenes que remitían a la oscuridad de cuevas o fondos que celebran el teatro de los años 40`. Suenan las canciones en escenas musicales de las cosas del querer y lo cierra una Marisa Aguirre, actriz mercedina, que despliega todo su registro actoral trágico, irónico y romántico. Dentro del mismo grupo, el elenco La permalosa tomó elementos de aquellas obras que recuerdan a teatro abierto, con actuaciones naturalistas, tocando de fondo un tema en boga: la 'inseguridad',

En Mercedes 'Dimitris Trash', del excéntrico grupo Chapati, formado por trabajadores del circo teatro, entre los que se encuentra Pelazo. Toma la estética trash bizarra para hablar de la basura toxica y la manera de reciclarla en una puesta en escena sinfónica, poéticamente circense y conceptual, que marca un nuevo camino de logros que se articulan de manera armónica y con mucha calidad escénica. La oveja Negra, en su café concert,

Humano, demasiado urbano

LUIS PALACIO Redacción

el amarillismo visto desde un adulto mayor que no encuentra más entretenimiento que el miedo y la vida de los otros. La punta del ovillo, con su cuestionamiento filosófico desde el tópico “hacia adentro”, se constituye en su presentación como 'El' grupo de danza teatro de Villa Mercedes. Daniela Otta y su equipo, exponen y transitan un 'Humano, demasiado urbano'. Los colores azulados se destiñen como un cielo que va transformándose inevitablemente en gris para lograr así una constante mutación hacia el presente. Todo eso puede verse en una puesta en escena con música que suena a rock filarmónico, luz-oscuridad, con objetos que nos visten, nos enmascaran y nos desnudan. (sigue →)

INFORME ESPECIAL En la ciudad de San Luis, se presentaron 16 obras. Algunos de sus pa r t ic i pa nte s nos d ie ron s u opinión Javier Bautista, del grupo Andanzas, relató: “Nuestra obra es simple. Está basada en pastillas, muchas imágenes que provocan los cuerpos, casi sin escenografía. Es densa. Seguimos con la idea de hacer danza teatro desde una corporalidad nuestra, rítmicamente nuestra, aunque usemos cualquier música o interpretemos cualquier temática”.

“nuestra obra Cuadrilátero, que trata del boxeo, la metáfora nos superó, fue una pelea por el título” - Jorge Flores. “A nuestra función fueron 60 personas de la gente del barrio, más otro público que nunca había estado en nuestra carpa. Un logro de la convocatoria del festival. Estábamos nerviosos porque teníamos que arreglar la carpa, buscar reflectores, portátiles para las luces y acondicionar el espacio. Pero quedamos satisfechos porque era un trabajo que veníamos haciendo desde que nos acercamos a la gente de teatro de San Luis. Lo que queremos rescatar es el fomento, el incentivo de este festival, apoyado por el INT. Es muy importante para el crecimiento de nuestra carpa de Circo teatro y es imprescindible para el desarrollo de la cultura de nuestra provincia. Además, es una fiesta para el teatro puntano”, expresó Carlos Villegas, de 'La Contenta circo'. Por su parte, Jorge Flores de AxT nos explicó: “Trabajamos a la tarde en una escuela, con chicos tan humildes, y tan agradecidos que te hacen emocionar y

reafirmar la vocación de llevar el teatro a los colegios y barrios. En la noche, con nuestra obra Cuadrilátero, que trata del boxeo, la metáfora nos superó, fue una pelea por el título. En el estreno, lo forcejeado por la falta de recursos técnicos, los errores en la difusión y el espacio físico que tal vez no era el adecuado, no fueron obstáculo para ganar aplausos y satisfacciones por nuestra actuación”. En Merlo, el grupo La ronda mágica, en sus dos propuestas apoyadas en la técnica de mimo y clown, abordó la comedia que obser va a un objeto importante dentro de la misma: la risa. También los mecanismos de represión y liberación de este fenómeno físico. Mientras que en su otra propuesta el amor es el motor de la historia. Ahí muestran cómo modifica las conductas utilizando metáforas en un montaje donde se ven muñecas, flores y paisajes. Estamos acostumbrados a que otros nos organicen las propuestas de políticas culturales de acuerdo a las necesidades de ciertos espacios de poder. Artes nómades, un grupo resultado de la mixtura entre el teatro popular y la música, nos invitó en su viaje a mostrarnos que las recetas propias pueden ser complejas pero que el resultado siempre será el mejor, por más sorprendente que sea. Y Los Piripulos con Cuentos para Lila, hablaron de los sueños, en un ida y vuelta con la realidad vista con mucho humor y reflexión. En síntesis, podría decirse que hubo una vuelta a los géneros clásicos del teatro como la comedia liviana, el grotesco, los héroes criollos, un teatro para público infantil que ya define una línea con una bajada discursiva netamente pedagógica,

Luis Palacio y Los románticos del under hicieron la memorable ’Choco’.

las obras de clown, mimos, títeres, danza teatro. El cruce de estéticas clásicas y contemporáneas, muestra en los 23 estrenos un San Luis teatral que responde a la necesidad de un público abierto a propuestas con una mirada de nuestra realidad tan propia como el teatro que hacemos. Sin Mascara Hacia una política teatral comprometida desde los distintos sectores. Desde la Asamblea de Teatreros Independientes nace este festival, cuyo objetivo es incentivar “el hacer”. El Instituto Nacional del Teatro toma esta propuesta, y propone un incentivo económico de 3.200 pesos para cada participante con el mero objetivo de que en la próxima fiesta de teatro provincial se presenten más obras. En esta edición, se atrasó la organización. Quizás porque no estamos a acostumbrados a una autogestión reconocida como tal, estamos acostumbrados a que otros nos organicen las propuestas de políticas culturales de acuerdo a las necesidades de ciertos espacios de poder. El festival teatral (hasta en el espejo que nos devuelve a los teatristas) evidencia la falta de contención de instituciones como el IFDC de Villa Mercedes, que tiene una sala en convenio con el INT pero cobra un alquiler para “los gastos de la institución y el pago del técnico”. Como contracara, se encuentran los medios de prensa que apoyan difundiendo cada actividad cultural que se realiza en la provincia. En el festival se estrenó para obtener un cachet, para promocionarse, formar parte del evento (o no), para compartir un proceso, para poner categorías, sumar o resistirse a una política de incentivo a la profesionalización desde un espacio que nos iguala en el hacer.

La punta del ovillo

ENTREVISTA

Lucas Marti entrevista exclusiva Finalmente se estrenó "El éxito del secreto", el documental de A Tirador Láser, una banda fabulosa, enigmática y atemporal. Una maraña de recuerdos nos envuelve cuando la emoción de su música nos a b ra z a . M i c ro e nt rev i s ta exclusiva a Lucas Martí para Tiempos Modernos.

¿Pensaste en hacer un Varias Artistas 3? Vamos a cerrar el proyecto Varias Artistas con un último disco y, seguramente, con una serie de shows. Pero esto está pensado para el próximo año. ¿Qué signiﬁca para vos proyectar el documental de A Tirador láser? ¿Por qué elegiste estrenarlo en Córdoba antes que en Capital, que es donde nació y creció ese proyecto? La palabra documental me gusta muy poco y no sé como escapar de ella. Esto que vamos a presentar es material de video del grupo, tanto en vivo como en estudio. En un principio se habían realizado entrevistas a gente con la idea de darle el clásico formato de documental, donde todos cuentan cosas; pero creo que iba contra el espíritu del grupo

, así que lo dejamos compuesto sólo de material original (como para que las imágenes hablen por sí solas). Para mí es un ejercicio mental, es ver toda una etapa de mi vida de forma ordenada. A tirador Láser duró entre mis 15 y 25 años, es por eso que ver todo en una secuencia es muy “copado”. Se presenta en Córdoba porque se dio así y me gusta la idea; además Córdoba es un lugar donde tocamos varias veces con el grupo. En Cine club, por ejemplo, tocamos con A Tirador Láser en el año 2003. ¿Qué tenés en mente para lo que resta del año? Tocar y seguir presentando “El gran desconocido popular” y “El hijo principal”.

¿Cómo surgió la idea de tratar las canciones de la manera en que lo haces en ‘El hijo principal’? La idea surgió de la unión con Darío Jalfin. Digo, la idea de producir un disco así, y el tratamiento que le dimos a los temas nació después de un concierto que hicimos con Darío en el 2011. Ahí decidimos que piano y voz era lo mejor para las canciones que yo tenía compuestas en ese momento y nos limitamos a trabajar con esos dos elementos. ¿Fue la búsqueda de soﬁsticación o sólo es una veta más de tu versatilidad lo que trajo ese disco de piano y voz? Es una veta más, con el plus de que es un dúo. Está mi energía y la de Darío, con sus arreglos y su cabeza para producir.

Diez años en acción, nueve músicos distintos (Migue García, Yul Acri, Fernando Samalea, Nahuel Vecino, entre otros), cinco discos y una manera revolucionaria de hacer canciones. Esos son los números de A Tirador Laser. Liderado por un precoz pero aceitado Lucas Marti, el proyecto transcurrió entre 1994 y 2004. Junto a la banda de su hermano Emanuel (Illya Kuryaki) y Babasónicos, dieron vuelta la página del rock argentino de cara al nuevo siglo.

CULTURA ENTRE EL 23 Y EL 26 DE MAYO EN CABA

ArteBA 2014: una reseña de la mayor feria de arte del país

Más de 100 mil personas recorrieron las 80 galerías con obras de 550 artistas.

Entre el 23 y el 26 de mayo se llevó a cabo en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires la Feria arteBA. Este evento internacional de galerías de arte se ha convertido en los últimos años en un verdadero suceso, al que asisten cerca de 100.000 personas y que los artistas esperan ansiosos. PAULA PINO Redacción

llá por la época de Montaña Rusa, la Fundación arteBA se planteaba entre los objetivos de la Feria: “p ro m ove r l a a d q u i s i c i ó n d e a r t e argentino; acercar los artistas – a través de las galerías- al gran público para que éste se acerque a su vez a la posibilidad de llevarse el arte a casa, y transformar ARTEBA en un acontecimiento regional con la participación de las galerías del cono sur”. Lo cierto es que las metas iniciales no sólo se consiguieron sino que actualmente arteBA posee proyección internacional, dado que galerías de Chile, Perú, Brasil, México, Puerto Rico, España, Suiza, Estados Unidos, Alemania, Israel,

Uruguay y muchos otros países componen la inmensa propuesta de venta, al tiempo que son también extranjeros muchos de los compradores del arte argentino que allí se vende. Usted ha ido a una feria antes. Ha visto los puestos, uno seguido del otro, ofreciendo todos sus coloridos productos; algunos más bichos venden más, otros tienen fruta más sabrosa y barata pero por motivos desconocidos pasan desapercibidos.

Otro aspecto complementario a la venta de obras y los premios para los artistas, son las charlas que se ofrecen al público en general sobre coleccionismo de arte Esta es una feria de arte, pero una feria al fin. Una cantidad de galerías que uno no alcanza a recorrer en un día completo, exhibe para su venta las obras de distintos artistas. A los stands de las galerías de arte se suman, en el infinito recorrido, los stands de las numerosas empresas sponsors: bodegas, diarios y revistas, canales de televisión, marcas de autos y muchísimo más. Todo se complementa con premios y distinciones que motivan la producción de los artistas, como el “Solo Show Arcos Dorados de Pintura Latinoamericana”, que ofrece US$ 15.000 para el premiado. Otro aspecto complementario a la venta de obras y los premios para los artistas, son las charlas que se ofrecen al público en general sobre coleccionismo de arte. El Barrio Joven Chandon es el sector de

Vik Muniz Mona Lisa, after Da Vinci la feria destinado al arte emergente, galerías más pequeñas que apenas comienzan y promueven artistas jóvenes. En esta oportunidad, el ingreso al Barrio Joven contó con la intervención de una de las más célebres artistas argentinas contemporáneas: Nicola Costantino, quien realizó una videoinstalación interactiva, auspiciada por Chandon. La obra de Costantino, Luminiscencia, consta de mesas y sillas (especialmente diseñadas por ella) donde los participantes pueden sentarse a degustar alguna de las opciones del menú (que ella misma propuso) acompañado por champagne (obvio: auspicia Chandon). Los distintos movimientos que los participantes realizan alrededor de la mesa, como los lugares que escogen, son leídos por sensores, y se traducen en imágenes que se proyectan sobre el espacio.

CULTURA Este año la galería que supo abrirse paso dentro del Barrio Joven fue The White Lodge. Única galería de la provincia de Córdoba, con una singular escenografía inspirada en la serie Twin Peaks, The White Lodge presentó una interesante propuesta en fotografía, que simula las producciones fotográficas de moda para plantear una mirada más bien crítica de lo cotidiano, dentro de la que se destacó la figura de Gustavo Di Mario. Otra de las obras que dio que hablar entre los asistentes fue el 'Hornero', de la igualmente polémica Marta Minujin. Su obra se trata de un auténtico nido a escala humana que, por supuesto, contrastaba bastante en el marco lustroso de stands y en la escenografía toda del arteBA. La propuesta es amplísima y marea: son cerca de 80 galerías de arte, con muy variadas opciones llevadas a cabo por distintos artistas, algunos más reconocidos que otros; algunas obras más convencionales en su apariencia o en su contenido; otras más novedosas, tecnológicas, exóticas; algunas que se muestran demasiado complejas y uno las pasa sin más; otras de las que pesa apar tarse. Algunas impagables, otras cuestan menos que tu televisor. Otra de las obras que dio que hablar entre los asistentes fue el 'Hornero', de la igualmente polémica Marta Minujin. La artista que pagó la deuda externa a Andy Warhol con el oro de latinoamérica y se fotografió junto al rey del pop rodeados de mazorcas, volvió a sorprender al público de esta 23ra edición de arteBA. Su obra se trata de un auténtico nido a escala humana que, por supuesto, contrastaba bastante en el marco lustroso de stands y en la escenografía toda del arteBA. Con tierra que la artista trajo de Tikal, y que también enviará a nueve artistas de Latinoamérica, fue que Minujín realizó este nido de hornero. En directa analogía con su obra anterior “Comunicando con tierra” (1974), la artista llama a la re f l e x i ó n s o b re l a t i e r r a c o m o materia prima: es de dónde venimos y a donde volvemos siempre. Si bien el objetivo final de la feria es la venta de obras, este shock de arte contemporáneo resulta una oportunidad monetaria tanto para los artistas, sobre todo los de las provincias en donde el mercado del arte no está muy activo, como para el visitante que (aun sin comprar obras) se empacha de arte, al menos hasta el próximo mayo.

Osías Yanov

Eduardo Costa - Cosmocosa

DISCOS

ink tank

I can ción

Sexuality

Diosque - 2007

Blur - 2003

Sebastien Tellier - 2003

hink Tank'' (2003), es el séptimo y último disco de Blur, un álbum que despide con fervor musical las proezas logradas por Albarn y compañía a lo largo de una década y monedas. Sin Graham Coxon en la defensa, las canciones navegan sin mapas en l a s m a n o s p o r s o n i d o s u l t ra atmosféricos y laberintos oceánicos y electrónicos. ''Think Tank'' es la última pieza de la carrera musical de estos londinenses sin escrúpulos. Nada volverá a ser como antes: el rock tiene deudas por doquier y perdió la magia. Lo que se ve no gusta, son inventos de las redes sociales; giladas para la diversión de unos pocos. En la actualidad, Damon Albarn envejece sosteniendo la bandera de su primer disco solista (Everyday robots), de carácter autista y melancólico, una obra que engloba los miedos de un personaje singular y extremadamente heroico. Gracias Damon.

as mañas de Sebastien Tellier lo hacen indestructible y lo ponen al servicio de la orfebrería del sexo internacional. ''Sexuality'', su tercer álbum en estudio, editado en el año 2008 y producido por Guy-Manuel de Homem-Christo (Daft Punk) se convirtió, de la noche a la mañana, en uno de los mejores discos de la década. Es que nada se compara con este titán europeo, que atina ciego y convierte sus canciones en una cama bestial con domicilio en París, o en cualquier lugar del mundo. Sebastien toma el vigor de Serge Gainsbourg y la frescura de Benjamín Biolay para comerse al oyente desnudo, que late volcado sin vectores en el cuerpo. Su música hace lo que quiere y todo debería ser como él quiere que sea. Su música hace palmas para celebrar la fiesta divina que s u p i m o s e n c o n t r a r. V i v a l a sexualidad, viva Tellier.

os sonidos pisoteados y aventureros utilizados por Juan Román Diosque, sirven para caracterizar la psicología y la elegancia ''noise'' de éste trovador sin precedentes. Oriundo del norte argentino (ciudad de Tucumán), el músico desembarcó hace unos años en Buenos Aires para acercarse al núcleo de la música indie y elaborar los discos jamás inventados. Bajo la post producción de Daniel Melero y Javier Belziti (Electrón, Diosque editó su primer disco llamado ''I can cion'' (2007), prometiendo arrebatos musicales y sarcasmos sonoros. La lirica del Diosque nos cuenta los intereses de una cotidianidad mundana, llena de dudas e inquietudes; donde la ironía desconcertante, lejos de ser un mero juego, se vuelve un elemento real entre los vestigios de la poesía de este cantautor. donde la ironía desconcertante, lejos de ser un mero juego, se vuelve un elemento real entre los vestigios de la poesía de este cantautor.

Centro de Aprendizaje Universitario (CAU) Fundaci贸n Puntana "Eva Per贸n" Av. Mitre 630. Villa Mercedes (San Luis)

HUMOR

Por Juan Vegetal