TWISSST - ISSUE NUMBER ONE - SPANISH EDITION by TWISSST

Model: Carlos Ferra Agency: Mayor Paris Photo: Laurent Humbert, Paris

Carta Del Director

86 Días han pasado desde la edición número cero de TWISSST. Mas de 94.000 páginas vistas en 14 países diferentes sin acciones de marketing por detrás, han resultado han resultado ser más positivo de lo esperado inicialmente. La conclusión que deducimos es que sigue habiendo espacio para un medio editorial independiente cuya definición resulte en la solidez de la información y en la calidad artística divulgada. Nos adentramos en Diciembre y decidimos dedicar la edición #1 de TWISSST a una línea editorial poco convencional: Tratamos no sólo la moda como creadora de tendencias sino también la Industria de la Moda, analizamos los resultados macro-económicos de los grupos PPR e LVMH, poseedores de marcas como Gucci, Yves Saint Laurent, Louis Vuitton o Alexander McQueen y nos sorprendemos con la buena salud financiera y la solvencia que la moda internacional dispone en tiempos pocos favorables, nos enamoramos por el trabajo de un fotógrafo francés y, con la naturalidad que disponemos como medio independiente, optamos por dedicar la portada de la edición de Diciembre al Hombre; Laurent Humbert firmó en Paris la fotografía en que Carlos Ferra plasma de forma soberbia el “new masculine look” requerido en las pasarelas mas relevantes a nivel internacional. Nos proponemos conocer a Phoebe Philo, directora creativa da casa francesa Céline y que, en apenas algunos años, ha pasado de estar al frente de una marca adormecida a recuperar el brillo y posicionar la Maison en la vanguardia de la industria; aún desde Paris nos llegan, vía Wetransfer,

las imágenes del trabajo de Laurent Humbert, que no podríamos dejar de ampliar. Viajamos a Helsinki y constatamos que en Finlandia hay una paisaje para cada individúo y casualmente fue en un encuentro con la lectura en un final de tarde que descubrimos, y como tal relatamos, la extraordinaria novela de la también finlandesa Sofi Oksanen: “Purga”. De regreso, pasamos por Milán y comprobamos la megalómana obra de arquitectura que la ciudad acoge de cara a la Exposición Universal en 2015 y que reúne los más importantes arquitectos de la actualidad. De vuelta a Madrid, pasamos revista a la creatividad indomable de la Fura dels Baús e iniciamos la cuenta atrás para el cierre da la edición y el resultado son 104 paginas de información que culminan en un ultimo desafío: aspirar en poder contar por un lado, con la fidelidad de quienes han estado con nosotros en el numero cero de TWISSST y, por otro, añadir TWISSST en el listado de favoritos de algún Twissster’s mas en el Mundo. Por las 94.000 mil páginas vistas en la edición cero y por las que aspiramos conseguir con la edición numero uno, tenemos una última palabra a decir, GRACIAS!

Norberto Lopes Cabaço Editor in Chief and Creative Director

Ilustración: Ricardo Naranjo González

YVES

KLEIN EL OTRO YVES

Texto: Jose Manuel Delgado

a autopropaganda y la megalomanía no fueron sólo conductas propias de los grandes políticos y dictadores de principios y mediados del siglo xx, esta cualidad, si podemos llamarla así, es tan antigua como la civilización. Antes de los Stalin, Hitler y Napoleón encontramos ejemplos en la antigüedad más lejana, en Egipto dónde Ramsés II inventó la propaganda tal y cómo la conocemos actualmente para ensalzar su propia figura. De hecho no es extraño que cualquiera de nosotros conozcamos o hayamos oído el nombre de este Faraón. Y la Cultura o el Arte no han sido cierto inmune a este fenómeno. El hombre que mejor supo utilizar esta herramienta en el ámbito artístico fue sin duda Yves Klein. Sin ser uno de los pocos elegidos para considerarse imprescindible en la historia del arte.

“© Yves Klein, ADAGP, Paris”

e padres artistas, ambos pintores, Yves comenzó su carrera profesional como judoka. Este hecho influyó activamente en toda su obra y en su vida personal. Como judoka conoce y se sumerge en la filosofía Zen y en el conocimiento de lo oriental, intrigado e influido claramente por la mística que lo envuelve. Conoce la secta de los Rosacruces, secta cristiana

francesa de finales del siglo XIX dotada de una mística basada en la búsqueda del vacío, de la libertad que el cielo representa. Lo ritual, lo místico es la base para entender su obra. La primera aparición oficial en escena de Klein como artista visual se produjo en 1955, cuando presentó su monocromo Expresión del universo de color naranja plomo en

el Salon des Réalités Nouvelles. El cuadro fue rechazado debido a que “un único color no era suficiente para construir una pintura”. La pieza, incluida en esta retrospectiva, se presenta junto a una serie de monocromos, amarillo, blanco, negro, rojo, rosa y verde. El color adquiere una importancia absoluta que supera al dibujo y a la forma.

“© Yves Klein, ADAGP, Paris”

mpieza a dotar a ese color de fin en sí mismo sin depender del dibujo o de la forma. El color como medio de materializar lo inmaterial, capaz de cambiar y crear sentimientos. Elimina la línea y el dibujo, ahora carecen de sentido. El rodillo se convierte en el primer instrumento de creación, lo seguirán el fuego y el cuerpo humano más adelante. El año 57 se toma como el de su consagración, hace dos exposiciones simultáneas en París, en la galería Iris Clert y en Colette Allende, crea una sinfonía propia destinada a acompañar la exposición, una nota permanente durante 20 minutos seguidos de 20 de silencio. En estas proposiciones monocromas se concentra sólo en el azul. Pone su nombre a un tono de azul, desde entonces hasta ahora se conocerá a este cómo azul Klein.

“© Yves Klein, ADAGP, Paris”

studió su obra como un todo estructurado en distintas partes. Orquesta su producción en torno a engrandecer su figura, iba construyendo sus propias épocas: la azul, la pneumática, la perfomática,… etc. Una de esas increíbles obras fue el intento de pintar de azul el obelisco de París, extrañamente, en un principio consiguió el permiso pero a última hora el gobierno paró la obra. Hasta aquí llegó la influencia del artista.

En el 58 en su galería fetiche, con su galerista fetiche, Iris Clert, para celebrar su 30 cumpleaños realizó una exposición única. Pintó a rodillo todo el interior de la galería. Sólo la puerta y las aceras las impregnó de azul Klein. Soltó globos coloreados de azul Klein por todo París días antes de la inauguración. Lo tenía todo preparado para ensalzar su figura, incluso creó un cóctel, basado en la ginebra, con la

“© Yves Klein, ADAGP, Paris”

ayuda de unos camareros de París, teñido de azul. Él cóctel se servía a todos los invitados a la exposición y era consumido mientras su creador Klein iba explicando paso a paso, en grupos pequeños, el significado de su obra, una habitación vacía pintada de blanco. Las reacciones del público fueron dispares, unos se creían engañados, otros asombrados buscaban restos de trazos o dibujos en la pared,

otros conmovidos gritaban o lloraban que habían comprendido el fin de la obra, el vacío. Todos habían sido parte de un rito iniciático dónde Klein era el mesías, el único medio de comprensión de la obra mediante su traducción. Le tacharon de farsante, de profeta, de loco, pero una cosa esta clara a nadie dejó indiferente.

ras esta obra cumbre comienza a experimentar con otros colores, como el dorado o el rosa, ambos con significado religioso para los rosacruces, e incluso comenzó a usar fuego. Quemaba literalmente los lienzos que habían sido impregnados con líquido inflamable previamente. Este proceso de”manchado del lienzo” se conseguía bañando a una modelo desnuda en ese líquido para luego ser dirigida por Yves. Estos procesos creativos eran abiertos a público e incluso grabados, a los que acompañaba la orquesta monótona. Se podrá decir que era, sin ninguna duda la creación de la obra-rito.

“© Yves Klein, ADAGP, Paris”

e obsesionó con el vacío, buscó la anti-gravedad mediante la levitación, algo que según él consiguió repetidas veces. Como culmen de lo vacío, salta desde un tercer piso dónde le esperan sus alumnos judokas para recogerle. Hicieron un fotomontaje que fue publicado a petición de Klein. La muerte le sorprendió a los 34 años en 1962 en una reunión con sus compañeros de movimiento, y la pregunta que nos hacemos es la siguiente, ¿hasta dónde hubiera llegado? Es sin duda el modelo de artista creado a así mismo que sin unas cualidades artísticas de gran nivel consiguió no sólo hacerse un hueco en la historia del arte sino fue reconocido cómo uno de los más importantes de todo el siglo XX. La propaganda surtió efecto.

“© Yves Klein, ADAGP, Paris”

Nuno Moreira e Marco Moreira ( Central Models, Lisbon) Photo by : Carla Pires

All people are born equal... then some become

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Staff Editor in Chief & Creative Director Norberto Lopes Cabaço norberto.lopes@twissst.com Foreign Editors Director Mauro Parisi mauro.parisi@twissst.com Twissst Polish Edition Responsible Weselina Gacińska wese.gacinska@twissst.com Editorial Coordinator Chloe Yakuza Architecture & Art Director Mauro Parisi mauro.parisi@twissst.com Graphic Designers David Lariño Torrens david.larino@twissst.com Claire Marie O’Donnell claire.odonnell@twissst.com

Foto Ryan Tansey

Editors Twissst English Edition Angela Velo Pérez Daniela Cataldo Clare Hodgson Twissst Italian Edition Giulia Chiaravallotti Francesco Marangon Twissst Polish Edition Weselina Gacińska Anna Golias Twissst Portuguese Edition Elis Porfirio Bernardo Saavedra Twissst Spanish Edition Elena Arteaga Benedicta Moya

Contributors Laurent Humbert, Eleonora Maggioni, Laura Parisi, Siu Cho Hang, Jaime G. Masip, Jose Manuel Delgado, Ricardo González Naranjo, Carlota Branco.

Twissst Magazine - Head Office Calle Gran Via, 57 7 F 28013, Madrid, Spain Tel: 34 910 072 973 hello@twissst.com www.twissst.com

La Fura Dels Baus

Un acercamiento al ímpetu creador de la compañía de teatro total Texto: Eleonora Maggioni Traducción: Benedicta Moya

Mi primer contacto con el mundo furero fue casi por casualidad; era Nochevieja del 2004, Génova era entonces Capital de la Cultura Europea y la Fura presentaba, esa noche, el estreno mundial de “On Naumon “(El viaje), un espectáculo/evento de luces, sonidos y danza. Enseguida fue amor a primera vista, un verdadero flechazo sensorial. Un barco de 60 metros de eslora atracaba en el Puerto Antiguo de Génova, con 150 personas entre funámbulos, actores, bailarines, técnicos y marineros mientras su llegada venía acompañada por el ritmo hipnótico de tambores japoneses. A partir de allí, el puerto entero se transformaría en un enorme escenario, con grandes escenografías y coreografías suspensas sobre el mar en un clímax ascendiente de colores, sonidos y acrobacias que nos habrían acompañado al año nuevo. El viaje de Naumon acababa de empezar, de allí partiría para tocar veinte puertos mas del Mediterráneo para luego seguir en el Océano Atlántico, Pacifico e Indico.

Degustación de Tito Andronico/Foto de Francesca Sara Cauli

Metamorfosis

Neumon en Genova 2004

Pero es en el interior de un teatro donde la Fura me sorprendió unos años después, por su capacidad de modificar un escenario convencional por medio de la incorporación de vídeos y otros elementos visuales. Una libre interpretación de la “Metamorfosis” de Kafka se representó en 2005 en Japón y en 2006 llegó al teatro María Guerrero de Madrid. En esta ocasión, La Fura eligió una puesta en escena mucho más próxima al texto que a la performance aun sin renunciar a la contaminación con el medio digital. La escenografía estaba en continua evolución; un grande cubo transparente, en que vivía Gregor Samsa y en que se materializaba el contraste entre la realidad exterior y el mundo interior del protagonista, una mesa y una pantalla en que discurrían imágenes que amplificaban la atmósfera onírica y de ensueño descrita por Kafka en su novela y que se hacía desgarradora en los ojos del publico.

Metamorfosis

La historia de este colectivo de artistas empieza en 1979, cuando Marcel Antunez Roca, Quico Palomar, Carles Padrissa y Pere Tantinya crean una compañía enfocada en animación de calle y experimentaciones a través el uso del movimiento y de la música. En los años ’80 empieza el acercamiento al teatro, aunque siempre desde su visión experimental, cuyo objetivo principal era la rotura con la tradición del teatro clásico; música, danza y la introducción de nuevos materiales y últimas tecnologías responden a este desafío. En los años ‘90 la compañía se involucra con la ópera y los macros-eventos, realizando el espectáculo de abertura de los Juegos Olímpicos de Barcelona en el 1992.

Boris Godunov

La experimentación sigue también en el sector de los macro-espectáculos, donde el lenguaje propio de la compañía se adapta a públicos y espacios escénicos enormes (como el espectáculo de abertura de los Juegos Mediterráneos de Almería en 2005) y que le aportan un reconocimiento en gran escala. En 2008, con Boris Gudonov, la Fura se confirma pionera en explorar alternativas al teatro “al estilo italiano”, o sea como espectáculo en un escenario tradicional creando una obra de meta-teatro al estado puro Partiendo de una critica/reflexión sobre la incipiente tendencia totalitaria de algunos estados democráticos y sobre el miedo al terrorismo que en los últimos años ha invadido las sociedades occidentales, el director artístico Alex Ollé rompe una vez mas con la noción purista de teatro ayudándose con aportes cinematográficos y audiovisuales. El publico deviene protagonista, los rehenes son los mismos espectadores y, pese a saberse desde el primer momento estar en una ficción, somos llevados a confrontarnos con nuestros fantasmas, obligados a compenetrarnos dentro de la historia que se está mirando.

Degustación de Tito Andronico

En la “Degustación de Tito Andronico”, del 2010 la compañía vuelve a sus origines, llevando a escena un espectáculo cien por cien furero en que la interacción publico-actores es central. En esa obra, una libre adaptación de la tragedia shakesperiana, el público se queda de pie durante la entera función, rodeado por pasarelas en metal en que se levantan las máquinas que transportan los actores. Durante la representación, dos chef preparan unos platos que una treintena de afortunados podrán degustar junto a los actores; un maridaje entre música, danza y perfumes que se extiende por toda la sala en un intento de unión con el público hasta el trágico final.

Degustación de Tito Andronico /Foto Francesca Sara Cauli

El trabajo de la Fura sigue adentrándose en la experimentación en campo cinematográfico (Fausto 5,0) y en la red, con un género que el colectivo catalán define como teatro digital, suma de “artistas y bits”. Después de haberse adentrado en 2011 en el mundo operístico con “Oedipe!”, la Fura sigue dicha investigación con “Babylon, un cuento de máquinas”, que se estrenará este Octubre en el Bayerische Staatsoper de Munich. En paralelo, al final de 2012, veremos a la Fura en distintos macro-eventos en tres distintos países del mundo: “Aphrodite and the Judgment of Paris” en Korea; “The Visit” en China y “The Hidden City” en Bucarest, Rumania. Sorprender e innovar están en el ADN de la Fura Dels Baus. Avidamente nos quedamos en espera por la próxima oportunidad de superación de los sentidos.

Degustación de Tito Andronico /Foto Francesca Sara Cauli

Laurent Humbert

Laurent Humbert nace en el Sur de Francia, en una pequeña ciudad costera, Hyères, agraciada por colores limpios y luminosidad abundante y formalmente conocida por acoger el “International Festival of Fashion and Photography” Quizás todos esos factores condicionaron la trayectoria de este revelador artista que desde muy temprano desarrolló una relación de proximidad con la fotografía.

Con apenas 12 años retrata la familia y los amigos, y desde esa edad supo que el hilo que lo conectaba con la fotografía era indivisible. Fue, esa primera imagen que obtuvo, el catalizador de todo un proceso de formación y, la curiosidad propia de la edad por el revelado de aquella primera imagen, reveladora de una curiosidad intrínseca a la personalidad de este aclamado fotógrafo.

Después de terminar sus estudios en Arte, Información y Comunicación, Laurent deja la ciudad donde ha crecido para ubicarse en París donde desarrolla el proceso de creación y profundiza en la experimentación. Crea una imagen de marca, las imágenes que obtiene revelan claramente el ADN artístico del hombre por detrás de la cámara. Como clientes habituales, Laurent Humbert cuenta con Lacoste, Zara, Dim o Lancel y ha reunido críticas tan positivas como numerosas en medios como “Le Figaro”, “L’Express”, “Luna”, “Tetu” o “GQ” El hecho de que Laurent Humbert tenga y siga ganando el aprecio y reconocimiento tanto de las marcas como de las agencias de modelos basadas en Paris, es el resultado de años de investigación y de la creación de fotografías con una elevada carga emocional y que carecen de accesorios.

Profundo defensor de un concepto “Less is More” y de una estética “clean”, el trabajo de Laurent nos recuerda la máxima de Monsieur Cristobal Balenciaga: “Un buen modisto debe ser arquitecto para la forma, pintor para el color, músico para la armonía y filósofo para la medida” Defendemos que este principio se puede aplicar en muchas más áreas, por supuesto a la fotografía y sin reservas al trabajo de Laurent. Por todo esto, por lo que representa y por firmar la portada de la edición número 1 de Twissst, Merci Monsieur Humbert!

Norberto Jose Lopes Cabaço

La nueva Milรกn, metro a metro

Texto: Laura Parisi Traducciรณn: Elena Arteaga

Desde el 31 de Marzo 2008, cuando Milรกn se adjudicรณ la Exposiciรณn Universal de 2015, el restyling de la ciudad parece imparable; la ciudad lombarda esta cambiando cara y los ciudadanos se han casi ya acostumbrado a la presencia de obras a lo largo de la ciudad.

Palazzo Regione Lombardia. Photo: Simone Utzeri

Desde la zona de Porta Nuova a Cascina Merlata, del antiguo cinema Excelsior al Bosco Verticale, desde la nueva sede de la administración regional al complejo Citylife, de las recalificaciones de estaciones de ferrocarriles a cuarteles militares y antiguas áreas industriales, Milán parece haber superado el inagotable debate típicamente italiano entre el primado de la conservación y del estilo “tradicional” y el impulso hacia la modernidad y el cielo propia de las metrópolis internacionales.

A tres años del Expo y en espera de ver como será efectivamente completada el área expositiva, nos hemos acercado a la capital económica italiana para hacernos una idea de todas las transformaciones en curso que, pese a algunos retrasos y polémicas, están contribuyendo a la formación de la nueva Milán del futuro.

Palazzo Regione Lombardia. Photo: Meravigliosopericoloso

Emprendemos nuestro camino por el ya visible; el 2009 ha visto la presentación de la nueva sede de la Región Lombardía. Construida sobre una área de 30.000 m² por 700 personas, las 24 horas del día, el proyecto lleva la firma de estudio Pei Cobb Freed &Partners de New York.

Palazzo Regione Lombardia. Photo: Meravigliosopericoloso

Cuatros edificios curvilíneos de 9 plantas que se articulan en torno a la torre central de 39 plantas han permitido la centralización de todos los departamentos administrativos anteriormente desperdigados por la ciudad, aunque no haya significado el abandono de la histórica sede del rascacielos Pirelli.

También en 2009 han sido inauguradas, como hotel, las dos torres diseñadas por el arquitecto francés Dominique Perrault, altas respetivamente 72 y 65 metros e inclinadas de 5 grados; la torre más alta hacia Fieramilano, la más baja hacia el centro ciudad; este movimiento, junto al contraste cromático entre el negro de las fachadas y el aluminio dorado del elemento cilíndrico confieren una fuerte personalidad al conjunto arquitectónico. Hotel NH. Photo: Roberto Arsuffi (Urbanfile.it)

De vuelta al centro ciudad, justo encima de la estación de Porta Garibaldi, podemos admirar ya el “Centro Direzionale di Porta Garibladi”. Las dos antiguas torres del ente nacional de ferrocarriles, de los años ’80, después de una operación de recladding1 completo casi del todo concluido, han sido totalmente transformadas según las más modernas técnicas de la arquitectura eco-compatible (paneles fotovoltaicos en las fachadas y solares en los tejados y cristales termoaislantes); e stéticamente, las fachadas con cristales desfasados, favoreciendo miles distintos reflejos, sugieren el brillo de un diamante.

Detalle de fachada de Torre Garibaldi. Photo: Simone Utzeri

ETlheproyecto urban redevelopment de recalificación project urbano follows siguethe lasstandards pautas deof lasustainable arquitectura architecture sostenible y enin and lathe nueva newMilán Milan,lathe cultura culture delofverde public público green es areas fundamental; are fundamental. un ejemplo An example de eso for es that la zona is the de Portello district de 400.000 of 400,000 m²; donde square en el meters: pasado Where se encontraban the Alfa Romeo fabricas anddel Lancia Alfa factoriesy were Romeo de lalocated, Lancia, aseconversion está llevando planaiscabo beinguncarried plan de outreconversión in order to build que aprevé 70,000 la square meters creación de un parque large park, de 70.000 developed m²; ideado by Andreas por Andreas Kipar and Kipar Charles y Charles Jenks, Jenks, openabierto to the public al público from a partir this autumn. de este otoño.

Parco Parco Portello. Portello. Photo: Photo: University2night.it University2night.it

ETlheemento centralcentral elements del parque, of the park dos colinas are two construidas hillocks built con with los escombros rubble from de the la zona; area:laone primera, spiral-shaped en formawith de espiral a lake acoge in oneun of lago its indentations, en una de sus theconcavidades other coneshaped y la segunda, with two c贸nica, footpaths con dosthat senderos cross the quehillock la atraviesan withoutsin intersecting cruzarse jam谩s, eachacoge other and un parque a sculpture escult贸rico. park.

tra meta sido el AOnother goaldel of2011 2011ha has been

completamiento la histórica the completion ofde the historic sede RCS RCS en zona Crescenzago, ideada seat in Crescenzago developed by the por el estudio porBarreca Barreca y architectural firmBoeri Boeri,yby and LaVarratransforming transformándola en la sede LaVarra, the building into central del grupo multimedia. the headquarter of the multimedia group. En zona Garibaldi – Repubblica está fase de -ultimación detalles Inya theenGaribaldi Repubblicade area, some la obra de recalificación liderada last details of the redevelopment project porbeing Cesar Pelli que,The conproject su Ciudad are completed. is led de la Moda, ha concebido un barrio by Cesar Pelli who; with his “Fashion peatonal con una pedestrian extenso parque, City“, has designed district una imponente plaza-podio de 100 with a vast park, an impressive podiummetrosofde100 diámetro 6 metrosand mas6 square meters ydiameter elevada que la superficie vial y con square meters above the road surface, edificios eco-sostenibles en vidrio y and eco-sustainable buildings made of acero entre cuales them, descollará su glass and steel.los Between a tower 145 m (200 considerando oftorre 145 de meters (200 mmconsidering the el pendón). banner), will stick out.

Torre Cesar Pelli. Photo: Roberto Arsuffi

A la plaza seand asomarán edificios residenciales oficinas, además de espacios la moda Residential office buildings will be addedyto the square as well as spacesdedicados dedicateda to fashiony aand la creatividad, albergo y numerosos espacios comerciales. creativity, a un biggrande hotel, and numerous commercial premises.

Città della Moda. Photo: Cityfile.it

Diamantone. Diamantone. Photo: Photo: Urbanfile.it Urbanfile.it

C misma Casi loseentolathat area,zona, in Porto en Porta Nuova–Varesine, está Nova -Varesina, another commercial surgiendo otro up, centro de negocios, centre is rising a tower that is con unamarking torre quethe marca el nuevo already Milanyaskyline: skyline milanés;developed el “Diamante”, del the “Diamond”, by KPF estudio KPF de New York. Con from New York, with its peculiaruna forma peculiar, sobresaliente en la form, the overhanging principal fachada principal, la the característica façade. The focus of Diamond del Diamante está en la atención al stays in the energy-saving measures ahorro energético que le ha valido which earned the most prestigious los premios más prestigiosos prize in the architectural eco-en el campo defield. la arquitectura ecosustainable sostenible.

Fondazione Feltrinelli. Photo: Designboom,com

Mirando los próximos proyectos se puede apreciar la voluntad de que esta oleada constructora que está viviendo la ciudad, le deje como legado nuevos contenedores culturales y expositivos propios de una verdadera capital cultural.

En 2013, por ejemplo, Porta Volta será totalmente rediseñada por el arquitecto suizo Jacques Herzog; dos edificios gemelos abrazarán la vieja puerta albergando la sede, la biblioteca y los archivos de la Fundación

Fondazione Feltrinelli. Photo: Designboom,com

Feltrinelli; a pie de calle los dos edificios estarán abiertos a la ciudad ofreciendo una área recuperada con la librería de la editorial, tiendas y zonas de restauración.

Como remarcado por el mismo arquitecto, son muchas las alusiones a la historia de la arquitectura del lugar; desde la relectura de los edificios gemelos como puertas de entrada a plazas emblemáticas, (véase Piazza Duomo o Piazza Duca d’Aosta) a las construcciones longitudinales características del área lombarda o las alusiones a las formas puntiagudas del arquitectura gótica.

Fondazione Prada photo courtesy of DesignBoom Foindazioen Prada Attilio Maranzano

2014 se podrá admirar otra obra maestra del arquitecto holandés Rem Koolhaas, que en la antigua zona industrial de Via Ripamonti, dará vida al Centro de Arte Contemporáneo comisionado por la Fundación Prada; una torre asimétrica que servirá de almacén para sus obras de artes presidiará un área totalmente recuperada de una antigua destilería caracterizada por el uso flexible de los espacios; un “cubo” en el centro del patio capaz de reinventarse como cine al aire libre, auditórium, espacio para performances o centro de control.

Fondazione Prada DesignBoom

Por otro lado, en zona Porta Ticinese, el proyecto “Ciudad de las Culturas” de Chipperfield en la ex fábrica Ansaldo, prevé la creación de un vasto conglomerado cultural con el nuevo Museo Arqueológico, el Centro de Estudios de Artes Visuales además de un Laboratorio de títeres tradicionales.

Desde un punto de vista arquitectónico, la recuperación de algunos de los edificios pre-existentes se unirá con la realización de un nuevo cuerpo en que se alojará el Centro de las Culturas Extra-Europeas con áreas expositivas en la primera planta y bookshop, cafeterías, restaurantes, auditórium y biblioteca).

Otro protagonista del 2014 será el histórico barrio de Isola cuando llegaran a cumplimiento algunos de los proyectos allí localizados; destacan sin duda las dos torres residenciales de 105 y 78 metros, del estudio Boeri, mejor conocidas como “Bosque Vertical” por los arboles y arbustos que serán plantados en cada planta con el objetivo de absorber la contaminación y producir oxigeno.

Bosco Verticale. Photo: Bernard Peissel

Citylife - Tre Torri.

el mismo año veremos realizarse también el muy comentado “Citylife”, el imponente complejo residencial, comercial y de negocios que se está levantando en los anteriores terrenos de la Feria y que marcará sin duda la imagen de la nueva Milán, ya solo por el renombre mediático de los autores de 3 de los rascacielos proyectados y coloquialmente conocidos como el “Dritto” (el Derecho, de Arata Isozaki), el “Storto” (el Torcido, de Zaha Hadid) y el “Curvo” (el Encorvado, de Daniel Libeskind).

El proyecto se completará, además de distintas soluciones residenciales diseñadas por los mismos arquitectos, con un Museo de Arte Contemporáneo de Libeskind y con el Palazzo delle Scintille (Palacio de las Chispas), un espacio cultural dedicado a la infancia y a la tercera edad, albergado en el único inmueble del antigua Feria que quedará en pie.

Cuando

todas esas realizaciones serán ya realidad, Milán se convertirá sin duda en un nuevo referente de la arquitectura contemporánea en Europa, algo que realmente se echaba en falta, dado su peso indiscutible en el mundo del diseño y de la vanguardia. Citylife - Tre Torri.

The Business

of Fashion 56

Como ser un diseñador de moda “indie” sin morir en el intento.

Cuando nos pusimos a pensar en como abordar el tema de la Gestión en el negocio de la Moda, nos vimos en la necesidad de plantear un cambio en el papel del creador, hacia la figura de creador/gestor, fundamental para el éxito de una firma joven o fuera de la orbita protectora de una holding. Digerir los resúmenes financieros de los colosos de la industria y redactar un texto que permitiera desvelar el otro lado del fenómeno de la Moda, el que no aparece en las fotografías ni en los backstage pero que los alimenta, nos pareció fundamental. En fin, presentar contrastes y suscitar reacciones, convergentes o no. Si por un lado las firmas globales crecen en manera vertiginosa semestre tras semestre a nivel local o internacional, por el otro, creadores con una trayectoria reconocida y con una marca ya asentada en el mercado, pasan por momentos complicados.

Texto:Norberto Lopes Cabaço

La industria de la Moda, afronta dificultades bien conocidas, en particular la española; David Delfin, ha cerrado su tienda en el corazón de Madrid, Carmen March ha abandonado la actividad con su propia marca para asumir la dirección creativa de Pedro del Hierro y las dificultades financieras que la pareja de creadores Victorio & Lucchino aparentemente sufren, generan comentarios por todas partes en este mundo. Si las dificultades para creadores con marcas ya establecidas son muchas, para nuevos diseñadores el desafío parece imposible de superarse. Capaces de diseñar por días seguidos y de cumplir con los rigurosos calendarios nacionales e internacionales, la mayoría de los nuevos creadores profesan un perfecto desconocimiento del negocio al que pertenecen. De los creadores con que abordamos este tema, ninguno tenía formación en el área de planificación del negocio, de como desarrollar una marca, internacionalizar una idea y/o establecer una previsión de ingresos en espacio y tiempo. Confiesan una inseguridad en el momento de poner el precio a las prendas y, por el entorno casi “familiar” en que se mueven, le resulta complicado preparar colecciones en números suficientes para poder asegurarse de un cash-flow disponible para la inversión. La educación, las escuelas, las universidades y las plataformas de divulgación de la Moda normalmente no están vinculadas entre si; la formación y la divulgación son dos procesos paralelos y en ningún de los dos casos existe una acción profesional, comercial y adaptada al universo de cada creador. El profesional de la Moda del siglo XXI tiene que abandonar la idea de la creación por la creación, para poder ser “indie” y vivir de lo que mas gusta de hacer, tal como cualquier otro profesional de cualquier otro sector.

Ser “indie” y tener un negocio establecido significa no depender de patrocinadores, de colaboraciones imposibles en cambio de un budget que le permita seguir adelante. Siendo embajadores de una vanguardia creativa que actúa en una sociedad global, resulta inconcebible que apenas algunos de dichos creadores dispongan de un website en funcionamiento o de una tienda on-line; pocos desarrollan una línea de accesorios, y raros los que cuentan con una red de distribución o que realizan con regularidad acciones de marketing directo con los clientes. La realidad nos dice que es urgente invertir la tendencia, la historia nos lo corrobora; creadores como Valentino o Giorgio Armani, solo conocieron la gloria cuando aceptaron que la gestión era algo tan importante como la maestría de su trabajo, y el presente nos dice que el numero de creadores que prosperan individualmente a nivel global es escaso, especialmente a nivel europeo.

La actualidad de la Moda Global actúa a las antípodas de este escenario, y los números hablan por si solos: 14 mil millones, si, 14 mil millones de euros anuales es el revenue que el grupo PPR (Pinault-PrintempsRedoute) y LVMH (Louis Vuitton Möet Hennessy) ingresaron en el 2011. Y 14 mil millones de euros no se materializan con una pequeña élite de consumidores, sino porque la Moda ha generado un negocio global, lejos de la “democratización de la Moda” comentado por muchos, caracterizado por un fenómeno algo menos elegante pero considerablemente mas veraz: la “democratización de la necesidad” de consumir Moda.

Ambos grupos coordinan, monopolizan y se reparten la mayoría de las mas sonantes marca de moda a nivel mundial y este resultado solo es posible a través de un business case detallado al milímetro. Y puede que esta visión, pura, cruda y desvestida de glamour deje por tierra esas ideas según las cuales el diseño de moda representa un ensayo creativo convertido en realidad; aun así, “it’s a story to be told”. La Moda se rige por budgets y por timelines, cash-flows y forecasts, como cualquier otro negocio empresarial que tenga como fin la rentabilidad y la perennidad. Conocer los indicadores de venta por piezas, por estación, por ciudad y país; los tonos mas vendidos, los materiales preferidos por el consumidor, conocer la filosofía de la marca y

el target del mercado en detalle, la Moda gira en torno al negocio y éste en torno a la Moda. Y así hacen los dos mayores grupos que comercializan el tan conocido “Luxury Market” En tiempo de crisis, la multinacional francés PPR, dedicada al comercio mundial en el sector del lujo e del “sport & lifestyle”, propietaria de marcas como Gucci, Yves Saint Laurent, Balenciaga, Alexander McQueen, Stella McCartney y Bottega Veneta muestra unos números tan vertiginoso como extraordinarios. Las “Key Figures” del 2011 en el sector del lujo han sido, por sí solas, dignas de un prime time: 4,9 mil millones de euros en revenue, 13.500 empleados y 801 tiendas representan el balance de PPR en 2011.

Responsables por el 85% de esos ingresos han sido 3 marcas:

GUCCI

Con un revenue de 3,14 mil millones de euros y 376 tiendas directas es responsable del 63,9% de los ingresos anuales. La marca, firmada en la actualidad por Frida Giannini, pulveriza cualquier otra marca; y si el 2011 fue un a帽o positivo, el 2012 ha tenido, a fecha de hoy, un resultado excepcional. En el primer semestre 2012 Gucci factur贸 1,73 mil millones de euros, un 17,6% mas respecto al mismo periodo del 2011, representando el 59% del revenue total semestral en 2012.

BOTTEGA VENETA

Tomas Meier asumió la dirección creativa en Junio 2001 cuando la marca fondada en Vicenza (Italia) en 1966, fu comprada por el grupo PPR. Desde entonces, un riguroso trabajo y una visión práctica del lujo elevaron la marca a nivel mundial. El 2011 se cerró con un total de 683 millones de euros facturados y 170 tiendas directas. En el primer semestre 2012, la facturación ascendió a 429,5 millones de euros (+44,3% respecto a 2011) lo que supone un 14,7% del revenue semestral.

YVES SAINT LAURENT

Con 354 millones de euros de facturación en 2011 a través de 83 tiendas directas se traducen en un 7,2% del revenue anual del grupo. El primer semestre de 2012 se ha cerrado con un vertiginoso incremento del 46,4% respecto al primer semestre de 2011, lo que de por sí corrobora la buena salud, tanto creativa como financiera de la marca creada en los ‘60 por el incondicional Monsieur Yves Saint Laurent, y hasta hace poco diseñada por Stefano Pilati y recientemente mutilada por el señor Slimane. 223,5 millones de euros es la facturación de la Maison Yves Saint Laurent, que ocupa la tercera posición en el ranking PPR.

Balenciaga, Alexander McQueen, Stella McCartney, Brioni y Boucheron suman el 15% restante y por extraño que parezca, algunas de las mas aclamadas marcas por los “fashionistas” son las hermanas pequeñas dentro de la misma industria que las aclama. Su papel es distinto pero, sobre el volumen, la responsabilidad es semejante.

LVMH (Louis Vuitton Möet Hennessy), grupo multinacional titular de más de 60 marcas y presidido por Bernard Arnault no presentó resultados por marcas más por sectores y negocio. Dentro del sector del “Fashion and Leather Goods” los números son igualmente impresionantes; 8, 7 mil millones de euros ha sido el resultado de 2011. También el primer semestre de 2012 con un revenue de 4,6 mil millones de euros repre-

senta una mejora del 17% respecto al mismo periodo del año anterior. El grupo poseedor de las marcas Louis Vuitton, Marc Jacobs, Fendi, Céline, Givenchy, Loewe, Donna Karan o Kenzo ha mantenido durante los primeros meses del año la hegemonía de los rendimientos en el continente asiático (excluido Japón) ya que representan un 33% del valor global. Estados Unidos representa el 19%, Europa (sin Francia) el 18%, Japón el 14%, Francia el 8% y los demás mercados el 8% restante.

LOUIS VUITTON

En el último año (Junio 2011 a Junio 2012) 43 nuevas tiendas han sido abiertas en todo el mundo o - simplificando - 3,58 tiendas al mes. De acuerdo con la comunicación realizada por el grupo, la marca Louis Vuitton, principal motor económico del grupo, volvió a realizar, en cada una de las líneas de negocios, un beneficio de dos dígitos (sin mayores especificaciones). El indicador de ventas a clientes en China y Estados Unidos fue crucial; en Europa, son los turistas y las visitas a las respectivas Maison Vuitton, los que aseguraron el resultado positivo. No resulta extraño el esfuerzo del grupo en la abertura de nuevos espacios de referencia, como el caso de la tienda Roma Etoile, la primera tienda Vuitton en Italia y la apertura de una boutique en Amman, lo que significa la llegada de la firma a Jordania

FENDI

La marca Fendi, casa fundada en 1925 en Roma por Edoardo y Adele Fendi, actualmente diseñada por el inconfundible Karl Lagerfeld, también goza de buena salud. La línea de ropa masculina obtuvo un incremento importante a nivel de ventas y la icónica Baguette Handbag, que celebra este año su 15 aniversario, reforzó su tendencia positiva. El grupo ha reforzado la presencia internacional de Fendi, con la abertura de nuevas tiendas en México y China.

CÉLINE

CÉLINE, marca creada en Francia en 1945, inicialmente se dedicó a zapatería para la infancia. Después de crecer en los ’60 con la abertura de una línea de ropa para adultos de inconfundible carácter parisino, deportivo y chic a la vez, Céline Vipiana mantuvo un plan de expansión e internacionalización hasta el 1997 cuando Michael Kors asume la dirección artística de la marca. Después de su salida en 2004, la marca sufrió una recesión importante; entradas y salidas de directores creativos se sucedieron hasta la llegada de la extraordinaria Phoebe Philo en 2008, que con apenas algunas colecciones consiguió colocar Céline en la primera línea de la vanguardia de la moda francesa. Y parece que el público le sigue fiel. El grupo hizo propias las palabras “performed remarkably well across all it’s markets” y alcanzó el objetivo de expansión con la abertura de nueva tiendas propias en plena Madison Avenue, en New York.

También Donna Karan obtuvo un crecimiento sostenido, debido en parte por el resultado positivo de la línea de accesorios y por la línea DKNY Jeans. Marcas como Loewe, Marc Jacobs, Givenchy, Pucci o Kenzo también obtuvieron una “Green flag”, los resultados han sido acordes con las expectativas, especialmente para Kenzo que volvió a ganar impulso por la buena recepción de las colecciones diseñadas por el dúo Carol Lim y Humberto Leon que han aportado aire fresco y juventud en la marca creada por Kenzo Takada.

Si hablamos de Moda Global, tenemos que colocar la Moda en posición de igualdad. Está claro que no tiene sentido comparar ambas realidades, pero lo que si tiene sentido es aplicar las mismas reglas y metodologías aplicándolas a la dimensión de cada negocio. Se trata de un trabajo de fondo, per la consagración de un proyecto siempre lo es. Son la educación, las escuelas, las plataformas de divulgación, los gabinetes de prensa y la prensa en general, los creadores y el valor humano que los rodea, los que tienen que fomentar esa nueva realidad y repartir los beneficios que de allí se producen. “Fashion is not something that exists in dresses only. Fashion is in the sky, in the street, fashion has to do with ideas, the way we live, what is happening” Coco Chanel

Los secretos

que se ocultan en el silencio Texto: Mauro Parisi

Durante todo el camino a casa se concentró en pensar en las medias, no en Ingel, ni en Linda, ni en lo ocurrido. Fue nombrando en voz alta los distintos tipos de medias: de seda, de algodón, marrón oscuro, negras, marrón claro, grises, de lana, medio caídas... Ya se divisaba el cobertizo, amanecía, medias de niña, había rodeado la casa por el prado para entrar por detrás, medias bordadas, medias de fábrica, medias que se canjeaban por dos kilos de mantequilla, medias por dos tarros de miel, por el salario de dos jornadas....

Fotografías: Dimitri Korobtsov

Los secretos

que se ocultan en el silencio Muy

a menudo me dejo llevar por el aspecto exterior de un libro; las veces que no voy directo a por un libro seleccionado en críticas leídas, dejo que las imágenes impresas en las portadas me lleven a leer las historias que esconden. Y eso fue exactamente lo que pasó con la edición castellana de Purga de Sofi Oksanen; la portada tan “básica” me llamó la atención; el nombre de la autora, de clara ascendencia nórdica, aun más y el resumen de la historia acabó por atraparme por completo.

Las vicisitudes de dos mujeres, completamente diversas por edades y experiencias vividas, que cruzan sus caminos en una húmeda mañana de final de verano. Zara, es una joven rusa que huyendo de los traficantes de mujeres, acaba exhausta y desorientada en el jardín de Aliide, una anciana estonia que vive, sola, en una casa alejada de una aldea del país báltico. Ambas desconfían; son mujeres, cada una, con una vida difícil a las espaldas que saben que el peligro está siempre al acecho. Esa desconfianza dejará paso a otros tipos de sentimientos cuando los hechos pondrán de manifiesto que no ha sido el caso que las hiciera encontrar y que hay algo más que el miedo que les une.

Nos acercamos a la triste y cruda realidad de la trata de mujeres en los países del ex-Unión Soviética y del pasado de una Estonia flagelada por la ocupación nazi antes y soviética después, con todas las consecuencias que eso puede haber significado en el tejido de una sociedad. El estilo, rápido, con capítulos cortos; crudo, sin intento de maquillar la realidad descrita nos sumerge en una historia en que las vidas no valen por si mismas sino por el deseo del potente de turno; los abusos y el miedo, los secretos que se guardan para sobrevivir y el sacrificio que eso comporta. Están todos presentes en esa historia. Y se quedan, acompañándonos, en nuestra memoria más allá de la lectura del libro.

La técnica narrativa, con continuos flashback al pasado de ambas, nos ofrece una novela que, a cada página leída, se va pareciendo más a un thriller y que consigue atraparnos a la lectura. Lo igualmente sorprendente de esta novela es el ambiente escogido por la autora en que toda la historia se desarrolla; una apacible casa de campo de una anciana campesina, con sus olores domésticos y sus ritmos marcados por la preparación de compotas y guisos, nos ofrece un remanso de “tranquilidad” frente a la dureza del pasado que las dos mujeres se van desvelando paulatinamente. Porque es en los detalles, a veces crudos, que se basa el éxito de Purga; como la misma Oksanen sugiere al reconocer que su objetivo es que “el lector entre en la historia a través de la información visual, sensorial; de como se sienten las cosas desde el punto de vista material”. Cada cosa tiene su significado y su exacto lugar en la novela; la abundancia de tarros o frascos en la casa de Aliide y su constancia en preparar conservas, por ejemplo, es un claro guiño a los años del desplome de la Unión Soviética y de la recobrada independencia, cuando se agotaron las existencia de esos contenedores en toda Estonia ya que todo el mundo empezó a hacer conservas en casa para protegerse del desabastecimiento.

Ilustraciones: Ricardo González Naranjo

Fotografía: Anneli Alekand

Purga

es la tercera novela de esta autora finlandesa de madre estonia que después de estudiar Literatura, cansada de analizar lo que los demás escribían, decidió explorar la manera de expresar sus propias inquietudes entrando en la Academia de Teatro de Finlandia donde estudió Dramaturgia y Creación Teatral.

Ya con su primera obra, Las vacas de Stalin, obtuvo una positiva acogida tanto de parte del público que de la crítica nórdica pero ha sido con esta novela que ha traspasado los confines obteniendo el Premio Femina de literatura extranjera en Francia y el Premio Europeo a la mejor Novela del Año en 2010.

A través de ella hemos conseguido poner la literatura finlandesa en el mapa contemporáneo y ha sido realmente una muy agradable sorpresa; por la peculiaridad de los temas tratados, por la nitidez del estilo usado estamos seguros de que no dejaremos la oportunidad de seguir adentrándonos en el mundo que Sofi Oksanen nos irá presentando.

Phoebe Philo Texto: Norberto Lopes Cabaรงo

la 76

mujer

d e t r รก s. . .

“One of the reasons why I try to use fabrics and cuts that don’t go out of fashion is because I like the idea of women buying the clothes and then...I don’t know what the word is...cherish sounds over-emotional for a relationship with a piece of clothing...but for a woman to feel proud, satisfied, comfortable and powerful in them, to wear them and get on with their lives.”

Raras son las veces en que con tan poco se puede decir tanto sobre las visión de un diseñador. Es así, Phoebe Philo, y pone en evidencia el necesario y esta es su “keyword” para el éxito. Phoebe Philo ha creado un hilo indivisible entre la mujer actual y la moda contemporánea, la mujer actual necesita de respuestas prácticas y una vida urbana, rápida y multifacética, y Philo aportó esa respuesta.

Philo nació en Paris, naturalizada británica, se graduó en 1996 en el Central Saint Martins College of Arts and Design en Londres y en 1997 accedió a trabajar como asistente de Stella McCartney para la marca Chloé. La relación entre ambas resultó altamente positiva, Philo aportó a Chloé el look “effortless chic” y una legión de seguidoras ávidas por una línea de ropa utilitaria que resultase posible de llevar los 7 días de la semana, resultó ser la mejor publicidad que un diseñador pudiera obtener. Una línea en la calle, y que cataliza toda la industria, una industria que de alguna forma, basándose en una idea ganadora, redefine hasta hacerla suya.

Tan

productiva fue la relación entre Philo y McCartney que Philo le sucedió en el cargo de directora creativa en 2001, cuando el grupo Gucci apoyó McCartney en su idea de crear y desarrollar una línea de ropa con su proprio nombre. Durante este periodo, Philo diseñó piezas tan icónicas como la “Paddington” o la “Edith Bag” o los jeans de cintura alta, los “Chloé high jeans” que Kate Moss, Kylie Minouge o Geri Halliwell entre otras, rápidamente adoptaron como “must have” de su armario. Philo continuó con el objetivo de consolidar la marca Chloé como referente global hasta el mes de Enero de 2006 cuando comunicó que abandonaba el cargo de Directora Creativa Philo ponía de esta forma un punto final, cerraba una puerta con Chloé para tomarse un tiempo sabático para organizar sus prioridades.

En Septiembre de 2008, sucede a Ivana Omazic en la Dirección Creativa de una adormecida Céline. Surgia asi una oportunidad que cualquier creador aspira en poder tener. Desarrollar una marca con un recorrido a su espalda al abrigo de un grande grupo de lujoy con carta blanca para aportar una nueva visión estética. Cuando Bernard Arnault, presidente del grupo LVMH (Louis Vuitton Moet Henessy) comunicó el esperado relevo en Céline, Phoebe Philo afirmaba “This is a really exciting step for me to be taking, with what could be seen as one of the most promising brands of the industry. I can’t wait to step back into the studio and begin creating designs which will reinvigorate the brand, get customers excited about the product and work with a team that are incredibly serious and passionate about their work”. Phoebe Philo sabía que los ojos de la crítica estarían sentados en primera fila y para la primogénita colección que surgió en Junio 2009, extremó todos los detalles para que el resultado final estuviera acorde a las expectativas. Selecciono criteriosamente las fábricas donde establecer la producción, apostó por fábricas italianas en vez de francesas, quería que el proceso fuese más clínico que “couture”, diseñó una generosa colección de accesorios y presentó una línea utilitaria, fuerte y con una clara apuesta por las formas y por la arquitectura; algo que iba a ser un filo conductor de toda la trayectoria.

La colección Resort que presentó, recogió las mejores críticas a nivel internacional y el futuro de Céline pareció así más esperanzador. Desde entonces Phoebe Philo ha continuado trabajando para que Céline sea una verdadera marca global; tanto creativa como financieramente la marca ha escalado posiciones y goza hoy de un reconocimiento merecido. Phoebe Philo es una mujer con una visión global, una creadora de Moda, una “tastemaker” y reinventó un look cuando pocos apostaban por el.

Ha aportado una “street sensibility” genuina, un toque “manish” que caracteriza el look Céline y que la marca adopta desde ya varias ediciones y que resulta “über-feminino”, fuerte y equilibrado; de los accesorios al prêt-a-porter no existen fisuras, resulta perfectamente identificable y si tomamos en cuenta que esa constancia y homogeneidad han sido alcanzado en tan solo 4 años, el resultado es mas que sorprendente.

Céline es una marca renovada, global y consolidada, sus colecciones son, hoy en día, piezas de culto y toda una declaración de intenciones; Phoebe Philo sigue al mando de una marca que nunca antes estuvo tan a la vanguardia del diseño. Será entonces verdad la máxima de que “Less is More”? Pues, parece que si….

Una Helsinki para todos Texto: Weselina Gaciล ska Fotos: Jaime G. Masip

La entrada al puerto de Helsinki; seguramente es la vista mรกs emblemรกtica de la ciudad, donde destaca la iglesia de Tuomiokirkko y su presencia vigilante por encima de Palacio Presidencial.

ndependientemente del objetivo de viaje o de la estación del año, la capital finlandesa, con su tranquilidad y arquitectura clasicista, donde se entremezclan las influencias rusas y suecas, es realmente encantadora. En gran medida el modelo de Helsinki se basa en San Petersburgo. Perteneciendo al Imperio Ruso, entre 1809 y 1918, acogió el estilo vigente de le época, lo que le aporta un carátcer expecional, imposible de encontrar en otras capitales escandinavas.

l símbolo de Helsinki – la blanca catedral protestante Tuomiokirkko que domina la ciudad constituye el elemento más característico del paisaje urbano. La majestuosa construcción contrasta con su modesto y tenue interior iluminado sólo por unos pocos faroles. Sin embargo, el 30 de abril la catedral se convierte en el lugar de encuentro de los estudiantes de todas las universidades de Helsinki; empiezan las celebraciones de Vappu

Al comienzo de Vappu las escaleras de Tuomiokirkko se convierten en lugar de encuentro y celebraci贸n.

se día, a las seis de la tarde, las fiestas comienzan cuando un grupo elegido le pone una gorra blanca a Havis Amanda, el símbolo modernista de la ciudad. Centenares de personas se congregan alrededor de la estatua de una jóven desnuda en trajes coloridos y idénticas gorras blancas. Según la tradición, todos los que han obtenido el título de bachiller tienen el derecho de ponerse durante el Vappu este complemento. Los festejos duran hasta el 1 de Mayo, conciertos y fiestas organizadas en las ciudades universitarias y en el centro de la ciudad, convierten el parque Kaivopuisto en visita obligada.

l casco histórico de Helsinki es bastante reducido, todos los lugares de interés más relevantes se encuentran a poca distancia. A unos pasos desde Tuomiokirkko, frente al puerto, se ubica la catedral de Uspensky, la mas grande iglesia ortodoxa de Europa fuera del territorio ruso. Merece la pena visitarla, porque aparte de los interiores exuberantes ofrece una vista al Puerto Sur y al centro de la ciudad. En dirección del puerto llegamos a Esplanadi, pasando al lado del Palacio Presidencial y del Ayuntamiento. Frente al Palacio, un pequeño mercado invita a la degustación de las especialidades locales así como nos permite conocer la tradicional artesanía finlandesa de cuero o lana.

Ni los tres herreros, símbolos del trabajo y la cooperación humana, se libran de vestir la gorra blanca de Vappu durante la festividad.

Por otro lado, en el mercado modernista kauppahali que, con interiores elaborados de caoba mantiene su estilo art nouveau, la rica oferta culinaria gana en relevancia – desde los platos de pescado típicos de Finlandia, hasta la carne de reno o el caviar ruso!

esde el Puerto Sur varias veces al día salen los barcos hacia la fortaleza sueca Suomenlinna. Construida en el 1748 en cinco islas tenía como objetivo proteger la entrada a la ciudad desde el mar. Hasta hoy se conserva la mayoría de los muros y terraplenos de defensa junto con la artillería, mientras que algunos de los edificios militares se han convertido en museos y galerías. El museo de los juguetes es una curiosidad de la isla. En este pequeño museo familiar se han reunido más de mil muñecas, ositos de peluche y juegos de toda Europa. El jueguete más antiguo de la colección es una muñeca fabricada en 1830. La excursión a Suomenlinna es especialmente recomendable en una tarde soleada – los múltiples senderos junto a la costa, los museos y varias cafeterías garantizan una estancia agradable y realmente escandinava. Pero Helsinki no significa sólo Modernismo o Clasicismo escandinavo. La fuerte presencia del diseño en el espacio urbano hizo que se otorgara a Helsinki el título de la Capital Mundial del Diseño 2012 (World Capital Design). Aquí o en la cercana ciudad de Espoo se encuentran la mayoría de los talleres, conferencias y exposiciones.

La cultura marĂtima se muestra en numerosos rincones de Helsinki recordando los orĂgenes comerciantes del pueblo finlandĂŠs

Muelles y embarcaderos recreativos rodean la ciudad. Al fondo la Catedral Uspensky y otros edificios decimon贸nicos.

on motivo de la distinción, en la capital se realizan nuevos proyectos arquitectónicos; la “Capilla del silencio” en la plaza Narinkka totalmente en madera, ofrece un espacio silencioso para un momento de descanso tranquilo en el corazón de la ciudad. También Porvoo, una de las ciudades más antiguas en la costa sur de Finlandia es un destino imperdible. Se puede llegar en trasporte publico o coche, pero la manera más pintoresca es elegir el trayecto por mar. El viaje en barco es la mejor opción para admirar la costa, los bosques y las múltiples islas pequeñas. En Porvoo nos espera el paseo obligatorio por las estrechas calles empedradas. La visita en Vanha Porvoo, el casco antiguo, empieza por la iglesia medieval del s. XV, Tuomiokirkko. Durante siglos el edificio ha sufrido varias destrucciones e incendios. Hoy restaurado, atrae a los turistas por su importancia histórica. Aquí mismo, en 1809 el zar Alejandro I proclamó el Gran Ducado de Finlandia y convocó el primer parlamento finlandés. La historia de la ciudad, sus complicadas relaciones con el Imperio Ruso, así como los objetos cotidianos importados en el siglo XIX de Rusia a Finlandia, se exponen en el Museo de la Ciudad en la plaza mayor de Porvoo.

En Porvoo el viajero puede encontrar la tranquilidad de la provincia finlandesa

s imposible perderse en el encantador casco antiguo, ya que todas las callejuelas se dirigen hasta la plaza mayor o el río. Las bajitas casas de madera, pintadas de colores pasteles producen la impresión de estar en la tranquila provincia finlandesa y no en el industrial sur del país. En Porvoo parece que el tiempo se ha parado – en el centro mismo no hay que contar con los souvenirs típicos o las atracciones turísticas. El recuerdo se graba en los sentidos; las cafeterías, los colores pastel y los postres tradicionales, los frutos de bosques finlandeses, son el mas fiel suvenir que se puede traer de las tierras finlandesa; en suma, la harmonía entre el entorno y la gente.

n el sur de Finlandia existen varios contrastes: la naturaleza salvaje, las ciudades industriales, innumerables islas con pequeñas aldeas o las impresionantes ciudades como Helsinki o Porvoo. Hay una Finlandia para todos que espera ser descubierta y que echa por tierra el estereotipo del inaccesible Norte y que nos permite comprender el porque, reiteradamente, es indicado como uno de los países con mejor calidad de vida en el Mundo.

Las calles del centro histórico de Helsinki presentan una fusión de estilos arquitectónicos nórdico y ruso que caracteriza especialmente a la ciudad.

Culture Calendar Texto: Jose Manuel Delgado, Giulia Chiaravallotti

JEAN PAUL GAULTIER, “Universo de la moda: De la calle a las estrellas” (Hasta el 6 de Enero 2013, Fundación Mapfre, Madrid, España) Quiere ser una exposición cronológica en la carrera artística del “enfant terrible” de la Moda parisina, a través de la evolución de su estilo y de su concepto de Moda. Producida por el Musée des Beaux-Arts de Montreal, y con la colaboración activa de la misma firma de moda, constituye la primera muestra internacional dedicada al diseñador francés fuera de su país. La exposición cuenta con 110 piezas de alta costura y prêt-à-porter además de 50 bocetos acompañados de extractos de desfiles de la firma o entrevistas con el diseñador. La retrospectiva empieza con “La Odisea” y, obviamente, con sus inconfundibles marineros y sirenas, todo un sello de identidad del imaginario JPG. Prosigue con una sala donde se puede descubrir lo que ha rodado al artista en su infancia proveyéndole las influencias que marcaran sus primeras trabajos, y no solo; los corsé, las ligas, liberados del ámbito restringido a que la intimidad le mantenía es una característica de este periodo que seguirá presente a lo largo de su producción artística. La nota de humor, sin duda alguna obligatoria en una retrospectiva dedicada a Jean Paul Gaultier, está asegurada por la presencia de 30 maniquíes que, a través de proyecciones, adquieren caras y rasgos y voces de personajes conocidos del celebrity internacional, amigos del diseñador francés; un “juego de disfraces” en que participa el mismo Gaultier. Cortesia fundación mapfre

No se puede perder!

Fernando Botero: A Celebracion (Hasta el 20.01.2013, Sala BBK, Museo Bellas Artes, Bilbao, Spain) Para los amantes de la sensualidad vital y exuberante del conocido artista colombiano, una exposición por no perderse. Una verdadera antología de su carrera artística, que reúne 79 pinturas y una escultura - Caballo con bridas del 2009 – posicionada en plena calle, en la Gran Vía bilbaína en frente a la sede del banco patrocinador de la exposición. Como homenaje de la ciudad a los 80 años de Botero será posible ver su evolución artística a través de algunas de sus obras expuestas que abarcan enteramente los 60 años de su carrera profesional en áreas tan vastas como pintura, escultura y dibujo. Un plus de la exposición reside en su catalogo, cuidado personalmente por la hija del artista y con textos de dos grandes figuras literaria latinoamericanas además de amigos personales de Botero: los premios Nobel Carlos Fuentes y Mario Vargas Llosa.

Wassily Kandinsky, Dalla Russia all’Europa (Hasta el 3 de febrero 2013, Palazzo Blu, Pisa, Italia) A través de 50 obras del mayor exponente del abstractismo provenientes del Museo de San Petersburgo y de otros museos rusos, será posible acercarse a los primeros años de actividad del pintor ruso; la exposición cubre el periodo entre el 1901, cuando recién abandonados los estudios etnográficos que le habían llevado a las mas remotas aldeas del imperio ruso empieza su camino pictórico, al 1922, cuando decide abandonar la Unión Soviética aceptando la invitación de Walter Gropius de enseñar en el Bauhaus. La exposición se abre con una inédita sección dedicada a las creaciones y a las influencias que el folklore ruso dejaron en sus primeras obras, para luego pasar a la atmosfera simbolista de las pinturas del periodo conocido como “Murnau” hasta llegar a sus obras mas mediáticas en que se había erguido en punto de conexión entre las vanguardias occidentales y la rusa de Larionov o Goncharova.

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Pre-Raphaelites: Victorian Avant-Garde, Tate Britain, Londres. (Hasta el 13 de enero de 2013) Exposición nada novedosa en tierras británicas, que reunirá más de 150 obras -entre pintura, escultura, fotografía y artes aplicadas- realizadas por los Prerafaelitas, el primer gran movimiento de arte moderno de Gran Bretaña, nacieron como consecuencia de la crisis económica de 1846. Encabezados por Dante Gabriel Rossetti, William Holman Hunt y John Everett Millais, los prerrafaelitas se rebelaron contra el arte establecido de la segunda mitad del siglo XIX, inspirados en la pintura del Renacimiento temprano, (anterior a Rafael, de ahí su nombre), realizaron obras todas ellas de una calidad pictórica aceptable y muy mejoradas por el uso de colores, en su mayoría fríos, que ensalzan el misticismo de las escenas. Buscaban en este primer Renacimiento una guía para una vida personal más virtuosa y cristiana, ya que en su época sólo reconocían lo corrupto, representado por la inhóspita y brutal sociedad industrial. Entre las obras que se podrán ver destacamos la primera pintura hecha al “plein air” Ferdinand Lured by Ariel (1849-50) de Millais, uno de los 7 creadores de la Hermandad Museum of Bags and Purses, Amsterdam, (Hasta el 10 marzo 2013) El Museo de Bolsos y monederos se encuentra en una casa del canal Herengracht construida en 1664 en el centro de Ámsterdam. Con una colección de más de 4000 bolsos, carteras, maletas, bolsas, estuches y accesorios que datan de finales de la Edad Media hasta hoy, el Museo de Bolsos y Carteras de Ámsterdam es el mayor de su tipo en el mundo. Estudia el bolso y su historia en toda su variedad de formas, funciones y materiales, haciendo hincapié en la historia de cada pieza y en lo que ésta tiene que decir en cuanto al estilo y la moda de cada época. Los bolsos con formas inusuales comenzaron a aparecer en el siglo XIX y la fantasía de los diseñadores seguía el ritmo de las nuevas tecnologías. Con forma de ventilador, tiburón, casa, coche, flor o florero, el Museo es un testimonio de cómo el diseño y la creatividad son valores perennes en la construcción de las sociedades.

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Małopolska Garden of Arts (Desde el 19 de Octubre, Cracovia, Polonia) La mas internacional, quizás, de las ciudades polacas adquiere un nuevo espacio para la cultura y el entretenimiento con la inauguración del Małopolski Ogród Sztuk (Małopolska Garden of Arts) en pleno corazón histórico y que aspira a convertirse en el “Centro Pompidou” de la ciudad Fruto de la voluntad, nacida a principio de la década pasada, de no permitir espacios abandonados en el centro de la ciudad, se puede admirar ya la transformación de un antiguo edifico originariamente dedicado a escuela de equitación y almacén teatral en un espectacular estructura en que prima el vidrio y las transparencias llamando a la memoria un invernadero. La fachada acristalada, dejando a la vista fragmentos del antigua estructuras en ladrillos, deja espacio a una exuberante área ajardinada interior cuidadosamente recuperada y metáfora de la riqueza y diversidad de la oferta cultural que la nueva estructura ofrecerá a la ciudad polaca.

Las Edades del Mar (Hasta el 27 de Enero 2013, Museo Gulbenkian, Lisboa, Portugal) No podía que tener lugar en Lisboa una exposición dedicada exclusivamente al mar y al significado que este elemento ha ido adquiriendo a lo largo de la historia y de la historia del arte. Con la preciosa colaboración del Museo d’Orsay, se han reunido obras de 89 artistas divididas en las 6 subáreas en que se estructura esta exposición; las edades del Mito, del Poder, del Trabajo, de las Tormentas, la edad Efímera y la edad Infinita. Manet, Constable,Monet, Van Goyen, De Chirico, Friedrich, Hopper, Fattori, Sorolla, Klee, Turner, solo para nombrar algunos de los artistas cuyas obras se podrán admirar en el Museo Gulbenkian hasta el próximo Enero; además estarán presentes también obras de artistas nacionales - Pousão, Souza-Cardoso, Vaz, Vieira da Silva e Menez - a través de los cuales se podrá comprender el significado particular que el mar reviste en el imaginario portugués.

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Cuando el barco esté ocupado, una bandera especial A ROOM FOR LONDON (Hasta el 31 de Diciembre de 2012, Queen Elisabeth será izada y nos recordará que no hay “camarots” para esa noche. La habitación incluye, a modo de cuaderno Hall, Londres, Reino Unido) de bitácora, un libro de registro dónde el huésped puQuien quiere aprovechar de las vistas al Támesis des- ede anotar sus variadas e interesantes vivencias e impertándose en una habitación instalada en lo alto de presiones a bordo de este navío. un teatro londinense del Southbank? Con la edición 2012 de A Room for London todo esto David Kohn y su grupo ya tenían experiencia anterior; han creado un restaurante temporal en la Real es una posibilidad real. Academia de las Artes y una galería de arte contemA Room for London comenzó su vida como un con- poráneo en el West End. curso de diseño. La idea era crear una instalación Fiona Banner, por su parte, ha recientemente expuesto temporal en la parte superior de un edificio mítico de su instalación “Harrier y Jaguar”, basada en dos conoLondres, en el que dos personas pudieran pasar la no- cidos aviones de combate, en el atrio central de la Tate Britain. che. En esta edición se ha colocado en la cima del Queen Además de alojar los miembros afortunados del públiElisabeth Hall, una de las salas de conciertos más co, A Room for London dará la bienvenida a los artisgrandes e importantes de Londres, con el propósito tas, escritores y comentaristas culturales que deseen de acoger huéspedes para que disfruten de las vistas añadir su vivencia durante un fin de semana inolviddesde tan singular lugar de la ciudad, dónde nadie ha able en este lugar. Estos invitados especiales podrán utilizar la experiestado antes. El concurso atrajo más de 500 diseños completos encia como fuente de inspiración para nuevas obras pero fueron los arquitectos David Kohn y Fiona Ban- de arte, publicaciones web, escritos. ner quienes se llevaron el gato al agua con su diseño: Es un espacio concebido para la creatividad. “Boat” (barco). A Room for London, parte del Festival de Londres Para “Barco” Kohn diseñó y dotó al edificio de todos 2012 y el final de la Olimpiada Cultural, fue instigada los elementos propios de un navío que habitualmente por Living Architecture y Artangel, en asociación con está en alta mar, para acercarse aún más si cabe a la el Southbank Centre. sensación de estar en un barco útil, que en cualquier momento pudiera ser utilizado para surcar los mares, Por supuesto la entrada y reserva es para todos los públicos, eso sí no para todos los bolsillos; si está intecreó una cubierta superior e inferior. Pero en vez del inmenso océano y las costas de una resado consulte en www. Livinglondon.uk.com. isla remota veremos el río Támesis, el Big Ben y la cat¡Suerte marinero¡. edral de St. Paul.

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