Proyecto I - IC 2013

TALLER IV DG PROYECTO I IC-2013

prof. bach. Ricardo Bola単os Valverde ricardo.bolanos@ucreativa.com

Arte: Escultura

La vida de Claes Oldenburg

Claes Oldenburg, El creador de gigantes

Texto Alejandro Vega

Este artículo dará a conocer la vida de claes oldenburg un escultor que pertenecía al movimiento pop art y su trabajo trata de tomar algún elemento cotidiano o popular y transformarlo en una escultura bastante grande.

Claes Oldenburg (nacido el 28 de enero de 1929) es un escultor sueco, pionero del Pop Art este es un movimiento muy importante de los años 50 hasta los 80, Este es un movimiento que se llama pop art o mejor dicho es el arte popular en el cual toma temas importantes y populares de la sociedad y los trae a la realidad por medio de esculturas utilizando elementos tales lápiz labiales, fósforos y otros. Por lo general el trata de hacer una denuncia ante la sociedad.

Este escultor es muy importante dentro de este movimiento sus obras se caracterizan por ser enormes es difícil pensar como este artista trajo a estos tiempos este tipo de arte, las personas no estaban acostumbradas a ver este tipo de arte por eso fue importante lo que creo claes oldenburg.

1

Oldenburg vive la consolidación de la sociedad de consumo de finales de los años 50 en EE.UU. y ve como a la gente le gusta cada vez más llamar la atención, por eso la época se caracteriza por la opulencia.

El mundo estaba empezando a evolucionar muy rápidamente, gracias, en parte, a los medios de comunicación, que hicieron cambiar las bases de las relaciones humanas.

Entre 1960 y 1965 realizó cierto número de happenings, entre los que destaca Autobodys (1964, Los Ángeles), que incluía automóviles, multitudes y grandes cantidades de cubos de hielo dentro de un acontecimiento artístico donde el público quedaba implicado. En 1961 abrió una tienda en Nueva York, allí vendía reproducciones en escayola de hamburguesas, sándwiches, pasteles y otros tipos de comida rápida. Algún tiempo después, construyó nuevas versiones de estos objetos a escala gigantesca realizados con vinilo relleno de espuma de caucho. Continuó utilizando estos materiales blandos en sus series de objetos escultóricos posteriores como accesorios de cuarto de baño, ventiladores y máquinas de escribir.

En la primera fase el artista se inclinó por la utilización de materiales blandos y baratos con los que hacía una imitación de objetos cotidianos. Con la utilización de este tipo de material negaba una de las premisas de la escultura convencional, que tiende al empleo de materiales duros.

Entre sus obras más famosas esta su gigante Pinza para la ropa (1974), Máquina de escribir blanda (1963) y el Ratón geométrico. En 1983 hizo su gran escultura de un cepillo de dientes para el Museo Haus Esters, Krefeld. En 1984 hizo sus propuestas para el proyecto El rumbo del cuchillo, que fue entonces mostrado en colaboración con el arquitecto Frank O’Gehry en el Campo de ll’Arsenale.

Lo primero que te impresiona de la escultura de este artista en concreto son las dimensiones de las esculturas que ha realizado, además de lo grande que pueden llegar a ser, muchas de ellas tienen capacidades interactivas. Una de sus primeras esculturas interactivas fue una escultura blanda de una barra de labios, llamada Lipstick on Catepillar Tracks que terminaba por desinflarse a no ser que alguna persona le metiera aire. Esta escultura se rediseño con una forma de aluminio más sólida, colocándola de forma vertical encima de las ruedas de un tanque.

Para terminando de hablar de cómo ha influido este artista en la sociedad es importante de como de una simple idea

1991 ‘Free Stamp’ llega a crecer de una forma increíble a materializarse en la realidad en esculturas enormes llenas de vida y con un tras fondo enorme las obras de claes oldenburg están esparcidas por todo estados unidos y el mundo.

Claes olddenburg ha sido marcado como un artista en la parte de escultura las personas las pedían en un intento de denunciar algún problema de la actualidad en la cual querían dar a conocer por medio de una obra hecha por el que se encontraban en área publica para así llevar su mensaje a más personas.

Este artista llevo a otro nivel este tipo de arte y claro dentro del movimiento pop art este artista revoluciono con todas estas tipos de esculturas llaman mucho la atención y es un punto importante por el cual se puede manifestar una persona.

Claes oldenburg al igual que el movimiento que sigue trata de dar su mensaje a la sociedad sus esculturas y en toda su vida crea cosas en grande y por lo mismo también deja un gran legado para los artistas de la próxima generación ha hecho mucho en su vida y es un grande exponente de este movimiento.

“Utilicen la imaginación, por favor”, aconseja Claes Oldenburg

La Vall d’Hebron

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Biografía Una Gran Vida Texto Alejandro Vega

Este artículo dará a conocer la vida de claes oldenburg un escultor que pertenecía al movimiento pop art y su trabajo trata de tomar algún elemento cotidiano o popular y transformarlo en una escultura bastante grande.

Claes Oldenburg (nacido el 28 de enero de 1929) es un escultor sueco, pionero del Pop Art este es un movimiento muy importante de los años 50 hasta los 80, Este es un movimiento que se llama pop art o mejor dicho es el arte popular en el cual toma temas importantes y populares de la sociedad y los trae a la realidad por medio de esculturas utilizando elementos tales lápiz labiales, fósforos y otros. Por lo general el trata de hacer una denuncia ante la sociedad.

Este escultor es muy importante dentro de este movimiento sus obras se caracterizan por ser enormes es difícil pensar como este artista trajo a estos tiempos este tipo de arte, las personas no estaban acostumbradas a ver este tipo de arte por eso fue importante lo que creo claes oldenburg.

1

Oldenburg vive la consolidación de la sociedad de consumo de finales de los años 50 en EE.UU. y ve como a la gente le gusta cada vez más llamar la atención, por eso la época se caracteriza por la opulencia.

El mundo estaba empezando a evolucionar muy rápidamente, gracias, en parte, a los medios de comunicación, que hicieron cambiar las bases de las relaciones humanas.

Entre 1960 y 1965 realizó cierto número de happenings, entre los que destaca Autobodys (1964, Los Ángeles), que incluía automóviles, multitudes y grandes cantidades de cubos de hielo dentro de un acontecimiento artístico donde el público quedaba implicado. En 1961 abrió una tienda en Nueva York, allí vendía reproducciones en escayola de hamburguesas, sándwiches, pasteles y otros tipos de comida rápida. Algún tiempo después, construyó nuevas versiones de estos objetos a escala gigantesca realizados con vinilo relleno

de espuma de caucho. Continuó utilizando estos materiales blandos en sus series de objetos escultóricos posteriores como accesorios de cuarto de baño, ventiladores y máquinas de escribir.

En la primera fase el artista se inclinó por la utilización de materiales blandos y baratos con los que hacía una imitación de objetos cotidianos. Con la utilización de este tipo de material negaba una de las premisas de la escultura convencional, que tiende al empleo de materiales duros.

Entre sus obras más famosas esta su gigante Pinza para la ropa (1974), Máquina de escribir blanda (1963) y el Ratón geométrico. En 1983 hizo su gran escultura de un cepillo de dientes para el Museo Haus Esters, Krefeld. En 1984 hizo sus propuestas para el proyecto El rumbo del cuchillo, que fue entonces mostrado en colaboración con el arquitecto Frank O’Gehry en el Campo de ll’Arsenale.

Lo primero que te impresiona de la escultura de este artista en concreto son las dimensiones de las esculturas que ha realizado, además de lo grande que pueden llegar a ser, muchas de ellas tienen capacidades interactivas. Una de sus primeras esculturas interactivas fue una escultura blanda de una barra de labios, llamada Lipstick on Catepillar Tracks que terminaba por desinflarse a no ser que alguna persona le metiera aire. Esta escultura se rediseño con una forma de aluminio más sólida, colocándola de forma vertical en-

cima de las ruedas de un tanque.

Para terminando de hablar de cómo ha influido este artista en la sociedad es importante de como de una simple idea llega a crecer de una forma increíble a materializarse en la realidad en esculturas enormes llenas de vida y con un tras fondo enorme las obras de claes oldenburg están esparcidas por todo estados unidos y el mundo.

Claes olddenburg ha sido marcado como un artista en la parte de escultura las personas las pedían en un intento de denunciar algún problema de la actualidad en la cual querían dar a conocer por medio de una obra hecha por el que se encontraban en área publica para así llevar su mensaje a más personas.

Este artista llevo a otro nivel este tipo de arte y claro dentro del movimiento pop art este artista revoluciono con todas estas tipos de esculturas llaman mucho la atención y es un punto importante por el cual se puede manifestar una persona.

Claes oldenburg al igual que el movimiento que sigue trata de dar su mensaje a la sociedad sus esculturas y en toda su vida crea cosas en grande y por lo mismo también deja un gran legado para los artistas de la próxima generación ha hecho mucho en su vida y es un grande exponente de este movimiento.

“Utilicen la imaginación, por favor”, aconseja Claes Oldenburg

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Novedades Una Gran Vida

Creador del Gran Pop Art, Claes Oldenburg Texto Alejandro Vega

Este artículo dará a conocer la vida de claes oldenburg un escultor que pertenecía al movimiento pop art y su trabajo trata de tomar algún elemento cotidiano o popular y transformarlo en una escultura bastante grande.

“Utilicen la imaginación, por favor”, aconseja Claes Oldenburg

Claes Oldenburg

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Saw, Sawing Tokyo, 1996

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Arte Hiperrealista

El Maestro del “BIC”

“Mi trabajo lleva al extremo los dibujitos que todos hemos hecho alguna vez en unos apuntes” Por: Alfredo Sequeira.

“Sus dibujos implican la exactitud en el planteamiento de cuerpos y objetos. Mi trabajo lleva al extremo los dibujitos que todos hemos hecho alguna vez en unos apuntes y al mismo tiempo, la visión cargada de humor y desparpajo, la apropiación inteligente y manipuladora de los recursos plásticos académicos, el nexo dialéctico que plantea entre el espectador, la obra y el artista, y la composición de obras en series”, concluye Luis Fernando Pradilla, curador de la muestra. Juan Francisco Casas también fue docente de la Universidad de Granada, entre el 2000 y el 2004. El interés por los detalles, presente en los óleos sobre lienzo.

Todo empezó con un pequeño dibujo en los márgenes de los cuadernos del colegio.

Luego, vinieron los bocetos, con un tamaño mayor, en tinta de bolígrafo Bic. “A medida que los bocetos se fueron magnificando, adquirieron mejor acabado, fueron más realistas y, poco a poco, se fueron convirtiendo en una obra con identidad propia”. Así explica el artista español Juan Francisco Casas la génesis de las 40 obras que conforman After(h)ours, que se puede ver en la Galería El Museo de Bogotá.

Casas juega con la ambigüedad del título para reflexionar sobre la cotidianidad y sobre su generación. “Muchas de las imágenes están tomadas después de la noche, cuando la fiesta llega a su fin; pero si le quitas la ‘h’, es una referencia a lo que queda luego de nosotros”.

Es un artista admirado.

No hay trampa ni cartón. No son fotografías: la ilusión óptica desaparece cuando uno se acerca a la obra y se revelan los trazos dibujados en tinta azul o negra. Son imágenes cotidianas, espontáneas; instantes capturados en un círculo cercano que podrían haber sido publicados Desarrolla su obra principalmente dentro del campo de la pintura. Desde el año 2006 ha decidido incursionar en el dibujo, con trabajos realizados con bolígrafo (el viejo y conocido Bic azul). Su estilo realista en apariencia, parte de fotografías de la vida cotidiana, exaltando esos pequeños momentos de felicidad pura y primitiva.

“También es pintor...”

Inspirado en los retratos del siglo XIX, en los que se plasmaban personajes relevantes de la monarquía y la historia, el artista busca inmortalizar a personas importantes en su vida. Con lo que algunos escribimos otros pueden hacer arte, vea cómo este artista utiliza un simple bolígrafo para llenarnos la vista de arte. “Mi creación es una especie de autobiografía, contada a través de la gente que me rodea; por eso, cada detalle, cada pliegue de la ropa, cada anillo significa algo”, anota el artista, quien también presenta obras trabajadas al óleo sobre lienzo.

Momentos de la vida que parecen insignificantes, Casas los congela con su bolígrafo en formatos hasta de 2 metros, y les imprime un toque casi ceremonial. “Al final hay una especie de traspaso de la banalidad a la importancia de un momento determinado de la existencia”.

A.H.

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Arte Hiperrealista

El Maestro del “BIC” Por: Alfredo Sequeira.

“Mi trabajo lleva al extremo los dibujitos que todos hemos hecho alguna vez en unos apuntes” Todo empezó con un pequeño dibujo en los márgenes de los cuadernos del colegio. Luego, vinieron los bocetos, con un tamaño mayor, en tinta de bolígrafo Bic. “A medida que los bocetos se fueron magnificando, adquirieron mejor acabado, fueron más realistas y, poco a poco, se fueron convirtiendo en una obra con identidad propia”. Así explica el artista español Juan Francisco Casas la génesis de las 40 obras que conforman After(h)ours, que se puede ver en la Galería El Museo de Bogotá.

Casas juega con la ambigüedad del título para reflexionar sobre la cotidianidad y sobre su generación. “Muchas de las imágenes están

Inspirado en los retratos del siglo XIX, en los que se plasmaban personajes relevantes de la monarquía y la historia, el artista busca inmortalizar a personas importantes en su vida. Con lo que algunos escribimos otros pueden hacer arte, vea cómo este artista utiliza un simple bolígrafo para llenarnos la vista de arte. “Mi creación es una especie de autobiografía, contada a través de la gente que me rodea; por eso, cada detalle, cada pliegue de la ropa, cada anillo significa algo”, anota el artista, quien también presenta obras trabajadas al óleo sobre lienzo.

Momentos de la vida que parecen insignificantes, Casas los congela con su bolígrafo en formatos hasta de 2 metros, y les imprime un toque casi ceremonial. “Al final hay una especie de traspaso de la banalidad a la importancia de un momento determinado de la existencia”.

“Sus dibujos implican la exactitud en el planteamiento de cuerpos y objetos. Mi trabajo lleva al extremo los dibujitos que todos hemos hecho alguna vez en unos apuntes y al mismo tiempo, la visión cargada de humor y desparpajo, la apropiación inteligente y manipuladora de los recursos plásticos académicos, el nexo dialéctico que plantea entre el espectador, la obra y el artista, y la composición de obras en series”, concluye Luis Fernando Pradilla, curador de la muestra. Juan Francisco Casas también fue docente de la Universidad de Granada, entre el 2000 y el 2004. El interés por los detalles, presente en los óleos sobre lienzo.

Es un artista admirado.

No hay trampa ni cartón. No son fotografías: la ilusión óptica desaparece cuando uno se acerca a la obra y se revelan los trazos dibujados en tinta azul o negra. Son imágenes cotidianas, espontáneas; instantes capturados en un círculo cercano que podrían haber sido publicados Desarrolla su obra principalmente dentro del campo de la pintura. Desde el año 2006 ha decidido incursionar en el dibujo, con trabajos realizados con bolígrafo (el viejo y conocido Bic azul). Su estilo realista en apariencia, parte de fotografías de la vida cotidiana, exaltando esos pequeños momentos de felicidad pura y primitiva.

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Double Roman Shower #2

tomadas después de la noche, cuando la fiesta llega a su fin; pero si le quitas la ‘h’, es una referencia a lo que queda luego de nosotros”.

Arte Hiperrealista

Arte Hiperrealista Por: Alfredo Sequeira.

Fotografías Entintadas “Mi trabajo lleva al extremo los dibujitos que todos hemos hecho alguna vez en unos apuntes”

A.H. 01

Arte Hiperrealista

Portada│Artistas del cine

A

Por Bryan Artavia

lan Lee. Uno de los artistas más reconocidos, tal vez no de nombre, pero si de trabajo. Su obra traspasará los tiempos, por calidad y sensibilidad, por llevarnos a mundos fantásticos y hacernos “ver” lo que él ve y siente. Sus paisajes, sus personajes la atmósfera que consigue en todo su trabajo, llegan al corazón y provocan sensaciones extrañas, pero familiares.

Ha hecho muchos trabajos pero su dedicación a la obra de Tolkien (junto a John Howe) es la que más fama le ha dado. Toda su interpretación de la Tierra Media, paisajes, personajes, escenas o situaciones, tiene la maestría y el bien hacer de todo un artista.

Alan Lee nació el 20 de agosto de 1947 en Middlesex, Inglaterra, y estudió en la Ealing Art College. Publica en 1978 el libro “Faeries” (“Hadas”). En los años siguientes construyó su estilo influido por las obras de los años cincuenta y sesenta.

Se dedica principalmente a las acuarelas, con un estilo clásicamente romántico.

En el portafolio “The Drawings of Alan Lee” (1983), recoge una edición firmada y numerada con ocho ilustraciones ya publicadas pero presentadas en un magnífico formato, reproducidas directamente de los originales, con las mejores técnicas del momento.

En los años ochenta comienza su trabajo de J.R.R. Tolkien y es el “Calendario Tolkien” de 1987 el que le marca y le da a conocer a nivel mundial. Realiza las ilustraciones de portada de los cuatro volúmenes de la historia de la Tierra Media e incluyó 50 ilustraciones inéditas.

Ilustra “El anillo de Tolkien” en 1994 que es una aproximación a los orígenes de la obra de Tolkien y en 1997 ilustra la edición de “El hobbit”, con 26 ilustraciones a color y otras 38 en blanco y negro.

Este ilustrador también ha trabajado en el cine y televisión. Trabajó como diseñador conceptual en “Legend” ,“Erik el Vikingo”, “Merlin and the dragons” y “Merlin”. Cuando Peter Jackson puso en marcha la adaptación cinematográfica de “El Señor de los Anillos”, tenía muy claro que quería contar con Alan Lee como diseñador conceptual, junto con John Howe. Howe y Lee se repartieron el

Portada│Artistas del cine

Legado

La imaginaci贸n se vuelve realidad

La Tierra Media cobra vida Art铆culo escrito por: Bryan Artavia

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Legado

Alan Lee. Uno de los artistas más reconocidos, tal vez no de nombre, pero si de trabajo. Su obra traspasará los tiempos, por calidad y sensibilidad, por llevarnos a mundos fantásticos y hacernos “ver” lo que él ve y siente. Sus paisajes, sus personajes la atmósfera que consigue en todo su trabajo, llegan al corazón y provocan sensaciones extrañas, pero familiares.

Ha hecho muchos trabajos pero su dedicación a la obra de Tolkien (junto a John Howe) es la que más fama le ha dado. Toda su interpretación de la Tierra Media, paisajes, personajes, escenas o situaciones, tiene la maestría y el bien hacer de todo un artista.

Alan Lee nació el 20 de agosto de 1947 en Middlesex, Inglaterra, y estudió en la Ealing Art College. Publica en 1978 el libro “Faeries” (“Hadas”). En los años

siguientes construyó su estilo influido por las obras de los años cincuenta y sesenta. Se dedica principalmente a las acuarelas, con un estilo clásicamente romántico.

En el portafolio “The Drawings of Alan Lee” (1983), recoge una edición firmada y numerada con ocho ilustraciones ya publicadas pero presentadas en un magnífico formato, reproducidas directamente de los originales, con

Como curiosidad, Lee tiene dos apariciones en la trilogía: en el prólogo de “La comunidad del anillo” es uno de los nueve reyes de los hombres (junto con John Howe) y en “Las dos torres” aparece en la escena de la armería en el Abismo de Helm.

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El concepto detrás de la imagen

Alan Lee. Uno de los artistas más reconocidos, tal vez no de nombre, pero si de trabajo. Su obra traspasará los tiempos, por calidad y sensibilidad, por llevarnos a mundos fantásticos y hacernos “ver” lo que él ve y siente. Sus paisajes, sus personajes la atmósfera que consigue en todo su trabajo, llegan al corazón y provocan sensaciones extrañas, pero familiares.

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El concepto detrรกs de la imagen

POR BR YAN AR TAVIA

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MAESTRO DEL ARTE Su abuela paterna, fué probablemente la persona que le inició en las artes.

Nació el sábado 15 de abril de 1452 a las diez y media. No es seguro si su nacimiento tuvo lugar en el castillo de Vinci, ciudad a unos 25 km en línea recta de Florencia, o bien en la casa materna de Anchiano, una pedanía a unos dos km de Vinci. Leonardo era hijo ilegítimo: su padre dejó embarazada a una humilde joven de familia campesina llamada Caterina. Su padre, Messer Piero Fruosino di Antonio, fue notario, canciller y embajador de la República de Florencia. El propio Leonardo fue, por tanto, descendiente de una rica familia de nobles italianos. De su madre se dice que pudo ser una esclava de Oriente Medio.

Leonardo, o Lionardo según su nombre de bautizo, fue bautizado y pasó sus cinco primeros años en la casa de su padre en Vinci, donde fue tratado como un hijo legítimo. Tuvo cinco madrinas y cinco padrinos, todos ellos habitantes del pueblo. En este lugar, Leonardo recibió instrucción, aprendió a leer y a escribir, y adquirió conocimientos de aritmética. Sin embargo, prácticamente no aprendió latín, base de la enseñanza tradicional. El hecho de que tuviese una ortografía caótica muestra que su instrucción no estuvo exenta de lagunas; en todo caso no fue la de un universitario.

En aquella época, las convenciones modernas en los nombres de personas no se habían desarrollado todavía en Europa, por lo que únicamente las grandes familias hacían uso del apellido patronímico.

Biografías

En 1457, cuando Leonardo tenía cinco años, su madre se casó con Antonio di Piero Buti del Vacca da Vinci, un campesino de la localidad, con el que tuvo cinco hijos. Fue acogido entonces en la casa de la familia de su padre en el pueblo de Vinci. Entre tanto, el padre se había casado con una joven de dieciséis años proveniente de una familia rica de Florencia, Albiera degli Amadori. Ésta, al no tener hijos, volcó su afecto en Leonardo, pero murió siendo muy joven debido a complicaciones de parto, en 1464.

Aunque era considerado plenamente desde su nacimiento como hijo de su padre, Leonardo nunca fue reconocido formalmente como un hijo legítimo.

"Autoretrato" de Leonardo da Vinci

Leonardo Da Vinci

En 1457, cuando Leonardo tenía cinco años, su madre se casó con Antonio di Piero Buti del Vacca da Vinci, un campesino de la localidad, con el que tuvo cinco hijos. Fue acogido entonces en la casa de la familia de su padre en el pueblo de Vinci. Entre tanto, el padre se había casado con una joven de dieciséis años proveniente de una familia rica de Florencia, Albiera degli Amadori. Ésta, al no tener hijos, volcó su afecto en Leonardo, pero murió siendo muy joven debido a complicaciones de parto, en 1464. Aunque era considerado plenamente desde su nacimiento como hijo de su padre, Leonardo nunca fue reconocido formalmente como un hijo legítimo. Su padre se casó hasta cuatro veces, dándole diez hermanos y dos hermanas menores legítimos. De estas relaciones, el pequeño Leonardo tuvo un muy buen vínculo con la última mujer de su padre, Lucrezia Guglielmo Cortigiani, afecto que se evidencia en una nota en donde se dirige a ella como querida y dulce madre.

Su abuela paterna, Lucia di ser Piero di Zoso, una ceramista próxima a Leonardo, fue probablemente la persona que le inició en las artes. Un conocido presagio refiere que un milano venido del cielo había hecho un vuelo estacionario sobre su cuna, tocando su cara con la cola. Giorgio Vasari, biógrafo del siglo XVI de los pintores del Renacimiento, cuenta en Le Vite (1568), la historia de un campesino local que pidió a ser Piero que su talentoso hijo le pintara una imagen sobre una placa. Leonardo pintó entonces una representación de un dragón escupiendo fuego, tan bien realizada que ser Piero la vendió a un mercader de arte florentino, quien a su vez la revendió al duque de Milán. Tras haberse así beneficiado con la venta, ser Piero compró una placa decorada con un corazón atravesado por una flecha, la cual entregó al campesino.

Christian

Campos

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S U S S E D N A R G S A R OB

ra intu p a o , otr orentin 6 7 4 ci.

-1 r fl 1474 al pinto a de Ben e a i d ac br da da h atribui to, Gine a fecha 80, a h c 14 Fe uy tra ido ha s ueño re lavel, c 1478 y iodo. e u q e per p eq el c entr es un irgen d resume de este V p La ción se s obras e se u u q u es do ejec ra de s de r a rand a o n s g t o a m e o s r i r L . t b es 80 dos ajar pa e as o abajo de del Bau alumnos e 4 r 1 e b e a a d recibió ó a tr ente d e Primrimer tr a parte y sus r de est e d a c n Dé ardo comenz igualm inos d s El p ce es u rrocchio ece data Uno d e o r .

Leon gos y ue fue n térm te, do , cono o de V que pa ciación de larg r q e en as s t n n enca obra cia aciadam rminad o Cris pintura a Anu tímetro ta de u n a t L n en ra otra impor Desgr eron te proces Otra do, es 59 c lto. Se t una gra , l o . u n ñ e o gran osición nunca f ida a u ción y e peri es peque ros de a base de uadro d . t p a n t c com s obras e some finaliz el de Sa ellos centíme ir en la aso un eparado a u e l a f s s c de l ercera n para dros fue ocia est y 14 la para en este al se ha ho má t e a ó s c e u , n y la gociaci estos cu olon, a a vida d pred osición edi del c ajo mu argo. E e l t e l a p r b de n Uno de na Bor ifícil de ncolía s com zo di C un tra ros de ardo h . a e a n n t o pago imo. Li eríodo d e la mel saba qu .

Lore tro es centíme es, Leo entada r p n d n o Jeró o a un signos rio: Pe a mori 17 nciacion María s en, y un 2 El , r a s i u de e ag en cuad ardo, lo n su d día sólo gran dos An la Virg de la im lla desd e n n a s e Leo en leer ir, apre estas sentado derecha cerca a rabajo e v i d a y a e t pue día a v repr dillas a l l que se rte del la ropa n e a apre de ro de perfi Gran p iento de iorment l o r ánge uierda. l movim ue ante omenic q q e si la iz ado en el. Aun uido a D ora ca . g z h b reali as del án fue atri jo es a eonardo l L a o a j b las raba , el tra uido a t o dich andaio e atrib t l Ghir rsalmen e univ

Década de 1490 Entre 1495 y 1498 Leonardo pinta La Última Cena, que representa la última comida compartida por Jesús con sus discípulos; fue ejecutada directamente sobre un muro del convento de Santa Maria delle Grazie en Milán. Trabajaba del alba al crepúsculo sin detenerse para comer, para así dejar de hacerlo los tres o cuatro días siguientes,que topó con la incomprensión del prior del convento. Es una obra maestra en su concepción y caracterización, que ha recibido la admiración de artistas de la talla de Rubens y Rembrandt.

Década de 1500 Entre 1503 y 1506 trabaja en un pequeño retrato, La Gioconda, probablemente el cuadro más famoso de la pintura occidental. La obra representa a Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo. Fue un cuadro muy querido por Leonardo y que tuvo con él hasta su muerte. Su aspecto actual es engañoso debido a una gruesa capa de barnices oscurecidos, cuya eliminación se está demorando por los riesgos que implica. A pesar de ello, es una obra en estado de conservación inusual ya que no tiene ningún signo visible de reparaciones.

Biografía

Masami japonés nacido en Tokio, el 6 de diciembre de 1953.

Su anime mas famoso Saint Seiya mas conocido como Los Caballeros del Zodiaco. Es una serie de anime de 114 episodios, en tres temporadas en formato OVA con 31 episodios en total, en cinco películas animadas, sumando además películas y secuelas oficiales de la historia original, permaneciendo así vigente la franquicia hasta la fecha.

Su primer manga fue Sukeban no Arshi realizada cuando tan solamente tenia 20 años, de aquí en adelante es cuando da inicio su carrera, ya que después de mucho buscar logra conseguir quien publique su obra.

Poco después llegaría Ring ni Kakero.

Seguido de Fuma no Kojiro, Raimei no Zaji y Otoko zaka.

Actualidad

El tema principal parte de su primer éxito, Ring ni Kakero, la cual trataba de dos jóvenes boxeadores que hacían combates hasta límites insospechados.

Masami es un verdadero artista gráfico y desempeña la técnica del dibujo y la ilustración digital de una manera impresionante, aunque obviamente el no ilustra todos los personajes de sus manga pero gran parte de los personajes o los que para el son los mas importantes el se encarga de ilustrarlos y esta siempre pendiente de todo el proceso de animación de sus obras.

Sus obras trata casi siempre sobre armaduras, poderes sobrenaturales, y sobre todo, valores que empapan todas sus obras como la superación, la constancia, el amor fraternal, la amistad.

Su dibujo es muy clásico y a lo largo de su carrera ha ido evolucionando llegando a tener gran importancia.

Sus obras son publicadas por la revista Shônen Jump hasta 1994, siendo la última en editarse Silent Knight Shô.

Que tiene una notable semejanza con Saint Seiya no logra ser un gran suceso es retirada.

Su carrera parecía terminada después de este suceso, pero Kadowaka Shôten publica su obra BT’X, tiene gran éxito.

Tan es así que apenas terminada de diseñar esta saga, todos los fanáticos estaban esperando su continuación.

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En la actualidad el señor Masami sigue siendo noticia ya que aun sigue creando anime como lo es Saint Seiya Next Dimensión que hasta el día de hoy sigue sacando nuevos capítulos y actualizaciones OVAS de su extensa lista de animes.

Es un hombre que todos los seguidores del anime admira por sus increíbles obras llenas de drama y pasión emociones no sabemos con que nos ira a sorprender, pero hay que estar preparado para lo que sea, ya que el mismo reconoce en una entrevista que su potencial no ha sido explotado en su totalidad y que todavía queda mucho por dar de parte de el y su equipo.

Por: J. David Gamboa Méndez.

Seiya- Saint Seiya

Seiya- Saint Seiya

Seiya- Saint Seiya

Ring ni Kakero Ryuji y Kiku Takane, son los hijos de un boxeador excepcional que murió antes de alcanzar el título de Campeón Mundial, después del fallecimiento de éste, la vida de los pequeños no es fácil pues su madre, se casa con un hombre alcohólico que los maltrata constantemente, Kiku no puede soportar las palizas y decide marcharse con su hermano a Tokio para entrenarlo y convertirlo en boxeador.

En un principio Ryu no quiere ser boxeador porque no le gusta, pero más tarde, cuando se encuentra con Jun Kenzaki, decide convertirse en entrenador y así superar el bullying que sufre por Ken zaki y el resto de compañeros de clase, en su camino encontrará amigos de verdad como Katori Ishimatsu, Kawai o Shinatora con los que formará el equipo del Japón Junior Dorado.

El 6 de octubre de 2004, en Japón, se dio a la luz al primer episodio del anime de Ring ni kakero, esta temporada empieza en el capítulo 33 del manga, y termina en el capítulo 49. Posteriormente el anime de Ring ni Kakero continuó después de la Saga del Infierno de Saint Seiya, correspondiendo esta nueva saga a la batalla contra USA.

Ring ni kakero

Ring ni kakero

Anime

Ring ni kakero

popular

Los Caballeros del Zodiaco, creado en 1986, publicado originalmente en enero de ese mismo año, en la revista Shūkan Shōnen Jump. Fue adaptado posteriormente en una serie de anime de 114 episodios, formato OVA con 31 episodios en total, en cinco películas animadas.

Seiya- Saint Seiya

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Biografía

Masami japonés nacido en Tokio, el 6 de diciembre de 1953.

Su anime mas famoso Saint Seiya mas conocido como Los Caballeros del Zodiaco. Es una serie de anime de 114 episodios, en tres temporadas en formato OVA con 31 episodios en total, en cinco películas animadas, sumando además películas y secuelas oficiales de la historia original, permaneciendo así vigente la franquicia hasta la fecha.

Actualidad En la actualidad el señor Masami sigue siendo noticia ya que aun sigue creando anime como lo es Saint Seiya Next Dimensión que hasta el día de hoy sigue sacando nuevos capítulos y actualizaciones OVAS de su extensa lista de animes.

En este momento esta colaborando con Megumu Okada en el Episodio G, Kurumada se encarga del guión y Okada del dibujo. También está colabora en Saint Seiya Lost Canvas. Se encuentra desarrollando la segunda parte de Ring ni Kakeru.

Masami es un verdadero artista gráfico y desempeña la técnica del dibujo y la ilustración digital de una manera impresionante, aunque obviamente el no ilustra todos los personajes de sus manga pero gran parte de los personajes o los que para el son los mas importantes el Saint Seiya

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se encarga de ilustrarlos y esta siempre pendiente de todo el proceso de animación de sus obras.

Es un hombre precavido le gusta estar siempre atento de lo que pueda suceder y siempre tiene una respuesta para todo el sabe como va a resolver cierto problema o pelea en sus animes porque siempre va un paso adelante.

Es un hombre que todos los seguidores del anime admira por sus increíbles obras llenas de drama y pasión emociones no sabemos con que nos ira a sorprender, pero hay que estar preparado para lo que sea, ya que el mismo reconoce en una entrevista que su potencial no ha sido explotado en su totalidad y que todavía queda mucho por dar de parte de el y su equipo.

Por: J. David Gamboa Méndez.

Masami Kurumada.

Su primer manga fue Sukeban no Arshi realizada cuando tan solamente tenia 20 años, de aquí en adelante es cuando da inicio su carrera, ya que después de mucho buscar logra conseguir quien publique su obra.

Poco después llegaría Ring ni Kakero.

Seguido de Fuma no Kojiro, Raimei no Zaji y Otoko zaka.

El tema principal parte de su primer éxito, Ring ni Kakero, la cual trataba de dos jóvenes boxeadores que hacían combates hasta límites insospechados.

Sus obras trata casi siempre sobre armaduras, poderes sobrenaturales, y sobre todo, valores que empapan todas sus obras como la superación, la constancia, el amor fraternal, la amistad.

Su dibujo es muy clásico y a lo largo de su carrera ha ido evolucionando llegando a tener gran importancia.

Sus obras son publicadas por la revista Shônen Jump hasta 1994, siendo la última en editarse Silent Knight Shô.

Que tiene una notable semejanza con Saint Seiya no logra ser un gran suceso es retirada.

Su carrera parecía terminada después de este suceso, pero Kadowaka Shôten publica su obra BT’X, tiene gran éxito.

Tan es así que apenas terminada de diseñar esta saga, todos los fanáticos estaban esperando su continuación.

Biografía

Masami japonés nacido en Tokio, el 6 de diciembre de 1953.

S

u anime mas famoso Saint Seiya mas conocido como Los Caballeros del Zodiaco. Es una serie de anime de 114 episodios, en tres temporadas en formato OVA con 31 episodios en total, en cinco películas animadas, sumando además películas y secuelas oficiales de la historia original, permaneciendo así vigente la franquicia hasta la fecha.

2 Por: J. David Gamboa Méndez.

Tim Tim Doyle es un ilustrador y creador de impresión, Doyle comenzó pintando y mostrando en galerías en 2001.

Ha producido arte para empresas de diseño como la criatura, el Teatro Astor, ABC / Disney ‘s, He-Man de Mattel exposición de arte en Los Ángeles, ha tenido material gráfico utilizado por Lucasfilm / ILM, Hasbro, IDW.

Doyle The Kin Sea A g o lso f Cr Ri abs ses Cla - Inc ims ide his nt 6: Thr Th one e

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4 ILUSTRACIONES

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Tim Doyle es un ilustrador y creador de impresión, trabajo de Austin, Texas. Al crecer en la expansión suburbana de la zona de Dallas, se volvió hacia el interior y busco el interior de su hogar encontrando la alegría en comic’s, televisión y los videojuegos.

Se mudo a Texas en 1999 para cumplir un sueño de toda la vida de no vivir en Dallas, Doyle comenzó pintando y mostrando en galerías en 2001. Él mismo publico ‘Amazing Adult Fantasy’ de 2001-2003. Doyle tiene ocupado muchos puestos de trabajo nerd-amigables, como correr una pequeña cadena de tiendas de cómics, así como el diseño de las camisetas y dirigiendo arte-la serie de carteles para el cine Alamo Drafthouse.

Doyle puso en marcha su empresa Nakatomi Inc en enero de 2009. En el verano de 2009, junto con Tim Doyle artista Clint Wilson construyó su propio estudio de serigrafía, impresión Nakatomi Labs, en el que ellos y otros artistas trabajan.

Desde entonces, ha producido arte para empresas como el Teatro Astor, ABC / Disney ‘s Perdio proyectos como He-Man de Mattel exposición de arte en Los Ángeles, ha tenido material gráfico utilizado por Lucasfilm / ILM, Hasbro, IDW. Doyle también proporcionó todos los elementos visuales y carácter, extranjero, y el diseño de vehículos para la adaptación de la obra de teatro The Intergalactic Nemesis en un comic que debutó como una novela gráfica de acción.

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Master Stroke

ILUSTRACIONES

Tim Doyle Tim Doyle es un ilustrador y creador de impresión, Doyle comenzó pintando y mostrando en galerías en 2001. Ha producido arte para empresas de diseño como la criatura, el Teatro Astor, ABC / Disney ‘s, He-Man de Mattel exposición de arte en Los Ángeles, ha tenido material gráfico utilizado por Lucasfilm / ILM, Hasbro, IDW.

6 Diseño

QueRevista

Tim Doyle es un ilustrador y creador de impresión, trabajo de Austin, Texas. Al crecer en la expansión suburbana de la zona de Dallas, se volvió hacia el interior y busco el interior de su hogar encontrando la alegría en comic’s, televisión y los videojuegos.

Se mudo a Texas en 1999 para cumplir un sueño de toda la vida de no vivir en Dallas, Doyle comenzó pintando y mostrando en galerías en 2001. Él mismo publico ‘Amazing Adult Fantasy’ de 2001-2003.

Doyle tiene ocupado muchos puestos de trabajo nerd-amigables, como correr una pequeña cadena de tiendas de cómics, así como el diseño de las camisetas y dirigiendo arte-la serie de carteles para el cine Alamo Drafthouse.

Doyle puso en marcha su empresa Nakatomi Inc en enero de 2009. En el verano de 2009, junto con Tim Doyle artista Clint Wilson construyó su propio estudio de serigrafía, impresión Nakatomi Labs, en el que ellos y otros artistas trabajan.

Desde entonces, ha producido arte para empresas como el Teatro Astor, ABC / Disney ‘s Perdio proyectos como He-Man de Mattel exposición de arte en Los Ángeles, ha tenido material gráfico utilizado por Lucasfilm / ILM, Hasbro, IDW. Doyle también proporcionó todos los elementos visuales y carácter, extranjero, y el diseño de vehículos para la adaptación de la obra de teatro The Intergalactic Nemesis en un comic que debutó como una novela gráfica de acción.

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I

Ilustradores

QueRevista

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Tim Doyle

Tim Doyle es un ilustrador y creador de impresión, Doyle comenzó pintando y mostrando en galerías en 2001. Ha producido arte para empresas de diseño como la criatura, el Teatro Astor, ABC / Disney ‘s, He-Man de Mattel exposición de arte en Los Ángeles, ha tenido material gráfico utilizado por Lucasfilm / ILM, Hasbro, IDW.

ALBERTO CERRITEÑO

DISEÑO VIBRANTE

Su estilo y técnica manifiesta la influencia de muchos artistas del movimiento pop y surrealista contemporáneo, tales como Jeff Soto, Ryden Marcos y Camille Rose García, también de diseñadores de programas de dibujos animados como Genndy Tartakovsky o Craig McCracken, ya que gran parte de su trabajo actual se centra en el diseño de personajes.

Cerriteño posee una licenciatura en Diseño Gráfico la cual obtuvo en la Universidad del Valle de México, Campus Lomas Verdes, pero su pasión por el diseño inició desde que era muy niño, su pasatiempo favorito era dibujar, sus padres lo apoyaron y le dieron las herramientas y la motivación necesaria para que pudiera desarrollar sus habilidades.

En el año 2005, con una extraña mezcla de emoción y nostalgia, decidió mudarse con su familia a los Estados

RESEÑA DE SU VIDA

Unidos, específicamente a la cuidad de Portland, en el estado de Oregon, buscando allí un lugar seguro para criar

Es un artista y diseñador mexicano que se ha destacado

a su hijo y un trabajo en la agencia de marketing creativo

en los últimos años por desarrollar un estilo muy personal y

del Grupo Curiosidad.

atractivo. Sus trabajos de ilustración han sido reconocidos por las instituciones de arte progresista como Juxtapoz,

Aparte de su trabajo como diseñador, dedica su tiempo

Crear, Drawn, La Sociedad Chimp Little, Computer Arts,

libre a su arte personal, el cual

Artes de la comunicación y PAN. También ha participado

extrañas con diferentes expresiones humanas inmersos

en proyectos de arte colaborativo y su trabajo “Criaturas”

en mundos imaginativos. Sus diseños personales muestran

es un show que tiene un espacio bastante grande en la

su conocimiento de estética, color y forma, logrando así

mayor tienda de libros de los Estados Unidos.

combinaciones visuales realmente interesantes. Actual

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Arte

trata sobre criaturas

The Enamored Whole, es un diseño de Alberto Cerriteño, utilizado en accesorios para iPhone4, como protectores gelaskins.

Artículo Por: Gonzalo Vargas Azofeifa

mente trabaja como artista independiente y colabora

color no saturadas como tonos tierra, tonos que se

con el personal de Ideas Kuyky y Creativo, enfocado en

pueden alcanzar en la naturaleza, que le otorgan un estilo

temas donde puede aplicar sus creaciones ilustrativas,

orgánico, esto se opone un poco al estilo de arte mexicano

pero por más de diez años se desempeño como

tradicional, el cual está cargado de tonos saturados, pero

director de arte en varias agencias de publicidad,

la influencia de su cultura natal se nota en el constante uso

impresión, obras educativas, instalaciones y medios

de texturas y patrones decorativos.

interactivos.

Para todo artista es importante encontrar un estilo Se describe a sí mismo como una persona que disfruta lo

con el cual pueda identificarse, Alberto encontró ese

que hace y que intenta regalar esa alegría a todos los que

estilo cuando creo “Bear” el cual fue el primero en el

admiran su trabajo, pues aunque sus diseños poseen tonos

que utilizó fondos texturizados y colores mudos en sus

un poco melancólicos y sombríos, sus composiciones están

personajes, a esto añadió el factor de la emoción humana

llenas de imágenes vibrantes y alegres.

el cual hizo más fuertes sus piezas, tal es el caso de “La Ballena Enamorada”.

SU ESTILO Sus creaciones las realiza desde una habitación simple Su técnica combina el diseño manual y digital, realiza

en su casa, la cual no posee nada sofisticado, solo un

el dibujo a mano con tinta y lo pinta con acuarela,

escritorio, una computadora, y materiales para trabajar en

posteriormente escanea la pieza manteniendo la textura

pintura y dibujo. En ocasiones también el aire libre del patio

del papel y en Photoshop aplica otras texturas como

de su casa o el de los parques de Oregon le han servido

madera, hojas y motivos florales junto con paletas de

para bosquejar ideas en su portátil.

Arte

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Diseño Gráfico

ALBERTO CERRITEÑO

IMÁGEN ORGÁNICA Aparte de su trabajo como diseñador, dedica su tiempo libre a su arte personal, el cual trata sobre criaturas extrañas con diferentes expresiones humanas inmersos mundos de fantasía. Sus diseños personales muestran su conocimiento de estética, color y forma.

Su técnica combina el diseño manual y digital, realiza el dibujo a mano con tinta y lo pinta con acuarela, posteriormente escanea la pieza manteniendo la textura del papel y en Photoshop aplica otras texturas como madera, hojas y motivos florales junto con paletas de color no saturadas como tonos tierra, tonos que se pueden alcanzar en la naturaleza, que le otorgan un estilo orgánico, esto se opone un poco al estilo de arte mexicano tradicional, el cual está cargado de tonos saturados, pero la influencia de su cultura natal se nota en el constante uso de texturas y patrones decorativos.

Para todo artista es importante encontrar un estilo con el cual pueda identificarse, Alberto encontró ese estilo cuando creo “Bear” el cual fue el primero en el que utilizó fondos texturizados y colores mudos en sus personajes, a esto añadió el factor de la emoción humana

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The Enamored Owl (El Búho Enamorado)

Diseño Gráfico

el cual hizo más fuertes sus piezas, tal es el caso de “La Ballena Enamorada”.

Sus

creaciones

las

realiza

desde

una

habitación simple en su casa, la cual no posee nada sofisticado, solo un escritorio, una computadora, y materiales para trabajar en pintura y dibujo. En ocasiones también el aire libre del patio de su casa o el de los parques de Oregon le han servido para bosquejar ideas en su portátil.

Su estilo manifiesta la influencia de muchos artistas del movimiento pop y surrealista contemporáneo, tales como Jeff Soto, Ryden Marcos y Camille Rose García, también de diseñadores de programas de dibujos animados como Genndy Tartakovsky o Craig McCracken, ya que gran parte de su trabajo actual se centra en el diseño de personajes.

Este artista y diseñador mexicano ha sido reconocido por las instituciones de arte progresista como Juxtapoz, Crear, Drawn, La Sociedad Chimp Little, Computer Arts, Artes de la comunicación, PAN, etc. Por más de diez años se desempeño como director de arte en varias agencias de publicidad, impresión, obras educativas, instalaciones y medios interactivos.

Cerriteño posee una licenciatura en Diseño Gráfico la cual obtuvo en la Universidad del Valle de México, pero su pasión por el diseño inició desde que era muy niño, su pasa tiempo favorito era dibujar, sus padres lo apoyaron y le dieron las herramientas y la motivación necesaria para que pudiera desarrollar sus habilidades.

Se describe a sí mismo como una persona que disfruta lo que hace y que intenta regalar esa alegría a todos los que admiran Yearning for Freedom (Anhelo de Libertad)

su trabajo.

Artículo Por: Gonzalo Vargas Azofeifa

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ALBERTO

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Su pasión es crear personajes, su estilo es surrealista comtemporaneo con un poco de movimiento pop, a simple vista sus composiciones se describen a sí mismas, paletas de color no saturadas, tonos tierra, y variedad de texturas en su mayoría de madera, y motivos florales, le otorga un estilo muy orgánico. No es propiamente el estilo de arte mexicano tradicional, el cual está cargado de tonos saturados, pero la influencia de su cultura natal se nota en el constante uso de texturas y patrones decorativos.

Artículo Por: Gonzalo Vargas Azofeifa

Anhe lo

de

CERRITEÑO

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U Perspectiva Distinta na

|Por Gustavo Carvajal G.

Frank Owen Gehry es un arquitecto de Estados Unidos, reconocido a nivel mundial por sus innovadores y peculiares formas que diseña en sus proyectos.

Fotografía de Frank Owen Gehry

Nació con el nombre de Ephraim Goldberg en Toronto, Canadá, pero adoptó la nacionalidad estadounidense al poco tiempo. Su familia era de origen judío-polaca, con un padre que se dedicaba al comercio de materiales y una madre melómana. El se graduó en la Universidad del Sur de California en 1954 (año en que se cambió el nombre por presiones de su exmujer) de sus estudios de Arquitectura y comenzó a trabajar en el estudio de Victor Gruen y asociados en Los Ángeles. Tuvo que ausentarse durante un año para hacer el servicio militar y, a su regreso, fue admitido a la Escuela de Diseño en 11

la Universidad Harvard para estudiar Urbanismo. A su regreso a Los Ángeles se incorporó nuevamente al despacho de Gruen. En 1961, ya era casado y con dos hijas, Gehry se mudo con su familia a París, donde trabajó en el estudio de André Rémonder. La educación francófona que había recibido en Canadá le fue de gran ayuda para desenvolverse en París.

Donde vivió un año, durante el cual estudió las obras de Le Corbusier y otros arquitectos franceses y europeos, así como las iglesias románicas existentes en Francia.De regresó a Los Ángeles, Gehry abrió su propio despacho de Arquitectura. En los años siguientes fue desarrollando su estilo arquitectónico

Arquitectura

personal y ganando reconocimiento nacional e internacional. Su arquitectura es impactante, realizada frecuentemente con materiales inacabados. En un mismo edificio incorpora varias formas geométricas simples, que crean una corriente visual entre ellas. Sus diseños no son fáciles de valorar para el observador inexperto, ya que una buena parte de la calidad de diseño se encuentra en el juego de volúmenes y en los materiales empleados en las fachadas, preferentemente el metal, en todo lo cual sólo el entendido reconoce enteramente la armonía y el diseño estructural.

Habiendo crecido en Canadá, Gehry es un gran aficionado al hockey, En el 2004 diseñó el trofeo de la Liga Mundial de Hockey.

Gehry es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la Arquitectura es un arte, en el sentido de que una vez terminado un edificio, éste debe ser una obra de arte, como si fuese una escultura. Para acercarse cada vez más a este ideal, Gehry ha ido trabajando en sus sucesivos proyectos en esta dirección, sin abandonar otros aspectos primordiales de la arquitectura, como la funcionalidad del edificio o la integración de éste en el entorno.

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Una PersPectiva Distinta

Arquitectura

Frank Owen Gehry es un arquitecto de Estados Unidos, ganador del Premio Pritzker y reconocido a nivel mundial por sus innovadores y peculiares formas que diseña en sus proyectos. |Por Gustavo Carvajal G.

Fotografía de Frank Gehry

Nació con el nombre de Ephraim Goldberg en Toronto, Canadá, pero adoptó la nacionalidad estadounidense al poco tiempo. Su familia era de origen judío-polaca, con un padre que se dedicaba al comercio de materiales y una madre melómana. El se graduó en la Universidad del Sur de California en 1954 (año en que se cambió el nombre por presiones de su exmujer) de sus estudios de Arquitectura y comenzó a trabajar en el estudio de Victor Gruen y asociados en Los Ángeles. Tuvo que ausentarse durante un año para hacer el servicio militar y, a su regreso, fue admitido a la Escuela dve Diseño en la Universidad Harvard para estudiar Urbanismo.

A su regreso a Los Ángeles se incorporó nuevamente al despacho de Gruen. En 1961, ya era casado y con dos hijas, Gehry se mudo con su familia a París, donde trabajó en el estudio de André Rémonder.La educación francófona que había recibido en Canadá le fue de gran ayuda para desenvolverse en París.

Donde vivió un año, durante el cual estudió las obras de Le Corbusier y otros arquitectos franceses y europeos, así como las iglesias románicas existentes en Francia.

De regresó a Los Ángeles, Gehry abrió su propio despacho de Arquitectura.

En los años siguientes fue desarrollando su estilo arquitectónico personal y ganando reconocimiento nacional e internacional. Su arquitectura es impactante, realizada frecuentemente con materiales inacabados. En un mismo edificio incorpora varias formas geométricas simples, que crean una corriente visual entre ellas.

Sus diseños no son fáciles de valorar para el observador inexperto, ya que una buena parte de la calidad de diseño se encuentra en el juego de volúmenes y en los materiales empleados en las fachadas, preferentemente el metal, en todo lo cual sólo el entendido reconoce enteramente la armonía y el diseño estructural. Habiendo crecido en Canadá, Gehry es un gran aficionado al hockey. En el 2004 diseñó el trofeo de la Liga Mundial de Hockey.

Gehry es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la Arquitectura es un arte, en el sentido de que una vez terminado un edificio, éste debe ser una obra de arte, como si fuese una escultura.

Para acercarse cada vez más a este ideal, Gehry ha ido trabajando en sus sucesivos proyectos en esta dirección, sin abandonar otros aspectos primordiales de la arquitectura, como la funcionalidad del edificio o la integración de éste en el entorno.

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|PORGustavo Carvajal G.

Frank Gehry es un arquitecto de Estados Unidos , reconocido a nivel mundial por sus innovadores y peculiares formas que dise単a en sus proyectos.

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Arquitectura

El Ciego

La Casa Danzante de Praga

Sala de Conciertos de Walt Disney

Museo de Arte Frederick Weisman

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BIOGRAFÍAS

Verner Panton

y su filosofía Diseño en el siglo 20

Diseño interior, sillas, lámparas y algunos otros artículos son parte de la colección de este gran diseñador del siglo pasado.

La innovación con la que trabajó cada uno de sus proyectos fue lo que lo llevó a la fama.

Investigación,edición y redacción: Javier Elizondo

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El trabajo producido por Verner Panton representa uno de los más

debería “sentar” a alguien. Gracias a esto, experimentó con todos los

progresistas y exitosos del siglo veinte. Desde la innovación en la

materiales posibles y con el avance de la tecnología de producción

forma y materiales, hasta la simple filosofía sobre como los objetos

de procesos, creó conceptos y todo un nuevo arte que abunda en

y muebles pueden crear sensaciones y emociones tan especiales y

elegancia y diversidad. Con la silla “Panton”, que fue la primera silla

diferentes en cada persona, como los mismos colores y formas que

formada de una sola pieza de plástico, Verner creó uno de los diseños

forman una composición.

de silla más famosos del siglo pasado.

Durante el curso de su carrera Verner Panton (1926-1998) introdujo

Como muchos de sus colegas diseñadores, inició sus estudios como

una gran variedad de diseños de sillas, lámparas y espacios

ingeniero en arquitectura en la escuela técnica en Odense, Dinamarca.

internos con personalidades únicas como nunca antes vistas por

Posteriormente estudió en “The Royal Danish Academy of Fine Arts” en

sus contemporáneos escandinavos. Tenía una fe inigualable en la

Copenhagen. Trabajó en la oficina de arquitectura de Arne Jacobsen

posibilidad ilimitada de las formas y los materiales. Creó una teoría

por dos años donde ayudó con el diseño de “Ant Chair” y luego abrió

muy interesante sobre cómo se debería ver una silla y como esa silla

su propia oficina de diseño.

El diseño interno también lo apasionaban, por lo que una gran variedad de formatos, colores y formas son parte imprecindible en las colecciones de Verner Panton.

Muchos locales, casas y hoteles, cuentan con al menos una sala con el concepto de este artista.

Diseños Visionarios e innovación

Creaciones y vida de Verner Panton Por Javier Elizondo

15

Fotografía por Lara Frederich

BIOGRAFÍAS

El trabajo producido por Verner Panton representa uno de los más progresistas y exitosos del siglo veinte. Desde la innovación en la forma y materiales, hasta la simple filosofía sobre como los objetos y muebles pueden crear sensaciones y emociones tan especiales y diferentes en cada persona, como los mismos colores y formas que forman una composición.

Durante el curso de su carrera Verner Panton (1926-1998) introdujo una gran variedad de diseños de sillas, lámparas y espacios internos con personalidades únicas como nunca antes vistas por sus contemporáneos escandinavos.Tenía una fe inigualable en la posibilidad ilimitada de las formas y los materiales. Creó una teoría muy interesante sobre cómo se debería ver una silla y como esa silla debería “sentar” a alguien.Gracias a esto, experimentó con todos los materiales posibles y con el avance de la tecnología de producción de procesos, creó conceptos y todo un nuevo arte que abunda en elegancia y diversidad. Con la silla “Panton”, que fue la primera silla formada de una sola pieza de plástico,Verner creó uno de los diseños de silla más famosos del siglo pasado.

Como muchos de sus colegas diseñadores, inició sus estudios como ingeniero en arquitectura en la escuela técnica en Odense, Dinamarca. Posteriormente estudió en “The Royal Danish Academy of Fine Arts” en Copenhagen.Trabajó en la oficina de arquitectura de Arne Jacobsen por dos años donde ayudó con el diseño de “Ant Chair”y luego abrió su propia oficina de diseño. Fue aquí, a partir de 1955 donde todos sus diseños empezaron a materializarse.Y a pesar de la gran variedad de diseños que logró crear, fue en 1960 con la silla “Panton” que alcanzó la fama y reconocimiento internacional. Se mostró por primera vez en el Club Mobilia y se le otorgó el precio A.I.D. en 1968. Fue producida originalmente por Fritz Hansen y luego por Herman Miller para la producción en masa Residió en Basle desde principios de los 60’s con su esposa Marianne Panton donde se mantuvo activo hasta el día de su muerte en setiembre de 1998.Marianne no era solamente su esposa,sino también su manager y confidente.Cuenta ella en una entrevista que aunque muchas veces le apoyaba o le daba su apreciación del proyecto en el que estuviera trabajando Verner, pocas veces le prestaba atención a sus críticas.Tanto su esposa como su asistente Rina Troxler lograron recolectar todas sus obras y generar un archivo completo con el que se han logrado hacer exposiciones y colaboraciones con el Museo Vitra Design con quien trabajó por muchos años. Causa de esta relación el museo mantiene una gran colección de objetos,bocetos

El Visiona II es uno de sus proyetos más famosos.

Fue presentado en 1970 en La Feria de Muebles de Cologne

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PERFILES

Diseño revolucionario fuera de su tiempo

EL MUNDO VISIONARIO de

VERNER PANTON Por Javier Elizondo

Las creaciones, sus formas, colores y materiales lo hicieron destacar sobre la gran cantidad de propuestas en esa época. Eso y la increible creatividad con la que veía cada uno de sus proyectos

LAS NUEVAS MENTES DEL ARTE DIGITAL

…

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www.peteharrison.com

El diseño gráfico y el arte digital está totalmente ligado con la tecnología, y en este viaje vamos a dar una pequeña demostración de los orígenes hasta la actualidad y como ha evolucionado con los repentinos avances…

Todos sabemos que el diseño es una disciplina que busca encontrar la solución, originalidad de sus obras gracias a la investigación y desarrollo de un tema, de una forma muy personal y totalmente única. Claro está, debido a que es una interpretación

del diseñador, lo que la hace una composición sin igual.

La primera exposición de gráficos generados por una máquina de manera electrónica, se originó en 1953 en el Sanford Museum de Cherokee, Iowa (EUA). Todo esto cuando las tendencias de la época eran el abstracto y el informalismo.

Algunos de los pioneros del arte digital son Charles Csuri y Robert Mallary, entre otros. El arte digital es una de las formas más importante del diseño gráfico. por medio de ella se descubren nuevas formas de utilizar las herramientas digitales para realizar obras fuera de este mundo. Claro que no sería posible sin los avances en la

Articulo: Javier Tenorio

Tendencias del mundo Art y Diseño

Diseñador: Pete Harrison

Hecho por Pete Harrison and Hernan jacome Desktopography es un proyecto que tiene ya 5 años andando, el objetivo es crear imágenes que involucren a la naturaleza manipulándolas hasta conseguir efectos alucinantes que te transporten a el mundo que tienes frente a tu pantalla..

Diseñador: Pete Harrison

tecnología, que son los soportes más importantes del movimiento gráfico digital y el arte de este tipo, gracias a todos los factores que han aportado algo para que el diseño gráfico y el arte digital que conocemos sean lo que son el día de hoy. A medida que la tecnología aumenta más con tanta velocidad, como a la que se mueve en estos días, veremos cada vez más como los límites desaparecen en las gráficas que vemos, con esto el aumento de mayor calidad, belleza, y nuevas formas de arte en digital.

Comunicación visual que con el tiempo ha cambiado por la tecnología volviéndose más flexible, creativo y especializado, dando una forma

mucho más compleja, con resultados muchos mas impresionantes que originan una evolución de la mano con el diseño.

Debido a este mundo globalizado todo está conectado, esto influencia de una forma directa a lo conocido como diseño y su desarrollo. Junto con los diseñadores que cada vez encuentran herramientas mucho más versátiles, dando una gama más amplia en cuanto a obras digitales que han sido los pilares del diseño gráfico en la actualidad. Con estas herramientas, los nuevos diseñadores han encontrado un sin fin de posibilidades en cuanto a la solución, el desarrollo, y la creación de piezas gráficas de arte digital.

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ARTE Y DISEÑ

Arte digital

& Diseño.

El diseño gráfico y el arte digital está totalmente ligado con la tecnología, y en este viaje vamos a dar una pequeña demostración de los orígenes hasta la actualidad y como ha evolucionado con los repentinos avances…

Todos sabemos que el diseño es una disciplina que busca encontrar la solución, originalidad de sus obras gracias a la investigación y desarrollo de un tema, de una forma muy personal totalmente única. Claro está debido a que es una interpretación del diseñador, lo que la hace una composición sin igual.

La primera exposición de gráficos generados por una máquina de manera electrónica se originó en 1953 en el Sanford Museum de Cherokee, Iowa (EUA). Todo esto cuando las tendencias de la época eran el abstracto y el informalismo.

Algunos de los pioneros de el arte digital son Charles Csuri y Robert Mallary , entre otros.

El arte digital es una de las formas más importante del diseña gráfico. por medio de ella se descubren nuevas formas de utilizar las herramientas digitales para realizar obras fuera de este mundo. Claro que no sería posible sin los avances en la tecnología, que son los soportes más importantes del movimiento gráfico digital y el arte de este tipo, gracias a todos los factores que han aportado algo para que el diseño gráfico y el arte digital que conocemos, sean lo que son el día de hoy. A medida que la tecnología aumenta más, con tanta velocidad como a la que se mueve en estos días, veremos cada vez más como los límites desaparecen en las gráficas que vemos, con esto el aumento de mayor calidad, belleza y nuevas formas de arte en digital.

Comunicación visual que con el tiempo ha cambiado por la tecnología volviéndose más flexible, creativo y especializado, dando una forma mucho más compleja, con resultados mucho mas impresionantes que originan, una evolución de la mano con el diseño.

Debido a que en este mundo globalizado todo está conectado, esto influencia de una forma directa a lo que conocemos como diseño y su desarrollo.

Articulo: javier tenorio r.

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Dise単ador: Pete Harrison

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El diseño gráfico y el arte digital está totalmente ligado con la tecnología, y en este viaje vamos a dar una pequeña demostración de los orígenes hasta la actualidad y como ha evolucionado con los repentinos avances…

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www.peteharrison.com

Articulo: Javier Tenorio

Diseñador: Pete Harrison

Esta pieza es una colaboración de Eric Pecado con Pete Harrison, con esta obra lo que se busca es imprimir más formas orgánicas en el Diseño.

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Personaje del Mes

r e y e m e i scar N

:

s o ñ a 4 0 1 O

yer a Nieme , a it v in ek lha Kubitsch ano de Pampu y o n li e c a Jus urb de fuerz orizonte evo desarrollo n H ió c lo a e in B nu de omb alcalde yectos para el l de una gran c l e o d n pro ona Cua algunos a un estilo pers r a ñ e is ey a d , aparec 4 4 9 1 2 4 19 ad. sensualid Reda cción Josue Sa y Fotografia rea Esta seri ncho lizada p e de ed or: ifi c io s le de la ig ganó fa lesia de m a intern Sao Fran acional. mosaico cisco de Se trata s de Ca Assis, co n d id n los co o Portina que hoy nocidos ri; el Clu en día fu b de Ya nge com como d te s , el Casin o Museo iversas re o y la Cas sidencia a misma é d s e d Baile, as iseminad poca re í as en la aliza el zona. Po 1940, en Grande r donde o e H s o a tel d´Ou frece to ro Preto entorno da una , 1938colonial. lección de respe to hacia En 1947, el con Le C o rb u s ie diseño d r y S v e n Marke el conju lius, se c nto para oncentr este tra la s N a a en el ciones U bajo refr n e id n a d s, en Nue a la fam adquirid va York: a intern o. El nú acional mero de q por Niem u e o bras dis ya había eyer res eñadas ulta rea desde e recorrid lm e nte noto ntonces o un larg rio y sorp o, brillan en Euro re te n d tr e echo ta nte: ha pa. Sus nto en A actitude su postu mérica s p o lí ti cas, po como ra de pre r otra p ocupac las may arte, se ión socia orías y s ñalan l en torn u idea d o al bie búsqued e la arq nestar d a en bie uitectura e n de tod como e os los gru jercicio de pos hum anos.

Oscar Niemeyer, La verdadera y auténtica forma del ser universal.

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e mero d uen nú b e y u o nstr así com eiro co s, 1953, a de Jan o n ío a R C l en bién ata la suya 952. Tam o 1 En su n , d n a a c ri c é ias, desta al Sul Am rtante residenc un impo el Hospit y a z s li le a ia re lo comerc onde el Sao Pau edificios , 1951, d dad de iu ra c e u ta p li a ir smopo aisajista arque Ib en la co nocido p s en el P o io c c l ifi e d d e as de argo o en otr d orrió a c a conjunto c ip s ic e rt in a había p e los jard lojará diseño d uien ya o que a q e s , u rx m a l e Burle M otras, d Roberto , entre ta aulo. a tr e s a de S o P ras; l b o a o n s ie u B s de osa l concurs a la fam erdido e p te r n e e b a lm h elino bianua pesar de sta, Jusc a o , C e u io q r c u extraña ectar , ante L o a proy No es de d l, Brasilia a a it it v p a in c nueva , lo haya 1956 y para la de Brasil les entre te ta n n e e id s m ek, pre guberna bora en Kubitsch arx cola aciones c M ifi e d rl e u s B ipale . De esta vamente las princ e paisaje ión, nue s d a c ra o tu c ta ite es ersos da arqu e los div 1964; en a d rt e s c re a la u de una ues reg lmente el diseño los bloq especia s e io d c s ifi á d , adem lanalto lgunos e manera cio de P realizó a la r a e P y l e e m l, os, Nie Naciona ministeri ongreso C l e o m os co atractiv

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bierno y la Supre Tres Pod ma Cort eres; res e en torn u lt a o a la Pla n ta Itamara m b ié za de lo n de gran tí y el M s in in is te terio de ré s la Cate e l Palacio Justicia, dral, el d e e l Palacio Teatro N y la Univ da Alvo acional, rada, ersidad e l E s ta d d e io , el Aero Brasilia, se pued entre m puerto e consid uchos o erar que tr ciudad, o s . ta E n suma, l y com próxima o la co mente nocemo obra de c in c u s, esta entenari Niemeye a, result r. a realm Su obra ente continuó desarroll donde c á ndose e onstruyó jemplarm buen nú ente en así com m e ro de obra o el con Brasil, s d tr e o versial c vivienda Latina e o y n o ju fi nto del n Sao Pa cinas, Memoria ulo, 1988 museos l de Am -1989. Re en Brasil érica cientem , mismo ente dis volúmen s que ll e ñ ó v es auda arios a man la ces, com atenció 2000-200 o n e l interesa por sus 1, que s nte Mus e posa s a Río de eo de N obre la iteroi, Bahía de Janeiro, Guanab y el Mu 2002. D s a e ra o Oscar N frente e igual iemeyer manera Oscar N , destac en Curiti iemeyer a el Ce ba, en Avilé ntro Inte s, Españ rn a c io a, dond nal e este a rquitecto

Catedral de Brasilia, el conjunto representa dos manos abriendos hacia el cielo.

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Personaje del Mes

La verdadera y auténtica forma del ser universal.

Redacción y Fotografia realizada por: Josue Sancho

Cuando el alcalde de Belo Horizonte Juscelino Kubitschek invita a Niemeyer a diseñar algunos proyectos para el nuevo desarrollo urbano de Pampulha, 1942-1944, aparece ya un estilo personal de una gran combinación de fuerza y sensualidad.

Museo de Arte Contemporáneo de Niterói, obra realizada por Niemeyer a sus 100 años.

1

Personaje del Mes Esta serie de edificios le ganó fama internacional. Se trata de la iglesia de Sao Francisco de Assis, con los conocidos mosaicos de Candido Portinari; el Club de Yates, el Casino que hoy en día funge como Museo y la Casa de Baile, así como diversas residencias diseminadas en la zona. Por esa misma época realiza el Grande Hotel d´Ouro Preto, 19381940, en donde ofrece toda una lección de respeto hacia el entorno colonial.

En 1947, con Le Corbusier y Sven Markelius, se concentra en el diseño del conjunto para las Naciones Unidas, en Nueva York: este trabajo refrenda la fama internacional que ya había adquirido. El número de obras diseñadas desde entonces por Niemeyer resulta realmente notorio y sorprendente: ha recorrido un largo, brillante trecho tanto en América como en Europa. Sus actitudes políticas, por otra parte, señalan su postura de preocupación social en torno al bienestar de las mayorías y su idea de la arquitectura como ejercicio de búsqueda en bien de todos los grupos humanos.

En su natal Río de Janeiro construye buen número de residencias, destacando la suya en Canoas, 1953, así como

edificios comerciales y el Hospital Sul América, 1952. También en la cosmopolita ciudad de Sao Paulo realiza un importante conjunto de edificios en el Parque Ibirapuera, 1951, donde el diseño de los jardines corrió a cargo del conocido paisajista Roberto Burle Marx, quien ya había participado en otras de sus obras; se trata, entre otras, del museo que alojará bianualmente a la famosa Bienal de Sao Paulo.

No es de extrañar que, a pesar de haber perdido el concurso para la nueva capital, Brasilia, ante Lucio Costa, Juscelino Kubitschek, presidente de Brasil, lo haya invitado a proyectar las principales edificaciones gubernamentales entre 1956 y 1964; en esta ocasión, nuevamente Burle Marx colabora en el diseño de una acertada arquitectura de paisaje. De esta manera, además de los bloques regulares de los diversos ministerios, Niemeyer realizó algunos edificios especialmente atractivos como el Congreso Nacional, el Palacio de Planalto o de Gobierno y la Suprema Corte en torno a la Plaza de los Tres Poderes; resultan también de gran interés el Palacio de Itamaratí y el Ministerio de Justicia, el Palacio da Alvorada, la Catedral, el Teatro Nacional, el Estadio, el Aeropuerto y la Universidad de Brasilia, entre muchos otros. En suma,

Oscar Niemeyer

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Aﾃ前S

Personaje del Mes

Redacci贸n y Fotografia realizada por: Josue Sancho

Cuando el alcalde de Belo Horizonte Juscelino Kubitschek invita a Niemeyer a dise帽ar algunos proyectos para el nuevo desarrollo urbano de Pampulha, 1942-1944, aparece ya un estilo personal de una gran combinaci贸n de fuerza y sensualidad.

Catedral de Brasilia, el conjunto representa dos manos abriendos hacia el cielo.

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DISEÑO Y CINE

UN ESTILO ÚNICO

SAUL BASS

Saul Bass fue pionero del diseño de secuencias de títulos cinematográficos y uno de los mas íconicos diseñadores gráficos del siglo XX

Es un reconocido diseñador gráfico estadounidense, mejor conocido por su trabajo en la industria cinematográfica y en el diseño de algunas de las identidades corporativas mas importantes de Estados Unidos.

Bass estudió en el estudio de Artes League en New York y después en el Colegio de Brooklyn, cuyo maestro era Gyorgy Kepes, un diseñador gráfico húngaro quien había trabajado con László Moholy-Nagy en Berlín antes de emigrar a los Estados Unidos.

Kepes Fue el que introdujo a Saul en el estilo Bauhaus de Moholy y al constructivismo ruso.

Sus primeros trabajos en la meca del cine fueron la realización de carteles publicitarios para los films, aspecto que también revoluciono; enfrentándose con los conceptos establecidos que “profesaban la “obligatoria” aparición de las fotos de los protagonistas en los afiches. Bass introdujo diseños abstractos transformando los simples carteles en una nueva forma de expresión artística.

Su estilo revolucionó la estética la estética gráfica del séptimo arte. Los más reputados directores de cine han solicitado sus servicios tanto para realizar carteles como los primeros minutos de sus films: Otto Preminger, Alfred Hitchcock; Billy Wilder, Stanley Kubrick, Martin Scorsese o Ridley Scott son algunos nombres dentro de su extensa carrera. Su trabajo ha servido de inspiración para muchos diseñadores actuales.

usualmente centrada en el espacio” gracias a “una habilidad extraordinaria para identificar el núcleo de un problema de diseño”. Tambien afirma que “despojo al diseño gráfico estadounidense de la complejidad visual y redujo la comunicación a una imagen pictográfica sencilla” Su forma de trabajar es muy sencilla técnicamente, pero compleja semánticamente: Construye formas organicas sencillas mediante recortes abruptos y simples de cartulina mediante tijeras o trazadas con un pincel.

Estas formas transmiten una gran energía visual ya que están dibujadas con total libertad sin someterse a la rigidez de la geometría exacta.

Utiliza tipografía dibujada manualmente que a veces combina con letras de imprenta.

Por Luis Felipe Campos Thompson

Pero no sólo es conocido por su contribución al cine. Fue uno de los mejores diseñadores gráficos norteamericanos de su ép oca junto a Paul Rand y Milton Glaser. Meggs dice de él que “redujo el diseño gráfico a una imagen dominante, sencilla,

PREMIER No. 63 - 2013 / 58

DISEÑO Y CINE

SAUL BASS

UN ESTILO ÚNICO Saul Bass fue pionero del diseño de secuencias de títulos cinematográficos y uno de los mas íconicos diseñadores gráficos del siglo XX

Es un reconocido diseñador gráfico estadounidense, mejor conocido por su trabajo en la industria cinematográfica y en el diseño de algunas de las identidades corporativas mas importantes de Estados Unidos.

Bass estudió en el estudio de Artes League en New York y después en el Colegio de Brooklyn, cuyo maestro era Gyorgy Kepes, un diseñador gráfico húngaro quien había trabajado con László Moholy-Nagy en Berlín antes de emigrar a los Estados Unidos.

Kepes Fue el que introdujo a Saul en el estilo Bauhaus de Moholy y al constructivismo ruso.

Sus primeros trabajos en la meca del cine fueron la realización de carteles publicitarios para los films, aspecto que también revoluciono; enfrentándose con los conceptos establecidos que “profesaban la “obligatoria” aparición de las fotos de los protagonistas en los afiches. Bass introdujo diseños abstractos transformando los simples carteles en una nueva forma de expresión artística.

Su estilo revolucionó la estética la estética gráfica del séptimo arte. Los más reputados directores de cine han solicitado sus servicios tanto para realizar carteles como los primeros minutos de sus films: Otto Preminger, Alfred Hitchcock; Billy Wilder, Stanley Kubrick, Martin Scorsese o Ridley Scott son algunos nombres dentro de

su extensa carrera. Su trabajo ha servido de inspiración para muchos diseñadores actuales.

Pero no sólo es conocido por su contribución al cine. Fue uno de los mejores diseñadores gráficos norteamericanos de su ép oca junto a Paul Rand y Milton Glaser. Meggs dice de él que “redujo el diseño gráfico a una imagen dominante, sencilla, usualmente centrada en el espacio” gracias a “una habilidad extraordinaria para identificar el núcleo de un problema de diseño”. Tambien afirma que “despojo al diseño gráfico estadounidense de la complejidad visual y redujo la comunicación a una imagen pictográfica sencilla” Su forma de trabajar es muy sencilla técnicamente, pero compleja semánticamente: Construye formas organicas sencillas mediante recortes abruptos y simples de cartulina mediante tijeras o trazadas con un pincel.

Estas formas transmiten una gran energía visual ya que están dibujadas con total libertad sin someterse a la rigidez de la geometría exacta.

Utiliza tipografía dibujada manualmente que a veces combina con letras de imprenta.

En una entrevista el diseñador habla abiertamente de su particular concepto de la creatividad (Bass, 1989: 13-

Por Luis Felipe Campos Thompson

PREMIER No. 63 - 2013 / 58

Por Luis Felipe Campos Thompson

SAUL Saul Bass fue pionero del diseño de secuencias de títulos cinematográficos y uno de los mas íconicos diseñadores gráficos del siglo XX.

DISEﾃ前 / CINE

BASS PREMIER / 58

Fotografía / Arte

Un idioma para todo el mundo Controvertido, explosivo, probablemente el fotógrafo vivo más famoso del mundo. Sus fotografías enigmáticas y provocativas, reflejan una postura acerca de la posmodernidad y de la cultura visual actual.

Por : Marcela Silva

Crea imágenes fantásticas y glamurosas que son representaciones surrealistas de la cultura. Tanto su trabajo artístico como aquel hecho explícitamente para campañas publicitarias reflejan su estilo. Es sin duda uno de los artistas fotográficos más aclamados de nuestro tiempo, en cada trabajo recrea su paleta de color y la intensidad de sus conceptos, sabe elegir el rasgo de la personalidad que ha vuelto icónicas a cada una de las estrellas fotografiadas.

El trabajo creativo de este fotógrafo contemporáneo no se limita a las revistas de moda y retratos de actores y actrices sino que trasciende a la pantalla grande, documentales, videos, portadas de discos y libros.

Nace en Fairfiel, Connecticut, el 11 de marzo de 1969. A sus seis años de edad fue

su primer acercamiento a la fotografía, durante unas vacaciones familiares en Puerto Rico. Allí utilizó una cámara para retratar a su madre Helga LaChapelle.

Desde ese momento quedó obsesionado con la fotografía.

A los quince años se muda de New York. Mintió sobre su edad y consiguió trabajo en una discoteca Studio 54, donde limpiaba mesas de grandes celebridades y artistas como Liza Minelli.

Mas tarde, su padre lo tomaría y lo llevaría de regreso al sur, donde lo obligó a estudiar en la Escuela de Artes de Carolina del Norte.

Luego en New York ingresó a la Liga de Estudiantes de

Arte y Escuela de las Artes Visuales. Andy Warhol le ofreció su primer trabajo, como fotógrafo de la revista Interview. Al polifacético artista se le considera discípulo de Warhol, de quien conoció una forma de expresar unica a través de la fotografía, con un tono sarcástico, una critica mordaz de los caracteres mas satíricos de la cultura popular.En la actualidad, las revistas mas importantes tienen la huella

de LaChapelle como, Italin Vougue, Rolling Stone, The Face y Vanity Fair. Además, es conocido por el creativo uso de colores en sus imágenes y por retratar personajes famosos como: Madona, Elton John, Angelina Jolie, Tom Jones, Whitney Houston,

David Lachapelle Ideas nuevas fantasĂ­a y belleza, imagenes ligadas a una historias donde tu escribes la historia.

Breed / 69

VANGUARDIA Arte

David Lachapelle

La vida no

imita eL arte Controvertido, explosivo, probablemente el fotógrafo vivo más famoso del mundo. Sus fotografías enigmáticas y provocativas, reflejan una postura acerca de la posmodernidad y de la cultura visual actual.

Crea imágenes fantásticas y glamurosas que son representaciones surrealistas de la cultura. Tanto su trabajo artístico como aquel hecho explícitamente para campañas publicitarias reflejan su estilo.

Es sin duda uno de los artistas fotográficos más aclamados

moda y retratos de actores y actrices sino que trasciende a la pantalla grande, documentales, videos, portadas de discos y libros. Nace en Fairfiel, Connecticut, el 11 de marzo de 1969. A sus seis años de edad fue su primer acercamiento a la fotografía, durante unas

grandes celebridades y artistas como Liza Minelli. Más tarde, su padre lo tomaría y lo llevaría de regreso al sur, donde lo obligó a estudiar en la Escuela de Artes de Carolina del Norte.

Luego en New York ingresó a la Liga de Estudiantes de Arte y Escuela de las Artes Visuales.

de la cultura popular. En la actualidad, las revistas más importantes tienen la huella de LaChapelle como, Italin Vougue, Rolling Stone, The Face y Vanity Fair. Además, es conocido por el creativo uso de colores en sus imágenes y por retratar personajes famosos

de nuestro tiempo, en cada trabajo recrea su paleta de color y la intensidad de sus conceptos, sabe elegir el rasgo de la personalidad que ha vuelto icónicas a cada una de las estrellas fotografiadas.

El trabajo creativo de este fotógrafo contemporáneo no se limita a las revistas de

vacaciones familiares en Puerto Rico. Allí utilizó una cámara para retratar a su madre Helga LaChapelle.Desde ese momento quedó obsesionado con la fotografía. A los quince años se muda de New York .

Mintió sobre su edad y consiguió trabajo en una discoteca Studio 54, donde limpiaba mesas de

Andy Warhol le ofreció su primer trabajo, como fotógrafo de la revista Interview. Al polifacético artista se le considera discípulo de Warhol, de quien conoció una forma de expresar única a través de la fotografía, con un tono sarcástico, una crítica mordaz de los caracteres más satíricos

como: Madona, Elton John, Angelina Jolie, Tom Jones, Whitney Houston, Alicia Keys, Jennifer López y Marilyn Manson entre otros. Además dirige videos musicales para selectos artistas, tales como The Dandy Warhols, Britney Spears, Avril Lavigne, No Doubt, Cristina Aguilera. Su

inolvidable video para la canción Natural Blues de Moby, tuvo una gran presencia dentro de la industria de los videos musicales, al mostrar a Moby como un anciano y a Christina Ricci como un ángel. Esta obra fue galardonada como “Mejor Video del Año” En los la actualidad, las revistas más importantes tienen la huella de LaChapelle como, Italin Vougue, Rolling Stone, The Face y Vanity Fair. Además, es conocido por el creativo uso de colores en sus imágenes y por retratar personajes famosos como: Madona, Elton John, Angelina Jolie, Tom Jones, Whitney Houston, Alicia Keys, Jennifer López y Marilyn Manson entre otros. Además dirige videos musicales para selectos artistas, tales como The Dandy Warhols, Britney Spears, Avril Lavigne, No Doubt, Cristina Aguilera. Su inolvidable video para la canción Natural Blues de Moby, tuvo una gran presencia dentro de la industria de los videos musicales, al mostrar a Moby como un anciano y a Christina Ricci como un ángel. Esta obra fue galardonada como “ Mejor Video del Año” En los MTV Europe Music Awards. También se ha mostrado como director de espectáculos de Elton John, presento en vivo en Las Vegas “The Red Piano”. También a sido contratado para dirigir comerciales y filmes en los que ha tenido un gran éxito. En el 2007 presentó su colección de fotografías Awakened (Despiertos). Las imágenes están inspiradas en el Diluvio Universal, siendo el agua y la religión elementos comunes en toda la colección. Las imágenes de LaChapelle han forjado un estilo particular que resulta único, original Artículo : Marcela silva

INKSIDE 24

Glamour l Arte

David Lachapelle

Lo visuaL un idioma Controvertido, explosivo, probablemente el fotógrafo vivo más famoso del mundo. Sus fotografías enigmáticas y provocativas, reflejan una postura acerca de la posmodernidad y de la cultura visual actual.

Por:

arcela silva

Breed / 69

HOT Stuff

James Jirat Patradoon está en todas partes que mires. Es testimonio del viejo adagio de que cuanto más trabajes, más suerte tendrás y el hecho de ser extremadamente talentoso, no hace daño.

Su arte gráfico lo ha llevado a cabo como trabajo de día completo y en todo el mundo él ha acaparado la atención tanto que llegó a la talla de Kanye West, The GZA e incluso Robin Williams (sí, como en la señora Doubtfire y Jumanji). Recientemente tuvimos una charla con James donde nos cuenta sus mas recientes trabajos.

¿Y por qué elegimos James Jirat Patradoon representar? Probablemente porque mientras to-

dos los demás se quejan de lo difícil que es lograrlo como artista en Australia, él en realidad lo está logrando . Su sencillo consejo y que para él es la clave simplemente “siempre responder e-mails”.

La última vez que hablé contigo apareciste en nuestro “Estado de la Exposición de Arte”. ¿Qué ha estado sucediendo en tú mundo desde entonces?

He cambiado de casa tres veces y me fui de la escuela de publicidad, estoy en un colectivo creativo que ahora se llama Toby y Pete sede en Redfern, que es donde paso todo mi tiempo. Todavía estoy haciendo arte, he trabajado en algunos briefs de ilustración realmente impresionantes, y que todavía ahora estoy en eso.

¿Tiene algún otros famosos (o acosadores) que están pendientes de tu trabajo?

Kanye West ha publicado algo de mi trabajo en sus blogs años atrás y vendí un montón como resultado, eso fue increíble. Estoy trabajando en algo con GZA ahora, eso es lo que pienso hacer, Nacho Pop dijo que le gustaba mis “cosas” una vez en una fiesta. ¿Alguien se pone en contacto contigo antes de publicar tu trabajo o acabas de notar un aumento en las ventas?

De hecho, mi novia en el momento en que se da cuenta lo ocurrido, me despierta y estaba como “OMFG!” . Sucedió justo antes de una exposición, una gran parte del trabajo estaba agotado en línea antes de la apertura, que eso fue increíble.

Entrevista con “El rey del comic oscuro” El proyecto con GZA suena fascinante puedes revelar más detalles?

En realidad, no es mucho, aún está en sus etapas formativas, aunque yo pasé el rato con él cuando estuvo aquí. Fue como encontrarse con Batman. Él es súper articular y recuerda las letras de todas sus canciones favoritas, realmente está en todo, y lo sabe todo. Estuvimos hablando de teorías de conspiración y de leyes de la física. Desde el año pasado has sido presentado en más de una docena de exposiciones que podemos recordar.

¿Crees que la vida de un dibujante como tú es más fácil de llevar que la mayoría de las profesiones o tal vez es erróneamente percibido como tal?

Creo que se trata más de ser autónomos, cualquiera que trabaja por cuenta propia sabe que si ellos no hacen nada simplemente no se les paga, no hay baja por enfermedad ni existe la paga de vacaciones o de algo llamado sueldo o cualquier cosa… Yo no sé nada de ”facilismos”, pero trabajar para uno mismo es realmente satisfactorio.

Nunca llego tarde al trabajo, me pongo a dormir cuando lo necesito, pero aún así tengo que trabajar 12 horas al día 7 días a la semana - lo cual está bien porque estoy más que nada en Facebook o Tumblr de todos modos.

¿Qué consejos le darías a otros artistas en busca de un éxito similar?

Siempre asuma que su trabajo apesta, seguir tratando de mejorar. No hacer las cosas sólo porque todos los demás lo hacen, entre más raro esté la obra, mejor. Y sobre todo responde correos electrónicos.

Por Maria Del Mar Gallego

No 42 - 2013 / 45

ames irat

HOT Stuff

Entrevista con

“EL REY DEL COMIC OSCURO” Maria Del Mar Gallego

James Jirat Patradoon está en todas partes que mires. Es testimonio del viejo adagio de que cuanto más trabajes, más suerte tendrás y el hecho de ser extremadamente talentoso, no hace daño.

Su arte gráfico lo ha llevado a cabo como trabajo de día completo y en todo el mundo él ha acaparado la atención tanto que llegó a la talla de Kanye West, The GZA e incluso Robin Williams (sí, como en la señora Doubtfire y Jumanji). Recientemente tuvimos una charla con James donde nos cuenta sus mas recientes trabajos. ¿Y por qué elegimos James Jirat Patradoon representar?

Mientras todos los demás se quejan de lo difícil que es lograrlo como artista en Australia, él en realidad lo está logrando . Su sencillo consejo y que para él es la clave simplemente “siempre responder e-mails”.

La última vez que hablé contigo apareciste en nuestro “Estado de la Exposición de Arte”. ¿Qué ha estado sucediendo en tú mundo desde entonces?

He cambiado de casa tres veces y me fui de la escuela de publicidad, estoy en un colectivo creativo que ahora se llama Toby y Pete sede en Redfern, que es donde paso todo mi tiempo. Todavía estoy haciendo arte, he trabajado en algunos briefs de ilustración realmente impresionantes, y que todavía ahora estoy en eso. ¿Tiene algún otros famosos (o acosadores) que están pendientes de tu trabajo?

Kanye West ha publicado algo de mi trabajo en sus blogs años atrás y vendí un montón como resultado, eso fue increíble. Estoy trabajando en algo con GZA ahora, eso es lo que pienso hacer, Nacho Pop dijo que le gustaba mis “cosas” una vez en una fiesta.

¿Alguien se pone en contacto contigo antes de publicar tu trabajo o acabas de notar un aumento en las ventas?

De hecho, mi novia en el momento en que se da cuenta lo ocurrido, me despierta y estaba como “OMFG!” . Sucedió justo antes de una exposición, una gran parte del trabajo estaba agotado en línea antes de la apertura, que eso fue increíble.

El proyecto con GZA suena fascinante puedes revelar más detalles?

En realidad, no es mucho, aún está en sus etapas formativas, aunque yo pasé el rato con él cuando estuvo aquí. Fue como encontrarse con Batman. Él es súper articular y recuerda las letras de todas sus canciones favoritas, realmente está en todo, y lo sabe todo. Estuvimos hablando de teorías de conspiración y de leyes de la física. Desde el año pasado has sido presentado en más de una docena de exposiciones que podemos recordar. ¿Crees que la vida de un dibujante como tú es más fácil de llevar que la mayoría de las profesiones o tal vez es erróneamente percibido como tal?

Creo que se trata más de ser autónomos, cualquiera que trabaja por cuenta propia sabe que si ellos no hacen nada simplemente no se les paga, no hay baja por enfermedad ni existe la paga de vacaciones o de algo llamado sueldo o cualquier cosa… Yo no sé nada de ”facilismos”, pero trabajar para uno mismo es realmente satisfactorio.

Nunca llego tarde al trabajo, me pongo a dormir cuando lo necesito, pero aún así tengo que trabajar 12 horas al día 7 días a la semana - lo cual está bien porque estoy más que nada en Facebook o Tumblr de todos modos. ¿Qué consejos le darías a otros artistas en busca de un éxito similar?

Siempre asuma que su trabajo apesta, seguir tratando de mejorar. No hacer las cosas sólo porque todos los demás lo hacen, entre más raro esté la obra, mejor. Y sobre todo responde correos electrónicos.

No 42 - 2013 / 45

HOT Stuff

ames irat El rey del comic oscuro Él está en todas partes que mires. Es testimonio del viejo adagio de que cuanto más trabajes, más suerte tendrás y el hecho de ser extremadamente talentoso, no hace daño.

Por Maria Gallego J.

Octubre 45

Graffiti

Por Ernesto Santa Cruz.

con temáticas políticas.

Un hombre, un diseñador y un grafitero involucrándose en política, creando atuendos a la moda y también haciendo experimentos sociales en la población, el es Shepard Fairey.

Con lemas como”Piensa y crea, imprime y destruye” su temática y estética viene tomando un aire de propaganda política, ideas situacionistas y revoluciones estético-filosóficas de los 60, trasfondos temáticos muy comunes en el arte de finales de los 90 y principios de este siglo.

Shepard Fairey es un diseñador gráfico y artista.

Famoso por sus stickers con la imagen del luchador profesional de WWF, André el Gigante y por sus diseños con estilo de propaganda política rusa de mediados del Siglo XX. Fairey utiliza el espacio público como lugar principal para exponer sus obras, proponiendo una crítica a la hegemonía estética y presencial de la publicidad que utilizan las compañías más adineradas del mundo.

Un día comenzó a repartir de forma gratuita pegatinas con el rostro de André el gigante como mensaje sin contenido y con la principal intención de sorprender al espectador, convirtiéndose poco a poco en un icono de la cultura popular.

7

Arte y entretenimiento

Copilado de imágenes. Por OBEY. Su trabajo llegó a ser más ampliamente conocido en 2008 en las elecciones de presidenciales de EE.UU. , específicamente con su cartel Barack Obama HOPE (Esperanza). En febrero de 2008, Fairey recibió una carta de agradecimiento de Obama por su contribución y ayuda a la campaña.

En una estrevista el afirma este trabajo como “un experimento de fenomenología”.

“La campaña Obey puede ser explicada como un experimento de Fenomenología. La principal intención de la Fenomenología es redespertar un sentido de fascinación hacia el entorno de uno. La campaña Obey intenta estimular la curiosidad y atraer a la gente a cuestionar tanto la campaña como sus relaciones con quienes les rodean. Dado que la gente no está acostumbrada a ver anuncios o propaganda cuyos motivos no sean obvios, los encuentros frecuentes y noveles con la propaganda Obey provocan pensamiento y posible frustración, y en cualquier caso revitaliza la percepción y atención del espectador a los detalles.”

Shepard Fairey se crió en Charleston, Carolina del Sur. Su padre es un médico, y su madre, una agente de bienes raíces. Fairey llegó a estar relacionado con el arte en 1984, cuando empezó a poner sus dibujos impresos en patinetas y camisetas. En 1988, se graduó de Idyllwild Arts Academy , y en 1992, Fairey se graduó de la Rhode Island School of Design con una Licenciatura en Bellas Artes en Ilustración.

En el 2006, Fairey se convirtió en un miembro de la junta de la Fundación música es una revolución, una organización sin fines de lucro que apoya la educación musical de los estudiantes en las escuelas públicas.

Fairey reside actualmente en Los Ángeles con su esposa y sus hijas Amanda y Vivienne Madeline.

Ha realizado diferentes versiones del mismo tema, y también las ha incluido en exposiciones, pósters, camisetas, diseños para estampados de monopatín, Arte y entretenimiento

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Graffiti con temáticas

políticas.

Por Ernesto Santa Cruz.

Un hombre, un diseñador y un grafitero involucrándose en política, creando atuendos a la moda y también haciendo experimentos sociales en la población.Conoscana Shepard Fairey.

Shepard Fairey es un diseñador gráfico y artista. Famoso por sus stickers con la imagen del luchador profesional de WWF, André el Gigante y por sus diseños con estilo de propaganda política rusa de mediados del Siglo XX. Fairey utiliza el espacio público como lugar principal para exponer sus obras, proponiendo una crítica a la hegemonía estética y presencial de la publicidad que utilizan las compañías más adineradas del mundo.

Con lemas como”Piensa y crea, imprime y destruye” su temática y estética viene tomando un aire de propaganda política, ideas Lo de hoy 21

situacionistas y revoluciones estético-filosóficas de los 60, trasfondos temáticos muy comunes en el arte de finales de los 90 y principios de este siglo.

Un día comenzó a repartir de forma gratuita pegatinas con el rostro de André el gigante como mensaje sin contenido y con la principal intención de sorprender al espectador, convirtiéndose poco a poco en un icono de la cultura popular.

OBEY giant. (Izq.) “YES WE DID.” poster para las elecciones 2008. (Dcha)

En una estrevista el afirma este trabajo como “un experimento de fenomenología”.

“La campaña Obey puede ser explicada como un experimento de Fenomenología. La principal intención de la Fenomenología es redespertar un sentido de fascinación hacia el entorno de uno. La campaña Obey intenta estimular la curiosidad y atraer a la gente a cuestionar tanto la campaña como sus relaciones con quienes les rodean. Dado que la gente no está acostumbrada a ver anuncios o propaganda cuyos motivos no sean obvios, los encuentros frecuentes y noveles con la propaganda Obey provocan pensamiento y posible frustración, y en cualquier caso revitaliza la percepción y atención del espectador a los detalles.”

Ha realizado diferentes versiones del mismo tema, y también las ha incluido en exposiciones, pósters, camisetas, diseños para estampados de monopatín, etc.

Su trabajo llegó a ser más ampliamente conocido en 2008 en las elecciones de presidenciales de EE.UU. Específicamente con su cartel Barack Obama HOPE (Esperanza).

Copilado de imágenes por OBEY.

En febrero de 2008, Fairey recibió una carta de agradecimiento de Obama por su contribución y ayuda a la campaña.

Shepard Fairey se crió en Charleston, Carolina del Sur. Su padre es un médico, y su madre, una agente de bienes raíces. Fairey llegó a estar relacionado con el arte en 1984, cuando empezó a poner sus dibujos impresos en patinetas y camisetas. En 1988, se graduó de Idyllwild Arts Academy , y en 1992, Fairey se graduó de la Rhode Island School of Design con una Licenciatura en Bellas Artes en Ilustración.

En el 2006, Fairey se convirtió en un miembro de la junta de la Fundación música es una revolución, una organización sin fines de lucro que apoya la educación musical de los estudiantes en las escuelas públicas.

Fairey reside actualmente en Los Ángeles con su esposa y sus hijas Amanda y Vivienne Madeline.

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Un in ho v o at lu mb u ex en crá re, Co per dos nd un os d no im a Po ise en la e s r ca to m e ña A rt Er n do s od n ne e a s po ry st a p Sh oc o rO o y l ep ial ta ític un B San ar es m EY gr ta bi a, d e é C Fa n cr afit n ru ire la ha ea ero z y. po ci nd bl en o ac do ió n.

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Tendencias

Vestido

perfecto

Boda perfecta 8

Por Valeria Romero

Dejando a un lado la moda acostumbrada en el siglo pasado de vestidos llenos de pedrerías, encajes excesivos, vuelos, velos inmensos y bordados interminables. Vera Wang entró a revolucionar el mercado dándole un toque sencillo pero más elegante, donde el vestido no llamaba la atención por sus accesorios si no por la finesa de su forma, en resumen ella aplica para sus diseños la popular frase “Menos es más”.

Pero su importancia no solo queda

madre de dos hijas, creció en una

Caídas suaves, menos encaje, mejor

en que el vestido sea “bonito” porque

familia adinerada, donde su madre, fan

elección en cantidad de accesorios y

para una fecha tan especial todo debe

de la moda, la involucró desde una edad

pedrería incluida en el vestido, son

ser perfecto. un vestido debe tener

temprana en este mundo.

algunas de las cosas que aunque ya hoy estamos acostumbrados a ese tipo de

buen corte, estilo, ajuste, y nadie mejor para diseñar un vestido perfecto

Dejando a un lado la moda

estilo, fue ella la que impuso la moda,

que Vera Wang.

acostumbrada en el siglo pasado de

la cual ha conmovido el corazón de

vestidos llenos de pedrerías, encajes

muchas mujeres para elegir un diseño

Vera Elle Wang es una diseñadora de

excesivos, vuelos, velos inmensos y

Vera Wang para el que es el día más

modas estadounidense, quien con una

bordados interminables. Vera Wang

importante en la vida de toda mujer.

amplia experiencia en revistas como

entró a revolucionar el mercado

Vogue no se hizo famosa por su trabajo

dándole un toque sencillo pero más

Sus diseños son buscados por todas,

como editora en la revista, si no por sus

elegante, donde el vestido no llamaba

celebridades como Mariah Carey,

vestidos de novia.

la atención por sus accesorios si no por

Jennifer Lopez, Jessica Simpson, Avril

la finesa de su forma, en resumen ella

Lavigne, Victoria Beckham, Jennifer

Vera es una diseñadora de padres

aplica para sus diseños la popular frase

Garner, Sharon Stone, Uma Thurman,

chinos, nacida en Estados Unidos,

“Menos es más”.

Chelsea Victoria Clinton,Hilary Duff,

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Un vestido

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Artículo por: Valeria Romero M

Si tienes planes próximos a casarte o como yo sólo te apasiona todo lo que implica una boda, probablemente después de una buena elección, y con eso me refiero al novio, lo siguiente en prioridad es el vestido.

Pero su importancia no solo queda en que el vestido sea

Caídas suaves, menos encaje, mejor elección en cantidad de

“bonito” porque para una fecha tan especial todo debe ser

accesorios y pedrería incluida en el vestido, son algunas de las

perfecto. un vestido debe tener buen corte, estilo, ajuste, y

cosas que aunque ya hoy estamos acostumbrados a ese tipo de

nadie mejor para diseñar un vestido perfecto que Vera Wang.

estilo, fue ella la que impuso la moda, la cual ha conmovido el corazón de muchas mujeres para elegir un diseño Vera Wang

Vera Elle Wang es una diseñadora de modas estadounidense,

para el que es el día más importante en la vida de toda mujer.

quien con una amplia experiencia en revistas como Vogue no se hizo famosa por su trabajo como editora en la revista, si no

Sus diseños son buscados por todas, celebridades como

por sus vestidos de novia.

Mariah Carey, Jennifer Lopez, Jessica Simpson, Avril Lavigne, Victoria Beckham, Jennifer Garner, Sharon Stone, Uma

Vera es una diseñadora de padres chinos, nacida en Estados

Thurman, Chelsea Victoria Clinton,Hilary Duff, Khloé

Unidos , madre de dos hijas, creció en una familia adinerada,

Kardashian, Kim Kardashian, entre otras. Hasta la figura

donde su madre, fan de la moda, la involucró desde una edad

femenina más idolatrada del mundo ha usado un vestido

temprana en este mundo.

diseñado por Vera Wang, y es que Barbie no merecía menos.

Dejando a un lado la moda acostumbrada en el siglo pasado

Pero no sólo se ha encargado de renovar el diseño de

de vestidos llenos de pedrerías, encajes excesivos, vuelos,

vestidos en bodas, sino también sus complementos, en el

velos inmensos y bordados interminables. Vera Wang entró

año 2000 Wang expandió su marca incursionando en el área

a revolucionar el mercado dándole un toque sencillo pero

de perfumería, zapatos y joyería, en el 2001 lanzó un libro

más elegante, donde el vestido no llamaba la atención por sus

titulado Vera Wang en bodas (“Vera Wang on Weddings”). En

accesorios si no por la finesa de su forma, en resumen ella

el 2002 entra al mercado de moda casera, donde más adelante

aplica para sus diseños la popular frase “Menos es más”.

en el 2005 & 2006 recibe varios premios reconociendo su

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En portada Escrito por Valeria Romero

Vera Wang

Si tienes planes pr贸ximos a casarte o como yo s贸lo te apasiona todo lo que implica una boda, probablemente despu茅s de una buena elecci贸n, y con eso me refiero al novio, lo siguiente en prioridad es el vestido.

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Alumnos(as) Alejandro Vega Alfredo Sequeira Bryan Artavia Christian Campos David Gamboa Eduardo Calderón Gonzalo Vargas Gustavo Carvajal Javier Elizondo Javier Tenorio Josue Sancho Luis Felipe Campos Marcela Silva María del Mar Gallego Maricela Gallegos Raúl Santa Cruz Valeria Romero