Proyecto 1 - IIC 2013 by UCreativa Taller IV DG

TALLER IV DG PROYECTO I IIC-2013

prof. bach. Ricardo Bola単os Valverde ricardo.bolanos@ucreativa.com

Viviendo Nuestra Realidad

Creador de Nuestro Entorno

Este personaje que es un diseñador industrial francés reconocido mundialmente por la funcionalidad de sus diseños y la estética de los mismos.

Philippe Starck nació el 18 de enero de 1949 en París y sus padres son André Starck (diseñador de aviones) y su madre Jacqueline Lanourisse. Este personaje que es un diseñador industrial francés reconocido mundialmente por la funcionalidad de sus diseños y la estética de los mismos. Starck cursa sus estudios en Notre Dame de Santa-Cruz a Neuilly-sur-Seine, luego en la Escuela Nissim de Camondo en París y Crea en 1979 la sociedad “Starck Products”, Para Philippe Starck, el diseño no es una cuestión de producción de objetos diarios, sino también un acto de creación que integra pasiones, deseos, motivaciones, cuestiones e interrogaciones, percepción global de nuestro medio ambiente y el mundo. Este diseñador se basa en todo el entorno que le rodea para diseñar todos sus productos esto los enriquece, les trasmite su personalidad y el producto final es absolutamente grandioso él vive sus sueños en su trabajo me gusta mucho su estilo y el cómo quedan.

Sin embargo, su reconocimiento definitivo le llegó en 1984 cuando el presidente de la República francesa, François Miterrand, le encarga renovar la decoración de sus dependencias privadas del Palacio del Elíseo. Pero han sido sus trabajos para la cadena de hoteles de Ian Schrager los que le han catapultado a la fama: el hotel Delano de Miami, el Paramount, Royalton y Hudson de Nueva York; los hoteles St. Martin´s Lane y Sanderson, de Londres; el hotel Clift de San Francisco o el hotel Mondrian de Los Ángeles (Hollywood), son la mejor carta de presentación de este genial diseñador francés. Junto al revolucionario Ian Schrager ha creado el llamado lobby socializing, una asombrosa e innovadora forma de plantear el diseño del vestíbulo de un hotel, que es entendido como un lugar importante de reunión para visitantes y huéspedes. Mobiliario de original diseño, aprovechamiento de la iluminación, colores sorprendentes y estudiada distribución espacial se reúnen para crear una sensación de auténtico escenario.

Para que me entiendan un poco de lo que hablo les trasmitiré cierta información de Cuerpo de texto: Alejandro Vega Philippe Starck para que puedan tener una idea de sus comienzos y vivencia. Starck pasó su infancia bajo la mesa de dibujo de su padre; empleando sus horas en recortar, clavar, lijar, desarmar bicicletas, motos y otros objetos. Horas para deshacer y para hacer todo lo que le afecta, así pasa su infancia rehaciendo el mundo que lo rodea. Sus primeros trabajos importantes fueron en los años 70, cuando decoró algunas de las discotecas y clubes nocturnos más famosos de la noche parisina, como Les Bains Douches (1978) o La Main Bleue (1979).

Palindrome Too: Partiendo de una pieza anterior, pero con un concepto muchísimo más interesante, en este reloj las horas y los minutos van indicados por dos pequeñas esferas independientes sin numerar.

Es hora de Actuar

Phillipe

Creador de

Foto: Philippe Starck x FOSSIL Reloj

Este

personaje

que

diseñador industrial francés reconocido mundialmente por la funcionalidad de sus diseños y la estética de los mismos.

Starck cursa sus estudios en Notre Dame de SantaCruz a Neuilly-sur-Seine, luego en la Escuela Nissim de Camondo en París y Crea en 1979 la sociedad “Starck Products”, Para Philippe Starck, el diseño no es una cuestión de producción de objetos diarios, sino también un acto de creación que integra pasiones, deseos, motivaciones, cuestiones e interrogaciones, percepción global de nuestro medio ambiente y el mundo. Este diseñador se basa en todo el entorno que le rodea para diseñar todos sus productos esto los enriquece, les trasmite su personalidad y el producto final es absolutamente grandioso él vive sus sueños en su trabajo me gusta mucho su estilo y el cómo quedan.

Starck

e SueNos

Para que me entiendan un poco de lo que hablo les trasmitiré cierta información de Philippe Starck para que puedan tener una idea de sus comienzos y vivencia. Starck pasó su infancia bajo la mesa de dibujo de su padre; empleando sus horas en recortar, clavar, lijar, desarmar bicicletas, motos y otros objetos. Horas para deshacer y para hacer todo lo que le afecta, así pasa su infancia rehaciendo el mundo que lo rodea. Sus primeros trabajos importantes fueron en los años 70, cuando decoró algunas de las discotecas y clubes nocturnos más famosos de la noche parisina, como Les Bains Douches (1978) o La Main Bleue (1979). Sin embargo, su reconocimiento definitivo le llegó en 1984 cuando el presidente de la República francesa, François Miterrand, le encarga renovar la decoración de sus dependencias privadas del Palacio del Elíseo.

Pero han sido sus trabajos para la cadena de hoteles de Ian Schrager los que le han catapultado a la fama: el hotel Delano de Miami, el Paramount, Royalton y Hudson de Nueva York; los hoteles St. Martin´s Lane y Sanderson, de Londres; el hotel Clift de San Francisco o el hotel Mondrian de Los Ángeles (Hollywood), son la mejor carta de presentación de este genial diseñador francés. Junto al revolucionario Ian Schrager ha creado el llamado lobby socializing, una asombrosa e innovadora forma de plantear el diseño del vestíbulo de un hotel, que es entendido como un lugar importante de reunión para visitantes y huéspedes. Mobiliario de original diseño, aprovechamiento de la iluminación, colores sorprendentes y estudiada distribución espacial se reúnen para crear una sensación de auténtico escenario. “Cuando diseño no considero el aspecto técnico y comercial, si no que en los sueños y los deseos de la gente para quien está enfocado el proyecto u objeto.” Cuerpo de texto: Alejandro Vega

Mundo en Movimiento

Phillipe Starck

Diseñador Del Futuro

Este personaje que es un diseñador industrial francés

Este personaje que es un diseñador industrial francés reconocidopor mundireconocido mundialmente la almente por la funcionalidad de sus funcionalidad de sus y la diseños y la estética dediseños los mismos.

estética de los mismos.

Reloj: Fossil verde de Philippe Starck con Cuero Negro.

Ana Zúñiga Elizondo

Mathiole creció en la ciudad de Belo Horizonte, Brasil con sueños de convertirse en un jugador de fútbol. Desde temprana edad se inspiró en los cómics de Spider Man. Empezó por redibujar sus propios diseños de las portadas y tiempo después inició con clases de dibujo de comics, con el tiempo su interés por la ilustración se volvió una pasión. 1. Logical conclusion, pertenece a la colección pop cultureque de diseños cómicos. 2.Chocoholic, Mathiole quizo dar rienda suelta al vicio por la menta y el chocolate. 3. Zombiecrazy, los políticos sin cerebro.

Colorphobia, el original está hecho a mano, se utilizó para probar tintas ecológicas.

La palabra Mathiole surge por un intenso esfuerzo de sus amigos de infancia por darle un apodo, él cree que todo se debe al nombre de un jabón italiano, algo que alguna vez salió en televisión, inmediatamente lo aceptó y ahora le gusta porque le parece que es poco común, aún en internet.

Colorblind , mezcla entre acurelas y photoshop.

La principal causa que motivó a Mathiole a iniciarse como ilustrador fue una deficiencia de crecimiento que padeció cuando era niño esto frustró lo que el asegura sería hoy un futbolista exitoso.

“La ilustración es mi mayor pasión y me siento muy afortunado de poder trabajar en ella. Tengo grandes planes para mí en el futuro. Espero ser capaz de cumplir con mis expectativas. No quiero arruinarlo, pues es un sueño tener mi propia marca de camisetas. Tengo todo planeado pero me tomará mucho tiempo para completarlo de la forma en que lo veo en mi cabeza”. SU ESTILO. Estéticamente, es una mezcla entre colores, la imprecisión y experimentación. René Magritte, Salvador Dalí, Roy Linchenstein, Andy Warhol, Takehiko Inoue, Eishiro Oda, Akira Toryama entre otros son sus mayores influencias artísticas. Confiesa que uno de sus programas favoritos es Photoshop CS5 aunque muestra cierto descontento por la falta de aplicaciones con acabados más realistas. No es fan de los vectores, los teléfonos inteligentes, ni de la marca Apple. Sus trabajos generalmente inician en su mente y los concreta casi por completo solo en pensamiento, luego pasa al papel y lápiz, siempre realiza una investigación del tema que desea expresar en su diseño, además de llenarse de imágenes de referencia. Actualmente los trabajos de Mathiole se encuentran en una fase de blanco y negro, ha dejado de lado el color y reconoce los beneficios de explorar cosas nuevas. Además de las ilustraciones para Threadless ha realizado trabajos para Nike, Paul McCartney y la tienda ShirtFight que se encuentra fuera de servicio por el momento.

A pesar de haber fracasado varias veces en el inicio de un negocio propio Mathiole está en el proceso de iniciar uno nuevo. Asegura que la experiencia de sus anteriores fracasos le da la confianza para empezar nuevamente. Su proyecto se centra en crear su propia marca de camisetas y otros productos con diseños propios; para esto cuenta con la ayuda de dos amigos quienes también son artistas talentosos. Actualmente Mathiole y sus compañeros han abierto un estudio y pronto lanzarán su primera colección de camisetas. A Mathiole le motiva la amistad; entre sus metas personales están continuar luchando por sus sueños y planea experimentar pronto con la escultura sin abandonar la ilustración.

KALÉIDOSCOPE.COM

Mathiole

Ilustración con pensamiento POR : ANA ZUÑIGA

Mathiole (Matheus Lopes Castro) hoy en día es uno de los ilustradores y diseñadores brasileños más populares y exitosos. Hoy se concentra en la ilustración para camisetas, su diseños se han plasmado en más de 40 camisetas impresas en Threadless, un sitio de internet que invita a los artistas a subir sus trabajos, donde se somete a votación por el público para convertirse en un diseño plasmado en una camiseta. Mathiole creció en la ciudad de Belo Horizonte, Brasil con sueños de convertirse en un jugador de fútbol. Una de las causas que motivó a Mathiole a iniciarse como ilustrador fue una deficiencia de crecimiento que padeció cuando era niño esto frustró lo que el asegura sería hoy una carrera brillante como futbolista. La palabra Mathiole surge por un intenso esfuerzo de sus amigos de infancia por darle un apodo, él cree que todo se debe al nombre de un jabón italiano, algo que alguna vez salió en televisión; inmediatamente lo aceptó y ahora le gusta porque le parece que es poco común, aún en internet. Mathiole dió sus primeros pasos en la ilustración a los 21 años, describe su arte como una combinación entre imaginación, surrealismo y un sabio positivismo. Inspirado en los cómics de Spider-Man desde temprana edad empezó por redibujar sus propios diseños de las portadas, se inscribió en un curso de dibujo de comics y con el tiempo cada vez se interesó más en la ilustración. Mathiole nunca vio la ilustración de camisetas como un negocio, sin embargo ahora admite que es una experiencia asombrosa ver como algo que comenzó como un hobby ahora es una pasión y un negocio. COLAGE arriba y abajo 1. Write me a melody 2. Art is my weapon Transform 3. The fake side of life 4. Swing me higher(imagen central). Mathiole reconoce que expresar su opinión es vital hoy en día, es una forma de reclamo pacífica ante la injusticia y la corrupción.

COSMOS 2

SU ESTILO. Estéticamente, es una mezcla de colores, la imprecisión y la experimentación. René Magritte, Salvador Dalí, Roy Linchenstein, Andy Warhol, Takehiko Inoue, Eishiro Oda, Akira Toryama entre otros son sus mayores influencias artísticas. Confiesa que uno de sus programas favoritos es Photoshop CS5 del que muestra un poco de descontento por la falta de aplicaciones con acabados más realistas. Sus trabajos generalmente inician en su mente y los concreta casi por completo solo en pensamiento, luego pasa al papel y lápiz, siempre realiza una investigación del tema que desea exponer en su diseño, además de llenarse de imágenes de referencia. A pesar de haber fracasado varias veces en el inicio de un negocio propio Mathiole está en el proceso de iniciar uno nuevo; asegura que la experiencia de sus anteriores fracasos le da la confianza para empezar nuevamente, su proyecto se centra en crear su propia línea o marca de camisetas y otros productos con sus diseños. Actualmente Mathiole y sus compañeros han abierto un estudio y pronto lanzarán su primera colección de camisetas. Mathiole comentó en una entrevista: “La ilustración es mi mayor pasión y me siento muy afortunado de poder trabajar en ella. Tengo grandes planes para mí en el futuro. Espero ser capaz de cumplir con mis expectativas. No quiero arruinarlo, pues es un sueño tener mi propia marca de camisetas. Ya tengo todo planeado pero me tomará mucho tiempo para completarlo de la forma en que lo veo en mi cabeza”.

| DESIGNARE | JULIO 2013 |

pie de image n, pie d e

image n pie d e imag en pie de ima gne

COLAGE 1. Alternative ending 2. Transform 3.Wish you were here 4. Manifesto 5. Hopscotch. Las obras de Mathiole están inspiradas en la problemática social de Brazil, experiencias dificiles de la vida, todas tratadas con color, que representa la riqueza y aprendizaje extraido de cada una.

POR

ANA ZÚÑIGA

Mathiole (Matheus Lopes Castro) hoy en día es uno de los ilustradores y diseñadores de camisetas más populares y exitosos. Sus diseños se han plasmado en más de 40 camisetas impresas en Threadless. “La ilustración es mi mayor pasión y me siento muy afortunado de poder trabajar en ella. Tengo grandes planes para mí en el futuro. Espero ser capaz de cumplir con mis expectativas. No quiero arruinarlo, pues es un sueño tener mi propia marca de camisetas. Tengo todo planeado pero me tomará mucho tiempo para completarlo de la forma en que lo veo en mi cabeza”. Mathiole.

1. Dip dive, en colaboración con Shadow Salty quien dibujo y Mathiole puso el color. 2. Art is my weapon en colaboración Emerson Rauth, poder de comunicar con el arte. 3. Mae Oceano, creado para participar en el proyecto Tamar, para la conservación de la biodiversidad en Brasil.

- BIO -

Annie

La fotógrafa Annie Leibovitz de origen judío, nació en Connecticut en 1949 e inició su carrera en 1970 en la revista Rolling Stone, donde con sus emblemáticas portadas se impuso como fotógrafa de las estrellas. Estuvo ahí cuando The Rolling Stones selló su fama con su gira en 1971, estuvo ahí cuando Richard Nixon abandonó la Casa Blanca en 1974 y estuvo también cuando John Lennon fue asesinado de cinco tiros, afuera del departamento donde vivía con la artista japonesa Yoko Ono en Nueva York. En 1980 la pareja se citó con Leibovitz para una sesión de fotos para la revista Rolling Stone, la fotógrafa inmortalizó al líder de los Beatles desnudo, abrazando a Ono y en posición fetal, fue la última foto del autor de Imagine; la imagen se convirtió en uno de los 11 | GALASTYLE

iconos de la obra de Leibovitz. Ella ganó el premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades, por ser “una de las dinamizadoras del fotoperiodismo mundial y plasmar una época de la política, la literatura, el cine, la música y el deporte a través de sus protagonistas.

Más allá de estar en el lugar indicado, Leibovitz se distingue por lograr escenas teatrales que registra con su lente.

De vuelta a Estados Unidos en 1971, Leibovitz obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Arte de San Francisco y desde 1983 Leibovitz ha trabajado como retratista de la revista estadounidense Vanity Fair, llegando a recibir hasta 2 millones de dólares anuales por ello. En 1984 fue galardonada por la Asociación Estadounidense de Editores de Revistas como Fotógrafa del año y en 1986, Annie fue invitada a realizar una serie de afiches con motivo de la Copa Mundial de Fútbol en México. Aquella fue la primera vez en la historia del torneo

Leibovitz Una vida a través de una camara que a un fotógrafo se le encomendó esa misión. En 1988, Luciano Pavarotti fue retratado por Leibovitz para unos anuncios de American Express, por los cuales ganó los premios Clio, Kelly y Advertising Age. Dos años más tarde fundó el Estudio Annie Leibovitz en Nueva York. Aunque es conocida principalmente por sus retratos de celebridades, Leibovitz ha practicado la fotografía documental y de paisajes. En 1991 se convirtió en el segundo fotógrafo vivo y la primera mujer en exhibir su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D.C. Ese mismo año, Leibovitz quiso emular la hazaña de la fotógrafa Margaret Bourke-White al montarse sobre una de las gárgolas del piso sesenta y uno del edificio Chrysler en Manhattan para retratar al bailarín David Parsons. El reportero gráfico de la revista Life, John Loengard, la fotografió a ella cuando se encontraba al borde del peligro sobre la estatua.

Revista Vogue En 1993 comenzó a trabajar para la revista de modas Vogue y recibió un doctorado honorario por parte del Instituto de Arte de San Francisco, donde ella había estudiado en su juventud. En esa época, la Fundación San Francisco AIDS exhibió una serie de retratos tomados por Annie a gente enferma con sida y además se montó una exposición con las fotos que ella había capturado durante el Sitio de Sarajevo y la Guerra de Bosnia meses antes. Durante los años 90 también registró acontecimientos políticos como la Guerra del Líbano; sin embargo, su fuerte siempre fue el Diseño y redacción: Andrés Hernández A

FOTOGRAFÍA POR JOHN LOENGARD - EDIFICIO CHRYSLER EN MANHATTAN

retrato del poder y el glamour. En la cumbre de su fama, la actriz Demi Moore posó desnuda y embarazada, en 1991, para una portada de Vanity Fair, que se convirtió en un icono de la década. En abril del 2000, la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos le dio el título de “Leyenda viviente” y en el 2005, la revista American Photo la nombró la fotógrafa más influyente de nuestros tiempos. La sesión con la reina Isabel II de Inglaterra, en 2007, la única que la monarca ha concedido a un fotógrafo de EE.UU. En mayo de 2013 fue galardonada

con el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades. A fines de 2007, Leibovitz tuvo acceso exclusivo a los estudios de filmación de la película Indiana Jones 4, donde pudo retratar a sus protagonistas y a sus directores. Éstas se convirtieron en las primeras imágenes de la película antes de su estreno en mayo de 2008 y fueron publicadas por Vanity Fair en su edición de febrero de ese año. En octubre de 2006, se exhibió el documental Annie Leibovitz: una vida a través del lente, el cual fue dirigido por la hermana menor de Annie, Barbara. GALASTYLE | 12

- FARÁNDULA -

NEW RAY

HISTORIAS DE GLAMOUR, ANNIE LEIBOVITZ

LA LEYENDA

VIVIENTE Más allá de estar en el lugar indicado, Leibovitz se distingue por lograr escenas teatrales que registra con su lente.

nnie Leibovitz es una célebre fotógrafa que pudo inmortalizar al líder de los Beatles desnudo en 1980; John Lennon abrazó a Yoko Ono en posición fetal y esta fue la última foto del autor de Imagine, antes de ser asesinado de cinco tiros. También ganó el premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades, por ser una de las dinamizadoras del fotoperiodismo mundial y plasmar una época de la política, la literatura, el cine, la música y el deporte a través de sus protagonistas. Sus imágenes son

representadas, desde 1977 por la agencia de fotoperiodismo Contact Press Images. De vuelta a Estados Unidos en 1971, Leibovitz obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Arte de San Francisco y en 1984 fue galardonada por la Asociación Estadounidense de Editores de Revistas como Fotógrafa del año y en 1986 Annie fue invitada a realizar una serie de afiches con motivo de la Copa Mundial de Fútbol en México; aquella ocasión fue la primera vez en la historia del torneo que a un fotógrafo se le encomendó esa misión.

FECHAS DESTACADAS

1971

1980

Estuvo cuando John Lennon fue asesinado,

Trabajó como retratista de la revista

su fama con su gira .

de cinco tiros, afuera del departamento en

estadounidense Vanity Fair, llegando a

Nueva York.

recibir hasta 2 millones de dólares anuales.

Estuvo ahí cuando The Rolling Stones selló

13 Junio/Julio

1983

SUS INICIOS...

“El Capturar ese instante que transforma un hecho ordinario en algo inolvidable es el objetivo de todo fotógrafo; no es fácil, y quienes lo consiguen suelen también convertirse en protagonistas de la historia.”

En 1988, Luciano Pavarotti fue retratado por Leibovitz para unos anuncios de American Express, por los cuales ganó los premios Clio, Kelly y Advertising Age y dos años más tarde fundó el Estudio Annie Leibovitz en Nueva York. Leibovitz es conocida principalmente por sus retratos de celebridades, ha practicado la fotografía documental y de paisajes. En 1970-1990, Leibovitz quiso emular la hazaña de la fotógrafa Margaret Bourke-White al montarse sobre una de las gárgolas del piso sesenta y uno del edificio Chrysler en Manhattan para retratar al bailarín David Parsons. El reportero gráfico de la revista Life, John Loengard, la fotografió a ella cuando se encontraba al borde del peligro sobre la estatua. En 1993 comenzó a trabajar para la revista de modas Vogue y recibió un doctorado honorario por parte del Instituto de Arte de San Francisco, donde ella había estudiado en su juventud y en esa época.

Durante los años 90 también registraron acontecimientos políticos como la Guerra del Líbano; sin embargo, su fuerte siempre fue el retrato del poder y el glamour.

1991

En la cumbre de su fama, la actriz Demi Moore posó desnuda y embarazada en 1991, para una portada de Vanity Fair, que se convirtió en un icono de la década. En abril del 2000, la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos le dio el título de “Leyenda viviente” y en el 2005, la revista American Photo la nombró la fotógrafa más influyente de nuestros tiempos. Tuvo el privilegio de montar una sesión con la reina Isabel II de Inglaterra en 2007 y es la única que la monarca ha concedido a un fotógrafo de EE.UU. A fines del 2007, Leibovitz tuvo acceso exclusivo a los estudios de filmación de la película Indiana Jones 4, donde pudo retratar a sus protagonistas; éstas se convirtieron en las primeras imágenes de la película antes de su estreno en mayo de 2008 y fueron publicadas por Vanity Fair en su edición de febrero de ese año. En el 2007, la compañía Walt Disney contrató a Leibovitz para realizar una serie de fotografías con celebridades interpretando a diferentes personajes de sus clásicas películas; la campaña publicitaria se denominó Walt Disney world’s year of a million dreams (en español: ‘El año del millón de sueños del mundo de Walt Disney’).

Diseño y editor: Andrés Hernández

Fue el segundo fotógrafo vivo y la primera mujer en exhibir su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D.C.

Junio/Julio 14

-ARTISTA DEL MES-

NEW RAY

Annie Leibovitz LA FOTÓGRAFA DE LAS ESTRELLAS El Capturar ese instante que transforma un hecho ordinario en algo inolvidable es el objetivo de todo fotógrafo; hay que estar en el lugar y el momento correcto. Diseño y editor: Andrés Hernández

Los Simpson han recibido decenas de nominaciones a los premios Emmy, ademรกs de otros premios incluyendo seis premios Annie consecutivos y el premio Peabody en 1997.

Dibujos Animados

El ingenio de Matt Groening y su familia. Matthew Abram Groening más conocido como Matt Groening, el famoso creador de las series de Futurama y los Simpson Los Simpson

Matt Groening fuel el que dirigió ,creo y escribió toda la historia de los cortos animados de los Simpson, dentro del grupo de ayudantes de Matt estaban David Silverman y Wes Archer que fueron los encargados de animar la serie digitalmente y que años más tarde se convertirían en los directores de esta famosa serie animada. Los Simpson oficialmente salieron al público el 19 de abril de 1987 en el The Tracey Ullman Show. En si Los Simpson fue co-creado por Groening, Brooks y Sam Simon, un guionista y productor con quien Brooks había trabajado en proyectos anteriores, después de varios problemas entre los tres se separaron y actualmente Matt trabaja como productor ejecutivo y consultor creativo en Los Simpson.

Nombre de los personajes de los Simpson.

Homero viene del nombre de su padre Homer, Marge de su madre Margaret, Bart, Lisa y Maggie de todos sus hermanos Margaret, Lisa y Brat, que en este caso lo que hizo fue modificar el nombre Brat por Bart, con el dato curioso de que Bart tiene como significado malcriado. Los nombres de todos los demás personajes de la serie fueron tomados de nombres de calles cercanas al hogar de Groening en Portlanad, Oregón, incluyendo a los Flanders, a los Lovejoy, Powell, Quimby y Kearney.

Daniel Sánchez González.

El inicio de los Simpson. Matthew Abram Groening más conocido como Matt Groening, el famoso creador de las series de Futurama y los Simpson, también sobresale su primera caricatura “La vida en el Infierno” que en su tiempo fue publicada en el semanario de Licorice Pizza.

Matthew Abram Groening Un poco más acerca de Matt, es que nació en Estados Unidos en Portland, Oregón el 15 de febrero de 1954. Sus ocupaciones han sido: Dibujante, escritor, productor, dentro de su ámbito laboral como profesional empezó con la venta de caricaturas para la revista llamada Wet ,en la cual sus caricaturas salieron en el año de 1978 y hoy en día se publican solo 250 revistas semanales. Otro dato curioso de” La vida en el Infierno”, es que esta caricatura está basada en parte de la vida personal de él, pues relata cuando se mudó para los Ángeles, donde estuvo trabajando y realizando lo que el cuenta como “trabajos desagradables”, como por ejemplo; vendiendo muebles, lavando platos en una guardería, limpiando una planta de tratamiento de aguas residuales, como chofer y escritor para un director retirado de películas Western. Cuando empezó a trabajar con la gran y famosa cadena televisiva

Daniel Sánchez González.

Fox, los representantes de esta compañía querían que Matt hiciera un trabajo basado en una serie de cortos animados para el programa “The Tracey Ullman Show” en los cuales querían que adaptara los personajes de su caricatura “La vida en el infierno” a la nueva serie, cosa que Matt no estuvo muy de acuerdo por miedo a perder los derechos de autor, entonces lo que hizo fue crear una caricatura nueva basada en una familia la cual es hoy en día la famosa serie de los Simpson.

Los Simpson Matt Groening fuel el que dirigió, creo y escribió toda la historia de los cortos animados de los Simpson, dentro del grupo de ayudantes de Matt estaban David Silverman y Wes Archer que fueron los encargados de animar la serie digitalmente y que años más tarde se convertirían en los directores de esta famosa serie animada. Los Simpson oficialmente salieron al público el 19 de abril de 1987 en el The

Tracey Ullman Show. En si Los Simpson fue cocreado por Groening, Brooks y Sam Simon, un guionista y productor con quien Brooks había trabajado en proyectos anteriores, después de varios problemas entre los tres se separaron y actualmente Matt trabaja como productor ejecutivo y consultor creativo en Los Simpson.

Nombre de los personajes de los Simpson. Homero viene del nombre de su padre Homer, Marge de su madre Margaret, Bart, Lisa y Maggie de todos sus hermanos Margaret, Lisa y Brat, que en este caso lo que hizo fue modificar el nombre Brat por Bart, con el dato curioso de que Bart tiene como significado malcriado. Los nombres de todos los demás personajes de la serie fueron tomados de nombres de calles cercanas al hogar de Groening en Portlanad, Oregón, incluyendo a los Flanders, a los Lovejoy, Powell, Quimby y Kearney.

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Los Simpson han recibido decenas de nominaciones a los premios Emmy, ademรกs de otros premios incluyendo premios Annie y el premio Peabody en 1997.

Matthew Abram Groening mรกs conocido como Matt Groening, el famoso creador de las series de Futurama y los Simpson. Por: Daniel Sรกnchez Gonzรกlez.

24-25

Cine

Lose the notion

of normal Tim Burton not that strange

Tim Burton was raised in Burbank, California. He spent most of his childhood as a recluse, drawing cartoons and watching old movies, as we know not for all kids is ok to be different and of course he was. When he was in the ninth grade, his artistic talent was recognized by a local garbage company and he was entered in a contest when he won a prize for an anti-litter poster he designed. The company placed this poster on all of their garbage trucks for a year. After graduation from high school, he attended California Institute of the Arts. Like so many others who graduated from that school, Burton’s first job was as an animator for Disney.Disney recognized his talent, and gave him the green light to make Vincent in1982, an animated short cut about a boy who wanted to be just like Vincent Price. It was narrated by Price himself, the short had a great success and won several awards Burton made a few other short films, including his

n°24 Unknown 14

first live-action one, Frankenweenie in 1984 (which was recently relaunched). A half-hour long twist on the tale of Frankenstein, it was rated inappropriate for children and wasn’t released at that timeActor Paul Reubens (aka Pee-Wee Herman) saw Frankenweenie, and believed that Burton would be the right man to direct him in his first full-length feature film, Pee-Wees Big Adventure in 1985. The film was a surprise success, and Burton instantly became very popular. However, many of the scripts that were offered to him after this one were essentially just spin-offs of the film, and Burton wanted to do something new. For three years, he made no more films, until he was presented with the script for Beetle Juice in 1988. The script was wild and wasn’t really about anything, but was filled with such artistic and quirky opportunities, Burton couldn’t say no it was another big hit, and Burton’s name in Hollywood was

solidified and very well know fellow. Warner Bros. then entrusted him with Batman in 1989, a film based on the immensely popular comic book, the film was the most financially successful film of the year and Burton’s biggest box-office hit to date. Due to the fantastic success of his first three films, he was given the heads up to make his next film and any kind of film he wanted. That film was Edward Scissorhands in1990, one of his most emotional, was also Burton’s first film with actor Johnny Depp. Burton’s next film was Batman Returns in1992, and was darker and quirkier than the first one, and, while working on Batman Returns he also produced the popular Nightmare before Christmas in1993, directed by former fellow Disney Animator Henry Selick. Burton reunited also with Johnny Depp on the film Ed Wood i. n1994, a film showered with critical acclaim. Burton’s subsequent

Cine

Curious facts Frequently shows dead dogs, clowns, sheep, twisted trees, jack-o’-lanterns, scarecrows, butterflies, and redheads in his films. His films often have a Gothic feel to them, often including Christmas and/or Halloween scenes. He wears a pair of pinstripe socks as a lucky charm at every premiere and special occasion. Several of his films are based on drawings he made as a kid.

Photograpy by Red-Monk

Article by Elizz Monge

film, Mars Attacks! in 1996, had much more vibrant colors than his other films. Burton returned to his darker and more artistic form with the film Sleepy Hollow in 1999, the film was praised for its art direction and was financially successful, redeeming Burton of the disappointment many had felt by Mars Attacks!. His next film was Planet of the Apes in 2001The film was panned by many critics but was still financially successful. While on the set, Burton met Helena Bonham Carter, to whom he is now currently married to and has a son and a daughter. Afterwards, Burton directed the film Big Fish in 2003 - a much more conventional film than most of his others, it received a good deal of critical praise. Burton’s next film was Charlie and the Chocolate Factory in 2005, the film generally took a more faithful approach to the source material than the 1971 adaptation, this one was followed by Corpse Bride in 2005 as well the

project was specifically created for Burton’s wife Helena, in this film, Burton was able again to use his familiar styles and trademarks, such as the complex interaction between light and darkness. After that, with the same dark style characteristic of Burton he work in the film Sweeney Todd in 2007, the film blends explicit gore and Broadway tunes, and was well received by critics. Going a little bit back to were he stared his carrier Burton was given the opportunity to redo Alice in Wonderland in 2011, Burton developed the story because he never felt an emotional tie to the original book. Showings us stories for “kids” in a totally different way Burton proved himself to be one of the most popular directors of the late 20th century, just by letting us know that there is more than one face in every part of our life’s.

You always have to feel like it’s gonna be the greatest, even if it’s a . . . you know . . . piece of crap. -Tim Burton-

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CINE

From weird to normal...

Photograpy by Red-Monk Article by Elizz Monge

CINE

Curious facts

Frequently shows dead dogs, clowns, sheep, twisted trees, jack-o’-lanterns, scarecrows, butterflies, and redheads in his films. His films often have a Gothic feel to them, often including Christmas and/or Halloween scenes. He wears a pair of pinstripe socks as a lucky charm at every premiere and special occasion. Several of his films are based on drawings he made as a kid.

Burton reunited also with Johnny Depp on the film Ed Wood in1994, a film showered with critical acclaim. Burton’s subsequent film, Mars Attacks! in 1996, had much more vibrant colors than his other films.

When he was in the ninth grade, his artistic talent was recognized by a local garbage company and he was entered in a contest when he won a prize for an anti-litter poster he designed. The company placed this poster on all of their garbage trucks for a year. After graduation from high school, he attended California Institute of the Arts. Like so many others who graduated from that school, Burton’s first job was as an animator for Disney.

Burton returned to his darker and more artistic form with the film Sleepy Hollow in 1999, the film was praised for its art direction and was financially successful, redeeming Burton of the disappointment many had felt by Mars Attacks!. His next film was Planet of the Apes in 2001The film was panned by many critics but was still financially successful.

Disney recognized his talent, and gave him the green light to make Vincent in1982, an animated short cut about a boy who wanted to be just like Vincent Price. It was narrated by Price himself, the short had a great success and won several awards Burton made a few other short films, including his first live-action one, Frankenweenie in 1984 (which was recently relaunched). A half-hour long twist on the tale of Frankenstein, it was rated inappropriate for children and wasn’t released at that time. Actor Paul Reubens (aka Pee-Wee Herman) saw Frankenweenie, and believed that Burton would be the right man to direct him in his first full-length feature film, Pee-Wees Big Adventure in 1985. The film was a surprise success, and Burton instantly became very popular. However, many of the scripts that were offered to him after this one were essentially just spin-offs of the film, and Burton wanted to do something new. For three years, he made no more films, until he was presented with the script for Beetle Juice in 1988. The script was wild and wasn’t really about anything, but was filled with such artistic and quirky opportunities, Burton couldn’t say no it was another big hit, and Burton’s name in Hollywood was solidified and very well know fellow. Warner Bros. then entrusted him with Batman in 1989, a film based on the immensely popular comic book, the film was the most financially successful film of the year and Burton’s biggest boxoffice hit to date. Due to the fantastic success of his first three films, he was given the heads up to make his next film and any kind of film he wanted. That film was Edward Scissorhands in1990, one of his most emotional, was also Burton’s first film with actor Johnny Depp.

Burton’s next film was Charlie and the Chocolate Factory in 2005, the film generally took a more faithful approach to the source material than the 1971 adaptation, this one was followed by Corpse Bride in 2005 as well the project was specifically created for Burton’s wife Helena, in this film, Burton was able again to use his familiar styles and trademarks, such as the complex interaction between light and darkness. After that, with the same dark style characteristic of Burton he work in the film Sweeney Todd in 2007, the film blends explicit gore and Broadway tunes, and was well received by critics. Going a little bit back to were he stared his carrier Burton was given the opportunity to redo Alice in Wonderland in 2011, Burton developed the story because he never felt an emotional tie to the original book. Showings us stories for “kids” in a totally different way Burton proved himself to be one of the most popular directors of the late 20th century, just by letting us know that there is more than one face in every part of our life’s.

You always have to feel like it’s gonna be the greatest, even if it’s a . . . you know . . . piece of crap. -Tim Burton-

n°24 Unknown 15

Burton’s next film was Batman Returns in1992, and was darker and quirkier than the first one, and, while working on Batman Returns he also produced the popular Nightmare before Christmas in1993, directed by former fellow Disney Animator Henry Selick.

While on the set, Burton met Helena Bonham Carter, to whom he is now currently married to and has a son and a daughter. Afterwards, Burton directed the film Big Fish in 2003 - a much more conventional film than most of his others, it received a good deal of critical praise.

Not only a child can play

n°24 Unknown 14

You always have to feel like it’s gonna be the greatest, even if it’s a . . . you know . . . piece of crap. -Tim Burton-

CINE n째24 Unknown 15

Photograpy by Red-Monk Article by Elizz Monge

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ART

del a t e rtis n a ano qu e u e c b o d ista ur ue ha p m i n o q rt udó s un a en el ales, p ue s p r l s e nico. E arte , cultu e porq e y sks rt britá por su líticos onoc n a B t a ocido s po se le c ad. e a e r St tid n on tem rec ia a ambié u iden s e c ren dad, t creto s e f e li r ora e en se m y n ntie a m

12 concreto junio 2103

street

ART

El Terrorista Artístico Hoy en día, es imposible matener el anonimato cuando se trata de una personalidad en cualquier tipo de actividad. Sin embargo, Banksy es uno de los referentes más importantes del graffiti y no solo tiene pintadas en todas partes del mundo y varias galerías, sino que también ha escrito sendos libros y estrenó su primera película. Sin dudas, eso es mucho para una persona cuyo nombre es desconocido. Pero la verdad, más que una persona, Banksy es una leyenda. Banksy es una leyenda en la cultura urbana del mundo y se ha hecho nombre, además de por sus graffitis, por tener posturas ideológicas muy sólidas. Lo más sorprendente de este artista, es cómo ha logrado el anonimato total en una era donde todo el mundo sabe todo de todos.

Como si se tratase de un fantasma, se cree que nació en Yate, localidad cercana a Bristol, en 1974. Y aunque la prensa general no tiene muy pocas pistas concretas sobre su identidad, Simon Hattenstone, de Guardian Unlimited y uno de los pocos que pueden decir que lo han entrevistado en persona, lo describió como: “una mezcla entre Jimmy Nail y el rapero inglés Mike Skinner.” Los trabajos de Banksy ocupan una gran cantidad de campos en cuanto a estilos. Comenzó su carrera como artista graffiti “freehand” en las calles de su ciudad natal, Bristol, entre 1992 y 1994, formando parte de la banda Bristol’s DryBreadZ (DBZ). Según explica el mismo artista, cambió a trabajar enteramente con plantillas mientras se escondía de la policía debajo de un camión volquete.

Pero más que nada, el cambio se debió a que le permitía terminar una obra en mucho menos tiempo. Por lo general, sus trabajos son piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, y combina escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla. Muchos de sus trabajos son similares a Blek le Rat, quien empezó a trabajar con plantillas en 1981 en París. Y Banksy mismo reconoce la influencia: “cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek Le Rat lo hizo mejor, sólo veinte años antes.” Aunque Banksy coloca ideas fuertes en sus trabajos, siempre se lo reconoció por tener un gran sentido del humor, que también es muy evidente en sus graffitis.

Luis Felipe Campos Thompson

concreto junio 2103

streetART

El Terrorista Artístico

Bansksy es el psudónimo de un artista del Street art británico. Es un artista urbano que es reconocido por su arte en el que hace referencia a temas políticos, culturales, pop y moralidad, también se le conoce porque mantiene en secreto su identidad.

Hoy en día, es imposible matener el anonimato cuando se trata de una personalidad en cualquier tipo de actividad. Sin embargo, Banksy es uno de los referentes más importantes del graffiti y no solo tiene pintadas en todas partes del mundo y varias galerías, sino que también ha escrito sendos libros y estrenó su primera película. Sin dudas, eso es mucho para una persona cuyo nombre es desconocido. Pero la verdad, más que una persona, Banksy es una leyenda.

Los trabajos de Banksy ocupan una gran cantidad de campos en cuanto a estilos. Comenzó su carrera como artista graffiti “freehand” en las calles de su ciudad natal, Bristol, entre 1992 y 1994, formando parte de la banda Bristol’s DryBreadZ (DBZ). Según explica el mismo artista, cambió a trabajar enteramente con plantillas mientras se escondía de la policía debajo de un camión volquete. Pero más que nada, el cambio se debió a que le permitía terminar una obra en mucho menos tiempo. Por lo general, sus trabajos son piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, y combina escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla. Muchos de sus trabajos son similares a Blek le Rat, quien empezó a trabajar con plantillas en 1981 en París. Y Banksy mismo reconoce la influencia: “cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original,

me doy cuenta de que Blek Le Rat lo hizo mejor, sólo veinte años antes.” Aunque Banksy coloca ideas fuertes en sus trabajos, siempre se lo reconoció por tener un gran sentido del humor, que también es muy evidente en sus graffitis. Pero más allá del humor, por lo general se pueden ver mensajes antiguerra, anticapitalismo y antisistema. Este último es el más notorio en Londres, donde hace sus graffitis antisistema en los barrios y edificios de personas que más a favor están del mismo sistema. Los elementos más comunes en sus obras son ratas, monos, oficiales de policía, soldados, niños y ancianos. Por supuesto, Bansky no se hubiese hecho una leyenda, si no estaría dispuesto a romper las reglas más de una vez. Por ejemplo, en algún momento de su carrera acostumbraba a entrar disfrazado a museos importantes del mundo para colgar sus obras de manera clandestina. Así, pudo figurar en museos como el Museo Nacional Británico de Arte

concretoJUNIO 2013

Banksy es una leyenda en la cultura urbana del mundo y se ha hecho nombre, además de por sus graffitis, por tener posturas ideológicas muy sólidas. Lo más sorprendente de este artista, es cómo ha logrado el anonimato total en una era donde todo el mundo sabe todo de todos. Como si se tratase de un fantasma, se cree que nació en Yate, localidad cercana a Bristol, en 1974. Y aunque la prensa general no tiene muy pocas pistas concretas sobre su identidad, Simon Hattenstone, de Guardian Unlimited y uno de los pocos que pueden decir que

lo han entrevistado en persona, lo describió como: “una mezcla entre Jimmy Nail y el rapero inglés Mike Skinner.”

street

art

El Terrorista Artístico

Bansksy es el psudónimo de un artista del Street art británico.Es un artista urbano que es reconocido por su arte en el que hace referencia a temas políticos, culturales, pop y moralidad, también se le conoce porque mantiene en secreto su identidad. Luis Felipe Campos Thompson

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street

art

con creto

Arquitectura

Frank LLoyd Wright

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Casa de Robie

usta

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arv

Frank Lloyd Wright (Richland Center, Wisconsin, 8 de junio de 1867 - Phoenix, Arizona, 9 de abril de 1959), arquitecto de nacionalidad estadounidense, fue uno de los principales maestros e influyentes de la arquitectura del siglo XX, conocido por la arquitectura orgánica y funcional de sus diseños.

Tras abandonar su carrera de ingeniería en Wisconsin al fallecer su padre, Frank se va a Chicago, donde la oficina de los arquitectos Adler y Sullivan lo contrata para trabajar con Sullivan durante 6 años como delineante jefe, hasta que en 1893, abandona por un altercado que tuvo con él y abrió su propio estudio de arquitectura. En estos años diseñó la Casa Winslow, en River Forest, Illinois, la primera de la famosa serie de viviendas de pradera. Se trata de casas unifamiliares, fuertemente integradas en su entorno. Las cubiertas sobresalen considerablemente de las fachadas y las ventanas forman una secuencia continua horizontal . El núcleo central de las viviendas lo constituye una gran chimenea, alrededor de la cual se disponen las estancias. Wright creó un nuevo concepto respecto a los espacios interiores de los edificios, que aplicó en sus casas de pradera, pero también en sus demás obras. Wright rechaza el criterio existente hasta entonces de los espacios interiores como estancias cerradas y

aisladas de las demás, y diseña espacios en los que cada habitación o sala se abre a las demás, con lo que consigue una gran transparencia visual, una profusión de luz y una sensación de amplitud y abertura. Para diferenciar una zona de la otra, recurre a divisiones de material ligero o a techos de altura diferente, evitando los cerramientos sólidos innecesarios. Con todo ello, Wright estableció por primera vez la diferencia entre “espacios definidos” y “espacios cerrados”. Wright además estudió con gran atención la arquitectura maya y aplicó un estilo reminiscente maya a muchas de sus viviendas. Viajó a Europa. El año siguiente presentó sus trabajos en una exposición de arquitectura y diseño en Berlín, donde obtuvo un gran reconocimiento. Una publicación que se editó sobre sus obras influyó a las nuevas generaciones de arquitectos europeos. De regreso a los Estados Unidos diseñó su propia vivienda, Taliesin, que en el transcurso de los años se quemó en tres ocasiones, y que Wright reconstruyó siempre de nuevamente.

TAL EN T IESIN. L EN uN ALIESIN o AS uNIdA Arm prINc ESTE co dES SE org Ip A E ANIz dE L rIo rop Io, SE T xISTEN AN E r T oS E E Nd xTrE ro. dI ATAbA d odoS L If o moS . chAS cAjAS E uNA SEr S ESpAcIo ErENTES d IE S IS SE r EAg dE “cA NEcESA TANcIA jA ru S r

Taliesin West

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frANk LLoyd WrIghT (rIchLANd cENTEr, WIScoNSIN, 8 dE juNIo dE 1867 - phoENIx, ArIzoNA, 9 dE AbrIL dE 1959), ArquITEcTo dE NAcIoNALIdAd ESTAdouNIdENSE, fuE uNo dE LoS prINcIpALES mAESTroS E INfLuyENTES dE LA ArquITEcTurA dEL SIgLo xx, coNocIdo por LA ArquITEcTurA orgáNIcA y fuNcIoNAL dE SuS dISEñoS. POR Gustavo Carvajal G.

Una noche en el Museo Guggenheim, Nueva York. Retrato de Frank Lloyd Wright

arquitectura

Frank Lloyd Wright

de las demás, y diseña espacios en los que cada habitación o sala se abre a las demás, con lo que consigue una gran transparencia visual, una profusión de luz y una sensación de amplitud y abertura. Para diferenciar una zona de la otra, recurre a divisiones de material ligero o a techos de altura diferente, evitando los cerramientos sólidos innecesarios. Con todo ello, Wright estableció por primera vez la diferencia entre “espacios definidos” y “espacios cerrados”. Wright además estudió con gran atención la arquitectura maya y aplicó un estilo reminiscente maya a muchas de sus viviendas. Viajó a Europa. El año siguiente presentó sus trabajos en una exposición de arquitectura y diseño en Berlín, donde obtuvo un gran reconocimiento. Una publicación que se editó sobre sus obras influyó a las nuevas generaciones de arquitectos europeos. De regreso a los Estados Unidos diseñó su propia vivienda, Taliesin, que en el transcurso de los años se quemó en tres ocasiones, y que Wright reconstruyó siempre de nuevamente. 13

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Arquitectura

Retrato de Frank Lloyd Wright

NATURAL presents “EL LISTER”

ANTONY LISTER ARTICLE BY JASON ALVAREZ

THE CONTEMPORARY ART MOVEMENT HAS BEEN CREEP OUT BY THE SAVAGE AND RAGE OF THIS NEW MASTER OF GRAPHICS, HE’S SOFT AND STRONG AT THE SAME TIME.

Anthony Lister (1979 – present) is an Australian-born painter and Installation artist. He has had solo exhibitions across Australia, United States, Europe and UK.He is notable within the Lowbrow (art movement) and has been featured on Juxtapoz.com and FecalFace.com and WoosterCollective.com. He currently resides in Sydney, Australia. Lister was born in Brisbane, Australia in 1979. He graduated from the Queensland College of Art in Brisbane in 2001 and traveled to New York soon after where he mentored under the auspices Max Gimblett, one of New Zealand’s most influential living artists.

Lister began painting on the streets at the age of 17, a location which has endured as a key part of his practice as a space where he can take pleasure in his ‘hobby’ of producing art rather than the ‘craft’ of studio work. He has since exhibited his work extensively within Australia and internationally both in the gallery and on the streets, notably with Bogan Paradise, a three story exhibition in a disused sex shop in Syndey, Australia 2011, Los Angeles USA solo exhibition curated by Robert Gatsman 2011, Los Angeles solo show New Image Art 2011 and Unslung Heros, The Outsiders/Lazarides Gallery, London and Newcastle, UK 2012. Lister’s wife and two children

Lister painting a mural with trashy colors in Los Angeles,USA.

are featured in his “Have You Seen Them? The Listers” stickers. Photos and videos of his children are often seen in the “New” section of his official website. He is one of Australia’s most renowned contemporary artists, Lister’s work presents us with a grimy fusion of high and lowbrow culture with influences from a number of areas and genres, including street art, expressionism, pop art, and contemporary youth culture, often drawing from television and the “misguided role models” that result. Revelling in the “spirituality”, and the “heritage” of Western popular

culture he takes this joint legacy and remoulds it into something equally alluring and grotesque, a perfect representation of the society he seeks to depict. Taking influence from the dirtier and rough techniques of “Bad” Painting and merging it with the spirit and practices of graffiti art Lister has embraced an explosive, scratchy, scrawling form of figurative art usi8.8and installation to film and music. Anthony’s works seem like a 27 year old man looking back at his childhood through the fog of the realities learned of society. As we age our childhood no longer has the same.

Anthony Lister Article by Jason Alvarez Mu ra l

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Another mural in Miami, USA that seems to bring the dark side of the art on it.

Smoke Signs “ Lister ”

THE

CONTEMPORARY

ART

MOVEMENT

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OUT BY THE SAVAGE AND RAGE OF THIS NEW MASTER OF

GRAPHICS, HE’S SOFT AND STRONG AT THE SAME TIME. Anthony Lister (1979 – present) is an Australian-born painter and Installation artist. He has had solo exhibitions across Australia, United States, Europe and UK.He is notable within the Lowbrow (art movement) and has been featured on Juxtapoz.com and FecalFace.com and WoosterCollective.com. He currently resides in Sydney, Australia. Lister was born in Brisbane, Australia in 1979. He graduated from the Queensland College of Art in Brisbane in 2001 and traveled to New York soon after where he mentored under the auspices Max Gimblett, one of New Zealand’s most influential living artists. Lister began painting on the streets at the age of 17, a location which has endured as a key part of his practice as a space where he can take pleasure in his ‘hobby’ of producing art rather than the ‘craft’ of studio work. He has since exhibited his work extensively within Australia and internationally both in the gallery and on the streets, notably with Bogan Paradise, a three story exhibition in a disused sex shop in Syndey, Australia 2011, Los Angeles USA solo exhibition curated by Robert Gatsman 2011, Los Angeles solo show New Image Art 2011 and Unslung Heros, The Outsiders/Lazarides Gallery, London and Newcastle, UK 2012. Lister’s wife and two children are featured in his “Have You Seen Them? The Listers” stickers. Photos and videos of his children are often seen in the “New” section of his official website. He is one of Australia’s most renowned contemporary artists, Lister’s work presents us with a grimy fusion of high and lowbrow culture with influences from a number of areas and genres, including street art, expressionism, pop art, and contemporary youth culture, often drawing from television and the “misguided role models” that result. Revelling in the “spirituality”, and the “heritage” of Western popular culture he takes this joint legacy and remoulds it into something equally alluring and grotesque, a perfect representation of the society he seeks to depict. Taking influence from the dirtier and rough techniques of “Bad” Painting and merging it with the spirit and practices

of graffiti art Lister has embraced an explosive, scratchy, scrawling form of figurative art using a variety of mediums from painting, drawing and installation to film and music. Anthony’s works seem like a 27 year old man looking back at his childhood through the fog of the realities learned of society. As we age our childhood no longer has the same pure Saturday morning gleam but instead the comic book characters and Tony the Tigers take on a distorted fogged perspective as the wars of the worlds proceed, our relationships fail, the George Bush’s are elected, the environments collapse, our youth and all that made it.

AN TON Y LI STER Article by

Jason Alvarez

Street Culture Army presents

“THE

CONTEMPORARY

ART

“A. Lister”

MOVEMENT

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BEEN CREEP OUT BY THE SAVAGE AND RAGE OF THIS NEW MASTER OF GRAPHICS, HE’S SOFT AND STRONG AT THE SAME TIME.”

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Pinturas pertenecientes a su perĂodo fantĂĄstico

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P o p

Roy Lichtenstein Tiras cómicas

A R T E

Se atrevió a pintar lo que no le gustaba a nadie en el mundo del arte: comenzó en los años cuarenta a explorar la cultura popular, lo que se ve a diario en las revistas, en la publicidad, en las páginas amarillas y en los tebeos. Los envoltorios, lo vulgar y lo repetido eran para él una mina de inspiración.

Por: Laura Méndez Segura

Jun 2013 / F i g u r a s

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A r t e

correspondientes al período 1952-1960 fluctúan entre el expresionismo abstracto no figurativo y dibujos de imaginería de cómics (figuras de Disney, como Mickey Mouse, Donald, etc.)

A ésta época corresponden sus obras expresionistas de modelos y naturalezas muertas. Ya reclutado en el ejército, dibuja a la naturaleza a la aguada, lápiz y pastel. Luego de concluir sus estudios, al volver de la guerra, se centra principalmente en abstracciones geométricas seguidas de pinturas semi abstractas inspiradas en el cubismo. En 1949 obtiene el Máster de Bellas Artes en la Universidad estatal de Ohio. En el mismo año se casa con Isabel Wilson, de la Carlebach Gallery. Con el tiempo su obra se hará más suelta e impresionista. Lichtenstein se traslada a Cleveland donde trabaja de dibujante gráfico y mecánico, decorador de escaparates, diseñador de chapas metálicas. Nacen sus hijos, David Hoyt Lichtenstein y Mitchell Wilson Lichtenstein. Es nombrado profesor ayudante de arte en la Universidad Estatal de New York, Oswego. Las obras

Más tarde Lichtenstein se traslada a New Yersey donde conoce a Allan Kaprow, que lo inicia en los happenings y ambientes. Conoce a Claes Oldenburg, Robert Watts, Jim Dine, Robert Watts, Jim Dine, Robert Whitman, Lucas Samara y George Segal. Los artistas de happening/ambientes reavivan su interés por la imaginería protopop. Sus primeras pinturas pop se registran hacia 1961, centrándose en imágines y técnicas de tiras cómicas derivadas de la impresión comercial. Produce una serie de viñetas cómicas con cambios mínimos dibujadas directamente sobre la tela preparada con lápiz y pintadas al óleo. Empieza a utilizar la imaginería de la publicidad que evoca el consumismo y las tareas domesticas. En 1962 tiene oportunidad de ver la obra de Andy Warhol, que también aplica imaginería de cómics en la Leo Castelli Gallery. Castelli acepta a Lichtenstein y rechaza a Warhol). Hacia 1964, y luego de volver a New York, realiza una exposición retrospectiva en el Pasadena Art Museum. Esta exposición se presentaría también en Amsterdam, Minneapolis, Londres, Berna y Hannover. Se casa con dorothy Herzka. Luego se dedicaría a las pinturas modernas con imaginería de los años treinta. En 1969 trabaja en New York con Joel Freedman de las Cinneamon Productions y experimenta cinematográficamente. Diez años más tarde, la fundación Nacional para las Artes le encarga una escultura pública: “Sirena” de unos tres metros de acero y hormigón, para el Theater of the Performing Arts, Miami Beach, Florida. También es elegido miembro de la American Academy and Institute of Arts and Letters. Exposición retrospectiva de los años sesenta, organizada por el Saint Louis Museum, que viajaba por Japón, Europa y

P a u t a s

Roy Lichtenstein

Tiras Cómicas y Ar te Se atrevió a pintar lo que no le gustaba a nadie en el mundo del arte: comenzó en los años cuarenta a explorar la cultura popular, lo que se ve a diario en las revistas, en la publicidad, en las páginas amarillas y en los tebeos. Los envoltorios, lo vulgar y lo repetido eran para él una mina de inspiración. Por: Laura Méndez Segura

Roy Lichtenstein Nace el 27 de octubre de 1923 en la ciudad de New York, en una familia de clase media y tiene una hermana. Asiste a una escuela secundaria privada de New York en la que el arte no consta en el programa. Empieza a dibujar y a pintar de adolescente solo en su casa. Se interesa por el Jazz, y frecuenta conciertos en el Apollo Theater, Harlem y en varios clubes de la calle 52 que le llevan a pintar retratos de músicos de Jazz, a menudo tocando sus instrumentos. Busca la inspiración en Picasso. Se gradúa en la escuela secundaria con el firme convencimiento de estudia Arte y se matricula en la escuela de Bellas Artes de Ohio, dónde un profesor le enseño que “el arte trata de la percepción organizada”. “Me enseñó la manera de abordar el aprendizaje y a mirar.” A ésta época corresponden sus obras expresionistas de modelos y naturalezas muertas. Ya reclutado en el ejército, dibuja a la naturaleza a la aguada, lápiz y pastel. Luego de concluir sus estudios, al volver de la guerra, se centra principalmente en abstracciones geométricas seguidas de pinturas semi abstractas inspiradas en el cubismo. En 1949 obtiene el Máster de Bellas Artes en la Universidad estatal de Ohio. En el mismo año se casa con Isabel Wilson,

de la Carlebach Gallery. Con el tiempo su obra se hará más suelta e impresionista. Lichtenstein se traslada a Cleveland donde trabaja de dibujante gráfico y mecánico, decorador de escaparates, diseñador de chapas metálicas. Nacen sus hijos, David Hoyt Lichtenstein y Mitchell Wilson Lichtenstein. Es nombrado profesor ayudante de arte en la Universidad Estatal de New York, Oswego. Las obras correspondientes al período 1952-1960 fluctúan entre el expresionismo abstracto no figurativo y dibujos de imaginería de cómics (figuras de Disney, como Mickey Mouse, Donald, etc.) Más tarde Lichtenstein se traslada a New Yersey donde conoce a Allan Kaprow, que lo inicia en los happenings y ambientes. Conoce a Claes Oldenburg, Robert Watts, Jim Dine, Robert Watts, Jim Dine, Robert Whit-

man, Lucas Samara y George Segal. Los artistas de happening/ambientes reavivan su interés por la imaginería protopop. Sus primeras pinturas pop se registran hacia 1961, centrándose en imágines y técnicas de tiras cómicas derivadas de la impresión comercial. Produce una serie de viñetas cómicas con cambios mínimos dibujadas directamente sobre la tela preparada con lápiz y pintadas al óleo. Empieza a utilizar la imaginería de la publicidad que evoca el consumismo y las tareas domesticas. En 1962 tiene oportunidad de ver la obra de Andy Warhol, que también aplica imaginería de cómics en la Leo Castelli Gallery. Castelli acepta a Lichtenstein y rechaza a Warhol). Hacia 1964, y luego de volver a New York, realiza una exposición retrospectiva en el Pasadena Art Museum. Esta ex-

posición se presentaría también en Amsterdam, Minneapolis, Londres, Berna y Hannover. Se casa con dorothy Herzka. Luego se dedicaría a las pinturas modernas con imaginería de los años treinta. En 1969 trabaja en New York con Joel Freedman de las Cinneamon Productions y experimenta cinematográficamente. Diez años más tarde, la fundación Nacional para las Artes le encarga una escultura pública: “Sirena” de unos tres metros de acero y hormigón, para el Theater of the Performing Arts, Miami Beach, Florida. También es elegido miembro de la American Academy and Institute of Arts and Letters. Exposición retrospectiva de los años sesenta, organizada por el Saint Louis Museum, que viajaba por Japón, Europa y Estados Unidos, en 1981. Pinto, en Jun 2013 / pautas del tiempo

Roy Lichtenstein

ART

POP

“Siempre ha dejado patente su sentido visionario, sabiendo interpretar a la cultura juvenil urbana durante más de tres décadas” Por Liza Aymerich

Sinopsis Vivienne Isabel Swire nac en Glossop, Derbyshire, Inglaterra, el 8 de abril de 1941. Considerada una de las diseñadoras de moda más originales y abiertas del mundo, Westwood saltó a la fama a finales de 1970, cuando sus primeros diseños ayudaron a dar forma a la apariencia del movimiento punk.

Primeros Años Vivienne Isabel Swire nació el 8 de abril de 1941, en la ciudad de Inglesa en Glossop Derbyshire. Ella vino desde sus humildes comienzos. Su padre era un zapatero, mientras que su madre ayudó a mantener a la familia para llegar a fin de mes, trabajando en una fábrica de algodón local. A la edad de 17 años, la familia de Vivienne se trasladó a Harrow en el país de Middlesex, la futuro icono de la moda encontró trabajo en una fábrica local y, finalmente, se matriculó en una escuela de formación de profesores. Como Vivienne recordaría más tarde,

sus años de infancia estaban lejos de ser alta la vida de Londres. “Yo vivía en una parte del país que había crecido en la Revolución Industrial”, dijo una vez. “Yo no sabía nada de las galerías de arte ... Yo nunca había visto un libro de arte, nunca había estado en el teatro.” A principios de la década de 1960 la vida de Vivienne parecía establecida. Se había casado con Derek Westwood, con quien tuvo un hijo, Ben, y se embarcó en el trabajo como profesora. Sin embargo, todo cambió. Su primer matrimonio se disolvió y se encontró con Malcolm Mclaren , un estudiante de arte y futuro manager de los Sex Pistols. Con McLaren, Westwood tuvo un segundo hijo, Joseph. A través de su nueva pareja, Westwood, que había comenzado la fabricación de joyas a su lado, se presentó a un nuevo mundo de libertad creativa y el arte tenía el poder en el panorama político. “Me aferré a Malcolm como alguien que abrió las puertas para mí”, dijo Westwood. “Quiero decir, él parecía saber todo lo que necesitaba en ese momento.” Y así comenzó su carrera a crecer más rápidamente.

Carrera floreciente En 1971, McLaren abrió una tienda boutique en 430 Kings Road en Londres y comenzó a llenarlo con diseños de Westwood. Mientras que el nombre de la tienda parecía estar en constante flujo, ya que se cambió cinco veces, éste resultó ser un importante centro de moda para el movimiento punk. Cuando Mclaren se convirtió en gerente de los Sex Pistols, fue los diseños de Westwood los que vistieron a la banda y la ayudaron a forjar su identidad. Pero a medida que el movimiento punk se desvaneció, Westwood no fue a dormirse en sus laureles. Ella constantemente a estado a la vanguardia, no sólo influye en la moda, muchas veces la dicta. Después de su carrera con los Sex Pistols, Westwood se fue a una nueva dirección con su colección pirata de camisas con volantes y otros atuendos. Sus estilos han incluido también el mini-crini de la década de 1980 y el tul deshilachado y

traje de tweed de la década de 1990. Ella incluso ha demostrado que es perfectamente posible hacer una declaración subversiva con la ropa

La joven Vivienne Westwood, una muestra viva de su estilo. Destroy t-shirt 1979

de la parte oe d Fotos i贸n Oto帽 ivienne V cc Cole no 2013, r Invie ood. w West

Enajenados con la moda

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Así es Vivienne Westwood, británica dedicada a la moda desde hace más de 30 años. Siempre ha dejado patente su sentido visionario, sabiendo interpretar a la cultura juvenil urbana durante más de tres décadas.

ehry es uno de los diez arquitectos más famosos del mundo. Su estilo arquitectónico es una visión muy personal. Él que considera que la arquitectura es un arte y debe verse como tal. Por Lucía Salas Cordero

A raíz de sus trabajos, Frank Gehry ha obtenido premios muy importantes. Uno de ellos lo recibe en 1989 y se trata del prestigioso premio de arquitectura, Pritzker, comparable con el premio Nobel. Se trata de uno de los galardones más importantes en su campo, el cual se concede anualmente y se entrega a un arquitecto que haya mostrado a través de sus proyectos y obras, las diferentes facetas de su talento como profesional y que contrubuya con ellas al enriquecimiento de la humanidad. Una de las cualidades que se establece como requisito principal para obtener este premio, es la demostración de un alto nivel de creatividad en el pensamiento de dichas obras que, además, deben ser funcionales y de buena calidad en la construcción. Gehry confiesa que mientras él diseña, no tiene la menor idea de qué material utilizar, puesto que esto lo decide después de diseñar el proyecto. La forma en que utiliza los metales mediante ondulaciones, acabados y planchas en fachadas son elementos que identifican su arquitectura. Precisamente, este estilo es un de los factores que distinguen al artista y por el cual se le reconoce y diferencia de los demás.

MÁSTER Magazine / No.25 / 2013

Google. Frank Owen Gehry

Gehry nació en Canadá en el año 1929, con el nombre de Ephraim Goldberg. Poco tiempo después, adopta la nacionalidad norteamericana y cambia su nombre por Frank Owen Gehry. Considerado uno de los diez arquitectos más famosos del mundo. Gehry es reconocido por las innovadoras y peculiares formas de los edificios que diseña. Este profesional marca su estilo arquitectónico dede una visión muy personal, pues considera que la arquitectura es un arte y debe verse como tal. Empezó a sobresalir con su estilo deconstructivo a finales de los 70’s, creando composiciones tipo ‘‘collage’’ con los materiales que se encontraba. Después de esto comenzó a trabajar en sus obras y crear edificios. diseñando pedazos de escultura funcional. La arquitectura de Gehry experimentaba un crecimiento que se destacaba en sus primeras obras, que consistían en formas geométricas simples que creaban una corriente visual entre ellas. Dancing House, Praga

Magazine MÁSTER

espués de ganar el premio Pritzker, Gehry comenzó a diseñar el edificio‘‘Walt Disney Concert Hall’’, el cual pasó a ser un punto de referencia de la ciudad. Para mencionar algunas de sus obras, en 1990 terminó el Museo de Arte Weisman en la Universidad de Minnesota. El arquitecto se interesó en colaborar con otros artistas, como lo hizo en la la oficina central de Chiat Day (California). La entrada de dicho edificio tiene forma de binoculares gigantes, que fueron diseñados por Claes Oldenburg y Coosje Van Bruggen.

Google. Frank Owen Gehry

Gehry consideró que su obra más espectacular fue el Museo Guggenheim de Bilbao, en España. Como hace con todos sus diseños, se imaginó la forma del edificio y lo planteó a mano de forma simple. La tecnología le permitió construirlo con formas singulares, irregulares y con numerosas curvas que se confrontan a los diseños rectilíneos que sobresalían en aquellos tiempos. A pesar de que muchos modernistas criticaron esta obra por ser muy excéntrica, el Museo Guggenheim le dio fama mundial y él pasó a ser un ‘‘starchitect’’: un arquitecto que ha conseguido tal éxito que ahora es ícono del mundo de la arquitectura. Frank Gehry no solo se ha dedicado a diseñar obras arquitectónicas, sino que en los últimos años también ha prestado sus servicios y colaborado con

Walt Disney Concert Hall. Los Ángeles

su gran imaginación, tal es el caso de la botella de Wyborowa Vodka, joyería para Tiffany & Co y el Trofeo de la Copa Mundial de Hockey, trabajos que no tienen nada que ver con los diseños arquitectónicos que siempre lo han caracterizado. En el año 2012, la revista Vanity Fair realizó una encuesta a los arquitectos y críticos más famosos del mundo, para dar a conocer el trabajo de arquitectura más importante de los últimos años. El primer puesto fue para el Museo Guggenheim, diseñado por Gehry. Cabe resaltar, que dicho arquitecto fue uno de los primeros en utilizar como herramienta de trabajo una computadora, elemento vital con la cual desarrolló muchísimas obras que lo hicieron famoso.

Las

obras de Gehry son realmente retadoras, no solo por su belleza sino por la magestuosidad con la que estructura cada una de sus creaciones. Sus impactantes trabajos reflejan la dedicación, el esfuerzo y la imaginación con la que realiza sus obras. Sin duda alguna, es una propuesta estimulante para futuros creadores pues sirven de referencia para desarrollar potencial artístico y creativo en las próximas obras del mundo. Lucía Salas/ luscordero@master.com

Google. Frank Owen Gehry

Lou Ruvo Brain Institute. Las Vegas

8 cine

Hayao Miyazaki “Hayao Miyazaki es ilustrador, dibujante de cómics (mangaka) y productor de dibujos animados (anime) japonés, y director de cine de populares filmes de animación como El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke, Mi vecino Totoro, El castillo ambulante y Ponyo en el acantilado.”

Famosos opinan “Siempre estoy entre risas y lágrimas ante el magnífico espectáculo de sus películas animadas. La belleza de las imágenes, su sentido de lo natural, su simplicidad no dejan de conmoverme. Me alegro al pensar que realizadores como usted han sabido lograr su independencia frente a los grandes estudios japoneses, que no han sabido evolucionar y han perdido el verdadero sentido del cine” (Akira Kurosawa, cineasta japonés). “Él ha sido una gran influencia en mi carrera y la de la mayoría de directores de animación en todo el mundo” (John Lasseter, animador y director creativo de Pixar Animation Studios).

9 cine Acerca de su carrera Uno de los más importantes, reconocidos y premiados directores japoneses de cine, convirtiéndo a Hayao Miyazaki en un maestro en su arte. Precedido por una carrera de más de 53 años que se inicia en 1963 y nos deleita con sus creaciones hasta hoy en día. Sin embargo, no por ello ha decrecido en cuanto a su calidad; y más bien, se ha caracterizado por brindar tramas ricas en crítica social, mensajes antibélicos, ambiental, espiritual, ético y emocional. A través de sus obras, manifiesta su afinidad con un público más que todo infantil, haciendo que el auditorio le diera el seudónimo de “Disney japonés” a su propia productora animada “Studio Ghibli”. Muchas han sido las nominaciones de sus trabajos para diversos galardones, entre los cuales se incluyen los pretigiosos premios Óscar; obteniendo gracias a “El Viaje de Chihiro” su merecido reconocimiento mundial.

Una entrevista ficticia a Hayao Miyazaki

Artículo por Mariana Segura Gutiérrez Galería fotográfica de producciones Studio Ghibli Personaje: Hayao Miyazaki

1. En el pasado, se ha enfrentado a muchos impedimentos. ¿Necesitó de su entereza y perseverancia durante la producción? R/ Hubo un momento durante la producción de la película La Princesa Mononoke, que las carencias de personal y presupuesto fueron un impedimento para todos; pero cuando me preguntaron si cancelaría el filme, les respondí - Acabaré esta película aunque lleve al estudio a la ruina-.

4. Ya que menciona la actualidad, ¿qué opina de la realidad en la que vivimos? R/ La mayor parte de la cultura moderna es superficial y falsa, pende de un hilo, y no es algo que se haya de tomar en broma. [...] Expreso mi interés hacia una época venidera apocalíptica en la que ‘verdes hierbas silvestres’ tomarán el relevo. [...] El período Showa fue triste porque la naturaleza, las montañas y los ríos, todo ello estaba siendo destruido en nombre del progreso económico. Sin embargo no aprendemos nada de lo acontecido en el pasado. [...] No obstante los adultos (piensen lo que puedan pensar y crean en lo que crean) no deberían imponer su visión del mundo en los niños.

2. Años después de la Princesa Mononoke y su gran éxito, vino al fin la recompensa por el arduo trabajo en “El Viaje de Chihiro”, la cual recibió un Óscar al mejor largometraje animado del año en el 2002 a pesar de la dura competencia. ¿Por qué no asistió a la premiación? R/ No asistí al evento por una sencilla razón: Me parecía deshonesto visitar un país que actualmente está bombardeando Irak”.

5. Muchos han dicho acertadamente, a raíz de las producciones que es el público .infantil el punto fuerte de estas obras. ¿Cuál sería entonces el verdadero valor que le da Hayao Miyazaki a los niños del mundo? R/ Las almas de los niños son los herederos de la memoria histórica de las generaciones anteriores. Por lo tanto, son el mayor tesoro y los más anuentes a escuchar todo aquello que un adulto no es capaz.

“Adéntrate en el mundo mágico de Chihiro, Totoro, Ponyo y Howl, de la mano de Hayao Miyazaki.”

3. Ciertamente, esas convicciones son las cuales hacen que muchos de los fanáticos le admiren. ¿Cómo se describiría a sí mismo en el contexto actual? R/ Soy crítico con el capitalismo, la globalización y sus impactos en la vida moderna. Sin embargo, ya no creo en las cosas de cuando era joven, en pensar en la vida y la sociedad como clasificables por ‘clases’, puesto que en realidad todos somos trabajadores.

“Me gusta la expresión “posibilidades perdidas”. Nacer significa estar obligado a elegir una época, un lugar y una vida. Existir aquí, ahora, significa perder la posibilidad de ser otras innumerables personalidades potenciales.”

Hayao Miyazaki

“

Hayao Miyazaki es ilustrador, dibujante de cómics (mangaka) y productor de dibujos animados (anime) japonés, y director de cine de populares filmes de animación como El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke, Mi vecino Totoro, El castillo ambulante y Ponyo en el acantilado.

”

Junio 2013

interview

Acerca de su carrera Uno de los más importantes, reconocidos y premiados directores japoneses de cine, convirtiéndo a Hayao Miyazaki en un maestro en su arte. Precedido por una carrera de más de 53 años que se inicia en 1963 y nos deleita con sus creaciones hasta hoy en día. Sin embargo, no por ello ha decrecido en cuanto a su calidad; y más bien, se ha caracterizado por brindar tramas ricas en crítica social, mensajes antibélicos, ambiental, espiritual, ético y emocional. A través de sus obras, manifiesta su afinidad con un público más que todo infantil, haciendo que el auditorio le diera el seudónimo de “Disney japonés” a su propia productora animada “Studio Ghibli”. Muchas han sido las nominaciones de sus trabajos para diversos galardones, entre los cuales se incluyen los pretigiosos premios Óscar; obteniendo gracias a “El Viaje de Chihiro” su merecido reconocimiento mundial.

entrevistas Artículo por Mariana Segura Gutiérrez Galería fotográfica de producciones Studio Ghibli Personajes: Totoro & los duendes del polvo Película: Mi veciono Totoro

Una entrevista ficticia a Hayao Miyazaki “Adéntrate en el mundo mágico de Chihiro, Totoro, Ponyo y Howl, de la mano de Hayao Miyazaki.” 1. En el pasado, se ha enfrentado a muchos impedimentos. ¿Necesitó de su entereza y perseverancia durante la producción? R/ Hubo un momento durante la producción de la película La Princesa Mononoke, que las carencias de personal y presupuesto fueron un impedimento para todos; pero cuando me preguntaron si cancelaría el filme, les respondí - Acabaré esta película aunque lleve al estudio a la ruina-. 2. Años después de la Princesa Mononoke y su gran éxito, vino al fin la recompensa por el arduo trabajo en “El Viaje de Chihiro”, la cual recibió un Óscar al mejor largometraje animado del año en el 2002 a pesar de la dura competencia. ¿Por qué no asistió a la premiación? R/ No asistí al evento por una sencilla razón: Me parecía deshonesto visitar un país que actualmente está bombardeando Irak”. 3. Ciertamente, esas convicciones son las cuales hacen que muchos de los fanáticos le admiren. ¿Cómo

se describiría a sí mismo en el contexto actual? R/ Soy crítico con el capitalismo, la globalización y sus impactos en la vida moderna. Sin embargo, ya no creo en las cosas de cuando era joven, en pensar en la vida y la sociedad como clasificables por ‘clases’, puesto que en realidad todos somos trabajadores. 4. Ya que menciona la actualidad, ¿qué opina de la realidad en la que vivimos? R/ La mayor parte de la cultura moderna es superficial y falsa, pende de un hilo, y no es algo que se haya de tomar en broma. [...] Expreso mi interés hacia una época venidera apocalíptica en la que ‘verdes hierbas silvestres’ tomarán el relevo. [...] El período Showa fue triste porque la naturaleza, las montañas y los ríos, todo ello estaba siendo destruido en nombre del progreso económico. Sin embargo no aprendemos nada de lo acontecido en el pasado. [...] No obstante los adultos (piensen lo que puedan pensar y crean en lo que crean) no deberían imponer su visión del mundo en los niños. 5. Muchos han dicho acertadamente, a raíz de las producciones que es el público .infantil el punto fuerte de estas obras. ¿Cuál sería entonces el verdadero valor que le da Hayao Miyazaki a los niños del mundo? R/ Las almas de los niños son los herederos de la memoria histórica de las generaciones anteriores. Por lo tanto, son el mayor tesoro y los más anuentes a escuchar todo aquello que un adulto no es capaz. Junio 2013

interview

cine

Hayao Miyazaki 12

Personalidades Mundo Arte

Hayao Miyazaki “Hayao Miyazaki es ilustrador, dibujante de cómics (mangaka) y productor de dibujos animados (anime) japonés, y director de cine de populares filmes de animación como: El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke, Mi vecino Totoro, El castillo ambulante y Ponyo en el acantilado.”

Artículo por Mariana Segura Gutiérrez Galería fotográfica de producciones Studio Ghibli Personajes: Totoro

Personalidades Mundo Arte

04 Leyendas del mundo

Annie Leibovitz Es la fotógrafa mejor pagada del mundo y ha trabajado para revistas tan conocidas como Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue. Leibovitz nació el 2 de octubre de 1949 en Waterbury, Connecticut. Es la tercera hija del matrimonio judío compuesto por Samuel Leibovitz, Teniente Coronel de las Fuerzas Armadas, y Marilyn Heit Leibovitz, maestra de danza. Considerada como la fotógrafa viva más importante del momento y la mejor pagada, a lo largo de su carrera retrató a mitos como Mick Jagger, Michael Jackson, Bob Dylan, con los que realizó algunas de sus portadas para revistas emblemáticas, convenció a Demi Moore para que posara desnuda y embarazada de siete meses y metió a Whoopi Goldberg en una bañera llena de leche, dejando ver sólo su rostro y sus extremidades. Cuando estudiaba en secundaria comenzó a escribir y a tocar música. En 1967 entró en el Instituto de Arte de San Francisco. Se interesó por la fotografía practicando en un cuarto oscuro de la base aérea Clark, en Filipinas, donde su padre estuvo destinado durante la Guerra de Vietnam. En 1971 recibió la licenciatura en Bellas Artes por el

Instituto de Arte de San Francisco. En 1975 documenta la gira musical Rolling Stones Tour of the Americas ‘75 que la banda británica realizó por Estados Unidos y Canadá. Más adelante para el año de 1977 las oficinas de Rolling Stone se trasla daron a Nueva York y Leibovitz comienza con su adicción a diversas drogas. El 8 de diciembre de 1980 fotografía a John Lennon en su apartamento para la portada de Rolling Stone y algunas horas después de la sesión fotográfica, el músico fue asesinado por Mark David Chapman en la entrada a su edificio en Nueva York. La portada en la que Lennon aparece desnudo y en posición fetal junto a su esposa se publicó el 22 de enero de 1981 sin titulares. Entra en Vanity Fair en 1983 cobrando más de 2 millones de dólares

La Biblioteca del Congreso de Estados Unidos le otorgó el título de Leyenda viva y la revista American Photo la nombró la fotógrafa más influyente de nuestro tiempo.

anuales. En 1990 funda el Estudio Annie Leibovitz en Nueva York, en 1991 se convierte en la primera mujer en exhibir su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C. y desde el año 1995, se dedica a retratar a los actores para The Hollywood issue, edición que Vanity Fair publica cada año en el mes de marzo. Además de su trabajo con persona jes, practicó la fotografía documental y de paisajes, contratada por la editorial Condé Nast Publications desde 1993, como dan cuenta la serie que realizó en Sarajevo en 1990, la campaña para la elección como senadora de Hillary Clinton o cuando inmortalizó el gabinete de George W. Bush, poco después del 11-S. La Royal Photographic Society la galardonó en 2009 con la Medalla Centenario. Leibovitz fue galardonada con el prestigioso Premio Príncipe de Asturias, en la categoría de Comunicación y Humanidades del año 2013.

POR mICHAEL FLORES 05

leyenda de la fotografía Annie Leibovitz es la fotógrafa mejor pagada del mundo y ha trabajado para revistas tan conocidas como Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue. Leibovitz nació el 2 de octubre de 1949 en Waterbury, Connecticut. Es la tercera hija del matrimonio judío compuesto por Samuel Leibovitz, Teniente Coronel de las Fuerzas Armadas, y Marilyn Heit Leibovitz. Considerada como la fotógrafa viva más importante del momento y la mejor pagada, a lo largo de su carrera retrató a mitos como Mick Jagger, Michael Jackson Bob Dylan, con los que realizó algunas de sus portadas para revistas emblemáticas, convenció a Demi Moore para que posara desnuda y embarazada de siete meses y metió a Whoopi Goldberg en una bañera llena de leche, dejando ver sólo su rostro y sus extremidades. 04

Leyendas Del Mundo

Cuando estudiaba en secundaria comenzó a escribir y a tocar música. En 1967 entró en el Instituto de Arte de San Francisco. Se interesó por la fotografía practicando en un cuarto oscuro de la base aérea Clark, en Filipinas, donde su padre estuvo destinado durante la Gue rra de Vietnam. En 1971 recibió la licenciatura en Bellas Artes por el Instituto de Arte de San Francisco. En 1975 documenta la gira musical Rolling Stones Tour of the Americas ‘75 que la banda británica realizó por Estados Unidos y Canadá. Más adelante para el año de 1977 las oficinas de Rolling Stone se trasla daron a Nueva York y Leibovitz comienza con su adicción a diversas drogas. El 8 de diciembre de

George Clooney junto a 18 modelos en el reportaje número 27 de Vanity Fair en España.

1980 fotografía a John Lennon en su apartamento para la portada de Rolling Stone y algunas horas después de la sesión fotográfica, el músico fue asesinado por Mark David Chapman en la entrada a su edificio en Nueva York. La portada en la que Lennon aparece desnudo y en posición fetal junto a su esposa se publicó el 22 de enero de 1981 sin titulares. Entra en Vanity Fair en 1983 cobrando más de 2 millones de dólares anuales. En 1990 funda el Estudio Annie Leibovitz en Nueva York, en 1991 se convierte en la primera mujer en exhibir su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C. y desde el año 1995, se dedica a retratar a los actores para The Hollywood issue, edición que Vanity Fair publica cada año en el mes de marzo. Además de su trabajo con persona jes, practicó la fotografía documental y de paisajes, contratada por la editorial Condé Nast Publications desde 1993, como dan cuenta la serie que realizó en Sarajevo en

1990, la campaña para la elección como senadora de Hillary Clinton o cuando inmortalizó el gabinete de George W. Bush, poco después del 11-S. La Royal Photographic Society la galardonó en 2009 con la Medalla Centenario. Leibovitz fue galardonada con el prestigioso Premio Príncipe de Asturias, en la categoría de Comunicación y Humanidades del año 2013. Relacionada sentimentalmente desde 1988 con la escritora estadounidense Susan Sontag, hasta diciembre de 2004, cuando Sontag murió, Leibovitz la fotografió en su lecho de muerte.

La Biblioteca del Congreso de Estados Unidos le otorgó el título de Leyenda viva y la revista American Photo la nombró la fotógrafa más influyente de nuestro tiempo. Por Michael Flores

Leyendas del mundo

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por michael flores

fotography by -Monse Loboarticle by Monserrat Lobo

Karl Lagerfeld

Like an Energizer Bunny in black shades and biker gloves, Karl Lagerfeld just keeps going, somehow finding time to photograph fashion stories, film short movies, and publish art booksâ&#x20AC;&#x201D;all on top of designing two clothing lines.

faSHiON

EarLy LifE

When Hitler rose to power in the 1930s,

sketches and fabric samples to a design

the Lagerfelds moved to a rural area of

competition. He ended up taking first

One of the most acclaimed fashion

northern Germany, where, as Karl would

place in the coat category and meeting

designers in the world, Karl Lagerfeld

later recount, he was cut off from any

another winner, Yves Saint Laurent, who

was born in Hamburg, Germany. While

knowledge about the Nazis.

would become a close friend.

he’s never revealed his true birthday, it’s been reported he was born September

From an early age, Lagerfeld expressed

Soon, Lagerfeld had full time work

10, 1933. Known for his bold designs and

an interest in design and fashion. As

with French designer Pierre Balmain,

constant reinvention, he removed the “t”

a child he often cut out pictures from

first as a junior assistant, and later as an

at the end of his last name early in his

fashion magazines. He was also known to

apprentice. It was a demanding position,

career in order to make it sound “more

be critical of what others wore to school.

and the young designer remained in it for

commercial.”

But it wasn’t until his teen years, after

three years. He took work as a creative

his family had returned to Hamburg, that

director with another fashion house before

Legerfeld immersed himself in the world

finally, in 1961, striking out on his own.

Lagerfeld’s

father,

Christian,

made

his fortune by bringing condensed milk

of high fashion.

to Germany. Karl and his older sister,

Good

work

soon

followed,

with

Martha, and a half sister, Thea, grew up in

Sensing his future lay elsewhere,

a wealthy home. Intellectual activity was

14-year-old Lagerfeld made the bold

Chloe, Fendi (where he was brought on

encouraged at the Lagerfeld home. His

decision, with the blessing of his parents,

to oversee the company’s fur line) and

mother, Elizabeth, was an accomplished

to move to Paris. He’d been there just

others. Lagerfeld became known in the

violin player.

two years when he submitted a series of

fashion industry for his innovative, in-

Lagerfeld

designing

collections

for

OH LA LA • PG 23

KarL LAGERFERLD Like an Energizer Bunny in black shades and biker gloves, Karl Lagerfeld just keeps going, somehow finding time to photograph fashion stories, film short movies, and publish art books—all on top of designing two clothing lines. EarLy LifE

be critical of what others wore to school.

the-moment styles. But Lagerfeld also

But it wasn’t until his teen years, after

had an appreciation for the past, and he

One of the most acclaimed fashion

his family had returned to Hamburg, that

often shoped in flea markets, finding ld

designers in the world, Karl Lagerfeld

Legerfeld immersed himself in the world

wedding dresses to deconstruct.

was born in Hamburg, Germany. While

of high fashion.

he’s never revealed his true birthday, it’s

By the 1980s, Karl Lagerfeld was a

been reported he was born September

Sensing his future lay elsewhere,

major star in the fashion world. He was

10, 1933. Known for his bold designs and

14-year-old Lagerfeld made the bold

a favorite among the press, who loved to

constant reinvention, he removed the “t”

decision, with the blessing of his parents,

chronicle his changing tastes and social

at the end of his last name early in his

to move to Paris. He’d been there just

life. Lagerfeld kept company with other

career in order to make it sound “more

two years when he submitted a series of

major stars, including his good friend

commercial.”

sketches and fabric samples to a design

Andy Warhol.

competition. He ended up taking first Lagerfeld’s

father,

Christian,

made

place in the coat category and meeting

While he’s developed a sort of hired

his fortune by bringing condensed milk

another winner, Yves Saint Laurent, who

gun reputation for jumping from one label

to Germany. Karl and his older sister,

would become a close friend.

to the next, he’s also put together a track

Martha, and a half sister, Thea, grew up in

record of success that few designers can

a wealthy home. Intellectual activity was

Soon, Lagerfeld had full time work

encouraged at the Lagerfeld home. His

with French designer Pierre Balmain,

mother, Elizabeth, was an accomplished

first as a junior assistant, and later as an

At Chanel in the early 1980s he did what

violin player.

apprentice. It was a demanding position,

few thought possible: He returned what

and the young designer remained in it for

was perceived to be a near-dead brand

match.

When Hitler rose to power in the 1930s,

three years. He took work as a creative

back to life with a revamped popular

the Lagerfelds moved to a rural area of

director with another fashion house before

ready-to-wear lineup

northern Germany, where, as Karl would

finally, in 1961, striking out on his own.

later recount, he was cut off from any knowledge about the Nazis.

Around that time Lagerfeld launched Good

with

his own label, in 1984, which he built

for

around the idea of what he described as

From an early age, Lagerfeld expressed

Chloe, Fendi (where he was brought on

“intellectual sexiness.” Over the years, the

an interest in design and fashion. As

to oversee the company’s fur line) and

brand developed a reputation for quality

a child he often cut out pictures from

others. Lagerfeld became known in the

tailoring with bold ready-to-wear pieces

fashion magazines. He was also known to

fashion industry for his innovative, in-

like cardigan jackets in bright colors. In

Lagerfeld

work

soon

designing

followed, collections

“i never go out without my trademark dark glasses, i like to watch not to be watch” -Karl Lagerfeld.

fotography by -Monse Loboarticle by Monserrat Lobo

OH LA LA • PG 23

KarL LAGERFERLD

“i love to be creative all the time... if not i would be bored and boredom is a crime” -Karl Lagerfeld.

fotography by -Monse Loboarticle by Monserrat Lobo OH LA LA • PG 23

Walt Disney nace un 5 de diciembre de 1901, fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Fue el fundador de The Walt Disney Company y el principal artífice de películas de dibujos animados. Fue pionero en la utilización de numerosas innovaciones técnicas en el cine de animación, como el sonido, el color o la cámara multiplano. Tras crear su último corto, la mezcla de acción real y animación Alice’s Wonderland, el estudio se declaró en bancarrota en junio de 1923. Disney decidió entonces trasladarse al floreciente centro de la industria cinematográfica, Hollywood. Vendió su cámara y obtuvo el dinero suficiente para un viaje de ida en tren a California. Dejó todo atrás pero se llevó con él la película de Alice’s Wonderland. Llegó a Los Ángeles con cuarenta dólares en el bolsillo y una película sin acabar en su maletín. Su propósito era abandonar el cine de animación, creyendo que no podría competir con los estudios de Nueva York. Pretendía convertirse en director de películas de acción real, y recorrió sin éxito todos los estudios buscando trabajo. Al no encontrarlo, optó por volver a intentarlo con la animación. Su primer estudio en Hollywood fue un garaje en casa de su tío Robert. Envió la película Alice’s Wonderland a la distribuidora neoyorquina Margaret Winkler, quien mostró un gran interés por la película y contrató a Disney para producir más películas combinando animación e imagen real. Desea un cambio y se úne con su hermano Roy, tras perder los derechos sobre Oswald, Disney optó por crear un nuevo personaje. Se discute si la primera idea del ratón animado (que básicamente era igual que Oswald, pero con orejas redondas en lugar de alargadas) fue de Disney, a quien suele atribuírsele, o de Iwerks. En todo caso, ambos participaron en la creación del personaje. Sus primeras películas fueron animadas por Iwerks, cuyo nombre se destaca en los títulos de crédito. Algunas fuentes indican que el ratón iba a llamarse en un principio “Mortimer”, pero que más tarde fue bautizado como “Mickey Mouse” por su mujer, Lillian Disney. Según Bob Thomas, sin embargo, la leyenda del nombre es ficticia, y cita el caso

de un personaje llamado Mortimer Mouse, que nació en 1936, tío de Minnie Mouse. La primera aparición de Mickey tuvo lugar el 15 de mayo de 1928 en Plane Crazy, un cortometraje mudo, como todas las películas de Disney hasta esa fecha. Tras no conseguir interesar a los distribuidores ni por su continuación, Disney creó una película sonora, Steamboat Willie. El empresario Pat Powers proporcionó a Disney tanto la distribución de la película como el Cinephone, un sistema de sincronización de sonido. Steamboat Willie se convirtió en un gran éxito, y se añadió sonido a los cortos anteriores. Desde entonces, todas las películas de Disney serían sonoras. El propio Disney se encargó de los efectos vocales de sus primeros cortometrajes y fue la voz de Mickey Mouse hasta 1947. Mickey Mouse conoció un extraordinario éxito, hasta el punto de que, en 1935, la Sociedad de Naciones premió a Disney con una medalla de oro, declarando a Mickey “símbolo internacional de buena voluntad”. En enero de 1930 fue adaptado al cómic, en una tira de prensa con guion de Disney y dibujos de Iwerks. Durante la década de 1930, el mercado se inundó de productos relacionados con el personaje, desde juguetes infantiles y relojes de pulsera hasta un brazalete de diamantes diseñado por Cartier. Numerosas personalidades públicas declararon su admiración por Mickey Mouse, incluyendo a la actriz Mary Pickford, al presidente de Estados Unidos Franklin Delano Roosevelt, a Benito Mussolini e incluso al rey de Inglaterra, Jorge V. La construcción de Disneylandia comenzó el 21 de julio de 1954. El parque abrió sus puertas al público el 18 de julio de 1955.

Por Nicole Flores

Leyendas Hist贸ricas

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ESTE JULIO 2013 CELEBRAMOS EL 58 ANIVERSARIO DE WALT DISNEY WORLD, TRAS ABRIR SUS PUERTAS EL 18 DE JULIO DE 1955.

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El Maravilloso

Mundo de Disney Walt Disney nace un 5 de diciembre de 1901, fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Fue el fundador de The Walt Disney Company y el principal artífice de películas de dibujos animados. Fue pionero en la utilización de numerosas innovaciones técnicas en el cine de animación, como el sonido, el color o la cámara multiplano. Por Nicole Flores

Tras crear su último corto, la mezcla de acción real y animación Alice’s Wonderland, el estudio se declaró en bancarrota en junio de 1923. Disney decidió entonces trasladarse al floreciente centro de la industria cinematográfica, Hollywood. Vendió su cámara y obtuvo el dinero suficiente para un viaje de ida en tren a California. Dejó atrás todo, pero se llevó con él la película de Alice’s Wonderland.

Llegó a Los Ángeles con cuarenta dólares en el bolsillo y una película sin acabar en su maletín. Su propósito era abandonar el cine de animación, creyendo que no podría competir con los estudios de Nueva York. Pretendía convertirse en director de películas de acción real, y recorrió sin éxito todos los estudios buscando trabajo. Al no encontrarlo, optó por volver a intentarlo con la animación.

Su primer estudio en Hollywood fue un garaje en casa de su tío Robert. Envió la película Alice’s Wonderland a la distribuidora neoyorquina Margaret Winkler, quien mostró un gran interés por la película y contrató a Disney para producir más películas combinando animación e imagen real. Se reúne con su hermano Roy. Tras perder los derechos sobre Oswald, Disney crea un nuevo personaje. Se discute si la primera idea del ratón animado (que básicamente era igual que Oswald, pero con orejas redondas en lugar de alargadas) fue de Disney, a quien suele atribuírsele, o de Iwerks. En todo caso, ambos participaron en la creación del personaje. Sus primeras películas fueron animadas por Iwerks, cuyo nombre se destaca en los títulos de crédito. Algunas fuentes indican que el ratón iba a llamarse en un principio “Mortimer”, pero que más tarde fue bautizado como “Mickey Mouse” por su mujer, Lillian Disney. Según Bob Thomas, sin embargo, la leyenda del nombre es ficticia, y cita el caso de un personaje llamado Mortimer Mouse, que nació en 1936, tío de Minnie Mouse.

La primera aparición de Mickey tuvo lugar el 15 de mayo de 1928 en Plane Crazy, un cortometraje mudo, como todas las películas de Disney hasta esa fecha. Tras no conseguir interesar a los distribuidores, ni por su continuación, Disney creó una película sonora, Steamboat Willie. El empresario Pat Powers proporcionó a Disney Steamboat Willie se convirtió en un gran éxito, y se añadió sonido a los cortos anteriores. Desde entonces, todas las películas de Disney serían sonoras. El propio Disney se encargó de los efectos vocales de sus primeros cortometrajes y fue la voz de Mickey Mouse hasta 1947. Disney con una medalla de oro, declarando a Mickey “símbolo internacional de buena voluntad”. En enero de 1930 fue adaptado al cómic, en una tira de prensa con guion de Disney y dibujos de Iwerks. Durante la década de 1930, el mercado se inundó de productos relacionados con el personaje, juguetes, accesorios y hasta joyeria. Numerosas personalidades públicas declararon su admiración por Mickey Mouse, incluyendo a la actriz Mary Pickford, y al presidente de Estados Unidos Franklin Delano Roosevelt.

1. En 1951, Walt Disney estrenaba su versión de Alicia en el país de las maravillas 2. El nacimiento de Mickey Mouse es celebrado el 18 de noviembre de 1928

Mickey

Por Nicole Flores

Un Clásico de Disney Walt Disney nace un 5 de diciembre de 1901, fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Fue el fundador de The Walt Disney Company y el principal artífice de películas de dibujos animados. Fue pionero en la utilización de numerosas innovaciones técnicas en el cine de animación, como el sonido, el color o la cámara multiplano.

Leyendas H ist贸ricas

Fotografía

NICKLEN Cuando la pasión por lo que se hace se vive al extremo, se obtiene una gran satisfacción. Paul además de esto obtiene las mejores fotografías. Paul Nicklen creció en una pequeña comunidad esquimal en el ártico canadiense y pasó su infancia cazando y explorando. En la isla Baffin desarrolló sus extraordinarias habilidades para el trabajo de campo y su interés por observar la vida salvaje. Actualmente Paul vive en Whitehorse, Yukon. En su vida se ha preocupado por el cambio climático y se le conoce como un gran amante de la naturaleza. Tras graduarse en Biología por la Universidad de Victoria, Nicklen volvió a los Territorios del Noroeste y comenzó su carrera como biólogo. Sin embargo, su cámara siempre le acompañaba y pronto su afición se convirtió en su profesión y estilo de vida. Al parecer su carrera como biólogo y su cámara fueron un excelente complemento para poder estudiar el comportamiento de los animales, saber cuánto acercarse y qué esperar. Desde 1995, Nicklen se ha especializado en fotografiar el Ártico y sus habitantes. Destaca en ambientes extremos y situaciones interculturales, concediendo especial importancia a la fotografía submarina. Su estilo fotográfico refleja el respeto que siente por las criaturas que habitan el aislado Ártico. Paul Nicklen quedó entre los ganadores del World Press Photo, el concurso anual que premia las mejores fotografías. Nicklen ganó la categoría de “historias de naturaleza” con su imagen que muestra unos pingüinos emperadores nadando en el mar de la Antártica. El fotógrafo de Vancouver ha ganado varios premios por sus capturas, principalmente en las regiones polares. Esto puede ser por sus costumbres desde que era niño, sin dejar de lado el lugar donde creció.

La fotografía que se observa en ésta página es una de las mejores experiencias para Paul, sucedió en el Ártico Polar, trabajando para la revista National Geographic. Cuenta Nicklen que uno de los depredadores más grandes del lugar, una foca leopardo, se le pone en frente para abrir su boca ante su cámara dejando caer antes el pingüino que traía en sus fauces dispuesta a atacarlo. La foca metió la cámara y parte de la cabeza de Paul en su boca, pero de modo extraño se retiró y le trajo un pingüino vivo.

Pamela Marín Chaves

PAUL NICKLEN Paul Nicklen es un fotógrafo por vocación que muestra la pasión por lo que hace en cada fotografía, resaltando la belleza de las zonas más frías del planeta, las cuales no todos pueden conocer.

Paul Nicklen creció en una pequeña comunidad esquimal en el ártico canadiense y pasó su infancia cazando y explorando. En la isla Baffin desarrolló sus extraordinarias habilidades para el trabajo de campo y su interés por observar la vida salvaje. Actualmente Paul vive en Whitehorse, Yukon. En su vida se ha preocupado por el cambio climático y se le conoce como un gran amante de la naturaleza. Tras graduarse en Biología por la Universidad de Victoria, Nicklen volvió a los Territorios del Noroeste y comenzó su carrera como biólogo. Sin embargo, su cámara siempre le acompañaba y pronto su afición se convirtió en su profesión y estilo de vida. Al parecer su carrera como biólogo y su cámara fueron un excelente complemento para poder estudiar el comportamiento de los animales, saber cuánto acercarse y qué esperar. Desde 1995, Nicklen se ha especializado en fotografiar el Ártico y sus habitantes. Destaca en ambientes extremos y situaciones interculturales, concediendo especial importancia a la fotografía submarina. Su estilo fotográfico refleja el respeto que siente por las criaturas que habitan el aislado Ártico.

Artistas internacionales destacados

Paul Nicklen quedó entre los ganadores del World Press Photo, el concurso anual que premia las mejores fotografías.Nicklen ganó la categoría de “historias de naturaleza” con su imagen que muestra unos pingüinos emperadores nadando en el mar de la Antártica. El fotógrafo de Vancouver ha ganado varios premios por sus capturas, principalmente en las regiones polares. Esto puede ser por sus costumbres desde que era niño, sin dejar de lado el lugar donde creció. Nicklen es el fotógrafo de National Geographic conocido por sus fotografías impresionantes en zonas polares y frías, en las que se encuentran escenarios que son inaccesibles para muchas personas en el mundo, pero que Paul les muestra con su mejor esfuerzo. Este hombre debe tener un amor especial al frío. Así lo refleja la calidad de sus fotografías, que además del World Press Photo le han llevado a ganar el Premio a la fotografía de fauna Ártica y Antártica. En sus fotografías podemos ver las duras condiciones que dan bajo las aguas, provocadas por el hielo; y la contínua amenaza del cambio climático en estos ecosistemas tan frágiles. Pero esto no le impide realizar su más preciado trabajo y pasatiempo.

Fotografías por Paul Nicklen / Pamela Marín Chaves

Sus fotografĂas hacen desaparecer las palabras cuando de describirlo como profesional se trata, sin duda alguna realiza uno de los mejores trabajos en el campo.

Pamela MarĂn Chaves

artistas destacados

el padre de las caricaturas argentinas

Manuel García Ferré

Parte de la gran galeia de personajes creados por Ferré

Fue un artista grafico, diseñador, caricaturista y animador argentino de origen español. Cuando llego a Argentina trabajo en agencias de publicidad animando cortos publicitarios, después creo tiras cómicas y revistas basadas en sus personajes que generaron tal éxito que eventualmente creo su propia editorial y una empresa de animación.

En 1967, salió de las manos de García Ferré el primer dibujo animado de Argentina, Las aventuras de Súper Hijitus, que permaneció en el aire hasta 1974. En los años setenta y ochenta, el dibujante produjo el programa televisivo El libro gordo de Petete, además rodó seis películas de dibujos animados, como Trapito, Ico: el caballito valiente, Pantriste y Manuelita y Su último filme Soledad y Larguirucho data de 2012, cuando el ya tenía 82.

Su estilo artístico estaba claramente orientado hacia los niños y sus personajes carismáticos crearon un gran impacto en la infancia argentina, sus personajes llegaron a tener libros, comics, series y películas. Algunos de sus personajes mas conocidos son: Anteojito, Hijitus, Larguirucho, Oaki, Petete y Calculín, algunos de ellos se originaron en campañas publicitarias y otros directamente en comics, García Ferré solía agregar el sufijo “itus” al final de los nombres de sus personajes por los varios años que estudió latín.

artistas destacados

García Ferré fue sinónimo de humor y educación en su

Falleció en Buenos Aires a los 83 años de edad en el

incansable trabajo dedicado hacia lo infantil, por lo que en

transcurso de una operación de corazón.

2009, la legislatura de la ciudad de Buenos Aires lo declaró ciudadano ilustre mediante la ley nº3.150. Se realizó una

Se fue el maestro del comic argentino pero no será olvidado

ceremonia con la presencia del dibujante y otras autoridades

ya que dejo un legado de años de comics, series, películas y

comunales.

sueños. Además de que sus personajes se han echo parte de la cultura popular de argentina. También se han creado

“Los valores que mueven a todos mis personajes yo los saco

estatuas conmemorativas de sus personajes mas icónicos,

de la misma humanidad, los saco de la calle y la experiencia

como a Larguirucho que forma parte del Paseo de la

aporta muchísimo”-García Ferré. El trataba de darle a todos

Historieta de San Telmo, junto a Mafalda de Quino y a Isidoro

sus personajes una personalidad única y que representaran

Cañones de Dante Quintero.

virtudes y valores positivos o características negativas en caso de los villanos.

Larguirucho era su personaje mas iconico porque aparesia en casi todas sus series, comics y películas.

“No tenemos que matar al niño que todos llevamos adentro,

“Mientras al chico le des imaginación, le des aventura y le

es importante tener siempre ilusiones, porque las ilusiones

des personajes buenos y malos... El chico en esencia es

son las que nos mantienen jóvenes” -García Ferré.

bueno, es travieso, pícaro, lo que pasa es que los mayores

Según dice su biografía, a los seis años sufrió el horror de la

les informamos con otro método. Y creemos que son más

guerra civil y le quedó como idea tratar de sembrar bondad

inteligentes, porque les damos mucha más información,

como mensaje principal. A los quince años, había hecho su

pero eso no quiere decir que estén maduros” -García Ferré.

primera exposición de dibujos, grabados y acuarelas.

Continúa pág. 82

Se consideraba un autodidacta y reconocía que su interés por las artes plásticas empezó de niño de mano de su madre, pintaba y él la observaba y trataba de imitarla. Antes de desarrollar su carrera como historietista, ingresó en la Facultad de Arquitectura y trabajaba como free-lance para agencias de publicidad. El recorría con su carpeta de dibujos las redacciones de las revistas y en 1952, su personaje Pi-Pío fue aceptado en la revista ‘Billiken’ donde luego surgirían otros de sus personajes mas famosos. Con gran popularidad en el público infantil, Hijitus saltó a la televisión. “Las Aventuras de Súper Hijitus” se convirtió en el primer dibujo animado argentino hecho para TV. De cierta manera inspirado por Charlie Chaplin y Walt Disney. La popularidad de sus creaciones fue tan grande que merchandising apareció en todas partes, en golosinas, remeras, juguetes, leche chocolatada y figuritas.

Hijitus fue de sus personajes mas destacados

artistas destacados

Algunos personajes de sus peliculas: Manuelita, Ico y Trapito

el Walt Disney argentino

Manuel García Ferré Fue un artista grafico, diseñador, caricaturista y animador argentino de origen español. Cuando llego a Argentina trabajo en agencias de publicidad animando cortos publicitarios, después creo tiras cómicas y revistas basadas en sus personajes que generaron tal éxito que eventualmente creo su propia editorial y una empresa de animación.

García Ferré fue sinónimo de humor y educación en su incansable trabajo dedicado hacia lo infantil, por lo que en 2009, la legislatura de la ciudad de Buenos Aires lo declaró ciudadano ilustre mediante la ley nº3.150. Se realizó una ceremonia con la presencia del dibujante y otras autoridades comunales. “Los valores que mueven a todos mis personajes yo los saco de la misma humanidad, los saco de la calle y la experiencia

Su estilo artístico estaba claramente orientado hacia los

aporta muchísimo”-García Ferré. El trataba de darle a todos

niños y sus personajes carismáticos crearon un gran impacto

sus personajes una personalidad única y que representaran

en la infancia argentina, sus personajes llegaron a tener

virtudes y valores positivos o características negativas en

libros, comics, series y películas. Algunos de sus personajes

caso de los villanos.

mas conocidos son: Anteojito, Hijitus, Larguirucho, Oaki, Petete y Calculín, algunos de ellos se originaron en campañas

“No tenemos que matar al niño que todos llevamos adentro,

publicitarias y otros directamente en comics, García Ferré

es importante tener siempre ilusiones, porque las ilusiones

solía agregar el sufijo “itus” al final de los nombres de sus

son las que nos mantienen jóvenes” -García Ferré.

personajes por los varios años que estudió latín. Según reza su biografía, a los seis años sufrió el horror de la En 1967, salió de las manos de García Ferré el primer dibujo

guerra civil y le quedó como idea tratar de sembrar bondad

animado de Argentina, Las aventuras de Súper Hijitus, que

como mensaje principal. A los quince años, había hecho su

permaneció en el aire hasta 1974 y en los años setenta y

primera exposición de dibujos, grabados y acuarelas.

ochenta, el dibujante produjo el programa televisivo El libro

gordo de Petete, además rodó seis películas de dibujos

Se consideraba un autodidacta, antes de desarrollar

animados, como Trapito, Ico: el caballito valiente, Pantriste

su carrera como historietista, ingresó en la Facultad de

y Manuelita y Su último filme Soledad y Larguirucho data de

Arquitectura y trabajaba como free-lance para agencias de

2012, cuando el ya tenía 82.

publicidad.

artistas destacados

El recorría con su carpeta de dibujos las

Falleció en Buenos Aires a los 83

redacciones de las revistas y en 1952,

años de edad en el transcurso de una

su personaje Pi-Pío fue aceptado en la

operación de corazón.

revista ‘Billiken’ donde luego surgirían otros de sus personajes mas famosos.

Se fue el maestro del comic argentino pero no será olvidado ya que dejo un

Con gran popularidad en el público

legado de años de comics, series,

infantil, Hijitus saltó a la televisión. “Las

películas y sueños.

Aventuras de Súper Hijitus” se convirtió en el primer dibujo animado argentino

Además de que sus personajes se

hecho para TV, inspirado por Charlie

han echo parte de la cultura popular

Chaplin y Walt Disney.

de argentina. También se han creado estatuas

conmemorativas

sus

La popularidad de sus creaciones fue

personajes mas icónicos, como a

tan grande que merchandising apareció

Larguirucho que forma parte del Paseo

en todas partes, golosinas, remeras,

de la Historieta de San Telmo, junto a

juguetes y colonias, leche chocolatada,

Mafalda de Quino y a Isidoro Cañones

figuritas e incluso algunas de las frases

de Dante Quintero.

de sus personajes pasaron a ser parte del léxico popular argentino.

“Mientras al chico le des imaginación, le des aventura y le des personajes

Sus personajes no solo ganaron fama

buenos y malos, El chico en esencia es

en argentina sino que en gran parte de

bueno, es travieso, pícaro, lo que pasa

américa latina y en otras regiones del

es que los mayores les informamos con

mundo como china.

otro método.

Continúa pág. 84

artistas destacados

El maestro de la animacion Argen

Manuel Gar

ntina

arcía Ferré Fue un artista grafico, diseñador, caricaturista y animador argentino de origen español. Cuando llego a Argentina trabajo en agencias de publicidad animando cortos publicitarios, después creo tiras cómicas y revistas basadas en sus personajes que generaron tal éxito que eventualmente creo su propia editorial y una empresa de animación.

Hijitus fue de sus personajes mas destacados

Un hombre que nace y muere continuamente, como la mĂşsica...

Artículo

Diseño Gráfico

EcoMagazine Autor: Sorian Leal

PETER SAVILLE

Una de sus frases más remarcables es que no le interesa el diseño gráfico “Me he encontrado a mí mismo en una profesión que no trata realmente sobre la autoexpresión.”

Unknow Pleasures - Joy Division

Total - Joy Division and New Order

Blue Monday - New Order

lugar a un encargo de Wilson para el cartel de “First Factory Records”. Saville se convirtió en socio de Factory Records, junto con Wilson y Rob Gretton y Erasmus. Grandes grupos de música alternativa se han mostrado gráficamente al público gracias al proceso interpretativo del diseñador. Pocos diseñadores se han hecho un hueco tan confortable en este sector como Saville; hasta el punto de que el diseñador se ha convertido en el principal recurso utilizado por algunos artistas como New Order, Joy Dovision o Suede, para representar el imaginario de muchos amantes de este tipo de grupos de ritmos imprevisibles, voces poco privilegiadas y fantásticos guitarristas. Al mismo tiempo el diseñador no ha tenido tal éxito en otras facetas del diseño gráfico. Su concepto de diseño gráfico y sus exigentes criterios de trabajo ha sido motivo de no pocas críticas. Una de sus frases más remarcables es que no le interesa el diseño gráfico “Me he encontrado a mí mismo en una profesión que no trata realmente sobre

PETER SAVILLE

Artículo - Candy Collective Autor: Sorian Leal

Sección Artistas y diseñadores

ació en Manchester en el año 1955, es un director de arte y diseñador gráfico inglés. Hablar de Peter Saville es hablar de un hombre que nace y muere continuamente, como los grupos de música pero a diferencia que tras morir vuelve a renacer para defender con más convicción y seguridad su filosofía de trabajo. Adora el protagonismo, pero no por gusto, más bien lo adora porque lo deja sedado e incapacitado para seguir los roles del diseño gráfico de su tiempo. Se puede decir que Saville a la vez que renace reinventa su propia configuración, selecciona los nuevos parámetros para lograr el éxtasis creativo pero a su vez el fracaso en el diseño corporativo. Estudió en la universidad de San Ambrosio. Estudió diseño gráfico en el Politécnico de Manchester (más tarde Universidad Metropolitana de Manchester). Si ahondamos en su trayectoria es obligatorio ligar la obra gráfica de Saville con la música desde que empezara a finales de los 70 después de conocer a Tony Wilson , periodista y presentador de televisión, quien le presentó a Patti Smith en 1978. Esto dio lugar a un encargo de Wilson para el cartel de “First Factory Records”. Saville se convirtió en socio de Factory Records, junto con Wilson y Rob Gretton y Erasmus. Grandes grupos de música alternativa se han mostrado gráficamente al público gracias al proceso interpretativo del diseñador. Pocos diseñadores se han hecho un hueco tan confortable en este sector como Saville; hasta el punto de que el diseñador se ha convertido en el principal recurso utilizado por algunos artistas como New Order, Joy Dovision o Suede, para

Un hombre que nace y muere continuamente, como los grupos de música pero con la diferencia de que tras morir, vuelve a renacer para defender con más convicción y seguridad su filosofía de trabajo. representar el imaginario de muchos amantes de este tipo de grupos, de ritmos imprevisibles, voces poco privilegiadas y fantásticos guitarristas. Al mismo tiempo el diseñador no ha tenido tal éxito en otras facetas del diseño gráfico. Su concepto de diseño gráfico y sus exigentes criterios de trabajo ha sido motivo de no pocas críticas. Una de sus frases más remarcables es que no le interesa el diseño gráfico “Me he encontrado a mí mismo en una profesión que no trata realmente sobre la autoexpresión.” Afirma que en otras áreas del diseño existe algún grado de libertad de expresión y que en el comunicacional no existe diseño hasta que no haya un mensaje que comunicar “Este trabajo es enteramente de otros y

para otros.” También afirma en una de sus entrevistas que: “…A la mayoría de las personas a quienes les atraen las artes gráficas simplemente les gusta la apariencia de éstas. Ellos no están realmente interesados en construir estrategias de marca para una compañía de telecomunicaciones, para ellos es un punto de entrada a la cultura visual. Ahora, la mayoría de los diseñadores gráficos conocen recién el “mundo real” del diseño de comunicaciones cuando abandonan la universidad y obtienen un empleo formal. Y resulta ser un gran shock para ellos el darse cuenta de que el trabajo no se trata de ellos, no se trata de autoexpresión. Se trata, verdaderamente, de encontrar maneras para articular inteligentemente el mensaje de alguien más.” Y es así

Candy Collective Magazine Junio - 2013

R E T E P Saville vuelve a emerger de sus cenizas, y lo hace más convencido de sus afirmaciones, desde una posición privilegiada,

Autor: Sorian Leal

habiendo conocido tanto el éxito como el fracaso así como las exigencias del mercado.

ArtĂculo DiseĂąadores y Artistas Yellow Magazine

J AR

¡Conócelo! ¡Conócelo! Jared Nickerson es un hombre ocupado y difícil de rastrear. Cuando no está creando carácter audaz y brillante está trabajando en vectores. Sus clientes son Activision, Nintendo, Microsoft, Ryzwear y que es la creación de Wcamisetas para laFraise donde también es el Director de la Comunidad.

Conceptos Jthree es un estudio de diseño con sede en Seattle propiedad y operado por Jared Nickerson K. El enfoque principal del estudio es el carácter, logotipo, videojuegos, editorial y diseño textil. Aussi Ellos se especializan en la gestión técnica y la marca. Su lista de clientes incluye a Nike, Adidas, Coca-Cola, Activision, K2 Snowboards y CultureClub para nombrar unos pocos. Jared Nickerson es un ilustrador digital profesional originario de Halifax, Nueva Escocia. Con varios movimientos hacia el oeste a través de América del Norte que se basa ahora en Seattle, WA.

Artista de la Semana.

Jared es co-fundador de la renombrada comunidad vector Vector Blood Sweat (BSV para abreviar). Desde principios de 2008 hasta finales de 2010, Jared fue director artístico de la marca de ropa con sede en Berlín LaFraise. Además de ser un ilustrador, Jared Aussi es un productor aficionado de música, compositor y vocalista. Sus hobbies incluyen viajar por el mundo, la fotografía, la recogida de los robots del anime clásicos, y jugar con sus mascotas. El lema de Jared es “Crear arte para usted y todos los demás, el tiempo va a seguir.” Su trabajo se ha aplicado en camisetas, estampas, zapatillas de deporte, iPhone Apps, e incluso esquís. Después de todo esto, es también uno de los fundadores de la famosa comunidad de vectores sitio BloodSweatVector.

Él dice: Bueno soy un ilustrador de 26 años de edad con sede en Seattle, he estado en la industria desde hace más de 5 años. Me especializo en el diseño de personajes y el desarrollo de videojuegos. Soy bastante normal, estoy casado, me gusta disfrutar de largos paseos por la playa y cenas a la luz de las velas.

¡Cuéntanos cómo llegaste a bordo con laFraise.com! Bueno, yo había trabajado en LaFraise un par de veces y entré en con una conversación con el operador y actual gerente. Mencionó que

RED

Nickerson.

estaba buscando a alguien para manejar el aspecto gráfico de LaFraise. Eso fue hace un año y medio atrás, y las cosas han ido bastante suave desde entonces. Esto a su vez ha abierto un montón de otros caminos para mí con otros artistas e incluso comunidades como este maravilloso llamado ThunderChunky.

¿Cómo acercarse a un nuevo diseño? ¿Qué crees que funciona o no? Sinceramente uno pensaría que habría una ciencia, no hay. Dependiendo de la comunidad y la zona del mundo, ciertas cosas de trabajo y no trabajo. Algunas comunidades quieren a sus diseños de personajes, otros sus grandes impresiones en abstracto, mientras que otros, incluso solo camisetas con la frase de remate de un producto. Lo que me parece que funciona mejor para mí, aunque es un conjunto de elementos mezclados. Esos parecen ser mis diseños más populares, como “Country Club Nouveau” (DesignByHumans) o el recién impreso “Super Mega Fun” (Threadless). Así como camisetas, tienes tu trabajo pegados por todas partes Ryzwear zapatillas de deporte, sudaderas, sitios web e incluso de esquí.

¿Recomendaría a los ilustradores llegar a colocar sus habilidades de diseño en espacios diferentes?

¿Qué es la única cosa que todo el mundo debería hacer hoy? Respirar, me parece que hay que hacerlo una y otra vez.

es genial ver su trabajo en cualquier medio. Definitivamente me sugiere experimentar con diferentes empresas. Realmente ayuda a llegar a nuevas audiencias. Hay personas que son esquiadores y nunca han visto mi trabajo si no fuera por sus esquiadores favoritos con un par de esquís con un diseño mío. En esencia, la creación de más plataformas y medios que utilice, mejor cobertura que recibe. Usted es también uno de los fundadores de BloodSweatVector, una red floreciente ilustración mostrando un trabajo de primera clase.

¿Los clientes al ver algo suyo dicen: “voy a tener eso, pero con un poco más guantes y bigotes”? Ja, ja, sí yo siempre estoy tratando de hacer algo nuevo con cada pieza, “tratando de” ser la palabra clave. En cuanto al porcentaje real de trabajo que es el cliente basado en contraposición a lo personal, yo diría que alrededor del 90% de mi trabajo ahora es comercial. Usted lo encontrará cambios a medida que pasa el tiempo y también llegar a encontrar un trabajo personal que se apagó. Lo bueno sería que cuando producen algo la mayoría de las veces que puedan se den la vuelta y vayan vender el diseño o lo coloquen en un concurso de proyectos. Realmente funciona en muchos sentidos.

Esencialmente, en cualquier industria del diseño

3. Por Valeria Vega A.

Jared Nickerson Jared Nickerson

2. Artista Destacado.

¡Conócelo!

Jared Nickerson es un hombre ocupado y difícil de rastrear. Cuando no está creando carácter audaz y brillante está trabajando en vectores para clientes como Activision, Nintendo, Microsoft, Ryzwear y ViceApresidente que es la creación de camisetas para laFraise donde también es el Director de la Comunidad. Conceptos Jthree es un estudio de diseño con sede en Seattle propiedad y operado por Jared Nickerson K. El enfoque principal del estudio es el carácter, logotipo, videojuegos, editorial y diseño textil. Aussi Ellos se especializan en la gestión técnica y la marca. Su lista de clientes incluye a Nike, Adidas, Coca-Cola, Activision, K2 Snowboards y CultureClub para nombrar unos pocos. Jared Nickerson es un ilustrador digital profesional originario de Halifax, Nueva Escocia. Con varios movimientos hacia el oeste a través de América del Norte que se basa ahora en Seattle, WA. Jared es co-fundador de la renombrada comunidad vector Vector Blood Sweat (BSV para abreviar). Desde principios de 2008 hasta finales de 2010, Jared fue director artístico de la marca de ropa con sede en Berlín LaFraise. Además de ser un ilustrador, Jared Aussi es un productor aficionado de música, compositor y vocalista. Sus hobbies incluyen viajar por el mundo, la fotografía, la recogida de los robots del anime clásicos, y jugar con sus mascotas. El lema de Jared es “Crear arte para usted y todos los demás, el tiempo va a seguir.” Su trabajo se ha aplicado en camisetas, estampas, zapatillas de deporte, iPhone Apps, e incluso esquís. Después de todo esto, es también uno de los fundadores de la famosa comunidad de vectores sitio BloodSweatVector.

¡Cuéntanos cómo llegaste a bordo con LaFraise.com! Bueno, yo había trabajado en LaFraise un par de veces y entré en con una conversación con el operador y actual gerente. Mencionó que estaba buscando a alguien para manejar el aspecto gráfico de LaFraise. Eso fue hace un año y medio atrás, y las cosas han ido bastante suave desde entonces. Esto a su vez ha abierto un montón de otros caminos para mí con otros artistas e incluso comunidades como este maravilloso llamado ThunderChunky.

¿Recomendaría a los ilustradores llegar a colocar sus habilidades de diseño en trabajos con espacios diferentes? Esencialmente, en cualquier industria del diseño es genial ver su trabajo en cualquier medio. Definitivamente me sugiere experimentar con diferentes empresas. Realmente ayuda a llegar a nuevas audiencias. Hay personas que son esquiadores y nunca han visto mi trabajo si no fuera por sus esquiadores favoritos con un par de esquís con un diseño mío. En esencia, la creación de más plataformas y medios que utilice, mejor cobertura que recibe. Usted es también uno de los fundadores de BloodSweatVector, una red floreciente ilustración mostrando un trabajo de primera clase.

¿Por último, lo que es la única cosa que todo el mundo debería hacer hoy? Respirar, me parece que hay que hacerlo una y otra vez.

Por ValeriaVega.

JA RE D NICKERSON 2. Artista del Mes.

¡Conócelo!

Por: Valeria Vega.

Alumnos(as) Alejandro Vega Ana Zúñiga Andrés Hernández Daniel González Elizabeth Monge Luis Felipe Campos Gustavo Carvajal Jason Álvarez José Andrés Jiménez Joseph Molina Laura Méndez Liza Aymerich Lucía Salas Mariana Segura Michael Flores

Moserrat Lobo Nicole Flores Pamela Marín Rubén Delgado Sorian Leal Valeria Vega