Proyecto 1 - IIIC-2012 by UCreativa Taller IV DG

TALLER IV DG PROYECTO I IIIC-2012

prof. bach. Ricardo Bola単os Valverde ricardo.bolanos@ucreativa.com

-Artista Destacado-

La reina de las capitales

Por Arianis Gutiérrez V.

Obstinada y determinada, esta joven y talentosa artista se abre camino en el interesante mundo del diseño tipográfico y editorial.

Jessica Hische es una artista visual que se ha destacado sobretodo en las áreas de la tipografía y la ilustración, las cuales ha sabido combinar de forma excepcional. Creció en Pennsylvania y asistió a Tyler School of Art en donde se graduó como diseñadora gráfica. Siempre se destacó por concentrarse más en proyectos propios que en las asignaciones, por lo que trataba de personalizar sus trabajos lo más posible creando nuevas tipografías. Después de la universidad trabajó en un pequeño estudio donde reafirmó su pasión por la tipografía y la creación de imagen. Empezó a trabajar poco a poco de forma independiente hasta que se mudó a Nueva York y trabajó como diseñadora para Louis Fili Ltd. (un estudio muy prestigioso que se especializa en identidad corporativa, empaques y diseño de libros), hasta que se retiró en el 2009 para dedicarse

1. Afiche “I’aint got time to bleed”

2. Letra “G” capital, en “The daily drop cap”

sobre el cual se redactó un pequeño artículo en el sitio Apartment Theraphy por su peculiar decorado vintage y su estílo único. Además en sus paredes colgaba una exquisita colección de sus tipografías hechas a mano, lo cual le daba un estilo muy personalizado. Jessica vivió un año en su apartamento con dos gatos: Olive y Billy y se tatuó la palabra “Type” (en tipografía diseñada Ha trabajado para marcas como Tiffany por ella, por supuesto) en su bíceps & Co., Chronicle Books y The New izquierdo. York Times, siempre caracterizándose por su estílo nítido y su enorme Finalmente se mudó a San Francisco, talento. Esto se ve reflejado en todos donde reside actualmente y el sus inspiradores trabajos, los cuales lugar que considera su hogar; Ahí han aparecido en publicaciones continua trabajando como diseñadora muy prestigiosas del medio como independiente para una gran cantidad Print Magazine, Communication Arts, de clientes y tratando de llevar a cabo Graphis Design Annual y otras cuantas más proyectos personales. Dice amar lo que hace para vivir y trata de ayudar fuera del continente. con su trabajo a inspirar a otros artistas Entre otros aspectos de su vida, rentó a que encuentren y desarrollen sus un pequeño apartamento en Brooklyng, pasiones. más a fondo a su carrera como diseñadora freelance, ya que su deseo por trabajar proyectos propios creció enormemente. Fue gracias a esto que desarrolló un proyecto llamado “ Daily Drop Cap” en el que publicó casi diariamente una letra capital del alfabeto ilustrada a mano por ella durante un año.

Gente Peculiar

Una artista

serifas Por Arianis Gutiérrez V.

Obstinada y determinada, esta joven y talentosa artista se abre camino en el interesante mundo del diseño tipográfico y editorial. de imagen. Empezó a trabajar poco a poco de forma independiente hasta que se mudó a Nueva York y trabajó como diseñadora para Louis Fili Ltd. (un estudio muy prestigioso que se especializa en identidad corporativa, empaques y diseño de libros), hasta que se retiró en el 2009 para dedicarse más a fondo a su carrera como diseñadora freelance, ya que su deseo por trabajar proyectos propios creció enormemente. Fue gracias a esto que desarrolló un proyecto llamado “ Daily Drop Cap” Después de la universidad trabajó en en el que publicó casi diariamente una un pequeño estudio donde reafirmó su letra capital del alfabeto ilustrada a pasión por la tipografía y la creación mano por ella durante un año. Jessica Hische es una artista visual que se ha destacado sobretodo en las áreas de la tipografía y la ilustración, las cuales ha sabido combinar de forma excepcional. Creció en Pennsylvania y asistió a Tyler School of Art en donde se graduó como diseñadora gráfica. Siempre se destacó por concentrarse más en proyectos propios que en las asignaciones, por lo que trataba de personalizar sus trabajos lo más posible creando nuevas tipografías.

Letra “E” para The Daily Drop Cap

Ha trabajado para marcas como Tiffany & Co., Chronicle Books y The New York Times, siempre caracterizándose por su estílo nítido y su enorme talento. Esto se ve reflejado en todos sus inspiradores trabajos, los cuales han aparecido en publicaciones muy prestigiosas del medio como Print Magazine, Communication Arts, Graphis Design Annual y otras cuantas fuera del continente.

Finalmente se mudó a San Francisco, donde reside actualmente y el lugar que considera su hogar; Ahí continua trabajando como diseñadora independiente para una gran cantidad de clientes y tratando de llevar a cabo más proyectos personales. Dice amar lo que hace para vivir y trata de ayudar con su trabajo a inspirar a otros artistas a que encuentren y desarrollen sus pasiones.

Entre otros aspectos de su vida, rentó un pequeño apartamento en Brooklyng, sobre el cual se redactó un pequeño artículo en el sitio Apartment Theraphy por su peculiar decorado vintage y su estílo único. Además en sus paredes colgaba una exquisita colección de sus tipografías hechas a mano, lo cual le daba un estilo muy personalizado. Jessica vivió un año en su apartamento con dos gatos: Olive y Billy y se tatuó la palabra “Type” (en tipografía diseñada por ella, por supuesto) en su bíceps izquierdo. Diseño para el estudio “The arm letterpress” 18

-Artista Destacado-

Por Arianis GutiĂŠrrez V.

Obstinada y determinada, esta joven y talentosa artista se abre camino en el interesante mundo del diseĂąo tipogrĂĄfico y editorial.

“A lo largo de los años, muchas han sido las inspiraciones que los artistas tienen para realizar sus piezas. Quizá a veces uno de los mejores y más inspiradores temas suelen ser nuestros miedos y pesadillas.” por Davit Morera.

Ilustrciones: 1. Morning, 2. Bird house, 3. F5, 4. Trackwalker, 5. Weiss’s secret, 6. Auschwitz, por Anton Semenov. (de izq. a der. la numeración) Fotografía: Davit Morera.

Para Anton Semenov, también conocido como Gloom, sus episodios de sueños entrecortados en Bratsk, Rusia cobran vida en sus macabras ilustraciones. No son sólo la ingenuidad de los miedos infantiles, son las efusiones oníricas de un hombre adulto, consciente de su mundo. Estudió 4 años en la carrera de diseño, comprendiendo finalmente que ese rumbo sería el correcto. Durante sus estudios conoció Photoshop, actualmente su herramienta favorita, relata en una entrevista concedida a Alexander Nyuhtyn, que sus creaciones están en un 60% dibujadas con el mouse. A veces combinando cuentos tradicionales de la literatura universal, vivencias personales, así como visualizaciones del futuro, las imágenes de Semenov nos catapultan a un universo paralelo donde todos sin lugar a dudas encontramos un espacio, que nos podemos identificar. Cabe destacar que sus impulsos iníciales los obtuvo analizando las obras de Mijail Vrubel, Dalí, Picasso y Goya. Pero la música, los ojos de su gato o hasta una frase que escuchó pronunciar, pueden ser disparadores de una nueva imagen. Durante el día trabaja en una agencia de publicidad, y por la noche pinta escuchando música variada, dependiendo de su estado de ánimo. Recientemente ingresó en el cerrado grupo de arte “slashTHREE”. Anton Semenov es probablemente uno de los mejores ilustradores oscuros que podrás encontrar por la red.

Sus creaciones son verdaderas obras de arte, de cuidadísimos detalles que puede resultar realmente escalofriantes. Su visión Freudiana acerca del mundo autónomo de los sueños, hace que Semenov interprete nuestros peores temores a través del arte. Sus imágenes simbólicas nos llevan a un mundo de cemento; frío, atemporal, insensible. Eterno. Un mundo de personajes en su mayoría grises y viejos. Imágenes de seres humanos, desgastados, encerrados en sus propios miedos, en sus propias fallidas fábulas de ensueño, en su fallida modernidad y progreso. No es surrealismo, es muy real. Realidad de seres angustiados, consternados por el peso de su evolución, por las fallas de sus sistemas. Curados y anestesiados de nuevas fábulas, de tiempos mejores. Encerrados en la maquinaria de sus representaciones, movidos sólo por su tecnología. Seres sin alma identificados con el vacío nihilista de la postmodernidad, la era del vacío. Los personajes de pesadillas no tienen ojos, canicas blancas, sin alma es lo que hay en su interior. Los humanos presentes casi

INSPIRACIÓN PARA

ARTISTAS GRÁFICOS

Auschwitz, por Anton Semenov. En la oscuridad se esconde algo más que el silencio, por esta razón el miedo nos rodea, y nuestra imaginación se vuelve macabra y tenebrosa. Semenov ilustra aquellos temores que se esconden en las frías noches de Rusia.

Por las noches, los monstruos que viven en nuestros armarios, así como las criaturas que transpiran y respiran debajo de nuestras camas, se convierten para muchos en obsesiones. Aumentan el ritmo cardíaco, aceleran el pulso, hacen sudar. El intolerable peso de las sábanas sobre los cuerpos rígidos, estáticos, expectantes, se apodera de tu tranquilidad por las noches. A veces la oscuridad consume más que el vacío, roba el alma. La respiración entrecortada dificulta el sueño, agudiza los estados de vigilia. Sabes que está ahí. Para Anton Semenov, también conocido como Gloom, sus episodios de sueños entrecortados en Bratsk, Rusia cobran vida en sus macabras ilustraciones. No son sólo la ingenuidad de los miedos infantiles, son las efusiones oníricas de un hombre adulto, consciente de su mundo. Estudió 4 años en la carrera de diseño, comprendiendo finalmente que ese rumbo sería el correcto. Durante sus estudios conoció Photoshop, actualmente su herramienta favorita, relata en una entrevista concedida a Alexander Nyuhtyn, que sus creaciones están en un 60% dibujadas con el mouse. A veces combinando cuentos tradicionales de la literatura universal, vivencias personales, así como visualizaciones del futuro, las imágenes de Semenov nos catapultan a un universo paralelo donde todos sin lugar a dudas encontramos un espacio, que nos podemos identificar. Cabe destacar que sus impulsos iníciales los obtuvo analizando las obras de Mijail Vrubel, Dalí, Picasso y Goya. Pero la música, los ojos de su gato o hasta una frase que escuchó pronunciar, pueden ser disparadores de una nueva imagen. Durante el día trabaja en una agencia de publicidad, y por la noche pinta escuchando música variada, dependiendo de su estado de ánimo. Recientemente ingresó en el cerrado grupo de arte “slashTHREE”. Anton Semenov es probablemente uno de los mejores ilustradores oscuros que podrás encontrar por la red. Sus creaciones son verdaderas obras de arte, de cuidadísimos detalles que puede resultar realmente escalofriantes. Su visión Freudiana acerca del mundo autónomo de los sueños, hace que Semenov interprete nuestros peores temores a través del arte. Sus imágenes simbólicas nos llevan a un mundo de cemento; frío, atemporal, insensible. Eterno. Un mundo de personajes en su mayoría grises y viejos. Imágenes de seres humanos, desgastados, encerrados en sus propios miedos, en sus propias fallidas fábulas de ensueño, en su fallida modernidad y progreso. No es surrealismo, es muy real. Realidad de seres angustiados, consternados por el peso de su evolución, por las fallas de sus sistemas. Curados y anestesiados de nuevas fábulas, de tiempos mejores. Encerrados en la maquinaria de sus representaciones, movidos sólo por su tecnología. Seres sin alma identificados con el vacío

Black dream, por Anton Semenov Buscando como reflejar los temores que nos roden día a día, noche tras noche... donde pensamos que nuestro sueños se hagan realidad y nuestras pesadillas desaparescan...

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Steven Sala zar Rojas.

En 1921, Guccio Gucci abrió una empresa de marroquinería y una tienda de artículos de equipaje en Florencia su tierra natal.

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En 1921, Guccio Gucci abrió una empresa de marroquinería y una tienda de artículos de equipaje en Florencia su tierra natal. Su visión de la marca estuvo inspirada por Londres y la estética refinada de la nobleza inglesa que había observado cuando trabajaba en el Savoy Hotel, su meta era regresar a Italia para incorporar esta elegante sensibilidad a la maestría única de su Italia natal. En concreto, a la artesanía maestra de los artesanos toscanos. En muy pocos años, la marca disfrutó de tal éxito que la sofisticada clientela internacional de vacaciones en Florencia se agolpaba en el taller de Gucci buscando bolsos, baúles, guantes, zapatos y cinturones de la colección de inspiración ecuestre. Muchos de los clientes italianos de Guccio eran jinetes aristócratas locales y su demanda de equipo para montar llevó a Gucci a desarrollar su singular icono Horsebit, símbolo perdurable de la casa de moda y de su estética del diseño cada vez más innovadora. Ante la escasez de materiales extranjeros durante los difíciles años de la dictadura fascista en Italia, Gucci comenzó a experimentar con materiales de lujo atípicos como el cáñamo, el lino y el yute. Una de las innovaciones más refinadas de sus artesanos fue la caña pulida para crear el asa del nuevo bolso Bamboo Bag, cuyo lado curvo se inspiró en la forma de la silla de montar. Como ingenioso ejemplo de “la necesidad es la madre de la invención”, el bambú se convirtió en el primero de los muchos productos icónicos de Gucci. Durante los años cincuenta, Gucci encuentra de nuevo su inspiración ecuestre en su trama distintiva verde - rojo- verde que surgió de la cinta de la silla de montar tradicional. Se convirtió en un éxito instantáneo y pasó a ser uno de los elementos más reconocidos de la marca. Abriendo tiendas en Milán y Nueva York, Gucci comenzó a crear su presencia a nivel mundial como símbolo del lujo moderno. Cuando Guccio Gucci falleció en 1953, sus hijos Aldo, Vasco, Ugo y Rodolfo se hicieron con el. Los productos Gucci adquirieron rápidamente un gran renombre por su diseño clásico y son muy apreciados por artistas de cine icónicos y figuras de la elegancia.

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CREATIVIDAD E INSPIRACIóN

Belleza durmiente Plaza Mag “Perfume Flowers”

14 Diseño Gráfico

Diseño y edición. MarianEla Vargas Ilustraciones. linn OlOfsdOttEr

“Me inspira esos ambientes mágicos rodeados de belleza, me encantan”

Linn Olofsdotter nació y creció en una pequeña ciudad en el norte de Suecia, a unos 400 km desde el círculo ártico, sus estudios de diseño gráfico e ilustración los hizo en Europa y Estados Unidos, luego se estableció en Brasil desde donde trabajó en algo relacionado con animación y todo ese mundo recorrido, le ha dado la experiencia de vida profesional para proponer con innovación y seguridad. Su estilo es cambiante e impactante, algunas de sus obras parten de fotografía, otras tienden más al diseño gráfico y otras se basan en dibujo pero siempre logra piezas interesantes que han hecho parte de campañas de publicidad para empresas como MTV e incluso para publicidad exterior en grandes murales, lo que deja claro que no tiene límites creativos ni de formato y soporte. Actualmente Olofsdotter está radicada en Boston, donde sigue creando, sorprendiendo y siendo fuente de inspiración para jóvenes y no tan jóvenes creadores. Hoy en día Linn trabaja de forma independiente, en la creación de obras de arte para un número de clientes en los campos de la moda, publicidad y editorial, como Oilily, La Perla y la revista Bon. Linn fue expuesta al arte y al diseño desde una edad temprana, pero no fue hasta que estaba en sus veinte años de vida que decidió convertirse en artista. Después de unos años de sentirse atraída con gráficos en movimiento como a la publicidad, se dio cuenta de que era la ilustración por la que tenía pasión y todo lo demás a seguir; que como una carrera. Sus coloridas ilustraciones son a menudo descritas como emocionales, surrealistas y un poco “traviesas”. Estas son las cualidades que han llevado a sus clientes como Samsung, Green Peace, Oilily, La Perla y Levi entre muchos otros. Mientras Linn ha vivido en varios lugares diferentes, ella encuentra inspiración, sin fin en viajar a mundos imaginarios. Ricos bosques y estanques reflectantes oceánicos son temas que a menudo hace referencia como fuente de creatividad.

A principios de 2003, Linn se mudó a Río de Janeiro para lanzar Nakd.tv junto con su esposo Nando Costa. La compañía se centró en la creación de diseño gráfico para las marcas de televisión, como MTV, Fine Living Network, la Red Anime y Country Music Television, entre otros. Actualmente es una respetada directora de arte en la agencia de publicidad “Modernista!” de Boston. Allí está ayudando a su esposo; estableciendo el departamento multimedia de la agencia, así como trabajar en la difusión seleccionada y proyectos de impresión. En su obra ha colaborado su esposo, Nando Costa, se han publicado en algunos de los libros de diseño más prestigiosas e internacionales, Wonderland, Disorder In Progress, Toca-Me, etc. Borne en Umeå, Suecia, en 1978, su talento le ha servido bien, sus ilustraciones interesantes se han utilizado en: • Catálogos de moda. • Etiquetas de las botellas, carteles. • Portadas de discos. • Videos de Música. • Marioneta animación. • Y también ha sido exhibido en varios libros • Revistas. • Exposiciones Internacionales. En el 2004 personalizó un par de zapatos para la exhibición “Pimp Sneaker” que ha viajado a través de muchos continentes, ella también ha sido seleccionada para el “Curvy”, exposición que muestra el trabajo de los mejores artistas gráficos internacionales femeninos. “Siempre me hace feliz saber que alguien realmente le gusta lo que hago. Me siento tan atrapado en mi propio mundo sólo trabajar y olvidar que las personas realmente ver los libros que he presentado para el trabajo”.

Entrevista

• Entre su curso en Inglaterra y las clases intensas de producción de video, diseño gráfico y animación de títeres en la Escuela de El Instituto de Arte de Chicago, también logró ser también parte del equipo creativo de Digital Kitchen, de Chicago. Toda esta energía viene de lo

Curvas Bon Magazine “Art Brasil”

Diseño Gráfico

CREATIVIDAD E INSPIRACIóN

Diseño y edición. MarianEla Vargas Ilustraciones. linn OlOfsdOttEr

“ No

me gusta describir mi estilo. Ni siquiera estoy segura de que tenga uno, o tal vez tengo muchos estilos.”

Entrevista

Diseño Gráfico

Olofsdotter Linn Olofsdotter, artista sueca. Ilustradora de mundos surrealistas e inspiraciones de los diferentes paisajes que ha visitado

DiseĂąo GrĂĄfico

CREATIVIDAD E INSPIRACIóN

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Yoko d’Holbachie is a mysterious girl. When you first meet her, she looks like an ordinary girl of small stature. Her works, however, are not only powerful, but also have a magic charm that wins viewer’s hearts. Despite their grotesqueness, her fanciful works reflect the mysterious, gentle gaze of a female artist.

images that come out of me are very strange and intense. When I was a child, I did not know what to do with them. I did not like people treating me as a strange child; however, it was very fortunate that I was able to learn painting and computer graphic techniques” says Yoko as an explanation of the beginnings of her artwork. When she has been asked the way she creates these marvelous paintings, she just replies: “It is not easy to bring the images out and make them into paintings. Like a mother trying to deliver a baby, I have to help those formless images struggling to gain form. It is a pleasure, and at the same time, it is a pain. They try to come out every day, giving me no choice but to become a painter. The images, however, never run out, helping me to work as an artist.”

Despite her really simple and conservative personality, her paintings have very vivid colors, and its subjects are strange like dreams. There is an apocalyptic end of the world feeling to them yet at the same time they had a childlike Disneyland quality. “I often draw strange creatures. Some people may think they are grotesque and scary, but I do not intend to draw something grotesque. I feel they have been living in me for a long time, rather than I created them. And, they came out of me, using my paintings. So, it is difficult to answer when people ask, “What are they? What are they supposed to mean?” I wish someone would explain it for me” explains Yoko d’Holbachie. “Although I am a small and ordinary person, images that come out of me are very strange and intense. When I was a child, I did not know what to do with them. I did not like people treating me as a strange child; however, it was very fortunate that I was able to learn painting and computer graphic techniques” says Yoko as an explanation of the beginnings of her artwork. When she has been asked the way she creates these marvelous paintings, she just replies: “It is not easy to bring the images out and make them into paintings. Like a mother trying to deliver a baby, I have to help those formless images struggling to gain form. It is a pleasure, and at the same time, it is a pain. They try to come out every day, giving me no choice but to become a painter. The images, however, never run out, helping me to work as an artist.” Talking about the inspiration and how she could get these strange images on her head, Yoko explains: “Animals, insects, fish, and toys... These things used to be close to me when I was a child”. And continues saying: “I like to take these in my design. Maybe it is because my childhood memory is vivid, or I am still childish. I love long tentacle-like shapes with stripes or dappled patterns, such as octopus tentacles and tendrils of morning glory. They look as if they are presenting something gently or as if they are looking for something”. “I also love vivid colors. I imagine colors that only exist in my dreams. I also ruminate about the impact of colors that are combined like spices. A person who saw my work said to me, “I feel my head spinning and my heart beating rapidly.” Maybe, it was because the new color, which I made, stimulated his brain. It is at such moments that I feel the emotion inside me is

shared by someone else” she said.

Yoko d’Holbachie was born in 1971 in Yokohama Japan and studied design and art at Tama Art University in Tokyo. She has worked for almost 10 years as a freelance designer for advertisements, books and magazines, as well as doing design for entertainment and video games. Began to show art work in the US in 2008. She has lived in Yokohama,Japan for several years. But also teaches art in Tokyo a few days a week. Her preference is a parrot, a cuttlefish,

Hayao Miyasaky

Fotografía y entrevistapor el periódico de La Vanguardia

DISNEY JAPÓNES

-Arte-

H AYAO MIYAZAKI ES UN DIRECTOR DE CINE DE ANIMACIÓN, ILUSTRADOR, DIBUJANTE DE CÓMICS Y PRODUCTOR DE DIBUJOS ANIMADOS (ANIME) JAPONÉS, NACIDO EN TOKIO EL 5 DE ENERO DE 1941. DIRECTOR DE POPULARES FILMES DE ANIMACIÓN COMO EL VIAJE DE CHIHIRO, LA PRINCESA MONONOKE, MI VECINO TOTORO, EL CASTILLO AMBULANTE Y PONYO EN EL ACANTILADO. Desde joven supo que se dedicaría al negocio de su padre. Cursó estudios de ciencias económicas, sin embargo, en la década de los sesenta comenzó a trabajar en Toei con el cargo de intercalador (encargado de dibujos entre movimientos). Con el tiempo se convirtió en secretario en jefe del sindicato, donde conoció a Isao Takahata, gran amigo que luego sería colega en el Studio Ghibli. Miyazaki fue ganando más responsabilidades en sus primeros años de trabajo, lo que le lleva a colaborar con Isao Takahata en los anime Heidi, Marco y Ana de las Tejas Verdes para el estudio Zuiyô Enterprise, que más tarde se convertiría en Nippon Animation, en los setenta. En 1978 dirige su primera serie Conan el niño del futuro y en 1979 su primera película El castillo de Cagliostro, única no considerada del Studio Ghibli. Después de crear la película de Lupin, Miyazaki fue desarrollando un anime en su propio estudio. En 1982 el manga Kaze no Tani no Naushika (Nausicaä del Valle del Viento) apareció por primera vez en la revista Animage como fruto de una de esas ideas. Este trabajo da un fuerte impulso a su carrera, al mostrar un estilo diferente, pasando del cómic infantil al imperante en la época.

E N T R E V I S TA ¿De qué manera se está preparando Ghibli para cuando de una vez por todas decida jubilarse? Hace rato que venimos preparándonos para eso. Todo el tiempo estamos entrenando a jóvenes artistas y directores. Pero en lo que estamos todos de acuerdo es que vamos a seguir animando películas con nuestros lápices. ¿Cuál es el futuro de la animación japonesa? En Japón se hacen, por semana, unas 120 series animadas de 30’ para TV. Muchas productoras de Japón envían pedidos a otros países asiáticos como Corea para compensar la falta de mano de obra y ahorrar costos. Se crearon 11 películas animadas en Corea, algunas muy bien

hechas. Ya superaron las habilidades del animador japonés. El futuro de la animación japonesa no es brillante. ¿Cuál es la influencia del animé en las producciones norteamericanas? En EE.UU. hay una fórmula que exige que las películas animadas sean concebidas como producciones musicales, como usted puede ver en las películas de Disney. Por lo tanto, para muchos espectadores occidentales la animación japonesa, que pone su foco en la historia contada de manera dramática más directa, parece nueva y fresca. Y, hoy en día, no hay una frontera clara entre animación y acción en vivo. Descríbame un día de trabajo de Miyazaki. Se levanta a las 8 de la mañana. Duerme una siesta de 30’ y por lo general, antes de ir a la cama, se sienta con su hijo, que es un artista, y comparte una botella grande de cerveza. Si tiene tiempo, se va a caminar a la montaña. Nuestra oficina es un lugar muy agradable, relajado, excepto por el hecho de que cuando estamos, tenemos que trabajar.

“

CUANDO YO ESTABA CRIANDO A MIS HIJOS, ESTABA TAN OCUPADO CON MI TRABAJO QUE NO VI CADA DETALLE DE SU NIÑEZ.

”

¿Por qué la insistencia en animar con lápiz cuando ya todo el mundo usa ordenador? Por dos razones muy simples: la primera es que a mi me gusta mucho animar con lápices. La segunda es que no sé cómo usar un ordenador. Eso no quita que se puedan hacer cosas maravillosas con otro tipo de sistemas. Lo que hace Pixar con la animación por ordenador es maravilloso, y para la animación stop motion ya tenemos a Nick Park en Inglaterra. No tenemos necesidad de salir a competir

Gente del Mundo

EL NIÑ O DEL ANI M E Hayao Miyazaki es un director de cine de animación, ilustrador, dibujante de cómics y productor de dibujos animados (anime) japonés, nacido en Tokio el 5 de enero de 1941. Director de populares filmes de animación como El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke, Mi vecino Totoro, El castillo ambulante y Ponyo en el acantilado. Desde joven supo que se dedicaría al negocio de su padre. Cursó estudios de ciencias económicas, sin embargo, en la década de los sesenta comenzó a trabajar en Toei con el cargo de intercalador (encargado de dibujos entre movimientos). Con el tiempo se convirtió en secretario en jefe del sindicato, donde conoció a Isao Takahata, gran amigo que luego sería colega en el Studio Ghibli. Miyazaki fue ganando más responsabilidades en sus primeros años de trabajo, lo que le lleva a colaborar con Isao Takahata en los anime Heidi, Marco y Ana de las Tejas Verdes para el estudio Zuiyô Enterprise, que más tarde se convertiría en Nippon Animation, en los setenta. En 1978 dirige su primera serie Conan el niño del futuro y en 1979 su primera película El castillo de Cagliostro, única no considerada del Studio Ghibli. Después de crear la película de Lupin, Miyazaki fue desarrollando un anime en su propio estudio. En 1982 el manga Kaze no Tani no Naushika (Nausicaä del Valle del Viento) apareció por primera vez en la revista Animage como fruto de una de esas ideas. Este trabajo da un fuerte impulso a su carrera, al mostrar un estilo diferente, pasando del cómic infantil al imperante en la época. Anteriormente sólo había publicado un par de mangas, entre ellos Shuna no taby. Mientras Miyazaki se desempeñó de manera independiente, se dedicó a trabajar en un manga, que tuvo muy buena acogida por parte de los lectores y se le ofreció la oportunidad de hacer una versión animada de Nausicaä. Este ofrecimiento le dio por fin la oportunidad de realizar un estudio

10 POR periódico de La Vanguardia

¿De qué manera se está preparando Ghibli para cuando de una vez por todas decida jubilarse? Hace rato que venimos preparándonos para eso. Todo el tiempo estamos entrenando a jóvenes artistas y directores. Pero en lo que estamos todos de acuerdo es que vamos a seguir animando películas con nuestros lápices. ¿Cuál es el futuro de la animación japonesa? En Japón se hacen, por semana, unas 120 series animadas de 30’ para TV. Muchas productoras de Japón envían pedidos a otros países asiáticos como Corea para compensar la falta de mano de obra y ahorrar costos. Se crearon 11 películas animadas en Corea, algunas muy bien hechas. Ya superaron las habilidades del animador japonés. El futuro de la animación japonesa no es brillante. Descríbame un día de trabajo de Miyazaki. Se levanta a las 8 de la mañana. Duerme una siesta de 30’ y por lo general, antes de ir a la cama, se sienta con su hijo, que es un artista, y comparte una botella grande de cerveza. Si tiene tiempo, se va a caminar a la montaña. Nuestra oficina es un lugar muy agradable, relajado, excepto por el hecho de que cuando estamos, tenemos que trabajar. ¿Por qué la insistencia en animar con lápiz cuando ya todo el mundo usa ordenador? Por dos razones muy simples: la primera es que a mi me gusta mucho animar con lápices. La segunda es que no sé cómo usar un ordenador. Eso no quita que se puedan hacer cosas maravillosas con otro tipo de sistemas. Lo que hace Pixar con la animación por ordenador es maravilloso, y para la animación stop motion ya tenemos a Nick Park.

Gente del Mundo

” TODOS En realidad somos traba jadores,

incluyéndome a mí.

” 11

M Á S HAYA

EL MAESTRO DE LA ANIMACION JAPONESA Hayao miyasaki Fotografía por Revista Japanese News

El hombre que grafica su poesĂa por toda Argentina

onald Shakespear nació en Rosario en 1941. Fue Profesor Titular de la Cátedra de Diseño

Diseño Shakespear es autor

FADU/UBA y Presidente de ADG, Asociación de la señalización del Subte, de Diseñadores Gráficos de Buenos Aires.

Bioparque

Temaikén,

Funda su Estudio hace 50 años. Hoy dirige Diseño Shakespear

el Tren de la Costa y co-

con Juan Shakespear. Fue Jurado internacional del Art

autor de la señalización de

Directors Club de New York, Jurado del Segd Design Awards

los Hospitales Municipales

(Washington DC), Jurado de Poster for the Future (Francia), (con Raúl Shakespear) entre Jurado del Premio Citroen y es Jurado permanente del Concurso

muchos otros megaproyectos.

Innovar. Obtuvo el Lápiz de Plata al Diseñador del Año, el Es co-autor de la Señalización Premio Konex, el Premio Klaukol-Cayc a la Trayectoria y el urbana de la Ciudad de Golden Brain.

Buenos Aires (1971-72, con

Ha recibido el premio Segd Fellow Award de la Society of

Gonzalez Ruiz).

Enviromental Graphic Design que por primera vez se otorga a

Sus

proyectos

un latinoamericano. El premio ha sido concedido anteriormente publicados

han por

sido Eye

a Massimo Vignelli, Lance Wyman, Robert Venturi, Ivan Magazine, Abitare, Domus, Chermayeff, Deborah Sussman, entre otros.

Archigraphia,

Graphis,

Su último libro “Señal de Diseño, Memoria de la Práctica”

Follow Me, Novum, Idea,

acaba de ser re-editado por Paidós. Ha brindado conferencias y

entre otros medios.

workshops en 42 ciudades del mundo y su obra ha sido publicada Ha diseñado 1600 marcas en libros y revistas de Argentina, China, Italia, Francia, Chile, en

los

últimos

cincuenta

Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Alemania, Suiza, Japón, años.Sus fotografías fueron México, etc. Las muestras antológicas de Diseño Shakespear

publicadas por Jorge Alvarez

han recorrido el Katzen Arts Center de Washington, AIA Branch Editor en 1966 en el libro House de Richmond, el Museo Nacional de Bellas Artes, la

“Caras y Caritas” y son parte

Bienal del Cartel de Xalapa y el Centro Borges. Sus obras han

de colecciones privadas y

sido expuestas también en el Centre Georges Pompidou de

museos en Suiza, Canadá,

Paris y en la Triennale Icsid de Milan.

EEUU e Italia. Una nueva

años identificando a todo un país país

“El diseño no es necesario, es indispensable” Ronald Shakespeare

Ronald Shakespear nació en Rosario en 1941. Fue Profesor Titular de la Cátedra de Diseño FADU/UBA y Presidente de ADG, Asociación de Diseñadores Gráficos de Buenos Aires. Funda su Estudio hace 50 años. Hoy dirige Diseño Shakespear con Juan Shakespear. Fue Jurado internacional del Art Directors Club de New York, Jurado del Segd Design Awards (Washington DC), Jurado de Poster for the Future (Francia), Jurado del Premio Citroen y es Jurado permanente del Concurso Innovar. Obtuvo el Lápiz de Plata al Diseñador del Año, el Premio Konex, el Premio KlaukolCayc a la Trayectoria y el Golden Brain.

Ha recibido el premio Segd Fellow Award de la Society of Enviromental Graphic Design que por primera vez se otorga a un latinoamericano. El premio ha sido concedido anteriormente a Massimo Vignelli, Lance Wyman, Robert Venturi, Ivan Chermayeff, Deborah Sussman, entre otros. Su último libro “Señal de Diseño, Memoria de la Práctica” acaba de ser re-editado por Paidós. Ha brindado conferencias y workshops en 42 ciudades del mundo y su obra ha sido publicada en libros y revistas de Argentina, China, Italia, Francia, Chile, Estados Unidos, Canadá, Reino

Unido, Alemania, Suiza, Japón, México, etc. Las muestras antológicas de Diseño Shakespear han recorrido el Katzen Arts Center de Washington, AIA Branch House de Richmond, el Museo Nacional de Bellas Artes, la Bienal del Cartel de Xalapa y el Centro Borges. Sus obras han sido expuestas también en el Centre Georges Pompidou de Paris y en la Triennale Icsid de Milan. Diseño Shakespear es autor de la señalización del Subte, el Bioparque Temaikén, el Tren de la Costa y co-autor de la señalización de los Hospitales Municipales (con Raúl Shakespear) entre muchos otros megaproyectos. Es co-autor de la Señalización urbana de la Ciudad de Buenos Aires (1971-72, con Gonzalez Ruiz). Sus proyectos han sido publicados por Eye Magazine, Abitare, Domus, Archigraphia, Graphis, Follow Me, Novum, Idea, entre otros medios. Ha diseñado 1600 marcas en los últimos cincuenta años.Sus fotografías fueron publicadas por Jorge Alvarez Editor en 1966 en el libro “Caras y Caritas” y son parte de colecciones privadas y museos en Suiza, Canadá, EEUU e Italia. Una nueva edición llamada “Visitando los Sesenta” está en su producción final.

Su retrato más famoso -Borges en la Biblioteca- está en la exposición permanente de la Fundación Jorge Luis Borges en Buenos Aires. El afiche para Hamlet, con Alfredo Alcón ha sido premiado en México como uno de los cien mejores afiches de la historia y puede verse en la Colección del Mamba, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y en la Bienal del Cartel de Xalapa.

ART AND DESIGN DESIGNER

From Samba To Design Designer, art director, illustrator, animator. A born Brazilian now living in the US West Coast, in Portland, Oregon.

Nando Costa He was born and raised in Rio de Janeiro, Brazil, finishing college there and promptly moving to the United States in 1999 to begin his design career. He worked for some of the bigger and better design companies out there, such as WDDG and Digital Kitchen, all the while dabbling in most all Medias. You see, Nando has been drawing and painting since he was knee high to a fly, however these days youâ&#x20AC;&#x2122;ll find most of his work in print, on the web, and in animations for little companies like HBO, VH1, and Cartoon Network. He has also worked on projects for clients such as Nike, Diesel, Coca-Cola, and Dolce & Gabbana. Yeah, no small deal. Also heavily involved in online design circles, Nando has contributed to such web heavyweights as K10k, Newstoday, Infourm, and Designiskinky, as well as having his portfolio website, Hungryfordesign, win its own bucketload of praise, including its fair share of awards

6 Life Design

(Macromedia, Webby Awards, etc). He has spoken at several major design and Flash conferences, as well as having shown his work in both US and international galleries. Not stopping there, Nando has shown his incredible animation at Resfest, the acclaimed international film festival, created design and video for many major and minor label musicians, and has since traveled back to Brazil in order to run Nakd, a motion and animation firm creating work for MTV, AMC, Nike, and the Anime Network. So, a little while back, not satisfied with how he thought most people perceived his beloved native Brazil, Nando assembled and published a book titled “Brasil Inspired” in which he gathered many of today’s established and emerging talents to show us their interpretations and impressions of Brasil using only their art. It was wonderful. So in other words, the guy has more creativity in his little pinky-toe than most of us have in our whole wasted noggins, he seems to never stop working, is incredibly interesting, and is a really nice guy as well. See for yourself...

Interview Shane: The exquisite book you’ve put together, Brasil Inspired, is a fantastic collection of supreme talents conveying the Brazilian vibe using their signature styles. Such a huge endevour had to have been incredible to tackle, so how exactly did the book go from idea to publication? Nando: My initial idea was a book about the young scene of Brazilian Graphic Design. After I approached Die-Gestlaten with the project, I had numerous conversations Nando Costa

with their staff until we re-shaped the idea into inviting artists from around the world to create original material that would represent their impressions on Brazil and its culture. The process took quite some time to be finished mostly because after we reviews the material, the publishing house realized they needed more, which brought us to a second phase of inviting more contrinutors and etc. We initially also had a DVD with animations created for the same theme. The publishing house was not content with the amount of videos provided so the project was canceled. It was quite sad because I was the only contact they had for the project so all the guilt fell on my shoulders. This is one of the reasons to really make the project happen so my plan is to once again invite more artists to create animations whcih will be featured in a DVD to be launched early next year, if everything goes well. Currently I am putting together this little magazine entitled “Brasil - Uninspired” which, as opposed to the concept of the Brasil Inspired website, will be focusing on the other side of the Brazilian culture and asking local Artists to create images that speak about unfriendly subjects. As of right now it’s still in a very early stage but I believe it will be out for sale in October.

Editing and design by Roger Abarca Bermúdez Illustrations: Nando Costa

Color Palette

Illustration made for book entitled “Latino”

Editing and design by Roger Abarca BermĂşdez Illustrations: Nando Costa

Illustration for eDesign

6 Life Design

ART AND DESIGN

DESIGNER

From Samba To Desing Nando Costa

Designer, art director, illustrator, animator. A born Brazilian now living in the US West Coast, in Portland, Oregon

Nando Costa was born and raised in Rio de Janeiro, Brazil, finishing college there and promptly moving to the United States in 1999 to begin his design career. He worked for some of the bigger and better design companies out there, such as WDDG and Digital Kitchen, all the while dabbling in most all Medias. You see, Nando has been drawing and painting since he was knee high to a fly, however these days you’ll find most of his work in print, on the web, and in animations for little companies like HBO, VH1, and Cartoon Network. He has also worked on projects for clients such as Nike, Diesel, Coca-Cola, and Dolce & Gabbana. Yeah, no small deal.

Also heavily involved in online design circles, Nando has contributed to such web heavyweights as K10k, Newstoday, Infourm, and Designiskinky, as well as having his portfolio website, Hungryfordesign, win its own bucketload of praise, including its fair share of awards (Macromedia, Webby Awards, etc). He has spoken at several major design and Flash conferences, as well as having shown his work in both US and international galleries. Not stopping there, Nando has shown his incredible animation at Resfest, the acclaimed international film festival, created design and video for many major and minor label musicians, and has since traveled back to Brazil in order to run Nakd, a motion

Background pattern

and animation firm creating work for MTV, AMC, Nike, and the Anime Network. So, a little while back, not satisfied with how he thought most people perceived his beloved native Brazil, Nando assembled and published a book titled “Brasil Inspired” in which he gathered many of today’s established and emerging talents to show us their interpretations and impressions of Brasil using only their art. It was wonderful. So in other words, the guy has more creativity in his little pinky-toe than most of us have in our whole wasted noggins, he seems to never stop working, is incredibly

ART AND DESIGN

Designer, art director, illustrator, animator. A born Brazilian now living in the US West Coast, in Portland, Oregon

Life Design 6

Fetichismo Gótico Por José Rodríguez

nuestro propio entrevistado quien introdujo el término, pero el arte de Gerald Brom, trasciende más allá de tales consideraciones. Gran parte de su objetivo se refiere a la fantasía heroica, como era de esperar de alguien que fue durante mucho tiempo un bastión de TSR.

Gerald Brom nació un 9 de marzo de 1965 en Albany, Georgia; es un artista e ilustrador conocido por sus obras cargadas de fetichismo con una clara tendencia a un estilo Gótico y siniestro que da a sus dibujos un aire sobrenatural y fantástico. Pasó gran parte de sus primeros años en movimiento.

Arte

A la edad de veinte años, Brom comenzó a trabajar

en TSR, Brom regresó al mercado independiente,

a tiempo completo como ilustrador comercial.

donde desde entonces ha trabajado como artista

Estuvo haciendo trabajos para clientes tales como

de cine, y ha creado ilustraciones de comics para,

Coca-Cola, IBM, Columbia Pictures, la CNN y

DC, Caos y Dark Horse, además de videojuegos.

TSR Inc. Sus pinturas han sido publicadas en el

Sus obras están pintadas al óleo sobre una base

Dungeons & Dragons, juegos de rol y en juegos

acrílica primaria. Primero establece los tonos y

de cartas como Wizards of the Coast de Magic:

los colores principales y después matiza con los

The Gathering. En 1994, después de cuatro años

óleos, suelen llevarle una o dos semanas.

Gerald Brom, Ambas ilustraciones son trabajos libres, pintados al óleo

Arte

Fetichismo Es nuestro propio entrevistado quien introdujo el término, pero el arte de Gerald Brom, trasciende más allá de tales consideraciones. Aunque gran parte de su objetivo se refiere a la fantasía heroica, como era de esperar de alguien que fue durante mucho tiempo un bastión de TSR. Gerald Brom nació un 9 de marzo de 1965 en Albany, Georgia; es un artista e ilustrador conocido por sus obras cargadas de fetichismo con una clara tendencia a un estilo Gótico y siniestro que da a sus dibujos un aire sobrenatural y fantástico. A la edad de veinte años, Brom comenzó a trabajar a tiempo completo como ilustrador comercial.

Estuvo haciendo trabajos para clientes tales

como Coca-Cola, IBM, Columbia Pictures, la CNN y TSR Inc. Sus pinturas han sido publicadas en el Dungeons & Dragons, juegos de rol y en juegos de cartas como Wizards of the Coast de Magic: The Gathering. En 1994, después de cuatro años en TSR, Brom regresó al mercado independiente, donde desde entonces ha trabajado como artista de cine, y ha creado ilustraciones de comics para, DC, Caos y Dark Horse, además de videojuegos. Sus obras están pintadas al oleo sobre una base acrílica primaria. Primero establece los tonos y los colores principales y después matiza con los oleos. Suelen llevarle una o dos semanas, desde que comienza a hacer los primeros bocetos hasta que el trabajo está

Gótico totalmente terminado. A veces fotografía

Artículo por José Rodríguez

modelos, otras las mismas fotografías le sirven como inspiración pero mayormente todo le viene de su imaginación. Durante sus años de formación su hermano mayor tuvo una gran repercusión en su peculiar percepción de la realidad. Desde muy temprano su hermano lo introdujo en la literatura de escritores como Edgar Rice Burroughs, J.R.R. Tolkien, Robert E. Howard, en revistas como Mad Magazine, comics underground y este tipo de material. Aquí es donde Brom vio por primera vez los trabajos de Frazetta. Desde este momento su camino quedo bien definido. Brom paso la mitad de sus estudios en el Instituto viviendo en Hawai; volvio a Alabama y se graduó finalmente en Frankfurt.

Gerald Brom, Trabajo sin título, pintado al óleo

Gerald Brom, Portada del libro " War of the Spider Queen: Insurrection"

Arte

Fetichismo Gótico

Es nuestro

propio entrevistado quien introdujo el término, pero el arte de Gerald Brom, trasciende más allá de tales consideraciones. Aunque gran parte de su objetivo se refiere a la fantasía heroica, como era de esperar de alguien que fue durante mucho tiempo un bastión de TSR. Artículo por José Rodríguez

Gerald Brom, Arte conceptual para el videojuego "Diablo 3"

Artistas memorables

Craig McCracken

El creador de nuestros recuerdos de la infancia Craig es reconocido por sus fabulas Chicas Súper Poderosas y Mansión Foster para amigos imaginarios, ambas pertenecientes a Cartoon Network. También ha colaborado en otras, como el Laboratorio de Dexter y Two Stupid Dawgs.

raig McCracken nació el 31 de marzo de 1971 en Charleroi, Pensilvania. Su padre murió cuando sólo tenía siete años, después él y su familia se trasladarían a Whittier, California.

Craig comenzó a interesarse en el dibujo a una edad temprana. Después de graduarse de la escuela, asistió a la California Institute of the Arts (CalArts), donde perfeccionó sus habilidades de animación. Allí conoció a compañero de clase Genndy Tartakovsky, con quien colaboró ocasionalmente en toda su carrera. Durante su primer año, creó una serie de dibujos animados de corta duración con un personaje llamado No Neck Joe, que fue recogidos por el Spike and Mike’s Sick and Twisted Festival of Animation. Mientras que en CalArts, también creó un corto titulado Whoopass Stew!, que se convertiría en la base de Las Chicas Superpoderosas.

En 1993, Craig fue contratado por Cartoon Network para trabajar como director de arte de 2 Stupid Dogs , así como Tartakovsky en El Laboratorio de Dexter . Comenzó a producir, Las Chicas Superpoderosas, que se estrenó como un corto en 1995 en What a Cartoon!, programa de dibujos animados a mitad de episodios de una hora en 1998. El programa ha ganado premios Emmy y Annie.

En 2004, Foster’s Home for Imaginary Friends comenzó a emitirse en Cartoon Network. Esta serie también ganó premios Emmy y Annie. En abril de 2008, se convirtió en productor ejecutivo de un nuevo proyecto de Cartoon Network llamado Cartoonstitute .

Después de quince años de trabajo, se fue de Cartoon Network en diciembre de 2009 después de cambiar su enfoque hacia la programación en la realidad. McCracken está casado conLauren Faust, que trabajó junto a él en Mansión Foster y Las Chicas Superpoderosas.

Mariane Cuadra Cordero Directora editorial mariane.cuadra@gmail.com

Profesor Utonio de las Chicas Superpoderosas

Frankie de Mansion foster para amigos imaginarios

Mac y Bloo de Mansion foster para amigos imaginarios

Escena de mansi贸n Foster

Craig y su esposa en

para amigos imaginarios,

ComicCon firmando

finalizada en el 2009.

autografos.

Especial de aniversario

Creadores de la infancia.

Fotograf铆a de Mansi贸n Foster para amigos imaginarios, con Mac, Bloo, Coco, Eduardo y Wilt.

. a r ñe

i n y s o g i m a , n ió s n a m e n ie t ic ón a n i g a m i La

Uno de los personajes principales es Mac y su mejor amigo imaginario es Bloo, una masa azul y divertida, en la mansión son cuidados por Frankie (la niñera), quien es la nieta de Mandame Foster, la dueña del hogar, en la casa tienen varios amigos, entre esos esta Eduardo, Coco, Sr. Herriman y Wilt.

Foster’s Home for Imaginary Friends, conocida en Hispanoamérica como Mansión Foster para amigos imaginarios es una serie animada creada y producida por Craig McCracken, creador de The Powerpuff Girls. Se transmite por Cartoon Network. Esta serie se estrenó el 13 de agosto de 2004 como una película de 90 minutos, siendo más tarde transmitida normalmente como una serie de capítulos de aproximadamente 30 minutos. En Latinoamérica la serie fue estrenada el 5 de enero de 2005. La serie acabó el 20 de septiembre de 2009 en Hispanoamérica, después de un especial de Mansión Foster para amigos imaginarios llamado “Un Brindis Por Bloo”. Mansión Foster para amigos imaginarios es una serie animada que se sitúa en un lugar donde se hospedan los amigos imaginarios cuyos creadores son incapaces o pierden el interés de cuidarlos. La idea original surgió cuando el creador de la serie Craig McCracken y su esposa Lauren Faust adoptaron un par de perros de un refugio para animales. Fue entonces cuando McCracken se inspiró y se preguntó que pasaría si es que existiera un lugar similar pero que fuera capaz de contener a los amigos imaginarios de toda la infancia. Por Mariane Cuadra Cordero / Ilustración

Pablo Acosta

Ilustración por Carlo Ramírez

Cr aig

Por siempre niño…

Mc Cr ac ke n

Los Grandes de Cartoon Network

ARTE & LITERATURA

París proyecta una magia inigualable donde en sus callejones se hizo y se hace historia, Izis nos enseña una París en 1950, que él interpretaba como hogar e hizo su segunda patria. por Wendy Eduarte Este

publicó

varios libros que exponen sus fotografías, existe uno que destaca llamado “Paris de rêves”, en el cual se pueden observar los rostros de

parisinos

dormidos

enamorados, o

despiertos.

1 OCTUBRE 2012

soñando

Israëlis Bidermanas era un fotógrafo nacido en Lituania establecido en Francia, conocido por sus retratos y escenas de la vida cotidiana parisina. Al lado de renombrados fotógrafos como Robert Doisneau, Henri Cartier-Bresson y Brassai, este se enfocó en el movimiento humanista de la ciudad francesa. Bidermanas huyó a la edad de 19 años debido a la discriminación que los judíos sufrían en su país, sin un centavo este se refugió en París, donde posteriormente en 1933 comenzó a trabajar en un estudio fotográfico. Al inicio de la Segunda Guerra Mundial, Israëlis se vio forzado a abandonar su querida París con su esposa y su hijo de 3 años Manuel a razón de la ocupación alemana de la capital. Estos fueron refugiados por una familia de granjeros cerca de la ciudad de Limoges. Allí utilizando

el seudónimo de Izis, fue capturado y torturado por los nazis, pero gracias a la resistencia francesa fue posteriormente liberado; razón por la cuál se incorporó a la misma y realizó proyectos fotográficos que retraban a los combatientes de la resistencia, éstas fueron las fotografías que hicieron que se distinguiera dentro de la escena parisina. Una vez terminada la guerra Izis vuelve a París, donde desarrolla su propio estudio fotográfico. A mediados del Siglo XX comienza a trabajar para el semanario Paris Match donde colaboró por muchos años, retratando figuras destacadas como Grace Nelly, Edith Piaf, Jaques Prevert, entre otras. “Su trabajo tenía una forma de tristeza poética (…) el creía que todos éramos, en lo más fondo de nuestro ser, bastante frágiles.” (Manuel Bidermanas).

Un artista un tanto melancólico, Izis proyectaba esa tristeza en su trabajo. Este capturo momento de la clase trabajadora de París, donde se ven niños jugando en la calle, hombres comiendo en cafés o gente tratando de ganarse la vida, sus obras proyectaban esta clase en dificultades pero nunca dejó de la lado su dignidad. Izis murió en 1980, tras casi 50 años de dedicarse a capturar momentos que pasaron a ser memorables para la sociedad francesa.

OCTUBRE 2012 2

París proyecta una magia inigualable donde en sus callejones se hizo y se hace historia, Izis nos enseña una París en 1950, que él interpretaba como hogar e hizo su segunda patria. Israëlis Bidermanas era un fotógrafo nacido en Lituania establecido en Francia, conocido por sus retratos y escenas de la vida cotidiana parisina. Al lado de renombrados fotógrafos como Robert Doisneau, Henri Cartier-Bresson y Brassai, este se enfocó en el movimiento humanista de la ciudad francesa. Un artista un tanto melancólico, Izis proyectaba esa tristeza en su trabajo. Este capturo momento de la clase trabajadora de París, donde se ven niños jugando en la calle, hombres comiendo en cafés o gente tratando de ganarse la vida, sus obras proyectaban esta clase en dificultades pero nunca dejó de la lado su dignidad.

« Esta no es una París moderna, ni es una París vieja, esta es mi París, la que siempre he fotografiado ». (Izis) Israëlis Bidermanas era un fotógrafo nacido en Lituania establecido en Francia, conocido por sus retratos y escenas de la vida cotidiana parisina. Al lado de renombrados fotógrafos como Robert Doisneau, Henri Cartier-Bresson y Brassai, este se enfocó en el movimiento humanista de la ciudad francesa. Bidermanas huyó a la edad de 19 años debido a la discriminación que los judíos sufrían en su país, sin un centavo este se refugió en París, donde posteriormente en 1933 comenzó a trabajar en un estudio fotográfico. Al inicio de la Segunda Guerra Mundial, Israëlis se vio forzado a abandonar su querida París con su esposa y su hijo de 3 años Manuel a razón de la ocupación alemana de la capital. Estos fueron refugiados por una familia de granjeros cerca de la ciudad de Limoges. Allí utilizando el seudónimo de Izis, fue capturado y torturado por los nazis, pero gracias a la resistencia francesa fue posteriormente liberado; razón por la cuál se incorporó a la misma y realizó proyectos fotográficos

que retraban a los combatientes de la resistencia, éstas fueron las fotografías que hicieron que se distinguiera dentro de la escena parisina. Una vez terminada la guerra Izis vuelve a París, donde desarrolla su propio estudio fotográfico. A mediados del Siglo XX comienza a trabajar para el semanario Paris Match donde colaboró por muchos años, retratando figuras destacadas como Grace Nelly, Edith Piaf, Jaques Prevert, entre otras. “Su trabajo tenía una forma de tristeza poética (…) el creía que todos éramos, en lo más fondo de nuestro ser, bastante frágiles.” (Manuel Bidermanas). Un artista un tanto melancólico, Izis proyectaba esa tristeza en su trabajo. Este capturo momento de la clase trabajadora de París en 1950, donde se ven niños jugando en la calle, hombres comiendo en cafés o gente tratando de ganarse la vida, sus obras proyectaban esta clase en dificultades pero nunca dejó de la lado su dignidad. Izis murió en 1980, tras casi 50 años de dedicarse a capturar retratos trascendentales que pasaron a ser memorables para la sociedad francesa.

Este publicó varios libros que exponen sus fotografías, existe uno que destaca llamado “Paris de rêves”, en el cual se pueden observar los rostros de parisinos enamorados, dormidos o soñando despiertos.

Alumnos(as) Arianis Gutiérrez David Morera David Amador Marianela Vargas Ericka Hernández Luis Miguel Varela Roger Abarca Jose Rodríguez Natalia Jiménez Mariane Cuadra Wendy Eduarte