Proyecto 1 - IIIC 2013 by UCreativa Taller IV DG

TALLER IV DG PROYECTO I IIIC-2013

prof. bach. Ricardo Bola単os Valverde ricardo.bolanos@ucreativa.com

Pintura Moderna Por: Alfredo Sequeira.

Chong FeiGiap Un joven Malasio de edad temprana ha logrado manejar las técnicas más difícil de la pintura actual. un artista que hace diseños que motivan al mundo al ver sus obras de gran detalle. Llega de Malasia Chong FeiGiap, un artista graduado en la “One Academy”, Malasia. Tiene su web con muchos y muy buenos trabajos, rebosantes de estilo manga, creados digitalmente y con una dosis muy buena en su técnica. Nació en 1987, actualmente trabaja como artista digital en una compañía llamada Sixth Creation Studio, su trabajo es variado pues domina diferentes estilos de dibujo, en su portafolio se pueden ver escenarios llenos de detalles, algunas bellas mujeres al estilo manga y creación de personajes impecables, pero su habilidad no se limita a dominar diferentes estilos de dibujo, pues le va bastante bien en el manejo de los colores y la creación de atmósferas. Esperamos que estos ejemplos de la ilustración y estilo manga de CHONG FEIGIAP te motiven a visitar su portafolio, pues es un artista admirable. Chong FeiGiap es un joven de 26 años de edad, Ilustrador de Malasia. Sus obras son coloridas y llenas de detalles. Las obras son relevantes desde el estilo manga, muy popular en Asia, todavía más en el mundo entero. Con sólo visitar su página te asombrarás. Chong FeiGiap hace dibujos de comics como Batman, Storm Riders, y Liberty Prision en la misma

“Cable car in town” - Imagen central página posterior: “Watanabe Mayu”

Pintura Moderna

“Rooftop Girl”

empresa en la que trabaja, por eso recibe mucho halagos de todo el mundo cuando muestra sus obras de alta calidad. Chong FeiGiap sabe bien lo que es estar en la encrucijada de la vida, que se enfrentan a múltiples destinos. “Una persona valiosa “ “En realidad me gusta tanto el diseño y el dibujo, pero mis habilidades de comunicación no fueron suficientes para mí, estudiar diseño gráfico para ilustración era mi única opción buena”, FeiGiap no explica cuando nos conocimos. “Pero la mayor diferencia entre un diseñador gráfico e ilustrador podrían ser las habilidades en el uso de software de dibujo, inesperadamente me encontré confianza en mi vida.

“Sus obras son coloridas y llenas de detalles”

Cuando dibujo, siento que soy una persona valiosa”. Se podría decir que no está muy lejos de su sueño original. FeiGiap no veía nuestra manera, es muy probable que hubiera permanecido en “Seremban” a ayudar en una tienda de artículos varios de su padre. El destino quiso que él, descubriera su vocación en la ilustración.

“Comic Fiesta 2011”

Su profesor -Kinsunle exploró a trabajar para su estudio, en Sixth Creation. FeiGiap no tiene nada más que palabras amables sobre Kinsun, ya que es famoso por su trabajo como Batman, Jinetes de la Tormenta y la Prisión Libertad en la ”webcomic”. “Ha sido una influencia para mí desde que era un estudiante de Ilustración y después de haber trabajado para él, ahora hace casi medio año, creo que seguirá siendo una influencia para el futuro.“

Un estudiante creativo, trabajador y diligente, que fue capaz de entrenar y ejercitar su talento al máximo.

“No deje de dibujar” Incluso hoy en día, el viaje de aprendizaje de este joven artista es continuo.

Tal era su habilidad que incluso antes de que él se graduara.

“Quiero ser un ilustrador que puede manejar trabajos de todo el mundo,

Pintura Moderna

“Village Sc hoolgirl” Chong Fe iGiap.

“000” p. FeiGia

Chong

“Vi

llag Ch e Scho ong olg ir Fei Gia l” p.

Llega de Malasia Chong FeiGiap, un artista graduado en la “One Academy”, Malasia. Tiene su web con muchos y muy buenos trabajos, rebosantes de estilo manga, creados digitalmente y con una dosis muy buena en su técnica.

Chong FeiGiap es un joven de 26 años de edad, Ilustrador de Malasia. Sus obras son coloridas y llenas de detalles.

Nació en 1987, actualmente trabaja como artista digital en una compañía llamada Sixth Creation Studio, su trabajo es variado pues domina diferentes estilos de dibujo, en su portafolio se pueden ver escenarios llenos de detalles, algunas bellas mujeres al estilo manga y creación de personajes impecables, pero su habilidad no se limita a dominar diferentes estilos de dibujo, pues le va bastante bien en el manejo de los colores y la creación de atmósferas.

Las obras son relevantes desde el estilo manga, muy popular en Asia, todavía más en el mundo entero.

Esperamos que estos ejemplos de la ilustración y estilo manga de CHONG FEIGIAP te motiven a visitar su portafolio, pues es un artista admirable.

Con sólo visitar su página te asombrarás. Chong FeiGiap hace dibujos de comics como Batman, Storm Riders, y Liberty Prision en la misma empresa en la que trabaja, por eso recibe mucho halagos de todo el mundo cuando muestra sus obras de alta calidad. Chong FeiGiap sabe bien lo que es estar en

la encrucijada de la vida, que se enfrentan a múltiples destinos. “Una persona valiosa “ “En realidad me gusta tanto el diseño y el dibujo, pero mis habilidades de comunicación no fueron suficientes para mí, estudiar diseño gráfico para ilustración era mi única opción buena”, FeiGiap no explica cuando nos conocimos. “Pero la mayor diferencia entre un diseñador gráfico e ilustrador podrían ser las habilidades en el uso de software de dibujo, inesperadamente me encontré confianza en mi vida. Cuando dibujo, siento que soy una persona valiosa”.

Se podría decir que no está muy lejos de su sueño original. FeiGiap no veía nuestra manera, es muy probable que hubiera permanecido en “Seremban” a ayudar en una tienda de artículos varios de su padre. Year” hinese New “Happy C iap. iG Fe ng Cho

El destino descubriera la ilustración.

quiso su

que vocación

él, en

Un estudiante creativo, trabajador y diligente, que fue capaz de entrenar y ejercitar su talento al máximo.

Tal era su habilidad que incluso antes de que él se graduara. Su profesor -Kinsun- le exploró a trabajar para su estudio, en Sixth Creation. FeiGiap no tiene nada más que palabras amables sobre Kinsun, ya que es famoso por su trabajo como Batman, Jinetes de la Tormenta y la Prisión Libertad en la ”webcomic”. “Ha sido una influencia para mí desde que era un estudiante de Ilustración y después de haber trabajado para él, ahora hace casi medio año, creo que seguirá siendo una influencia para el futuro.“ “No deje de dibujar” Incluso hoy en día, el viaje de apren-dizaje de este joven artista es continuo.

rl” “Rooftop Gi iap.

Chong FeiG

Pintura Moderna

“Quiero ser un ilustrador que puede manejar trabajos de todo el mundo, siempre y cuando no dejo de dibujar, creo que voy a llegar a querer produciri lustraciones de alta calidad.

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“Sus obras son coloridas y llenas de detalles”

Pintura

Moderna

Chong FeiGiap Hecho por: Alfredo Sequeira.

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P.M. 02

Pintura

P.M. 03

Moderna

ARTE Por Carmen Ramírez 2

FotograFías Coco Fob

Gaudí:

EL GENIO DE UNA ÉPOCA El Modernismo Catalán tan importante para la identidad cultural de Barcelona encuentra quizás su máxima expresión en la obra de un sólo hombre Antoni Plàcid Gaudí i Cornet nació un 25 de Julio de 1852 en Reus, cerca de Tarragona, hijo de un forjador; su madre muere en su juventud. Después de trabajar como aprendiz de forjador (lo cual le sirvió de base para su excelente trabajo con el hierro) Gaudí comenzó sus estudios de arquitectura en la Escuela Superior de Arquitectura de Barcelona. Allí no demuestra ser un buen estudiante, pero pese a ello obtiene su diploma de arquitectura en 1878. Una vez terminados sus estudios, viajó por toda Cataluña y algunas regiones colindantes. Detallista Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran capacidad imaginativa 22 |ROADS OCT 2013

que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos. De hecho, pocas veces realizaba planos detallados de sus obras; prefería recrearlos sobre maquetas tridimensionales, moldeando todos los detalles según los iba ideando mentalmente. En otras ocasiones, iba improvisando sobre la marcha, dando instrucciones a sus colaboradores sobre lo que tenían que hacer. Dotado de una fuerte intuición y capacidad creativa, Gaudí concebía sus edificios de una forma global, atendiendo tanto a las soluciones estructurales como las funcionales y decorativas. Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la arquitectura toda una

Página anterior: 1. Chimeneas “espantabrujas” de La Pedrera, Barcelona. 2. Disco de trencadís, Parc Güell, Barcelona. Ésta página: 3. Bancas en trencadís, Parc Güell, Barcelona.

serie de trabajos artesanales que dominaba él mismo a la perfección: cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería, etc. Asimismo, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales, como su famoso “trencadís” hecho con piezas de cerámica de desecho. Su primer trabajo, incluso antes de que hubiese terminado sus estudios, la fuente del complejo del Parc de la Ciutadella en Barcelona, junto con Josep Fontserè i Mestres, la cual se completo entre 1877 y 1882. Otro de los edificios que realizó en sus comienzos son: la Casa Vicens, la cual se construyó en Barcelona entre 1878 y 1880 (un edificio neogótico en el que ya se aprecia su fuerte personalidad); y El Capricho, una casa en Comillas, en el Norte de España, en la cual Gaudí trabajo desde 1883 a 1885, pese al hecho de que nunca estubo en la construcción (un hábito que posteriormente cambió, llegando a vivir en los lugares en los que trabajaba). Allí probó su perfecto

[] Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen

conocimiento del hierro como material, conocimientos que había aprendido como aprendiz. Poco después comenzó a trabajar para el que sería su principal mecenas durante el resto de su carrera, el empresario textil Eusebio Güell: primero con las caballerizas de su finca en Pedralbes, y más tarde con el palacio Güell (1885-1889) en Barcelona, un edificio pleno de espacios y formas innovadoras. Durante esta primera etapa de carácter historicista también construyó algunas obras fuera de Cataluña, entre las que cabe reseñar el palacio episcopal de Astorga (comenzado en 1887) y la casa de los Botines (18911892) en León. Después de unos inicios influenciado por el arte neogótico, así como ciertas tendencias orientalizantes, Gaudí desembocó en el modernismo en su época de mayor efervescencia, entre finales del siglo XIX y principios del XX. Sin embargo, el arquitecto reusense fue más allá del modernismo ortodoxo, creando un estilo personal basado en la observación de la naturaleza, fruto del cual fue su utilización de formas geométricas regladas, como el paraboloide hiperbólico, el hiperboloide, el helicoide y el conoide. La arquitectura de Gaudí está marcada por un fuerte sello personal, caracterizado por la búsqueda de nuevas ROADS OCT 2013| 23

Arte Sempiterno

GAUDÍ

Arte

[Por Carmen Ramírez]

El Modernismo catalán tan importante para la identidad cultural de Barcelona encuentra quizás su máxima expresión en la obra de un sólo hombre Antoni Plàcid Gaudí i Cornet nació un 25 de Julio de 1852 en Reus, cerca de Tarragona, hijo de un forjador; su madre muere en su juventud. Después de trabajar como aprendiz de forjador (lo cual le sirvió de base para su excelente trabajo con el hierro) Gaudí comenzó sus estudios de arquitectura en la Escuela Superior de Arquitectura de Barcelona. Allí no demuestra ser un buen estudiante, pero pese a ello obtiene su diploma de aruitectura en 1878. Una vez terminados sus estudios, viajó por toda Cataluña y algunas regiones colindantes. 11

Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos. De hecho, pocas veces realizaba planos detallados de sus obras; prefería recrearlos sobre maquetas tridimensionales, moldeando todos los detalles según los iba ideando mentalmente. En otras ocasiones, iba improvisando sobre la marcha, dando instrucciones a sus colaboradores sobre lo que tenían que hacer.

Detallista

Dotado de una fuerte intuición y capacidad creativa, Gaudí concebía sus edificios de una forma global, atendiendo tanto a las soluciones estructurales como las funcionales y decorativas. Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la arquitectura toda una serie de trabajos artesanales que dominaba

Bancas en trencadís. Parc Güell, Barcelona. Fotografía: Coco Fob.

Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen 12

ROADS ARTE

B贸vedas y Columnas del Templo de La Sagrada Familia

Foto: Maru Rocha 14

Leonardo Da Vinci

Sus Inicios Christian Campos

Su abuela paterna, Lucia di ser Piero di Zoso, una ceramista próxima a Leonardo, fue probablemente la persona que le inició en las artes. Leonardo

Vinci

pro-

descendiente de adinerados

cinco hijos. Leonardo entre

una

sus tantas madrastras que

sábado 15 de abril de 1452,

mujer campesina, humilde

tuvo, se apegó a la primera

a las 3 am. Sin precisión de

llamada

Sus

y a la última. La primera

la localidad en la que éste

primeros años de vida los

joven de 16 años quien tuvó

artista dió su primer respiro

compartió en casa de su

mucho

de aire, se hace referencia

padre en donde se le trató

a localidades cercanas a

como hijo legítimo, y recibió

complicaciones en el parto; y

la antigua Florencia, en el

educación

embargo

la última Lucrezia Gugliemlmo

Castillo de Vinci, o casa

no se le enseño latín, base

Cortigiani a quien alude en

materna

cercanías

ilegítimo

cedente de Italia; nació el

Messer

italianos; Caterina.

sin

afecto

pequeño,

para

con

falleció

por

tradicional pero si aritmética

una nota ¨querida y dulce

Hijo

y a leer y escribir. Leonardo

madre.¨ Leonardo quien a

Piero

continuó viviendo con su

pesar de vivir en casa de su

Fruosino di Antonio, notario,

padre, ya que su madre se

padre junto con todos sus

canciller, y embajador de

casó con un campesino de

hermanos legítimos, nunca

la República de Florencia,

la localidad, con quien tuvo

se le reconoció a él como tal.

Biografías

Anchiano, Vinci.

nobles

San Jerónimo Penitente

Costumbres de la época hacían referencia en el nombre de su procedencia, sobrenombres y

nombre

dejando

como

padre

exclusividad

maestro;

apellido

patronímico para las grandes familias. Por tanto

¨Leonardo di ser Piero Da Vinci¨ se

abstenía de firmar sus obras y se limitaba a utilizar solo su nombre por ser hijo ilegítimo. El arte en Leonardo nació probablemente de su abuela paterna, Lucia di ser Piero di Zoso, quien fue ceramista. Un presagio conocido de la época dice que un milano del cielo voló sobre su cuna y con su cola toco su cara. Obras Grandes

obras

maestras,

patrimonio

universal son sus creaciones como pintor, magnificaciones de su fama, a pesar de su lado científico e inventor.

Sus célebres

pinturas han sido imitadas, codiciadas y hasta entrado en controversia; pero su técnica pictórica e innovadora, llenas de sentido de composición y su sutil uso de los colores esfumados, su precisión para la anatomía hasta geología y botánica. Su capacidad de reflejar emoción, expresión, gesto; la combinación de sombras y luces, técnica sfumato; todo esto lo vemos en sus obras

Estudio Dragón

Estudios Anatómicos 89

Biografías

. . . s o i c i n I s u S

ro di ser Pie rdo, i d ia Leona ió a, Luc a n r e a t ic a im ela p mista próx e le in u u b q a a n Su era erso una c te la p s. n e Zoso, m e obable en las art fue pr ado

o d r a Leon i c n i Da V

Christian Campos

el sáb nació ; d a li a e It calida e la lo ente d d d e n c ió cis ace i pro . Sin pre e, se h a Vinc ir D m a a o e 3 d rd las iro Leona Castillo er resp 1452, a , en el su prim bril de ia c a io n e d re d i. a 15 e Vinc as a Flo e artist anías d ue ést cercan rc s e e c d , a o en la q n calid Anchia cia a lo rna de e t a referen otario, m casa nio, n o o t i, n c A in , di de V rencia osino de Flo iero Fru P a r c li e s b je s mu r Repú e Me s; una e la o imo d n d ít a g li r e a il o it jad Hijo nobles emba dos y ler, y ra il e c in n . d a c rina e de a a Cate ndient amad re ll e desce d il su pad hum asa de esina, c p n e m ió a ió c c art ca n ió edu s comp ib lo c a re id y ro si o, de v legítim nal pe s años io o ij ic ro h d e o m ra t om Sus pri , base trató c ño latín e se le e d s n n o e d le en no se bargo scribir. y sin em madre leer e a y que su a a ic t y , é re m t d ari pa n tuvo n quie con su o o c d , n d vo, lida vivie que tu la loca ntinuó s o e c ra d t s o o ra rd d esin Leona en de tas ma camp era jov sus tan on un c m re ri t ó p s n a e eño, se c a. La ardo l pequ e . Leon la últim s n o a ij o h y era para c cinco ucrezia la prim afecto ltima L ú o gó a h la e c u p y a ; rto ó m se erida ta ¨qu ien tuv n el pa o u e n q s e s a n n o u io 16 añ plicac de en ien alu or com u p q ió a c i e ian fall Cortig mlmo Guglie

s retrato A Auto s Anantómico io d B Estu o io Rostr C Estud Mujer o D Rostr Cráneo io d E Estu

de casa ivir en v e d sar a se le , nunc n a pe s ie o u im q o gít onard nos le re.¨ Le herma d s a u s m s e n todo y dulc nto co ju re re d o tal. nomb su pa en el él com a ia c ió n d c o pa re fere recon ían re re de c b a m h o o n ellido oca l ap la ép e bres y e m d o d s n a o mbre onard , sobre clusivid Costu o ex to ¨Le dencia n m e a o t c y c r ro s p Po o bra de su milias. ejand sus o a d f r s a ; e o. nd e firm aestro ilegítim las gra nía d o m o ra ij e t h a s p r b a la por se nímico ci¨ se abue patro a Vin ombre e su n d D u e s t ro ista. Pie men solo ceram di ser tilizar bable u e ro u p f a n ió itaba milano , quie o nac se lim e un i Zoso onard u d e q L ro e n e Pie dic cara. El arte di ser poca co su é o t ia c la u la e a, L joven su co ido d patern muy y con conoc o a d n io n u g c sie sa nque su Un pre 4. Au murió obre s 6 4 1 ló ro o e p en nto ielo v rdo, arto, cimie del c Leona de p u na s s n e e n e o ocido esd acio afect recon te d mplic n e o e u c f m só ca na o a se ca o nun o ple debid rd d re a d ra n a e o p e iento consid dre, L o. Su era nacim su pa legítim e u s d o ij h o ido hij un desde conoc como re e omo t c n e e u f e t m sta lmen plena nunca só ha forma ado se ca nardo ro o t re e a L d u a , c p padre o. Su hasta de su legítim o o ij ij h h n como omo u ente c lm a form

Sus s a r b O

oce e con s io h cc , junto Verro Prim nardo to de o is r e L C e de ismo sd tismo del m abajo u r t a a t s B a l o r d e de obras a que s prim Parte e sus de lo pintur d o a r n s t u a o un omo ión, como oca, c to alg nciac n p u e é n m la A a mo de nci, con L de Be artista algún a o r r n t b E o e n in o. vel, G a algú period el cla uidas d ib r n t e a irg n fuero , La V uyen. Benois s atrib a le n e o s o Mad e ya n lment a u t c a

br eras O

1480

o, se onard e L e d D rabajo ron t e u f vida, as s obr e su ron. e d a d z li il n a a íc r dif vivir, e fin Tres g ía a iodo s no s r d o e n d e p r y p s, ron colía, que a s obra inicia melan nsaba en su e e r d p e ¨ v a a rio ltima Époc dejab su dia ésta ú e , n s s e o y g u a otó morir.¨ lizar s los M conn a rea n de solo a ió n c á ía il a r d d M n e a Ado apren Virge viajar o, la r la im o ; n p o ó er riod das, onó San J el pe ealiza band d r a n l ia o a c r n l fin ra fue porta ía y la que a tal ob de im ofrad c e a r d la b s o an r de ione terce n de ju apilla s vers ó c t o s D a la . B s l en ca las y e las Ro ntiene aureo e ma ió s d e a u añ una q que le a a la d n u seg ta. Bautis

a de écad

La Gioconda

Rostro De Mujer

La Reina de la Fotog

p. 33

Por buscabiografias.com

La popular fotógrafa Annie Leibovitz, es la mejor pagada del mundo y ha trabajado para revistas internacionales como Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue. Nació el 2 de octubre de 1949 en Waterbury, Connecticut. Tercera hija del matrimonio judío compuesto por Samuel Leibovitz, Teniente Coronel de las Fuerzas Armadas, y Marilyn Heit Leibovitz, maestra de danza. Considerada como la fotógrafa viva más importante del momento y la mejor pagada, a lo largo de su carrera retrató a mitos como Mick Jagger, Michael Jackson o Bob Dylan, con los que realizó algunas de sus portadas para revistas emblemáticas, convenció a Demi Moore para que posara desnuda y embarazada de siete meses y metió a Whoopi Goldberg en una bañera llena de leche, dejando ver sólo su rostro y sus extremidades. Cuando estudiaba en secundaria comenzó a escribir y a tocar música. En 1967 entró en el Instituto de Arte de San Francisco. Se interesó por la fotografía practicando en un cuarto oscuro de la base aérea Clark, en Filipinas, donde su padre estuvo destinado durante la Guerra de Vietnam. En 1969 pasó una temporada en un kibutz israelí. En 1971 recibió la licenciatura en Bellas Artes por el Instituto de Arte de San Francisco. Trabaja con el fotógrafo estadounidense Ralph Gibson y se presenta para trabajar en la revista Rolling Stone siendo contratada por Jann Wenner. Dos años después es ascendida a fotógrafa jefe, cargo que ocupó durante diez años en los que realizó ciento cuarenta y

dos portadas para la revista. En 1975 documenta la gira musical Rolling Stones Tour of the Americas ‘75 que la banda británica realizó por Estados Unidos y Canadá. En 1977 las oficinas de Rolling Stone se trasladaron a Nueva York y Leibovitz comienza con su adicción a diversas drogas. El 8 de diciembre de 1980 fotografía a John Lennon en su apartamento para la portada de Rolling Stone. La portada en la que Lennon aparece desnudo y en posición fetal junto a su esposa se publicó el 22 de enero de 1981 sin titulares. Entra en Vanity Fair en 1983 cobrando más de 2 millones de dólares anuales. En 1986, trabaja en una serie de afiches con motivo de la Copa Mundial de Fútbol en México y en 1988 retrató a diversas personalidades para una campaña publicitaria de American Express, por la que recibió el premio Clio. En 1990 funda el Estudio Annie Leibovitz en Nueva York, en 1991 se convierte en la primera mujer en exhibir su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C. y desde el año 1995, se dedica a retratar a los actores para The Hollywood issue, edición que Vanity Fair publica cada año en el mes de marzo. En 1996, fue nombrada fotógrafa oficial de los Juegos Olímpicos de Verano en Atlanta, Georgia. En 2000, fotografía a cinco mujeres para el calendario Pirelli. En 2006, fotografía para The green issue

Fot贸grafa: Annie Leibovitz - Modelo: Michelle Williams - Magazine: Vogue US # October 2011

Artista p. 34

graf铆a

Fot贸grafa: Annie Leibovitz - Modelo: Johnny Depp - Magazine: Vanity Fair # December 2010

Artista P. 63

Artista

La Reina de la Fotografía

P. 64

Nació el 2 de octubre de 1949 en Waterbury, Connecticut. Tercera hija del matrimonio judío compuesto por Samuel Leibovitz, Teniente Coronel de las Fuerzas Armadas, y Marilyn Heit Leibovitz, maestra de danza. Considerada como la fotógrafa viva más importante del momento y la mejor pagada, a lo largo de su carrera retrató a mitos como Mick Jagger, Michael Jackson o Bob Dylan, con los que realizó algunas de sus portadas para revistas emblemáticas, convenció a Demi Moore para que posara desnuda y embarazada de siete meses y metió a Whoopi Goldberg en una bañera llena de leche, dejando ver sólo su rostro y sus extremidades. Cuando estudiaba en secundaria comenzó a escribir y a tocar música. En 1967 entró en el Instituto de Arte de San Francisco. Se interesó por la fotografía practicando en un cuarto oscuro de la base aérea Clark, en Filipinas, donde su padre estuvo destinado durante la Guerra de Vietnam. En 1969 pasó una temporada en un kibutz israelí. En 1971 recibió la licenciatura en Bellas Artes por el Instituto de Arte de San Francisco. Trabaja con el fotógrafo estadounidense Ralph Gibson y se presenta para trabajar en la revista Rolling Stone siendo contratada por Jann Wenner. Dos años después es ascendida a fotógrafa jefe, cargo que ocupó durante diez años en los que realizó ciento cuarenta y

Por buscabiografias.com

La popular fotógrafa Annie Leibovitz, es la mejor pagada del mundo y ha trabajado para revistas internacionales como Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue.

a t s i t r A P.52 Fotógrafa : Annie Leib ovitz

Galardonada con el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades, la popular fotógrafa Annie Leibovitz, autora de instantáneas a John Lennon o Isabel II de Inglaterra, es la mejor pagada del mundo y ha trabajado para revistas internacionales como Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue.

La Reina de la Fotografía

“Lo impresionante es que estemos haciendo las cosas aquí y ahora, ¿por qué? Quién sabe”

Diseño / Alejandro Magallenes / 25

Alejandro Magallanes Texto: Daniela Elizondo

Fotografía: Ignacio Corrales

Ilustración : Alejandro Magallanes

Alejandro es diseñador e ilustrador de profesión, también se siente poeta. “Las personas no somos unidimensionales, al final, creo que podemos hacer varias cosas desde varios frentes, somos eslabones de una cadena que quién sabe hasta dónde nos lleve.”

Nació en la Ciudad de México en 1971, estudió diseño gráfico en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Tuvo a su cargo la imagen gráfica de la Comisión de Derechos Humanos del D.F. y las publicaciones de Difusión Cultural de la Universidad Panamericana. En 1996 fundó, con Leonel Sagahón, el despacho La Máquina del Tiempo. Ha trabajado para diversas instituciones sociales y culturales, en el desarrollo de proyectos editoriales, imágenes institucionales, carteles, etc., y en 1997 coordinó la exposición “No todos los carteles son bonitos”. Su trabajo de cartel ha sido expuesto en Japón, la República Checa, Argentina, los Estados Unidos, China, Eslovenia, Rusia, Ucrania, Colombia, Venezuela, Polonia, Cuba y México. Mereció la medalla Josef Mroszczak en la XVI Bienal del Cartel en Varsovia, el tercer lugar en la bienal de carteles a favor de la ecología 4th Block en Ucrania y el premio Golden Bee en la categoría de libro en la Bienal del mismo nombre en Rusia. Forma parte de los colectivos Cartel de Medellín y Fuera de Registro. En sus pósteres, Alejandro Magallanes sitúa sus figuras frente al espectador y en el centro de la obra, con una intransigencia en la composición que, sin embargo, ofrece una enorme diversidad en los registros utilizados y en las técnicas que los acompañan; ambos apartados de las connotaciones de las que normalmente se les considera portadores. Y así aparecen la fotografía y el dibujo, la escritura a mano y las fuentes de imprenta, la caricatura y la silueta, el dibujo y la cita visual, el color plano y los matices; todo ello utilizado en una inagotable serie de combinaciones. Cabe destacar, también, el interés que la gráfica popular mexicana ha despertado en los últimos años en el ámbito internacional, con exposiciones como “Sensacional! Mexican Street Graphics”, llevada a Nueva York por el AIGA, la prestigiosa asociación norteamericana de artistas gráficos, cuyo catálogo fue editado por la Princeton Architectural Press; o con el libro “Cine Mexicano: Posters from the Golden Age 19361956”, publicado en San Francisco por Chronicle Books. Quizás no sea una casualidad que la revista francesa Étapes declare

que el trabajo de Magallanes «…recorre con humor y talento el imaginario popular de su país...». Mucho humor, sin duda; aunque, tal vez, sería mejor hablar de cortante ironía en uno de los fundadores de un colectivo llamado Cartel de Medellín. También es cierto, no faltaba más, que Magallanes reinterpreta el imaginario popular mexicano, aunque, más que otra cosa, hace ostentación de esa obsesión por las imágenes propia de una cultura visual riquísima y vivida en su cotidianidad; una cultura que hunde sus raíces en el mestizaje entre las grandes tradiciones toltecas, aztecas y maya, y la iconografía católica impuesta, a golpe de espada, por los «conquistadores». En sus carteles, Alejandro Magallanes sitúa sus figuras frente al espectador y en el centro de la obra, con una intransigencia en la composición que, sin embargo, ofrece una enorme diversidad en los registros utilizados y en las técnicas que los acompañan; ambos apartados de las connotaciones de las que normalmente se les considera portadores. Y así aparecen la fotografía y el dibujo, la escritura a mano y las fuentes de imprenta, la caricatura y la silueta, el dibujo y la cita visual, el color plano y los matices; todo ello, utilizado en una inagotable serie de combinaciones. Se da por sentado que todo el diseño gráfico, ligado por su propia naturaleza a las necesidades de la comunicación, interpreta la teoría en la práctica. Sin embargo, Magallanes va más allá. Parte, sin duda, de apuestas ideales, de hipótesis de proyecto y de decisiones que son también conceptuales; pero las plasma con fuerza en una actividad en la que priman el juego combinatorio, la manipulación de la materia y el sentido del hacer; y en la que la práctica se adelanta a la teoría, la táctica desbarata la estrategia, lo episódico hace mella en el sistema, y la ruptura se burla de la norma. Una práctica que es comportamiento y forma de vida, más que oficio; y que, como tal, no teme la comparación directa con la cotidianidad de la cultura visual (con «c» minúscula) y con sus sabores. En esto Magallanes parece proporcionar el repertorio visual ideal a la idea de consumo productivo tan querida por Michel de Certeau. Sin duda, Certeau habla de la gente y de su resistencia cotidiana ante las consignas promovidas por los

/ Diseño

ALEJANDRO MAGALLANES /-

Texto: Daniela Elizondo

o Fotografía: Ignacio Corrales

“Lo impresionante es que estemos haciendo las cosas aquí y ahora. ¿Por qué? Quién sabe”

Alejandro Magallanes

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Alejandro es diseñador e ilustrador de profesión, también se siente poeta. Las personas no somos unidimensionales, al final creo que podemos hacer varias cosas desde varios frentes, somos eslabones de una cadena que quién sabe hasta dónde nos lleve. Nació en la Ciudad de México en 1971, estudió diseño gráfico en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Tuvo a su cargo la imagen gráfica de la Comisión de Derechos Humanos del D.F. y las publicaciones de Difusión Cultural de la Universidad Panamericana. En 1996 fundó, con Leonel Sagahón, el despacho La Máquina del Tiempo. Ha trabajado para diversas instituciones sociales y culturales, en el desarrollo de proyectos editoriales, imágenes institucionales, carteles, etc., y en 1997 coordinó la exposición “No todos los carteles son bonitos”. Su trabajo de cartel ha sido expuesto en Japón, la República Checa, Argentina, los Estados Unidos, China, Eslovenia, Rusia, Ucrania, Colombia, Venezuela, Polonia, Cuba y México. Mereció la medalla Josef Mroszczak en la XVI Bienal del Cartel en Varsovia, el tercer lugar en la bienal de carteles a favor de la ecología 4th Block en Ucrania y el premio Golden Bee en la categoría de libro en la Bienal del mismo nombre en Rusia. Forma parte de los colectivos Cartel de Medellín y Fuera de Registro. En sus pósteres, Alejandro Magallanes sitúa sus figuras frente al espectador y en el centro de la obra, con una intransigencia en la composición que, sin embargo, ofrece una enorme diversidad en los registros utilizados y en las técnicas que los acompañan; ambos apartados de las connotaciones de las que normalmente se les considera portadores. Y así aparecen la fotografía y el dibujo, la escritura a mano y las

fuentes de imprenta, la caricatura y la silueta, el dibujo y la cita visual, el color plano y los matices; todo ello utilizado en una inagotable serie de combinaciones. Cabe destacar, también, el interés que la gráfica popular mexicana ha despertado en los últimos años en el ámbito internacional, con exposiciones como “Sensacional! Mexican Street Graphics”, llevada a Nueva York por el AIGA, la prestigiosa asociación norteamericana de artistas gráficos, cuyo catálogo fue editado por la Princeton Architectural Press; o con el libro “Cine Mexicano: Posters from the Golden Age 19361956”, publicado en San Francisco por Chronicle Books. Quizás no sea una casualidad que la revista francesa Étapes declare que el trabajo de Magallanes «…recorre con humor y talento el imaginario popular de su país...». Mucho humor, sin duda; aunque, tal vez, sería mejor hablar de cortante ironía en uno de los fundadores de un colectivo llamado Cartel de Medellín. También es cierto, no faltaba más, que Magallanes reinterpreta el imaginario popular mexicano, aunque, más que otra cosa, hace ostentación de esa obsesión por las imágenes propia de una cultura visual riquísima y vivida en su cotidianidad; una cultura que hunde sus raíces en el mestizaje entre las grandes tradiciones toltecas, aztecas y maya, y la iconografía católica impuesta, a golpe de espada, por los «conquistadores». En sus carteles, Alejandro Magallanes sitúa sus figuras frente al espectador y en el centro de la obra, con una intransigencia en la composición que, sin embargo, ofrece una

1, 2,3 y 4: carteles que forman parte del teatro del Programa de teatro para niños y jóvenes del Instituto Nacional de Bellas Artes. Por el día mundial del teatro, dichos fueron diseñados como una serie y se expusieron en el complejo del Centro Cultural del Bosque en la capital de México.

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ALEJANDRO MAGALLANES

D Por

DANIELA ELIZONDO

I Por ALEJANDRO MAGALLANES

Alejandro es diseñador e ilustrador de profesión, también se siente poeta: “Las personas no somos unidimensionales, al final creo que podemos hacer varias cosas desde varios frentes, somos eslabones de una cadena que quién sabe hasta dónde nos lleve”.

O C I F GRÁ Poster alternativo de la película “Mr. Smith goes to Washington” diseñado por Olly Moss.

Olly Moss viene a probarnos, que aún existe

pensamiento, conceptualización, arte y técnica detrás de la creación de un afiche de una película.

Olly Moss

GRAFICO

Por Flavio Meléndez

Poster alternativo de la película

Poster alternativo de la película “Evil Dead (2013)” diseñado por Olly Moss.

s s o M Olly “The A-TEAM ”diseñado por Olly Moss.

Olly Moss es un ilustrador y diseñador poco a poco la idea de dedicarse de manera profesional nacido en Inglaterra el 20 de enero de 1987, a la carrera de diseño gráfico le fue asentando muy bien. trabajo con empresas como Urban Outfitters, Olly Moss en un principio comenzó creando diseños Apple, Sony Entertainment, Nike y más. para camisetas para Threadless.com, sus diseños Ahora trabaja entre otros para The New York eran tan llamativos y atractivos para su público que Times y Computer Arts Magazine, su web rápidamente su trabajo y su estilo gráfico fueron es una muestra de su trabajo y estilo. Lleva ganando popularidad, haciéndose de un pequeño aproximadamente unos 8 o 9 años dedicándose grupo de seguidores en un corto tiempo. Su pasión por a lo que le apasiona, el área gráfica e ilustrativa. la cultura pop le resulto muy bien a la hora de re-diseñar El artista gráfico británico Olly Moss ha de una forma minimalista posters de películas. Algunos realizado diseños para prendas de como “Indiana Jones and ropa, portadas de revista y hasta the Last Crusade” un cartel Su pasión por la cultura carteles cinematográficos. que encabeza estas líneas nos pop le resulto muy bien a Sus diseños minimalistas han sido remite a los míticos diseños en la hora de re-diseñar de utilizados para promover funciolos que, según se puede ver en una forma minimalista posters de películas. nes de películas en festivales de la figura o el fondo se ven dos cine como el Fantastic Fest o el rostros humanos o una copa. Rolling Roadshow. Solo que en este caso, los rostros son las reconocibles Olly Moss se graduó con una licenciatura siluetas de Henry Jones Jr. y su padre y la copa es el en literatura en inglés en la Universidad de Santo Grial. Con un único icono se evocan los tres Brimingham en Inglaterra. Al principio la idea de grandes protagonistas de esta película; o en el caso ilustrar y diseñar era solo un pasatiempo, pero de la presentación de la película “Taxi Driver”, toda

Poster alternativo de la película “Robocop ” diseñado por Olly Moss.

la esencia de una película condensada en una única imagen. Este simétrico cartel nos evoca la escena más célebre de la película, aquella en la que “Travis Bickle” (Robert De Niro) habla consigo mismo frente a un espejo mientras empuña una pistola. “Are you talkin’ to me?” A su vez, el diseño del póster también nos insinúa la posible mente fracturada del protagonista. Y el damero presente en la manga nos remite a la iconografía propia de los taxis neoyorquinos; o también en el caso de la película de “American History X”, Otro diseño sensacional, fundiendo la ‘X’ del título con una esvástica. Y los textos inclinados según la directriz de los brazos de la cruz, remitiendo a la imaginería propia de la propaganda nazi. Otros de sus trabajos describen de la misma manera minimalista muchas otras grandes películas de la industria cinematográfica como Star Wars, Dirty Harry, There will be blood, Rocky, Thor, The Great Director, Rain Man, Die Hard, Harry Potter, Hot tub time machine, The Blue Brothers y mas han llamado la atención de muchos, no solo por su atractivo sino también por destacar el que “lo menos es mas” con

Gráfico

O y Poster alternativo de la película “Dirty Harry” diseñado por Olly Moss.

Olly Moss viene a probarnos, que aún existe pensamiento, conceptualización, arte y técnica detrás de la creación de un afiche de una película. Sí, no es necesario poner “cabezas voladoras” de los actores y actrices para que vayamos a ver la película.

Poster alternativo de la película “Star Wars The Empire Strikes Back” diseñado por Olly Moss.

Moss

Por Flavio Meléndez

Poster alternativo de la película “Star Wars A New Hope” diseñado por Olly Moss.

Olly Moss es un ilustrador y diseñador nacido Olly Moss en un principio comenzó creando diseños para en Inglaterra el 20 de enero de 1987, trabajo con camisetas para Threadless.com, sus diseños eran tan empresas como Urban Outfitters, Apple, Sony llamativos y atractivos para su público que rápidamente Entertainment, Nike y más. Ahora trabaja entre su trabajo y su estilo gráfico fueron ganando popularidad, otros para The New York Times y Computer Arts haciéndose de un pequeño grupo de seguidores en un Magazine, su web es una muestra de su trabajo y estilo. corto tiempo. Su pasión por la cultura pop le resulto muy Lleva aproximadamente unos 8 o 9 años dedicándose bien a la hora de re-diseñar de una forma minimalista a lo que le apasiona, el área gráfica e ilustrativa. posters de películas. Algunos como “Indiana Jones and El artista gráfico británico Olly Moss ha realizado diseños the Last Crusade” un cartel que encabeza estas líneas para prendas de ropa, portadas de revista y hasta nos remite a los míticos diseños en los que, según se carteles cinematográficos. Sus diseños minimalistas puede ver en la figura o el fondo se ven dos rostros humanos o una copa. Solo han sido utilizados para promover funciones que en este caso, los rostros de películas en festivales de cine como el “ha realizado diseños para portadas de revista y hasta son las reconocibles siluetas Fantastic Fest o el Rolling Roadshow. carteles cinematográficos.“ de Henry Jones Jr. y su padre y Olly Moss se graduó con una licenciatura la copa es el Santo Grial. Con un en literatura en inglés en la Universidad de Brimingham en Inglaterra. Al principio la idea de único icono se evocan los tres grandes protagonistas de ilustrar y diseñar era solo un pasatiempo, pero poco a esta película; o en el caso de la presentación de la película poco la idea de dedicarse de manera profesional a la “Taxi Driver”, toda la esencia de una película condensada en una única imagen. Este simétrico cartel nos evoca carrera de diseño gráfico le fue asentando muy bien.

la escena más célebre de la película, aquella en la que “Travis Bickle” (Robert De Niro) habla consigo mismo frente a un espejo mientras empuña una pistola. “Are you talkin’ to me?” A su vez, el diseño del póster también nos

Poster llamado “Chicago” diseñado Poster llamado “Chicago” diseñado por

Poster alternativo de la película “The Evil Dead” diseñado por Olly Moss.

Ilustración de “Beetlejuice” por Olly Moss.

Poster alternativo de la película “Rocky” diseñado por Olly Moss.

Poster alternativo de la película “Star Wars The Empire Strikes Back” diseñado por Olly Moss.

Ilustraciones de la pelicula “Back to the Future” diseñado por Olly Moss.

insinúa la posible mente fracturada del protagonista. Bluray que “Criterion Collection” entrega en una verdaderos horrores, que a muchos les hacen creer Y el damero presente en la manga nos remite a la inagotable y cada vez más preciada fuente de tesoros que el arte del poster de cine es un arte en extinción. iconografía propia de los taxis neoyorquinos; o también en construcción para cinéfilos, en el caso de la película de “American History X”, Otro acompañadas todas ellas de “es capaz de capturar mejor el alma o la esencia de la diseño sensacional, fundiendo la ‘X’ del título con una carátulas de limpios diseños, película, en una atractiva estética gráfica” esvástica. Y los textos inclinados según la directriz de imágenes simples de fuertes los brazos de la cruz, remitiendo a la imaginería propia conceptos detrás (dibujos o de la propaganda nazi. Otros de sus trabajos describen fotografías), los afiches de cine minimalistas se han Algo que lamentablemente comparto, cuando se de la misma manera minimalista muchas otras gran- convertido en una fuente de inspiración. Una que no notan el alto volumen de decepcionantes diseños que sólo es recurrida por diseñadores, año a año nos rodean, versus los pocos destacados. des películas de la industria sino que también por fanáticos Gran cantidad de dinero se circula todos los días en cinematográfica como Star del cine, que hacen también sus publicidad cinematográfica y mucho de este es mal Wars, Dirty Harry, There will propias carátulas y afiches en gastado y desperdiciado ya que una gran parte del be blood, Rocky, Thor, The internet de sus películas favoritas. público esta aburrido de ver siempre los mismos Great Director, Rain Man, ¿Quién es capaz de capturar mejor estilos gráficos, que desafortunadamente conlleva a Die Hard, Harry Potter, Hot el alma o la esencia de la película, un rechazo prematuro de las películas. No por nada el tub time machine, The Blue en una atractiva estética gráfica?. Brothers y más han llamado la dibujante Drew Struzan, uno de los más reconocidos Compitiendo unos con otros por diseñadores de afiches durante los 80’s -de estilo atención de muchos, no solo los diseños más ingeniosos, las muy reconocido, aunque absolutamente recargado por su atractivo sino también paletas cromáticas más simples y contrario a los afiches minimalistas aquí – decidió por destacar el que “lo menos y la reducción de una película a irse a retiro hace unos años, entregando sólo unos es más” con su inteligente tan sólo par de formas, objetos escasos trabajos últimamente. minimalismo, de una forma o tipografías, son por lo general, Pero no todo está perdido. Tenemos a este joven muy limpia y moderna. Es una moda reciente, no Poster alternativo de la película “Mr. Smith goes un interesante despliegue de talento inglés, que viene a probarnos desde hace unos to Washington” diseñado por Olly Moss. ingenio y concienzudo trabajo. años, que aún existe pensamiento, conceptualización, puede negarse. Aparentemente inspirada, por un lado, en el trabajo del reconocido Me parece estupendo, y ojalá algo de toda esta arte y técnica detrás de la creación de un afiche de Saul Bass y otros grandes diseñadores de afiches avalancha de creatividad fluyese también de forma una película. Sí, no es necesario poner “cabezas de películas, en ejercicio profesional durante los más constante por los cines que regularmente voladoras” de los actores y actrices para que vayamos años 50’s y 60’s. Por otro, en las ediciones de DVD/ visitamos, donde no pocas veces nos topamos con a ver la película.

El Fot贸grafo

Bl y N an eg co ro

Por medio de sus libros y con fotografías impresionantes Nick Brandt crea una historia donde relata la extinción de todo lo natural por causa del hombre.

Nick Brandt Por José María Ramírez Fernández

Fotografías que logran captar toda la emoción de la vida salvaje sin necesidad de recurrir a peleas o ataques, con momentos únicos y llenos de contraste logran trasmitir un drama único, así se puede describir el trabajo de este fotógrafo inglés. Nació en 1966 en la ciudad de Londres donde también paso su infancia y adolescencia. Aunque es mayormente reconocido como fotógrafo comenzó estudiando pintura y cine. En 1992 se traslado a los Estados Unidos donde desarrollo su carrera de cineasta dirigiendo videos musicales, de los cuales muchos fueron premiados. Trabajó con artistas como Moby, Jewel, XTCY Badly Drawn Boy, pero los videos más populares los realizo con Michael Jackson con quien produjo los videos para las canciones de Stranger in Moscow, Cry y Earth Song. Durante la grabación de este ultimo video en Tanzania, Brandt descubrió su amor y pasión hacia los animales y se dio cuenta que con estos trabajos musicales no podía mostrar en su máximo esplendor lo que la vida salvaje significaba para él. Tiempo después descubrió que el mejor medio para trasmitir este mensaje era la fotografía y así fue como en el año 2000 se traslado para África Oriental para realizar un proyecto que constaba de tres libros donde mostraba la grandeza de la vida animal. Para Nick Brandt este proyecto significaba documentar el último testimonio de los animales salvajes y los paisajes antes de que la mano del hombre lo destruyera. Para Nick Brandt todo ser, humano o no, tiene el mismo derecho de vivir y esa igualdad es la que quiere mostrar en su fotografías. El primer libro de esta trilogía se llama “On This Earth” y esta constituido por 66 fotografías tomadas entre 2000 y 2004 las cuales muestra una visión adulterada de un paraíso de África, este primer libro contrasta de gran manera con el mensaje de los libros posteriores. Su segundo libro llamado “A Shadow Falls” cuenta con una colección de 58 fotografías tomadas entre 2005 y 2008. En este libro se muestra la creciente conciencia moral de los seres humanos sobre el trato hacia

los animales mediante un mundo lleno de melancolía que no se había mostrado en el primer libro. Muchos críticos consideran como “una hermosa historia de amor sin un final feliz”. El libro es una secuencia de lo que podría ser la destrucción de la naturaleza por el ser humano, comienza con un mundo vivo, verde y exuberantemente virgen y a medida que avanza ese hermoso paisaje se transforma en uno más crudo, sin embargo el final de esta secuencia se puede considerar ambigua ya que su última fotografía muestra un huevo de avestruz en un lago totalmente seco, la cual se puede considerar como un nuevo comienzo después de la destrucción. El último libro de la trilogía llamado “Across The Ravaged Land” fue publicado en el 2013. Brandt describe el lado más oscuro del reino animal en el continente Africano, mostrando el costo de los cazadores furtivos, quienes matan con el único objetivo de ganar dinero. Este excelente fotógrafo no utiliza teleobjetivos ya que él cree que una mayor cercanía con los animales a la hora de tomar la fotografía le permite revelar la verdadera personalidad de los animales. Esa cercanía hace que Brandt logre una gran intimidad en la fotografía, como si él en verdad conociera al animal y lo invitara a tomarse la foto como si fuesen humanos. Su fotografía va más allá de un trabajo documental común donde se exagera la acción o el drama, más bien le quita un poco la importancia a estos aspectos y muestra a los animales en su estado normal a lo que él le llama “el estado de ser”. Están llenas de romanticismo y de una plasticidad casi pictórica, trata de recuperar la nostalgia, el esplendor y la belleza de un continente de naturaleza salvaje, como lo es África, el cual es hermoso pero a la vez cruel lleno de grandes contrastes y de una

El Fotógrafo

Blanco y Negro

Nick Brandt Por: José María Ramírez Fernández

Fotografías que logran captar toda la emoción de la vida salvaje sin necesidad de recurrir a peleas o ataques, con momentos únicos y llenos de contraste que logran trasmitir un drama único, así se puede describir el trabajo del fotógrafo inglés de 47 años. Nació en 1966 en la ciudad de Londres donde también paso su infancia y adolescencia. Aunque es mayormente reconocido como fotógrafo comenzó estudiando pintura y cine. En 1992 se traslado a los Estados Unidos donde desarrollo su carrera de cineasta dirigiendo videos musicales, de los cuales muchos fueron premiados. Trabajó con artistas como Moby, Jewel, XTCY Badly Drawn Boy, pero los videos más populares los realizo con Michael Jackson con quien produjo los videos para las canciones de Stranger in Moscow,Cry y EarthSong.Durante la grabación de este ultimo video en Tanzania, Brandtdescubrió su amor y pasión hacia los animales y se dio cuenta que con estos trabajos musicales no podía mostrar en su máximo esplendor lo que la vida salvaje significaba para él. Tiempo después descubrió que el mejor medio para trasmitir este mensaje era la fotografía y así fue como en el año 2000 se traslado para África Oriental para realizar un proyecto que constaba de tres libros donde mostraba la grandeza de la vida animal. Para Nick Brandt este proyecto significaba documentar el último testimonio de los animales salvajes y los paisajes antes de que la mano del hombre lo destruyera. Para Nick Brandt todo ser, humano o no, tiene el mismo derecho de vivir y esa igualdad es la que quiere mostrar en su fotografías. Su Fotografía capta a los animales en momentos únicos y trasmite su esencia.

El Fotógrafo

Blanco y Negro El primer libro de esta trilogía se llama “OnThisEarth” y esta constituido por 66 fotografías tomadas entre 2000 y 2004 las cuales muestra una visión adulterada de un paraíso de África, este primer libro contrasta de gran manera con el mensaje de los libros posteriores. Su segundo libro llamado “A Shadow Falls” cuenta con una colección de 58 fotografías tomadas entre 2005 y 2008. En este libro se muestra la creciente conciencia moral de los seres humanos sobre el trato hacia los animales mediante un mundo lleno de melancolía que no se había mostrado en el primer libro. Muchos críticos consideran como “una her mosa historia de amor sin un final feliz”. El libro es una secuencia de lo que podría ser la destrucción de la naturaleza por el ser humano, comienza con un mundo vivo, verde y exuberantemente virgen y a medida que avanza ese hermoso paisaje se transforma en uno más crudo, sin embargo el final de esta secuencia se puede considerar ambigua ya que su última fotografía muestra un huevo de avestruz en un lago totalmente seco, la cual se puede considerar como un nuevo comienzo después de la destrucción. El último libro de la trilogía llamado “AcrossTheRavagedLand” fue publicado en el 2013. Brandt describe el lado más oscuro del reino animal en el continente Africano, mostrando el costo de los cazadores furtivos, quienes matan con el único objetivo de ganar dinero. Este gran fotógrafo no utiliza teleobjetivos ya que él cree que una mayor cercanía con los animales a la hora de tomar la fotografía le permite revelar la verdadera personalidad de los animales. Esa cercanía hace que Brandt logre una gran intimidad en la fotografía, como si él en verdad conociera al animal y lo invitara a tomarse la foto como si fuesen humanos. Su fotografía va más allá de un trabajo documental común donde se exagera la acción o el drama, más bien le quita un poco la importancia a estos aspectos y muestra a los animales en su estado normal a lo que él le llama “el estado de ser”. Están llenas de romanticismo y de una plasticidad casi pictórica, trata de recuperar la nostalgia, el esplendor y la belleza de un continente de naturaleza salvaje, como lo es África, el cual es hermoso pero a la vez cruel lleno de grandes contrastes y de una imagen seductora para quien ama la naturaleza.

Sus fotografías muestran los sentimientos más profundos de los animales.

El Fotógrafo

Blanco y Negro

Nick Brandt Por: José María Ramírez Fernández

Fotografías que logran captar toda la emoción de la vida salvaje sin necesidad que recurrir a peleas o ataques, que con momentos únicos y llenos de contraste que logran trasmitir un drama único, así se puede describir el trabajo del fotógrafo inglés de 47 años.

Por medio de sus libros y con fotograf铆as impresionantes Nick Brandt crea una historia donde relata la extinci贸n de todo lo natural por causa del hombre.

By JP Mendez

METTING TIM FLACH MAGAZINE

ARQUITECTA, DISEÑADORA Y URBANISTA

ZAHA HADID Kimberly Quesada Garro

“Virtuoso de elegancia. Introspección personal, investigación, está cargada con tantas ideas que no puede plasmarlas en una sola, no hay un repertorio formal único.” Así ha definido esta arquitecta oriental de formación occidental, el estilo de la arquitectura que practica y que le valió ser la primera mujer que fue galardonada con el prestigioso Premio Pritzker en el año 2004, no sin haber tenido que superar antes múltiples reticencias. Ella misma dice: “El hecho de ser mujer, inmigrante, querer ser pionera, ser rica... Todo eso. La combinación entre una mujer inmigrante, árabe, autosuficiente y que hacía cosas raras no me facilitó nada las cosas. Pero estar tan marcada me ha favorecido. Me dejaban ser y hacer lo que quisiera. Pero a la vez me bloqueaban la entrada a ciertos encargos y terrenos profesionales. Empecé a trabajar en uno de los momentos más carcas del siglo XX, cuando la arquitectura estaba sumida en la recuperación de valores históricos muy conservadores. Aquello pasó. Y cuando se necesitó cambiar, las cosas fueron más fáciles para alguien como yo, que siempre había apostado por el cambio. A pesar de todo, seguimos teniendo mucha resistencia.” Sea como fuere, el caso es que esta mujer formada

en Londres, nacida en Bagdad el 31 de Octubre de 1950, ya era uno de los arquitectos más famosos del mundo incluso antes de haber levantado el primer edificio, y es que sus diseños elegantes le habían dado una justa fama. Sin embargo, su carrera no despegó hasta que un empresario alemán, Rolf Fehlbaum, le encargó construir una estación de bomberos en la localidad de Weil am Rheim, en el año 1993. Desde ese momento su estrella no ha hecho más que brillar con enorme fuerza. De esta arquitecta tenemos en España el Plan General de Zorrozaurre, en Bilbao, y el Pabellón Puente de la Exposición Universal de Zaragoza 2008, y algunos más que esta en proyecto.

SU ARQUITECTURA. Esta nace de postulados próximos al deconstructivismo, un término que según Antón Capitel “identifica una arquitectura que hace de los problemas formales puros, y, más concretamente, del conflicto geométrico y de la

huida de la lógica constructiva más inmediata su bandera formal.” Dentro de esa línea, la arquitectura de Hadid experimenta con los espacios logrando que sus edificios lejos de convertirse en unos extraños en el paisaje, potencien el espacio que les rodea dándole una nueva dimensión, gracias a una estética que, en muchos casos, parece sacada del futuro, o sería mejor decir, anticipan el futuro, y al que contribuyen todos los elementos por pequeños que sean. Un estilo que ha ido evolucionando desde un enfoque más abstracto, fragmentario, hasta llegar a una arquitectura de “organización más líquida”, como dice la propia Zaha Hadid, quien es consciente de que sus diseños no son fácilmente aceptados, ya que su arquitectura “se caracteriza por una fuerte propuesta y para lograrlo cree que es muy importante construir los proyectos teóricos o sea, los proyectos ideológicos, pues de ese modo se trasciende la idea de hacer estructuras interesantes para lograr verdaderas estrategias construidas”, escribe Stewart Orozco.

Galeria Gmurzynska Zurich, Obra “Suprematism”.

Sus diseños y sus obras construidas, nos ponen delante de un código visual muy personal y que hay que decodificar para poder aprender toda la complejidad que se oculta en unos espacios que, con frecuencia, se convierten en reversibles, en cambio permanente, en los que todo fluye como un líquido al que se libera de su

ENTREVISTA

“Rotunda, diva, exigente y con fama de difícil. Así es la arquitecta iraquí más famosa y reconocida del mundo. La cual ha logrado con sus edificios rompedores, el respeto de todos.”

ZAHA HADID

ARQUITECTA, DISEÑADORA Y URBANISTA “Virtuoso de elegancia, introspección personal, investigación, está cargada con tantas ideas que no puede plasmarlas en una sola, no hay un repertorio formal único. Así ha definido esta arquitecta oriental de formación occidental, el estilo de la arquitectura que practica y que le valió ser la primera mujer que fue galardonada con el prestigioso Premio Pritzker en el año 2004, no sin haber tenido que superar antes múltiples reticencias. Ella misma dice: “El hecho de ser mujer, inmigrante, querer ser pionera, ser rica... Todo eso. La combinación entre una mujer inmigrante, árabe, autosuficiente y que hacía cosas raras no me facilitó nada las cosas. Pero estar tan marcada me ha favorecido. Me dejaban ser y hacer lo que quisiera. Pero a la vez me bloqueaban la entrada a ciertos encargos y terrenos profesionales. Empecé a trabajar en uno de los momentos más carcas del siglo XX, cuando la arquitectura estaba sumida en la recuperación de valores históricos muy conservadores. Aquello pasó. Y cuando se necesitó cambiar, las cosas fueron más fáciles para alguien como yo, que siempre había apostado por el cambio. A pesar de todo, seguimos teniendo mucha resistencia.” Sea como fuere, el caso es que esta mujer formada en Londres, nacida en Bagdad el 31 de Octubre de 1950, ya era uno de los arquitectos más famosos del mundo incluso antes de haber levantado el primer edificio, y es que

BIOGRAFÍA

Museo Maxxi en Roma

JS Bash Chamber Music Hall

“Opera House” en China

KIMBERLY QUESADA GARRO

57 ENTREVISTA

ARQUITECTA, DISEÑADORA Y URBANISTA

“No me gusta imponer, sino liberar. A la gente le gustan los paisajes más extremos. Suben montañas, caminan en desiertos, bucean y encuentran maravillas. Se esfuerzan y vuelven con el espíritu elevado. Y eso es lo que yo busco hacer con la arquitectura, que engrandezca, que aporte experiencias a los usuarios...” Por Kimberly Quesada Garro

Nació el 8 de julio de 1982 en Texas. Es un animador, productor y guionista que trabaja para Cartoon Network Studios y Frederator Studios. Fue el creador de la serie ganadora de un Emmy en el 2010 “Adventure Time”, y de la serie de internet “Bravest Warriors” en el 2012. Ward se graduó del Programa de Animación CalArts. Por: Luis Diego Orozco Sanabria.

Ward, se interesó en la animación a una temprana edad; como su madre era una artista y trabajaba con animadores, se inspiró gracias a ella. Empezó a dibujar libros animados en primer grado. Pen asistió a CalArts, donde se hizo amigo de JG Quintel, con quien más tarde trabajaría en “Las Maravillosas Desventuras de Flapjack”. Más tarde, en el 2009, Quintel llegó a crear “Regular Show”. El vicepresidente de Frederator Studios, Erick Homan, le ofreció a Ward un trabajo después de ver una de sus películas en las revisiones anuales de CalArts. Antes de Adventure Time, Pen trabajó en Cartoon Network en la serie animada “Las Maravillosas Desventuras de Flapjack” y en “Random! Cartoons” en Nickelodeon. En “Flapjack” es más conocido por su trabajo como artista de storyboard.

En Adventure Time, actúa como voz de la Princesa del Espacio Grumoso, Shelby y la Princesa Fantasma. Trabajó con diferentes personas, algunas de las cuales más tarde se unirían a él en la serie Adventure Time, como lo fueron el compositor Casey James Basichis, Adam Muto y Niki Yang, muchos de los cuales asistieron junto a Ward al Instituto de las Artes. Sus dos principales cortos fueron “Bravest Warriors” y “Adventure Time”. Tomó un tiempo antes de que Cartoon Network decidiera aceptarlo.

Adventure Time Empezó como un corto de unos 7 minutos aproximadamente, el cual fue publicado por parte de Frederator Studios en Random! Cartoons el 7 de diciembre del 2008. Se convirtió en un éxito en internet. Más adelante, Fredator Studios lo pasó a Nicktoons.

ENTRETENIMIENTO

trabajo como artista de storyboard. En Adventure Time, actúa como voz de la Princesa del Espacio Grumoso, Shelby y la Princesa Fantasma. Pen Ward, continuó trabajando en cortos para Frederator en “Random! Cartoons”, que se emitió por la cadena Nicktoons. Trabajó con diferentes personas, algunas de las cuales más tarde se unirían a él en la serie Adventure Time, como lo fueron el compositor Casey James Basichis, Adam Muto y Niki Yang, muchos de los cuales asistieron junto a Ward al Instituto de las Artes. Sus dos principales cortos fueron “Bravest Warriors” y “Adventure Time”. Tomó un tiempo antes de que Cartoon Network decidiera aceptarlo.

ENTRETENIMIENTO

Bravest Warriors es sobre cuatro adolecentes hĂŠroes, los cuales en el aĂąo 3085 deben salvar a los extraterrestres adorables y sus mundos con el poder de sus emociones.

DIBUJANDO RITMOS

Un ilustrador que vive de la música

ALDE

Jorge Alderete, conocido como Dr Alderete, nació en la provincia de Santa Cruz, Argentina, en 1971. Le apasionan las historietas y es fanático de “Titanes en el ring”

A los 18 años viajó a La Plata, en la provincia de Buenos Aires, donde se graduó como Diseñador en Comunicación Visual en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Sus trabajos los empieza con papel, lápiz y pincel, y se terminan de retocar en digital, en Corel Draw, software que usa por costumbre, dice no saber usar Illustrador y asegura no dejarse asombrar por paquetes de filtros o novedades de los programas de diseños. “No por que algo esté disponible quiere decir que lo tenga que usar, que lo voy a usar o que lo vaya a usar bien” Trabajó como editor de varias revistas independientes de historietas, además de las publicaciones Fierro y Rolling Stone, edición argentina. Formó parte del estudio de diseño Huella Cíclope hasta que decidió irse a México a probar suerte. Antes del viaje, empezó a trabajar para Viva, revista del diario Clarín. La misma tarde en que salía hacia México, en 1998, recibió la llamada que le abrió las puertas. A pesar de tener el viaje listo, asistió a una entrevista con el director de arte de Viva y un par de pruebas después sus dibujos ya ilustraban las páginas de la revista. Esta oportunidad no lo hizo olvidarse de México, un mes después lo comunicó a la redacción, acordaron que en cuanto llegara y se estableciera, se contactaría con ellos para trabajar a distancia, aunque en cierta forma ya trabajaba así. “Yo no vivía en Buenos Aires, vivía en Ciudad de la Plata a 50 kilómetros; me llamaban por teléfono, me encargaban una ilustración y con suerte me mandaban un texto con la nota para que la leyera, es entonces que la leía y hacía mi trabajo pero no había forma de mandar ese trabajo, estamos hablando de un periódico que publica todos los días y con el ritmo de trabajo de hoy para mañana, y no había forma de

RETE

por Luis Diego Romero J.

enviar ese tipo de trabajos que pesaban 5 megas por correo electrónico, no en ese entonces. Lo que hacía era: guardaba mi trabajo en un ZIP, tomaba un tren que hacía 50 km de viaje, me bajaba en la estación y me iba hasta la redacción a entregar el trabajo, ¿cuanto les gusta 2 o 3 horas de viaje? Ahora podemos hacer ese tipo de cosas muchos más rápidas, todo esto ha cambiado mucho.” Jorge llegó al DF con su esposa Clarissa y, gracias a su amor por la música, logró posicionarse como diseñador en la escena del rock. Desde que pisó México, el oxígeno azteca se le clavó en cada arteria y provocó que a través de su obra se pudiera oler la esencia del país. Las máscaras de luchadores, la cómica muerte y los colores vivos son elementos muy distinguidos en su obra. Fascinado por la música y estando el rock instrumental y el surf entre sus géneros preferidos, confiesa ser un músico frustrado. Esa pasión por la música ha hecho que su trabajo aparezca en diferentes portadas de discos. Algunas de los grupos con que los ha trabajado son: Los Straitjackets, Lost Acapulco, Los Coronas, Los Fabulosos Cadillacs y más recientemente en el nuevo disco de Andrés Calamaro, además de diseñar el cartel para el Festival Vive Latino del 2012.

Portada del disco “Bohemio”, el disco de estudio más reciente del argentino Andrés Calamaro.

Según cuenta Alderete, el acercamiento con los Cadillacs se dio con Flavio, bajista del grupo, quien conocía el trabajo que el diseñador argentino había hecho con bandas de surf como Lost Acapulco y Los Straitjackets. “Cuando los Cadillacs deciden que se iban a volver a juntar recibo una llamada por teléfono, yo estaba acá en casa con amigos, y me llama Flavio por teléfono y me dice: ‘mira, soy Flavio, de Los Cadillacs, estoy acá con los muchachos que nos vamos a volver a juntar y te llamamos porque queremos saber si te gustaría trabajar con nosotros’. No se había anunciado el regreso de la banda, y yo pensé: ‘si no es porque estoy en mi casa esto es una cámara oculta, es una broma’, y así surgió el contacto”, relató. Fiel a su ideología y sin importar la popularidad del grupo, intentó tratarlos como a cualquier otro grupo y pedir sus mismas exigencias: que se respetara su libertad de creación. “Me dieron todas las libertades, fue muy grato trabajar con ellos. Al principio me encantaba la idea, pero pensaba: ‘ahora voy a tener que lidiar con la disquera’, y no, fue todo lo contrario. En algún momento les pregunté: ‘¿tienen algo en mente?’ y me dijeron: ‘No, estás loco, ¿cómo te vamos a decir cómo hacer tu trabajo?’”.

BiografĂa

Autor: Luis Romero

De Buenos Aires al Distrito Federal

24 Inkside Magazine

Jorge Alderete, conocido como Dr. Alderete, naci贸 en la provincia de Santa Cruz, Argentina, en 1971 y se traslada a M茅xico en 1998.

Inkside Magazine 25

Alexey

Kurbatov Personaje

MarciaTaborda E.

Ilustrador, diseñador y fotógrafo procedente de Moscú Rusia, exitoso por sus ilustraciones de grandes personalidades. Su técnica para realizar cada obra, se trata de una mezcla entre vectorial y acuarelas, Alexey realiza figuras asimétricas en papel con las acuarelas, para luego escanearlo y así unir sus ilustraciones adquiriendo distintas texturas y color, produciendo arte con gran contraste usando tres estilos distintos, el cubismo, el comic y collage. Sus inspiraciones las encuentra en la historia de la música, el arte, la literatura y el cine. Entre sus distinguidos retratos están Marlene Dietrich y Frida Kahlo. Se habla de que las plastas de color negro, al imprimir se convierten en mancha, pero en el caso de los retratos de Axeley, el negro es armónico y de manera generosa, por lo que es un componente importante en su estilo. Otra técnica importante vista en las obras y que al imprimir tampoco es amigable, es el degradado de color y sin embargo no puede faltar. En cada retrato o paisaje urbano, Kurbatov sale de lo común y sin perder detalle alguno, dando la impresión de ser un viejo maestro, siendo él un artista joven del que falta mucho por ver. A partir de los siete años de edad el joven Alexey sabía que su camino por el arte era seguro y definitivo sin embargo trabajó como diseñador de textil. Por otro lado en un inicio quiso ser un crítico de cine o un chef, pero la relación con el arte siempre estuvo a su alrededor, ya que su tía contaba con una imprenta y en su casa tenía un ordenador

Combinaci贸n de t茅cnicas, acuarela, ilustraci贸n y foto formando una secuencia interesante de la imagen.

Personaje

Ilustrador Diseñador y Fotógrafo Su técnica para realizar cada obra, se trata de una mezcla entre vectorial y acuarelas. Marcia Taborda E. Alexey realiza figuras asimétricas en papel con las acuarelas, para luego

Alexey Kurbatov

escanearlo y así unir sus ilustraciones adquiriendo distintas texturas y color, produciendo arte con gran contraste usando tres estilos distintos, el cubismo, el comic y collage. Sus inspiraciones las encuentra en la historia de la música, el arte, la literatura y el cine. Entre sus distinguidos retratos están Marlene Dietrich y Frida Kahlo. Se habla de que las plastas de color negro, al imprimir se convierten en mancha, pero en el caso de los retratos de Axeley, el negro es armónico y de manera generosa, por lo que es un componente importante en su estilo. Otra técnica importante vista en las obras y que al imprimir tampoco es amigable, es el degradado de color y sin embargo no puede faltar. En cada retrato o paisaje urbano, Kurbatov sale de lo común y sin perder detalle alguno, dando la impresión de ser un viejo maestro, siendo él un artista joven del que falta mucho por ver.

1. Marlene Dietrich 2. Frida Kahlo 3. Ilustraciones para “Matematico” 4. Amy Winehouse

Entre sus distinguidos retratos estan Marlene Dietrich y Frida Kahlo.

A partir de los siete años de edad el joven Alexey sabía

quieran tirar a la basura. Por lo tanto nunca se arrepienta

que su camino por el arte era seguro y definitivo sin

de amar lo que dibuja, diseñe con cuidado, para no

embargo trabajó como diseñador de textil.

terminar en la basura.

Por otro lado en un inicio quiso ser un crítico de cine o

Cuando sentí que podía vivir sin la cabeza y el personal

un chef, pero la relación con el arte

era una epifanía real.

siempre estuvo a su alrederdor,

“Cuando usted hace su trabajo todo

ya que su tía contaba con una imprenta y en su casa tenía un ordenador donde llegó a conocer el maravilloso mundo colorido de la impresión, iniciando con cartas y tarjetas coloridas, que con solo un movimirnto realizaba miles de copias. Es decir este don llegó a él por sí solo, ahora su trabajo se basa en fotos y diseño para el mundo.

Alexey Kurbatov

el tiempo, uno se pone a pensar en

conoce el mundo de

la persona, en cada detalle de los

la impresión, gracias

cantar. Entonces tomo un papel

a su tía que contaba

divertirte. Luego, escaneando todo

dientes por decir algo o si te adoro de acuarela, pinceles y empieza a

con una impreta

lo que sucedió, y combinar fotos

iniciando con cartas

o hago algo separado de las fotos”

y tarjetas coloridas.

Simply Red «Amanecer», donde

con borrones. Yo dibujo un boceto Y una vez fue su inspiración el vídeo

Quién es un artista o ilustrador?

toda la sexy foto: hermosa villa, a

Para Alexei un artista es sin duda el

la luz muchachos arriba, las niñas

creador de la definición de las reglas.

están languideciendo.

Él tiene su propio camino y el valor de ser diferente

Donde especialmente le gustó el marco de una bailarina

desde el principio hasta el final.

delgada, que se dobla bajo el sol abrasador, y debajo

Por otro lado al etiquetado no artista, es aquel que

de sus pies en movimiento sombra densa. No dejaba

realiza trabajos, revistas, libros, que después de leer le

de pensar cómo capturar, el espectáculo. Pasaron siete

2. 1. Ilustración para la revista Snob Magazine. 2. Retratos de Mahatma Gandhi y Thom Yorke con su técnica asimétrica creada con figuras geométricas. 3. Representación de indiferencia y poder.

Artículo

Alexey

Kurbatov Marcia Taborda E.

Ilustrador, diseñador y fotógrafo procedente de Moscú Rusia. Oct. 15

DAY OF DEATH

ZOMBIE GIRL ON HER LUNCK BREAK

DANCING DAY

AVENGERS

CARNAL

IT NEVER ENDS

AMANDA PALMER

GARABATOS CARGADOS

DE PASIÓN

“LERMS” MARCA un EStiLo PRoPio En SuS iLuStRACionES LLEnAndo dE CoLoRES fuERtES y vibRAntES Su tRAbAjo

Carlos Lerma es un artista visual, nacido en México, con más de una decáda dedicándose al diseño gráfico y la ilustración. Actualmente ejerce, junto a su socio César Moreno, como director de “Golpeavisa”, el cual es un pequeño estudio en Cancún principalmente proyectado a través de la dirección de arte, la ilustración y el “branding”. Por su influencia cultural, Lerms, seudónimo autonombrado, desarrolla una elegante manera de dibujar, y le llamo elegante ya que sus trabajos están completos de formas y tonos brillantes, cargados de detalles y sin dejar espacios vacíos. En sus obras no puede faltar el uso de texturas creando un ruido limitado para hacer mucho más poderosos sus diseños. Su estilo es muy complejo y sus ilustraciones son realmente impresionantes, ya que busca siempre complementar bajo su talento el fondo y la figura, utilizando la simetría como uno de sus mayores cómplices. Repetidamente se relacionará el color y la saturación alrededor a este ilustrador, ya que en su trabajo son las herramientas más importantes, además de la combinación de figuras geométricas y orgánicas a su vez. Luces y sombras se hacen presentes por medio de la armonía de los tonos, además de efectos como transparencias y modos de fusión que ayudan a trasponer objetos para captar la mirada. Contar historias siempre ha sido un anhelo para Carlos desde pequeño, aunque sus únicos medios sean los dibujos logra con ellos crear todo un escenario para dejar volar la imaginación. El método de bocetaje parece ser muy simple. Primordialmente se basa de las figuras necesarias para la construcción de los elementos, luego de esto a manera digital designa amplias paletas de color >>> María José Roldán

11.

GARABATOS CARGADOS DE PASIÓN

MURAL LOS OLVIDADOS

“Lerms” marca un estiLo propio en sus iLustraciones LLenando de coLores fuertes y vibrantes su trabajo - mjroLdán Carlos Lerma es un artista visual, nacido en México, con más de una decáda dedicándose al diseño gráfico y la ilustración. Actualmente ejerce, junto a su socio César Moreno, como director de “Golpeavisa”, el cual es un pequeño estudio en Cancún principalmente proyectado a través de la dirección de arte, la ilustración y el “branding”. Por su influencia cultural, Lerms, seudónimo autonombrado, desarrolla una elegante manera de dibujar, y le llamo elegante ya que sus trabajos están completos de formas y tonos brillantes, cargados de detalles y sin dejar espacios vacíos. En sus obras no puede faltar el uso de texturas creando un ruido limitado para hacer mucho más poderosos sus diseños. Su estilo es muy complejo y sus ilustraciones son realmente impresionantes, ya que busca siempre complementar bajo su talento el fondo y la figura, utilizando la simetría como uno de sus mayores cómplices. Repetidamente se relacionará el color y la saturación alrededor a este ilustrador, ya que en su trabajo son las herramientas más importantes, además de la combinación de figuras geométricas y orgánicas a su vez. Luces y sombras se hacen presentes por medio de la armonía de los tonos, además de efectos como transparencias y modos de fusión que ayudan a trasponer objetos para captar la mirada. Contar historias siempre ha sido un anhelo para Carlos desde pequeño, aunque sus únicos medios sean los dibujos logra con ellos crear todo un escenario para dejar volar la imaginación.

CAN’-KA NO REY

12.

El método de bocetaje parece ser muy simple. Primordialmente se basa de las figuras necesarias para la construcción de los elementos, luego de esto a manera digital designa amplias paletas de color, comenzando así a

INSPIRACIÓN!EXCLUSIVA

SILLY FOX implementar su estilo. del cual me atrevo a decir que existe un predominio de características que se asemenjan al movimiento artístico cubista por sus múltiples perspectivas y la carencia de profundidad, aunque Lerms exagera con sus paletas tonales y el uso de elementos variados propio de México. Carlos confiesa ser un fanático de los libros, la música, los videojuegos y las películas, puesto que ha desarrollado una gran galería de ilustraciones referente a estos temas, dándole un gran reconocimiento en la escena de los “geek artists”. Entre los más apreciados están Breaking Bad, Mad Men, Harry Potter, Star Wars, Avengers, Mario Bros. Muchas de sus ilustraciones han sido utilizadas en ediciones de revistas como 15 a 20, Lee+, Rolling Stone Magazine con el mayor público lector mexicano. Así, mismo para afiches para conciertos de bandas musicales como Radiohead. La elaboración y gestión de marca también se ve contagiada de su peculiar cualidad gráfica. Además se enfatiza en la creación de tipografías que van muy apegadas a su distinción, siempre libres y poco estructuras. uno de sus mejores trabajos fue para Steaz, una compañía productora de té natural de frutas donde se ilustró toda la línea gráfica de la marca con finos detalles orgánicos. Como siempre Lerma impone su estilo en ella inspirándose en frutos y hojas de radientes tonos, con moviemiento en las figuras reflejando frescura y buen sabor. otra de sus excelentes propuestas gráficas es para la etiqueta de Ponche Loco, licor de fruta 100% mexicano, tomando como referencia el contexto cultural de la misma, haciendo juegos de palabras y figuras; empleando elementos muy comunes en este país, como la calavera para el día de los muertos, diversas tipografías, sin evitar aplicar texturas y coloridas frutas, detalles que resaltan sin duda el producto entre los demás a su nivel. Muchos de sus diseños se han vendido para posters, camisetas, bolsos y hasta almohadas ya que contienen gran contenido aclamado por un amplio público joven que se identifica con los gustos de Lerms, pero sobretodo aprecia su talento y su estilo que sin duda pueden llegar a vestirlo. Apasionado por lo que hace, más diversión que trabajo, Carlos Lerma posee todos sus proyectos disponibles en su página web hace ya varios años, así como también hace uso de redes como tumblr, behance, DeviantArt,

AMANDA PALMER

13.

14 - INSPIRACIÓN EXCLUSIVA

GARAB CARGAD

P A S I PoR: mj RoLdáN

“LERmS” mARCA UN EStILo PRoPIo EN SUS ILUStRACIoNES LLENANdo dE CoLoRES fUERtES y VIbRANtES SU tRAbAjo.

INSPIRACIÓN EXCLUSIVA - 15

BATOS OS DE

Ó N ZOMBIE GIRL ON HER LUNCK BREAK

Ilustración

Un viaje por el mundo de

Tom Shamp Tom Schamp es un artista especializado en ilustrarción de libros infantiles. Crea su propio mundo, un mundo lleno de historias,

Otto-S-Cargo, de Otto at the air port

María Matamoros

Tom Schamp nació en los años 70 en Bélgica, está especializado en ilustrarción de libros infantiles. Después de graduarse en el Sint-Lukas Brussels University College of Art and Design, donde tuvo la oportunidad de experimentar con diferentes elementos y nuevos estilos. Lo cual le dio la oportunidad de profundizar en varias ideas que tuvo en mente por un tiempo pero que aún no había sido capaz de realizar

Tom asegura que tener sus propios hijos le produjo un

interés casi automático por

ilustrar cuentos. “Ellos ven una imagen con una mirada muy diferente a la de los adultos”.

en Bruselas. Usando una mezcla de técnicas como tinta, acuarela, ecolin y témpera sobre papel de envoltura oscuro, Schamp desarrolló gradualmente un estilo propio, caracterizado

un mayor interés en los últimos años, editores

por su uso de pintura acrílica sobre cartón.

de la talla de Milan, Sarbacane, Albin-Michel,

Con mucha imaginación él crea su propio

Y su trabajo ha sido publicado también en

mundo, un mundo lleno de historias y objetos,

Los editores de libros infantiles han demostrado

un mundo colorido y con toques surrealistas,

en Francia y en Bélgica, Lanoo y De Eenhoorn.

en este ámbito, también ha hecho ilustraciones para revistas, periódicos y ha trabajado para

y color se ven presentes en toda su obra. Con su estilo, Tom se ha propuesto siempre llegar tanto a los niños como a los adultos.

varias agencias de publicidad. Además diseña carteles, calendarios, ilustraciones para revistas y periódicos, postales, entre otros.

Art & Design Magazine Octubre 2013

Willem II, ilustraciones para una mesa-escritorio infantil.

En noviembre de 2010, el canal belga de cultura y artes Canvas (VRT) transmitió un documental de 50 minutos, presentando a Tom Schamp, su trabajo, y el proceso creativo usado en la producción de su libro “Otto in de Sneeuw”, como parte de la serie “Vormgevers”. Al salir de la escuela de arte tenía sólo 22 años, y pasó los primeros 10 años de vida profesional ilustrando artículos de revistas y periódicos, portadas de libros, etc. Pero en ese momento no se imaginaba que en algún momento se dedicaría exclusivamente a la ilustración de libros de imágenes. Tom asegura que tener sus propios hijos le produjo un interés casi automático de ilustrar cuentos. “Ellos ven una imagen con una mirada muy diferente a la de los adultos”. Lo que nos lleva a darnos cuenta de la triste realidad, que la importancia y el interés por analizar imágenes

se va desvaneciendo

con el tiempo, y al llegar a la escuela los niños

no reciben estimulación en este sentido, por lo tanto deben ser los padres quienes se interesen por reforzar esta actividad. Tom ha utilizado la misma técnica por mucho tiempo, él ilustra con pintura acrílica sobre cartón. Pero un cambio en el aspecto de su

IMAGEN

Poster para un festival de verano de una radio holandesa.

Tom Schamp

ILUSTRADORES

Ilustaciones para niños y adultos Es un artista especializado en ilustrarción de libros infantiles. Crea su propio mundo, un mundo lleno de historias, con toques surrealistas y con una clara influencia del caribe.

María Matamoros Tom Schamp nació en los años 70 en Bélgica, está especializado en ilustrarción de libros infantiles. Después de graduarse en el Sint-Lukas Brussels University College of Art and Design, (Polonia), donde tuvo la oportunidad de

experimentar

con

diferentes

elementos y nuevos estilos. Lo cual le dio la oportunidad de profundizar en varias ideas que tuvo en mente por un tiempo pero que aún no había sido capaz de realizar en Bruselas. Usando una mezcla de técnicas como tinta, acuarela, ecolin y témpera sobre papel de envoltura oscuro, Schamp desarrolló gradualmente

estilo

propio,

caracterizado por su uso de pintura acrílica sobre cartón. Con mucha imaginación él crea su propio mundo, un mundo lleno de historias y objetos, un mundo colorido y con toques surrealistas, con una y color se ven presentes en toda su obra. Con su estilo, Tom se ha propuesto siempre llegar tanto a los niños como a los adultos.

Los editores de libros infantiles han demostrado

mayor

interés

los últimos años, editores de la talla de Milan, Sarbacane, Albin-Michel, en Francia y en Bélgica, Lanoo y De Eenhoorn. Y su trabajo ha sido periódicos. Aparte de su desarrollo en este ámbito, también ha hecho ilustraciones para revistas, periódicos y ha trabajado para varias agencias de publicidad. Además diseña carteles, calendarios, ilustraciones para revistas y periódicos, postales, entre otros. En

noviembre

2010,

canal

belga de cultura y artes Canvas (VRT) transmitió un documental de 50 minutos, presentando a Tom Schamp, su trabajo, y el proceso creativo usado en la producción de su libro “Otto in de Sneeuw”, como parte de la serie “Vormgevers”. Al salir de la escuela de arte tenía sólo 22 años, y pasó los primeros 10 años de vida profesional ilustrando artículos de revistas y periódicos, portadas de libros, etc. Pero en ese momento no

Jungla Urbana. La ciudad frente a la naturaleza.

se imaginaba que en algún momento

Artista Costarricense Por Mariana Acuña

explotada. El tipo de trabajo que yo hago le puede gustar a un niño, pero también le puede agradar a un público más adulto. Le puedo llegar a personas que hablen diferentes idiomas, porque el humor es universal; a todo el mundo le gusta y tiene su espacio dentro de la cultura y la creación artística.

Estudió Bellas Artes en la Universidad de Costa Rica, y desde carajillo tuvo la inclinación de hacer pinturas y dibujos; era muy fiebre de las fábulas y espectador de las caricaturas. Entró a estudiar cerámica y encontró en el humor una veta muy explotable. No pudo hallar en el país a alguien más que tuviera esa inclinación humorística en la pintura, el grabado o la cerámica.

¿Haber encontrado su especialidad desde temprano le ha permitido fortalecer su obra sin tener que expandir sus expresiones artísticas?

Una entrevista con él: ¿Qué significa el humor dentro de su arte? Es un estado de ánimo y una forma de romper el hielo; es también una forma directa de llegarle al público. Condimentando algo con humor, yo puedo llevar otra gran cantidad de mensajes.

Me dedico 100% al humor. Mi cerámica, mi grabado, mi mural, mi pintura o mi videocreación, todas y cada uno tienen el matiz humorístico. Para mí, es muy sencillo y muy natural, y para el público, también es muy simple el asimilarlo. No me da el humor para tener otro estilo, pues esta es mi línea.

¿Mantiene esa veta en su personalidad más allá de sus obras?

En su casa hay una gran cantidad de mascotas. ¿Cómo explica el cariño que les tiene?

Siempre ha sido una parte de mi personalidad; la aplico desde que me acuerdo. Siempre era algo así como el “chistorín” de la clase. A nivel profesional, cuando lo tomé más en serio, se dio una especie de intercambio: antes contaba mil chiles y hacía un dibujo. Ahora dibujo mil cosas y cuento menos chiles, mi parte como artista es a base de ello.

Los animales siempre me parecieron un elemento para poder llegarle a la gente. En un principio, mi tema de animalística se limitaba a un símbolo. Más tarde –después de hacer labor social en un albergue– conocí a quien más adelante iba a ser mi esposa (Debora Portilla, directora de la organización Costa Rica Guau).

¿Al artista plástico le cuesta surgir en este país?

Hicimos click de inmediato, yo con mi asunto simbólico y ella con las ganas de tener animales. Con ella tomé el tema de forma muy diferente y lo mío dejó de ser algo simbólico para pasar a ser algo para la vida. Creo que ha sido uno de los mayores y más fabulosos cambios en mi trayecto como artista.

Sí, claro. Hay muchos obstáculos y muchas limitantes. Afortunadamente, en mi caso no tuve mucho problema porque desde el principio me mentalicé, encontré que podía usar una veta poco

Ilustraciòn “Batman”, Munguìa 2013

Vida de Munguìa

¿Cómo divide sus labores de cuido junto a su esposa? Esa parte le toca 100% a ella. Yo colaboro con jalar sacos pesados y juntar cacas... La ventaja es que a ella eso let apasiona y lo lleva a un nivel muy avanzado. Nuestros perros, aunque sean muchos, se comportan muy bien. Para nada son una carga; el estado de ánimo que tienen los hace ser muy sanos y educados. A veces siento que es como estar casado con César Milán. En las redes sociales, cada vez son más los anuncios de perros en adopción por abandono. ¿Ha aumentado el desinterés hacia los canes? Todo lo contrario... Siempre ha existido mucha gente que apoya a los animales, pero, en parte, las redes sociales han ayudado a que la gente sepa que no están solos en esto. Sí está de moda poner la foto de un perrito que necesita casa o alguna ayuda extra, pero hay mucha más responsabilidad y mucha más información hacia el tema. Hay gente que toma la iniciativa, salvan al perro de la calle, lo recuperan, lo llevan al veterinario y luego le buscan una casa... Mucha gente da el ejemplo y hay muchos otros que a su vez lo aprenden para el bienestar de todos. ¿La campaña por adoptar un zaguate que ustedes han promovido con las ‘Calcamunguías’ ha tenido efectos?

Pintura, El Último Súper Héroe, Francisco Munguía, 2010

Costa Rica Guau Costa Rica Guau nació como un proyecto que busca rescatar a los perros de las calles y ubicarlos en un hogar donde los quieran, cuiden y respeten. Deborah Portilla, esposa de Munguía, fundadora de esta asociación que ella denomina “vanguardista” y que ya tiene 3 años de existir, pensó en que esta es la mejor manera de crear una identidad que busque el bienestar animal. “No podemos trabajar sobre lo que ya existe y que está funcionando a ritmo muy lento, por eso entramos con ideas nuevas, propuestas interesantes que atraigan a todo público, para muestra un botón, tenemos hoy al grupo El Guato con su invitación especial para promocionar adopciones y tenencia responsable de animales” explicó Portilla. Este proyecto inició cuando Portilla empezó a hacer voluntariados en diferentes protectoras de animales y después de obtener bastante experiencia en el campo “se aburrió” y según ella “un buen voluntario no puede aburrirme”. “Por eso decidí tirarme con un proyecto sola “.

Claro que sí, nosotros promovemos el amor hacia el animal y procuramos el reducir la sobrepoblación.

CARICATURISTA Tiquiceno 33

Francisco Munguía, un reconocido muralista y caricaturista a nivel latinoamericano, plasma desde su visión lúdica y pictórica la evolución del pensamiento filosófico y las grandes preguntas sobre la naturaleza del ser. Por Mariana Acuña

Señor Pulpero vrs Monstruo del Mall Técnica de acrílico y periódico sobre cartón, Francisco Munguía.

Parodias Los 22 cuadros de mediano y gran formato hechos por Munguía con acrílico y plástico, resumen y caricaturizan la historia del arte desde el siglo XIV hasta mediados del siglo XX. “

Así, “El Matrimonio Arnolfini de Jean Van Eyck (1390-1441) se convierte, gracias al humor fino y el sarcástico pincel de Munguía, en “La pareja Saguatini y las cinco prostitutas inmortalizadas por Pablo Picasso (1881-1973) en las Señoritas de Avignon cambian de sexo y en la versión del artista tico son cinco varones abusados sexualmente.

la agresión contra la mujer es protagonista de La Maja Desnuda, versión de la obra homónima de Francisco de Goya (1746-1826). Los costarriqueñismos también se superponen constantemente a los íconos europeos que evocan los cuadros originales: Munguía trasladó el Domingo por la mañana a orillas del Sena de Georges Seurat (quien vivió desde 1859 hasta el año1891) a La Sabana, y en su cuadro un par de pisuicas parecen haberse tragado a los famosos ángeles que pintó Rafael (quien nació en el año de1483, y murió en 1520) para decorar la tumba del Papa Julio II. “Yo reciclé lo que aprendí en la Facultad de Bellas Artes porque, aunque hay quien a veces lo haya puesto en duda al ver mis “dibujitos”, me gradué

“

“No trato de hacer una imitación burlesca ni de las obras originales, ni de los artistas, sino de rehacer, contextualizarlos y traducirlos a mi estilo gráfico”, explica Munguía, seguro de que su versión permitirá que más gente se acerque a los clásicos de la pintura. “El chiste siempre ayuda, es una manera de entrarle a las cosas que dan miedo o parecen espesas”, dijo; y, para que nadie dude del carácter didáctico de la muestra, en la ficha de cada obra incluyó la referencia y reproducción de la original. Usa magenes remotas, y reflexión actual. Más allá de la risa o la ternura que puedan generar a primera vista, los cuadros de esta exposición (que respetan la composición y el color de los originales) transmiten un mensaje sobre algún tema actual. El consumismo, por ejemplo, se critica en La Macdonna , una especie de retrato de Ronald McDonald recién nacido en brazos de su madre que está inspirada en La Madonna de Sandro Botticelli (1445-1510) y

Munguía, parodia La Macdonna, de Sandro Botticelli

de la Universidad de Costa Rica. Volví a ver las obras y los apuntes de las clases de historia en orden cronológico y con rigor de estudiante hasta que la cabeza me disparó alguna imagen”, contó el artista que ya se imagina una segunda parte de esta muestra itinerando por otros espacios, quizás más alternativos, todo en pro de sus experimentaciones. Y es que a Munguía parece costarle sentirse cómodo dentro de una galería: “a la inauguración voy a mandar algún representante con una cámara para espiar lo que pasa. Yo me siento mejor de día y trabajando al aire libre, soy una persona con una cualidad de sencillez sumamente grande, en ocasiones eso suele ser una desventaja, pues si bien es cierto, para darse a conocer hay que ser participe de todo ese ambiente, exposiciones ante el público, conocer mucha más gente, promocionarse para desarrollarse, pero entre más esté solito en mi mundo, alcanzo a sentirme siempre mucho más satisfecho”, explica alegremente.

Tras años de exponer sus obras en calcomanías, camisetas, almanaques, periódicos y paredes, Francisco Munguía aceptó la invitación de la Galería Nacional y preparó su primera muestra individual.

Ilustraciones de naturaleza

Por Mariana Acu単a 25

Ilustración para promover el turismo en Costa Rica, Francisco Munguía.

Artista Costarricense

El ilustrador y artista costarricense, Francisco Munguía, gusta de la representación de la vida y dichos populares de los ticos, muestra en sus artes lo que él mismo denomina “Esto es lo que somos en Tiquicia ... “

A fondo MJ Da Luz

Da Luz

María José Da Luz Castro, es una ilustradora, fotógrafa, diseñadora de productos y diseñadora gráfica de Costa Rica. Escritor: Mauricio Jiménez

Estudios Nacida un 6 de agosto de 1985, su edad no es un impedimento y ya ha logrado grandes éxitos por lo cual se proyecta con un gran futuro y muchas metas a corto y largo plazo. Empezó su formación académica en la Universidad de Costa Rica, Sede de Alajuela, donde se graduó Licenciada en Artes Plásticas con énfasis en Diseño Gráfico. Trabajos Desde ahí su carrera ha ido en auge, realizando una gran cantidad muy variada de trabajos, como la ilustración de portada para el libro de poesía “Resonancia Magnética” del autor William Pérez, diseño e ilustración para la revista digital www.delebimba.com, artes para cd del grupo nacional “Mr. Gone and the invisibles”, diseño e ilustración de afiche de cartelera para la película nacional “Agua Fría

de Mar” de la directora Paz Fábrega, asistente de fotografía de bodas con la fotógrafa Laura Alpízar, ilustradora en Línea Arte y Diseño, dirigir el taller “De la ilustración al producto” impartido para el Festival de Diseño Gráfico de la UCR en la Sede Interuniversitaria de Alajuela, exposición en el Steinvorth y el FID3 con Poster punch: Gamers, ilustración para www.Mailmeart.com exposición en 3 galerías de Londres y publicación en el libro mail me art: short and sweet, además de siempre ser una Ilustradora independiente. Se define a sí misma como un poco ‘geek’, proactiva (demasiado), con mucha sensibilidad social y aún muchas más ganas de ilustrar. Como Ilustradora ha destacado por sus trabajos en el país, tanto así que sus productos ilustrados son muy solicitados por gente que gusta de su peculiar estilo.

MJ suele acudir a festivales a exponer sus diseños aunque no vive de ello, pero lo hace por iniciativa para lograr que cada cliente que compre su producto se lleve una pieza única que tenga algún sentido personal. Sus proyectos personales los expone con frecuencia en medios virtuales, como Behance, Deviantart, Linkedin y Facebook. Estilo Sus ilustraciones manejan un estilo con el cual MJ Da Luz se ha dado a conocer y llega a ser reconocible sin importar el tipo de ilustración que sea. Inspirada en grandes ilustradores y otros no tan conocidos con estilos sintetizados, que a pesar de emplear colores sólidos y figuras cerradas pueden dar sensación de profundidad y sus obras resultan más elaboradas de lo que muestran a simple vista. María José se basa en figuras simples y

Izquierda: Hello Big Wolf. Ilustración vectorial. 2013. Arriba: Zorro. Ilustración vectorial. 2013. Derecha: Trinquetted. Ilustración vectorial. 2013.

geométricas, siendo un arte muy estilizado y definido, plano y de colores sólidos, aunque a veces emplea gradientes y texturas. Sus personajes suelen tener los ojos separados, pómulos colorados y una actitud juguetona. Proceso María José empieza el proceso de ilustración de la manera en que todos deberíamos empezar, haciendo bocetos a mano con lápiz, que luego repinta con marcador oscuro para luego escanearlos y comenzar a trabajar de forma digital, en Illustrador si es ilustración o desde Photoshop cuando planea realizar un fotomontaje. Influencias Algunos de sus trabajos se inspiran en personajes famosos de libros, series o películas, como Caperucita Roja, Jack Sparrow,

Ghostbusters, Alicia en el país de las Maravillas, Game of Thrones, The Avengers, Rainbow Brite, Star Wars, los personajes de Disney y muchos más. Cuando son ilustraciones creadas desde cero sus personajes tienen personalidades reconocibles en sus gestos faciales y por lo general son monstruos, animales o simples personitas. Los fondos son bien cuidados, a veces son planos de un color porque se quiere resaltar a los personajes y en otras ocasiones son un poco más elaborados para que interactúen, siempre manteniendo su tan característico estilo de ilustración. ¿Qué pasa por su cabeza cuando ilustra? La pasión ha sido la clave del éxito para María José, ya que el amor por lo que se hace distingue a los buenos artistas de los

excelentes, ella disfruta ilustrar y siente que más que una labor es un pasatiempo, un método para liberarse y botar estrés, algo así como una cápsula de escape, donde puede viajar a otros mundos creados por ella misma. Felicidad es la palabra que impulsa a MJ hacia adelante, porque mientras se sienta bien con lo que hace vale la pena el esfuerzo y la dedicación. Cuando le preguntamos a María un poco sobre cómo se definiría ella misma a la hora de ilustrar, esto es lo que nos comentó: “A veces me consumo tanto en este mundo de la ilustración que creo que me he perdido de muchas cosas del mundo real, ser proactiva más que una virtud puede ser un defecto, pero sin duda alguna es un defecto con el que puedo vivir porque me hace feliz”. MJ Da Luz se proyecta como una de las grandes ilustradoras de este país en un futuro,

“A veces me consumo tanto en este mundo de la ilustración que creo que me he perdido de muchas cosas del mundo real, ser proactiva, mas que una virtud, puede ser un defecto, pero sin duda alguna es un defecto con el que puedo vivir porque me hace feliz”. 09

Entrevista con MJ Da Luz

Por: Mauricio Jiménez

Perfil - MJ Da Luz

“Ser proactiva, mas que una virtud, puede ser un defecto”. María José Da Luz Castro, es una ilustradora, diseñadora de productos y diseñadora gráfica de Costa Rica.

Inicios

Nacida un 6 de agosto de 1985, su edad no es un impedimento y ya ha logrado grandes éxitos por lo cual se proyecta con un gran futuro y muchas metas a corto y largo plazo. Empezó su formación académica en la Universidad de Costa Rica, Sede de Alajuela, donde se graduó Licenciada en Artes Plásticas con énfasis en Diseño Gráfico.

Trabajos

Desde ahí su carrera ha ido en auge, realizando una gran cantidad muy variada de trabajos, como la ilustración de portada para el libro de poesía “Resonancia Magnética” del autor William Pérez, diseño e ilustración para la revista digital www.delebimba.com, artes para cd del grupo nacional “Mr. Gone and the invisibles”, diseño e ilustración de afiche de cartelera para la película nacional “Agua Fría de Mar” de la directora Paz Fábrega, asistente de fotografía de bodas con la fotógrafa Laura Alpízar, ilustradora en Línea Arte y Diseño, dirigir el taller “De la ilustración al producto” impartido para el Festival de Diseño Gráfico de la UCR en la Sede Interuniversitaria de Alajuela, exposición en el Steinvorth y el FID3 con Poster punch: Gamers, ilustración para www. Mailmeart.com exposición en 3 galerías de Londres y publicación en el libro mail me art: short and sweet, además de siempre ser una Ilustradora independiente. Se define a sí misma como un poco ‘geek’, proactiva (demasiado), con mucha sensibilidad social y aún muchas más ganas de ilustrar. Como Ilustradora ha destacado por sus trabajos en el país, tanto así que sus productos ilustrados son muy solicitados por gente que gusta de su peculiar estilo. MJ suele acudir a festivales a exponer sus diseños aunque no vive de ello, pero lo hace por iniciativa para lograr que cada cliente que compre su producto se

lleve una pieza única que tenga algún sentido personal. Sus proyectos personales los expone con frecuencia en medios virtuales, como Behance, Deviantart, Linkedin y Facebook.

Estilo

Sus ilustraciones manejan un estilo con el cual MJ Da Luz se ha dado a conocer y llega a ser reconocible sin importar el tipo de ilustración que sea. Inspirada en grandes ilustradores y otros no tan conocidos con estilos sintetizados, que a pesar de emplear colores sólidos y figuras cerradas pueden dar sensación de profundidad y sus obras resultan más elaboradas de lo que muestran a simple vista. María José se basa en figuras simples y geométricas, siendo un arte muy estilizado y definido, plano y de colores sólidos, aunque a veces emplea gradientes y texturas. Sus personajes suelen tener los ojos separados, pómulos colorados y una actitud juguetona.

Proceso

María José empieza el proceso de ilustración de la manera en que todos deberíamos empezar, haciendo bocetos a mano con lápiz, que luego repinta con marcador oscuro para luego escanearlos y comenzar a trabajar de forma digital, en Illustrador si es ilustración o desde Photoshop cuando planea realizar un fotomontaje.

Influencias

Algunos de sus trabajos se inspiran en personajes famosos de libros, series o películas, como Caperucita Roja, Jack Sparrow, Ghostbusters, Alicia en el país de las Maravillas, Game of Thrones, The Avengers, Rainbow Brite, Star Wars, los personajes de Disney y muchos más. Cuando son ilustraciones creadas desde cero sus personajes tienen personalidades reconocibles en sus gestos faciales y por lo general son monstruos, animales o simples personitas. Los fondos son bien cuidados, a veces son planos de un color porque se quiere resaltar a los personajes y en otras ocasiones son un poco más elaborados para que interactúen, siempre manteniendo su tan característico estilo de ilustración.

¿Qué pasa por su cabeza cuando ilustra?

La pasión ha sido la clave del éxito para María José, ya que el amor por lo que se hace distingue a los buenos artistas de los excelentes, ella disfruta ilustrar y siente que más que una labor es un pasatiempo, un método para liberarse y botar estrés, algo así como una cápsula de

04 01. Buhos Shirley. Ilustración vectorial. 2012. 02. Buhos. Ilustración vectorial. 2013. 03. Helados. Ilustración vectorial. 2013. 04. Wild things. Ilustración vectorial. 2012.

18 Entrevista MJ Da Luz

¿Qué pasa por su cabeza cuando ilustra? Esta es una de las preguntas que le realizamos a Maria José Da Luz, una ilustradora costarricense.

Por: Mauricio Jiménez

Diseñadora gráfica de título,

ilustradora de corazón.

Imagen: Brave. Ilustración vectorial basada en una película de Disney, con su personaje principal Mérida. 2013.

artista del momento

“Potato Farm Girl”

Brianne Drouhard

Brianne Drouhard quizá no sea muy famosa pero a ganado reconocimiento en el medio de la animación por su singular estilo y en la cantidad y calidad de su trabajo ya sea en animación, comics, videojuegos, videos musicales, ilustraciones o en proyectos pequeños. Nota Por: Ruben F. Delgado

Es una artista, animadora, ilustradora y diseñadora de personajes, su estilo es conocido por ser ridículamente adorable y a trabajado en multitud de medio para muchas compañías, algunos de sus trabajos son: “Amesthyst la princesa del Gemworld” “La Robot Adolecente”, “Scooby Doo”, “Teen Titans”, The Avengers E.M.H. “Transformers Animated” y algunos trabajos como FreeLancer en cortos como “Dr. Lollypop” y la canción “Space unicorn” de Parry gripp, ella además a hecho algunas animaciones originales y publico su propio libro de cuentos “Billie el unicornio”. Gano un premio por ilustrar “The Teenage Survival Handbook” y entre sus animaciones se encuentran “Yippie, the Accident Prone Dog, My Little World” por los cuales también a Ganado premios y reconocimientos. Ella es fan del anime y los video juegos entre otras cosas.

10.

Editorial salamand

Artista del momento

En esta nueva versión Amy Winston una niña normal entra en un videojuego en el que se convierte en la princesa/heroína del Gemworld un mundo medieval infestado con monstruos, joyas mágicas y villanos.

Billie the Unicorn Billie es el libro de cuentos escrito e ilustrado por Brianne Drouhard, es el tipo de libro lleno de aventuras mágicas y encantadoras con las que los niños sueñan y esta lleno de lecciones como que el pasto no es mas verde del otro lado.

El libro también posee unas bellísimas ilustraciones que parecen sacadas de una película animada y que por si solas ya serian razón suficiente para echarle un vistazo al libro.

DR. Lollypop Es un corto creado por Miss Kelly Martin y dirigido por Aliki Grafft con diseño de personajes por Brianne Drouhard, producido por Frederator Studios! y transmitido en el canal de YouTube Cartoon Hangover, alcansando gran popularidad

El corto presenta las aventuras medicas del doctor Lollypop un unicornio mágico con un titulo en medicina, su ayudante Coco una mapache con una motosierra y su paciente un velociraptor que devoro a la Caperucita Roja y al Lobo Feros.

Editorial salamand

11.

Diseñadores Graficos

LOVE SHINE

Amethyst

DR. Lollypop

Brianne Drouhard Brianne Drouhard quizá no sea muy famosa pero a ganado reconocimiento en el medio de la animación por su singular estilo y en la cantidad y calidad de su trabajo ya sea en animación, comics, videojuegos, videos musicales, ilustraciones o en proyectos pequeños. Info: Ruben Delgado

Ilustarcion: Brianne D.

P10. DG

Gano un premio por ilustrar “The Teenage Survival Handbook” y entre sus animaciones se encuentran “Yippie, the Accident Prone Dog, My Little World” por los cuales también a Ganado premios y reconocimientos. Ella es fan del anime y los video juegos entre otras cosas.

LOVE SHINE Video musical que hiso utilizando la canción “Love Shine” de Dance Dance Revolution y creando un video con sus personajes originales la bruja Tricky y el sapo Gorf.

TEEN TITANS Brianne fue diseñadora de personajes en las exitosa series de televisión basada en los héroes de DC Conics “Teen Titans”, “New Teen Titans“ y “Teen Titans Go!“ pera el bloque DC Nation en Cartoon Network.

Diseñadores Graficos

Space Unicorn

“Potato Farm Girl” Billie the Unicorn Billie es el libro de cuentos escrito e ilustrado por Brianne Drouhard, es el tipo de libro lleno de aventuras mágicas y encantadoras con las que los niños sueñan y esta lleno de lecciones como que el pasto no es mas verde del otro lado, el libro también posee unas bellísimas ilustraciones que parecen sacadas de una película animada y que por si solas ya serian razón suficiente para echarle un vistazo al libro.

DR. Lollypop Un corto creado por Miss Kelly Martin y dirigido por Aliki Grafft con diseño de personajes por Brianne Drouhard, el corto presenta las aventuras medicas del doctor Lollypop un unicornio mágico con un titulo en medicina y su ayudante Coco una mapache con una motosierra, operando a su paciente un velociraptor que devoro a Caperucita Roja y al Lobo.

Amethyst: Princess of Gemworld Amethyst: Princess of Gemworld También para el bloque DC Nation, Brianne se dedico al diseño de personajes, storyboard y animación de esta serie de cortos basado en un antiguo comic de DC, en esta nueva versión Amy Winston una niña normal entra en un videojuego en el que se convierte en la princesa/ heroína del Gemworld un mundo medieval infestado con monstruos, joyas mágicas y villanos.

Space Unicorn Ella creo el video musical para la canción “Space Unicorn” del músico Parry Gripp quien suele hacer canciones cómicas y extravagantes para YouTube como “Do You Like Waffles?”.

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DG P11.

AArte

Moda

Brianne Drouhard “Potato Farm Girl” meow!!!

catwoman

Por: Ruben Delgado

Yipy!!!

dc nation

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batgirl

Arte

Moda

harley quinn

wonder woman

mr. â&#x20AC;&#x153;jâ&#x20AC;?!!!

super best friends forever

Teen titans go!

zatara

Amethyst

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Alumnos(as) Alfredo Sequeira Carmen Ramírez Christian Campos Claudio Abarca Daniela Elizondo Flavio Méndez José María Ramírez Juan Pablo Méndez Kimberly Quesada Luis Diego Orozco Luis Diego Romero Marcia Taborda María José Roldán María Matamoros Mariana Acuña Mauricio Jiménez Rubén Delgado