Polos e Interferencias_ Ex alumnos de la Escuela de Artes Visuales UNIACC by Escuela_Artes_Uniacc

Sala de Arte CCU presenta “Polos e Interferencias” de las/los artistas Javier Mansilla, Javiera Fréraut, Nicolás Orellana, Sebastián Valenzuela, Katherine Orozco y Nicolás Fuentes, acompañados por los artistas profesores Ingrid Wildi, Rodrigo Araya, María José Rojas y Rodrigo Vergara. Con esta exhibición, continuamos con nuestro calendario de exposiciones de este año. Esta exposición representa la línea conceptual que la Escuela de Artes de la UNIACC plasma en el quehacer de estos jóvenes artistas. Bajo los conceptos de paisaje, materia prima, transformación de la materia y composiciones arquitectónicas, las obras de estos 6 artistas proponen una estética enmarcada en las problemáticas locales actuales, en donde se hacen notar las experiencias de cada uno en su desarrollo como personas reflexivas de su entorno. Cada una de estas miradas, aborda contingencias asociadas al arte contemporáneo pero con una mirada individual que impacta en las formalidades y vocabularios que van desde la naturaleza intuitiva hasta la mecanización tecnológica de los recursos.

En ese sentido, podemos ver que la obra de Nicolás Fuentes juega con los dispositivos tecnológicos más próximos para dar cuenta del mecanicismo de los elementos que la componen en sí misma: codificaciones, la digitalización y las ondas electromagnéticas. Javiera Fréraut va a lo más puro de las cosas, dotando a la materia prima como conducto que carga historia y memoria, pero que a la vez, sufre de los desgastes del tiempo. Javier Mancilla retrata el agotamiento que puede tener nuestra naturaleza actual devenido del uso reiterado de sus espacios y la forma en que el paisaje es evaluado por su economía más que por su memoria. Nicolás Orellana por su parte, logra codificar el acto urbano de pintar a través de la mecanización higiénica de la acción reflejada en los grafitis, piensa sus pinturas a partir de la experiencia visual para plasmarla en objetos híbridos capaces de asimilar el soporte en la que se les ubica. Katherine Orozco trabaja con lo más sensible de los objetos, observandolos como piezas de memoria que de alguna forma construyen entre sí mensajes codificados de vidas pasadas, es por ello, que su acto de unir a pesar de los embates corrosivos del tiempo, concluye en tramas de esculturas forzadas. Sebastián Valenzuela pone en cuestión el acto de ver a partir de lo que culturalmente estamos acostumbrados. Aborda el concepto de exhibir desde el coleccionismo y el sistema de montaje que amplia las posiblidades de discusión, su sentido y signifcación del modo de percibir una obra, aboliedo límites entre sujeto y objeto. Desde el 14 de agosto al 28 de septiembre de 2018, “Polos e Interferencias” estará en exhibición en el interior de la Sala de Arte CCU.

Creada en 2008, la Sala de Arte CCU se ha propuesto ser un referente en la escena cultural chilena, a través de proyectos que pongan énfasis en expresiones de vanguardia fundamentados en los planteamientos teóricos actuales de las artes visuales. Nuestro calendario expositivo se ha enfocado a la exhibición de trabajos cuyas propuestas sean innovadoras y que se involucren espacialmente con la sala. En CCU reafirmamos nuestro objetivo de “Acercar el arte a la Gente”, realizando un trabajo bien hecho por el bien de las personas y nuestra forma de transmitir esa filosofía es dando a conocer los proyectos de nuestros creadores más destacados, jóvenes y consagrados, comunicando sus técnicas y apoyando sus actividades a lo largo de todo el país. Desde hace más de 20 años ese ha sido nuestro desafío, que con esfuerzo intenta promover múltiples generaciones de artistas, aportando al disfrute y conocimiento de toda la sociedad. Con esta exposición damos un nuevo paso en esta aventura, a través de la muestra y difusión de obras de diversos artistas. Asimismo, seguimos en la senda que nos hemos planteado, apoyando nuevas propuestas, con la mirada puesta en el futuro, en nuestro interés permanente por contribuir como empresa a gratificar responsablemente a nuestros consumidores. CCU S.A.

TEXTOS Y OBRAS

INTRODUCCIÓN por Rodrigo Vergara

“Cuestionar los sistemas de orden y en cómo estos se nos presentan, buscar sistemas de orden alternativo, entender el mundo como un complejo de configuraciones y no de datos aislados. Se trata entonces de explorar lo que no sabemos, en lugar que solamente tener que explorar lo que saben otros. Tenemos que entender que lo conocido es solamente un pequeño trampolín, desde el cual nos podemos lanzar a ese campo fascinante que es la ignorancia”. Luis Camnitzer

La Escuela de Artes Visuales de la UNIACC tiene como objetivo formar artistas polivalentes en las distintas áreas de lo que llamamos el sistema del arte. Tanto las prácticas artísticas validadas en sus operaciones, como en la gestión y la producción de este. Todo esto avalado en una malla académica que se caracteriza por su vinculación con la tecnología. Le proponemos al alumno ser crítico respecto a lo que lo rodea, volver a mirar y generar sus trabajos desde tópicos como la biografía, la materialidad, la historia y el análisis social. A través de una convocatoria realizada por la escuela a sus exalumnos, se recibieron una cantidad importante de portafolios, que analizados por un grupo de artistas-profesores (Ingrid Wildi, Rodrigo Araya, María José Rojas y quien escribe) buscamos dar con un conjunto de obras que pudieran ejemplificar las inquietudes que la misma escuela trata de imprimir en sus estudiantes. Ingrid y Rodrigo escribieron cada uno un texto que enmarca en sus reflexiones, los alcances posibles de las obras presentadas hoy en la Sala de Arte CCU. Escritos que hoy completan el presente catálogo. Al final Polos e Interferencias nos enorgullece en cuanto a calidad artística, frescura y seriedad, sus planteamientos logran ser un aporte tanto para el medio de las artes, como para sus compañeros que los siguen hoy en generaciones más jóvenes, demostrado así el compromiso que tenemos tanto para nuestros estudiantes, como para el medio artístico que hoy a estos artistas les toca desenvolverse.

POR MEDIO DE LA COMPOSICIÓN DE UN TODO POR LA UNIÓN DE SUS PARTES por Ingrid Wildi Merino Las/os artistas Javier Mansilla, Javiera Fréraut, Nicolás Orellana forman parte de un territorio conceptual desde la curatoría sobre “Polos” como “transferencias” por el uso de materialidades conjugándolas con narrativas tanto personales como problemáticas locales y globales que son parte de la muestra en la Sala de Arte CCU “Polos e interferencias”. Desde el análisis curatorial se analizan las formas y dialécticas interpretativas del grupo de artistas, sobre problemáticas locales desde la producción con materias sintéticas y naturales. Bajo los términos de paisaje y naturaleza, materia prima cobre, sistemas de desgastes, construcciones fragmentarias, narrativas abstractas y arquitecturas vernaculares, desarrollan su trabajo artístico por medio de la composición de un todo por la unión de sus partes.

En el grupo de “Polos” las/os artistas le dan forma a problemáticas complejas sobre realidades contemporáneas bajo el desarrollo de modernidad tecnológica, desde lo que podemos definir como sintético de lo natural. Tanto la definición de paisaje como forma estratégica, nos conlleva a pensar desde Chile sobre la materia prima cobre que alimenta al mundo moderno desde su propiedad conductiva para la tecnología mundial. Desde ahí se producen constructos de arquitecturas vernaculares donde sus habitantes, sobre todo jóvenes, realizan narrativas en los muros para comprender y darle sentido a su realidad como una posibilidad de habitar, desde esta misma tecnología y economía, el acto de construcción urbanística, arquitectural. Los artistas con el desarrollo de sus obras en “Polos” problematizan estas ambigüedades desde sus trabajos. “Proponiendo pensamientos fronterizos siendo uno de los caminos posibles al cosmopolitismo crítico y a una utopística que nos ayuda a construir un mundo donde quepan muchos más mundos” (Walter Mignolo, p.58)1 . La obra de Javier Mansilla se enmarca desde la pintura hacia los desplazamientos volumétricos, escultóricos y objetuales, analizando y problematizando su representación desde las dicotomías entre realidad versus ficción, sintético versus orgánico, naturaleza versus paisaje, salvaje versus domesticado. Mansilla cuestiona las problemáticas medioambientales en nuestra realidad local, lo que conllevan a trabajar con materiales de desecho, desarrollando un tipo de estética precaria

de imaginarios cotidianos reutilizando objetos de uso ordinario para cuestionar problemáticas que trascienden lo medioambiental y se conecten al transito migratorio de personas. Uno de sus primeros trabajos pictóricos realizados en Nueva Zelanda, donde residió en una estadía en Workingholiday, realizó el proyecto I Hope you like it (Espero que te guste) realiza retratos pintados de personas migrantes sobre formularios para la obtención de tarjetas de New World, customer card, exponiéndolas en la Galería None en Duniden en Nueva Zelanda. Esta obra lo conllevó a realizar más tarde, retratos de migrantes en contextos populares como método de diálogo con comunidades migrantes en Santiago de Chile. Con este trabajo Mansilla nos muestra diferentes maneras de entender el mundo en cual vivimos sobre los desplazamientos de personas buscando un territorio habitable, dando a ver diferentes formas de existencia por parte de personas migrantes. Mansilla pone en cuestión el medio de la pintura como representación desde la historia del retrato en Chile principalmente a partir de lo pictórico, pero sin dejar de aludir al dibujo, color y composición. En su trabajo posterior, el paisaje se transforma en el escenario y origen de la vida. Así, kilómetros de paisaje contenidos en una acuarela del pintor chileno Valenzuela Llanos, pasan a representar el paisaje dominado, el paisaje domesticado, el paisaje saqueado y contaminado: plástico, agua, barro relacionándolo con lo sintético y lo orgánico posicionándolo con la visión del artista desde una perspectiva

ecológica. El trabajo fotográfico de Javier Mansilla para la muestra en la Sala de Arte CCU, pone en cuestión los términos “paisaje” y naturaleza. Una gran imagen que hace eco a las gigantografías publicitarias para futuros proyectos de inversionistas inmobiliarios, deviene en una voluminosa fotografía, re-trabajada por el artista anticipando el devenir de la naturaleza en “paisaje” para fines de lucro. El trabajo de Mansilla nos recuerda el proceso de colonización de Chile y el uso del término “paisaje” como clave para comprender la configuración espacial de la nación en la época de la colonia. Desde la historia sabemos los mecanismos de la colonización, se encargó de apropiarse de cada fragmento del territorio chileno aún no colonizado, mapeándolo, catalogándolo, transcribiéndolo y dibujándolo desde cada uno de sus detalles, para más tarde, volverlo digerible para el sistema económico. Con la obra titulada Topografía senil, realizada para la muestra en la Sala de Arte CCU, Mansilla nos hace ver como la representación de un paisaje se disuelve y se contrapone al marco dado para su representación como obra de arte para un salón de exposición. La forma que Mansilla utiliza para el desarrollo de este trabajo, es dar a ver cómo la compresión de una representación al quererla comprimir en una superficie mucho más pequeña, la superficie pierde su consistencia desasiéndose hasta colgar y caer fuera de su marco y contención.

La obra de Javiera Fréraut cuestiona las propiedades y funciones de los materiales utilizando la metáfora del desgaste y deterioro de transmisión de sensaciones y pérdida de contenidos. En palabras de la artista: el estado actual de un material se va transformando naturalmente y/o a través de intervenciones realizadas artificialmente, demostrando como resultado la pérdida y cambio en un determinado tiempo. Este es un proceso que ocurre en etapas sucesivas de intervenciones sobre la materia, originándose nuevas capas de transformación, reduciéndose y extrayéndose de un objeto, parte del cuerpo original de su esencia. El ciclo de transformación de la materia en algo diferente, mediante ciclos naturales y procesos de intervención artificial son el resultado final que impide reconocer parte de la condición inicial obliterando la historia original. Javiera Fréraut, trabaja con la materia prima cobre, realizando intervenciones, donde metafóricamente cuestiona la pérdida de imaginarios históricos-culturales en las superficies de ese metal. La artista origina desapariciones de imágenes de su propia historia relacionadas con la historia del campamento minero Chuquicamata, ubicado en el norte de Chile (II Región de Antofagasta), donde Fréraut vivió en su infancia. Actualmente el campamento minero Chuquicamata es un pueblo fantasma en un lugar que fue una grandiosa ciudadela autosuficiente símbolo de “el salario de Chile”. La artista mediante su historia subjetiva y materialidad del cobre ha realizado diversos trabajos, a través de diferentes técnicas hasta el oxidamiento de superficies,

como símbolo del deterioro de transmisión de sensaciones. En una de sus primeras obras realiza una instalación titulada Hasta Siempre Chuquicamata, en la cual reproduce 15 imágenes impresas en papel fax, sobrepuestas en una pared blanca. Estas imágenes fueron intervenidas con la luz de un equipo que proyectaba sobre ellas, un mapa antiguo del terreno del campamento. El papel fax fue deteriorándose lentamente con el calor propio de la luz del proyector. Aquí se expresa la acción del desgaste en la descomposición del papel fax (quedando de color negro y de textura seca quebradiza), bajo un concepto de “fugacidad en el tiempo”, es decir, aquello que es pasajero, que dura poco tiempo, expresándose de forma alterada y/o acelerada la pérdida en donde se impide transmitir la información contenida en la materia. Para la exposición en la Sala de Arte CCU, con la obra Infrasonidos del cobre, la artista trabaja con las problemáticas de desgaste y memoria. Esta instalación se conforma de un sistema artificial sonoro con tubos de cobre, instrumentos musicales, micrófonos, los cuales reproducen de manera diferencial sonidos, de acuerdo a motores de aire externo instalados en las tuberías de cobre. Con un amplificador de sonido y micrófonos cercanos a la salida de aire de los instrumentos musicales de viento, se escucha la circulación del aire desde los instrumentos musicales. También en una de las tuberías de cobre instala una pequeña pantalla video mostrando el incendio provocado intencionalmente, el 2 de junio de 2018 a las 2 a.m. a la casa dos mil, conocida como “special A”. Propiedad declarada monumento

histórico nacional, la cual acogía personalidades gubernamentales, nacionales e internacionales. Diseñada por norteamericanos, en su ocupación en los años cuarenta y replicada en los setenta, situada en el ex campamento minero Chuquicamata. El artista Nicolás Orellana, interesado en construcciones fragmentarias y arquitecturas vernacularias, deconstruye diversos elementos urbanos como señaléticas, utilizando el grafiti y diferentes materiales. Orellana construye elementos fragmentarios en dimensiones variables, desde materiales comprados, encontrados, robados, cortados, rearmados, readecuados, re-articulados, desarrollando formas volumétricas variables, incorporando manchas para replicar la estética de los paraderos y kioscos rayados con grafiti en las calles de diferentes barrios periféricos en Santiago de Chile. Cortando planchas de metal, re-pintándolas y re-grafiteándolas con spray, forma objetos complejos con historias urbanas. En sus primeros trabajos utilizó el grafiti sobre papel, re-apropiándose de dibujos de su hermano grafitero y pensando en reutilizarlos como material de trabajo para generar palabras. Mucho más tarde desde su interés por el grafiti lo empleó como elemento para rayar paredes en el entorno de Lo Barnechea donde habitaba, para grafitear ocupando “las técnicas del spray”. Así fue que se inició como grafitero con sus amigos que llevan los seudónimos Minf, Maneos, Horse, Dark mind y Agresor. En Chile durante las décadas de 1990 al 2000 habían grafiteros que

sin permiso ninguno realizaban grafitis en las poblaciones, al respecto el grafitero Banksy señala: “Los mayores crímenes en el mundo no son cometidos por personas que desafían las reglas. Estas son las personas que siguen las órdenes que tiran las bombas y masacran las ciudades. Con la precaución de nunca cometer actos mayores catastróficos, es nuestro deber solemne nunca hacer lo que nos dicen, es la única manera de estar seguros”. Entre anarquismo y emoción estética Nicolás Orellana comienza ha observar y analizar las formas, colores, composiciones de los grafitis, mientras viaja desde Lo Barnechea a la escuela en La Florida. Desde la ventana del transporte público, alimentándose de una cultura visual popular, recuerda que “en esos barrios predominaba el color Aluminio y las tipografías eran más agresivas. Allí los grafiteros pintaban sobre otros soportes, desde cortinas de fábricas, micros amarillas completamente rayadas. Los grafitis de esos barrios de la ciudad eran, como “cuadros abstractos”. También sus recorridos desde la población, en el cerro 18 sur, de Lo Barnechea donde Orellana vivió 25 años, observa las construcciones de esos barrios. Las casas-block originalmente se transformaba en cuatro viviendas más, cuando los hijos devenían mayores las casas se ampliaron, así las construcciones se convirtieron de modo vernacular”. Lo que podemos llamar construcciones Paracitales (I. W. Merino) que se han construido como soluciones para una mayor espacialidad en las casas de las poblaciones en los barrios periféricos de Santiago de Chile, también podemos pensarlas como arquitecturas

de bajos recursos económicos, donde jóvenes arquitectos se han dejado inspirar para sus arquitecturas contemporáneas. Posiblemente desde esta experiencia Orellana comienza a visibilizar las formas de construir elementos complejos geométricos híbridos con material de recuperación adjuntándolo a estructuras prefabricadas y montando elementos, superficies pintadas con spray y grafiti que puedan recordar a las esculturas de expresionismo abstracto que enfatizaban, la pintura como objeto, en lugar de la pintura como representación de algo, siendo éste un objeto en el mundo físico, o algo en el mundo sensible o emocional. La pintura como objeto, en lugar de la pintura como representación de algo, siendo éste un objeto en el mundo físico, o algo en el mundo sensible o emocional del artista. Un cuadro es “una superficie plana con pintura en ella, nada más”, utilizando simplemente el patrón de una pincelada y también utilizando la pintura común de una casa (Frank Stella). Lo cual para Orellana ha sido una referencia, pero con otra mirada significativa desde su experiencia vivencial en barrios periféricos de Santiago de Chile cargados de una memoria histórica popular. Esto hace que, por ejemplo, lo que llamamos conceptualismo del Sur, sea comprendido con este modo de experiencias, las cuales le dan otro sentido a las estructuras conceptuales, híbridas abstractas desde América latina por su historia, materialidad, forma de construcción y composición. Los grafitis como pintura y muros como objetos de Orellana, van más allá del objeto de diseño como estructura o superficie pictórica, transformándose en fragmentos, cuerpos híbridos coloridos con historias por descifrar. Podríamos decir que

pertenece a la forma de dejar impreso un patrón de huellas, refiriéndose a la lógica del índex. Con la obra Ensayos para un regreso AM a mi casa, block 785 para la exposición en la Sala de Arte CCU, Nicolás Orellana construye una máquina con un alfabeto con palabras en estilo de “tags” con control arduino, conteniendo diferentes tubos de spray, con el objetivo de escribir “pangramas”, tipografías “que contienen todas las letras del abecedario en Castellano para la realización de poemas”. A través de un computador, dirigiendo por control arduino, Orellana escribió en forma de grafiti “tags”, en 3 blocks de 10, 13 y 5 líneas, en un muro de 4.30 x 13,80 metros. Dejando en el gran muro de la CCU a escala de 3 x 13 metros, con un grafiti en block un poema y otros dos blocks con puntos y líneas. El poema dice: Ero descontextualizado toma whisky para bajar puñales que activen. Al lado del gran muro expone la máquina dispuesta a ser re-utilizada. Desde este trabajo el cuerpo del grafitero (sujeto) ya no está presente, por medio de la tecnología se hará visible, para la construcción de un próximo grafiti.

1. Mignolo, Walter. Historias locales / diseños globales. Colonialidad, conocimientos subalternos y pensamiento fronterizo. Madrid: Akal, 2003.

JAVIER MANSILLA

TOPOGRAFÍA SENIL Impresión tela PVC y marco de pino oregón. Fotografía impresa de 5 x 4 metros, enmarcada en un perímetro de 2x3 mts. 2.0 x 3.0 x 1.0 mts. 2018

STATEMENT La fotografía muestra un paisaje de la Panamericana norte, 4,8 km al norte de la localidad de Rungue, en la comuna de Til Til, lugar que sufre diversos problemas medioambientales “ Las personas de dicha localidad viven día a día con olor a excremento y escasez de agua producto de la gran cantidad de industrias ubicadas alrededor de la zona. Vertederos, una planta de tratamiento de aguas, una de rellenos sanitarios y una faenadora porcina son los vecinos… La causa es un plan regulador permisivo, el que incluso permite el asentamiento en el futuro de otra empresa. Esta vez, dedicada al reciclaje y tratamiento de residuos industriales peligrosos”. La fotografía registra una vista del paisaje, donde aprecian cerros con vegetación de la zona central (bosque espinoso) en estación seca. Los cerros y vegetación conviven con huellas de asentamiento humano como la carretera, cables y torres de alta tensión. Rejas divisorias de terreno y algo de escombros al costado de la berma. En suma a lo anterior, el trabajo involucra una reflexión en torno a la pintura. Al ejercicio de la figuración y la representación. Una observación, en principio, bastante técnica que se refiere a la pérdida que existe en la relación Modelo-Representación. Lo que se pierde cuando se pasa de la realidad tridimensional, al plano bidimensional.

El trabajo hace hincapié en la distorsión que implica traducir un paisaje gigante a una pequeña acuarela. En lo absurdo que puede sonar tener kilómetros de extensión contenidos en una diapositiva de 35mm. Es, un poco, pensar en la validez que tiene hoy el ejercicio de la representación y buscar una representación “más realista aún”, donde lo representado, lo que se quiere representar, estos paisajes, son tan grandes que como no caben en el soporte, lo desbordan. Y se inflan, y adquieren relieve y se distorsionan. Así surge el volumen como una posibilidad de una representación “más realista”, cruzándose con la escultura. Esto último ha sido objeto de análisis en los últimos años. Buscar cualidades volumétricas en la pintura y poder trascender la mímesis y experimentar otros elementos como lo blando, lo arrugado o lo líquido. Necesariamente estos experimentos requieren el uso de materiales, más allá del pigmento y la tela. Así la inclusión de materiales orgánicos, y desechos han integrado a la investigación una nueva dimensión que tiene que ver con problemas ecológicos o políticos actuales que se verán siempre reflejados en nuestro paisaje.

OBRAS ANTERIORES

EN EL HORIZONTE DE MI MENTE SE HA ESCONDIDO EL SOL Impresión en tela PVC y marco. Medidas variables. Galería Moto, 2009 LOST IN TRANSLATION Impresión en tela PVC y marco. Medidas variables. Galería Panam / Ch.A.C.O, 2017 ESPERANZA POST APOCALIPSIS acrílico sobre collage de bolsas plásticas. 1.30 x 1.00 mts. 2017 JUBAEA CHILENSIS Acrílico sobre bolsa plástica. 0.70 x 0.50 mts. Estudio Panal, 2015 CERRO CHENA acrílico sobre bolsa plástica y troncos encontrados 0.90 x 0.90 mts. 2017

CURRÍCULUM Javier Mansilla Calderón (Santiago, 1984) Junto a su producción de arte contemporáneo se desempeña como baterista de diversos proyectos de rock –publicando álbumes y presentaciones en vivo- y trabajando en producción y montaje para diversas instituciones culturales, museos y artistas particulares. Su práctica artística se desarrolla desde la pintura hacia los desplazamientos volumétricos, escultóricos y objetuales. El paisaje y la naturaleza cruzan la mayoría de su quehacer, enfatizando en el choque humano vs. naturaleza, sintético vs orgánico, salvaje vs domesticado. La reflexión en torno a problemas medioambientales lo ha llevado a trabajar con materiales de desecho, convirtiéndose esta metodología en una declaración de principios y al mismo tiempo en un rescate e investigación en torno a estéticas precarias y “Póveras”. De aquí es que aparece el uso de un imaginario cotidiano -a través de la reutilización de objetos de uso ordinario-, pudiendo cada trabajo adentrarse en problemas que trascienden lo medioambiental para entrar en diversas subjetividades. Participa tanto del circuito de arte contemporáneo institucional como del independiente de Santiago, en regiones y en el extranjero. De sus muestras individuales destaca “En el horizonte

de mi mente se ha escondido el sol” el 2009 en Galería Moto (CL), “I hope you like it” el 2013 en None Gallery (NZ), “Rubbish Bag Works” el 2015 en Nada Lokal, Vienna (AUT), “Poemas dentales Vol.1” el 2018 en Parque Cultural de Valparaíso (CL). De sus muestras colectivas destaca “Haciendo días” curada por Juan José Santos en el Centex Valparaíso. “Aproximación Visual al Territorio” curada por Andrés Grillo en la Biblioteca de Independencia. “Espacios Revelados” curada por María José Cifuentes, Enrique Rivera y Fundación Siemens. “Sub30 pintura joven en Chile” en el MAC Quinta Normal.

JAVIERA FRร RAUT

INFRASONIDOS DEL COBRE Tubos y fittings de cobre, instrumentos musicales de bronce, micrรณfonos y parlantes. 2.4 x 3.5 x 4.0 mts. 2018

STATEMENT Mediante la problemática de desgaste de materiales y su pérdida de capacidad de transmisión (en este caso espectro audible), en esta instalación se construye un sistema artificial sonoro con los tubos de cobre, e instrumentos de viento. El fluido del sonido es producido por la vibración del viento generado por unos ventiladores de procesador. La masa de aire al interior de los tubos de cobre viajan entre las conexiones, los sonidos se reproducen de manera diferencial, descomponiéndose, generando así su transformación y finalmente perdiéndose.

OBRAS ANTERIORES

RETROSPECCIÓN Instalación con tubos de cobre, conectado de una pared a otra. Medidas variables. 2013 EVOCACIÓN Instalación con tubos de cobre, tierra de color y goma caucho. 2.06 x 2.07 x 1.21 mts. 2016 (DES) CONEXIÓN Instalación con tubos de cobre, tubos de bamboo y tubos de pvc. Medidas variables. 2016

CURRÍCULUM Javiera Fréraut R. (Santiago, 1988) A pesar de nacer en Santiago, por motivos de trabajo de su padre, la familia se traslada en el año 1995 al norte del país, al campamento minero Chuquicamata ubicado en II región de Antofagasta. Tras una estadía en Inglaterra, por motivos de intercambio escolar, comienza a experimentar en el área de las artes. Después del cierre del campamento minero ingresa a la Escuela de Artes Visuales de la UNIACC, donde estudia y Animación Digital y Efectos Especiales el año 2012, luego cursa el diplomado en Arte y Estética el 2013, encontrando su vocación en las Artes Visuales el 2013. El 2013 participa en talleres de Grabado junto a la artista Daniela Quiroz y la artista Javiera Moreira. Realiza su práctica en los años 2013 y 2015 en Feria CH.ACO incorporándose al equipo de producción del evento. El 2016 participa en las tutorías anuales del Taller Bloc. El 2017 participa junto al pintor y muralista Juan Echenique y la empresa M & F DE MAELE LIMITADA en la restauración del mural de la Parroquia Santa Rosa en Comuna Lo Barnechea, Santiago, Chile.

Actualmente es licenciada en Artes Visuales y Fotografía (2018), se dedica a las instalaciones y trabaja con la problemática de las técnicas del desgaste en base a conceptos de pérdida de transmisiones de las sensaciones humanas. Aplica diversas técnicas a sus intervenciones esperando resultados que revelen procesos como la obliteración visual, la conexión y desconexión de datos y la descomposición de la materia. Estos conceptos se anclan a experiencias propias que abarcan aspectos como la pérdida de un lugar histórico-simbólico y también a condiciones particulares de su capacidad auditiva.

NICOLÁS ORELLANA

ENSAYOS PARA UN REGRESO AM A MI CASA, BLOCK 785 Fierro, spray, Arduino mega, servo motores, spray sobre muro. 13.0 x 3.0 mts. 2018

STATEMENT El trabajo obedece a una fijación por el orden y caos establecido por la sociedad, desarticulando signos de carácter conductuales, decontruyendo y abstrayendo su significado para la construcción de elementos visuales, los cuales mezcla referencias de la arquitectura vernácula y materiales industriales, por otra parte reorganiza y construye piezas graficas elaboradas con grafitis, técnica que no fluye con un determinado orden en su disposición en la ciudad, para generar obras que deambulan entre pintura, escultura y geometría, generando un equilibrio entre orden, caos y deconstrucción. Ensayos para un regreso AM a mi casa bloc785 es el nombre que recibe la instalación de 5 latas de spray sobre un riel, las cuales producen tipografías a partir de puntos con motores controlados con Arduino. Este nombre nace a partir de la experiencia del artista como grafitero entre 2000 y 2010, desplazando sus ensayos tipográficos con plumón sobre papel a los muros de la Sala de Arte CCU, bocetos que siempre pensó para la elaboración en el regreso AM a su casa, en el block 785, la madrugada es una instancia apropiada para realizar esta operación ya que no transita mucha gente en la calle. Desarrollará una serie de “pangramas” que es un texto que emplea todas las letras posibles del alfabeto de un idioma, el ejemplo típico que utiliza Windows es: El veloz murciélago hindú comía feliz cardillo

y kiwi. En este caso elabora poemas a partir de frases que develan su postura cuestionadora frente al grafiti en galerĂas y reflexiona acerca de su propio contexto.

OBRAS ANTERIORES

MURO PLEGABLE ROJO (5H) Maqueta, mdf (corte lรกser), cartรณn, aerรณgrafo. 24 x 60 cms. 2017 CHESTERTON Placa de acero 2mm, adhesivo reflectante. 45 x 50 x 22,5 cms. 2018 RECUERDO DEL PRIMER Dร A DE CLASES 7.000 tornillos negros, mdf. 120 x 120 cms. 2013 KM3 Placa de acero 2mm, metalcom, adhesivo reflectante. 65 x 40 x 39 cms. 2018

CURRÍCULUM Nicolás Orellana Montero (Santiago, 1985) Estudia artes en el Colegio Experimental Artístico de Las Condes, donde fija su interés por la pintura, paralelamente desarrolla una afinidad por el mural callejero, puntualmente el grafiti, técnica que desarrolla entre 2000 y 2010. Ese mismo año, ingresa a la Escuela de Artes Visuales de la UNIACC, donde su trabajo pictórico y grafitero sufre cambios considerables, aparece la abstracción, geometría y el cambio de soporte. En los últimos años, su trabajo ha derivado en lo instalativo, múltiples esculturas construidas con materialidades provenientes de la construcción y lo urbano, elementos como el volcometal, fierros, volcanitas, tornillos, grafitis, señaléticas y dispuestas en distintos puntos logran entrelazar, dibujo, geometría, abstracción, pintura y escultura, estos volúmenes a la vez citan a la arquitectura vernácula, en su modo de construcción entre lo desregulado e improvisado.

POST ALMA MATER por Rodrigo Araya

La exposición Polos e Interferencias corresponde a un trabajo curatorial con ex-alumnos de la Escuela de Arte UNIACC, con el objetivo de dar a conocer e intercambiar el conocimiento generado por la práctica del arte contemporáneo de los estudiantes egresados de esta escuela. Uno de los motivos principales de la exposición, fue convocar a exalumnos pertenecientes a distintas generaciones y que tras su egreso han destacado por una actitud reflexiva en el ámbito de la producción de sus trabajos y han insistido en el desarrollo de sus investigaciones. Los 6 artistas que componen la presente exhibición, han realizado el ejercicio de comprobar, poner en práctica y re-articular su formación

universitaria, en un proceso de individuación e inscripción de sus miradas e intereses. Entendiendo sus prácticas y lenguajes en confrontación o en línea, con las demandas instaladas en los diversos circuitos en los que ellos circulan y en los que el arte contemporáneo local se soporta. No hay que olvidar, que en este sentido, lo que se demanda de la formación artística en el ámbito universitario, no se diferencia de otras carreras aparentemente más operativas y productivas en el ámbito de los servicios. De esta también se espera, por un lado, la asimilación de códigos, herramientas, programas y experiencias, que decanten en sedimentaciones subjetivas y perfiles profesionales; identidades, y por otro, la generación de redes, vinculaciones entre sujetos e instituciones; oportunidades. Por esto, la muestra no define una clase particular de artistas; lo que los identificaría por estar vinculados en su formación, al contrario, examina las polifonías características y posibles en el espacio del arte y no en el académico, las diferencias y las distancias que los acercan e impulsan. De esta manera, la exposición toma forma, gracias al intercambio, a la atracción y repulsión entre las obras de estos 6 artistas jóvenes. Los cuales reflexionan en torno a diversas técnicas, soportes, medios y problemáticas, hablando la lengua franca del arte. Y que sin dejar de lado la experimentación, se relacionan con las tradiciones de la pintura y la escultura, los oficios y manifestaciones populares, el uso de tecnologías abiertas y prefabricadas, estrategias conceptuales y experimentos con la elasticidad del lenguaje. Todos ellos desde

distintos lugares remodelan formalidades y operaciones históricas, como la apropiación, el ensamblaje, la codificación de datos, los criterios de archivos, las determinaciones narrativas y las maneras en que se vinculan objetos y la memoria. Sus obras en el contexto de Polos e Interferencias tienen fuerza individual, pero actúan de forma cooperativa. Son un juego de hitos, simultaneidades, cruces y transferencias, atracciones y repulsiones; un ejercicio de vibración y magnetismo constante. Bajo este contexto, Modos de ver Exhibir es el título que Sebastián Valenzuela da a la instalación que presenta en esta exposición, una estrategia de encuadre que señala con sospecha el acto de ver. La palabra tachada, más que una negación es una insistencia, una invitación a que tomemos conciencia de que ver nunca es neutral. El acto de ver esconde una dualidad, debido a que el ver siempre está determinado por los modos de exhibir y el exhibir por los modos de ver. Según Jonathan Crary en su libro “Las técnicas del observador”1, los modos de ver son un efecto de la presión disciplinada que poderes institucionales y discursivos descargaron sobre la vista durante el siglo XIX. Desde una perspectiva similar, Valenzuela interroga, pone atención en las políticas, protocolos y lenguajes que norman las formas en que culturalmente se presenta la información y se ancla en experiencias culturales. Sus investigaciones abordan el coleccionismo, la curatoría y el archivo, entendiéndolas como el producto de fuerzas aglutinantes;

un juego de poder entre lo que esta fuera y dentro del encuadre. Su proyecto se inicia como un ejercicio curatorial dentro de otro, mediante la selección de una serie de obras de la colección CCU. Con ellas, explora relaciones y tipologías de obras, problematizando la flexibilidad semántica que poseen los objetos culturales, al mismo tiempo que señala, el poder que tiene el contexto y los criterios museográficos sobre su sentido y significación ¿no es ahí donde radica el poder de las instituciones sobre las subjetividades? En Modos de ver Exhibir muros, mesas, tabiques, sistemas de montaje y presentación, pizarrones y sistemas de conservación, la infraestructura casi siempre silenciosa que soporta las exhibiciones, se presentan al mismo nivel que las obras. Basado en la idea de que estas tecnologías inciden sobre la mirada, diseñan al espectador, su obra disuelve los límites entre sujeto y objeto, ambos se interfieren y se construyen con reciprocidad. En línea con las formalidades y materias que inciden sobre las constituciones subjetivas Memoria fragmentada, la escultura de Katherine Orozco recurre a objetos y técnicas que han sido cargadas simbólicamente por el paso del tiempo, por los contextos y por sus usos, siente que ellos portan inscripciones y registros que operan como imágenes entrelazadas a las de nuestros recuerdos sociales y afectivos. La huella, el resto y el vestigio son parte del vocabulario formal de sus obras, fragmentos que nos invitan a pensar en sensibilidades pasadas,

formas de pensar y vivir casi extintas, fragmentos codificados que nos hace visualizar y especular sobre una totalidad que ya no existe. En su escultura confluyen artesanía, técnicas y vestigios vernáculas, en un intento por que sean interrogadas exactamente con los mismos términos que cualquier otro medio o técnica sofisticada. Podríamos decir que hay un rescate de lo que históricamente ha sido denominado como menor o por alguna razón ha sido descartado. Por esto, es evidente que en sus obras hay una búsqueda insistente por descubrir y trabajar con la dimensión material en la que habitan fragmentos de nuestra memoria, recuerdos y experiencias. En esta pieza se aprecian operaciones como: unir, tejer, coser, pegar y enmendar, en un intento forzoso por mantener unidas las piezas de una madera que ha sido erosionada y seccionada por el clima, la intemperie y las termitas. Un precario y sistemático esfuerzo por mantener atados pedazos y materiales que no logran unirse. Es en la práctica serial del coser y la tradición asociada al remendar, al zurcir, donde radica la fuerza metafórica de la obra. Estas operaciones tan cargadas culturalmente indican un proceso abierto, que es tanto espacial, como se aprecia en el acto escultórico de unir, ensamblar y recomponer, como específico, por el gesto de la mano que en cada acto reparador deja marcas, huellas y nuevos fragmentos. Si en el caso de Katherine nos enfrentamos a problemas que remiten constantemente al paso del tiempo, como son el desgaste y la erosión

que sufre lo material en contacto con distintos tipos de agentes, la obra Meditación Budha de Nicolás Fuentes juega con la posibilidad que tienen distintos dispositivos tecnológicos de afectar nuestra percepción del presente. En este trabajo, Fuentes se basa en fenómenos tecnológicos contemporáneos como la instantaneidad y en el error como potencialidad. Desde ahí explora aspectos materiales y los efectos sicológicos de nuestra vinculación con el mundo tecnológico. Mediante errores inducidos o descubiertos en los procesos de trabajo, manipula y reprograma dispositivos eléctricos y mecánicos comunes, que a su vez, nos develan las bases tangibles de mundos codificados; como las imágenes digitales y las redes computacionales, o mundos invisibles, como las ondas electromagnéticas. Su interés por la estética del error, del fallo, hoy comúnmente llamado glitch en las artes digitales, no se basa solo en su posibilidad estética, debido a que como fenómeno, incide directamente sobre nuestra percepción y correcto uso de los dispositivos tecnológicos. El error es la manifestación de las distintas materialidades y lenguajes que soportan la efectividad tecnológica y digital; elementos que la mayoría del tiempo no consideramos hasta que fallan. El error en este sentido, nos recuerda que hay más cosas pasando tras la pantalla y nos vuelve consiente del poder que tienen las tecnologías y sus aplicaciones sobre nuestra conducta y la percepción de nuestro entorno.

Su trabajo es una reencarnación actualizada, en forma de copia pirata, un shanzhai 2 de la obra “TV Buda (1976)” de Nam June Paik. Una escultura expansiva, basada en dos dispositivos celulares y una serie de objetos ensamblados, vinculados y diseminados en internet. Un nuevo tipo de circuito cerrado que nace de la galería, viaja por las redes globales, rebota por satélites en forma de ondas y códigos, para luego volver al punto inicial. En medio de este sistema retroalimentado, Fuentes sitúa la figura de un ícono religioso –una tecnología espiritual–, que como un mantra proyecta y recibe su propia imagen de manera permanente. Esta parodia globalizada nos demanda pensar en problemas relacionados a la instantaneidad y la forma en que la información se despliega, se limita y se transforma, ahora, sin olvidar la materia técnica, económica y social que la soporta. Lo que Paul Virilio denominó Dromología, los efectos sociales y políticos de la velocidad, el poder sobre el espacio y la circulación.

1. Jonathan Crary, “Las técnicas del observador. Visión y modernidad en el siglo XIX”. 2007, CENDEAC 2. Shanzhai, neologismo utilizado para referirse al fenómeno económico-social contemporáneo chino que consiste en la falsificación de productos electrónicos y, recientemente, en la innovación generada a partir de estos productos copiados y mejorados con nuevas funcionalidades.

SEBASTIร N VALENZUELAVALDIVIA Modos de ver EXHIBIR. Ensayo visual a partir de la Colecciรณn de Arte CCU 15 obras de la Colecciรณn CCU, 2 paneles de madera, empleados como muros, 1 mรณdulo, tipo pasillo de 2,44 mt. de largo, 2,20 mt. de alto y 1,40 mt. de ancho. Medidas variables. 2018

STATEMENT Esta obra se presenta como una muestra, o una muestra a través de un lenguaje ensayístico. El ensayo generalmente permite que aparezca la enmienda, la tachadura. Éste se dispone público para ensayar una idea, una hipótesis inconclusa que pretende ser corroborada. Se dispone, se observa, se disecciona, tensiona y suelta. La idea se observa fijada a través de un conjunto de letras que articulan palabras, y éstas, frases u oraciones. Aquí, expondremos un repertorio visual conjeturado a partir de la Colección de Arte CCU, en conjunto con un imaginario propio, diverso y transversal que aúna el problema:

¿Cómo/qué vemos y cómo/qué exhibimos?.

OBRAS ANTERIORES

TEKXERE Video-performance e Instalación. Medidas variables. Museo de Arte Contemporáneo, 2013 ÉCFRASIS (PROYECTO) Instalación y lanzamiento. Medidas variables. Galería Arte UNIACC, 2014 ATELIER POPULAIRE Registro página web, proyecto curatorial. Instituto Francés, 2014 ATELIER POPULAIRE Portada libro. 2015 CURATORÍA FAMEW MVLEPAN KAXVILEW (O UNA ARQUEOLOGÍA DE UN RENOMBRAMIENTO) Colectivo Catrileo-Carrión. Centro de Documentación Artes Visuales. 2017

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CURRÍCULUM Sebastián Valenzuela-Valdivia (Santiago, 1990) Investigador y Curador/editor de arte contemporáneo. Sus investigaciones y curatorías abordan principalmente estudios de recepción de imagen a través de archivos, performance mediadas y prácticas curatoriales. Ha sido beneficiado en seis ocasiones con fondos concursables del Estado, de los cuales ha realizado proyectos de investigación y edición de publicaciones. El año 2010 forma Écfrasis, proyectos, proyecto enfocado en la edición, publicación, investigación y difusión de arte latinoamericano. Ha participado en diversas ponencias, charlas y seminarios exponiendo sobre sus investigaciones en torno al archivo y su relación con el cuerpo, analizando propuestas performativas a través del soporte fotográfico, audiovisual y del libro. Algunas de sus investigaciones corresponden a: Corpusgraphesis; Investigaciones del lenguaje a través del cuerpo de artistas (2013), Colección vecinal: la colaboración como producción de obra y el montaje como estrategia emacipativa (2014), La escenificación del Archivo, sus distintos fenómenos de recepción y manipulación (2015) y Escenificaciones del cuerpo a través de video-performance, libro-performance y foto-performance en Carlos Leppe (2016).

Actualmente trabaja en su primer libro con Ediciones Metales Pesados (Chile) el cual se titula Mediaciones del cuerpo a travĂŠs del archivo; foto, video y libro performance en Chile (1973-1990).

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KATHERINE OROZCO

MEMORIA FRAGMENTADA Viga de madera y lana. 4.90 x 0.3 mts. 2013

STATEMENT El rescate de tradiciones textiles aprendidas de generación en generación, por integrantes de mi familia me permiten conectar de alguna manera la técnica con los objetos y con las prácticas fotográficas traduciéndolos y convirtiéndolos, finalmente en un nuevo objeto a partir de uniones y recomposturas, que dejan la fisura expuesta. De esta manera se establece una poética a la pérdida y a la memoria, a partir de las uniones.

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OBRAS ANTERIORES

PUERTA Intervenciรณn. Medidas variables. 2013 DESCALCES Bordado sobre papel fotogrรกfico. Medidas variables. 2013 ร RBOL Hojas de boldo atadas a rama de รกrbol. Medidas variables. 2013

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CURRÍCULUM Katherine Orozco Gómez (San Antonio, 1992) En el año 1011 ingresó a la Escuela de Artes Visuales de la UNIACC, con una fuerte atracción por la imagen y la fotografía. En el año 2013 desarrolla un fuerte interés hacia el rescate de técnicas ornamentales específicamente tradiciones textiles aprendidas de generación en generación dentro de su familia. Ese mismo año realiza una serie de instalaciones en donde se recomponen objetos pertenecientes a viviendas dañadas por el paso del tiempo, por medio de suturas que dejaron expuestas las fisuras de aquellos objetos destruidos. De esta manera hasta hoy en día, su obra establece una poética a la pérdida y la memoria a partir de uniones textiles.

NICOLÁS FUENTES

MEDITACIÓN BUDHA VÍA FACE TIME Escultura Budha, taburete metálico, dispositivo IPhone, dispositivo IPod, palo selfie, FaceTime, Internet. 1.5 x 1.5 x 1.0 mts. 2017

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STATEMENT La instalación está conformada por una escultura de Budha sentado sobre un taburete metálico, el cual se mira infinitamente a si mismo reflejado en dos celulares IPhone, que se comunican mediante FaceTime. Este software transmite su imagen desde el “Celular1” a lo largo de la colosal red de internet para regresar al “Celular2”. El proyecto visto desde su capa técnica, muestra en funcionamiento diferentes tecnologías que varían tanto en su utilidad, conformación técnica como también época en la cual su uso se masificó. Por una parte, la escultura de Budha es iluminada artificialmente por tubos fluorescentes, su imagen y sonido ambiente es transmitido en vivo vía internet utilizando teléfonos celulares. La velocidad de transferencia de datos crea un retraso (delay) en la comunicación, generando un sonido repetitivo y continuo que entremezcla ruidos de la sala de exposición y ruidos electrónicos que crean un ambiente sonoro producto de una remezcla-remix creada, de manera aleatoria, por la inmensa red de internet y sus dispositivos de comunicación. El sonido caótico, repetitivo, electrónico e hipnótico invita contraproducentemente a la reflexión o, al menos, nos lleva a guiar nuestra atención al objeto por unos segundos. El encuentro de estos iconos de la cultura occidental y oriental se da en un contexto de la espectacularización de la imagen. Ésta es

transferida por internet, enviada y codificada en 0 y 1 para luego ser representada nuevamente en colores RGB. La imagen se vuelve liquida e intangible, ya que está en constante transformación, producto de muchos factores entre los cuales cabe mencionar la modificación de sus metadatos, cada vez que transmitimos, subimos o descargamos a través de internet imágenes o más específicamente los códigos que la representan. Desde la capa social este proyecto devela el muro cada vez más invisible que existe entre las sociedades de oriente y occidente. Producto del acceso masivo a las tecnologías de comunicación el mundo se hace uno. Las culturas se entremezclan y crean una mixtura que muchas veces tergiversa y subvierte ideas tanto sociales, culturales o religiosas. Un claro ejemplo es la masificación del Yoga, herramienta espiritual utilizada en las sociedades orientales desde hace siglos y actualmente utilizada en occidente como objeto de pose y estatus social-espiritual, que es publicado incluso en redes sociales (FaceTime, Instagram, Facebook, Tumblr), banalizando muchas veces dicha herramienta, llevada a un plano utilitario con el fin de marcar la otredad hacia sus pares.

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OBRAS ANTERIORES

EL RUIDO DE INTERNET; Instalación. Modems, CPU, cables de red, sensores ultrasonido. Dimensiones variables. 2014 - 2015 + Info: www.nicolasfuentesg.com/elruido_deinternet FORMAS DE ACTUAR; Video. Reproductor VHS, esmeril, prensas metálicas, taburete madera, audio y video digital. 2016 + Info: www.nicolasfuentesg.com/formasdeactuar RECOLECCIÓN FALLIDA #00110010; Instalación. Objetos electrónicos recolectados (barrio Brasil), 50 Cajas acrílico 5 x 5 y 4,5 x 4,5 cms, Buzzer, Plotter de corte negro, Tubo fluorescente T5 30W. Y Batería 9 V. Dimensiones variables. 2016 + info: www.nicolasfuentesg.com/recoleccion

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CURRÍCULUM Nicolás M. Fuentes González (Iquique, 1991) Desde el año 2010 vive y trabaja en la ciudad de Santiago donde inicia estudios de Artes Visuales. Su producción se difunde principalmente vía web, siendo el trabajo con nuevos medios y sonido su principal interés. Participa activamente de distintas exposiciones colectivas e individuales. Siendo la más reciente: >_Falla_Temporal_//_cod_302_:, desarrollada en la histórica galería de arte BECH. Sus proyectos van desde la creación de dispositivos electrónicos, sonido, video, imágenes gif, lenticulares, entre otros medios y materiales que diariamente indaga e investiga el artista.

+ www.nicolasfuentesg.com

MONTAJE

CRÃ&#x2030;DITOS

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RODRIGO VERGARA / Director de Carrera ELIZABETH VERGARA / Secretaria Académica MARÍA JOSÉ ROJAS / Coordinadora de la Exhibición INGRID WILDI / Co-Curadora (Académica de la Escuela de AAVV) RODRIGO ARAYA / Co-Curador (Académico de la Escuela de AAVV)

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POLOS E INTERFERENCIAS 14 ago - 28 sep 2018 Comité Editorial · CCU Producción · CCU Diseño · GrupoK Fotografías · Jorge Brantmayer · Registo de Artistas Edición de textos · CCU Impresión · Ograma Tiraje primera edición · 700 ejemplares

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Agradecimientos Queremos agradecer a Carolina Hoehmann y Adrián Gutiérrez por la invitación a participar de esta exposición y la disposición que tuvieron para cada uno de nuestros requerimientos, y a través de ellos a la empresa CCU que permite el desarrollo de las artes visuales en Chile. También al equipo administrativo de UNIACC que permitió que todo saliera a la perfección.

Colaboradores:

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