Libro de animadores by Valentina Rmrz'

FACULTAD DE ARTES

Libro de Animadores Por: Cecilia Valentina Quiroz Ramírez

2013

IMAGEN

ANIMACIÓN DIGITAL

Libro de Animadores Cecilia Valentina Quiroz RamĂrez

Índice Flipbook…………………………………………………………………………………….5 Persistencia Retiniana……………………………………………………………………..6 Aparatos de animación……………………………………………………………………7 Edward Muybridge…………………………………………………..……………………8 Emile Reynaud……………………………………………………………………………..9 Georges Melies……………………………………………………………………………10 Emile Cohl………………………………………………………………………………...11 J. Stuart Blackton……………………………………………….………………………...12 Winsor McCay………………………………………….………………………………...13 Quirino Cristiani…………………………………………………...……………………..14 Pat Sullivan……………………………………………………………………………….15 Otto Messmer……….…………………………………………………………………….16 Lotte Reinigers……………………………………………………………………………17 Tony Sargs………………………………………………………………………………...18 Max Fleischer…………………………………………………………………………….19 Walter Lantz……………………………………………………………………………...20 Walt Disney……………………………………………………………………………….21 Berthold Bartosh………………………………………………………………….………22 Bill Nolan………………………………………………………………………………….23 Chuck Jones……………………………………………………………………………….24 Friz Freleng……………………………………………………………………………….25 Oskar Fischinger………………………………………………………………………….26 Robert Emerson…………………………………………………………………………..27 Shamus Culhane………………………………………………………………………….28 Ubbe Ert Iwwerks………………………………………………………………………...29 William Hanna……………………………………………………………………………30 Tex Avery…………………………………………………………………………………31 John Hubley……………………………………………………………………………....32 Joseph Barbera……………………………………………………………………………33 Ray Harryhausen…………………………………………………………………………34 Jules Engel………………………………………………………………………………...35 Norman Mclaren…………………………………………………………………………36 Peter Foldes……………………………………………………………………………….37 Heinz Edelmann………………………………………………………………………….38 Jiri Trnka………………………………………………………………………………….39 Manuel García Ferré……………………………………………………………………..40 Osamu Tezuka……………………………………………………………………………41 Ralph Bakshi……………………………………………………………………………...42 Richard Williams…………………………………………………………………………43 Terry Gillian………………………………………………………………………………44 Don Bluth………………………………………………………………………………….45

Carlos Carrera……………………………………………………………………………46 René Castillo……………………………………………………………………………...47 Bill Meléndez……………………………………………………………………………..48 Ricardo Adrián Lozoya………………………………………………………………….49 Guillermo del Toro……………………………………………………………………….50 Rodolfo Riva Palacio……………………………………………………………………..51 12 Principios Básicos de Animación……………………………………………………53 Personaje…………………………………………………………………………………..59 Hemerografía…………………………………………………………………………..…62 4

FLIPBOOK Flipbook es un libro que contiene una serie de imágenes que varían gradualmente de una página a la siguiente, para que, cuando las páginas se pasen rápidamente, las imágenes parezcan animarse simulando un movimiento u otro cambio. Son ilustrados usualmente por niños, pero pueden estar también orientados a adultos y emplear una serie de animaciones. Son esencialmente una forma primitiva de animación. Como una película cinematográfica, se basan en la persistencia retiniana para crear la ilusión de movimiento continuo en lugar de una serie de imágenes discontinuas sucesivas. En lugar de leer de izquierda a derecha, el espectador simplemente fija la vista en el mismo lugar de la imagen mientras se voltean las páginas. El libro debe también ser recorrido con suficiente velocidad para que se cree la ilusión, es por eso que la forma normal de verlo es teniendo el flipbook con una mano y pasar las páginas con el pulgar de la otra mano es por ello que se ha acuñado el término cine de pulgar que refleja este proceso.

PERSITENCIA RETINIANA La persistencia de la visión fue un supuesto fenómeno visual descubierto por Peter Mark Roget que demostraría como una imagen permanece en la retina humana una décima de segundo antes de desaparecer por completo. Según sus estudios, esto permitiría que veamos la realidad como una secuencia de imágenes ininterrumpidas y que podamos calcular fácilmente la velocidad y dirección de un objeto que se desplaza, si no existiese, veríamos pasar la realidad como sucesión de imágenes independientes y estáticas. Plateau creyó descubrir que nuestro ojo ve con una cadencia de 10 imágenes por segundo. En virtud de dicho fenómeno, las imágenes se superponen en la retina y el cerebro las "enlaza" como una sola imagen visual, móvil y continua. Se supuso que el cine aprovechaba este efecto y provoca ese "enlace" proyectando a más de 10 imágenes por segundo (generalmente 24), lo que genera en nuestro cerebro la ilusión de movimiento (en televisión se da 25 fotogramas por segundo). Quienes le asignan algún valor a la persistencia retiniana se basan en argumentos débiles como estos: "El ojo hace que cualquier imagen vista se grabe en la retina por un corto tiempo (durante aproximadamente 0,1 segundos). Por ejemplo, al colocar un objeto frente a la vista y retirarlo rápidamente, cualquier persona que estuviera mirándolo lo seguirá viendo, porque el cerebro retiene la impresión de la luz. Esta impresión es notoria al mirar por un momento una fuente de luz como el sol y luego apartar la vista." Una revisión de este argumento nos lleva a la conclusión de que si se superpusieran en la retina diversos estímulos visuales entonces el resultado no sería movimiento sino a lo sumo la mezcla o confusión de dichos estímulos dando lugar a imágenes borrosas

APARATOS DE ANIMACIÓN Praxinoscopio: Uno de los primeros aparatos de animación, similar a un zoótropo, que usa espejos en vez de rendijas.

Rotoscopio: Un instrumento que permite que el animador tracé metraje en vivo cuadro por cuadro.

Taumatropo: Un disco plano con un dibujo diferente en cada lado. Cuando se hace girar el disco, los dibujos aparentan combinarse. Un ejemplo común es uno con y una jaula en el otro.

un ave en un lado

Zoótropo: Un cilindro vacio que contiene una cinta de papel con imágenes secuénciales. Cuando se pone a girar el cilindro, las imágenes son vistas por rendijas separadas por una distancia fija y parece que se están moviendo.

EDWARD MUYBRIDGE Eadweard Muybridge (seudónimo de Edward James Muggeridge) fue un fotógrafo e investigador nacido en Kingston upon Thames (Gran Bretaña) el 9 de abril de 1830. Cambió su nombre cuando emigró a los Estados Unidos en 1851. Murió el 8 de mayo de 1904. Sus experimentos sobre la cronofotografía sirvieron de base para el posterior invento del cinematógrafo. En 1872, una polémica enfrentaba a los aficionados a los caballos de California. Leland Stanford, ex gobernador del Estado y poderoso presidente de la Central Pacific Railway, y un grupo de amigos suyos sostenían que había un instante, durante el trote largo o el galope, en que el caballo no apoyaba ningún casco en el suelo. Otro grupo, del que formaba parte James Keene, presidente de la Bolsa de Valores de San Francisco, afirmaba lo contrario. En 1872, una polémica enfrentaba a los aficionados a los caballos de California. Leland Stanford, ex gobernador del Estado y poderoso presidente de la Central Pacific Railway, y un grupo de amigos suyos sostenían que había un instante, durante el trote largo o el galope, en que el caballo no apoyaba ningún casco en el suelo. Otro grupo, del que formaba parte James Keene, presidente de la Bolsa de Valores de San Francisco, afirmaba lo contrario.

EMILE REYNAUD Charles-Émile Reynaud (Montreuil, (Francia) 8 de diciembre de 1844 - Ivry-sur-Seine, 9 de enero de 1918) fue un inventor y pionero del cine de animación francés que perfeccionó el zoótropo e inventó el praxinoscopio en 1877. Patentó una mejora considerable de su invento en 1888 al que bautizó con el nombre de Théâtre Optique (Teatro óptico). Fue el primero, además, en perforar la película, como medio de arrastre mecánico. Sus proyecciones estaban sincronizadas con música compuesta por él mismo y efectos sonoros. Sus películas presentan breves escenas humorísticas con un tono naif y poético. Reynaud, en resumen, fue el primero en conseguir pasar del movimiento cíclico de figuras dibujadas a un discurso visual dotado de argumento. Reynaud se aplicó a conseguir un medio que evitara la obstrucción del noventa por cien de la luz que produce la obturación. Lo consiguió sustituyéndolo por un tambor poligonal giratorio de espejos pintados con imágenes que, iluminadas en todo momento, eran vistas a través de una ventanita. En diciembre de 1877 patentó este sistema con el nombre de praxinoscopio. Películas de animación Un bon bock (1888) Clown et ses chiens (1892) Pauvre pierrot! (1892) Rêve au coin du feu (1895) Autour d'une cabine (1895) Películas cinematográficas Guillaume Tell (1896) Le premier cigare (1897)

GEORGE MELIÉS Georges Méliès (8 de diciembre de 1861 – 21 de enero de 1938) fue un ilusionista y cineasta francés famoso por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos en los albores de la cinematografía. Méliès, un prolífico innovador en el uso de efectos especiales, descubrió accidentalmente el stop trick en 1896 y fue uno de los primeros cineastas en utilizar múltiples exposiciones, la fotografía en lapso de tiempo, las disoluciones de imágenes y los fotogramas coloreados a mano. Gracias a su habilidad para manipular y transformar la realidad a través de la cinematografía, Méliès es recordado como un «mago del cine». Dos de sus películas más famosas, Viaje a la Luna (1902) y El viaje imposible (1904), narran viajes extraños, surreales y fantásticos inspirados por Julio Verne y están consideradas entre las películas más importantes e influyentes del cine de ciencia ficción. Méliès fue también un pionero del cine de terror con su temprana película Le Manoir du Diable (1896). Creador de alrededor de quinientas películas, la paulatina transformación de la industria (monopolizada por Edison en Estados Unidos y Pathé en Francia), junto con la llegada de la Primera Guerra Mundial, afectaron a su negocio, que fue declinando sin remedio. En 1913 se retiró de todo contacto con el cine.

EMILE COHL Émile Courtet, más conocido como Émile Cohl, fue un dibujante francés, nacido en París el 4 de enero de 1857 y fallecido en Villejuif el 20 de enero de 1938. Fue uno de los pioneros de los dibujos animados. Desde 1908 hasta 1923, realizó unas 300 películas, en las que utilizaba diversas técnicas, como el dibujo, juegos con cerillas, papel recortado y marionetas. También fue caricaturista, ilustrador, fotógrafo, autor dramático, actor, pintor, periodista e ilusionista. Era uno de los clientes asiduos de los cabarets parisinos Le Chat Noir y el Lapin Agile. También fue miembro del club literario Les Hydropathes. Son 36 metros de película que cambiaron la historia y alumbraron el camino para muchos otros dibujantes que, a partir de entonces, soñaron con realizar grandes películas de dibujos animados. He aquí esta pequeña joya, Fantasmagorie.

J . STUART BLACKTON James Stuart Blackton el artista de vodevil unido a la invención de Edison dan inicio a la historia de la animación en los EEUU. La animación como animación ya había sido experimentada antes, en américa Blackton se une a Albert E. Smith junto a él aprovechan el mecanismo de paro de la cámara para realizar apariciones y desapariciones (un primigenio efecto especial)crearon imagénes fantasmales y disolvencias, en 1900 Blackton ya habia aparecido realizando su acto de dibujar rostros rapidamente donde el dibujo cambiaba de expresion en un corto llamado "el dibujo encantado" (que aparece al final de este post) pero en termninos mas formales se puede hablar que Humorous Phases of Funny Faces se trata de la primera película animada en américa. James Stuart Blackton el artista de vodevil unido a la invención de Edison dan inicio a la historia de la animación en los EEUU. La animación como animación ya había sido experimentada antes, en américa Blackton se une a Albert E. Smith junto a él aprovechan el mecanismo de paro de la cámara para realizar apariciones y desapariciones (un primigenio efecto especial)crearon imagénes fantasmales y disolvencias, en 1900 Blackton ya habia aparecido realizando su acto de dibujar rostros rapidamente donde el dibujo cambiaba de expresion en un corto llamado "el dibujo encantado" (que aparece al final de este post) pero en termninos mas formales se puede hablar que Humorous Phases of Funny Faces se trata de la primera película animada en américa. La animación americana debe sus principios a J. Stuart Blackton, un cineasta ingles que creó la primera película animada en América. Antes crear dibujos animados, Blackton era un artista de vodevil conocido como "El Komikal Kartoonist." En su acto, él dibujaba caricaturas rapidamente.

WINSOR MCCAY Zenas Winsor McCay, conocido como Winsor McCay (Woodstock, Ontario, Canadá, 26 de septiembre de 1867 – Nueva York, 26 de julio de 1934) fue un historietista estadounidense, uno de los más importantes de la historia del cómic, autor del clásico Little Nemo in Slumberland. Fue también un destacado pionero del cine de animación, muy influyente en autores como Walt Disney u Osamu Tezuka, con películas como la innovadora Gertie el dinosaurio. Una de sus más exitosas tiras cómicas fue Little Sammy Sneeze (1904 - 1906), historia en la que los estornudos del pequeño Sammy producen inimaginables catástrofes. La temática onírica aparece, al año siguiente, en uno de sus trabajos más recordados, Dreams of a Rarebit Fiend (1904 - 1911), tira que narra las desmadradas pesadillas de un impenitente aficionado a las fondues de queso. La calidad de su trabajo llamó la atención de James Gordon Bennett, de la New York Herald Co., a instancias del cual McCay se trasladó a Nueva York y comenzó a colaborar en las publicaciones de Bennett, el New York Herald y el Evening Telegram. Para estas cabeceras realizó una gran cantidad de cómics, entre los que pueden citarse Dull Care, Poor Jake, The Man From Montclair, The Faithful Employee, Mr. Bosch, A Pilgrim's Progress, Midsummer Day Dreams, It's Nice to be Married y Sister's Little Sister's Beau, entre otros. Para sus cómics del Evening Telegram utilizaba el seudónimo Silas. Como uno de los importantes historietistas de la historia, Winsor McCay estableció, anticipándose al cine, el moderno lenguaje visual de planos y raccords, además de destacar como notable pionero de los dibujos animados. Tan sólo cinco años después de La interpretación de los sueños de Freud, su emblemática serie Little Nemo relata el mundo onírico de un niño e incorpora al cómic la estética modernista del art déco.

QUIRINO CRISTIANI Quirino Cristiani (Santa Giuletta, 2 de julio de 1896 − Bernal, 2 de agosto de 1984) fue un caricaturista y director de animación italiano radicado en Argentina responsable de los dos primeros largometrajes de animación y del primer largometraje de animación sonoro del mundo. 14 En 1916, a los 19 años de edad, fue contratado por el italiano Federico Valle (que poseía un estudio cinematográfico en Buenos Aires) para dibujar caricaturas e incluirlas en sus películas informativas de cortometraje.1 Ante la indicación por parte de Valle que no admitiría imágenes fijas en sus filmaciones, Cristiani debió idear una manera de darle movimiento a sus dibujos. Con estas influencias fue que desarrolló las técnicas de la animación, que le permitieron realizar en 1917 el primer largometraje de dibujos animados de la historia, El apóstol. El largometraje fue producido por el propio Valle y financiado por el dueño de la cadena de cines (de apellido Franchini), donde se proyectaría la película. Para el film se utilizaron 58 mil dibujos2 en 35 mm (a razón de 14 cuadros por segundo),3 además de varias maquetas que representaban edificios públicos como el Congreso de la Nación Argentina, la Aduana de Buenos Aires y el edificio de Obras Sanitarias de la Nación, además de anegar las calles de la ciudad.4 En 1918 realizó el segundo largometraje, Sin dejar rastros, que hacía referencia a un episodio ocurrido durante la Primera Guerra Mundial, que todavía continuaba, referido al hundimiento de la goleta Monte Protegido por parte de un submarino alemán que había provocado en el país manifestaciones de quienes propugnaban el abandono de la neutralidad y el apoyo a los Aliados, y que finalizó con las excusas del Imperio Alemán.

Pat Sullivan

Patrick Sullivan (1887 – 15 de febrero de 1933) fue un productor australiano, conocido por la producción de los primeros cortos mudos de el gato Félix. Es un tema de disputa quien creó al personaje, él o el animador Otto Messmer. Félix fue el personaje animado más popular hasta los años 1930, cuando los distribuidores de Sullivan cancelaron su contrato ya que se negó a trabajar en el cine sonoro. Sullivan lo pensó nuevamente y en 1933 anunció que el personaje regresaría con sonido, pero murió un año después del inicio de la producción. En 1917, Sullivan pasó 9 meses en prisión por ser encontrado culpable de la violación de una niña de 14 años de edad. Su esposa, Marjorie, murió en marzo de 1932.

Otto Messmer (16 de agosto de 1892 - 28 de octubre de 1983) fue un animador estadounidense, conocido por su trabajo en los dibujos animados y tiras cómicas de el gato Félix, producidos por el estudio de Pat Sullivan. El grado de participación de Messmer en la creación y popularidad de Félix es motivo de disputa, debido particularmente a que demandó su importancia luego de la muerte de Sullivan, quién había recibido hasta entonces el crédito.

Charlotte Reiniger Charlotte Reiniger (2 de junio de 1899 BerlínCharlottenburg, Imperio Alemán - † 19 de junio de 1981 Dettenhausen, RFA) fue una cineasta alemana (posteriormente nacionalizada británica), famosa por sus películas de animación con siluetas, especialmente Las aventuras del príncipe Achmed (1926). En los años siguientes realizó seis cortometrajes, todos ellos con producción y fotografía de su marido. Al mismo tiempo, trabajó en anuncios publicitarios (la agencia de publicidad Pinschewer contrató a varios animadores abstractos durante la República de Weimar) y en los efectos especiales de varios largometrajes de imagen real (en particular, diseñó la silueta de un halcón para una secuencia onírica de la primera parte de Die Nibelungen, de Fritz Lang). Durante esta época, Reiniger se convirtió en le centro de un amplio grupo de ambiciosos animadores alemanes. En 1923, se le presentó una oportunidad única. El banquero judío Louis Hagen, admirador de su obra, le ofreció financiarle un largometraje.

Anthony Sarg Anthony Sarg, el Titiritero Americano (American Puppeter) aunque quiso la historia que al igual que Alfred Stieglitz, su país de origen fuera Alemania, pero es en los Estados Unidos donde tiene el honor de hacer una de las primeras animaciones en la técnica del recorte, estas, de seguro fueron inspiradas acaso por lo que un año antes proyectara Wilies O´Brien que participo en el grabado de la animación 10000BC bajo la firma de Edison. En todo caso, lo más sobresaliente de Tony Sarg, quiere la historia, que desde 1928 se contrato a este emblemático de las ARTES en pequeño para que realizara los globos gigantes que con la figura de personajes de la cultura de masas el Almacén Macy´s estableció como una tradición del día de Acción de Gracias en Nueva York, así es, esos globos gigantes que vemos hoy fueron desarrollados en un principio por este genio de las ARTES y MEDIOS modernos.

Max Fleischer Max Fleischer (Cracovia, 19 de julio de 1883 – Los Ángeles, 11 de septiembre de 1972) fue uno de los pioneros en la creación de dibujos animados. Es el creador de Betty Boop y Koko el payaso, y quien llevara al cine a Popeye y al Superman animado. También se encargó de realizar unas cuantas innovaciones tecnológicas. Fleischer tuvo la idea de usar fotogramas de cine capturados de la realidad para usarlos como referencia al dibujar animación, y así patentó la rotoscopia en 1917. Usó esta técnica junto a su hermano Dave en su primer cartoon en 1915. En 1919 estableció los 'Fleischer Studios' para producir dibujos animados y cortometrajes. Inventó el rotógrafo para agregar dibujos animados en películas reales. En uno de sus films de Koko el payaso incorpora a un gatito real. Hizo los primeros dibujos animados con sonido de la historia en 1924 usando un proceso de sincronización de Lee De Forest. Aunque la compañía Disney se lo adjudica a su corto Steamboat Willie, que fue realizado años más tarde. Su hijo Richard Fleischer se dedicó al mundo de la dirección de cine.

Walter Benjamin Lantz Walter Benjamin Lantz (Nueva Rochelle, EE. UU., 27 de abril de 1899 – Burbank, EE. UU., 22 de marzo de 1994) fue un caricaturista y animador estadounidense, conocido por fundar Walter Lantz Productions y crear al Pájaro Loco. Walter Lantz nació como Walter Benjamin Lanza el 27 de abril de 1899 en Nueva Rochelle en una familia de inmigrantes italianos, sus padres fueron Francesco Paolo Lanza y Maria Gervasi (luego Jarvis), quien era de Calitri, Italia. Tuvo un temprano interés por el arte, completando unas clases de dibujo por correspondencia a los doce años. El primer corto animado que vio el futuro Lantz fue Gertie the Dinosaur (Gertie, el dinosaurio) de Winsor McCay. Probablemente, este trabajo fílmico lo inspiró a dedicarse a la animación. Mientras trabajaba como mecánico, Lantz tuvo su primer acercamiento al mundo del arte. A uno de sus clientes, Fred Kafka, le gustaron los dibujos que tenía en el garaje. Comenzó a estudiar en el New York City's Art Students League. Kafka además le consiguió un nuevo trabajo, como repartidor en el New York American, su dueño era William Randolph Hearst. Cuando terminó de trabajar en el periódico, se dedicó a la escuela de arte.

Walter Elias Disney Walter Elias Disney (Chicago, Illinois, 5 de diciembre de 1901 — Burbank, California, 15 de diciembre de 1966) fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Figura capital del cine de animación en los Estados Unidos y en todo el mundo, es considerado un icono internacional gracias a su influencia y sus importantes contribuciones a la industria del entretenimiento estadounidense durante gran parte del siglo XX. Fundó junto a su hermano Roy O. Disney la compañía Walt Disney Productions,1 que años después se convirtió en la más célebre productora del campo de la animación y en la actualidad es la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento del mundo. Esta corporación, que se conoce hoy con el nombre de The Walt Disney Company, obtuvo solo en el año 2010 unos beneficios de 36.000 millones de dólares.2 En su faceta de animador y empresario, Disney adquirió renombre como productor de cine, como innovador en el campo de la animación y como diseñador de parques de atracciones. Junto a su equipo creó algunos de los personajes de animación más famosos, en especial Mickey Mouse, una caricatura de ratón a la que el propio Disney prestó su voz originalmente. Durante su extensa y exitosa carrera en el cine de animación fue galardonado con 22 premios Óscar de un total de 59 nominaciones y recibió cuatro premios de la Academia honoríficos, lo que lo convierte en la persona que más premios de este tipo ha ganado en toda la historia.

B. Bartosch En 1932, el checo Berthold Bartosch realizó L'Idée, La idea, un corto eminentemente político, radical y revolucionario, que presenta a la idea como algo que no puede ser destruido, a pesar de persecuciones o dogmatismos. Realizado a base de pinceladas gruesas y sombras arriesgadas, resaltadas por el uso del blanco y negro. Dura media hora, con partitura de Arthur Honegger, uno de los compositores de la vanguardia musical francesa de ese tiempo. Utiliza técnicamente el principio de la animación por sustracción de fotogramas, que también utilizó Norman Mclaren, el cut-out, animación con recortes o papel recortado, y pegar los recortes en diferentes cristales a diferentes distancias, que simulan profundidad. Bartosch fue uno de los muchos colaboradores de Lotte Reiniger en su etapa alemana. Su obra se ha perdido casi por completo, excepto el corto L'Idée, pues los nazis destruyeron toda su obra, depositada en la Cinématheque Française antes de la segunda guerra mundial.

Bill Nolan William "Bill" Nolan (June 10, 1894 â&#x20AC;&#x201C; December 6, 1954) was an IrishAmerican animated cartoon writer, animator, director, and artist. He is best known for creating and perfecting the rubber hose style of animation and for streamlining Felix the Cat. From 1925 to 1927, he worked on a loose animated adaptation of George Herriman's Krazy Kat for Margaret J. Winkler and from 1929 to 1934, worked as an animator, storyman, and director at the Walter Lantz Studio on the Oswald the Lucky Rabbit series.

"Chuck" Jones Charles Martin "Chuck" Jones (Spokane (Washington), 21 de septiembre de 1912 – Corona del Mar (California), 22 de febrero de 2002) fue un animador, caricaturista, guionista, productor y director estadounidense, siendo su trabajo más importante los cortometrajes de Looney Tunes y Merrie Melodies del estudio de animación de Warner Brothers. Entre los personajes que ayudó a crear en el estudio se encuentran El Coyote y el Correcaminos, Pepe Le Pew y Marvin el Marciano. Tras su salida de Warner Bros. en 1962, fundó el estudio de animación Sib Tower 12 Productions, con el que produjo cortometrajes para Metro-Goldwyn-Mayer, incluyendo una nueva serie de Tom y Jerry y el especial de televisión El Grinch: el Cuento Animado. Jones obtuvo un premio Óscar por su cortometraje The Dot and the Line (1965) y otro honorífico por su labor en la industria cinematográfica.

Friz Freleng Isadore "Friz" Freleng (21 de agosto de 1906 –26 de mayo de 1995) fue un animador, caricaturista, director y productor estadounidense conocido por su trabajo en las series animadas de Warner Bros. como Looney Tunes y Merrie Melodies. Introdujo varias de las estrellas más importantes del estudio, como Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes y Speedy Gonzales. Fue el director del estudio Termite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más premiado de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Luego que Warner cerrara su estudio de animación en 1963, Freleng y su compañero David DePatie fundaron DePatie-Freleng Enterprises, que producía dibujos animados, créditos de películas, y series animadas en los años 1980.

Oskar Fischinger Oskar Fischinger (22 de junio de 1900 - † 31 de enero de 1967) fue un pintor, animador y realizador de cine alemán. Sus obras se caracterizan por ser abstractas, donde combina la geometría con la música. En la Alemania de Hitler se lo consideró a su arte degenerado, y así se exilió a Estados Unidos, llegando a Hollywood en febrero de 1936. Todo intento de Fischinger de filmar en Estados Unidos fue dificultoso. Compuso un Poema óptico para "La segunda rapsodia húngara" de Liszt (de MGM) pero no recibió beneficio alguno. Realizó una escena para la película de Disney Fantasía, pero fue eliminada del montaje final. Frustradas sus intenciones como animador (a pesar de que hizo más de 50 cortos) Fischinger se volvió cada vez más un pintor al óleo.

"Bob" Clampett Robert Emerson "Bob" Clampett (8 de mayo de 1913 – 4 de mayo de 1984) fue un animador, productor, director de cine y titiritero estadounidense conocido por su trabajo en la serie animada Looney Tunes de Warner Bros. y el programa de televisión Time for Beany. Clampett mostró un interés por la animación y los títeres cuando era joven, mientras vivía en Los Ángeles. Clampett diseñó los primeros muñecos de Mickey Mouse para Walt Disney. Como afirmaría Clampett en algunas entrevistas posteriores, Disney quedó impresionado con el talento del artista, y le ofreció un trabajo. Sin embargo, la falta de cupos en la pequeña empresa de Disney no permitió esto. Aun así, consiguió trabajo en el estudio de Hugh Harman y Rudolf Ising en 1931 donde trabajó en las series Looney Tunes y Merrie Melodies. En su primer año en el estudio, Clampett trabajó para Friz Freleng la mayoría de las veces, bajo sus enseñanzas Clampett aprendió lo necesario sobre animación. En 1935, diseñó la principal estrella del estudio, Porky, quien apareció en el cortometraje de Freleng I Haven't Got a Hat.

James "Shamus" Culhane James "Shamus" Culhane (1908 - 1996) fue un animador, director y productor de cine estadounidense. Trabajó para numerosos estudios de animación, incluyendo Fleischer Studios, el de Ub Iwerks, Walt Disney Productions y Walter Lantz Studio. Mientras estaba en Disney, fue uno de los principales animadores de Blancanieves y los siete enanitos, trabajando en una de las escenas más famosas de la película: la animación de los enanos marchando al ritmo de la canción "Heigh-Ho". Tiempo después, Culhane trabajó como director para Lantz, donde hizo el clásico de 1994 del Pájaro Loco, The Barber of Seville. A finales de los años 40, fundó Shamus Culhane Productions, una de las primeras compañías que creaban comerciales animados para televisión. Shamus Culhane Productions fue cerrada en los años 60, en este tiempo Culhane se transformó en la cabeza del sucesor de Fleischer Studios, Famous Studios. Culhane escribió dos libros sobre animación: el texto de guía Animation from Script to Screen, y su autobiografía Talking Animals and Other People. Debido a que Culhane trabajó para un gran número de estudios de animación, su autobiografía entrega una amplia descripción sobre la industria de la animación estadounidense.

Ubbe Ert Iwwerks Ubbe Ert Iwwerks, conocido como Ub Iwerks (Kansas City, Misuri, 24 de marzo de 1901 – Burbank, California, 7 de julio de 1971) fue un animador estadounidense, famoso por su trabajo con Walt Disney. Su familia procedía de Frisia Oriental, en la Baja Sajonia (Alemania). Su padre, Eert Ubbe Iwwerks, había emigrado a Estados Unidos en 1869. Iwwerks cambió su nombre verdadero ("Ubbe Ert Iwwerks", que sonaba extraño en Estados Unidos) por el más sencillo de Ub Iwerks, con el que es conocido. Conoció a Disney cuando ambos trabajaban para Pesman-Rubin Comercial Art Studio, de Kansas City, en 1919, y trabajó con él ininterrumpidamente hasta 1930. En 1920 fundaron una compañía llamada "Iwerks-Disney Commercial Artists", que no tuvo éxito. Más tarde, ambos trabajaron para Kansas City Film Ad. Cuando en 1922 Disney fundó una nueva empresa, Laugh-O-Gram Films, Inc., dedicada ya enteramente a la animación, Iwerks le siguió. De hecho, tuvo un papel fundamental en el desarrollo del estilo característico de los primeros cortos de Disney. Animó los primeros dibujos animados de Mickey Mouse.

Tex Avery Frederick Bean Avery (conocido como Tex Avery o Fred Avery) (26 de febrero de 1908 26 de agosto de 1980) fue un animador, dibujante, y director estadounidense, famoso por producir dibujos animados durante la edad de oro de Hollywood. Hizo su trabajo más significativo para la Warner Bros. y los estudios de Metro Goldwyn Mayer, creando o desarrollando plenamente los personajes del Pato Lucas, Bugs Bunny, Droopy, Lobo McLobo, Screwball Squirrel, Porky y a Chilly Willy. Su influencia se extiende a casi todos los estudios desde los años 40 y 50 hasta la actualidad. El estilo de Avery rompió el molde del realismo establecido por Walt Disney, y alentó a los animadores a llegar al límite del medio para hacer cosas en animación que no se podían hacer en las películas con actores. Avery solía decir: “en animación puedes hacer cualquier cosa”, y sus trabajos hicieron eso muy a menudo. Aunque Tex Avery no vivió para experimentar el renacimiento de la animación de los tardíos 80s, su trabajo fue redescubierto y comenzó a recibir la atención y las alabanzas extensas de la comunidad moderna de la animación y de las películas. Su influencia se refleja fuertemente en caricaturas modernas tales como “Roger Rabbit”, Ren y Stimpy, Tiny Toon Adventures, Animaniacs, Freakazoid, los Simpsons, Tom y Jerry Kids Show o en el personaje del Genio en Aladdin de Disney. De hecho, el vaquero protagonista de The Wacky World of Tex Avery lleva su nombre y su trabajo se ha honrado en programas tales como The Tex Avery Show y Cartoon Alley. Sus personajes (particularmente Bugs Bunny y aquellos de Red Hot Riding Hood) aparecieron en la película de Jim Carrey La Máscara.

John Hubley John Hubley fue el director artístico general de la UPA desde su creación, después de verse obligado a dejar la Disney por participar a finales de los 40 en la huelga que los trabajadores le hicieron a esa empresa por mejoras salariales, este artista laboró allí en varios largometrajes que van desde Blanca Nieves y los 7 Enanitos hasta Fantasía, en la cual llegó a dirigir la parte titulada The Rite of Spring. Hubley vio en la UPA la posibilidad de hacer cortos animados que no fueran los del gato persiguiendo al ratón y que tuvieran diseños mas novedosos los personajes y los fondos de películas. La cinta The Dover Boy de Chuck Jones le sugirió que la clave estaba en la semianimación. Crea en 1949 a Mister Magoo inspirado en un tío cegato, el artista consideraba que trabajar personajes fijos limitaban sus posibilidades creadoras y le entrego este protagonista a otros directores de la compañía para que continuaran narrando historias en futuros cartoons. Cuando desapareció la UPA, otros Studios hicieron Show para la television con Magoo y otros personajes secundarios que lo acompañaban en sus primeros cartoon.

Joe" Barbera Joseph Roland "Joe" Barbera (24 de marzo de 1911 - 18 de diciembre de 2006) fue un animador, creador de storyboards, director y productor estadounidense. Cofundó junto a William Hanna el estudio de animación Hanna-Barbera (luego absorbido por Warner Bros. Animation y convertido en Cartoon Network Studios tras la muerte de Hanna en 2001). El estudio creó dibujos animados los cuales obtuvieron mucha popularidad, tales como Tom y Jerry, The Huckleberry Hound Show, Los Picapiedra, Los Supersónicos y ScoobyDoo. Hanna y Barbera ganaron siete premios Óscar y ocho premios Emmy. Sus personajes se han convertido en íconos de la cultura popular y han aparecido en otros medios como películas, libros y juguetes. Las series de televisión creadas por el estudio han sido traducidas a más de 20 idiomas. En 1940 Hanna y Barbera dirigieron el cortometraje Puss Gets the Boot, protagonizado por un gato gris llamado Jasper y un ratón de color café. La cinta fue nominada a un premio Óscar en la categoría mejor cortometraje animado. Barbera se unió nuevamente con William Hanna con el objetivo de producir dibujos animados para televisión y cine.23 Ambos tenían diferentes habilidades que utilizaban en el estudio; Barbera se dedicaba a escribir y realizar bosquejos, mientras que Hanna se encargaba del ritmo de la animación, elaboración de guiones y elección de empleados.

William Hanna William Denby Hanna (14 de julio de 1910 - 22 de marzo de 2001) fue un dibujante, director, animador y productor de cine y televisión estadounidense. Tras desempeñarse en varios trabajos esporádicos durante la crisis económica, se integró al estudio de animación Harman-Ising en 1930. Su participación en dibujos animados como Captain and the Kids le permitió obtener una mayor experiencia y notabilidad en la industria. En 1937, mientras trabajaba en Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), conoció a Joseph Barbera. Ambos comenzaron a colaborar conjuntamente, de lo que resultaron producciones como Tom y Jerry o algunas películas en imagen real. En 1957 fundaron Hanna-Barbera, que se convertiría en el estudio de animación televisiva más exitoso en esa época, al producir series como Los Picapiedra, The Huckleberry Hound Show, Los Supersónicos, Scooby-Doo, Los Pitufos, Don gato, Leoncio y Triston, Pepepotamo y Show del Oso Yogi. En 1967 Taft Broadcasting adquirió Hanna-Barbera por 12 millones USD, aunque sus creadores siguieron al frente de la compañía hasta 1991. El dúo ganó siete premios Óscar y ocho Emmy, y sus dibujos animados se convirtieron en íconos culturales.

Ray Harryhausen Ray Harryhausen (Raymond juniode 1920 - Londres, 7 de mayo de 2013) fue un técnico en efectos especiales y productor cinematográfico estadouni dense.

Frederick

Harryhausen: Los

Ángeles, 29

Era especialmente conocido por su estilo en la técnica de animación stop motion. Algunos de sus más notables trabajos son El gran gorila en 1949 (junto a Willis O'Brien, película que obtuvo un Óscar a los mejores efectos visuales), Simbad y la princesa en 1958 (su primera película en color), Jasón y los argonautas en 1963 yFuria de titanes en 1981. Falleció el 7 de mayo de 2013 en Londres, a los 92 años. Ray Harryhausen creador de monstruos. Exposición comisariada por Asier Mensuro que se celebró en la Fundación Luis Seoanede La Coruña del 20 de julio al 25 de setiembre de 2011. En ella se reflexionaba sobre la figura de la monstruosidad vista a través de las creaciones de este creador de efectos especiales cinematográficos, mostrándose más de 100 dibujos originales, 25 muñecos articulados, storyboards, etc. La exposición además, ponía en relieve el trabajo de Ray Harryhausen en España, mostrándose el trabajo de directores artísticos españoles que participaron en sus películas como Fernando González o Gil Parrondo.

Jules Engel Jules Engel (9 de marzo de 1909, Budapest - † 6 de septiembre de 2003, Simi Valley, California) fue un dibujante y animador estadounidense de origen húngaro. Sus obras son en general abstractas, coreografías de figuras geométricas en movimiento.

Compositores de música han visto un trabajo similar al musical en sus composiciones visuales. Diseñó la coreografía de danzas de hongos chinas y rusas en la película de Disney FANTASÍA, donde fue reprochado por usar el fondo negro, algo inadmisible en dicha compañía. En Disney conoció al animador Oskar Fischinger, quien adoraba sus pinturas. Engel fue uno de los animadores que abandonaron las grandes compañías y se unieron para formar la United Productions of America (UPA). Allí trabajó en cartoons como Gerald McBoing Boing. Luego de la UPA fundó Format Films. A finales de los años sesenta comienzó a realizar su propia animación experimental. Además hizo varios documentales sobre otros artistas. En paralelo a su obra de animación, Engel fue un pintor prolífico. Pintaba al óleo, hacía litografías, y además utilizaba otros medios. Vivió un tiempo en París, donde se llevaba bien con artistas como Man Ray. Fue el fundador del programa de animación experimental en el instituto de Arte de California Cal Arts. Allí tuvo como alumnos a importantes animadores de la actualidad.

Norman McLaren Norman McLaren (Stirling, Escocia, 11 de abril de 1914 - Montreal, Canadá, 27 de enero de 1987) fue un animador y director de cine canadiense de origen escocés reconocido por sus trabajos en el National Film Board of Canada. Estudió diseño en la escuela de arte de Glasgow, donde comenzó a experimentar con el cine y la animación. Luego de terminar sus estudios realizó algunas películas en Londres. McLaren se mudó a Nueva York en 1939, al tiempo que comenzaba la Segunda Guerra Mundial. En 1941 fue invitado a Canadá a trabajar para el National Film Board, abrir un estudio de animación y enseñar a animadores canadienses. Fue allí donde McLaren creó su film más famoso, Neighbours (1952), el cual ganó innumerables premios en todo el mundo incluidos el Canadian Film Award y el Academy Award. Además de la brillante combinación de imágenes y sonidos, el film tiene un fuerte mensaje social y de crítica contra la violencia y la guerra. McLaren es famoso por sus experimentos con la imagen y el sonido, al dibujar directamente sobre la película, incluso la banda sonora.

Peter Foldes Nacido en Budapest Pedro Foldes (1924-1977) fue uno de una serie de artistas húngaros (otra fue la película compositor Mátyás Seiber), que terminó trabajando con su compatriota John Halas en películas de animación de este último después de mudarse a Gran Bretaña en 1946. Después de salir de Halas, Foldes hizo una serie de películas de animación en colaboración con su esposa británica Joan (nacido en 1924), a partir de la alegórica “Génesis animados” (1952), “más de cerca” (1953) y “Una visión corta” (1956). “Una visión corta” se convirtió en uno de los más influyentes películas británicas de animación jamás se ha hecho, cuando se proyectó en la televisión de EE.UU. como parte del popular show de Ed Sullivan. Aunque los niños se les aconsejó salir de la habitación mientras se juega, todavía causa indignación y alarma con su representación gráfica de los horrores de una guerra nuclear. En la película, las criaturas salvajes huyen en el terror como un misil extraña sobrevuela. A su paso por la ciudad dormida, los líderes del mundo y los hombres sabios mirar hacia arriba. La explosión de misiles, la destrucción de los seres humanos, criaturas salvajes y la Tierra misma. Me llamó el estado de ánimo de los tiempos, desde mediados de la década de 1950 fue la altura tanto de la guerra fría y la paranoia nuclear. Foldes más tarde se trasladó a París, donde se convirtió en un pionero en la animación por ordenador. En la década de 1960, trabajó para el Servicio de Investigación de la ORTF. Es uno de los pioneros de la animación por ordenador con su película “El hambre”, que recibió el Premio del Jurado en el “corto” en la categoría del Festival de Cannes, así como una nominación al Oscar.

Heinz Edelmann Reconocido por su trabajo como director de arte de la película de los Beatles “Yellow Submarine”, Edelmann nació en 1934, en la antigua Checoslovaquia y estudió en la Academia de Bellas Artes de Dusseldorf, una de las instituciones más progresistas de la Alemania de postguerra. Acabados sus estudios, hacia 1958 comenzó a trabajar como diseñador freelance, ilustrador, animador y profesor en Alemania, Gran Bretaña y Holanda. Siempre en solitario –“Fui mi propio director de arte, ilustrador, diseñador, maquetador y también barrí el suelo e hice el café”- realizó carteles para la Westdeutscher Rundfunk (WDR) (Radiodifusión de Alemania Oeste), publicidad para la agencia Putz, cubiertas de libros para la editorial Klett-Cotta de Stuttgart, así como un buen número de ilustraciones para publicaciones, entre las que hay que citar el periódico Frankfurter Allgemeine Zeitung y la mítica revista Twen, dirigida por Willy Fleckhaus. A él se deben, asimismo, las imágenes de la primera edición alemana de El Señor de los Anillosde Tolkien y Curro, la mascota de la Expo de Sevilla 92. Desde un punto de vista mediático, esta notable trayectoria profesional se ha encontrado en un segundo plano, en la medida en lo que más se conoce de Edelmann es “Yellow Submarine”, película considerada la quintaesencia de la imaginería psicodélica, dentro de una estética compartida en la década de 1960 con otros grandes diseñadores e ilustradores como Seymour Chwast y Milton Glaser. Precisamente, este último ha afirmado que: “Se hizo famoso gracias a su trabajo en ‘Yellow Submarine’ pero esa celebridad realmente oscureció su verdadero talento e imaginación”. Para Glaser, además, fue “uno de los diseñadores más brillantes que produjo Europa en el último siglo. Fue un profesional prodigioso y diestro en todos los aspectos del diseño, la tipografía y la ilustración”. En opinión de Chwast, su trabajo fue “el más fresco y el más libre de cuantos ilustradores he conocido”.

Jiri Trnka Trnka fue un animador dedicado a los films en 3D. No os fiéis del concepto actual de 3D, que automáticamente relacionamos con la imagen hecha por ordenador tipo "Toy Story". Las tres dimensiones en la animación también existían antes. Ultimamente, gracias a las gallinas de Aardman, de "Rebelión en la granja" el público en general a redescubierto una forma de animación que ha renacido de sus cenizas: la plastilina. No me negaréis que las figuras de plastilina son figuras en 3D... Pues bien, si se pueden hacer figuras de plastilina y animarlas, también sirve coger cualquier muñeco hecho de otro material y animarlo. De hecho, Trnka decía que cualquier objeto puede protagonizar una animación. El nombre de la técnica de animación utilizada en estas obras es "stop motion". Es un laborioso trabajo de animación en que el movimiento se graba fotograma a fotograma. Requiere de una gran dosis de meticulosidad y, sobre todo, una paciencia infinita. Otro punto más para valorar el trabajo de animadores como Trnka. La animación con muñecos arraigó de una manera especial en el país de origen de Trnka, la antigua Checoslovaquia, gracias a la existencia de una tradición de manufacturación artesanal de muñecos folklóricos. Por eso mismo, la mayoría de los films realizados por estos animadores tenían como hilo argumental alguna historia del folklore popular del país. El estilo de este tipo de animación quedó así impregnado de una riqueza ornamental y un cuidado de los detalles, tanto de los muñecos como de los decorados que aún no ha sido superado. El barroquismo y el detallismo, unido a la sensibilidad melancólica e irónica de los checos dieron como resultado unas obras claramente reconocibles. La mayoría de estos films parecen estar dirigidos principalmente a un público infantil, aunque los temas que tocan, de manera siempre indirecta, son bastante adultos. Detrás de las marionetas y la rica ambientación barroca y decorativista de las historias, se esconden reflexiones que van desde la violencia a la política más dura, pasando por el sexo.

Osamu Tezuka Fue un dibujante de historietasy animador japonés, al que a menudo se le llama el "padre del manga" o incluso el dios del manga (漫画の神様 manga no kamisama?), debido a la calidad de su prolífica producción y a la influencia de sus técnicas, con el abandono de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas por los story manga (o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada) y el desarrollo del formato tankoubon, que actualmente triunfa en todo el mundo para la edición de manga. Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que a día de hoy la base de su estilo perdura en los nuevos autores japoneses y los personajes que él dio a luz con su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede encontrar en las librerías la gran mayoría de sus obras. Además, sus historietas han sido traducidas a decenas de lenguas, entre ellas el español. La ternura y el profundo y sincero humanismo que imprimió a sus personajes han dejado una huella indeleble, haciendo de él un autor universal capaz de traspasar culturas. Incluso los ojos desproporcionadamente grandes que son tan característicos de la animación y la historieta japonesa (sobre todo en el shoujo) constituyen un legado de Tezuka. Tezuka fue también uno de los pioneros de la animación japonesa, pero antes de 1963 no consiguió hacer versiones de sus famosos mangas. Creó su propia empresa, Mushi Productions, con la que creó la primera serie de dibujos animados de Japón: Tetsuwan Atom ("Astroboy", que contaría con dos versiones más en años posteriores). Luego vendríanJanguru Taitei ("Kimba el león blanco"), Ribbon no Kishi ("La princesa caballero")... Todas ellas fueron grandes éxitos, lo que no impidió que su productora, tras repetidas crisis financieras, se viese forzada a cerrar su estudio de animación a mediados de los 70.

Manuel García Ferré Manuel García Ferré nació el 8 de octubre de 1929 en Almería, España. En 1947 llegó a Argentina, y la animación era su principal fuente de ingresos, a través de centenares de cortos publicitarios (incluso, el personaje de "Anteojito" junto a su tío "Antifaz", comenzó como una campaña publicitaria más, ya que escalaban el Aconcagua con carpas "Cacique", cocinaban con "Aceite Cocinero" y tomaban mate con yerba "Nobleza Gaucha"). En 1952 García Ferré realizó para el semanario infantil Billiken (de Constancio Vigil), su primer comic: Pi Pío, el cual se desarrollaba en un pueblo llamado Villa Leoncia, y donde aparecerían por primera vez Oaky e Hijitus. García Ferré solía agregar el sufijo "itus" al final de los nombres de los personajes (por ejemplo "Pichichus") como una manera de superar el karma que le provocó los varios años que estudió latín en la escuela. En 1959 decidió crear su propia empresa de publicidad de dibujos animados, desde donde creó cientos de jingles. Creó su propia editorial, y, ya en el año 1964, creó la "Revista Anteojito". También hizo una enciclopedia para niños y jóvenes (El Libro Gordo de Petete), y lanzó otras revistas ("Muy Interesante" y "Ser Padres Hoy"). García Ferré realizó, debido al éxito de sus personajes, episodios semanales televisivos de la serie animada "Hijitus" (fue la primera serie de dibujos animados de la Argentina, y se extendió desde el año 1967 hasta 1974). Además, en las décadas de 1970 y de 1980, realizó otros programas de TV con diversos personajes, como ser "Calculín y la familia", "El libro gordo de Petete" y "El club de Anteojito y Antifaz". Efectuó, además, una serie de largometrajes cinematográficos: "Mil Intentos y un Invento" (1972, reestrenada en 2001 con nueva banda sonora y nuevo título: "Anteojito y Antifaz: Mil Intentos y un Invento"), "Las aventuras de Hijitus" (1973), "Petete y Trapito" (1975), "Ico, el caballito valiente" (1981), "Manuelita la tortuga" (1999, reestrenada en 2005, basado en el personaje de María Elena Walsh), "Corazón, las alegrías de Pantriste" (2000) y "Soledad y Larguirucho" (2012).

Ralph Bakshi Ralph Bakshi (n. Haifa, Mandato Británico de Palestina, el 29 de octubre de 1938) es un cineasta y animador estadounidense. A medida que la industria de la animación estadounidense declinaba durante las décadas de 1960 y 1970, Bakshi intentó innovar y fue pionero de la animación para adultos, como Fritz el gato basado en el personaje de Robert Crumb. En 1978 dirigió la primera adaptación cinematográfica de El Señor de los Anillos, la novela de fantasía heroica de J. R. R. Tolkien. Su último éxito ha sidoCool World (1992), que mezcla imagen real con dibujos animados. Ralph Bakshi nació el 29 de octubre de 1938 en Haifa, entonces parte del Mandato Británico de Palestina. En 1939, su familia se mudó a Nueva York para escapar de la Segunda Guerra Mundial.1 2 Creció en Brooklyn y fue a la "High School of Industrial Art". Después de graduado fue a trabajar a los estudios de animación de Terry Toons en New Rochelle, coloreando personajes comoSuper Ratón y otros. Desde los 25 años trabajó como director creativo de los estudios CBS, donde creó los Mighty Heroes. En 1967 la Paramount lo llamó para producir y dirigir largometrajes como Marvin Digs, Mini Squirts, Fritz el gato, etc. Este último fue escrito y dirigido por él en 1971. A partir de ahí Bakshi dirigió varios largometrajes como Heavy Traffic en 1973, Street Fight en 1975 y Wizards en 1977. En 1978 Ralph Bakshi dirigió El Señor de los Anillos, una historia adaptada del clásico de J. R. R. Tolkien, usando técnicas de rotoscopia, método usado por Disney para animar personajes ultra-realistas. En 1981 lanzó American Pop, donde aborda la evolución de un grupo de música americano donde incluye como banda sonora músicas de George Gershwin, Dave Brubeck, Herbie Hancock, Bob Dylan, The Doors, Velvet Underground y Jimi Hendrix, entre otros. Seguidamente Hey Good Lookin (1981) y Fire and Ice (1983), colaborando con Frank Frazetta.

Richard Williams Richard Williams (19 de marzo de 1933 en Toronto, Ontario) es un animador, director y productor canadiense. Es conocido por haber trabajado como director de animación en la película ¿Quién engañó a Roger Rabbit? y El ladrón de Bagdad, la cual no fue terminada. Además animó algunos créditos de películas; sus trabajos más importantes son los créditos de What's New, Pussycat? (1965), The Charge of the Light Brigade (1968). También animó al personaje La pantera rosa para los créditos de dos de sus películas. Comenzó su trabajo como animador en Walt Disney Productions y luego en United Productions of America durante los años 40, donde aprendió de varios animadores como Chuck Jones, Ken Harris, Milt Kahl y Art Babbitt. Emigró a España y luego a Inglaterra en 1955. En 1958 produjo el trabajo que fomentó su carrera, The Little Island, el cual fue nominada a un BAFTA. Tras trabajar durante los años 60, dirigió el ganador del premio Oscar A Christmas Carol (1971), la película Raggedy Ann & Andy: A Musical Adventure (1977) y el ganador del Emmy Ziggy's Gift (1982). Además trabajó como director de animación en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) donde ganó dos premios Oscar por su trabajo. Escribió el libro, "The Animator's Survival Kit", publicado en 2000. En 1968 Richard Williams comenzó a trabajar en su magnum opus, una película de animación basada en Las mil y una noches, su título era El ladrón de Bagdad (The Thief and the Cobbler). Debido a que estaba dirigida a un público más adulto y no tenía diálogos, su producción se vio bastante difícil. Tras cerca de 20 años de trabajo, Williams solo había hecho veinte minutos de la película, y tras el éxito de ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, Williams logró que Warner Bros. financiara su proyecto en 1990. Sin embargo, la producción se detuvo, y en 1992, con solo quince minutos por crear, la compañía Completion Bond, quien estaba financiando la película, abandonó el proyecto debido a la competencia que ejercía la película de Disney Aladdín. Completion Bond completó la animación en Corea bajo la dirección del animador Fred Calvert.

Terry Gilliam Terry Vance Gilliam (n. 22 de noviembre de 1940) es un actor y director de cine británico nacido en Estados Unidos. Fue uno de los miembros del grupo humorístico Monty Python. Gilliam nació en Medicine Lake, Minnesota, en los Estados Unidos, y estudió Ciencias Políticas en el Colegio Occidental de California. Más conocido por las animaciones, en las que recortaba fotografías y las volvía surrealistas, que por los papeles raros que realizó (papeles siempre secundarios). De entre sus personajes más conocidos destaca Patsy, el escudero del rey Arturo en Los caballeros de la mesa cuadrada, película que llevó a cabo con Terry Jones, e interpretó también al cardenal Fang de los sketches de la temible Inquisición Española. Realizó papeles siempre grotescos y enloquecidos. Como director ha deambulado por los límites de la realidad, los sueños y el tiempo. Sus películas, de estilo surrealista, están marcadas por los viajes en el tiempo (Los héroes del tiempo y Doce monos) y la realidad confundida por los sueños, la fantasía o la imaginación (Brazil, Las aventuras del Barón Munchausen, El rey pescador, Fear and Loathing in Las Vegas o El imaginario del Doctor Parnassus), siempre aderezado con mucho humor o ironía.

Don Bluth Donald Virgil Bluth (nacido en El Paso, Texas, el 13 de septiembre de 1937) es un dibujante, animador y director de cine estadounidense, dueño de un estudio de animación independiente y conocido sobre todo por ser el creador de numerosas películas de dibujos animados, destacando entre ellas títulos como NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby (1982), En busca del valle encantado (1988) o Anastasia (1997). Don Bluth fundó su estudio de animación, Don Bluth Productions, en 1979, pero anteriormente ya había trabajado para The Walt Disney Company. La primera película en la que había trabajado para esa compañía fue La bella durmiente (1959), como asistente de animación, aunque en ella no figura en los títulos de crédito. Después de ésta no volvió a trabajar en Disney hasta los años 1970, período en el que hizo parte de los equipos de animación de Robin Hood (1973), Los rescatadores (1977), y Pedro y el dragón Elliot (1977). En 1978 dejó Disney, llevando consigo a varios de sus compañeros para fundar un nuevo estudio que hiciera directamente la competencia a Disney en su propio mercado, el de los largometrajes de animación. El nuevo estudio demostró sus habilidades en su primera producción, titulada Banjo the Woodpile Cat, lo que le abrió las puertas para realizar una secuencia de la película Xanadu. El primer largometraje de Bluth como director, NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby, a pesar de no haber sido un gran éxito de taquilla, está considerado por muchos como la obra maestra de Bluth.

Carlos Carrera Luis Carlos Carrera González (n. Ciudad de México, 18 de agosto de1962) es un director, guionista y animador mexicano, cuatro veces galardonado con el Premio Ariel. En el mes de febrero de 1991 se estrena en privado la copia 0 de su primer largometraje, La mujer de Benjamín, ganadora de la segunda edición del programa de óperas primas del CCC, escuela donde cursó sus estudios de cine tras haber estudiado la carrera de ciencias de la comunicación en la UIA. Su estreno mundial fue en el Festival Internacional de Cine de Berlín, en Alemania, en 1991, junto a otras cintas mexicanas para un ciclo nombrado "Panorámica del Cine Mexicano", mientras que el 29 de agosto se estrena en el circuito comercial mexicano, en salas de la capital del país. Su segundo trabajo, La vida conyugal, basado en la novela homónima de Sergio Pitol, pasó inadvertido para crítica y público pero, mientras realizaba este filme, Carrera trabajaba en un cortometraje de animación, el cual le pondría en los primeros planos: El héroe (1994), cinta donde un hombre trata de detener el suicidio de una joven en el metro, el cual fue enviado al Festival de Cannes donde obtuvo la Palma de Oro al mejor cortometraje del certamen, convirtiendo a Carrera en el primer director mexicano en obtener este premio, desde que se le otorgó a María Candelaria en 1946, año en el que todas las cintas presentadas fueron galardonadas. Fue presidente de la AMACC durante el periodo 2010-2012.

René Castillo René Castillo Rivera es un animador mexicano especializado en la técnica del stopmotion, con la que ha realizado cortometrajes como Sin Sostén y Hasta los huesos. Ha ganado más de 50 premios internacionales y una nominación a la Palma de Oro en Cannes. Nació en el Distrito Federal en 1969, pero se mudó a Guadalajara a los 19 años donde estudio comunicaciones en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente. Fascinado con la animación en plastilina, realiza con Antonio Urrutia el cortometraje de animación en plastilina Sin sostén (1998) que se hace acreedor al Ariel al Mejor Cortometraje de Animación; para embarcarse después en la dirección, coproducción, coanimador y guion del corto Hasta los huesos (2001).

Bill Meléndez (José Luis Cuauhtémoc Meléndez, Hermosillo, de Sonora, 15 de noviembre de 1916 - Santa Mónica, de California, 2 de septiembre del 2008) fue un animador, director de cine y productor cinematográfico mexicanoestadounidense, conocido por sus dibujos animados de Warner Brothers y por la serie Charlie Brown: en esta última, hacía la voz de Snoopy y la de Woodstock. Meléndez fue educado en escuelas públicas en Douglas (Arizona), y más tarde en el Chouinard Arts Institute (que se convertiría después en el California Institute for the Arts). En 1938, Walt Disney empleó a Meléndez para trabajar en cortometrajes animados y en películas como Bambi, Fantasía, y Dumbo. Después se unió al equipo de Leon Schlesinger en los estudios de Warner Brothers. Como miembro de los equipos de Bob Clampett y Art Davis, animó numerosos cortometrajes de Bugs Bunny y del Pato Lucas. UPA (United Productions of America) lo incorporó a su nómina en 1948, y con esa compañía trabajaría en muchos programas publicitarios, incluidos los de Gerald McBoing-Boing y Madeline. Después de un decenio con las dos casas productoras, Meléndez fundó su propia compañía en 1964: Bill Melendez Productions, que presentó al público A Charlie Brown Christmas, programa especial de navidad radiodifundido anualmente, por el que ganó un Premio Emmy y un premio George Foster Peabody a pesar de tener que trabajar con poca anticipación y con un presupuesto escaso. Meléndez doblaba la voz de Snoopy, personaje que normalmente no habla en los especiales. Meléndez conoció a Charles Schulz en 1959, cuando era director de animación de una serie de anuncios para el coche Ford Falcon. En breve y autorizado por Schultz, Meléndez sería el único animador de los personajes de Carlitos.

Ricardo Adrian Lozoya Ricardo Adrian Lozoya, cuyas siglas son RAL, estudió Ingeniería en Sistemas Electrónicos en el Tecnológico de Monterrey. Desde niño ha sido un gran fan de las series japonesas y la animación en general. Sus primeros trabajos fueron, como los de muchos otros, pequeños comics basados en Dragon Ball y otras caricaturas que veía en su infancia. Al salir de la prepa empezó con sus primeras animaciones en flash, creando a su primer personaje, Ral, un niño que vivía diversas aventuras en la ciudad de Chihuahua y que es una obvia alusión a él mismo de niño. RAL logró un buen éxito con sus primeras animaciones, pero dicho éxito seguía en el underground de internet. Sin embargo, fue gracias a las colaboraciones que tuvo con Mentes Enfermas que muchos conocimos la página de Raltoon y nos enamoramos de las aventuras del pequeño Ral. Y a pesar de que la dupla RuloRAL logró consolidarse fuertemente dentro del género de la comedia animada por internet.

Guillermo del Toro Gómez Guillermo del Toro Gómez (n. Guadalajara, Jalisco; 9 de octubre de 1964) es un director, guionista y novelista mexicano, galardonado con el Premio Goya y varias veces con el Premio Ariel. Del Toro empezó a filmar en México desde adolescente, cuando estaba en el Instituto de Ciencias, en la ciudad de Guadalajara. Pasó diez años en diseño de maquillaje y formó su propia compañía, Necropia, antes de poder ser el productor ejecutivo de su primer filme a los 21 años. Fue cofundador del Festival de Cine de Guadalajara y creó la compañía de producción Tequila Gang. En 1998 su padre fue secuestrado en México; tras conseguir su liberación mediante el pago de un rescate, Del Toro decidió mudarse al extranjero y actualmente vive en Los Ángeles (Estados Unidos). Guillermo del Toro es un cineasta que ha dirigido una amplia variedad de películas, desde adaptaciones de cómics (como Hellboy y Blade II), hasta películas de terror y fantasía histórica, dos de las cuales se sitúan en España en la época de la Guerra Civil Española y el periodo inmediatamente posterior, durante el régimen dictatorial del General Franco. Estas películas, El espinazo del diablo y El laberinto del fauno también comparten aspectos similares: protagonistas (niños pequeños), y temática (como la relación entre terror y fantasía y el vivir bajo el yugo de un régimen fascista o dictatorial). Del Toro se caracteriza por imprimir una estética y ambientación espectaculares a sus películas, creando ambientes tétricos y agobiantes o situaciones mágicas y fantásticas. Guillermo del Toro tenía planeado lanzar un videojuego con la compañía THQ titulado INSANE, un juego de supervivencia como Silent Hill. Se esperaba que el lanzamiento se produjera a mediados de 2013, pero el 6 de agosto de 2012 el proyecto fue cancelado por la misma THQ. El 6 de enero de 2013, Guillermo del Toro declaró que el proyecto seguía en pie y que estaba en negociaciones con «una compañía grande» que financiaría la publicación del juego.

Rodolfo Riva Palacio Alatriste Huevocartoon.com es un sitio de animaciones donde los personajes principales, unos huevos, realizan sátiras sobre diversos aspectos culturales y sociales de un modo humorístico e irreverente. El tipo de humor utilizado es de un estilo muy particular mexicano: pícaro, burlón y con una buena medida de doble sentido; y se hace burla de estereotipos como el borracho, el macho mexicano, el político, y muchos otros. Entre las animaciones más populares se encuentran: Los Poeta Huevos, Los Huevos Rancheros, Los Huevos Bongó y Los Huevos Ahogados.

12 PRINCIPIOS BÁSICOS DE ANIMACIÓN 1.- -ENCOGER Y ESTIRAR (Squash and Strech) Consiste en la compresión y estiramiento del objeto animado sin que varíe su volumen aparente. Está en función del peso y del material del que esté formado. Se trata de la estilización visual de un fenómeno físico: la inercia. Si un objeto está en estado de reposo y le imprimimos un movimiento, la tendencia del objeto será la de permanecer en el estado inicial reposo, por efecto del peso; si por el contrario se le intenta detener, la tendencia del objeto será la de seguir en movimiento, con mayor fuerza cuanto mayor sea su peso.

2.- -ANTICIPACIÓN (Anticipation) En animación, la acción ocurre normalmente por tres etapas: La preparación para el movimiento, el movimiento en sí mismo y la prolongación de la acción. A la primera parte se la conoce como Anticipación y es la parte más importante de todo el movimiento. En algunos casos la anticipación es necesaria físicamente. Por ejemplo, antes de poder lanzar una pelota, hay que echar el brazo hacia atrás. El movimiento hacia atrás es la anticipación, el lanzamiento en sí mismo es la acción y el brazo bajando y el cuerpo rotando seria la prolongación

3.- -PUESTA EN ESCENA (Staging) Representación de una idea. Con este principio traducimos las intenciones y el ambiente de la escena a posiciones y acciones específicas de los personajes al espectador. La Postura es la presentación de una acción o elemento de manera que se entienda con facilidad. En general, se presenta un elemento de acción cada vez. Si ocurren demasiadas cosas a la vez, la audiencia dudará hacia dónde mirar y la acción estará saturada. Algo clave para determinar una buena postura es la silueta. Lo que significa que una pose, un objeto o un personaje puede ser interpretado incluso en una silueta en blanco y negro.

4. - -ACCIÓN DIRECTA Y POSE A POSE (Straigh ahead action and pose-to-pose) Son dos los métodos usados para crear animación. La animación Directa es uno de ellos y es donde el animador anima un cuadro tras otro, ordenadamente. Por ejemplo, el animador crea el primer cuadro de la animación, después el segundo, y así sucesivamente hasta que la secuencia de animación deseada esta completa. Esta forma de animar tiende a crear animación más libre, pero puede dar dificultades a la hora de controlar y ajustar el tiempo, algo de suma importancia a la hora de animar.

5.--ACCIÓN CONTINUADA Y SUPERPUESTA (Follow through and overlapping action) La acción continuada, Es el procedimiento para terminar o cerrar adecuadamente una acción. Si un objeto se detiene, la parte principal es la primera en alcanzar el reposo, luego le seguirían los elementos secundarios. En la acción superpuesta, movimientos múltiples se mezclan, se superponen, e influyen en la posición del personaje. Se trata de ligar unas acciones a otras buscando una fluidez y evitando el efecto robot.

6. - -FRENADAS Y ARRANCADAS (Ease in and out on slow in and out) La entrada o salida lenta en una clave tiene que ver con la aceleración o deceleración gradual de un objeto al llegar o salir de una clave. Un objeto (p. ej. un brazo) debe ir frenándose según se aproxima a un cuadro clave (Easy In) o empezar a moverse gradualmente desde el estado de reposo (Easy Out).

7.- -ARCOS (Arcs) Al utilizar los arcos para animar los movimientos del personaje le estaremos dando una apariencia natural, ya que la mayoría de las criaturas vivientes se mueven en trayectorias curvas, nunca en líneas perfectamente rectas. Habitualmente se utilizan líneas curvas y arcos para guiar el trabajo de intercalado con el fin de que los movimientos sean fluidos. 55

8.- -ACCIÓN SECUNDARIA (Secondary action) La acción secundaria es la acción como consecuencia de la acción o movimiento principal. Por ejemplo si movemos la cabeza, como consecuencia de ese movimiento el pelo se moverá. O si movemos la cabeza de un personaje con orejas grades, lo más probable es que esas orejotas también se muevan. Esta acción secundaria aporta interés, atractivo y quizás realismo al personaje y por lo tanto a la animación. Debe ser realizada de manera que se note pero que no sobrepase a la acción principal.

9.- -SENTIDO DEL TIEMPO (Timing) Da sentido al movimiento. El tiempo que tarda un personaje en realizar una acción. Las interrupciones en los movimientos. Aquí se define también el peso del modelo y las sensaciones de escalas y tamaños. Es la velocidad que tarda una acción en desarrollarse. Influye en la apariencia de peso que tiene el objeto animado.

10.- -EXAGERACIÓN (Exaggeration) La exageración se utiliza para acentuar una acción. Se debe utilizar de forma cuidadosa y equilibrada, no arbitrariamente. Hay que encontrar el objetivo deseado de una acción o secuencia y qué partes necesitan ser exageradas. El resultado será que la acción parecerá más realista, entretenida y destacada.

11.- PERSONALIDAD (Appeal) Esto proporciona conexión emocional con el espectador. Se trata de la personalidad del personaje, que sea coherente con sus movimientos. Es un término que los anglosajones utilizan para describir aquello que tiene una apariencia atractiva a la vista. Un movimiento no tiene appeal si en apariencia estorpe o rígido.

12.- -MODELADOS Y ESQUELETOS SÓLIDOS 3D, SOLID DRAW 2D Un modelado y un sistema de esqueleto sólido, o un dibujo sólido como se decía en los años 30, ayudarán al personaje a cobrar vida. El peso, la profundidad y el balance simplificarán posibles complicaciones en la producción debidas a personajes pobremente modelados. Además, hay que poner atención a las siluetas al alinear los personajes con la cámara.

PERSONAJE MISTY DAY

Perfil psicológico del Personaje

* Solitaria * Positiva * Excéntrica * Ama la naturaleza * Impulsiva * Sensible * Inteligente * Despreocupada * Desaliñada * Joven Capacidades: Misty day, es una bruja que tiene la capacidad de devolverle la vida a seres humanos así como curarlos. Es muy amable y le gusta ayudar a los demás, pero así como tiene el poder de revivir también tiene el poder de arrebatar la vida.

HEMEROGRAFIA  

http://www.oscars.org/educationoutreach/teachersguide/animation/pdf /anim_sp_act1.pdf www.wikipedia.com