Grupo 8_Book_Historia y Teoría de la Arquitectura I

Sílabo de Investigación

Fuente:canva

Historia y Teoría de la Arquitectura II

Integrantes - Henostroza Leandro, Aracely Angela (20183999) - Pacheco Melgar, Valeria Andrea (20181366) - Peña Cuba, Maria Gracia (20184274) Profesor Arq. Jose Palacio Aguilar Lima-Perú 05 de marzo del 2021

Título original: Sílabo de Investigación Redacción e investigación: Angela Henostroza, Valeria Pacheco y María Gracia Peña 05 de marzo del 2021

Sílabo de Investigación Historia y Teoría de la Arquitectura II

Universidad de Lima

Autores: Angela Henostroza, Valeria Pacheco, María Gracia Peña 2021

ÍNDICE Capítulo 1

Pág 4-18

Antecedentes: La arquitectura de los siglos XIII y XIV en Italia.

Ordenes Mendicantes Transformaciones urbanas Arquitectos del siglo XIII y XIV y obras Capítulo 2

Pág.19- 42

Los Palacios de Florencia y arquitectos Arquitecto Donato Bramante El Manierismo Arquitecto Miguel Ángel

Capítulo 3

Pág 43-66

Arquitectos en Roma en la segunda mitad del siglo XVI Giacoppo Barozzi Otros arquitectos de Roma siglo XVI Renacimiento en Venecia Renacimiento en España Renacimiento en Francia y Holanda Capítulo 4 - 5 Tratados y tratadistas de Arquitectura en la Italia del Renacimiento Barroco en Italia Gian Lorenzo Bernini Francesco Borromini Guarino Guarini Filippo Juvara Barroco en Frnacia

Pág 67-98

Capítulo 6

Pág 99-114

Barroco Barroco en Italia Barroco en Austria y Sur de Alemania Barroco en América Capítulo 7

Pág 115-141

Neoclásico en Francia, Inglaterra y Alemania, obras Eclecticismo y nuevo materiales en el siglo XIX Arquitectura y Urbanismo Decimononico en America Art Noveau Antonio Gaudí y obras Atlas de plantas

Pág 142-164

Fuentes Bibliográficas

Pág 165-177

INTRODUCCIÓN Este libro se desarrolló a través de una investigación acerca de la historia de la arquitectura, cuyo objetivo es brindar y mostrar información importante que previamente ha sido analizada. Esto se muestra en cada capítulo elaborado, que empieza con una revisión más general hacia los puntos más específicos, por lo que se describe cada época con sus diferentes estilos arquitectónicos y como estos han influenciado en diversos arquitectos para la realización de sus obras. Estas transiciones se pueden observar desde el siglo XIII hasta el S.XX. En este libro también se podrá encontrar la manera de como ha sido elaborado con los métodos que implicó fuentes, imágenes y finalmente, la realización de un atlas de plantas de cada proyecto.

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CAPÍTULO 1 ANTECEDENTES: LA ARQUITECTURA DE LOS SIGLOS XIII Y XIV EN ITALIA La primera aparición del Renacimiento fue en Italia en el siglo XIII y se afianzo en el XIV y XV, en que predominaron los siguientes arquitectos: Arnolfo del Cambio (figura 1), Brunelleschi, de quien hablaremos más en las posteriores páginas, y Donatello (figura 2). Dichos artistas, fueron admiradores entusiastas del pasado, además, cabe resaltar que Brunelleschi fue el creador de la famosa cúpula del Duomo de Florencia, que no se había osado a concluir ningún arquitecto, en el año 1421. (Velez, Z.(1892), p.134)

Figura 1: Arnolfo del Cambio Fuente: página web semanasantaymas.blogspot.com

Por otro, se conoce que el renacimiento fue un movimiento artístico y cultura poliédrico. También, se sabe que a pesar de su disonancia hermenéutica, sus producciones fueron en gran parte homogéneas y constantemente se llevó la Antigüedad como lábaro, si bien en algunos momentos, la sucesión grecolatina estuvo algo velada por el Índole imparable de los artistas.

(Cisneros, P; Languages, P.(2020), p.243)

ORDENES MENDICANTES Cuando se habla sobre las ordenes mendicantes, se conoce que fueron los más consistentes apoyos del Papado en una época, que obtuvieron grandes privilegios. Lo que les daba más autoridad era el derecho de permitirse enseñar, del que se valieron los Dominicos con el mejor triunfo. Ciertamente, habían registrado desde un inicio que el único medio de lograr honor pública era ilustrarse en la ciencia y obtener parte en las universidades. (Alzog, J.(1868), p.144) Las ordenes mendicantes son organizaciones monásticas se fundan en el siglo XIII , como resultado del surgimiento de las grandes ciudades , lo que traería un cambio fundamental en las costumbres , mentalidades y actividades. (Dorantes, M.(1992), p.34)

Figura 2: Donatello Fuente: página web semanasantaymas.blogspot.com

A continuación, se vera otros temas, como la influencia de Franciscanos y Dominicos y Escolástico.

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CAPÍTULO 1 ANTECEDENTES: LA ARQUITECTURA DE LOS SIGLOS XIII Y XIV EN ITALIA INLUENCIA DE FRANCISCANOS Y DOMINICOS Para conocer sobre la influencia de las dos partes religiosas, se debe resaltar que los padres benedictinos, los dominicos y franciscanos ingresaron a partir del Magisterio ovetense, y exclusivamente a los de la Compañía de Jesús no presentaban colaboración. Mas con su persistencia expusieron en 1655 la necesidad de alternar en Filosofía y alcanzaron al fin su meta, inicialmente sin sueldo y posteriormente con él, como inmediatamente lo alcanzaron en Alcalá. (Canella, F. (1873), p.71) Además, en el año de 1517, el 27 de mayo, los dominicos y franciscanos, puestos anticipadamente con un acuerdo, presentaron un informe a los jerónimos, que era los nuevos gobernadores de La Española, en el que explicaban el contexto de los indios y el atributo de las encomiendas. (Burguet, J; Barrado, J.(2006), p.68)

ESCOLÁSTICO El método escolástico evidencia el interés a la autoridad; y los que lo siguen, discurren en Filosofía del mismo modo que en Teología, esto es, guiados principalmente por el mando ajena. Esta es una discusión que hacen aun hasta la actualidad sobre el método escolástico, confundiendo el resultado de unos cuantos particulares con el de la Escuela en general. (Mendive, J.(1887), p.344) Los escolásticos deferían la dominación de Aristóteles (figura 3) , quien es el filósofo que más famoso; de modo al mencionarlo, se referían siempre y en el mismo hecho a razones que hacían cierta, o al menos creíble, su informe. Asimismo, en algunos puntos importantes le abandonaron y combatieron, como en su umbral sobre la inmortalidad de la materia; y hasta hubo escolásticos que llevaron tan delante su libertad, que siendo objeto normal que los frailes dominicos siguieran en todo a Santo Tomas (figura 4). (Prado, P.(1873), p.480)

Figura 3: Aristóteles Fuente: página web national geographic

Figura 4: Santo Tomas Fuente: página web biográficas y vidas

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CAPÍTULO 1 LAS TRANSFORMACIONES URBANAS DEL SIGLO XIII Y XV

Figura 5: La Europa del Renacimiento Fuente: revistas.uach.cl

Figura 6: La Europa del Renacimiento Fuente: revistas.uach.cl

Figura 7: La Europa del Renacimiento Fuente: revistas.uach.cl

En las transformaciones urbanas encontramos como principal problema, el planteamiento acerca del compuesto urbano italiano, que es el de las relaciones entre la ciudad italiana y el medio natural a escala regional, en otras palabras el problema de la situación. Cabe resaltar que es cierto que no se pueden ocupar de todos y cada uno de los tipos de situación que se han dado en las ciudades italianas. (Bielza, V.(1873), pp.9899) En la cultura renacentista, la influencia de la ciudad constituyó un módulo fundamental de gran jerarquía. Su progreso y estudio adquirió una única relevancia dentro de la sociedad ya que, se inició en las ciudades un desarrollo de decoro urbano y de medida de los espacios, tanto públicos como privados.

El desarrollo continuó mediante la producción de una serie de normas y reglamentaciones que controlaban las actividades y edificaciones de la ciudad y finalizó en los primeros decenios del siglo XV con el deseo de obtener una nueva idea de ciudad, conocida con el nombre de città idéale. El proceso de renovación de las ciudades del Renacimiento, presentaron unas líneas que fueron cuatro: progreso del recato urbano de las urbes, exploración de nuevos tipos de construcción, aumento de las ciudades y, por último, la averiguación teórica de la completa renovación urbana, es decir, la plasmación de la ciudad ideal. Se puede indicar que el origen de estas propuestas teóricas de reforma urbana surgieron como resultado de: defensa Militar, corrección de deficiencias urbanas. Además, en imagen 5, imagen 6 e imagen 7 se puede percibir las similitudes entre Francesco di Giorgio y Baldassarre Peruzzi y las diferencias entre estos y Piero Cataneo, ya indicadas. (Hidalgo, D; Santiago, J; Arco, J.(2015), pp.26-28)

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CAPÍTULO 1 IGLESIA SANTA MARÍA NOVELLA EN FLORENCIA (1294) En el año 1294, por orden de los dominicos se edifica la iglesia Santa María Novella (figura 8) en la zona occidental de Florencia. Asimismo, se sabe que el régimen de Florencia brindó importantes subsidios para la cimentación de la iglesia, de forma que es preciso contemplarlo no sólo como iglesias monásticas, sino del mismo modo como monumentos cívicos. Por otro lado, la iglesia adquiría unas dimensiones extraordinarias que se pueden visualizar en la planta (figura 9), además, el reflejo de las grandes multitudes que acudían a atender la predicación de los dominicos. En Santa María Novella, el muro de la nave principal se halla horadado tan sólo por unos simples óculos y la moldura apenas sobresale de la superficie del plano. (Paoletti, J; Radke, G.(2003), pp.61-62)

Figura 8: iglesia Santa Maria Novella Fuente: página web national geographic

Se puede observar que la iglesia se encuentra iluminada desde la izquierda, o desde el sudoeste, que es de donde viene la luz superior en el conjunto colectivo de la nave.

En términos pictóricos, el único hueco viable que podía conceder el paso de la luz en la capilla de la Trinidad es el arco a través del cual vemos el fresco, lo que podía formar el vestigio de que la luminaria del interior debería aparentar su origen del exterior. No se trataba absolutamente de recibir la dirección autoritaria de la luz existente del lugar y aplicarla al espacio pictórico, actitud usual en la tradición giottesca. (Hills, P.(1987), p.186) En mi opinión, la iglesia Santa María Novella es una de las importantes iglesias que fueron construidas por mandato de los dominicos, ya que su original fachada deslumbra a las personas que vienen a conocer esta magnífica obra. A continuación, se explicará información precisa sobre la iglesia Santa Croce que fue construida por orden de los franciscanos.

Figura 9: planta de la iglesia Santa Maria Novella Fuente: libro El arte en la Italia del Renacimiento, pág 61

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CAPÍTULO 1 IGLESIA SANTA CROCE EN FLORENCIA (1294)

Figura 10: iglesia Santa Croce Fuente: página web reprodart.com

Se conoce que los franciscanos colocaban gran importancia a la fe mística y personal . Con el pasar de los años, se proceso el hábito de que los dominicos y franciscanos se estableciesen en lugares opuestos de la localidad en la que trabajaban. Por ende, en Florencia, la iglesia franciscana de la Santa Croce (figura 10) se comenzó a edificar en el año 1294 en el sector oriental de la ciudad. De hecho, en la década de 1430, cuando las obras de la Santa Croce se hallaban aún sin acabar, altos funcionarios se quejaron del descrédito que esta demora causaba a toda la localidad. La iglesia gozaba de unas dimensiones sorprendentes, instintivo de las enormes multitudes que acudían a atender la predicación de los franciscanos.

Santa Croce disponía de una planta de cruz (figura 11) modificada, con un ábside poco insondable, cuya modo rectangular, bastante escueto, recuerda la dureza geométrica de la iglesia construida por los cistercienses, una antigua orden religiosa que también había promovido la reforma eclesiástica. En la iglesia de Santa Croce, el techo de vigas vistas de madera y las ventanas ojivales sin ornamento proyectan un perfil de relativa severidad, sin embargo a una escala monumental. (Paoletti, J; Radke, G.(2003), pp.61-62) Cabe resaltar que los franciscanos abarcaron un programa de vidrieras en la nueva basílica.

Por ello, lo más probable es que los Santa Croce continuaran con el modelo de la iglesia madre franciscana en Asís, donde las vidrieras narrativas se observaron en Italia por primera vez a mediados del siglo XIII. (Cook, W.(2005), p.257)

Figura 11: planta de la iglesia Santa Croce Fuente: libro El arte en la Italia del Renacimiento, pág. 60.

Posteriormente, se hablará sobre otra la famosa catedral de Florencia, la cual tuvo como arquitecto celebre a Arnolfo de Cambio. Por otra parte, considero que la iglesia de Santa Croce representa de gran manera a los franciscanos.

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CAPÍTULO 1 LA CATEDRAL DE FLORENCIA: ARNOLFO DE CAMBIO (1296-1368)

La vetusta catedral de Florencia había sido establecida en los siglos IV y V referente los restos de una domus romana, con planta de tres naves divididas por columnas y un solo ábside. En el tiempo de las guerras bizantinas la iglesia fue destruida, por ello, fue reconstruida entre los siglos VII y IX; pese a conservar un perímetro similar, el complejo fue beneficiado con dos capillas laterales y las columnatas fueron sustituidas por pilastras con listones decorativos. Además, entre los años 1000 y 1100, en la zona del ábsider fue construida una cripta y el coro a un nivel más alto, mientras en el exterior se elevaban dos campanarios junto al ábside. Como se sabe, Santa María de la Flor fue erigida a expensas de esta vetusta iglesia. La nueva Catedral (figura 12) fue edificada a su alrededor, en el año 1296, por lo que Santa Reparata no fue demolida hasta que no se terminó en 1375 el nuevo templo. (Bonechi, E.(1988), p.10)

Figura 12: Catedral de Florencia Fuente: página web mymodernmet.com

Cabe recordar que el semblante del Renacimiento comenzó en Italia a mediados del siglo XIII, cuando en Francia, Alemania y España se elevaban las más hermosas catedrales del estilo ojival. Ante ello, se resalta la Catedral de Florencia, la cual posee unas magníficas dimensiones que se aprecian en la planta (figura 13), por otro lado, se conoce que su edificación comenzó en el año 1293, obra edificada por el célebre arquitecto Arnolfo del Cambio, ejemplifica que antes del siglo XIV en Italia había entrado de lleno en el Renacimiento. (Velez, Z.(1892), p.131) Desde mi punto de vista considero que la famosa Catedral de Florencia dispone de una planta muy interesante, ya que tiene forma de una cruz religiosa. A continuación, se explicará información puntual sobre la vida y obra de uno de los famosos arquitectos de esa época: Filippo Brunelleschi (1377-1446).

Figura 13: planta de la Catedral de Florencia Fuente: página web marcial pons

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CAPÍTULO 1 FILIPPO BRUNELLESCHI ( 1377-1446) Filippo Brunelleschi (figura 14), se le conoce como el padre del arte del Renacimiento. Nació en Florencia en 1377 y murió en 1446. Su padre de Filippo quería que su heredero fuera médico, pero el joven admiraba tanto el arte y le gustaba tanto el estudio de la mecánica, que su padre por fin le permitió aprender el oficio de orfebre, oficio que se relacionaba con lo que llamamos las bellas artes.

Por otro lado, cabe resaltar la existencia del obrero de niel que dibujó un diseño sobre oro o plata y lo cortó con una herramienta afilada llamada buril.

Además, la obra de Niello era renombrada por los antiguos, y en algunos museos se encuentran ejemplares antiguos. Por ende, el descubrimiento del arte de tomar impresiones en papel a partir de estos dibujos sobre metal se atribuye a Maso Finiguerra, que nació en la época en que murió Brunelleschi. (Eternal, H.(1886), pp.27-28) Figura 14: Filippo Brunellesch Fuente: página web mymodernmet.com

Figura 15: La cúpula de Santa María de Fiore Fuente: PDF de sabuco.com/patrimonio/cupulacatedralflorencia

Un dato interesante es que Filippo Brunelleschi fue diez años mayor que Donatello, además, él estudio la misma carrera que Brunelleschi, la cual es escultor. Posteriormente de perder la competencia por las primeras puertas del Baptisterio, evidentemente se fue a Roma con Donatello. En aquel lugar estudió estructuras antiguas y se insinúa que fue la primera persona en tomar medidas exactas de ellas. Su revelación de la perspectiva científica bien pudo haber desaprobado su investigación de una forma precisa de controlar su forma. No se conoce qué más hizo en tanto este lapso, pero entre 1417 y 1419 volvió a rivalizar con Ghiberti, esta vez por la obra de construcción de la cúpula de la Catedral de Florencia (figura 15). La cúpula se había diseñado medio siglo antes, por lo que solo se podían cambiar los detalles, no obstante cabe resaltar que su vasto tamaño planteaba un arduo conflicto de construcción.

(Woldemar, H; Janson, A.(2006), p.32) Seguidamente, en la siguientes páginas se mencionará información explícita sobre otras famosas obras que realizó Filippo Brunelleschi, además de puntualizar mejor la información sobre la cúpula de San María de Fiore.

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CAPÍTULO 1

LA CÚPULA DE SANTA MARÍA DEL FIORE (1420) Se conoce que a mediados del siglo XIV se proyectaba dotar a la catedral (figura 16) de una formidable cúpula, ningún arquitecto había conseguido resolver hasta aquel momento la dificultad de cómo recatar una área tan extensa.

Por ello, es importante resaltar que el diámetro del crucero octogonal medía 43 metros. Tras haber trabajado en plano (figura 17) para este proyecto desde 1417, Brunelleschi presentó al año próximo un modelo que no requería del habitual andamio de madera o cimbras. Más bien, la estructura comenzaba de la base de la cúpula y se elevaba a medida que ésta iba construyéndose en fajas horizontales. Se trataba de una idea bastante valeroso, pero al instante conquistó a la comisión. En 1420 se iniciaron las obras, que continuaron hasta 1436, año en que la cúpula quedó terminada al nivel de la base de la linterna. Por otro lado, la cúpula se encuentra ubicada en la Catedral, llamada Santa María de Fiore, que fue consagrada en 1436 por el papa Eugenio IV. No obstante, la cúpula de Brunelleschi se estima como una de las obras maestras de la arquitectura renacentista.

(Paoletti, J; Radke, G.(2003), p.211)

Figura 16: Sección de la cúpula de Santa Maria de Fiore Fuente: PDF, Arquitectura del Renacimiento: de Brunelleschi a Alberti, pág 4

Se conoce que la cúpula de Santa María del Fiore, salva una luz de más de 42 metros, en 300.000 kN; esta cifra representa aproximadamente a una carga de 100 kN/m2 de superficie de la cúpula. Además, se tiene que tener en cuenta que la fuerza de viento es menor en comparación de las estructuras que se consideran. (Heyman, J.(1995), p.41) Posteriormente, se hablará sobre otra obra muy famosa de Brunelleschi, la cual se llama el Hospital de los Inocentes. Por otra parte, mi opinión sobre la cúpula de Santa María del Fiore es que es una de las cúpulas más sorprendentes que existe ya que su construcción fue muy compleja según lo mencionan en diferentes libros.

Figura 17: planta de la catedral de Florencia Fuente: PDF, Arquitectura del Renacimiento: de Brunelleschi a Alberti, pág 4

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CAPÍTULO 1

HOSPITAL DE LOS INOCENTES (1419-1427)

Figura 18: Hospital de los inocentes Fuente: página web arquitecturapura

En 1419, el arquitecto Filippo Brunelleschi estaba trabajando para el Arte della Sera en su primordial centro de caridad de la urbe, el Hospital de los Inocentes (figura 18), un orfanato. Por ende, se conoce que la historia de este ejemplo de instituciones se remonta al siglo XIII, cuando las ciudades se vieron obligadas a suministrar hospedaje y cuidados a una progresiva urbe de pobres y huérfanos.

Situado en una territorio poco desarrollada de Florencia. El diseño que realizó para el hospital no resulta inusual en sus formas básicas. Este ejemplo de estructura se utilizó con reincidencia en los hospitales de la baja Edad Media. En contexto, la arquitectura de Brunelleschi contiene algunos elementos que pueden asociarse a las formas romanas, a pesar de que hay detalles de los capiteles de la columnas y de las molduras que imitan ornamentos romanos, ello se puede apreciar en la planta (figura 19). Además, las pruebas indican que no sólo estuvo acostumbrado con la arquitectura bizantina, sobre todo en sus manifestaciones venecianas, sino que tal vez llegó incluso a viajar a Constantinopla y que, también, conoció las técnicas constructivas de los persas.(Paoletti, J; Radke, G.(2003), p.208209) Es importante mencionar que la fachada está concebida con un ritmo determinado, esta posee dos pisos, asimismo , al fachada es simétrica en torno a un eje central. El ritmo tiene 9 arcos sobre columnas pero en los extremos no existe este ritmo ya que hay un muro cerrado y en vez de colocar columnas, coloca pilastras y en vez de arcos hay dinteles.

(Martínez, A.(2017), p.1)

Figura 19: planta del Hospital de los inocentes Fuente: página web arquitecturapura

A continuación, se presentará información concisa sobre la capilla Pazzi, una magnífica obra de Filippo Brunelleschi.

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CAPÍTULO 1 LA CAPILLA PAZZI (1430-14451) La Capilla Pazzi (figura 20) es una de las obras célebres de la historia de la arquitectura , armoniosa y distinguida en sus proporciones y espacios , luminosa y sencilla en su esquema de color gris , blanco y azul , con toques ocasionales de verde, amarillo y violeta. Cabe resaltar que la Capilla Pazzi no es una catedral gótica. También, Brunelleschi, como todos los grandes arquitectos del Renacimiento, intuyó en su propia ideología le concepto de la divina proporción. (Hartt, F.(2017), p.565) Por un lado, el sistema de proporción empleado por Brunelleschi en la Capilla Pazzi se ejemplifica a través de las claves dispuestas a orientar nuestra apreciación. Asimismo, el edificio constituye en tres núcleos notoriamente diferenciados: pórtico, espacio central y capilla en el testero. Dos cúpulas menores, localizados en el eje del edificio en el pórtico y capilla, proporcionan la referencia al módulo-base de las relaciones de proporción del edificio. Además, dos módulos o el diámetro de la cúpula constituyen en el radio de la cúpula que cubre el espacio central y, por lo tanto, su diámetro suma cuatro unidades. Las pietra serena de los elementos estructurales se emplea para recalcar figurativamente la constitución y las relaciones de proporción. Es importante recordar que las pilastras son elementos que definen esta relación con autonomía del paramento, al necesitar de una auténtica ocupación sustentante y orientándose a establecer la referencia a las combinaciones numéricas. Por otro lado, en algunas partes, como en el centro del entablamento de los lados menores, donde se ha suprimido la pilastra y figurado un arco. (Nieto, V; Checa, F.(1980), pp.90-91) En la siguiente página se mostrará información primordial para conocer la última obra que mencionaremos sobre Filippo Brunelleschi.

Figura 20: La capilla Pazzi Fuente: libro History of Art: The Western Tradition, pág 35

Figura 21: planta de la Capilla Pazzi Fuente: libro History of Art: The Western Tradition, pág 35

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CAPÍTULO 1 IGLESIA DE SANTO SPIRITO (1444-1487)

Figura 22: la iglesia de Santo Spirito Fuente: página web dreamstime

En el año 1250, se construye la iglesia de Santo Spirito (figura 22) que se dedicada al Espíritu Santo, no obstante recién en el siglo XV habría de obtener su semblante de Brunelleschi. Sin embargo, la portada quedó inacabada y actualmente se presenta como una modesta pared revocada y apenas perfilada en su parte superior. Por un lado, encontramos la agraciada cúpula que fue diseñada por el mismo Brunelleschi. El interior, impone modelo de arquitectura renacentista, tiene planta de cruz latina (figura 23) con tres amplias naves. Una sucesión de ágiles arcos que arrancan de treinta y cinco elegantes columnas corintias de piedra local producen un legítimo pórtico interno.

Además, la pared interior de la fachada dispone de tres grandes puertas y fue realiza por Salvi d ´Andrea sobre diseño de Brunelleschi. Detrás del altar mayor se puede visualizar un crucifijo de madera, posiblemente obra juvenil de Miguel Ángel. (Bonechi, E.(1988), p.90) Por otro lado, un dadivoso ejemplo lo ofrece la del Santo Spirito en Florencia, de Brunelleschi.

En este caso, la planta y la sección se fundamentan sobre un cuadrado que se repite en una continuación regular. La organización espacial se observa por medio de líneas de piedra oscura dibujadas sobre las superficies de revoco blanco. A pesar de su composición aditiva, Santo Spirito se presenta como un todo específico y unificado. (Norberg, C.(2005), pp.47-48)

Figura 23: planta de la iglesia de Santo Spirito Fuente: libro A World History of Architecture, pág 160

Para concluir sobre el trayecto y obras del famoso arquitecto Filippo Brunelleschi, cabe resaltar que cada edificación que realizó presenta una complejidad y armonía sorprendente, además, que presenta una posición religiosa marcada en sus obras. A continuación, se presentará la vida y obra del arquitecto Leon Battista Alberti.

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CAPÍTULO 1 LEON BATTISTA ALBERTI (1404-1472) Leon Battista (figura 24) perteneció a una de las más importantes familias de la burguesía mercantil florentina desterrada en Génova desde 1387 por disputas políticas y económicas, Leon Battista nace ilegítimo en esta ciudad el 14 de febrero de 1404, hijo de Lorenzo di Benedetto y de la viuda Bianca Fieschi. Actualmente existe interrogantes sobre su biografía; no obstante no hay duda de que sostuvo una infancia y juventud ingratas y amargas, debido a que su familia, le negaba sus derechos hereditarios y ridiculizaba sus tendencias intelectuales. Se conoce que Alberti fue un sabio, intranquilo y ansioso de conocer. Además, fue viajero por la península e incluso, no obstante no esta confirmado pero existe rumores que dicen que viajó por Francia y Alemania acompañando al cardenal Albergati (figura 25). Es importante destacar que se forma en Padua con Gasparino Barziza, que le impregnará de ciceronianismo y donde llegará a predominar los idiomas: latín y griego; en Bolonia es discípulo de Panormita y recibe en 1428 el título de licenciado en Derecho canónico a la par comienza sus estudios científicos, especialmente de Física y Matemáticas, al encontrarse convaleciente de una enfermedad. (Battista, L. (1485), p.8)

Figura 24: Leon Battista Alberti Fuente: página web aforismi.meglio

Al momento de mencionar a Leon Battista Alberti, es importante resaltar que fue uno de los estudiosos humanistas más importantes del Renacimiento italiano. Además, fue arquitecto, teórico y autor de textos sobre perspectiva y pintura. (Sinisgalli, R.(2013), p.1) Seguidamente, en la siguiente página se mencionará información explícita sobre el Templo Malatestiano en Rimíni. Por otra parte, la bibliografía de Leon Battista Alberti no es muy clara pero posee datos puntuales.

Figura 25: cardenal Albergati Fuente: página web aforismi.meglio

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CAPÍTULO 1 EL TEMPLO MALATESTIANO EN RÍMINI (1447-1450)

Figura 26: la iglesia de Santo Spirito Fuente: página web geoblografia.com

El templo Malatestiano (figura 26) se encuentra en Rímini, un pequeño estado vasallo de la Santa Sede ubicado en la costa adriática, se conoce que la antigüedad y espíritu caballeresco asimismo fueron empleados como instrumentos valiosos de divulgación por Sigismondo Pandolfo Malatesta , uno de los más conocidos déspotas del Renacimiento. El secreto para entender los intereses de Sigismondo se encuentran en la remodelación de la iglesia de San Francisco de Rímini, el lugar de enterramiento tradicional de los señores de la casa de Malatesta. Conocida usualmente por el alias del Templo Malatestiano, edificado en el siglo XIX para representar el edificio como un monumento paganizante al recuerdo de Sigismondo Malatesta, sería mejor denominarlo Templo de Rímini, tal y como se hace en las medallas acuñadas para recordar su fundación y en las inscripciones votivas situadas a ambos lados de la iglesia. (Paoletti, J; Radke, G.(2003), p.286) Por otro lado, en la fachada, se observa que se cristalizan las primeras propuestas al problema de la fachada de iglesia de zarlos como módulos. En el templo malatestiano de Rímin que fue edificado por Alberti, se aprecia que se desarrolla una envoltura del edificio gótico independiente de éste convirtiéndolo externamente en una de las soluciones imaginativas derivadas de una estricta observación. Cabe resaltar, que su planta (figura 27) muestra detalles importantes sobre su estilo. (Nieto, V; Checa, F.(1980), p.99)

Figura 27: planta de la iglesia de Santo Spirito Fuente: página web enriquecardona.com

A continuación, se presentará información puntual sobre el palacio de Rucellai, una sorprendente obra de Leon Battista Alberti.

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CAPÍTULO 1 PALACIO RUCELLAI (1446-1451) Es primordial resaltar que no existía presencia de muchos solares sin construir en el interior del recinto amurallado de las ciudades italianas, los constructores tenían que adaptar sus nuevas estructuras a las preexistentes. En ocasiones esto significaba recubrir sólo con un envoltorio de piedra o más estructuras anteriores y reordenar la nueva fachada sobre la calle, como sucede con la del Palacio Rucellai (figura 28) de Florencia, obra de Leon Battista Alberti. Aún se puede observar la irregularidad del extremo derecho del edificio, donde se interrumpe la edificación, supuestamente debido a que los Rucellai no consiguieron obtener la finca contigua para completar la fachada. Asimismo existen casos donde era ineludible remodelar las estancias interiores, a fin de acomodarlas a la nueva repartición de las puertas y ventanas que concilian a la calle, o era justo convertir una hilera de casa. (Paoletti, J; Radke, G.(2003), p.286)

Figura 28: Palacio Rucellai Fuente: página web archdaily

En otra parte, se resalta que el palacio Rucallai ha causado gran polémica entre los historiados del arte. Como la primera y única fachada de los palacios florentinos que adoptó los ordenes clásicos que se encuentran en la planta (figura 29), ha ocupado un lugar notable en la historia de la arquitectura. Adicionalmente , incorporó otros detalles clásicos poco habituales, entre los que destaca sobre todo el uso de un revestimiento en forma de gema en la parte inferior, que deriva de la opus reticulatum de la reconstrucción de ladrillo romana. Se destaca el uso extraordinario de detalles clásicos en que se basa el argumento de Alberti para creer habitual esta fachada. (Hollingsworth, M. (1994), pp.69-70) Luego investigar sobre el famoso Palacio Rucellai, llego a la conclusión que es un lugar muy celebre, debido a sus grandes dimensiones. Por otro punto, en la siguiente página se mencionará información sobre la iglesia de San Sebastián de Mantua.

Figura 29: planta del Palacio Rucellai Fuente: página web hisarquitectura2n.blogspot.com

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CAPÍTULO 1 IGLESIA DE SAN SEBASTIÁN DE MANTUA (1460-1467)

Figura 30: Iglesia de San Sebastián de Mantua Fuente: página web dreamstime

La iglesia de San Sebastián (figura 30) fue ejecutada por Alberti al grado colosal de la arquitectura de la antigua Roma y con un evidente contraste frente a los detalles elegantes de los edificios góticos de Mantua y de otras cortes seculares. Además, se observa la majestuosa fachada del templo de San Sebastián, colocada sobre una arcada con robustos pilares estaba coronada por un frontón clásico partido por un arco, detalle este que podía verse todavía en un arco romano en Orange. Por otro lado, el cardenal Francesco Gonzaga, hijo de Ludovico, se manifesto poco lisonjero cuando en 1473 divulgó que le resultaba difícil decir si esta obra era una iglesia, una mezquita o una sinagoga. Sin embargo, se hallaba aún sin terminar en 1500 y su aspecto presente es el efecto de unas dudosas obras de reparación llevadas a cabo en la década de 1920.(Hollingsworth, M. (1994), p.231) La elección de un Alberti únicamente comprensible desde criterios de lógica, en el sentido de que ésta representa la potenciación de las actividades humanas, propias de la cultura renacentista, la caracterización entre razón y naturaleza. Adentro de su acreditado intento de reforma de la ciudad, realizado por los Gonzaga en la segunda mitad del siglo XV, el templo de San Sebastián no tiene ninguna explicación. Respecto a la ornamentación que se presenta en el templo, es importante recordar los detalles destacados en el plano (figura 31) para así apreciar lo más importante.

(Rovira, J.(1988), p.10)

Figura 31: planta de la Iglesia de San Sebastián de Mantua Fuente: página web arteinternacional.blogspot.com

Seguidamente, en la siguiente página se mencionará información explícita sobre la iglesia de San Andrés de Mantua, la última obra que mencionaremos de Leon Battista Alberti.

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CAPÍTULO 1 IGLESIA DE SAN ANDRÉS DE MANTUA (1470-1472) Para concluir el primer capítulo, se presenta la iglesia de San Andrés (figura 32) ubicada en la ciudad de Mantua, se conoce que la ciudad no había sorprendido a los miembros de la corte pontificia que habían viajado a Mantua para elogiar el Congreso y Pío II había desacreditado sus embarradas calles y su sucio aspecto. Por ende, la objeción de Ludovico fue iniciar un enorme programa de renovación urbana, reedificando gran parte del entro de la ciudad.

Pavimentó sus calles, restauró la vieja loggia de los mercaderes y el ayuntamiento, inició con la reedificó de la iglesia de San Andrés. Como resultado de esta idea, fue a la búsqueda de unos diseños que pudiesen dar una expresión visual a su nueva figura. Por ello, contrató a Alberti, quien proporcionó los planos (figura 33) para las obras de San Sebastián, San Lorenzo y el Palacio de Podestá y San Andrés. Cabe resaltar que el diseño de Alberti para San Andrés ha planteado muchos menos problemas.

Además, su fachada estaba basada en un arco triunfal, rematado por un frontón triangular. Su vasto espacio interior fue pensado para albergar mayor cantidad de peregrinos que acudían a venerar la famosa reliquia de esta iglesia que contenía la Sangre de Cristo. (Hollingsworth, M. (1994), p.231)

Figura 32: iglesia de San Andrés de Mantua Fuente: página web geoblografia.com

Se destaca que sobre los terrenos en que los antiguos romanos habían inventado la planta basilical para las cortes de justicia y en en el que las columnas impedían el enfoque de la ceremonia a los que estaban situados en las zonas laterales. También, Alberti proyectó un enorme sistema único de pilastras corintias aparejadas ornamenta la nave, sosteniendo un sistema más pequeño que flanquea los arcos de las capillas. (Hartt, F.(2017), p.569) Finalmente, se debe destacar la originalidad de la planta de la iglesia de San Andrés, ya que impresiona a simple vista.

Figura 33: planta de la iglesia de San Andrés de Mantua Fuente: libro El Renacimiento: formación y crisis del modelo clásico, pág 91

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CAPÍTULO 2 TORRES MEDIEVALES Durante la época medieval y renacentista era una práctica común que las familias ricas construyesen torres altas y extravagantes al lado de sus palacios para exponer su fortuna y competir con otras familias ricas de la zona, muchas alrededor del siglo XIII, que se ubican en el norte y centro de Italia. A continuación, se describirán tres famosas ciudades que atesoraron o atesoran torres medievales. (Norberg, C. (2005), p.15)

FLORENCIA

Figura 34: La torre de Alberti Fuente: página web Easy reserve

La Torre Castagna fue una vez la más famosa en Florencia cuando los monjes Badia Fiorentina se la dieron a la ciudad en 1282 para ser utilizada como un lugar de encuentro seguro para los priores antes que el Palazzo Vecchio fuera construido. Además, la nombradía de la torre significa "Torre de la Castaña" cuando los priores llegaban a una resolución sobre algo, se colocaba una castaña en una caja. Por un lado, la torre de Pagliazza tiene una forma semicircular inusual, si bien, una vez fue una prisión de mujeres. Por otro lado, la torre de Alberti (figura 34) en el barrio de Santa Croce de Florencia fue construido en el siglo XIII y aún se puede ver hoy en día. (Nieto, V; Checa, F.(1980), p.32)

BOLONIA Bolonia es una de las ciudades históricas de Europa mejor conservada y tiene el segundo casco antiguo medieval más grande de Europa. Por una parte, se tiene que resaltar la gloriosa arquitectura de la ciudad que son sin lugar a dudas las Torres Gentilicias. Estas torres son de origen medieval y entre los siglos XII y XIII se construyeron gran número de ellas, entre 100 y 200. Además, las dos torres más famosas son Garisenda y Asinelli, el símbolo de la ciudad. (Eternal, H. (1886), p.70)

SAN GIMIGNANO

Figura 35: La torre de Grossa Fuente: página web Triphobo

San Gimignano es un majestuoso ejemplo de la arquitectura medieval bien conservado. Además, cada torre en San Gimignano tiene su propia historia que incluyen como ejemplo la majestuosa Torre Grossa (figura 35) con su sorprendente altura de 54 metros y la escalofriante llamada Torre del Diavolo es decir, la "Torre del Diablo". Actualmente, San Gimignano ha conseguido conservar catorce torres de las cien que se estima que hubo en dicho lugar. (Heyman, J. (1995), p.80) PAG 19

CAPÍTULO 2

PALACIOS FLORENTINOS EN EL SIGLO XIII Se sabe que a las viviendas florentinas se las llamaba generalmente palazzi, aunque no se hayan empezado a construir verdaderos palacios hasta el segundo tercio del siglo XV. A partir del siglo XIII, la representación de las casas es generalmente de tres a cuatro niveles, con una o tres puertas, y ventanas en los distintos pisos. Se continuó construyendo este tipo de viviendas en el siglo XV, flanqueadas por casas de estrechas fachadas apretadas en angostas calles donde la luz penetraba con dificultad. A partir de la década de 1440, la construcción de palacios era en buena parte el reflejo de la rivalidad que oponía a las grandes familias como los Médicis, los Rucellai, los Pitti y los Strozzi. (Hollingsworth, M.(1994), pp.6869)

PALACIO DEL BARGELLO (1255) Según Italy guides, el palacio de Bargello, divino modelo de arquitectura gótica florentina, es el segundo edificio público florentino, tanto por su importancia como por su dimensión: su torre almenada fue, por mucho tiempo, la más alta de Florencia. La residencia (figura 36) fue construida entre 1255 y 1261, por ende los detalles importantes sobre la circulación se puede apreciar en los planos (figura 37). Su historia está estrictamente relacionada con asuntos políticos de Florencia. Con el decaimiento de las instituciones republicanas y la afirmación de los Medici en la segunda mitad del Cuatrocientos, el Palacio de Bargello se convirtió primero en sede del Consejo de Justicia y de los Jueces de Ruota para luego, a partir de 1574, durante el principado de Cosimo I de' Medici, transformarse en una miserable cárcel, con salas de tortura y ejecuciones capitales. Finalmente , transformado en Museo Nacional en 1865, el Palacio se ha enriquecido de algunas de las más importantes esculturas del Renacimiento, entre las cuales obras de arte de Luca della Robbia, Verrocchio, Donatello, Miguel Ángel. Actualmente el museo, gracias a una serie de importantes donaciones privadas de objetos de arte, se distingue sobre todo en el sector de artes aplicadas. (Paoletti, J; Radke, G.(2003), p.220)

Figura 36: Palacio del Bargello Fuente: página web geoblografia.com

Figura 37: Planos de construcción del Palacio del Bargello Fuente: Planetware

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CAPÍTULO 2

PALACIO VECCHIO (1299-1314) Según arte y historia, el Palacio Vecchio (figura 38) , fue construido en el siglo XIII y posiblemente realizada por Arnolfo di Cambio.

El edificio presenta una planta (figura 39) romboidal y se corona con una torre de 95 metros, la más alta de Florencia. La principal función del Palacio era albergar al gobierno de la ciudad, al Consejo de la Signoria, de ahí su primer nombre. Pero en el siglo XVI dejó de desempeñar esta función, en el momento en que los Médici fueron nombrados duques de Toscana y trasladaron su residencia al Palazzo Pitti. (Heyman, J.(1995), p.130)

Figura 38: Palacio Vecchio Fuente: University of Florence, Department of Architecture

Por un lado, el exterior del edificio, aún presenta el semblante de fortaleza que identifica estos palacios góticos italianos, pero en el interior se han producido importantes reformas, especialmente la llevada a cabo por Vasari en el siglo XVI. Tras pasar el umbral del solemne edificio se llega al patio de Michelozzo, construido en 1470, en cuyo centro se encuentra una fuente de pórfido coronada por una estatua de bronce de Verrocchio. También, Vasari es el creador de la escalera que nos lleva a las salas monumentales del primer piso.

(Hollingsworth, M.(1994), p.140) Por otro lado, entre sus estancias más importantes, sobresale el Salón de los Quinientos, cuya decoración mural se encomendó a Leonardo da Vinci y a Miguel Ángel. Lamentablemente, ninguna de ambas pinturas se completó y las paredes fueron recubiertas por otros artistas. Entre 1540 a 1550 el edificio fue utilizado como residencia de Cosme de Médicis llamándose, entonces, Palacio Ducal. (Hartt, F.(2017), p.569)

Figura 39: Plano de construcción del Palacio Vecchio Fuente: University of Florence, Department of Architecture

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CAPÍTULO 2

PALACIO DAVANZATI (SIGLO XIV) Segñun, Ancient Florentine Home señala que, el Palacio Davanzati (figura 40) es una de las pocas construcciones que se conservan en Florencia en el siglo XIV. Además, fue construido por la familia Davizzi (ricos comerciantes de lana) a mediados de aquel siglo, fue adquirido en 1578 por la familia Davanzati, el palacio debió ser la envidia de sus vecinos por el lujo y las comodidades de que gozaba. A continuación, se mencionará datos importantes sobre el palacio.

(Sinisgalli, R.(2013), p.60) En primer lugar, funcionaba mediante un mecanismo de poleas, todos los pisos contaban con agua del pozo, así como retretes que evacuaban directamente en unos conductos practicados en el muro. También fue este edificio pionero en la ocupación de la luz natural, al estar provisto de numerosas ventanas y orientarse sus habitaciones hacia un patio central, con arquerías, columnas y capiteles. (Hollingsworth, M.(1994), p.146) En segundo lugar, permaneció al linaje Davanzati hasta 1838, ya que se dividió en varios pisos y sufrió graves daños. En 1904 fue adquirido y restaurado por el anticuario Elia Volpi, quien lo amuebló íntegramente y lo abrió al público en 1910 como Museo de la Antigua Casa Florentina. Luego de sucesos alternos, que comprendieron también la dispersión de los muebles, el palacio fue comprado en 1951 por el Estado que lo reorganizó y volvió a abrir al público en 1956. (Paoletti, J; Radke, G.(2003), p.230)

Figura 40: Palacio Davanzati Fuente: The museums of Florence

En tercer lugar, su característica más importante es la estructura arquitectónica que representa un interesante ejemplo de casa del siglo XIV que muestra la etapa de transición de la casa torre medieval al edificio renacentista. La fachada original estaba decorada con una logia de tres arcos, ahora cerrada, que una vez estuvo abierta y utilizada como tienda. (Heyman, J. (1995), p.87) Finalmente, todas las habitaciones (figura 41) tienen pisos de cotto y techos de madera, algunos de los cuales están decorados con cuadros, también se remonta al siglo XV. (Hartt, F.(2017), p.620)

Figura 41: Habitación del Palacio Davanzati Fuente: The museums of Florence

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CAPÍTULO 2

PALACIO MEDICI (1444-1474)

Figura 42: Palacio Medici - Riccardi Fuente: página web geoblografia.com

Figura 43: Plano de construcción del Palacio Medici - Riccardi Fuente: página web Arte historia.com

La edificación, conocida hoy día como el Palacio Medici Riccardi (figura 42), fue comenzada en 1444 por el prolífico arquitecto y escultor Michelozzo di Bartolommeo. Al panorama de su aspecto, se tiene que ejecutar diversos ajustes mentales. En primer lugar, es exacto recordar la palabra palazzo significa, para los italianos, caso cualquier edificio urbano de gran tamaño, incluso un moderno edificio de oficinas. En segundo lugar, cuando el Palacio Medici fue adquirido por la familia Riccardi, a finales del siglo XVIII, se extendía hacia la derecha por un portal y siete huecos de ventanas, que tuvieron que suprimirse. Finalmente, las atimpanadas ventanas de los arcos de la planta baja las añadió Miguel Ángel en el siglo XVI. Originariamente, los arcos daban a una loggia para ceremonias familiares. (Hartt, F.(2017), p.566) Se conoce que el Palacio Medici es mucho superior que otros palacios anteriores, el palacio Medici solo tiene tres plantas (figura 43) y está rematado por una grandiosa cornisa. Sin duda, con ello se pretendía agrupar visualmente el volumen, no obstante el efecto es que el piso superior casi parezca aplastado por ella. La portada de la planta baja presenta un almohadillado rústico que recuerda al de las fortalezas construidas en el sur de Italia por el emperador Federico II a mediados del siglo XIII. Las ventanas tienen aberturas de medio punto, con dovelas simétricas muy acentuadas, y una moldura en cordón visible facilita la ausencia de la planta baja respecto al piano nobile. Una escalera semipública sube desde una esquina del patio hasta las cámaras más importantes del piano nobile. La concepción de una suntuosa escalera ceremonial como rasgo arquitectónico primordial corresponde a una fase posterior del progreso arquitectónico, que se inició en el palacio Strozzi. (Ching, F (2011), p.33)

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CAPÍTULO 2

PALACIO STROZZI (1489-1490) Según algunos libros sobre el Palacio Strozzi (figura 44) se conoce que el papel esencial desempeñado por el patrono en la edificación de su objetivo. Al igual que la obrería que estaba a cargo de un solar de edificaciones públicas, Strozzi tomaba todas las decisiones importantes sobre la forma de su palacio, contrataba la mano de obra y acordaba los términos para el suministro de piedra, madera, instrumentos de hierro y otros materiales. Se revela que el impacto que causó la disposición de Filippo de consumar sus edificios tan rápido como fuera posible: la pomposa ceremonia de establecimiento tuvo lugar en el año 1489.

(Hollingsworth, M.(1994), pp.72-73) El Palazzo Strozzi sigue el modelo del palacio Médici de Michelozzo, apareciendo como una pequeña fortaleza en el centro de la ciudad, lo que destaca más es su planta (figura 45). Su construcción fue sobre una base rectangular, se levantaron los dos pisos y otro sobre tierra, configurando tres pisos almohadillados. En primer lugar, la fachada presenta las características principales de la arquitectura del Quattrocento: simetría e interés por las líneas rectas. El gran portal que sirve de acceso está constituido por un arco de medio punto, encuadrado con ventanas cuadradas. En segundo lugar, en los pisos superiores las ventanas son geminadas incluyéndose en un arco de medio punto. La imponente cornisa que corona el conjunto presenta una espléndida decoración de gruesas ménsulas. En tercer lugar, el predominio de las horizontales, la gran cornisa y el almohadillado de los tres pisos, con el juego de luces y sombras que produce, lo convierten en buen ejemplo de palacio florentino.

(Wackernagel, M. (2014), p.90)

Figura 44: Palacio Strozzi Fuente: página web geoblografia.com

Figura 45: Plano de construcción del Palacio Strozzi Fuente: Arte historia.com

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CAPÍTULO 2

PALACIO DUCAL DE URBINO (1470)

Figura 46: Palacio Ducal de Urbino Fuente: página web geoblografia.com

Figura 47: Planos de construcción del Palacio Ducal de urbino Fuente: Intranet.pogmacva.com

Según, mega construcciones señala que en Urbino, el duque Federico da Montefeltro, uno de los señores más ilustrados del aquella época, reunió a los mayores pintores, poetas y estudiosos de su período en una corte que Baldessare Castiglione, autor del Cortesano, describió como "una ciudad en forma de palacio" y en la opinión de muchos, el más magnífico palacio de toda Italia. El Palacio Ducal (figura 46) constituye, también hoy, un elocuente monumento conmemorativo del hombre renacentista. Federico de Montefeltro inicia las obras de su residencia en 1447, poco después de acceder al poder. Parece innegable que la puesta en marcha de este programa arquitectónico, así como el llamar a la corte a artistas de procedencias y formaciones dispares, se debió a una situación de competencia entre diversas cortes. En la construcción del palacio de Urbino (figura 46) se conjugan diversos aspectos que deben ser reseñados. Su emplazamiento que se puede visualizar en la planta (figura 47), sitúa en estrecha relación con la naturaleza, aspecto que también hallamos en el Palacio construido por Enneas Silvio Piccolomini (Pío II) en Pienza. (Ching, F (2011), p.50) La fachada del palacio se halla enmarcada por dos torreones y tiene su precedente en el Arco de Alfonso de Aragón en Nápoles, realizado por Francesco Laurana en 1458.

La fachada se halla enfrentada al paisaje al que se abren las habitaciones del duque y su familia. Terrazas y jardín, con ventanas abiertas en su muro desde las que el paisaje se convertía en un elemento figurativo, completan esta relación entre arquitectura, individuo y paisaje que impregna la construcción del Palacio.

(Heyman, J.(1995), p.89)

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CAPÍTULO 2

PALACIO VENECIA (1340-1455) El Palacio de Venecia (figura 48) fue el primer palacio renacentista construido en Roma. Su severa gala y armonía parecen retar la ampulosidad del Vittoriano. Fue construido en el siglo XV por el Cardenal de Venecia Pietro Barbo. Cuando el cardenal fue elegido Papa en 1464, el palacio se convirtió en residencia papal. Sobre la fachada de San Marcos se ve la logia de las bendiciones. Era conocido por su excéntrica personalidad, fue aparatoso y un fiel amante del exceso y del placer. La historia del Palacio Venecia comienza, sin duda, con un gran brillo gracias a él. Nos quedan tan solo resquicios de la riqueza de los días pasados. El palacio se hizo célebre también porque Mussolini estableció en él su residencia oficial. Desde el balcón que se asoma a la plaza, conocido como "el balcón de Mussolini", lanzaba sus histriónicos discursos a la multitud. (Paoletti, J; Radke, G. (2003), p.250)

Figura 48: Palacio Venecia Fuente: página web geoblografia.com

PALACIO DE LA CANCILLERÍA (1489-1513) Según, en roma señala que el Palacio de la Cancillería, fue construido en Roma entre los años 1486 y 1513. El color blanco del edificio se debe al mármol de travertino con el que se encuentra recubierto, proveniente del teatro de Pompeyo. Se lo conoció con el nombre de ''La Cancillería'' (figura 49) cuando el cardenal Riario fijó allí su residencia. Al día de hoy, este palacio es sede de la Cancillería Pontificia y pertenece al Estado del Vaticano.

Su fachada cuenta con una fila doble de pilares, típicas del período renacentista florentino y sus ventanas superiores y suelo interior están decorados con rosas del emblema de la familia Riario. Bramante fue el artífice de su maravilloso patio. El sitio en el cual se edificó el palacio, había sido anteriormente una tumba y templo dedicado al dios Mitra. (Wackernagel, M. (2014), p.110)

Figura 49: Plano de construcción del Palacio de la cancillería Fuente: Arte historia.com

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CAPÍTULO 2

PALACIO FARNESE EN ROMA (1514-1541)

Figura 50: Palacio Farnese en Roma Fuente: página web geoblografia.com

Figura 51: Planos de construcción del Palacio Farnese en Roma Fuente: Intranet.pogmacva.com

Según, florencia arquitectura y arte señala que el palacio Farnese en Roma (figura 50) posee una fachada distribuida en tres plantas realizada en ladrillos con aristas en travertino, presentando en cada planta trece ventanas y una puerta principal en el centro rodeada de almohadillado. Todo el conjunto está coronado por una gran cornisa que, históricamente se atribuye a Miguel Ángel, encargado del proyecto al morir Antonio da Sangallo el Joven. El Cardenal Alejandro Farnese, más tarde Papa Pablo III y miembro de una influyente familia, encargó a Antonio Sangallo el Joven el proyecto de un palacio en unos terrenos que había adquirido en el centro de Roma. (Ching, F (2011), p.60) La elección del arquitecto no era casual, ya que gozaba de gran fama y prestigio profesional y es suyo el proyecto original del palacio, cuya construcción empezó en 1514 y duró más de setenta años, pasando por la misma varios responsables de obra. Sangallo ideó un edificio absolutamente clasicista, una fábrica imponente y magnífica, que demostrara el poder y la gloria de los Farnese. El resultado (figura 51) es un cubo colosal, no en vano los romanos lo apodaron el “Dado Farnese”. El cardenal Alejandro, más que una vivienda acomodada, lo que deseaba era un palacio que dejara anonadada a toda Roma y solo el gran Antonio Sangallo el Joven, profundo conocedor de los órdenes clásicos, era capaz de diseñar un edificio a la altura de las aspiraciones del purpurado, aspiraciones que aumentaron cuando, unos años después, el cardenal se convirtió en Papa, presionando a Sangallo para que el palacio fuera aún más espectacular. (Hartt, F.(2017), p.610)

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CAPÍTULO 2

DONATO BRAMANTE (1444-1514) Bramante(1444-1514) fue pintor y arquitecto italiano.

Nació en lo que es, actualmente, Fermignano, cerca a Urbina, ciudad donde se formó como arquitecto a Luciano Laurana. (Figura 52).

Luego, se traslada a Roma, donde fue mecenas de los reyes Fernando e Isabel de Castilla. Aquí descubre distintas obras de la Antigüedad y queda encantado por ellas. Bramante se considera como un arquitecto renacentista, ya que su arquitectura reinterpretaba referentes romanos y griegos, asimismo se debe mencionar que fue el primer arquitecto del Cinqueccento. Bramante pudo desarrollar varias obras tanto en Milan como en Roma, como el claustro para la iglesia de Santa María de la Paz (1500) y el maravilloso templete de San Pietro in Montorio (1502). (Rega, Iván (2012,p.339).

Figura 52: Donato Bramante(1444-1514) Fuente: Centro Vasco de Arquitectura

En 1474, Bramante se trasladó a Milán, una ciudad con una profunda tradición arquitectónica gótica, y erigió varias iglesias en el nuevo estilo de la Antigüedad. El duque, Ludovico Sforza, le hizo su arquitecto de corte, a partir de 1476. Primero, comenzó su actividad como pintor, realizando una de sus obras más importantes, una de ella es el Grabado Prevedari, que fue firmado por Bernardo Prevedari(1481), la cual representa una variante del esquema arquitectónico de cruz inscrita en un cuadrado. Luego, realizó encargos que culminaron en el famoso coro en la iglesia de Santa Maria presso San Satiro (1482–1486).

Asimismo, también realizó la obra de Santa Maria delle Grazie(1492-1499); los claustros de San'Ambrogio, Milán(1497-1498) y la catedral de Pavia. En 1499, Bramante decide irse a Roma, donde ya era conocido por el cardenal Raffaele Riario. En Roma se encuentran sus obras más reconocidas por el cardenal Della Rovere, quien se convirtió en el papa Julio II. Entre sus principales obras realizadas en Roma, se debe al encargo por parte de Reyes Católicos como el Temple de San Pietro, La basílica de San Pedro; asi como, claustro de Santa Maria della Pace, diseñado en 1500 y finalizado cuatro años después. (Janson, H.W & Janson,A. F.(1988)p.223)

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CAPÍTULO 2 IGLESIA DE SANTA MARÍA PRESSO SAN SÁTIRO(1479) La iglesia de Santa Maria presso San Sátiro (Figura 53)es una iglesia parroquial ubicada en Milán. A finales del siglo XV, su construcción fue dirigida por el duque Gian Galeazzo Sforza y luego, continuada por Ludovico el Moro. Este edificio fue proyectado según el nuevo estilo renacentista por Donato Bramante.

Bramante, es el primer ejemplo del uso de la perspectiva ilusionista en la arquitectura. Tal es el caso del falso coro recreado en la iglesia Santa María presso San Satiro. Esto se realizó en un espacio de menos de un metro de profundidad, donde Bramante realizó el fondo arquitectónico a través del uso de los principios perspectivos.

(Rowe. C, 2013, p. 27).

Figura 53: Santa Maria presso San Satiro, conocido falso coro realizado por Bramante en Milán 1479-1514 Fuente: Cultura/Milán

Figura 54: Planta de Santa Maria presso San Satiro, realizado por Bramante.

Fuente: página web geoblografia.com

La iglesia presenta una planta con forma de cruz a la que le falta el brazo superior, esto se debió a la falta de espacio. Esto fue evitado con la realización del conocido falso coro de Donato Bramante. Se puede decir que , la planta de San Sátiro se parece al grabado de Prevedari. (Figura 54) or divergencias de carácter artístico con Bramante, Amadeo, quien fue asignado para realizar el proyecto, la fachada de la iglesia se dejó incompleta. Por este motivo, Bramante realizó otro diseño para la fachada. Se eliminaron las representaciones de Santos e Historias del Antiguo Testamento que fueron del proyecto inicial para hacer una nueva elaboración del proyecto del siglo XIX. (Giedion, S. (2009),p.71).

De esta manera es importante señalar que la iglesia de San Sátiro es también distinguida por su fachada exterior, esto se refleja en la composición de Bramante. Se compuso el exterior con una serie de formas geométricas opuestas como el cilindro con sus hornacinas que están articuladas; encima se encuentra el vestigio cruciforme de San Sátiro ; y por último como remate se encuentra el templete que tiene una planta octogonal. (Rowe. C, 2013, p.

27-28).

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CAPÍTULO 2 SANTA MARÍA DE LAS GRACIAS (1469-1482)

Santa María delle Grazie, en italiano, es una iglesia y un convento de la Orden de Predicadores, que se encuentra ubicada en el centro de Milan, Italia. (Figura 55). De igual manera, el duque de Milán Francisco Sforza ordenó la construcción de un convento dominico y una iglesia en el lugar donde se encontraba una pequeña capilla dedicada a santa María de las Gracias. Bajo la dirección del arquitecto Guiniforte Solari, el convento fue terminado en 1469, y la iglesia en 1482. (Leonardis. S, 2005,p. 42-43)

Figura 55: Iglesia de Santa María de las Gracias, Milán-Italia Fuente: Arte e Historia

La iglesia fue concebida con un estilo góticorenacentista, que tenía una sobria fachada y con tejado a dos vertientes de matriz lombarda, punteada de óculos y de ventanas que tenían una sola abertura. Durante la última década del siglo XV, fue construida la sacristía de Bramante. Esto sucede porque Ludovico el Moro, quien era duque de Milán, pone cargo del proyecto a Bramante, para convertirlo en un monumento sepulcral para él mismo y para su esposa; así se convertiría en el mausoleo de la familia Sforza. (Leonardis. S, (2005),p. 42-43)

SACRISTÍA DE DONATO BRAMANTE Esto consistió en la ampliación de la Basílica con la construcción de la tribuna y de la nueva Sacristía. (Figura 57). El proyecto consta con la tribuna, la cual era de estilo renacentista, que era coronada por un tambor poligonal, y asimismo con una elegante cúpula , que era enriquecida por con asombrosas decoraciones como las franjas ornamentales con blasones de los Sforza y medallones de Santos.

Tambíen es importante mencionar, la participación de Leonardo Da vinci, quien realizó la Ultima Cena en la pared norte del refectorio.

(1495.1497)( Rowe.C, (2013), p.32).

Figura 56: Planta iglesia de Santa María de las Gracias Fuente: The History Hub

Figura 57: Sacristía por Donato Bramante Fuente: Arte e Historia

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CAPÍTULO 2 CATEDRAL DE PAVIA (1488-1930) La Catedral de Pavia,en italiano( Duomo de Pavia), está situada en la ciudad italiana de Pavia. (Figura 58).

En 1481, el cardenal Ascanio Sforza, quien era hermano de Ludovico y recién elegido obispo de Pavía prometio a los ciudadanas una renovación en la catedral.

Figura 58: Catedral de Pavia Fuente: Arte e Historia

En 1488, se convocó a Bramante para consultarle sobre la nueva intervención en la catedral de Pavia, fue un nuevo proyecto de la catedral, que también formaron parte tanto como Amadeo y Rocchi, pero estaba dirigido por Bramante. Finalamente, en 1490, tanto Leonardo como Francesco di Giorgio fueron convocados también para proseguir las consultas. ("La ilustración española y americana" (1875),p.210 ) Su incorporación de modelos anteriores contribuye a una singular falta estilística, esto se refleja en el exterior, que ofrece una profusión tardomedieval de ábsides, pináculos y contrafuertes.

La catedral de Pavia, constituye una prueba de la interacción entre el artista de Urbino y el de Florencia. (C. Rowe, 2013, p. 29-30).

El proyecto planimétrico está atribuido a Bramante, que fue el diseño de la cripta y también a la sacristía.

El proyecto de Bramante consta de un cuerpo de tres naves flanqueado por hornacinas semicirculares en el eje longitudinal, que se introduce en un cuerpo central triapsidal, con crucero de tres naves, y presidido por una gran cúpula, la cual está unida por pechinas triangulares al octágono irregular de los pilares. El trazado se completaba con aposentos absidales octogonales colocados entre los brazos de la cruz y destinados a sacristías.

Aunque Bramante estuvo poco tiempo en la obra, supo dejar una idea clara destinada a persistir durante el largo sitio de construcción. (C. Rowe, 2013, p. 29-30).

Figura 59: Planta de la Catdral de Pavia, Fuente: Arte e Historia

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CAPÍTULO 2 CLAUSTRO DE SANTA MARIA DE LA PAZ (1500-1504) El Claustro de Santa Maria della Pace, se encuentra ubicado en Roma, Italia. (Figura 60).Es un elemento importante que conforma la iglesia, el cual es el Claustro de Santa Maria della Pace, que fue una de las primeras obras que realizó Bramante entre los años 1550 y 1554. Esta fue encargado por Oliverio Carafa, quien era cardenal de Nápoles. Esta obra realizada por Bramante viene a ser una de las obras más importantes del Renacimiento del siglo XVI ya que es un edificio de linealidad y elegancia, que aplica principios de armonía y equilibrio en cada elemento compositivo. Asimismo, Bramante lo que logró en esta obra fue la contemplación del espectador desde el centro del patio. Esto se debe al uso de la perspectiva, el cual es un instrumento importante en esta época.(Alegre, E & Gómez, C. (2016), p.22).

En cuanto a su composición, se trata de una planta cuadrada se obtiene con la repetición de un módulo, que tiene la anchura igual al del pórtico,cuya medida tiene el vacío central de cuatro en cada lado, el refectorio adyacente que tiene dimensiones de dos y cuatro. El espacio central está rodeado por 16 pilastras, que forman un pórtico continuo de bóvedas de arista. El Alzado, consta de dos órdenes, proporcionados de acuerdo con la regla vitruviana. (Figura 61).

En la planta baja presenta una orden de pilastras jónicas que sostienen un entablamento con un friso continuo, que era propio de ese orden, con una concatenación de arcos de medio punto sobre aletas, típicos de la arquitectura romana clásica. En el segundo nivel hay un orden de pilastras pseudo-corintias, que giran sus flancos en correspondencia con las aletas del primer nivel, con la inserción de columnas libres, del mismo orden, que redoblan el paso de los arcadas sustentantes. (Castex J.(1994), p.257-258).

Figura 60: Claustro de Santa María de la Paz, Roma - Italia Fuente: Centro Vasco de Arquitectura

Figura 61: Planta de la iglesia de Santa María de la Paz, se puede observar en el centro el claustro de Bramante en Roma(1550) Fuente: Centro Vasco de Arquitectura

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CAPÍTULO 2 EL TEMPLETE DE SAN PIETRO IN MONTORIO (1502-1510) El Templete de San Pietro(Figura 62), se encuentra ubicado en Montorio, actual recinto de la Real Academia en Roma. Es obra del arquitecto Bramante, que fue erigido en 1502 hacia el 1510.

(Figura 31) El templete fue concebido como martyrium conmemorativo, construido para señalar el lugar donde San Pedro donde fue crucificado Pedro.

(Cantatore, F.(2007), p. 29-38.)

En esta obra se puede evidenciar lo que es el renacimiento en su esplendor, ya que reinterpreta las características de la arquitectura antigua y las aplica a su diseño. Asimismo, presenta al ideal de la belleza arquitectónica renacentista, que implementa elementos clásicos de distintas maneras.

Figura 62: Iglesia de San Pietro in Montorio, Roma - Bramante Fuente: Arte e Historia

Figura 63: Planta de la iglesia de San Pietro in Montorio, Roma Fuente: Departamento composición arquitectónica

Según Roth, en su libro "Entender la Arquitectura", (1999) es el primer edificio renacentista que utilizó triglifos y metopas. Bramande diseñó el friso, el cual se inspiró en el templo de Vespasiano, pero con la diferencia de que los elementos del ritual pagano del modelo romano se transformaban en elementos del ritual de misa y también en símbolos papales.

El Templo de San Pietro, tiene una planta circular rodeada por columnas dóricas y rematada por la cúpula. (Figura 63) Fue construida en piedra de granito y mármol. Si bien es una construcción pequeña, muestra monumentalidad con elementos mínimos. El diseño incluía que el patio que lo rodea se adapte a la forma circular del templo, pero no se llegó a construir. Bramante tenía una preferencia por los edificios religiosos, por tal motivo se planteaban los templos con planta centralizadas.

Asimismo, Bramante sigue la proporción de Vitrubio en sus alzados y segmentos, ya que estos son multiples del diámetro de las columnas, llamado también diámetro modular. La mayoría de los arquitectos de esta época se basaban en los trabajos teóricos como de Alberti y el escrito de Vitrubio, de esta manera, Bramante aplica los conocimientos en su arquitectura. (Alegre, E. (2020,p.40)

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CAPÍTULO 2 BASÍLICA DE SAN PEDRO(1506-1626) La Basílica de San Pedro(Figura 64), es un templo católico que se encuentra en la Ciudad del Vaticano. A principios de 1492, el primer papa decide realizar una reconstrucción debido a que la basílica se encontraba deteriorada. Por esto, se buscó un plan de diseño para reconstruir la basílica de San Pedro, la cual era paleocristana.

Para esto, distintos arquitectos fueron convocados. El primero fue, Donato Bramante, en realizar un diseño con una planta centralizada.

Distintos arquitectos se encargaron de la obra hasta Miguel ángel, quien se basó en el diseño porpuesto por Bramante.(Ching, F,; Vikramaditya, M.(2007) ).

Figura 64: La basílica de San Pero, Ciudad del Vaticano en Roma Fuente: Departamento composición arquitectónica

La construcción de la basílica actual se inició el 18 de abril de 1506, fue el propio Julio II quien eligió esta fecha como la más propicia para comenzar las obras por consejo de sus astrólogos. Como ya se mencionó anteriormente, el proyecto fue encargado al arquitecto Donato d'Angelo Bramante. Se puede observar en la (Figura 65), que la planta diseñada por Bramante era sencilla, que estaba formada por un cuadrado central cubierto con una cúpula y rodeada por un deambulatorio con ábsides en los extremos de los brazos de la cruz, y también tenía una torre en cada una de las cuatro esquinas, la cual fue inspirada en la basílica de San Marcos, de igual manera es un ejemplo importante, en el que se aprecia la planta centralizada que es típica del Renacimiento. Sim embargo, cuando se iniciaron los trabajos con la demolición de la basílica, Bramante tuvo muchas criticas como representantes, tales como Róterdam y Miguel Ángel, quienes criticaron la destrucción de las columnas de la antigua basílica.(Roth. L ,1999)

Figura 65: Basílica de San Pedro, ciudad del Vaticano Fuente: Departamento composición arquitectónica

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CAPÍTULO 2 EL MANIERISMO SIGLO XVI El manierismo (Figura 66) fue de las principales tendencias artísticas del siglo XVI. Se desarrolló a finales de de la arquitectura renacentista y el comienzo de la barroca. El término manierismo, procede del italiano maniera que en el contexto de su época significaba estilo. Florentino Giorgio alabó la bella maniera de las obras que alteraban deliberadamente las normas clásicas de representación de la realidad con la finalidad de realzar el estilo del autor . (Federico, N , 2016, p.2) Figura 66: La Arquitectura Manierista " La Rotonda" Fuente: Haiku Deck

COMPLEJIDAD Y CONTRADICCIÓN EN LA ARQUITECTURA La Arquitectura y el arte Manierista tienen una gran diferencia e importancia en el arte del Renacimiento y en el siglo XVI por su contrariedad entre sus características.

Por un lado, el Renacimiento constituye el equilibrio, es generoso y armonioso, mientras que el Manierismo es un arte desequilibrado y disonante, es sobrio, escaso, elegante y rígido de porte. Tanto los artistas como los escritores manieristas tenían conciencia de las contradicciones y las acentuaban de manera que se convirtió en una fórmula principal de su arte. (Federico, N , 2016, p.2-3)

GIULIO ROMANO (1499-1546)

Figura 67: Giulio Romano Fuente: Diario de a bordo

Giulio Pippi (figura 67) más destacado como Giulio Romano fue un pintor, arquitecto y decorador italiano del Siglo XVI, afamado alumno de Rafael, cuyas innovaciones en relación al clasicismo del alto Renacimiento ayudaron a definir el estilo definido como manierismo. En 1524, aceptó la convocatoria de Federico Gonzaga, duque de Mantua y mecenas, para llevar a cabo una serie de obras arquitectónicas y pictóricas. Su talento como arquitecto se plasma en la planificación y construcción del palacio del Tè, la catedral, las calles y el palacio ducal. Entre las obras más importantes de este periodo están los frescos Psique, Ícaro y Caída de los gigantes, en el palacio del Tè.

En Bolonia trazó los planos de la fachada de San Petronio.

Entre sus mejores obras se cuenta el Martirio de san Esteban (San Stefano, Génova, Italia).(Federico, N , 2016, p.2-3)

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CAPÍTULO 2 PALACIO DEL TÉ EN MANTUA(1524-1535) Giulio Romano, notable artista del séquito del Duque de Mantua, proyectó en dicho lugar , una casa para su uso particular, alrededor de 1544. Además de ser una de las primeras casas de proporciones tan ambiciosas construidas por un arquitecto para sí mismo, es un considerable ejemplo de clasicismo manierista. Asimismo, la fachada es más plana que lo parece en el pleno Renacimiento. Las cuatro fachadas exteriores cuentan con pilares planas contra paredes de estilo rústico, en las que hay un cambio entre los tamaños de los ladrillos, muros, generando esta uniformidad y reflejando este rompimiento total del estilo anterior. Por otro lado, se cuenta con la presencia de arcos de medio punto y bóvedas de cañon, que se sujetan sobre dos columnas juntas por un arquitrabe , lo cual es característico de esa época, en el cual se crea un ritmo distinto al de Brunelleschi, ya que no es continuo, puesto que en un lado pueden haber cuatro pilastras, y en la siguiente no, creando esta irregularidad, por lo que las fachadas no son tan simétricas como parecen.

A parte de ello, se observa la aparición de un frontón (figura 69) sujetando a las mensulas, las cuales no soportan nada, lo cual indica que este estilo es más estético que arquitectónico, en el que estas ideas solo se ocurren al arquitecto como por ejemplo para crear ciertas partes desniveladas en los triglifo que da la apariencia que se van a caer. Esto refleja al estilo manierista, en el que los edificios pierden la claridad de composición, hay manifestación de varios elementos arquitectónicos, a pesar de que no cumplen una función estructural, ya que se enfatiza la estética, la decoración, la perspectiva, provocando la desintegración del estilo renacentista.

Figura 68: Palacio del Té en Mantua Fuente: Arte y Arquitectura

Figura 69: Palacio del Té en Mantua Fuente: Arte y Arquitectura

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CAPÍTULO 2

MIGUEL ANGEL BUONARROTI (1475 -1564)

Figura 70: Miguel Ángel Buonarroti Fuente: Diario de a bordo

Miguel Ángel Buonarroti (figura 70) nació el 6 de marzo de 1475 en Caprese, un pequeño pueblo de la actual provincia de Arezzo, Florencia. Fue arquitecto, pintor y escultor del renacimiento, caracterizado por su perfeccionismo en todas las artes que realizó, prefirió la escultura como predilecta para él. Su familia lo dejó a cargo del humanista Francesco de Urbino para su educación, luego lo envían con el pintor Domenico Ghirlandaio donde nace la afición por la escultura. Desde entonces Miguel Ángel comienza a relacionarse con la cultura Italiana, se relaciona con grandes personajes que influyen en su vida y toma contacto con grandes humanistas y poetas. Por ende, tomo ideas y pensamientos manifestada por ellos y que lo representa a través de sus obras como la pintura, escultura. arquitectura y poesía. Finalmente, Miguel Ángel fallece el 18 de febrero de 1564 en Roma y lo entierran en la iglesia de Santa Croce. (Torrecillas, Sanchís.(2019), p.2-3) La carrera de Miguel Ángel inicia cuando crea una estatua nombrada "El David", debido a eso se refleja toda la grandiosidad en aquella obra y así comienza su fama en la pintura, escultura, entre otros. La obras principales que lo caracterizan, son los frescos de la Capilla Sixtina (figura 71) ,logró una obra maestra en la Capilla, por ello, su vida se enfocaba en el amor de la escultura, pintura y arquitectura, donde plasmaba su expresividad y dureza en el desarrollo. (Dolores, S & Fernández, Á(2013) p.5)

Figura 71: Capilla Sixtina Fuente: página web m.museivaticani

En la Arquitectura de Miguel Ángel, aporta nuevos elementos que son reflejo de la poética en su arte y lo constituye sobre todo, la búsqueda de un nuevo sentido del espacio, más abierto donde aparecen los llenos y vacíos, las líneas curvas, los elementos salientes, tiene la finalidad de tomar posesión del mundo que lo rodea, imponerse a la atención con la búsqueda y valores.

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CAPÍTULO 2 FORMACIÓN DE MIGUEL ANGEL Y ARQUITECTO EN FLORENCIA ( SIGLO XV) La formación de Miguel Ángel empieza cuando en Italia y en la ciudad de Florencia (Figura 72) empieza a cambiar durante el siglo XV dándole importancia a las personas que les aficionaba el arte y la arquitectura en el cual se distingue más en Renacimiento que en la Edad Media.

Miguel Ángel durante su adolescencia tuvo contacto con artistas y trabaja en el taller de Ghirlandaio.

Miguel Ángel se integro en el entorno de Lorenzo el Magnífico lo que permitió que dialogue y aprenda de grandes filósofos, literatos y asesores políticos.

Le ofrecieron beneficios, incertidumbre y retos en su formación como artista, debido a ello cuando viajó a Roma aplicaba sus técnicas y siguió aprendiendo de las ciudades que visitaba. (Alegre, Gómez , 2016, p.31) Antes de llegar Roma, Miguel Ángel contaba con buena reputación de escultor ya que trabajo con los Médicis en Florencia.

De esa manera, entró en contacto con la élite cultural de la ciudad así empezó ampliar sus conocimientos y entrar en contacto con la colección de obras clásicas que existían en los palacios capitolios.

La primera salida de Miguel Ángel a Roma (Figura 73)se realizó por la muerte de Lorenzo y tras su muerte, Florencia entró en crisis en lo político y en lo económico, el pueblo culpo a los Médicis, entonces tomó la decisión de irse hacia Venecia en el año 1493, luego se traslado a colonia.

Miguel Ángel representó a la virgen aquella puso en duda su autoría , al enterarse el artista grabó su nombre en la escultura. Después abandonó Roma en 1501, al no recibir encargo papal regresó a Florencia donde permaneció hasta 1505, año en que regresaría a Roma para hacerse cargo de la tumba de Julio II. (Dolores, S & Fernández, Á(2013) p.6-12)

Figura 72: Ciudad de Florencia Fuente: La Vanguardia

VIAJES A ROMA DE MIGUEL ANGEL ( 1496 -1501)

Figura 73: Ciudad de Roma Fuente: Ana Navarro

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CAPÍTULO 2

LA CÚPULA DE LA BASILICA DE SAN PEDRO EN ROMA (1452-1547)

La basílica paleocristiana de San Pedro se encontraba deteriorada y a poco de derrumbarse a finales del siglo XV. El primer papa consideró una reconstrucción o hacer cambios radicales en 1452. Después en 1505, bajo el pontificado de Julio II, se reiniciaron las obras. Esta obra comenzó el 18 de abril de 1506, por orden del papa Julio II y se finalizo el 18 de noviembre de 1626.

Cuando falleció el arquitecto Sangallo en 1546, el papa Pablo III sugirió que la obra vaya en dirección a Miguel Ángel y que retomara la idea de la planta de cruz griega de Bramante.

Previamente, Miguel Ángel estudiaba respecto a la reedificación de la basílica y es a partir de 1547 forma parte de la dirección de trabajos tomando el cargo del arquitecto Antonio da Sangallo.(Rex. W , 2016) Figura 74: Transformación en las plantas de la cúpula de la Basílica de San Pedro de Roma.

Fuente: La cámara del arte

Bajo el mandato de Miguel Ángel en la restauración.

Primero alzo los muros del ábside de una imponente monumentalidad. La principal aportación fue la gran cúpula que se encuentra justo sobre el altar mayor y donde la tradición indica que se encuentra la tumba del apóstol San Pedro.

Después del fallecimiento de Miguel Ángel la cúpula fue concluida.

La cúpula de la Basílica de San Pedro (Figura 74)se eleva a una altura total de 136,57 m contando desde el suelo hasta la parte superior de la cruz externa.

El perímetro interior de la cúpula (Figura 75) presenta la inscripción en latín con letras de 2 m de altura.

Miguel Ángel en orden arquitectónico aparte de la basílica de San Pedro, trabajo como arquitecto en la plaza del Campidoglio que se prolongo desde 1544 hasta 1546, tenía ideas innovadoras.(Torrecillas, Sanchís.(2019), p.2-3))

Figura 75: Cúpula de la basílica de San Pedro de Roma Fuente: Pinterest

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CAPÍTULO 2

PALACIO FARNESE (1517-1589) En el año 1534 cuando Pablo III fue elegido papa, el Palacio de Alejandro Farnese (Figura 76) de 1517 fue ampliado para convertirse en un símbolo del nuevo status de los Fanese y residencia de los sobrinos del cardenal comenzando con Ranuccio y Odoaro . Las obras finalizaron en 1589 era el mayor palacio cardenalicio de Roma en esa época.

El palacio es un ejemplo impresionante de un estilo inventado por Antonio da Sangallo.

El Palacio Farnese se caracteriza por ser un bloque rectangular sin tiendas, unificado por la gran cornisa de diseño clásico que lo remata, sillares de esquina, es decir, que derivan de la arquitectura militar para proteger las esquinas, fachadas dividas en estratos horizontales que ocasiona que su altura disminuya y un patio cuadrado con un pórtico.(Alegre, Gómez , 2016, p.30)

Figura 76: Palacio Farnese en Roma Fuente: enroma.com

Miguel Ángel fue el encargado de esta obra tras el fallecimiento de Sangallo, modificó el diseño inicial para crear uno de los palacios más magníficos en Roma.

Empezó a modificar y ampliar la ventana central y puso escudos de armas de los Farnese con lo que dirigía el centro de atención. También amplio una cornisa más amplia en el edificio y elevó la última planta unos tres metros. Tras el fallecimiento de Miguel Ángel, se quedaron a cargo del palacio Giacomo Vignola y Giacomo della Porta.

La planta del palacio de Farnese (Figura 77) cuenta con tres entradas cubierto con una bóveda de cañón que da en dirección a un patio.

En la entrada principal está dividida por dos caminos peatonales artesonados.

En el extremo opuesto del pasaje tiene una bóveda de cañón que conduce a los jardines y una logia de tres pisos en la parte posterior del palacio. (Partridge, L 2007, p.74-75)

Figura 77: Planta Palacio Farnese Fuente: Centro Vasco de Arquitectura

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CAPÍTULO 2

PLAZA DE CAPITOLIO (1537- 1564) La Plaza de Capitolio (Figura 78) se ubicaba en una de las siete colinas en Roma. En 1546, Miguel Ángel recibe el encargo de la remodelación de la Plaza del Capitolio, en ese entonces era un conjunto de construcciones antiguas que lo primordial era el edificio que se encontraba al fondo, la gran Biblioteca del Capitolio. La plaza en ese momento era el punto central de la ciudad y la remodelación intervino el centro urbano, físico y simbólico de la ciudad en el centro. (Partridge, L 2007, p.79) Figura 78: Plaza de Capitolio Fuente: Libro órdenes y espacios

PUERTA PÍA (1869)

Miguel Ángel lo diseñó de acuerdo a las características de emplazamiento, espacialidad , dar valor al pasado y al presente de la ciudad imperial clásica y el cristianismo medieval. Asimismo, se sirvió de la escenografía y de la perspectiva de los espacios en el diseño y una rampa que marcaba el acceso escenográfico de la plaza trapezoidal, tenía una sensación del uso de las relaciones espaciales y de acceso.

Según menciona el autor que la puerta Pía (Figura 79) es una puerta de la antigua Muralla Aureliana de Roma, en Italia. Fue construida por el Papa Pío IV y diseñada por parte de Miguel Ángel en el siglo XVI. La fachada de las afuera fue determinada en 1869 con un diseño neo-clásico de Virginio Vespignani.

Miguel Ángel presentó tres proyecto al Papa del diseño pero extravagantes y al final se eligió el más económico, fue una de las últimas obras arquitectónicas que realizó ya que tiempo después falleció. El detalle de esta puerta no tiene equilibrio ni armonía , los detalles son combinaciones entre lo duro con lo blanco, huecos profundo y oscuros.

En esta puerta Miguel Ángel va agregando detalles barrocos desde el muro plano hacia el centro y los relieves en el arco curvo. Crea una espectacular arquitectura que se comprende la obra. (Torrecillas, Sanchís.

(2019), p.5)

Figura 79: Puerta Pía Fuente: Esacademic

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CAPÍTULO 2 ESCALERA DE LA BIBLIOTECA LAURENCIANA (1524) La escalera se encuentra dentro de la Biblioteca Laurenciana (Figura 80) , la cual fue diseñada y realizada por Miguel Ángel contando con tres tramos, dos rectos y uno curvo. Crea un efecto entre un espacio pequeño a uno más grande.

La construcción de la escalera está hecha en madera y varió mucho del proyecto inicial de 1524 en ese momento tenía dos tiros de escalera adosados a los muros laterales que se reunían en un descansillo anterior de la sala de lectura. Por ello, Miguel Ángel cambió sus diseños entre 1558 y 1559 dejando de lado la tradición y creando así una armonía entre la escalera y los muros, los peldaños se vierten de arriba hacia abajo y del mismo modo, del centro hacia los lados. Esta obra arquitectónica como muchas otras de Miguel Ángel proporciona una sensación de presión y ansiedad . (Torrecillas, Sanchís.(2019), p.10)

Figura 80: Escalera de la biblioteca Laurenciana Fuente: Biblioteca Medicea Laurenziana Firenze

SACRISTÍA NUEVA (1519) La Sacristía Nueva (Figura 81) de la iglesia de San Lorenzo de Florencia es un mausoleo de la familia Medicis. En 1519 el papa León X recomendó a Miguel Ángel ya que conocía a esta familia y esta obra era en honor a su memoria.

Se inspiró en la Sacristía Vieja de Filippo Brunelleschi de la misma iglesia de San Lorenzo que fue construida siglos atrás aunque con el estilo del manierismo y barroco.

Miguel Ángel sigue como modelo al arquitecto del quatrrocento de una planta cuadrada cubierta con cúpula hemisférica, aún así le da un aspecto más dinámico e inquietante. Sin embargo, repite los mismos materiales contrastados.

Figura 81: Sacrística Nueva Fuente: Findagrave.com

Para el proyecto apuesta una escenografía arquitectónica de nichos y pilastras duplicadas en ese espacio ya que el busca que se una sensación de espacio opresivo. Esta basado en la presencia de tumbas adosadas a los muros laterales. Además figuras sedentes de los duques en la pared de la entrada donde se ubicaría el doble sepulcro para los Medicis, Lorenzo y Guiuliano.

Por otro lado, dentro de la sacristía nueva se encuentra tres esculturas la Virgen de los Medicis de MIguel Ángel, San Cosme y San Damián. (Rex. W , 2016)

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CAPÍTULO 3

GIACOPPO BAROZZI (1507-1573) Giacoppo Barozzi, más conocido como Vignola, nació en 1 de Octubre en el año 1507 en Vignola, cerca a Modena.

(Figura 82).

Fue un pintor, arquitecto y teórico de la arquitectura.

Asimismo, fue el representante más importante del Renacimiento Manierismo en Italia con Andrea Palladio y Giulio Romano.

En las obras realizas por Vignola, se puede observar que los diseños en sus obras se inspiraron en los dibujos de Peruzzi.

Asimismo, uno de los libros más importantes y éxitos que realizó Vignola son las Cinco Órdenes de la Arquitectura, el cual se rige estrictamente por los órdenes clásicos para dilucidar los aspectos que tienen que ver con la modulación, diseño y construcción. (Figura 83) Figura 82: Giacoppo Barazzi (1507-1573) Fuente: Arte e Historia

FORMACIÓN Vignola inició su formación como pintor y dibujante en Bolonia; siendo ayudante de Peruzzi pudo llegar a la arquitectura a través del estudio de la Antigüedad.

Luego de su primera etapa profesional que desarrolló como arquitecto en Bolonia, se fue a Roma en el año de 1530 y realizó dibujos de las antigüedades para una edición proyectada del tratado de arquitectura de Virtruivio.

De igual manera, un acontecimiento importante de mencionar, es que en los años 1541-1543 pasó dieciocho meses en la corte de Francisco I en Fontainebleau y Paría, donde pudo conocer al arquitecto Sebastiano Serlio y al pintor Primaticcio. (Britannica, T. Editors of Encyclopaedia (2020, September 27).

Entre sus principales obras de Vignola se encuentran en Roma como Villa Giulia(1551-1555) junto con Giorgio Vasari y Bartolommeo Ammannati, iglesia de San Andrés en Vía Flaminia, el Palacio Farnese en Caprarola, la iglesia del Gesú y la iglesia de Santa Ana del Palafrenari en el Vaticano. Estas obras se explicarán a continuación.

Figura 83 : Libro de los Cinco Órdenes de la Arquitectura Fuente: Universidad de Salamanca

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CAPÍTULO 3

VILLA GIULIA (1551-1553) La villa Giulia, se encuentra ubicada en Roma, Italia.(Figura 84).

La obra estuvo encargada por el papa Julio III y comenzada a partir de unos croquis de Giorgio Vasari. Fue realizada por Vignola y posteriomente por Bartolomeo Ammannati.

La Villa Julia, está compuesta por un gran patio y un jardín que se separan por un ninfeo intermedio, compuesta por una serie de rampas. Estas fueron creadas para terminar con la monotonía de un terreno llano. Asimismo, a los lados se extendían otros jardines, los cuales se accedían por los extremos del pórtico con forma de exedra que domina el patio. (Fariello, F(2004) p. 77).

Se caracteriza por su sobria fachada de dos plantas (figura 85) con dos antecuerpos, ritmada por pilastras ornamentales, columnas dóricas y hornacinas laterales. En la parte posterior se encuentra un patio, el cual da para la galería cubierta de Ammannti, y aquí se tiene acceso al jardín y al patio central .

Figura 84: Villa Giulia, Roma-Italia Fuente: Arte e historia

Figura 85: Planta de Villa Giulia, Roma Fuente: Arte

IGLESIA DE SANTA ANA DEL PALAFRENIERI (1570) La iglesia de Santa Ana del Palafrenieri, fue construida en 1570, ubicada en la sede parroquial del Vicariato de la Ciudad del Vaticano. (Figura 86).

En 1565, Pió dio la autorización para que realice en el Borgo Pio una iglesia, en la que se consagraba a Santa Ana, pero no se pudo llevar a cabo los planes debido a su fallecimiento. Luego, se puso a cargo a Pío v quien realizó el encargo a Vignola.

Esta fue la última obra realizada por Vignola, en la que aplicó la construcción de una iglesia elíptica. (Recio A.(1999) p.198.

Figura 86: Iglesia Santa Ana de Palafrenieri Fuente: Centro Vasco de Arquitectura

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CAPÍTULO 3

IGLESIA DE SAN ANDRÉS EN VÍA FLAMINIA(1550-1554) La Iglesia de San Andrea realizada por Vignola entre los años 1550-1554, se encuentra ubicada en Vía Flaminia. (Figura 87) El sitio se encontraba en el norte de la entrada a Villa Giulia.

Este periodo coincide con la transición del Ranacimiento a la Contrareforma, asimismo esta iglesia es uno de los ejemplos del estilo manierista de transición que luego daría paso al Barroco.

Esta iglesia fue dedicada a San Andrés Apóstol en Roma- Italia.

Es una de las iglesias más significativas a la Regola de Vignola, esta fue realizada para el Papa Julio III para conmemorar la fuga del Papa Clemente VII de la prisión luedo del saqueo de Roma en 1527. (Cesare. G,(2013-2014), p.1)

Figura 87: Fachada de la iglesia de San Andrés en vía Flaminia Fuente: Arte e Historia

Figura 88: Plano de la iglesia San Andrés en vía Flaminia Fuente: Universidad Autónoma de Madrid

Por otro lado, también es importante señalar que al principio los peregrinos no se dirigían a la iglesia porque no había una función pastoral en esta y también porque se encontraba en una zona que primero estaba deshabitada en el momento de su construcción, por lo que en el siglo XVIII quedó en ruinas y fue abandonado. Pero luego con una nueva restauración y con el desarrollo suburbano se construyó un tranvía de caballos por la Via Flaminia y esto permitió que la iglesia tenga una justificación de existencia.

En cuanto a su composición, la planta tiene forma rectangular, la cual tiene una sola nave que se apoya sobre cuatro pechinas, envuelve el planteamiento en forma oval que tiene la iglesia.

(Figura 88)También cuenta con una cornisa dentada y sin friso, donde la entrada principal se realza por un pórtico grande. La cúpula, la cual posee una forma elíptica, y el tambor se pueden observar desde el exterior. (Suárez, (2008), p.274275) Es importante mencionar que, los arquitectos del periodo barroco utilizan la forma oval en las plantas para las iglesias de menor escala.

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CAPÍTULO 3

PALACIO FARNESE EN CAPRAROL (1504-1575) Después de la muerte de Julio III en 1555, Vignola trabajó para la familia Farnese, para quien completó el Palazzo Farnese en Caprarola, cerca de Viterbo. (Encyclopædia Britannica Online, 07/2020). (Figura 89) Vignola transformó la construcción que se había realizado en un principio por Peruzzi y por Antonio Sangallo, en el cual se encontraba el esquema de la planta pentagonal, pero no lo destruyó. ´

Figura 89: Palacio Farnese en Caprarola, Roma Fuente: Arte

COMPOSICIÓN Estaba compuesta por una planta de forma pentagonal, como eran las ciudades del siglo XVI, quiere decir con una tipología asociada al poder fortificado. (Figura 90) La combinación del pentágono con el circulo del patio explicita la geometría del diseño para un edificio que adquiere casi el carácter de villa por su relación con el paisaje que le rodea, pero también de castillo que rodea la ciudad. (Urquizar,A. & Cámara, A.(2017)p.

268 Esta obra cuenta con tres pisos, que se unía por un patio circular de dos pisos. Este último funciona como distribuidor en función de los dos primeros. En el interior está estructurado a base de pilares y medios puntos con almohadillo pulido; y en la partel superior está estructurado también con pilares y con medias columnas jónicas y medios puntos.

La base de la forma del pentágono, la cual se puede observar en la Figura (90) hace de fachada hacia la localidad de Caprarola, y se queda como fondo dirigida perspectivamente hacia su centro. (Suárez. D (2008)p. 279)

Figura 90: Plano del Palacio Farnese en Caprarola , Roma Fuente: Architecture, página web

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CAPÍTULO 3 IGLESIA DEL GESÚ (1568-1584) La iglesia del Gesú, se encuentra situada en la plaza del Gesú en Roma.(Figura 91) Fue realizado entre los años 1568 y 1584 por los jesuitas Giacomo Vignola y Giacomo della Porta bajo el cargo del cardenal de la orden, quien es Alessandro Farnese.

Vignola empezó la obra con la tipología, pero luego en cuanto a la fachada fue llevada a cabo por un seguidor, el cual es Giacomo della Porta.(1575), quien es el responsable de empezar elementos del principio del Barroco.

Este presenta una mejor solución al problema de adaptación del frente de un templo romano a una iglesia cristiana. Este consiste en cinco crujías inferiores integradas con tres superiores, cada una de ellas enmarcadas por pares de columnas originando estabilidad.

(Partidge. L (2007) p.58-59).

Figura 91: Fachada de la iglesia de Gesú, Roma Fuente: Arte

Vignola creó una tipología que unía la perfección arquitectónica con la funcionalidad litúrgica, y esta se convirtió en un tipo de iglesia que debía facilitar el flujo de los fieles(Cámara, A. & Carrió-Invernizzi,D. (2015) p. 24.

Una de las características más importantes es la presencia de una nave longitudinal que realizó Vignola ,la cual está cubierta por una bóveda de cañón contrarrestada por contrafuertes en el exterior, que albergan las capillas laterales. Asimismo, se puede observar la planta, la cual es de cruz latina. (figura 92).

Figura 92: Plano de la iglesia de Gesú, Roma Fuente: Centro Vasco de la Arquitectura

Hubieron necesidades ceremoniales que permitieron algunas consecuencias arquitectónicas como por ejemplo, en las capillas laterales que eran independientes estaban cubiertas con cúpula que permitían la celebración de muchas misas.

Se perfeccionó la planta con tres ábsides, y el crucero cubierto con cúpula que eran realzados por breves brazos del transepto insertos en el cuerpo de la iglesia, la cual creaba un clímax simbólico de espacio.

(Partidge. L (2007) p.57).

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CAPÍTULO 3

ARQUITECTOS EN ROMA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XVI GIACOMO DELLA PORTA(1537-1602) A continuación se explicarán a dos principales arquitectos que pertenecieron a la segunda mitad del siglo XVI en Roma, los cuales son Giacommo della Porta y Domenico Fonata.

Giacomo della Porta nació en Roma, Estados Pontificios-Italia en el año 1537 (Figura 93). Fue el principal arquitecto romano durante el último tercio del siglo XVI, asimismo contribuyó a los principales proyectos arquitectónicos emprendidos en Roma durante ese periodo.

Della Porta continuó con algunos proyectos de Miguel, y a su vez fue un seguidor de él. Algunos de lo más grandes proyectos arquitectónicos que pudo continuar son la Piazza del Campidoglio y San Pedro en el Vaticano en Roma. Esta se convirtió en el prototipo de cúpula barroca. Asimismo, como ya se mencionó anteriormente, Della Porta realizó la fachada de la Iglesia Gesú de Vignola, la cual se convirtió en un modelo de fachada barroca. (Argan.

G (1999)p.253).

Figura 93: Giacomo Della Porta(1537-1602) Fuente: Arte

DOMENICO FONTANA(1543-1607) Domenico Fontana nació en Medile- Suiza en el año 1543.(Figura 94).

Fue un arquitecto italiano del renacimiento tardío, quien trabajo en Roma y Nápoles, entres sus principales obras se pueden encontrar la Loggia de la fachada Septentrional de San Juan de Letrán, luego se encuentra el Palacio de Letrán que tiene influencia por parte de la escuela de Vignola, y el Palacio Real de Nápoles, que fue finalizado por su hijo.

Pero, es más recordado por la colaboración que tuvo con el papa Sixto V. Este colaboró con las reformas urbanas de Roma, con la elección de los obeliscos egipcios encontrados entre las ruinas y la nuevas propuestas de nuevas vías.

Fontana falleció en el año 1607 en Nápoles, y fue enterrado en la iglesia napolitana de Sant'Anna dei Lombardi, el la capilla diseñada por él mismo.

Figura 94: Domenico Fontana(1543-1607) Fuente: Blog spot PAG 48

CAPÍTULO 3 TRANSFORMACIONES URBANAS EN ROMA XVI Como ya se mencionó anteriormente, las transformaciones urbanas en Roma durante mediados del siglo XVI fue realizada por Sixto V con la colaboración de Domenico Fontana.

Figura 95: Plano de reforma de las nuevas calles propuestas por Sixto V Fuente: Roth, (2012), p.406

En la segunda mitad del siglo XVI, la ciudad de Roma presenta problemas por los que el papado debía brindar alguna solución. Por un lado, el primero problema era que Roma debía ofrecer una imagen; por otro lado, tenía que recibir masas peregrinas que acuden a ella dede todo el orbe católico. (Checa,F. & Morán,J.(2001)p.

265).

Por otro lado, en libro de Roth, C (1999) p. 405 también se consideraba como una de las manifestaciones del estilo barroco la escala de las iglesias que se iban construyendo, por lo que quedo enunciado en plan de Sixto V en las transformaciones urbanas de Roma.

Si bien Sixto V realizó el esquema general de la obra (Figura 95), la puesta en práctica fue encargada a Domenico Fontana.

Lo primero que realizaron fue integrar en un único sistema de calles principales las obras más importantes de la ciudad de Roma. Ello se puede visualizar en el plano (figura 96) También construyó un acueducto, el cual se llama Aqua Felice, está constituía la primera aportación de agua potable a la ciudad.

Asimismo, el plan urbanístico de este era unir los nodos que eran las basílicas, las cuales frente a cada una de estas se abriría una plaza.

Para concretar estas propuestas a lo largo de las calles rectilíneas, se encargó a Fontana la tarea de trasladar obeliscos egipcios que se encontraban dispersos por la ruinas de las ciudades antiguas. De esta manera, frente a cada basílica de alzó un obelisco reconsagrado.

(Roth. (1999), p.407-408).

Se puede terminar comentando que hay diversas opiniones sobre las transformaciones urbanas que realizó Sixto V, pero lo que se puede resaltar es que este proyecto de Figura 96: Diagrama del plan urbanístico de reforma de Roma por Sixto V remodelación urbana fue importante para Fuente: Roth, (1999), p.407 contribuir y dar soluciones a los problemas ya mencionados anteriormente a la ciudad de Roma. .

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CAPÍTULO 3 RENACIMIENTO EN VENECIA Esta parte, nos despedimos de Roma, de hecho nos enfocaremos en la segunda mitad del Quattrocento, ya que se marca el aspecto urbano moderno de Venecia. Para ello, se considera ya terminados la basílica de San Marcos (figura 97) y el Palacio Ducal; además se construyen otras iglesias, en la ciudadela , así como palacios de ricas familias y zonas de vivienda burguesas y populares. (Argan, G.(1987), p.381) A continuación, se brindará información importante sobre dos arquitectos que influyeron en el renacimiento en Venecia.

JACOPO SANSOVINO (1486 - 1570)

Figura 97: Basílica de San Marcos Fuente: Página web Guías viajar

El arquitecto , escultor y restaurador italiano, Jacopo Sansovino, fue quién introdujo la arquitectura del renacimiento puro en Venecia. Se destacará un gran aporte de él, por ende, se mencionará que Sansovino tenía un inmenso talento, por ello, que lo recomendaron al duce de Venecia, que estaba buscando un informe técnico fidedigno referente al estado de la vieja basílica de San Marcos. En 1529, Jacopo fue nombrado arquitecto jefe de la basílica de San Marcos y permaneció en Venecia hasta su defunción que fue en 1570. (Trachtenberg M. y Hyman I.(1990), p.387)

MICHELE SANMICHELI (1484 1559) Además de Jacopo Sansovino, fue Michele Sanmicheli, quién dio a Venecia sus primeros edificios de Renacimiento puro. Es esencial mencionar las fachadas diferentes de Sanmicheli, por ejemplo, el Palazzo Grimani (figura 98), ya que se diferenciaban de los rotundos volúmenes cuadrados de los edificios toscano - romanos; debido a que frecuentemente eran irregulares, por ende a los límites de solar podían estar controlados por situaciones físicas tales como canales. Como la particular situación de Venecia sobre canales y lagunas le proporcionaba una protección natural, no requería el tipo de arquitectura fortificada de otras ciudades.

(Trachtenberg M. y Hyman I.(1990), pp.386-387)

Figura 98: Palazzo Grimani Fuente: Página web Arte Historia

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CAPÍTULO 3 ANDREA PALLADIO (1508-1580) Uno de los primeros restauradores de la Arquitectura Griega, fue Palladio (figura 99), que nació en el año de 1508 en Padua, cerca de Venecia, empezó su carrera laboral como albañil.

Pero, cuando llegó a la edad de los veinte años, fue recogido por Gian Giorgio Trissino, esta persona fue importante en la vida del arquitecto. .

Figura 99: Andrea Palladio Fuente: Historia National Geographic

Posteriormente, se sintió inspirado por Vitrubio y el ejemplo de Alberti y los escritores de tratados que le continuaron; por ello, Palladio escribió e ilustró su propio tratado de arquitectura, el cual fue nombrado: Los Cuatro libros de la Arquitectura (figura 100), no obstante, nos explayaremos mejor sobre ello mas adelante. Cabe resaltar que no fue su único libro. Situándonos en la vida como arquitecto de Palladio, se destaca el primer encargo importante que fue en 1546 que trataba sobre un edificio público, el Palazzo della Ragione, o ayuntamiento de Vicenza. De modo que, él tenía que construir un nuevo caparazón alrededor de una estructura más antigua. Dicho edificio, era una enorme sala de dos pisos en la que se reunía el consejo municipal. Se sabe que fue construido a mediados del siglo XV en la plaza principal del pueblo. La obra empezó entre 1546 y 1549, pero el proyecto no llegó a concluir hasta el año 1617, casi cuarenta años después de la muerte del arquitecto Palladio.(Trachtenberg M. y Hyman I.1990), p.390)

LOS CUATRO LIBROS DE LA ARQUITECTURA

Figura 100: Los Cuatro libros de la Arquitectura Fuente: Página web Akal

Al leer el libro de Palladio.A(2008), se puede señalar que los cuatro libros de la arquitectura, son un tratado de arquitectura, publicado en Venecia, en 1570 y que están divididos en cuatro partes o secciones llamadas "libros", además, esta ilustrado mediante una forma través de diseños, y todo tipo de elementos de arquitectura.

A continuación, se brindará información importante sobre las diferentes obras que fueron construidas por el celebre arquitecto Andrea Palladio.

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CAPÍTULO 3 LA BASÍLICA (1549) La basílica (figura 101) se encontraba entre las categorías mas importantes de la arquitectura romana, una forma que era precisa en cualquier centro cívico romano.

Como el templo, su historia encarna en el desarrollo general de la arquitectura romana y era probablemente la fuente más importante para el período subsiguiente del Cristianismo primitivo. La función de la basílica recordaba a la estoa griega, proveyendo un área protegida en la plaza principal del pueblo para que los ciudadanos llevaran a cabo sus asuntos diarios de negocios.

(Marvin (Trachtenberg M. & Hyman I.(1990), p.164) A continuación, se brindará información importante sobre la primera obra pública de Andrea Palladio que fue La basílica, la cual fue encargada por el Consejo de los Quinientos de Vicenza. Dicho proyecto, se basa en una estructura que rodea un edificio gótico predecesor diseñada con el fin de apuntalarlo y embellecerlo. No obstante, el proyecto que poseía un nuevo lenguaje clásico tenía que disimular los enormes pilares de las esquinas y unas crujías irregulares, y adaptarse a las medidas del edificio predecesor: la anchura, la altura de dos pisos y la planta trapezoidal (figura 102).

La decisión final que escogió Palladio fue con el objetivo de lograr el efecto de unidad en las fachadas, el cual se basó en un módulo repetido en ambos pisos que, gracias a la regularidad de sus elementos, consigue disimular la falta de simetría de la estructura interna. En este módulo, que hasta el día de hoy se conoce como arco o motivo palladiano, a pesar que fue inventado por Bramante y fuera popularizado por Serlio. También, la distinción del edificio, se observa en un poderoso juego de claroscuros, que evita que el público observe la falta de simetría. (Llorenç, B.(2002), p.13) Trachtenberg M. & Hyman I.(1990) señalaron: " El éxito de la basílica hizo que Palladio tuviera muchos encargos para palacios privados en Vicenza durante las décadas de 1540 y 1550. (p.391)

Figura 101: La Basílica , 1549 Fuente: Página web Arkikultura

Figura 102: Plano baja de La Basílica Fuente: Página web Arkikultura

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CAPÍTULO 3 PALACIO CHIERICATI (1550-1680)

Figura 103: Palacio Chiericati Fuente: Libro Andrea Palladio página 19

Figura 104: Plano y elevación arquitectónicos Palacio Chiericati Fuente: Libro Andrea Palladio página 19

Andrea Palladio fue el encargado para la construcción de esta estructura. Además, su objetivo era evitar el esquema romano, en el cual la morada se edifica alrededor de un patio interior, para continuar con el esquema vicentino del palacio abierto hacia la calle. Se sabe que, el palacio Chiericati se levanta ante una plaza y sus flancos están libres de otras edificaciones, lo que permite una visualización en perspectiva (figura 103). Por una parte, la división en tres cuerpos verticales contrarresta la posibilidad de la monotonía horizontal, y contrasta de una forma muy sencilla la simetría y el acceso principal, bajo el cuerpo central del segundo piso. No obstante, sobre la cornisa se alza un conjunto de estatuas, alineadas con las columnas, que prolongan la verticalidad del edificio y compensa su horizontalidad. s (Llorenç, B.(2002), p.19) A continuación, se brindará información precisa sobre el Palacio Chiericati, que fue construido en la década de 1550, estaba determinado por su solar. Previo a ello se pensó que en vez de dar a una típica calle estrecha de Vicenza, donde una fachada cerrada habría sido la norma, daba a un amplio parque contiguo a un río. Por ello, parece que la localización surgió a Palladio tanto una villa como una piazza: para la ribera del río diseño una columnata, un formato asociado con la apertura de una casa de campo al igual que con las logias que daban forma a las plazas públicas renacentistas. Por un lado, el orden dórico del piso inferior (figura 104) podría verse como los perípteros del Tempietto de Bramante, desenvueltos y extendidos a través del frente de este edificio. Por otro lado, en el piano nobile, el orden cambiaba al jónico; los paños centrales no eran abiertos, como abajo, sino que estaban cerrados con un muro; y la pared estaba atravesada por un entresuelo y un piso de ventanas enriquecidas con frontonos escultóricos. Por ello, Palladio acentuó el pabellón central proyectándolo hacia adelante y doblando los órdenes en las esquinas con un dibujo correspondiente en el orden de abajo.

(Trachtenberg M. & Hyman I.(1990), p.391)

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CAPÍTULO 3 PALACIO VALMARANA (1565) El palacio Valmarana, es una estructura del siglo XVI relacionada con el arquitecto Andrea Palladio.

Además, fue originalmente construida en los años 1565. Por ende, se sabe que un proyecto (figura 105) empieza de forma teórica, ya que llega a ser un núcleo indispensable de toda reflexión. A continuación, se brindará información precisa sobre el palacio Valmarana. En primer lugar, tomó como referente al palacio Porto, el cuál posee un patio que separa dos logias profundas que distribuyen dos cuerpos de habitaciones enfrentados, una vez más, a la manera griega de Vitruvio. En segundo lugar, la fachada es la que responde a todas las expectativas. Situada en un ligero recodo de una calle no muy ancha, es un objeto triunfal que, al mismo tiempo, desborda su exigua parcela y se pliega aun soberbio ejercicio de integración urbana. Además, la fachada es la reducción plana de un organismo tridimensional: el exterior se une con el interior hasta el cumplimiento del pasaje que desemboca en la logia y en el patio (Catex J.(1994), p.179).

Finalmente, se menciona que la heterodoxia transmite igualmente al empleo de los órdenes. Es ahora cuando aparece, y además de la mano con Miguel Angel, el uso del llamado orden gigante ( es decir, ocupando toda la altura de la fachada, exceptuando un pequeño ático) . El celebre Palladio es quién empleará este método de forma abundante en gran parte de sus obras. No obstante, el palacio Valmarana de Vicenza puede considerarse el ejemplo más claro, así como las fachadas de las iglesias de San Giorgio y del Redentore. (Nieto V. y Checa F.(1980), p.261) Se debe resaltar que el próximo tema sería sobre "las villas más grandiosas del siglo XVI que no se encontraban en Roma, sino en el Veneto; eran obra de Palladio. Aunque su maestría de la arquitectura hizo que le encargaran muchos tipos diferentes de edificios, sus villas eran las estructuras más relevantes en toda la historia de la arquitectura" (Trachtenberg M. & Hyman I. (1990), p.391)

Figura 105: Plano y elevación del Palacio Valmarana Fuente: Página web Architectural Orders

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CAPÍTULO 3 VILLA ALMERICO CAPRA, VICENZA (1567-1570)

Figura 106: Villa Almerico Capra Fuente: Página web Apuntes.santanderlasalle

Figura 107: Plano de villa Almerico Capra Fuente: Página web Architectural Orders

La Villa Almerico Capra (figura 106), más conocida como la Rotonda, es la villa más prestigiosa de Palladio que fue construida en Vicenza para Paolo Almerico. Por un lado, existe otro edificio famoso de la arquitectura italiana que tiene el mismo nombre, el cual se llama el Panteón de Roma, que Palladio había estudiado y del que proporcionó dibujos detallados en su tratado. Por otro lado, el apodo de la villa no es muy actual, ya que la semejanza entre la villa y su homónima romana se reconoció casi de inmediato. La principal característica del edificio es la cúpula ya que se distingue de cualquier otra villa palladiana, y su representación fue un gesto valeroso por parte del arquitecto, ya que hasta ese momento la cúpula sólo se asociaba a la arquitectura religiosa. También, se conoce que la cúpula, sólo era visible cuando se acercaban a la villa.

A dentro, se observa los pasillos en los ejes cardinales conectan el salón con las logias de cada uno de los lados de la villa. También, los pasillos se abren directamente a las habitaciones rectangulares más pequeñas y más grandes. A las plantas (figura 107) superiores e inferiores se accede por escaleras interiores ocultas en las esquinas del cuadrado que rodea el salón cilíndrico. Se conoce que el dueño de la villa era un respetado caballero vicentino y un dignatario de la iglesia, se le conocía como Paolo Almerico.

Después, de jubilarse recurrió a Palladio para construir una residencia suburbana a las afueras de la ciudad. Como Almerico tenía la intención de utilizar la casa para el placer y no para la agricultura. Palladio dudó en considerarla una villa y la incluyó en la sección de su tratado dedicada a las casas urbanas. Sin embargo, la Rotonda ha llegado a simbolizar la quintaesencia de la vida en una villa. Finalmente, el edificio fue proyectado en 1566 y, aunque ya era habitable tres años más tarde, todavía estaba incompleto, cuando sucedió el deceso de Almerico en 1589. En 1591 fue adquirida por los hermanos Odorico y Marco Capra, quienes confiaron su terminación a su invidioso sucesor.(Williams.K & Giaconi.G(2003), p.128) PAG 55

CAPÍTULO 3

VILLA MALCONTENTA (1550-1560) La fama que obtuve Andrea Palladio fue diseñando la mayor parte de sus edificios, pero no fue en Venecia, ya que el comercio estaba en declive en el siglo XV, sino que lo logró en la península agrícola, en Vicenza. En primer lugar, las villas que Palladio diseñaba eran para las grandes familias campesinas venecianas, además, eran muy diferentes de las de los papas en Roma o de los Médicis en Florencia, que estaban diseñadas para la grandeza urbana y la privacidad. Cabe resaltar que las villas de Palladio eran granjas de trabajo que debían ser a la vez funcionales y dignas para la llegada de los órdenes de la antigüedad. Esto convirtió a Palladio en un pro modernista, ya que creó edificios de uso frecuente. No obstante, es importante mencionar las numerosas villas que diseñó, las más destacadas son Villa Barbaro (1549), Villa Foscari (La Malcontenta,1560) y Villa Emo (1599). Cabe resaltar que todas, excepto Villa Barbaro, tienen espléndidas fachadas elevadas con forma de templo que dan acceso al gran salón.

Además, sus distribuciones (figura 109) son siempre simétricas y sencillas, y las habitaciones se rigen por proporciones simples. También, las ventanas y las puertas internas se alinean a menudo, lo que agrega aún más cohesión a los interiores. Finalmente, la Villa Malcontenta (figura 108) se convirtió en un modelo grandioso para lugares, villas y casas en toda Europa y América. Algo que destaco es la planificación interior que se basó en una gran sala cruciforme que se extiende de adelante hacia atrás.

Además, el espectacular frente del templo, ya que es tridimensional y posee una visualización al río Brenta. Estar tan íntimamente junto con este suave río imparte una atmósfera especial prácticamente a la villa.(Francis D. K. Ching, Mark M(2010). p.539)

Figura 108: Plaza mayor de Salamanca Fuente: Página web Wikipedia

Figura 109: Ornamentación Plateresca Fuente: Página web Architectural Orders

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CAPÍTULO 3 VILLA BARBARO EN MASER (1560-1570) La villa Barbaro en Maser representa un estadio superior en las ideas ilustres de Palladio sobre las elegantes residencias de campo. Además, posee similitud a las características principales de la típica granja de la región que incorporó el palomar y la barchessa, el primero situado en un refinado pabellón en los dos extremos de la composición, y el segundo transformado en serenas arquerías flanqueando el bloque central.

(Ackerman, J.(1992), p.115) A continuación, se brindará información importante sobre la Villa Barbaro en Maser.

Figura 110: Palacio Chiericati Fuente: Página web Wikipedia

Figura 111: Plano y elevación arquitectónicos Palacio Chiericati Fuente: Página web Architectural Orders

Debido a la amistad que existió entre el pintor Paolo y el celebre arquitecto Palladio, se realizó una colaboración profesional que contribuyó de manera eficaz en la figura de Daniele Barbaro, quien fue un humanista, eclesiástico, astrónomo y diletante de arquitectura, cuya publicación de su libro llamado los Diez Libros de Vitrubio (1556) incluía las xilografías de Palladio. Por suerte, para la Historia del Arte, la sinergia de intereses de estos tres womini universali confluye en la villa palladiana, que fue mandada a construir en la década de los 50 en Maser por los hermanos Barbano, Daniele y Marcantonio.

La villa de Maser (figura 110), situada a no lejos de Treviso, se encuentra cerca a una montaña y su espacio interior (figura 111) está organizado mediante una serie de transiciones y secuencias escenografías. Se puede señalar que en medio de una trama arquitectónica formada por columnas estriadas, entablamentos, cornisas y frontones, el pintor elimina ilusoriamente los muros, como si se tratara de una vivienda de un patricio romano, imagina espacios abiertos que conducen la mirada hacia lejanos paisajes, abriendo a su vez los techos a un cielo luminoso.

(Arnau.J(2008), p.151) A continuación, nos despedimos de las villas para entrar a las iglesias que fueron realizadas, también por Palladio.

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CAPÍTULO 3 IGLESIAS EN VENECIA Andrea Palladio construye edificios que son prácticos y de un esplendor indiscutible, basada muchas veces en la sencillez de sus elementos y en cierta elemento de moderación. Pero donde más se manifiesta estas características es en su etapa en Venecia y en sus proyectos religiosos: San Jorge Mayor y el Redentor.

(Llorenç, B.(2002), p.19).

SAN JORGE MAYOR (1566-1610) La iglesia de San Jorge Mayor (figura 112), fue construida en el año 1556, cade resaltar que debido a su construcción, Palladio pudo solucionar por fin el problema que había atormentado a los arquitectos de basílicas desde los días de Constantino. Además , Palladio concibió la noción de dos pórticos de templo corintio entrelazados, uno alto y fino con columnas encajadas y el otro bajo y ancho con pilastras. En fin, su solución funcionó tan apropiado que se hizo famoso, debido a ello, jamás pudo ser intentada de nuevo sin una carga de plagio. Visualmente, las relaciones entre las dos fachadas ensambladas son una fuente de placer inagotable a causa de la alternancia de los bajo y alto relieves y de las formas planas o redondeadas. También, el interior es un simple piso enorme de columnas corintias encajadas, emparejadas en el cruce con pilastras. Por ende, las pilastras corintias emparejadas en profundidad sostienen la nave de arquería.

(Hartt.F(1989), p.724)

Figura 112: Iglesia San Jorge Mayor Fuente: Página web Arkikultura

EL REDENTORE (1577-1592) Para librar a la ciudad de la devastadora gran peste de 1575-1576, se construyó la iglesia de Redentore (figura 113), debido a que existía una promesa, ya realizada. No obstante, se puede observar las muchas similitudes con la del Gesú: la elevación del altar sobre un podio, la separación del coro del altar, la ausencia casi total de ornamentos "no arquitectónicos" y la inmaculada blancura de su interior. La combinación de los órdenes gigante y menor, utilizado en las capillas laterales, crea una clara jerarquía e interdependencia entre todos los elementos arquitectónicos. Sin embargo, las pilastras y columnas no tengan función estructural, parecen más sustanciales que en las iglesias de Brunelleschi.

(Ching.F, Jarzombek.M; Prakash.V(2011), p.76)

Figura 113: Iglesia El Redentor Fuente: Página web Arte Historia

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CAPÍTULO 3 EL TEATRO OLÍMPICO DE VICENZA (1580-185)

Figura 114: Teatro Olímpico de Vicenza Fuente: Página web Arte Historia

Figura 115: Planta del Teatro Olímpico de Vicenza Fuente: Página web Arkikultura

El primer teatro independiente y techado de Vicenza, al norte de Italia, fue construido por Andrea Palladio, no obstante, lo nombro como El teatro Olímpico (figura 114). A continuación, se mencionará información importante sobre el edificio. En primer lugar, su exterior no revela la ocupación del edificio. Además, el escenario interior se oculta tras los muros de ladrillo poco visibles de una construcción indefinida. Incluso su entrada original se encontraba inadvertida en uno de los flancos de la edificación, antes de que , a fines del siglo XVI, se le incorporara un pórtico más importante y de dos salas representativas. (Beyer. A(1997), p.5) En segundo lugar, el remate de los dos pisos articulados por columnas y edículos está construido por una tercera zona de paneles, en que todos los casos, por las estatuas apoyadas sobre la unión de los arquitrabes, con relieves que representan escenas de la vida y los trabajos de Hércules. Además, los dos pisos inferiores son divididos por una gran puerta de remate semicircular, a ambos lados de la cual se abren puertas mas pequeñas, rematadas, en línea recta, por el arquitrabe de la zona inferior.

De esta forma, la triple articulación horizontal de la pared armoniza con la triple división de la planta (figura 115). En síntesis, el Teatro Olímpico de Palladio es valioso y decoro, un programa sabio y un acto enfático, pero no un escenario practicable. Si bien, en este aspecto no se le puede considerar como incunable de la actividad escénica moderna ni como pináculo de la arquitectura teatral del Renacimiento.

Cabe recalcar que su importancia recae en otra cosa. La sala, que ha sido mantenida en su peculiar gradería para el público y con sus visitas. Adicionalmente, era un monumental escenario que era para la Academia Olímpica de Vicenza. Por lo que, Andrea Palladio, que era miembro de esta y por compromiso de ella; decidió forjar un proyecto que, con cambios decisivos, culminó en el Teatro Olímpico.

(Beyer. A(1997), pp.8-9).

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CAPÍTULO 3 ARQUITECTURA PLATERESCA: RENACIMIENTO EN ESPAÑA (SIGLO XVI) La Arquitectura Plateresca en España se desarrolló de dos maneras diferentes a la influencia italiana.

La Arquitectura del Renacimiento español se estructura en tres fases: Estilo Plateresco, Estilo Purista o Clasista y Estilo Herreriano.

En esta primera parte se dará a conocer el Renacimiento del Estilo Plateresco. Este estilo se va desarrollando en el siglo XVI. Por un lado, se enfocaban en la ornamentación donde se reflejaban los detalles clásicos, lo utilizaban de manera decorativa en las superficies. Este estilo de la primera época del Renacimiento en España tiene una combinación de decorativos mudéjares y la elegancia en las formas del gótico florido que en ese tiempo se le denomino estilo plateresco (figura 116). (Roth, M. (1999), p.381).

La característica principal del Estilo Plateresco son sus decoraciones (figura 117) ya que combina elementos de influencia italiana con otros hispanos, entre ellos, los medallones, los escudos, balaustradas y figuras humanas, animales o vegetales entrelazadas que se denominan grutesco, están relacionadas con la habilidad y cubren las superficies de los edificios hasta desdibujar sus originarias líneas.

El "plateresco", se compara con la decoración de la tarea propia de los plateros y orfebres.

Figura 116: Plaza mayor de Salamanca Fuente: Analizando el espacio

Figura 117: Ornamentación Plateresca Fuente: Casa Consistorial en España

Las obras arquitectónicas en el Estilo Plateresco más resaltantes es la Universidad de Salamanca (1514-1529) con aspecto gótico y detalles clásicos, luego la nueva catedral de Granada por Diego de Siloé(1528-1563). (Roth, M. (1999), p.381)

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CAPÍTULO 3

FACHADA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA SIGLO XV La fachada de la Universidad de Salamanca (figura 118) en el siglo XV se desconoce su autor, esta fachada tiene aspectos en su marco el estilo gótico y clásico, elementos individuales como las columnitas, las figuras de masillas, las formas de los candelabros y otro detalles.

También tiene una rítmica ornamentación que refleja la influencia decorativa. (Roth, M. (1999), p.382)

Figura 118: Fachada de la Universidad de Salamanca Fuente: Soyrural.es

Figura 119: Fachada Hipótesis de Santiago Sebastián y de Sánchez Reyes Fuente: La fachada de la Universidad de Salamanca de Juan Lorente.

Lo primero que se empleó en la estructura fueron las bóvedas de crucería y tuvieron motivos decorativos que en ellos representaron medallones, animales fantásticos, veneras, grutesco, entre otras.

El relieve que utilizaron en esta decoración, aumento su volumen y su claro-oscuro a medida que se encontrará en mayor altura.

Además, tiene dos arcos que eran divididos por un parteluz y que enlaza con tres niveles los cuales se delimitan por dos gruesos estribos en los extremos y por los estrechos frisos horizontales.

La universidad de Salamanca era una casa en la que podía acceder de dos maneras, por la puerta de la derecha que significa virtud y por la izquierda, el vicio. (Torremocha , M. (2020), p.3)

La fachada (figura 119) se divide en tres niveles, la superior es una zona para el medallón de los Reyes Católicos que abarca a los reyes, emperadores y papa. En el segundo nivel los escudos de Carlos V , el águila imperial y la real hispana y en la tercera la identificación del papa como Martin V. ( Lorente, J. (1985), p.80)

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CAPÍTULO 3

IGLESIA DE SAN JUAN DE LOS REYES EN TOLEDO(1477-1504) La Iglesia de San Juan de los reyes en Toledo (figura 120) construido por los reyes católicos durante 1477 a 1504 con un estilo isabelino.

El lugar elegido fue España ya que era un antiguo centro político y espiritual de la monarquía.

Este modelo de iglesia fue un arte isabelino que une la tendencia arquitectónica ecléctica y gótica decorativa de centroeuropeo, el flamígero o gótico florido y de mudéjar.

(García , J. & Urquízar, A. (2012), p.26)

Figura 120: Iglesia de San Juan de los reyes en Toledo Fuente: El Mundo

Fue una de las joyas de la arquitectura española medieval que es sin duda, el convento franciscano de San Juan de los Reyes de Toledo. Nace su interés intrínseco y uno de los pocos conventos franciscanos observantes de esa época de la Edad Media.

La iglesia de San Juan de los reyes de Toledo se piensa que inicialmente fue concebida como panteón para los Reyes Católicos.

El arquitecto Juan Guas (c.1477) se imagino esta obra fuera de toda ponderación.

Su iglesia esta compuesta por una sola nave cubierta con una bóveda de crucería gótica.

Con cuatro capillas laterales entre los contrafuertes y un transepto, cuenta con un crucero luminoso. (Figura 121) Sufrió algunos daños en la presencia de las tropas napoleónicas que destruyeron uno de sus claustros. Navascués, P. (2002)

Figura 121: Planta de la Iglesia de San Juan de los reyes en Toledo Fuente: Tu seguro de viaje

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CAPÍTULO 3 PERIODO ITALIANIZANTE

Figura 122: Palacio de Carlos V en Granada Fuente: Wikipedia

El período Italianizante esta relacionado con la arquitectura argentina durante la época XIX hasta la década de 1880. Las características más importantes que tiene este período es su equilibrio y simplicidad . Sus elementos estaban relacionados con el Renacimiento Italiano, estos contaban con grandes patios en su interior, con viviendas distribuidas. Intervinieron arquitectos anónimos , la mayoría pertenecía de origen italiano y aplican el estilo de la arquitectura clásica y llevaron una escala de mayor monumentalidad. Entre los arquitectos con formación italiana destacan Nicolás y José Canale, Juan Buschiazzo y Francisco Tamburini. (Petrina , A. & Martínez, S. (2010), p.104)

PALACIO DE CARLOS V EN GRANADA (1527) El lugar elegido fue España ya que era un antiguo centro político y espiritual de la monarquía. Su construcción empieza en 1527 y sus trazos fueron hechas por Pedro Machuca, era un hidalgo toledano el cual era un aprendiz de Italia y tenia conocimiento de ello, por ello, el tipo de arquitectura que aplicó fue romana. El palacio se situó sobre las antiguas caballerizas del palacio nazarí. (Figura 122) La planta del palacio de Carlos V en Granada cuenta con una planta cuadrada, en el centro se desarrolla el patio porticado circular donde se entrelazaban las necesidades del emperador como la capilla de las ceremonias religiosas, el patio porticado para los festejos palatinos y los aposentos.

(Figura 123)

Figura 123: Planta del Palacio de Carlos V en Granada Fuente: Arte Magistral

El patio interior del palacio es muy importante debido a la arquitectura renacentista contando con dos plantas, pórticos adintelados y superpuestos en el inferior, dórico y jónico. En la fachada de esta obra se revela que tiene que ver con la sensibilidad , además presenta un aspecto duro por su recio almohadillado. Se destaca su aspecto decorativo en las portadas. (Ávila , A. (1998), p.127 - 128)

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CAPÍTULO 3 PERIODO HERRERIANO SIGLO XVI: MONASTERIO DE SAN LORENZO DE EL ESCORIAL En España durante el siglo XVI en los tiempos de Felipe II, aparece un nuevo estilo denominado "El herreriano".

Empieza desde la obra arquitectónica el Real Monasterio de San Lorenzo de el Escorial de Juan Bautista Toledo y luego a cargo de Juan de Herrera. Este estilo tiene como característica la desnudez decorativa y rigor geométrico, relacionaban las matemáticas entre sus elementos, en sus volúmenes y aristas. Este tipo de estética y técnica en su construcción fue de gran influencia para aparecer el estilo del barroco español. (Torremocha , M. (2020), p.7-8) Durante el siglo XVI surge el clasismo y siguiendo las tendencias y con motivos platerescos con composiciones clásicas. Una de las creaciones más resaltantes por su monumentalidad es el Real Monasterio de San Lorenzo de el Escorial (Figura 124) de Juan de Herrera con un estilo herreriano que fue fundado por Felipe II para el monasterio, palacio real y enterramiento de sus padres y sus descendientes. Desde un primer momento pidió al arquitecto Juan Bautista de Toledo se hiciera cargo del proyecto y las obras comenzaron el 23 de abril de 1563.

Lo primero que se construyó fue la fachada del mediodía y el palacio real para que empiecen habitar el monarca con sus aposentos y los frailes jerónimos en el convento. Cuando falleció Toledo dejando la obra pendiente, pero dejando el esquema de la planta definida, luego asume el cargo de la obra Juan de Herrera hasta su finalización. Herrera estructuró las fachadas que están en los volúmenes interiores. Herrera resolvió el funcionamiento arquitectónico de cada uno de los componentes de esa manera adaptándolo a la planta de Toledo. La fachada principal es una de las más sobresalientes que trazó Herrera y la puerta con una majestuosa portada, pero careciendo de ornamentación. (Figura 125) (Ávila , A. (1998), p.132).

Figura 124: Real Monasterio de San Lorenzo de el Escorial Fuente: La cámara del arte

Figura 125: Planta del Real Monasterio de San Lorenzo de el Escorial Fuente: La cámara del arte

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CAPÍTULO 3

CATEDRAL DE VALLADOLID (1528) La catedral de Valladolid ubicada en España y fue diseñada por Juan de Herrera durante el siglo XVI (1528). Contaba con un estilo tradicional de las catedrales españolas también se añadió el estilo del barroco, sólo se construyó un tercio, es decir, solo las tres naves desde los pies hasta el crucero y una serie de capillas del lado del Evangelio.

Herrera deja de lado toda ostentación decorativa, pero no monumental. En las siguientes dos décadas se realizo la fachada principal y el lado de la Epístola. En 1960, se modificó el lado de la Epístola y fachada inferior del crucero. Como en la actual Catedral de Valladolid (Figura 126).

(Sáiz , J. & Sanchez, J. (2013), p.2)

Juan de Herrera dejó a cargo la obra a Diego de Praves y Alonso de Tolosa.

Figura 126: Catedral de Valladolid Fuente: Catedral de Valladolid

Los expertos hacen referencia a la Catedral como clasicista ya que está inspirada en líneas clásicas de la arquitectura romana fueron rescatadas por la arquitectura renacentista ya que repetía las mismas cornisas, pilastras y capiteles. En esta catedral predomina más la horizontalidad que la verticalidad.

Dentro de la iglesia solo se llego a construir ochos capillas, contando con naves laterales abiertas y dedicadas a distintos santos (Figura 127). ("Ficha Catedral de Valladolid", 2018, p.2-3) Herrera mantuvo los ejes y dimensiones del proyecto. La planta es una nave central la cual esta separada de laterales por cuadrados, capillas entre los contrafuertes y cuatro torres en cada esquina. También proyecto un claustro cuadrado de una planta con arquerías de medio punto. (Ávila , A. (1998), p.132)

Figura 127: Planta Catedral de Valladolid Fuente: Frame.es

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CAPÍTULO 3

RENACIMIENTO EN HOLANDA SIGLO XIX Durante el siglo XIX y a finales surgieron varios arquitectos que se inspiraron en la creación de un nuevo estilo, es decir, empezó a desarrollarse la arquitectura del Renacimiento holandés. Se caracterizó por el neogótico y también surgió uno de los más destacados arquitectos en Holanda Cuypers, que realizó varias iglesias católicas, edificios, la Estación central y el Museo del Estado en Amsterdam.

En las concepciones de Cuypers habia un estilo antiguo holandés además combinaba estilos góticos y del Renacimiento nacional.

Berlag, otro arquitecto creo un estilo y un arte propio, libre de influencia históricas y caracterizados por sus construcciones y materiales (Figura 128). Lograba renovar ideas arquitectónicas y fue parte de la arquitectura holandesa moderna. Por ello, fue de gran influencia para su propio país y para el extranjero.

Sus obras fueron interrumpidas por dos guerras. Se caracterizó por Divergente y a pesar de ello, sus edificios fueron tendencia. Otros Arquitectos como Le Corbusier, Frank Lloyd Wright , Walter Gropius , entre otros, fueron de gran ejemplo para Holanda ya que era de interés sus dibujos y obras. Otro arquitecto que destaca en esta época es Dudok con la influencia de las obras de Lloyd.

Fuente Información: Periódico INFHO (1949)

Figura 128: El Palacio de la Haya Fuente: INFHO

RENACIMIENTO EN FRANCIA (1515-1547) El Renacimiento en Francia comenzó en 1515 a 1547 se dividió en cuatro partes. Uno de los primeros corresponde al estilo de Luis XII (1495-1530) donde se relaciona con el gótico y el renacimiento. Este primero aparece durante 1515, en el Valle de Loira donde el renacimiento italiano se sintió con rapidez.

En cada etapa de su desarrollo del renacimiento en Francia es un arte original, pero con el encuentro de los modelos italiano, artistas flamencos y peculiaridades de Francia. Sin Embargo, empezó a cambiar durante el Quattrocento, en el Alto Renacimiento y después de la época del Manierismo.

Bajo la voluntad del rey Francisco I surgió un importante centro artístico y que llegó a competir con otro grandes centros italianos. Surgen las artes decorativas, el arco ojival y del naturalismo gótico (Figura 129) . (Flores , E. & García, T. (2018), p.5-6)

Figura 129: Chateau de Chambord Fuente: Wikiwand

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CAPÍTULO 4-5 TRATADOS Y TRATADISTAS DE ARQUITECTURA EN ITALIA DURANTE EL RENACIMIENTO VITRUVIO: LOS DIEZ LIBROS DE LA ARQUITECTURA (1414) En este cuarto capítulo se explicará algunos tratadistas que se iniciaron en Italia. Primero, se dará a conocer sobre Virtruvio, quien fue un arquitecto, escritor, ingeniero y tratadista romano del siglo I ad.C. (Figura 130) El primer tratado es De Arquitectura, el cual es el más antiguo que se conserva y el único de la Antigüedad clásica. Este está dividido en diez libros y fue escrito entre los años 23 y 27 d.C. (Figura 131).

La primera descripción escrita en los órdenes de arquitectura, se encuentra en De Architectura, concretamente en sus libros tercero y cuarto, donde describe tres órdenes (dórico. jónico y corintio) y aporta alguna información sobre el toscano. Se convirtió en una fuente de inspiración para las formulaciones teóricas modernas desde el siglo XV al XVIII. C (Alegre, E. & Gómez, C. (2016)p.54).

Figura 130: Marco Vitruvio, 80a.C-15d.C Fuente: Academia Vitruvio Fanum

Figura 131: Portada de "Los Diez Libros de la Arquitectura" Fuente: Libros de arquitectura

Esta obra, la cual está inspirada en teóricos helenísticos, principalmente trata sobre los aspectos que se deben tomar en consideración para construir como el lugar adecuado, los materiales, las técnicas decorativas, los tipos de edificios y órdenes; pero también se debe considerar otros aspectos sobre hidráulica, mecánica, máquinas elevadoras de agua y de tracción, artefactos bélicos, etc. Asimismo, esta obra tiene consideraciones astronómicas, matemáticas y anécdotas y citas de otros autores precedentes. (Biblioteca Nacional de España, p. 1)

Por último, es importante señalar que, el libro “De Architectura” en 1414, de Vitruvio, tuvo un gran interés dentro del mundo de la arquitectura y del humanismo. Esta obra fue el principio de toda una serie de tratados que iniciaron durante el Renacimiento. Esto significa que, fue el principio de los principales tratadistas del Renacimiento como Alberti, Serlio, Vignola y Palladio, quienes tuvieron en cuenta estos tratados por ser el único texto conservado que poseía todo el saber arquitectónico de la Antigüedad, y que fue un modelo de inspiración para el Renacimiento.

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CAPÍTULO 4-5 TRATADOS Y TRATADISTAS EN ITALIA ALBERTI: DE RE AEDIFICATORIA (1452) Alberti, fue un arquitecto, pintor, literato y filosófo, quien nació en Génova en 1404. (Figura 132). Fue el autor del tratado De Re Aedificatoria, el cual fue presentado al papa V en 1452 y editado por primera vez en 1485. (Figura 133) Primero, se debe empezar mencionando que el tratado de Alberti se planteó como una crítica hacia el de Vitruvio. A diferencia que el tratado de Vitruvio, el texto de Alberti es más teórico, en el cual la preocupación del autor no se basa en ofrecer la tradición clásica y sus principios sino que manifiesta los principios universales de la Arquitectura, que serán establecidos en el clasicismo a través de la investigación y la subjetividad de Alberti. (Rivera, J. (2007), p. 27-28).

Alberti, divide su tratado en 10 libros así como el de Vitruvio, de esta manera se identifican los fundamentos de la arquitectura con los del tratadista, como utilistas, firmitas y venustas, además emplea el estilo directo para poder narrar.

También, se preocupa por el edificio como parte integral del paisaje y también tiene una inclinación hacia el urbanismo. (Lobato, J. (1992)p.73)

Figura 132: Retrato de Alberti, 1414-1472 Fuente: Libro De Re Aedificatoria, p.9

A continuación se explicará acerca de la composición de este libro. Los primero cinco libros del tratado de Alberti se dedican al trazado, los materiales de construcción, la mano de obra y también sobre la construcción de edificios públicos y privados, tanto religiosos como civiles. Luego de esto, comienzan los libros dirigidos a la ornamentación que se encuentra desde el sexto libro hacia el noveno. Finalmente, el último libro está dedicado al mantenimiento de los edificios. (Losana, C.(2007), p.58).

Después de investigar a diversos autores, se puede concretar que, algunos de los elementos que condicionaron su difusión se debió a que los temas eran más teóricos y especulativos, y también porque existía una falta de dibujos y grabados que podían aclarar el texto.

Figura 133: Portada del Libro Re Aedificatoria , 1452 Fuente: Libro de Re Aedificatoria PAG 68

CAPÍTULO 4-5 SERLIO (1475-1555) Sebastián Serlio nació en Bolonia. Fue el autor del primer manual ilustrado de arquitectura destinado tanto a arquitectos como al público en general.

(Figura 134).

Antes de conocer los tratados de Serlio, se debe conocer que se formó con pintores boloñeses, donde pudo aprender a pintar fondos arquitectónicos en perspectivas. Esto le sirvió para la preparación de sus tratados. Asimismo, tuvo conocimiento de la evolución coetánea de la arquitectura romana.

(Rowe, C. & Satkowski L .p.157) Se debe resaltar que al igual de Vitruvio, Serlio realizó un compilado de ocho libros de arquitectura que se publicaron de forma escalonada en Francia y Venecia entre los años 1537-1575, en los cuales por primera vez se representan los órdenes de la arquitectura, esto tuvo gran influencia en arquitectos europeos. ( Summerson, J. (2017), p.13).

Figura 134: Sebastiano Serlio, 1475-1555 Fuente: Biblioteca Totalarch

Figura 135: Portada de su Cuarto Libro de Arquitectura Fuente: Articulo Semantic

La obra de Serlio está ejecutada de una manera sencilla de entender, cuya finalidad era brindar normas precisas para la arquitectura, de este modo se renuncia a las suposiciones que generaban los anteriores tratados tanto de Alberti y de Vitruvio. Uno de sus principales libros fue el IV en 1537 (Figura 135), en el que específicamente se abordó a los cinco órdenes de arquitectura.

Con su obra , este llevó a cabo la primera sistematización teórica de los órdenes arquitectónicos. Lo que pretendía era codificar sus proporciones, y presentarlos como un conjunto de normas ideales.

Asimismo, Serlio propuso la mezcla de el almohadillo rústico con los órdenes clásicos debido a la experiencia arquitectónica de Roma, y esto se puede observar en los ejemplos que incluyó en su tratado.

Finalmente, Serlio no solo simbolizó los órdenes en sus libros de arquitectura, sino que también puso en práctica esto en edificios reales, y de esta manera se estableció diversos catálogos de obras que ayudaron a los arquitectos del siglo XVI. (Alegre, E. & Gómez, C. (2016)p.64-67) PAG 69

CAPÍTULO 4-5

TRATADOS Y TRATADISTAS EN ITALIA PALLADIO: LOS CUATRO LIBROS DE LA ARQUITECTURA (1570) De la misma manera, en el anterior capítulo se explicó sobre la vida y obra de Andrea Palladio, quien nació en Padúa en 1508 (Figura 136), pero en este capítulo se centrará más en explicar sobre su tratado, el cual es Los Cuatro Libros de la Arquitectura que se publicó en Venecia en el año 1570. (Figura 137).

Palladio a través de su tratado quiso contribuir en el progreso de la arquitectura como ciencia y a su vez reflexionar en el pensamiento de las enseñanzas de Vitruvio. Lo significativo y diferente de este tratado fue que le brindó mayor importancia a la vida individual en medio de la vida urbana, a la experiencia personal en el aspecto cotidiano y consideró principal a la casa por sobre los edificios públicos.

Asimismo, la forma de cómo está estructurado y de cómo inicia su libro, está manifestada en su formación. Por lo que, muestra el acoplamiento clásico en cada uno de sus temas y también el interés que le otorga a la historia para la desarrollo de la arquitectura. (García, B. (2002-2003),p88).

Figura 136: Andrea Palladio, 1508-1580 Fuente: Revista National Geographic

Se puede exponer que la obra de Palladio, es un manual de la antigüedad clásica, la cual tuvo una gran notoriedad por su enorme pragmatismo. A través de su obra demuestra los principios de los clasistas con ejemplos y también mostrando sus propias obras.

En efecto, el objetivo del libro se basa en presentar una colección de diseños de obras de la Antigüedad y también del propio arquitecto. Esto último quiere decir que el tratadista hace uso de sus dibujos, en el que utiliza una técnica más limpia, y con esto permite facilitar la lectura.También para la realización se sus dibujos emplea mayormente la proyección ortogonal.

(Rivera, J. (2008)p.23-25.

Al investigar a diferentes autores, se puede concluir que la presencia de Palladio fue igual de importante que los demás tratadistas, esto se puede ver manifiesto en la gran difusión que tuvo tanto en Europa y en América.

Figura 137: Los cuatro libros de la arquitectura Fuente: Revista National Geographic

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CAPÍTULO 4-5 EL BARROCO EN ITALIA SIGLO XVI Primero, se explicará sobre el contexto histórico que surgió en este periodo y dio inicio al estilo Barroco.

La arquitectura barroca surge en Roma, Italia a finales del siglo XVI, estuvo dinamizado por la jerarquía católica que tuvo en el arte una arma propagandista para frenar la Reforma protestante, debido a que el Concilio de Trento se pudo reafirmar los principios tradicionales de la iglesia católica, asimismo se reforzó la autoridad del Papa. De esta manera, se dio por sentado las bases de restauración del catolicismo.

(Valdearcos, E.(2008), p. 3-4). (Figura 138).

Por esto es importante resaltar que el arte barroco jugó un papel importante en los conflictos religiosos de ese periodo.

Figura 138: Concilio de Trento Fuente: Libro sobre la Contrareforma

La arquitectura barroca en Italia conserva los esquemas clásicos y la iconografía religiosa por que lo que ahora los Papas vienen a ser los mecenas del arte.

Asimismo, se destaca tres momentos en la evolución de la arquitectura, el cual el primer momento, es llamado primer Barroco y se origina de 1580 a 1624; luego se encuentra el periodo de apogeo del Barroco de 1624 a 1670; y finalmente de 1670 a 1750 el Barroco tardío.

Por otro lado, se puede resaltar que los antecedentes de la arquitectura Barroca se encuentran en Doménico Fontana, Vignola, Giacomo della Porta y Carlo Maderna.

Esto se puede observar principalmente en la Iglesia del Gesú, en la cual se considera como punto inicial de la arquitectura Barroca. Pero, la gran obra es la iglesia de San Pedro que culmina Carlo Moderna la fachada; y posteriormente se completa con la plaza del Vaticano y el baldaquino de San Pedro de Gian Lorenzo Bernini (Figura 139), quien fue un artista cumbre de este estilo. (Wackernagel, M. (2014), p.19-20).

Figura 139: Baldaquino de San Pedro, Fuente: Arte e Historia

A continuación, se explicarán a los principales influyentes y creadores del estilo Barroco, en donde logra su apogeo, que son Bernini y Borromini.

Asimismo, se explicarán algunas de sus obras más representativas.

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CAPÍTULO 4-5 GIAN LORENZO BERNINI (1589-1680) Uno de los arquitectos más famosos de Italia fue Gian Bernini (figura 140), quien fue un gran maestro del Barroco. Además, fue educado en el espíritu jesuítico, alcanza profundamente el sentido contrarreformista y refleja admirablemente las pretensiones del poder de la iglesia. En el sentido personal, Bernini considera que Roma era la metrópoli más importante, políticamente hablando, de Europa, no obstante, subraya su aspecto totalmente distinto, de monumentos antiguos, renacentistas y sobre todo de Miguel Ángel. Cabe resaltar que entre sus obras arquitectónicas destacamos San Andrés del Quirinal, cuyo interior elíptico sorprende a todos, ya que el eje menor de la elipse corresponde a la orientación puerta - altar mayor, quedando así una elipse extendida en el sentido de la anchura de la iglesia. (Wackernagel, M. (2014), p.73).

Figura 140: retrato de Gian Lorenzo Bernini Fuente: Asociación para el desarrollo profesional

Se mencionará información específica de la vida de Gian Bernini.

En primer lugar, el día 7 de diciembre de 1598, la familia Bernini se encontraba celebrando, debido al nacimiento del primer varón de la familia, al cual le pusieron como nombre Gian Lorenzo. Fue una etapa alegre en la morada de los Bernini, ya que nadie habría podido suponer que ese día, además de ser un día especial para la familia, era un verdadero regalo del destino a la historia de las artes. En segundo lugar, Pietro, padre de Gian Lorenzo, toscano por nacimiento, era un artista ya bien reconocido; cade resaltar que fue invitado por el virrey para trabajar en la obra del mayor complejo monumental erigido sobre la colina del Vomero, la Certosa di San Martino (Cartuja). En tercer lugar, la ciudad partenopea fue donde Gian Lorenzo vivió sus primeros años de infancia, los cuales le dejan una huella profunda, en los que absorbe luz, música y sonidos. El talentoso joven Bernini comienza su actividad y entre sus primeras obras reconocidas se encuentra el pequeño grupo marmóreo, en los cuales se puede encontrar como ejemplo Rapto de Proserpina (figura 141), al día de hoy guardado en la Galería Borghese. El 5 de febrero de 1629, Bernini obtuvo el cargo de primer arquitecto de la "Fabbrica di San Pietro", cabe mencionar que seis días después muere Carlo Maderno, quien fue un socio arquitecto de Bernini. (Pinton, D. (2009), pp.3-11) En las siguientes páginas se mencionarán algunas obras del famoso arquitecto Gian Lorenzo Bernini.

Figura 141: escultura Rapto de Proserpina Fuente: libro Bernini. Los caminos del arte página 14

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CAPÍTULO 4-5 LA SCALA REGIA EN EL VATICANO (1633-1666) La Scala Regia (figura 142) fue construida entre los años 1663 y 1666, además, el arquitecto encargado del diseño fue Gian Bernini. Cabe mencionar, que la estructura inicia desde la sala de audiencias principal del Vaticano hasta la columnata norte de la plaza y el extremo norte de nártex de la iglesia, como substitución de la antigua escalera. Se sabe que dicha escalera poseía un complejo contexto, no obstante , Bernini pudo solucionarlo, debido a que diseñó una escalera que se estrechaba en ancho y alto de abajo hacia arriba, acentuando así el efecto de perspectiva desde la parte inferior de la escalera. Además, la Scala Regia es casi perpendicular al nártex, asimismo, Bernini realizó una estatua ecuestre de Constantino para la pared lateral en la parte inferior de las escaleras para terminar la vista axial al final del nártex.

(Moffett, M; Fazio, M; Wodehouse, L (2003), p.6).

Figura 142: Scala Regia en el Vaticano Fuente: página web Magnoliabox

Figura 143: Scala Regia en el Vaticano, planta y sección Fuente: libro Introducción a la historia de la arquitectura: de los orígenes al siglo XXI, pág. 158

En esta parte, se mencionará información relevante sobre la Scala Regia en el Vaticano.

Por un lado, es admirada de generación en generación debido a que se considera la obra más elegante y majestuosa de Bernini, ya que el asombroso efecto de perspectiva que produce la triple luz, que se aprecia una en cada extremo y otra en el centro. Cabe resaltar que lo mencionado se puede observar en la planta y sección (figura 143) de la obra de Gian Bernini.

Por otro lado, la Scala Regia conduce directamente a la sala regia, que es el ingreso a las capillas Paloma y Sixtina, esta última construida a decreto de Sixto IV, quien fue el papa número 212 de la Iglesia católica, cabe mencionar que fue construida en el año 1473, y es considerada una de las obras más valiosas y importantes no solo del Vaticano, sino de la Roma cristiana, ya que se puede apreciar una pintura de reputación mundial del Juicio Final en la pared del fondo que fue pintada por Michael Angelo. (D'Anvers, N. (1894), p.87)

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CAPÍTULO 4-5

IGLESIA DE SAN ANDRÉS EN EL QUIRINAL (1658-1670) Gian Bernini, autor de numerosas obras civiles y religiosas de notable reconocimiento, diseñó la iglesia de San Andrés en el Quirinal (figura 144), ya que el arquitecto poseía una pasión por la arquitectura como teatral. Fue construida entre los años 1658 y 1670. Además, el público objetivo que se iba a beneficiar era el noviciado de los jesuitas en Roma. Cabe mencionar que en el ámbito arquitectónico, destacamos la planta elíptica (figura 145) cuyo volumen se dilata y acentúa por las capillas menores, unidas en un conjunto individual. No obstante, dentro del principio barroco de subordinación de las partes al todo, se puede encontrar la escultura, el lujo y textura de los materiales y las artes menores.

(Pereira, J. (2001), pp. 158-159).

Figura 144: iglesia de San Andrés en el Quirinal Fuente: página web mindeguia

Figura 145: planta elíptica de la iglesia de San Andrés en el Quirinal Fuente: libro Introducción a la historia de la arquitectura: de los orígenes al siglo XXI, pág. 159

A continuación se mencionarán detalles importantes acerca de la iglesia de San Andrés en el Quirinal. Cuando un individuo visita dicha iglesia, lo primero que se encuentra es con un excelente enfoque que permite visualizar una figura de mármol de un San Andrés ascendiendo a los cielos a través del frontón partido del altar.

Además , la interesante visión se puede observar debido a la existencia de mármoles coloreados, dorados y rayos de luz, también ,realzan la fortuna tonal del interior del edificio, pero los elementos arquitectónicos están disciplinados y son nobles. No obstante, cabe resaltar que la iglesia de San Andrés se encuentra entre las concepciones arquitectónicas más proféticas del período, con su pórtico de columnas balanceándose en un vigoroso arco convexo sobre una plataforma de escalones poco profundos que repite la curva en una serie de arcos que se ensanchan. Sobre el friso hay un frontón segmental, de propiedad intensamente escultórica, que se rompe en el eje para enmarcar un formidable escudo de armas.

(Trachtenberg, M; Hyman, I (1990), p.415)

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CAPÍTULO 4-5 BASÍLICA DE SAN PEDRO (1505-1626) Se conoce que entre las categorías más importantes de la arquitectura romana se encontraba la basílica, una edificación que era indispensable en cualquier centro cívico romano. Además, como la iglesia, su historia encarna el desarrollo general de la arquitectura romana y era posiblemente la fuente más significativa para la etapa subsiguiente del Cristianismo primitivo.

Se podría aplicar el nombre a prácticamente a cualquier edificio cívico romano, pero principalmente se le decía a las edificaciones que poseían las siguientes características: una sala techada, de planta rectangular (figura 146), que a veces tenía un ábside. También, era común ver la existencia de columnatas que dividían el interior en una nave central y otras periféricas más pequeñas. (Trachtenberg, M; Hyman, I (1990), p.164) Al comienzo de 1500, existía la necesidad de rehabilitar y reconstruir en su totalidad la plaza San Pedro (figura 147), esto hacía cada vez más exigente, por lo que el nuevo papa Julio II, en el año 1505, encargó la obra al arquitecto Donato Bramante. Por un lado, los trabajos en la basílica terminaron en 1626 con su consacración solemne bajo el pontificado de Urbano VIII, pero recién entre 1656 y 1667, por voluntad de Alejandro VLL, Bernini proyectó y realizó el monumental pórtico con columnas de la plaza San Pedro, con el obelisco del siglo I a.J.C. en su centro. Por otro lado, la Basílica de San Pedro, con una cabida de 20.000 fieles, mide unos 190 metros de largo, el ancho de las tres naves es de 58 metros, la nave central tiene 45,50 metros de altura, hasta la cima de la bóveda, la cúpula alcanza unos 136 metros de altura hasta la cruz. Finalmente, el interior, se caracteriza más por las amplias decoraciones en mosaico, que constituye un bello joyero que custodia algunas de las más famosas y celebres obras de arte del mundo, como el Baldaquino de Bernini y la estatua de la Piedad de Miguel Ángel. (Gallico, S (2007), pp 206-2009)

Figura 146: Basílica de San Pedro Fuente: página web experiencias viajeras

Figura 147: Planta , dibujado por Domenico da Varignano Fuente: libro La arquitectura del siglo XVI en Italia: Artistas, mecenas y ciudades

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CAPÍTULO 4-5 PLAZA DE SAN PEDRO (1656-1667) En esos tiempos, en la capital de Italia, existía la presencia del espíritu barroco, por lo tanto, varios arquitectos seguían este estilo, y ello, se veía reflejado en sus obras. Considero que en toda la ciudad el objeto de proyecto de la arquitectura urbana que llegó a ejemplificar Bernini en la plaza de San Pedro, era una auténtica obra que no fue solamente pensada como pórtico de la iglesia, sino como expansión de está en la ciudad.

Se conoce que las características de una plaza, son las siguientes, una área rectangular muy prolongado, además, la catedral estaba situada en el extremo inferior y muy supeditada a la plaza, y con soportales continuos y unas estupendas pinturas ilusionistas en la parte superior de los muros. (Rowe, C; Satkowski, L (2013), p.36)

Figura 148: plaza de San Pedro Fuente: libro Introducción a la Historia del Arte pág. 14

Pero en la siguiente parte, mencionaré información sobre la plaza San Pedro, en donde, se podrá apreciar que algunas características cambian, debido a la etapa que fue construida.

La plaza San Pedro (figura 148) que fue construida en los años 1656-1667 por Bernini, quien fue un famoso escultor y arquitecto del siglo XVII, además, fue realizada durante el reinado del papa Alejandro VII (1655-1667). La composición de esta obra en la planta (figura 149) contiene principalmente dos partes: un primer espacio trapezoidal, delimitado por los dos brazos rectilíneos cerrados y convergentes que flanquean el sagrato, y un segundo espacio de forma elíptica, limitado por los dos hemiciclos de la cuádruple columnata. No obstante, cabe resaltar que el proyecto procedente de Bernini preveía un tercer brazo porticado como cierre de la plaza fue la única parte del proyecto que quedó sin ejecutar. En síntesis, las medidas de la plaza San Pedro son sorprendentes: 320 metros de profundidad y de un diámetro central de 240 metros, rodeada por 4 hileras de 284 columnas y 88 pilastras. También, la balaustrada sobre las columnas está coronada por 140 estatuas de santos, cada una de 3,20 metros de altura, realizadas, en el año 1670, por los artistas discípulos de Bernini. A los lados del obelisco, traslado al centro de la plaza según el plan de Domenico Fontana en 1585, las dos grandes fuentes de Bernini (1675) y de Maderno (1614). En la parte baja, los pies de la escalinata, se situaban las estatuas más importantes que son San Pedro y San Pablo dan el recibimiento a los fieles. (Gallico, S (2007), p.210)

Figura 149: planta de San Pedro Fuente: página web arteazuer blogspot

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CAPÍTULO 4-5 BALDAQUINO (1624-1632) Y CÁTEDRA DE SAN PEDRO (1657-1666) Dentro de la célebre basílica de San Pedro podemos encontrar la Cátedra de San Pedro y el baldaquino que son dos famosas obras .

Además, considero que son un claro ejemplo del estilo barroco en Roma. A continuación, se explicará de forma más detallada cada una de estas obras.

En primer lugar, la cátedra de San Pedro (figura 150) que fue construida entre los años 16571666, es un conjunto escultórico que fue ejecutado con los mármoles de colores, bronce y estuco. Lo que más resalta de esta obra es la luz que penetra en la parte interna de la ventana ovalada que simboliza al Espíritu Santo, da al conjunto toda la teatralidad. También, se puede observa que a su alrededor se extiende una extraordinaria nube de ángeles y putti, que son motivos ornamentales consistentes en figuras de niños, que normalmente se encontraban desnudos y alados, en forma de Cupido, querubín, angelote o amorcillo, que coronan la célebre Cátedra broncínea de Pedro. (Aznar, Y; López, J (2014), p.12)

Figura 150: Cátedra de San Pedro Fuente: libro Introducción a la Historia del Arte, pág. 13

En segundo lugar, en el centro de la iglesia se encuentra el altar papal, coronado por el famoso baldaquino (figura 151) broncíneo, obra que Bernini, realizó en su juventud entre los años 1624 y 1632. Una de las características que resalta más es su altura de 29 metros, que fue encargada por el papa Urbano VIII Barberini (1623-1644) para que llenara el vacío debajo de la cúpula y realizará un movimiento ascendente.

Además, para fundirlo se utilizaron los cuarterones broncíneos que adornaban el cielo de la pronaos del Panteón. (Gallico, S (2007), pp.214-215) Finalmente, estas dos célebres obras de Gian Bernini, aun siguen presente en la época actual.

Sin duda, son un excelente ejemplar de obras del estilo Barroco de aquellos años.

Figura 151: Baldaquino Fuente: libro Roma y la ciudad del Vaticano, pág. 214

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CAPÍTULO 4-5 FUENTE DE LOS CUATRO RÍOS (1647-1651) En esta etapa Bernini se encontraba indispuesto, debido a que estaba planificando la gran fuente de Piazza Navona (figura 152), que tendría una temática análoga pese a que no lo parezca. No obstante, cabe resaltar que el arquitecto que se iba encargar de dicha obra, era su Francesco Borromini, pero Bernini fue quién logró la asignación del proyecto. Cabe mencionar que su diseño desarrollo como emblema principal la luz divina y la perpetuidad y coronado por la paloma de Espíritu Santo, el cual es emblema personal del Papa Inocencio X (1644-1655), que fue quien efectuó el trabajo en el año 1647. (Honour, H; Fleming, J (1987), p.445)

Figura 152: Fuente de los cuatro ríos Fuente: libro Historia del arte, pág 445

Bernini completó la fuente (figura 153) a mediados del siglo XVII, precisamente en el año 1651. Si bien, se trata de una obra mucho más sorprendente , ya que presenta un obelisco de granito reclinado sobre una roca hueca de cuyo centro asoman caballos y figuras marinas. Las cuales, son trabajo de los discípulos de Bernini, dichas obras se apoyan sobre el bloque central: son los más grandes ríos del planeta y las cuatro partes del mundo: Asia, África, Europa y América. En esta parte, mencionaremos sobre los más grandes ríos, comenzando con el Ganges, se representa con una barca encallada en los escollos; el Nilo tiene la cabeza cubierta debido a que en ese tiempo todavía no se conocían sus orígenes; luego está el Danubio y el Río de la Plata, representado como si quiera esconder su rostro ante la vista de la Iglesia de Sant´Agnese, de Borromini. Cabe resaltar que la construcción de la iglesia empezó un año después de que la fuente estuviera finalizada, pero existía el rumor sobre que la estatua quería cuidarse el rostro ante la posibilidad de que la iglesia se derrumbara. (Gallico, S (2007), p.91) En esta parte, nos despedimos del famoso escultor y arquitecto Gian Bernini, para poder conocer a otro arquitecto de gran reconocimiento como lo es Francesco Borromini. Cabe mencionar, que considero que la fuente de los cuatro ríos es la obra más llamativa del arquitecto, debido a que es una simbolización, por lo tanto, posee un significado.

Figura 153: planta de la plaza de Navona Fuente: libro A World History of Architecture PAG 78

CAPÍTULO 4-5 FRANCESCO BORROMINI (1599-1667) Durante todo el curso de su larga y lustrosa existencia de Francesco Borromini (figura 154), simultáneo de Bernini (figura 155), se conoce que no fue menos significativo en el progreso y transmisión del estilo barroco, sin embargo, cuya personalidad y carrera fueron muy diferentes. En el año 1619, Borromini había llegado a Roma desde el norte de Italia. No obstante, se le conocía como un grabador de piedra y un arquitecto astuto y trabajó en San Pedro primero para Maderno y luego para Bernini. Posteriormente se convirtió en uno de los ayudantes jefe de Bernini. Después de mucho tiempo, en el año 1634 llegó la gran oportunidad de Borromini de exponer su propio talento con su primer encargo como arquitecto independiente que consistía en construir para la nueva orden española de los Trinitarios Descalzos la iglesia de S.Carlos alle Quattro Fontane. (Trachtenberg, M; Hyman, I (1990), p.423) En 1667, Borromini finalizó trágicamente su vida suicidándose, el último encargo en el que estaba envuelto era asimismo español, la fachada de la iglesia del monasterio con el que había iniciado su trayecto como arquitecto. Tras su primer trabajo con los trinitarios españoles y durante gran parte del pontificado de Urbano VIII, sus protectores fueron mayormente de nacionalidad española. Su adscripción al partido español hispano parece también firme durante toda su vida. (Canalda, S; Narváez, C; Sureda, J(2011), p.95) Finalmente, considero que Francesco Borromini realizó diferentes edificaciones que marcaron el estilo barroco. En las siguientes páginas se mencionarán sus obras, por ejemplo, Oratorio de los Filipinos, San Carlos de los cuatro fuentes, Santa Inés en Plaza Navona, Sant´ivo Alla Sapienza, Sant´Andrea Alle Frati y Palacio de propaganda fide.

Figura 154: Francesco Borromini Fuente: libro Cartografías visuales y arquitectónicas de la modernidad: Siglos XV-XVIII, pág 96

Figura 155: retrato de Gian Lorenzo Bernini Fuente: Asociación para el desarrollo profesional

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CAPÍTULO 4-5 ORATORIO DE LOS FILIPINOS (1637-1642) En aquella época, se desarrolló un nuevo ejemplo de música sacra, por ello, el oratorio incorporó cantos operísticos y dramas basados en temas sagrados. Pergolesi, quién fue un famoso compositor italiano, escribió la primera pieza de este. En los siguientes años se convirtió en un estándar de la música barroca. Cabe resaltar que Borromini diseñó una sala especial dentro de la Casa de Filippini, el oratorio dei Felippini (figura 156), para exhibir las representaciones de la sociedad.(McGregor, J (2005), p.299) A continuación, se explicará de una forma más detallada el aspecto arquitectónico que posee la Oratorio de los Filipinos. Sin duda alguna, considero que es una de las obras más destacada que diseño Borromini, debido a que se encuentra vinculado con el aspecto de la música sacra en aquellos tiempos.

Figura 156: Oratorio de los Filipinos Fuente: libro The Oxford Handbook of the Baroque, pág 451

Para la creación del Oratorio de los Filipinos se comenzó la construcción en 1637 y culminó en 1642, cabe resaltar que representa una de las obras más importantes de Francesco Borromini. Dicho oratorio además se realizó por encargo de la Orden de San Felipe y forma parte de una amplia estructura que también comprende un palacio con escalinata oval. Se describirá dos puntos importantes acerca del diseño arquitectónico de la obra. Por un lado, la fachada se presenta cóncava hacia el exterior, con dos órdenes separados por un alto marcapiano, que es una faja de material que marca la división entre dos plantas (figura 157). Por otro lado, numerosas licencias contradicen las reglas del arte clásico, sin embargo, trabajaba el arquitecto, lo que son las parástades simples o doble están orientadas con inteligencia buscando efectos de claroscuro, en constante cambio según las horas del día; los capiteles del orden inferior muestran volutas dirigidas hacia arriba; las ventanas de cada planta son distintas con respecto a las otras y el balcón convexo se contrapone a la concavidad del espacio sobre la ventana. (Gallico, S (2007), p.95)

Figura 157: planta de Oratorio de los Filipinos Fuente: página web intranet pogmacva PAG 80

CAPÍTULO 4-5 SAN CARLOS DE LAS CUATRO FUENTES (1638-1667) Se destaca la edificada contiguo a la encrucijada de la que menciona su nombre, el cual es la pequeña iglesia de San Carlos de los Cuatro Fuentes (figura 158), debido a que sus dimensiones equivalen alrededor de uno de los cuatro pilares que sostienen la cúpula de San Pedro; además, representa una de las obras más importantes y magníficas de la arquitectura barroca romana. (Masi, S (2007), p.170) Seguidamente, se redactará información precisa sobre San Carlos de los Cuatro Fuentes, no obstante, se mencionará puntos concretos sobre el origen y características particulares .

San Carlos de los Cuatro Fuentes, fue la primera obra que realizó el arquitecto Borromini de manera independiente. Cabe resaltar que el interior fue construido entre los años 1638 y 1639, además, la fachada se comenzó a construir veinte años después, en 1665, hacia 1667, el año de su defunción, Borromini había concluido el piso inferior y acababa de empezar la hilera superior. El interior de San Carlos tiene como inspiración los diseños ovales, debido a que existía una creciente inclinación por dicho estilo en el siglo XVII. La planta (figura 159) oval se adaptaba bien a la poca iluminación que recibe, además que la iglesia tiene una composición estrecha. Por ello, Francesco Borromini orientó longitudinalmente el óvalo, en otras palabras, decidió que la entrada se encuentre en una punta y el altar mayor en la otra y abandona un contorno uniforme, excepto en la base de la cúpula, apretujó las extremidades inferior y superior del óvalo entre la entrada y el altar para que presentara un perfil ondulante, que luego extendió al levantamiento. (Trachtenberg, M; Hyman, I (1990), p.423)

Figura 158: San Carlos de los cuatro fuentes Fuente: página web historia cultura y arte

Figura 159: planta de San Carlos de los cuatro fuentes Fuente: libro Arquitectura, pág. 423

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CAPÍTULO 4-5

SANTA INÉS EN PLAZA NAVONA (1652-1657) Mientras se realizan otras obras en la Plaza Navona, el papa Inocencio X fue quien ordeno reconstruir la antigua iglesia de Santa Inés (figura 160), fundada por el papa San Dámaso I en el sitio en que una santa adolescente dio su vida por Cristo. Por otro, el Papa Pamphili tenía la noción de convertir la plaza en la más majestuosa de toda Roma. Por otro lado, Carlo Rainaldi junto a su padre Girolamo, habían sido encargados de construir la nueva estructura, cuyo proceso inicio en el año 1652. Un año después, las obras fueron confiadas a Borromini. El arquitecto continuó con la idea de los Rainnaldi, la cual se encontraba plasmada en el plano (figura 161) que se podía apreciar la idea de una cruz griega, pero modificó el diseño de la fachada. (Masi, S (2007), p.135)

Figura 160: Santa Inés en Plaza Navona Fuente: página web dreamstime, photos-imagenes

Posteriormente, se destacará algunos datos de suma importancia acerca de la famosa iglesia Santa Inés, la cual se encuentra ubicada en Roma-Italia. Cabe resaltar que esta obra tiene un cierto parecido con la celebre Basílica de San Pedro (1505-1626).

La iglesia de Santa Inés, construida en la plaza Navona de Roma, es de una obra majestuosa. Cabe mencionar que el arquitecto encargado de la fachada y de la cúpula es Barromini; lo demás había sido construido anteriormente por los diseños de Gerónimo Rainaldi. La característica que más se destaca es el pórtico que tiene tres puertas, a las cuales se sube por una gloriosa escalinata. Un gran número de columnas de piedra tallada, orden corintio, adornan esta parte del exterior.

Mientras que en el interior se tiene una forma de una cruz griega: ocho columnas corintias, incrustadas de bellos mármoles, sostienen el techo de estucos dorados y con pinturas de Baciccio. Bajo los cuatro arcos que forman la cruz griega; hay tres grandes capillas adornadas de bajos relieves y de estatuidas de los mejores escultores. Finalmente, se pueden apreciar los siete altares que contiene esta iglesia, poseen un gran cuadro de relieve en mármol blanco muy fino, cincelado por lo más selecto de los artistas. (Maldonado, J (1863), pp.204-205)

Figura 161: Planta de Santa Inés en Plaza Navona Fuente: página web aidfadu

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CAPÍTULO 4-5 SANT´IVO ALLA SAPIENZA (1643-1648) La estructura que se encuentra al costado de la iglesia, fue la sede de la primera universidad romana en el año 1303. Se sabe que fue reestructurada más de una vez, pero a fines dell Cinquecento sufrió una reconstrucción total. Cabe mencionar que existe una parte simbólica en la iglesia, la cual se encuentra en la cúpula, ya que se aprecia una paloma con un ramito de olivo en el pico, que alude a la familia Inocencio X Phamphilij y seis montes por encima de los cueles se ve una estrella, emblema heráldico de Alejandro VII Chigi. (Gallico, S (2007), p.93) A continuación, se explicará de una forma más precisa el aspecto arquitectónico urbanismo que posee la Sant´ivo alla Sapienza.

Desde una perspectiva urbanista, Sant´ivo alla Sapienza (figura 162), que fue construido en el año 1643 y concluyó en 1648. Cabe resaltar que construyó la iglesia al fondo del largo patio existente, usando así los espacios institucionales como parte del marco para su nueva iglesia. Por un lado, la iglesia que construyó se basa en un sistema de dos triángulos equiláteros que forman una estrella de seis puntas en torno a un hexágono. El resultado es un espacio que, por un lado, es centralizado, pero que también es axial.

Esto se puede apreciar con mayor claridad en la planta (figura 163). Por otro lado, el exterior es en manera general complementario al espacio interior. No obstante, lo que más resalta es la carencia de fachada que posee la iglesia.

Además, la edificación cuenta con un alto tambor sobre el que se coloca la cúpula, que está coronada por una linterna decorada que se encuentra rematada por un acentuado dinamismo a su composición vertical. (Ching, F (2011), p.92) En síntesis, considero que Francesco Borromini realizó un excelente trabajo en esta obra, debido a que iba a proyectar una nueva edificación en un lugar donde ya existía una.

Figura 162: Sant´ivo Alla Sapienza Fuente: página web gallery of art

Figura 163: planta Sant´ivo Alla Sapienza Fuente: libro Una historia universal de la arquitectura. Vol 2. Del siglo XV a nuestros días- Francis D. K. Ching PAG 83

CAPÍTULO 4-5 PALACIO DE PROPAGANDA FIDE (1647-1662)

Figura 164: Palacio de Propaganda Fide Fuente: página web Nomada

Lo que más resalta en una edificación son los detalles constructivos y elementos arquitectónicos que representen un estilo en específico. Todo ello, nos permite saber el interés teórico que había por algún tipo de construcción en la época barroca. No obstante, en Italia existía la vigencia de emplear formas góticas, que se pueden apreciar en algunos templos medievales emblemáticos, como la catedral de Milán o la iglesia de San Petronio de Bolonia. Por otro lado, se conoce que el famoso arquitecto Francesco Borromini, en algún momento llegó a inspirarse en las bóvedas de crucería, que incorporó a su original repertorio lingüístico; así, podemos encontrar citas góticas en algunas de sus obras como el oratorio de San Felipe Neri o en el palacio de Propaganda Fide. (Morais, E (2012), p.251) Seguidamente, se redactará información puntual sobre el famoso palacio de Propaganda Fide.

La edificación (figura 164) se ubica en Roma, específicamente en la Plaza de España. El primer arquitecto encargado de los trabajos fue Gian Lorenzo Bernini, que fue sustituido por Francesco Borromini, porque su estilo le agradaba más al Papa Inocencio X. Se conoce que su localización se encuentra en una calle estrecha que obliga a la vista de lado, acentúa la fuerza de los elementos estructurales como pilastras y gran cornisa. Finalmente, lo que más se resalta es la concentración de la luz sobre los complicados marcos, en forma de edículos, cóncavos y convexos, de las ventanas encajadas. Esto se puede apreciar en la planta (figura 165) porque nos permite visualizar cada parte de la estructura.

(Argán, G, (1999), p.352)

Figura 165: planta de Palacio de Propaganda Fide Fuente: página web Francesco Borromini blogspot

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CAPÍTULO 4-5 GUARINO GUARINI (1624 - 1683) Camilo Guarino Guarini (Figura Módena, Italia. Es un arquitecto sus últimas consecuencias las pero que incorpora elementos hispanoárabe y siciliana.

166) nació en 1624 en relevante ya que lleva a fantasías de Borromini, góticos de la tradición

Trabajó en Turín y sus obras más dignas de mencionar es la cúpula que utiliza en San Lorenzo de Turín o la decoración en ladrillo con formas estrelladas del Palacio Carignano. Su obra más resaltante es la capilla de la Sábana Santa en Turín, con su particular bóveda calada.

Falleció en 1683. (Wackernagel, M. (2009), p.36) Representó en la época del Barroco debido a sus proyectos arquitectónicos complejos e imaginativos.

Durante su vida paso más tiempo en la ciudad de Turín, Italia. La fama que obtuvo fue por su extravagancia reflejados en sus edificios y sus complejas cúpulas.

Además, de sus contrastes decorativos poco convencionales y su concepción científica en la arquitectura.

Los edificios de Guarini son minuciosamente analizados y la historia de su construcción se traza en los detalles. (Meek, H, (1991), p. 239)

FILIPPO JUVARA

Figura 166: Guarino Guarini Fuente: Linda Hall Library

(1678 - 1736)

Filippo Juvara (Figura 167) nació en 1678 en Mesina, Italia y fallece en 1736. Uno de los arquitectos más representativos de la época y trazo la tercera ampliación turinesa y como arquitecto logró alcanzar cotas elevadísimas en territorios suburbanos.

Su plan de reforma de 1718 para el Palazzo Madama, no llegó a concluirse y dejó una curiosa imagen de un edificio bifronte en la que el palacio ofrece la fachada juvariana por un lado y por otro, su aspecto original.

(Wackernagel, M. (2014), p.36) Fue alumno de Guarini, que supondrá el antecedente del Neoclasicismo. Se traslada a Roma a estudiar, luego a Portugal y España. Su obra arquitectónica más destacada es la Basílica de Superga de Turín, donde la planta es un esquema Barroco ya que tiene forma de octógono irregular. (Garcia, G ; Guillermo , J & Cadavid, A (2009), pp.49-50)

Figura 167: Filippo Juvara Fuente: Didáctica del patrimoni cultural

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CAPÍTULO 4-5 CAPILLA DEL SANTO SUDARIO EN TURÍN (1668) La capilla del Santo Sudario (Figura 168) ubicada en Turín es una obra arquitectónica barroca fue construida en 1668 y fue finalizada por el arquitecto Guarino Guarini.

Es una asombrosa construcción y monumento en la que el diseño arquitectónico, la decoración y los requisitos se unen en relaciones complejas, es decir, son difíciles de comprender. (Duvernoy, S, (2007), p. 151)

Figura 168: Capilla del Santo Sudario en Turín Fuente: Centro Vasco de Arquitectura

El dramatismo de San Lorenzo se vió reflejado cuando realizó el diseño arquitectónico de la capilla del Santo Sudario, fue el primer trabajo de Guarini para la casa de Saboya.

Está ubicada entre la Catedral y el Palacio Real, y como indica su nombre el relicario permanente del sudario mortuorio. El arquitecto Guarini tuvo que adaptarse a la traza del resto de un edificio, diseño una capilla circular, enmarcó las tres salidas con portales convexo, luego remató el alzado inferior con otra de sus excepcionales cúpulas.

Posee tres portadas para crear una sucesión de la geometría circular a otra triangular. Cuenta con tres pechinas en el segundo nivel que simboliza el Espíritu Santo y la Trinidad en su conjunto. Su función de manera estructural es lograr elevar la altura de la cúpula ajustando el borde circular del diámetro de la rotonda inferior.

En el plano de la cúpula (Figura 169) se puede observar que contiene un elevado tambor que soporta una bóveda hexagonal nervada con un perfil cónico. Guarini debió inspirarse y tomar referencia de las iglesias nervadas del período gótico. (Varriano, J, (1990), p. 212-218)

Figura 169: Capilla del Santo Sudario en Turín Fuente: ArtChist

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CAPÍTULO 4-5 IGLESIA SAN LORENZO EN TURÍN (1666-1687) Uno de los edificios más antiguos y conservados en Turín es la iglesia que se encuentra en San Lorenzo (Figura 170), la cual fue construida para los teatinos entre 1666-1687. Luego, Guarino Guarini se hizo cargo y aplicó un estilo del Barroco con un toque de cúpula acanalada con una característica difícil de encontrar en Europa y siguió la tradición común en el norte de Italia, trazó una disposición secuencial de unidades espaciales abovedadas y muros que daban conexiones con otros espacios en el interior.

La iglesia San Lorenzo en su interior tiene una composición particular ya que no cuenta con líneas rectas, ni volúmenes regulares, ni paredes paralelas. La iglesia está acoplada por una sala principal, una capilla del crucifijo de forma rectangular, también posee una arquitectura acústica (Caniato, M; Bettarello & Masoero (2008), p.4546)

Figura 170: Iglesia San Lorenzo en Turín Fuente: Claudio Divizia

En su cúpula central está sostenida por ocho nervaduras que forman una celosía similar a las que se encuentran en las mezquitas y en el románico de las iglesias de España.( Sparavigna, A & Dastru, L (2007), p.1) En la planta (Figura 171) basilical se visualiza un estilo que deriva en la Edad Media y representando a Florencia por Santa Croce, ya que cuenta con una larga, amplia nave y dos laterales, con transeptos pequeños y que tiene origen con las antiguas basílicas romanas que fue influenciada por el románico francés y del cisterciense.

Brunelleschi lo realiza de manera tradicional romano y adaptando a su funcionalidad. Diseña una planta de cruz latina y hace uso de espacios perspectivados que es influenciado por la ortodoxia vitruviana. En los elementos se puede observar su idea del espacio en cuanto a la abstracción, geometría, tridimensional, homogénea e independiente. (Alegre, E & Gómez, C(2016) p. 116)

Figura 171: Planta de la iglesia San Lorenzo en Turín Fuente: Libro órdenes y espacio PAG 87

CAPÍTULO 4-5

PALACIO CARIGNANO EN TURÍN (1666)

Figura 172: Palacio Carignano Fuente: Foto de Museo Nacional de la Unificación Italiana

En 1666 Carlo Emanuele II, el duque de Saboya encargó a construir en Turín una nueva iglesia al arquitecto Guarino Guarini, el cual aplicó un estilo del Barroco con un toque de cúpula acanalada con una característica difícil de encontrar en Europa, también posee una arquitectura acústica. (Caniato, M; Bettarello & Masoero (2008), p.4546)

Lo más sobresaliente y atractivo del Palacio Carignano (Figura 172) es que posee una tonalidad calidad y una textura de ladrillo.

Además, como se puede observar en el tiene una densa estructura de pilastras y cornisas que se subdivide en tres partes principales (Figura 173) . Por otro lado, a pesar del tamaño del edificio, posee gran parte de la decoración hecha a mano que son muy notables en los detalles de su fachada. (Varriano, J, (1990), p220- 224) El Palacio Carignano es uno de los lugares con más historia en Turín construido en 6 años. En este Palacio se puede notar las diferentes proporciones, a pesar de las modificaciones como la eliminación del jardín y la transformación de la biblioteca nacional.

Figura 173: Interior del Palacio Carignano Fuente: Hiddenarchitecture

Figura 174: Planta del Palacio Carignano Fuente: Centro Vasco de Arquitectura

Se modificó su tamaño y la fachada principal esta un poco retranqueada debido a que se busco la manera que el cuerpo central tenga forma curva en el salón y la planta superior (Figura 174) se pueda abrir con una alta arcada y el vestíbulo de la planta baja baja cuenta con dos escaleras de caracol. Por otro lado, hicieron uso del ladrillo y esto permitió que el edificio pueda tener superficies muy elaboradas y con ornamentos. También se observa que cuenta con entrantes y salientes entre la portada, el balcón central y la hornacina que lo corona, la fachada posterior da hacia la plaza Carlo Alberto. MyWoWo Travel App (2018). Palacio Carignano [Vídeo].

YouTube. https://www.youtube.com/watch?v=uY64bK1YTg

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CAPÍTULO 4-5 BASÍLICA DE SUPERGA EN TURÍN (1717-1731) La iglesia Superga en Turín (Figura 175) fue la primera obra del arquitecto Filippo Juvara , una iglesia conventual edificada en la cima de una colina que se denomina Turín y que fue proyectada en 1715 debido a la resistencia de la ciudad ante la invasión francesa, y se construyó en el año 1717 y 1731. (Figura 163). La Superga se halla sólidamente fundamentada de la tradición romana. (Varriano, J, (1990), p225) En el plano (Figura 176) se puede observar que posee una planta central y una cúpula que apoya en un elevado tambor, el cuerpo circular de la iglesia está exento y el resto de la planta es rectangular y con un patio en el centro. (Figura 166) Luego, en los brazos laterales de esta edificación se elevan dos esbeltas torres y lo junto con un pórtico, logrando un efecto pintoresco que se acentúa por el aislamiento de la iglesia en lo más alto de la colina. (" Revista Nacional de Arquitectura" (1949). p.283-284)

Figura 175: Basílica de Superga Fuente: Wordpress

Esta basílica es una transición de la arquitectura clásica y del barroco no tan ornamentado. Cuenta con columnas que dan énfasis a la cúpula central del edificio y de su altura, contiene elementos clásicos como las columnas, escalinatas, entablamento, tímpano, tambanillos en las puertas y ventanas, por otro lado, sus ornamentaciones son leves. (Hernández, O, (2014), p.5)

Figura 176: Planta de la Basílica de Superga Fuente: Revista Nacional de Arquitectura PAG 89

CAPÍTULO 4-5 PALACIO MADAMA EN TURÍN (1718-1721) El Pabellón de Caza Stupinigi (Figura 177) se empezó a construir en 1718 por Filippo Juvara para Madame Royale, la madre francesa de Vittorio Amadeo II. Se encuentra situado en la Piazza del Castello, en el centro histórico de la ciudad en Turín.

Este Palacio está adosado a una fortaleza medieval que cuenta con una puerta romana.

Refleja la complejidad y espíritu creativo.

Juvarra pensó en rodear los baluartes con un palacio mayor, pero la construcción paró en 1721 con proporciones y un cuerpo central.

Figura 177: Palacio Madama Fuente: Megaconstrucciones

Fue uno de los primeros edificios italianos importantes que sufrió después de siglos debido a la influencia de la arquitectura contemporánea extranjera. Juvarra combino un estilo de la grandiosidad del orden italiano con la elegancia de los ventanales franceses y una logia central. Para la unión de estos estilos resultaba apropiado, por otro lado, el exterior del palacio es clásico y frente all vecino se encontraba el Palacio Carignano de Guarini.

Tiene tramos salientes y entrantes donde se encuentra la portada de la entrada, proporcionando al edificio un talante activo.

Figura 178: Planta del Palacio Madama Fuente: Fondazione Torino Musei

Su función principal es albergar un vestíbulo y una escalinata exterior que conduce a la fortaleza posterior. Como se puede observar en la planta (Figura 178) cuenta con dos escaleras que son de doble tramo. La originalidad de tiene Juvarra es sencilla combina la ornamentación de inspiración romana . El resultado de un revestimiento ligero el cual tiene relieve y geometría que suaviza las líneas del marco arquitectónico.

En su fachada principal también se visualiza los grandes ventanales franceses. (Varriano, J, (1990), p.229-230)

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CAPÍTULO 4-5

PABELLÓN DE CAZA STUPINIGI EN TURÍN (1729) El Pabellón de Caza de Stupinigi (Figura 179), se ubica en Stupinigi en Turín, la construcción empezó en 1729 por orden de Víctor Amadeo II de Saboya para el príncipe heredero Carlos Emanuel III. Le dejaron a cargo al arquitecto para su realización y diseño a Filippo Juvarra y se concluyó en 1730. La ornamentación y ampliación del complejo se prolongo durante todo el siglo XVI. El proyecto original incluía la construcción no de un palacio real sino de una pabellón que era destinado para que se realicen paradas durante los viajes de caza. Entonces Filippo creo propuesta de planta arquitectónica para el edificio. (Segre, G. (2017) p.6)

Figura 179: Pabellón de Caza Fuente: Parco e Palazzina di Caccia di Stupinigi

El Pabellón se inauguró en 1731, no solo funcionó como visitas de estado o de banquetes, sino también se convirtió en una de las residencias de verano predilectas de la familia real. En el año 1803 la estructura fue elegida por Napoleón como casa de campo así permaneció durante sus escalas en Piaomente.

Como se puede observar (Figura 180) tiene una planta oval y tiene tres pisos en su conjunto arquitectónico se caracteriza por una simetría axial, con un cuerpo central, también cuenta con un doble patio de forma hexagonal. En su exterior posee una cúpula que está adornada con una balaustrada con pináculos y recubierta de cobre por Francesco Ladatte y más adelante fue transformada por Napoleón durante su reinado. ("Europa cantat VIII Torino Italy" (2012)).

En su interior cuenta con un salón central es una de las partes más resaltantes de este pabellón por su magnificencia y grandeza.

Posee un estilo rococó y el arquitecto se inspiró en la tradición arquitectónica romana y otros modelos europeos. (Aredo, J.(2015) p.1)

Figura 180: Planta del Pabellón de Caza Fuente: Centro Vasco de Arquitectura

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CAPÍTULO 4-5

BARROCO EN FRANCIA FINALES DEL SIGLO XVII A finales del siglo XVII Francia se convirtió en la primera potencia europea. En cuanto a su arte de esa época estaba al servicio de una concepción clásica y monumental, el Rey rechazaba la entrada del Barroco y Clasicismo que apreciamos en las construcciones de la primera mitad del siglo XVII. El arte de Francia será palaciego antes que religioso.

Figura 181: El Jardín Barroco Fuente: Sutori

En la arquitectura del Barroco se podrá observar palacios y jardines ( Figura 181 ), lo que predomina en mayor parte del Barroco europeo y francés. En el exterior se mantiene lo clásico ya que prefiere siempre la majestuosidad, mientras que en el interior es todo lo contrario debido a que presenta todo suntuoso y refinado. Además, desde el reinado de Luis XIV se fundan las academias para que orienten las creaciones artísticas para fines políticos.

En este período de la arquitectura francesa comienza con los planos urbanos de Enrique IV que se inspiró en las medidas tomadas para Roma de Sixto V. La sobriedad, la armonía y la claridad fueron los tres puntos más importantes para la arquitectura Barroca en Francia ya que el arte estuvo al servicio del poder político y es así, como el Barroco se caracteriza por su majestuosidad y su ostentación.

Figura 182: Interior Palacio Versalles Fuente: Art Chist

El aspecto más sobresaliente de la arquitectura francesa en el interior ya que son voluptuosas en sus decoraciones (Figura 182). (Wackernagel, M. (2014), p.73-76)

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CAPÍTULO 4-5

VERSALLES (1661 - 1670) Versalles (Figura 183) considera la arquitectura palacial en el punto culminante de la arquitectura en Europa debido a las dimensiones y la magnificencia que posee en el absolutismo monárquico. (Wackernagel, M. (2014), p.88) Las obras de construcción de Versalles se desarrollaron en dos fases, la primera fue en 1661 y 1670, y dejando a cargo la obra a Le Vau, en la segundo ocurre entre 1678 hasta 1690 y dejan a cargo a Jules Hardouin Mansart. Se sitúa en el Patio de Honor donde se abre hacia la ciudad y conecta con otras vías de Paris.

Figura 183: Versalles Fuente: Libro Órdenes y Espacio

Es importante resaltar que la obra de Versalles no se puede estudiar ni analizar de manera aislada sino con todo lo que conforma el palacio, espacio urbano (Figura 184) y los jardines ya que todos se van complementando. Todos los elementos que lo conforman tienen una estructura geométrica.

Le Vau construye un eje central del palacio y realiza la planta (Figura 185) en forma de U ya que era tradicional en Francia, iba dirigido para conservar el antiguo castillo de Luis XIII para que este rodeado de nuevas edificaciones que se forma un planta cuadrada y un gran patio en la entrada principal.

Figura 184: Versalles Fuente: Parisando

Hardouin Mansart diseño la fachada de los jardines de manera lineal formando un ángulo recto, para el lado izquierdo destinado a los príncipes y del lado derecho los despachos. (Alegre, E; Gómez, C(2016) p.166- 167) En cuanto al interior tiene una capilla que es una de las muestras más impresionantes de la arquitectura barroca tardía de Francia que fueron obras de Mansart y Robert durante 1689 y 1710.

También cuenta con una galería de los espejos que es una de las salas con máximo refinamiento. artístico. Wackernagel, M. (2014), p.92)

Figura 185: Planta de Versalles Fuente: Artchist

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CAPÍTULO 4-5 PALACIO DE LOS INVÁLIDOS (1671 - 1706) El palacio de los Inválidos (Figura 186) se encuentra ubicado en París y cerca a la Escuela Militar. Es uno de los palacios más sobresalientes en París y es conocido por albergar los restos del emperador Napoleón.

Los arquitectos de esta obra arquitectónica fueron dos Hardouin Mansart en la construcción y Libéral Bruant para el diseño de los planos, el rey Luis XIV los encargo con el objetivo de que diseñen las instalaciones para ofrecer refugio a los veteranos inválidos de la guerra se quedaban sin hogar, es decir era una residencia para los soldados y militares franceses.

Figura 186: Palacio de los Inválidos Fuente: Biblioteca Digital Mundial

La construcción de los edificios principales se desarrolló entre 1671 y 1674, durante ese tiempo llegaron los primeros huéspedes inválidos como 4.000 personas a finales del siglo, ya que eran los soldados que se habían comprometido con el servicio de la armada francesa durante la guerra durante más de 10 años y en este lugar lo aprovechaban para descansar.

Luego, la construcción de la iglesia se aplazo y se terminó en el año 1706 después de treinta años de obra.

Este palacio está construido con materiales de mármol, hojas de oro, uso de columnas pareadas y con el uso de dos tambores que se ven reflejados en su exterior e interior.

Cabe indicar que, su estilo arquitectónico es similar al Barroco Italiana, pero más sobrio ya que se utiliza este estilo en los palacios.

En su planta (Figura 187) se puede observar que cuenta con edificio largo junto con un patio real y una iglesia. La iglesia está conectada con la capilla que mide aproximadamente 107 metros de alto. La cúpula que se encuentra en la parte superior está hecho de decoraciones de oro.

(Martínez, A.(2018) p.2-4)

Figura 187: Planta del Palacio de los Inválidos Fuente: Historia del Arte

Con lo investigado podemos afirmar que a los palacios se les daba cualquier tipo de función, pero lo que resaltaba más era como estaba construida y el estilo de la época.

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CAPÍTULO 4-5

LOUVRE, PARÍS ( SIGLO XIII) Los orígenes del Louvre (Figura 188) remontan en el siglo XIII. En esta antigua residencia real que es transformada en museo en 1793 durante la revolución francesa. Alberga colecciones de civilizaciones antiguas, arte del Islam y arte occidental desde la edad Media hasta 1848.

Desde el gran teatro se puede apreciar la calle de la Ópera hasta la calle de Rívoli y desde allí, se ve Louvre uno de los edificios públicos de París y resalta por su arquitectura y las colecciones artísticas.

Además, posee esculturas de la antigüedad de la Edad Media y los tiempos modernos, las grandes antigüedades egipcias y orientales, pinturas, objetos de arte medioeval, del Renacimiento del siglo XVIII y XVIII. ( "La ciudad de Paris" (2003) p.4)

Figura 188: Louvre Fuente: Paris City

Louvre fue originalmente un pequeño castillo construido a finales del siglo XII por Felipe II y Carlos V lo amplió y mejoró. Pero en 1546 fue demolido para construir un nuevo pabellón de caza el cual se encargó Pierre Lescost.

El proyectista y paisajista más destacado de Francia, Louis Le Vau en 1655 tomo el cargo para dar orden a Louvre y lograr transformarlo en un palacio urbano junto con Claude Perrault e incluso Bernini, el cual propuso una fachada de estilo romano para encubrir las demás construcciones, pero no se llevo acabo debido a que hubieron otros arquitectos para este proyecto.

En cuanto a su planta baja del edificio, se puede observar el uso de estrechas y detalladas ventanas y en la planta principal (Figura 189) se visualiza las columnas que forman una pantalla detrás de edificio.

Figura 189: Plano de Louvre Fuente: ArchDaily

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CAPÍTULO 4-5

PLAZA VENDOME (1677) La plaza de Vendome (Figura 190) fue construido durante el reinado de Luis XIV cuando se aprobaron los planos por el Ministro. le dio la forma de un cuadrilátero regular con las esquinas cortadas en forma octogonal. Al principio tenían un plan de que estos ángulos formaran varias calles que condujeran a otro lugares y que a la vez cerraran la plaza. ("The Mirror of Literary, Amusement, and Instruction" (1825), p. 66)

Figura 190: Plaza Vendome Fuente: Paris Style

Tiene espacios interiores urbanos (Figura 191), cerradas por paredes que tienden más a la uniformidad de la arquitectura y a a monumentalización.

Los hoteles estaban ubicados cerca al palacio real a principios del siglo XVII estaban apareciendo en urbanismo de París. Los arquitectos empezaron a tratar de integrar los hoteles dentro de una trazas urbanas conocidas como plazas reales ya que este ambiente fue fomentado por el rey.

Entre 1684 y 1688 hubieron muchas propuestas de plazas semejantes. La Plaza Vendome fue encargada en 1677 cuyas fachadas fueron realizadas por Jules Hardouin. Mansart y Pierre Bullet, luego ejecutaron casas alrededor de las fachadas por diferentes arquitectos, en el plano se observa estas casas cerca a la plaza Vendome.

La Plaza de Vendome era diferente a otras plazas debido a que no fue un lugar concebido para que el rey tome el poder ni tampoco la presencia de las clases altas , sino era un patio privado. (Ching, F. (2011) p. 133)

Figura 191: Plano de la Plaza Vendome Fuente: Pucv

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CAPÍTULO 4-5

CHATEAU DE VAUX LE VICOMTE ( 1656 - 1661) El Chateau de Vaux Le Vicomte (Figura 192) esta situado en la región francesa de Maincy, la obra empezó en 1656 y finalizó en 1661. Es el precedente directo de Versalles y los grandes palacios reales del barroco. Nicolas Fouquet le mandó a construir al arquitecto Luis Le Vau y al paisajista André Le Notre que desarrollaron un conjunto de palaciegos, es decir, palacios y jardines para un monarca.

(Lëbersck, A. (2018) p.1) Para el desarrollo del Palacio se derribó el pueblo original Vaux, compraron los terrenos, talaron los bosques para insertar los jardines y se desvió el río para suministrar agua de los estanques.

Figura 192: Chateau de Vaux Le Vicomte Fuente: Par Détours en France

El Palacio cuenta con una planta (Figura 193) simétrica como un bloque central largo y dos alas pequeñas en su fachada principal, así el palacio queda dividido por un eje central. El primero para la familia de Fouquet y el otro exclusivamente para el rey, Esos dos ejes eran dos salones, el primero era un vestíbulo de planta cuadrada rodeado de columna con un aspecto de cierre tras el patio de la entrada y de detrás un salón oval, que sobresalía hacia los jardines, pero de manera transversal al eje del edificio, cubierto con una cúpula.

Figura 193: Planta de Chateau de Vaux Le Vicomte Fuente: Stormy Weather

De esta manera se integraba el edificio con los jardines(Figura 194) ya que pasaba de un ambiente cerrado del vestíbulo al salón amplio espacio y que daba en dirección a unos grandes ventanales con vista a los jardines.

La conexión entre palacio y jardines lo hace importante y de gran ejemplo de mansión proyectada en unión y armonía con la naturaleza. (Alegre, E; Gómez, C(2016) p.164165) Figura 194: Vista exterior del Chateau de Vaux Le Vicomte Fuente: TripAvisor PAG 97

CAPÍTULO 4-5

HOTEL DE SOUBISE (1704)

Figura 195: Hotel de Soubise Fuente: Aristocracy Gallery

Este hotel de Soubise (Figura 195) se ubica en París y está construido desde el año 1704 por el arquitecto Pierre Alexis Delamair quién es de gran importancia e influencia en la arquitectura francesa que se desarrolló a comienzos del siglo XVIII y se le denominó Estilo Regencia.

El objetivo del arquitecto era darle más equilibrio, íntimo y reservado. En este hotel y en otros de la época se aprecia que va sucediendo en las pequeñas salas y tocadores, mientras que en el anterior período se observaba suntuosos y solemnes salones barrocos. (Cerra , A. (2007)).

El Hotel de Soubise tiene un conocido salón oval y con estilo Rococó. Este estilo utilizado es un reflejo del nuevo gusto de aristocracia y una alta burguesía, frívola y caprichosa, la cual se va alejando del estilo del Barroco.

París incorporaba este estilo en las construcciones de lo hoteles (Figura 196) , en cuyas estancias e interiores se desarrolla este estilo ornamental. La nueva vivienda aristocrática como lo son los hoteles se rige por la idea de la comodidad, la distribución de los interiores refleja la diversidad de las estancias, las funciones y necesidad de cada una. El espacio se articula de acuerdo a las proporciones humanas. El estilo de la arquitectura barroca se sigue manteniendo lo cual se reflejado en este hotel de Soubise.

(Alegre, E; Gómez, C(2016) p.153) Figura 196: Planta hotel de Soubise Fuente: Paris Musées

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CAPÍTULO 6

BARROCO EN ESPAÑA (SIGLO XVII) El Barroco de España empezó desde la obra de Heinrinch Wolfflin. El interés por el estilo del barroco en España nació entrando al siglo XX..

Para los académicos neoclásicos, el Barroco fue un error, sin embargo, fue uno de los estilos que demostró la mejor fortuna de España ya que fue uno de los países que obtuvo mayor riqueza en cuanto a lo ornamental (Figura 197) y distorsionamiento tan radical de las formas.

El poder de la iglesia fue enorme y sus consecuencias serían mucho mayores que en Italia debido que en España durante el siglo XVII se caracterizó por su unidad y por la expansión americana, lo que explica las características más sobresalientes del Barroco español es su carácter religioso.

Figura 197: Fachada principal de la Catedral de Guadix Fuente: Alamy

Otra de sus características fue la mezcla que utilizaban entre la ornamentación y la sobriedad.

Dentro del Barroco Español existen varios períodos, en el siglo XVII donde surge el Barroco temprano , el cual desarrolla la arquitectura herreriana. Luego aparece el Barroco pleno y unas de los artistas más representativos surge en esa época Alonso Cano con su obra arquitectónica Catedral de Granada (Figura 198) y después en el siglo XVIII logra alcanzar su máximo apogeo por la familia Churriguera, y se denominaron estilo Churrigueresco como el "rococó español" y tenían un exceso decorativo.

En el siglo XVIII, aparece el estilo borbónico se desarrolla más la arquitectura churrigueresca y se acerca más al clasicismo en sus palacios.

(Wackernagel, M. (2014), p.51-53) Podemos concluir que tenía predominio en cuanto a los elementos decorativos sobre los constructivos y se puede afirmar que más que un estilo arquitectónico era más una decoración arquitectural.

Figura 198: Catedral de Granada Fuente: Arte Historia

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CAPÍTULO 6 LA OBRA DE CHURRIGUERA

Figura 199: Palacio de Goyeneche Fuente: Arte en Madrid

Primero se hablará una breve introducción sobre los Churriguera que lo conforma una familia de artistas de origen del catalán que dieron un gran impulso en la arquitectura del centro de España. La familia Churriguera lo conforma José Benito de Churriguera el cual alcanza una libertad de expresión en su estilo propio llamado el Churrigueresco que se caracteriza por su multiplicidad de ornamentación y elementos tradicionales. El otro hermano es Joaquín de Churriguera el cual une las formas clásicas con la decoración que procede del estilo plateresco. Por último está Alberto, el cual desarrolla libremente su estilo. (Wackernagel, M. (2014), p.)

PALACIO DE GOYENECHE (1720) El Palacio de Goyeneche (Figura 199) es la casa de Juan de Goyeneche es una importante obra del estilo del barroco y lo manda a construir al arquitecto más importante de esa época a José Benito de Churriguera en el año de 1720 y se encuentra ubicada en Nueva Baztán, España.

Esta Planificación de obra arquitectónica que refleja lo sobrio, lo monumental, sencillo. Cuando José de Churriguera falleció su hermano estuvo a cargo Alberto de Churriguera.El Palacio no solo funcionaba como la vivienda de Goyeneche sino que tenía zonas que funcionaban como fábrica.

Telemadrid. (2021). Un paseo por la historia del Palacio de Goyeneche [Vídeo]. YouTube.

Posee una sola planta (Figura 200) como se puede observar además cuenta con un patio que se utilizaba para eventos de entretenimiento del pueblo y dos danzas de arco. Además, tienen un juego de columnas en la fachada, un pórtico y zaguán.

Luis Portocarrero. (2014). Palacio de Goyeneche [Vídeo]. YouTube.

Figura 200: Planta del Palacio de Goyeneche Fuente: Academia colecciones

Podemos concluir que esta obra arquitectónica a pesar que fue sencilla sin tantos detalles en su fachada, fue importante en esa época debido a que recién surgía lo del Barroco.

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CAPÍTULO 6

PLAZA MAYOR DE SALAMANCA (1729-1733) El origen de la Plaza Mayor de Salamanca (Figura 201) está en la Plaza de San Martín donde se instaló un mercado estable, pero fue modificado, solo permaneció durante la Edad Media. Adenás, Está situada en el corazón de la ciudad universitaria , rivalizada con las plantas mayores más antiguas de Madrid y de Valladodid.

Figura 201: Plaza Mayor de Salamanca Fuente: página web El País

La Plaza Mayor de Salamanca (Figura 202) fue realizada entre 1729-1733 por el arquitecto Alberto Churriguera. Por otro lado, lo que caracteriza a la plaza es su elegancia, solemne y tiene una gran decoración en su fachada que se alzan sobre arcadas en tres plantas.( Wackernagel, M. (2014), p.59-60) En cuanto a su planta (Figura 203) se trato que fuera un cuadrado perfecto, pero no se dio de esa manera ya que la Iglesia San Martín y las casas de mayorazgos eran intocables.

En sus fachadas se puede observar que tiene 274 balcones, 96 obeliscos, 88 arcos con 12 entradas. En los dos primeros pabellones de la plaza se destaca y se describen las líneas fundamentales de la construcción. Los pórticos y fachadas que miraban al recinto de la plaza se observa su tipo de material de piedra, luego se observa los arcos, las ventanas, las baustres, las pilastras, molduras, bustos y estatuas. Otro detalle que resalta son sus balcones corridos.

Figura 202: Vista Planta de la Plaza Mayor de Salamanca Fuente: página web Alamy

Esta Plaza es considerada una de las más bellas de España y de Europa, sobre todo por su estilo Barroco que se reflejado.(Wackernagel, M. (2014), p.168-175) Podemos afirmar que está plaza fue una de las más completas, tenía una gran riqueza en cuanto a su arquitectura y su espacialidad. Lo otro que destacaba era sus detalles en las fachadas donde se notaba las ornamentaciones definidas.

Figura 203: Planta de la Plaza Mayor de Salamanca Fuente: página web Arte historia

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CAPÍTULO 6 MONASTERIO DE LA CARTUJA EN GRANADA-MADRID (1730-1764) El monasterio de Cartuja (figura 204) era un museo que contenía sorprendentes detalles; cabe mencionar que aún se puede apreciar vestigios de sus maravillosos adornos en la iglesia y sacristía. La portada de la primera es sencilla, además, en la planta (figura 205) se puede apreciar la ubicación de la estatua de piedra blanca que representa a San Bruno. El templo es sólido y su sagrario fue construido a principios del siglo pasado por D. Francisco Hurtado Izquierdo. (Lafuente, M(1846), p.259) Figura 204: monasterio de la Cartuja en Granada Fuente: página web 101 viajes/ El monasterio de la Cartuja en Granada.

Figura 205: planta del monasterio de la Cartuja en Granada Fuente: página web viajar con el arte

LA SACRISTÍA DE LA CARTUJA EN GRANADA-MADRID En el siglo XVII, se conoce que se progreso de forma general la arquitectura religiosa. Además, la evocación a lo que llega a ser un anejo del monasterio desde el punto de perspectiva funcional, no obstante en ciertos casos se completa con un respectivo carácter artístico: la sacristía. Generalmente en los monasterios del siglo XVII se aluden que sean de gran tamaño proporcional, y se analiza en muchas ocasiones sobre su establecimiento más beneficioso. Cabe resaltar que su situación correcta debe ser, sin duda, el espacio que se congrega detrás de la cabecera del monasterio. Algunos ejemplos que resaltan sería el templo del colegio Imperial de Madrid, monasterio de la Cartuja y en otros casos. Finalmente, cabe resaltar que la sacristía de la Cartuja de Granada (figura 206) representa el sistema estructural reconocible del siglo XVII y el fervor ornamentalista que ha obtenido su cúspide en el comienzo del siglo XVIII. (Belda, C. (1997), pp.69-70) Posteriormente, terminamos con el barroco en España para así proseguir con el barroco en Austria y el sur de Alemania, donde se podrá conocer diferentes representantes del estilo Rococó.

Figura 206: La sacristía de la Cartuja en Granada-Madrid Fuente: página web cartuja de granada

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CAPÍTULO 6 BARROCO EN AUSTRIA Y EL SUR DE ALEMANIA (SIGLO XVII) Se considera que el último estilo eficaz y virtuoso que se registro en la historia del arte fue el Barroco, donde además se presenta el Rococó, cuyo semejante en la música sería el estilo culto.

Equiparar el culto del Barroco con el culto del estilo no origina perjuicio a las obras originales del Barroco y el concepto de estilo que se expresa en ellas. Ese culto se originó con el juicio de que la fuerza generadora de estilo se estaba extinguiendo, y este juicio fue un reflejo del sincretismo de la época de los emperadores Guillermo de Alemania y Francisco José de Austria-Hungría. (Adorno, T. (2008), p.375) El estilo Barroco se manifestó tanto en Alemania como en Austria, ya que se originó por la inspiración italiana y francesa, y ello daría inicio a la creación de obras de gran abundancia decorativa. Lo que más se resalta en las obras es el interior, también la luminosidad brusca, que serán el camino definitivo para el desarrollo del estilo Rococó. Austria y el sur de la actual Alemania habían seguido leales a Roma, por lo que se comprende que la influencia fuera italiana, no obstante una serie de circunstancias generan que esta influencia no se manifieste de buena manera hasta el siglo VII. La Guerra de los Treinta Años, el desmoronamiento de la Hansa Teutónica y las nuevas rutas comerciales que derivan hacia América, acabarán empobreciendo lo que fue el Sacro Imperio Romano Germánico.

(Wackernagel, M. (2014), p.106)

Figura 207: Asamkirche Fuente: página web travel to germany/Asamkirche

Seguidamente, en las siguientes páginas se expondrán diferentes representantes de la arquitectura barroca en Austria y el sur de Alemania. En las obras podemos destacar Asamkirche (figura 207) de los hermanos Asam y la iglesia de San Carlos Borromeo (figura 208) de Johann Bernhard Fischer von.

Figura 208: iglesia de San Carlos Borromeo en Viena Fuente: libro Historia del arte para jóvenes, pág. 288

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CAPÍTULO 6 FISCHER VON ERLACH (1656-1723) En el año 1656 en Austria, específicamente en Graz, nació Johann Bernhard Fischer von (figura 209); también, se conoce que fue hijo de un escultor. A la edad de 11 años, abandonó su hogar para educarse como aprendiz en Roma, donde estudió arquitectura en el estudio de Carlo Fontana (figura 210). En dicho lugar, conoció al arquitecto Gian Lorenzo Bernini y descubrió con gran admiración y asombro, los famosos trabajos de Borromini y Guarini. Después de algunos años, ganó una excelente reputación como arquitecto, obteniendo diferentes encargos de la aristocracia austriaca y llamando la atención del emperador de Sacro Imperio Romano José I y la iglesia. Así mismo, fue invocado por diversas partes, repartió su tiempo entre Viena, Salzburgo y Praga, antes de quedarse de manera definida en Viena, en el año 1686. Fue honrado por el emperador Leopoldo quien lo denomino como Ingeniero Real y incluyó el aristocrático " von Erlach" a su apellido. (Pearson, C. (2014), p.1012) Figura 209: retrato de Johann Bernhard Fischer von Fuente: página web alamy, Johann Bernhard Fischer von

Figura 210: retrato de Carlo Fontana Fuente: libro Vidas de pintores, escrito por G.Bellori, pág.

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Con respecto a sus trabajos, se sabe que en Salzburgo plasmó el Castillo de Kiesheim, en el cual quiso demostrar una inspiración y expresión de la compostura al carácter de Italia, no obstante es la decoración lo que será una marca en su obra, siendo sin duda, el mejor exponente de la arquitectura centroeuropea del siglo XVIII. Además, se conoce que en Viena proyectó la iglesia de San Carlos Borromeo, siendo esta su obra más sobresaliente y la más original obra religiosa del Barroco germánico. Algunos años después, Johann Bernhard fallece en el año 1723 en Viena. (Wackernagel, M. (2014), p.107) A continuación, se mencionará información detallada sobre la obra más célebre de Fischer von Erlach. En mi opinión, el largo trayecto exitoso que tuvo Johann Bernhard fue gracias al excelente arquitecto Carlo Fontana, pero también por su talento natural.

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CAPÍTULO 6 IGLESIA DE SAN CARLOS BORROMEO EN VIENA (1716-1737) La primordial iglesia barroca de Austria es la iglesia de San Carlos Borromeo (figura 211). Se conoce que a inicios del siglo XVIII, la peste generaba problemas en Europa, al punto de matar a miles de individuos. En el año 1713, se detuvo la propagación de esta enfermedad mortal, así mismo, el emperador Carlos VI de la dinastía de los Habsburgo decreto que se construya una iglesia en nombre del santo católico Carlos Borromeo, que era admirado ya que fue un santo patrón de todos los enfermos. Durante muchos años, la iglesia de San Carlos Borromeo fue la iglesia parroquial de la familia real de los Habsburgo. Localizada en la Plaza Carlos, no obstante es complicado no mirar la obra ya que es un edificio de dimensiones impresionantes. Por un lado, se mencionarán diferentes estilos arquitectónicos que se aprecian en la iglesia: columnas romanas, un pórtico griego y motivos orientales en los remates de las torres laterales. Una gran cúpula ovalada ejerce como pieza central. Ciertamente, la iglesia mide 72 metros de largo, y ello se puede apreciar en la planta (figura 212). (Tourmann, I (2014), pp.48-49)

Figura 211: iglesia de San Carlos Borromeo Fuente: libro Viena: Lea y escuche, pág. 48

Por otro lado, se conoce que fue construida inicialmente por Fischer von Erlach y finalizada por su hijo. Su ingenio para la construcción de la iglesia fue fusionar reminiscencias del exterior de San Pedro y del pórtico del Panteón con dos enormes columnas que sustituyen a las torres de las fachadas. Con estos elementos constantes del arte romano imperial, establecidos en las curvaturas elásticas de su iglesia, Fischer von Erlach manifiesta la capacidad de la fe cristiana para captar y transformar los esplendores de la antigüedad. (Janson, H; Janson, A(1988), p.288) Posteriormente, nos despedimos de Austria para así continuar con el país de Alemania, donde encontraremos dos obras impresionantes. En mi opinión, considero que Fischer von Erlach construyó una edificación particular, ya que genera bastante asombro su presencia.

Figura 212: planta de la iglesia de San Carlos Borromeo Fuente: página web premoderno/iglesia de San Carlos Borromeo

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CAPÍTULO 6 LA OBRA DE LOS HERMANOS ASAM: ASAMKIRCHE (1733-1746)

Figura 213: Asamkirche Fuente: página web travel to germany/Asamkirche

La Guerra de Sucesión Española que surgió en los años 1701 y 1714, provocó que se retrase la llegada del desarrollo del estilo Barroco en Baviera. Además, con el proseguir de la paz y el retorno de la familia gobernante Wittelsbach, Baviera vio un proceso moroso del estilo barroco, con una suntuosidad sin semejante en el cual los hermanos Asam ejercieron un papel principal. La obra maestra final de ellos fue la iglesia de Asamkirche (figura 213) en Munich, construida entre 1729 y 1746. Cabe resaltar que fue inspirada por la obra de Borromini, la cual es la iglesia romana de San Carlo alle Quattro Fontane. (Manca, J; Bade, P; Costello, S(2007), p.512) En los años 1733 y 1746 se construyó el edificio rococó, el cual tenia como idea original ser una capilla privada, pero a los ciudadanos de Munich les agrado tanto que los arquitectos encargados determinaron que se emplearía como iglesia parroquia. En el aspecto arquitectónico encontramos diferentes detalles que se visualizan en la planta (figura 214), pero lo mas sobresaliente lo localizamos en la entra se encuentra flanqueada por unas masas rocosas esculpidas de forma naturalista. Cabe mencionar que San Juan Nepomuceno se manifiesta esculpido en la fachada, junto con medallones de un retrato del papa Benedicto XIII y del obispo Joan Theodor de Freising. (Bentley, J(1994), p.30) Luego se mostrarán las obras d.Zimmermann y de Johan Balthasar Neumann, quienes son dos grandes exponentes del estilo Barroco en Alemania. Por otra parte, considero que los hermano Asam fueron dos grandes arquitectos que marcaron la arquitectura por sus grandes obras, a parte del peculiar dúo que forman ya que son familia y se dedicaron a crear grandes aportes a la arquitectura de Alemania.

Figura 214: planta Asamkirche, Munich, Alemania. 1733-1746 Fuente: página web Columbia University libraries

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CAPÍTULO 6 LA OBRA DE D.ZIMMERMANN LA IGLESIA DE PEREGRINACIÓN DE STEINHAUSEN (1727-1735) En Alemania es donde se descubren los ejemplos más maravilloso y específicos de lo que podría el estilo rococó religioso, construidos mediante el lapso del siglo XVIII. Uno de los mayores exponentes de este estilo fue Dominikus Zimmermann, quien era un estuquista de Baviera que se convirtió en un sagaz constructor de obras maestras, entre las que se destacan las iglesias de Steinhausen (figura 215) y la Wies. Cabe resaltar que la obra más sorprendente de Zimmermann es la iglesia de peregrinación de Steinhausen. Por un lado, se encuentra la planta (figura 216) simple elipse longitudinal, cuya nave podría figuradamente denominarse como la típica iglesia salón; no obstante Zimmermann resolvió notablemente en ella la dificultad de sintetizar la centralidad y la longitudinalidad.

Además, se observa una series de arcos regulares que se soportan sobre los pilares, que rematan las piezas de entabiamento de mucha plasticidad. El interior se aprecia un gran esplendor y exhibe una gloriosa decoración, pintada por un hermano del arquitecto.

(Plazaola, J(1994), pp.90-91)

Figura 215: la Iglesia de Steinhausen Fuente: libro Historia del arte de los siglos XVII y XVIII: redes y circulación de modelos artísticos, pág.381

Por otro lado, Zimmermann (1685-1766), formado con los maestro de Vorarlberg, quien en su iglesia de peregrinación de Steinhausen, la cual inició la construcción en 1727, había experimentado la creación del deambulatorio que era necesario en las iglesias de peregrinación, no obstante se conoce que era como un pasillo pegado a los muros, separado de la nave central mediante pilares. (Carrió, D; Cámara, A(2014), p.381) A continuación, se expondrá información precisa sobre el otro expositor del barroco en Alemania, el cual es la Johan Balthasar Neumann con su obra la iglesia de Neresheim. En mi punto de vista, considero que Dominikus Zimmermann creo una edificación con una planta sencilla pero lo que más resalta de su obra es su maravilloso interior que asombra a cualquier individuo.

Figura 216: planta de la Iglesia de Steinhausen Fuente: página web sueddeutscher-barock

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CAPÍTULO 6 LA OBRA DE JOHANN BALTHASAR NEUMANN: LA IGLESIA DE NERESHEIM (1747-1792)

Figura 217: la Iglesia de Neresheim Fuente: página web arquitectura asombrosa blog spot/la Iglesia de Neresheim

El barroco del sur de Alemania es esencialmente el relato de algunos arquitectos eminentes, contribuidos por un equipo de pintores, yeseros, estucadores y escultores. Entre los arquitectos más destacados se encuentra Johan Balthasar Neumann (1687- 1753).

También, se sabe que el último y más radical de los proyectos de Neumann fue el de la iglesia de Neresheim (figura 217), construida inicialmente en 1747 y terminada en 1792. Se puede percatar que no se trataba de una iglesia aislada, sino que estaba integrada en un monasterio benedictino, e incluso en el extremo del coro se incluía una antigua torre de una iglesia románica anterior. Además, en el interior se encuentra una fila de bóvedas ovaladas y circulares que apoya sobre una ondulante osamenta de columnas, pilastras, arcos y pilares. Incluso, se puede observar mediante la planta (figura 218) que el interior se ilumina con luz natural. Si se habla sobre elementos portantes principales, encontramos pilares cortos o tramos cortos de muro girados en ángulo recto respecto a la nave. Las bóvedas se sostienen sobre arcos tridimensionales. La cáscara exterior de la iglesia es relativamente sencilla. (Ching, F(2011), p.150) Actualmente, se conoce que en la iglesia se realiza un culto habitual de la colectividad monástica, que se celebra en la Eucaristía y Liturgia; ademas de ejecutar actividades pastorales y culturales. No obstante, se lleva a cabo una sucesión anual de conciertos en la iglesia Neresheim desde su reapertura en el año 1975, se considera un importante centro de atracción.

(Hammes, G(2016), p.26) Seguidamente, nos despedimos del barroco en Alemania, para así comenzar el barroco en América.

En mi punto de vista, lo que más puedo resaltar en el barroco en Alemania son las iglesias , ya que gozan de un espectacular interior.

Figura 218: planta de la Iglesia de Neresheim Fuente: libro Una historia universal de la arquitectura.

Vol 2. Del siglo XV a nuestros días, pág. 150

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CAPÍTULO 6 BARROCO EN AMÉRICA(XVII-XVIII) El Barroco en América se desarrolló durante el siglo XVII hasta finales del siglo XVIII. Pero su mayor expresión se consiguió durante el siglo XVIII debido a la llegada del Barroco a través de los españoles.

El barroco realiza normas características al mundo colonial, entre los aportes más significativos en la decoración se encuentra la naturaleza, esto se ve reflejado en las construcciones de América, específicamente en las fachadas de las iglesias. (López, E. (1999),p.23). Estoy de acuerdo con el autor ya que la iglesia fue uno de los componentes más destacados en América, en el que estuvo involucrado la Compañía de Jesús. Su estilo se vio reflejado en las construcciones de otras iglesias; más adelante se verá su contribución en las obras más representativas en algunas ciudades del Peru.

Se puede observar mayor presencia del Barroco tanto en México como en Perú, no solo en la arquitectura sino también en la pintura y escultura. Entre las obras más representativas que se encuentran en México son la Catedral Metropolitana (Figura 219), Iglesia de Santo Domingo(Figura 220); en Perú, Palacio de la Torre Tagle (Figura 221), Iglesia y Convento de San Francisco.

Figura 219: Catedral Metropolitana de la Ciudad de México Fuente: página web nuestro méxico

Figura 220: Iglesia de Santo Domingo, México Fuente: página web méxico cultura

Otro factor que es importante señalar es la multiculturalidad que existió en el Barroco Americano ya que se integraban las culturas con la presencia de indígenas, criollos, mestizos, con artistas europeos se pudo crear un estilo propio de cada región. (Villacorta y Santamato, Luis.

(2010), p 307).

Posteriormente, se explicará la influencia que tuvo el estilo Barroco en el Perú, que especialmente se ve reflejado en sus construcciones virreinales principalmente en Lima, Cusco, Arequipa, Ayacucho y Puno.

Figura 221: Palacio de la Torre Tagle, Perú Fuente: página web arquitectura virreinal PAG 109

CAPÍTULO 6 LIMA, CAPITAL DEL VIRREINATO DEL PERÚ Se conoce a Lima como la ciudad de los Reyes, la cual hace referencia a los Reyes Magos. Fue fundada el 18 de enero de 1535 por Francisco Pizarro.

Para empezar, Lima fue por casi dos siglos la cuna del Virreinato, en el cual abarcaba territorios desde Panamá hasta la ciudad de Argentina. Posteriormente, surgieron otros virreinatos como el de la Plata y de nueva Granada. (Villacorta & Santamasno, Luis(2010), p.294)

Figura 222: Iglesia y convento de San Francisco, 1546 Fuente: página web dreams time / Iglesia y convento de San Francisco

Figura 223: Plano de la Iglesia y convento de San Francisco, 1546 Fuente: página web las ley de Incas.com / plano Iglesia y convento de San Francisco

Entre el siglo XVII y XIX, se introdujo el Barroco en Lima, que especialmente se caracterizó por su excesiva ornamentación y su aspecto libre en movimiento. (Langschwager, Ariana.(2018),p.

226).Esto se puede observar si recorremos distintas calles en Lima ya que que se extendió en toda la arquitectura durante el virreinato, pero que muchas de ellas fueron destruidas por consecuencia del terremoto. Entre las más representativas se encuentra la Basílica y el convento de San Francisco (Figura 222).

El estilo barroco en la basílica de San Francisco, lo podemos observar en la decoración interna que se ve en los retablos, hornacinas, en lienzos, que tenían pintura cusqueña; y también se refleja este estilo en la decoración de la fachada, cuya composición puede estar inspirada en las portadas cusqueñas que se observan en la Compañía de Jesús y en la catedral. Asimismo, en el convento de San Francisco lo que destaca sobretodo es su fachada principal, que tienen las arquerías altas con arcos moldulares de medio punto, los cuales se pueden apreciar en la planta (figura 223), que se encuentra sobre pilares de huecos. (Arellano, F. (1988), p . 244.).

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CAPÍTULO 6 EL BARROCO EN CUSCO (SIGLO XVIII) Uno de las ciudades que tienen gran presencia artística durante el Barroco es Cusco.

Primero se empezará explicando sobre los elementos más importantes que se desarrollaron en Cusco y algunas de sus representaciones más importantes que se realizaron en esta ciudad.

Para empezar, es importante señalar que en Cusco se realizó una de las más importantes escuelas barrocas, la cual se extendió y tuvo gran influencia en Collao. (Arellano, F. (1988) , p. 239).

Cusco, en la arquitectura Barroca, se caracteriza específicamente por la composición sus fachadas, esto tuvo también un importante función, la cual servía de altar.

Esto hizo que a las fachadas se les conociera con el nombre de portada retablo.

Figura 224: Iglesia de la Compañía de Jesús, Cusco Fuente: página web ilamdir.org

Entre las obras más representativas encontramos a la Iglesia de la Compañía de Jesús (Figura 224), el Claustro de la Merced y el Templo de San Sebastián.

En esta oportunidad, se explicará acerca de la Iglesia de la Compañía de Jesús . Como ya se mencionó anteriormente, el elemento más característico es su fachada, la cual está compuesta por dos torres, las cuales se pueden apreciar en la planta (figura 225), además cuenta con un espacio central de tipo retablo. (Kubiak, E, (2012),p. 12-13)

Durante la investigación de diversos textos de la arquitectura barroca en Cusco, se pudo encontrar distintas opiniones acerca de la importancia de las iglesias. Por lo que, se pudo llegar a la conclusión de que esta iglesia jesuita fue un paso más para el desarrollo de otras nuevas iglesias.

Figura 225: planta Iglesia de la Compañía de Jesús, Cusco Fuente: página web ilamdir.org

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CAPÍTULO 6 EL BARROCO EN AREQUIPA (SIGLO XVII) Uno de las ciudades, en donde se puede ver reflejado una mayor expresión del estilo barroco es en Arequipa.

Por un la lado, en las construcciones de la ciudad de Arequipa, se presenta como arquitectura barroca andino; es decir un estilo mestizo. (Martinez, J. (2006),p134).

Figura 226: Iglesia de la Compañia de Arequipa (1590-1698) Fuente: página web academia. edu

También es importante resaltar un elemento característico que usaban en las construcciones , se puede observar el uso del blanco sillar, la cual es una piedra volcánica que se originó en el Misti, se usa para construir edificios de gruesos muros, como se puede observar en planta de la iglesia de la Compañía de Arequipa (Figura 226), gruesos contrafuertes y resistentes bóvedas.(Miro, A. (1949), p. 25).

Entre las obras más representativas de este estilo, podemos encontrar a la Compañía de Arequipa (1590-1698), (Figura 227) y su Claustro de la Compañía, ubicada en centro histórico de Arequipa.

Como se explicó anteriormente, hacían uso del sillar blanco, por esto también se encuentra presente en la iglesia de la Compañía de Arequipa, en esta se continúa con el modelo clásico de las iglesias jesuitas, la cual tiene una extensa nave con capillas laterales , crucero y una presenta una cúpula sobre pechinas. Por otro lado, en cuanto al Claustro, como es particular del estilo barroco, se caracteriza por su ornamentación. (Iconografía Ignaciana (2004) p. 84-85).

Figura 227: Planta de la Iglesia de la Compañía de Arequipa Fuente: Arequipa- Libro un siglo de Luz, p. 54

Podemos concluir, que es un barroco mestizo debido a la integración de elementos de la región, americanos con presencia europea..

También debemos agregar que, la pintura es un elemento importante en la decoración en su interior.

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CAPÍTULO 6

EL BARROCO EN AYACUCHO (SIGLO XVII) CATEDRAL DE HUAMANGA(16321672) El carácter del Barroco se manifestó en la arquitectura ayacuchana y de alguna manera se trató de aplicar la misma metodología estructuralista para llegar a una comprensión de las fachadas eclesiásticas de Ayacucho.

Este estilo se aplicó en las fachadas y portadas que aparece decorado por alguna composición arquitectónica y con una simple ornamentación. ( Miranda, J. (2017) p.1).

Figura 228: Catedral de Huamanga Fuente: página web En Perú.org

Se sabe que en Europa entre los siglos XV y XVIII se desarrollo dos estilos arquitectónicos entre ellos el Renacimiento y el Barroco que fueron de gran influencia para las construcciones en la provincia de Ayacucho en Perú y de ella también surgió la arquitectura Herreriana a finales del siglo XVI aunque sus usos en las formas era muy básicas.

La Catedral de Ayacucho (Figura 228) es una de las más importantes Catedral del Barroco y se encuentra ubicada en la Plaza de Armas de Ayacucho, ello se puede ver en la planta (figura 229). Su construcción empezó en 1632 y finalizó durante el año 1672.

Por otro lado, la Catedral de Ayacucho en el caso de su tercer modelo de diseño tanto de su fachada como su iglesia en el siglo XVII y tenía como diseño de las fachadas barrocas del Cuzco. (" Las fachadas Barrocas de Ayacucho". (1996). p. 128-130).

Con lo investigado podemos afirmar que el estilo del Barroco Español fue de gran importancia e influencia para las construcciones de iglesias y ornamentaciones en las fachadas en otros países.

En este caso, Ayacucho es uno de los ejemplos más resaltantes ya que cuenta con 33 iglesias y muchas de ellas son de estilo.

Figura 229: vista planta de la Catedral de Huamanga Fuente: página web google maps / Catedral de Huamanga

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CAPÍTULO 6 EL BARROCO EN PUNO (SIGLO XVIII) CATEDRAL DE PUNO La Catedral de Puno (Figura 231) es una de las más sobresalientes obras arquitectónicas del barroco peruano.

Cuenta con una armonía y equilibrio de su conjunto de su monumento.

Por la inscripción grabada en el arco de la entrada mayor se sabe quién es el autor de la decoración escultórica, pero no se sabe quién es el escultor de aquella obra arquitectónica. En la portada de la entrada dejaron la fecha en que se finalizó un 25 de Mayo de 1757 y el que lo diseñó fue Simón de Asto.

La planta del edificio presenta a la invariante barroca por su cruz latina, con Figura Catedral de sobre Puno dos230: sacristías los brazos del crucero, Fuente: Plataforma de Arquitectura y un camarín.

En la Catedral de Puno en cuanto a su estructura se puede observar que es típica de la región andina, la cual esta compuesta por dos torres, y además se ve los elementos escultóricos en las parte central y también es la parte superior.

En cuanto a la planta (Figura 231) de la iglesia es interesante ya que tiene un alargamiento de la nave y quizá, es una tradición regional del siglo XVI.

Figura 231: vista planta de la Catedral de Puno Fuente: página web google maps / Catedral de Puno

Lo que más resalta de su fachada es su portada, una obra maestra del barroco.

Diversos autores han comentado que esta Catedral de Puno se concentraron dos corrientes estéticas de vigorosa significación en el barroco peruano.

Mientras que su interior tiene un escaso interés de lo ornamental y tiene bajos relieves. (Moysén, X. (2012) p.6-7)

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CAPÍTULO 7 LA ARQUITECTURA NEOCLÁSICA (1760-1850) El Neoclasicismo fue un movimiento artístico que se desarrolló entre 1760 a 1850, aunque coexiste con otras manifestaciones y estilos. Tenía un lenguaje equilibrado y racional propio.

La arquitectura neoclásica exigió una nueva orden social en la ciudad, y sus proyectos tenían que ver con el plan de reforma urbanística.

Esta ciudad el arquitecto tuvo un rol muy importante ya que se preocupo por el desarrollo social y funcional. Se edificaron iglesias como templos clásicos, escuelas, hospitales, mercados, aduanas, puertos, calles, plazas.

Figura 232: Ministerio de Hacienda de Madrid.

Fuente: test.historia

Buscaron de alguna manera analizar y clasificar la relación entre la naturalidad que se refiere al sentimiento, y la sociabilidad que tiene que ver con el deber de la persona.

Lo clasifican de dos maneras. La primera, es una arquitectura que sigue siendo barroca que mantuvo la exaltación del poder y la autoridad, donde se pudo observar el contraste entre el rococó que despoja sus elementos y por la simplicidad romana, entre ellas se encuentran el Panteón de París, La Ópera de Berlín, La Puerta de Alcalá y el Ministerio de Hacienda de Madrid.

La segunda, es una arquitectura funcional y desnuda ya que tiene intención simbólica. Una verdadera arquitectura la cual preocupó a los revolucionarios al integrarse en la nueva sociedad.

Figura233 : Puerta de Alcalá Fuente: Historia del Arte

La técnica que se empleó para neoclásico es rigurosa. El objetivo del artista es proyectar el arte del neoclásico. En este proceso técnicopráctico se empleó en las obras un interés directo para la colectividad y la estética. El artista empleó lo teórico para los proyectos. (Campas, J & González. A(2009) p.26) Después de investigar sobre la arquitectura neoclásica podemos afirmar que este estilo estaba más relacionado con lo urbanístico y sus obras arquitectónicas eran complejas y resaltaba por sus relieves en las fachadas (Figura 228,229,230)

Figura 234: Arco de Carrousel Fuente: Arte historia PAG 115

CAPÍTULO 7 NEOCLÁSICO EN FRANCIA, INGLATERRA Y ALEMANIA Después de haber realizado la investigación sobre la arquitectura neoclásica de manera general ahora se mencionará sobre los países en que el neoclásico tuvo un rol muy importante, entre ellos, está Francia, Inglaterra y Alemania.

El neoclasicismo en Francia comienza a finales del reinado de Luis XV y consiste en la supresión de los elementos superfluos del barroco.

Figura 235: Trienon de Versalles- Francia Fuente: Historia del Arte

Figura 236: Palacio de Buckingham en Londres Fuente: Expansión

Figura 237: Puerta de Brandenburgo en Berlín Fuente: Lonely Planet

Se originó primero en Italia, pero donde tuvo mayor predominio y desarrollo fue en Francia ya que hubieron arquitectos franceses que tuvieron la oportunidad de estudiar en Roma de esa manera fueron aplicando en Francia las características clásicas. Este estilo fue utilizado durante el primer imperio napoleónico sobre todo para la Alta Sociedad. Un ejemplo de construcción de Arquitectura neoclásica es el Trienon de Versalles que se ubica en Francia. (Figura 235) En cuanto al neoclásico en Inglaterra se desarrolla en el siglo XVII a pesar de la ausencia del barroco, se empleó para diseñar una gran variedad de edificios públicos, como bancos, museos y oficinas de correos. La Realeza Británica encargó a uno de los más grandes arquitectos británicos de la arquitectura neoclásica fue John Nash. Un ejemplo de una obra arquitectónica es el Palacio de Buckingham en Londres.(Figura 236) En cuanto al neoclásico en Alemania, se desarrolló durante el siglo XVIII realizaron una combinación entre el Barroco y el neoclasicismo en cuanto a sus construcciones.

Un ejemplo de construcción del estilo Neoclásico es la puerta de Brandenburgo en Berlín. (Figura 237) ("Neoclasicismo. Nuevo concepto de urbanismo y arquitectura" (2015)

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CAPÍTULO 7 LA OBRA DE SOUFFLOT EN PARÍS: IGLESIA DE SANTA GENOVEVA (1758) EL PANTEÓN El Panteón (Figura 238) fue un estilo neoclásico, se ubica en Sorbonne. El arquitecto Soufflot comenzó con los proyectos y dibujos en 1758 ya que Luis XV lo mandó a cargo de la obra y quería erigir una iglesia a Santa Genoveva. La construcción empezó en 1764 y por el fallecimiento del arquitecto la obra se tuvo que retrasar en 1780.

Los arquitectos Jean- Baptiste Rondelet y Maximilien Brébion fueron los que concluyeron la obra. La Asamblea Nación la convirtió en Panteón de hombres ilustres de la historia de Francia en el año 1791.

Del plano se visualiza que es una planta de cruz griega (Figura 239) cupulada con propileo que cuenta con un nártex con medida de 110 de largo, 84 de ancho y 83 de alto.

Figura 238: El Panteón de París Fuente: Freepik

En cuanto a su fachada tiene un pórtico hexástilo de orden corintio muy decorado con su entablamento por un frotón triangular con relieves. ("estándares de obras arquitectónicas neoclásicas" (2018) p.1) En esta obra arquitectónica se observó que tiene ideales en la arquitectura de Souflot de conseguir la ligereza del gótico final de la arquitectura grecorromana y renacentista en su exterior.

El neoclasicismo procura una severidad formal mayor a los anteriores renacimientos clásicos por la gran abstracción geométrica que aplica a sus formas que despoja de ornamentación.

En la iglesia hacen uso de la geometría como se puede ver en su exterior. (Garófalo, G (2011) p. 124-125)

Figura 239: Planta del Panteón de París Fuente: Historia del Arte II

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CAPÍTULO 7 LA OBRA DE SOUFFLOT EN PARÍS: IGLESIA DE SANTA GENOVEVA (1758) La construcción de este arco primero estuvo en la entrada del palacio de las Tullerías, pero se destruyo debido a un incendio, pero mantuvo su posición.

El arco de Carrousel (Figura 240) es un monumento con estilo neoclásico que fue creado durante el reinado de Luis XV y Napoleón Bonaparte. Se encuentra ubicado entre el Museo de Louvre y el Jardín de Tullerías). Durante la mayor parte del siglo XIX y XX, fue considerado uno de lo más importantes de Francia. Fue diseñado por los arquitectos Charles Percier y Pierre Fontaine.

Figura 240: Arco de Carrousel Fuente: Arte historia

Se encuentra alineado con otros monumentos de París entre ellos, el Arco del Triunfo y el Arco de la Défense.

Se encuentra separada por una elegante barandilla de hierro, se eleva el arco del triunfo del carrusel, cuenta con de 45 metros de altura, 48 metros de ancho y consta con tres pórticos laterales y uno transversal. Esta estructura fue creada por Napoleón I en 1806 en imitación al Arco Triunfal Septimio Severo en Roma. En la vista en planta (Figura 241) se puede ver con más detalle los lados en que se colocan las columnas de mármol y su orden.

En la parte superior colocaron una alegoría de la restauración de la monarquía con bajorrelieves. (Baedeker, C (2013)

Figura 241: Planta del Arco de Carrousel Fuente: Urban Networks

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CAPÍTULO 7

IGLESIA DE MAGDALENA EN PARÍS (1763-1842) Fue construida en el año 1763 a 1842. La iglesia Magdalena (Figura 242) es un templo católico con un estilo neoclásico que se ubica en París cerca a la Plaza de la Concordia.

El arquitecto que estuvo a cargo fue Pierre Contant, pero cuando falleció fue reconstruida con los planos de Guillaume Couture y por último, estuvo a cargo de Pierre Alexandre Vignon que se baso en un templo romano. De su estilo se puede rescatar que tiene un exceso decorativo, de formas blandas y curvilíneas.

En cuanto a su interior es de estilo barroco clasicista que ondula paredes y utiliza de forma decorativa en los elementos arquitectónicos , destaca por sus esculturas, pinturas y mosaicos.

Por otro lado, como se visualiza en la planta (Figura 243) está compuesto por una sola nave y tres cúpulas con tres óculos en el centro y con decoraciones. ("Estándares de obras arquitectónicas neoclásicas" (2018) p.1)

Figura 242: Iglesia de Magdalena en París Fuente: Oficina de Paris

Mientras que en el exterior se observa que tiene un tejado a dos aguas, 52 columnas corintias y su altura y que llegan a una altura de 20 metros, además cuenta con escalones que conducen a las reliquias del Templo. (Franco, E. (2020) p.1) Con lo investigado de diferentes autores sobre la iglesia de Magdalena podemos afirmar que destaca por su monumentalidad, por sus proporciones, sus frisos en la parte superior y los detalles en las columnas de orden corintio que tienen gran tamaño y que están ordenadas alrededor de la Iglesia.

Figura 243: Iglesia de Magdalena en París Fuente: Architectural Drawings y photos

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CAPÍTULO 7 LA OBRA DE BOULLÉ Y LEDOUX P R OY E C TO D E LA OP E R A D E P A R Í S (1728), A R QU I TE C TO É TI E N N E - LOU I S B OU LLÉ

Figura 244: La Opera de París Fuente: Proyectos

El autor de este proyecto es Boullé (Figura 244) realiza dibujos que definen sus treinta y dos proyectos. En cuanto al proyecto de la Ópera construido por ÉtienneLouis Boullé es un gran teatro de ópera y como se puede observar en la imagen de la fachada se ve de manera semicircular con media cúpula artesonada en el techo. En el plano también se puede observar su planta circular (Figura 245) y como se van distribuyendo los espacios en el interior. (León, L (2007). p.25).

El proyecto se caracteriza por la articulación de las masas, el énfasis de las forma y la investigación sobre los efectos del claoscuro. (Zapata, A. (2020). Nicolas Ledoux y Etienne Louis Boullée (Vídeo).

Luego, a comparación de la obra de Boullé que solo el proyecto se presenta en un boceto, aparece el proyecto de Ledoux que hace un dibujo en perspectiva del teatro Besacon, pero que este si se lleva a cabo.

Figura 245: Planta de la La Opera de París Fuente: Carlos Sambricio

P R OY E C TO TE A TR O D E B E S A N C ON (1789),A R QU ITE C TO C LA U D E N I C OLA S LE D OU X Uno de los proyectos importantes y que si se llegó a realizar fue el Teatro de Besancon (Figura 246), construido en 1789 y se encuentra ubicado en París y fue diseñado por el arquitecto Claude Nicolas Ledoux.

Este teatro cuenta con una planta semicircular que carece de palcos. Disponía de un foso hundido para la orquesta bajo el cual se realizó un hoyo acústico en las paredes semicilíndricas, para que sea como un reflecto o que produzca un efecto acústico para los músicos.

(León, L (2007). p.25) Figura 246: Proyecto Teatro de Besacon Fuente: Centro Contemporáneo PAG 120

CAPÍTULO 7 TEATRO PARA BERLÍN (F. GILLY) - 1799 Friendrich Gilly (Figura 247) nació en el año 1764, fue un arquitecto que destacó por su fama y se baso en un período creativo en menos de una década y diseño unos edificios modestos.

Los primeros dibujos de Gilly solo eran conocido por un pequeño grupo de investigadores hasta que Erhard Ross los presentó a la colección de arte de la Universidad de Georg-August Gottingen. Las obras de Friedrich son de gran importancia, muestra una faceta desconocida y sobre todo, en sus primeros estilos de dibujo.

Friedrich fue un destacado arquitecto y diseñador de teatro, al principio como a otros arquitectos de esa época le preocupaba la cuestión de como reformar esta obra de construcción.

En cuanto al teatro de Berlín se observa sus múltiples formas, además le daba gran importancia a los edificios teatrales y consideró en aplicar consideraciones teóricas en la obra arquitectónica. Los diseños de Gilly para el teatro de Berlín eran muy ambiciosos y corresponde al concepto idealista de la estética . Scholl, C. & Hilliges, M. (2016)

Figura 247: Friendrich Gilly Fuente: In Museum Digital

El proyecto del Teatro para Berlín (Figura 248) muestra una función espacial, alberga un escenario el cual forma una sala de espectadores semicircular. Además, cuenta con un pórtico con columnas que tiene como función de entrada al lugar.

Los tres cuerpos están unidos por un hilera entre sí de manera continua como si fueran un corchete. Por ello, Gilly consideró una tradición de arquitectura berlinesa. De esa manera, sus diseños románticos del antiguo Deutschordensburg obtuvieron un mayor interés público. (Gössel, P. (2007)) Figura 248: Boceto del Teatro Nacional de Berlín Fuente: Zeichnungen zum Nationaltheater auf dem Gensdarmenmarkt

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CAPÍTULO 7 LONDRÉS, CASA EN GROSVENOR SQUARE (ROBERT ADAM) Primero es importante explicar sobre la denominación de Square, la cual es una plaza ubicada en Londrés, es abierta y pública en donde se encuentra una serie de casas. De esta manera surgen distintas plazas, pero en esta oportunidad, se enfocará en la plaza Grosvenor Square(Figura 249), realizada en 1695. (Giedion, S.(2009)p.690-691)

Figura 249: Grosvenor Square, Londrés 1695 Fuente: Libro Espacio, Tiempo y Arquitectura, p. 691

Figura 250: Vista Interior del tercer salón de la casa Derby Nº 23, Adam Robert Fuente: Riba Architecture

En la plaza de Grosvenor, se encuentra la casa Derby, que fue realizada por el arquitecto británico Robert Adam (1728-1792) en el año 1776.

La familia real tuvo una gran influencia sobre las obras de Robert es por esto es que, encargan el trabajo de hacer algunas remodelaciones de la casa Derby.

La casa se construyó en el lado oeste de la plaza, que al principió pasó por varios arrendamientos hasta que fue adquirido por Lord Stanley. Este encargó a Adam para realizar la remodelación de la casa, específicamente lo que realizó Adam fue decorar algunas salas. Pero particularmente uno de sus mejores trabajos se ve reflejado en el tercer salón de la casa. (Figura 250) También se debe mencionar que trabajaron otros diseñadores para el nuevo proyecto que se estaba planteando en la decoración interior. (Sir John Soane's Museum(2011).

De acuerdo a todo lo investigado, se puede exponer que Robert Adam usaba un estilo clásico en sus obras, que con el tiempo pudo usar otro nuevo arte que fue el estilo Adamesco. .

Asimismo, trabajó junto a su hermano en distintas obras, sobretodo en viviendas , residencias y edificaciones públicas.

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CAPÍTULO 7 BANCO DE INGLATERRA 1792-1823 ( J. SOANE) Primero, se empezará mencionando al arquitecto que hizo la remodelación de esta obra, la cual es el Banco de Inglaterra. Esta se realizó durante los años 1792 y 1823. (Figura 251).

La remodelación del Banco de Inglaterra, fue realizada por Soane, quien es conocido como uno de los arquitectos ingleses más importantes del estilo neoclásico. Otras de sus obras que es importante mencionar es su propia casa en Lincolns Inn Fields, que actualmente es el museo Soune. (Trachtenberg, M. ; Hyman,I.(1990), p 522)

Figura 251: Banco de Inglaterra (1792-1823), J.Soane Fuente: Página web esacademic

Se puede sostener que, con el trabajo que realizó en el Banco de Inglaterra, Saone con sus ideas arquitectónicas logró una gran variedad de solucines en las distintas dependencias; el Lothbury Court, la Waiting Roomm o la Stock Office, Saone. (Antiguedad, D; Aznar,S.(1998), p 50) J.Soane, en la primera parte del diseño del banco, introdujo un lenguaje arquitectónico, ello se aprecia en el plano (figura 252), que se basó en el uso de bóvedas planas y pechinas, y así hubo una mayor funcionalidad en la creación de los espacios.

Por un lado, en cuanto a la distribución del edificio se puede manifestar que es un laberinto de espacios públicos ya que están interconectados, y que cada uno cumple con el requisito de tener una división de espacio.

Por otro lado, en cuanto a los espacios internos que realizaba Soane, reflejaba un presencia más esbelta y ligera a comparación de otros arquitectos.

(Ching,F; Vikramaditya, M. (2007)p.186) Con lo investigado, se puede afirmar que Saone en su estilo aplicó una arquitectura más libre de lo clásico, así como también impuso una arquitectura menos convencional y más funcional.

Figura 252: Plano del Banco de Inglaterra Fuente: Loed Stolte, Bouwkunde, Technische Universiteit Delft

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CAPÍTULO 7 TEATRO NACIONAL (1819-1821) K.F. SCHINKEL EN BERLÍN K.F.Schinkel, fue el arquitecto más importante del neoclasicismo de Prusia, quien realizó la restauración del primer edificio que le dio fama internacional fue el Teatro Nacional (Figura 253), ubicado en Berlín. Tambíen conocido como Schauspielhaus. Fue construido entre los años 1819 y 1821.

Figura 253: Teatro Nacional K.F. Schinkel, Berlín Fuente: Articulo Centro Vasco de Arquitectura

Figura 254: Perspectiva del Teatro Nacional K.F. Schinkel, Berlín Fuente: Artículo Centro Vasco de Arquitectura

Schinkel dispuso de un programa funcional para el Teatro Nacional (figura 254). Este ocupaba el bloque central, mientras que el cuerpo del lado izquierdo incluyen a las salas de concierto y el del lado izquierdo, el salón de los ensayos, junto con un el salón de recepción, oficinas administrativas y almacenaje. Én cuanto a sus componentes, como la forma de poste y dintel de los muros, Schinkel consideraba que eran eran griegos, ya que de cierta manera planteaba los aspectos y sistemas griegos en esta construcción. Sin embargo, lo que completaba el exterior del museo, los cuales eran os órdenes de pilastras entrelazados no poseía aspectos griegos sino miguelangelescos, se pueden encontrar en la planta (figura 255).

(Trachtenberg, M. ; Hyman,I.(1990), p.535)

El tratamiento del Teatro Nacional de Schinkel, como se explicó anteriormente se basa en un sistema de pilastras verticales y también entablamentos horizontales, y de esta manera de forman los márgenes de las ventanas, lo que permitió que la fachada se convirtiera en una especie de cubierta, es decir, hubo una conexión del edificio con el exterior. Asimismo, en la fachada se puede observar que presenta un sistema armonioso y equilibrado, la cual refleja las intenciones de las artes teatrales que tienen una función dentro del edificio. (Shannon, J. (2013),p.85).

Figura 255 : planta del Teatro Nacional K.F. Schinkel, Berlín Fuente: Loed Stolte, Bouwkunde, Technische Universiteit Delft

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CAPÍTULO 7 EL ALTES MUSEUM (1823-1830) K.F. SCHINKEL Otro de los proyectos destacados de K.F.Schinkel es el Atles de Museum, que se encuentra ubicado en Berlín-Alemania, construido entre los años 1823 y 1830. (Figura 256).

Para empezar, es importante señalar que este edificio cuenta con un estilo neoclásico, en el que contenía la compilación de arte de la familia real prusiana. ("Altes Museum/Karl Friedrich Schinkel" en ArchEyes, 2016). De esta manera, cabe mencionar que el Atles de Museum, principalmente abarca todo lo que es pintura y esculturas.

Figura 256: El Atles Museum, 1823-1830), K.F. Schinkel Fuente: Artículo Archeyes

En cuanto a su fachada es de tipo convencional, con columnas jónicas, y antas laterales que cierran la stoa. El conjunto se inspira con el diseño en el museo ideal de Durand.

(Antigüedad, D & Aznar, S, (1998),p.74). En esta parte, se coincide con el autor ya que, el objetivo de los museos era realzar el valor que tienen para la ciudad y de esta manera generar una nueva imagen a la ciudad.

La composición que planteó Schinkel en el museo fue de forma rectangular, la cual tenía dos patios interiores y además presentaba un gran espacio central circular; esto se puede apreciar en la planta (Figura 258). Este último espacio, fue rematado por una cúpula, la cual era parecida a la del Panteón de Roma.

Las obras de artes eran expuestas en amplias salas rectangulares, y contaba con pares de columnas, las cuales producían en el centro un tipo de calle. Cabe mencionar, que el espacio central estaba equipado con estatuas como si estuviera en un ágora, de esta manera brindaba la sensación de que el espacio esté planteado para establecer conversaciones sobre las obras de arte. (Ching, F; Vikramaditya, M.(2007), p.196).

Figura 257: Sección del Atles Museum, 1823-1830 Fuente: Sammlung architectonischer Entwürfe

Figura 258: Plano del Atles de Museum, 1823-1830 Fuente: Artículo Archeyes

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CAPÍTULO 7 GLIPTOTECA EN LA KÖNIGSPLATZ (1816-1830) LEO VON KLENZE

Figura 259: Gliptoteca en la la königsplatz, Munich (1816-1830) Fuente: Página web esacademic

Figura 260: Gliptoteca en la la königsplatz, Munich (1816-1830) Fuente: Articulo Centro Vasco de Arquitectura

Para empezar, es importante explicar específicamente sobre Königsplatz (Figura 259), la cual es una plaza que tuvo una fuerte trascendencia durante el reinado de Luis en el siglo XIX. Es una plaza neoclásica que fue proyectada para tener en cuenta el legado cultural de la Antigüedad, debido a que hubo diversos acontecimientos históricos.

Alrededor de toda la plaza se encontraban los edificios realizados por Leo Von Klense. (Arribas, J.(2016),p.26).

Leo Von Klenze, quien fue un arquitecto alemán del neoclasicismo, realizó en Munich algunas de sus obras más importantes, entre ellas se encuentra la Gliptoteca en la Königsplatz (Figura 260), los Propileos y la Antigua Pinacoteca. Todos ellos conforman el conjunto que los reyes de Baviera comprendieron como una entrada a la ciudad, ya que a través de los museos se quería brindar mayor importancia a la ciudad. (Martínez, M. (2008)p.43-44).

A continuación, se expondrá sobre la Gliptoteca, la cual fue construida entre los años 1816-1830. Este recibió el encargo por parte de Luis I de construir la Gliptoteca de Munich en la Königsplatz. Esta obra fue construida principalmente para albergar la colección de esculturas de la familia real de Babiera. En cuanto a su construcción (Figura 261), su pórtico columnado es de órden jónico, la cual proporcionaba la entrada al museo, en donde estaban las colecciones de estatuas griegas, que había renovado el escultor danés. (Antiguedad, D; Nieto, V ; Martínez, J,(2015),p. 86).

Figura 261: Plano de Gliptoteca en la la königsplatz, Munich (1816-1830) Fuente: Artículo Centro Vasco de Arquitectura

También, es importante mencionar que esta obra fue dañada por bombardeos debido a la Segunda Guerra Mundial. Por esto, luego de la posguerra, fue restaurada por diversos arquitectos que no siguieron la identidad del museo hecho por Leo Von Klenze, sino que quisieron proyectar nuevas opciones.

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CAPÍTULO 7

ECLECTICISMO Y NUEVOS MATERIALES EN EL SIGLO XIX La industrialización comienza en el siglo XIX, donde se manifiesta la transformación del carácter rural al urbano.

En estos años, se puede observar que la burguesía maneja el poder político y establece su concepción ciudadana y capitalista. Durante este período de cambio se percibe dos corrientes: por un lado, el enfoque de la arquitectura como arte y por otro lado, evaluar la arquitectura como campo de juego de ingeniería. Por ende el siglo XIX se considera un proceso de transformación y de inicio de una nueva cultura industrial. (Torreño, M. (2005), p.83) Las edificaciones que se realizarán desde el siglo XIX se construirán con nuevas técnicas y materiales. Por un lado, su aparición será continua al Eclecticismo, el cuál se considera que es un estilo historicista que se nutrió esencialmente del pasado. Por otro lado, se conoce que los protagonistas de los nuevos materiales serían el hierro, el vidrio, el cemento y el acero, estos serían los primeros pilares. (Preckler, A. (2009), pp.179-199)

Figura 262: John Ruskin Fuente: portada del libro The Complete Works of John Ruskin, Volumen 9; escrito por John Ruskin.

NEOGÓTICO EN INGLATERRA Y FRANCIA La historia del neogótico europeo nos otorga explorar en su proceso los siguientes pasos: al inicio aparece la manifestación de detalles arqueológicos, y al final todos los intentos se centralizan sobre la renovación y el desarrollo del principio de configuración gótico, por ende el desamparo del desasosiego por la forma aislada de estilo auténtico. (Hatje, U. (1995), p.164) El Neogótico obtuvo un gran desarrollo y potencia en Inglaterra; siguiendo en Alemania y Francia, y luego, en otros países europeos. Los grandes defensores de la arquitectura Neogótica fueron John Ruskin (figura 262), en Inglaterra, y Viollet-Le-Duc (figura 263), en Francia.

(Preckler, A. (2009), p.120)

Figura 263: Viollet-le-Duc Fuente: portada del libro On restoration, by E. Viollet-leDuc, escrito por Eugène Emmanuel

En mi opinión, las obras arquitectónicas que se desarrollaran a partir del siglo XIX serán diferentes a las que hemos visto anteriormente, ya que varía el estilo y los materiales que se emplearan para su construcción. A continuación, se explicará información precisa sobre la vida y obras más destacas de los artistas antes mencionados.

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CAPÍTULO 7 JOHN RUSKIN (1819-1990) En 1819 en Londres - Inglaterra, nace John Ruskin; hijo de John James Ruskin, quien fue un comerciante de vinos de ascendencia escocesa; además se conoce que la empresa que fundó el padre de Ruskin, con el pasar de los años, se convertiría en Allied Domecq. Cuando Ruskin fue un adulto joven entró a la Universidad de Oxford en el año 1936, donde en una ocasión obtendría el Premio Newdigate de Poesía y conocería a uno de sus grandes influencias, el poeta inglés William Wordsworth. Su meta era aprender los clásicos, no obstante, sus padres esperaban que esa educación le permitiera estar en el camino de la vida eclesiástica. En 1840, presento algunos síntomas de tuberculosis, por ello, abandono Oxford por dos años. (Saavedra, P. (2016), p.11)

Figura 264: Las siete lámparas de la arquitectura (1849) Fuente: libro Las siete lámparas de la arquitectura, escrito por John Ruskin

Después de varios años, obtuvo nupcias con la señorita Rose La Touche, quién era tres décadas menor que Johnn Ruskin.

También, se conoce que la conoció cuando ella era su pupila.

En 1875, Rose falleció a la edad de veintiséis años. La prematura muerte de Rose no fue más que la última desilusión amorosa de John Ruskin, que en aquel momento tenía cerca de cincuenta y cinco años. Posteriormente, en el año 1990, John Ruskin fallece. (Rachlin, H. (2008), pp.229-230) El aporte que realizó John Ruskin a la arquitectura, sucedió cuando él consideró que el aspecto más significativo era su ornamentación, la cual podía percibir los talentos libres y creativos de la comunidad. Por un lado, sus obras más importantes eran las iglesias y catedrales góticas europeas, y principalmente la ornamentada y colorista versión del gótico que se encuentra en Venecia. Descubierto en sus libros, Siete Lámparas de la arquitectura (figura 264) y Piedras de Venecia (figura 265). Por otro lado, su meta era rescatar las tradiciones intemporales de la edificación autóctona de una región en específico, que automáticamente antepusieron la apreciación de la belleza adjunto a los materiales simples y naturales.

(Pearson, C. (2014), pp.12-13) Seguidamente, en la siguiente página se mencionará información puntual sobre la vida y obras más destacas de Viollet Le Duc, quien fue un gran defensor de la arquitectura Neogótica en Francia.

Figura 265: Las piedras de Venecia (1852-1853) Fuente: página web busca libre

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CAPÍTULO 7 VIOLLET-LE-DUC (1814-1879) En 1814 en París - Francia, nace Viollet-Le-Duc, hijo de una familia acomodada; también, se conoce que su padre era un funcionario a cargo de las residencias reales. Un dato importante es que su padre fue un poeta entusiasta y reunía una valiosa colección de literatura francesa del Renacimiento.

Asimismo había fundado la tradición de celebrar todas las tardes de los viernes veladas literarias que se realizaban en su biblioteca. Estas sesiones se integraban con las conversación de los sábados con su tío Delécluze. Ambas reuniones, proseguían la costumbre de los salones culturales franceses del siglo XVIII, asistía Viollet desde el inicio de su preadolescencia, no obstante fue el círculo dadivoso de las segundas el que más captó su interés. (Viollet, E. (1854), p.16) En el ámbito de la arquitectura, Viollet-Le-Duc es considerado el más notable arquitecto romántico franceses, atribuyendo su triunfo, sobre todo, a los libros que escribió referente a la arquitectura neogótica y la regeneración de numerosos edificios medievales franceses, como la Cathédrale de Notre Dame, la Sainte Chapelle y el Castillo de Pierrefonds. Asimismo, Le Duc es considerado un gran teórico; su principal obra, Diccionario de la Arquitectura Gótica Francesa desde el siglo XI al XVI (figura 266), supuso una protección admiradora del estilo, y se publicó por entregas durante toda la década, en los años 1854 y 1864. Por otro lado, en 1863 publicó Conversaciones sobre Arquitectura (figura 267), en el que resalta su originalidad.

(Preckler, A. (2009), pp.123-124)

Figura 266: Diccionario de la Arquitectura Gótica Francesa desde el siglo XI al XVI Fuente: página web José Ramón Almeida

En mi punto de vista sobre los dos grandes defensores de la arquitectura Neogótica, quienes fueron John Ruskin, en Inglaterra, y Viollet-Le-Duc, en Francia. Considero que sus obras, las cuales hablan sobre la arquitectura son de gran importancia, ya que nutre de conocimiento a varias generaciones. Posteriormente, se mencionará información concreta sobre la vida, obra más destaca y el Art & Crafts de William Morris.

Figura 267: Conversaciones sobre Arquitectura Fuente: página web naos libros PAG 129

CAPÍTULO 7 WILLIAM MORRIS (1834-1896) William Morris (figura 268) es considera uno de los artistas más destacados de su siglo. Se conoce que perteneció a un hogar acomodado, desde la nińez se destacó por su personalidad avisada. Además, fue un estudiante conocedor en historia del arte, conservacionista impetuoso, activista político sujeto a la doctrina del socialismo, el virtuoso mantuvo un enfoque crítico frente al desarrollo industrial y se propuso realzar el nivel de las artesanías locales; para ello, fundó el movimiento conocido como Art & Crafts. (Díaz, P. (2007), p.32) Las diferentes opiniones de William Morris sobre el arte, obtuvieron un superior valor que las anteriores opiniones que forman parte de la corriente intelectual de los últimos tiempos. El arte, como lo veía Morris, no debería ser la autoridad especial de una pequeña minoría de profesionales de agrado y comprensión refinada, sino que debería ser un labor global, original para la existencia, el compromiso y el reposo. (Harvey, C; Press, J. (1991),p.

227) Figura 268: William Morris Fuente: página web arquitectura moderna

ART & CRAFTS (1860) El movimiento Arts and Crafts surgió como un movimiento de innovación artística y artesanal fundado en una ambición de evolución económica, política y social. El movimiento Arts and Crafts, si bien ocasionalmente se disfrazaba como un movimiento alarmado por lo amplio, en contexto estaba interesado con el mundo interior, ese sentido de colectividad, que se ha disipado en nuestra humanidad. (Smith, B. (2004), p.22) William Morris fue quien incluyó el significado más profundo del arte posteriormente de la fundación del movimiento Arts and Crafts, en el año 1860, y luego proporcionaría una objeción teórica de la división de Arts and Crafts en su ensayo, titulado como Las artes menores (figura 269), en el año 1877. (Zinkiewicz, G. (2016), p.58)

Figura 269: Las artes menores Fuente: página web marcial pons

Luego, se expondrá información puntual sobre la obra arquitectónica más destaca de William Morris, la cual es Red House.

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CAPÍTULO 7 OBRA DE WILLIAM MORRIS RED HOUSE (1859-1865) En el año 1859, William Morris construyó la Red House (figura 270), la cual se encuentra ubicada el suburbio londinense de Bexley Heath, junto a su amigo y compañero de trabajo Philip Webb. Se considera que la Red House es una piedra angular en la historia de la arquitectura doméstica inglesa. Además, se conoce que fue un hito en la manera en que los arquitectos propusieron y diseñaron las casas, por ende, se entiende que el propósito principal era que la casa se adaptara al habitante, en lugar de exigir a los habitantes a adaptarse a la casa. (Langmead, D; Garnaut, C.(2001),p. 269)

Figura 270: Red House Fuente: página web flickr

Se considera que la Red House obtuvo inspiración en el movimiento Arts and Crafts, por ello es la más influyente y significativa de Inglaterra. Por un lado, se conoce que fue la primera y única vivienda que William Morris.

El trabajo de ornamentación de la Red House lo inspiró a partir de su firma de diseño, Morris & Co, y le brindo descripción y significado al movimiento Arts and Crafts. Por otro lado, la edificación que se puede visualizar en el plano (figura 271), estuvo inspirada por la arquitectura medieval de Francia, la cual descubrió en un viaje en bote que se realizo en el verano de 1858. Además, Philip Webb, fue quien comprendió sus ideales románticos pero asimismo propuso que la casa fuera cómoda y original.

(Coleman, B. (2005), p.80) En mi opinión, la obra arquitectónica que construyó Philip Webb y William Morris es muy peculiar y asombrosa, debido a que representa el movimiento Arts and Crafts. A continuación, se expondrá varios datos importantes sobre los nuevos materiales: construcciones con hierro.

Figura 271: plantas de la Red House Fuente: página web arquitectura XVIII y XIX/blogspot

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CAPÍTULO 7 LOS NUEVOS MATERIALES: CONSTRUCCIONES CON HIERRO

Figura 272: Teatro Francés de París Fuente: página web arkiplus

Figura 273: Hall Central de París Fuente: página web dream stime

En la prehistoria se conoce el origen del hierro, pero recién en el siglo XVII se utiliza el hierro fundido, esto es considerado uno de los grandes avances de este período. Por un lado, en la mitad del siglo XIX , se comienza a visualizar las primeras estructuras metálicas complejas. El hierro es un material que puede suplir a otros más débiles como la madera; un ejemplo de ello, sería el teatro Francés de París (figura 272), Victor Louis, en 1786, el cual realizó una estructura de hierro fundido. Entre los años 1849 y 1857 se ejecutaron estructuras tan asombrosas como las de el Hall Central de París (figura 273), o el Palacio de Cristal de Paxton (figura 274) en la exposición de Londres de 1851, ambos construidos con hierro y cristal. (Alegre, E; López, J; Perla, A. (2016), pp. 70-71) Por otro lado, el uso de hierro permite elaborar cálculos más confiables, sin embargo las especificaciones mundiales fueron adoptadas a partir de 1905. Para la elaboración de hierro en modo industrial era una obligación conocer su sistema molecular, pero antes del último cuarto del siglo XVIII no se habían conseguido los instrumentos, ni los conocimientos aptos.

(Martínez, P. (2005), p.54) En mi punto de vista sobre los nuevos materiales, específicamente construcciones con hierro, puedo opinar que su presencia en las obras generaron una revolución importante que afecto a la economía, política y social. Posteriormente, se mencionará información concreta sobre la arquitectura y urbanismo decimonónico en América, con un enfoque específico en Lima y Buenos Aires.

Figura 274: Hall Central de París Fuente: página web dream stime

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CAPÍTULO 7 ARQUITECTURA Y URBANISMO DECIMONÓNICO EN AMÉRICA LIMA Desde el año 1880, se observa que la ciudad se encuentra escasa de límites artificiales, por ello, se empieza la propuesta de expansión para la nueva ciudad en el valle de Lima. En aquel entonces, la relación con Francia se desarrollaba a partir de la explotación del guano realizada por compañías francesas, la contratación por parte del estado de varios técnicos parisinos y la migración que recibía la ciudad de París de la oligarquía limeña. (Kahatt, S. (2014), p.39) Un claro ejemplo de la arquitectura y urbanismo del siglo XIX es la Plaza 2 de Mayo es un hito urbano que se realiza en 1874. En la planta (figura 275) se puede apreciar la zona en que ocuparía el gran monumento.

Se decidió por ese lugar, debido a su posición estratégica, como pórtico de la urbe para quienes arribaban desde el puerto, y una supuesta relación espacial con la campaña independentista. (Ramón, G. (2006), p.17)

Figura 275: planta de la Plaza 2 de Mayo Fuente: página web arquitecturalimarepublicana.blogspot.com

BUENOS AIRES El período que se encuentra entre las últimas décadas del siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX puede imaginar como el instante de apogeo y progreso de la cultura académica en los países del cono sur de América Latina. Se conoce que un significativo número de profesionales europeos llegan a América para poder compartir sus conocimientos. (Bonicatto, V; Franchino, M.(2017), p.2) Entre los años 1821 y 1837, surgen una cadena de proyectos que intentaron materializarse en el área a partir del ámbito oficial. Se conoce que se reiteran en el decreto de Rivadavia de 1826 que ordena construir una fuente monumental, la cual se puede visualizar en la planta (figura 276) de la Plaza de la Victoria ; además, se suma la propuesta planteada en 1828 para alzar un monumento conmemorativo a la Paz con el Brasil.

(Aliata, F. (2010), p.115)

Figura 276: planta de la Plaza de la Victoria y adyacencias Fuente: página web journals.openedition.org

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CAPÍTULO 7 ART NOUVEAU (XIX-XX) Para comenzar, el estilo Art Nouveau surgió a finales del siglo XIX y a principios de los XX, como un rechazo a los estilos de eclecticismo y de realismo. El objetivo de este nuevo estilo era crear un arte nuevo y libre, de esta manera se manifestó tanto en la arquitectura, el mobiliario, y en objetos que se usan en la vida diaria. (Correo de la Unesco,(1990),p.10).

Este arte tiene ciertas denominaciones en diferentes países, pero en esta oportunidad se explicará las tendencias en Bélgica, Francia y en Italia, en este último es conocido como el Liberty.

NUEVAS TENDENCIAS EN BÉLGICA 1893

Figura 277: Casa Tassel en Bruselas (1893), Victor Horta Fuente: Centro Vasco de Arquitectura

Figura 278: Escalera de la Casa Tassel Fuente: Arte e Historia

En esta primera parte se expondrá la influencia que tuvo el Art Nouveau en Bélgica. Por un lado, los artistas belgas estaban buscando nuevos y cómodos diseños interiores; y a pesar de que esto resultó agradable, aún el nuevo decorado requería de más vida para que, de esta manera, tenga más exuberancia y se vea la decoración más elaborada. Por esto crean más exuberancia en las líneas por medio del leitmotif como formas curvas, quebradas y onduladas. (Lahor, J,(2012)p.20 y 27).

De acuerdo a diversos libros leídos, se puede afirmar que, los artistas belgas fueron fundamentales ya que se ocuparon principalmente en la búsqueda de un nuevo cambio en las artes decorativas, especialmente del mobiliario.

Por otro lado, es importante explicar acerca de uno de los arquitectos más importantes del Art Nouveau, quien es Victor Horta. Él realizó la obra Casa Tassel ubicado en Brusellas(1893).( Figura 277).En esta obra utiliza el hierro en la estructura y también en la decoración. Un elemento que se debe destacar es la escalera (Figura 278), la cual se ubicó al centro. Esto permitió la organización interna de los espacios para que haya más espacialidad. También fue importante el uso de líneas curvas, por ejemplo en baranda de la escalera, que eran propios de las formas de la naturaleza.(Ching,F.(2007), Vikramaditya, M.p.

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CAPÍTULO 7 ART NOUVEAU (XIX-XX) NUEVAS TENDENCIAS EN FRANCIA Prosiguiendo con el Art Nouveau, en Francia se decoraba a través de la ornamentación esculpida, la cual permitía tener la forma natural y así se observaba como si fuera real. Esto se debe a que muchos artistas franceses buscaban el realismo, y se buscaba el ritmo de la línea en los diseños; pero se debía decorar con flora y fauna cuando sean representadas libremente.

También es importante resaltar, que las obras que realizaban los franceses eran más suntuosos y más impresionantes que las representaciones que fueron vistas en Bélgica.

El Art Nouveau en Francia, además de ser obra de arquitectos, también se presenta en joyeros, decoradores y mueblistas. (Lahor, J,(2012),p.27).

Figura 279: Estación de metro de París, Hector Guimard Fuente: Página web architecturedesign

Luego en 1895, en París, el alemán Siegfried Bing, abrió una galería en París llamada L' Art Nouveau.

Esta permitió la propagación del nuevo estilo. En Francia fue Héctor Guimard, quien realizó las nuevas reglas decorativas en el estilo arquitectónico. (Colquhoun, A. (2008),p.21-22).

Así, Hector Guimard dejó una gran presencia en París, por sus grandes trabajos. Entres ellas destaca la obra de las estaciones de metro de Paris (Figura 279) y Hubert de Romans(1897-1901). Por un lado, el objetivo de haber realizado las estaciones del metro en París fue decorar la ciudad, y su estructura estaba hecha a base de hierro y vidrio. Además, con esto se buscaba difundir el nuevo arte.Por otro lado, en la sala de música Hubert de Romans (Figura 280), en su interior había una cubierta, la cual se sujetaba sobre haces de soportes metálicos que acoplaba la sinuosidad ornamental. (Sainz, J. (1995),p.271).

De acuerdo a los textos leídos, se puede concluir que Guimard fue una gran influencia del Art Nouveau, quien utilizó en sus diseños la ornamentación, asimismo el uso de hierro y vidrio que son propios de este nuevo arte; y por último la presencia las formas orgánicas de flora y fauna.

Figura 280: Sección de Sala de Música Hubert de Romans, Hector Guimard Fuente: Libro de Arquitectura y urbanismo del siglo XX

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CAPÍTULO 7 ART NOUVEAU (XIX-XX) NUEVAS TENDENCIAS EN ITALIA Como ya se mencionó anteriormente, el Art Nouveau tiene distintas denominaciones. En este caso , Liberty se denominó en Italia. Esto hizo alusión a la tienda que fue abierta por Arthur Lasenby Liberty en Londres (1875), en la cual presentó composiciones vegetales y florales.

Esto fue importante para la difusión en toda Italia.

(Midant, J.P, (2004), p .551)

Figura 281: Palazzo Castiglioni(1901), Giuseppe Sommaruga Fuente: Associazione Italiana Foto & Digital Imaging

De acuerdo a varios textos leídos, la característica del Liberty se convirtió para los arquitectos italianos en un estilo libre, incluía motivos eclécticos tradicionales y también los temas nuevos que fueron creados en XIX. Esto se debió a que la arquitectura Art Nouveau tenía una mayor proximidad al eclecticismo en Italia.

Otra de los importantes acontecimientos que sirvieron de difusión para el nuevo arte en Italia fueron las exposiciones Universales del siglo XIX y XX. Así surgieron las exposiciones, como la Exposición Internacional de Artes Decorativas Modernas en Turín en 1902, y también las exposiciones que se realizaron en Génova.

(Voccoli, O. (2018),p. 13)

Figura 282: Casa Galimberti, Giovanni Battista Bossi Fuente: Articulo Urbanfile

Pero también otro de los centros más importante del Liberty fue Milan, lugar donde surgieron distintos arquitectos. Uno de los más destacables es Giuseppe Sommaruga con su obra Palazzo Castiglioni (Figura 281), realizado en el año 1901.

Este Palacio tenía escultura con temas florales, y también la estructura estaba compuesta de hierro, lo cual era característico de este nuevo estilo.

(Goriunov,V, (2016), p.3).

Pero también se encuentra otro arquitecto influyente del Liberty, quien es Giovanni Battista Bossi con su obra Casa Galimberti (Figura 282).

Así como la anterior obra expuesta en Milán, en este edificio se puede observar las mismas características en la fachada ya que presenta temas florales y el hierro forjado .

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CAPÍTULO 7 ESTADOS UNIDOS: H.RICHARDSON Y L.SULLIVAN XIX-XX Durante los años de 1880 y 1890, un grupo de arquitectos quiso reemprender las ideas del pintoresquismo. Entre este grupo de arquitectos se encuentra Frank Furness, Louis Henri Sullivan en Chicago y Henry Hobson Richardson en Boston.

Cabe resaltar que cada uno de ellos realizó estilos distintos. (Ching,F; Vikramaditya, M. (2007), p.

228).A continuación se explicará principalmente sobre la influencia que tuvo Richardson y Sullivan en Estados Unidos.

Ambos formaron parte de la Escuela de Chicago, que representa a los integrantes que trabajaron luego del incendio de la ciudad de Chicago.

Figura 283: Almacenes Marshall Filed (1885-1887) Fuente: Centro Vasco de Arquitectura

Uno de los primeros representante fue H. Richardson, quien fue un arquitecto estadounidense que también tuvo un importante impacto en Estados Unidos. H.Richardson, en 1870, empezó a tener una inclinación por el estilo medieval inglés y por el pintoresquismo. Entre sus obras destacó los almacenes Marshall Filed (figura 283), construidas en 1885-1887, cuyo estilo era neo-románico. Entre los elementos más importantes que tenía este edificio era su estructura que era de acero, y su escala. Esta última parecía anunciar una nueva arquitectura la cual sería la arquitectura moderna.

Con esto, Richardson se dio cuenta que el elemento dimensional tenía un gran valoren la industria.

(Argan, G. (1998), p. 185).

Por otro lado, se encuentra L. Sullivan, quien fue un arquitecto estadounidense que también perteneció a la escuela de Chicago. Sullivan realizó proyectos que iban de acorde a la ciudad. Esto se puede evidenciar ,como ya se mencionó anteriormente ,en las construcciones después del suceso del incendio de la ciudad de Chicago, ya que se empezó a realizar construcciones a prueba de incendios con el uso del acero, especialmente en rascacielos. Esto se ve reflejado en sus composiciones, por ejemplo los Almacenes Carson Pirie Scott (figura 284), construidas en 1901-1904. En esta obra se observa la relación de la estructura de acero con el planteamiento arquitectónico. (Strike, J.(2004), p.8587).

Figura 284: Almacenes Carson Pirie Scott (1901-1904),Louis Sullivan Fuente: The Art Institute Chicago

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CAPÍTULO 7 ANTONIO GAUDI (1852-1926)

Antonio Gaudí (Figura 285) nació el 25 de junio de 1852 en la provincia de Tarragona en Cataluña y falleció en el año 1926. En el año 1868 se trasladó a Barcelona para empezar sus estudios en Arquitectura, ciudad en la cual realizó varias construcciones.

Desde su formación en la escuela Gaudí tuvo una gran capacidad creativa y habilidad sobre los conocimientos arquitectónicos. Se incentivó con creaciones medievales y el arte gótico volvió a renacer. Fue el creador de una nueva arquitectura que fue basado en las curvas y la tridimensionalidad.

Figura 285: Antonio Gaudi Fuente: Tkymsk

Las obras arquitectónicas de Gaudí se enfocaron en Barcelona durante esa época y se dividió en cuatro etapas. Se van caracterizando por los años, es decir, en sus primeras obras se dirigían por el aspecto urbano y social, la siguiente etapa supera sus estilos históricos y consigue formas estructurales y ambos estilos se les denomina gaudiniano ya que se utiliza el arte musulmán, gótico y barroco. ("Antonio Gaudí( 2018) p.1) Uno de los edificios más importantes que ha realizado Gaudí fue La Casa Milá (Figura 286) conocida como "La Pedrera", construido entre 1906 a 1910 con un estilo modernista catalán. Este proyecto destaca por tener una forma ondulada, una obra gaudiana en la que hay planos rectos y numerosas curvas. Todo el edificio está realizado por piedra natural y cubierta de azulejos blancos.

Todos estos elementos arquitectónicas se convierten en esculturas integradas con el edificio de Gaudí. ("La Casa Milá" (2018) p. 6-7) Después de lo investigado sobre la vida y obra del Gaudí, concluimos que aplicaba estas nuevas técnicas y estilo propio a los edificios que realizaba en Barcelona, además que era interesante el hecho de que tome en consideración conectar el edificio con lo urbano.

Figura 286: La Casa Milá Fuente: Get Your Guide

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CAPÍTULO 7 CASA VINCENS (1883-1895) La Casa Vincens (Figura 287) se construyó entre 18831895 a cargo del arquitecto Antonio Gaudí dirigido a Manel Vincens Montaner. Cabe resaltar que para Gaudí fue su primer proyecto y se encuentra ubicado en Barcelona, España.

En cuanto a su estructura la casa está dividida en cuatro.

Como se puede ver en la planta (Figura 288) tiene un sótano para el almacén, mientras que en la planta baja está la sala de estar, comedor y cocina, en la primera planta se encuentran los dormitorios.

La casa tiene una conexión entre el interior y el exterior , como en el caso que permitía que el jardín entre visualmente a los espacios interiores de la sala de estar/ comedor Utiliza algunas técnicas de la simplicidad constructiva propia y en técnicas arraigadas en la tradición catalana.

Mientras que en su composición arquitectónica se observa el uso de las geometrías y su complejidad, la composición de trazos poligonales. De esa manera Gaudí crea una serie de juego de entrantes y salientes, de luces y sombras, de colores y texturas típicas. (Dosier de prensa Casa VIcens Gaudí". (2017). p.10)

Figura 287: Casa Vincens Fuente: Cultura Inquieta

En cuanto a su fachada se aplica la arquitectura mudéjar ,utilizando azulejo vidriado tenían una gran originalidad.

Gaudí jugó con los sistemas y materiales , para darle una singularidad y personalidad a la casa. ( Zevi, B. (2018). Un genio Catalano: Antonio Gaudí", p. 17) Después de lo investigado podemos concluir que a pesar que fue el primer proyecto que realizaba Antonio Gaudí se puede observar a simple vista la gran complejidad, el tener que elegir los colores, el tipo de materiales e integrar un nuevo estilo

Figura 288: Planta baja - Casa Vincens Fuente: Arquine

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CAPÍTULO 7 PARQUE GUELL (1900 - 1914) El proyecto del Parque Güell (Figura 289) estuvo a cargo del arquitecto Antonio Gaudi y fue construido en 1900 a 1914. Desde un comienzo se percató sobre los problemas en que se encontraba el terreno y se empezó a adaptar, Este proyecto tiene uno de los paisajes más bellos en su arquitectura, por su forma natural y creadas por la imaginación del autor. Promovió una ciudad-jardín y se inspiró en modelos urbanos basados en las teorías de William Morris y Ebenezer Howard. (Rovira, J. (2012). p. 1) Este proyecto es una urbanización privada, se convirtió en un espacio público y en un icono turístico de primer orden en la ciudad de Barcelona. (Leniz, M. (2010). p. 83)

Figura 289: Parque Güell Fuente: Hola.com

Dentro de este parque se instalaron personas muy importantes de la ciudad de Barcelona, y sólo se construyeron tres viviendas, entre ellas está la del Conde Güell y la de Gaudí. El parque estaba protegido por un muro de piedra decorado con medallones de fragmentos cerámicos, con un puerta principal rodeada por dos pabellones, y uno de estos era la vivienda del guardia y el otro era una recepción con su sala de espera. ("Todo fundamento del Arte" (2018) p. 4) Los pabellones de entrada son de estilo gaudiniano con estructura orgánica, destaca su mampostería de piedra, sus bóvedas en forma de paraboloide hiperbólico con cubiertas de cerámica El Parque Güell perfeccionó su estilo mediante formas orgánicas de la naturaleza, puso en práctica soluciones estructurales en un profundo análisis de geometría. Fue concebido por Güell y por Gaudí quienes lo diseñaron con acabados de gran calidad artística. Como se puede observar en su planta (Figura 290) cuenta con una extensión de 17,18 hectáreas ya que se integraba elementos tanto arquitectónicos como de la naturaleza. "El Parque Guell" (2018) p. 2-6 )

Figura 290: Planta del Parque Güell Fuente: Park Guell

Según lo investigado podemos concluir la gran habilidad que tenía el arquitecto no solo en lo arquitectónico sino también le dio importancia al urbanismo de esa manera fue diseñando toda la distribución del parque.

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CAPÍTULO 7 LA SAGRADA FAMILIA (1882-ACTUALIDAD) El templo de la Sagrada Familia (Figura 291) es una de las obras más importantes de Gaudí comenzó en 1882 hasta el día de hoy no se ha concluido la obra arquitectónica y se encuentra ubicada en Barcelona, España. Gaudí fue el encargado de la obra y cabe resaltar que fue uno de los máximos exponentes de la arquitectura modernista catalana.

Cuando se empezó a edificar este templo lo realizó en base a mampostería tradicional, el motivo en que se retrasaron en la construcción fue que se hizo un estudio y análisis del templo, además del tipo de material que iban a utilizar.

(Aguado. A (2009) p.5) Previo al proyecto de la Sagrada Familia comienza con la fundación de la Asociación Espiritual de devotos de San José". El proyecto de la obra en ese tiempo era de estilo neogótico con dimensiones modesta. (López, Grima(2004). p. 7-10)

Figura 291: La Sagrada Familia Fuente: ArchDaily

En el plano (Figura 292) podemos observar que tiene una planta clásica en cruz latina, con cinco naves longitudinales y un crucero de tres, un ábside y una cripta bajo el altar principal. El pórtico principal se encuentra a los pies del fuste.

En las otras dos entradas que se sitúan en los extremos del transepto y dedicadas al Nacimiento y Pasión de cristo. Por otro lado, cada puerta cuenta con cuatro torres y está rodeado por un claustro rectangular. (Aguado. A (2009) p.6)

Después de lo leído e investigado podemos concluir que este templo tiene una gran complejidad en cuanto a su construcción, por ello hasta en la actualidad no se ha concluido su construcción, además por su sistema estructural y de diseño es lo que más resalta del templo de la Sagrada Familia. El uso de ornamentaciones en sus fachadas hace que resalte y se vea elegante.

Figura 292: Planta de la Sagrada Familia Fuente: Arquitectura y Empresa

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 9: planta de la iglesia Santa Maria Novella Fuente: libro El arte en la Italia del Renacimiento, pág 61

Figura 13: Planta de la Cúpula de Santa María de Fiori Fuente: PDF, Arquitectura del Renacimiento: de Brunelleschi a Alberti, pág 4

Figura 11: planta de la iglesia Santa Croce Fuente: libro El arte en la Italia del Renacimiento, pág. 60.

Figura 19: planta del Hospital de los inocentes Fuente: página web arquitecturapura

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 21: planta de la Capilla Pazzi Fuente: libro History of Art: The Western Tradition, pág 35

Figura 27: planta de la iglesia de Santo Spirito Fuente: página web enriquecardona.com

Figura 23: planta de la iglesia de Santo Spirito Fuente: libro A World History of Architecture, pág 160

Figura 29: planta del Palacio Rucellai Fuente: página web hisarquitectura2n.blogspot.com

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 31: planta de la Iglesia de San Sebastián de Mantua Fuente: página web arteinternacional.blogspot.com

Figura 37: Planos de construcción del Palacio del Bargello Fuente: Planetware

Figura 33: planta de la iglesia de San Andrés de Mantua Fuente: libro El Renacimiento: formación y crisis del modelo clásico, pág 91

Figura 39: Plano de construcción del Palacio Vecchio Fuente: University of Florence, Department of Architecture

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 43: Plano de construcción del Palacio Medici - Riccardi Fuente: Arte historia.com

Figura 45: Plano de construcción del Palacio Strozzi Fuente: Arte historia.com

Figura 45: Planos de construcción del Palacio Rucellai Fuente: Arte historia.com

Figura 47: Planos de construcción del Palacio Ducal de urbino Fuente: Intranet.pogmacva.com

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 49: Plano de construcción del Palacio de la cancillería Fuente: Arte historia.com

Figura 54: Planta de Santa Maria presso San Satiro, realizado por Bramante.

Fuente:

Figura 51: Planos de construcción del Palacio Farnese en Roma Fuente: Intranet.pogmacva.com

Figura 56: Iglesia Santa María de las Gracias, realizado por Bramante Fuente: The history hub

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 59: Planta de Santa Maria presso San Satiro, realizado por Bramante.

Fuente:

Figura 63: Planta de la iglesia de San Pietro in Montorio, Roma Fuente: Departamento composición arquitectónica

Figura 61: Planta de la iglesia de Santa María de la Paz, de Bramante en Roma(1550) Fuente: Centro Vasco de Arquitectura

Figura 65: Basílica de San Pedro, ciudad del Vaticano Fuente: Departamento composición arquitectónica

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 69:Palacio del Té en Mantúa Fuente: Artículo Inexhibit

Figura 77: Planta Palacio Farnese Fuente: Centro Vasco de Arquitectura

Figura 74: Transformación en las plantas de la cúpula de la Basílica de San Pedro de Roma.

Fuente: La cámara del arte

Figura 85: Planta de Villa Giulia, Roma Fuente: Arte

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 88: Plano de la iglesia San Andrés en vía Flaminia Fuente: Universidad Autónoma de Madrid

Figura 92: Plano de la iglesia de Gesú, Roma Fuente: Centro Vasco de la Arquitectura

Figura 90: Plano del Palacio Farnese en Caprarola , Roma Fuente: Architecture, página web

Figura 102: Plano baja de La Basílica Fuente: Página web Arkikultura

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 104: Plano arquitectónico Palacio Chiericati Fuente: Libro Andrea Palladio página 19

Figura 105: Plano y elevación del Palacio Valmarana Fuente: Página web Architectural Orders

Figura 107: Plano de villa Almerico Capra Fuente: Página web Architectural Orders

Figura 109: Ornamentación Plateresca Fuente: Página web Architectural Orders

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 111: Plano del Palacio Chiericati Fuente: Página web Architectural Orders

Figura 121: Planta de la Iglesia de San Juan de los reyes en Toledo Fuente: Tu seguro de viaje

Figura 115: Planta del Teatro Olímpico de Vicenza Fuente: Página web Arkikultura

Figura 40: Plano de San Pablo y la capilla de San Gregorio.

Fuente: Viajar con el arte de Sira Gadea

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 123: Planta del Palacio de Carlos V en Granada Fuente: Arte Magistral

Figura 127: Planta Catedral de Valladolid Fuente: Frame.es

Figura 125: Planta del Real Monasterio de San Lorenzo de el Escorial Fuente: La cámara del arte

Figura 143: Scala Regia en el Vaticano, planta y sección Fuente: libro Introducción a la historia de la arquitectura: de los orígenes al siglo XXI, pág. 158

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 145: planta elíptica de la iglesia de San Andrés en el Quirinal Fuente: libro Introducción a la historia de la arquitectura: de los orígenes al siglo XXI, pág. 159

Figura 149: planta de San Pedro Fuente: página web arteazuer blogspot

Figura 147: Planta , dibujado por Domenico da Varignano Fuente: libro La arquitectura del siglo XVI en Italia: Artistas, mecenas y ciudades

Figura 157: planta de Oratorio de los Filipinos Fuente: página web intranet pogmacva

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 159: planta de San Carlos de los cuatro fuentes Fuente: libro Arquitectura, pág. 423

Figura 163: planta Sant´ivo Alla Sapienza Fuente: libro Una historia universal de la arquitectura. Vol 2. Del siglo XV a nuestros días- Francis D. K. Ching

Figura 161: Planta de Santa Inés en Plaza Navona Fuente: página web aidfadu

Figura 165: planta de Palacio de Propaganda Fide Fuente: página web Francesco Borromini blogspot

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 169: Capilla del Santo Sudario en Turín Fuente: ArtChist

Figura 174: Planta del Palacio Carignano Fuente: Centro Vasco de Arquitectura

Figura 171: Planta de la iglesia San Lorenzo en Turín Fuente: Libro órdenes y espacio

Figura 176: Planta de la Basílica de Superga Fuente: Revista Nacional de Arquitectura

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 178: Planta del Palacio Madama Fuente: Fondazione Torino Musei

Figura 185: Planta de Versalles Fuente: Artchist

Figura 180: Planta del Pabellón de Caza Fuente: Centro Vasco de Arquitectura

Figura 187: Planta del Palacio de los Inválidos Fuente: Historia del Arte

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 189: Plano de Louvre Fuente: ArchDaily

Figura 193: Planta de Chateau de Vaux Le Vicomte Fuente: Stormy Weather

Figura 191: Plano de la Plaza Vendome Fuente: Pucv

Figura 196: Planta hotel de Soubise Fuente: Paris Musées

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 200: Planta del Palacio de Goyeneche Fuente: Academia colecciones

Figura 205: planta del monasterio de la Cartuja en Granada Fuente: página web viajar con el arte

Figura 203: Planta de la Plaza Mayor de Salamanca Fuente: página web Arte historia

Figura 212: planta de la iglesia de San Carlos Borromeo Fuente: página web premoderno/iglesia de San Carlos Borromeo

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 214: planta Asamkirche, Munich, Alemania. 1733-1746 Fuente: página web Columbia University libraries

Figura 218: planta de la Iglesia de Neresheim Fuente: libro Una historia universal de la arquitectura.

Vol 2. Del siglo XV a nuestros días, pág. 150

Figura 216: planta de la Iglesia de Steinhausen Fuente: página web sueddeutscher-barock

Figura 223: Plano de la Iglesia y convento de San Francisco, 1546 Fuente: página web las ley de Incas.com / plano Iglesia y convento de San Francisco

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 225: planta Iglesia de la Compañía de Jesús, Cusco Fuente: página web ilamdir.org

Figura 229: vista planta de la Catedral de Huamanga Fuente: página web google maps / Catedral de Huamanga

Figura 227: Planta de la Iglesia de la Compañía de Arequipa Fuente: Arequipa- Libro un siglo de Luz, p. 54

Figura 231: vista planta de la Catedral de Puno Fuente: página web google maps / Catedral de Puno

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 239: Planta del Panteón de París Fuente: Historia del Arte II

Figura 243: Iglesia de Magdalena en París Fuente: Architectural Drawings y photos

Figura 241: Planta del Arco de Carrousel Fuente: Urban Networks

Figura 245: Planta de la La Opera de París Fuente: Carlos Sambricio

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 252: Plano del Banco de Inglaterra Fuente: Loed Stolte, Bouwkunde, Technische Universiteit Delft

Figura 255: planta del Teatro Nacional K.F. Schinkel, Berlín Fuente: Loed Stolte, Bouwkunde, Technische Universiteit Delft

Figura 258: Plano del Atles de Museum, 1823-1830 Fuente: Artículo Archeyes

Figura 261: Plano de Gliptoteca en la la königsplatz, Munich (1816-1830) Fuente: Artículo Centro Vasco de Arquitectura

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 271: plantas de la Red House Fuente: página web arquitectura XVIII y XIX/blogspot

Figura 276: planta de la Plaza de la Victoria y adyacencias Fuente: página web journals.openedition.org

Figura 275: planta de la Plaza 2 de Mayo Fuente: página web arquitecturalimarepublicana.blogspot.com

Figura 288: Planta baja - Casa Vincens Fuente: Arquine

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ATLAS DE PLANTAS

Figura 290: Planta del Parque Güell Fuente: Park Guell

Figura 292: Planta de la Sagrada Familia Fuente: Arquitectura y Empresa

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