LOS
MÁS
GRANDES DEL CINE
Por: valeria vega
TIM BURTON
Nació el 25 de agosto de 1958 en Burbank, California (Estados Unidos) Director, guionista y productor estadounidense, Timothy William Burton es uno de los autores más originales del Hollywood actual, creando un universo propio marcado por la mitomanía, el reciclaje cultural y una imaginación desbordante de notable impronta visual con personales historias, muchas de ellas con rasgos de humor negro y significadas por el protagonismo principal de caracteres inadaptados, antihéroes de fácil identificación con su autor. Desde niño el mundo del pequeño Burton se nutría de cómics y antiguas películas de terror y fantasía, entre ellas las protagonizadas por su gran ídolo, Vincent Price, disfrutando de las adaptaciones que Roger Corman hizo de uno de sus escritores favoritos: Edgar Allan Poe. Desarrolló en su juventud talento para el dibujo, estudiando animación en el Instituto de Arte de California a partir de 1979. La Disney, quien había becado a Burton en su segundo curso, le contrató a comienzos de los años 80 para trabajar como animador para el famoso estudio durante sus primeros años de trayectoria profesional. En 1982 rodó su corto “Vincent” (1982), un título de seis minutos con apariencia expresionista y animación stop-motion en el que aparecía como narrador el mismísimo Vincent Price. Ese mismo año adaptó
para televisión los cuentos de Aladino y la lámpara maravillosa y de Hansel y Gretel para televisión en la serie “Los cuentos de las estrellas”. En 1984 apareció, de nuevo en la Disney, uno de sus cortos más recordados, “Frankenweenie” (1984), historia de humor negro que narraba en blanco y negro la historia de un joven llamado Victor, quien, tras perder a su perro en un accidente de tráfico, decide revivirlo al estilo de Frankenstein. “La gran aventura de Pee-Wee” (1985) se convirtió en el primer largometraje dirigido
por Tim Burton. El film adaptaba las andanzas de un conocido personaje televisivo en los Estados Unidos que estaba encarnado por Paul Reubens, quien quedo encandilado con “Frankenweenie” y requirió a Burton para dirigir el film. “La gran aventura de Pee-Wee”, que ya muestra el proceder visual de su director y el protagonismo de un singular personaje, cuenta con la música de Danny Elfman, compositor que colaboró en casi todos los proyectos de Burton. En ”Bitelchus” (1988) coincidió en los créditos por primera vez con el actor Michael Keaton en el papel principal. Era una comedia de corte fantástico con toques de humor negro que contaba con el co-protagonismo de Alec Baldwin y Geena Davis. Gracias el éxito de esta película Tim Burton salió del anonimato y comenzó a ser considerado por su indudable habilidad para construir singulares historias. “Batman” (1989), la adaptación del famoso cómic ideado por Bob Kane, se convirtió en su título más taquillero. El mismo año del estreno de “Batman”, Tim contrajo matrimonio con la pintora Lena Gieseke, de quien se divorció en 1992.
TOP 10 MOVIE DIRECTORS
La Disney, quien había becado a Burton en su segundo curso, le contrató a comienzos de los años 80 para trabajar como animador para el famoso estudio durante sus primeros años de trayectoria profesional. Su desbordante imaginación, su visión oscura de lo fantástico y la creación de un universo propio han hecho que Tim Burton sea uno de los directores de Hollywood más originales y reconocidos. Caracterizado por teñir sus historias de un peculiar humor negro, y por tener al polifacético Johnny Depp como actor fetiche, este director cuenta con una de las filmografías más peculiares y atractivas de la actualidad. Lo suyo es la fantasía oscura, la fantasía diferente.
La siguiente década se inició con una de sus mejores obras y uno de sus trabajos más personales, “Eduardo Manostijeras” (1990), cuento fantástico de gran belleza y sensibilidad que reunía muchas de las constantes estéticas y culturales de su autor. Estaba protagonizado por Johnny Depp, rostro habitual en sus próximas películas. Después de retomar las aventuras del hombre murciélago en “Batman Vuelve” (1992), idear junto a Chris Buck la serie de dibujos animagos “Family Dog” (1992) y producir y escribir “Pesadilla Antes De Navidad” (1993), título de animación dirigido por Henry Selick, Tim estrenó otra de sus cumbres como autor, “Ed Wood” (1994), un afectivo biopic sobre la figura del denominado peor director de cine de todos los tiempos, Ed Wood Jr. El film obtuvo dos premios Oscar, uno al mejor maquillaje y otro para Martin Landau como mejor actor secundario por su estupenda encarnación de Bela Lugosi. En 1996 volvió a colaborar con Selick al producir “James y El Melocotón Gigante” (1996), una adaptación del conocido libro de Roald Dahl, y rodó “Mars Attack!” (1996), comedia
de ciencia-ficción proyectada como tributo a las películas de serie B de los años 50. Tres años apareció “Sleepy Hollow” (1999), un film que trasladaba a la pantalla una historia creada por Washington Irving sobre un fantasmal jinete sin cabeza que causa terror en una pequeña villa del siglo XVIII. En esta ocasión Burton rememoró las películas de la Hammer y le concedió un papel a Christopher Lee, uno de los nombres legendarios del estudio británico. “El Planeta De Los Simios” (2001) resultó decepcionante. La visión de la novela de Pierre Boulle carece de originalidad e inventiva visual, algo impensable en la trayectoria de su director. Con “Big Fish” (2003) Tim Burton prosiguió su senda de adaptaciones llevando al cine un texto de Daniel Wallace. El siguiente fue Roald Dahl y su libro “Charlie y la fábrica de chocolate”, adaptado con anterioridad al cine en los años 70 por Mel Stuart.
PREMIOS Y NOMINACIONES Oscars a la mejor dirección artística y al mejor vestuario por Alicia en el país de las maravillas. Listado Oscars 2010. La Orden de las Artes y las Letras de Francia 2010. Leon de oro 2007 a toda su carrera. Globo de Oro a mejor película musical o de comedia-Sweene y Tood 2007
CLINT EASTWOOD
Uno de los actores y directores más destacados de la segunda mitad del siglo XX. Tras lograr el estrellato en los años 60 en Europa gracias a su colaboración con el director italiano Sergio Leone, Clint Eastwood desarrolló una impecable carrera en Hollywood con una sobria pero penetrante capacidad interpretativa y un gran talento como autor cinematográfico. Clinton Eastwood Jr. nació el 31 de mayo de 1930 en la ciudad de San Francisco (Estados Unidos). Creció en Oakland, en donde su padre, llamado Kimber, trabajaba en una empresa acerera. Su madre Frances Ruth se ocupaba de cuidar a Clint y a su hermana menor Jean. El adolescente Eastwood sintió atracción por la música, especialmente por el jazz y el blues, consiguiendo aprender y tocar el piano en diferentes clubes de la localidad californiana de Los Angeles. En 1953 y a los 23 años de edad se casó con Maggie Johnson, con quien tuvo a sus hijos Kyle (nacido en 1968) y Allison (1972). Antes de que naciera Kyle, Clint tuvo una hija, Kimber (1964), en un romance que tuvo con la bailarina Roxane Tunis durante un período de separación con Maggie. En 1956 logró debutar en el cine al aprovechar una oportunidad que le brindó la Universal. Entre sus primeras películas (muchas de ellas sin acreditar su intervención) figuran títulos como “Francis in the navy” (1955) de Arthur Lubin, “Lady Godiva” (1955), también de Lubin, “Tarántula” (1955) de Jack Arnold o “The first traveling saleslady”
(1956), otra comedia de Arthur Lubin, el director con quien más trabajó Eastwood en estas primeras y breves apariciones en Hollywood. En el año 1959 y gracias a la televisión, Clint Eastwood alcanzó la popularidad con el personaje de Rowdy Yates, protagonista de “Rawhide”, una serie del Oeste en la que participaron directores como Charles Marquis Warren, Jack Arnold, Stuart Rosenberg, Tay Garnett, George Sherman, Laszlo Benedek o Andrew V. McLaglen. La serie permaneció durante siete años en la pequeña pantalla. Este personaje llamó la atención del realizador italiano Sergio Leone, quien con el protagonismo esencial de Eastwood creó un subgénero del western denominado popularmente “spaghetti western”. Su primer título conjunto fue “Por un puña-
do de dólares” (1964), al que siguieron “La muerte tenía un precio” (1965) y “El bueno, el feo y el malo” (1966), tres excelentes películas que convirtieron a Clint en uno de los actores más populares de la época. A finales de los años 60 colaboró con otro de sus maestros en el arte cinematográfico, Don Siegel, filmando “La jungla humana” (1968), “Dos mulas y una mujer” (1969), “Harry el sucio” (1971), “El seductor” (1971) y “Fuga de Alcatraz” (1979). El policía Harry Callahan, con sus violentos métodos de actuación, se convirtió en otro de sus personajes más reconocidos y exitosos. Tras “Harry el sucio” llegaron “Harry el fuerte” (1973) de Ted Post, “Harry el ejecutor” (1976) de James Fargo y Allen E. Smith, “Impacto súbito” (1983), dirigida por el propio Eastwood y finalmente “La lista negra” (1988) de Buddy Van Horn. En el año 1971 y tras aparecer como actor en populares títulos como “La leyenda de la ciudad sin nombre” (1969) de Joshua Logan o “Los violentos de Kelly” (1970) de Brian G. Hutton, Eastwood dio el salto a la dirección debutando con la muy estimable “Escalofrío en la noche” (1971), a la que siguieron en los años 70 “Infierno de cobardes” (1972), “El fuera de la ley” (1976) y “Ruta suicida” (1977), películas en la que coincidió con una rubia actriz llamada Sondra Locke, de que la terminó enamorándose, provocando el fin de su matrimonio con Maggie Johnson. Con Sondra volvió a acreditarse en “Duro de pelar” (1978) de James Fargo, “La
TOP 10 MOVIE DIRECTORS
El adolescente Eastwood sintió atracción por la música, especialmente por el jazz y el blues, consiguiendo aprender y tocar el piano en diferentes clubes de la localidad californiana de Los Angeles. Además de ganar unos dólares con sus actuaciones, Clint trabajó en diversos oficios como leñador, gasolinero o instructor de natación para el ejército, labor que ejerció después de estrellarse su avión militar en el océano y salvar su vida alcanzando la costa a nado cuando se encontraba cumpliendo el servicio militar. En el ejército coincidió con Martin Milner y David Janssen (posteriormente famoso por protagonizar la serie televisiva “El Fugitivo”), quienes le animaron a cursar estudios de interpretación en la Universidad de Los Angeles.
gran pelea” (1980) de Buddy Van Horn, “Bronco Billy” (1980) y la citada “Impacto súbito” (1983), ambas dirigidas por Eastwood. La pareja nunca se casó. En los años 80 Clint también mantuvo una relación con la azafata de vuelo Jacelyn Reeves, con quien tuvo dos hijos: Scott (1986) y Kathryn (1988). La relación sentimental entre Sondra y Clint terminó en 1989 debido a su romance con la actriz Frances Fisher (“Sin perdón” o “Titanic”), con la que tuvo una hija a la que llamaron Francesca (1993). Siete años después, el director, productor y actor californiano se casó con la periodista de televisión Dina Ruiz. Con su última mujer Clint tuvo a su séptimo hijo, una niña llamada Morgan (1996). La pareja se separó en el año 2013. La imagen de duro y solitario que Eastwood ofreció desde sus tiempos con Leone y Siegel se fue ensanchando en los 70 y 80 con títulos como “Joe Kidd” (1972) de John Sturges, “Un botín de 500.000 dólares” (1974) de Michael Cimino, “El aventurero de medianoche” (1982) de Eastwood, “Fire-
fox, el arma definitiva” (1982) de Eastwood, “Ciudad muy caliente” (1984) de Richard Benjamin, “En la cuerda floja” (1984) de Richard Tuggle, “El jinete pálido” (1985) o “El sargento de hierro”, también dirigidas y producidas por Clint Eastwood. Su respetada filmografía como director conoció elogios gracias a películas como “Cazador blanco, corazón negro” (1990) y sobre todo, dos obras de primera entidad, “Bird” (1988), film sobre el músico de jazz Charlie Parker, y “Sin perdón” (1992), película crepuscular del Oeste por el que ganó el Oscar al mejor director y a la mejor película además de ser nominado como mejor actor.
PREMIOS Y NOMINACIONES 2007 Globo de Oro a la mejor película en lengua no inglesa Cartas desde Iwo Jima, 2005 Globo de Oro al mejor director Million Dollar Baby, 1993 Globo de Oro al mejor director Sin perdón, 1989 Globo de Oro al mejor director Bird, 1988 Premio Cecil B. DeMille Oscar, 2004 Oscar a la mejor película Million Dollar Baby, 2004 Oscar al mejor director Million Dollar Baby, 1994 Premio en Memoria de Irving Thalberg, 1992 Oscar a la mejor película Sin perdón, 1992 Oscar al mejor director Sin perdón.
ALFRED HITCHCOCK
Alfred Joseph Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en Leytonstone (Inglaterra), hijo menor de Emma y William Hitchcock, matrimonio de clase media que se dedicaba a al comercio de verduras. Fue educado en colegios católicos, estudiando desde 1910 con los jesuitas en el St. Ignatius College de Londres. Después de terminar sus estudios secundarios, Hitchcock estudió ingeniería en la Escuela de Ingeniería y Navegación, abandonando la carrera a causa de la muerte de su padre en 1914, hecho que provocó una mengua económica familiar y su primera incursión profesional trabajando en la compañía de telégrafos Henley. Fue en esta época cuando el joven Alfred comenzó a apasionarse por el mundo del cine, consiguiendo su primer trabajo relacionado con la industria fílmica al ingresar en 1920 como diseñador de rótulos para la Famous Players Lasky de la Paramount. Este primer contacto con el proceder cinematográfico le sirvió para instruirse en técnicas de montaje y dirección artística, participando en films dirigidos por gente como Hugh Ford o Donald Crisp. En 1922 rodó su primera película, “El número 13” (1922), un título que no pudo ser finalizado a causa de que la Paramount decidió cerrar sus estudios en el Reino Unido. En 1923 ocupó por primera vez puesto de guionista, asistente de dirección y director artístico en “De Mujer a Mujer” (1923), un melodrama dirigido por Graham Cutts. Con el mismo director, Hitch debutó como montador al ocuparse de la edición de “The White Shadow” (1923). Aunque su primera película oficial como director fue “El Jardín De La Alegría” (1925), un melodrama germa-
no-británico protagonizado por Virginia Valli, fue con “El Enemigo De Las Rubias (The Lodger)” (1927) cuando Hitchcock comenzó a plasmar su verdadero estilo cinematográfico, manejando con maestría el suspense con el protagonismo principal de Ivor Novello, una gran estrella del cine británico de la época. En la película también ofrecía su primer cameo, un hecho característico en casi todos sus trabajos posteriores. En 1926 el director inglés contrajo matrimonio con la guionista Alma Reville. Otros interesantes títulos de Hich rodados en su etapa muda fueron “El Ring” (1927), un melodrama pugilístico protagonizado por Carl Brisson, o la comedia “The Farmer’s Wife” (1928).
Su primer film sonoro fue “La Muchacha De Londres” (1929), un título mudo en su origen que fue interpretado por la actriz polaca Anny Ondra. En estas películas ya se apreciaban algunas características de su filmografía más importante, creando historias de suspense desplegadas con una capacidad técnica admirable, en pos siempre de una narración despojada de elementos superfluos que no aportaran información al espectador. Estas historias, pivotando muchas veces en los temas de falso culpable y la trasgresión de la apariencia y vida rutinaria del ciudadano medio, fueron tildadas en su época como meros productos de entretenimiento, sin valorar la complejidad psicológica de sus caracteres, el énfasis emocional de los mismos y la acumulación de diversos temas en sus intrigantes asuntos, con vinculaciones sexuales y humorísticas arropando las elementales claves del thriller. Tras “La Posada De Jamaica”, Hitchcok fue contratado por el productor estadounidense David O. Selznick para adaptar de nuevo a la escritora Daphne de Maurier en “Rebeca” (1940), una sensacional película protagonizada por Joan Fontaine y Laurence Olivier que fue galardonada con el Oscar al mejor film del año. Este primer trabajo del director británico en Hollywood recibió once nominaciones, consiguiendo el fotógrafo George Barnes una estatuilla por su trabajo. Hitchcock logró su primera nominación, consiguiendo el galardón John Ford por “Las Uvas De La Ira”. En los años 40 Hitchcock dirigió películas como “Enviado Especial” (1940), “Sospecha” (1941), “Matrimonio Original” (1941), “Sabotaje” (1942), “La Sombra De Una Duda” (1943), “Náufragos” (1944), “Recuer-
TOP 10 MOVIE DIRECTORS
En la década de los 30 Alfred Hitchcock fue madurando su capacidad como creador. Tras realizar una serie de títulos bastante prescindibles en la primera mitad del decenio, como “Juego Sucio” (1931) o “Valses de Viena” (1933), Hitch sorprendió a público y crítica con películas como “El Hombre Que Sabía Demasiado” (1934), thriller con Peter Lorre, Leslie Banks y Edna Best, “Los 39 Escalones” (1935), con Robert Donat y Madeleine Carroll, “Sabotaje” (1936), con Sylvia Sidney y Oscar Homolka, “Inocencia y Juventud” (1937), con Nova Pilbeam y Derrick de Marney, o “Alarma En El Expreso” (1938), con Margaret Lockwood y Michael Redgrave. También durante esta época rodó otros films disfrutables pero más irregulares, como “Agente Secreto” (1936), un título protagonizado por Peter Lorre, John Gielguld, Madeleine Carroll y Robert Young, o “La Posada De Jamaica” (1939), adaptación de Daphne de Maurier que contaba con las interpretaciones de Charles Laughton y Maureen O’Hara.
da” (1945), “Encadenados” (1946), “El Proceso Paradine” (1947), “La Soga” (1948) y “Atormentada” (1949). En “Sospecha” coincidió por primera vez con Cary Grant, y en “La Soga” con James Stewart, sus dos actores favoritos que volvió a utilizar con frecuencia a lo largo de su carrera. Por “Sospecha”, película nominada al Oscar como mejor película, Joan Fontaine obtuvo el Oscar a la mejor actriz, y Miklos Rosza una estatuilla por la mejor música de “Recuerda”. Hichcock, que jamás ganó un Oscar, recibió su segunda nominación por “Náufragos” (ganó Leo McCarey por “Siguiendo Mi Camino”), un film protagonizado por Tallula Bankhead y basado en una historia de John Steinbeck en el que la acción transcurría casi en su totalidad en un bote, y su tercera por “Recuerda” (estatuilla para Billy Wilder por “Días Sin Huella”), película que contaba con el protagonismo de Ingrid Bergman y Gregory Peck. Ingrid Bergman fue una de las actrices más utilizadas por Hitchcock, participando en “Recuerda”, “Encadenados” y “Atormentada”.
En los años 50 Hitchcock colaboró con alguno de los mejores técnicos con los que coincidió en su carrera, el compositor Bernard Herrmann, con quien trabajó por primera vez en “Pero… ¿Quién Mató a Harry?”, el montador George Tomasini, quien colaboró en muchas películas de Hitch desde “La Ventana Indiscreta”, y el fotógrafo Robert Burks, a quien contrató por primera vez para “Extraños En Un Tren”. Burks ganó el Oscar por su colorista trabajo en “Atrapa a Un Ladrón”. En esta película, protagonizada en su papel masculino por Cary Grant, intervenía Grace Kelly, la actriz preferida de Hitch, un amante impenitente de las intérpretes rubias. Grace, además de “Atrapa a Un Ladrón”, apareció en “Crimen Perfecto” y “La Ventana Indiscreta”. Su boda con el príncipe de Mónaco, Rainiero, supuso su alejamiento del cine, hecho que disgustó profundamente a Hitchcock, quien intentó recuperarla en vano posteriormente para protagonizar “Marnie La Ladrona”. El 29 de abril de 1980, uno de los grandes autores cinematográficos de todos los tiempos, falleció a la edad de 80 años. Su epitafio: “Esto es lo que le pasa a los chicos malos”.
PREMIOS Y NOMINACIONES En 1968 recibió un Óscar Honorífico, el premio en memoria de Irving Thalberg a toda su carrera, en la ceremonia de los Premios de la Academia. Aunque nunca recibió un Óscar competitivo, siempre se le ha considerado como el maestro del suspenso.
QUENTIN TARANTINO
Quentin Jerome Tarantino nació en la localidad estadounidense de Knoxville, ubicada en el estado de Tennessee. En el momento de nacer, sus padres, Tony, un estudiante de derecho, y Connie, estudiante de enfermería, solamente tenían 21 y 16 años. La pareja bautizó a su hijo con el nombre de Quentin basándose en el personaje de Burt Reynolds (Quint Asper) en la serie televisiva del oeste “Gunsmoke”. Tony y Connie se divorciaron poco después de la boda y a los dos años de edad, el pequeño Quentin se trasladó con su madre a Los Angeles, ciudad en la que Connie contrajo matrimonio con Curt Zastoupil. Desde niño e influenciado por su madre, Tarantino acudió a menudo al cine, escuchaba música rock, leía publicaciones pulp y veía numerosas series de televisión. En su adolescencia abandonó los estudios y comenzó a trabajar como acomodador de un cine porno. En 1985 logró un trabajo en un videoclub, el Video Archive de Manhattan Beach (California), lugar en donde acrecentó su ingente cultura cinematográfica. En el videoclub Quentin entabló amistad con el estudiante de cine Roger Avary y conoció al productor John Langley, quien quedó prendado del amplio conocimiento del medio audiovisual que poseían los dos cinéfilos. Langley les contrató para trabajar como asistentes de producción de “Maximum Potencial” (1987), un título de ejercicios destinado al mercado del vídeo en el que Dolph Lundgrenponía de manifiesto sus habilidades en el body building, las artes marciales o el boxeo. Avary y Tarantino comenzaron a finales de los años 80 a escribir su primer guión conjunto, “True Roman-
ce”, que en 1993 fue adaptado al cine por Tony Scott con el título de “Amor a quemarropa”. Por esa época Quentin dirigió una comedia inacabada titulada “My best friend’s birthday” (1987), co-escrita junto a Craig Hamman. En los primeros años de la década de los 90, Tarantino conoció al productor Lawrence Bender, quien recibió con entusiasmo el guión de “Reservoir Dogs”. Poco después puso el texto en conocimiento del actor Harvey Keitel. Keitel avaló el proyecto en la producción y la interpretación y comenzaron a rodar el guión. El violento y estiloso thriller “Reservoir Dogs” (1992) cosechó un gran reconocimiento crítico en el Festival de Sundance y se convirtió rápidamente en un título de culto.
El talento cinematográfico de Tarantino, inspirado por un eclecticismo cinéfilo que bebe de fuentes diversas (desde John Woo, Martin Scorsese o Sam Fullerhasta Howard Hawks, Phil Karlson, Sergio Leone o la Nouvelle Vague) y singularizado por una sugestiva estructura temporal, un destacado dominio del espacio cinematográfico y un amplio conocimiento de la cultura pop apreciable en sus sagaces textos, se consolidó dos años después con el triunfo de “Pulp Fiction” (1994), título que revitalizó la carrera de John Travolta, ganó la Palma de Oro en el prestigioso Festival de Cannes y fue nominado a siete premios Oscar, entre ellos, al de mejor película. Quentin Tarantino y Roger Avary lograron la estatuilla al mejor guión original. En 1994 Tarantino realizó un episodio de la serie de televisión “Urgencias”, antes de dirigir un segmento de la película “Four Rooms” (1995) y retornar al largometraje con “Jackie Brown” (1997), film recibido con disparidad de opiniones que adaptaba una novela de Elmore Leonard. La película estaba protagonizada por la reina del blaxploitation, Pam Grier. En el año 2003 estrenó “Kill Bill: Vol. 1”, una película de artes marciales en donde recuperaba la figura de David Carradine, el protagonista de la mítica serie de televisión de los años 70 “Kung Fu”. Junto a su faceta como director, Quentin Tarantino ha aparecido como actor, al margen de sus propias películas, en títulos como “Duerme conmigo” (1994), “Alguien a quien amar” (1994), “Johnny Destiny” (1995), “Desperado” (1995), “Abierto hasta al amanecer” (1996), “Girl 6” (1996) o la comedia “Little Nicky” (2000). Como guionista escribió las pelícu-
TOP 10 MOVIE DIRECTORS
Tarantino ha creado un estilo propio y único, que combina los estilos de sus géneros favoritos, haciendo de él uno de los más puros Auteurs recientes. Él expresa sus películas exactamente desde su punto de vista, por ejemplo, en Kill Bill, combinó el estilo de las películas de kung fu de Sonny Chiba y los spaghetti westerns de Sergio Leone. Tarantino es el primero en decir que está fuertemente inspirado en la trama y en el estilo por sus películas favoritas; y logra rendir homenaje a éstas, pero aun así sus películas tienen un toque único y propio. La música también es una parte muy importante de su estilo de filmación, y ha sido reconocido por ello con el premio Music and Film en los Critics’ Choice Awards en 2011.
las “Amor a quemarropa” (1993) de Tony Scott, “Asesinos natos” (1994) de Oliver Stone(aunque descontento con los resultados sólo apareció como creador de la historia) y “Abierto hasta al amanecer” (1996), realizada por Robert Rodríguez. Como productor ha intervenido en “Sombras del pasado” (1992), “Killing Zoe” (1994), película que supuso el debut como director de Roger Avary, “Abierto hasta el amanecer” (1996) o “Tú asesina, que nosotros limpiamos la sangre” (1996). “Grindhouse” (2007) es uno de sus últimos proyectos. Para esta sesión doble compartida con Robert Rodríguez, Tarantino dirigió la película con psicópata “Death Proof”. “Malditos Bastardos” (2008) es una película bélica ambientada en la Segunda Guerra Mundial con el protagonismo de Brad Pitt. Por este film fue candidato al Oscar como mejor director y guionista. Homenajeó a los spaghetti westerns en “Django Unchained” (2012), película en la que volvió a contar con Christoph Waltz. Jamie Foxx era el Django del título. Por este film Quentin logró su segundo premio Oscar al mejor guión original.
Fue pareja sentimental de la directora y guionista Sofia Coppola y, entre otras, de Julie Dreyfus, actriz vista en “Kill Bill Vol. 2” y “Malditos Bastardos”, Shar Jackson o Marta Mendoza. Cuando le preguntaron si es posible aprender a hacer cine y dirigir películas simplemente viendo películas y sin estudios formales, respondió: Sabes, es gracioso, para mí la mayoría de las escuelas de cine no te enseñan lo que necesitas para crear tu propia estética, tu propio estilo. Y en realidad parte de convertirse en un artista es descubrir tu estilo. Pueden enseñar a sincronizar la banda sonora con las imágenes, o puede ser que te enseñen algunos trucos diferentes de edición o “Oh, puedes hacer esto con una cámara” y te mostrarán algunas películas. Pero parte de convertirse en un artista es descubrir tu estilo, cuando empiezas “me gusta esto, pero no me gusta esto otro...”. Pero luego empiezas a darte cuenta de la diferencia entre un buen trabajo y un mal trabajo, no sólo “me gusta esto, pero no me gusta esto otro...”. Y entonces comienzas a afinar tu estilo, y ya sólo es ponerlo en práctica.
PREMIOS Y NOMINACIONES Película: Pulp Fiction Festival: Academy Awards, USA Galardón: Oscar Categoria: Mejor Guión original Persona: Roger Avary y Quentin Tarantino
Película: Kill Bill: Vol. 1 Festival: Empire Awards, UK Galardón: Empire Categoria: Mejor Director Persona: Quentin Tarantino
STEVEN SPIELBERG
El director, guionista y productor Steven Allan Spielberg nació en Cincinatti, hijo mayor del ingeniero electrónico Arnold Spielberg y de la concertista de piano Leah, dueña también de un restaurante en la ciudad de Los Angeles. Tiene tres hermanas llamadas Sue, Anne y Nancy. Arnold y Leah, después de su divorcio en 1965 y sendos matrimonios fallidos, volvieron a casarse en 1997. Debido a los traslados laborales de su padre, Steven Spielberg residió en diferentes Estados norteamericanos durante su niñez y adolescencia.De formación autodidacta, comenzó a rodar cortos a comienzos de los años 60 (debutando con un film del Oeste titulado “The Last Gun”) hasta que a los 18 años dirigió y escribió su primer largometraje, “Firelight” (1964), extenso título de ciencia-ficción basado en una historia ideada por su hermana Nancy (quien también aparece como actriz en la película) que consiguió ser proyectado comercialmente en un cine de Phoenix, ciudad en la que residió durante su juventud. En el año 1965 sus padres se divorciaron y Spielberg, quien siempre mantuvo en esta primera etapa de su vida una relación distanciada con su padre, se mudó con su madre y hermanas a California. En Los Angeles Steven Spielberg intentó ingresar sin éxito en la Universidad de Southern California para estudiar Cinematografía. Tras dos tentativas infructuosas, logró ser admitido en la Universidad del Estado de California en Long Beach, centro de
menor prestigio que su primera opción del que salió en 1968 sin haber finalizado la carrera. En el año 2002 recibió finalmente su diploma de graduación. En 1969 estrenó “Amblin” (1969), un corto que ganó un premio en el Festival de Atlanta y consiguió llamar la atención de la Universal, quien le ofreció un contrato para trabajar en su apartado televisivo, consiguiendo dirigir a Joan Crawford en la serie “Night Gallery”. El título del cortometraje “Amblin” posteriormente bautizaría su primera productora cinematográfica. Durante finales de la década de los 60 y comienzos de los años 70, Steven rodó básicamente cortometrajes, episodios de series y telefilmes, entre ellos uno protagonizado por el popular personaje “Colombo” (1971). El telefilm “El diablo sobre ruedas” (1971) (“Duel” en su versión original), influenciado por el cine de Alfred Hitchcock, fue estre-
nado en pantalla grande en muchos países europeos. La película tuvo excelentes críticas y todavía hoy permanece como uno de sus mejores films y un ejemplo de su dominio del suspense. En “1941” (1979) Spielberg reconstruía en clave de comedia el ataque japonés de “Pearl Harbor”. Mal recibida por crítica y público, supuso un fracaso y un retroceso comercial después de sus triunfos anteriores. En 1978 produjo su primera película sin ocuparse de tareas de dirección, “Locos por ellos” (1978), una comedia sobre la primera visita de los Beatles a los Estados Unidos dirigida por Robert Zemeckis. En el año 1980 repitió como productor ejecutivo en la comedia “Frenos rotos, coches locos” (1980), de nuevo realizada por Zemeckis, con quien estableció una fructífera asociación. Junto a George Lucas, Spielberg creó uno de sus personajes más recordados, Indiana Jones, el arqueólogo aventurero encarnado por Harrison Ford, actor a quien Lucas había elevado al estrellato con su personaje de Han Solo en “La guerra de las galaxias”. “En busca del arca perdida” (1981), con influencias de títulos aventureros de serie B de los años 50, volvió a llevar a lo más alto de la taquilla a Spielberg, quien logró con su
TOP 10 MOVIE DIRECTORS
Su primer largometraje cinematográfico “oficial” fue “Loca evasión” (1974), drama protagonizado por Goldie Hawn y Ben Johnson que le valió un galardón al mejor guión en el Festival de Cannes. El film con el que Spielberg alcanzó la fama internacional fue “Tiburón” (1975), una brillante adaptación de la novela de Peter Benchley protagonizada por Roy Scheider,Robert Shaw y Richard Dreyfuss que se convirtió en una de las películas más taquilleras del año a pesar de que el rodaje resultó ser bastante problemático y nada parecía presagiar su gran éxito. Dreyfuss también protagonizó “Encuentros en la tercera fase” (1977), película de ciencia-ficción en la que aparece como intérprete el director francés François Truffaut.
siguiente proyecto, “E. T., el extraterrestre” (1982), cifras jamás alcanzadas con anterioridad en el mundo del entretenimiento, logrando auparse al primer puesto en la lista de películas con mayor recaudación de la historia del cine. “E. T.”, título de encuentro alienígena manifestaba su preocupación e incisión en torno al mundo de la infancia, tema recurrente en muchos de sus trabajos. En los años 80, gracias a sus películas como director y productor, Steven Spielberg se convirtió en el rey Midas de Hollywood y uno de los personajes más poderosos de la industria cinematográfica. Casi todos sus proyectos, a pesar de ser tachados por parte de la crítica americana como productos superficiales, sensibleros y de escasa sustancia, alcanzaron enorme resonancia comercial, en especial, y al margen de “E. T.” las continuaciones de “En busca del arca perdida”, “Indiana Jones y el templo maldito” (1984) e “Indiana Jones y la última cruzada” (1989). Junto a estos triunfos de taquilla, Spielberg estrenó películas de corte más intimista y
perspectiva más madura, como la adaptación de la novela de Alice Walker, “El color púrpura” (1985), película que fue nominada en once categorías a los premios Oscar sin conseguir finalmente ninguna estatuilla. Con anterioridad ya había estado nominado como mejor director por “Encuentros en la tercera fase”, “En busca del arca perdida” y “E. T.”. Curiosamente por “El color púrpura”, film nominado como mejor película, Steven no fue nominado como mejor director. Un año después recibió el premio Irving Thalberg. Tampoco tuvo demasiada fortuna comercial con “El imperio del sol” (1987), un film ambientado en la Segunda Guerra Mundial que estaba protagonizado por un jovenChristian Bale. Adaptaba una biografía de J. G. Ballard e iba a ser dirigida en su día por el cineasta británico David Lean, uno de los directores más admirados por Spielberg. Su última película como director en la década de los 80 fue “Para siempre” (1989), un remake poco inspirado de un título dirigido por Victor Fleming en el año 1943, “Dos en el cielo”.
PREMIOS Y NOMINACIONES Se llevó sus dos primeros Oscars al Mejor Director y Mejor Película, por la aclamada La lista de Shindler, que recibió un total de siete Oscars®. La película también fue nombrada por muchas de las principales organizaciones de críticos como mejor película de 1993; además ganó siete premios BAFTA y tres Globos de Oro, ambos incluyendo las categorías de Mejor Película y Director.
MARTIN SCORSESE
Martin Scorsese, descendiente de inmigrantes sicilianos, nació en Queens, Nueva York, pero creció en el barrio Little Italy de la misma ciudad. Sus padres eran Luciano Charles Scorsese y Catherine Cappa, ambos trabajadores de la industria textil y padres de otro niño llamado Frank, mayor que Martin. Asmático desde su infancia, aspecto que le apartó de las prácticas deportivas, el joven Scorsese deseó en principio convertirse en cura, llegando a ingresar en el seminario de la Cathedral College. A finales de los años 50 abandonó su primera idea de dedicarse al sacerdocio e, influenciado por John Ford, Orson Welles, Luchino Visconti, Federico Fellini y sobre todo, Michael Powell, Martin Scorsese comenzó a rodar sus primeros cortos, como “Vesuvius VI” (1959). Poco después, en el año 1963, se incorporó a la Universidad de Nueva York para estudiar cinematografía, su gran pasión junto al mundo del rock. En este período rodó varios cortometrajes como “What’s a nice girl like you doing in a place like this?” (1963), “It’s not just you, Murray!” (1964) o “The Big Shave” (1967). En 1965 se casó con su novia Laraine Brennan y un año después coniguió graduarse, ejerciendo como profesor adjunto durante un tiempo en la misma universidad en la que cursó sus estudios. Su primer largometraje fue “¿Quién Golpea Mi Puerta?” (1967), drama urbano de corte autobiográfico protagonizado por Zina Bethune y Harvey Keitel. La película estaba montada por Thelma Schoonmaker, su habitual colaboradora y pieza clave en el triunfo artístico de sus futuros y mejores proyectos. Tras escribir el guión de la película “Obsesiones” (1969), una co-producción germano-holandesa, trabajar como mon-
tador y asistente de director en el documental “Woodstock” (1970), y dirigir otro documental, “Street Scenes” (1970), Martin Scorsese colaboró con Roger Corman en la producción para grabar “El Tren De Bertha” (1972), thriller criminal ambientado en los años 30 que estaba protagonizado por Barbara Hershey y David Carradine. “Malas Calles” (1973) fue su primera gran película y el inicio de su fructífera colaboración con el actor Robert de Niro, quien protagonizó con posterioridad en la misma década títulos como “Taxi Driver” (1976) o “New York, New York” (1977), film en el que aparecía Liza Minnelli, actriz con la que el director mantuvo un breve romance. En “Taxi Driver”, film que ganó la Palma de Oro en Cannes, Martin Scorsese formó equipo por primera vez con el guionista Paul Schrader. En el año 1974 Scorsese dirigió un nuevo
documental, “Italianamerican” (1974), en el que entrevistaba a sus propios padres, y “Alicia Ya No Vive Aquí” (1974), drama psicológico y romántico con Ellen Burstyn como protagonista principal, quien ganó el Oscar a la mejor actriz. A finales del año 1975, tras el divorcio con Laraine y una relación con la productora Sandy Weintraub, Martin se casó con la guionista Julia Cameron, con quien tuvo a su hija Domenica. Anteriormente, con Laraine Brennan, había sido padre de otra niña llamada Cathy, quien más tarde apareció como actriz en varias películas dirigidas por su progenitor. Para finalizar el decenio el autor neoyorquino rodó dos nuevos documentales: “El Último Vals” (1978), fenomenal película sobre el último concierto del grupo The Band, y “American Boy: A Profile Of Steven Prince” (1978), que narraba las experiencias de un joven gay judío. El matrimonio con Laraine se rompió pocos años después de su boda y en 1979 Martin contrajo matrimonio con la actriz Isabella Rossellini. Los años 80 se iniciaron de manera espléndida con “Toro Salvaje” (1980), biopic dramatizado sobre las vivencias del boxeador Jake LaMotta que le valió un Oscar a Robert de Niro y otro a Thelma Schoonmaker. Scorsese recibió por esta película su primera nominación como director. Posteriormente rodó las comedias “El Rey De La Comedia” (1983), con la pareja Robert de Niro y Jerry Lewis, y “Jó, Qué Noche” (1985), con Griffin Dunne, para recuperar, con la novela de Walter Tevis, la historia de “El Buscavidas” en “El Color Del Dinero” (1986), título protagonizado por Paul Newman y Tom Cruise. Newman obtuvo el Oscar al mejor actor por esta película. En 1983 se divorció de Isabella Rossellini
TOP 10 MOVIE DIRECTORS
Al margen de sus trabajos cinematográficos Scorsese realizó en los años 80 un episodio de la serie de televisión “Cuentos Asombrosos” y el videoclip musical de Michael Jackson “Bad”. En el año 1990 produjo la película de Stephen Frears “Los Timadores” (1990) y dirigió el film de mafiosos “Uno De Los Nuestros” (1990), por el que volvió a ser candidato al premio Oscar, un galardón, para la vergüenza de la propia Academia de Hollywood, que todavía no había conseguido hasta la fecha.
y dos años después se casó con la productora Barbara De Fina. Con “La Última Tentación De Cristo” (1988), adaptación de la novela de Nikos Kazantzakis con Willem Dafoe en el papel principal y música de Peter Gabriel, se originó una inane polémica con los grupos religiosos más radicales que sirvió para popularizar mucho más el film, que de controversia tenía más bien poco. La película le valió su tercera nominación en la categoría de mejor director. Su último trabajo en este decenio fue el rodaje de un episodio de “Historias De Nueva York” (1989), película que contaba con la participación de otros dos ilustres directores, Woody Allen y Francis Ford Coppola. Posteriormente rodó el remake “El Cabo Del Miedo” (1991), adaptó la novela de Edith Wharton en “La Edad De La Inocencia” (1993), volvió al cine de gángsters con “Casino” (1995), fabuló con la vida del Dalai Lama en “Kundun” (1997), repasó el cine italiano con el documental “Mi Viaje a Italia” (1999) y llevó a la pantalla el libro de Joe Connelly en el drama urbano y psicológico “Al Límite” (1999). En 1991 se separó de Barbara y mantuvo una corta relación con Ileana Douglas antes de volver a casarse en 1999, ahora con la
editora literaria Helen Morris, con quien tuvo a su tercera hija, llamada Francesca. Otros títulos de su filmografía son “Gangs Of New York” (2002), film histórico ambientado en la Nueva York del siglo XIX por la que fue de nuevo nominado al Oscar, “El Aviador” (2004), biopic sobre el magnate Howard Hughes con el que volvió a optar a la estatuilla como mejor director y mejor película, e “Infiltrados (The Departed)” (2006), remake de un film de mafiosos de Hong Kong, filmado en el año 2002 por Andrew Lau y Alan Mak, que supuso su tercera colaboración consecutiva con el actor Leonardo DiCaprio. Por esta última película ganó el Oscar al mejor director y a la mejor película. Con DiCaprio, Scorsese volvió a colaborar en “Shutter Island” (2010), thriller basado en una novela de Dennis Lehane que sigue la investigación de la desaparición en una isla de una asesina internada en un sanatorio psiquiátrico. Otros proyectos del director de Nueva York son dos documentales musicales, “Shine a Light” (2008), film que aborda la larga carrera de los Rolling Stones, y otro centrado en la figura de George Harrison.
PREMIOS Y NOMINACIONES 2006 Mejor Director - The Departed - Ganador 2012 Mejor director - Hugo - Ganador 2010 Premio Cecil B. DeMille - Ganador 2006 Mejor director - The Departed - Ganador 2002 Mejor director - Gangs of New York - Ganador 2011 BAFTA Honorífico - Ganador Entre muchos otros.
WOODY ALLEN
Tan amante de las peripecias humorísticas de los Hermanos Marx o Bob Hope como de las películas de Federico Fellini o Ingmar Bergman, Woody Allen ha creado sarcasmo sobre pautas de comportamiento de su país, retratado con ironía los avatares sentimentales e intelectuales de la clase burguesa neoyorquina, homenajeado al mundo del espectáculo y diatribado desde una perspectiva de autor sobre sus cuestiones predilectas: el sexo, Dios, el amor, el judaísmo y la muerte, ya sea a través de la farsa, la comedia agridulce o el drama existencial. Allen Stewart Konigsberg, nombre real de Woody Allen, nació el 1 de diciembre de 1935 en Brooklyn, Nueva York (Estados Unidos). Era hijo de Martin Konigsberg, quien trabajó en diversos empleos, como taxista y camarero, y la contable Nettea Konigsberg, ambos de creencias judías ortodoxas. Tiene una hermana menor, la productora Letty Konigsberg. Poco amigo de los libros académicos y no demasiado sociable, Allen pasó como pudo sus estudios primarios y secundarios. Más que por el estudio, Allen se decantaba por el visionado de películas, los cómics, la música y el deporte. A los 15 años se rebautizó como Woody Allen y tres años después se matriculó en la Universidad de Nueva York para estudiar Cinematografía, pero tras suspender un curso de producción y aburrirse como una ostra, abandonó los estudios tras un semestre en las aulas universitarias para dedicarse a escribir gags para el comediante David Albert. Poco después trabajó en el programa de televisión “Your Show Of Shows”, escribiendo guiones para gente como Carl Reiner, Art Carney o Sid Caesar.
En 1956 Woody se casó con Harlene Rosen, de quien se divorció en 1959. A comienzos de la década de los 60 decidió lanzarse como cómico en solitario, logrando el éxito con sus apariciones televisivas, sus discos de humor y sus actuaciones en el Greenwich Village. Esta creciente fama en el mundo del entretenimiento le llevó al mundo del cine. En 1965 escribió el guión y apareció en un papel secundario en la película “Qué Tal, Pussycat?” (1965), una divertida farsa dirigida por Clive Donner y protagonizada por Peter Sellers, Romy Schneider y Peter O’Toole. Un año después debutó como director en “Lily LaTigresa (What’s up Tiger Lily?)” (1966), aunque este título es sencillamente una adaptación en inglés de una mala película japonesa con nuevos diálogos escritos por Allen y puestos en boca de los intérpre-
tes nipones. No es nada del otro mundo y su resultado no satisfizo a Woody, que quiso suprimir su nombre de los títulos de crédito. En 1966 escribió la obra teatral “Don’t Drink The water”, que se estrenó con éxito en Broadway y ese mismo año se casó con Louise Lasser, actriz que apareció junto a Allen en varias de sus películas iniciales. Se divorciaron en 1969. En 1967 Woody intervino en la parodia de James Bond, “Casino Royale” (1967), junto a David Niven, Peter Sellers, Ursula Andress y Orson Welles. Su primera película como director, al margen de “Lily La Tigresa”, es “Toma El Dinero y Corre” (1969), una gran comedia rodada con un estilo documental que el mismo Allen protagonizó junto a Janet Margolin. Las películas que dirigió en la primera mitad de su carrera, la satírica “Bananas” (1971), la episódica “Todo Lo Que Siempre Quiso Saber Sobre El Sexo y No Se Atrevió a Preguntar” (1972), “El Dormilón” (1973), burlesco film en el que contaba la historia de un hibernado en los años 70 que despierta doscientos años después, o “La Última Noche De Boris Grushenko” (1975) gran título ambientado en la Rusia del Siglo XIX que juega con varias señas de identidad cultural de ese país, conformaron un inicio como autor en el que rebotaban las temáticas antes citadas de sexo, muerte y Dios,en un contexto lleno de slapstick y divertidos diálogos con predilección por la comedia absurda y anárquica estilo hermanos Marx y parte de Bob Hope. En esa época también protagonizó la película “Sueños De Seductor” (1972), una película basada en la obra teatral del propio Allen
TOP 10 MOVIE DIRECTORS
Durante los años 90 y comienzos del siglo XXI, Woody Allen, un autor mucho más valorado fuera que dentro de su país, ha continuado estrenando películas, generalmente comedias, en las que pone de manifiesto su talento para la construcción de ingeniosas tramas e hilarantes situaciones cómicas con deliciosas bandas sonoras. Ganó el Oscar al mejor guión original por “Midnight In Paris” (2011). Tiene un hijo, llamado Ronan (nacido en el año 1987), fruto de su relación con Mia Farrow.
“Play It Again, Sam” que dirigió para el cine Herbert Ross. Su compañera en el reparto era Diane Keaton, como así también lo fue en “El Dormilón” (1973) y “La Última Noche De Boris Grushenko” (1975). Keaton y Allen se convirtieron en pareja sentimental. Como actor Woody también participó en “La Tapadera” (1976), film dirigido por Martin Ritt. Con “Annie Hall” (1977), también co-protagonizada por Diane Keaton, Allen logró el respeto de la crítica y el público, obteniendo dos premios Oscar, uno como mejor director y otro como mejor guionista. También fue nominado como mejor actor, pero el ganador fue Richard Dreyfuss por su interpretación en “La Chica Del Adiós”. Con “Annie Hall” Woody se alejó del slapstick como esencia y planteó un cine de mayor calado introspectivo y tono agridulce. Otro título de este estilo, en el que ponía de manifiesto su amor por la ciudad de Nueva York, fue “Manhattan” (1979), un mágico film en blanco y negro con sonidos de su
música favorita, el jazz. La película estaba co-protagonizada por Diane Keaton, Mariel Hemingway, Michael Murphy y una joven Meryl Streep. Le valió otra nominación como guionista. Con anterioridad a esta cinta, Allen, influenciado por el maestro sueco Ingmar Bergman, dirigió “Interiores” (1978), su primer drama en el que no aparecía como actor. Allen fue nominado al Oscar como mejor director y guionista. Los años 80 continuaron ofreciendo importantes películas, entre ellas varios de sus trabajos más destacados, como la obra maestra “La Rosa Púrpura Del Cairo” (1985) y las magistrales “Hannah y Sus Hermanas” (1986) y “Delitos y Faltas” (1989). El ritmo de producción de Woody siempre ha sido elevado, ofreciendo a sus múltiples seguidores películas con mucha regularidad, hecho que rara vez ha provocado un descenso en el nivel de calidad de las mismas.
PREMIOS Y NOMINACIONES Premios Oscar: 2011 Mejor guion original por Midnight in Paris 1986 Mejor guion original por Hannah y sus hermanas 1977 Mejor director por Annie Hall 1977 Mejor guion original por Annie Hall
FRANCIS FORD COPPOLA
Director, guionista y productor estadounidense, hijo del compositor Carmine Coppola y de Italia Pennino. Su hermana es la actriz Talia Shire. Su hermano August Floyd es profesor de literatura. Sus sobrinos son los actores Nicolas Cage (hijo de August Coppola) y Jason Schwartzman (su madre es Talia Shire). Coppola sufrió la polio en su niñez, época en la que rodó sus primeros cortometrajes. Después de acudir al instituto, estudió cine y teatro en la Hofstra University de Nueva York y en la UCLA. Gracias a Roger Corman debutó como director con “Battle Beyond The Sun” (1960), un rehecho de la cinta de ciencia-ficción soviética “Nebo Zovyot”. Más tarde filmó la comedia sexual “Bellboy And The Playgirls” (1962) y el western humorístico-picante “Tonight For Sure” (1962). En el año 1963 se casó con Eleanor Jessie Neil, con quien tuvo a sus hijos Sofia, Roman, Mary y Gian-Carlo. Este último falleció a causa de un accidente náutico. Aunque nunca se separó de Eleanor, Coppola mantuvo una relación extramatrimonial en los años 70 con la guionista Melissa Mathison, quien más tarde se casó con Harrison Ford. Con Roger Corman filmó la cinta de terror “Demencia 13” (1963). En los años 60 también estrenó la comedia iniciática “Ya Eres Un Gran Chico” (1966), colaboró con Fred Astaire en el musical “El Valle Del Arco Iris” (1968) y dirigió a Shirley Knight en la road movie “Llueve Sobre Mi Corazón” (1969). En 1969 creó junto a George Lucas la productora American Zoetrope.
Coppola alcanzó su mayor prestigio en la década de los 70 tras ganar el Oscar al mejor guión por “Patton” (1970), película biográfica dirigida por Franklin J. Schaffner, y triunfar con la adaptación del libro sobre la familia Corleone de Mario Puzo “El Padrino” (1972), film de épica mafiosa por el que volvió a ganar el Oscar al mejor guión además del premio a la mejor película. Dos años después filmó una estupenda secuela, “El Padrino II” (1974), película que obtuvo diversos Oscar, entre ellos los de mejor película, dirección y guión. El mismo año de “El Padrino II”, Coppola dirigió y escribió “La Conversación” (1974), un sobresaliente thriller psicológico que estaba protagonizado por Gene Hackman. Su última película en los años 70 como director fue “Apocalipsis Now” (1979), épica antibélica y alucinatoria de ambiente selvá-
tico que fue inspirada por el libro “El Corazón De Las Tinieblas” de Joseph Conrad. “Corazonada” (1982), musical protagonizado por Teri Garr y Frederick Forrest, fue un sonado fracaso comercial que atemperó las pretensiones épico-oníricas de su autor, quien un año después estrenó los dramas adolescentes, iniciáticos y sociales “Rebeldes” (1983) y “La Ley De La Calle” (1983). Con “Cotton Club” (1984), película protagonizada por Richard Gere y Diane Lane, Coppola volvió a los gángsters y al musical. La década de los 80 terminó con películas que no obtuvieron la repercusión de sus obras de los 70: “Peggy Sue Se Casó” (1986), fantasía romántica con Kathleen Turner y Nicolas Cage, “Jardines De Piedra” (1987), drama bélico protagonizado por James Caan, y “Tucker, El Hombre y Su Sueño” (1988), film biográfico con Jeff Bridges. En este decenio también dirigió un episodio de “Historias De Nueva York” (1989). En los años 90 rodó la tercera entrega de “El Padrino” (1990), adaptó a Bram Stoker con el protagonismo de Gary Oldman en “Drácula” (1992), rodó con Robin Williams la comedia “Jack” (1996), y llevó a la pantalla “Legítima Defensa” (1997), un drama judicial basado en una novela de John Grisham. Después de “Legítima Defensa”, Francis Ford Coppola estuvo diez años sin dirigir, ocupado principalmente en tareas de producción de diferentes películas (entre ellas las de su hija Sophia), hasta su retorno en el año 2007 con “Youth Without Youth”, adaptación de una novela de Mircea Eliade que pasó sin pena ni gloria por la cartelera internacional. En el drama familiar “Tetro” (2009) abordaba con trazos autobiográ-
TOP 10 MOVIE DIRECTORS
Coppola fundó “Zoetrope AllStory”, en 1997, una revista literaria que se dedica a publicar historias cortas. Han sacado relatos de ficción de T.C. Boyle y Amy Bloom, y ensayos de David Mamet, Steven Spielberg y Salman Rushdie. Desde su fundación, el proyecto ha crecido en reputación hasta convertirse en una de las más importantes especializadas en la ficción literaria. A Francis le queda bien, tanto el puesto de editor fundador, como el de publicista de todo tipo de historias.En los últimos tiempos Francis y su familia se han dedicado a la elaboración de vinos en el Valle Napa de California, su vinería se llama “Niebaum-Coppola”. La misma produce también una línea de especial de pastas y salsa para pastas. Además ha abierto hoteles en Guatemala y Belice.
ficos las vivencias de una hermanos estadounidenses en Argentina. El filme documental “Hearts of Darkness: A Filmmaker’s Apocalypse”, dirigido por su esposa, Eleanor Coppola, Fax Bahr y George Hickenlooper, cuenta la verdadera historia acerca de las dificultades del equipo de producción cuando realizaron la película original “Apocalipse now”. A pesar de todos los obstáculos, y de una enfermedad que Coppola sufrió tiempo antes en el rodaje de Apocalipse, emprende nuevos proyectos. En 1982 volvería a dirigir películas, con el musical experimental “Corazonada”, el cual fracasó a pesar de que con el tiempo ganó aficionados. Cuatro años después Coppola y George Lucas, dirigen el corto de Michael Jackson para los parques de Disney, “Captain EO”, que hasta hace poco tiempo tenía el puesto de “Cortometraje más costoso”. La pelicula ”El padrino III”, llegaría en 1990, cerrando la trilogía de la saga. Ésta no fue tan admirada por los críticos como las anteriores, pero si fue un éxito de taquilla. El film se vio manchado con la aparición de Sofía, la neófita hija de Coppola, quien reto-
mó n papel abandonado por Winona Ryder al comienzo del filme. Su interpretación fue considerada fuera de lugar, y hasta ridícula por la mayoría de los críticos, pero unos años más tarde, se ganó un lugar de consideración como directora y guionista con los filmes “Las vírgenes suicidas” y “Lost in translation”. Durante 1996 realizo “Jack”, una película que trataba acerca de un niño que padecía una enfermedad por la cual envejecia rapidamente, encarnado por Robin Williams . El Elenco incluía a Diane Lane, Fran Dresher, Jennifer Lopez y Bill Cosby. Al año siguiente hizo “The Rainmaker”, en la que actuaron Matt Damon, Danny DeVito, Claire Danes, Jon Voight y Danny Glover. Más recientemente ha filmado durante el 2007, “Youth without youth”, protagonizada por Tim Roth y se espera, próximamente, “Tetro”. para el 2009. En cuanto a lo familiar, su padre, Carmine, escribió muchas de las melodías de las películas de su hijo; y su sobrino Nicolas Cage es un actor reconocido; su hijo Roman también es creador de películas, bautizado con el film “CQ”.
PREMIOS Y NOMINACIONES Best Picture The Godfather: Part II (1974) Best Director The Godfather: Part II (1974) Best Writing, Screenplay Adapted From Other Material The Godfather: Part II (1974)
Best Writing, Story and Screenplay Based on Factual Material or Material Not Previously Published or Produced Patton (1970)
JAMES CAMERON
Director, productor y guionista canadiense, hijo del ingeniero eléctrico Philip Cameron y de la enfermera Shirley Cameron. En el año 1971 James Cameron se trasladó con su familia a los Estados Unidos para residir en California. Acudió durante un tiempo a la Fullenton College para estudiar Física pero no terminó la carrera. Trabajó como camionero y como mecánico, e inspirado por Stanley Kubrick comenzó a rodar cortometrajes en la década de los 70. “Xenogenesis” (1978), corto de ciencia-ficción co-dirigido con Randall Frakes, fue uno de sus primeros trabajos cinematográficos. El mismo año de la filmación de “Xenogenesis”, Cameron se casó con la camarera Sharon Williams. Uno de sus primeros trabajos en Hollywood fue para la compañía de Roger Corman, New World Pictures, quien produjo “Los 7 Magníficos Del Espacio” (1980), una película en la que James ocupó un puesto en el departamento de dirección artística. Un año después volvió a colaborar con Roger Corman, productor de “la Galaxia del Terror” (1981), film con Cameron en tareas de director de producción y segunda unidad. En 1981 James estrenó su primera película como director, “Piraña 2” (1981). Con “Terminator” (1984), una película de ciencia-ficción con Arnold Schwarzenegger
como cyborg dentro de una historia de salto temporal, el director canadiense alcanzó el éxito internacional y compartió créditos con la guionista y productora Gale Anne Hurd, con quien se casó en 1985 tras divorciarse de Sharon Williams un año antes. Después de “Terminator” Cameron dirigió “Aliens” (1986), secuela del “Alien” de Ridley Scott en la que demostró su capacidad para crear enérgicas y tensas secuencias de acción. Más tarde estrenó “Abyss” (1989), una aventura de ciencia-ficción submarina con el protagonismo de Ed Harris y Mary Elizabeth Mastrantonio. James Cameron y Gale Ann Hurd rompieron su relación sentimental el mismo año del
estreno de “Abyss”. En 1989 el canadiense se casó con la directora Kathryn Bigelow. Dos años después, en 1991, se divorciaron. En la época de su divorcio Cameron ya mantenía una relación con Linda Hamilton, actriz de “Terminator” que repitió su personaje de Sarah Connor en “Terminator 2” (1991). James y Linda tuvieron en el año 1993 una hija a la que llamaron Josephine Archer. Además de protagonizar las películas de Terminator, Arnold Schwarzenegger colaboró con Cameron en “Mentiras Arriesgadas” (1994), un remake de la película francesa de Claude Zidi “Dos Espías En Mi Cama” que mezclaba acción con comedia. En 1997 se casó con Linda tras seis años de relación y el mismo año estrenó “Titanic” (1997), una superproducción basada en el desastre marítimo del trasatlántico que titula el film que contó con el protagonismo de Leonardo DiCaprio y Kate Winslet. La película cosechó un rotundo éxito comercial en todo el mundo y logró once premios Oscar, entre ellos el de mejor película y mejor director. Después de “Titanic” James Cameron se alejó durante largo tiempo de la dirección hasta su vuelta con la realización de algunos documentales para cine y televisión. En 1999 se divorció de Linda Hamilton y un año después, en el 2000, se casó con la actriz Suzy Amis, con quien tuvo a su hija Carol. Doce años después de rodar su última historia de ficción, el cineasta canadiense estrenó “Avatar” (2009), una película de ciencia-ficción protagonizada
TOP 10 MOVIE DIRECTORS
Se caracteriza además por ser un apasionado cineasta y documentalista que es capaz de realizar acciones arriesgadas como visitar el Titanic en las profundidas del Océano Atlántico o descender a los restos del acorazado Bismarck. De mentalidad ecologista, Cameron envió una carta a presidente brasileño, Ignacio Lula Da Silva para sugerir que no construyese una hidroeléctrica en el Amazonas. Los primero proyectos de Cameron en esta década, en cine, han incluido los documentales submarinos sobre el trágico final del acorazado Bismarck alemán (Expedition: Bismarck, 2002), Ghosts of the Abyss y un documental sobre la fauna marina de las grandes profundades, Aliens of the Deep. También fue productor en la nueva versión de Solaris.
por Sam Worthington por la que Cameron logró ser nominado al Oscar como mejor director. James Cameron tiene fama de ser muy exigente e intenso en los platós de filmación, llevando a sus actores al límite de sus capacidades y concentración. De naturaleza absolutamente trabajadora, esta característica le ha costado al menos 3 de sus 4 fracasos matrimoniales. Cameron es el principal impulsor del 3D en salas comerciales. En una entrevista en 2003 sobre su documental Ghosts of the Abyss, mencionó que “voy a hacer todo lo posible en 3D a partir de ahora”. Planea crear un proyecto de 3 D sobre el primer viaje a Marte. ( “He estado muy interesado en el movimiento de los seres humanos a Marte-la ‘Mars Underground’-y he hecho una cantidad tremenda de investigación personal para una novela, una miniserie y una película 3-D.”) Es en el equipo de la ciencia para el 2009 Mars Science Laboratory. Cameron anunció el 26 de febrero de 2007,
que, junto con su director, Simcha Jacobovici, han documentado el descubrimiento de la tumba de Talpiot, que se supone que es la tumba de Jesús. Descubierta en 1980 por obreros de la construcción de Israel, los nombres de la tumba tienen correlación con los nombres de Jesús y varias personas estrechamente asociadas con él. Cameron afirma además que las pruebas de ADN, las evidencias arqueológicas, y estudios bíblicos para respaldar su reclamo. El documental, llamado La tumba perdida de Jesús, fue transmitido por Discovery Channel el 4 de marzo de 2007. El 26 de marzo de 2012, desciende a una profundidad de casi 11 km en el mar, justo en la Fosa de las Marianas, donde llegó a las 2 h y 36 min dentro del submarino Deepsea Challenger, en un proyecto personal y en la colaboración con la NASA y el National Geographic, donde ha rodado varias películas en 2D y 3D para unos documentales.
PREMIOS Y NOMINACIONES Premios Oscar 1997 — Mejor película — Titanic — Ganador 1997 — Mejor director — Titanic — Ganador 1997 — Mejor montaje — Titanic — Ganador Premios Globos de Oro 2010 — Mejor película dramática — Avatar — Ganador 2010 — Mejor director — Avatar — Ganador 1997 — Mejor película dramática — Titanic — Ganador 1997 — Mejor director — Titanic — Ganador
LARS VON TRIER
Director y guionista danés, Lars von Trier es uno de los autores cinematográficos más significativos de los últimos años, principalmente por ser puntal del movimiento Dogma 95. Con influencias de Tarkovsky, Godard, Dreyer o Lynch, Lars rodó sus primeros cortos en la parte final de los años 60 antes de estudiar cine y graduarse en Coppenhague en el año 1983. En su etapa escolar sus compañeros le añadieron el “von” a su nombre real, Lars Trier. Un año antes de graduarse, von Trier filmó su primer largometraje, “Befrielsesbilleder” (1982), una película documental sobre la resistencia danesa en la ocupación nazi. La intriga criminal “El Elemento Del Crimen” (1984) mostró sus preocupaciones estéticas y logros atmosféricos con ambientes surreales y contrastes fotográficos. Fue el primer título de lo que se conocería como Trilogía Europa, continuada por “Epidemic” (1987), paranoia vírica de corte experimental, y “Europa” (1991), drama psicológico en el contexto de la Alemania de posguerra expuesto tono alucinatorio y ensoñador que le lanzó a la fama internacional tras recibir varios premios en el Festival de Cannes. En medio de la trilogía, Lars von Trier filmó para televisión “Medea” (1988), una adaptación de la tragedia de Eurípidas filtrada por un proyecto original de Dreyer. Para televisión también creó “El Reino”
(1994), una miniserie de terror fantasmal ambientada en un hospital. En el año 1995 el director danés junto a otros de sus compatriotas, entre ellos Thomas Vinterberg, lanzó el movimiento “Dogma 95”, mediante el que se buscaba huir del artificio a través de una narración austera y realista, algo ya manifestado muchos años antes por otras corrientes (neorrealismo) pero sin caer en la pomposidad y la experimentación estética que paradójicamente contrasta con las bases fundacionales y minimalistas del movimiento. Von Trier ganó el Gran Premio del Jurado en Cannes con “Rompiendo Las Olas” (1996), drama romántico y psicológico sobre redención, sacrificio y amor con mucha música glam: Mott The Hoople, Bowie, T. Rex… “Rompiendo Las Olas” fue englobada también en otra trilogía denominada “The Golden Heart”, en donde también se incluyen
“Los Idiotas” (1998), comedia dramática y excéntrica con aspiraciones satíricas, y “Bailar En La Oscuridad” (2000), historia musical-melodramática con protagonismo de la cantante Bjork que ganó la Palma de Oro en Cannes. Por esta última película el director danés fue candidato al Oscar por la canción “I’ve Seen It All”. En el drama experimental “Dogville” se dio inicio a otra trilogía, “La Tierra De La Oportunidad”.Ambientada en los años 30 y en un pueblo estadounidense, la cinta abordaba temas como la xenofobia, la venganza o la redención. Más tarde fimó “Manderlay” (2003), girando sobre la libertad, la esclavitud y el racismo, y “Wasington” (2009). Otros títulos dirigidos por Lars Von Trier son la comedia laboral “El Jefe De Todo” (2006) y “Antichrist” (2009), una mezcla de crisis de pareja, terror y drama erótico con el protagonismo de Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg. Repitió con Charlotte Gainsbourg en “Melancolía” (2011), un drama conKirsten Dunst, y en el film erótico “Nymphomaniac” (2013). En cuanto a su vida amorosa, entre los años 1956 y 1996 Lars von Trier estuvo casado con Caecilia Holbeck, con quien tuvo dos hijos. En 1997 se casó con Bente Froge.
TOP 10 MOVIE DIRECTORS
Se convirtió en el coautor de Dogma 95, al lado de Dane Thomas Vinterberg, con quien lanzó un llamado colectivo que exhorta al regreso de historias más creíbles en la industria fílmica sin el uso de los efectos especiales y centradas principalmente en un uso técnico mínimo. Por este motivo, sus películas se ruedan con cámara al hombro, sólo en contadas ocasiones con una cámara fija. Una de las características fundamentales de este tipo de películas es que se utiliza la iluminación natural y el tipo de edición es imprevisto con algunas escenas y tomas, cortadas en medio del diálogo de los personajes, que no encajan con los tiempos, lo que les da un aspecto documental o informal, para crear un mayor realismo (sobre todo en momentos críticos), aspecto que la crítica puede considerar un método de abreviación.
Lars von Trier también ha dirigido series para la televisión danesa: The Kingdom (Riget) y The Kingdom II, un par de miniseries, filmadas en 16 milímetros, acerca de un hospital embrujado. La muerte de Ernst-Hugo Jaregard en 1998 impidió que von Trier realizara la tercera versión de The Kingdom. Tal vez un relanzamiento llevado a cabo por el escritor Stephen King, basado en la serie de von Trier, titulado Stephen King’s Kingdom Hospital, llegue a las pantallas a través de la cadena norteamericana ABC. Una peculiaridad acerca de von Trier es que tiene aviofobia (pánico a volar), y por este motivo jamás ha salido más allá de lo que se lo permiten las carreteras, lo que ha dificultado su trabajo en las ocasiones en las que sus películas se basan en territorios extranjeros como los Estados Unidos, para lo cual siempre ha recurrido a emplazamientos en Dinamarca y sus alrededores. El 19 de mayo de 2011, el Festival de Cannes declaró al cineasta “persona non grata”, con su consiguiente expulsión del festival. La polémica se desató después de que von Trier afirmó: “Comprendo a Hitler...creo que hizo algunas cosas malas, sí,
pero simpatizo un poco con él. Puedo verlo sentado en su bunker al final. No fue lo que llamaríamos un buen tipo, pero lo entiendo bastante y simpatizo un poco con él. Pero no estoy con la Segunda Guerra Mundial, y no estoy en contra de los judíos. No, ni siquiera contra Susanne Bier. Los aprecio mucho. Bueno, no demasiado, porque Israel es un dolor en el trasero. ¿Cómo escapo de esta frase? Ok, soy nazi”. Las declaraciones las hizo el día 19 de mayo de 2011 por la mañana. Esa misma tarde emitió un comunicado público en el que pedía disculpas: “Si he herido a alguien con mis palabras de esta mañana en la rueda de prensa, le pido disculpas sinceramente [...] No soy antisemita, ni tengo prejuicios raciales de ningún tipo, ni soy nazi.” Posteriormente declaró a la prensa que todo fue una “broma muy pesada”, y que en la rueda de prensa un periodista francés ubicado en Cannes, debido según el cineasta a su “mal inglés”, le hizo una pregunta que quizá interpretó mal, argumentando que «yo mismo soy judío, tengo amigos judíos y hacemos bromas entre nosotros».
PREMIOS Y NOMINACIONES Oscar Nominación - Mejor Actriz por Rompiendo las olas Nominación - Mejor Canción por Bailar en la oscuridad