Catalogo ensems 2014 by Joan Cervero

ÍNDICE

Joan Cerveró...............................................................................06

Programación Ensems 2014...............................08 36 Festival Internacional de Música Contemporánea Peter Bosch & Simone Simons.................................................12 Sven-Åke Johansson.................................................................14 Ensemble Modern......................................................................16 Marisa BLanes, ...........................................................................17 Grup Instrumental de València.................................................19 Territoire.....................................................................................24 Carmen Antequera, violín.........................................................32 Francesco Tristano.....................................................................42 Balago........................................................................................44 Ensemble Espai Sonor..............................................................50 Miquel Bernat............................................................................55 Víctor Trescolí..............................................................................51 Llorenç Barber............................................................................58 Íñigo Ugarteburu........................................................................64 26 Encuentro Internacional de Composición Musical DIRECCIÓN: Joan Cerveró

Clase de Lars Graaugard...........................................................66

COORDINACIÓN GENERAL: CulturArts Música Complex Cultural de Velluters Plaça de Viriato s/n. 46001 València T +34 961 206 500 F +34 961 206 535 www.ensems.ivm.gva.es DISEÑO GRÁFICO: Estudio Gallén+Ibáñez ILUSTRACIÓN: Lucía Bedia IMPRIME: Gráficas Ronda S.L. DEPÓSITO LEGAL:

A modo de reflexión: ¡Escucha esto! Joan Cerveró Director artístico de ENSEMS 2014

¿Porqué ENSEMS? No hay duda de que el panorama sonoro está cambiando. La brecha cada vez es más ancha. La música contemporánea ha derribado sus fronteras porque sus protagonistas principales, esta bicefalia de compositores y público, -este por fin cada vez más importante y exigente-, se han cansado, se han agotado mutuamente de explicar lo inexplicable, de tratar de entender lo inentendible. Si hace un par de años el teórico y curator de arte Nicolas Bourriaud propuso Altermodern como una palabra portmanteau, una nueva definición general que reflejara lo que estaba pasando en el arte actual y que se presentó con gran éxito, y no exenta por supuesto de polémica, en la Trienal de la Tate Modern de Londres en 2009. No existe parangón similar en la música. No existe una palabra que defina los cambios y la situación actual de la música. Ni con ni sin polémica. Ya casi no hay adjetivos ni sustantivos para nombrar qué está ocurriendo en la actualidad con la música. Y sin embargo sigue viva. Podemos reconocer el desorden total, la desorganización y la solicitud reiterada de un público que necesita asirse a cualquier cosa para entender lo que está pasando, lo que está sonando. No tenemos una palabra, una tesis reflexiva, que nos explique qué esta pasando, qué está sonando. En esto la música siempre pierde. Pero vamos a las preguntas: ¿Cuál es el estado actual de la música?, ¿dónde estamos?, y por supuesto, ¿hacia dónde vamos?. Cuestiones posiblemente pretenciosas y difíciles de responder, son las que intentará resolver o aclarar, aunque sea de una manera leve, este festival Ensems, en su edición número 36. La última definición más o menos académica de “lo que estaba ocurriendo” en la música se hizo pública en 1971 en un artículo escrito por el compositor ruso Alfred Schnittcke Polystylistic Tendencies in Modern Music. Desde esta ya lejana fecha por supuesto que se han producido estudios, artículos, ensayos, etc. pero ninguno ha ubicado con claridad, nadie ha señalado la dirección con precisión, ni ha marcado el punto más o menos exacto del lugar donde nos encontramos. Posiblemente porque no nos encontramos en ningún lugar. Como reflexión podemos mantener ciertas hipótesis, como la de que la separación que se produjo en la música a principios del siglo XX, si no se ha superado aún es porque nunca se va a superar. La ruptura fue total. No hay camino de retorno. La música clásica, (“la de toda la vida”, la que es “como Dios manda” - y todos sabéis a que me estoy refiriendo), siguió su curso en solitario. A la otra simplemente se la dejo olvidada, en el andén de las utopías, en el archivo de los experimentos o en el mejor de los casos en el estante de los cds. Nos ha ocurrido como a la España de La balsa de piedra, genial libro del Nobel luso José Saramago publicado en 1986, en el cual fabuló, profetizó, con la separación física y real, entre la península ibérica y Europa. Una brecha que partiría nuestra península alejándola de su geografía e historia común. En música esto ya pasó y nosotros estábamos dentro.

Aunque la mejor reflexión se encuentra en el primer capítulo del libro Listen to this [Escucha esto], de donde toma este festival su título y donde su autor Alex Ross expone claramente y sin tapujos cuál es el estado actual de la música, y de los músicos. Sin duda una reflexión que nos ha estimulado e inspirado para presentar esta nueva edición del Festival Ensems. Os animo a leerla o a releerla. La música, la llamada clásica, ya se ocupó de desahuciar a los miserables de la modernidad. Sólo en algunos momentos se consiguió que pareciese que la actitud de lo permanente, lo consolidado: los auditorios, las programaciones, los festivales, etc. fuese conciliadora. Un espejismo. La música clásica siguió y sigue su curso, su propia dirección. La música actual, aquella que, con eufemismo o no, todos conocemos como contemporánea, también sigue, cómo no, su propia dirección, su propio camino. ¿Qué tiene que ver en estos momentos la creación musical contemporánea con los auditorios? ¿A quién le interesa? ¿A sus gestores y programadores?, ¿Al público?. ¿Creen ustedes que aquellos que, después de presenciar un concierto o una ópera del [archi] trillado repertorio de la música clásica, van a interesarse, o se interesan, por los compositores actuales, sus obras, o que se está cociendo dentro de la creación musical?. Sería ideal decir que sí, pero es de ingenuos creer que esto es así. El no es rotundo. A las pruebas me remito. La brecha entre la música de hoy -la contemporánea- y la música clásica -la del repertorio-.... ya es muy ancha. No tiene punto de retorno. La autonomía de acción y de pensamiento están aceptadas. La música clásica y la contemporánea no tienen ya relación. Su vida en común se ha acabado. La ruptura se ha confirmado y, aunque su origen sea común y sea necesario conocer una para explicar la otra, en estos momentos su separación está consumada. Y esto es lo que va a hacer Ensems: mostrar la música que nos dice cómo es su tiempo. Podremos ver músicas que van desde el eclecticismo al academicismo; de la electrónica , muy cercana al jazz o al rock, a la electrónica canónica; de la grandilocuencia del teatro musical a la sencillez del intérprete en solitario, del ruido al silencio,… Ensems no es más que eso, una muestra, una plataforma para pensar en el mundo, desde el mundo a través de la música. Este año por primera vez también en un teatro clásico. Contrastes y más contrastes. Ensems va a proponer pues una mirada a la música desde la autonomía sonora. Una autonomía adquirida desde lo social, lo cultural y lo económico. Ensems propone muchas músicas, muchas fórmulas de belleza, muchas maneras de explicar el mundo, muchos sonidos para componer nuestro mapa sonoro, pero sobre todo quiere trazar un mapa, una cartografía sonora que oriente, indique y sirva de apoyo a aquel que entiende que la creación musical es una manera de explicar y de entender el mundo, el de cada uno.

MIÉRCOLES 14-SÁBADO 17 DE MAYO 19.00 a 21.00 h / Hall del Teatro Principal de Valencia Peter Bosch & Simone Simons [Ámsterdam, Holanda] Cantan un huevo - Instalación sonora

PROGRAMA

MIÉRCOLES 14 DE MAYO 12.00 a 13.30 h / Conservatorio Superior de Música Óscar Esplá de Alicante Clase de Lars Graaugard [Copenhague, Dinamarca] Música e imagen, música y tecnología 19.00 / Plaza del Patriarca Sven-Åke Johansson [Mariestad, Suecia] Concierto para 12 tractores 21.00 h / Teatro Principal Ensemble Modern [Frankfurt, Alemania] Schwarz auf Weiß / Negro sobre blanco Teatro musical de Heiner Goebbels sobre textos de Edgar Allan Poe y Maurice Blanchot

JUEVES 15 DE MAYO

VIERNES 16 DE MAYO

SÁBADO 17 DE MAYO

12.00 a 13.30 h / Conservatorio Superior de Música Joaquín Rodrigo de Valencia Clase de Lars Graaugard [Copenhague, Dinamarca] Música e imagen, música y tecnología

19.00 h / La Nau. Paraninfo de la Universitat de València Carmen Antequera, violín [Valencia, España] Gregorio Jiménez, electrónica [Valencia, España] Obras de Marc García Vitoria, Lars Graugaard, José María SánchezVerdú, Mauricio Sotelo y César Camarero

12.00 h / Teatro Principal Ensemble Espai Sonor [Valencia, España]. Voro García, director Obras de Carlos Fontcuberta, Hèctor Parra, Ramón Lazkano, Jorge Sastre, Voro García y Alberto Posadas

19.00 h / La Nau. Capella de la Sapiència de la Universitat de València Marisa Blanes, piano [Alcoy, España] El piano español del siglo XXI Obras de Esteban Sanz Vélez, José Luis Turina, César Cano, Tomás Marco, Antonio Noguera, Claudio Prieto y Carlos Cruz de Castro 21.00 h / Teatro Principal Grup Instrumental de València [València, España] Joan Cerveró, director Banda Simfònica L’Artesana de Catarroja Beatriz Fernández-Aucejo, directora Grupos de Percusión de los Conservatorios Superiores de Música de Valencia y Castellón Directores Manuel Tomás, Manel Ramada, Sergio Izquierdo y Lluís Marza. Sebastian Schmidt, videoartista. Colaboración especial de DJ Soak ¡Escucha esto!/Listen to This! Obras de Kristian Rymkier, Francisco Coll, Lars Graugaard y Joan Cerveró 23.00 h / Café Rialto Territoire [Madrid, España] Mandorle

20.00 h / Teatro Arniches, Alicante Marisa Blanes, piano [Alcoy, España] El piano español del siglo XXI Obras de Esteban Sanz Vélez, José Luis Turina, César Cano, Tomás Marco, Antonio Noguera, Claudio Prieto y Carlos Cruz de Castro

19.00 h / La Nau. Paraninfo de la Universitat de València Miquel Bernat, percusión [Oporto, Portugal] Obras de José Luis Castillo, Ricardo Climent, Fernando Villanueva, José Manuel López López y Raphaël Cendo 20.30 h / EACC . Espai d’Art Contemporani de Castelló Víctor Trescolí, piano [Alicante, España] Toy Piano Project Obras de Karlheinz Essl, Víctor Trescolí Sanz, Adrià Borredà y Carlos D. Perales

21.00 h / Teatro Principal Francesco Tristano, piano [Luxemburgo, Luxemburgo] Late night with JS 21.00 h / Teatre Principal Obras de Claude Lenners, Johann Llorenç Barber Sebastian Bach, Derrick May y [Valencia, España] Francesco Tristano Banda Sinfónica La Artística de 23.00 h / Café Rialto Buñol Balago Andrés Valero-Castells, director [Barcelona, España] Obras de Andrés Valero-Castells, Darder Ramón Ramos Villanueva y Llorenç Barber 23.00 h / Café Rialto Íñigo Ugarteburu [Guipúzcoa, España] For the Unknow

FESTIVAL

Sección: Arte sonoro MIÉRCOLES 14 - SÁBADO 17 DE MAYO 19.00 h a 21.00 h/ Teatro Principal Hall del Teatro Principal de Valencia

Peter Bosch & Simone Simons Cantan un huevo

AUTORES

OBRA

Peter Bosch & Simone Simons. Foto: Manolo Portolés

Peter Bosch & Simone Simons [Ámsterdam, Holanda] Desde el principio de su colaboración en Ámsterdam, 1985, han abarcado varias y distintas actividades, tales como performances, conciertos y producciones teatrales. A partir de 1990, sin embargo, han centrado su atención en la construcción de «máquinas musicales». En España han expuesto en Metrònom, Barcelona (2001, 2004 y 2005), el Museu d´Art Modern de Tarragona (2003), en el Centro del Carme y La Nau, Valencia (Ensems, 2000 y 2004) y en el Círculo de Bellas Artes, Madrid (Nits d´Aielo i Art, 1999 y 2004). Han impartido talleres en la Universidad Politécnica de Valencia (2002 y 2005), en el centro cultural Antiguo Instituto de Gijon (2004 y 2005) y en el LIEM, Museo Reina Sofía, Madrid, entre otros. Por su obra Krachtgever recibieron un Golden Nica en 1998 en el concurso Prix Ars Electronica, Linz, 1998, en la sección de Digital Musics.

Aguas Vivas recibió una mención en VIDA, Madrid, 2003, obra expuesta entre otros en White Noise, ACMI, Melbourne, 2005 y en 2007 en El Medio es la Comunicación, Espacio El Tanque, Sta Cruz de Tenerife. En 2009 se organizó una retrospectiva de su obra desde 1990 en La Tour du Pin, Francia, comisariado por GRAME, Lyon. Obras recientes son Mirlitones (2012), un encargo de Dordtyart, Dordrecht, Países Bajos, mostrada también en el Totally Huge New Music Festival / ICMC 2013, Perth, Australia y Wilberforces, estrenada en Winter Sparks, FACT, Liverpool, 2012. Peter Bosch (1958) estudió psicología en las Universidades de Leiden y Ámsterdam (1976-1983) para más tarde estudiar sonología en el Real Conservatorio de La Haya (1986-1987). Simone Simons (1961) estudió en el departamento audiovisual de la Academia de Arte Gerrit Rietveld de Ámsterdam.

Cantan un huevo (Bosch & Simons, 2000-2001) Cientos de muelles, originalmente usados para hacer un colchón, resultan, cuando se mueven, una superficie extremadamente compleja. Un ligero motor oscilante provoca que las garrafas de cristal colocadas encima de los muelles, rocen unas con otras. Sólo se escucha el vidrio. La idea para el sonido nos había estado rondando desde aquellas memorables grabaciones que hicimos durante el trayecto de Kiel a Oslo. De manera imperceptible, el barco vibró causando el traqueteo de las botellas de alcohol que estaban en los estantes de la tienda libre de impuestos; el efecto fue alucinante. La vibración fue una lenta, larga y maravillosa onda que dilató el sonido de la nada y lo hizo desvanecerse del mismo modo. Una y otra vez. La primera versión de Cantan un huevo fue un encargo del Ives Ensemble, Ámsterdam. Una etérea y delicada celebración del sonido, interpretada por cuatro músicos junto con la instalación y estrenada en el Usbreker, Ámsterdam, 2000. El efecto sonoro de la obra varía desde armonías sutiles, casi silenciosas, hasta nubes masivas de altas frecuencias. En 2002 Cantan un huevo recibió una mención en el Concurso Internacional de Música Electrónica y Arte Sonoro, Bourges, Francia,en la categoría «instalaciones».

Viven y trabajan en Chelva desde 1997.

Cantan un Huevo / Oslo 2001

Sección: Arte Sonoro MIÉRCOLES 14 DE MAYO 19.00 h / Plaza del Patriarca

Sven-Åke Johansson Concierto para 12 tractores

COMPOSITOR

Sven-Åke Johansson. Foto: Teresa Iten

Sven-Åke Johansson Sven-Åke Johansson nació en Mariestad (Suecia). Compositor, músico, poeta y artista visual, escritor y productor de varias performances artísticas y musicales como: Die Harke und der Spaten,... über Ursache und der Wirkung Meinungsverschiedenheiten beim Turmbau zu Babel ( Hebbel Theater de Berlín, 1994), Harding Greens - Sinfonía para envases de cartón (Sophiensaele Berlín 2010), Irving Berlin en Berlín (2013), exposiciones, publicaciones de libros, la última En St. Wendel am Schlossplatz... (Texte, 2013), LP, CD y DVD. Sven-Åke es uno de los principales precursores estilísticos de la música de improvisación en Europa. En los años 60, desarrolló una forma europea de freejazz. En 1969 funda M.N.D. (Moderne Nordeuropäische Dorfmusik)

con Eisbrenner y Goetz, y el mismo año presenta su primera producción en vinilo, Westberliner Stadtmusik. En la década de 1970 introduce nuevos instrumentos de percusión como cartón, arco de bajo y espuma de poliuretano y comienza una fructífera cooperación con artistas visuales y escénicos, en todo el mundo. Comprometido como actor en el Burgtheater de Viena, el baterista virtuoso también actua como cantante y narrador. Entre sus composiciones podemos destacar: Seewetter 69 (Radioplay encargado para Deutschlandradio 2001), Polis, Wachs und Pomade (pieza de cámara para cuerdas, instrumentos de viento y voz, Donaueschinger Musiktage 2001) MM schäumend - Obertura para Extintores (Akademie der Künste, Berlín 2003), Concierto para 12 tractores, (1996), Stereo für 8,

(Berlín 2005), Die neue Zeit ist pausenlos (Berlín 2010). Dirige el sello SÅJ-CD/DVD Records, participante en la Bienal de Arte Contemporáneo de Berlín 2010. Lleva trajes de Sali Saliu. El Concierto para 12 tractores ha sido interpretado en las siguientes localidades: 2013 Schwaz (Austria) 2011 Copenhagen (Dinamarca) 2009 Orust (Suecia) 2004 Krems (Austria) 2003 Mellanfjärd (Suecia) 2002 Brösarp (Suecia) 2001 Perleberg (Alemania) 1999 Hermannshof (Alemania) 1999 Langen (Alemania) 1998 Mön (Dinamarca) 1997 Illingen (Alemania) 1996 Höfgen-Kaditzsch (Alemania)

Sección: ¡Escucha esto! MIÉRCOLES 14 DE MAYO 21.00 h / Teatro Principal

Ensemble Modern Schwarz auf Weiß/Negro sobre blanco

Teatro musical de Heiner Goebbels sobre textos de Edgar Allan Poe y Maurice Blanchot Heiner Goebbels Schwarz auf Weiß (Negro sobre blanco) (1995/96) 80’ Ensemble Modern Heiner Goebbels, concepto, dirección y composición Jean Kalman, decorado e iluminación Jasmine Andreae, vestuario Norbert Ommer, director de sonido Franck Ollu, director

Dietmar Wiesner, flautas Catherine Milliken, oboe Roland Diry, clarinete Matthias Stich, saxofón Barbara Kehrig, fagot William Forman, trompeta Franck Ollu, trompa Uwe Dierksen, trombones Hermann Kretzschmar, piano Ueli Wiget, piano Rumi Ogawa, batería Rainer Römer, batería Jagdish Mistry, violín

Stephen Buchberger, asistente del director / stage Manager Michael K. Schmidt, gerente de producción Frank Kraus, técnico de Con la colaboración de la iluminación Fundación Deutsche Bank Holger Kress, electricista Marcel Heyde, etapa-manager www.ensemble-modern.com Thorsten Knoss, etapa equipo Jo Schlosser, ingeniero de sonido Ursula Trella, vestuario 16

INTÉRPRETES

OBRA

Ensemble Modern Fundado en 1980 y radicado en Franckfort desde 1985, el Ensemble Modern (EM) es uno de los grupos más importantes dentro del mundo de la música contemporánea. Actualmente, el EM se compone de 19 solistas de Argentina, Bulgaria, Alemania, India, Israel, Japón, Polonia y Suiza que añaden al conjunto su rico bagaje cultural. El Ensemble Modern es muy conocido por su manera especial de trabajar y su organización, que no tiene paragón en cualquier otra en el mundo. Todos los miembros son responsables de seleccionar los programas en forma conjunta y de tratar los proyectos, coproducciones y los asuntos financieros. Sus programas incluyen proyectos de teatro musical, danza y video, música de cámara, conjunto y conciertos orquestales. El Ensemble Modern ha realizado giras por África, Australia, China, India, Japón, Corea, América del Sur, Taiwán, Rusia y Estados Unidos. Se presenta regularmente en festivales de renombre y lugares destacados, como el Festival de Salzburgo, Klangspuren Schwaz, Festwochen Wien, Musikfest Berlín, MusikTriennale Colonia, Festival Lincoln Center de Nueva York, Festival d’ Automne à Paris, Festival de Holanda en Amsterdam, Festival de Lucerna, Alte Oper Frankfurt, Oper Frankfurt, Kölner Philharmonie, Konzerthaus de Berlín, la Filarmónica de Essen y el Festspielhaus Baden-Baden. El Ensemble Modern realiza aproximadamente 100 conciertos cada año. El conjunto se esfuerza por lograr el más alto grado de autenticidad, trabajando en estrecha colaboración con los propios compositores. Los músicos ensayan una media de 70 nuevas obras cada año, de los cuales 20 son estrenos mundiales. Ensemble Modern es financiado por la Fundación Cultural Federal Alemana, la ciudad de Frankfurt, la Asociación alemana Ensemble Academy Assoc., el estado de Hesse, el Deutsche Bank Stiftung y la GVL. Los proyectos especiales son facilitados por Kulturfonds Frankfurt RheinMain. Los músicos del Ensemble Modern desean agradecer a la Fundación Aventis por la financiación de una plaza en el Ensemble. hr2 - kultur – es socio para asuntos culturales del Ensemble Modern.

Schwarz auf Weiß (Negro sobre blanco) El compositor afincado en Francfort Heiner Goebbels parece haber escrito su obra de teatro musical Schwarz auf Weiß especialmente para el Ensemble Modern. El protagonista es el colectivo mismo. Los 18 músicos actúan simultáneamente como presentadores y como músicos, conquistando el escenario. Pelotas de tenis rebotan sobre un gran tambor, se escuchan suaves sonidos de koto, una tetera silba una compleja melodía de flauta. Los músicos no sólo tocan sus propios instrumentos sino que se agrupan para formar un conjunto de viento, por ejemplo, despertando asociaciones con una banda italiana. Las escenas y los acontecimientos de la pieza se suceden los unos a otros sin interrupción y la iluminación, ingeniosamente creada por Jean Kalman, produce su propia dramaturgia. Una y otra vez escuchamos una grabación de la voz de Heiner Müller leyendo el texto de Edgar Allan Poe Shadow. A parable. Schwarz auf Weiß es en última instancia una reflexión sobre la escritura y el autor ausente como imagen de una memoria colectiva. Para Goebbels, la obra es «una especie de despedida a Heiner Müller» pero llena de humor, ligereza y encanto. M.Blanchot, La espera, el olvido Aquí, y sobre esta frase que quizá también le estaba destinada, se vio obligado a detenerse. Redactó sus notas

casi mientras la escuchaba. Todavía podía oír su voz al escribir. Él se las mostró. Ella no quería leer. Leyó algunos pasajes solo porque él se lo pidió en voz baja. “¿Quién habla?” dijo ella. “¿Quién está hablando?” Ella notaba un error que no acababa de ubicar. “Quite lo que no le parezca justo.” Pero ella tampoco podía quitar nada. Tiró todos los papeles con tristeza. Tenía la sensación de que, aunque él le había asegurado que la creería, no lo hacía con la fuerza hubiera resultado de la verdad presente. “Y ahora me ha arrancado algo que ya no poseo y que usted tampoco tiene.” ¿No tenía él palabras que ella aceptara más fácilmente? ¿Que se desviaran menos de lo que ella pensaba? T.S. Eliot The waste land I Ese cadáver que plantaste el año pasado en tu jardín, ¿ha empezado a germinar? ¿Florecerá este año, o la helada repentina ha perturbado su lecho? !Oh, mantén el Perro, que es amigo de los hombres, lejos de aquí o de nuevo lo desenterrará con sus uñas Edgar Allan Poe Sombra - Una parábola Sí, aunque marcho por el valle de la Sombra. (Salmo de David, XXIII) Vosotros los que leéis aún estáis entre los vivos; pero yo, el que escribe, habré entrado

Ensemble Modern. Foto: Katrin Schilling

hace mucho en la región de las sombras. Pues en verdad ocurrirán muchas cosas, y se sabrán cosas secretas, y pasarán muchos siglos antes de que los hombres vean este escrito. Y, cuando lo hayan visto, habrá quienes no crean en él, y otros dudarán, mas unos pocos habrá que encuentren razones para meditar frente a los caracteres aquí grabados con un estilo de hierro. El año había sido un año de terror y de sentimientos más intensos que el terror, para los cuales no hay nombre sobre la tierra. Pues habían ocurrido muchos prodigios y señales, y a lo lejos y en todas partes, sobre el mar y la tierra, se cernían las negras alas de la peste. Para aquellos versados en la ciencia de las estrellas, los cielos revelaban una faz siniestra; y para mí, el griego Oinos, entre otros, era evidente que ya había llegado la alternación de aquel año 794, en el cual, a la entrada de Aries, el planeta Júpiter queda en conjunción con el anillo rojo del terrible Saturno. Si mucho no me equivoco, el especial espíritu del cielo no sólo se manifestaba en el globo físico de la tierra, sino en las almas, en la imaginación y en las meditaciones de la humanidad. En una sombría ciudad llamada Ptolemáis, en un noble palacio, nos hallábamos una noche siete de nosotros frente a los frascos del rojo vino de Chíos. Y no había otra entrada a nuestra cámara que una alta puerta de bronce; y aquella puerta había sido fundida por el artesano Corinnos, y, por ser de raro mérito, se la aseguraba desde dentro. En el sombrío aposento, negras colgaduras alejaban de nuestra vista la luna, las cárdenas estrellas y las desiertas calles; pero el presagio y el recuerdo del Mal no podían ser excluidos. Estábamos rodeados por cosas que no logro explicar distintamente; cosas materiales y espirituales, la pesadez de la atmósfera, un sentimiento de sofocación, de ansiedad; y por, sobre todo, ese terrible estado de la existencia que alcanzan los seres nerviosos cuando los sentidos están agudamente vivos y despiertos, mientras las facultades yacen amodorradas. Un peso muerto nos agobiaba. Caía sobre los 18

cuerpos, los muebles, los vasos en que bebíamos; todo lo que nos rodeaba cedía a la depresión y se hundía; todo menos las llamas de las siete lámparas de hierro que iluminaban nuestra orgía. Alzándose en altas y esbeltas líneas de luz, continuaban ardiendo, pálidas e inmóviles; y en el espejo que su brillo engendraba en la redonda mesa de ébano a la cual nos sentábamos, cada uno veía la palidez de su propio rostro y el inquieto resplandor en las abatidas miradas de sus compañeros. Y, sin embargo, reíamos y nos alegrábamos a nuestro modo -lleno de histeria-, y cantábamos las canciones de Anacreonte -llenas de locura-, y bebíamos copiosamente, aunque el purpúreo vino nos recordaba la sangre. Porque en aquella cámara había otro de nosotros en la persona del joven Zoilo. Muerto y amortajado yacía tendido cuan largo era, genio y demonio de la escena. ¡Ay, no participaba de nuestro regocijo! Pero su rostro, convulsionado por la plaga, y sus ojos, donde la muerte sólo había apagado a medias el fuego de la pestilencia, parecían interesarse en nuestra alegría, como quizá los muertos se interesan en la alegría de los que van a morir. Mas aunque yo, Oinos, sentía que los ojos del muerto estaban fijos en mí, me obligaba a no percibir la amargura de su expresión, y mientras contemplaba fijamente las profundidades del espejo de ébano, cantaba en voz alta y sonora las canciones del hijo de Teos. Poco a poco, sin embargo, mis canciones fueron callando y sus ecos, perdiéndose entre las tenebrosas colgaduras de la cámara, se debilitaron hasta volverse inaudibles y se apagaron del todo. Y he aquí que de aquellas tenebrosas colgaduras, donde se perdían los sonidos de la canción, se desprendió una profunda e indefinida sombra, una sombra como la que la luna, cuando está baja, podría extraer del cuerpo de un hombre; pero ésta no era la sombra de un hombre o de un dios, ni de ninguna cosa familiar. Y, después de temblar un instante, entre las colgaduras del aposento, quedó, por fin, a plena vista sobre la superficie de la puerta de bronce. Mas la sombra era vaga e informe, indefinida, y no

era la sombra de un hombre o de un dios, ni un dios de Grecia, ni un dios de Caldea, ni un dios egipcio. Y la sombra se detuvo en la entrada de bronce, bajo el arco del entablamento de la puerta, y sin moverse, sin decir una palabra, permaneció inmóvil. Y la puerta donde estaba la sombra, si recuerdo bien, se alzaba frente a los pies del joven Zoilo amortajado. Mas nosotros, los siete allí congregados, al ver cómo la sombra avanzaba desde las colgaduras, no nos atrevimos a contemplarla de lleno, sino que bajamos los ojos y miramos fijamente las profundidades del espejo de ébano. Y al final yo, Oinos, hablando en voz muy baja, pregunté a la sombra cuál era su morada y su nombre. Y la sombra contestó: «Yo soy SOMBRA, y mi morada está al lado de las catacumbas de Ptolemáis, y cerca de las oscuras planicies de Clíseo, que bordean el impuro canal de Caronte.» Y entonces los siete nos levantamos llenos de horror y permanecimos de pie temblando, estremecidos, pálidos; porque el tono de la voz de la sombra no era el tono de un solo ser, sino el de una multitud de seres, y, variando en sus cadencias de una sílaba a otra, penetraba oscuramente en nuestros oídos con los acentos familiares y harto recordados de mil y mil amigos muertos. Traducción de Julio Cortázar

Sección: Actual JUEVES 15 DE MAYO 19.00 h / La Nau Capella de la Sapiència de la Universitat de València

VIERNES 16 DE MAYO 20.00 h / Teatro Arniches Alicante

Marisa Blanes, piano El piano español del siglo XXI Esteban Sanz Vélez (1960) Senda en Otoño* (2011) José Luis Turina (1952) El guardián entre los pinos* (2011) César Cano (1960) El cuaderno de Gabriel* (2013) I El sueño de Califete V El corazón del ciervo Tomás Marco (1942) Toccata in modo perpetuo* (2011) Antonio Noguera (1963) Peça íntima op. 117* (2011) Claudio Prieto (1934) Pasión Poética* (2011) Carlos Cruz de Castro (1941) Música Rota nº 1* [2012] * Estreno absoluto 19

INTÉRPRETE Marisa Blanes “Artista de excepcional elocuencia y versatilidad”… Así definía uno de los más ilustres críticos musicales (Enrique Franco) la personalidad de la pianista Marisa Blanes, confirmada a lo largo de una dilatada carrera en el marco del concierto, la investigación y la docencia. Desde su formación en el Conservatorio Superior de Música de Valencia, culminada con el Premio “Fin de carrera” y perfeccionada en el Robert Schumann Institut de Dusseldorf con David Levine recibiendo “Summa cum Laude” a su virtuosismo pianístico, así como en la disciplina de Música de Cámara en la Escuela Superior de Música de Colonia con el Cuarteto Amadeus, Marisa Blanes incorpora las enseñanzas de grandes maestros (Jeanne Marie Darré, Aldo Ciccolini, Vitali Margulis, Alexei Nassedkin y Paul Badura Skoda…) para desarrollar una carrera pianística destacada en los medios nacionales e internacionales. Son numerosas sus grabaciones discográficas que van desde Brahms y Liszt hasta Granados y Poulenc, atendiendo preferentemente el repertorio pianístico y camerístico de los compositores españoles (Falla, Mompou, Montsalvatge, Rodrigo, García Abril, Marco, Turina, Cruz de Castro y muchos otros), destacando sus integrales dedicadas a los compositores alicantinos Amando Blanquer, Carlos Palacio y Luis Blanes. El prestigio pianístico alcanzado por Marisa Blanes viene refrendado por una intensa actividad en el ámbito de la docencia (Conservatorios de Castellón, Valencia, Alcalá de Henares…) y muy especialmente en el marco de la investigación musicológica, avalada por su “Doctorado musical” en la Universidad Politécnica de Valencia y el “Premio Extraordinario a la Investigación de Tesis Doctorales” concedido por el Instituto de Estudios Alicantinos “Juan Gil-Albert”, destacando sus publicaciones (La obra pianística de Amando Blanquer (Valencia, 2005. Ed. UPV), Amando Blanquer: vida y obra (Alicante, 2006. IEAJG), Carlos 20

Palacio – España en mi corazón (Madrid, 2011. Ed. Alpuerto). La actividad camerística es también muy sobresaliente en la vida profesional de Marisa Blanes y en la actualidad colabora asiduamente con prestigiosos intérpretes (Herold Quartet de Praga, el violinista Mario Hossen, la mezzosoprano Marina Rodríguez Cusí y el actor Manuel Galiana). En sus conciertos como solista exhibe el repertorio tradicional de la música universal junto al repertorio contemporáMarisa Blanes

neo de la música española especialmente, estrenando habitualmente obras de compositores españoles, algunas de las cuales han sido escritas y dedicadas a ella (Tomás Marco, José Luis Turina, Claudio Prieto, César Cano, Carlos Cruz de Castro, Antonio Noguera, Esteban Sanz). Acaba de grabar en la Sala Manuel de Falla del RCSM de Madrid la versión integral de los 24 Preludios y Fugas Op. 87 de Dimitri Shostakovich, cuya publicación verá la luz el próximo 2015

AUTORES Esteban Sanz Vélez (Maracaibo, 1960), compositor, director, investigador y docente, estudió composición y dirección de orquesta en el Conservatorio Superior de Madrid, con Antón García Abril y Enrique García Asensio, entre otros. Ha escrito numerosas obras instrumentales y vocales (Preludios de la luz desvanecida, Ecce panis, Cantizal Cántabro, Jaikus, Canciones sobre textos de Ángel Sopeña, Plegaria, Cántico, Despedida, etc.), que han sido interpretadas en diversos países y encargadas o estrenadas por instituciones como el Festival Internacional de Santander, Fundación March, Fundación Botín, así como distintos escenarios, ciclos y certámenes corales. Fundador y director del Coro Lírico de Cantabria / Coro de las Temporadas Líricas del Palacio de Festivales de Santander (1996-2010). Desde 2006 imparte cursos de dirección coral en la Universidad de Cantabria. Es requerido de manera habitual como jurado en certámenes de interpretación y composición. Ha sido coordinador del Centro de Documentación e Investigación de la Música en Cantabria (CDIMC) (20082012). En la actualidad es especialista en música del Área de Educación de la Fundación Botín. José Luis Turina Nace en Madrid en 1952. Realiza sus estudios de composición en Madrid y Roma, obteniendo en 1981 el primer premio en el Concurso Internacional de Composición Centenario de la Orquesta del Conservatorio de Valencia por la obra Punto de encuentro, y en 1986 el Premio Internacional de Composición Musical “Reina Sofía”, de la Fundación Ferrer Salat, por la obra Ocnos (Música para orquesta sobre poemas de Luis Cernuda). En 1996 recibe el Premio Nacional de Música del Ministerio de Cultura. Ha sido profesor de Armonía en los conservatorios de Cuenca y Madrid, así como de la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Su catálogo está integrado por obras tanto escénicas y sinfónicas como camerísticas, vocales, corales y para instrumentos a solo, así como por un extenso apartado de carácter pedagógico.

José Luis Turina

César Cano

Desde febrero de 2011 ocupa el cargo de Director artístico de la Joven Orquesta Nacional de España.

Joven Orquesta de la Generalitat Valenciana durante los años 2001 y 2002. A finales de 2007, el Palau de les Arts Reina Sofía le encargó un Preludio Festivo para la inauguración de su Auditorio, obra que estrenó Lorin Maazel al frente de la Orquesta de la Comunidad Valenciana. En el 2012, Zubin Metha, dirigiendo a la Orquesta de la Comunidad Valenciana, estrena con gran éxito su Concierto para Orquesta Op. 73. Su variado catálogo incluye más de 80 obras que han sido interpretadas por todo el mundo. Su discografía cuenta hasta ahora con más de 25 CDs, donde se recogen algunas de sus obras más representativas. (www.cesarcano.com) (http:// es.wikipedia.org/wiki/César_Cano).

César Cano Nace en Valencia en 1960. Cursa estudios de Composición y Piano en el Conservatorio de su ciudad natal, donde también estudia Dirección de Orquesta con el maestro Manuel Galduf, obteniendo las máximas calificaciones. Actualmente es profesor de Composición e Instrumentación en el Conservatorio Superior de Música de Castellón. Académico de Número de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos. En 2011, el IX Festival Internacional de Música Clásica Contemporánea de Lima (Perú) le dedica un homenaje, otorgándole el Premio Antara por su “brillante trayectoria artística”. Fue director titular del Grup Contemporani de 1987 a 1990. Obtuvo el Premio Valencia de Composición de Música de Cámara, en sus ediciones de 1984 y 1986, el segundo Premio del Concurso Nacional de Dirección de Orquesta Manuel Palau en 1985. En 1990 le es concedido el Primer Premio Sinfónico del III Concurso Internacional de Composición de la JONDE. Ha ganado varios concursos de composición coral. Su Te Deum consigue el 2º Premio SinfónicoCoral del III Concurso Internacional de Composición de la JONDE en 1991. Fue nombrado Compositor en residencia de la

Tomás Marco Madrid en 1942. Estudios de violín y composición junto a la licenciatura en Derecho. Maestros como Maderna, Boulez, Stockhausen, Ligeti o Adorno En 1967 fue ayudante de Stockhausen. Premios: Nacional de Música en 1969 y 2002, Fundación Gaudeamus (Holanda) 1969 y 1971, VI Bienal de París, Centenario de Casals, Arpa de Oro , Tribuna de Compositores de la UNESCO .Premio de Música de la Comunidad de Madrid 2003. Varios libros ,cursos en Europa y América .Ha ejercido la crítica musical y muchos puestos administrativos . 6 óperas,10 sinfonías, música 21

OBRAS

Antonio Noguera Guinovart

Claudio Prieto

de cámara ,coral y a solo.Actualmente sólo escribe música y sobre música.

Superiores de Perfeccionamiento de la Academia. Participó, así mismo, en los Cursos Internacionales de Darmstadt (Alemania), con los profesores Gÿorgy Ligeti, Karlheinz Stokhansen, Earle Brown, etc...Cofundador de la asociación de Compositores Sinfónicos (ACSE), Consejero de la Sociedad General de Autores y editores (SGAE), Consejero de Música del Ministerio de Cultura, Vicepresidente del Consejo Iberoamericano de la Música, Miembro del Consejo de Dirección de la SGAE y Presidente de la Mutualidad de Previsión Social de Autores y Editores (SGAE)

Antonio Noguera Guinovart Compositor catalán afincado en Santander, en donde reside desde 1994 y desarrolla su actividad pedagógica por concurso-oposición libre. Es maestro de numerosos y reseñables compositores jóvenes de la región. Premiado en 15 concursos de composición, su figura constituye uno de los referentes más entroncados con la vanguardia del panorama compositivo de Cantabria.Entre sus próximos proyectos cabe destacar el estreno absoluto de su Op.127 a cargo de su prometida, la pianista Ana Gobantes de Miguel, y los encargos de la Real Sociedad Menéndez Pelayo (U.I.M.P.); para la inauguración del órgano del Monasterio de Leyre y de la Asociación de Órgano Hispano, de la cual es compositor residente, para la Quincena Musical Donostiarra. Claudio Prieto Nació en un pueblo de la montaña palentina el 24 de noviembre de 1934. Comenzó sus estudios en Guardo, San Lorenzo de El Escorial, con el PP Samuel Rubio y Ricardo Dorado y en el Conservatorio Superior de Música de Madrid. En 1958 obtiene el Título de Composición del Real Conservatorio de Música de Madrid. En 1960 viaja a Roma becado por el Ministerio de Asuntos Exteriores, donde continua su formación en la Academia Nacional de Santa Cecilia, con los maestros Goffredo Petrassi, Boris Porena y Bruno Maderna. En 1963 obtiene el Diploma de Estudios 22

Carlos Cruz de Castro Nace en Madrid y realiza los estudios de composición en el Conservatorio Superior de Música de Madrid con Gerardo Gombau y los amplía con el compositor Milko Kélemen en la Hochschule Robert Schumann Institut de Düsseldorf. Académico Correspondiente de la Real Academia Canaria de Bellas Artes de San Miguel Arcángel, Premio de Música 1977 de la Unión Mexicana de Cronistas de Teatro y Música, Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid 2002, Premio Daniel Montorio de Artes Escénicas concedido en 2005 por la SGAE a la ópera de cámara La Factoría. Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2010 por el Ministerio de Cultura, Miembro de Honor de la Academia de la Música Valenciana.

Piano español del siglo XXI Pese a la enorme extensión y calidad que la literatura pianística ha desarrollado a lo largo de la Historia, el piano sigue siendo un instrumento clave en la tarea compositiva y todos los creadores del momento lo utilizan incluso con profusión. Buena prueba es este programa de estreno de obras compuestas por compositores españoles de varias generaciones ya durante el siglo XXI. Buena parte del programa lo constituyen una serie de obras escritas por diversos autores para conmemorar el setenta y cinco aniversario del pianista y musicólogo, además de notable poeta, Luciano González Sarmiento que, escuchadas por vez primera en una audición privada, tienen ahora su estreno público. Lo encabeza generacionalmente Pasión poética de Claudio Prieto que alude precisamente a la poesía del destinatario quien recibe además el homenaje del cántabro Esteban Sanz Vélez con su Senda de otoño, y del catalán, residente en Cantabria, Antonio Noguera con la Peça intima op.117. Para la misma celebración compusieron los madrileños José Luis Turina y Carlos Cruz de Castro; el primero con El guardián entre los pinos aludiendo a una melodía popular especialmente querida por el destinatario y el segundo iniciando con Música rota n.1 un ciclo de varias piezas pianística, independientes pero relacionadas estilísticamente , como ocurre en varios ciclos compuestos anteriormente. Todas ellas son de 2011-12 ,escritas desde el cariño pero también desde el talento El recital se completa con dos nuevos estrenos absolutos de procedencia distinta pero también cercanos a los anteriores. La Toccata in moto perpetuo, redactada por Tomás Marco en 2009 y luego retirada hasta que surgió la ocasión de retomarla para Marisa Blanes, y dos números de la colección El cuaderno de Gabriel, el más reciente ciclo pianístico del valenciano César Cano. Un total de siete piezas para piano totalmente nuevas que ven la luz gracias al talento de sus autores pero también al

trabajo y la dedicación de Marisa Blanes que acomete la proeza de desbrozar técnicas y estéticas muy distintas poniendo su arte y su capacidad al servicio de la creación española del siglo XXI. Un panorama que denota aquí su pujanza, su variedad y el aluvión de creatividad y sensibilidad que hoy puede mostrar la composición del país. Tomás Marco Senda en Otoño Para piano, está escrita a finales de 2011 como regalo y homenaje a mi querido amigo y admirado músico Luciano González Sarmiento en su 75 cumpleaños. Se trata de una pieza libre, una especie de preludio o quizá nocturno. Entre sus notas incluye, cifrado, un deseo: El trayecto musical parte de la séptima y quinta del primer acorde –los 75 años de Luciano- y culmina en la novena y séptima del último, que se dilata y queda resonando… Entre ambos puntos, un camino. Los recodos en sombra limpian la mirada del caminante, para mostrarle así, renovada, toda la luz del recorrido. La pieza, junto con otras, forma parte de la colección Sendas (Senda en invierno; Senda en el monte…). El Guardián entre los pinos Fue escrita en 2012 para festejar el 75º cumpleaños de Luciano González Sarmiento, a quien me une desde hace muchos años una gran amistad. Pretende ser una música directa, pero no por ello simple; emotiva, pero no por ello sensiblera; y sentida, pero no por ello superficial. Desde la escritura pianística hasta el planteamiento formal, que constituyen su cuerpo, pesa más en el alma de la pieza la utilización de una hermosa canción cántabra, Cuatro pinos tiene tu pinar, de cuyo texto deriva directamente el título. Luciano, que ha sido en ocasiones anteriores el alma mater y el provocador de otras obras mías compuestas para festejar aniversarios redondos (como los 50 años de Tomás Marco, o los de Félix Hazen), se convierte en esta ocasión en el dedicatario de un buen puñado de obras

que unos cuantos amigos suyos hemos escrito desde la cabeza y desde el corazón, en reconocimiento a tantos años de bienhacer musical y, sobre todo, de amistad incombustible. El sueño de Califete Es la primera de las cinco piezas que forman EL CUADERNO DE GABRIEL, Op. 79, para piano. Las restantes son, por orden: Mar de rombos, Peripecias de Panetoner, La danza de Flotaster y El corazón del ciervo. Es una obra inspirada en el mundo infantil de mi hijo Gabriel, que he tenido la suerte de compartir. No es música para niños, sino mi visión en destellos, mi reencuentro desvaído, a través de Gabriel, del mundo infantil que todos conservamos a lo largo de nuestra vida. El sueño de Califete alterna pasajes flexibles, sin compás, con otros muy rítmicos, compaseados. Cabe destacar la sección final, donde se unen estos dos estados, requiriendo del intérprete una difícil independencia de manos, ya que una de ellas se mueve a través del tiempo liso y la otra con el tiempo estriado, compaseado, exponiendo una melodía rítmicamente compleja. El corazón del ciervo, última pieza del CUADERNO, comienza líricamente, para, poco a poco, convertirse en un rápido movimiento rítmico de gran pujanza con el que acaba la obra. Estas dos piezas están dedicadas a la pianista Marisa Blanes. Finalicé la composición de EL CUADERNO DE GABRIEL el 8 de diciembre de 2012. Toccata in moto perpetuo. Esta obra se compuso en 2009 y fue retirada hasta que en 2013 se redactó en su versión definitiva con destino a Marisa Blanes a quien está dedicada. La estructura de la obra responde exactamente a su título ya que se trata de una tocata inserta en un movimiento perpetuo o de un movimiento perpetuo que se convierte en tocata. De esta manera, ambas formas se interaccionan mutuamente de manera continua en un proceso que alude a las búsquedas de formas intertextuales que en muchas ocasiones han interesado como estímulo creativo al compositor.

Peça íntima Op.117. Fue escrita durante el mes de diciembre del año 2011 y dedicada a mi amigo Luciano González Sarmiento, con motivo de su 75 aniversario. En esta obra, el tempo se mantiene tranquilo-lento… y debe ser interpretada desde un profundo estado de interiorización, con alma… y con gran emotividad e intimidad contemplativa. Su “melos musical” – ó bien como nos diría Mompou: “el hilo dorado de la melodía” – rezuma un íntimo lirismo y su peculiar atmósfera de inconcreción sonora, que prevalece a lo largo de toda la obra, obliga al intérprete a realizar un amplio despliegue de colores y tímbricas desembocando hacia un exigente y personal virtuosismo conceptual, fruto de un firme compromiso entre la pureza de expresión sonora y la estructura formal de la obra. Pasión poética Está inspirada en el libro de poemas Sonatina del aire y del viento, de Luciano González Sarmiento. Una pasión que me llevó a poner en solfa un homenaje al músico, al pianista, al poeta..., en el gozo de los días. Admiración que me lleva a situar a Luciano, amigo entrañable, en lo más alto de la música española contemporánea. Música rota n.1 Fue compuesta en México entre 2011 y 2012 para felicitar a Luciano González Sarmiento por su 75 aniversario. Con dicho título inauguré una serie de obras para piano sobre la perspectiva estructural que tiene significación con lo quebrado, lo roto, lo resquebrajado y la grieta como unión. La obra está constituida por elementos que rompen o interrumpen el discurso sonoro de diferentes maneras, bien por aparecer elementos nuevos, bien por un cambio de articulación en el fraseo, bien por cambios de tempo o bien por cambios en los registros, entre otros parámetros que contribuyen a la irregularidad.

Sección: ¡Escucha esto! JUEVES 15 DE MAYO 21.00 h / Teatro Principal

Grup Instrumental de València ¡Escucha esto!/Listen to This!

Grup Instrumental de València Joan Cerveró, director Con la colaboración de: Banda Simfònica L’Artesana de Catarroja Beatriz Fernández Aucejo, directora Grupos de Percusión de los Conservatorios Superiores de Música de Valencia y Castellón. Manuel Tomás, Manel Ramada Sergio Izquierdo y Lluís Marzal, directores DJ Soak Sebastian Schmidt, video artista (x)

Colabora: 24

I Lars Graugaard (1957) Engage and Share (2014)*10’ Para ensemble y video (x)

Intérpretes José Mª Sáez-Ferriz, flautas Jesús Fuster, oboe/corno inglés Kristian Rymkier (1987) José Cerveró, clarinete Waves & Vessels in a Bottle Emilio Ferrando, clarinete bajo (2014) **10’ Salvador Sanchis, fagot Para ensemble Juan José Llimerá, trompa Vicent Campos, trompeta Francisco Coll (1985) Salvador Tarrasó, trombón Liquid Symetries (2013-2014) 15’ Vicent Taroncher, violín Para orquesta de cámara Miguel Balaguer, viola Mayte García-Atienza, II violonchelo Joan Cerveró (1961) Juan López, contrabajo París (1987) 6’ Carlos Apellániz, piano Para ensemble y banda sonora Manuel Gasent, percusión Tosca-Remix (2013/2014) 8’ Para violín eléctrico sólo, ensemble, Lluis Marzal, percusión DJ, banda de música y electrónica (+) Vicente Sabater, sonido y electrónica Mascletà simfònica (2013) 6’ Mª Carmen Antequera, violín/ Para 100 percusionistas violín eléctrico (+) DJ Soak, disc-jockey Joan Cerveró, director (*) Estreno absoluto (**)Estreno absoluto encargo Ensems

INTÉRPRETES

Grup Instrumental

Grup Instrumental El Grup Instrumental de València es una formación orquestal dedicada a la inter pretación de la música de los siglos XX y XXI. Su dedicación continuada y su exigencia interpretativa, hecha realidad gracias al ímpetu e interés de diversos solistas por interpretar música actual, lo han convertido en protagonista fundamental y elemento indispensable para conocer y participar de la nueva música española. Con la concesión en 2005 del Premio Nacional de Música en la especialidad de Interpretación, se consolidó su prestigio como ensemble especializado y confirmó su compromiso con la música actual de nuestro país. Formado en 1991 tiene su residencia habitual en la ciudad de Valencia (España) donde realiza su ‘Temporada de Conciertos’, además de intervenir activamente en las programaciones de música contemporánea de todo el estado español. Compuesto por una plantilla principal de 19 músicos su repertorio abarca desde la música de cámara hasta la formación

orquestal. En su trayectoria ha abordado obras clásicas del repertorio universal como Beethoven, Mozart, Haydn, Mahler, Bruckner, etc. sin olvidar el repertorio contemporáneo internacional: Stockhausen, Webern, Donatoni, Boulez, Xenakis, Ligeti, Schoenberg, Stravinsky, así como también la música clásica española desde el siglo XIX al XXI: Falla, Albéniz, Rodrigo, de Pablo, Halffter, Marco, Sanchez-Verdú, Sotelo, Posadas, Guerrero, entre otros. El impulso permanente que mantiene al Grup Instrumental de València es el compromiso con la cultura de nuestro tiempo y lugar, sin olvidar las obras fundamentales de la historia de la música universal. Es por ello que su repertorio abarca desde las obras clásicas del repertorio orquestal y camerístico, sin dejar de lado la recuperación de la memoria musical de nuestros compositores que van desde finales del siglo XIX hasta la más absoluta actualidad, hecho este que se refrenda con el encargo y estreno de nuevas obras en cada temporada. El Grup Instrumental de València como colectivo de músicos dedicados a la

música actual defiende el compromiso cultural con su tiempo a través de la interpretación músical, actividad que va más allá de la partitura, para lo cual se involucra en actos educativos, de divulgación y de colaboración con otras artes, sean estas escénicas como la danza o el teatro u otras formas expresivas distintas de las tradicionales pero integradas en lo contemporáneo como la performance o la vídeo-creación. El Grup Instrumental de València mantiene una constante presencia en los foros nacionales e internacionales de música contemporánea habiendo sido invitado a actuar en diversos festivales Nacionales: Madrid, Barcelona, Sevilla, Santander, etc. e internacionales: Inglaterra, México, Argentina, Cuba, Venezuela, Francia, China, Indonesia, Italia, Rumania, Alemania, Austria, entre otras. El Grup Instrumental de València es una formación concertada de CulturArts de la Generalitat Valenciana y residente permanente en el Festival Internacional de Música Ensems.

Joan Cerveró

Joan Cerveró Mi primer profesor de percusión guardaba en un cajón de su mesa de trabajo del conservatorio una partitura muy extraña para mí, ya que venía directamente, como muchos de mis compañeros, del “tradicional” mundo de las bandas. Al preguntarle qué era aquella partitura con símbolos tan extraños y mucho más grande de lo habitual me respondió que era una obra muy moderna de un autor alemán y que no la mostraba a nadie porque no la entenderían (sic). Como no podía ser de otra forma la curiosidad me hizo indagar sobre esta partitura en cuestión, que resulto ser Zyklus del compositor alemán Karlheinz Stockhausen. Tenía yo 13 años. A partir de este siempre 26

me he preguntado de una forma o de otra por las nuevas formas de comunicar la música a los demás, sus conexiones con la actualidad, las poliédricas formas de la modernidad. A los pocos años me gradué interpretando esta misma obra que sin duda significó para mí la puerta de entrada en la música contemporánea. Esto fue en 1982. El año anterior, gracias a haber obtenido por concurso la Pensión de la Diputación de Valencia, residí un año en Madrid donde además de proseguir mis estudios asistí a todos los conciertos y eventos que el tiempo y el dinero me permitieron, allí conocí a muchos músicos modernos y clásicos, el jazz y el flamenco, el minimalismo y la complejidad. Ese verano con una brillan-

te, y creo ahora que exagerada, recomendación del compositor Cristóbal Halffter, obtuve el puesto de Timbales/Percusión y me desplacé a la ciudad de Salzburgo para ser miembro de la Orquesta de los cursos de dirección del Mozarteum. Tenía 19 años. Desde ese momento mi vida giró entre la música y el arte. Y aquí se incluirían posteriormente la enseñanza y la difusión de la música contemporánea. Desde ese momento y en esa ciudad, afirmé mi decisión de hacerme músico, no sólo instrumentista, percusionista, sino un músico que toca, dirige, enseña, organiza, etc. y eso fue lo que puse en mi primera tarjeta de visita: Joan Cerveró, músico. Esto es lo que soy. Y ahora lo que dicen: Joan Cerveró es un versátil director ampliamente reconocido como un experto en la interpretación de la música de nuestro tiempo. Su personalidad musical única está ayudando a ampliar las fronteras de la música clásica a través de nuevas ideas, un acentuado carisma interpretativo y una sólida destreza técnica y musical. Cerveró ha combinado sus orígenes clásicos y su afinidad con el repertorio clásico con un entusiasmo contagioso en la presentación de programas originales, dando un empuje a la renovación de los repertorios tradicionales. Su imaginativa programación ha sido reconocida por los músicos clásicos, de jazz y de World Music por igual, creando un vínculo entre los mundos de la vanguardia clásica, el minimalismo y el rock experimental, que se ubica entre - en palabras de varios críticos - Messiaen, Reich y Björk. Nacido en Valencia (España), estudió en el Conservatorio de Valencia, Madrid, Barcelona y en la Guildhall School of Music and Drama de Londres. Máster en Estética y Creatividad por la Universidad de Valencia. Instrumentista versátil se graduó como Profesor de Percusión en el Conservatorio Superior de Música de Valencia. Al poco tiempo fundó el grupo de percusión Amores, el cual dejó para dedicarse al estudio de dirección de orquesta, siguiendo además como solista y posteriormente asistente de dirección

del Grup Instrumental de València. Desde esta época Joan Cerveró mantiene una larga y productiva relación con el Grup Instrumental de Valencia pasando a ser en 1994 su Director Musical y Artístico. Con este grupo se ha presentado en Francia, Italia, Alemania, Inglaterra, Dinamarca, Rumania, México, Argentina, Portugal, Venezuela, Cuba, China, etc. En el año 2005, como reconocimiento a su importante contribución a la música española, el Grup Instrumental fue galardonado con el Premio Nacional de Música por el Ministerio de Cultura de España. Joan Cerveró ha dirigido a muchos artistas clásicos de prestigio como Sophie Wieder-Atherton, Arditti Irvine, Hansjörg Schellenberger, Jane Manning, Ebrahim Omar, Iris Vermillion, Isabel van Keulen, etc. pero el compromiso auténtico de Cerveró a todos los géneros se refleja también en sus colaboraciones con músicos y artistas como: Miguel Poveda, Naderi Massud, Carmen Linares, Pitingo, Arcángel, Carles Santos,... o de los actores y directores como Irene Papas, José Luis Gómez, Nuria Espert, Darío Fo, La Fura dels Baus, entre otros. Dirigió con éxito el estreno mundial de la ópera de Mauricio Sotelo de Dulcinea en el Teatro Real de Madrid, en 2006. Otros compromisos operísticos han incluido las Europeras de John Cage (por primera vez en Europa la serie completa de las cinco óperas de Cage), el estreno español de Neither de Morton Feldman en 2008 y los Four Notes Opera del compositor norteamericano Tom Johnson. Se ha presentado en esta faceta lírica en teatros de Sevilla, Bilbao, Madrid, Oviedo, Castellón, Buenos Aires, Roma, etc. También ha realizado numerosos estrenos absolutos y en España, incluyendo obras de Rihm, Chin, Grisey o Ligeti, interviniendo activamente en el encargo de más de 100 nuevas obras, especialmente de autores españoles. Como director orquesta el repertorio de Joan Cerveró abarca las principales obras clásicas y del periodo romántico así como de un amplio catálogo de autores del siglo XX. Entre su repertorio ha destacan las interpretaciones de La Con-

sagración de la Primavera de Stravinsky, la Symphonie Turangalila de Messiaen, la Sinfonía de Berio o la Sinfonía Nº 14 de Shostakovich, además de dirigir obras de repertorio clásico como la Sinfonía Nº 1 de Brahms, Das Lied von der Erde y la 4ª Sinfonía de Mahler o la Sinfonía º 5 de Beethoven entre otras. Entre 2004 y 2011 fue Director Musical del Ballet de Teatres de la Generalitat de -BTGV- dirigiendo para esta compañía los más importantes ballets clásicos y contemporáneos así como colaborando con otras compañías como el Ballet Nacional de España o con coreógrafos y bailarines como Jiří Kylián, Nacho Duato o José Carlos Martínez actual Director Artístico de la Compañía Nacional de Danza (CND). Como compositor, su labor destaca principalmente por su dedicación a la música escénica. Por esta actividad ha sido galardonado con el Premio de Teatro de la Generalitat Valenciana a la Mejor Composición Original (1995) y Premio Nacional de la SGAE Daniel Montorio a la Composición de Música Escénica (1996). Desde 1996 Joan Cerveró es Director Artístico del Festival de Música Contemporánea Ensems.

Profesor desde 1984 del Conservatorio Superior de Música de Valencia se incorporó en 2006 al Conservatorio Superior de Castellón como Profesor de Música de Cámara Contemporánea. Desde 2008 es Profesor y responsable del Máster de Música Contemporánea de la Universidad Politécnica de Valencia y Profesor del Diploma de Extensión Universitaria en Música Electrónica y Video Creación de la misma Universidad. En 2011 fue nombrado Director Musical del Proyecto Veinte/21 del Auditorio Nacional de Música de Madrid. Banda Sinfónica l’Artesana de Catarroja La historia de la Banda Sinfónica l’Artesana de Catarroja, se remonta a 1888, esta fecha está ligada a la posible existencia de actividad musical en la población de Catarroja. La Banda de Música l’Artesana, se fundó con este nombre el 6 de enero de 1928. En su larga trayectoria musical ha celebrado más de un millar de Conciertos, Certámenes, Festivales, cosechando en todos un gran éxito. Esta Banda está avalada con un total de 23 Primeros Premios, 13 Según Premios y 7 Terceros Premios, en los diferentes Certámenes en que ha participado a lo largo de toda la geografía española.

Banda Sinfónica l’Artesana de Catarroja

Entre sus numerosos premios, hay que destacar el máximo galardón que la Banda cosecha en 1982, después de conseguir en Primer Premio y Mención De Honor, en la Sección Especial B, del Certamen Internacional Ciutat de Valencia. Entre los numerosos premios con que la Banda l’Artesana ha sido galardonada, se pueden destacar el Primer Premio en el Programa de Televisión Española Gente Joven en 1988, siendo su director D. Salvador Chuliá; Primer Premio en el Certamen Ciutat de Requena en 1992, bajo la batuta de D. Alvaro Albiach; Primer Premio en el Certàmen Internacional Ciutat de Valencia en 1995, siendo su director D. José Manuel Miñana y el más reciente Primer Premio en el IV Certamen Villa d’Alginet en 2007, bajo la dirección de D. Eduardo Tarín. Hay que destacar la grabación de diferentes L.P y CD’S, junto con las apariciones televisivas desde su existencia y los más importantes y actuales premios conseguidos por la Banda Sinfónica, puesto que en el año 2011 va conseguir un doblete histórico en nuestra sociedad, llevándose con el Primer Premio y Mención de Honor del Certamen Provincial de Valencia y el Primer Premio y Mención de Honor del Certamen de la Comunitat Valenciana, bajo la dirección de la Directora Beatriz Fernández. Muchas son las grandes figuras musicales, dentro del mundo bandístico, orquestal, compositivo y didáctico, que han nacido en esta Banda, y que actualmente forman parte de las grandes orquestas, bandas y conservatorios de toda España y del extranjero. En la actualidad, la Sociedad Musical l’Artesana de Catarroja, cuenta con una Banda Sinfónica, una Banda Juvenil, una Escuela de Música con más de 130 alumnos, una Coral Juvenil, creada en 1981 con el nombre del insigne maestro Antonio Claverol con más de 50 niños y niñas y una Orquesta Sinfónica, constituida en 1994. Desde Septiembre del año 2009, Beatriz Fernández Aucejo es la Directora Titular de la Banda Sinfónica l’Artesana. 28

DJ Soak

Beatriz Fernández Aucejo Natural de Paiporta, se licenció en clarinete por el Conservatorio de Valencia, en dirección de orquesta de viento por la London Royal School of Music (LRSM) y en dirección de orquesta por el Conservatorio de Murcia. Es diplomada en magisterio musical, titulada profesional en la especialidad de piano, y actualmente perfecciona instrumentación y composición con Ferrer Ferran. Ha sido directora invitada de la Banda de la Societat Musical de Carcaixent y de la Banda Primitiva de Paiporta, titular de La Lira de Vilafamés (Castellón), y en la actualidad es directora en la Asociación Cultural Allegro de Valencia y en la Societat Musical L’Artesana de Catarroja, directora asistente de la Orquestra Filharmònica de la Universitat de València y de la Jove Orquestra de la Comunitat Valenciana. DJ SOAK (3 x DMC/I.T.F Champion of Spain) Soak es el nombre artístico de Sergio Hernando, quien con apenas 22 años ya se ha encaramado en el olimpo de la electronica y el turntablism patrios. Credenciales, desde luego, no le faltan: en 2003, con sólo 12 años, inauguró un palmarés envidiable convirtiéndose en subcampeón de España de la DMC. Desde entonces no ha dejado de ser un

referente en las competiciones nacionales e internacionales de DMC y de la I.T.F. (International Turntablist Federation), ahora conocida como I.D.A.Ningún otro dj en el mundo con las mismas características (exceptuando un caso similar en Norteamérica Dj A-trak) ha conseguido un hito tan destacado en un periodo tan corto de tiempo. “Un joven prodigio del scratch” sería una de las definiciones más acertadas para hablar de Soak, y es que este chico tiene ganas de morder el mundo. Expele un talento innato, que ha sabido moldear practicando muy duro desde que apenas levantara dos palmos del suelo y utilizase a hurtadillas los platos de su hermano Elko. Soak ha crecido y se ha crecido hasta convertirse en uno de los nuevos referentes de la cultura de la acera de nuestro país. Valenciano, pero con unas manitas que bien podrían haberse fraguado en la cuna del scratch, Soak apuesta en sus sesiones por los ritmos eclécticos. Se la juega en cada una de ellas mezclando a la perfección electronica, house, rap, rock, funk, hits y obliga a más de un incrédulo a girar la cabeza hacia la cabina para comprobar que este portento rascando vinilos es de carne y hueso, en definitiva música libre que se salta las reglas sin renunciar a la fiesta.

COMPOSITORES

Sebastian Schmidt-Urzua

Lars Graugaard

Kristian Rymkier

A pesar de su juventud, ha aparecido en varios programas de televisión que han sucumbido ante su savoir faire: Música SÍ (TVE), Miradas 2 (TVE), La Hora Wiki (Canal+), MTV (Austria), Sol Música, y en las revistas Rolling Stone, Serie B, Dj Mag, Hip Hop Nation, Hip Flow, Staff Magazine, Deejay entre otras. Lo mejor es que el reinado de Soak acaba de empezar y sólo podemos esperar cosas buenas, muy buenas, de este chico en exploración constante de modos e innovaciones que transforman y borran mágicamente las líneas que separan los géneros musicales.

Lars Graugaard Lars Graugaard, danés, nacido en 1957, es compositor, intérprete y sonologista. Tiene una sólida formación académica con un postgrado como flautista de la Real Academia Danesa de Música y un doctorado en música interactiva de la Universidad de Oxford Brookes. Su experiencia radica en una mezcla de estilos y experiencias musicales, pero siempre siento muy activo en la creación de música con más de 190 composiciones de partitura y numerosos vinilos, CD y lanzamientos digitales. Él es artista invitada de la facultad de New York University Steinhardt desde el año 2010 y es compositor en residencia con El Grup Instrumental, Valencia, España. Lars fue compositor en residencia 1996-1999 con la Orquesta Sinfonica de Odense y es actualmente Director Artístico del festival international de arte mediatica ‘re-new’ en Copenhague, Dinamarca. Uno de sus ultimas iniciativas la discográfica y promotora clang al cual dio inicio en marzo 2013. Como intérprete ha dado conciertos por todo el mundo, cuando la flauta era su instrumento principal. En los últimos años el ordenador se ha convertido en su herramienta preferida como intérprete, configuraciandole como un vehículo de rendimiento sofisticados en música interactiva y generativa en tiempo real. Hay a

veces un fuerte eclecticismo en su música, siempre relacionado a las circunstancias de su uso y a menudo utilizando los últimos descubrimientos en tecnología, análisis y musicología cognitiva.

Sebastian Schmidt-Urzua (videoartista) Nace en Chile en 1973, estudia Bellas Artes y Cine en Santiago donde participa en varias exhibiciones de arte y competiciones entre los anyos 1995 y 1999. Los mas importantes son el tercer premio en la Bienal de Concepción en 1997, Concurso Nacional de Arte Joven los años 1996, 1997 y 1998. A fines de 1999 se traslada a Barcelona, España, en busca del lenguaje cinematográfico, filmando entre los años 2002 y 2013 doce cortometrajes usando siempre como soporte el film Super8mm y participando en festivales de cine alrededor del mundo en ciudades como Roma, Nueva York, El Cairo y Afica.

Kristian Rymkier Soy un compositor danés de 36 años de Copenhague. Tengo un Master-grado en el Conservatorio Real de Holanda en Den Haag. En estos momentos estoy estudiando composición en el Real Conservatorio de Música de Dinamarca y utilizo la mayor parte de mi tiempo en el desarrollo de un nuevo “sistema” de movimiento - que crea un fuerte vínculo entre entornos multi “tonales”. La pieza de este año Ensems está escrita con esta técnica, donde un análisis interválico es multiplicado con diferentes esbozos de el mismo realizando olas en diferentes tamaños de su propia estructura. En el próximo año espero ir a Oslo para estudiar con el compositor Maja Ratkje, y más tarde a París para nuevos estudios con Compositor Gerard Pesson. Francisco Coll Francisco Coll (Valencia, 1985) estudió en los Conservatorios Superiores de Valencia y de Madrid, donde obtuvo el Premio de 29

OBRAS Engage and Share La obra usa resultados de investigación en sonido y emoción en combinación con tecnicas de composición convencionales, para establecer un especie de ‘guión’ hacia la apreciación de índole no-verbal y no-experta de la música. El resultado es una composición que al mismo tiempo es consequente con sus estructuras internas y absolutamente extrovertido en su entrega. Aspectos de ejecución musical habituales se utilizan ámpliamente en la última sección, adonde varios músicos se independizan totalmente de la precisión de la batuta para alcanzar un rubato pronunciado y inter-independente.

Francisco Coll

Honor de Fin de Carrera. En 2008 empieza un Máster de composición en la Guildhall School of Music and Drama (Londres), consiguiendo el Ian Horsburgh Memorial Prize por la mejor obra de posgrado. Paralelamente estudia composición con Thomas Adès.  Su obra Piedras fue estrenada por la Orquesta Filarmónica de Los Angeles en 2010. El estreno en Europa fue en el Queen Elisabeth Hall de Londres con la London Sinfonietta bajo la dirección de Martyn Brabbins. Su obra Hidd’n Blue fue estrenada por la Orquesta Sinfónica de Londres en el Barbican Hall. En 2014 su ópera de cámara Café Kafka, encargo conjunto de la Royal Opera House del Covent Garden, el Festival de Aldeburgh y la Opera North de Leeds, fue alabada por la crítica: ‘This could become a classic’ escribió The Independent, ‘Coll is a major talent’ escribió la BBC Music Magazine.   Su música ha sido interpretada por la Orquesta Sinfónica de Londres, Orquesta Filarmónica de Los Angeles, SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg, London Sinfonietta, entre otros… En lugares como el Avery Fisher Hall del Lincoln Center (Nueva York), Wigmore Hall (Londres), Jubille Hall (Aldeburgh), 30

St Martin-in-the.Fields (Londres), Queen Elisabeth Hall (Londres), Palau de la Música (Valencia) etc… Así mismo ha recibido encargos de la Orquesta Filarmónica de Los Angeles, Orquesta Sinfónica de Londres, Orquesta Nacional de España, City of London Festival, Festival de Aix-en Provence (Francia), Festival de Verbier (Suiza), IVM, CNDM, etc… Ha ganado varios concursos nacionales e internacionales. En 2011 firma un contrato con la prestigiosa editorial Faber Music. Proyectos futuros incluyen el estreno en Inglaterra de su Piano Concertino con la City of Birmingham Symphony Orchestra y Tapias con la Orquesta Nacional de España y la BBC Scottish Symphony Orchestra. www.franciscocoll.com

Liquid Symmetries El sociólogo, filósofo y ensayista polaco Zygmunt Bauman acuña el concepto de «modernidad líquida» para describir el estado fluido y volátil de la sociedad actual, un mundo sin valores sólidos en el que la incertidumbre debilita los lazos humanos que hasta ahora se creían firmes. Sensible a los cambios de su tiempo, Francisco Coll desarrolla en Liquid Symmetries un lenguaje sonoro basado en un principio de incertidumbre permanente. A través de una truncada sucesión de comienzos y finales, en un proceso de composición, descomposición y constante recomposición confiere a la obra una «estructura líquida», según sus propias palabras, en la que «todo cambia antes de consolidarse». Imitaciones en figuras breves, pasajes isorrítmicos, mantos de notas tenutas conforman en sus páginas un continuum virtuoso de difícil o casi imposible ensamblaje. No es aquí el individuo quien habla a través de su instrumento. Ni una voz quien dialoga con otra en un contrapunto de identidades. Es una masa indistinta, una maquinaria sin rostro que licúa los contornos de las cosas y, en última instancia, anula las diferencias. París Es uno de los fragmentos de la obra encargada por el festival Tramesa d’art en favor de la creativitat que se celebró en 1987, dirigido artísticamente por Josep Pérez Montaner.

El estreno de la obra completa lo realizó el Antiphon Ensemble en el Palau de la Música de Valencia.Volvió a interpretarse ese mismo año, en su versión completa, al ser seleccionado el ensemble como representante español en la Bienal del Mediterráneo que se celebró en Barcelona. París surge de la emoción y del recuerdo de una ciudad mítica que presenta y representa, por una parte, devoción y, por otra, melancolía. En ella, como en todas las ciudades, han surgido encuentros y despedidas, ilusiones y esperanzas, fracasos y exilios,... pero París siempre será un lugar evocador y mágico y esto se ha querido mostrar con música, sin metáforas, sólo con sonidos evocadores. La obra realizada con estructuras repetitivas, tonales y de marcado carácter melódico mostró en su época un camino alternativo para la música contemporánea que aún hoy, 27 años después sigue siendo válido si bien no como carácter general si como muestra del ideario estético de su autor. Tosca-Remix Es más que una propuesta arriesgada. En esta obra vamos a realizar un diálogo entre una banda de música, un solista -que interpreta el violín eléctrico, el Grup Instrumental y la intervención de un DJ. Es durante la interpretación de todos ellos donde se realizará el proceso de producción, casi en directo. Para ello se transformará, se mezclará, se improvisará, se producirán inesperadas situaciones musicales que serán “extraídas” de una marcha de procesión basada en temas de la ópera Tosca de G. Puccini, de fragmentos que sugieren a Jimmy Hendrix, o de melodías que atacan directamente nuestros recuerdos, musicales y personales. La obra es un experimento creativo, una aventura sonora, que seguramente indicará nuevas direcciones en nuestra manera de interpretar la música. Un remix que combina materiales clásicos con contemporáneos, donde el diálogo entre diferentes formas musicales establece una nueva estructura, una peculiar síntesis de lenguajes y de mensajes. La melodía, siempre presente, fluctúa y divierte entre los sonidos lejanos y emotivos, basados en el recuerdo. Una

propuesta, en fin, impredecible e imprevisible que nos servirá de estimulo para repensar los caminos de la música. Mascletà Simfònica La gestación de esta obra se produce desde un encargo realizado para las Fallas de Valencia del año 2013. La compañía Amstel buscaba como temática algún motivo que uniese música y fuegos artificiales. Era evidente que el resultado seria la realización de un experimento sonoro que convirtiese el ruido en música, en sonido organizado y esto era una mascletà. Realizada junto al músico y técnico de sonido Vicente Sabater, y después de muchas investigaciones, de muchas escuchas visitas y sugerencias, (entre ellas las del decano de los pirotécnicos valencianos Vicente Caballer a quién la obra está dedicada), la Mascletà Simfònica se estrenó el 7 de marzo de 2013 en la explanada de la RENFE de Valencia. Su duración es de 6’, como una mascletà estandar y su estructura mantiene los elementos fundamentales de cualquiera de ellas: “Inicio”, una “U” de desplazamientos, truenos en el “aire” y en “tierra”, las “retenciones”, una “cantarella” o explosión suele destacar sobre lo demás y que anuncia la “apoteosis”, con su “entrada a terremoto” y la “subida” que es la unión de la “tierra y el aire”, momento de unión entre el “terremoto” y el “bombardeo” (aéreo). Concluye con la “firma” y los tres “truenos finales”. Esta mascletà tiene además escondidos dos “homenajes”, uno dedicado a Stravinski donde se interpretan ocho compases de su Consagración de la primavera y una cita musical perteneciente a la Oda a la alegría de su 9ª Sinfonía, un alegato y un deseo de paz. Todos aquellos que han asistido a alguna mascletà pueden, o han tenido la tentación de describirla como “música”, y es en esta paradoja donde se fundamentó este encuentro, que no por alejado en un principio de los auditorios deja de estar fundamentado en la música clásica y contemporánea. No quedan lejos de su propuesta las teorías de John Cage sobre el ruido, el sonido o la desubicación sonora; ni por otra parte se aleja del ready-made duchampiano o de una acción Fluxus, en su intento de unir la vida y

el arte. Es por ello que la Máscletà Simfónica es más que una obra, más que una fiesta, es un intento de buscar la belleza en las múltiples situaciones de la vida y como no en dirigir nuestros oídos a la escucha total, a la escucha del mundo tal y como es, tal y como lo hemos hecho. Waves & Vessels in a Bottle

Secci贸n: Electro JUEVES 15 DE MAYO 23.00 h /Caf茅 Rialto

Territoire Mandorle

Web www.trrtr.com/ Audio envelopecollective.bandcamp.com/album/mandorle Video vimeo.com/76418753

INTÉRPRETE

Territoire. Foto: M.Hausmann

Territoire Territoire es el nuevo proyecto de Olivier Arson después de The Folding and the point. Su disco Mandorle concluye 3 años de grabación obsesiva con una constelación de artistas de la escena musical española, para producir una criatura misteriosa y adictiva, una narración que gira alrededor

del dark ambient, la tensión elástica del jazz y explosiones kraut-rock. Ahora acompañado por David Sergeant (guitarras) y Javi Tasio (batería), reinterpretan completamente el material grabado para los conciertos, construyendo un flujo envolvente de drones físicos, voces mutantes y violentos golpes, que convierten su directo en una

experiencia brutal y única. Con base en Madrid, han tocado por toda España, en lugares excepcionales (Iglesia de la LABoral en Gijón, Matadero de Madrid, Convento de Madre de Dios en Sevilla), sitios underground como La Faena II, Siroco o El Perro en Madrid, y han sido ahora confirmados para el Sónar 2014. 33

Sección: Actual VIERNES 16 DE MAYO 19.00 h / La Nau Paraninfo de la Universitat de València

Carmen Antequera, violín Gregorio Jiménez, electrónica

Plugged [+ Unplugged] Violin César Camarero (1962) Epílogo (2007) 5’ para violín solo José María Sánchez-Verdú (1968) Tres interludios (2006) 10’ para violín solo Lars Graugaard (1957) Sparks and Feathers** (2010) 14’ para violín y electrónica Marc García Vitoria (1985) Microscopi 3: Calc (2008) 10’ para violín y electrónica Mauricio Sotelo (1960) / Fernando Villanueva (1976) Fragmentos de Luz* (2014), para violín y electrónica 9’ (*) Estreno absoluto (**) Estreno en España 34

INTÉRPRETEs Importante ese mismo año concedido por el Club Diario Levante. Este ensemble ha realizado conciertos nacionales e internacionales en los mejores festivales así como también tiene varios CD grabados. Actualmente ultima su tesis doctoral sobre las técnicas no convencionales en el violín y compagina su carrera como violinista con la docencia en el Conservatorio Superior de Música de Valencia, siendo profesora por oposición desde 2002.

Mª Carmen Antequera

Mª Carmen Antequera La violinista Mª Carmen Antequera (Benaguasil, Valencia) es una de las violinistas del panorama español actual más comprometidas con la música de creación y su trabajo continuo con los compositores le ha llevado a realizar una investigación con la que obtiene el Diploma de Estudios Avanzados (DEA) en la Universidad de la Rioja, profundizando en la música de uno de los compositores españoles más importantes del panorama internacional como es Mauricio Sotelo. Graduada en Violín y en Música de Cámara en el Conservatorio Superior de Música de Valencia, y siendo becada por el Ministerio de Cultura amplia sus estudios en la Univesidad de Wisconsin con Vartan Manoogian, así como con profesores de la Escuela Reina

Sofia como Sergei Fatkouline y Marta Gulyás. También realiza cursos con Ferenc Rados, Mauricio Fuks, José Luís García Asensio, M. Lubostky, Félix Ayo, A.León Ara, y Conrado Romano entre otros. Ganadora del Primer Premio en el Concurso Martínez Báguena 9ª edición. Ha ofrecido recitales de violín y música de cámara en el ámbito nacional e internacional y ha grabado para TVE y el Canal Clásico. Ha colaborado con diferentes orquestas españolas bajo la tutela de las prestigiosas batutas de Lorin Maezel o Zubin Meta entre otros y ha sido concertino de la Orquesta Sinfónica de Valencia. Desde 2003 es solista del Grup Instrumental de Valencia al que le fue otorgado en el 2005 el Premio Nacional de Música en la especialidad de interpretación y el Premio

Gregorio Jiménez Payá Catedrático de composición electroacústica en el Conservatorio Superior de Música de Valencia, fundador y director del Laboratorio (LEA) de dicho centro educativo desde su creación en 1995. Presidente de la Asociación de Música Electroacústica de España (AMEE) desde octubre de 2006 y Consejero de la CIME (Confederación Internacional de Música Electroacústica) bajo el amparo de la UNESCO. Ha recibido encargos de diferentes instituciones como el Ministerio de cultura de España, el Instituto de Música Electroacústica de Bourges, el Instituto Valenciano de la Música, ha sido compositor invitado en el EMS de Estocolmo, en 2009 recibió una mención por su obra Le secret des petits sons en el Concurso de Bourges. Actualmente compagina su labor creativa de composición con la de intérprete junto al saxofonista Josep Lluís Galiana habiendo participado en festivales como NWEAMO en San Diego (USA), Primavera en La Habana, Ensems, Audio Art en Krakovia, Sete sois sete luas, Mostra sonora de Sueca, XX Jornadas electroacústicas en Córdoba (Argentina)... Gregorio Jiménez Payá

COMPOSITORES demia Española de Bellas Artes en Roma, y de la Casa de Velázquez de Madrid. Entre los premios que ha recibido figuran los siguientes: Villa de Madrid (2001), Guido d’Arezzo (1998), Hannover Biennale (1997), Pablo Sorozábal (1995), Premi Ciudat d’Alcoi (1993), el ya referido Broadcast Music Inc., así como el Premio Nacional de Música del Ministerio de Cultura de España por el conjunto de su obra. Ha recibido encargos del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea, el Inaem y Musica 900, Orquesta y Coro Nacionales de España, Junta de Andalucía, Música .

César Camarero

César Camarero César Camarero (Madrid, 1962), comenzó sus estudios musicales en 1977 en Nueva York, y poco después empezó a componer sus primeras obras de forma autodidacta. En 1983 recibe el premio para jóvenes compositores de Broadcast Music Inc. (una de las sociedades de autores de ee uu), por Metamorfosis para dieciséis acordeones y orquesta de cuerda. En 1985 regresa a Madrid, donde estudia composición con Luis de Pablo y con Francisco Guerrero. En 1989 su cuarteto de cuerda El silencio va más deprisa al revés es seleccionado para el concurso de jóvenes compositores de la Fundación Gaudeamus (Ámsterdam). A partir de ese momento sus obras están presentes en gran número de festivales internacionales y temporadas de conciertos, principalmente en países europeos (Festival de Middelburg de Holanda, Festival Roma Europa, Música ‘900 de Trento, Festival de Alicante, Auditorio Nacional de Madrid, WDR Colonia, Presences” de Radio France…), donde las interpretan algunos de los mejores ensembles especializados (Xenakis Ensemble, Freon, Ensemble Musique Nouvelle, Plural Ensemble, Duo Contemporain, Proyecto Gerhard, Trío Arbos, Nieuwe Ensemble, Nouvel Ensemble Modern, etc.). Ha sido becario de la Aca36

José María Sánchez-Verdú José María Sánchez-Verdú (1968*) inició su formación musical en España (Composición, Dirección de Orquesta y Musicología en el RCSM de Madrid) y la continuó en Italia y Alemania (Musikhochschule de Frankfurt). Es licenciado en Derecho (Complutense). Como compositor ha trabajado con las agrupaciones y festivales más destacados de Europa (Bayerischer Rundfunk, Orquestre de la Suisse Romande, Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, Luzerner Sinfonieorchester, Ensemble Modern, Ensemble Recherche, MusikFabrik, Musica Viva Munich, Ultraschall Berlin, ECLAT Stuttgart, MärzMusik Berlin, Münchener Biennale, Salzburg Biennale, Festival de Otoño de Varsovia, SchleswigHolstein Musikfestival, la Biennale di Venezia, Wien Modern, etc.) y directores como Mehta, Frühbeck, López Cobos, Zagrosek, Cambreling, Rundel, Kalitzke, etc. Sus proyectos escénico-musicales (con dramaturgias que abarcan el espacio, la luz, la instalación, etc. como Atlas, Gramma, Aura, El viaje a Simorgh, Libro de las estancias, etc.) han abierto un gran campo de trabajo que ha recibido importantes reconocimientos internacionales y se han programado ya en Berlín, Hamburgo, Múnich, Stuttgart, Venecia, Lucerna, Salzburgo, Madrid, Buenos Aires, El Cairo, etc. Sánchez-Verdú ha recibido premios como el Förderpreis de la Siemens-Stiftung (Múnich), el Premio Nacional de Música en España, el Irino Prize (Tokio), el 1er Premio

de la Junge Deustche Philharmonie para representar a Alemania como compositor en la Philharmonie de Berlín o el premio de la Bergische Biennale por toda su obra (Wuppertal), entre otros muchos. Se le han dedicado conciertos monográficos en Madrid, Barcelona, Zaragoza, Múnich, Colonia, Düsseldorf, Hamburgo, Aarhus, Aix en Provence, etc. Ha sido compositor en residencia del Festival SchlossMediale Werdenberg (Suiza), del Festival Ostertöne (Hamburgo), del Carinthischer Sommer Festival (Austria), de la Junge Deutsche Philharmonie, del Jünger Künstler Festival de Bayreuth, del V Festival de Música Contemporánea de Lima, etc. En 2014/15 es artista residente en Villa Concordia, Bamberg (Ministerio de Cultura de Baviera). Desde muy temprano, tras estudiar con García Asensio, A. Tamayo y W. Raiski, ha desarrollado una especial trayectoria como director que le ha llevado a dirigir en España, Italia, Alemania, Austria, Suiza, Polonia, Argentina, Perú, etc. a agrupaciones como la Orquesta Ciudad de Granada, Orquesta Sinfónica de Galicia, Ensemble Modern, KNM Berlin, Österreichisches Ensemble für Neue Musik (Salzburgo), Neue Vocalsolisten Stuttgart, Solistenensemble Kaleidoskop, Ensemble Mosaik Berlin, Grupo Enigma, Grup Instrumental de Valencia, etc. en numerosos festivales europeos y americanos. Es miembro de los departamentos de Composición de la Robert-Schumann-Hochschule de Dusseldorf y de la Carl Maria von Weber Musikhochschule de Dresde. Desde 2008 es catedrático de composición en el CSMA en Zaragoza. Desde abril de 2014 es también Vertretungprofessor für Komposition en la Hochschule für Musik, Theater und Medien de Hannover. Sus obras se editan por Breitkopf & Härtel. Lars Graugaard El compositor danés Lars Graugaard obtuvo el título superior de flauta en la Real Academia Danesa de Música y el de doctor en música interactiva e interpretación por la Universidad de Oxford Brookes en Inglaterra. Como receptor de numerosas becas y encargos, su música se interpreta

Lars Graugaard

Mauricio Sotelo

regularmente en Europa, América, Asia y Australia. Actualmente es compositor residente del Grup Instrumental de València, apoyado en parte por una beca de 18 meses de la Fundación Danesa de las Artes. Desde 2010 ha ocupado un puesto permanente como artista visitante de la Steinhardt School en la Universidad de Nueva York y es director del festival de artes digitales con sede en Copenhague. Lars compone para todas las combinaciones instrumentales y vocales y tiene en su haber más de 180 obras. En sus conciertos de los últimos cinco años ha sustituido gradualmente la flauta por el ordenador portátil, explorando la música en tiempo real e interactiva con improvisadores e intérpretes de partituras que se mueven entre la música contemporánea, el jazz y derivados de estilos electrónicos urbanos. Lars Graugaard se encuentra a gusto en salas de conciertos, festivales y clubes; para todos ellos ha desarrollado métodos de composición que tienen en cuenta las estrategias de escucha comunes que son profundas, pero que no tienen necesariamente que ver con el conocimiento estructural explícito.

en la ESMUC con Luis Naón, Ramón Lazkano y Gabriel Brncic, y un Máster en composición electroacústica e instrumental en la Hem que Ginebra, con Michael Jarrell, Luis Naón y Eric Daubresse. Completa su formación en la Ircam de París con los Cursus 1 y 2, que cursa con la ayuda de una beca de la fundación la Caixa y bajo la maestría de Yan Maresz. También ha participado en seminarios de composición (Royaumont, Voix Nouvelles 2010) y masterclasses de prestigiosos compositores. Sus obras han sido interpretadas por ensembles como Contrechamps, Linea, Intercontemporain o Trío de Magia, y ha recibido encargos de instituciones como el Instituto Valenciano de la Música, Radio France o la BBC Scottish Symphony Orchestra. Ha realizado residencias de creación en el ciclo Jóvenes Intèrprets Catalans IV y en la sesión Transforme/ Ecrire de la fundación Royaumont. Entre los reconocimientos a su trabajo podemos encontrar el University of Aberdeen Music Prize 2011 en Escocia, el premio del jurado de los 6èmes Rencontres de composition musicale de Cergy-Pontoise 2007 o la presencia como finalista en el concurso Reine Marie José 2008 en Suiza. Actualmente trabaja como asistente de la clase de composición de la Hem de Ginebra

Marc García Vitoria Marc García Vitoria nace en Valencia en 1985. Estudia el grado superior de composición

y en una investigación sobre la orquestación asistida por ordenador en el Ircam. Mauricio Sotelo Mauricio Sotelo es hoy por hoy uno de los compositores españoles de mayor proyección y reconocimiento internacional. Su música es publicada desde 1991 en el catálogo de la prestigiosa Universal Edition de Viena, junto a bras de Bartók, Mahler, Schoenberg, Berg, Webern o Pierre Boulez. Sotelo ha recibido encargos de los más prestigiosos festivales europeos; entre otros, Bienal de Múnich, Bienal de Venecia, Ópera Nacional de Holanda, Bienal de Salzburgo, Festivales de Berlín, Festivales de Viena, Maggio Musicale Fiorentino, Otoño de Varsovia, y sus obras han sonado en salas como el Musikverein de Viena, el Suntory Hall de Tokio, el Teatro Real de Madrid o el Liceu de Barcelona, entre otras muchas. Actualmente es compositor residente del Wisseschaftskolleg de Berlín (2011-2012), honor que como único compositor español comparte con maestros como Giorgy Ligeti, Kurtág, Luigi Nono, Lachenmann o Wolfgang Rihm. Destaca el encargo recibido por Gerard Mortier para el Teatro Real de Madrid sobre El público de Federico García Lorca, que se 37

OBRAS

Fernando Villanueva

estrenará en Madrid en febrero de 2015. Entre los numerosos reconocimientos recibidos, el compositor cuenta con el Premio Nacional de Música (2001), Premio Reina Sofía de Composición Musical (2000), Förderpreis de la Fundación Ernst von Siemens (1997), así como los premios de composición de las ciudades de Hamburgo (1996), Colonia (1992) y Viena (1989), el Premio de Composición de la sgae (1989) y el de la Joven Orquesta Nacional de España (1987), entre otros. Fernando Villanueva (Ciudad Real 1976) Inicia sus estudios musicales en su ciudad natal y los continúa posteriormente en Madrid. Entre 1995 y 2003, asiste con regularidad a los Cursos de Especialización Musical organizados por el Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares. Ha sido seleccionado en varias ocasiones para participar en el Encuentro de Composición INJUVE, donde ha podido trabajar con maestros como Mauricio Sotelo, Beat Furrer, Salvatore Sciarrino, Jesús Rueda, etc. Asimismo, ha sido seleccionado y becado por la Junta de Andalucía en los años 2003, 2004, 2006, 2007 y 2012 para participar como alumno activo en el Curso de Análisis y Composición de la Cátedra de Composición Manuel de Falla de Cádiz, donde trabajó con José María Sánchez 38

Verdú, José Manuel López López, Jesús Rueda, Mauricio Sotelo y Martín Matalón. En 2007 es seleccionado para participar en el primer año del Cursus de Composición e Informática Musical del IRCAM (París), y en 2008 es seleccionado de nuevo para participar en el segundo año de dicho curso. Allí trabaja con compositores y profesores como Yan Maresz, Mikhail Malt, Jean Lochard, Emmanuel Jourdan, Philippe Hurel, Marco Stroppa, Philippe Manoury, etc. El proyecto final consistió en la composición de la obra Bukowski Madrigals, para voz, trío de cuerda y electrónica, interpretada por Donatienne Michel-Dansac y L’Instant Donné en el marco del Festival Agora en 2009. Ha recibido diversos encargos, entre los que destaca el realizado por el Auditorio Nacional para festejar su XX aniversario, o la Fundació ACA, con motivo del XXXI Encontre Internacional de Compositors en 2010. Sus obras han sido interpretadas por grupos como Court-Circuit, L’Itineraire, Taller Sonoro, L’Instant Donné, Ensemble Krater, Proyecto Guerrero, Plural Ensemble, Grupo Dhamar, Orquesta Iuventas, etc. Es profesor de Fundamentos de Composición en el Conservatorio Profesional de Música Marcos Redondo de Ciudad Real.

Epílogo levantar ásperas teja a teja el vacío poner techumbre superficie chirriante una música se revela en la completa oscuridad Ildefonso Rodríguez Tres Interludios (para violín, 2006) Los Tres Interludios fueron encargo de los Fredener-Musiktage 2006, en Alemania. La obra está estructurada en tres movimeinos o interludios con diferentes interrelaciones entre ellos. La vinculación más directa la podría denominar casi como «geológica»: cada movimeitnto es trabajado a través de procesos como la erosión, la transformación, el envejecimiento, la fragmentación, etc., justo como si se tratara de materiales geológicos transformados a través del tiempo. El material deviene siempre más lento o más rápido, más poroso, como fragmentado y erosionado en una multiplicidad de gestos. Los tempi también despliegan un nivel propio en diferentes capas o estratos: el primer Interludio tiene un único y constante tempo; el segundo Interludio se articula en dos tempi distintos que se desplazan de forma fragmentada en dos capas superpuestas; y en el tercer Interludio se presentan tres tempi que se enfrentan y yuxtaponen a través de diferentes accelerandi e ritardandi del material, en un nivel mayor de transformación del material, de los gestos, de los tempi y de la agógica. Cada interludio traza un paso más dentro de procesos musicales distintos. Se trata también de un juego con la memoria y el olvido, dado que el material es siempre el mismo en distintas configuraciones. La repetición, el trabajo en varias capas y los procesos de transformación geológicos (como metáfora) son las ideas principales de la composición y se configuran en un elemento estructural. En un paso posterior, los Tres Interludios constituyen, en unión a la transformación electrónica en vivo, los tres Interludios del primer acto de la ópera El viaje a Simorgh,

estrenada en el Teatro Real de Madrid en 2007. La figura del violinista constituye una de las presentaciones del pájaro solitario dentro de esta ópera en torno a San Juan de la Cruz, el sufismo persa y el libro de Juan Goytisolo Las virtudes del pájaro solitario. El violinista se desplazaba coreográficamente sobre el escenario con un amplio trabajo de amplificación y transformación en vivo del sonido a través de la electrónica; en torno a él se desplegaba el baile de los pájaros en su viaje hacia el Simorgh... Los Tres Interludios están dedicados a Ara Malikian, que fue quien los estrenó en el citado festival alemán en 2006. José María Sanchez Verdú Sparks y Feathers La obra comienza con la electrónica a la que se une el violín de manera virtosa, con constantes cambios de parámetros electrónicos intercalados por acordes arpegiados y dobles cuerdas staccato. A pesar de que la energía y la concentración es grande, el carácter general de la primera parte es ligero y delicado. La segunda parte es más densa y el violín se mantiene en el registro grave mayoritariamente en la tercera y cuarta cuerdas . La gama melódica es muy estrecha, y la tonalidad hace uso frecuente de intervalos de segunda mayor y menor. La electrónica contiene “instantáneas” espectrales, efectos transformados y procesados por la interacción con el violín. La ejecución de histogramas posee un registro de detalles en la interpretación, así como duración de la nota y distribución de la tonalidad. Lars Graugaard Microscopi 3: calc La idea de una falsa polifonía, simulada por varias líneas melódicas que se interrumpen las unas a las otras, está constantemente presente en las piezas para violín de Bach y de otros compositores para los cuales el concepto de polifonía es esencial. En Microscopi 3: calc, el compositor propone, además de esta polifonía simulada, otras técnicas del mismo tipo pero irrealizables en la

época de Bach. Escuchamos un violín en escena, del cual podemos escuchar, gracias a la amplificación, algunos sonidos que normalmente se nos escapan (de aquí el nombre del microscopi), pero además escuchamos otro violín, virtual, que está programado para reaccionar a los estímulos del real (y de aquí el calc). Así, el músico en escena es muy libre para interpretar de verdad el texto según su gusto, y la máquina, programada para ser «estúpidamente inteligente», crea en tiempo real el calco de su patrón. Marc García Vitoria Fragmentos de Luz para violín y electrónica (2014) Esta nueva obra de Mauricio Sotelo ha sido fruto del trabajo del compositor con la violinista Mª Carmen Antequera y con el realizador de la electrónica Fernando Villanueva. El violín se suspende en el espacio porla «luz» espectral de la transformación electrónica en vivo. El inicio lleno de fuerza y pasión da paso a la escucha de una serie de cascadas descendentes construidas sobre un espectro de luz cuya bajada descansa sobre la nota la. Seguido por la Soleá en la que el violín imita el cante aproximándose en la ejecución a las inflexiones de la voz de un cantaor y desembocando en una estructura que gira, danza y se entrelaza sobre un ritmo ternario que bien recuerda el latir de una bulería jerezana. Es en esta sección donde el violín despliega todo su virtuosismo para desembocar en el Tango, cuya fuerza rítmica invade toda la sección. Concluye la obra con la parte más arriesgada técnica y musicalmente de realización, ya que el violín debe ejecutarse simultáneamente cantando «parlato rítmico colla parte (Imitando il suono di Tabla)» y con la electrónica en vivo dialogando con la voz. Fragmentos de Luz, es en definitiva una obra de creación compuesta con Mª Carmen Antequera para el artista Alexander Polzin cuya primera versión de violín solo se realizó en Berlín (febrero de 2014) en la inauguración de la exposición de arte de Alexander Polzin y cuyo estreno absoluto con la versión definitiva de la obra con electrónica se realiza en Ensems. Mª Carmen Antequera, Mauricio Sotelo 39

Sección: Escucha esto VIERNES 16 DE MAYO 21.00 h / Teatro Principal

Francesco Tristano, piano Late night with JS

Claude Lenners (1956-) Sandbuch+ (2007) Johann Sebastian Bach Suite francesa nº1 en re menor BWV812 Francesco Tristano La franciscana (2012) Johann Sebastian Bach Suite francesa nº4 en mi bemol mayor BWV815 Derrick May Strings of life (transmat 1986) (arreglo de Francesco Tristano) Johann Sebastian Bach Suite francesa nº5 en sol mayor BWV816 Francesco Tristano Ground bass (chacona) (1997/2004 rev. 2012) Francesco Tristano ha elegido para el concierto de esta noche un piano Yamaha CFX Javier Clemente, técnico (+) Primera audición en España 40

INTÉRPRETE

Francesco Tristano

Late night with JS Late night with JS es un programa que intenta hacer escuchar la música de Johann Sebastian Bach en el contexto de 2014. Tres suites francesas serán interpretadas alternando con obras contemporáneas. Un track estándar del repertorio Tecno de

Detroit (la épica Strings of life de Derrick May). Francesco Tristano buscará conexiones temáticas como entre ambas como armonías, melodía o tempos. En una rara interpretación acústica, la audiencia debería establecer una conversación entre el maestro barroco y las variadas formas de la música actual. 41

Secci贸n: Electro VIERNES 16 DE MAYO 23.00 h / Caf茅 Rialto

Balago Darder

Web www.facebook.com/pages/Balago/129230070468554 Audio http://balago.bandcamp.com Video https://www.youtube.com/watch?v=XIeg9gZqH2I

INTÉRPRETES

Balago

Balago Procedentes de La Garriga (Barcelona), Balago se han convertido en una de las pocas bandas que ejemplifican a la perfección lo que debería ser la música del siglo XXI; una constante evolución en el sonido buscando abrir nuevos caminos a partir de la experimentación. Balago está formado actualmente por David Crespo, el único que ha participado en todos los álbumes del grupo, Guim Serradesanferm y Roger Crespo. En el año 2002 sale a la luz el álbum Erm, compuesto por David y Jordi Soldevila. En él, se empiezan a atisbar cuáles son las intenciones de la banda, plasmar un lienzo sonoro que parte de la abstracción y supone una crónica a cámara lenta del

desaliento y el vacío. El siguiente paso en este proceso de aprendizaje, reinvención y reubicación musical es la aportación del sampler y las programaciones que se ha hecho con el control del sonido del grupo. Así, lanzan El segon pis en el año 2004, un disco de sintaxis compleja y heterodoxia formal, cuarenta minutos de tristeza demoledora e imborrable. En el año 2008 llega de la mano de David Crespo, esta vez en solitario, d’aqui, un album marcado por la tragedia. El tercer disco de Balago es una obra mayúscula de redención en clave de aislacionismo radical. Con Extractes d’un diari llega la inclusión en el trio de Roger. Este disco editado en el 2010, más rítmico, extrovertido y melódico que sus predecesores, explora

el maridaje entre los paisajes sintéticos de regusto fantasmagórico, la psicodelia pop y la melancolía urbana a través de breves instantáneas sonoras. En abril de 2013 publican su quinto album Darder, un emocionante, dinámico y noctámbulo cóctel de dark ambient, krautrock etéreo, kosmische melancólico e incluso post-dubstep que parece olvidar algunos de los referentes con los que siempre se había asociado al grupo. En este disco reinventan una fórmula musical sin traicionar ni desviarse del que siempre ha sido objetivo prioritario del proyecto Balago: conmocionar al público con discos que, pese a la falta de luz y esperanza, derrochan emoción y sensaciones

Sección: Actual SÁBADO 17 DE MAYO 12.00 h / Teatro Principal

Ensemble Espai Sonor Senderos del laberinto Carlos Fontcuberta (1977) Barcarola (2014) (*) 8’ Flauta, corno inglés, clarinete, percusión, piano, violín, viola y violonchelo

Ensemble Espai Sonor Joaquín Ortega, flauta Fermín Clemente, oboe Bartolomé Llorens, clarinete Ricardo Capellino, saxofón Sisco Aparici, percusión Hèctor Parra (1976) David Moliner, percusión Ciel rouillé (2005) 10’ Tomeu Moll, piano Flauta, saxofón, percusión y piano Juan Carlos Navarro, violín Frances Gaya, viola Ramón Lazkano (1968) Manuel Santapau, violonchelo Hatsik-3 (2004) 6’ 30’’ Clarinete, saxofón, piano y violín Voro García, dirección Jorge Sastre (1974) Bacuum (2014) (*) 6’ 30’’ Flauta, oboe, clarinete, percusión, piano, violín, viola y violonchelo Voro García (1970) Sombra del recuerdo (2009) 13’ Flauta, clarinete, percusión (2), piano, violín y violonchelo) Alberto Posadas (1967) Pri em hru (1994) 17’ Flauta, clarinete, percusión, piano, violín, viola y violonchelo (*) Estreno absoluto. Encargo Ensems 44

INTÉRPRETES

Ensemble Espai Sonor. Foto: Tania Castro

Ensemble Espai Sonor El Ensemble Espai Sonor es una agrupación instrumental dedicada a la difusión e interpretación de la música contemporánea y el arte sonoro en general. Entre los objetivos marcados, destaca el interés en la divulgación de la música de reciente creación, fundamentalmente la de los compositores españoles; así como la interpretación e interrelación con los clásicos del repertorio del siglo XX. Realiza conciertos de diversa índole e intervenciones sonoras en diferentes espacios, ofreciendo siempre una síntesis temática en cada uno de los conciertos. Siempre que es posible, buscan la estimulante, estrecha e imprescindible colaboración de solistas y compositores, en un proceso de búsqueda por medio de una experimentación constante, en contacto vivo y directo, casi táctil, con la materia sonora. Periódicamente realiza encargos, fundamentalmente a jóvenes creadores españoles. Ha estrenado obras de compositores como: A. Cattaneo, B. Furrer, V. García, M. A. Gálvez, S. Gervasoni, J. M. López, E. Mendoza, O. Neuwirth, H. Parra, Sánchez-Verdú, M. Sotelo… entre otros. Participa en dos proyectos didácticos:

ANTARA (Acercarse a la música de hoy para alumnos y profesores de conservatorios) y el EMWC (Curso Europeo De Creación Musical para compositores). Han participado en: ContemporaneaMente (Milán), ENSEMS (2006 y 2010), Espirales 2008 (Paris), Fundación Carlos de Amberes (Madrid), Festival Musica Nova (Sao Paulo, Santos), Festival SMASH de Música contemporánea (Salamanca), Ciclo OPUS 9.1 y 13.3 (Burdeos), Festival de Música de Alicante, VII Festival Unicaja y las Músicas del S.XX-XXI (Almería), XIII Festival de Música Contemporánea de Córdoba, XVII Punto de encuentro, conciertos en Brest (Francia), Santiago de Chile, MNCARS (Madrid), Ciclo Otras músicas (Granada), 18º Encuentros de Música contemporánea de Bilbao, III Ciclo Zahir Ensemble (Sevilla), Festival SON (Musicadhoy), Serie 20/21, Klang (Helsinki), X Festival Bernaola, XXXIV Encontre de compositors (Mallorca), IV Ciclo de música contremoránea del BBVA (Bilbao), entre otros. Entre sus próximas producciones destaca: 10a. Mostra Sonora de Sueca (2014), Ensems 2014, V Circuito de Música Contemporánea Musikagileak (San Sebastián), Concierto Serie 20/21 (MNCARS)…

Han grabado los siguientes discos: Disco Monográfico Miguel Gálvez Taroncher. Patrimonio actual valenciano (Actual 007). Concierto para clarinete bajo Trazos-Trío-Concertino. Disco Monográfico Aureliano Cattaneo. (STR 33893 Stradivarius). Sombra del recuerdo. Disco Monográfico Voro García (STR 33894 Stradivarius) Multaqa. Disco Carlos Gil (SB produccions). Contextos de E. Mendoza El Ensemble Espai Sonor tiene su sede de ensayos en el Conservatori Professional de Música de Cullera y es el grupo residente de la Mostra Sonora de Sueca. El director artístico y musical es Voro García. Voro García Fernández Nace en Sueca. Estudia trombón, piano, canto, dirección de coros y orquesta, musicología y composición, en el Conservatorio Superior de Valencia, con Ramón Ramos, Eduardo Cifre y Manuel Galduf entre otros. Paralelamente amplia estudios de composición con Mauricio Sotelo. Diplomado en Estudios Avanzados (DEA) por la Universidad Politécnica de Valencia. Ha asistido a cursos de perfeciona45

COMPOSITORES miento con: L. Balada, J. L. Castillo, B. Ferneyhough, B. Furrer, C. Halffter, T. Hosokawa, M. Lavista, J. M. López, Luis de Pablo, J. M. Sánchez-Verdú, R. Sierra, S. Sciarrino, M. Trojan, entre otros. Entre los galardones que ha obtenido, destaca el primer premio del Instituto Nacional de la Juventud (2004), Oïda 2001, Premio Luis Morondo (2007), Premio Matilde Salvador (2007), mejor música original en la XIV Mostra de Cinema Jove de Elche (2011) y K-Lidoscopi (2012), además de ser finalista Bell’Arte Europa (2005), Pablo Sorozábal (2001) y ALEA III International Composition Prize (2007). Ha recibido encargos de diferentes instituciones e intérpretes: INAEM, JONDE, CDMC, IVM, Auditorio Nacional de Música, Duometrie, TDM Trío De Magia... Sus obras han sido seleccionadas o encargadas por diferentes Concursos, Festivales y Foros de España, Europa, EE.UU y América latina, siendo sus intérpretes: Solistas del Ensemble Intercontemporain, Proyecto Guerrero, Arditti Quartet, Ensemble Court-circuit, Grup Instrumental de València, Ensemble Residencias, Ensemble Espai Sonor, NeoArs Ensemble, NEXEnsemble, Orquesta Sinfónica de Castilla y León, JONDE, JOGV, Ensemble del Carnegie Mellon, Ensemble ALEA III, Trío Arbós, Brouwer Trío, B. Ambrosini, A. Sukarlan, C. Dierstein, Pedro Carneiro, M. Weiss, Marie Bernadette, Sisco Aparici, R. Capellino, V. Minguet, Xelo Giner, etc. Como director, ha realizado el estreno absoluto y/o en España de multitud de obras. Ha sido compositor residente del Grup Instrumental de Valencia (2001-02), JONDE (2006-07), Auditorio 400 MNCARS (2009) y Joven orquesta de la Generalitat Valenciana (JOGV, 2009-10). En la actualidad es profesor del departamento de composición en el Conservatorio Superior de Música de Castellón, además de director artístico de la Mostra Sonora de Sueca y director musical del Ensemble Espai Sonor. Sus obras están editadas por Piles y Rivera editores. www.vorogarcia.com

Carlos Fontcuberta

Ramón Lazkano. Foto: R. Lazkano

Carlos Fontcuberta Nace en 1977, en Valencia. Estudia piano con Bartomeu Jaume y armonía con J. J. Poveda. Posteriormente estudia composición con Ramón Ramos en el Conservatorio Superior de Música de Valencia, donde recibe además clases de E. Sanz, G. Jiménez, F. Tamarit y C. Cano, entre otros. Continúa su formación asistiendo a diversos cursos de composición impartidos por Mauricio Sotelo, José Manuel López López, César Camarero, José Mª Sánchez-Verdú, Alberto Posadas, Jesús Rueda, Óscar Strasnoy, Phillippe Hurel, Unsuk Chin, etc. Becado en 2008 por la Cátedra Manuel de Falla en Cádiz, en 2009 participa como alumno activo del Seminario Permanente de Composición impartido por Mauricio Sotelo, y posteriormente en los cursos Acanthes 2011 en Metz (Francia). Ha sido acogido como investigador invitado para la elaboración de su tesis doctoral por el Conservatorio Nacional Superior de París, donde recibe clases de composición de Gérard Pesson y asiste a las clases de análisis de Michaël Levinas. Es ganador del Primer Premio Xavier Montsalvatge en el XXII Premio Jóvenes compositores Fundación Autor-CNDM, y de la convocatoria del Plural Ensemble dirigida jóvenes compositores en 2011. Entre los encargos recibidos destaca la composición de una de las piezas obligadas para el XV Concurso Internacional de Piano José Iturbi, así como la realización de una obra para

tenor, coro mixto, 2 pianos y 4 percusionistas en conmemoración del XXV aniversario del Coro de la Generalitat Valenciana. Desde 2006 compagina la labor compositiva con la docencia, y ha impartido clases de contrapunto y análisis en los conservatorios superiores de Valencia y Castellón. Ramón Lazkano Ramón Lazkano (Donostia-San Sebastián, 1968) estudió composición en San Sebastián, París y Montreal con Francisco Escudero, Alain Bancquart, Gérard Grisey y Gilles Tremblay; obtuvo el Primer Premio de Composición del Conservatorio Nacional Superior de Música de París en 1990 y el Diploma de Estudios de Doctorado en Música y Musicología del siglo XX en la École des Hautes Etudes en Sciences Sociales. Sus dos estancias en Roma, en la Real Academia de España y en la Academia de Francia (Villa Médicis), le han permitido profundizar en la reflexión sobre el propósito de la composición en nuestros días, que se cristaliza en un pensamiento sobre la intertextualidad, la saturación, el silencio y la experiencia del sonido y del tiempo, que ha hecho nacer piezas emblemáticas como Ilunkor (encargada por la Euskadiko Orkestra Sinfonikoa), Hauskor (encargada por la Orquesta de la Comunidad de Madrid) y Ortzi Isilak (encargo de la Orquesta Nacional de España). En junio de 2012, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera dirigida por

Hèctor Parra

Alberto Posadas

Jorge Sastre

Peter Eötvös interpretó Ilunkor en el festival Musica Viva de Múnich. El sello Kairos editó un disco monográfico con estas tres obras orquestales (Ilunkor, Ortzi Isilak, Hauskor) interpretadas por la Orquesta Sinfónica de Euskadi dirigida por Johannes Kalitzke. Entre 2001 y 2011 ha trabajado en Igeltsoen Laborategia (Laboratorio de Tizas), una extensa colección de piezas de cámara compuesta por varios ciclos, que toma como referencia el concepto oteiziano del “laboratorio experimental” y en particular el de la tiza como materia de inscripción, de erosión y de memoria ligada a la infancia, cuyo propósito estético culmina con Mugarri, encargo de la AEOS y de la Orquesta Sinfónica de Navarra. Ramón Lazkano ha enseñado orquestación en el Conservatorio Nacional de Región de Estrasburgo y composición en la Escuela Superior de Música de Cataluña en Barcelona. Es actualmente profesor de orquestación en el Centro Superior de Música del País Vasco Musikene. Desde 2003, es coordinador del ciclo de música contemporánea de la Quincena Musical de San Sebastián.

Barcelona, donde ha recibido los Premios de Honor de Composición, Piano y Armonía. Ha estudiado la composición con David Padrós, Brian Ferneyhough y Jonathan Harvey, así como con Michael Jarrell en la Haute École de Musique de Ginebra. En 2011 recibe el premio de composición de la Fundación Ernst von Siemens. Le han sido otorgados también el Donald Aird Memorial International Composition Prize 2007 de San Francisco, el Premio Tendencias 2009 del periódico El Mundo (edición de Catalunya), el Premio Impuls Graz 2008, el premio Tremplin 2005 del Ensemble Intercontemporain y el Premio de Composición Musical del INAEM 2002. Su música está publicada por Universal Music Publishing Classical (Durand, Paris) y por la Editorial Tritó (Barcelona). Sus tríos y piezas de cámara han sido grabados por el ensemble Recherche, para el sello KAIROS y por el sello Ars Harmonica. Su ópera Hypermusic Prologue ha sido grabada por el Ensemble Intercontemporain, también para el sello KAIROS. En 2012 Collegno y la Fundación Ernst von Siemens publican su cuarto CD monográfico Caressant l’horizon.

Hèctor Parra Nacido en Barcelona en 1976, desde 2002 es compositor residente en el Ircam-Centre Pompidou en París y desde 2013, profesor de composición del Cursus anual. Ha estudiado en el Conservatorio Superior de

Alberto Posadas Alberto Posadas nace en Valladolid (España) en 1967. Preocupado por una formalización rigurosa en su quehacer compositivo, el empleo de modelos matemáticos abstractos y de modelos de regulación de

la naturaleza ha marcado gran parte de su producción. Claro ejemplo sería su ciclo de cuartetos de cuerda Liturgia fractal (200307). El interés por la matemática también ha servido a Posadas para establecer puentes epistemológicos entre su música y otras manifestaciones artísticas con las que dialoga, como en Nebmaat (2003) o Anamorfosis (2006.) Aparte de las influencias científicas y de las artes visuales, la concepción del instrumento musical como objeto de modelización encuadra el tercer pilar de su imaginario técnico-estético. La cuestión de la regulación se transfiere en este caso a las problemáticas de la ergonomía física y de la escritura idiomática, y el análisis matemático deviene en estudio “microscópico” de la materia sonora. Véase en obras como Sínolon (2000) o Resplandor (poema lírico dedicado a Atón) (2008). El elemento literario va abriéndose campo en sus últimas composiciones, actuando como laboratorio encaminado a la escritura operística. Ejemplos se encuentran en sus obras Vocem flentium (2011), La tentación de las sombras (2011) o Tenebrae (2013). Entre los años 2006 a 2013 ha sido en tres períodos compositor en residencia en el Ircam (París). Alberto Posadas recibió el Premio Nacional de Música en la modalidad de composición en el año 2011 en España. Ha recibido la Beca-Premio a la Exce 47

OBRAS lencia Artística 2014 del Estado libre de Baviera para ser compositor en residencia en la Internationales Künstlerhaus Villa Concordia (Bamberg). Jorge Sastre Obtiene el Advanced Music Studies Certificate in Composition por la Carnegie Mellon University (CMU) en Pittsburgh (EEUU), estudiando composición con Leonardo Balada y computer music con Roger Dannenberg, recibiendo una beca del ministerio español para realizar una estancia de investigación en el Computer Music Group del profesor Dannenberg. Estudió previamente composición con David Baixauli, asistiendo a los Seminarios Permanentes de Composición I, II y III del Grup Instrumental de Valencia con Mauricio Sotelo, José María SánchezVerdú y Alberto Posadas, y a diferentes ediciones de los Cursos Internacionales de Composición con Leonardo Balada. Obtuvo el Premio Fin de Carrera, Premio de la Generalitat Valenciana y 2º Premio Nacional en los Estudios de Ingeniería, incorporándose como profesor de la Universidad Politécnica de Valencia (UPV), donde obtuvo el Doctorado y creó el Título de Especialista Universitario en Música Electrónica y Vídeo Creación. Es miembro de la Comisión Académica del Máster en Música de la UPV. Ha dirigido otros 15 proyectos de investigación y culturales, entre ellos el ciclo MEVArt: Música Electrónica y Vídeo Arte de la UPV, y es autor de más de 50 publicaciones en revistas internacionales y congresos. Es fundador y coordinador de los Cursos Internacionales de Composición de la UPV, y es miembro de los Grupos de Cámara de la UPV desde su creación, componiendo regularmente obras para el grupo. Desde que tomó contacto con las técnicas de composición algorítmica en la Carnegie Mellon University éstas forman parte importante de sus obras a través del lenguaje de composición algorítmica Nyquist desarrollado por el profesor Dannenberg, en el que el autor ha realizado diversas aportaciones.

Senderos del laberinto El Ensemble Espai Sonor presenta un programa con dos estrenos absolutos encargo de Ensems y cuatro obras de sendos compositores españoles que representan una parte de los senderos recorridos durante los diez años de existencia del grupo (este año celebramos el décimo aniversario de nuestra presentación en público), en la búsqueda de una energía sonora propia, con la experimentación constante que caracteriza la poética musical de los creadores, y de referentes estéticos que alimenten nuestro espíritu interpretativo. Música y laberinto como un solo objeto, donde la trama de tiempos se aproxima, bifurca o se ignoran, pero en la que los senderos de ese laberinto muchas veces convergen. Barcarola No se trata de una barcarola amable a pesar de la inherente suavidad de sus balanceos. Más bien aflora en ella algo del carácter lóbrego plasmado por Liszt en La lúgubre góndola. Como en otra barcarola que he escrito recientemente —obra orquestal bien distinta no obstante, y que en memoria de Wagner lleva por título Liebestod—, aparece aquí una melodía de corno inglés que es una reelaboración de la que compuso Wagner para el tercer acto de Tristán e Isolda, aquella que le fue inspirada al compositor alemán por el canto de los gondoleros venecianos. La melodía transformada conservará rasgos y motivos característicos de la original, apareciendo como si se tratase de una melodía soñada a partir del recuerdo. Sin embargo, no es esta barcarola realmente una música desarrollada a partir de la cita, ni esconde añoranza alguna del pasado musical. Se trata más bien de la creación de un espacio sonoro en el que se buscan las coincidencias de sentido, y en el que existe una aspiración a relativizar la dimensión temporal de un modo misterioso. Por lo demás, el sonido es para mí esencialmente materia; una materia que bien puede llegar a recordar el balanceo de las góndolas, o que puede parecerse a veces al agua de los canales venecianos. Recurriendo a una

metáfora ya inventada, aquella melodía de corno sería una especie de objeto extraño rescatado de las profundidades de esas aguas. Me interesa lo que se ha adherido al objeto mientras permaneció sumergido, lo que queda de él, y lo que pudiera haber de arquetípico en aquellas asociaciones que con él afloran. Carlos Fontcuberta Ciel Rouillé Ciel Rouillé se inspira del Poema del Fin de Marina Tsvetaieva. Este poema es la pasión más pura, el sufrimiento de la pasión amorosa expresada a través de un grito fulgurante de ritmo obsesivo e irregular a alta tensión. Cada capítulo tiene su propia temporalidad, su propio ritmo que se va acelerando hasta el hundimiento final, hasta el mar; es la derrota en las profundidades abisales, donde todo se apaga. En Ciel Rouillé, la música, el tratamiento vídeo en tiempo real de la imagen de los cuerpos de los músicos tocando, la creación de luces y el espacio escenográfico son trabajados y puestos en relación de tal forma que el núcleo dramático lo constituye el propio desarrollo sonoro y su relación con el desarrollo de la imagen y del espacio psicoacústica. Se invita al público a percibir el drama de manera poliédrica y abstracta, resultado de su inmersión en un espacio acústico y visual integrado y orgánico que desempeña un papel activo. Hèctor Parra. Hatsik (aliento) Una de las obras de cámara que conforman su ciclo Igeltsoen Laborategia (Laboratorio de tizas). La conciencia de diversidad tímbrica que preside, más allá del carácter común de los presupuestos poéticos de partida, la composición del ciclo determina en Hatsik-3 (2004) una atención extrema a las condiciones de emisión instrumental: en un tempo “flexible et hésitant (toujours fluide)”, que elude el rigor acentual, el ahogado timbre metálico del piano actúa como caja de resonancia para el clarinete y el saxofón, apremiados a emitir un “son rempli de souffle, très léger, en évitant à

tout moment une émission trop affirmée et pleine” en conjunción con los sonidos flautando del violín; la fragilidad del material (glissandi, trémolos, armónicos, mínimos movimientos descendentes semitonales) imposibilita una construcción melódica definitiva y explora las posibilidades expresivas de esos gestos tan fugaces como permanentes hasta los límites de su propia supervivencia. Germán Gan. Bacuum Bacuum es una obra para ensemble que se encuentra en un punto intermedio entre lo dionisíaco y el vacío absoluto, recreando una experiencia lúdica entre lo banal y lo trascendente. Algunos referentes filosóficos de la obra se hallan en las ideas de Erik Satie y John Cage, toda vez que diferentes influencias como el jazz, ciertas armonías procedentes del espectralismo, las raíces del primer atonalismo y las técnicas estocásticas se hallan unidas en el proceso de composición. Sombra del recuerdo Sombra del recuerdo pertenece a un conjunto de obras marcadas por un progresivo acercamiento al mundo poético de Miguel Hernández. Es evidente que un poeta «de la luz y la sombra» como Hernández no podía dejar indiferente a Voro García. Pero hay otras razones quizá menos visibles: desde la admiración por la personalidad humana y artística del poeta hasta la intensa sugestión que despierta en el compositor la sonoridad intrínseca de los versos hernandianos. No es casual que la mayoría de las piezas de Voro García inspiradas en Miguel Hernández estén concebidas para conjuntos instrumentales. Ni tampoco que la única excepción en este sentido –Hijo de la sombra y la luz, para barítono y orquesta– se caracterice precisamente por deconstruir la semántica del texto, trastocar su inteligibilidad y revertirla en un puro estudio fonético. En Sombra del recuerdo, los versos de Hernández –junto a otros de Valente y Borges- están presentes como citas localizadas en momentos clave de la

partitura: “Sigo en la sombra, lleno de luz”, “¿Existe el día?”, “Sombra con sombra, contra la sombra hasta que ruede a la desnuda vida creciente de la nada”, “No habrá nunca una puerta. Estás adentro…”, “No existe. Nada esperes…”, “Un día veremos al otro lado del sueño”, “Al otro lado de la sombra del sueño”, “Cruzo un desierto y su secreto”, “Hay una luz remota, sin embargo, y sé que no estoy solo;…”, “Yo creí que la luz era mía”, “Siento que sólo la sombra me alumbra. Sólo la sombra. Sin rastro. Sin cielo”. Estas indicaciones aparecen solo en la partitura y están dirigidas exclusivamente a los intérpretes. El oyente las ignora y, de conocerlas, tampoco adivinaría su ubicación a lo largo de la pieza. Se trata de simples sugerencias expresivas, puesto que la música no pretende en modo alguno ser la traducción sonora de unas imágenes poéticas concretas. Tanto es así que el epígrafe “Hay una luz remota, sin embargo, y sé que no estoy solo;…” hace referencia a un único compás; “No existe. Nada esperes” abarca dos compases, aunque el caso extremo es el de la cita “Al otro lado de la sombra del sueño”, que viene a coincidir con un silencio de nueve segundos. En los compases 27-32 (“Intimissimo. Molto calmo e meditativo”), llama la atención el parecido con una anterior sección de Nada queda al despertar (“Lontanissimo, molto misterioso”, c. 57-71). La semejanza no es casual. Es costumbre de Voro García reutilizar materiales que le han dado resultados satisfactorios, enriqueciéndolos de nuevas perspectivas, de acuerdo con el carácter artesanal de su manera de proceder. La arquitectura formal de Sombra del recuerdo muestra unas pautas dilatadas y abiertas, y el elemento tímbrico se somete a una decantación más pausada. Desde el centelleo inicial de los crótalos, el oyente está invitado a participar en una nueva oscilación vital entre luz y sombra. Stefano Russomanno.

para escapar a la inmovilidad de la muerte y alcanzar el Neter-Khert o Más Allá. La lectura de algunos de los sortilegios recogidos en El Libro de los Muertos, en los que se reflejan fórmulas para “Salir al Día” y sobre todo el propio concepto de Pri Em Hru, me sugirieron algunas ideas sobre la elección de los materiales musicales, así como sobre sus posibilidades de evolución temporal. Otro de los símbolos egipcios de la vida de ultratumba: La Pirámide de Khufu y en concreto la relación entre su base y su altura, fue utilizado para articular el discurso musical, organizando los diferentes materiales, sus desarrollos, transformaciones e interdependencias. En Pri Em Hru se refleja una lucha entre el estatismo y dinamismo del material musical, de forma que al percibir la obra desde su macroestructura, algunas secciones se caracterizan por una ausencia casi total de movimiento y otras por una gran movilidad. Sin embargo, al percibir la obra desde estratos más pequeños, se descubre que las secciones aparentemente estáticas son en realidad muy dinámicas y que las aparentemente dinámicas los son menos. Es un juego de movimiento y estatismo, tensión y distensión, direccionalidad y adireccionalidad, que muestra diferentes (y a primera vista antagónicos) medios que puede adoptar el sonido para escapar a la inmovilidad: para “Salir al Día”. Alberto Posadas

Pri Em Hru Pri Em Hru es la transliteración de un término del Antiguo Egipto que significa “Salir al Día”, en referencia a la facultad del difunto 49

Sección: Actual SÁBADO 17 DE MAYO 19.00 h / La Nau Paraninfo de la Universitat de València

Miquel Bernat, percusión

José Luis Castillo Yaga* (2014) 9’ Solo marimba Ricardo Climent Xi** (2012/13) 8’ Solo timbila con electrónica Fernando Villanueva Chaos Study* (2013) 5´ 30” Solo vibráfono e electrónica José Manuel López López Vibrazoyd** (2012/13/14) 18’ Solo vibráfono y electrónica Raphaël Cendo Scratch Data (2004) 10’ Pour Percussion et sons fixés

(*) Estreno mundial (**) Estreno en España 50

INTÉRPRETE Miquel Bernat Miquel Bernat, percusionista, es uno de los mayores dinamizadores de la escena internacional, contribuyendo fuertemente a la divulgación y solidificación de la percusión como medio artístico. Abarca en su trabajo, sea como director, profesor, compositor e intérprete, los mas diversos tipos de músicas que incluye la erudita, experimental con electrónica, popular y vernacular, interaccionando con diversas áreas artísticas. Estudió en los conservatorios de Valencia, Madrid, Bruselas, Roterdam y en el Aspen Summer Music Course, USA. Entre otros, fue laureado con el Premio Extraordinario Fin de Carrera del conservatorio de Madrid, con el 1er. Premio con Mención de Honor del Conservatorio de Bruselas, con el Premio Especial de Percusión del concurso Gaudeamus de Holanda en 1993, así como con el segundo premio del Aspen Nakamichi Competition. Músico de gran versatilidad, ha tocado con la Orquestra Ciutat de Barcelona y con la Royal Concertgebouw Orchestra de Amsterdam entre otras. Fue miembro del Duo Contemporain de Roterdam entre 1992-2003, y fundador y miembro activo de Ictus Ensemble de Bruselas, presentándose en variados espectáculos (en algunos tocando de solista) con la coreógrafa Anne Teresa de Keesrmaeker de la compañía Rosas en los espectáculos Just Before, Drumming Live, Rain, April Me y Steve Reich Evening. Otros espectáculos de danza contemporánea fueron Natural Strange Days de Roberto Olivan y Psappha com el Ballet Gulbenkian. Solista en incontables recitales a través del mundo, destacamos sus actuaciones de solista com la Orquesta de la Radio Television Española en el Warsaw Festival, con el MusikFabrik en el Teatro Central de Sevilla y museo Reina Sofía de Madrid , la Borusan Orchestra en el Istambul Festival, con la Orquesta de Cadaqués en el Palau de la Música de Barcelona, con la Orquestra Nacional do Porto, etc. estrenó y le fueron dedicados los Conciertos de Percusión de David del Puerto, César Camarero, Luis de Pablo, Mauricio Sotelo

COMPOSITORES e Joan Guinjoan, tocando como solista con la Orquesta de Cadaqués, Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orquesta Sinfónica de Murcia, Cyprus Symphony Orchestra, MusikFabrik, Remix Ensemble, Ictus Ensemble, Plural Ensemble, Projecto Guerrero, Barcelona 216 etc. Estrena en el IRCAM/Centre George Pompidou en París, Mantis Walk in a Metal Space de Javier Álvarez, primer concierto mundial de Steel Drums, Ensemble y Electrónica. Además destacamos su participación como solista junto al conceptuado barítono Spyros Sakkas en la música escénica Oresteia de Iannis Xenakis en festivales como Radio France de Montpellier, Estambul Festival, Cyprus Festival, etc. Su carrera como pedagogo pasa de profesor en los Conservatorios Superiores de Música de Roterdam y Bruselas. Desarrolla un intenso trabajo pedagógico en Portugal, creando el primer curso superior de Percussão de Portugal en la Escola Superior das Artes e Espectáculo do Porto, dando clases también en la Escola Professional de Música de Espinho y la Universidade de Aveiro. Actualmente es también profesor en la Escola Superior de Música de Catalunya de Barcelona. Ha sido invitado como profesor en los Summer Course de Darmstadt, en el El Sistema de Orquestras de Venezuela, el curso Instrumenta de Oaxaca en México, en CIVEBRA de Brasília y la UNICAMP de Campinas, entre otros. Funda en Porto o Drumming-GP, uno de los grupos de percusión más dinámicos de la escena y crítica internacional. Este grupo fue residente de Porto 2001 - Capital Europeia da Cultura, dirigiendo numerosos conciertos en Portugal, Francia, Bélgica, Alemania, Brasil, África do Sul y España. Está actualmente creando una colección de Estudios de Concerto para Marimba en estrecha colaboración con varios compositores para publicar en la Editorial Tritó de Barcelona en 2014. Miquel Bernat es un apasionado por la creación actual, así como, uno de los exponentes mas comprometidos con la expansión del arte de la percusión.

Miquel Bernat

José Luis Castillo

José Luis Castillo Es uno de los directores y compositores más destacados y activos en el panorama musical actual. Afincado en México desde 1997, inició en España sus estudios de composición, análisis y dirección de orquesta para continuarlos en Salzburgo, Luxemburgo y París con Manuel Galduf y Alexander Müllenbach. Su doble faceta de director y compositor le ha permitido ser considerado como uno de los especialistas en el repertorio moderno y contemporáneo, desde la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días. Castillo ha dirigido el estreno mundial de más de ciento cincuenta obras además de las primeras audiciones en Latinoamérica de algunos de los principales compositores de finales del siglo XX: Andriessen, Berio, Boulez, Donatoni, Francesconi, Gervasoni, Halffter, Manoury, Murail, Nishimura, Pesson, Rihm, Schuller, Trojahn, Xenakis y Zimmermann entre otros. Actual director del Centro de Experimentación y Producción de la Música Contemporánea (Cepromusic) y director musical de la Camerata de las Américas, ha dirigido en Alemania, Argentina, Austria, Canadá, España, Estados Unidos, Italia, Japón, Lituania, México, Polonia y parte de Latinoamérica. Fue director titular de la Orquesta Sinfónica de la 51

Universidad de Guanajuato. Como director de ópera ha dirigido desde Scarlatti hasta Sciarrino, pasando por Mozart, Donizetti, Verdi, Puccini, Falla, Britten o Dallapiccola con una decidida vocación hacia la ópera contemporánea. Ricardo Climent Ricardo Climent (Valencia, España) es compositor y desde 1997 investigador y docente en Novars, Research Centre for Electroacoustic Composition, Performance and Sound-Art, en la Universidad de Manchester, Reino Unido. Con anterioridad y durante una década lo fue del Sonic Arts Research Centre en la Queen’s University de Irlanda del Norte. Ha sido también residente en el Conservatorio de las Rosas (México), la Jove Orquestra de la Generalitat Valenciana, el Kunitachi Collegue of Music de Tokio, el lea del Conservatorio de Valencia y el Elektronisches Studio de la Universidad Técnica de Berlín. Su investigación se centra en áreas de composición aplicando nuevas tecnologías a la creación musical y su obra consiste en un abanico de géneros que van desde la composición para cinta sola, con énfasis en la difusión multicanal, a la composición instrumental o mixta, incluyendo colaboraciones en el ámbito interdisciplinar con áreas científicas o del arte. www.electro-acoustic.com Fernando Villanueva Fernando Villanueva nace en Ciudad Real en 1976. Inicia sus estudios musicales en su ciudad natal y los continúa posteriormente en Madrid. Entre 1995 y 2003, asiste con regularidad a los Cursos de Especialización Musical organizados por el Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares. Ha sido seleccionado en varias ocasiones para participar en el Encuentro de Composición INJUVE, donde ha podido trabajar con maestros como Mauricio Sotelo, Beat Furrer, Salvatore Sciarrino, Jesús Rueda, etc. Asimismo, ha sido seleccionado y becado por la Junta de Andalucía en los años 2003, 2004, 2006, 2007 y 2012 para participar como alumno activo en el Curso de Análisis y Composición de la Cátedra de Compo52

sición Manuel de Falla de Cádiz, donde trabajó con José María Sánchez Verdú, José Manuel López López, Jesús Rueda, Mauricio Sotelo y Martín Matalón. En 2007 es seleccionado para participar en el primer año del Cursus de Composición e Informática Musical del IRCAM (París), y en 2008 es seleccionado de nuevo para participar en el segundo año de dicho curso. Allí trabaja con compositores y profesores como Yan Maresz, Mikhail Malt, Jean Lochard, Emmanuel Jourdan, Philippe Hurel, Marco Stroppa, Philippe Manoury, etc. El proyecto final consistió en la composición de la obra Bukowski Madrigals, para voz, trío de cuerda y electrónica, interpretada por Donatienne MichelDansac y L’Instant Donné en el marco del Festival Agora en 2009. Ha recibido diversos encargos, entre los que destaca el realizado por el Auditorio Nacional para festejar su XX aniversario, o la Fundació ACA, con motivo del XXXI Encontre Internacional de Compositors en 2010. Sus obras han sido interpretadas por grupos como Court-Circuit, L’Itineraire, Taller Sonoro, L’Instant Donné, Ensemble Krater, Proyecto Guerrero, Plural Ensemble, Grupo Dhamar, Orquesta Iuventas, etc. Es profesor de Fundamentos de Composición en el Conservatorio Profesional de Música Marcos Redondo de Ciudad Real. José Manuel López López Estudió piano, composición y dirección de orquesta en el Conservatorio Superior de Música de Madrid. Se diplomó por la Universidad París VIII en 1989, de la que es profesor. Ha realizado el dea de Música y Musicología del siglo XX (ircam-ehess) y el curso de Composición Asistida por Ordenador del IRCAM (1991),y cursos de composición, música electrónica e informática musical con los compositores Boulez, De Pablo, Donatoni, Messiaen, Murail, Vaggione... Su música ha sido seleccionada en varias ocasiones para representar a España en la Tribuna Internacional de Compositores de la UNESCO, seleccionada por la Sociedad Internacional de Música Contemporánea y la Internacional Computer Music Conference, e interpretada en

José Manuel López López

los festivales más importantes. Ha recibido encargos de los Ministerios de Cultura español y francés, Fundación Caja de Madrid, Fundación Gulbenkian, ircam, Estudio Agon y Nuove Sincronie (Milán), Orquesta Nacional de España, Orquesta de Radio Francia, Tokio Sinfonietta (Japón)... En 1996 fue becado por la Asociation Francaise d’Action Artistique del Ministerio de Cultura Francés para un proyecto de composición en la Villa Kujoyama de Kyoto (Japón), y en 1997 por la Academia Española de Historia y Bellas Artes de Roma. En 2000 recibe el Premio Nacional del Música en España por su labor como compositor y por su obra Movimientos. Sus obras están publicadas por las editoriales BMG (Ricordi /Salabert), Transatlantiques y Henry Lemoine en París. Entre 2000 y 2003 residió en Bourgogne (Francia), en 2004 fue compositor invitado en la Cátedra Manuel de Falla de Cádiz. Recientemente ha sido nombrado catedrático de composición en el Conservatorio de Zaragoza. Es miembro de la Fundación Música de Hoy y del Colectivo de Compositores e Interpretes Música Presente en España y miembro de la Asociación Densité 93 en Francia. Raphaël Cendo Nacido en 1975, Raphaël Cendo estudió piano y composición en la Ecole Normal de Música de París, donde se graduó en 2000. Estudió en el Conservatorio Nacional Superior de París composición, análisis, orquestación y composición e informática musical en el IRCAM en 2006. Ha asistido a clases de Gaussin Allain, Brian Ferneyhough, Fausto Romitelli y Philippe Manoury. Ha escrito piezas para el Ensemble l’Itinéraire, la Orchestre

OBRAS National d’ Ille de France, Ensemble Intercontemporain, el Nouvel Ensemble Moderne, Les Percussions de Strasbourg, Orchestre Montreal Symphony, Ensemble Ictus, Ensemble Cairn, el Cuarteto Diotima, Ensemble Musikfabrik, Onsemble Alternance, Orquesta de la Radio de Munich y sus obras han sido interpretadas y dirigidas por Miquel Bernat, Alain Billard, Daniel Kawka, Jean Deroyer, Guillaume Bourgogne, Pascal Rophé, Peter Rundel, GeorgesÉlie Octors y Lorraine Vaillancourt. Su música se ha interpretado en eventos como: Lille, Capital Europea de la Cultura, en la Ópera de Lille, los conciertos Tremplin en el Centre Georges Pompidou , el Festival Mito en Milán, la Bienal de Venecia, el Festival de Radio France en Montpellier, el Festival de Vozesw nuevas de Royaumont, el Festival Présences de Radio France, Ars Musica de Bruselas, Festival de Música de Estrasburgo, Ferienkurse Darmstadt y el Festival de Donaueschingen. Rafael Cendo fue galardonado en 2007 con el premio Espoir (otorgado por la fundación Francisco y Mica Salabert) en el Concurso Internacional de Composición de la Orquesta Sinfónica de Montreal. En 2009, el Premio Pierre Cardin de la Academia de Bellas Artes y el Premio Hervé Dugardin SACEM ( 2011 ) . De 2009 a 2011, fue artista residente en la Académie de France en Roma (Villa Médicis). Imparte regularmente composición (Conservatorio de Nanterre, cursos de verano de Darmstadt, Nuevas voces Royaumont). Sus obras son publicadas por ediciones Billaudot (París) y Neue Musik Verlag ( Berlín). Raphaël Cendo vive y trabaja en Berlín. Raphaël Cendo

Xi (2012) para Timbila (marimba de Mozambique) y Electrónica. Xi explora las cualidades tímbricas y gesturales propias de la Timbila de mozambique más allá de su contexto cultural. Para ello incorpora aspectos idiomáticos del instrumento como son la repetición motívica y su peculiar afinación, a la vez que navega hacia territorios más experimentales mediante la incorporación de procesamiento electrónico de su naturaleza tímbrica. Xi magnifica el uso de los resonadores (la manzana Masala) y las baquetas, extiende el rango propio del instrumento y crea polirítmos en el instrumento solista (Mbila) que son propios de aquellos obtenidos en su contexto orquestal con Timbila. La estructura de la obra se inspira en la forma tradicional del Mzeno, el cual anuncia la proclamación de una figura prominente en la tribu (Xi). Xi es el resultado de dos años de colaboración con el percusionista Miquel Bernat, el cual junto con Drumming ha impulsado este proyecto que combina culturas africanas y europeas a través del instrument y la cultura del pueblo Chopi en el sur de Mozambique. Tras la adquisición y transporte de instrumentos originales de áfrica a su sede en Oporto, Miquel encargó obras para timbila a compositores occidentales (Jean-Luc Fafchamp, Ricardo Climent, George van Dam y Polo Vallejo) con el fin de construir un repertorio (incluyendo obras con electrónica) que pudiera dar nueva vida al instrumento, a la vez que reivindicar sus posibilidades de extinción, a pesar de estar reconocido como patrimonio intangible por la UNESCO. Climent desarrolló los primeros modelos de timbila virtual en 3D con sonido, los cuales han sido recreados profesionalmente por el grupo interdisciplinar Manusamo&Bzika, que incluye a la arquitecto Alena Mesarosova y al diseñador gráfico Manuel Ferrer. www.timbila.org Xi ha sido presentada en forma de concierto y ponencia en el Festival MANTIS (estreno), en M4M - Music 4 Media, Porto, en el Festival Internacional de Percussão Tomarimbando y proximamente en

xCoaX 2014 en Portugal. Climent y Bernat han presentado también ponencias o talleres sobre el instrument en el NOVARS Research Centre, en la facultad de antropología (Universidad de Manchester), en el Master Audiovisual de la Universidad Politecnica, en la Facultad de ingeniería en la Universidad de Porto y en Junio de 2014 presentarán los nuevos modelos 3D en concierto en el congreso xCoaX junto con Manusamo&Bzika. Chaos Study b, para vibráfono y electrónica (2013-14) Compuesto a petición de su dedicatario, Miquel Bernat, Chaos Study b* es, como su propio nombre indica, un estudio, tanto desde el punto de vista instrumental como, principalmente, compositivo. La idea de transformación, que recorre el estudio de principio a fin, opera sobre varios aspectos del discurso -textura, registro, gesto..., y esperamos que de forma bastante clara para el oyente-. La electrónica -además de presentar, ya al comienzo, el marco en el que se desenvuelve la pieza- toma materiales del vibráfono para generar, en primera instancia, una especie de sombra resonante de éste, si bien esta sombra acaba tomando una vida propia hasta el punto de conseguir una cierta independencia respecto de su propio origen. Al final, de nuevo sólo queda el marco que encontrábamos en el origen, si bien es posible apreciar que, en esta reaparición, también ese marco inicial se ha visto transformado. * La versión ‘a’ es para vibráfono solo.

VibraZoyd. Vibráfono y electrónica. Encargo de Art-Zoyd 2012. Centre Transfrontalier de Production et de Création Musicales. Asistente informática Musical: Robin Meier Como en obras anteriores, en VibraZoyd, dedicada a Gérard Hourbette y Monique Vialadieu he intentado explorar los laberintos del tiempo, y hacer cohabitar el paradigma ondulatorio tradicional que ha estado presente en los últimos siglos, con el paradigma granular, más actual y fácilmente modificable gracias a la 53

electrónica e informática musical. La obra profundiza en las técnicas de arco aplicadas a las láminas del vibráfono, cuyo resultado es un sonido muy muy próximo al de las ondas senoidales. La particularidad de esta obra reside en la explotación de estas técnicas, pero llevada al extremo, es decir utilizando en ocasiones cuatro arcos, en otras dos, en otras dos baquetas y dos arcos simultáneamente, e incluso al final de la obra un arco con baqueta de glissando, que produce un glissando sin ataque, muy diferente del resultado que se obtendría utilizando solamente las baquetas de glissando sin el arco. Como obra mixta que es, mi propósito en VibraZoyd ha sido mezclar y confundir sonidos electrónicos y sonidos instrumentales de forma que no se sepa quien es quien. Otra idea esencial es la utilización, gracias a la superposición de sonidos electrónicos y sonidos cuasi electrónicos del vibráfono, de los llamados sonidos diferenciales; sonidos que en realidad no existen, pero que nuestro cerebro construye por el hecho de simultanear dos formas de onda de frecuencias muy próximas entre si, por ejemplo un La de 440 hercios, junto a otro La de 446 hercios: nuestra percepción escucharía en este caso un ritmo virtual de 6 pulsaciones por segundo. Durante la primera y la última sección de la obra, cada nota o notas tocadas por el vibráfono en combinación con la electrónica, genera un ritmo de diferenciales distinto, que sitúo también en puntos distintos del espacio, para facilitar la escucha de la densa polifonía de alturas y ritmos que se generan. Más tarde, la interrelación entre frecuencias, se expande gracias a la FM (Modulación de Frecuencia), a la AM (Modulación de Amplitud) y por su puesto a la RM (Modulación en anillo), modelos de síntesis a través de los cuales, los sonidos del vibráfono son modulados por los sonidos electrónicos, produciendo los colores característicos de la síntesis electrónica. Una particularidad de esta sección es que los modelos de síntesis son realimentados, en función de la intensidad de ataque del vibráfono, lo 54

que imprime un carácter vivo al material electrónico pues se generan unos timbres característicos, pero cambiantes en cada interpretación, dado que los parámetros de la electrónica nunca varían, pero sí en cambio las intensidades, siempre relativas, variables y propias al percusionista que en cada ocasión interprete la obra. Tanto desde el punto de vista armónico, como formal , la obra esta basada en la nota más grave del instrumento, un Fa de 174,61 hercios, fundamental de un hipotético espectro, tanto de armónicos, como de tiempos, que son función de esta nota y sus correspondientes parciales. Sometida a sucesivas transposiciones hacia el grave esta nota genera una lenta pulsación, tan lenta que se percibe como forma más que como ritmo o altura. Exactamente lo mismo ocurre con el resto de armónicos de este Fa1, que en función de su situación en el registro asumen funciones múltiples como son la altura, la forma, la duración, el tempo o el timbre. En la zona central de la obra he desarrollado un tratamiento flexible del tiempo, pero controlado con extrema precisión, que hace que la pulsación se diluya al seguir un flujo orgánico que se expande y comprime de manera microscópica, como una red que mantiene su estructura, pero varía sin cesar su tensión. En la siguiente sección, previa al final de la obra, el tratamiento del tiempo toca sus límites en lo que a rapidez y densidad polifónica se refiere gracias a una escritura ágil y virtuosa del instrumento, simultaneada con un tratamiento granular del propio sonido del vibráfono producido en tiempo real por el ordenador. Esto genera unas capas de minúsculas partículas de tiempo y sonido, que muestran, como decía al inicio, algunos de los infinitos estados del tiempo. La obra de una duración de 17 minutos, está impregnada de un carácter místico y evocador comparable a un cristal de múltiples caras que multiplica y fragmenta la luz en infinitos reflejos celestes. En el caso del sonido, estos reflejos se convierten en ondas y texturas granulares instrumentales y electrónicas que nos rodean e hipnotizan.

El estreno de la obra tuvo lugar en el Instituto Cervantes de París el 23.01.2013 por Miquel Bernat. José Manuel López López París 30 de enero de 2013 Scratch Data (2002) Desarrolla un material único que se expone al principio de la pieza y que seguirá evolucionando y desarrollando en el tiempo. Formalizada en parte como Música abierta, estos distintos niveles de desarrollo, que salen del mismo material, están continuamente interrumpidos por los accidentes electrónicos que se van contraponiendo al discurso musical. Las repeticiones que se aprecian y deducen, son perturbaciones constantes que -a pesar de la velocidad- ralentizan el discurso. La electrónica es la sombra de la percusión, una pretensión extraña, un espejo deformante en el que el intérprete parece multiplicarse. Raphaël Cendo.

Sección: Actual SÁBADO 17 DE MAYO 20.30 h / EACC Espai d’Art Contemporani de Castelló

Víctor Trescolí, piano Toy Piano Project

Karlheinz Essl Whatever Shall Be 10´ Víctor Trescolí Sanz Lluvia 7´ Adrià Borredá Mens Sana in Corpore Sano 7´ Víctor Trescolí Sanz Sol 4´ Carlos D. Perales Three Liturgies 7’ Víctor Trescolí Sanz Viento 8´

INTÉRPRETE

Víctor Trescolí Sanz

Víctor Trescolí Sanz Víctor Trescolí Sanz, pianista con especial interés en presentar el repertorio tradicional así como el más actual dedicado al instrumento. Máster en interpretación por el Conservatorium van Amsterdam (CVA) y Máster por la Universitat Politècnica de València (UPV). Entre sus profesores se cuentan Brenno Ambrosini, David Kuyken, Hakon Austbo y Ralph van Raat. Galardonado por la fundación Jaques Vonk (Holanda) y becado por el IVM (Instituto Valenciano de la Música) y el Ministerio de Cultura, primer premio en el Concurso de Cámara de la Academia Valenciana de la Música. Víctor és pianista y director artístico de Grup Mixtour. A parte de recitales en solitario, Víctor ha colaborado con agrupaciones tales como Avlitria ensemble, CVA-New muziek ensemble (Harry Sparnaay), Espai Sonor, Alart quartet, 56

Sorolla ensemble, forma dúo con el pianista Xavier Torres y el violoncellista Josep Trescolí, y ha participado en Festival Punto de Encuentro, Nits d´Aielo i Art, Ensems, Off_Herzios, entre otros. En su labor investigadora Víctor presenta varios estudios, entre ellos destacan El Dies Irae en Rachmaninov, estudio sobre la interpretación de la Música Callada de Mompou (Silent Music: Federico Mompou’s Música Callada. CVA Research Symposium 2010, The Netherlands), Toy piano, juguete e instrumento (estudio sobre la historia, interpretación y repertorio para el piano de juguete). Víctor se interesa por el Toy piano (piano de juguete) con el que se adentra en un mundo desconocido y sorprendente. Su primera tarea es buscar y recopilar piezas originales escritas para este instrumento, llegando a recopilar multitud de obras de diferentes compo-

sitores, empezando por la primera pieza escrita, la conocida Suite for Toy piano de John Cage. Entre todos los proyectos realizados con el Toy piano, los estrenos propios y las numerosas colaboraciones con artistas sonoros y compositores, cabe destacar el proyecto monográfico sobre el compositor austríaco Karlheinz Essl, realizado en 2012 bajo el auspicio de la Universitat Politècnica de València UPV con el propio compositor, con obras para piano, Toy piano y live-electronics, proyecto que culmina en Not a Toy (Música para teclado de Karlheinz Essl) CD grabación editado en el sello Audiotalaia. En 2013 publica un disco ecléctico con música propia para pianos de juguete, bajo el sello Gadgad Music, bajo el título Toy piano project: Sons Petits.

OBRAS Toy piano project es el título que acoge todos los proyectos que Víctor realiza con los pianos de juguete, y donde desarrolla su faceta como compositor, a parte de como intérprete. La vida del piano de juguete empieza en el siglo XIX, ya que su aparición data de 1872; poca edad para un instrumento musical que se ha ganado un hueco entre los instrumentos mayores. El ejemplo más famoso es el de la Suite for Toy piano de John Cage, compuesta en 1948 para un espectáculo de danza llamado A Diversion, del coreógrafo Merce Cunningham y primera pieza oficial para el instrumento. En esta ocasión, el programa se enmarca en el uso de la electrónica, la cual amplia de forma grandilocuente las posibilidades del instrumento. Concierto que se describe con palabras que giran alrededor del los objetos y el paisaje, donde sorprende el mundo sonoro de estos juguetes ensalzados a la categoría de instrumento y que a priori parecen ser poco capaces. Como decía Marcel Duchamp, «pobres herramientas requieren grandes habilidades». Whatever Shall Be Que será, será es la melodía que inspira la forma de esta pieza. Con procesamiento de audio en vivo, hace uso de técnicas extendidas para piano de juguete y requiere el uso de elementos externos, que provocan que la pieza tome características ruidistas y de una gran variedad de timbres. El procesamiento de audio se realiza mediante Max, y ya es una de las obras referente en el mundo del Toy piano. Lluvia Para Toy piano, rain & some delays, esta pieza mezcla grabaciones de campo, con el procesamiento del audio en directo. La lluvia es el principal protagonista en esta pieza tan sugerente, que nos transporta a un lugar donde podemos incluso percibir el olor a tierra mojada… Mens sana in corpore sano Cada vez que me piden unas notas de programa me encuentro con una fastidiosa indecisión, con una sensación de

no ir hacia adelante ni hacia atrás. ¿Cómo hablar de la música que uno ha escrito sin arruinar la escucha -personal e intransferible- que cada espectador tendrá de la misma? ¿Qué sentido tiene que jo explique en un texto lo que se expresa musicalmente porque no sabría explicarlo de otra manera? Por otra parte, unas pocas palabras pueden efectivamente decir mucho sobre la música que se escucha. El título de esta pieza nació de una forma inesperada casi fue la primera cosa que me vino a la cabeza. Un psicoanalista diría que puse este título al final de una etapa de vital llena de estrés. Sea como sea, comparto con Víctor Trescolí el gusto por las cosas absurdas. Víctor me ha transmitido su pasión por este instrumento tan particular y a él le dedico Mens sana in corpore sano.

Viento Para Toy piano, wind & some reverb, así como su título indica, el viento es el elemento principal en esta pieza. En ella se intenta emular al mismo de muchas y diversas maneras, haciendo uso del piano de juguete de formas inverosímiles. El piano de juguete es la fuente sonora para que mediante software y grabaciones de campo, el sonido represente al viento en sus distintos estados. Una puerta de una ventana, unos pájaros que cantan, un reloj… son los únicos que nos hacen sentir que el tiempo pasa.

Sol Inspirada en una canción popular mediterránea llamada Sol, solet, para Toy piano y electrónica, con procesamiento del audio en vivo, mediante un programa escrito en MaxMsp, con la intención de transformar el sonido que procede del piano de juguete, dando la impresión de diferentes temperaturas con el uso de diferentes frecuencias. Desarrollar el contenido de forma que cambie totalmente y de forma inesperada el material original que inspira la pieza, transformando una simple melodía en una fuerte y poderosa sucesión de sonoridades que van y vienen. Three liturgies Para piano de juguete y electrónica fija, supone una mirada virtuosa sobre este peculiar instrumento. En esta obra, el piano de juguete adquiere un carácter ritual, en él, se plantean multitud de recursos simbólicos relacionados con los rituales sagrados: la planta de los templos sagrados, el número 2 y el 3, como símbolos de lo profano y lo sacro, la antífona, los arabescos y ornamentos de los objetos litúrgicos, la repetición como base de la fijación de dogmas, la apódosis tenaz, la aceptación indolente de textos exiguos, etc. 57

Sección: ¡Escucha esto! SÁBADO 17 DE MAYO 21.00 h / Teatro Principal

Llorenç Barber Banda Sinfónica La Artística de Buñol

I Andrés Valero-Castells (1973) Pentáfona (Saxsuite II, 2008-AV41b) 3’ Ramón Ramos Villanueva (1954-2012) Passacaglia (1991) 11’ Andrés Valero-Castells (1973) Interludio sobre un latido (Cardiofonía III, 2010-AV76) 2’20’’

Banda Sinfónica de la Sociedad Musical La Artística de Buñol Miquel Angel Marín, clarinete Montserrat Palacios, voz GEA (Grup Experiment Arts) Adolf Murillo, teléfonos móviles y sistema Soundcool Andrés Valero-Castells, director

Ramón Ramos Villanueva (1954-2012) En un vasto dominio (1995) 9’ II Llorenç Barber (1948) L’apoteosi de l’escolta(r). Siete situaciones de escucha para Banda y Teatro Principal* (*) Estreno absoluto. Encargo Ensems/CulturArts Música 58

INTÉRPRETES

Miguel Ángel Marín

Banda Sinfónica de la Sociedad Musical La Artística de Buñol

Banda Sinfónica de la Sociedad Musical La Artística de Buñol La Banda Sinfónica de la Sociedad Musical La Artística de Buñol tiene una historia de más de cien años, constando su origen en el año 1883 y está considerada como una de las mejores formaciones bandísticas a nivel mundial, es conocida popularmente con el sobrenombre de «Los Feos». Ha actuado en la práctica totalidad de la geografía española, así como en varios países de la comunidad europea: Francia, Austria, Holanda, Alemania, Bélgica y Suiza. A lo largo de su dilatada historia ha sido premiada en múltiples ocasionas en diversos certámenes, destacando entre otros muchos, los conseguidos en la sección especial A del certamen de Valencia de los años 1963, 1986, 1987, 1990, 1992, 1993 y 1995 en los que obtuvieron los máximos galardones. En Julio de 2001, obtuvo el Disco de Oro otorgado por la World Wind Music por haber vendido más de 20.000 CD´s de música de banda. Uno de los grandes hitos de la sociedad se logra en el año 2001, cuando en la Olimpiada Internacional Mundial de Kerkrade (Holanda), en su 50 Aniversario, se consiguen todos los grandes premios de este Certamen: Diploma Acreditativo del Primer Premio con la máxima puntuación de todas las bandas participantes, Timbal de Oro, Banda de Campeona del Mundo y Bandera a la máxima puntuación de banda.

Montserrat Palacios

En el año 2008 celebró el 125 Aniversario de su nacimiento. La Artística está en posesión de los premios Euterpe a la Participación Federal y a las mejores grabaciones de Música Valenciana con La Passió de Crist y La Vall de la Murta, concedidos por la Federación de Sociedades Musicales de la Comunidad Valenciana. Son directores de Honor de La S.M. La Artística: Enrique García Asensio, José Collado, Luis A. García Navarro, Pierre Kuijpers, Rafael Taléns y Alfred Reed. En calidad de directores invitados, la han dirigido batutas tan prestigiosas como las de José Cervera Lloret, José Ferríz, Vicente Más Quiles, Bernardo Adam Ferrero, Joham de Meij, Francisco Grau, Armando Balaguer, Norbert Nozy, Heinz Friesen, Pablo Sánchez Torrella y Rafael Martínez Lloréns. Su patrimonio discográfico es extensísimo, con 24 discos editados que cubren todo el panorama de música de Banda con la discográfica World Wind Music. En la actualidad y desde 1989, sus más de 160 músicos son dirigidos por el reconocido director holandés Henrie Adams, aunque dispone de 330 músicos federados para cualquier evento extraordinario en el que la Banda Sinfónica de la Sociedad Musical La Artística pueda participar. Miquel Àngel Marín Estudios de clarinete en la banda Espiga d’Or, de La Cava- Deltebre, con Antoni

Sebastià, en el Conservatori Superior Municipal de Barcelona, con Juli Panyella i en la Hochschule für Musik de Karlsruhe, Alemanya, con Wolfgang Meyer. En Karlsruhe trabaja la música actual y de cámara con Péter Eötvös, Thomas Indermühle y Zsolt Nagy. Estudios de Historia en la Universidad Central de Barcelona. Ha sido miembro de Dagoll Dagom (teatro musical), Orquestra de Cambra del Palau de la Música Catalana, Orquestrina la Mundial, Orquestra do Norte (Portugal)…y ha colaborado con las Orquestas Sinfónicas de Galicia, Filharmonia de Galicia, del Vallès i Orquestas de Cámara Filarmónica Checa, Catalana y Vila-Seca. Ha publicado los libros Lo clarinet és l’aixada (Cafè Central/Emboscall) y Música és enxampar mosques (Arola), escritos en parte durante los años de estudio en Alemania. Coordinador artístico del festival de artes experimentales Bouesia, en Deltebre (Tarragona, España) desde el año 2005. Montserrat Palacios Sus estudios musicales se diversifican en tres campos distintos: el canto, la antropología sonora y la musicoterapia humanista. Como cantante (Escuela Superior de Música de Bellas Artes, México) trabajó como soprano en el Coro Nacional de México, y actualmente incursiona en las técnicas de extended voice, 59

Andrés Valero-Castells

y de improvisación vocal interpretando obras de Cornelius Cardew, John Cage, Erik Satie, entre otros, y composiciones vocales y escénicas propias. Ha presentado su trabajo en el MACBA de Barcelona, el Marco de Vigo, L’excorchador de Elx, La casa encendida de Madrid, el CMMAS de México, y en diversos Festivales de Praga, Berlín y Austria. En el campo de la investigación realiza estudios de doctorado en Etnomusicología (Universidad de Valladolid) y es Licenciada en Etnomusicología (UNAM), miembro de la Society for Ethnomusicology, y miembro del Seminario de Semiología Musical de la UNAM. Como musicoterapeuta humanista, es miembro fundador del Instituto Europeo de Musicoterapia Humanista de España. Desde 2010 crea, concibe y dirige el espacio para las nuevas culturas y modos artísticos El cant del cantó. Es madre de dos hijos. El GEA (Grup Experiment Arts) de Adolf Murillo Adolf Murillo es un músico pedagogo para el que aprender es hacer, y hacer es practicar la pluralidad de todas las músicas posibles, cambiar los modos de escucha, colaborar en procesos y construcciones colectivas y concebir el aula de música como un modo de hacer visible el potencial creativo de los alumnos. El GEA, practica el Soundcool: un sistema de creación colaborativa en donde a través 60

Ramón Ramos

de los teléfonos móviles los alumnos músicos controlan, vía wifi los ordenadores, y construyen música en tiempo real. Es un proyecto de la UPV en pruebas, a través del trabajo profesoral de Adolf Murillo en el IES Arabista Ribera de Carcaixent. Andrés Valero-Castells Andrés Valero-Castells (Silla, 1973). Se forma en los CCSS de Valencia y Murcia, titulándose en 8 especialidades, con 4 Menciones de Honor y Premio Fin de Carrera en Composición. Han sido sus profesores más destacados Ramón Ramos, Leonardo Balada, Enrique García Asensio, Eduardo Cifre, Manuel Galduf, José Mª Vives, Vicent Campos, etc. Ha asistido a cursos de perfeccionamiento con Brian Ferneyhough, Jesús Rueda, José Manauel López, Cristóbal Halffter, Tomás Marco, Luis de Pablo, Manuel Hernández Silva, Pablo Sánchez Torrella, etc. Ha obtenido el Diploma de Estudios Avanzados (D.E.A.) por la Universidad Católica de Valencia. Desde 2004 ocupa una cátedra de composición en el Conservatorio Superior Joaquín Rodrigo de Valencia. Ha recibido premios y distinciones en Francia, Italia, EEUU y España. Sus obras se han interpretado en la mayor parte de Europa, EEUU, Argentina, Puerto Rico, Japón, Corea, Singapur, Hong Kong, etc. Ha recibido encargos de varias instituciones, así como de importantes conjuntos y solistas. Sus partituras están editadas en España, Fran-

cia, Suiza, y EEUU. En el terreno orquestal ha estrenado con las sinfónicas de Valencia, Galicia, Córdoba, Murcia, RTVE, Nacional de España, The World Orchestra, solistas del Covent Garden, Filarmónica de Medellín, etc. Sus trabajos para banda han sido interpretados por las mejores formaciones nacionales y prestigiosas bandas extranjeras. De su amplia discografía (realizada en España, Noruega, Francia, Suiza, Holanda, EEUU, y Japón) destacan los monográficos producidos por el IVM y la World Wind Music holandesa. Ha sido directivo de la Asociación de Compositores Sinfónicos Valencianos, compositor residente del Festival Internacional Spanish Brass (2005), y de la Joven Orquesta de la Generalitat Valenciana (2005-06). Ha sido Director Principal Invitado de la Orquesta y Banda Primitiva de Llíria, y fundador del ensemble Estudi Obert. Fue director de las bandas del CIM de Mislata, y de la SAM de Picassent. Actualmente dirige su banda, La Lírica de Silla. Como invitado ha dirigido entre otras formaciones, la Orquesta de Valencia, las Bandas Municipales de Valencia, Madrid, Barcelona, Alicante, A Coruña, Santiago de Compostela, etc., así como la banda de la FSMCV, y el Día de la Música Valenciana en dos ocasiones. Ha dirigido el estreno en España de la Sinfonía nº 2 de Leonardo Balada, Prayer de H. Mertens, Red Cape Tango de M. Daugherty, Estudi per l’intonazione del mare de Salvatore Sciarrino, para 210 músicos, (Ensems 2004), así como varios estrenos absolutos,

compositores

OBRAS

Llorenç Barber

destacando la ópera Narayantán de Rafael Mira (Ensems 2005), y la mayoría de sus obras. En el Ensems del año pasado dirigió el estreno en España de Accordo de Luciano Berio, para 4 bandas simultáneas. www.andresvalero.com Ramón Ramos Ramón Ramos (Alginet, 1954-2012) estudia en el Conservatorio de Valencia (violonchelo y piano). En 1972 se traslada a Alemania y en 1975 ingresa en el Robert Schumann-Institut de Dusseldorf para cursar estudios de composición y live electronic con el profesor Günther Becker. En 1980 asiste como becario al curso de Darmstadt, en el que trabaja con Brian Ferneyhoug, Gerald Grisey y Wolfgang Rhim. En 1978 y 1979 asiste en Witten a cursos con Mauricio Kagel, György Kurtag y György Ligeti. Fue catedrático de composición en el Conservatorio de Valencia. Falleció en marzo de 2012. Llorenç Barber Tras formarse con Chuliá, De Nueda, Báguena Soler y Amando Blanquer, acude reiteradas veces a Alemania (Darmstadt) en donde entra en contacto con Ligeti, Stockhausen, Kagel, Cage o los minimalismos (europeos, americanos, orientales, étnicos, etc.). Ubicado en Madrid desde 1971, se relacionará con ZAJ (Barce, Hidalgo, Marchetti), al tiempo que su compromiso con Valencia le llevará a dar vida a ACTUM (1973), a crear el Festival

ENSEMS(1979), o FLATUS VOCIS TRIO (1986), el primer grupo en nuestro país, dedicado a la práctica de las «músicas habladas». A fines de los años 80 comienza en la Vall d’Albaida, su tierra chica, sus intervenciones ciudadanas con bandas o campanas. Algo más tarde su primera Tauromaquia tendrá lugar en Alacant (1995). En los años 90, al tiempo que se expanden por el mundo sus conocidos CONCIERTOS DE CAMPANAS, o sus De Sol a Sol, traslada su festival madrileño Paralelo Madrid. Otras Músicas a nuestra tierra dando nacimiento al NITS D’AIELO I ART (1998) en donde los nuevos comportamientos artísticos y sonoros adquieren visibilidad entre nosotros. Es en NITS dónde crecerá el Congrés 100 AÑOS de Arte Sonoro Valenciano, o el Premi Cura Castillejo al Propositor més desaforat, primera distinción española a las músicas experimentales. En los años 2000, de nuevo en Valencia, concibe junto con Montserrat Palacios el proyecto EL CANT DEL CANTÓ (La Canyada, 2010) un espacio donde pedagogías, eventos singulares, la Festa de la Boca, o el CHAAS ( Centro Hispano Americano de Arte Sonoro) impulsan un vivir en compromiso con el vecindaje y el contexto. En este entorno nacerá, en colaboración con CULTURARTS, el proyecto AVENTURAS Y NUEVAS AVENTURAS, un ciclo extemporáneo donde presentar cuanto de inquietante crear nos bordee y roce.

Pentáfona Esta breve pieza es el 2º de los 4 tiempos que componen la obra Saxsuite, escrita por encargo del IVM para ser obra obligada en el XXX Certamen de Bandas de la Comunidad Valenciana. La citada suite procede del Cuarteto nº 2 (2001-AV41) para saxofones. El título (Pentáfona) revela su contenido sonoro, puesto que únicamente se utilizan 5 sonidos, que constituyen el V modo pentatónico sobre una tónica de mib, que a su vez coincide con el I modo pentatónico menor. Desde el inicio se presenta un sencillo tema articulado en 4 motivos, que se va presentando e imitando de todas las formas posibles, y convive con un 2º tema de características similares. Passacaglia Obra escrita en 1991 por encargo de la banda Maestro Gilabert de Aspe. Se trata de una obra compuesta sirviéndose de la técnica dodecafónica, y que además adopta una estética plenamente expresionista, pero que al mismo tiempo supone una mirada a ciertas fórmulas compositivas del pasado, tal y como su título sugiere. Algunos de los gestos musicales de esta obra la relacionan de lleno con uno de los trabajos más brillantes de Ramón Ramos, su concierto para violonchelo, y en cualquier caso supone un lujo en la literatura bandística valenciana, que si bien es muy extensa y variada, no contiene excesivos ejemplos de técnica tan depurada. Interludio sobre un latido Al igual que Pentáfona, esta pieza forma parte de una suite de 4 tiempos (Cardiofonía), también escrita por encargo del IVM para ser obra obligada en el XXXII Certamen de Bandas de la Comunidad Valenciana. Supone la descripción sónica de un latido humano, tomando su frecuencia rítmica normal (sístole arterial y ventricular, y diástole), sugiriendo además todo tipo de irregularidades (taquicardia, fibrilación, bradicardia, etc.) a través de distintas polirritmias. El carácter conceptual de la pieza queda reforzado por la división espacial de la banda en 4 grupos 61

que van bombeando sonido tal cual lo haría un corazón con la sangre. En un vasto dominio Obra escrita en Alginet, población natal de Ramón Ramos, en 1995. El título hace referencia al libro más extenso escrito por el genial poeta Vicente Alexandre en 1962, del que se sirve el compositor como fuente de inspiración. Esta obra comparte con Passacaglia ciertos recursos técnicos, pero podríamos afirmar que por una parte es más exigente y ambiciosa y al mismo tiempo más libre que su predecesora. Destaca el uso del ritmo y el contrapunto, así como el tratamiento exquisito de la sección de percusión; en el apartado puramente técnico, destaca el uso de tritono como elemento melódico esencial en la configuración temática y las escalas de tonos enteros. Andrés Valero-Castells Notas ante la composición de L’apoteosi de l’escolta(r). Siete situaciones de escucha para Banda y Teatro Principal Andaba escribiendo una composición de concierto de ciudad para la muy teresiana Alba de Tormes cuando llegó la invitación de participar en el ENSEMS. A lo largo de la conversación telefónica, entre consideraciones de cariz poco halagüeñas sobre el presente de las músicas llamadas ‘contemporáneas’ ya consuetudinarias en Cerveró, éste me sugería escribir algo para piano de juguete, o hacer un pequeño taller para alumnos de composición. Por mi parte, yo daba rienda suelta a mi imaginación con la vieja idea de conformar una nueva versión ampliada de música del “género balcón”, iluminando toda una calle del viejo barrio de Velluters mediante el poblar con bien armados músicos algunos de sus balcones, mientras los escuchas/paseantes deambulan por el asfalto, eso sí, aurículas en ristre. Y fue aquí donde apareció la posibilidad de hacer algo para banda, pues el bueno de Joan andaba tramando algo para ‘los feos’ de Buñol que, en esta ocasión, estarían dirigidos por mi amigo y colaborador 62

Andrés Valero. Para más inri, a estas dos suculentas circunstancias se sumaba una tercera que para mí añadía un plus inconmensurable: el estreno iba a tener lugar en nuestro Teatro Principal. Inmediatamente entré en entusiasmos y no hubo duda alguna a pesar de la cercanía de la fecha, y de la primavera tan repleta, en mi calendario de este año, de viajes y compromisos musicales otros. Una banda es siempre algo más que un instrumento plurihumano, disciplinado y capaz de leer - marchando - una partitura. Sonar para ellos es algo más que soplar, golpear o rascar, es un presentar hasta sus más íntimos detalles un manifiesto constituido todo él de sonidos/ gestos/pasos y/o silencios. Un lanzarnos fuera de nosotros mismos y un expandir expresivo que puede afectar y mover el universo mundo en su totalidad. Por otro lado un teatro como nuestro Principal es todo un galimatías de alturas, pasillos, recovecos, escaleras y hasta rincones y paraísos a ser desvelados mediante una suma de escuchas cada una de ellas con su aquel de singularidad y complementariedad a poner en acto. Todo un reto, en estos tiempos turbios en dónde no cabe molicie alguna. Una de las primeras consideraciones que me invadieron hasta la obsesión en el arranque de este proyecto fue la evidencia de que a la banda hasta el día de hoy, se le escurren una enormidad de posibilidades simplemente porque nadie se detiene en proponerles situaciones interpretativas expansivas, laterales, accionales y/o gestuales tan sólo porque de bandas se trata. Para los que estamos cerca tan sólo, a veces, cuando la banda, se encuentra en situación de reposo, preparación, relax o broma se dan atisbos, fragmentos y hasta gavillas de situaciones fortuitas e impronunciables, que luego – uniformados – y ante un público se es incapaz de reproducir con la eficacia y contundencia como en esas (des)composiciones de suelto, desparramado, ensimismamiento. Y es por ahí por dónde yo quería comenzar: planteando una serie de situaciones bien concretas, pero a su aire, a su devenir, algo

(o mucho) ajenas – hasta dónde posible fuere – a la situación ‘concierto’. Para conseguir algo así habrá que entrar - con cuidada antelación - en consideraciones previas que nos preparen adecuadamente para zambullirnos en la ocupación de un teatro de anchos espacios, todos ellos habitados hoy, por un pasado todavía reverberante, condensado y hasta convertido en fantasmales esculturas de aires y memorias. Aceptando lo inevitable, trataremos de salirnos de lo aprendido planteándonos juntos todo un cúmulo de cuestiones como estas: ¿somos o no un ‘playground’ todavía útil y capaz de revolverse, disturbar y hasta reinventarse a partir del rol en que se nos encasilla?, ¿podemos desde ahí todavía apropiarnos de nuevos modos y materiales? Y si ello es posible ¿alcanzaremos a interrogar la actualidad de lo que todavía entendemos y practicamos como lo procesional y celebrativo, lo festivo, lo concertístico (sonoro, performativo, virtuoso y escénico)? ¿Estamos o no todavía a tiempo de reivindicar para nosotros el descubrir las posibilidades de un nuevo vivir, partiendo – eso sí – de la fragmentación y dispersión de los deshechos de lo que queda? Por lo que a mí concierne queda claro que lo que entendemos todavía por banda tiene por delante mucho campo por ganar, mucho terreno que ocupar, muchas intensidades que practicar invadiendo campos expandidos y profundizando y repensándose a partir de ahí, esto es, explorando su grupal, disciplinado y muchas veces andariego sonar, ocupando el espacio público (sea este el cogollo de la ceremonia, el baile o el transeúnte ir de un lugar a otro, bien erguidos y sonantes, etc.), el espacio escénico, el educativo o el investigador, performativo y/o camerístico. Y todo ello en un constante inquirir: ¿reproducimos modelos de comportamiento jerárquicos, encorsetados y obsoletos, o somos todavía capaces de generar otra escucha y otra socialidad, más abierta, comprehensiva, sea sonando a solas – como banda y basta – sea en conjunción con otros estímulos y artes tales como las que proporcionan las imágenes proyectadas, los cuerpos en

acción y danza, los instrumentos inusuales o de tecnología punta, o las situaciones para nosotros todavía inexploradas? Porque, no lo olvidemos, vivimos ya en un mundo sonoro en el que quienes crean, más que dedicarse a componer partituras que demandan ser escuchadas pasiva y contemplativamente, se esfuerzan por crear o ‘componer’ y presentar al oidor unas situaciones de escucha, singulares y hasta inusitadas. Por ello es por lo que postulamos otra escucha, un atender in extenso el entorno sónico y/o silencioso, deviniendo oidores implicados, vivos y movilizados. Pero las cosas no acaban ahí porque al igual que el instrumentista del sonar del hoy está implicado en el son, (todo él puro ‘drama’ emancipado ya del ‘auctor’ de repertorio y formatos cerrados), el oidor que el llamado Arte Sonoro (ya no com/ puesto) postula, ha de ser sustraído a toda actitud distante y pasiva. Ha de ser arrastrado al círculo mágico del escuchante en posesión de sus plenas energías vitales. Unos y otros, han de afinar su escucha – con el tono y avatares del no tan frágil son – deviniendo así cuerpo activo concurrente, que pone en acto su principio vital. Todos constituyen - cada quién a su modo - asamblea ceremonial que conforma situaciones diversas en posesión de sus propias energías. Una situación de escucha es, pues, un dispositivo que convirtiendo al escucha en agente de una práctica colectiva, desvela matices singulares del sonar. Y en esto consistirá esta ‘Apoteósis’, en proveer a estos agentes/oidores de un remolino de acciones sónicas (y a veces accionales o cinéticas), que les haga salir de su posición de meros espectadores (recordad a Guy Debord y su crítica del desposeimiento que el espectáculo conlleva) hasta arrastrarles a la acción. Posición a posición. Cada situación propuesta exigirá una posición específica al ‘interprete’, y una disposición igualmente distinta y mutante al agente/oidor. Es por ello que el Teatro Principal devendrá para cada quién un aeropuerto de recorridos y estancias bien comunicadas y franqueadas en direccio-

nes y velocidades distintas que muchas veces generan ecolalias, emisiones y hasta roces o lejanías de distancias bien singulares. Igual que la escucha no es algo ni continuo ni estático, tampoco lo es la emisión/ recepción. Y esa diversidad/y/hasta/ desencuentro posible de a) y de b), genera situaciones bien mixtas y mestizas. Y todas ellas entran aquí en amable consideración, discusión, contraste, continuación y hasta superposición. Se acabó pues con la escucha pasiva, inmóvil, frontal, rectilínea, sucesiva y escanciada de modo regular. Todas las irregularidades, acumules o vacíos, movilidades o escarceos son aquí - en esta selva/aeropuerto - bienvenidos. También todas las suspicacias, todas las sospechas, pues todo oír es un pasearse por un mundo de bordes y roces, un oír-que-construye instituyendo, no aceptando adormiladamente, pues certeza, tradición y hasta estilo dejaron de ser incuestionables. Nos queda el tropezón, el pescar al vuelo, el devenir, el avatar. El gran místico/músico que fue Giacinto Scelsi decía: “si oyes el ahora, oyes la eternidad”. Una eternidad descolocada, con caminos inesperados, moteada toda ella de variaciones y repeticiones que nos pueden o no, adentrar en el corazón del misterio, un enigma, que siempre anida en los bordes, ahí donde la nota deja de serlo para devenir apoyo del infinito. Es por ello que a veces, la banda sonará con sus ejercitados dedos entre guantes de fino latex, para alterar cuidadosamente su sensibilidad táctil, o acudirá a la respiración canina o grupal cribando así cotidianidades y virtuosismos que conducen mil veces al lugar común. O se saldrá a la calle, (ahí dónde la vida arrasa las convenciones todas, ridiculiza las estancias y sus sillones) para mostrar su urgencia imposible por agarrase a una Euridice ausente. Los espectadores, convertidos aquí en agentes/oidores, de seguro que en cada transición, desdibuje o corte, sabrán qué postura, actitud, y hasta recorrido hay que tomar sin que nadie se lo diga. En efecto, un Teatro como este, tan Principal, es como una ciudad: un complejo entrama-

do de calles, plazas, paredes, escaleras, vacíos y salidas en bifurcación posible que pueden y deben ser recorridos en cualquier dirección, sentido, velocidad y transcurso temporal. Constituye todo él un complejo galimatías que posibilitan lo que mi amigo, el musicólogo Daniel Charles, llamaba “la escucha aeropuerto”. Para ello, para ejercitar esta escucha omnidireccional, tan sólo se les pide (o sugiere) una cosa: franquear el abismo que separa la actividad de la pasividad. Hay pues en esta aclamación de la escucha extendida un postulado implícito: cada quien tiene la escucha que se merece, o que merece su intuición, su reparto del tiempo/espacio en esa móvil actividad, y/o su suerte. A la postre, tras la apoteosis, cada quién se llevará consigo ‘su’ ración, una ración tan solo en parte coincidente con la escucha de su vecino quien tuvo iniciativas e incidencias y disfrutes divergentes en cuanto a lugar y tiempo a las de un tercer o un cuarto agente equis. Es a ese desigual repartirse lo escuchado a lo que el filosofo francés Jacques Rancière, (en el ensayo El espectador emancipado) llama “reparto de lo sensible”, o “partage du sensible”. Un reparto que no viene aquí descendiendo desde un hipotético compositor y que un disciplinado intérprete transmite inspirando así a un oidor pasivo, sino que, por el contrario, aquí todo, todo, es ida y vuelta, pues todo enriquecimiento nace de un roce, una decisión, un toque, muy de cada quien, y todo en esta “Apoteosis” se quiere agente alternador y hasta trastorne de sentidos múltiples que generan de por sí todo tipo de aventuras y asignaciones nunca ni siquiera previstas o intuidas en guión o partitura alguna. Suerte, oído y al toro, pues. La Canyada, 27 de abril de 2014 Llorenç Barber

Sección: Electro SÁBADO 17 DE MAYO 23.00 h / Café Rialto

Íñigo Ugarteburu For the Unknow

Audio inigougarteburu.bandcamp.com Video www.frequency.com/video/433-cafpresents-iigougarteburu-at/155734942/-/5-2411220

INTÉRPRETE

Iñigo Ugarteburu. Foto: Arash Fattahi

Iñigo Ugarteburu Las composiciones de Íñigo juegan con silencios, texturas rítmicas, estructuras minimalistas y tenues retales de electroacústica, creando un misterioso y onírico universo aparte en el que se mezclan tradición y modernidad. Nacido en Zarauz (Guipúzcoa, España) en 1979. Actualmente reside en Londres, en su sello discográfico Talo Recordings, publica series limitadas en vinilo y dvd de

trabajos sonoros o de investigación sonora Miembro del colectivo vasco Arto Artian. Festivales: Substrata Festival, Sonar Festival, ERTZ. Workshops: Toshimaru Nakamura, Eddie Prevost, Fennesz, TV Pow, Oren Ambarchi, Keith Rowe, Ilios, Gabriel Paiuk. Bandas Sonoras e Instalaciones: Homing Película Cine-Danza dirigida por Xabier Iriondo - http://filmotive.com/ ficcion/homing/ (2014).

Piezas de Juanan Eguiguren Akerra http://vimeo.com/72914959 y Txakurra http://vimeo.com/72916354 (2012). Instalaciones de Xabier Iriondo Sin título, para La Cárcel – Segovia Centro de Creación (2011) y Memento Mori (2010). Actualmente trabajando en su tercer disco en solitario, el siguiente disco de Carcáscara, y con el ilustrador Craig Stewart para un proyecto audiovisual.

ENCUENTROS

MIÉRCOLES, 14 DE MAYO 12.00 a 13.30 h

Conservatorio Superior de Música Óscar Esplá de Alicante

JUEVES, 15 DE MAYO 12.00 a 13.30 h Conservatorio Superior de Música Joaquín Rodrigo de Valencia

Clase de Lars Graaugard

Música e imagen, música y tecnología Lars Graugaard El compositor danés Lars Graugaard obtuvo el título superior de flauta en la Real Academia Danesa de Música y el de doctor en música interactiva e interpretación por la Universidad de Oxford Brookes en Inglaterra. Como receptor de numerosas becas y encargos, su música se interpreta regularmente en Europa, América, Asia y Australia. Actualmente es compositor residente del Grup Instrumental de València, apoyado en parte por una beca de 18 meses de la Fundación Danesa de las Artes. Desde 2010 ha ocupado un puesto permanente como artista visitante de la Steinhardt School en la Universidad de Nueva York y es director del festival de artes digitales con sede en Copenhague. Lars compone para todas las combinaciones instrumentales y vocales y tiene en su haber más de 180 obras. En sus conciertos de los últimos cinco años ha sustituido gradualmente la flauta por el ordenador portátil, explorando la música en tiempo real e interactiva con improvisadores e intérpretes de partituras que se mueven entre la música contemporánea, el jazz y derivados de estilos electrónicos urbanos. Lars Graugaard se encuentra a gusto en salas de conciertos, festivales y clubes; para todos ellos ha desarrollado métodos de composición que tienen en cuenta las estrategias de escucha comunes que son profundas, pero que no tienen necesariamente que ver con el conocimiento estructural explícito.