Ventana Latina Abril 2015

VENTANA LATINA LONDRES ABRIL 2015 U N A

P U B L I C A C I Ó N

D E

L A

C A S A

ESPECIAL HÍBRIDOS

PORTADA: © ANTONIO BRICEÑO

L A T I N O A M E R I C A N A

VENTANA LATINA, ABRIL 2015

CONTENIDO

EN ESTA EDICIÓN: Palabras: Editorial: Mundo Híbrido (pág. 1) ESPECIAL HÍBRIDOS: La crónica literaria: un género híbrido por excelencia (pág. 2) Hibridaciones en el arte contemporáneo mexicano (pág. 5) Entrevista a XAVO (Javier Baliña) (pág. 8) El Chache y la Jara: Zumo de pomelo por fuerza mayor (pág. 10) La Latina Comedia: De mulas y una que otra bestia híbrida (pág.12 )

Tres poemas de Orlando Granda (pág. 19) Mundo Shakespeare… o de la Omnipresencia de los Clásicos (pág. 22) Fotografía: Diez preguntas con el fotógrafo Antonio Briceño (pág. 24) Cine latino: “NO”, donde la ficción se funde con el documental en la estrategia publicitaria que arrancó a Pinochet del poder (pág. 27) Club del libro: Coronel Lágrimas de Carlos Fonseca Suárez (pág. 29) Perfiles: Camilo Menjura, un incansable explorador (pág. 30)

Entrevista:

Voces Latinas: A votar en las elecciones del 7 de mayo en el Reino Unido (pág. 31)

Entrevista con Christian Gil: Seré Memoria y la historia de una fuga (pág. 14)

Festival de Música Latina “La Línea” (pág. 32)

Diseño latinoamericano en Londres: en conversación con Liliana Ovalle (pág. 16)

Mi Historia: Tania Delgado: Soy de la ciudad de México (pág. 34) Sabor británico: Empanadas de atún (pág. 38)

EQUIPO VENTANA LATINA Adriana Maldonado, directora y editora general, adrianamaldonado@ventanalatina.co.uk. Tania Farías, redactora y Guía Cultural, taniafarias@ventanalatina.co.uk. María Oliveira, revisión de textos y estilo. Verónica Sanchis, Fotografía Latina, veronicasanchis@ventanalatina.co.uk. Jessica Sequeira, English Blog, jessicasequeira@ventanalatina.co.uk.

Marilyne Buda, redactora y corresponsal en París, marilynebuda@ventanalatina.co.uk. Jimena Gorráez, redactora, jimenagorraez@ventanalatina.co.uk. Lluvia Almada, redactora encargada de Sabor Británico, Belen Pozzo, Arte latinoamericano, belenpozzo@ventanalatina.co.uk, Ellen Donnison, redacción y traducción, Danila Bragagnini, redactora, danila.bragagnini@ventanalatina.co.uk. Lucia Nieto, redactora y maquetación, lucia.nieto.maestre@ventanalatina.co.uk.

Ventana Latina es una publicación independiente de la Casa Latinoamericana (Latin American House). Todos los artículos, columnas y entrevistas publicadas son responsabilidad de sus autores(as) y no reflejan obligatoriamente la opinión de Latin American House así como de la directora de Ventana Latina. Se prohíbe la reproducción total o parcial de la información e imágenes contenidas en la publicación sin previa autorización.

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EDITORIAL

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Mundo Híbrido

En general, híbrido quiere decir que está compuesto por dos o más elementos de distinta naturaleza. Si uno busca el lado etimológico, encuentra que la palabra tiene raíces griegas y latinas, una mezcla de bastardo, de sangre mezclada, mula y soberbia.

Hoy en día la palabra híbrido, híbrida, se utiliza para todo: para las artes, la literatura, la gastronomía, la ciencia, la tecnología, etc. Pareciera que a medida que pasa el tiempo nuestras sociedades y culturas se van hibridando más y más. Y así como ellas van cambiando, va cambiando su identidad, que ya no es la identidad de hace 50 años, la de hace 20, incluso la de hace 5 años. La identidad parece irse fusionando con elementos que la enriquecen, o en algunos casos la dañan. Ya pocos hablan de razas, somos híbridos, naciones híbridas, un mundo híbrido.

Nuestra edición de abril trae algunos ejemplos de

híbridos, en la literatura y el arte, así como también a lo largo de las secciones, verán como en realidad es difícil no encajar en esa descripción de híbrido. La intención es simplemente reflexionar un poco sobre esto.

Esperamos escuchar de ustedes. Mándenos artículos sobre híbridos, estaremos felices de leerles y publicarles.

Desde una de las capitales más híbridas del planeta, les deseamos un feliz abril,

Adriana Maldonado Directora de Ventana Latina

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ESPECIAL HÍBRIDOS

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La crónica literaria: un género híbrido por excelencia Por Carolina Navarrete

En el conocido libro Culturas híbridas, del antropólogo argentino Néstor García Canclini, se propone una lectura de la post-modernidad latinoamericana a partir del concepto de hibridación que el autor comprende como un proceso de intersección y de transacción. Es decir, es mezcla, mestizaje, revoltijo, lo contrario de lo puro. Para García Canclini, la matriz cultural de hoy respondería a procesos híbridos mucho más acordes a la era de la globalización y de multiculturalidad.

Si retomamos la noción acuñada por el antropólogo podemos afirmar, de cierta manera, que nuestra América desde sus orígenes ha sido un lugar híbrido por excelencia, pues se reúnen y entran en simbiosis los diversos elementos que la componen. Desde nuestro mestizaje corporal (español, indio y africano), pasando por nuestras lenguas (vernaculares e hispanas) hasta nuestras letras (europeas y nacionales). A partir de esta hibridación, que podríamos denominar constitutiva, nos construimos y creamos. Por eso, no es de extrañar que uno de los géneros literarios más híbridos haya nacido justamente en América: la crónica literaria.

Sucintamente, la crónica literaria la podríamos definir como aquellos relatos cuya temática central es la vida cotidiana de las ciudades y sus habitantes. Su objetivo es revelar aquello que el transeúnte común no percibe o no logra distinguir en/de su realidad.

Generalmente escrita en primera persona a partir de vagabundeos o flâneries por la urbe, retraza los hechos contemplados de manera cronológica o causal a modo de un investigador, introduciendo reflexiones subjetivas sobre la realidad descrita. Su lenguaje suele ser denodado y estético. Su difusión se hace mayoritariamente en periódicos y revistas. Grandes cronistas ha tenido el continente, como José Marti, Manuel Gutierrez Najera, y los más actuales Carlos Monsivais, Elena Poniatowska, y Pedro Lemebel, solo por nombrar algunos.

Rubén Darío

La hibridez de la crónica se encuentra justamente en

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esa intersección entre discurso periodístico, anclado en el referente, y el literario, sujeto a la ficción, en esa forma de pertenecer a ambos y a ninguno, de hacer de la realidad su fin, pero modificándola, estetizándola a través del lenguaje. Es decir, ella es punto de inflexión entre ambas formas genéricas, como señala la especialista Susana Rotker. Esta característica mestiza de la crónica tiene su origen, así como América Latina, en sus inicios con los escritos de los conquistadores.

Los primeros textos que nacen en el Nuevo Mundo, tenían por objeto instaurar referentes sobre el nuevo espacio en que se encontraban los colonizadores, aspirando a hacer la Historia de este territorio, relatando los acontecimientos acaecidos por el orden en que éstos iban sucediendo. De esta manera, el concepto que se manejaba aludía a una “exposición cronológica de sucesos históricos”.

Si bien al principio los conquistadores-soldadosescritores, que hacían su oficio sin una real preocupación literaria y más bien respondiendo a criterios de espontaneidad descriptiva, cumplieron con su función, a lo largo del tiempo fueron reemplazados u obligados a coexistir con diferentes hombres de letras. Las diversas topologías humanistas producen no solamente nuevas texturas de escritura, sino divergencias en las posturas frente a los hechos del Nuevo Mundo. Tal es el caso de los historiadores humanistas, quienes introducen en sus relatos constantes comparaciones con la Antigüedad; o el caso de los historiadores eclesiásticos quienes adoptan, contadas veces, una posición crítica frente al discurso del conquistador.

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La segunda etapa de la crónica es la acontecida en el siglo XIX con la llegada de la modernidad a la ciudades latinoamericanas. La consolidación de los estados nacionales, el crecimiento de las metrópolis, la llegada de los avances tecnológicos como el ferrocarril o la electricidad y el desarrollo de la prensa fueron terreno fértil para que los escritores sintieran la necesidad o la urgencia de atrapar la fugacidad de estos cambios. A esto hay que añadir que muchos de los escritores finiseculares, burgueses en su mayoría, no podían vivir solo de sus textos, con lo cual el oficio de periodista emerge como una posibilidad. De esta manera, se puede afirmar que uno de los factores que permitió el desarrollo de la crónica moderna fue la inserción del escritor al trabajo. Éste al encontrarse sin un mecenas que financiara sus obras, debió procurarse un metier que le garantizase un sustento. Así, los periódicos se vuelven lugar de intersección o de encuentro entre la labor de escritor y la profesión periodística.

La crónica es el laboratorio de ensayo de estilo modernista –como diría Rubén Darío-, es el lugar en donde se transforma la escritura, el espacio de propagación y transmisión de una sensibilidad y de

Asentados los conquistadores y colonizadores, aparecen los verdaderos historiadores. Así mismo, se incorporan los indios y mestizos como hacedores de discursos y se institucionaliza la presencia del cronista cosmógrafo.

Desde este proceso de transacción de saberes de conquistadores-soldados, historiadores, mestizos y hombres de letras se podría determinar su condición híbrida originaria.

Pedro Lemebel, fotografía de Sebastián Tapia

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ceremonial de la narrativa”, y los procesos políticossociales del continente, como las dictaduras y la preeminencia del sistema neoliberal. Estos tres factores convergen en la crónica, contaminándola o más bien metamorfoseándola.

una forma de entender lo literario que está íntimamente relacionado con la belleza y con la elección consciente de un lenguaje con el cómo se ha verbalizado el discurso. Es el trabajo por medio de las imágenes sensoriales, símbolos, con las mezclas entre lo propio y lo extranjero, de los estilos, de las artes, de los géneros. Este género nuevo, que debía presentar un alto grado de referencialidad y actualidad, sobrevivió gracias a esta voluntad estetizante, puesto que (la historia) una vez que los hechos narrados y su cercanía pierden toda significación inmediata se desvalorizan, siendo capaz de revelar el valor textual en toda su autonomía.

Este segundo momento de la crónica en el cual se transan las profesiones marcaría la segunda hibridación del género.

Un tercer momento de la crónica, y de su proceso híbrido, lo podríamos situar a mediados del siglo XX. Está marcado por tres elementos: la explosión del mundo de las comunicaciones y los mass media, los cambios en la manera de hacer periodismo proveniente del New journalism, que preconizaba la investidura de las informaciones bajo un “ropaje

Esta nueva crónica participa en una nueva forma de analizar el mundo, es más sofisticada e ingeniosa como el propio contexto que se dibuja. Por eso, utiliza herramientas de diferentes disciplinas como la sicología, antropología o filosofía. Describe y desnuda la realidad, incluso aquella que por diversos motivos escapa a la pupila del espectador. En ella se instaura un mandato fundamental: “el lector no podrá evadirse, pues el cronista le habla de manera confidencial y cómplice”. De esta manera, el género “se erige en documento, ejercicio sano-terapia- de un sujeto literario que no quiere olvidar, ni que olvidemos”. La mirada crítica (mirona o testigo) se funde con la propia experiencia y con la subjetividad, dando como resultado un tejido que organiza y disecciona los acontecimientos bajo una pluma multiforme: lírica, lúdica, irónica, transgresora y subversiva, al minar la realidad-objetiva de lo que se traza.

La crónica contemporánea latinoamericana le da cabida a todas las temáticas, géneros y voces. Ella es “revoltijo” “impureza” y sobre todo espacio de hibridación. Solo basta con leer los textos del, ya citado, Carlos Monsivais como Días de guardar (1971) o Aires de familia (2000) y por supuesto, las antologías de Pedro Lemebel desde La esquina es mi corazón (1995) hasta Háblame de amores (2013). Todos estos relatos intersectan otros géneros literarios, saberes disciplinares y manifestaciones artísticas (Lemebel introduce en sus crónicas fotografías, panfletos, letras de canciones), y por supuesto, otras maneras de pensar.

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Hibridaciones en el arte contemporáneo mexicano Manuel Velázquez * La hibridación en el arte permite a los artistas hablar del pasado como un acontecimiento íntimo, pero también de desplazamientos: de indagación en lo público y lo privado, de recuperación de lo propio, de pérdida de valores, de desarraigo y de nostalgia por la naturaleza. Así, para los artistas mexicanos: Abel Zavala, Rabí Montoya y Roberto Rodríguez ya no se trata de “explorar el pasado”, como en la modernidad, sino de problematizarlo, volviendo a pensar ciertos supuestos, reformulando códigos, usando la heterogeneidad como una estrategia recurrente. Sus propuestas con características propias, empujan contenidos identitarios diversos; eligen una o más posiciones según sus intereses estéticos; sus obras adquieren un carácter relativo, dinámico y fluido con interpretaciones a distintos niveles y con variables móviles.

Obra de Roberto Rodríguez

Las

nociones de memoria e identidad en el arte mexicano contemporáneo han generado un conflicto entre “lo propio y lo ajeno”. Anteriormente, la identidad estaba concebida como sustancia fija, anclada en la memoria, era como una marca indeleble de “lo propio”, derivado de un territorio geográfico común y de ciertos rasgos compartidos (pasado indígena, conflicto colonial y mestizaje). A finales del siglo XX, se impugnó la idea de una síntesis de acontecimientos encontrados que se estabilizan en una identidad común, síntesis concreta de situaciones más o menos estables. La identidad adquirió así un carácter móvil, multicultural, multiétnico e híbrido. Esto lleva a los artistas a mirar y a reflexionar sobre las referencias cruzadas; a crear obra heterogénea de medios mezclados, de carácter múltiple, que rompe con los géneros tradicionales. El artista hoy puede incorporar medios y lenguajes globales con contenidos locales conectados con la memoria cultural y con deseos propios; puede utilizar signos globales para nombrar significados locales.

La hibridación para estos artistas está siendo dispuesta como paradigma dinámico de identidad cultural. La experiencia contemporánea les lleva a enfatizar, en los procesos de construcción de narrativas visuales, la apropiación y la integración como vínculo activo y generador de identidades diversas. Tal es el caso de Roberto Rodríguez cuya obra se caracteriza por reinventar el paisaje y la memoria desde la escultura y el collage. En virtud de todo ello, las obras de Rodríguez rompen los límites expresivos de la escultura tradicional, no pertenecen a "la pintura" ni a "la escultura", pero se nutren de ambas, además de su memoria, y se funden en un proceso plástico de organización escénica del espacio. El resultado es un registro "envolvente" donde el espacio arquitectónico de la galería es parte de la obra.

La obra y la personalidad de Rodríguez participan de la dinámica que implica una práctica del arte cualitativamente diversa. Desde la escultura hasta la pintura o el collage, pasando por la cerámica y el textil, ha producido una serie de meditaciones en relación al paisaje y la memoria. El recuerdo de las cosas pasadas como vínculo con el “lugar” es una fuerza motriz en su arte. El proceso de (re) coleccionar fragmentos de la experiencia vivida, como

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materia para ser transfigurada estéticamente, proporciona tanto el antídoto para la amnesia como el fundamento para (re)construir una identidad cultural heterogénea.

Por su parte, Rabí Montoya asume el peso de los fenómenos contemporáneos y crea a partir de catorce figuras en porcelana con lustres de oro, una raza de personajes híbridos que presentan aleaciones de diferentes manifestaciones culturales, desde las más ancestrales y misteriosas hasta las más actuales y mediáticas. La era postindustrial, los medios masivos de comunicación, los elementos de la cultura del espectáculo; son referentes significativos para su serie en cerámica Nuevos dioses. A este artista le interesan los procesos sincréticos y de transculturación, como lo vulgar y lo sofisticado, lo “kitsch” y lo “auténtico”, lo local y lo global, lo popular y lo elitista, lo banal y lo trascendental.

Rabí mezcla la figuración religiosa del “Niño Dios” con objetos y costumbres contemporáneas para crear obras de expresión irónica, a partir de una poética no exenta de metáforas. Sus esculturas vinculan lo popular con elementos de una identidad ambigua, valiéndose de los símbolos más diversos para rescatar una peculiar visión de la memoria colectiva. La obra de Rabí nace del cruce que se produce entre lo local y lo global; usa formas e íconos de la cultura de masas con formas propias de carácter ritual (imágenes globalizadas que se mezclan con elementos culturales locales). Todo esto tiene para él, un desafío a partir de un contexto que lee en términos de relaciones: la yuxtaposición de objetos contemporáneos con imágenes religiosas.

Estos encuentros tienen implicaciones: el “Niño Dios” lleva sobre su cabeza orejas brillantes de Mickey Mouse en lugar de una aureola y “Xipetotec” es convertido en dios de la perfección.

Por otro lado, Abel Zavala ilustra de un modo elocuente las yuxtaposiciones espacio temporales que identifican las producciones artísticas locales. Su obra Guardapelo pone de relieve el dominio de lo que se considera escultura “instalativa”, una suerte de relación de las piezas con el espacio “escénico”, una visión de la obra como terreno de encuentro de múltiples superposiciones; un concepto integral donde intervienen varios sentidos.

Zavala desde su poética escultórica ha conseguido

Obra de Rabí Montoya

darle continuidad a la estética minimalista pero alejándose de la dureza, la frialdad del acero inoxidable y de las luces de neón que inundaron buena parte de la escultura norteamericana y europea de los años sesenta y setenta. En su obra cobra vida, sentido y personalidad lo matérico del pelo de distintos animales, cuyos efectos texturales y visuales evocan la potencia expresiva de lo orgánico asumida desde la perspectiva de la forma y el espacio.

Zavala trabaja en una serie de piezas tridimensionales realizadas en tela y bordadas con pelo, principalmente de perro. Son objetos que no pretenden contar historias ni hablar de algo específico, lo importante es que la obra adquiera relevancia por sí misma, por la simpleza de su forma, el aspecto matérico y la museografía. En estas piezas las relaciones formales entre estructura, material, forma, escala, color y soporte; subrayan la suficiencia propia de los materiales usados. Zavala otorga a sus piezas una expresión plástica, de ahí que utilice de manera directa

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los materiales en su evidencia física; las cualidades propias del pelo se convierten en protagonistas de la experiencia estética.

Una de las principales características que definen la escultura de Zavala es el proceso productivo, la consecución formal de una factura impecable y meticulosa, que se muestra como generadora de los conceptos e ideas que dan sustento a la obra. Cada pieza, en tanto proceso, se devela como una actividad reflexiva, experimental y creativa, donde la acción física del artista en la facturación de la pieza resulta definitorio.

En el montaje de sus piezas la belleza del vacío y el silencio cuentan, el artista dispone las esculturas con la intención de integrarlas al espacio físico y resaltar su cualidad de objetos, de tal forma que los materiales elegidos y los procesos de producción materializan ideas concretas sobre la naturaleza de lo artístico y encarnan una propuesta visual de intercambio con el espectador, donde la lectura sensorial toma prioridad sobre la interpretación. El conjunto de las piezas construye una atmósfera que invade y apela más allá de la mirada, al tacto y al tránsito.

Página 7

La hibridación en la obra de Rodríguez, Montoya y Zavala se da por los dispositivos de cruzamiento, en un sentido de interponerse, de atravesar, de mutar; sus resultados ya no distinguen límites o diferencias, consiste en piezas de concepto que se constituyen en fenómenos complejos de entrecruzamiento. Sus miradas desde perspectivas diversas reformulan las nociones de identidad, reconociendo el carácter múltiple de la experiencia artística en México. Sus obras, además de ser significativas para el arte mexicano, se constituyen como incentivos al campo reflexivo de la escultura. En el conjunto de su producción los materiales orgánicos e inorgánicos, lo visual y lo táctil, el espacio y el tiempo, la escultura y la cerámica, se articulan y confrontan en un registro abierto y expansivo, con lo que se alude a un intenso registro polisémico, tanto de los materiales como de sus posibilidades de interpretación. *Manuel Velázquez Es Catedrático de la materia de pintura en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana

Obra de Abel Zavala

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Entrevista a XAVO (Javier Baliña) Por Belén Pozzo

En la obra del artista argentino XAVO (Javer Baliña) existe

edificios, puentes, paisajes etc.

una fusión entre el arte y la palabra que invita al espectador a observar detenidamente y reflexionar sobre la misma proponiendo un juego óptico que involucra colores, distancias y escalas. Su arte nos dejan una enseñanza fundamental de como mirar el mundo que nos rodea. El concepto de “mirar más allá” está constantemente presente en cada una de sus obras.

Desde que terminé el bachillerato todo lo que hice para mi formación profesional estuvo fuertemente vinculado con las artes visuales. Incursioné en dibujo, pintura, escultura, arquitectura, fotografía, cine y escenografía.

Hice algunos años de la carrera de arquitectura y luego me recibí de realizador cinemátográfico en el viejo I.N.C. (Instituto Nacional de Cinematografía).

Ventana Latina: ¿Cuáles fueron tus comienzos en el arte?

VL: ¿En qué te inspiras para realizar tu obra?

Javier Baliña: De chico vivía dibujando en papeles sueltos, cuadernos de clase, libros de texto, las paredes (con el consiguiente reto) en fin, en donde se podía y en donde no se podía. Vivía las historias en un solo dibujo, con sonidos onomatopéyicos incluidos.

Los temas eran muy variados: animales prehistóricos y salvajes, guerras, carreras de caballos o de autos, bandas de música, emboscadas de indios, casas y

JB: En mi caso la inspiración jamás tuvo reglas fijas; muchas veces una obra en su etapa de desarrollo me va inspirando otras obras. Por ejemplo, cuando trabajo con espejos, imanes, luces y sombras, lo hago en forma muy lúdica y las posibilidades creativas y líneas de investigación se multiplican casi exponencialmente. En general, sobre todo para las obras planas, me vienen ideas sueltas como por arte de magia, entre sueños en la calle o en la ducha. A veces las anoto, a veces me las

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olvido, pero no me preocupa mucho. Tengo tantas anotadas que no me alcanza esta vida y una eventual próxima, para ejecutarlas a todas (risas).

VL: Se puede apreciar un gran trabajo de investigación de palabras en tus obras ¿Podrías contarnos un poco sobre el proceso del mismo?

JB: Ya que dijiste “mismo” te voy a contar sobre ISMO, posiblemente la más obsesiva de mis obras. Un día leyendo sobre movimientos de arte terminados en ismo, como ser el surrealismo y el cubismo, me pregunté cuántas palabras habría con esa terminación.

Así supe que ISMO es un sufijo que significa muchas cosas: doctrinas, sistemas, escuelas, modos, partidos, movimientos, actitudes, términos científicos o actividades deportivas. Conformé un equipo de investigación dedicado a la búsqueda de todas las palabras terminadas en ismo aceptadas por la Real Academia Española y todas las coloquiales que figuran más de 500 veces en el ciber espacio. Se juntaron rápidamente unas mil. A los pocos días, después de un exhaustivo trabajo, llegamos a mil trescientas setenta.

Además hubo que hacer un cálculo muy preciso para reproducir en orden alfabético y escritas a mano con letra de imprenta, todas las palabras en un gran ISMO sin que sobrara ni faltara lugar.

VL: En una era donde todo aparece sobrecargado, ¿crees que la palabra tiene más poder que la imagen porque ésta ha perdido un poco su expresión artística en los últimos tiempos?

JB: La palabra escrita usada como imágen, ya sea con colores o en grande, es atractiva al menos para mí, más allá del concepto o del significado que encierre. No sé si tiene más poder que una buena pintura o un buen dibujo. Lo que sí tiene, sin duda, es una llegada contundente y rápida al observador.

PUEDO (2013) Lápiz color sobre papel 23 x 74 cm.

El arte contemporáneo transita por infinidad de diferentes técnicas y lenguajes visuales complejos que se modifican día a día; tal vez por eso la pintura y el dibujo han perdido un poco de protagonismo. La vida moderna, cada vez más hipertecnológica, nos apabulla a imágenes a toda hora. Creo que tenemos que crear constantemente nuestro propio sistema inmunológico para proteger nuestra contaminada percepción, sobre todo la visual, y así poder elegir qué vemos, qué leemos, etc.

VL: ¿Qué palabra eligirías para describir tu obra?

JB: ¿Una sola? visual. ¿Varias? juego, experimento, investigación, idea, prueba y error…

VL: ¿Cuáles son tus proyectos para el futuro y cuáles tus sueños?

JB: Con respecto a mis proyectos, estoy trabajando en una serie de obras para mis próximas dos muestras, una en Buenos Aires antes de mitad de año, y otra en Miami en septiembre.

Lo que más me gustaría es poder viajar por distintos países mostrando mis obras, tanto las planas como las corpóreas, y seguir desarrollando mi arte, que es lo que me apasiona.

Para más información sobre el artista contactar a BelénPozzo Art Consultancy info@belenpozzoartconsultancy.com /

QUIERO (2013) Lápizcolorsobrepapel 23 x 80 cm

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EL CHACHE Y LA JARA

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Zumo de pomelo por fuerza mayor Por El Chache y La Jara

El

Chache (Sonriendo): Me han contado un chiste porno sobre un caballo y un burro… ¿Quieres que te lo cuente?

La Jara: No gracias, creo que podré vivir sin saberlo. Pero eso me trae a la cabeza una cosa, ¿sabes qué surge cuando ambos animales procrean?

humanos.

La Jara: Seguramente, porque Quevedo y Garcilaso el Inca usaron por primera vez en el siglo XVII la palabra “mulato” para referirse al mestizaje en la raza humana.

El Chache: Por ahí más o menos es por dónde iba mi chiste. Pero como veo que no tienes sentido del humor te lo digo, una mula.

El Chache: Tú lo has dicho...mestizaje. Decir que una mula es un híbrido está bien visto, decir que una persona que viene de padres de razas diferentes es un híbrido suena un tanto raro. Por ello imagino que ahora se habla de mestizaje...

La Jara: Y, ¿sabes que “mula” es una palabra que antiguamente se usaba para aludir tanto a animales como a vegetales obtenidos por cruces de especies diferentes?

La Jara: Que técnicamente es otra forma de hibridación...

El Chache: Y de ahí tal vez provenga la palabra mulato, para referirse al cruce de dos razas de seres

El Chache: Pues a mí me gusta la idea de hibridación, como si la palabra derivara de Hybris, que en la antigua Grecia era algo que forzaba las leyes naturales, un impulso desmesurado guiado por la obstinación y la soberbia que transgredía las reglas.

La Jara: Entonces lo de eres terco como una mula tal vez venga de la obstinación de lo híbrido, de lo obstinado.

El Chache: ¿Acaso no es una fuerza ajena a nosotros, que no controlamos lo que nos lleva a la hibridación?

La Jara: Puede ser, una vez vi un documental sobre un estudio genético donde se demuestra que olfativamente nos sentimos atraídos por aquellos cuyo sistema inmunológico difiere más del nuestro... De ahí que los seres humanos de razas diferentes se sientan atraídos naturalmente por otros seres humanos de distintas razas. El sistema inmunológico se vuelve más fuerte cuanto más variados sean determinados genes.

El Chache: Es la necesidad entonces lo que está detrás de la hibridación...en arte pasa lo mismo, hay lenguajes que se agotan, se desgastan y aparece la

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EL CHACHE Y LA JARA

necesidad de hibridación para su supervivencia... se mezcla el teatro con el cine, o la poesía con la música y la arquitectura... la danza y la pintura... Y esto me lleva a plantearme si es mejor el híbrido que sus antecesores. Es decir, ¿es mejor la mula que el caballo y el burro?

La Jara: Tal vez solo sea diferente... Aunque siguiendo esta idea de algo que surge de la necesidad, puede que el hibrido responda mejor ante determinadas situaciones... nuevas enfermedades en el caso de animales y vegetales, y lenguajes más acordes a las nuevas posibilidades si hablamos de arte.

El Chache: O que simplemente además de ser capaz de responder a esas situaciones pueda crear otras nuevas...

La Jara: No te sigo...

El Chache: Voy a poner un ejemplo un poco simple, ya sabes que las cosas filosóficas las dejo para ti.

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La Jara: Sigue anda.

El Chache: Un pomelo es un híbrido. Pero en el momento en el que aparece crea nuevas situaciones, nuevas experiencias. Habrá nuevos cócteles que usen su zumo, nuevas recetas de cocina que usen su carne, nuevas esencias con su perfume. Incluso creará en quien lo coma un nuevo recuerdo.

La Jara: Pero eso pasaría con una manzana para alguien que no conociera las manzanas...

El Chache: Cierto, pero si volvemos a la antigua Grecia y el híbrido es aquello que rompe las normas, en este caso, lo que en nuestra mente estaba como existente se ve alterado por algo que no conocía...

La Jara: ¿Sabes qué?, ¡qué viva la hibridación! Y hablando de pomelos, me han entrado ganas de tomar zumo. Así que voy a la tienda con mi bicicleta híbrida a comprar unos cuantos.

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LA LATINA COMEDIA

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De mulas y una que otra bestia híbrida Por Fray Draco

Hay una mula en el monasterio, tendrá no más de dos o tres otoños encima de la cerviz, pero sus ojos negros petrólicos que se alargan hasta el piso como lágrimas de lámpara cristálica parecen albergar más fríos en su alma que todo el valle en donde apacenta.

Nuestra mula no es más parlanchina que su prima de Balaam pero igualmente se las arregla para susurrarnos en silencio sus derrotas, y todo ello a pesar de llevar una vida que cualquier acémila consideraría satisfactoria. Porque hablar propiamente de felicidad sería arañar las paredes del Reino, y nosotros hemos perdido las uñas rasgando utopías, pero aún así reconocemos que un pasto tierno, el agua fresca y un viento noble bien podrían delinear los contornos de un paraíso. ¡Galimatías, se derriten mis ojos tristes de pura empatía!

Le tomo sus orejas de burro, le tomo sus orejas de caballo, por el ángulo más cóncavo y con suave tono kaváfico le murmuró que Aristóteles, el estagirita de púrpura peplo, le citó como ejemplo en sus Primeros Analíticos, y que también Plinio el viejo, le resaltó el

carácter corajudo, herencia de los corceles de Eporedia. Pero no logró sacarle ni una sonrisa a esa magnífica quijada búrrica, la que sin embargo, en manos de algunos dionisíacos bufones de bandas cumbiancheras, carrasquea al ritmo de estrepitosas carrrcajadas.

-“¿Será el no tener puro y límpido origen el motivo del desasosiego de esta hija de yegua y burro?”, relinchó dudoso. –“¿No se han derramado acaso sobre esta tierra hectolitros de sangre que se han ido a mezclar en el circuito de venas y arterias producto de un lúbrico fluir de fértil consecuencia?”. Todo revuelto, todo desordenado. También mis palabras se aparean caóticamente combinando sus aceites.

Ya no se encuentran emblemas de pureza y eso alivia como lluvia en verano, porque entonces podemos sacar a relucir nuestras máculas sin vergüenza para pasear de la mano por la costanera con nuestras propias degradaciones. Hay quienes tropiezan y saben que caen, hay quienes tropiezan y creen que vuelan.

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LA LATINA COMEDIA

Pero es imposible despegar en un mundo dominado por la gravedad. De que hay levedad, la hay, pero únicamente en la telaraña donde se mece la maraña de dioses que obran su ingeniería demiúrgica y mestiza. A ese trampolín irénico no estamos invitados, nuestra miseria se pegotea en la seda y acabamos por enredarnos en ella como si fuesen hojarascas de sábanas sudadas. Porque también las sábanas pueden atestiguar de nuestra naturaleza caída con tendencia al ocultamiento.

Cuando unas palabras y unas imágenes se mezclan en dialéctica danza puede que el brillo sugerente de la luz impresa abra las puertas al eco cavernoso del grito.

Los juegos de collage y los corros lingüísticos del bestial Osvaldo Lamborghini, esplenden opacos como la estrella apagada de una cocotte, una que recoge sus carnes machacadas por sus muchos clientes para replegarlas colágenas sobre sí como un acordeón recauchado. Cada noche una y otra vez, se teje y se desteje, esa Penélope de caricia alquilable.

Las imágenes del escritor argentino, que algunos gustan llamar neo-barrosas, nos ofrecen mucha carne abierta, impúdica, zanjada por heridas arteras y por penetraciones que horadan piel y alma hasta dar con los manantiales desde donde surgen los líquidos corpóreos que van siendo expulsados violentamente

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por los orificios nuevos y por los otros más antiguos.

Las rasgaduras hechas por manos, cuchillos, látigos, vidrios y falos van decretando con indiferencia los destinos de los desafortunados y los afortunados.

Todo valga para enaltecer el memento mori de un miembro enhiesto en el ocaso anterior al languidecer de un eyaculador que se retuerce como caracol en limón, asqueroso de gozo.

La redención del hombre de Lamborghini es la liberación de un ímpetu que desea el hartazgo inmediato, jalonado por sus pulsiones, echa a correr en fuga a los ideales, enfanga las virtudes y sacraliza traiciones sin purgarlas. Las embadurna de mierda, semen y otras linfas, porque estas parecen ser lo único puro que va quedando. Como el caso del charquito de barro en el que se va ahogando su degradado niño proletario, empujado por sus compañeritos, los cándidos violadores, los traviesos torturadores del linyerita estropeado... La risa escupe sobre las penas del siempre apenado, pero aún burlona parece fresca porque se ha quitado la máscara y se deja ver desnuda, con su horripilante belleza de Jano.

Poeta o escritor, artista mutilador este Lamborghini, argentino con nombre de bólido italiano, perverso paródico freudiano, irreverente valiente desplumador del catálogo de los egregios valores, su prosa es garabato grabado en las baldosas por una uña mugrienta. No se le paró el poder y en cambio este lo penetró hasta que se le diluyó la tinta. No hubo sofoco que lo desincentivara de abandonar su lugar en la fiestonga del garchar. En su Fiord se nace hacia un mundo feroz desde una vagina que vomita al hijo entre orgías perversas tan eróticas como tanáticas. La máquina fisiológica gime, las proclamas se arrastran como bazofias, todos los cínicos embustes se evacuan junto a las almas podridas de sus dueños, los órganos hedonistas cobran perversa fuerza y arrean la vida hacia los callejones en donde el regocijo se paga a dos mamadas el kilo.

No se degrada nada, nadie degrada a nadie. Ni siquiera es posible degradarse a sí mismo, dijo alguna vez nuestro fallecido elaborador de arte Lamborghini. No amamos lo que succionamos pero tampoco odiamos lo que cercenamos, diría yo por mi parte, aunque con menos arte, interpretando su paródica medio alegórica que haría danzar a Lacan en su fosa. Y si la pureza recorre el cielo arrastrada por el auriga del sol, inalcanzable, deleitémonos entonces en el matiz o en el degrado que apuntala la mezcla. No para conformar una nueva belleza sino más bien para reconocer y honrar el perfume de muerte que a veces expele la vida, ese brillo de fuego fatuo que mana de la descomposición de un cuerpo.

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ENTREVISTA

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Entrevista con Christian Gil: Seré Memoria y la historia de una fuga Por Danila Bragagnini evento, una certeza documentada. Son esas rememoraciones crudas las que detallan el pasado y las historias, armónicas, celebran cada confesión. Hay algo muy claro en Seré Memoria: las únicas voces lúcidas para corroborar son las de las víctimas, con una inmensa carga emocional que no hace tambalear a la verdad, sino que la certifica. Su director lo confirma, y advierte lo evidente: el documental es una herramienta de cambio, es la herencia de una injusticia pretérita, es un recibo a los responsables. Hoy, dice Gil, gracias al esfuerzo colectivo y las políticas de Estado el concepto de memoria pudo echar raíces, y es impensable hablar de identidad argentina sin una mención al pasado. Fue esa acción obstinada y fraterna de decenas de organizaciones de Derechos Humanos la que logró que en 2015 muchos responsables de las desapariciones hayan sido procesados por la justicia argentina.

La conciencia cívica es una noción profusa, repleta de expresiones dispares que pueden, a veces, responder a manifestaciones muy poco ortodoxas. El 24 de marzo de 1978, cuatro detenidos en un centro clandestino en Argentina violaron las reglas de seguridad y se escaparon sin dejar rastro. Fue así que, deliberadamente, protagonizaron un acto supremo (y atípico) de conciencia cívica y ciudadana. Es que los responsables de última dictadura militar en el país (1976-1983) se encargaron de secuestrar y desaparecer a más de 30 mil argentinos sin posibilidad de una cita con la ley. El director de cine Christian Gil enlazó los fragmentos de la crónica y llevó a la pantalla documental la historia de la fuga de la Mansión Seré y el consecuente destino de un espacio que hoy es escenario de homenaje de la memoria. El film cerró el ciclo CineForum de Casa Latina, y el director visitó Londres para presentar su obra.

Lo crucial de Seré Memoria (2006) es su intención testimonial. Se aleja de la historia taxativa, y deja vía libre a la palabra. Así, lo que cada protagonista revela es de hecho la matriz del discurso, la razón de ser del

La Mansión Seré, propiedad de una acaudalada familia francesa, fue vendida en el ´40 a la ciudad de Buenos Aires, pero estuvo desocupada hasta los ´70 cuando pasa a manos de la Fuerza Aérea y se convierte en Casino de Oficiales de la VII Brigada Aérea de Morón.

Con el golpe de Estado del ´76, la vivienda se convierte en un centro clandestino de detención, donde decenas de jóvenes sin procesar vivieron jornadas de torturas y vejaciones, hasta que la fuga de Claudio Tamburrini, Daniel Russomano, Guillermo Fernández y Carlos García obliga a los militares a destruir la mansión para depurar evidencias.

Ventana Latina: ¿Cuál fue la génesis del proyecto?

Christian Gil: Mi abuela vivía muy cerca de la Mansión Seré, donde yo pasé gran parte de mi infancia.

Había un predio gigante, abierto al público, y la mansión se encontraba en el medio. Yo iba muy seguido de chico a jugar con mis primos. Siempre tuve un interés particular por lo que sucedió en la dictadura, me interesaba saber qué paso. Yo pasé los momentos más felices de mi infancia en esa época, y en realidad pasaban cosas tan feas a mi alrededor, sobre todo en la Mansión Seré. De adolescente me compré el libro Nunca Más de la Conadep y empecé a leerlo.

Mientras lo hojeaba, vi el capítulo de la Mansión Seré.

Y me entero que esa quinta, ese lugar donde yo iba a

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ENTREVISTA

jugar de chico fue un centro de detención clandestino, y de donde se habían fugado cuatro personas. Ese punto me pareció muy cinematográfico, algo épico.

Cuatro personas desnudas y atadas se escaparon, y gracias a eso se cerró el centro. Ahí comenzó, en ese punto, el día que abrí ese capítulo, y quise indagar.

Pasaron muchos años más. Luego estudié comunicación y me metí en el área de documental audiovisual y dije ‘algo tengo que hacer’.

VL: ¿Militabas en algún partido político?

CG: No, no tenía una militancia activa, pero siempre me sentí muy comprometido con lo político.

VL: ¿Te sentías identificado con esa generación que vivió el vaciamiento político de los ´90 en el país, y a partir de la crisis del 2001 resurge como un movimiento de jóvenes ideológicos?

CG: Sí, y no es casualidad que el documental lo haya comenzado en el 2000. Soy parte de la generación que estudió en los '90 y tomé conciencia política, tuve un acercamiento a la militancia si bien no era militante activo. Me interesé más por la historia argentina porque los '90 fueron consecuencia directa de la dictadura militar. No cualquier sociedad se queda tan dócil y tranquila cuando le imponen un modelo neoliberal si no fue golpeada de esa manera. Siempre que proyecto el documental digo eso, que es importantísimo poder entender el pasado, para poder comprender el presente y empezar a proyectar, y mucha gente no lo quiere hacer. Mucha gente quiere el borrón y cuenta nueva.

VL: Si hacemos de cuenta que la parte es el todo, la mansión Seré, que fue derribada para tapar evidencias, ¿Es un simbolismo de este “destruir el pasado”?

CG: Cuando se escapan los cuatro detenidos, gracias a esa fuga una semana después la casa es deshabitada, muchos de los detenidos fueron puestos a disposición del Poder Ejecutivo nacional y a muchos se los liberó.

Para borrar evidencias prendieron fuego la casa y la dinamitaron. Se acercaba el Mundial de futbol del 78, los medios de comunicación extranjeros ponían el ojo en el país, y los militares pensaron que esos cuatro chicos podían llegar a contar lo que vivieron. Durante muchos años cuando era chico, y de esto sí me acuerdo, la ví semidestruída. Pero lo paradójico es que la casa termina de ser demolida en democracia, en el 85. Es paradójico porque justamente la democracia es

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el lugar para trabajar esa memoria.

Luego de la destrucción completa, la democracia incipiente mutó las funciones del predio, y cada nueva actividad fue un catalizador para eclipsar toda evocación al pasado. Durante los ‘90 fue un polideportivo cerrado de la Municipalidad de Morón.

Pero es durante esta época que se busca encontrar los cimientos de la casa, porque los vecinos develaron sus recuerdos.

VL: ¿Cómo comenzaste a indagar sobre el tema?

CG: Cuando quise comenzar el documental apunté a los vecinos, porque me preguntaba cómo el vecindario podía vivir frente a ese horror. Mientras la casa fue centro clandestino de detención, constantemente se escuchaban los gritos, disparos, eso me lo contó todo el mundo. En el documental incluí un archivo documental donde Nora Cortiñas, cofundadora de Madres de Plaza de Mayo, indaga a los vecinos de la zona y la mayoría no le contestan. Ella creía que su hijo Gustavo podría estar en la mansión. Cuando yo comencé a filmar, los vecinos sí se animaron a hablar, pero muchos no quisieron salir. Sólo Adela, la vecina que los ayudó la noche de la fuga, se animó a que filmáramos su testimonio. Por eso destaco nuevamente la función de las políticas de Estado, porque hoy la gente ya no tiene miedo de hablar.

VL: Pero en el documental no se habla nunca de política de estado, ni de banderas políticas específicas.

CG: No, para nada. Pero sí descreo que el periodismo sea objetivo. Mi documental no tiene banderas políticas, pero sí es subjetivo, lo cuento desde una postura, por ejemplo no aparece ninguna voz del otro lado, de ningún militar, eso es inevitable.

Hoy, la Mansión Seré es la Casa por la Memoria y la Vida, además de un museo interactivo donde los visitantes pueden acceder a las excavaciones que se llevan a cabo en búsqueda de evidencias para reconstruir la historia.

El director, quién es docente de educación secundaria, explica que la intención del documental es pedagógica antes que nada. Seré Memoria puede verse en Internet y el futuro espera a Christian con más planes documentales, ya que tiene la idea de hablar sobre los jóvenes muertos en democracia, aunque aclara: “No sé por qué, pero siempre termino queriendo volver a hablar de la dictadura...”.

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Diseño latinoamericano en Londres: en conversación con Liliana Ovalle Por Danila Bragagnini

Un

tributo a lo incompleto e improvisado en los rincones cotidianos. Diseño de autor versátil, cuya morfología y narrativa nos hablan de un linaje mexicano, no porque explícitamente se quiera hablar de México a través de él, sino porque su lenguaje está indefectiblemente ligado a la identidad de su autora.

Así se define la esencia de la obra de la diseñadora latinoamericana Liliana Ovalle, establecida en Londres desde 2009. Una obra que revela en su ejecución orgánica un talento instintivo y de cualidad reflexiva, algo inusual en un ámbito profesional viciado por la producción en masa y la copia de patrones de moda.

Así es el trabajo de Ovalle: muebles y objetos cotidianos que se abastecen de narración y relato.

Conversar con Liliana Ovalle fue un placer de media tarde. Inalterada por las observaciones un tanto evidentes de su interlocutora inexperta en teoría del diseño, se mostró afable ante las consultas y recorrió la historia de su carrera con una retrospectiva efusiva en un café de Stoke Newington, a solo pasos de su estudio.

Egresada de la Universidad Nacional Autónoma de México, traspasó fronteras geográficas y culturales y en 2004 se aseguró un lugar en una de las escuelas más prestigiosas de diseño en el mundo, la Royal College of Art. Única latina de su promoción, Ovalle recuerda con estima sus años de estudiante en la Maestría en Diseño de Productos, y asegura que la academia fue un antes y un después. “Royal College fue definitivamente muy importante para mí. Cuando empecé a investigar instituciones para seguir estudiando, me llamó la atención esta escuela que apunta a que los estudiantes tengan una voz muy personal. Me interesaba mucho esta escena multicultural en Londres, y claramente hizo cambiar mi planteamiento del diseño”, comenta Liliana, y confirma que la escuela es un escenario privilegiado porque estampa una insignia estilística evidente en el trabajo de sus egresados. “El pensamiento de los directivos de la época era lograr que los estudiantes crearan esa propia insignia”.

El vínculo con el Reino Unido siguió manteniéndose.

Liliana volvió a Londres en 2009 a través de una visa de trabajo y recuerda: “En México nunca estuve con un pie bien puesto. El trámite de la visa fue complicado, con mucho papeleo, pero en esa época era posible. Luego, vino un proceso de inserción laboral, y de encontrar tu lugar”. A fuerza de acomodarse y poder desplegar su talento, logró vínculos con publicaciones inglesas y colaboraciones con galerías italianas, y todavía aprovecha su lazo latino para trabajar con México en diversas ocasiones. Hoy, también trabaja como investigadora en la Goldsmiths University en el campo de diseño interactivo experimental.

Su modo de trabajo se coloca en la ruta opuesta a la producción masiva, si bien no se aparta de la

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posibilidad de expandirse hacia ese escenario: “Trabajo con ediciones pequeñas y limitadas, hago mucho trabajo de self production, exposiciones y colaboraciones a través de plataformas. Trabajo con exploraciones estéticas más que con productos enfocados al mercado”. No obstante, Liliana confiesa su intención de establecer vínculos con empresas para una futura colaboración para hacer productos con mayor alcance, ya que manejar ediciones supone limitaciones de escala.

La versatilidad de su obra es una de sus particularidades. La diseñadora apela al ingenio para conquistar una armonía y logra domar con astucia diferentes medios y materiales, además de conceptos y técnicas. Sus recursos son abundantes. Las Cajas de Vera, un conjunto de objetos creados basándose en un personaje ficticio y realizado en el marco de una colaboración de artistas para las curadoras Kirsty Minns y Érika Muller, son el ejemplo más claro de la materialización de un relato con el simple propósito del placer estético.

Chroma seasons

Colour me tables

El Mugroso y The SkinHoles Su inspiración es permeable a la influencia de estímulos heterogéneos, al igual que los mensajes posteriores de la obra terminada. Sin embargo, Liliana Ovalle confiesa que en varias de sus creaciones ese mismo mensaje se ha tergiversado por terceros cuando se escarba más allá de la técnica y la exploración plástica. El Mugroso es un sillón que la diseñadora creó durante sus estudios en el Royal College, y se basó en situaciones generales del centro histórico de la ciudad de México luego de un estudio de gentrificación en una zona convulsa y caótica, pero muy fértil desde lo visual. “El Mugroso se basa en objetos improvisados en las calles, y como esa informalidad urbana se vuelve regla. Me inspiré en el contraste que esto genera con una ciudad como Londres, donde hay una gran aferración al orden y la seguridad. La idea era celebrar el caos y llevarlo a un lenguaje de diseño, con buenos materiales”.

El proyecto tuvo buena repercusión, pero ciertas lecturas pecaron de difusas. “Uno de los blogs más importantes de diseño en Londres habló del proyecto y de cómo los vagabundos vivían en México. Y yo nunca hablé de homeless, para nada quería llegar a eso, es una lectura negativa porque implica trivializar un

Crashbench

Las cajas de vera

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Vasijas skin holes

problema que es muy serio” explica Liliana.

The Skinholes Proyects fue víctima de una interpretación similar. Las vasijas de arcilla que la diseñadora creó junto al Colectivo 1050° fueron moldeadas por artesanas de origen zapoteco del estado de Oaxaca, e implican una lectura visual de huecos bajo la tierra que puede encontrarse en ciertos territorios mexicanos.

“La idea fue crear socavones que remitieran a esos espacios negros y a la vulnerabilidad de vivir con ellos, fueron representaciones de cómo yo imagino estos espacios y su consecuente ambigüedad”.

Luego de diversas exposiciones, un museo que albergó las piezas tuiteó un mensaje que remitía a las vasijas y su directa evocación a los graves problemas de infraestructura de México. “Probablemente tendrá que ver, pero en ningún momento quería poner la atención en eso” recalca.

huele a añoranza, a tierra étnica, convulsión social. A veces, a pobreza y desamparo. La obra de Liliana Ovalle es, en resumen, la celebración de la esencia de “la cosa en sí”, sin apelar a ninguna discusión política consecuente. La diseñadora juega un papel de esteta que no pretende hablar explícitamente de su tierra natal porque tiene que hacerlo, pero de cuyas obras renace un sentimiento identitario porque, como ella misma explica, el lazo es siempre demasiado fuerte.

Estas experiencias son la clave para adentrarse un poco más en el campo de las lecturas europocéntricas sobre el mundo latino, muchas veces paternalistas. Lo latino El mugroso

PALABRAS

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Tres poemas de Orlando Granda

Nació

en Lucre, distrito del Cuzco, allá por 1964. Es profesor de Literatura. Ha publicado los p o e m a r i o s E n e l barranco (2002), Donde mi calle acaba (2014) y tres libros de literatura dirigido a los niños. Dos veces ganó el segundo premio en la Bienal de Poesía Infantil ICPNA (2005 y 2009). Asimismo quedó finalista en la Bienal de Cuento Infantil ICPNA 2007. Dirigió entre los años 1993 a 1995 la revista de poesía Tocapus. Ha participado en varios recitales y ha publicado en d i v e r s a s r e v i s t a s como Transparencia, Ínsula Barataria, Siete Culebras, Arquitrave, etc. Su poesía aparece en algunas antologías o muestras de poesía peruana como Poesía Perú S. XXI / 60 Poetas Peruanos Contemporáneos (Fundación Yacana, 2007), Poesía Peruana Actual (selección preparada por Pedro Granados y publicada en la revista colombiana Arquitrave, agosto de 2007). Administra el blog El bebedor de la noche. Vive en Barranco y su color preferido es el azul. ++++ EL VUELO DE LOS PÁJAROS Ni siquiera los pájaros saben adónde van.

Jack Spicer

Hubiera deseado que la lluvia ardiera tus talones En celestes brasas te aproximes y dejes el pasto de invierno atrás en las colinas los mares y su azul pensar

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Desde tu morada asomes débil como un fantasma o como Verlaine en su jardín exhalando villanos suspiros -Oh / en el crepúsculo vertical de los ojos no hay espacio para las sombrasPero qué pronto resplandece en un salto repentino el vidrio quebrado de la lluvia Y una escultura del mar -que es todavía barro frescosimule en aquellos dorados ojos el vuelo de los pájaros

A UN POETA CHINO Pienso en el rumor de tus huellas por una tierra nada amistosa ese rumor –decía- que brota en tanto leo y me pregunto si algo sabrás sobre el resplandor alejado de mis manos cuando se esparcen en espacios como astros que no son fuego te leo y me pregunto sobre ese movimiento cercano -diría más bien trazoque en el ocaso se yergue y me es esquivo

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DONDE MI CALLE ACABA Una calle ya no es necesariamente el territorio donde has de cometer un crimen perfecto

Tal vez toparte con imágenes modernos paisajes todos en exilio abandonados a no sé qué cielo que no sea ritmo o mejor aún penumbra

Música inglesa que talla en su propia madera los espacios donde no han de ir los féretros que ingenuamente acechabas

Pacoperez6

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Mundo Shakespeare … o de la Omnipresencia de los Clásicos Por Carlos Fonseca

A los veinte años, en un arrebato insensato y juvenil, me prometí nunca leer a Shakespeare. Me abrumaba la canonización absoluta, a mi entender estéril y poco productiva, que la academia le daba al escritor inglés.

Había llegado a los veinte sin leerlo y eso me concedía una ventaja pocas veces vista. Así que me prometí no leer al clásico inglés y de alguna manera lo logré, o por lo menos, creí lograrlo. Me pasé todo el bachillerato regodeándome de ser el único aspirante a escritor que no había leído a Shakespeare. Escogía los cursos para evitarlo, o bien faltaba a clase el día que se leería alguna de sus piezas teatrales, todo con el simple fin de evitar encontrarme frente a las palabras del maestro. Lo mío, me gustaba decir, iba por otra parte: en vez de Shakespeare leería, por ejemplo, a Cervantes. Sentí pues como una traición el día que, impactado por el título de una de las novelas de Javier Marías, me encontré frente a las palabras del hombre que había jurado ignorar. El título de aquella novela, Mañana en la Batalla Piensa en Mí, me había parecido maravilloso y no había tardado en comentárselo a un amigo, quien un poco avergonzado por mi desliz me había explicado que se trataba de un fragmento de Richard III. Terriblemente constaté, dos semanas más tarde, que ese otro título del propio

Marías, que me parecía igualmente formidable – Corazón tan Blanco – le pertenecía también a Shakespeare. El imperio imprevisto no terminaba allí: ese mismo año descubrí que detrás de ese otro título magnífico de Faulkner – El Sonido y la Furia – se hallaba nuevamente el maestro inglés.

No dejé, sin embargo, que aquellas pequeñas vergüenzas aminoraran mi proyecto anticanónico. Me tranquilicé diciendo que si mi lectura proseguía a base de títulos, sería tan pausada y larga que acabaría por disolverse en una biblioteca de frases inconexas. Puedo decir que llegué a graduarme sintiendo que todavía me mantenía lejano al mundo de aquel hombre al que sentía distante e incomprensible. Poco a poco, sin embargo, el Bardo de Avon planificaba su invisible y juguetón asedio a aquella fortaleza falsa y pretenciosa.

Comprendí que mi empresa sería más difícil de lo que hasta entonces había imaginado la tarde en la que me descubrí habiendo leído, por pura curiosidad y con admiración, un epígrafe firmado por el mismísimo Shakespeare. Se trataba de aquel epígrafe que Borges coloca en el comienzo de El Aleph, en el que un hipotético habitante de una nuez se imagina dueño del universo. Impresionado, a sabiendas de que había leído

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aquel cuento en un sinnúmero de ocasiones, reconociendo el epígrafe que ahora, sin embargo, le pertenecía a Shakespeare, sentí que el inglés me robaba el mundo con una sutileza increíble, frase por frase, título por título, epígrafe por epígrafe. El bardo de Avon me empezaba a ganar la carrera a pasos agigantado, recortando aquel mundo que yo creía mío y marcándolo por todas partes con toques temiblemente suyos. Sin declararme derrotado pero a sabiendas de que el juego había cambiado, proseguí con mi testarudo proyecto solo para encontrar que sus palabras aparecían por todas partes: en giros conversacionales, en tarjetas de enamorados, en el taxi y hasta convertidas en películas modernas.

Tardé tal vez demasiado tiempo, pero finalmente, la tarde en que me enteré de que el apodo del tan querido Roberto Gómez Bolaños, Chespirito, venía del diminutivo hispanizado de Shakespeare, comprendí que la derrota venía cantada desde un inicio. Aquella sutil omnipresencia a través de la cual el bardo inglés aparecía por todas partes, hasta disfrazo del Chavo del Ocho, era el verdadero modo de estar de los clásicos.

Ser un clásico significaba eso: estar presente como ruido de fondo aún antes de la lectura, ser capaz de generar interpretaciones aún antes de ser leído. Ser un clásico significaba construir un mundo a imagen y semejanza de algo tan frágil como un libro. Quien ha visitado Estambul habrá conocido una sensación similar. En el caso de aquella ciudad prodigiosa, en el

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principio solo está la palabra de Alá: un enunciado sagrado que por ende se pierde entre los vericuetos de una caligrafía ágil y ligera como una pluma. Quien camina por aquella ciudad comprende que escapar la palabra del Dios es un proyecto imposible, pues los trazos de la caligrafía sagrada parecen esparcirse sobre una ciudad que parece haber sido trazada por la pluma de su más insigne calígrafo. Pretender escapar de un clásico es tan fútil e inocente como intentar escapar del verbo divino en la ciudad sagrada.

Nuestro mundo es un mundo Shakespeare, tal y como es un mundo Cervantes, un mundo Borges, un mundo Dostoievski, aún cuando a veces creamos no saber qué pudiese significar eso. A los clásicos no se les puede evitar, pues desde un principio, estamos siempre habitándolos. Nuestra sociedad ha reemplazado los textos sagrados por esas obras de dioses menores, empeñadas en regalarnos mundos posibles. Ahora, consciente de mi ingenuidad inicial, temo leer a Shakespeare por otra razón: ya no el simple orgullo de el joven rebelde, sino la seguridad de que el día que lo lea, comprenderé que ni siquiera mis propios textos escapan a esta lógica del plagio. El mundo copia a Shakespeare y esa condena está escrita por todas partes. Tal vez para ignorar la evidencia abrumadora, o para creerla al menos explicable, es por ello que decidí mudarme a Londres. Pero ni eso: basta tomarse dos pintas de cerveza en un pub cercano, para ver al bardo reír por todas partes

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Diez preguntas con el fotógrafo Antonio Briceño Por Verónica Sanchis

Antonio

Briceño nace en Caracas, Venezuela. Es licenciado en Biología por la Universidad Central de Venezuela y actualmente cursa un Máster en Artes Digitales en la Universitat Pompeu Fabra, Barcelona, España.

Briceño ha participado en numerosas exposiciones tanto a nivel nacional, un ejemplo es su exposición más reciente Omertá Petrolera, La era del silencio, en la Galería D’Museo, Caracas, Venezuela, o a nivel internacional con Gods of America.

Sus imágenes forman parte de varias colecciones en destacados museos y galerías: Museo de Bellas Artes, Museo de Arte Contemporáneo, Galería de Arte Nacional y la Biblioteca Nacional, todos en Caracas, Venezuela. A nivel internacional la Casa de las Américas, La Habana, Cuba; Maison Internationale, Bruselas, Bélgica y el Centro Nacional de Artes, México D.F., México.

Entre los premios que le han sido otorgados se incluyen, Beca Talento, Universitat Pompeu Fabra (2014); Premio de la Crítica AICA (2012); Green Leaf Award for Artistic Excellence (2008); representante

por Venezuela en la 52 Bienal de Venecia, Italia; XVI Premio de Fotografía Luis Felipe Toro (1996), entre otros.

Ventana Latina: 1. ¿Cómo llegas a la fotografía?

Antonio Briceño: A los 8 años un tío me regaló mi primera camarita. A los 14 otra tía me mostró una réflex, la primera que conocí, y a partir de ahí he estado ligado a la fotografía…

VL: 2. ¿Cómo Latinoamérica?

ves

la

fotografía

en

AB: Desconozco a la mayor parte de los fotógrafos, pero lo que puedo decirte es que la fotografía en Latinoamérica es tan diversa como la propia Latinoamérica.

VL: 3. Háblanos un poco de cómo surge tu más reciente proyecto, Omertá Petrolera.

AB: Omertá petrolera fue un trabajo que realicé con personas que habían sido víctimas de tortura o de uso excesivo de la fuerza por parte de los grupos militares y paramilitares del régimen chavista durante las

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protestas de principios de 2014. Se dieron cientos de casos, pero por temor, pocos llegaron a denunciarse.

Hubo miles de detenciones y medio centenar de muertos. Pero los medios estaban censurados, el gobierno negaba sus acciones -pese a los cientos de testimonios- y los gobiernos de la región y las instancias internacionales también negaron lo que acontecía.

Tenemos mucho petróleo como para que alguien se pronuncie de forma objetiva.

hace fotos y video. Todo el trabajo fotográfico es editado en Photoshop, y uso gran cantidad de técnicas en este sentido: desde el encuadre y la corrección de color, hasta fotomontajes y collages de distinta índole.

Generalmente el soporte de impresión o proyección es alegórico al tema o a la pieza.

Entonces ocurrió que a un colega fotógrafo lo agarraron los militares mientras cubría unos enfrentamientos, y lo despojaron de su equipo, bajo una golpiza tal que le fracturaron costillas. Decidí hacer un trabajo sobre estas víctimas y lo que para ellas representaría este silencio ante su desgracia. Hice video-retratos a 10 personas que se sentaron solas frente a la cámara y recordaron en silencio todo su paso por esos túneles del terror.

AB: Fue un trabajo por invitación del gobierno de Finlandia y el Parlamento Sami. Ellos conocían mi trabajo Dioses de América, sobre 10 culturas del continente americano, y también mi trabajo con los Maorí, en Nueva Zelanda. Entonces me llevaron para hacer un trabajo sobre la cultura Sami -el único pueblo indígena de Europa Occidental- y su insistente reivindicación sobre la importancia de su lengua. Es un trabajo que integra varias series que son alegorías de esa lengua y que están impresas en acrílicos flexibles, que se doblan como cueros de reno, el animal cuya domesticación es el fundamento de la cultura Sami.

520 Renos es un homenaje a la lengua Sami, a su riqueza y su integración con el entorno.

VL: 4. Explícanos un poco en qué consiste tú técnica fotográfica.

AB: Casi siempre trabajo con una cámara digital que

VL: 5. ¿Cómo fue trabajar en Finlandia en tu proyecto, 520 Renos?

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VL: 6. ¿Qué similitudes has encontrado en todos los grupos étnicos que has fotografiado?

AB: En general, el conocimiento de la naturaleza, el sentido de colectividad, la conexión ancestral con la tierra y el sentido de pertenencia al mismo paisaje.

VL: 7. ¿Crees que continuaras trabajando con video, y por qué?

AB: Si, claro. La verdad es que la técnica para mí es secundaria. Primero se me ocurre un tema y luego voy viendo cómo lo voy a conducir. En las aguas de la fotografía me siento más cómodo y hay miles de formas de ataque. Luego en la impresión y en la presentación en sala hay más herramientas. Pero eventualmente el video me ha servido para poder decir algo que de otra forma no habría podido: la rudeza e inestabilidad del viaje en trineo a -35 º C (en Nieve Suave, 520 Renos), el llanto coral de las plañideras (¡Ay Mamita! y ¡Compadre Florencio!) y recientemente, el silencio, en Omertá Petrolera. Por tanto, espero que el video me siga permitiendo desarrollar cosas que con la fotografía no puedo.

VL: 8. ¿Qué buscas representar en tus proyectos fotográficos?

AB: Me interesa proponer imágenes con sujetos o situaciones intangibles, emociones, arquetipos o alegorías del carácter. Por tanto, mis fuentes de inspiración son diversas, la psicología (de Jung, en particular), la mitología, la antropología, la biología, la

astrología, etc.

VL: 9. ¿Actualmente te encuentras trabajando en un nuevo proyecto?

AB: Ahora estoy haciendo un Máster en Artes Digitales en la Universitat Pompeu Fabra, en Barcelona. Las tecnologías digitales ofrecen una gama de herramientas tan vasta que es muy difícil adquirirlas empíricamente. De modo que estoy conociendo un montón de posibilidades técnicas que tendré a mano para mis futuros proyectos.

VL: 10. ¿Qué representa una buena foto para ti?

AB: Para mí, una buena foto, es aquella que le gusta a alguien. Es decir, cada foto tiene unas ocho mil millones de posibilidades de ser buena, basta que haya una persona que le guste. Buena o mala, es sólo cuestión de gusto. Por suerte...

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“NO”, donde la ficción se funde con el documental en la estrategia publicitaria que arrancó a Pinochet del poder Por Lucía Nieto Maestre

La película “No”, que relata la campaña del NO en el referéndum nacional chileno de 1988, nos propone un original formato en el que la dramatización se junta con el documental y donde la ficción basada además en una obra teatral, se entremezcla con vídeos reales de archivo, logrando crear una atmósfera realista que parece trasladar al espectador a esos tumultuosos años chilenos.

La película del director chileno Pablo Larraín que fue estrenada en 2012 y candidata al Óscar a mejor película extranjera, cuenta cómo se construyó la campaña publicitaria del NO previa al plebiscito chileno del 5 de octubre de 1988 que derrocó a Pinochet del poder.

Con un reparto encabezado por el mexicano Gael García Bernal, el multifacético director de teatro

chileno Alfredo Castro y el también chileno Néstor Cantillana, entre otros, Pablo Larraín, basándose en la obra de teatro inédita “El Plebiscito” de Antonio Skármeta, capta en la gran pantalla un momento histórico que abrió las puertas a Chile hacia la democracia.

Pablo Larraín, declarado anti-pinochetista, nos muestra una película de estética innovadora con la utilización de cámaras que en los años ochenta fueron utilizadas por la televisión chilena, fusionando así de manera muy realista imágenes reales de archivo con ficción.

La película se convierte pues en un material difícil de categorizar.

Si bien está basada en hechos reales que mediante esos materiales de archivo se muestran como elementos más de la película, que actúan a modo de memoria

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CINE LATINO

contemplativa , NO nos traslada a la vez a modo de testigos a través de la dramatización de los eventos, a vivir la particular huella que dejó esa memoria en el director.

La dictadura de Augusto Pinochet - que comenzó con el golpe de estado de 1973 que derrocó a Salvador Allende - acosada por las presiones internacionales decidió, quince años después, convocar un plebiscito para afianzar su poder por otros ocho años.

Plebiscito cuya única pregunta era: Presidente de la República- Augusto Pinochet. Sí No. Bajo el nombre aparecía simplemente un Sí y un No y fue justamente ese “no” de la oposición que venció con un 54,71% de los votos el 5 de octubre de 1988.

La campaña publicitaria previa al plebiscito duró quince días en los que la televisión chilena abrió sus puertas y permitió quince minutos diarios para difundir el mensaje del sí y del no entre las veinticuatros horas de programación oficial.

Quince minutos diarios en la franja nocturna de programación que permitieron a la oposición, encabezada por profesionales de la publicidad, transmitir un mensaje fresco e innovador en la televisión chilena utilizando estrategias clásicas de la publicidad y el marketing bajo el lema: “Chile, la alegría ya viene”.

La campaña, liderada por un joven publicitario, René Saavedra, interpretado por Gael García Bernal, se quiso alejar de mensajes políticos y de acusación del pasado y se basó por el contrario en la visión de la felicidad y del futuro haciendo uso de técnicas de publicidad para vender una alternativa a la dictadura de Pinochet.

La película muestra puntos interesantes que giran alrededor del mensaje que se transmitió, las técnicas utilizadas y la audiencia que

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buscaba la campaña del NO; y es que Chile ya vivía movimientos populares de protesta previos al plebiscito que crearon tensiones.

Sin embargo existía un gran fragmento de la población a la que no llegaba la oposición, que fue el blanco de tiro de esta campaña del NO. Sin duda una sugestiva película que desdibuja las fronteras entre el presente (momento de la grabación de la película) y el pasado (archivo fílmico) fusionando ambos momentos para crear durante la visualización de la obra, un espacio atemporal cuyo objetivo es hacer memoria. Y sobre todo con la intención de dejar de lado los contextos político-sociales que acontecieron tras el plebiscito y que podrían haber cambiado la percepción de la memoria del plebiscito de 1988 en el espectador.

Un film que se nos presenta como un híbrido entre pasado y presente, entre ficción y formato documental, entre la objetividad de los hechos acontecimientos y los elementos subjetivos que incorpora el director para crear una sensación de ironía en la que la democracia se convierte en un producto y la sociedad en su mercado.

Un híbrido que por su atemporalidad, pese a estar inscrito en un contexto histórico particular, abre las puertas a numerosas preguntas de actualidad.

VENTANA LATINA, ABRI L 2015

CLUB DEL LIBRO

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Coronel Lágrimas de Carlos Fonseca Suárez Por Jimena Gorráez Belmar

Esta

novela publicada este año por el escritor

costarricense Carlos Fonseca es, sin duda, un ambicioso proyecto literario de gran originalidad.

Es una novela corta, en la que el personaje central es un hombre de 83 años: el Coronel. La historia transcurre en un sólo día, desde la madrugada hasta el anochecer, y a lo largo de cinco capítulos el autor nos revela la vida de este singular hombre. El Coronel es un ermitaño, un viejo cansado que se ha alejado de todo, inclusive de su nombre y de su pasado ruso.

En Coronel Lágrimas, Fonseca pone de manifiesto un exhaustivo trabajo de investigación histórica el cual vemos reflejado en los bosquejos de la vida del Coronel. Y en particular, a través de Los vértigos del siglo, la historia universal que nuestro ermitaño se propone escribir.

Esta novela menciona personajes históricos poco conocidos pero de gran relevancia. Fonseca nos lleva al México de la Conquista, para pasar al siglo del fallido emperador Maximilano de Habsburgo, pero también habla de la Revolución Rusa y la Guerra Civil Española, de la alquimia y el éxodo de judíos rusos.

Novelas como Coronel Lágrimas, ponen de manifiesto que la literatura latinoamericana ha dejado ya muy atrás la escuela que llevó a muchos de los grandes a escribir sobre temas exclusivamente regionales. Al igual que Ana Clavel en El dibujante de sombras, o Ignacio Padilla con novelas como Amphitryon y El daño no es de ayer, los temas de estas obras son prácticamente universales.

Es así como la literatura latinoamericana contemporánea goza de una madurez que le permite a los jóvenes autores, como Carlos Fonseca, iniciar su carrera con una obra compleja e inteligente.

Esta es una novela demandante, con un estilo narrativo poco convencional que tal vez convierta a Carlos Fonseca en un autor de culto. Coronel Lágrimas probablemente no será un best seller, ya que sus lectores serán aquellos que estén dispuestos a enfrentarse a una novela con una historia y estructura fuera de lo común. Sus personajes no son los que se encuentran en novelas rosas con portadas de película, aquellas que llenan las repisas en librerías de aeropuerto. Ese es el acierto de Coronel Lágrimas, una novela única para un lector único.

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PERFILES

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Camilo Menjura, un incansable explorador Por Tania Farias

Camilo Menjura se inició “oficialmente” en la música a los 10 años, edad en la que aprendió a tocar la guitarra, la que ahora considera su instrumento favorito. A esta, se le han sumado una larga lista de instrumentos entre los que destacan algunos de origen Sudamericano tal como el tiple, el cuatro, el charango y la quena.

Pero su gusto por la música se remonta a su más tierna infancia, gracias a la influencia familiar. Vivos están en su memoria los recuerdos de su madre cantando, y de su padre tocando la guitarra con absoluta comodidad.

La biografía de Camilo es un constante aprendizaje musical, el cual ha dado diferentes frutos, pues Camilo ha formado parte y también ha sido el creador de varias agrupaciones musicales. Además se ha involucrado en una serie de proyectos en los que la música ocupa el lugar de honor.

Es evidente que para Camilo la música va más allá de un mero hobbie o un oficio. “La música es mi manera de expresar lo que llevo adentro, compartir mi mundo interior, y el reto más grande es hacer que la práctica musical (ensayar, explorar, componer, arreglar, descubrir, compartir, aprender, des-aprender, evolucionar, crecer, etc.) sea una práctica espiritual en sí misma”.

Camilo Menjura es originario de Bogotá, Colombia, ciudad en que terminó una licenciatura en Matemáticas y tiempo después inició estudios en Música y Guitarra Clásica en el Centro de Estudios Musicales CRISTANCHO. En Londres, Camilo continuó con sus estudios musicales y realizó una Licenciatura en Música en el London Centre of Contemporary Music. También llevó a cabo otros estudios, que le permitieron descubrir y desarrollar su gusto la música coral. Y es precisamente por su amor a este tipo de música que Camilo creó con el apoyo del consulado de Colombia en el Reino Unido en el 2012 el “London Colombian Choir”.

Además, actualmente participa en el ensamble coral Mixtape Manifesto" y creó la coral "LOLCHOIR" (LOL: Landscapes Of Latin America). “Cuando escucho música coral siento algo completamente humano, orgánico y muy sincero que viene de ella. No hay trucos, no hay

amplificación, efectos o nada que altere el sonido que viene de cada persona involucrada”.

Camilo es un explorador y ha participado en numerosos proyectos de diferente índole. En 2009 trabajo con el compositor Magnus Fiennes, para la grabación de la música de la serie televisiva “The Fixer” la cual fue transmtida por ITV, y en 2010 la música para el filme escoces “Donkeys”.

Desde 2014, Camilo ha incursionado en el treatro, creando la música de la pieza Manuelita de la compañía de teatro Popele, pero además se involucró recientemente en un proyecto Educativo “Los proyectos educativos son un contexto importante en donde se puede usar la música como una herramienta para 'aftectar'/influir en la vida de estudiantes de una manera accesible para ellos.”

Incansable, Camilo Menjura continúa con más proyectos en este 2015. “Hay bastantes ideas en la cabeza, proyectos empezados hace un tiempo y que están haciendo fila para ser desarrollados, etc., pero en líneas generales vienen más cosas a nivel coral, más música con el "Cuarteto de Amira Kheir", más escenarios que nos esperan con la obra "Manuelita", tiempo de compartir algunas grabaciones inéditas, composiciones recientes y seguir sembrando semillas de música por medio de enseñanza, talleres, y presentaciones en dónde se sigan abriendo puertas”.

Para conocer más sobre el trabajo de Camilo Menjura visita www.menjuramusic.com

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VOCES LATINAS

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A votar en las elecciones del 7 de mayo en el Reino Unido VENTANA LATINA, ABRIL 2015

Por Miguel Mercado

Para ello nos hemos reunido con otros grupos de inmigrantes y refugiados, a través del FORUM que reúne a todas las comunidades de migrantes y refugiados y nos hemos puesto en campaña para detener este discurso de odio con nuestro voto. Somos cuatro millones en el Reino Unido y podemos generar un cambio, si nos unimos.

El 7 de mayo hay elecciones parlamentarias donde se elijen los miembros del parlamento que a su vez formarán el gobierno que nos va a regir por 5 años.

Para los latinoamericanos este evento reviste un interés especial y de allí un llamado a todas aquellas personas que puedan ejercer este derecho a hacerlo. ¿Por qué es importante?

En estos últimos años de crisis económica y recesión se ha instalado en toda Europa un discurso contrario a la migración y xenófobo. Hay sectores políticos en muchos países europeos, con distintas connotaciones, que culpan a los emigrantes de la crisis económica y de la disminución de los servicios de bienestar. Los nacionales, dicen, no tienen suficientes trabajos, cupos en la educación ni en la salud porque hay muchos inmigrantes que les quitan el acceso a ellos y los marginan. El Reino Unido no es la excepción. Si miramos los medios de comunicación más amarillos nos damos cuenta que hay una campaña orquestada para ello.

Nosotros los latinos, inmigrantes también, nos hemos puesto en campaña para contrarrestar esto.

Para votar hay que tener derecho a voto y muchos latinos que tienen ese derecho, no lo ejercen, esta vez no hay excusa para no hacerlo. Al mismo tiempo, se trata de convencer a nuestras relaciones familiares, laborales, vecinos y amigos de todos los orígenes a hacerlo.

Un requisito fundamental es estar inscritos en los registros electorales. El plazo para inscribirse vence el 20 de abril y hacerlo, es muy fácil: Lo pueden hacer vía Internet usando el enlace http:// www.votebooster.org/register/theforum Por correo bajando el formulario en el sitio: http:// www.electoralcommission.org.uk/i-am-a/electoraladministrator/running-electoral-registration/publicengagement-resources o simplemente llamando a la oficina de registro electoral local en el municipio correspondiente.

Esta campaña no es un llamado a votar por ningún partido en particular, esa es una decisión que debe tomar cada uno. Lo que buscamos es estar seguros de que estás usando tu voto para defendernos como comunidad y hacernos oír en nuestras preocupaciones de ciudadanos consientes.

VOCES LATINAS

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Festival de Música Latina “La Línea”

PROGRAMA Martes 21 Abril - Jorge Drexler - Union Chapel Martes 21 Abril - Z’ikr - Leicester Square Theatre

Jorge Drexler

Jueves 23 Abril - Plaza Francia - Koko Jueves 23 Abril - Morgan Szymanski & Alejandro Escuer - Purcell Room Southbank Centre,. Parte de la celebración del año Mexicano en Reino Unido 2015.

Viernes 24 Abril - Mextronica - Village Underground.

Parte de la celebración del año Mexicano en Reino Unido 2015.

Viernes 24 Abril - Emicida - Rich Mix Sábado 25 Abril - Mexrrissey - Barbican Hall. Parte de la celebración del año Mexicano en Reino Unido 2015.

Z’ikr

Domingo 26 Abril - Mexacustico Rich Mix. Parte de la celebración del año Mexicano en Reino Unido 2015.

Lunes 27 Abril - Buika - Barbican Hall Jueves 30 Abril - Ana

Tijoux

- Rich MIx

EL FESTIVAL La Linea – El festival de música Latina de Londres fue creado para mostrar la contribución de Latinoamérica al mundo musical y celebrar nuevos artistas, nuevas colaboraciones y nuevos proyectos. También reconoce y responde al creciente estatus de Londres como una de las más grandes ciudades “Latinas” del mundo, hogar de muchos artistas latinos y de un hambriento público muy diverso. La Línea tiene lugar cada abril en diferentes lugares alrededor del centro de Londres, desde clubes hasta salas de conciertos, presentando música que va desde el hip-hop a la clásica y contemporánea pasando por todo sus puntos de

Morgan Szymanski & Alejandro Escuer

conexiones.

Como siempre La Línea toca muchas bases de la música latina, aunque como el decimoquinto año del Festival de Música Latina de Londres coincide con el Año de México en el Reino Unido, México tiene un enfoque particular en la fiesta quincerañera de La Línea.

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Plaza Francia

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Buika

Un dato curioso y conmovedor es que nuestro propio Steven Patrick Morrissey (aka simplemente Morrissey, o Moz) tiene una enorme base de fans mexicanos, colocándole así en el epicentro de La Línea '15 con su grupo Mexrrissey, donde se funde con el cancionero de Morrissey / The Smiths . Mexrrissey inaugura la gira de La Línea en el Reino Unido en el Barbican el 25 de abril 2015.

En el resto del programa, junto a Buika que continúa expandiendo su repertorio más allá de sus raíces flamencas españolas en el Barbican, el 27 de abril, es el ganador del Oscar uruguayo, Jorge Drexler en Union Chapel, el 21 de abril; la chilena Ana Tijoux del underground hip-hop en el Rich Mix, el 30 de abril; el debut en Reino Unido de la Plaza Francia de tomar el sonido del Proyecto Gotan al siguiente nivel con dos de los Gotans originales, más la provocadora francesa, Catherine Ringer, ex- Rita Mitsouko en Koko el 23 de abril; y el productor estrella de la Juventud (ex-Killing Broma) presenta el proyecto Z'ikr que ha desarrollado con Karen Ruimy para rastrear las raíces orientales de flamenco en Leicester Square Theatre el 21 de abril.

Mextronica

Emicida Ana Tijoux

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MI HISTORIA

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Tania Delgado: Soy de la ciudad de México

Lograr el equilibrio entre la cultura de origen y la del país que te recibe no es tarea sencilla cuando se vive en el extranjero, Tania Delgado nos cuenta cómo ha logrado junto con su familia una buena adaptación al Reino Unido, sin dejar de lado sus raíces mexicanas, raíces que ha sabido transmitir con orgullo a sus pequeños.

Soy de la Ciudad de México. Mi esposo se llama Rogelio y mis hijos Pablo y Carolina. Ellos tienen 10 y 7 años respectivamente. Llegamos a Londres el 5 de septiembre del 2005 y vinimos a estudiar. En mi caso, me fue otorgada una beca para hacer una Maestría en Negocios Internacionales y mi esposo, a su vez, estudio la suya en Seguridad de la Información con la ayuda del Banco de México. En un principio pensamos estar en Londres solo por un año, pero después,

debido a la existencia de oportunidades laborales nos quedamos más tiempo. Nunca pensamos que estaríamos acá después de 10 años.

Antes de venir a Londres, nunca habíamos vivido en otro país. En mi opinión, Londres es una ciudad que te conquista rápidamente, sobre todo cuando has vivido en una gran ciudad como lo es la Ciudad de México.

Creo que nos encantó vivir en Londres por el orden, la organización. Además de que pudimos adaptarnos muy bien a la vida aquí. La calidad de vida fue otro factor que nos gustó mucho. Claro que no todo es positivo y hubo un periodo de adaptación y de aprendizaje que si nos costó trabajo. Sin embargo, como teníamos muchos deseos de vivir esta experiencia, no se nos hizo tan pesado en su momento.

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MI HISTORIA

Pablo nació en la Ciudad de México y llegó a Londres cuando tenía 18 meses. Él realmente no recuerda su vida en México. Carolina, por su parte, nació aquí.

Criar un hijo en México y trabajar de tiempo completo fue muy pesado. Recuerdo que nos levantábamos muy temprano a alistarnos para ir a trabajar y llevar a Pablo a la guardería, ya que yo comenzaba a trabajar a las 7am. Y con las distancias y el tráfico de la ciudad, implicaba que tenía que salir de casa a las 6am. Y de regreso no llegábamos a casa antes de las 7pm. Solo nos daba tiempo de cenar y alistarnos para el día siguiente. Esa es una de las cosas que no extraño de México. Aquí, cuando trabajaba de tiempo completo, podía llevar a mi hijo a la guardería, recogerlo y nos daba tiempo de hacer algunas cosas en la tarde, como ir a nadar, leer libros, o preparar la cena en familia. Con mi hija fue un poco diferente, pues después de que terminó mi incapacidad por maternidad, decidí no regresar a trabajar de tiempo completo y trabajaba 3 días a la semana. Esa es otra situación que no es frecuente en México y que para una mujer significa una gran ayuda para balancear la vida profesional con la vida personal.

Actualmente, ambos están en la primaria y aunque yo ya estoy trabajando de tiempo completo nuevamente, nos da tiempo para que hagan actividades por la tarde, y como hay menos tráfico y las distancias son más cortas, podemos pasar más tiempo juntos que lo que hubiéramos pasado en México.

Un aspecto que disfruté mucho de criar a mis hijos aquí, cuando eran bebés, fue el poder usar las bibliotecas y asistir a las sesiones de cantos y juegos.

Esas actividades nos permitían aprender y socializar un poco con otras familias ya que, en mi experiencia, el tener hijos en Londres sin tener más familia aquí puede ser muy aislante y pesado pues no hay con quien compartir y a quien pedir consejo o ayuda. En México, donde está toda nuestra familia, podríamos tener ayuda y apoyo de las abuelitas, tíos o amigos.

Preservar el español en mis hijos, es una tarea de todos los días. Así que en casa solo hablamos español.

Tratamos de leer en español también. De hecho, el consulado de México tiene un servicio de entrega de libros de texto gratuitos y de lecturas acorde con el

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año escolar de los niños. Eso ha sido una gran ayuda, además de que cuando vamos a México también compramos libros y materiales que encontramos interesantes. Mis hijos aún no hablan perfecto el español y de hecho es una lucha casi diaria para que me contesten en español, pero hay que tener paciencia y perseverar y tratar de encontrar un equilibrio entre la lengua de casa y la lengua de la escuela.

Yo creo que desde un principio, la cultura del Reino Unido, nos pareció una cultura interesante, abierta y tolerante. Así que hemos tratado de ser respetuosos de los usos y costumbres e intentamos adaptarnos.

Tenemos amigos ingleses, lo cual nos ayuda a integrarnos un poco más a la vida del Reino Unido.

Claro que el hecho de que los niños asistan a la escuela aquí ha ayudado a nuestra integración, sin mencionar los trabajos y la vida diaria. Londres es una ciudad tan cosmopolita que facilita la integración de gente de todos lados.

Pero al mismo tiempo, siempre hemos tratado de hacer hincapié en nuestras raíces y nuestros hijos se saben y sienten mexicanos. Hace algunos años me incorpore a un grupo de danza folclórica y practicábamos bailes tradicionales y hacíamos presentaciones. Pablo, que estaba más pequeño, bailaba con nosotros y tenía buena aceptación en las presentaciones vestido con su traje de charro.

Actualmente, debido a mis compromisos laborales, ya no participo en ese grupo, sin embargo, seguimos tratando de celebrar algunas tradiciones, como la ofrenda de muertos, el nacimiento en Navidad, la rosca de Reyes, los tamales de la Candelaria, entre otros. Cuando vamos a México traemos ingredientes para cocinar comida mexicana y a todos nos encanta. Mis hijos ya son más tolerantes con el picante y ya piden salsa Valentina en su comida.

Personalmente, el integrarse a una nueva culta es una lucha constante, y requiere tratar de equilibrar y poner prioridades con la visión de mediano y largo plazo. También requiere el apreciar y disfrutar lo que se tiene hoy y tratar de valorar lo bueno de cada cultura. Pero sobre todo, para mí, la clave es que las culturas tengan valores que compaginen.

Centro Infantil Menchú y Escuela Sabatina de la Casa Latinoamericana

Estamos ubicados a solo unos pasos de Kilburn High Road

De 2 a 5 años de edad

Sábados

De lunes a viernes

10am—1pm

8am—6pm

Durante el período escolar

48 semanas al año nursery@casalatina.org.uk

spanishschool@casalatina.org.uk

Teléfono: 020 7624 9398

Teléfono: 020 7372 8653

OFSTED EY397443

Todos los profesores son cualificados y hablantes nativos

Para mamás y sus bebés y niños de 0 a 2 años (bilingüe) Cada martes de 10am a 12pm en la Casa Latinoamericana Ven a disfrutar de una amena charla, una taza de té y de actividades variadas.

Visita nuestro grupo en Facebook para más información Latin American House 10 Kingsgate Place NW6 4TA Donación voluntaria £2

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¡SABOR BRITÁNICO!

Empanadas de atún Por Lluvia Almada Ingredientes: Para el relleno:

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1 lata de atún

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1/4 de cebolla (1/2 si es chica) picada

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1 diente de ajo (2 si son chicos) triturado

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1 zanahoria mediana en cubitos

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1 tomate en cubitos

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1/4 de taza de aceitunas rebanadas

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1 cucharada de chile serrano o jalapeño picado finamente

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1/4 de taza de chícharos congelados

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1 varita de apio picada

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1/2 taza de puré de tomate

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1 cucharada de salsa inglesa

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Orégano, comino y tomillo al gusto

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Sal y pimienta al gusto

Aceite de oliva Para las empanadas:

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Harina de maíz nixtamalizado

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Agua tibia

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Sal al gusto

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1 cucharadita de polvo para hornear

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Aceite para freír

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Bolsas de plástico

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Prensa para hacer tortillas

Elaboración: En un sartén previamente caliente agregar un poco de aceite de oliva y sofreír la cebolla, agregando después el

ajo y a continuación la zanahoria y el apio. Añadir entonces el tomate, el puré de tomate, las aceitunas, el chile, los chícharos, la salsa inglesa, las especias, sal y pimienta al gusto, cocinando por unos minutos. Por último agregar el atún previamente escurrido, dejar sazonar por unos minutos más, tapar y apagar el fuego.

Para hacer las empanadas, primero habrá que formar la masa agregando agua tibia a la harina de maíz, sazonando con sal, agregando la cucharadita de polvo para hornear y amasando hasta obtener una masa firme. Formar bolitas y a continuación hacer unas tortillas delgadas pero lo suficientemente fuertes para poder poner el relleno y evitar que se desbaraten, esto con la ayuda de la prensa para hacer tortillas y usando las bolsas de plástico para evitar que se peguen. Ir rellenando una a una las tortillas (evitando ponerles líquido del guisado) y doblarlas perfectamente presionando los bordes. Freír una a una las empanadas por ambos lados y dejar escurrir en papel absorbente.

Servir acompañándolas de ensalada.

Tu Casa Latina en Londres. Acércate a nosotros para saber más de nuestros servicios. www.casalatina.org.uk