Puto Lunes

ÍNDICE

24-31

40-45 Entrevista Varry Brava ........................

Análisis El rock and roll actitud, más Loco Análisis El regreso de los infiernos de Rubén

4-8 10-11 12-13

Entrevista Quaoar ................................

Reportaje La pulga revolucionaria .....

Análisis Música con mal trasfondo ....

Entrevista Isma Romero ......................

14-18 19-22 23 24-31

Análisis La era del ‘Fast Music’ ...........

Reportaje Movidas que dejan huella ..

Entrevista The Royal Flash ..................

Reportaje La sombra de la música .....

Reportaje El fantasma del vinilo .........

32-33 34-39 40-45 46-52 54-58

14-18

4-8

Varry Brava:

“Nos sentimos una banda algo convencional en

da transexual: un cuerpo indie� por Janire Sainz

E

scuchar a Varry Brava es como viajar por todo el panorama musical europeo de los últimos treinta años: desde

el pop más ochentero hasta el clásico rock and roll, pasando por sonidos tan diferentes como lo italianoso o el modernísimo indie. En su último sencillo, “Arriva, 16 horas de juego y cuatro litros de bebida energética”, la banda consigue un pop orgánico y actual sin dejar de lado ninguna de sus influencias. Con su cantante, Óscar Ferrer, y el bajista, Aarön Sáez, hacemos un repaso por los seis años de Varry Brava.

J.S: ¿Consideráis que ha-

béis evolucionado musicalmente en estos seis años que lleva Varry Brava?

V.B: Creemos que sí, al menos eso es lo que intentamos. Desde el principio nos ha gustado jugar con el pop y sus melodías, con muchas de nuestras influencias sin miedo a prejuicios, a escuchar cualquier cosa. Incorporar todo eso, siempre innovando e intentando sorprender.

J.S: ¿Cuál es el cambio más

importante que habéis notado de vuestra evolución?

V.B: El llegar a más gente a veces te hace sentir la presión de hacer que disfruten con tu música, al principio hacíamos las cosas de una manera más... no libre, pero sí inconsciente. Con el paso del tiempo nos vamos dando cuenta de que cada vez buscamos más que la gente nos siga y disfrute haciéndolo.

J.S: Os definís como una

mezcla de pop, indie-rock, disco y canción italiana. ¿Cómo decidisteis juntar todos estos estilos, algunos tan diferentes entre ellos?

V.B: Lo hacemos de manera natural. Somos una banda muy rica en influencias y la verdad es que nos da lo mismo hablar de blues, que de un.

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pasodoble o música electrónica actual. Nos gusta todo, la gente que nos escucha también es muy abierta musicalmente y lo hacemos de una manera bastante natural, si fuera forzado nos sería imposible hacerlo como lo hacemos J.S: ¿Cuáles son esos grupos que os han influenciado?

V.B: Sobre todo la música de los ochenta, pero también nos estamos abriendo más. Escuchamos desde la música más

más mainstream, hasta canción italiana. Ahora mismo estamos escuchando muchas bandas de los 90, como Blur.

J.S: Eso de la canción ita-

liana es algo que llama bastante la atención: tanto en “Demasié” como en “Bravísimo” hacéis muchos guiños al idioma. ¿Por qué en italiano?

V.B: Desde siempre hemos tenido un italiano dentro. Nos gusta mucho la cultura musical europea en general e ita

liana en particular; una imagen que nos gusta de alguien elegante con clase, conquistador, música disco... Nuestras madres siempre han estado enamoradas de cantantes italianos, en el coche ponían música de solistas italianos, y ahora...queremos enamorarles nosotros a ellas.

J.S: Vuestro último dis-

co, “Arriva”, es el más rockero de todos, sobre todo comparándolo con “Demasié” que es bastante más ochentero. ¿Con cuál de los dos os habéis sentido más a gusto?

V.B: Nos sentimos en nuestra salsa en ambos. Lo que queríamos con “Arriva” era crear un sonido más actual, no queríamos encasillarnos en una banda que utiliza un sonido ochentero, con refritos, ni quedarnos en una simple anécdota. Nosotros veíamos que nuestro estilo apenas estaba visto. La verdad es que

ha sido cuando hemos llegado a nuestro mayor momento de madurez, y creemos que se nota. Necesitábamos de verdad hacer un disco así.

“Desde siempre hemos tenido un italiano dentro y eso se refleja en nuestras canciones”

De maqueta a disco J.S: Siempre habéis dicho que vuestro primer trabajo como Varry Brava, “Ídolo”, suena a maqueta. ¿Por qué?

V.B: La grabamos con muy pocos medios, mucho ron, piscina y tomándonoslo con mucha calma. Mucho trabajo, sí, pero en unas condiciones etílicas y laborales bastante poco apropiadas para grabar un disco. Nosotros realmente fuimos de vacaciones a una casa rural, y ya de paso, nos pusimos a grabar unas canciones que ya teníamos compuestas.

J.S: Sobre la música nacional, cada vez más grupos españoles deciden cantar en inglés para llegar a un público más amplio. ¿Qué opinión os genera eso?

V.B: Que están totalmente confundidos. Lo primordial es llegar a la gente de aquí. La mejor manera de expresarse es en el idioma que mejor se domina, pero bueno, que cada

uno haga lo que le salga de los cojones. Nosotros vamos a hacerlo al revés; cuando todo el mundo nos conozca, nos pondremos a cantar en inglés: primero lo petas, y luego ya cambias todo de arriba abajo.

J.S: ¿Por qué siempre V? V.B: V de vida, valiente, vendetta... No lo sabemos muy bien, nos gusta más la V que la B. Puro marketing.

“Para nosotros lo primordial es llegar al público español”

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J.S: ¿Cuál es la canción con Además nosotros en particula que os quedaríais? lar, por el estilo de música V.B: Es una pregunta muy di- que tocamos nos sentimos fícil de responder, siempre e una banda transexual, es des complicado elegir entre tus cir, pensamos que somos propias canciones. En gene- una banda convencional, que ral, evidentemente nos gu le puede gustar a millones de stan todas, pero con las que personas, pero estamos ennos quedaríamos sería “Fan” cerrados en el cuerpo de una y “Oh, Oui, Oui”, sobre todo banda indie. A todos nos gusporque tienen mucha vida y taría llenar estadios, y ojalá se van quedando en el tiem- que algún día sonemos en topo, no caducan y son las dos das las radios, sean del estilo que más nos podrían que sean. identificar como banda J.S: ¿Y qué decís sobre esos grupos que abandonan su estilo personal, con el que empezaron, por otro más comercial para llegar a más público?

V.B: Bueno, hay dos maneras de hacer las cosas: bien y mal. Da igual si suenas en Los 40, o solo consigues meter a quince personas en una pequeña sala haciendo lo más independiente del mundo, lo importante es la manera, hacer buenas canciones. No creo que todo lo que salga en Los 40 sea malísimo, ni todo lo independiente sea buenísimo.

“Da igual si suenas en los 40 o eres independiente, lo importante es hacer buenas canciones”

El rock and roll actitud, más Loco

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ificultad imperiosa aquella de la renovación. La de mantenerse activo y no ser un refrito de ti mismo, de tu banda, de aquellos “jóvenes airados”. Subirse al escenario y repetir el mismo rol que hace 30 años, con los mismos temas y el mismo aspecto, pero más viejo. Caminar sobre la frontera de la simpleza y elfracaso.

Qué mejor que hablar del Loco para explicar esta vorágine de decadencia existencial. No la suya, por supuesto, pero sí la de muchos rockers

españoles que no son más que un vestigio de lo que fueron en la década de los 80.

Y es que quizás su voz “no esté formada en absoluto”, como dice el señor Juanjo Ordás, pero sí lo está, sin duda, su actitud.Madurez, dignidad y savoirfaire como forma de vida.

Tres pesquisas que son, también, las bases principales para que Código Rocker (Warner Bros, 2015), su nuevo álbum, sea todo un éxito en ventas y críticas. Simplemente grande. Simplemente simple.

Por Verónica Otxandio Y es que este nuevo trabajo, grabado junto a la mítica banda rockabilly Nu Niles, no es más que una reedición de esos temas infantiles y jocosos de sus primeros años, de la forma más adulta jamás pensada.

Loquillo durante la firma de discos de Código Rocker en Bilbao // Verónica Otxandio 10

Sin composiciones nuevas, sin temas innovadores, consigue desvincularse de ser un “grupo revival como tantos” y, sobre todo, de ese grave Síndrome de Peter Pan que a muchos músicos veteranos afecta. Jaime Urrutia, Los Enemigos, Los Suaves... recopilatorios, largos trances de inactividad y algún que otro libro aprovechando el tirón de alguna fecha señalada. El Loco “no tiene enemigos”, y tampoco competencia.

Una trayectoria bien encaminada con los Intocables, los ‘Troglos’ y en solitario desde 2008, grandes discos y proyectos, como el álbum de culto Balmoral (Warner Music, 2008).

Resulta difícil de equiparar todo este trabajo con un sencillo álbum de reediciones.

Sin embargo, el del Clot consigue rebosar calidad, moviendo al público, aún más si cabe, en cada concierto. El toque nostálgico aparece ahora, cuando pregunta a su público: “Me gustaría saber qué edad teníais cuando me veíais en ‘La Bola de Cristal’”, en el tercer concierto de su recién estrenada gira, en la capital vizcaína.

“Uno tiene que ser responsable y, sobre todo, saber la edad que tiene y envejecer con cierta dignidad”, comenta siempre Loquillo. Hace apenas un año del lanzamiento del su anterior disco,

El Creyente (Warner Music, 2014), un trabajo con poso, compuesto en su totalidad por letras sobrias que abordan los temas más complicados del panorama actual. Antagónicos como poco.

Pero el Loco tiene la clave: de la política a la banalidad total en menos de doce meses con una forma extrañamente perfecta. En su tema “¿Dónde estás?’, afirma: “Qué difícil ser humilde cuando uno es tan grande”, y qué más decir, si él sabe continuamente su lugar en la vida del rock and roll.

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por janire sainz

EL REGRESO de los infiernos

Q

DE RUBÉN

ue Rubén Pozo empiece el segundo concierto de su nueva gira cantando una canción que está muy le jos de ser la mejor del disco, pero que el estribillo reza :”Todo pal’ante, todo pa’lante, todo pa’lante, todo pa’lante eh...” es, sin duda, una buena señal .

El que fue la mitad de Pereza se dio de bruces con la realidad después de diez años de idilio con la fama cuando decidió decir adiós a Leiva “por un tiempo”, y continuar su carrera profesional como solista.

‘Lo que más’, su primer disco en solitario, daba un giro de 180 grados a todo lo que había tocado antes, con ritmos más pausados y letras totalmente diferentes a lo que el público perezoso estaba acostumbrado a escuchar.

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Mientras Leiva continuaba colgando el Sold Out en todos los conciertos que ofrecía, Rubén se tuvo que conformar con vender treinta entradas en ciudades como Bilbao, resignándose meses después a tocar en pequeños locales que daban cenas a la vez que el cantautor de turno se desgañitaba para tocar la fibra del público, muchas veces más concentrado en su hamburguesa que en lo que estaba escuchando.

Las letras de ‘Lo que más’ no tenían nada que ver con pereza

El caso de “ángel caído” no es extraño en la música española: Otro caso reciente es La Fuga. Cuando la banda cántabra se separó, el éxito se fue con Rulo y su voz rasgada. La otra tercera parte del grupo se tuvo que conformar con fichar otra voz (y otro letrista) con menos personalidad, lo que les mantiene en la sombra del rock and roll.

“Él está completamente enamorado del rock and roll, después de la mala racha que pasó decidió mirar al frente y ver el vaso medio lleno”, continúa Turrón. Algo que ha quedado claramente relejado en ‘En Marcha’, donde deja atrás las letras lúgubres y acepta su condición de, como él mismo se apoda en uno de sus temas, “Chatarrero” de la música.

“Fue jodido para Rubén, Leiva era como su hermano y estaba viendo que podía seguir adelante sin él; todo el mundo UN ‘STARMAN’ EN MARCHA le conocía más”, explica Kike Turrón que, además de ser un buen amigo suyo es su actual manager.

Aprovechando el control total de su inseparable Fender, se atreve incluso a versionear a David Bowie con ‘Starman VOLVER A EMPEZAR 2.0’, que consigue pasar desapercibida entre ‘La chica de la curva’ y ‘Por eso se hace’.

Era como si volviera a empezar desde cero. Fueron tiem- Pero, lo que sin duda alguna pos duros para Rubén, pero, deja más que claro su vuelta después de “pararse a pen- al mundo de los vivos es el sar, recostarse en el hoyo, mensaje de paz a su ex comreconocer el lugar, y cortar el pañero de escenarios con ‘Enrollo”, como él mismo explica tre tú y yo’, la canción que ha en su segundo sencillo, trepó logrado emocionar a los inhasta la superficie y siguió lu- condicionales de Pereza y que chando por que sus canciones deja un resquicio de esperanvolvieran a ser coreadas por zas para, al menos, un último miles de fans como años atrás. concierto acompañados.

fUERON TIEMPOS DIFÍCILES: ERA COMO SI VOLVIESE A EMPEZAR DESDE CERO

‘STARMAN’ PASA DESAPERCIBIDA ENTRE ‘lA CHICA DE LA CURVA’ Y ‘POR ESO SE HACE’

El tiempo lo dirá. Lo que es seguro es que a Rubén no se le vence con facilidad, y que su vuelta con más fuerzas que nunca ha hecho que el público se vuelque con él en su nueva gira, volviendo a - casi llenar las salas de conciertos.

Pase lo que pase, está aquí, para quedarse, “tonto, de tanto rock and roll por todas partes”.

r a o Qua

Dreamers.

Dreaming Por Naroa LuquĂ­n

“Una jodida movida muy rara”

Q

uaoar es un grupo de rock bilbaíno cuya fuerza y espíritu musical nace de la fusión de los distintos estilos de sus integrantes. Con Josu y Hugo a las guitarras, Bjorn en la batería, Aitor al bajo e Iñigo al micro, hacen “una locura” sin límites ni expectativas. Estos autárquicos de la música acaban de sacar al mercado su tercer disco ‘Dreamers. Dreaming’ tras una larga trayectoria que comenzó en 2002. Su victoria en una multitud de concursos, entre los que se encuentra el Villa de Bilbao de 2012, los ha llevado a situarse en primera línea del escenario ‘progressive metal’ nacional

Naroa Luquín: Quaoar nació en 2002 con una composición muy distinta a la actual. Comenzasteis haciendo death metal y en un punto de vuestra trayectoria decidisteis fusionaros con algo más melódico tirando al rock independiente. ¿Qué provoca este cambio?

Quaoar: Así es, nosotros hacíamos death metal. Todo cambió con Iñigo. Cuando llegó Iñigo con su voz melódica al grupo tuvimos que cambiar el estilo. El grupo empezó hace un montón de años con otra gente del barrio. Siempre empiezas con gente de tu alrededor. Y sus integrantes han ido y venido a lo largo de los años. Esa es la razón de su transformación.

Para el cambio que supuso la llegada de Iñigo al grupo, lo conocimos de una forma muy fortuita, no hay ninguna historia épica detrás, deberíamos pensar en inventarnos una.

N.L: Se puede decir que la formación oficial de Quaoar como se conoce actualmente fue en el año 2006.

En nueve años, tres discos. ¿Ha sido duro el camino?

Q: Es duro el comienzo. Cuando te das cuenta de que lo más normal es estar en un concierto y ver que los que están a tu alrededor son integrantes de otras bandas, 16

que somos todos músicos amigos de músicos. El que tiene pasta no se moja pero la gente tampoco está dispuesta a pagar o ir a conciertos.

Seguramente piensen que como eres de aquí o no sales en la tele no mereces la pena. Lo poco más allá que hemos llegado ha sido gracias a ganar concursos. Y eso que odiamos los concursos,

pero te presentan, ganas y es reconocimiento al instante.

N.L: Estáis con el tercer disco, habéis ganado todos los concursos a nivel autonómico, y ¿ahora qué?

Q: Hemos tocado en muchos sitios a nivel estatal: Madrid, Vigo, Ourense, Pamplona, etc.

Pero nunca hemos hecho una gira de siete días seguidos.

Nos gustaría muchísimo salir a Europa, creo que es nuestra siguiente meta. Solo hemos estado en Italia y fue un concierto muy curioso en una carpa llena de señores con sus hijos sentados viéndonos, no sabían a lo que iban. Aun así, Quaoar no tiene expectativas. No quiere encasillarse.

“Europa es nuestra siguiente meta” N.L: ¿Cómo encasilláis vuestro estilo musical? En Myspace lo definís como: “el asunto caribeño cuando se funde con el punk post-ambiental”, ¿qué significa esto?

Q: Quaoar es rock, pero llámalo como quieras. Intentamos ser diferentes y creo que lo conseguimos por la

diversidad de gustos musicales que conviven en nuestro grupo. Cada uno tira hacia un lado. A uno le gusta Luis Miguel y otros somos muy metal. Pero como somos muy pocos nacis en ese aspecto, hacemos lo que nos sale. Lo que llega al local, si es bueno lo sacamos. No tenemos que rendir cuentas a nadie. Al final conseguimos hacer algo heterogéneo, que suene un poco nuestro. Por eso no tenemos expectativas. Suena grandilocuente pero en cualquier momento podríamos sacar un disco y que la gente dijera: “¡Pero qué mierda es esta, esto no es Quaoar!”

“Cada uno tira hacia un lado. A uno le gusta Luis Miguel y otros somos muy metal”

N.L: Entonces, ¿qué es Quaoar?

Q: No lo sé ni yo… Por eso no hay expectativas y no debería haberlas, aunque siempre las hay.

N.L: Decís en vuestro bandcamp: “rock, alternativo, grunge, metal… realmente no importa”. En un principio suena genial pero, ¿comercialmente hablando tampoco importa?

Q: No. El estilo no es importante. Lo normal es hacer un estilo concreto para gustar a un público concreto. Lo cual está muy bien porque las discográficas solo te fichan si tienes algo concreto para poder enfocar como venderte y a quien venderte. En cuanto haces algo fuera de lo normal ya no eres fácil de vender porque llegas a poca gente de muchos y distintos márgenes.

N.L ¿La gente necesita etiquetas para entender la música?

Q:Exactamente. El aspecto negativo de intentar algo distinto es que te arriesgas a que el oído del público no te diferencie. La gente necesita que se lo den mascado. Es un lastre porque las discográficas son metaleras, son roqueras o lo que sea, pero como siempre estamos a medio camino entre el rock, el metal, el grunge, es difícil que alguien apueste.

No nos importa el estilo porque componemos lo que nos sale de dentro.

N.L: Y, ¿cómo componéis?

Q: El proceso es el siguiente: uno construye una idea en casa, la lleva al local y allí se le da forma entre todos. El molde lo lleva siempre uno de casa y después se perfila. No somos de improvisar. Puede que uno lleve un cacho elaborado y otro se lo lleve a casa para perfeccionarlo. Hay mil 17

maneras diferentes de componer. Unos chavales nos pidieron una vez que les enseñáramos a componer y fue muy duro, no teníamos ni idea de qué les íbamos a contar. Siendo sinceros, somos muy lentos componiendo, hemos tardado dos años en hacer el último disco.

“estábamos buscando un nombre que nadie tuviera” N. L: Quaoar, un cuerpo menor del sistema solar descubierto en 2002, ¿qué tiene que ver eso con vosotros?

Q: Algo sí, hoy no, pero lo tuvo. EL primer cantante, Jony, de Basauri, era aficionado a la astronomía. Cuando montamos el grupo en 2002, justo se descubrió el nuevo planeta. La verdad es que no suena nada bien, siempre hay que explicarlo, pero estábamos buscando un nombre que nadie tuviera y ponerle el de un planeta que se había descubierto esa semana nos pareció buena idea. En realidad, el planeta se llamó así porque lo descubrieron desde un territorio en el que antiguamente vivía una tribu cuyo dios se llamaba Quaoar: dios de todas las cosas, que creó todo mientras cantaba y bailaba la canción de la creación. No es el nombre más comercial del mundo pero describe bastante bien lo que hacemos: “una jodida movida muy rara”.

“Algún día haremos una versión de los Beatles” 18

N.L: ¿Vuestras referencias?

Q: Toda la agenda de los 90 de Seattle, Opeth, Porcupine Tree, Jeff Buckley, Pain Of Salvation, Pearl Jam, Soundgarden, también bastante metal, porque siempre empieza uno siendo heavy. Y los Beatles por supuesto. Algún día haremos una versión de los Beatles. Hablando antes del estilo, a nadie se le hubiera ocurrido preguntar a los Beatles qué estilo hacían, era una época en la que no era necesario que un disco sonase homogéneo. Escuchas cualquier disco y tienen canciones que van desde el rock casi Black Sabbath hasta un rollo jazzero tipo música de

ascensor de los 50, cabaret o folk. Parecía que tenías diez discos en un solo disco.

Por eso nos gustan tanto nos Beatles, por su riqueza.

La pulga revolucionaria por María Pastor

“¿alguien ha visto a

Marilyn Monroe tocando el ukulele? no hay nada más sensual”

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e

n 1880 un numeroso grupo de portugueses de Madeira viajaron a Hawaii a trabajar en los campos. Con ellos llevaban un instrumento de 4 cuerdas y 55 centímetros de largo conocido como Cavaquinho que causó furor entre los nativos. Estos lo llamaron ukelele (pulga saltarina) y lo adaptaron a su cultura como un instrumento más llegando incluso a ser usado por el penúltimo Rey de la isla.

Así, esta especie de guitarra reducida ha llegado a ser mundialmente conocida y ha pasado por manos como las del rey del rock and roll, Elvis Presley, y las del mítico de la banda The Beatles, George Harrison.

En 1880 un numeroso grupo de portugueses de Madeira viajaron a Hawaii a trabajar en los campos. Con ellos llevaban un instrumento de 4 cuerdas y 55 centímetros de largo conocido como Cavaquinho que causó furor entre los nativos.

Estos lo llamaron ukelele (pulga saltarina) y lo adaptaron a su cultura como un instrumento más llegando incluso a ser usado por el penúltimo Rey de la isla. Así, esta especie de guitarra reducida ha llegado a ser mundialmente conocida y ha pasado por manos como las del rey del rock and roll, Elvis Presley, y las del mítico de la banda The Beatles, George Harrison.

A Bilbao se la conoce como una ciudad por su cóctel inmenso donde mar, montaña, historia, arquitectura y tradición se combinan para dar un resultado inolvidable. Sin irnos muy lejos de las fronteras de esta ciudad, se encuentra la península de la Ribera de Deusto, más conocida como Zorrozaurre. Una vez se empieza a caminar los cientos de metros de asfalto junto a la ría, y viendo que aparentemente no hay vida, uno se da bruces contra la inmensa cultura que está concentrada en este lugar. Es gracias a ZAWP. Este centro reúne muchos proyectos culturales y artísticos, donde no podía faltar la presencia de este instrumento de cuatro cuerdas.

El laboratorio del Ukelele, me-

jor conocido como Ukelab, ofrece al público todo tipo de actividades relacionadas con él. El coordinador de este laboratorio, Marcos Feijoo, cuenta que venden diversos tipos de ukeleles, desde sopranos hasta tenores, pasando por barítonos, eléctricos e incluso banjoleles, una fusión de banjo y ukelele.

“Es genial que los grupos se animen a aporrear las pequeñas cuatro cuerdas” Además de esto, enseñan a tocar el ukelele y todos los domingos hacen ‘Ukedadas’, donde se reúnen los amantes de este “gratificante instrumento” para compartir un buen rato con todo el que quiera, comenta sonriente Feijoo.

una herramienta muy útil para componer canciones debido a su portabilidad. Allá donde te llegue la inspiración si llevas contigo tu ukelele puedes tener un hit”.

Al hablar del perfil de los clientes, cuenta que hay mucha diversidad: “Viene gente que nunca ha tocado un instrumento ni sabe de música, pero sí que quiere intentarlo; hasta gente que experta como guitarristas, amantes de las habaneras, rockeros y cantautores”, añade el coordinador de Ukelab.

Feijoo hace hincapié en que “para tocar unos acordes y cantar una melodía no hace falta un don

Esta iniciativa está gustando a bilbaínos y bilbaínas y el cabecilla del proyecto Ukelab está muy contento con la acogida: “Hemos sembrado muchos ukeleles en Bilbao y alrededores y pronto empezaran a florecer”, cuenta Feijoo. El coordinador explica que el ukelele además de ser un sonido nuevo para muchas personas “es 20

sobrenatural. En realidad sólo hay que intentarlo”. Además, añade que: “Hay que tocar mas en casa, en la calle, en los parques y así ser capaz de reconocer si la música que nos proponen merece realmente escucharla”.

Donde caben 2 caben 5 Con el paso de los años, el auge de este instrumento tan peculiar se ha notado en las bandas de música. Ha pasado de ser el instrumento musical de ‘risa’ a estar de moda en muchas bandas indie y de rock. Sin embargo, hay grupos que no entienden de modas y lo llevan desde que nacen en su música. Es el caso de la banda folk-rock del municipio madrileño de Colmenar Viejo.

“Allá donde te llegue la inspiración si llevas contigo tu ukelele puedes tener un hit”

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“Ukulele Clan Band nace de un grupo de amigos que les gusta la música, la cerveza, los parques y los viajes”. Así cuenta Alejando Chinea, cantante de la banda, los inicios en 2009.

El punto de unión de esta banda fue las ganas de explorar y fusionar nuevos instrumentos con las tradicionales guitarras acústicas, baterías y bajos.

“El Ukulele fue el primero de una gran familia de instrumentos que fuimos añadiendo a nuestra pasión cervecera de parque”, cuenta. El cantante confiesa sonriente que: “Al principio llegaron a haber más ukuleles que otras cosas… El Clan del Ukulele ya había nacido”.

Alejandro Chinea describe este instrumento de la siguiente manera: “Es pequeño, fácil de tocar, de llevar a cualquier parte y de aprender, además económico, suena agradable y muy recomendable para empezar a tocar música partiendo de cero”. En conclusión: lo tiene todo. Además de estas ventajas añade que: “este instrumento como herramienta para escribir canciones no tiene precio, ya que te lo puedes llevar a la playa,

“Hemos sembrado muchos ukeleles en Bilbao que pronto empezaran a florecer” a la montaña o en el metro y seguir tocando… a pesar de que alguna vez te digan que pare…”, ríe el cantante al recordar ese momento. Por último suma a la lista de ventajas lo siguiente: “y el componente erótico del Ukulele… ¿alguien ha visto a Marilyn Monroe tocando el ukulele?… no hay nada más sensual”.

A simple vista este grupo tiene aire americano. Sin embargo, Chinea cuenta que este estilo “viene precisamente por el timbre característico del banjo, las letras en inglés y algunas canciones con aire country”. “El estilo de la banda surge al probar cosas nuevas y saltarnos las reglas”, explica. “Nuestra aproximación al country, bluegrass o otras

ramas del estilo americano no es para nada ortodoxa, nos molan los sonidos, pero no somos músicos de Country en absoluto”, remarca el cantante de la banda. Para terminar de explicar su estilo único, Alejandro Chinea explica que: “En cualquier caso las canciones no nacen de una afinidad por ningún estilo en concreto.

Más bien diría que es música acústica sin prejuicios geográficos”.

Al hablar de la situación en la que están en el panorama musical, A. Chinea comenta que “cada vez tocamos más y vamos llegando a más gente”. Sin embargo, “es difícil ganarse la vida con esto, pero es el hobby mejor pagado que tenemos y además nos sale muy barato”, confiesa el cantante. “La gente agradece y aprecia la variedad instrumental y tímbrica, y eso te lo hace saber de mil maneras”, cuanta orgulloso.

En cuanto al estilo rock-indie,

“gracias al papel que juega internet y los festivales se van conociendo a más grupos nuevos e independientes”. Al mencionar la incorporación de este instrumento a estas bandas al cantante de ‘Ukulele Clan Band’ no le extraña nada. “Es genial que los grupos se animen a aporrear las pequeñas cuatro cuerdas”. Lo que ve interesante Chinea de esto es que “la gente ya no le tiene miedo a romper moldes”. “El mítico grupo de rock ya no se compone por Guitarra 1, guitarra 2 , bajo y batería. Ahora la gente se anima con cosas que hace unos años eran impensables”, añade el cantante.

aires nuevos, ganas nuevas, timbres distintos y la oportunidad de volver a saltarnos las reglas y de mezclarlas a placer de cada uno”.

“diría que es música acústica sin prejuicios geográficos”

Alejandro Chinea termina suvisión de la aportación que ha dado instrumentos como la “pulga saltarina”: “El rock y la música popular en general se había quedado encerrado entre los amplificadores de guitarras y los sintetizadores. Los acordeones, los ukuleles, las mandolinas y los banjos traen 22

POR MARÍA PASTOR

MÚSICA CON MAL TRASFONDO

L

a vida frenética que vive actualmente la sociedad no está dejando espacio ni tiempo para saborear y decidir qué canciones oír. Cuando se aproxima el verano, hay un bombardeo constante de los hits del verano que marcan un antes y un después en las mentes de las personas. Este tipo de canciones suelen tener un ritmo muy pegadizo, para así olvidar la insufrible letra machista y absurda de algunas canciones.

Hace unos meses, la página web ‘upsocl.com’ lanzó un vídeo mostrando la reacción de gente al leer la letra de canciones de reggaetón sin la melodía. El resultado era el esperado. Había gente que no se atrevía a leerlo o simplemente se reía. Frases como: “Eso lo quiero ver, qué pasa cuando te pego duro contra la pared…”. Todas estas frases son de cantantes como ‘Daddy Yankee’ y grupos muy conocidos internacionalmente que a pesar de tener un mensaje sexista está en la vida de muchos jóvenes.

La responsable de comunicación en Emakunde, Karmele Jaio, cuenta que a pesar de los cambios y los logros de la mujer en los últimos años, “medios como la comunicación, la publicidad, las letras de las canciones etc… siguen presentando imágenes estereotipadas y roles atribuidos a hombres y a mujeres, así lanzando mensajes de qué se espera de cada uno de ellos en función de su sexo”.

Jaio añade que 23

medios como la televisión y la música: “Tienen una importante influencia en la construcción de un modelo de sociedad igualitario”. Además, el papel que desempeña estos medios “son transmisores de modos de vida, de pensamientos y de comportamientos”.

Este tipo de música, sobre todo, está muy integrada en el entorno de la gente más jo-

ven. Jaio considera que muchas personas no llegan a darse cuenta del verdadero trasfondo sexista que lanzan en este tipo de canciones.

“Pero sin duda, a pesar de no darse cuenta, el mensaje siempre cala”, añade. Como última pincelada al respecto, Jaio cuenta que “es importante saber analizar lo que se está escuchando, y mostrarse contrarias a ese mensaje si se considera que está menospreciando a las mujeres o convirtiéndolas en meros objetos sexuales”.

“Con tanto bombardeo de informaciones que nos lanzan hoy en día, cada persona está perdiendo la capacidad de clasificar qué escuchar y qué no. Para ello, la gente debería concienciarse más y mostrarse más reacia ante ese estilo de música tan machista”, finaliza Karmele Jaio.

por Veronica Otxandio

ISMA

O R E M RO ANTES DE QUE ESTÉ PROHIBIDO

X

: o r e m isma ro “la gente oye más que escucha” Veronica Otxandio

E

s puro rock and roll. Con solo 22 años, el valenciano

acarrea una intensa trayectoria dentro del panorama

musical estatal. Ha actuado con artistas de la talla de Ariel Rot, Leiva o Rubén Pozo, y se encuentra en plena gira de presentación de su primer álbum, Antes de que esté prohibido.

Con él hablamos de sus sueños, influencias, metas y maquetación de su próximo disco.

V.O: Acabas de lanzar tu V.O: primer disco, Antes de que esté prohibido, y comenzado tu primera gira. ¿Cómo la estás viviendo?, ¿Cómo fue tu primer concierto de presentación?

I.R: Pues empecé en el norte, en Santander, y la verdad que fue el concierto muy guay. No esperaba que la gente lo cogiera con tanto cariño, ni que las críticas fueran tan buenas.

Es de agradecer, es como ir poco a poco subiendo escalones.

V.O: A tus 22 años ya has estado en escenarios con artistas nacionales e internacionales como Leiva, Ariel Rot… ¿Cómo es trabajar con ellos?

I.R: Muy bien, es aprender y seguir evolucionando como músico. Yo me lo tomo como un mérito y como algo que me impulsa a seguir con lo que me gusta y por lo que siempre he querido.

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Hablando de Rot, hace poco comentó que “cantar en otro idioma sería un acto de cobardía”. ¿Compartes opinión con él?

I.R: Pues la verdad es que sí.

No sé, a ver, creo que cada uno puede hacer lo que le apetezca y le salga natural.

Yo canto en castellano porque no sé cantar en inglés y no tengo ni idea, entonces para hacer el ridículo pues canto como sé. La verdad es que es más difícil escribir y defender la canción en castellano, pero cada uno tiene que ser feliz con lo que hace.

Es verdad que cuando alguien canta en inglés tiene más posibilidades de llegar a más gente.

Sí porque bueno, ¡el wachi-wachi siempre ha funcionado!, pero tampoco creo que la gente escuche música. La gente oye más que escucha, porque muchos solo buscan algo que les haga bailar. Yo valoro a la

gente que sabe escuchar, que compra discos, se los descarga o investiga. Pienso que ellos son los que salvan la cultura.

V.O: Rubén Pozo también

canta contigo en este disco. Ha tenido que ser un gran trabajo llegar hasta dónde estás ahora.

I.R: Pues sí, toda mi vida.

Siempre he tenido como prioridad mis sueños y luchar por lo que me ha gustado. He tenido el apoyo de gente grande y que les guste lo que hago, la verdad que es un placer.

Que Rubén Pozo esté en el disco para mí ha sido un regalo, porque hace cinco años le iba a ver y ahora está ahí, y eso a mí pues me toca.

“CREO QUE NO HE OFRECIDO NI LA MITAD DE LO QUE PUEDO DAR”

V.O:¿Crees que todavía se Yo me he pagado mi disco y ¿Qué visión tienes sobre la puede vivir del rock hecho en España?

I.R: Sí, o al menos sobrevivir. Yo sobrevivo de la música y nunca he trabajado de otra cosa que no sea tocar la guitarra y cantar. Ahora lo hago más alegre, porque es mi disco y además son mis canciones… pero prefiero ser un pobre feliz y hacer lo que me gusta que millonario y querer suicidarme mañana.

me estoy pagando todo. Cuando salgo a tocar también corro con el gasto, no queda otra.

Pero yo voy con mi guitarra y voy feliz, a mí me da igual.

“Ovidi y yo somos como primos” V.O: Últimamente en España están surgiendo mu-

V.O: Muchos autores com- chos grupos alternativos, parten tu idea. Hace poco Quique González contó que él se pagó su gira y puso el dinero de su propio bolsillo para seguir adelante.

I.R: Claro, ¡pues como yo!

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pero emergentes del rock sois muy pocos. Están Los Zigarros, estás tú… pero no hay muchos más que estén llegando a ser conocidos.

situación del rock y la expansión del género indie?

I.R: Yo es que respeto todo, ¡cómo tampoco me entero de nada! (risas).

La verdad es que vivo un poco al margen. Entre mis amigos se ha escuchado la música de siempre. De hecho, Los Zigarros, joder, Ovidi era mi profesor de guitarra, somos amigos desde hace mucho tiempo, también es valenciano y somos como primos, de la familia.

Pienso que todo es cuestión de tocar, tocar y tocar. A mí me queda muchísimo por hacer y por demostrar. Creo que no he

V.O: También has graba-

puedo dar. Si hubiera ofrecido todo ya, ¡me retiraba!

V.O:¡Todavía tienes 22 años!

I.R: Claro, por eso, me que-

da mucho por ofrecer, por demostrar y por dar a la gente. Creo que esa fuerza no se tiene que acabar nunca. Hay gente que se pierde en ese camino, se rinde, y piensa: “Esto es una mierda, esto no sale…”. Yo pienso que hay que pelear y aguantar hasta el final. Esa es la forma de poder sobrevivir.

“Se me da fatal actuar. soy malísimo, así que tengo que ser natural”

do tus primeros videoclips y parece que llevaras haciéndolo toda la vida. ¿Es el rock and roll cuestión de actitud?

I.R: Sí. Pienso que, frente a lo comercial, el rock and roll te tiene que nacer. Hay gente que tiene internamente el patrón del flamenco, y ese arte que tienen pues yo no lo tengo. Yo no puedo hacer un disco de flamenco y cantar como

V.O:¿Crees que hay artis-

tas que abandonan su estilo para meterse en un rollo más comercial?

I.R: Creo que sí, porque hay de todo en este mundo, y bien por ellos si así son felices. Lo peor es que no seas feliz, que pienses: “Estoy haciendo esto y soy un pringado”, pues tío, tienes un problema. Porque claro, estás haciendo algo que te están diciendo que hagas, no te está saliendo a ti. Pienso que si estás haciendo algo que no es de verdad eso va a acabar pronto.

El disco: Antes de que esté prohibido V.O: Hablando un poco de tu disco, “Antes de que esté prohibido”, está al nivel de los grupos más míticos del rock español. ¿Quiénes han sido tus referentes?

I.R: ¡Uf!, mogollón de gente: Pereza, Fito, Kiko Veneno, Joaquín Sabina, Jaime Urrutia, Los Rodríguez, Ariel Rot… tengo mucha influencia del rock argentino, también.

¿Y con qué artista internacional te quedas?

Es difícil, pero mira, me quedo con Tom Petty. Es una de las pocas bandas en inglés que me gusta muchísimo.

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ra ‘El Cigala’ porque voy a hacer el ridículo. Él, por ejemplo, me parece que hace rock and roll por su actitud, defiende lo que hace y le sale natural.

Jimmy Hendrix también, cuando hacía esos fraseos, joder, a mí me impacta. A mí se me da fatal actuar, soy malísimo, así que tengo que ser natural.

Un tío de barrio V.O: Cuando ves que te

“tengo el segundo disco ya completo”

vas haciendo más conocido, vas teniendo más seguidores, ¿es difícil mantener los pies en la tierra?

I.R: Yo es que en eso nunca he pensado. Soy un tío muy simple, yo los pies ni arriba ni abajo (risas). Soy un tío de barrio que ve las cosas como las veía hace 5 años. Hago música y si hay más gente que me escucha pues genial. Que dentro de tres años son un millón, pues bienvenidos sean, que son diez mil, pues de puta madre. Yo no puedo ni debo controlar esas cosas.

No sé, siempre voy con esa impresión de “no sé qué va a pasar”. Me gusta ir paso a paso y la verdad que me llevé una sorpresa muy gratificante, es un lugar donde hay cultura y gente con ganas de encontrar cosas nuevas.

V.O: Estás en plena gira de

tu primer disco pero, ¿has empezado ya con alguna canción de tu siguiente proyecto?

I.R: Sí, la verdad que tengo el segundo disco ya completo y el lunes empiezo a maquetarlo. ¡Tengo como cuarenta y pico canciones nuevas! Está guay, es otro paso adelante, un disco muy rockero que tiene pinta de ser un cambio.

Empecé a maquetar este disco y ya estaba componiendo el segundo. Antes de que esté prohibido no es que sea viejo, pero son todas las canciones que has hecho durante toda tu vida. El segundo álbum tienes que empezarlo desde cero, por eso siempre acumulo historias y, como hablo de mi vida, de momento me ha dado para escribir. ¡Y si no me la invento! (risas).

V.O: Actualmente resides

en Madrid. ¿Te sirve la capital para escribir canciones? Muchos músicos se aíslan para escribir sus letras.

I.R: Sí, a mí me pasa. Justamente no compongo nada en Madrid. Lo compongo fuera, en Valencia sobre todo, de hecho el disco lo compuse ahí.

Es como que en Madrid lo vivo todo y de repente voy a un hotel en Bilbao y compongo una canción.

“Prefiero ser un pobre feliz y hacer lo que me gusta que millonario y querer suicidarme mañana”

V.O: Ahora que mencionas

Bilbao, ¿qué te pareció el público bilbaíno?

I.R: Pues fui a tocar a Bilbao y fue uno de los conciertos con más público, después de Valencia, Madrid y Murcia.

Además no me esperaba que fuera gente, de hecho fui pensando: “Aquí no viene a verme ni el tato” (risas).

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LA ERA DEL

FAST MUSIC

por naroa luquin

H

ija de las prisas, de la abundancia musical indiscriminada y de los rescates del pasado, nace la falta de interés por el trasfondo de la obra. Ha quedado enterrado en el pasado la satisfacción de llegar a casa, desenfundar el último LP de los Beatles, colocarlo con la máxima delicadeza en el tocadiscos y disfrutarlo mirándolo girar hasta la saciedad. Ya no tenemos tiempo para la música, se ha convertido en la banda sonora que nos acompaña en nuestros acelerados viajes en coche y autobús como un sonido de fondo en el que profundizamos más bien poco.

En el contexto de la era digital, en el que cualquiera es experto en todo, cualquiera opina y cualquiera tiene exclusivas en sus manos, la figura del crítico musical ha quedado sepultada, infravalorada. Una figura que es cada vez más necesaria como guía y orientadora de aquellas mentes saturadas por la sobreinformación a la que estamos expuestos.

pega, más suena, se ha perdido el respeto al artista”, según el director, y tiene la certeza de que la música se está a convirtiendo en un mero producto de consumo que “cuanto más invite a la fiesta y al perreo, más gusta”.

La radio, que como medio siempre ha sido la cuna de la música, está viviendo el exilio del crítico musical para dejar espacio al bucle infinito de las listas Superventas.

“La MÚSICA, - augura Joseba, así, en mayúsculas - sea del género que sea, va a quedar para algo así como “gourmets” que estén dispuestos a degustarla, sabo-

Ejemplo de ello es el famoso “Happy” de Pharrel Williams, que los 40 Principales sigue pinchando y que otras emisoras deLejos están aquellos “excéntricos”, como jaron de incluir en su programación hace Ignacio Juliá, que escribían sobre Lou Reed más de un año. Son cuatro minutos y seis y Bruce Springsteen cuando todavía nadie segundos en los que se podrían incluir inlos conocía, únicamente por la necesidad cluso dos nuevos singles de una no diva de compartir canciones que le “volaban la superventa, Dj de moda o celebritie. cabeza”. Ahora, los verdaderos gurús están ocultos por una masa de “supuestos Esta falta de referentes, de programas expertos” que cuentan con multitud de se- de calidad y expertos en partituras, tiene guidores a pesar de su “mensaje vacío, re- como resultado una masa desorientada y dundante o falto de rigor, mientras que a sin criterio, que se deja llevar por la covoces verdaderas o supuestamente auto- rriente que impulsan las grandes multinarizadas no les hace caso nadie”, denuncia cionales.

Joseba Vegas, director de Bi FM.

Para Joseba, emisoras como los 40 Principales o Cadena Dial “hacen mucho daño a la música, ya que siguen apostando única y exclusivamente por los “productos” que les colocan las discográficas multinacionales”. Con este “quien más

rearla, interesarse por sus ingredientes, por su cocinado, etc. Y bien es sabido que siempre ha vendido más el “fast food” que la buena cocina.

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Movidas que dejan huella Por Ver贸nica Otxandio

E

l fenómeno de la Movida, icono absoluto del escándalo y el despropósito así como del rock nacional más puro, continúa, a día de hoy, actuando como pleno referente para muchos jóvenes melómanos que no llegaron a conocer la década de los 80. “¡Por qué no nací en la Movida!”, se lamentan muchos de los nacidos en la generación de los 90 que, demasiado jóvenes para haber conocido en sus propias carnes aquel movimiento contracultural, viven la nostalgia de una época que nunca llegaron a sentir. Y es que la popular frase, propia de generaciones ya maduras, “la música de los 80 era mejor”, está tan arraigada en la sociedad actual que llega a influir sobremanera en adolescentes y jóvenes, creando un vínculo especial y materializando una morriña a destiempo propia de cualquier éxito de Siniestro Total.

“La España de la Movida es la España de la transgresión” “La Movida se ha convertido en algo icónico, en un símbolo de libertad que está en el inconsciente colectivo de los españoles. La España de la Movida es la España de la transgresión y la ruptura con la España posfranquista y gris de la que veníamos”, explica Amaia Larrañaga, jefa de Documentación de la serie 36

de Televisión Española No es que ya no nazcan ta(TVE), Ochéntame otra vez. lentos o que el ser humano haya perdido el sentido, es Cierto es que el fin de la dic- que, como dicen los grandes tadura actuó como una puer- rockers, todo es cuestión de ta abierta hacia la libertad actitud. Así lo considera Larramusical mediante la expan- ñaga, y afirma: “Lo que más sión del rock and roll y so- destaca de la música de los 80 nidos más excéntricos, im- es el espíritu de libertad, la propulsando a muchos jóvenes, vocación, las letras aberranalgunos de ellos cubiertos, tes y los directos delirantes.

La Movida fue una época deen cierta manera, de un sentir cisiva porque a nivel musical agridulce que rozaba la liber- algunos grupos eran muy matad frustrada, a formar su pro- los. Los míticos Kaka de Luxe pia banda. También lo es que, no sabían tocar, pero fueron a nivel internacional, bandas rompedores. Ahora hay bancomo Mötley Crüe, Guns n Ro- das excelentes, tanto fuera ses, The Smiths, Joan Jett and como dentro de España, de The Blackhearts o Europe, en- hecho, quizás sean mejores, tre otras muchas, se encon- pero es la actitud lo que añotraban en pleno clímax de su ran los jóvenes. Que la música carrera musical, sirviendo de fuera mejor es otro asunto, alinfluencia para los nacionales gunos grupos españoles eran dispuesto a acabar con aque- de primer nivel; Radio Futura, Golpes Bajos o Parálisis Perlla música de salón y plaza. manente podrían emocionar a Sin duda, los años ochenta audiencias de cualquier país”. ejercieron de cuna y puente, no solo de las bandas sino de los compositores más prestigiosos de nuestro país que, a día de hoy, rondan y rebasan “La Movida no es solo los 50 años. el tecno-punk, el ma-

quillaje, Almodóvar y McNamara” “Es la actitud lo que añoran los jóvenes”

Y es que, independientemente de esa representación encabezada por hombreras,

aullidos, glitter y cardados, la música de calidad, esa que no tiene edad, también identifica a la década. En palabras del periodista musical Javier M. Alcaraz: “La Movida no es solo el tecno-punk, el maquillaje, Almodóvar y McNamara. La Movida fue un caldo de cultivo en el que se inició gente que, con el paso de los años, de los discos y con la adquisición de cierta madurez personal y de su público, que envejeció con ellos, han dado grandes discos al pop y rock.

Véase, por ejemplo, Mamá, Gabinete Caligari, Nacha Pop, Mermelada o Los Secretos”.

“A medio camino entre la moda y la nostalgia” Raspada y casposa, desconocida e incierta, amada y odiada. Desde luego, la Movida y la propia década de los 80 son parte de una época controvertida. Dicen los psicólogos y expertos en comportamientos sociales que el ser humano tiene a exagerar sus recuerdos con el paso del tiempo. Esta es la pesquisa principal a la que se aferran los más discrepantes, que perciben la actual concepción del fenómeno como una cuestión a medio camino entre la moda y la nostalgia.

“La Movida está sobrevalorada”

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“La Movida está sobrevalorada”, aseguran escépticos de la altura de Jorge Ilegal o el productor José María Cámara que, pese a haber vivido en primera persona el fenómeno, consideran que se ha inflamado el propio impacto de la época

en la sociedad actual.

Otros también achacan esta inquietud juvenil por la cultura de antaño a una semejanza con la situación económica y social del país actualmente.

“La misma película otra vez”

Loquillo decía hace poco menos de un año que veía “un cierto déjà vu” que le hacían sentir que volvía a ver “la misma película otra vez”.

Sea como fuere, la vinculación estrecha con la libertad,

provocación, quiebra de barreras y el rock and roll más casto, es motivo, causa y razón para muchos jóvenes y artistas emergentes simpaticen con aquella generación que, cuentan, vivió tanto, tan fuerte y tan rápido.

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the ROYA

“habrá un hueco para nosotros como lo hay para todo el mundo que trabaja duro”

AL flash

por MarĂ­a Pastor

THE ROYAL FLASH: “Cuant

c

uatro jóvenes madrileños de Alcalá de Henares, una batería, una guitarra rítmica, un bajo y una voz con personalidad, forman el grupo de rock and roll de The Royal Flash. Desde que en 2012 llegaron a los escenarios, este grupo han seguido con fuerza y ganas por luchar por su sueño. Con tres concursos ganados a la espalda y más de 100 conciertos por toda España, la banda es incansable. Con Miguel Ángel Marshall, Emilio Márquez, Jaime Iniesta e Israel Garaballú repasamos su primer disco y su trayectoria musical.

M.P: Empezasteis tocando rock en español antes de formar The Royal Flash. ¿Cuál fue el motivo principal para cambiar de idioma?

T.R.F: Los que fundamos Royal en un primer momento nos marchamos del anterior grupo buscando tocar de otra manera. Queríamos irnos un poquito al rollo más clásico del rock y orientar nuestra música hacia los clásicos en inglés.

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M.P: ¿Y fue una decisión complicada?

T.R.F: No, no mucho, teníamos tantas ganas de cambiar… estábamos un poco hartos del rock español y prácticamente salió solo.

M.P: Habéis publicado vuestro primer disco, Physical & Electrical. ¿Por qué ese título?

T.R.F:Nos va al pelo con nuestra actitud sobre el escenario.

‘Físico’ en cuanto a que per-

demos 3 kilos en un sudor y luego tenemos que hacer una buena sesión de quiromasaje después del concierto, y ‘eléctrico’ porque nos encanta tocar muy, muy electrificados.

Cuanto más pique mejor, es la filosofía del grupo.

M.P: ¿Y qué tal acogida está teniendo el álbum?

T.R.F: Hombre, somos una banda que está creciendo, todavía no tenemos un nivel profesional como los grandes

to más pique, mejor” grupos que giran a lo bestia, pero para nosotros está siendo un puntazo, y podemos decir que nos va mucho mejor que antes de haberlo sacado. Hemos vendido bastantes copias en la primera tirada y está teniendo una buena aceptación.

Nos han hecho unas cuantas reseñas en algunas revistas y blogs de música, estamos bastante contentos.

M.P: También habéis grabado vuestro primer videoclip, ‘Seventeen Years’, ¿qué tal la experiencia?

T.R.F: La verdad que la experiencia ha sido genial, pero más genial ha sido la grabación del segundo videoclip, ‘Revolution’, parte de él, además, lo hemos grabado en La Nube, en Bilbao.

M.P: Comentáis en la biografía de vuestra pagina web que intentáis hacer algo lleno de ¨electricidad y actitud sin olvidar las raíces de los 70¨, ¿cuáles son esas referencias?

T.R.F: Sin duda los Zeppelin son la mayor semilla de la banda. También Pink Floyd, y Los Beatles o Jimi Jendrix, aunque no sean de los setenta. Ahora, con el disco, tenemos también referencias más frescas, más Whiteras.

“LOS LED ZEPPELIN SON LA MAYOR SEMILLA DE LA BANDA” M.P: ¿Podríais decir entonces que el grupo es un homenaje a todos vuestros artistas favoritos?

T.R.F: Sí, sobre todo en el inicio, porque siempre empiezas versionando. Últimamente hemos ido creando nuestra propia seña, aunque todo son influencias porque ya está todo o casi todo inventado. Todos los grupos somos un homenaje a alguien.

M.P: ¿Estamos de acuerdo en que el rock vivió su máximo momento de esplendor entre las décadas 70 y 80?

T.R.F: Bueno, el rock que más nos gusta a nosotros tiene su germen ahí, pero tienes que tener la mente abierta, no puedes cerrarte al pasando, tienes que estar al día de otras variantes y vertientes. A nivel escenario, a nivel concierto… sí que está más complicado.

Imaginamos que antes, en los años 70, 80… había más facilidades. Ahora la gente va a la discoteca, no va a las salas de conciertos. Pero no solo los rockeros, todos los artistas tienen dificultades. Mantenemos la idea de que hay que estar ahí y que lo de ahora no tiene por qué ser peor que lo de antes.

M.P: ¿Pensasteis en algún momento pensasteis en llegar a lanzar un álbum y dar conciertos por España?

T.R.F: Siempre te lo imaginas, te haces tus pajillas mentales.

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“Todos los grupos somos un homenaje a alguien”

El problema de esto es que cuanto más trabajas más tienes que trabajar. No tienes un día en el que puedas pararte a decir: “Guau, mira todo lo que hemos conseguido”. Igual que antes a lo mejor pensabas en llegar al punto en el que estamos ahora, actualmente la imaginación es más grande.

Siempre se tienen en mente esas metas.

M.P: ¿Cuál es vuestra ciudad favorita para tocar?, ¿dónde se ha entregado más el público?

T.R.F: Nosotros somos de Alcalá de Henares, cerquita de Madrid, y es donde hemos estado siempre más cómodos, es nuestra casa. Fuera de la Comunidad… Valladolid, Laredo… y Mallorca, sí, Mallorca estuvo muy bien.

M.P: Y, ¿cuál diríais que es el hecho más curioso que os ha pasado en alguno de vuestros conciertos?

T.R.F: Una vez, a nuestro cantante Miguel Ángel, una seño44

ra se le lanzó en mitad de un solo con la guitarra… (risas) M.P: A vosotros os han abierto camino concursos como el Pop Rock, La Silla Eléctrica o el Villa de Laredo, ¿hubiera sido posible daros a conocer sin haber participado en ellos?

T.R.F: Hombre, ayudan mucho, sobre todo para darte a conocer, y a bandas como la nuestra, que tenemos la filosofía de no poner un duro en lo que grabamos, nos ha venido de perlas. Aparte de lo que ganamos con los conciertos, nos ha ayudado a financiar la grabación del disco. Cuando ganas el concurso siempre hay una cierta repercusión, no es tampoco la hostia, pero siempre hay medios que se quieren hacer eco, aunque en la posición en la que estamos, muchas veces somos nosotros los que les brindamos la noticia al medio de comunicación.

M.P: ¿Qué papel desempe-

ña este grupo en la esfera del rock español?, ¿qué aportáis?

“lo de ahora no tiene por qué ser peor que lo de antes.”

T.R.F: Creemos que habrá un hueco para nosotros como lo hay para todo el mundo que trabaja duro. La clave está en seguir adelante a pesar de que esté difícil, Lo intentaremos, por falta de trabajo, energía y música no va a ser.

M.P: ¿Tenéis algún sueño en común en el grupo?

T.R.F: Poder vivir de la música. Es el trabajo que nos gusta y con el que mejor nos lo pasamos, poder dar al mundo nuestra música nos llena mucho, ¡queremos ser unas rock stars¡ (risas).

“lo de ahora no tiene por qué ser peor que lo de antes.”

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LA SOMBRA DE LA MÚSICA

LA SOMBRA DE LA MÚSICA por Janire Sainz

D

etrás de cada grupo que triunfa en todos los conciertos que ofrece se encuentran los técnicos de sonido que trabajan para que cada actuación pueda llevarse a cabo

Cuando Vetusta Morla acaba de culminar la segunda parte de su concierto en el mitiquísimo Kafe Antzokia de Bilbao, y después de un eterno - pero imprescindible - solo de guitarra, Pucho, el vocalista, recuerda: “Quiero dar las gracias a Gaizka, Jontxu, Jota y a todos aquellos que estáis detrás de los escenarios haciendo todo esto posible”. El protagonismo de los técnicos de sonido en cada actuación se reduce a estos veinte segundos.

La labor de los “pipas” es extensa: mucha gente piensa que se reduce a colocar los instrumentos en el lugar del escenario que les corresponde antes de que comience el concierto, y de recogerlos cuando acabe, además de afinar las guitarras de la “estrella” correspondiente y el micrófono del cantante, con un sonoro “Hola, hola, 1,2,3; 1,2,3,” que a muchos despistados aún hoy en día sigue emocionando, confundiéndoles con el rocker de turno.

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Tras decepcionar a aquellos que pensaban que el show comenzaba, los técnicos vuelven a su lugar: la sombra. Ya sea detrás del escenario para salir en caso de emergencia o bien en la mesa de mezclas, normalmente situada justo a las espaldas del público, a éstos trabajadores todavía les queda una jornada de, al menos, tres horas por delante.

Su verdadera labor comienza minutos antes del concierto, asegurándose que todo se encuentra listo para comenzar.

“hay que estar con mil ojos desde que salen al escenario hasta que acaban”

Jota, técnico del Kafe Antzokia de Bilbao, lo sabe bien: “Hay que estar con mil ojos desde que los grupos salen al escenario hasta que acaban.

La mesa de mezclas con la que trabajo yo, por ejemplo, tiene hasta diez entradas de sonido, y hay que saber manejarlas todas a la vez”. Pero no solo eso: tras la tensión contenida de las dos horas de actuación, toca una labor más simple pero no por ello menos costosa; devolver todos los instrumentos a la furgoneta de la banda.

Después de experimentar lo que se siente frente a los escenarios como batería en los ya extintos Ziklox Garaialde y Madarikatuak, y como actor en el grupo de teatro Titiriteros de Sebastopol, Jota decidió hace ya veinte años especializarse como técnico de sonido. Este incondicional de la música compagina su trabajo en el bilbaíno Kafe Antzokia con la dirección del estudio de grabación Musikorta, de Amoroto, que ha visto pasar a un gran número de grupos vascos, entre los que se encuentran los míticos Etsaiak o Txapelpunk.

“Engullir” la música Su larga trayectoria profesional hace que tenga una visión muy clara de la música: “Es verdad que la aparición de la tecnología digital ha democratizado un mundo al que antes era bastante más difícil acceder, todo se ha hecho más accesible económicamente para todos”, comenta Jota, como

una de las características positivas de la evolución, “pero esta misma digitalización ha traído una saturación de música que nos ha hecho dejar de apreciarla como debiéramos”, continúa.

“Hay una generación que no ha vivido ni un solo día de su vida sin escuchar música: está en el supermercado, los bares, incluso en la consulta del dentista” – explica – “Lo que antes era un acontecimiento o algo especial se ha convertido ya en algo normal, incluso vulgar”, sentencia el técnico, que se atreve a utilizar el término “engullir” para hablar del consumo de música de hoy en día.

“Hay una generación que no ha vivido ni un solo día de su vida sin escuchar música”

Dos obras que son fruto de las experiencias recabadas desde 1976, tanto personales como profesionales, y confiesa que “pocas veces había disfrutado tanto”. “Trabajaba por la noche, cuando el estudio estaba cerrado, y utilizaba las cosas que iba pillando por ahí, además de los instrumentos que los grupos que estaban grabando se dejaban”, narra, divertido.

Katarain no cambiaría por nada del mundo todo lo que la música le ha regalado: “he trabajado con grandes personas, seguro que ha habido malas y las he olvidado, tengo buen recuerdo de los artistas con los que he trabajado”.

“La música no cambia” Una visión que su colega de profesión, Ángel Katarain, no comparte: “El mundo de la música cambia, ni a bien ni a mal, lo que cambian son los estilos y las modas, y eso depende del gusto de cada espectador”.

Este veterano del sonido actualmente combina la realización de un documental sobre la historia de La Habana, ‘Semillas en el Tiempo’, con su trabajo en los Estudios Katarain de Azkarate, donde se ha autoproducido sus dos obras de estilo psicodélico, ‘Durango Azoka’ y ‘Al Fin’.

“Creativos enfermos”

KATARAIN SE HA PRODUCIDO SUS OBRAS PSICODÉLICAS ‘dURANGO AZOKA’ Y ‘AL FIN’

Pese a ello, confiesa que este trabajo no se lo desearía a nadie: “Los que perduran en el tiempo son gente adicta, “creativos enfermos” que sufren cuando están en otra parte, porque la música es su casa”.

Quizás él sea uno de ellos, su larga trayectoria ha hecho de él un técnico respetado que puede permitirse “exigencias” con los grupos con los que trabaja: “Preparo una lista de necesidades que espero ver cubiertas el día de la actuación, pero esto me ha llevado muchos años de peleas y desacuerdos”.

“Llegar a ser alguien respetado en nuestro mundillo no es nada fácil”, le apoya su compañero Jota,”tu cara no se ve en ninguna foto ni en las portadas de los discos, por eso es algo complicado recibir muchas veces un reconocimiento”.

El anonimato no es algo que afecte a estos técnicos; ambos están de acuerdo en que ver la música desde su posición es algo excepcional que, aunque difícil de comprender por muchos, es un placer saborear las melodías desde otra perspectiva tan singular: “Si de verdad quisiéramos ser famosos no nos hubiéramos metido en esto”, subraya Katarain, “¿Que un ‘felicidades por tu trabajo’ de vez en cuando viene bien? Sí, eso siempre, pero a nosotros y a alguien que trabaje de sol a sol en la obra”.

Más claro, agua.

“sI DE VERDAD QUISIÉRAMOS SER FAMOSOS NO NOS HUBIÉRAMOS METIDO EN ESTO”

Pero no frivolicemos: el caso del grupo que tiene a su disposición a una decena de técnicos y que tan solo tiene que preocuparse por salir a tocar se da, y en muchas ocasiones, pero también existen grupos más humildes, normalmente principiantes, que trabajan codo a codo con los especialistas, entendiendo esta labor como “una más en el trabajo que es la música”.

También existen grupos que trabajan codo con codo con los especialistas

David Ruiz, vocalista del joven conjunto burgalés La Maravillosa Orquesta del Alcohol, no concibe aún que alguien que no sea la propia banda transporte los instrumentos de un sitio a otro: “es algo que hay que hacer; además nos ayuda a mantener los pies en la tierra, saboreamos el éxito en cada concierto pero también nos levantamos a las siete de la mañana para preparar todo y nos encargamos cada uno de lo que nos corresponde”.

Desde los 21 en la carretera Puede ser que esta filosofía se les vaya de la cabeza con el paso del tiempo. Al fin y al cabo, la M.O.D.A, como son popularmente conocidos, es una banda de siete jóvenes a los que les unió su pasión por la música y la literatura, como se aprecia en los guiños a autores clásicos que aparecen en muchas de sus canciones, que con tan solo 21 años comenzaron su primera gira como grupo profesional con su primer LP ‘No Easy Road’.

CON TAN SOLO 21 AÑOS COMENZARON SU PRIMERA GIRA CON ‘nO EASY ROAD’

Conscientes de que la fama cuesta, llevan su todavía recién estrenada profesionalidad y su, a veces, anonimato, con humor: “El año pasado en el BBK Live, en el camerino nos confundieron con fans, y es algo que nos hace mucha gracia”, explica el vocalista, entre risas.

“El año pasado en LOS CAMERINOS Del BBK LIVE NOS CONFUNDIERON CON FANS”

NI SIQUIERA LOS ROLLING En cuanto a los “caprichos” de los más famosos, Ruiz se moja con algo que los técnicos no se han atrevido a manifestar: “muchos se creen más por pertenecer a una banda, y piensan que todo el mundo tiene que estar a su disposición. Ni aunque seas uno de los Rolling debería de pasar, aunque entiendo que sea más difícil en esos casos”, explica, “aunque me imagino que pertenecer a un grupo como AC/ DC o Pereza te cambia la vida y tu forma de ser, al fin y al cabo no puedes bajar ni a por el pan tranquilo”.

El paso del tiempo y la acogida del público dirá si el éxito les convierte en “unos Rolling”. Lo que es seguro es que la música también esconde su otro lado, y, si la gente quiere que perduren esas melodías, alguien deberá estar dispuesto a permanecer en la sombra de los escenarios y saborearla desde un segundo plano.

“MUCHOS SE CREEN MÁS SIMPLEMENTE POR PERTENECER A UNA BANDA”

por Naroa Luquin

El fantasma del vinilo

e

l vinilo es y ha sido siempre el único formato que ha exigido ser dis-

frutado con los cinco sentidos del oyente. El romanticismo que acompaña el escuchar un vinilo es comparable con el de despolvar un viejo libro.

A pesar de haberse visto arrinconado en los 80 por la fuerte llegada de la era digital, el vinilo ha sabido recuperarse de una etapa bajo las sombras y fusionarse con la nueva forma de vivir la música. Así pues muchos vinilos incluyen un CD o un código de descarga que permite al consumidor disfrutar su contenido en distintos formatos. No está reñido el formato digital con el vinilo. Es más, éste viejo marginado, ahora está de moda.

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‘¡El vinilo no ha muerto!’, ‘Se han duplicado las ventas del vinilo’, ‘El vinilo ha vuelto para quedarse’. Éstos son solo algunos de los titulares que han ocupado un espacio privilegiado en la prensa de este país a lo largo de los últimos meses. Se podría decir que el vinilo está en auge, o al menos, eso es lo que dicen unas cifras que, centradas en las ventas de las grandes multinacionales, poco representan la realidad de las tiendas especializadas en LPs. Cuatro en Bilbao, tres en Donostia y una única tienda en

Vitoria, todas ellas están de acuerdo en que esta moda de decir que ha vuelto el vinilo “no es más que una gran mentira”. “El vinilo nunca ha desaparecido y hasta la fecha se ha seguido haciendo y vendiendo. Esta es la realidad, lo dicen todas las tiendas especializadas como la mía”.

“El cd actualmente está obsoleto”

Juanma es el propietario de Bloody Mery, una tienda situada e el centro de Irún, Guipuzcoa, cuya venta exclusiva de formato vinilo le ha dado de comer durante 25 años. Un hombre desempaquetando la llegada de nueva mercancía, sin demasiado tiempo para atender asuntos extralaborales es lo que nos encontramos al cruzar la puerta de Bloody Mery, un local impregnado del ambiente retro en el que el vinilo lleva años y años siendo el protagonista.

El vinilo, formato físico musical por excelencia y comúnmente vinculado a conceptos como la elegancia o el buen gusto, vio el ‘fin’, o no, con la llegada del Compact Disc al mercado y su consolidación en los años 80. Lo cierto es que en un principio el nuevo formato presentaba numerosas ventajas con respecto al antiguo.

“La grabación digital nunca le ha ganado la batalla a la grabación analógica”

La ausencia de ruido, su portabilidad y una capacidad de almacenamiento mayor son algunas de las cualidades que hicieron que el CD “frenara y luego desplomara la venta de vinilos” de tal manera que se ha llegado a pensar que había desaparecido por completo.

Veinte años después, el panorama musical ha dado un giro inesperado y la forma que tiene el público de consumir la música ha cambiado drásticamente. El CD ha llegado a su máximo y actualmente está obsoleto.

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La situación es tal que para los protagonistas del negocio del formato físico musical la noticia no es la vuelta del vinilo, si no el desprestigio del CD como un formato que esta “completamente desvalorizado, sobre todo para la gente joven que ha convivido con él toda la vida”. Así justifica Javi, dueño de Power Records, una de las cuatro tiendas especializadas en LPs de Bilbao, ese “aparente” auge y añade: “la grabación digital nunca ha superado la calidad que ha dado una grabación analógica, no le ha ganado la batalla al vinillo”.

Según un informe realizado por Promusicae (Productores de Musica de España) el vinilo es el soporte que más ha incrementado sus ventas en España durante los últimos cuatro años. Concretamente, un 85.7% con respecto al año anterior.

“El vinilo es algo absolutamente residual”

Ventas por soportes 2011-2013 (miles de unidades)

Estos datos, que “suenan muy vistosos”, traducidos en unidades, explica el periodista musical y autor de Pequeño circo Nando Cruz “no son tan espectaculares como parece, lo que pasa es que venimos de años de cifras muy bajas y cualquier aumento de ventas parece brutal”.

Javi, a pesar de que comparte con el escritor la opinión de que el vinilo es algo absolutamente residual, admite que, en su caso, “que se duplique el vinilo que supone un 40% de mis ventas, sí me ha beneficiado”.

Lo cierto es que el porvenir de Power Records se ve amenazado por el descenso en ventas del formato CD, que para nada puede compensar el incremento del viejo disco: “las ventas en CD desde el 2000 han disminuido un 80%, por cada 100 CDs que vendía ahora vendo 20”.

Una moda de ‘boquilla’ Juanma, echando la vista 25 años atrás, asegura que el perfil del comprador de vinilos no ha cambiado, aunque “antes casi todo el mundo compraba discos, ahora solo lo hacen a los que de verdad les gusta la música, y tienen interés más allá de escuchar solo el disco”. Aquellos que se acercan al formato por seguir la moda, dice, “no compran, porque esta moda es únicamente de boquilla”.

Para los poco fieles, el vinilo es un formato que se consumió a principio del año 2000 y que sorprendentemente ha vuelto a nacer, permitiéndoles subirse al carro de la moda y probar de nuevo. Para los fanáticos, ese gran disco giratorio que les ha permitido seguir disfrutando de una manera única sus mejores repertorios, aunque haya tenido que ser desde las sombras.

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