Fantasci #1 (Vol. 1) by Monsters & Geeks

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HAMMER: LA CASA DE LOS MONSTRUOS Otra visión de los clásicos.

¡GRACIAS A DIOS POR WIKIPEDIA! Entrevista con Ángel Zúñiga, escritor mexicano de Sci-fi.

ESOS QUERIDOS MONSTRUOS Un recuento de los miedos ochenteros.

CUENTO El motivo del dragón por Ángel Zuare.

FAN FICTION Wolverine VS Freddy Krueger.

RECOMENDACIONES Comics - Cine - DVD - Libros - TV Videojuegos - Soundtracks.

CON USTEDES... ¡ERICK TEJEDA! Entrevista con el creador de Reactor, personaje de Fi Comics.

LOS FANBOY AWARDS Vota por lo mejor del 2007.

NOTICIAS ¿PUEDEN LOS ANDROIDES SOÑAR CON UNICORNIOS ELÉCTRICOS? Blade Runner celebra 25 años. DOSSIER Y SE APAGARON LAS LUCES.... Breve historia del cine de monstruos y terror.

ean bienvenidos a Fantasci, ¿A poco no es la revista con la que siempre soñaste?, ¿En que otro lugar se amalgaman la Ciencia Ficción, la Fantasía, el Terror, El Realismo Mágico, el Comic, las Leyendas y todos los demás géneros fantásticos? Por que de eso se trata esta publicación, de dar rienda suelta a aquellos géneros que tanto en cine, televisión, comic, videojuegos, la literatura o cualquier otro medio nos dan la oportunidad de escaparnos de la realidad, de hacernos sentir los más grandes héroes, los más pérfidos villanos e incluso hacernos sentir que la piel se nos erice con algo de terror. Para muestra basta un botón, revisen este primer ejemplar, aquí encontrarán: -Dos sensacionales entrevistas: a Ángel Zúñiga, autor de la novela Retorno de Ciencia Ficción y otra a Erick Tejeda, escritor del comic Reactor de nuestra casa editorial Fi Comics. -Un artículo titulado “Esos queridos monstruos”, en donde se hace un recuento de los monstruos del cine de los ochenta y principios de los noventa. -Un cuento cortesía de Ángel Zúñiga: El motivo del Dragón, de fantasía heroica, que irradia una poética belleza. -La selección de los Fanboys Awards 2007, en donde veremos cuales fueron las mejores películas de acuerdo con la opinión de los Fans -Y nuestra sección de recomendaciones en DVD, libros, videojuegos y televisión entre otras cosas más. Espero que les guste este proyecto tanto como a nosotros nos gustó hacerlo, siéntanse en la libertad de mandarnos sus colaboraciones, comentarios, críticas y cheques firmados en blanco, y los esperamos el próximo mes con más sorpresas. Saludos: Ignacio Loranca Publisher de Fantasci y Director General de Fi Comics. So long, and thanks for all the fish!

PUBLISHER Ignacio Loranca EDITOR Vicente Cabrera COLABORADORES Pedro Banda Nash Gaarder Julio Cesar Peralta Erick Tejeda Carlos W. Trejo Víctor Vázquez CORRECTOR DE ESTILO Nash Gaarder DISEÑO GRÁFICO Vicab ILUSTRADORES Evelin Carbajal Armando Hernández

DIRECTOR GENERAL Ignacio Loranca DIRECTOR DE RELACIONES PÚBLICAS Erick Tejeda DIRECTORA DE VENTAS Mariana Gómez DIRECTOR DE ARTE Antonio Ontiveros DIRECTOR DE PRODUCCIÓN Edgardo Frontana

Fantasci es una revista de información y divulgación cultural. Queda prohibida la reproducción parcial o total con fines de lucro. Todas las imágenes, nombres y personajes presentados en este ejemplar tienen Copyright y son marca registrada de sus respectivos creadores y compañías productoras.

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Oficial: Muere el HD-DVD Toshiba a anunciado oficialmente que el formato HD-DVD (DVD de Alta Definición) dejará de producirse; éste formato estaba en guerra con el Blu-ray. Parte del triunfo de Blu-ray consistió en que la compañía Warner Brothers se decantó por este nuevo formato, a pesar de que HD-DVD había disminuido sus costos, así que si existían dudas en cuanto a si ir cambiando nuestra colección en DVD ahora ya tenemos respuesta…

Trekkies sin navidad Otro cast interesante es el de la nueva película de Viaje a las Estrellas (Star Trek) polémica realización por el mismo equipo de la serie de TV Lost y guionistas de Transformers J.J. Abrams, Robert Orci y Alex Kurtzman; el elenco lo componen: Chris Pine (Kirk), Zachary Quinto (Spock), Simon Pegg (Scotty), Winona Ryder (Amanda Grayson) y Leonard Nimoy (Spock, otra vez) entre otros. La mala noticia es que este estreno que sería en diciembre se pospone para mayo 8 del 2009… Ni modo, Trekkies a sufrir. Cast de Wolverine Ya casi está completo el cast de la nueva película de wolverine, este lo componen: Hugh Jackman (como Wolverine, obvio), Liev Schreiber (Sabretooth), Ryan Reynolds (Deadpool), Taylor Kitsch (Gambit), Will.i.am (Kestrel), Danny Huston (William Stryker), Lynn Collins (Silver Fox) y Dominic Monaghan (Beak). Muchos mutantes esperados… Para las otras películas de X-Men.

Guerras Clónicas al cine Para este verano se estrenará la nueva serie de Televisión animada de Star Wars: Clone Wars, solo que George Lucas ha anunciado que el piloto se estrenará en cine como película. En esta serie nos reencontraremos con personajes como: Ben Kenobi, Anakin Skywalker, Amidala y algunos nuevos como el Pádawan de Anakin: Ahsoka. O sea, líneas argumentales totalmente nuevas y bien planeadas…

Adiós Roy La prematura muerte de Heath Ledger llevó al olvido el deceso de una leyenda del cine: Roy Scheider, actor de las dos primeras películas de Jaws (Tiburón), 2010: El año en que hicimos contacto, Relámpago Azul, y The Punisher entre muchas otras cintas de culto (Destacando especialmente Contacto en Francia) y protagonista de la serie de TV Seaquest entre otras, su deceso se debió a diversas complicaciones que tenía en la sangre (Cáncer en sus células) el pasado 10 de febrero. Descanse en paz.

Y hablando de… …Heath Ledger, su última película, que dejó inconclusa: The Imaginarium of Doctor Parnassus dirigida por el gran Terry Gilliam será terminada, y en el papel que interpretaba Heath lo reemplazarán tres grandes actores: Johnny Depp, Colin Farrell y Jude Law.

¡Rorschach en acción! Hace unos días, fue liberada esta imagen de la nueva película de Zack Snyder (director de 300), y cuyo nombre pesa tanto entre los comiqueros como el nombre de la obra de culto que adapta: Watchmen.

Termino la cuenta regresiva… El próximo 30 de abril sale a la venta DC Universe: Zero, el comic con el que comienza el nuevo arco narrativo que guiará a la esperada Crisis Final, el evento que promete ahora sí redefinir al universo DC y en la cual uno de sus grandes superhéroes morirá. La historia es escrita por Grant Morrison (Batman: Arkham Asylum) y Geoff Johns (Green Lantern: Rebirth), lo cual es una garantía. Su costo será de solo 50 ¢ de dólar. Más juguetes bélicos McFarlane Toys anunció en su página web que la segunda serie de figuras basadas en el mega popular videojuego Halo 3 estarán a la venta en junio del 2008.

Fallecio Steve Gerber. Victima de complicaciones pulmonares, el pasado 10 de febrero falleció Steve Gerber, uno de los principales escritores de comics Marvel en los años setenta, destacando en títulos como The Defenders, Man Thing, morbius: The living Vampire y el primer comic del grupo de rock Kiss, en donde presentó a la tal vez su principal creación: El pato Howard (Howard the Duck), llevado al cine por George Lucas en los años ochenta. Su trabajo también abarcó animación, siendo guionista de series como G.I. Joe y Calabozos y Dragones, así como de Thundarr el bárbaro, su creación (considerado en los E.U. como una de las mejores piezas de animación de las caricaturas sabatinas de la mañana). Descanse en paz, que su legado vivirá por siempre. Ya viene el juicio final Para todos aquellos que se han quedado con las ganas de ver como el “Judgment day” alcanzó a la humanidad en el futuro de las películas de Terminator, el próximo año -más específicamente el 22 de mayo-, podrán verlo. Esa es la fecha de estreno de la cuarta parte de esta saga titulada: Terminator salvation: The future begins. Esta historia post-apocalíptica será dirigida por el sobrevalorado McG (aquel responsable de Los Ángeles de Charlie). La gran sorpresa es que Christian Bale (el actual Batman) será el encargado de interpretar a John Connor, líder de la resistencia en contra de Skynet y sus máquinas.

¡Kanedaaaaaa! Esto aún es un rumor, pero al parecer Warner Bros. dió luz verde a la adaptación en live-action de Akira, la joya de la animación japonesa y que a la vez está basada en el manga de Katsuhiro Otomo. Pero no será una, sino dos películas filmadas simultáneamente por el novel director Ruairi Robinson. La compañía productora que se hará cargo del proyecto pertenece a Leonardo DiCaprio, por lo que es muy posible que actuará en ella. Un pequeño detalle más: La historia se desarrollará en Manhattan… Otakus del mundo, ¡Comiencen a gritar!

n montón de lluvia y humo, así es el futuro que imaginó Ridley Scott hace más de 20 años, y ahora, en 2008 sabemos cuán precisa fue esa visión. Su concepto visual de los años venideros se ha casi materializado. La realidad que nos mostró al exhibir por primera vez su “Blade Runner” ya casi la podemos oler, nos puede mojar. En el libro de Philip K. Dick, permanecer en la tierra es sinónimo de fracaso. En la tierra sólo viven aquellos que han sido declarados incapaces para ir a las colonias y mejorar su calidad de vida. Deckard también es uno de esos, y gusta de soñar con ovejas eléctricas. Deckard vive una vida que no le gusta. Tiene un salario que no le permite comprarse una mascota de verdad, así que tiene que conformarse con una oveja mecánica. Tal vez, por eso mismo, sea un personaje demasiado humano. Pero, ¿Acaso Deckard no lo es? La película comienza cuando seis replicantes llegan a la tierra después de escapar de Marte. Es ilegal que los replicantes estén aquí, así que la policía comienza una cacería en su contra. 2 de estos replicantes mueren antes de que lleguemos a conocerlos. Otro Blade Runner se ha encargado de ellos. Así que la historia se centra en la cacería de los otros cuatro; dos hombres y dos mujeres. Pero Deckard no es el Blade Runner –un tipo de caza recompensas- designado a la misión. En el libro, él no es la primera opción del departamento de policía, sino Dave Holden, el caza recompensas que vemos al comienzo de la película, interrogando a León Kowalski. Por cierto, ¿han notado que Deckard sólo mata a las replicantes hembras?

Desde hace ocho años se venía hablando de una versión definitiva de Blade Runner. De un paquete que contuviera no sólo la versión estrenada en cine, sino también las demás versiones que han estado circulando alrededor del mundo durante todo este tiempo. Ahora por fin podemos tenerlo en nuestras manos. ‘Blade Runner. The final cut’ es el resultado de un proceso que comenzó a principios de 2000 y continuó “a intervalos, durante siete años de intensa investigación y meticulosa restauración, de desafíos técnicos, de descubrimientos asombrosos y nuevas posibilidades”, explica el propio Scott. El director ha incluido las cuatro versiones ya vistas de la película, recientemente transferidas a pantalla panorámica anamórfica con sonido 5.1 original de seis pistas de archivo. Su objetivo era ofrecer al espectador la película en la forma que éste prefiera, “con la mejor calidad posible de imagen y sonido”. El metraje de la película en 35mm se escaneó a una resolución de 4K del negativo original, mientras que sus efectos visuales se escanearon a una resolución de 8K de elementos impolutos en 65mm. “Todo ello dio como resultado una sensacional experiencia visual como no se ha visto desde el estreno de la película en 1982, y tal vez ni siquiera entonces”, subraya Scott, que a su vez utilizó los originales de seis pistas para mezclar la banda sonora de la película con la “tecnología de vanguardia”. Además, el DVD se completa con una colección de “documentales exhaustivos, comentarios multifacéticos, metraje nunca antes visto y material especial”. “Puedo decir ahora con sinceridad que ‘Blade Runner: The final cut’ es mi montaje de director definitivo de la película”, dice el propio

Scott al comienzo del DVD. Entre estas varias versiones había dos detalles que siempre molestaron a Ridley Scott sobre la película. Uno fue la voz en off que narraba la historia. La otra era el final feliz. A principio de los años noventas comenzó a circular en el terreno de los cine-clubs una versión de Blade Runner que no tenía ni la voz en off ni el final feliz. Una versión que de inmediato se hizo de sus seguidores. Esta versión jamás tuvo un reconocimiento oficial por parte de los creadores originales, ni nadie se adjudicó nunca su creación. Fue hasta finales de los noventas que aparece la “Versión del director” que ya varios hemos visto. Una Blade Runner para espectadores más maduros, sin una voz en off ni un final feliz, aunque con un detalle adicional; Deckard sueña con un unicornio. ¿Qué significa? Más adelante lo veremos. Ridley Scott hizo Blade Runner en un estilo llamado “cine negro”. Esto es, la película del detective duro. Quizás el mejor ejemplo sea El Halcón Maltés (dirigida por John Huston) con Humphrey Bogart. Una característica de esta película es la voz en off del detective narrando lo que piensa y hace en cada momento. Una vez dicho esto, es interesante aclarar que Ridley Scott originalmente hizo Blade Runner sin la voz en off, pero debido a la poca acogida que tuvo en el pre-estreno, el estudio insistió en añadir la narración en off. Ridley Scott dijo en una entrevista para la televisión americana que en el film noir esa voz en off a veces funciona y a veces no, y en Blade Runner no funcionó.

Pero vamos por partes... ¿Qué es un Replicante? Para esto tenemos que visitar primero la siguiente definición.

Esta película tiene varias lecturas. Una de ellas, y que también aparece en el libro, es la destrucción de nuestro planeta a manos de los mismos hombres. Una destrucción que nos obliga a emigrar hacia otros mundos, ya que hemos vuelto éste nuestro hogar un sitio hostil, con un clima en el que nunca cesa de llover y repleto de contaminación. Un sitio en el que todas las especies de animales han sido exterminadas. Un futuro en el que hemos vuelto nuestro planeta un basurero, y en el que depositamos también a los humanos que ya no necesitamos. El mundo en Blade Runner está sucio. Hay gente que vive ahí. Es un universo viejo en el que los personajes se han estado moviendo durante años, aunque en realidad fue creado exclusivamente para la filmación. Nada existía antes o existió después. Ahí radica parte de la magia. En hacer que algo nuevo parezca tan familiar. Otro de los temas recurrentes en el libro es el de los animales. Deckard sueña con tener una oveja de verdad. Bueno, en realidad con cualquier animal de verdad. Todos los habitantes de la tierra tienen algún animal, o sueñan con tenerlo. Es mal visto no tener una mascota. Y también está mal visto cuestionar si es real o no. En el libro, Rachel Rosen –una replicante- intenta sobornar a Deckard regalándole un búho. Muchas especies se han extinguido ya, entre ellas el búho. Lo cuál vuelve al animal invaluable. Deckard no lo acepta, aunque le hubiera gustado hacerlo. Más adelante, en el libro, llegará a comprarse una cabra.

_ANDROIDE_ n. procedente del griego, autómata humanoide. (ver robot) 1. Versión inicial utilizada para trabajos muy aburridos, peligrosos o desagradables para humanos. 2. Segunda generación de bioingeniería. Unidades electrónicas y cerebros positrónicos. Usados en el espacio para explorar ambientes inhóspitos. 3. tercera generación sintético-genética. REPLICANTE, constituido por piel y/o carne cultivada. Selecta conversión de transferencia enogénica. Capaz de autoperpetuar su pensamiento. Habilidades parafísicas. Desarrollado para programas de emigración WEBSTER’S DICTIONARY New International (2012)

Los replicantes son organismos manufacturados diseñados para desenvolver trabajos muy pesados, peligrosos o desagradables para los humanos. Los primeros modelos eran rústicos y torpes, pero los nuevos “NEXUS 6” son prácticamente iguales a un humano. (En un primer borrador del guión, Bryant le dice a Deckard que practicaron una autopsia a un replicante que se incineró intentando entrar en la corporación Tyrell y no descubrieron que era un replicante hasta dos horas después de comenzada la autopsia). Los replicantes se distinguen de los humanos en un importante factor: su apatía. En BR los ojos de los replicantes brillan (hasta los del búho artificial), de todas maneras Ridley Scott se toma la libertad de hacer que ésta claridad no sea vista por los personajes de la historia, tan sólo por el público. Pongan atención la próxima vez que tengan oportunidad de mirarla. Cuando Deckard deja su apartamento con Rachel, al final de la película, él se encuentra con un unicornio de papel. El unicornio es la última de una serie de figuras de papiroflexia que Gaff usa para señalar a Deckard. En la oficina de Bryant, cuando Deckard insiste que está jubilado, Gaff hace una gallina: “Tienes miedo de hacerlo” significa. Más adelante hace un hombre con una erección: “Ella te gusta”. Y finalmente el unicornio: “Estás soñando, podrás huir con ella, pero ella no sobrevivirá” (Básicamente lo mismo que le dice en la terraza). Una interpretación es que el unicornio era simplemente un mensaje para Deckard: “Sé que tienes a Rachel, pero la dejaré vivir.” Aunque bien podría significar algo más... ¿Es acaso Deckard un replicante?

Aquí enumero a grandes rasgos lo que van a encontrar. Disco 1: Blade Runner: El corte final Edición restaurada y remasterizada con el corte definitivo de Ridley Scott. Incorpora escenas añadidas y extendidas, diálogos adicionales, nuevos y más limpios efectos especiales y un sonido totalmente reconstruido en 5.1. Extras: • Pista de comentario en audio por el director Ridley Scott • Pista de comentario en audio por el productor ejecutivo / coguionista Hampton Fancher y el co-guionista David Peoples, así como el productor Michael Deely y la productora ejecutiva Katherine Haber • Pista de comentario en audio por el visionario futurista Syd Mead, el diseñador de producción Lawrence G. Paull, el director artístico David L. Snyder y los supervisores de efectos especiales fotográficos Douglas Trumbull, Richard Yuricich y David Dryer

Disco 2: Documental: Días peligrosos: Realizando “Blade Runner” Un amplio documental que revela todos los elementos que perfilaron la inmensa influencia de este logro del cine. Equipo de rodaje, reparto interpretativo, críticos y conocidos nos muestran entre bastidores una mirada a las entrañas del film, desde sus raíces literarias y su gestación a través del casting, la producción y los efectos visuales, hasta su controvertido legado y lugar en la historia de Hollywood.

Esta es la cuestión más polémica entre los fans de Blade Runner. Las diferentes versiones de BR contemplan esta idea en diferentes grados. Se podría decir que en el lanzamiento de 1982, Deckard no es un replicante, pero en el Corte Final sí lo es. ¿Por qué digo esto? Como antes he mencionado, los ojos de todos los replicantes brillan. En la edición definitiva de la película, este es uno de los efectos que fueron mejorados. Los ojos de los replicantes brillan con mayor intensidad. Si ponen atención, en la escena en que Deckard platica con Rachel en su apartamento, cuando Deckard se detiene a su espalda, los ojos de ambos brillan.

Esta versión no fue clasificada para edades y contiene algunas escenas de acción extendidas, en contraste con la versión cinematográfica del 82.

Disco 3:

Blade Runner: El montaje del director de 1992

Blade Runner: Versión cinematográfica de 1982 Esta es la versión que introdujo a las gran audiencia de salas de cine americanas en un film revolucionario con una nueva y provocativa versión del futuro cercano. Contiene la voz en off de Deckard/Harrison y el “final feliz” en el que Deckard y Rachel (Sean Young) escapan. Blade Runner: Versión internacional de 1982 Es la versión distribuida en salas de cine de todo el mundo en 1982, y que también aparecería en el mercado americano de vídeo, laserdisc y televisión por cable en 1992.

Otro detalle es la obsesión que tienen los replicantes con las fotografías. El departamento de Deckard está lleno de ellas. También el unicornio es algo importante. Deckard sueña con un unicornio, entonces... ¿Por qué Gaff le deja un unicornio de papel al final de la película? Fácil. Le está diciendo que él, Gaff, sabe lo que sueña, porque sus sueños son algo implantado, igual que todos los sueños y recuerdos en todos los replicantes. Por último, y la prueba más definitiva de todas, es que apenas hace uno o dos años, tanto Ridley Scott como el propio Harrison Ford reconocieron que Deckard es un replicante.

Este primer montaje del director omite el “final feliz” impuesto por la productora en 1982 y la voz en off de Deckard que humaniza al personaje de Harrison Ford. Añade la controvertida secuencia del “unicornio”, en la que se sugiere que Deckard puede que sea, él también, un replicante. Disco 4: Archivo de mejoras • El soñador eléctrico: Recordando a Philip K. Dick • El sacrificio del cordero: La novela frente a La película • Philip K. Dick: Entrevistas al escritor sobre Blade Runner (audio)

• ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? galería de portadas (imágenes) • El arte de Blade Runner (galería de imágenes) • Símbolo de un tiempo: Diseño gráfico • Moda futura: Vestuario y estilismo • Pruebas de rodaje: Rachel y Pris. • La luz que brilla: Recordando a Jordan Cronenweth • Galería de la unidad fotográfica • Escenas eliminadas y alternativas • Cortes promocionales de 1982 • Anuncios de TV y tráilers • Corte de promoción de Dystopia: Creando el diseño del poster • Galería de marketing y merchandising (imágenes) • Decka-rep: La verdadera naturaleza de Rick Deckard • Generación Nexus: Fans y cineastas Disco 5: Blade Runner: Versión copia de trabajo (workprint) Algunos consideran que esta rara versión de la película es uno de los montajes más radicales y diferentes al resto. Incluye una escena de apertura alternativa, no hay voz en off de Deckard hasta las últimas secuencias, no existe la escena del “unicornio”, no hay final feliz de Deckard/Rachel, hay frases alteradas en el diálogo entre Batty (Rutger Hauer) y su crea-

dor Tyrell (Joe Turkell), la banda sonora es diferente en diversos puntos y muchos más detalles diferenciales. Extras: • Comentario de Paul M. Sammon, autor de “Future Noir: Cómo se hizo Blade Runner”

De hecho, en el minuto 34:49 de la versión definitiva, en el comentario de audio del director, el mismo Scott dice algo como esto; “Puedo decir, para aquellos que han puesto atención a los detalles (ha estado hablando sobre los recuerdos, los ojos brillantes y el unicornio), que es claro que Deckard es un replicante”. Podría estar horas completas hablándoles de esta película, decirles por ejemplo que varios de los diálogos fueron vueltos a grabar para darle mayor coherencia a la versión definitiva (Por ejemplo, ahora ya no escuchamos que son cinco los replicantes que Deckard tiene que cazar, sino cuatro, como originalmente hemos visto). También podría decirles que la película ha perdido su color azul característico y ahora es más de un tono verdoso, como originalmente Ridley Scott lo había imaginado. También puedo hablarles de las escenas agregadas, pero prefiero no hacerlo. Prefiero decir que si aún no la tienen, o aún no la han visto… ¿qué hacen leyendo esto? No pierdan el tiempo. Levanten su trasero y corran por ella. Ahora.

• Corte explicativo: Todas nuestras variaciones del futuro: De la “Copia de trabajo” al “Montaje final” Esta edición también la encuentran en un maletín (igual al que lleva Deckard para aplicar la prueba Voight-Kampf) de coleccionista con varios regalos: • Incluye las 5 versiones lanzadas a lo largo del tiempo. • Selección de fotografías del rodaje, en un cuadernillo. • Reproducción del spinner • Reproducción del Unicornio . Una imagen tridimensional de la película . Una carta del mismo Ridley Scott. . Litografías

l miedo es una de las manifestaciones humanas que de entrada resulta desagradable, pero con el paso del tiempo se ha convertido también en un sentimiento ideal para el entretenimiento, y esto no significa que seamos masoquistas o cosa por el estilo, simplemente es una sensación que nos recuerda un hecho importante: Que estamos vivos. Y es en el cine, el gran entretenimiento de los siglos XX y XXI, el campo de cultivo ideal para estimular esta sensación, este recordarnos continuamente que no somos nosotros los que estamos en la pantalla sufriendo lo que los protagonistas de la película, aunque si compartiendo colectivamente en la sala del cine el terror que padecen. El género de terror nace simultáneamente con el cine mismo,

y aunque los hermanos Lumiere no planearon que su película:”La llegada del tren a la estación” iniciara una oleada “genérica”, realizaron de manera inconsciente el primer film de “monstruos” (en este caso, el tren mismo), cuando las personas que veían por primera vez la película, corrieron asustadas de la sala pensando que el tren se les iba encima, debió de ser una experiencia colectiva bastante extraña. Con el paso del tiempo, los géneros cinematográficos fueron desarrollándose rápidamente y George Méliés (Quien le encontró al cine un potencial mucho mayor que los hermanos Lumiere que solo lo vieron como un mero entretenimiento de feria) filma en 1896 “Le Manoir du Diable”, considerada como la primer película del género y además el primer filme de vampiros.

Sin embargo, será Paul Wegener quien adaptaría “Der Golem” en 1913 la primer película de éxito y el que sentaría bases visuales en el género al adaptar una historia del folclor judío en el cual una criatura de barro se rebelaba contra su creador. También de ese periodo es “El gabinete del Doctor Caligari” de Robert Wiene, película que introduce el denominado expresionismo alemán y que sería el primer intento “serio” del género (además de ser tal vez la primera película con un ya marcado estilo propio). Para 1921 el cine ya era todo un entretenimiento con lugar y mérito propio, y fue en ese año que aparecería Nosferatu, una adaptación más o menos libre de la famosa novela Drácula de Bram Stoker dirigida con maestría por F. W. Murnau. En Nosferatu se continúa la atmósfera expresionista alemana y Max Schreck logra una actuación de antología; aún en esta época, su atmósfera sombría y su ritmo narrativo logran asustar al más valiente, los retamos a que vean solos durante la noche la escena cuando Nosferatu sale a la cubierta del barco y mira fijamente a la pantalla. Será en los años treinta cuando el género realmente alcance popularidad con las películas de los estudios Universal. Frankenstein interpretado por Boris Karloff y Drácula con Bela Lugosi serán junto al Hombre Lobo y la Momia los monstruos emblemáticos de esta filmografía. Drácula, dirigida por Tod Browning, adapta la novela homónima de Bram Stoker, aunque el guión se basa más bien en una obra de teatro que había triunfado en Broadway en 1927, por esta misma estructura teatral es una película más bien lenta e inquietante, sin embargo, bastó para inmortalizar a Lugosi. Como dato curioso, aprovechando los sets para esta película, se filmó simultáneamente durante las noches una versión en español dirigida por George Melford e interpretada por el español Carlos Villarias como el vampiro, de

acuerdo con muchos estudiosos este filme resultó ser muy superior a la versión de Browning. Todo lo opuesto sería Frankenstein, adaptando la novela de Mary W. Shelly, en esta, James Whale, su director, logró una de las mejores películas del género alcanzando casi la atmósfera expresionista de los filmes alemanes. Sin embargo, sería su secuela, La Novia de Frankenstein del mismo Whale la que alcanzaría realmente el estatus de obra de arte. A estas películas siguieron varias secuelas, así como las de La Momia y las de El Hombre Lobo, mismas que lograron marcar diversos parámetros para hacer cine de terror y muchos clichés que a la fecha mantienen vigencia. De este periodo vale la pena mencionar películas como The Old Dark House (1932) también de James Whale, The Mistery Of The Wax Museum de Michael Curtiz (1933), Vampyr de Carl Dreyer y The Black Cat de Edward G. Ulmer, con Lugosi y Karloff. Es este también un periodo de artistas representativos del género, no solo los ya mencionados Lugosi y Karloff alcanzaron estatus míticos, también Lon Chaney Jr. Como el Hombre Lobo, quien en 1925 había logrado una excelente caracterización como El Fantasma de la Opera, siendo esta también una de las primeras películas en obtener excelentes resultados en el rubro del maquillaje; y John Ba-

rrymore en la hasta ahora considerada como la mejor adaptación El Doctor Jekill y Mister Hyde en 1920, aunque la versión interpretada por Fredric March en 1932 es considerada como la versión “Clásica” junto a la versión de Spencer Tracy e Ingrid Bergman (El extraño caso del Doctor Jekill. 1941)

El periodo de las guerras mundiales provocó que en los Estados Unidos, Inglaterra y otros países de importante producción filmográfica recortaran presupuestos y produjeran poco, es el periodo en que países como México o España encontraran una denominada “Edad dorada” de sus filmografías y el género de terror sufrió un debacle, la guerra misma se había convertido en un terror sin igual. Como antecedente a la próxima filmografía, el cine encontrará sus terrores provenientes de un género relativamente nuevo en su época: la ciencia-ficción.

Películas como La cosa del otro mundo (The Thing From Another World, 1951) y La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasion of the body snatchers, 1956) presentaban extrañas invasiones extraterrestres en la que sus invasores suplantaban a seres humanos, haciendo de esta forma imposible descubrirlos. La metáfora, sin embargo, resulta ser una doble, la de que nuestro terror se encuentra en nosotros mismos, hay que temer a nuestros allegados y seres queridos, ¿puede haber algo mucho más macabro? También podemos percibir en estas películas el miedo a lo externo y diferente a nosotros, recordemos que la guerra fría estaba iniciándose. Mientras en Inglaterra la Hammer (Vean el siguiente artículo) triunfaba con estos films, en Estados Unidos hacía su aparición Roger Corman, el rey del cine de bajo presupuesto. Éste adaptó relatos de Edgard Allan Poe destacando The Fall of the House of Usher (1960), The Tomb of Ligeia (1964) y The Masque of the Red Death, en la que retomaba el estilo del impresionismo alemán; en estas películas aparecería otro actor indispensable para esta cinematografía: Vincent Price. Sin embargo, Corman será recordado también por la primera versión de La Tiendita de los horrores (Little shop of horrors), con un incipiente Jack Nicholson en una película que Corman filmó en un fin de semana para ganar una apuesta. La Tierra contra los platillos voladores, It came from outer space, Them!, Invaders from Mars y muchas otras exploraban los horrores de la guerra fría y el temor atómico, así como una extraña fascinación al plantearse la existencia de seres de otros planetas, los cines se veían inundados por criaturas procedentes del espacio exterior y por terrores sobrenaturales. Sin embargo, será en los años sesenta cuando el cine de terror encuentre temores más estilizados y con estilo, pero eso será tema a tratar más adelante...

a Hammer fue una compañía que produjo durante los 60´s una enorme cantidad de películas de terror, aunque en sus orígenes (que se remontan desde 1934) comenzó realizando películas de suspenso y thrillers, esta compañía inglesa es la que por durante mucho tiempo ha enriquecido la imaginación de los fanáticos del horror tomando a personajes clásicos de la literatura y folklor, como lo son Drácula, el monstruo de Frankenstein, el Hombre Lobo, que por cierto, con este personaje se creó una escena clásica con el actor Oliver Reed dentro de la película de nombre Curse of Werewolf del 61, la Momia, así como adaptaciones de novelas de Sherlock Holmes, entre tantos mas. Pero es hasta 1957 cuando la Hammer se lanzo a la fama, y comenzó a producir las películas que les darían fama internacional junto con sus dos actores emblemáticos: el estupendo Peter Cushing, junto con el entonces segundón, ¡hágame usted el favor!, Christopher Lee (si el Sarumán de El Señor de los Anillos) realizando la película Curse of Frankenstein, esta película tuvo tal éxito que permitió realizar cinco más con el apoyo de la Columbia Pictures; a partir de este momento estos dos actores se convirtieron en los caballitos de batalla de la Hammer ya que realizaron subsiguientes películas, todas con la característica de que en la gran mayoría se titulaban “La maldición de tal…”, “El Horror de fulano”, o “La venganza de tal o cual monstruo”.

Dentro de estos films se empezaron a crear las imágenes de los monstruos que aún perduran, por ejemplo, la imagen de Van Helsing, eterno cazador de Drácula, donde vemos al hombre con su gabardina cargando estacas y conocedor de todo lo relacionado con el monstruo surge de estas películas, además, esta casa productora de monstruos nos dio también las versiones femeninas de los mismos como en Brides of Dracula, continuando con reediciones de Las dos caras del Dr Jekill, película ya realizada por otra compañía. Pero lo realmente destacable que tiene la Hammer es que fue en su momento la compañía que le quito lo distinguido y romántico a personajes como Drácula, el vampiro ya no es el personaje siniestro y elegante de Bela Lugosi de la Universal, sino un monstruo sanguinario y seductor instaurando un nuevo parámetro dentro del género de los monstruos clásicos, viendo el éxito que tenían las versiones de estas películas ya realizadas por otras compañías continuaron con grandes éxitos como la de La Momia del 59, mostrando a un Christopher Lee como el milenario ser del antiguo Egipto que resucita y por supuesto, a Cushing como el investigador que debe detenerlo. Posteriormente, la compañía decide incursionar en otros géneros como el policiaco, de fantasía y de espadachines, pero sin dejar de explotar su mina de oro, y presentando nuevas versiones de la momia como La maldición de la tumba de la momia del 64, que se alejó de la versión hecha anteriormente, pero conservando toda la sangre que empezaba a caracterizar ya las producciones de la Hammer.

Pero no todo fue realizar refritos de anteriores películas o de sus propias producciones, se logró realizar también una película relativamente original, o por lo menos con un personaje que no se basaba en ninguno anterior, The Gorgon del 64, que fue una realización de mediana calidad, realizada con la eterna mancuerna de Cushing y Lee. Aunque tampoco podemos pasar por alto a ese otro actor icónico de la hammer, quien se convirtió en el cliché del científico loco: El carismático Vincent Price, cuya voz ambientaba tétricamente las narraciones de historias sobrenaturales. Con este nuevo giro de sus producciones los monstruos fueron acompañados de personalidades mucho más bellas, como la exuberante boliviana Raquel Welch interpretando un personaje prehistórico en la película One Million Years B.C. (película que, por cierto, fue hecha varias veces después, con diferentes nombre y en la que actualmente aparecerá una nueva versión ajustando la cantidad de tiempo a 10 000 años), esta fue una exitosa decisión de la Hammer, definitivamente la Welch convirtió a la película en un éxito inmediato. Siguiendo trabajando con sus actores de cabecera Cushing y Lee, se realizaron películas tales como Drácula, príncipe de las Tinieblas, o Rasputin, The Mad Monk, película que encanto y gustó sobremanera a Lee ya que se consideraba orgulloso de este trabajo, lo curioso es que las dos películas utilizaron los mismos escenarios para economizar costos.

Siguiendo con esta idea se realizaron las películas Plague of Zombie, del 66 junto con la de The Reptil del mismo año, que también compartieron escenarios. Los monstruos se colorean, ya que a partir del 66 empiezan a realizarse películas a todo color de esta compañía, pero al mismo tiempo comienza el debacle de la misma, por continuar sacando refritos de sus propios refritos, supongo que sus seguidores fueron abandonando las salas de cine de la casa productora. Entonces comenzó con sus ciclo de mujeres lesbianas vampiro, con Vampires Lover del 71, este fue un punto sin retorno de la Hammer ya que cayeron en una sobre explotación del género y lo que fue peor, de ellos mismo, ya que un cansado Peter Cushing y un apático Lee ya no atraían a las masas como antes, de esta forma el tema del erotismo en el terror llegó. Este intento de crear terror con sexo, y lesbianas era el último recurso para que la productora de monstruos se mantuviera a flote, pero en realidad fue la estaca que terminó con el monstruo, ya que el mostrar escenas fuertes de desnudos haciendo énfasis directamente

en elementos sangrientos y eróticos no fue una combinación muy bien vista, filmes como Blood from the Mumy’s Tomb del 71, que se basaba en un cuento poco conocido de Bram Stoker, Countess Dracula (La Condesa Drácula, 1971) con Ingrid Pitt y Lust for a Vampire también del 71, intentaron mostrar más directamente las escenas que los modernos jóvenes de ese entonces querían ver sin mucho éxito. Y es que estos filmes aportaban poco o casi nada cinematográficamente hablando, por lo que se tuvo que inclinar a producir televisión, llevando además al cine nuevas versiones de personajes prehistóricos, cosa que tampoco le funcionó a esta decadente Hammer. La última película de terror del estudio fue To the Devil… A daughter del 76 de Peter Sykes, con Christopher Lee y Richard Widmark, sobre una novela de Dennis Wheatley y un tema de moda gracias a The Omen (1976), es decir el del retoño de Satán en la Tierra. La Hammer, que para muchos tal vez es una casa productora de “churros” cinematográficos, es y será para algunos más una gran influencia para las nuevas generaciones de cineastas y una referencia obligada de los amantes al género del horror, pero sobre todo es y será para muchos otros, la casa de los monstruos.

Por Ignacio Lo

ranca

l miedo es una sensación humana que siempre ha sido subestimada, casi siempre se relaciona con algo necesariamente malo, sin embargo, al miedo mismo se le ha catalogado como algo “perverso” en sí, vaya, ni siquiera el libido ha sido estigmatizado de manera tan fuerte. Incluso, ese “algo” que hace evitarlo provoca en el miedo cierta fascinación que ha llevado a sus detractores a acusar de perversos a aquellos que lo han aceptado como algo cotidiano; ejemplos sobran: en España, a principios de la década de los noventa se canceló la revista Fangoria (revista que se especializaba en el cine de terror, mostrando escenas bastante explícitas en cuanto a monstruos y falsos descuartizamientos) alegando que era una mala influencia entre sus lectores (adolescentes en su mayoría); y estoy seguro que todos hemos escuchado en más de una ocasión la expresión de que los medios de comunicación (las películas, los programas de televisión y los video juegos principalmente) son las escuelas de las patologías de nuestro mundo contemporáneo, cuando en realidad, en la mayoría de estos casos se trata de problemas de educación, cultura y enajenación económica en personas limítrofes o sumamente pobres (en fin, siempre han sido los creadores los chivos expiatorios). En esta ocasión no pretendo defender los medios, creo que nuestros lectores son gente suficientemente preparada y culta, de lo que realmente quiero hablar es sobre esos queridos monstruos que tanto amamos aquellos “perversillos” que hemos aceptado el miedo como algo que tenemos hasta el tuétano; básicamente de aquellos monstruos que surgieron el en cine a partir de los años setenta.

No Quiero hablar de Drácula, la Momia, la criatura de Frankenstein o el Hombre Lobo, nuestra imaginería colectiva ha superado con creces a esos queridos monstruos clásicos y hemos optado por monstruos más complejos psicológicamente. El mejor ejemplo, para empezar, sirve como antecedente a los terrores de los años setenta, y son los zombis de George A. Romero que aparecieron a fines de la década de los sesenta en la estupenda película La noche de los muertos vivientes (Night of the living dead), curioso ejemplo de la paranoia colectiva; en ésta, un grupo de personas quedan atrapadas en una casa abandonada cuando los muertos salen de sus tumbas para devorar a los vivos. La película fue filmada en

glorioso blanco y negro (así que no la confundan con el remake a colores de los años noventa de Tom Savini) y hecha con dos pesos, sin embargo, las actuaciones y la atmósfera nos hacen prescindir de efectos especiales muy elaborados, vaya, ni siquiera hay grandes efectos de maquillaje. La noche de los muertos vivientes funciona porque dentro de la atmósfera paranoica nos damos cuenta de que los villanos en realidad somos nosotros, ¿Puede haber algo más macabro que eso? Cabe señalar también que este filme fue muy importante por diversos elementos: se dice que fue el primer largovmetraje en el que un negro era el protagonista, rompiendo así esquemas raciales todavía muy marcados en la década de los sesenta, inconscientemente la película resultó ser una acertada analogía al momento social que se vivía en los Estados Unidos. Ya en los setenta aparecerán nuestros queridos monstruos contemporáneos, es curioso que la gran mayoría sean variantes de la tónica del serial killer (y siendo

justos, tienen su antecedente en Norman Bates, anti-héroe de Psicosis del maestro del suspense Alfred Hitchcock), haciendo que el miedo que transmitan sea más y más real, aunque como veremos más adelante, habrá dignas excepciones sobrenaturales. El primero de estos niños terribles es Leatherface, de la película La Masacre de Texas (The Texas Chainsaw Massacre, también conocida como Masacre en cadena) de Tobe Hooper, quien era un tipo fornido y alto que portaba una sierra eléctrica y una mascara hecha con… la piel de un rostro humano. Inspirada en los asesinatos reales de Ed Gein, La masacre de Texas nos presenta a una familia de caníbales (De los cuales, Leatherface era el proveedor de la carnita) que asedian a un grupo de adolescentes que por accidente llegan al condado donde esta familia pretende almorzárselos. La Masacre de Texas es una película realmente fuerte, curiosamente no es tan explícita como muchos la catalogan después de verla, los descuartizamientos son sugeridos aunque la sangre salpica la pantalla todo el tiempo, sin embargo, solo la recomiendo a aquellos de estómagos fuertes.

Cabe señalar un patrón importante en ésta y otras películas de este estilo: los adolescentes

Impactante resulta la secuencia de la cena, en donde la “familia” tortura a una de sus víctimas, logrando una de las secuencias más espeluznantes y viscerales jamás filmadas, toda una crítica y parodia a los valores del “American Way” con toda su idiosincrasia

plástica y es también un retrato retorcido de la última cena de Cristo. Cabe señalar un patrón importante en ésta y otras películas de este estilo: los adolescentes; el mancebo será asediado por esta fuerza prácticamente indestructible, ahondaré más de esto líneas más delante. Después tenemos a Jason Vorhees y la interminable saga de Viernes 13 (once películas hasta el momento); en estas películas el mentado Jason es un asesino serial sobrenatural que siempre porta una máscara de jugador de jockey y una gran variedad de cuchillos, machetes, o instrumentos punzo cortantes que cada viernes 13 cumple su cita al asesinar a adolescentes calenturientos y drogadictos en el campamento de Cristal Lake, volviéndose así una especie de “anti-héroe”, ya que casi siempre los personajes virtuosos o mojigatos (casi siempre una chica) son los que se salvan y derrotan al monstruo… ¡Para que éste vuelva a regresar! (Como nota de trivia, Jason realmente es el asesino a partir de la segunda película, en la primera era… mejor no se los digo, por si no la han visto). Poco después, John Carpenter nos presentó la película que afianzaría al género del slasher en el imaginario popular: Halloween, cinta en la que debutaría Jaime Lee Curtis, una de las pocas “Scream Queens” que continuó con una carrera trascendente que interpretaba a una sufrida niñera, pero en esta se nos presentaba principalmente a La Silueta, un terrible asesino que portaba una máscara blanca con unos pelos más tiesos que el peluche de color negro (cuenta la leyenda que los estudios tomaron una máscara del capitán Kirk de Viaje las estrellas a la que pintaron de blanco) y que con un cuchillo cebollero hacía sufrir a la pobre de la Curtis, poco después nos enteramos que el nombre de la Silueta era en realidad Michael Myers, primo lejano de la niñera que de niño había asesinado a su hermana al estar teniendo sexo con su novio (también se hecho al

novio, no crean que el Señor Myers era misógino), de esta manera se nos presenta una variante del antihéroe moralista, con el giro de una narración más oscura y nuevos trucos de cámara muy superiores a los de Viernes 13; incluso se llegó a decir que Carpenter era un digno sucesor de Hitchcock y es que la narrativa perversa en la que no sabemos las razones por las que la Silueta asesina le brindaba una atmósfera sobrenatural al personaje que por desgracia se fue diluyendo en sus posteriores e interminables

secuelas y en el reciente remake de Rob Zombie, que sin ser estrictamente malo se queda chico en comparación con el original. Antes de terminar los años setenta aparecería un “mostro” realmente espeluznante: el Alien de Ridley Scott de la película homónima, Alien es una afortunada mezcla de dos géneros: La ciencia-ficción y el terror; en ésta, la tripulación de la nave Nostromo se enfrenta a un pasajero no deseado, una criatura cuya única función es la de matar; el Alien es un monstruo altamente efectivo que retoma nuestros terrores más instintivos: es una especie de insecto repulsivo color negro que carece de ojos (aspecto “monstruil” muy importante, porque no hay manera de entablar un contacto “familiar”) y que de pilón, su sangre es ácido. Con Alien, Ridley Scott jugó con varios de nuestros temores, de hecho, la película era una variante de la “Casa encantada”, la nave Nostromo, a diferencia de las elegantes naves de La Guerra de las Galaxias o Viaje a las Estrellas era un vehículo oscuro que en diversas secciones parece obra negra y donde nunca sabemos cuando aparecerá el monstruo. Pero Ridley Scott fue

más lejos aún, utilizó el miedo a la soledad y de nosotros mismos, el ciclo biológico de la criatura es un ensayo en el cual el papel de la maternidad queda reducido a puro instinto, en toda la saga (las cuatro primeras películas) éste contexto no deja de estar presente, de entrada, la dependencia total de la tripulación se ve minada, curiosamente a la computadora central le apodan “Mother” y todo el ciclo reproductivo del bicho es a través de una relación parasitaria.

EL ALIEN ES una criatura cuya única función es la de matar Aliens, la segunda película de la serie fue dirigida por James Cameron en uno de sus momentos más inspirados; en ésta, Ripley (Sigourney Weaver), la única sobreviviente de la película original, deberá enfrentarse a la reina Alien (ya que aprendemos que estas lindas criaturas tienen una comunidad semejante a la de las hormigas) para defender a una pequeña huérfana, convirtiéndose así la película en la “batalla de las madres”, es en esta en donde la cuestión de la maternidad queda reducida al instinto más puro; como dato curioso, Cameron se atreve a romper la regla de que “mientras menos es mejor”,

¿Qué podría ser peor que un Alien?, miles de ellos. En Alien 3 de David Fincher, Ripley es “contagiada” por el Alien convirtiéndose así en la madre de su propio terror regresando a un filme más cercano al original en una atmósfera claustrofóbica. Finalmente, en Alien: Resurrection, Un clon de Ripley protege a una androide “adolescente” llamada Call (Winona Ryder), en la cual la maternidad se refleja como la protección del ser humana ante su creación, cerrando un círculo en el que si los seres humanos dependían de la tecnología en la primer película, ahora ésta es el sentido civilizatorio y racional ha proteger.

Ya entrados en los años ochentas nuestros queridos monstruos tendrán que ser más y más complejos, para empezar, tenemos a La Mosca (The Fly) de Cronenberg, remake de una versión de los años cincuenta en la que un científico al experimentar la teletransportación se fusiona con una mosca convirtiéndose en una criatura realmente aborrecible, en ésta también se cuestionan la maternidad de nuestros propios monstruos y temores, aunque la película llamó la atención principalmente por sus efectos especiales bastante grotescos (y porqué no decirlo, efectivos). Claro que no podemos dejar de hablar de los Gremlins (Ídem) de Joe Dante, película de la factoría de Spielberg en la que una adorable criatura peluda llamada Gizmo (Un mogwai) se reproduce accidentalmente, tras una serie de vicisitudes algo largas de explicar aquí, las criaturas se transforman en unos monstruos escamosos que son maldad pura; la cinta se desarrolla como película de clase B (término también acuñado a esta clase de cine) en la que el terror trata de estar presente, hasta que en la segunda mitad deriva en una parodia de la conducta humana (y el “American Way”) de una manera inesperada, razón por la cual la película funciona, incluso en su absurdo clímax que resulta ser emocionante dentro del enorme sinsentido que podría ser.

Años después apareció una secuela, Gremlins 2: The new batch, que curiosamente resulto ser uno de esos casos raros en los que la cinta resultó ser buena, en esta ocasión las criaturas no dan tanto miedo, pero el humor es mucho más sarcástico y socarrón que su predecesora (frases como la de: “¡Vea esta noche Casablanca, ahora a color y con un final más feliz!” son realmente para ponerse a pensar que no necesitamos Gremlins para vivir en un mundo absurdo), los Gremlins resultan ser unos monstruos bastante efectivos ya que dentro de su absurda conducta no hacen más que reflejar los aspectos más negativos del ser humano, que muchas veces tratamos de convertir en nuestras virtudes. Los Gremlins tuvieron tanto éxito que no faltaron burdas imitaciones como los Critters o los Ghoulies, monstruitos que se supone en grandes cantidades son un peligro, pero que no lograron sino hacer el ridículo (en honor a la verdad, los Ghoulies resultaron ser muy divertidos, pero nada más). Sin embargo, serán tres los monstruos principales que se

ganarán el cariño de los amantes del terror en ésta década: Primero tenemos a Freddy Krueger, de la serie de películas Pesadilla en la calle del infierno (Nightmare on Elm Street), la primera de éstas películas fue dirigido por Wes Craven (quien ya había presentado a una familia muy similar a la de Leatherface con la película Hills have eyes) y crea toda una mitología en su época: Freddy Krueger fue un asesino serial a quien varios padres de familia mataron quemándolo vivo al descubrirlo en una de sus “hazañas”; con el tiempo, el espíritu del señor Krueger se manifiesta en los sueños de los hijos de éstos padres (ya adolescentes) y los mata dentro de mundos oníricos. Este es el aspecto que hace interesante al señor Krueger, esa invalidez que tenemos al estar dormidos, Craven sabe jugar con la parafernalia del material del que están hechos los sueños y nos presenta a un serial killer realmente sobrenatural. Pero el encanto de Krueger reside en mucho más que eso, para empezar la fabulosa interpretación de Robert Englund para representar a un monstruo que inclusive en ocasiones se da el lujo de ser “simpático” balanceando así el terror con el humor (cosa que también lograría por esos años la divertidísima película Return of the Living Dead de Dan O’Bannon) en contraste al firme rigor de un Jason o un Michael Myers.

Uno podría pensar que éste balance es desafortunado en la gran mayoría de los casos, pero con el señor Krueger ocurre que sus guiones (irregulares en las secuelas, obviamente) tienen el acierto de presentarnos personajes simpáticos e identificables, esto es un buen tino en el genero del terror, así da más miedo realmente a diferencia de las victimas del Jason moralista (un ejemplo, en Viernes 13 parte VIII: Jason invade Nueva York, los adolescentes son tan odiosos que hasta da gusto que los maten, le dan ganas a uno de darle a Jason una pistola para que los mate ¡Pero ya!... pensándolo bien, a lo mejor el terror en esa película reside en eso, en aguantar a las victimas…) En fin, Freddy Krueger es uno de los monstruos modernos más entrañables, le siguieron siete secuelas (siendo las mejores la quinta y la última, en donde vuelve a dirigir Craven jugando con el mito dentro del mito) y recientemente un enfrentamiento en Freddy contra Jason, joyita del subgénero que supo mezclar muy bien ambas mitologías, aunque el final es para no tomárselo en serio. Tras la exitosa aparición de Freddy Krueger en los años ochenta, el cine de terror comprobó su vigencia ante la sed

Craven sabe jugar con la parafernalia del material del que están hechos los sueños y nos presenta a un serial killer realmente sobrenatural

del público de retomar sus terrores primigenios; pocos años antes del primer filme de Pesadilla en la calle del infierno, John Carpenter ya nos había presentado La cosa del otro mundo (The thing), todo un ensayo sobre la paranoia que en realidad era un remake de la película homónima de los años cincuenta. El “monstruo” de La cosa era realmente espeluznante, no tenía forma, era un virus extraterrestre que poseía a cualquier persona, tomando apariencias amorfas y creando una paranoica tensión durante todo el filme. Sin embargo, junto con Freddy Krueger, dos más serán los monstruos emblemáticos de ésta década, el segundo de estos es Pinhead de la película Puerta al infierno (Hellraiser) del escritor inglés venido a director en esta ocasión Clive Barker. Pinhead es un cenobita, ser mitad ángel y mitad demonio de brillante calva cuadriculada que en cada esquina tiene insertado un clavo (en realidad, en toda la cabeza, no solo en la cara). Pinhead es una criatura sobrenatural que se convoca con una especie de cubo de Rubik cuyas combinaciones abren las puertas a los placeres del cielo y del infierno (y que como buena película de terror, solo abre las del infierno). Junto con Jason, Leatherface, Michael Myers y el señor Krueger,

Pinhead discute el título del señor del Gore (término cinematográfico que se refiere al exceso de sangre, tripas y demás parafernalia propia de éstas películas), Pinhead es totalmente amoral y ama su trabajo, además de que prácticamente es indestructible. Pinhead apareció en varias secuelas más, siendo la mejor la segunda: Hellraiser: Hellbound, en donde imágenes realmente claustrofóbicas y dantescas se aúnan a una atmósfera onírica que hace a la película realmente terrorífica. La tercera película: Hellraiser: Hell on Earth es bastante malita, convirtiendo a Pinhead en un serial killer más de éste tipo de cine. Será a fines de los ochenta cuando aparezca uno de los monstruos más queridos de ésta década, también repitiendo el esquema del serial killer sobrenatural, ¿Quien diría que el subgénero todavía tendría que aportar algo? La película es Child’s play, el monstruo: Chucky, el muñeco diabólico (Que es como se le bautizó a la película en México). Child’s play nos narra la historia de Charles Lee Ray, un asesino serial quien al huir de la ley y ser balaceado realiza un conjuro en el que su espíritu toma el cuerpo de un “Good Guy”, un muñeco de moda. Para retomar un cuerpo humano deberá robar como anfitrión a la primera persona que sepa que el muñeco está vivo, este resulta ser un tierno niño llamado Andy. Y el pobre Andy será perseguido hasta la nausea por el desgraciado muñeco; tal vez el

concepto no de mucho miedo, sin embargo, si apelamos a los terrores infantiles nos encontramos con algo realmente espantoso (no es raro que el personaje sea tan popular precisamente entre los niños, a pesar de ser una película para adultos). Pero Chucky, al igual que Krueger resulta ser un monstruo bastante efectivo, incluso algunos críticos llegaron a decir que irradiaba una “poesía tétrica”, y es que el muñequito es realmente precioso y su transformación en un ente maligno es bastante creíble, esto también es gracias a la voz de Brad Douriff (Grima Lengua de Serpiente en El Señor de los Anillos) quien le agrega una personalidad avasallante. Tras Child’s play siguieron dos secuelas bastante malas y derivativas, sin embargo, es a fines de los noventa cuando se realiza la cuarta entrega del filme: Chucky’s Bride (La novia de Chucky), en la que el personaje da un giro bastante interesante, convirtiéndose en un homenaje y parodia de otros monstruos (La novia de Frankenstein es el más obvio), pero principalmente de sí mismo. En ésta película hay diálogos realmente deliciosos, como aquel en el que Chucky responde a su interlocutor acerca de su existencia: “Mira chavo, es una historia tan complicada que si hicieran película tendrían que hacer una con varias secuelas”; o aquella cuando está por hacer el amor con su novia Tiffany: - Tiffany: ¿Traes protección? - Chucky: ¡Hey, yo soy todo de goma nena!

Los monstruos nos gustan porque reflejan la parte oculta que tenemos nosotros Y sin embargo la embaraza. Actualmente hay una quinta película, Seed of Chucky (El hijo de Chucky -como consecuencia del acto anterior-) en la que pretende seguir en la misma vena de la anterior, pero llevándola al extremo, se trata de un fallido homenaje al cine kistch que trata de homenajear a Waters (que de hecho aparece en la película, por si el homenaje no fuera nada obvio) y al cine de Ed Wood, de hecho, el hijo de Chucky se llama Glenn quien se trasviste haciéndose llamar “Glenda”. ¿El resultado? Una película que no da miedo pero que resulta ser bastante grotesca (hasta hay una escena en donde Chucky aparece... ¡masturbándose!). Aunque aparece con bastante éxito en los ochentas, es en los noventas en que Depredador (Predator) alcanzó su fama. El Depredador es un cazador extraterrestre con un torcido sentido del

honor, una especie de crustáceo que puede hacerse invisible y que mata despiadadamente a un grupo de militares en una selva tropical. El Depredador es uno de los monstruos más interesantes ya que nunca matará a un ser que no tenga la capacidad de defenderse y es esta doble moral la que lo convierte en eso, un monstruo. A pesar de su éxito, Predator solo generó una secuela bastante derivativa de su antecesora aunque mucho más violenta y actualmente ha regresado en las películas de Alien Contra Depredador. En fin, con Depredador termino este recuento de monstruos contemporáneos, tal vez deba hablar de criaturas de los años noventa y del nuevo milenio, sin embargo, como buen producto de época que soy y digno hijo de la generación ochentera, no conozco o no recuerdo a algún monstruo que haya trascendido como los anteriores (aunque si ha habido filmes del género bastante interesantes) o que no sea derivativo de éstos. Concluyo pues: Los monstruos nos gustan porque reflejan la parte oculta que tenemos nosotros, de no ser del todo las buenas personas que queremos ser y darnos cuenta de como somos realmente; el miedo siempre será una sensación que nos ha acompañado y acompañará, porque a fin de cuentas, ¿Qué nosotros no somos nuestro propio monstruo?

entra como Wolverine se encu o cid no co n bié tam n, Loga mo llegó ahí, oso suburbio, no sabe co caminando por un herm eño prado s que juegan en un pequ ita niñ as un a ve e qu í as ede escune se acerca a ellas y pu eri olv W ta; rea la do brincan Three, Freddy pla infantil: “One, two, char que entonan una co ”. six, grave your crucifix… is coming for you; Five, a preguntarles ed pu n ga tes que Lo La copla es tétrica, y an r a Lon su juego y voltean a ve ne tie de s ita niñ las o, siquiera alg da y descubre tante asienta en su mira gan fijamente; nuestro mu e detrás de él. que su mirada se pierd abre su bre una vieja casa que scu de y a gir ne eri olv W as estas ya han ne voltea a ver a las niñ puerta. Cuando Wolveri la casa. el mutante se dirige hacia e qu í as , ido rec pa sa de que por una cierra detrás de él, así se a ert pu la r tra en Al escua sus garras, ¡Snikt!, se om as ne eri olv W a tiv rección instin fuerte eco en tensiones provocando un cha el deslizar de sus ex toda la casa. serva nte un ligero mareo y ob De inmediato, Logan sie ededor alr su a la casa empieza a girar en como todo el interior de ora se cuencambia radicalmente, ah rio na ce es el e qu sta ha y llamas el aire está enrarecido a, ric fáb de cie pe es a curtra en un a que se trata de una su erí rec pa or, ed ed alr o brotan por tod sal del mismo infierno.

En eso, un rechinido metálico parece deslizarse por las tuberías y una macabra risa se escucha por todo alrededor. Wolverine levanta sus garras de la mano izquierda a la altura su rostro para defenderse cuando escucha la risa detrá s de él. Al fondo del pasillo, una silueta de un hombre alto y delgado se recorta sobre el fondo rojo; el hombre parece porta r en la cabeza un Fedora y a la altura de su cabeza levanta su mano derecha, cinco garras asoman de sus dedos. Logan olfatea, tratando de percibir el aroma de su enem igo pero el azufre no le permite reconocer nada en partic ular, así que trata de visualizar si las garras de su contrincante son naturales. - ¿A quién esperabas mariquita? – Dice el hombre del fondo -. -¿¡Que demonios quieres, tipo? – responde Wolverine -. En eso, el hombre se acerca ante la luz y Logan pued e distinguir su rostro desfigurado, es un rostro socarrón, pero deformado por severas quemaduras, en su mano, descubre que sus garra s no son más que un guante con cuchillas que empieza a desliz ar por un tubo provocando que rechinen en una verdadera molestia. Logan se lleva sus manos a las orejas, se concentra y apunta al hombre misterioso con sus garras diciendo: - Mira tipo, no tengo nada contra ti, así que dime en donde estamos y… - Ha, me desprecias por no tener nada contra ti!, ¿qué te parecería esto? Sin darle tiempo de responder, el hombre saca a una chica de un pasillo que se encontraba a su lado, para el terror de Logan, éste descubre que la chica es… ¡Jubilee! - ¡Logan, ayúdame! – Grita la pobre chicaWolverine se lanza contra el villano, pero antes de que pueda hacer algo, el monstruo se hace a un lado sujetando a la chica por el cuello con su guante y lo corta brutalmente, haciendo que pierda la vida en el acto; la sangre de Júbilee salpica todo alred edor. -¡Nooooo! – Grita Wolverine -. El hombre le lanza la cabeza de su amiga hacia el suelo diciendo: -Toma, es cortesía de tu amigo, ¡Freddy Krueger! Wolverine finalmente se acerca al Señor Krueger y lo ataca con sus garras, pero Freddy las detiene anteponiendo las suyas, el sonido del metal deslizando se escucha por todo alrededor. Wolverine hace palanca y rompe tres de las cuchillas de Freddy mient ras que le entierra las garras de su mano izquierda en el estómago.

Freddy Krueger se convulsiona, pon e los ojos en blanco y se deja caer. Logan se dirige a la cabeza de Jub ilee con rabia, la sostiene delicadamente mientras deja aflo rar una sola lágrima, aunque ha matado a su enemigo no se siente satisfecha su sed de venganza. En eso, la cabeza de Jubilee abre los ojos, le sonríe a Logan y rápidamente se transforma en el rostro de Kruger que con una voz gruesa le dice: ¿Me extrañaste?. Logan suelta la cabeza sorprendid o mientras ve como el cuerpo de Krueger se levanta regenerándos e, se ajusta el guante y le dice: ¿Creíste que no iba a matar a la perra?. Wolverine se lanza furioso y le enti erra un par de veces más las garras en el estómago, Freddy Kru eger lo mira sorprendido y saca sangre por la boca, solo para son reír y enterrarle sus garras a Logan en reciprocidad. Logan lo mira sorprendido solo par a sonreírle también, su estomago se empieza a regenerar par a sorpresa de Freddy Krueger. - Tu y yo somos más parecidos de lo que pensé – dice el espectro. -Tu y yo jamás seremos iguales – Responde Wolverine -. Entonces las garras de Krueger se regeneran y ambos empiezan a lanzarse golpes incansablemen te, las cicatrices y la sangre fluyen constantemente y su chapoteo aum enta otro sonido al ambiente mas allá de el rasgar del acero en el vien to, parece ser que ninguno lleva una ventaja en particular… Los gemidos por los constantes zar pazos se unen a los jadeos del cansancio, por increíble que esto parezca. Logan se da cuenta de que su terreno de pelea es yermo , la irrealidad es enemiga en una guerra de desgaste, puede dañar a a su contrincante tantas veces como él puede regenerar su tejid o... su irreal tejido. Sin embargo, el factor regenerati vo en Logan no es tan rápido como el de Kruger porque el suyo realmente existe. Su táctica no funciona, el mutante pronto se percata que su valía profesional dependía de una rutina que repitió una y otra y otra vez sin notar lo gastada de la misma, ahora debe esforzarse en encontrar un nuevo método de bat alla, mas no es fácil improvisar después de décadas enteras de pre sentar el mismo show. Wolverine se aleja, mantiene la guardia e inte nta recuperar aliento; el espectro confirma sus teorías cuando extiend e los brazos magnánimamente y deja ver un mapa de líneas en su torso que se van borrando casi de manera instantánea... ni siquiera esta cansado, empieza a camina r

nuevamente hacia el mutante, la rutina se impone, el héroe solo atina a adoptar una posición defensiva y amenazar con mas cortes. Freddy crea, ofrece una variación al espectáculo, si la ventaja del barbudo esta a nivel celular, se trasladará precisamente a su núcleo. Logan siente sudor frío al notar la desaparición del fantasma de su campo de visión, sin embargo aún oye sus pasos y siente su presencia La escena cambia, un sujeto con vestimentas de novela negra y rostro quemado esta en un extraño escenario de impulsos eléctricos y transmisores químicos, delgadas líneas translucidas lo llenan todo en un configuración que aparentemente es caótica y sin embargo no se repite de la misma manera en dos personas, todo es frágil aquí y hasta en un organismo que se destaca por su capacidad de reparación, estos ligamentos y uniones solo pueden formarse a través la vida misma, podrán regenerarse, pero no recuperar su contenido Existen muchas lagunas en la memoria de Logan que pronto serán mares, Freddy desata su mayor esfuerzo por realizar el más grande numero de cortes en el menor lapso de tiempo. El guerrero solo grita, sostiene su cabeza entre sus manos y poco a poco empieza a caer en una negrura donde ni los sucesos actuales tienen lógica Ya todo parece perdido para Logan, sin embargo, parte de él empieza a sentir una profunda calma, tal vez morir no sea tan malo después de todo, poco a poco empieza a rememorar su vida y a sus seres queridos, a aquellos que pudo considerar como su familia, a Kurt Wagner, Kitty Pryde, a Scott Summers y a Jean Grey junto al hombre que en cierto modo, de no haber sido su amigo pudo haber sido su padre, el profesor Xavier, quien junto con Jean lo llevaron en más de una ocasión al mundo del inconsciente, al plano del intelecto... Entonces Logan reacciona, si los sueños sólo son reflejos del inconsciente entonces él también tiene un poder ahí, si todo ahí es frágil en apariencia, pero también puede ser tan fuerte como él lo desee. Su tejido empieza a regenerarse a una velocidad aún más pasmosa de lo que Freddy corta, el engendro no comprende lo que sucede... - ¡¿Qué demonios pasa?! – Grita el monstruo - ¡Yo soy el amo de los sueños, tu no tienes poder aquí! - Eso es lo malo de los tipos como tú – Dice Wolverine ante su enemigo quien ahora está atrapado en el inconsciente del mutante –

Nunca son originales, hasta en sus delirios de grandeza dicen las sandeces. Wolverine mira despectivamente a Freddy y contempla su rostro quemado, ahora comprende cual es su punto débil, es hora de cambiar de táctica, saca un puro y una cajetilla de cerillos, enciende uno de estos para prender su habano y le lanza al rostro el cerillo aún prendido. - ¡Nooooo! – Grita el Señor Kruger mientras que la llama crece en tamaño envolviendo al espectro-. Wolverine espera hasta que las llamas se consuman y un embrión pequeñito, chamuscado yace apenas moviéndose; Logan lo levanta diciéndole: “Pedazo de inconsciente”. Y sin decir más lo patea arrojándolo fuera de su particular plano mental. Una hora después Logan despertó de su pesadilla en el Instituto Xavier para jóvenes dotados. Nunca recordó ese sueño.

Y entonces fue en una de esas sesiones de güeva que surgió Reactor...

Me encuentro en las oficinas de Fi Comics (la casa del Director General, de hecho, aún no tienen oficinas) ya que me he citado con Erick Tejeda, creador y escritor de Reactor, uno de los personajes insignia de esta nueva empresa editorial digital. Erick llega puntual vistiendo jeans y una playera roja, no me esperaba esto de un actor, ya que también se dedica a la actuación, es un tipo bien parecido pero sin ínfulas de gran artista, es un chavo sencillo, común y corriente (más corriente que común, me dice entre risas) y sin mayores aspavientos iniciamos la entrevista. Bueno pues, para empezar, ¿Quién es Erick Tejeda?

Mira, Erick es un chavo común con muchas ganas de trabajar e innovar en cualquier cosa que me proponga, soy pro-positivo pero también güevón. ¿No son estas dos cosas algo incompatibles?

No, para nada, por que al estar echando la güeva puedo ponerme a pensar en como innovar.

Sí, básicamente Reactor surge de una chaqueta mental en una muy aburrida clase de “Análisis de contenido literario” cuando iba a la universidad (Erick estudió periodismo en la reconocida escuela Carlos Septién de periodismo) y

originalmente eran las aventuras de otros dos amigos míos de ese periodo y yo, me ponía a dibujar en esa misma aburrida clase y como me gustaban los súper héroes me ponía a fantasear en lo que haríamos si tuviéramos súper poderes. Mi amigo Lalo era el Thunderbird quien hacía mucho ejercicio, se inyectaba una sustancia que le daba mucha fuerza, podía saltar a grandes distancias y correr muy rápido, era un súper hombre nada original, pero como de mis cuates él era el que tenía varo y tenía un Ford Thunderbird (de ahí su nombre) lo arreglábamos en la fantasía para que pudiera volar. Javier era medio cegatón pero no le gustaba usar lentes por que se burlaban de él (de hecho, Lalo se burlaba mucho de él ya que se conocían desde que eran niños), así que se sometía a una operación quirúrgica que le daba súper-visión y como su papá era judicial él era quien conseguía las armas, se hacía llamar El Rey Lagarto por que además le gustaban mucho los Doors.

¿Y tu personaje era...

Argyle, era el único mutante, sus poderes surgían cuando interpretaba una obra de teatro y su “energía actoral” resultaba ser incontenible. Era más del tipo de Gokú cuando se transforma en súper Sayayín. En su primer aventura se madreaban a la novia de Javier (que tenía poderes psíquicos) por que tenía sometido a Javier, se enfrentaban a ella y a sus dos esbirros que además de ser dos “eskatos” también eran los “Sanchos” de Javier, la verdad es que me divertía bastante pensando en todas esas historias absurdas. Muchos años después, Argyle se convertiría en Reactor, el personaje que es actualmente. ¿Esta es la primera vez que escribes un guión de manera profesional?

Si, la propuesta surgió cuando estaba tomando un curso de guiones para televisión y yo le preguntaba a Nacho (Ignacio Loranca, el Editor General de Fi Comics) quien lleva ya bastante en el medio escribiendo cuando tenía alguna idea narrativa y me explicaba como darle secuencia y resolución a las historias. Antes de que terminara el curso Nacho me hizo la propuesta de realizar comics en línea, que no difieren tanto de los de T. V.. Originalmente en mis primeros intentos de hacer comics en la universidad yo los dibujaba y escribía sobre la marcha, no hacía una planeación. ¿Y por qué no seguiste dibujando?

Es que la verdad no soy buen dibujante, en los comics que yo hacía se tratan más bien de “monos sugeridos”. Reactor es un comic muy nuevo, platícanos de que se trata.

No te puedo contar todos los secretos que hay detrás de la historia (que envuelve a todo el universo Fi), pero básicamente es la historia de un joven actor (Miguel del Llano) que descubre tener súper poderes. Es muy difícil innovar en cuanto a la creación de súper héroes, así que en Reactor nos encontramos con un enfoque parecido al de Peter Parker (del cual soy súper fan), pero en el entorno de un México ficticio (que de por sí ya es bastante ficticio) con las ambiciones de un actor que quiere sobresalir pero que también tiene la obligación de ayudar a los demás.

Y el nombre de Reactor viene de que es un ser de energía inagotable, además es un juego de palabras, por que es “Re-Actor” Esto viene a que tu también eres actor.

Al principio quería que el personaje se dedicara a otra cosa, que tuviera otro oficio, pero Nacho me dijo algo muy cierto y que es casi una regla para escribir: “Siempre escribe de lo que sabes”, y como conozco algo el medio del espectáculo, pues... Háblanos un poco de tu carrera como actor, ¿En dónde haz participado?

No quiero ahondar mucho en ese tema por que en México tenemos el estigma de que cuando descubren que eres actor te preguntan: “¿En qué telenovela sales?”. Pero la realidad es que ser actor va más allá de hacer telenovelas. Me he dedicado más a realizar comerciales y algunos cortometrajes que la gente nunca va a ver, ¡Je!. ¿Cuál crees que sea el futuro de la historieta, serán estos medios digitales?

Como comunicólogo que también soy, de entrada te digo que el comic impreso nunca va a dejar de existir, al igual que los periódicos y los libros; aparte, hablando solamente de las historietas, lo que importa es principalmente el contenido, las historietas están dando un cambio brutal, los personajes ficticios se enfrentan a

situaciones más realistas, tenemos historias que hablan de situaciones políticas, sociales, científicas y psicológicas, las historias que se hacen ahora son decisivas para el futuro del medio (aunque ahorita, de momento, en Fi Comics nos vamos a ir a la antigüita con historias de súper héroes de gran calidad). En cuestión de tecnología apostamos por el comic digital por que es una manera más sencilla y económica de presentar nuestras historias, es mucho más barato tanto para el público como para nosotros como empresa, así que en el futuro no solo continuarán los impresos, sino también los digitales; y esto último no solo lo digo por nosotros. ¿Crees que viene una oleada de ecomics de mayor calidad?

Si, por que el e-comic va a ampliar las oportunidades a los creativos de lucirse, en ese aspecto se trata de cuestión de imagen. Entonces... ¿El medio es el mensaje?

Todo depende del mensaje que quieras dar para que se cumpla la regla, pero creo más bien que el mensaje es el que hace al medio. ¿Y cuál es el mensaje que pretendes dar en este medio?

Pues el de no tenerle miedo a la tecnología y a aprender a entenderla, aunque yo no entiendo ni una papota.

Me encuentro con Ángel Zúñiga en el Sanborns de los Azulejos en el centro de la Ciudad de México, lugar conocido por ser el punto de encuentro en este gran conglomerado de ciudad, acababa de dejar una revista de video juegos sobre el mostrador cuando llega puntual a la cita, de ahí partimos a un restaurante de comida vegetariana (yo quería comida China, pero el argumento sobre la salud resultó ser más fuerte). Una vez que comimos y terminamos nuestro guisado de berenjena y charlar de diversos temas damos inicio en forma a la entrevista, la primera pregunta, y extraoficial es, ¿A quién voy a entrevistar, a Ángel Zúñiga o a Ángel Zuare?, ya que él siempre firma así.

A los dos – me dice –, es una historia personal No es que me de pena mi verdadero apellido, simplemente tuve que darle gusto a mis dos padres y Zuare amalgama ambos. Bien, ¿Y cuándo es la primera aparición de Ángel Zúñiga, de hecho, quién es Ángel Zúñiga?

Nací el 31 de marzo de 1978, aunque Ángel Zuare nace en 1999 cuando publiqué en Selector “Cuentos de Castillos” con Susy Romero y pues soy principalmente escritor, aunque también soy periodista y corrector de estilo principalmente. ¿Por qué escritor, que te dio por esto?

Cuando tienes mucho que decir y eres joven necesitas tener una forma de expresión, al tener acceso a la gran variedad de medios que existen actualmente uno busca el suyo, yo me decidí a escribir desde que estaba en la secundaria. ¿De ahí vienen tus primeras lecturas, cuáles te influenciaron?

Mi primera lectura voluntaria y no obligada fue Carrie de Stephen King, tenía que hacer un reporte para la escuela y el

maestro nos dejó leer lo que quisiéramos, como yo ya lo había leído y me gustó mucho, preparé esa lectura para esa exposición. ¿Y qué tal te fue?

Fue muy chistoso, hubo huelga en la escuela antes de que se hicieran las exposiciones y nunca la presenté, pero me calificaron con B. Después seguí leyendo más de Stephen King, los ya clásicos: Cujo, Christine, Semeterio de Mascotas, etc. Hablando de Stephen King, ¿Qué opinas de él?, es muy criticado por los llamados grupos literarios “serios”

Creo que como autor es muy importante, es uno de los autores más influyentes contemporáneamente hablando (aunque sus últimas novelas ya no han sido tan buenas), él dio a conocer la imagen del autor de Best Sellers contemporáneos, desmitificando la figura bohemia del escritor que parece ser que es un tipo que se las pasa en los bares y burdeles peleando y bebiendo toda la noche y escribiendo cuando no tiene quien lo invite a beber. En cuanto a su valor literario, bueno, creo que él y muchos otros autores de Best seller tienen un gran valor al ser las primeras lecturas para uno, el Best seller es la primera literatura que conocemos muchos. ¿Y qué fue lo que te llevó después a la ciencia-ficción?

Cuando iba en la preparatoria (tenía 16 años), T. V. UNAM lanzó una convocatoria de cuento de ciencia-ficción, pensé que no sería difícil, solo tenía como referencia las películas de La Guerra de las Galaxias, pero fui a documentarme y encontré un libro, “Sci-fi y análisis” creo que se llamaba, ahí se men-

cionaba a los grandes autores: Isaac Asimov, Ray Bradbury, Heinlein, etc. Busqué obras de ellos y se me abrió el verdadero mundo de la ciencia –ficción. También de niño veía mucho las caricaturas de Flash Gordon por televisión, creo que era de esos niños raros que se levantaban a las siete de la mañana en sábado para verlo junto con Buck Rogers. El cuento que escribí se llamaba “El grito de la estirpe”, entré al concurso y gané el segundo lugar, hicieron una cápsula en T. V. Y el cuento me lo publicaron en la escuela, posteriormente lo publicó la revista Asimov en la edición mexicana, se puede decir que así empecé mi carrera como escritor de ciencia-ficción y géneros fantásticos. Enciendo un cigarro mientras Ángel le da un sorbo a su café, esta pausa nos lleva a continuar la entrevista: Ya que mencionas los géneros fantásticos, ¿En cuál te sientes más cómodo?

En los tres básicos: Ciencia-ficción, fantasía y terror, nunca me he sentido a disgusto con ninguno, ni siquiera en los trabajos por encargo, que afortunadamente han sido muchos hasta ahora. Aunque evito generalizar, ¿por qué hay autores que se restringen a un solo género? Háblanos de tu novela “Retorno”, que acabas de publicar.

Básicamente la escribí por una serie de hechos fortuitos y anécdotas que se fueron juntando, el génesis de la misma se dio cuando leía a los clásicos que ya mencioné, también leí la antología de Ellison “Visiones peligrosas” y empecé a escribir mis primeros cuentos acerca de un comerciante espacial llamado Port (La saga de la “Fundación” de Asimov y el libro de “The early Asimov” fue una gran influencia, como podrán ver), pero-

Doy otra bocanada a mi cigarro y me preparo para una de esas preguntas polémicas que se les hace a los escritores mexicanos: ¿Por qué crees que la gente no lee?

no me gustaba como me quedaban, así que los suspendía, inicié una segunda series de relatos con el mismo personaje, pero no me convencían del todo hasta que empezó a ponerse en boga el tema de la clonación y el genoma humano y entonces Port cambió a Kord, decidí que éste fuera un proyecto genético diseñado por el ejercito del cual desertaba para volverse comerciante. Retorno era originalmente un cuento que entraba dentro de esta serie que en mi diagrama general no rebasaba las veinte páginas, pero al escribirlo fue creciendo, aparecían más personajes y corría el riesgo de que el relato se saliera de control, pero dejé que el libro me llevara a donde quisiera, el resultado fue una “novelleta” (novela corta) dentro del sub género de la Space Opera.

Mira, quisiera pensar que la gente si lee, pero no lee lo que los autores quisiéramos, si no fuera así la industria editorial no vendería tantas revistas. Creo que el problema de la lectura de calidad no reside en obligar a la gente a leer, tratar de obligar a que la gente lea es el mejor método para alejarlos de la lectura Esto deberían de hacerlos personas muy preparadas en el problema, promotores de lectura que no sean los escritores o editores. Creo también que hay mucho de mito en todo esto, los lectores nunca van a abundar, nunca va existir un país de “solo-lectores” en la historia universal siempre ha sido un porcentaje menor el que lee. ¿Qué opinas sobre estos medios electrónicos? ¿Suplirán al libro como lo hemos conocido?

Personalmente estoy atrapado entre la última generación que se educó por medios tradicionales y la que se está educando a través de los medios interactivos. Las computadoras son la tercera revolución industrial, ahora el internet te envía el libro que desees en segundos.

No creo que los libros impresos vayan a desaparecer, el soporte en papel siempre será necesario, la plataforma electrónica no es perfecta, apoyarse totalmente en la información digital sin soporte representa un problema, reconozco, eso si, que todo el trabajo actualmente se realiza vía internet y es mucho más cómodo, no hace mucho teníamos que enviar o entregar físicamente el trabajo; Y es que es curioso, los artículos se escriben ahora en PC, se bajan las imágenes, se hace el diseño, se busca la información (¡Gracias a Dios por Wikipedia!) y todo ese proceso es para una revista impresa. Antes uno iba a las bibliotecas (en mi caso iba mucho a la Benjamín Franklin) a buscar la información y todo el proceso se hacía casi manualmente, ahora con un par de horas en Internet se escribe y se diseña todo un artículo. A mi en lo particular me gusta más leer en impreso, no me gusta leer en digital, aunque no me opongo, es más insto a que la tecnología avance. Y ya para finalizar, ¿Qué te depara el futuro como escritor?

Pues por el momento hacer una serie de Retorno, aunque posiblemente tarde algunos años. Con esto nos despedimos, me autografió gentilmente una copia de su libro y nos obsequió un cuento para esta edición, así que los dejo con el y esperamos que pronto este joven autor del género nos de más sorpresas, ¡antes de que cambien los medios editoriales!

I No parecía existir algo después del caos, y las leyendas aseguraban que no existió nada antes. Las nubes presagiando tormenta se agitaban sobre sus pasillos y plazuelas. Los caminos serpenteaban hasta unirse en la línea del horizonte. No podía reconocer el camino a tomar para atravesarlo, si aquel era el objetivo de su arquitectura caótica. Llegar al centro también parecía imposible. Kurom descendió del caballo y, desde la colina donde se encontraba, observó gran parte del laberinto, tratando de ubicar el camino que seguiría. Su caballo relinchó nervioso y dio un paso hacia atrás. El caballero lo detuvo y al hacerlo sintió el temor del animal, pudo compartirlo y, durante un momento, pensó en regresar y abandonar su campaña. Sólo fue por un momento, porque cerró los ojos y evocó la imagen que lo había llevado tan lejos; sentada junto a la reina, acomodando continuamente el cabello que caía sobre sus ojos con un movimiento rápido, para no faltar a las buenas maneras y que alguien lo notara. Él lo sabía porque no apartaba su vista de ella. Era su romance platónico, con el que pensaba cargar el resto de su existencia, y evocar cuando requiriera fuerza en el

combate, o para dedicarle una justa. Sólo un deseo elevado. Pero ella le sonreía de forma única, sin el vacío o frialdad que dedicaba a los demás. El encontrarla una ocasión en los jardines del castillo fue casualidad que culminó en larga plática, un tanto obligada por ella, ya que el caballero, haciendo honor a su rango, se ofreció a acompañarla en silencio, pero ella hacía preguntas que no podía contestar con un sí o un no, sino contándole sobre las campañas en que había participado, el escalofrío que recorría su espalda en vísperas del combate. El mismo que sentía ahora, a la entrada del laberinto. Pensó en dejar ir al caballo, liberarlo de su carga para no arriesgarlo en la misión que él mismo se había encomendado. No sabía si volvería exitoso, o al menos con vida. Y apreciaba mucho a su caballo para torturarlo así. Comenzaba a soltar la silla de montar cuando el caballo acercó su cabeza, frotándola en la espalda del hombre. Kurom sonrió comprendiendo el gesto y abrazó el cuello del animal, alegrándose de no tener que penetrar solo aquel terreno. Las leyendas hablaban del caos más allá de las montañas, el laberinto cuyo nombre se había perdido en el tiempo. Sólo era el laberinto, por muchos recorrido, y ninguno que hubiera regresado para contar que había en sus profundidades. Algunos creían que el fin del mundo era donde el laberinto empezaba su tortuoso camino. Que no había nada más allá, excepto un caos eterno que parecía repetirse sobre si mismo. Kurom descendió llevando las riendas del caballo. Se acercaron a la única entrada del laberinto, a partir de ahí los caminos se bifurcaban en distintas formas; pasillos rectos, circulares, explanadas, caminos accidentados formados por la tierra, túneles, muros altos –algunos construidos con firmeza, otros con piedras apiladas que parecían a punto de derrumbarse-, todo haciendo imposible el trazo mental de sus caminos. Dos enormes puertas marcaban la entrada. Permanecían abiertas y apoyadas en la pared del primer pasillo. Kurom y su caballo entraron. Solamente se escuchaban los pasos del caballero y el andar del animal contra el suelo liso y sin divisiones.

Llegaron a la primera encrucijada y Kurom sacó de las alforjas los carbones con los que pensaba marcar su recorrido. Señaló la pared del camino que recorría y hacia donde pensaba encaminarse. Siguió satisfecho consigo mismo por las marcas que permanecerían para ayudarlo... o como señal póstuma de su paso por el laberinto. Le era imposible conocer la marcha del tiempo, las nubes le impedían vigilar el movimiento del sol – si el astro se dignaba iluminar aquella región mística-, sin embargo no sentía cansancio al imaginar que cumpliría con éxito su empresa. Inconscientemente tocó la empuñadura de su espada, esperando poder usarla pronto. Siguió avanzando dejando marcas hasta que su atención se fijó en un símbolo sobre la pared que seguía su camino. Se acercó para reconocer el trazo de su propia flecha y la irregular marca del carbón. Una de las primeras marcas que había dibujado, apuntando atrás de él. Kurom volteó para descubrir sus demás señales dibujadas en las paredes, todas apuntando hacia la dirección que venía recorriendo. Intentó buscar el primer pasillo que conducía a la salida. En su lugar descubrió un muro infranqueable. Kurom se mordió los labios mientras bajaba la cabeza y hacía polvo el carbón en sus manos, dejándolo caer al suelo. Sujetó las riendas del caballo y reinició el camino regresando sobre sus pasos.

II Se supo perdido. La armadura pesaba junto con sus armas en la cintura. Imaginaba que el caballo se encontraría en similares condiciones. Seguía caminando, buscando señales que lo encaminaran hacia su objetivo. Pero en una ocasión se sentó para descansar, tratando difícilmente de recordar cual era su propósito. Evocó la plática con ella en los jardines. Kurom permanecía firme, atento a vigilarla y protegerla (casi deseando un percance, para así tener la excusa de acercarse). Ella continuaba haciéndole preguntas y una le afectó en especial; le había preguntado si tenía prometida. El caballero respondió –sabiendo que por su rango no podía mentirle- que tenía siempre a una mujer en su mente y cora

zón, pero no podía revelar su nombre para no atentar contra su inocencia. Ella rió. Kurom se sintió ofendido. Tratando de no perder la compostura le pidió permiso para retirarse y sin esperar respuesta dio media vuelta para alejarse a grandes pasos. Escuchó su voz pidiéndole que se detuviera y obedeció. “¿Tanto la amas?” le preguntó seriamente. Mirándola fijamente a los ojos, el caballero respondió elevando a la mujer que amaba sobre todo lo sagrado que conocía. Ella bajó la mirada y se acercó para tomarlo de las manos. Kurom no rechazó el contacto, la dejó acercarse hasta que pudo abrazarla y oler el perfume de su cabello rubio que ella siempre estaba acomodando. Y el rey había preguntado qué estaba dispuesto a hacer por ella. Se levantó para seguir caminando. Su caballo avanzaba a paso cada vez más lento, se imaginaba que el animal sucumbiría pronto. Los pasillos del laberinto parecían caer sobre ambos. Escuchó los gritos en la lejanía y Kurom se detuvo, pensando que lo había imaginado. Volvió a escuchar los gritos y pudo ubicarlos. El caballero soltó las riendas y corrió hacia donde provenían los alaridos, ahora mezclados con el sonido de un viento impetuoso. Avanzó por algunos pasajes, tratando de grabarlos en su mente para no extraviarse. Llegó a un pasillo amplio, interrumpido por un abismo de donde provenía el viento. Vio las manos que se aferraban al borde con desesperación. Al acercarse sintió como la ventisca lo arrastraba, así que se tendió sobre el suelo para poder arrastrarse. Estiró las manos cuando estuvo lo bastante cerca, tomó un brazo que sintió delgado y frágil y le ayudó a subir. El viento arreció, tratando de arrastrarlos al abismo. Kurom cerró los ojos, tomó el pequeño cuerpo que había rescatado de la sima y se alejaron. Cuando el sonido del viento se perdió entre los muros, Kurom se dejó caer con el cuerpo entre sus brazos. El niño le abrazaba sollozando sin dejar de preguntar dónde estaba su papá. El caballero lo revisó, esperando que no estuviera herido o lastimado, pero fuera de unos raspones se encontraba bien. Vio sus ojos rojizos –quizá por el cansancio, las lágrimas o los relámpagos ocasionales en las nubes- y le preguntó su nombre, de donde provenía, quien era su

padre y como había llegado hasta ese lugar. El niño sólo respondió con otra pregunta: “¿Dónde está mi papá?” Kurom lo tomó de la mano y recorrió los pasajes tal como los recordaba para regresar con su caballo. Pero en la última vuelta se encontró con un muro que parecía haber estado ahí desde siempre. No se había equivocado al caminar, de eso estaba seguro, pero aquella pared era sólida y el relinchar de su caballo a lo lejos muy real. Descargó su furia y angustia contra el muro hasta que sus nudillos sangraron. El niño se acercó y abrazando su pierna preguntó de nuevo por su papá.

III La barba había crecido y midiéndola en el reflejo de su espada imaginó que habían pasado más de quince días. Extrañamente no sentía hambre o sed –aunque si una resequedad constante en la garganta por el polvo que respiraba- pero la armadura pesaba cada vez más sobre sus hombros. Empezó deshaciéndose de las partes correspondientes a las piernas, el yelmo y en los últimos días los brazos. Ahora pensaba seriamente si debía dejar el peto. De hacerlo estaría desprotegido ante el monstruo del laberinto. Pero en todo el tiempo que llevaba recorriendo el lugar, no había encontrado señal de vida, aparte del niño. Durante los días trató de preguntarle de nuevo su nombre y lo que hacía ahí, como había llegado, entre otras cosas. El niño ahora ni siquiera respondía preguntando por su padre, se limitaba a mirar al caballero y señalarle cosas en su persona –su armadura, sus armas, etc.- como si preguntara sobre cosas que nunca hubiera visto antes. Kurom así lo entendía y le platicaba de la armadura que había ganado al pasar las pruebas para volverse caballero, lo feliz que estaba su familia al verlo y el orgullo con que la portó todos los días. Ahora estaba dispersada por los caminos del laberinto. Y lo extraño; no se lamentaba por ello. Caminaron juntos por los callejones, el niño tomando la

gruesa mano enguantada del caballero. Kurom, al verlo, no podía evitar sonreír sin motivo aparente. El niño, como él, no parecía tener hambre ni sed, pero, a diferencia del caballero, tampoco parecía sufrir cansancio o sueño. ¿Acaso estaría fingiendo? “¿Qué haces aquí?” preguntó el niño de repente. Kurom se detuvo y esperó que el muchacho volviera a hablar, lo que no ocurrió. Solamente le miraba con sus ojos rojizos y un rostro vacío de expresiones. Kurom, sorpresivamente, se encontró hablando de ella, de lo mucho que la amaba y de audiencia que solicitó con el rey donde la pidió como esposa. El monarca le había preguntado qué estaría dispuesto a hacer por ella. El caballero había respondido que cualquier cosa. Su prueba era consagrarse como caballero. Cumplir una hazaña y dedicársela. Partió al día siguiente, tras despedirse de ella en los jardines. Cabalgó por semanas buscando la prueba que lo glorificaría como caballero. Preguntando en pueblos y villas llegó a escuchar la leyenda del laberinto. “Más allá de las montañas, un lugar del cual sólo se conoce el principio. Un monstruo lo habita y devora a todos los que entran en él. ¿Quién lo construyó? ¿Cuál es su propósito? Nadie lo sabe, pero muchos han intentado averiguarlo. Piensan que hay tesoros, fama y gloria, respuestas a enigmas que acosan a naciones enteras. ¿Usted que busca caballero?” “¿Qué haces aquí?” preguntó de nuevo el niño. Ahora Kurom no respondía. Dejó el peto de la armadura en una encrucijada.

IV Descubrieron las llamaradas al llegar el vigésimo día y eran cada vez más fuertes conforme iban acercándose. Los pasajes aparecían amplios, libres de polvo y suciedad. Al dar vuelta en un recodo una nueva explosión iluminó el cielo sobre el centro del laberinto. El dragón daba vueltas en círculos sobre la explanada y se detenía para mandar estas llamas al aire.

Al ver a la bestia, Kurom se ocultó en la esquina, empujando al niño tras él. Se arrodilló y- asustado de escuchar su propia voz; cansada y apasionada a la vez- le pidió que se mantuviera escondido, a salvo. Prometió que volvería por él. Desenvainó la espada y se acercó al monstruo. El dragón continuaba dando vueltas y lanzando fogonazos al cielo. Cuando Kurom salió del pasillo lo vio, detuvo su monótona actividad y encaró al invasor. “¿Cuál es su motivo para acercarse?” Su voz resonaba amenazante en los muros. Por respuesta, Kurom, sucio y desprotegido, levantó la espada apuntando a la bestia. “¿Viene a matarme?” “Vengo a consagrarme como caballero”. “¿Con mi sangre? Con ella bautizara su espada, no así su rango como honorable”. “¿Tú eres la bestia del laberinto? ¿Lo construiste para atrapar viajeros? ¿Te alimentas con ellos?” preguntó esperando una respuesta afirmativa. “El laberinto es más antiguo que tu gente, más antiguo que la mía. Tal vez es tan viejo como la tierra o fue antes que la tierra misma. No nos corresponde cuestionarnos su origen. Yo no estoy aquí para matar gente. Como todos los que recorren sus caminos, tengo un motivo para hacerlo. ¿Quiere conocerlo? Está atrás de usted”. Kurom volteó para descubrir lo que ya imaginaba; el niño venía avanzando lentamente hacia ellos. Trató de gritarle que se alejara, pero la cola del dragón le golpeó con tal fuerza que le arrojó contra el suelo. Su espada cayó frente a él, intentó incorporarse para alcanzarla, pero la garra de la bestia cayó sobre su espalda, inmovilizándolo sobre el suelo. Sabía que el monstruo no usaba toda su fuerza y podría aplastarlo fácilmente. Desde el suelo –sin poder reunir aliento para gritarle que corriera- vio como el niño se acercaba al dragón sin titubeos. El dragón ignoraba a su presa, permanecía fija su atención en el niño que se acercaba. Le extendió su garra libre mientras Kurom hacía esfuerzos para liberarse de la zarpa que le aprisionaba. El niño tocó la piel cubierta de escamas para finalmente abrazar la garra con el mismo fervor con que había

estrechado antes la pierna del caballero, quien dejó de moverse, desconcertado ante lo que atestiguaba. El dragón habló sin observar al hombre. “Mi hijo. Este es mi motivo. Hace más de un siglo que se había extraviado en el laberinto. Hace un siglo que lo estoy buscando. Usted me lo ha devuelto. Por eso le perdono la vida”. Levantó la garra del cuerpo de Kurom. El caballero se irguió contemplando la escena: La cabeza del dragón acariciaba la espalda del pequeño mientras éste seguía aferrado a la garra. Kurom tomó su espada. Titubeó con el metal en sus manos. El dragón lo observó y levantó su cabeza mientras colocaba a su hijo tras su espalda: “No cometa una tontería, caballero. Váyase con su vida”. Kurom guardó el arma y caminó desconsolado hacia el pasillo por donde había llegado. Algo jalaba su pantalón y bajó su vista al pequeño de ojos rojos, quien lo tomó de la mano para bajarlo a su altura y poder abrazarlo. Kurom sintió la calidez del gesto. Rodeó al niño entre sus brazos mientras el dragón observaba. “¿Cómo te llamas?” preguntó el chiquillo. El caballero recordó que desde el rescate no le había dicho su nombre: “Kurom” respondió. “¡Yo también!” respondió el niño sonriente, volviendo al lado de su padre. “Aun no elige su nombre” dijo el dragón. “Me imagino que le gustó el suyo. Piense ahora, caballero: ¿No se siente consagrado?” Kurom no respondió, dirigió una sonrisa al niño y caminó por los pasajes sin cuidado alguno, dejando que sus pasos lo llevaran. Al entrar a una plaza escuchó el relinchar de su caballo que le esperaba. Juntos salieron del laberinto en poco tiempo y volvieron al mundo a través de las montañas.

V Se detuvo para ayudar a reconstruir un pueblo devastado por un río al desbordarse. Durante las noches contaba su historia a los hombres en una taberna, quienes se aburrían en poco tiempo. Sólo un anciano le dedicó toda su atención, para después pregun

tarle porque el hijo del dragón se había perdido en el laberinto en primer lugar. “No lo se” respondió Kurom perplejo. “Nunca me lo dijo”. “Bueno, quizá se perdió para que usted lo encontrara” respondió el anciano pidiéndole una limosna.

VI Fue degradado a guardia por haberse despojado de su armadura. Aceptó el designio de su rey con rectitud. En su primera noche tras su regreso vigilaba los jardines. Sintió mezcla de pena y alegría al verla salir del palacio y acercase. Quiso disculparse por no haber cumplido con su campaña, pero ella lo calló con sus labios. Desde una ventana, el rey observaba.

VII Más antiguo que el hombre, el dragón, que la tierra misma, más antiguo es el laberinto, el final del mundo, donde los motivos impulsan a perderse y encontrarse. Más antiguo que los primeros pueblos y la primera guerra, más que el fecundo reinado del rey Kurom y su lucha contra el joven dragón del mismo nombre, dragón que tras la muerte del rey apareció para proteger el feudo y conciliar a los herederos, más antiguo es el laberinto del cual se desconoce su propósito.

VIII Alguien desciende de la colina y entra al laberinto. Se pierde en la primera encrucijada. Las puertas se cierran.

CIVIL WAR Marvel/Televisa Historia: Mark Millar Arte: Steve McNiven y Dexter Vines. Civil War (La Guerra Civil) fue el evento en los comics del 2006 en Estados Unidos y ahora culmina la edición mexicana con la publicación de la historia central en un maravilloso tomo de apenas $69.00. La trama nos narra un conflicto de proporciones realmente épicas: tras un accidente propiciado por un grupo de jóvenes e inexpertos súper héroes, el gobierno estadounidense decreta una ley en la que se obliga a todos los héroes a revelar su identidad secreta y trabajar para el gobierno, de lo contrario serán perseguidos por la ley. Las respuestas no se hacen esperar, y liderados por el Capitán América (quien piensa que la ley viola sus garantías individuales), un grupo de heroes enfrenta a los partidarios de dicha ley en una historia realmente melodramática. 30 DÍAS DE NOCHE Editorial Caligrama Historia: Steve Niles Arte: Ben Templesmith Comic publicado recientemente en nuestro país por editorial Caligrama, básicamente la historia es así: imaginen un lugar que durante un mes no sale el sol, luego pongan en este lugar un grupo de vampiros sedientos de sangre y que consiguen una carnicería, perdón, un comic excelente. Con el dibujo y color de Templesmith, se nos lleva a una fábula ambientada en Barrow, Alaska, pueblito que durante 30 días no sale el sol, paraíso de vampiros ¿no creen?. Este comic es el ejemplo de que todavía existe mucho que contar acerca de estos seres, para aquellos que creían que ya nada

La magnitud del evento abarcó prácticamente todos los títulos de Marvel Comics, por lo cual para apreciar la totalidad de la historia era necesario leer al menos otros títulos (los del Hombre Araña, Los Cuatro Fantásticos, Pantera Negra y Cable/ Deadpool desarrollaban la trama política de manera más interesante, desafortunadamente estos dos últimos títulos no fueron publicados en México), en fin, este tomo nos muestra la columna vertebral de lo que fue la posición de esta casa editora ante su propio gobierno, se trata a fin de cuentas de una historia entretenida, puro melodrama que no necesariamente tiene que estar reñido con la inteligencia y que podría convertirse en una historia clásica dentro de unos años. La presentación del tomo es hermosa aunque algo delicada y bien vale la pena tenerlo o inclusive regalarlo a algún neófito, no creo que esta serie cambie la historia de la historieta, pero definitivamente es muy entretenida. -Ignacio Loranca

nuevo puede salir de las historias de los hijos perdidos de “Tepes”; Niles y Templesmith nos muestran unos vampiros muy alejados del clásico de Stoker así como también de los indefinibles de Rice. Vampiros modernos que conservan su toque siniestro, casi rayando en lo brutal me atrevo a decir, y que nos logran dar una muy creíble historia combinada con el frio típico del lugar creando con esto una atmosfera literal de frio terror, cumpliendo al pie de la letra la frase de “terror que hiela la sangre”. Si eres fan de los vampiros sangra tus bolsillos y consíguelo, la edición mexicana es muy buena aunque un poco pequeña en su formato, pero que no le pide nada a las ediciones extranjeras. Bien por editorial Caligrama. -Bandaconp

CLOVERFIELD: MONSTRUO Dir. Matt Reeves. Con: Michael Stahl-David y Mike Vogel. Cada cierto tiempo, aparece en cartelera una película cuya mercadotecnia es la verdadera estrella. Por ejemplo Día de la independencia, cuyo tráiler y rumores nos hicieron hacer fila para ser de los primeros mortales en verla el día del estreno. Y Cloverfield es uno de esos casos. De hecho su “barata” campaña publicitaria es una de las mejores de los últimos años. Desde que apareció aquel tráiler de una película sin título y donde lo único seguro que mostraba era su fecha de estreno -más el nombre J. J. Abrams como productor-, la gente comenzó a crear expectativa por algo que solo su imaginación especulaba: ¿Acaso seria una nueva versión de Godzilla? ¿Cthulhu? ¿Una película de SWEENEY TODD: EL BARBERO DEMONÍACO DE LA CALLE FLEET Dir. Tim Burton. Con: Johnny Depp y Helena Bonham Carter. Siempre que se estrena una película dirigida por Tim Burton podemos esperar un espectáculo que no nos defraudará, y el caso de “Sweeney Todd, el barbero demoníaco de la calle Fleet” no es la excepción, de hecho, nos encontramos con uno de sus mejores trabajos hasta ahora, aunque sorprenderá a muchos que se trate de un musical. En esta ocasión, Burton nos cuenta la historia de Sweeney (Johnny Depp), un barbero quien

robots gigantes? Toda la publicidad se dio de boca en boca. Meros rumores. Y uno que otro sitio en internet de las llamadas “campañas virales”. Finalmente la película llego a los cines. ¡Y tómenla!, no era lo que la gente supuso. Ni siquiera tiene forma de película (recordando clases de cine: inicio-desarrollo-desenlace) convencional, son meros retazos medio aislados por momentos, de una videograbación -así que todo lo vemos “en primera persona”-, durante el ataque de un monstruo, que nunca sabemos de dónde sale. Tampoco cae en los clichés acostumbrados por Hollywood: No hay héroes militares, científicos, chiquititas potables. No sale Will Smith. Los actores son una bola de desconocidos. Y parece que a nadie le gusto el mentado monstruo. Pero para mí, todo eso estuvo perfecto (salvo el monstruo, yo realmente esperaba nunca verlo por completo en pantalla). Piensen en Cloverfield como un experimento mediático -Sí, como muchos dicen, una mezcla entre la Bruja de Blair y Godzilla-, pero sobretodo traten de verla como una película de serie B, con un nuevo enfoque. Eso si, esta película no tiene medias tintas. O la amas o la odias. -Vicente Cabrera

tras ser acusado de un crimen que no cometió (del cual por cierto, nunca se nos aclara cual fue, pero no importa en realidad) regresa después de 15 años para vengarse de quien le destruyó su vida, el juez Turpin (Alan Rickman), ayudado por una curiosa repostera (Helena Bonham Carter) en medio de un festín de sangre en donde las victimas de esta peculiar pareja terminan convirtiéndose en pays de carne. Visualmente sorprendente, Burton sigue siendo fiel a su estilo oscuro que es perfecto para esta trama que destaca además de la ternura de sus canciones (destacan la balada “Johanna”, “By the sea” y el maravilloso dueto “Pretty Women” que entonan Sweeney y el juez en una de las secuencias más emocionantes de la película) en contraste con los sangrientos asesinatos. En síntesis, Sweeney Todd complacerá a los fans más leales de Burton así como de los musicales, a ver sin falta. -I. Loranca

BUBBA HO-TEP Región 1 Es el título de la película dirigida por Don Coscarelli, basada en la novela de Joe R, Lansdale ( “The King Is Dead: Tales of Elvis Post-Mortem” editado en 1994) en donde nos cuenta el enfrentamiento entre el Rey -claro, ¿quién más sino Elvis Presley (Bruce Campbell)?-, contra el rey de los muertos (Bubba HoTep). En esta vemos a Elvis en el final de sus días combatiendo a una momia del antiguo Egipto con la ayuda de JFK (Ossie Davis), hombre de color que jura que es John Fitzgerald Kennedy; juntos deberán detener a la momia que ataca por las noches el asilo donde habitan. Hilarante historia llena de recuerdos de las viejas películas tanto de la Hammer como las cintas de horror serie B, película para

los amantes del género y para aquellos que deseen ver una historia diferente con una banda sonora altamente recomendable. Historia al más puro estilo de películas como las del Santo que nos deja un grato y aventurero sabor de boca, dan ganas de sacar el coche y viajar. Cuando escuchen la banda sonora me comprenderán… Como extras, el DVD contiene de cajón el ya típico “Making of..” centrado en los efectos especiales, un documental sobre la creación del vestuario -particularmente el de Elvis-, escenas eliminadas, un video musical del tema “The King” interpretado por Brian Tyler y un par de audio comentarios, el primero por el director y Campbell y otro más por el propio Rey. -Bandaconp

STARDUST Región 4 Stardust (horriblemente titulada como “El misterio de la estrella” en México) es una de las novelas más ligeras de Neil Gaiman, pero no por eso inofensiva. En esta, así como en la película se nos narra la travesía de Tristán Thorn en el reino mágico de Stronghold en la búsqueda de una estrella fugaz que le ha prometido a la chica de la que está enamorada. La película es en sí una adaptación decente (así, a secas) de la novela en la que los valores de producción la hacen un deleite visual, no hablemos de las maravillosas actuaciones de Robert De Niro quien se roba descaradamente la película en su papel del capitán Shakespeare, así como de Michelle

Pfeifer como la bruja Lamia (¡Así que si me chupe la bruja!). El DVD en región 4 está bien, tiene extras suficientes para un disco: un detrás de las cámaras, escenas editadas, una secuencia de bloopers y el trailer cinematográfico. En síntesis, vale mucho la pena si son fans del género y sepan disfrutar de una comedia fantástica ligera sin muchas pretensiones, más al estilo de La Princesa Prometida o Corazón de Dragón y no una épica descomunal como El Señor de los Anillos que desafortunadamente se ha convertido en el parámetro para este género. -Ignacio Loranca

THE INVINCIBLE IRON MAN Región 1 No, no es piratería lo que estamos promoviendo aquí, aún no vemos en los cines la cinta donde aparecerá Robert Downey Jr. Me refiero a la cinta de animación de este querido personaje de MARVEL, The Invincible Iron Man que cuenta el origen de este héroe de armadura roja y amarilla. La historia es de un Tony Stark joven e inmaduro, mujeriego y egoísta que también es un alto ejecutivo de empresas Stark, misma que se empeña en desenterrar una antigua ciudad en alguna parte de China, pero no cuentan con un grupo de izquierda que se opone a dicha acción y es que bajo la estatua principal de esta ciudad hundida duerme la figura del Mandarín. Para evitar que despierte el Mandarín los Dragones de Jade (la facción China izquierdista) captura a

TETRALOGÍA DURO DE MATAR Región 4 Con la aparición en DVD de la cuarta (y al parecer última) película de la serie Duro de matar, 20th Century Fox lanza al mercado un box set que reúne toda la acción de las desventuras de ese rudo y cáustico oficial de policía de nombre John McClane -que convirtió a Bruce Willis en el máximo héroe del género-, desde el asalto al Nakatomi plaza en Los Ángeles hasta el terrorismo cibernético en Washington. Desgraciadamente, lo único que se hizo para este paquete fue reunir los 4 DVDs de las ediciones sencillas que se encuentran en el mercado, sin agregar todos los extras que estos contienen en las ediciones de dos discos.

Tony, y como casi todos sabemos éste construye una improvisada armadura de Iron Man para poder escapar, pero en el transcurso las fuerzas oscuras se han liberado y junto con ellas el caos que podría liberar del sueño al Mandarín, es así como Tony Stark iniciará la batalla presumiéndonos sus más preciados juguetes tecnológicos mejor conocidos como Iron Man. La combinación de animación clásica y digital da un plus a esta cinta, al igual que la historia nos muestra un enfrentamiento entre la mística y la tecnología manejando así las dualidades de estilos. Lo que aún desconocemos es si The Invincible Iron Man llevará la continuidad de las primeras dos animaciones de MARVEL Ultimate Avengers y la secuela de ésta, sería conveniente para así tener un universo bien cohesionado y no sólo contarnos historias aisladas entre sí. -Erick Tejeda

La pasada colección que se reunió bajo el nombre de “La trilogía Duro de matar” (cuando la 4.0 estaba por ser estrenada) valía mucho más la pena si son de esos apasionados que les gusta ver entrevistas y detrás de cámaras, pues aquel paquete contenía un disco con material adicional creado especialmente para la colección. Pese a esto, el paquete de la tetralogía puede ser un buen regalo para aquellos fanáticos del cine “butch” (sí, el de acción para hombres de verdad) y también para los que solo quieren pasar horas y horas de buen entretenimiento. Advertencia: El verlas en sesión maratónica puede provocar un alto nivel de adrenalina, sudoración y la aparición de pelo en pecho. -Vicente Cabrera

PUERTAS DE FUEGO Steven Pressfield Editorial Debolsillo “Ve a decir a los espartanos, extranjero que pasas por aquí, que, obedientes a sus leyes, aquí yacemos.” Novela ambientada en la batalla de las termopilas (llamadas también las Puertas de Fuego, de ahí el nombre de la novela), donde Pressfield, nos acerca de manera magistral a la forma de vida Espartana para conocer y comprender como estos hombres se convirtieron en una inspiración para las generaciones futuras, convirtiéndose con el paso del tiempo en una leyenda, historia de corte bélico que nos permite entrar en un mundo tan fascinante como brutal, llena de belleza y fuerza. Pressfield en verdad nos lleva a través de Xeones a conocer y disfrutar el sacrificio y la devoción de una sociedad BAUDOLINO Umberto Eco Editorial Lumen “...la retórica es el arte de decir bien lo que uno no está seguro de quesea verdad, y los poetas tienen el deber de inventar hermosas mentiras.” Baudolino es un mentiroso que en el asedio a Constantinopla le narra a Nicetas Coniates los pormenores de su vida, aclarándole que en efecto, es un mentiroso. Y la vida de Baudolino está llena de intrigas, amores ideales y un constante regusto por el mito y la capacidad de asombro. Y es que Baudolino no es un mentiroso común y corriente, no, él miente con respecto al futuro con la ¿virtud? De

que nos entrego una de las batallas más famosas y épicas de la historia la Grecia antigua, dándonos un recorrido a través de los protagonistas de la famosa batalla que ha inspirado muchas novelas, comics y películas, la más reciente bajo el nombre de 300 del maestro Miller; comprenderemos los motivos, que inspiraron la lucha de la libertad de los Griegos en contra de la invasión por parte de los Persas. Conoceremos también personajes memorables y entrañables como el guerrero Dienekes, y por supuesto al rey espartano Leónidas, hombre en verdad que raya en lo mítico. El sabor bélico de la novela es en verdad sobrecogedor sobre todo la segunda parte, llevada a un ritmo casi alucinante. Historia que de verdad no importando los siglos que han pasado desde que se llevo a cabo sigue siendo una historia actual de valor, lealtad y de amor fraternal. -Bandaconp

que lo que inventa se vuelve realidad, Baudolino es capaz de inventar el mítico del reino del preste Juan, el Santo Grial y las criaturas más fantásticas para legitimizar el reino de Felipe Barbarroja, su padre adoptivo, en un cóctel de mitologías y hechos reales. Baudolino es una estupenda obra del autor de El Nombre de la Rosa en una novela un poco menos erudita, pero no menos interesante, la primera mitad de la novela es histórica para desbordar en la segunda mitad en una de las más delirantes fantasías. Novela imprescindible, emotiva, filosófica y hasta policíaca, hay de ti si no la tienes en tu librero. -Ignacio Loranca

DR. HOUSE Universal Channel Jueves, 21:00 hrs. Quien reconoce la naturaleza del ser humano, no tiene más opción que sentir cierta aprehensión hacia sus semejantes; así es como uno se convierte en misántropo y termina alejándose de los demás. Estos personajes pueden llegar a tener un cierto encanto, atractivo sui generis; pero que pocos o nadie se atrevería a imitar. Pero pocos lo podrían ser como Gregory House, mejor conocido como Dr. House. Esta serie que actualmente transmite su 4° temporada por Universal Channel, ha logrado desde el principio acaparar la atención del gran público debido en gran parte a la personalidad de su protagonista, personificado por el actor inglés Hugh Laurie; haciendo de su carácter un hombre solitario, desaliñado que a pesar de ser un importante medico se rehúsa a vestir de bata mientras esta en servicio, deambulando THE BIG BANG THEORY Warner Channel Martes, 20:00 hrs. Los productores Check Lorre (Two and a Half Men) y Billy Prady (Gilmore Girls) nos presentan la historia de dos amigos que comparten un departamento, ambos genios con doctorados en física que a diario resuelven las más difíciles ecuaciones cuánticas, pero cuado una atractiva vecina se muda al departamento de enfrente son incapaces de resolver el verdadero “Misterio del Universo: las mujeres” (diría el Doc. de Volver al Futuro). Son las aventuras de Leonard (Johnny Galecki) y Sheldon (Jim Parson) que verán en Penny la guapa y no tan inteligente vecina (Kaley Cuoco) la oportunidad de acercarse y entender a las mujeres; y bueno Leonard verá la oportunidad de encontrar el amor fuera del laboratorio. En esta

por su hospital en ropa de civil, como cualquier otro parroquiano que visita el lugar; con la diferencia de que este porta un bastón debido a que su pierna derecha sufrió un infarto muscular, por lo que se le extirpo gran parte del musculo en su muslo, dejándole sin la posibilidad de moverla completamente y con agudos dolores que mitiga con continuas ingestas de vicodin en capsulas. La primera impresión no se borra fácilmente al escucharlo emitir sus diagnósticos sobre las enfermedades más extrañas que podamos imaginar, complicándose con síntomas de otras, lo cual es lo que le da oportunidad de mostrar que su excéntrica personalidad es la que le permite ser el excelente medico que todos respetan aunque no lo soporten. ¿Qué prefieres? ¿Un Dr. que te tome la mano mientras te mueres o un Dr. que te ignora mientras busca la forma de sanarte? -Vico divertida comedia llena de referencias científicas, súper héroes, juegos de rol y otros personajes de ficción encontrarán que la ciencia puede ser muy, pero muy divertida. Y como ejemplo les dejo lo que tal vez en unos años podría considerarse uno de los diálogos de televisión de este nuevo siglo: Leonard: Hablanos de ti Penny. Penny: Bueno yo soy sagitario y como sabrán eso les podrá decir mucho. Sheldon: Que eres parte del delirio masivo que piensa que la alineación del sol y otros planetas afectan tu personalidad al momento de nacer. Penny: ¿Qué soy parte de qué? - Erick Tejeda

GUITAR HERO 3

ASSASSIN´S CREED

Siguiendo con el gran éxito que han tenido los desarrolladores de Activision con su franquicia de Guitar Hero, ha llegado GH3 Legends of Rock, en el cual contiene nuevos temas para jugar inclusive una rolita de Héroes del Silencio, en esta nueva versión puedes sentirte como todo un James Hedfield, un Ozzy Osbourne o ¡un mismísimo Slash! Con versiones para Wii, Xbox 360 y PS3 este juego ahora cuenta con un gran atractivo que hará que lo desees más y más y me refiero al “juego en línea”. Sí, así como lo lees ahora podrás competir contra miles de personas alrededor del mundo y demostrar que tan bueno eres para la lira. Así que como dicen ¡Es hora de rockear! -JC Peralta

Ya podemos jugar en nuestras consolas 360 o PS3 el esperado Assassin´s Creed, que cuenta la historia de Altair un asesino experto en las artes del sigilo que intentará evitar una tercera cruzada. Este título diseñado por la empresa UbiSoft nos presenta la definición del concepto “juego de nueva generación” en donde podremos interactuar con todo el entorno, que muestra unas gráficas verdaderamente hermosas, y con un game play bastante adictivo. -Erick Tejeda

BIOSHOCK 2K Boston/2K Australia nos traen este juego de FPS para el 360 donde el terror esta a la orden del día. La historia cuenta que alrededor de los años 60´s el protagonista se sumerge en una ciudad llamada Rapture la cual -se supone- sería una tierra de libertad científica o mejor dicho, una ciudad de elite mundial aunque todo resulta un desastre. Las graficas son de lo mejor, puesto que se ha utilizado el unreal engine para que este título se viera lo más impresionante posible. La atmosfera es muy tétrica y aunque no lo crean, si los va a poner muy tensos. Así que no duden en adquirirlo. -JC Peralta

SUPER MARIO GALAXY Los que tienen la fortuna de poseer un Wii de Nintendo ya pueden adquirir este título del clásico personaje de video juegos. Esta aventura de plataforma nos permitirá guiar a Mario por escenarios espaciales en 3D y con un muy divertido uso del Wiimando. -Erick Tejeda

SWEENEY TODD: THE DEMON BARBER OF FLEET STREET Stephen Sondheim Fue sorpresa para muchos que Danny Elfman no trabajara de nueva cuenta con Tim Burton para musicalizar esta película. Pero siendo basada Sweeney Todd en un musical teatral, solo fue necesario que el propio Sondheim (creador de la obra) hiciera la adaptación adecuada. La partitura es tan bella como intensa y oscura. Se disfruta y se agradece el humor negro vertido en las letras de las canciones, como en No place like London y A Little Priest. Altamente recomendable. -Vicente Cabrera PLANET TERROR Robert Rodríguez Ese hombre orquesta que es Rodríguez (escribe, dirige, edita, fotografía y musicaliza sus propias películas), ha realizado el mejor soundtrack de su vida. El peso de esta banda sonora recae en guitarras, saxofón y sonidos electrónicos peculiares de las películas setenteras, de la cual es un homenaje. Por momentos recuerda mucho a su trabajo musical en Sin City, pero conforme van avanzando los tracks, toma identidad propia. Mis favoritos: Killer Legs y Cherry’s Dead Dance. Como curiosidad, hay un par de temas cantados por la protagonista de la película, Rose McGowan, siendo el mejor Two Agains the World. -Vicente Cabrera ALIEN VS PREDATOR: REQUIEM Brian Tyler Estamos ante uno de esos casos en que la música supera, y por mucho, a la película que debería acompañar. Brian Tyler retoma los sonidos clave que crearon la atmósfera de las películas originales del Alien y del Depredador, dando así, por lo menos, gratos recuerdos a nuestros oídos. -Vicente Cabrera

BLADE RUNNER TRILOGY: 25TH ANNIVERSARY Vangelis Sí, solo existe una película de Blade Runner. Eso de trilogía hace referencia a que dentro del estuche encontraras 3 discos. El Primer de ellos es la edición que se comercializaba originalmente como soundtrack, solo que ahora remasterizado. Y el disco dos son todos los temas no incluidos en el anterior. El último CD es un trabajo experimental del maestro Vangelis, inspirado por el aniversario de la película. Muy curioso por cierto, pues además de componer nuevos temas, emplea sonidos de la película y voces de gente ajena a ella como Oliver Stone y Roman Polanski. Una verdadera maravilla. -Vicente Cabrera.

La idea de Los Fanboy Awards es reconocer todas aquellas películas de corte fantástico que tanto nos apasionan. Así que elijamos las mejores del año pasado en cada categoría que proponemos. Te invitamos a formar parte de este experimento (el cual jamás creímos llegaría a ser parte de una revista, pues comenzo como un juego entre amigos desde hace 3 años), mandando tu voto para cada terna antes del 20 de marzo al correo: fantasci@live.com.mx En el próximo número de Fantasci daremos a conocer los resultados.

MEJOR PELÍCULA - 300 - Beowulf - Duro de matar 4.0 - La Fuente de la vida - Sunshine: Alerta solar - Otra:

PEOR PELÍCULA - Cañitas - El despertar del diablo 2 - Ghost Rider - Hostal 2 - Resident evil: Extinción - Otra:

MEJOR DIRECTOR - Danny Boyle (Sunshine: Alerta solar) - Darren Aronofsky (La Fuente de la vida) - Michael Bay (Transformers) - Robert Zemeckis (Beowulf) - Zack Snyder (300) - Otro:

MEJOR PELÍCULA DE FANTASÍA - Beowulf - La Brújula Dorada - Guardianes del Día - Harry Potter y la orden del Fénix - Stardust - Otra:

MEJOR PELÍCULA ANIMADA - Bee Movie - Beowulf - Ratatouille - Shrek 3 - Los Simpson: La película - Otra:

MEJORES EFECTOS ESPECIALES - 300 - Brújula Dorada - Los Cuatro Fantásticos y el Silver Surfer - Guardianes del Día - Transformers - Otra:

MEJOR PELÍCULA DE SCI-FI - La Fuente de la vida - Invasión - Sunshine: Alerta solar - Transformers - El Vidente - Otra:

PELÍCULA MÁS SOBREVALORADA - La Brújula Dorada - Harry Potter y la orden del Fénix - Km 31 - Los Simpson: La película - Spider-Man 3 - Otra:

MEJOR MAQUILLAJE - 30 Días de noche - 300 - Planet Terror (Grindhouse) - Resident evil: Extinción - Stardust - Otra:

MEJOR PELÍCULA DE TERROR - 28 semanas después - 30 Días de noche - Halloween: El inicio - Km 31 - Planet Terror (Grindhouse) Otra:

PELICULA MÁS SUBESTIMADA - Bee Movie - Borat - Rocky Balboa - Stardust - Sunshine: Alerta solar - Otra:

MEJOR SOUNDTRACK - 300 - Beowulf - La Fuente de la vida - Planet Terror (Grindhouse) - Transformers - Otro:

MEJOR SECUENCIA DE ACCIÓN - El “baile mortal” de Cherry Darling (Planet Terror - Grindhouse) - Beowulf VS Grendel (Beowulf) - John McClane perseguido por un Avión caza (Duro de matar 4.0) - Pelea final entre Autobots y decepticons en la ciudad (Transformers) - Primer enfrentamiento entre Espartanos y Persas (300) - Otra: ESCENA MEMORABLE - Beowulf se corta a sí mismo un brazo para matar al dragón (Beowulf) - Choque de autos (Death Proof Grindhouse) - Homero cargando a su cerdo y cantando “Puerco-araña” (Los Simpson: La película) - Muerte de los espartanos (300) - Origen del arenero (Spider-Man 3) - Otra: MAYOR SORPRESA - 30 Días de noche - Borat - Duro de matar 4.0 - Rocky Balboa - Los Simpson: La película - Otra:

MAYOR DECEPCIÓN - Ghost Rider - Guardianes del día - Resident evil: Extinción - Spider-Man 3 - Transformers - Otra: PERSONAJE MÁS COOL - Beowulf (Beowulf) - Borat (Borat) - Jack Sparrow (Piratas del Caribe: En el fin del mundo) - John McClane (Duro de matar 4.0) - Rey Leónidas (300) - Otro: VILLANO MÁS COOL - Arenero (Spider-Man 3) - Dr. Doom (Cuatro Fantásticos y el Silver Surfer) - Marlow (30 Días de noche) - Michael Myers (Halloween: El inicio) - Rey Jerjes (300) - Otro: CHIQUITITA DEL AÑO - Lena Headey (300) - Jessica Alba (Cuatro Fantásticos y el Silver Surfer) - Megan Fox (Transformers) - Monica Bellucci (La Huida) - Rose McGowan (Planet Terror Grindhouse) - Otra: