Evolucion de la arquitectura

LA EVOLUCION DE LA ARQUITECTURA EN LA HISTORIA

– PROFESOR: Carlos Quesada – II CUATRIMESTRE 2015 – Victor Leonardo cruz sanchez

UNIVERSIDAD LATINA DE COSTA RICA – FACULTAD DE ARQUITECTURA – ecología y biodiversidad

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INDICE___________________________________________________________________________________________ 4 INTRODUCCION___________________________________________________________________________________ 9

LINEA TEMPORAL 1850’s___________________________________________________________________________________________ 1860’s___________________________________________________________________________________________ 1870’s___________________________________________________________________________________________ 1880’s___________________________________________________________________________________________ 1890’s___________________________________________________________________________________________ 1900’s___________________________________________________________________________________________ 1910’s___________________________________________________________________________________________ 1920’s___________________________________________________________________________________________ 1930’s___________________________________________________________________________________________ 1940’s___________________________________________________________________________________________ 1950’s___________________________________________________________________________________________ 1960’s___________________________________________________________________________________________

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INDICE

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MOVIMIENTOS ARQUITECTONICOS Arquitectura de hierro fundido ________________________________________________________________________ 39 Art Nouveau______________________________________________________________________________________ 49 Modernismo catalan________________________________________________________________________________ 59 Escuela de Chicago________________________________________________________________________________ 65 Arquitectura Neogotica ____________________________________________________________________________ 71 Arquitectura neoclรกsica _____________________________________________________________________________ 81 Renacimiento arquitectura colonial ____________________________________________________________________ 89 Art Deco_________________________________________________________________________________________ 95 Racionalismo____________________________________________________________________________________ 105 Arquitectura Organica _____________________________________________________________________________ 115 Minimalismo_____________________________________________________________________________________ 121

INDICE

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La arquitectura es cambio, evolucion, es la capacidad de adaptarse al pensamiento de la epoca y a las tecnologias y materiales disponibles para poder brindar espacios agradables para el habitad e interaccion del ser humano.

Esto lleva a la arquitectura a reinventarse, cambiar o volver a estados anteriores constantemente, siempre en pos de un mejoramiento de los sistemas establecidos.

Esta basta historia de cambio es la que estaremos analizando en este trabajo, desde mediados del siglo XIX, con la cuspide de la revolucion industrial, hasta finales del siglo XX, cuando los avances tecnologicos y de pensamiento se dan a una velocidad nunca antes vista por la humanidad.

INTRODUCCION

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LINEA TEMPORAL

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reformas urbanas de París.

Exposición universal de Londres

Revolución industrial

ascensores de carga

Big Ben

Arquitectura clasica

Retorno a lo clasico

Segundo Imperio Frances

ARQUITECTURA NEOCLASICA

1854

1853

Napoleon disuelve El parlamento

Fiebre del oro en Australia

Feria Mundial de Nueva York.

El barón Haussmann

1852

1 8 5 0 ’s

1851

1850

Palacio de cristal

Primer fraccionamiento de petróleo por destilación

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producción de acero revolucionada

ARQUITECTURA DE HIERRO

primer ascensor de pasajeros en una tienda por departamentos

1859

1857

1856

1855 Exposición universal de Paris

primer puente del ferrocarril sobre el río Mississippi

1858

Fundación del Instituto Americano de Arquitectos.

Proceso de Bessemer

Palais d'Industrie

Primer pozo de petróleo en los Estados Unidos

el primer cable telegráfico transpacífico

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Guerra civil americana Surge movimiento Arts and Crafts

Telegrafía conecta la costa oeste de Estados Unidos a la costa este

primer papel moneda

1863

1862

1 8 6 0 ’s

1861

1860

Exposición Internacional en Londres

1864

primer ferrocarril subterráneo del mundo

El Plongeur, el primer submarino accionado mecánicamente

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ferrocarril transcontinental en los EE.UU

Exposición Internacional de París

Alicia en el País de las Maravillas

primera máquina de escribir comercial

1869

1868

1867

1866

1865

dinamita

canal de Suez en Egipto

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1874

1873

1872

1 8 7 0 ’s

1871

1870

Gran Incendio de Chicago

Société Anonyme des Artistes Cooperativa Peintres, Sculpteurs, graveurs

ARQUITECTURA NEOGOTICA

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Alexander Graham Bell inventa el teléfono

Caida de la economía estadounidense

1879

1877

1878

Gramófono Fonógrafo

1876

1875

se inventó la bombilla

taladro de vapor

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cataclismo de Krakatoa

Edison Illuminating Company

John D. Rockefeller controla el 95% de las refinerías de petróleo de Estados Unidos

1884

1883

1882

1 8 8 0 ’s

1881

1880

Oliver Heaviside recibe una patente para el cable coaxial

El tren Orient Express

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La Sagrada Familia en Barcelona La exposición de París muestra algunas de las nuevas tecnologías de hierro, acero y vidrio

Primer rascacielos de marco metalico, el Home Insurance Building, en Chicago motor de combustión interna

Exposición Universal de Barcelona

La Torre Eiffel

bicicleta con un marco en forma de diamante y una unidad de la cadena a la rueda trasera

Creación de un método de bajo costo para la producción de aluminio

Coca-Cola

MODERNISMO CATALAN

1889

1888

1887

1886

1885

Oliver Heaviside introdujo el concepto de bobinas de carga

la cámara Kodak

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La Sagrada Familia en Barcelona

Hotel Tassel, en Bruselas (Victor Horta) primera estructura de estilo Art Nouveau

kinetoscopio

1894

1893

sistema de hormigón armado

1892

1 8 9 0 ’s

1891

1890

ESCUELA DE CHIGAGO

misión de California Partido Socialdemócrata de Alemania aboga por reformas sociales

Exposición Mundial Colombina de chicago 20

ART NUVEAU

Maison de l'Art Nouveau

HG Wells - La máquina del tiempo

primer sistema de metro (subterráneo) de pasajeros en los Estados Unidos

1899

1898

1897

1896

1895

Valdermar Poulsen de Dinamarca desarrolla la primera grabadora

Comienza la fotografía con bulbo

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La Sagrada Familia en Barcelona

batería de níquel alcalino

torre eléctrica

Aire acondicionado práctico

1904

Ford Motor Company.

1903

1 9 0 0 ’s

1901

1900

primer vuelo zeppelin

1902

sismógrafos construidos en la Universidad de California

Georges Claude inventó la lámpara de neón

primer vuelo de un avión de motor

Exposición Panamericana de Buffalo 22

Canal de Panamá Casa Lucien Weissenburger Art-Nuveau

teoría especial de la relatividad de Albert Einstein

Las señoritas de Avignon, arte moderno.

1909

1908

cubismo

1907

1906

1905

terremoto San Francisco

Ford Modelo T.

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La Sagrada Familia en Barcelona

Canal de Panamá

Primer uso del avión como arma ofensiva

RENACIMIENTO ARQUITECTURA COLONIAL

1914

1913

Primera línea de montaje de vehiculos

1912

1 9 1 0 ’s

1911

1910

Boy Scouts of America Incorporated

Tragedia del Titanic

24

1919

1918

Sigmund Freud psicoan谩lisis

1917

1916

1915

Harry Brearley invent贸 el acero inoxidable

Radio se vuelve popular

Primera Guerra Mundial

Mahatma Gandhi Tratado de Versalles 25

La Sagrada Familia en Barcelona

1924

1923

1922

1 9 2 0 ’s

1921

1920

Le Corbusier Vers Une Architecture

ProhibiciĂłn de alcohol se produce en los Estados Unidos primeras estaciones de radio comerciales

Benito Mussolini – Italia primer gobierno fascista del mundo 26

Art Deco

movimiento surrealista.

primer sistema de televisión mecánica funcional

primera película con una banda sonora, Don Juan

primera televisión en color

1929

1928

1927

1926

1925

Gruppo 7

Exposición Internacional de Barcelona la Gran Depresión

Gaudí muere

pabellón de Alemania

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Nazis ganan las elecciones alemanas

Industriales alemanes financian al partido nazi.

Hitler se convierte en führer.

Movimiento Italiano per l'Architettura Razionale (MIAR)

RACIONALISMO

Plutón

1934

1933

1932

1 9 3 0 ’s

1931

1930

edificio Chrysler, un rascacielos del art déco

URSS admitido en la Liga de las Naciones

Empire State Building Roosevelt lanza New Deal.

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Comienza la Segunda Guerra Mundial

Alemanes ocupan Renania.

Primeros vuelos intercontinentales comerciales

Pabellon brasileño

Roosevelt abre segunda fase del New Deal

Explota dirigible alemán Hindenburg en el cielo sobre Lakehurst, Nueva Jersey

La Feria Mundial de Nueva York

1938

1937

1936

1935

El puente Golden Gate se construyó

1939

Nazis repudian Tratado de Versalles

Casa de la cascada Frank Lloyd Wright

ARQUITECTURA ORGANICA 29

Musollini depuesto

Invasion a normandia

1944

Holocausto

1943

Hitler invade Noruega, Dinamarca, los Países Bajos, Bélgica, y Francia

Pinturas rupestres halladas en Lascaux en Francia

Churchill se convierte en primer ministro de Gran Bretaña

1942

1 9 4 0 ’s

1941

1940

Pearl harbor

Proyecto Manhattan

Monte Rushmore 30

Hitler se suicida

Juan Per贸n se convierte en presidente de la Rep煤blica Argentina

OTAN

1949

Plan Marshall

1948

1946

1945 Bombardeo a Hiroshima y Nagasaki

1947

Primera reuni贸n de la Asamblea General de la ONU

Termina la Segunda Guerra Mundial

Casa de Cristal en New Canaan

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Lake Shore Drive Apartments Mies van der Rohe

Segregacion declarada ilegal en U.S.A.

TV color

1954

1953

1952

1 9 5 0 ’s

1951

1950

Le Corbusier completa su Unité d'Habitation en Marsella

ADN Descubierto

Finalización de la sede de Naciones Unidas en Nueva York

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Crown Hall en el Instituto de Tecnolog铆a de Chicago

edificio Seagram en Nueva York

NASA

1959

1958

1957

1956

1955

Disneyland

Museo Guggenheim

Sputnik

McDonald

LEGO Comunidad Econ贸mica Europea

Castro se convierte en dictador de Cuba 33

El Unisphere encabeza la Feria Mundial de Nueva York.

1964

1963

1 9 6 0 ’s

1961

1960

Psicosis de Alfred Hitchcock

1962

Louis Kahn termina el Edificio Médico Richards de la Universidad de Pennsylvania en Filadelfia

JFK asesinado

Muro de Berlín

Terry Riley – composición en C

Crisis de los misiles cubanos 34

primer trasplante de corazón

Neil Armstrong se convierte en el primer hombre en la Luna

EE.UU. envía tropas a Vietnam

Che Guevara asesinado

1969

1968

1967

1966

1965

Organización Nacional de Mujeres (NOW) Fundada

Nueva Galería Nacional de Mies van der Rohe en Berlín

ARQUITECTURA MINIMALISTA 35

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MOVIMIENTOS ARQUITECTONICOS

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LA ARQUITECTURA DE HIERRO FUNDIDO

La arquitectura de hierro fundido es una forma de arquitectura donde el hierro fundido juega un papel central. Era un estilo destacado en la era de la revolución industrial, cuando el hierro fundido era relativamente barato y el acero moderno aún no se había desarrollado.

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El hierro fundido se ha utilizado durante siglos y fue utilizado en la arquitectura en el período pre-moderno. Fue en el siglo 18 de Gran Bretaña que los nuevos métodos de producción permitieron producirlo a bajo costo y en cantidades suficientemente grandes para ser utilizado con regularidad en grandes proyectos de construcción. Uno de los primeros proyectos importantes fue el puente de hierro en Shropshire, una estructura que sienta un precedente hecho casi enteramente de hierro fundido. Sin embargo, fue groseramente sobre-diseñado.

Diseñadores e ingenieros posteriores, tales como Thomas Telford, mejoraron tanto en el diseño y la calidad del material en puentes (por ejemplo, en Buildwas, aguas arriba de Coalbrookdale) y acueductos (como el famoso Acueducto Pontcysyllte en el norte de Gales).

Uso estructural

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El hierro fundido fue utilizado por primera vez en la construcción de la pagoda en la dinastía Tang de China. Los textos escritos en el siglo IX por el monje budista japonés Ennin describen en detalle las pagodas de hierro fundido y estatuas generalizadas en China en ese momento. La persecución del budismo en China llevó a la destrucción de muchas de estas estructuras. El molino Ditherington, construido en 1796, en inglaterra es considerado el primer edificio de hierro enmarcado del mundo.

La casa de la Royal Naval Dockyard, Bermuda diseñado por Edward Holl y construido en la década de 1820 del Comisionado es considerada como la primera residencia que utiliza hierro fundido en su marco estructural. En la década de 1850 el bajo costo y la disponibilidad del hierro llevó al diseño y construcción de edificios utilizando componentes de hierro fundido. Este podría ser usado en una amplia variedad de formas y diseños, lo que permite elaborar fachadas que eran mucho más baratos que los de piedra tallada tradicional. Estas fachadas también podrían pintarse una amplia gama de colores. Muchos de estos edificios tenían elaborados diseños neoclásicos o románicos.

Uso arquitectónico

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Generalmente utilizado en edificios comerciales e industriales, el uso de hierro fundido en la arquitectura se generalizo a finales de 1800 en las antiguas ciudades del sur de Estados Unidos. Las columnas de hierro fundido tenían la ventaja de ser delgadas, en comparación con las columnas de mampostería y capaces de soportar peso similar. El hierro fundido también se convirtió en la estructura de soporte estándar en la construcción de invernaderos, y este tipo de diseño llevó al monumental Palacio de Cristal construido en Londres en 1851. Diseñado por Joseph Paxton, el vidrio y estructura de hierro fundido fue muy imitado en todo el mundo. En el siglo XIX se desarrolló el acero moderno, y resultó mucho más adecuado que el hierro fundido con fines estructurales y de apoyo. La moda de las fachadas de hierro fundido también se desvaneció en esta era. Muchas de las innovaciones de la época de hierro fundido se llevaron a los nuevos edificios de estructura de acero, y eran esenciales para el desarrollo del moderno rascacielos.

Uso arquitectónico

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En la primera época de la revolución industrial de hierro fundido a menudo se utilizaba en la construcción de fábricas, en parte debido a la idea errónea de que tales estructuras serían prueba de fuego. William Strutt fue pionero en esta innovación, la creación de una serie de edificios industriales que utilizan soportes de hierro fundido. El hierro fundido era lo suficientemente fuerte para soportar la maquinaria pesada, pero era vulnerable a los incendios frecuentes que se producirían en tales fábricas. También hubo numerosos derrumbes de edificios provocados por la fractura de vigas de hierro fundido quebradizas. Estos a menudo se produjeron cuando el lado inferior de la viga estaba en tensión, a menudo de defectos tales como agujeros de soplado dentro de las vigas. Tales defectos internos eran comunes en las grandes vigas.

Fallas catastróficas

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El hierro fundido también se utilizaba ampliamente en la construcción de puentes para el nuevo sistema de tren, a veces con resultados terribles, especialmente cuando se utilizaba en lugar de arcos de vigas. El primer uso para esta clase de estructuras fue en la estación de la línea del ferrocarril Liverpool-Manchester en 1830, diseñada por William Fairbairn, que fue demolido alrededor de 1900 debido a la preocupación generalizada por la resistencia de este material y su uso excesivo en la red ferroviaria en Gran Bretaña. Robert Stephenson construyó un puente más largo sobre el río Dee, añadiendo erróneamente cerchas de hierro forjado para reforzar la estructura. Esto llevó al desastre del puente Dee de 1847, que mató a cinco personas cuando el puente se derrumbó.

Fallas catastróficas

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Tras la catástrofe fueron demolidos tales puentes atirantados y el hierro fundido fue reemplazado con vigas mixtas de hierro forjado formadas remachando laminas juntas, y luego las vigas de acero laminado se volvieron accesibles a finales de los años 1860 y 1870. El hierro fundido se siguió utilizando en los puentes bajo las líneas del tren, produciendo un número de fallos graves que implicaron la pérdida de vidas. El accidente más grave ocurrió en 1879 con el desastre del puente Tay cuando la parte central del puente se derrumbó en una tormenta cuando un tren expreso pasaba sobre el. El tren entero se perdió con más de 75 pasajeros y la tripulación. Las partes más débiles del puente eran las pegas de hierro que sostienen columnas en su lugar, lo que llevo a que este materia fuera abandonado efectivamente después del desastre. La mayoría de las estructuras de vigas pequeñas de hierro fundido fueron demolidas y reemplazadas después del accidente ferroviario del cruce de Norwood de 1891.

Fallas catastróficas

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Tras la catástrofe fueron demolidos tales puentes atirantados y el hierro fundido fue reemplazado con vigas mixtas de hierro forjado formadas remachando laminas juntas, y luego las vigas de acero laminado se volvieron accesibles a finales de los años 1860 y 1870. El hierro fundido se siguió utilizando en los puentes bajo las líneas del tren, produciendo un número de fallos graves que implicaron la pérdida de vidas. El accidente más grave ocurrió en 1879 con el desastre del puente Tay cuando la parte central del puente se derrumbó en una tormenta cuando un tren expreso pasaba sobre el. El tren entero se perdió con más de 75 pasajeros y la tripulación. Las partes más débiles del puente eran las pegas de hierro que sostienen columnas en su lugar, lo que llevo a que este materia fuera abandonado efectivamente después del desastre. La mayoría de las estructuras de vigas pequeñas de hierro fundido fueron demolidas y reemplazadas después del accidente ferroviario del cruce de Norwood de 1891.

Fallas catastróficas

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François-Joseph Bélanger James Bunstone Bunning Henri Labrouste Joseph Paxton Émile Nouguier Maurice Koechlin

1744-1818 1847-1849 1843-1850 1803–1865 1840-1898 1856-1946

Arquitectos representativos del movimiento

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El Art Nouveau es una filosofía internacional y el estilo del arte y arquitectura más popular durante los años 1890-1910. Un estilo con muchos nombres diferentes en otros países. Una reacción al arte académico del siglo XIX, que se inspiró en las formas y estructuras naturales, no sólo en las flores y las plantas, sino también en las líneas curvas. En Arquitectura se trato de armonizar con el entorno natural.

Art Nouveau se considera un estilo "total" del arte, que abarca la arquitectura, el arte gráfico, diseño de interiores, y la mayoría de las artes decorativas, incluyendo joyas, muebles, textiles, plata y otros utensilios del hogar y la iluminación, así como las bellas artes. De acuerdo con la filosofía del estilo, el arte debe ser una forma de vida. Para muchos adinerados europeos, era posible vivir en una casa de inspiración art nouveau con muebles, platería, tejidos, cerámica, incluyendo vajilla, joyas, cajas de cigarrillo, etc de este estilo. Artistas de la época deseaban combinar las bellas artes y las artes aplicadas, incluso para objetos utilitarios. .

Aunque Art Nouveau fue sustituido por estilos modernistas del siglo XX, que se considera ahora como una importante transición entre los eclécticos estilos históricos del renacimiento del siglo XIX y el Modernismo.

ART NOUVEAU

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En su comienzo, modernista Y Jugendstil fueron los primeros nombres del estilo en algunos lugares, pero al propagarse adopta otros. Esos dos nombres provienen, respectivamente, la galería de Siegfried Bing Maison de l'Art Nouveau en París y la revista Jugend de Munich, los cuales promovieron y popularizaron el estilo.

Maison de l'Art Nouveau (Casa del Arte Nuevo) era el nombre de la galería iniciada en 1895 por el comerciante de arte alemán Siegfried Bing en París que contó exclusivamente con este tipo de arte. La fama de su galería se incrementó en la Exposición Universal de 1900, donde presentó coordinado en el diseño y el color-instalaciones de muebles modernos, tapices y objetos de arte. Estas pantallas decorativas se hizo tan fuertemente asociado con el estilo que el nombre de su galería posteriormente proporcionó un comúnmente término que se utiliza para todo el estilo. Por lo tanto se creó el término "Art Nouveau".

Orígenes

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Forma y carácter

Aunque Art Nouveau adquirió tendencias claramente localizadas cuando su distribución geográfica aumentó, algunas características generales son indicativas del moviemiento. Una descripción publicada en la revista Pan de la obra Cyclamen (1894) de Hermann Obrist la describe como "curvas violentas repentinas generados por el chasquido de un látigo", que se hizo muy conocido durante la temprana difusión del Art Nouveau. Tales motivos decorativos formados por "latigazos", y las líneas que fluyen dinámicamente onduladas en un ritmo sincopado y la forma asimétrica, se encuentran a través de la arquitectura, la pintura, la escultura y otras formas de diseño Art Nouveau.

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Los orígenes del Art Nouveau se encuentran en la resistencia de la artista William Morris a las composiciones desordenadas y las tendencias del renacimiento del siglo XIX y sus teorías que ayudaron a iniciar las Artes y artesanías movimiento. Sin embargo, la cubierta del libro de Arturo Mackmurdo para las Iglesias de Ciudad de Wren (1883), con sus rítmicos patrones florales, a menudo se considera la primera realización de Art Nouveau. Casi al mismo tiempo, la perspectiva plana y fuertes colores de impresiones de bloque de madera japoneses, especialmente los de Katsushika Hokusai, tenían un fuerte efecto en la formulación del Art Nouveau. El japonismo que era popular en Europa durante los años 1880 y 1890 fue particularmente influyente en muchos artistas con sus formas orgánicas y las referencias al mundo natural. Además de ser adoptada por los artistas como Emile Gallé y James Abbott McNeill Whistler, el arte y diseño de inspiración japonesa fue defendido por los empresarios Siegfried Bing y Arthur Lasenby Liberty en sus tiendas en París y Londres, respectivamente.

Forma y carácter

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En la arquitectura, hipérbolas y parábolas en ventanas, arcos y puertas eran comunes, y molduras decorativas 'crecen' en formas derivadas de plantas. Como la mayoría de estilos de diseño, de estilo Art Nouveau trató de armonizar sus formas. El texto encima de la entrada del metro de París utiliza las cualidades del resto de la obra de hierro en la estructura.

Art Nouveau en la arquitectura y el diseño interior evitó los estilos eclécticos renacimiento del siglo XIX. Aunque los diseñadores modernistas seleccionados y 'modernizadas' algunos de los elementos más abstractos de estilo rococó, como las texturas de llamas y conchas, también abogó por el uso de formas orgánicas muy estilizados como una fuente de inspiración, ampliando el repertorio "natural" de usar algas, hierbas e insectos. Las formas en voz baja-fusión de estilo auricular del siglo XVII, mejor ejemplificadas en platería holandesa, fue otra influencia.

Forma y carácter

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Como un estilo de arte, tiene afinidades con los estilos prerrafaelitas y simbolistas los y artistas como Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt y Jan Toorop podría ser clasificado en más de uno de estos estilos. A diferencia de la pintura simbolista, sin embargo, el Art Nouveau tiene un aspecto distintivo; y, a diferencia del movimiento artesanal de Artes y Oficios, los artistas del Art Nouveau utilizaron fácilmente nuevos materiales, superficies mecanizadas, y la abstracción en el servicio de diseño puro.

El Art Nouveau no evitaba el uso de máquinas, como las artes y el movimiento a mano lo hizo. Para la escultura, los principales materiales empleados eran de vidrio y hierro forjado, lo que resulta en cualidades escultóricas incluso en la arquitectura. La cerámica también fue empleada en la creación de las ediciones de esculturas de artistas como Auguste Rodin.

Relación con los estilos y movimientos contemporáneos

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En Arquitectura el Art Nouveau hizo uso de muchas innovaciones tecnológicas de finales del siglo XIX, especialmente el uso del hierro expuesto y grandes piezas de forma irregular de vidrio para la arquitectura. Por el comienzo de la Primera Guerra Mundial, sin embargo, la naturaleza estilizada del diseño del Art Nouveau se volvio caro de producir, y comenzó a ir en desuso en favor del modernismo que era más aerodinámico, barato y pensado para ser más fiel a la más clara estética industrial que se convirtió en Art Deco.

Tendencias modernistas también fueron absorbidas en estilos locales. En Dinamarca, por ejemplo, era un aspecto de Skønvirke ("obra estética"), que a su vez más estrechamente se relaciona con el estilo de Artes y Oficios. Del mismo modo, los artistas adoptaron muchos de los motivos florales y orgánicos de Art Nouveau en el Młoda Polska ("Joven Polonia"). este, sin embargo, también incluia otros estilos artísticos y abarcó un enfoque más amplio con el arte, la literatura y el estilo de vida.

Relación con los estilos y movimientos contemporáneos

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Émile André Raimondo Tommaso D'Aronco Mikhail Eisenstein August Endel Eugène Gaillard Antoni Gaudí Victor Horta Charles Rennie Mackintosh Marian Peretiatkovich Henry Van de Velde

1871–1933 1857–1932 1867–1921 1871–1925 1862–1933 1852–1926 1861–1947 1868–1928 1872–1916 1863–1957

Arquitectos representativos del movimiento

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Es la denominación historiográfica principalmente aplicada a un estilo arquitectonico, pero qur también dejo su huella en muchas otras ramas del arte(pintura, escultura, etc.), y sobre todo en el diseño y las artes decorativas (ebanistería, carpintería, hierro forjado, cerámica, cerámica, fabricación de vidrio, plata y el trabajo de orfebrería, etc.), que eran particularmente importantes, sobre todo en su papel de apoyo a la arquitectura. A pesar de que era parte de una tendencia general que surgió en Europa a finales del siglo XX, en Cataluña el estilo adquirió su propia personalidad única. Su nombre proviene de su distinta relación especial, principalmente con Cataluña y Barcelona, ​que fueron intensificando sus características locales por razones socio-ideológicas después del renacimiento de la cultura catalán y en el contexto del espectacular desarrollo urbano e industrial. Equivalente a un número de otros movimientos artísticos que van desde el Art Nouveau en Francia y Bélgica, Jugendstil en Alemania, Sezession en Austria-Hungría, de estilo Liberty en Italia y Estilo Moderno o Glasgow en Escocia, y fue activo aproximadamente desde 1888 (la primera Feria Mundial de Barcelona) a 1911 (la muerte de Joan Maragall, el poeta modernista más importante). El modernismo tuvo su epicentro en la ciudad de Barcelona, ​a pesar de que llegó mucho más allá, y es mejor conocido por su expresión arquitectónica,

MODERNISMO CATALAN

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El nacionalismo catalán fue una importante influencia sobre los artistas modernistas, que eran receptivos a las ideas de Valentí Almirall y Enric Prat de la Riba y querían que la cultura catalán fuera considerada como igual a la de otros países europeos. Tales ideas se pueden ver en algunas de las obras de Rusiñol contra el ejército español (sobre todo L'Heroe), en algunos autores cercanos al anarquismo (Jaume Brossa y Gabriel Alomar, por ejemplo) o en los artículos de escritores antimonárquicas federalistas como Miquel dels Sants Oliver. También se opusieron al tradicionalismo y la religiosidad de los románticos catalanes del movimiento Renaixença, a los que ridiculizaban en obras de teatro como la de Santiago Rusiñol Els Jocs Florals de Canprosa (más o menos, "El Concurso de Poesía de Proseland"), una sátira de los Juegos Florales revividos y el entorno político que los promovieron.

Los modernistas rechazan en gran medida los valores burgueses, que se cree que son lo contrario de arte. En consecuencia, se adoptaron dos posturas: o se diferencian de la sociedad en una actitud bohemia o culturalista (poetas decadentes y parnasianos, dramaturgos simbolistas, etc.) o intentaron utilizar el arte para cambiar la sociedad (arquitectos modernistas y diseñadores, dramaturgos inspirados en Henrik Ibsen, algunos de la poesía de Maragall, etc.)

Conceptos principales

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El primer ejemplo de arquitectura modernista es la cafetería Castell dels Tres Dragons diseñado por Lluís Domènech i Montaner en elparque de la Ciudadela para la Exposición Universal de 1888. Es una búsqueda de un estilo particular para Cataluña aprovechando estilos medievales y árabes. Este movimiento estaba estrechamente relacionado con el movimiento Arts and Crafts, el movimiento Inglés y el renacimiento gótico. Además de la combinación de una rica variedad de elementos derivados históricamente, se caracterizaba por el predominio de la curva sobre la recta, por la rica decoración y detalles, por el uso frecuente de vegetales y otros motivos orgánicos, el gusto por la asimetría, un esteticismo refinado y formas dinámicas. Mientras que Barcelona fue el centro de la construcción modernista, la burguesía industrial catalán construyeron edificios industriales y residencias de verano en muchas poblaciones catalanas, especialmente Terrassa y Reus. La fábrica textil, que es ahora el hogar del Museo de la Ciencia y de la Técnica de Cataluña es un ejemplo sobresaliente.

Arquitectura y las artes plásticas

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En 1910, el modernismo había sido aceptado por la burguesía y había casi convertido en una moda. Fue en ese momento que los artistas novecentistas comenzaron a ridiculizar las ideas rebeldes del Modernismo y propulsaron un arte más burgués y una versión más derecho de centro del nacionalismo catalán, que finalmente llegó al poder con la victoria de la Lliga Regionalista en 1912. Hasta la dictadura de Miguel Primo de Rivera suprimió todo uso por el público del catalán, el novecentismo fue inmensamente popular en Cataluña.

La arquitectura modernista sobrevivió más tiempo. La ciudad española de Melilla, en el norte de África experimentó un auge económico a finales del siglo 20, y su nueva burguesía mostró sus riquezas por pedir masivamente edificios modernistas. Los talleres establecidos allí por el arquitecto catalán Enrique Nieto continuaron decoraciones producen en este estilo, incluso cuando estaba de moda en Barcelona, ​lo que se traduce en Melilla que tiene, por extraño que parezca, la segunda mayor concentración de obras modernistas después de Barcelona.

El fin del modernismo

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Antoni Gaudí 1852-1926 Lluís Domènech 1850-1923 Josep Vilaseca 1848-1910 Josep Puig i Cadafalch 1867-1956 Enric Sagnier i Villavecchia 1858-1931 Josep Maria Jujol i Gibert 1879-1949 Cèsar Martinell i Brunet 1888-1973 Josep Vilaseca i Casanovas 1848–1910 Joan Rubió i Bellver 1870-1952

Arquitectos representativos del movimiento

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ESCUELA DE CHICAGO

La arquitectura de Chicago es famosa en todo el mundo y un estilo que se conoce como la Escuela de Chicago. El estilo también se conoce como estilo de Comercio. En la historia de la arquitectura, la Escuela de Chicago fue una escuela de arquitectos activos en Chicago a finales del siglo XX. Ellos fueron de los primeros en promover las nuevas tecnologías de la construcción de estructura de acero en edificios comerciales, y desarrollaron una estética espacial que co-evolucionado con él, y luego llegaron a influir, desarrollos paralelos en el modernismo europeo. Una "Segunda Escuela de Chicago" más adelante surgió en la década de 1940 y 1970, que fueron pioneros en nuevas tecnologías de construcción y sistemas estructurales tales como la estructura de tubo-marco.

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Mientras que el término "escuela de Chicago" es ampliamente utilizado para describir los edificios construidos en la ciudad durante los años 1880 y 1890, este término ha sido disputado por los estudiosos, en particular, en reacción a el libro de Carl Condit La Escuela de Arquitectura de Chicago. Historiadores como H. Allen Brooks, Winston Weisman y Daniel Bluestone han señalado que la frase sugiere un conjunto unificado de preceptos estéticas o conceptuales, cuando, de hecho, los edificios de Chicago de la época muestran una gran variedad de estilos y técnicas. Publicaciones contemporáneas utilizan la frase "Estilo Comercial" para describir los innovadores edificios altos de la época en lugar de proponer cualquier tipo de "escuela" unificada.

Algunas de las características distintivas de la Escuela de Chicago son el uso de los edificios con estructura de acero con revestimiento de mampostería (generalmente terracota), lo que permite grandes ventanales y limitar la cantidad de ornamentación exterior. A veces, los elementos de la arquitectura neoclásica se utilizan en los rascacielos de la escuela de Chicago. Muchos rascacielos de este estilo están formados como las tres partes de una columna clásica. Los pisos más bajos funcionan como la base, los pisos secundarios, por lo general con poco detalle ornamental, actúan como el eje de la columna, y el último piso o dos, a menudo rematados con una cornisa y con más detalle ornamental, representan la capital.

Primera Escuela de Chicago

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La "ventana de Chicago" se originó en esta escuela. Es una ventana de tres partes que consiste en un panel central fijo grande flanqueada por dos ventanas de guillotina más pequeños. La disposición de ventanas en la fachada típicamente crea un patrón de rejilla, con un poco de la proyección hacia fuera de la formación de ventanales fachada. La ventana de Chicago combina las funciones de recopilación de luz y ventilación natural; un único panel central fue generalmente fija, mientras que los dos paneles que rodean eran operables. Estas ventanas a menudo se despliegan en las bahías, conocidos como miradores, que proyectan a la calle.

Arquitectos, cuyos nombres están asociados con la Escuela de Chicago incluirá Henry Hobson Richardson, Dankmar Adler, Daniel Burnham, William Holabird, William LeBaron Jenney, Martin Roche, John Root, Solon S. Beman, y Louis Sullivan.

Frank Lloyd Wright comenzó en la firma de Adler y Sullivan, pero creó su propio estilo de la pradera de la arquitectura.

El Home Insurance Building, que algunos consideran como el primer rascacielos del mundo, fue construido en Chicago en 1885 y fue demolido en 1931

Primera Escuela de Chicago

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En la década de 1940, una "Segunda Escuela de Chicago" surgió de la obra de Ludwig Mies van der Rohe y sus esfuerzos de educación en el Instituto de Tecnología de Illinois en Chicago. Su primera y más pura expresión eran los apartamentos Lake Shore Drive 860-880 (1951) y sus logros tecnológicos. Esto fue apoyado y ampliado en la década de 1960 debido a las ideas del ingeniero estructural Fazlur Khan. Se presentó un nuevo sistema estructural de tubos enmarcadas en el diseño de rascacielos y construcción. El ingeniero bangladesí Fazlur Khan define la estructura de tubo enmarcado como "una estructura de espacio tridimensional compuesto de tres, cuatro, o posiblemente más fotogramas, se preparó marcos o muros de corte, se unió en o cerca de sus bordes para formar un sistema estructural vertical, similar a un tubo capaz de resistir las fuerzas laterales en cualquier dirección en voladizo desde la fundación. " columnas exteriores interconectados estrechamente espaciados forman el tubo. Las cargas horizontales, por ejemplo el viento, están soportados por la estructura como un todo.

Alrededor de la mitad de la superficie exterior está disponible para las ventanas. Tubos enmarcados permiten un menor número de columnas interiores, y así crear espacio más utilizable. Cuando se requieren aberturas más grandes, como las puertas de garaje, el marco de tubo debe ser interrumpido, con vigas de transferencia utilizados para mantener la integridad estructural.

Segunda Escuela de Chicago

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William Le Baron Jenney 1832 - 1907 Henry Hobson Richardson 1838 - 1886 Burnham & Root Holabird & Roche Louis Sullivan 1856 - 1924

Arquitectos representativos del movimiento

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ARQUITECTURA NEO-GÓTICA

La arquitectura neogótica es un movimiento arquitectónico que se inició a finales de los años 1740 en Inglaterra. Su popularidad creció rápidamente en el siglo XIX, cuando los admiradores cada vez más graves y doctos de estilos neogóticos trataron de revivir la arquitectura gótica medieval, en contraste con los estilos neoclásicos vigente en cada momento. El Neogótico atrae características del estilo gótico original, incluidos los patrones decorativos, remates, festoneado, ventanas ojivales, molduras capucha, y las paradas de la etiqueta.

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El movimiento neogótico surgió en el siglo XIX en Inglaterra. Sus raíces se entrelazan con movimientos profundamente filosóficos asociados a un nuevo despertar de la alta iglesia o creencia anglo-católica (y por la católica Augustus Welby Pugin convertir) afectados por el crecimiento de inconformismo religioso. En última instancia, el "anglo- catolicismo“ tradicional de creencias religiosas y estilo se extendió por su atractivo intrínseco en el tercer cuarto del siglo XIX. La arquitectura del renacimiento gótico varió considerablemente en su fidelidad a tanto el estilo y los principios de la construcción de su original, medieval ornamental, a veces asciende a poco más de marcos de ventanas ojivales y unos toques de decoración gótica en un edificio de otro modo en un plan totalmente del siglo XIX y utilizando materiales contemporáneos y métodos de construcción.

En paralelo a la ascendencia del estilo neo-gótico en Inglaterra, el interés se extendió rápidamente hacia el continente de Europa, en Australia, Sudáfrica y América; de hecho, el número de estructuras goticas construidas en los siglos XIX y XX fue superior al número de estructuras góticas auténticas construidas anteriormente.

Raices

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El renacimiento gótico fue acompañado y apoyado por el "medievalismo", que tiene sus raíces en las preocupaciones por la supervivencia y curiosidades de lo “anticuado”. Como la "industrialización" progresaba, una reacción contra la producción de la máquina y la aparición de fábricas también crecieron. Los defensores de los pintorescos como Thomas Carlyle y Augustus Pugin tomaron una visión crítica de la sociedad industrial y retrataron la sociedad medieval preindustrial como una edad de oro. Para Pugin, la arquitectura gótica fue infundido con los valores cristianos que había sido suplantado por el clasicismo y estaban siendo destruidos por la industrialización.

Neogótico también asumió connotaciones políticas; con el estilo neoclásico "racional" y "radical" se asocio al "republicanismo" y "liberalismo" (como lo demuestra su uso en los Estados Unidos y, en menor medida, en la Francia republicana), el más "espiritual" y " tradicional“ neogótico se asoció con la monarquía y el conservadurismo, que se refleja en la elección de estilos para los centros públicos reconstruidos del Parlamento del Reino Unido en Londres y Parliament Hill en Ottawa.

Raices

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La arquitectura gótica comenzó en la Basílica de Saint-Denis, cerca de París, y la Catedral de Sens en 1140 y terminó con un último florecimiento a principios del siglo XVI, con edificios como la capilla de Enrique VII en Westminster. Sin embargo, la arquitectura gótica no murió por completo en el siglo XVI, pero en lugar quedó en curso proyectos de creación de la catedral y la construcción de iglesias en los distritos rurales cada vez más aislados de Inglaterra, Francia, España, Alemania, y la Mancomunidad polaco-lituana.

Del mismo modo, la arquitectura gótica sobrevivió en un entorno urbano durante el final del siglo XVII, como se muestra en Oxford y Cambridge, donde se consideraron algunas adiciones y reparaciones de edificios góticos estar más en consonancia con el estilo de las estructuras originales que barroco contemporáneo. Torre Tom de Sir Christopher Wren para la iglesia de Cristo, Universidad de Oxford, y, más tarde, las torres del oeste de Nicholas Hawksmoor de la Abadía de Westminster, desdibujan los límites entre lo que se llama "la supervivencia gótica" y el renacimiento gótico.

La supervivencia y renacimiento

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En la mitad del siglo XVIII, con el surgimiento de "romanticismo", un mayor interés y el conocimiento de la Edad Media entre algunos conocedores influyentes creo un enfoque más agradecido a ciertas artes medievales, comenzando con la arquitectura de la iglesia, los monumentos de tumbas de la realeza y personajes nobles. Otras artes góticas, como tapices y trabajos en metal, siguieron sin tomarse en cuenta al ser consideradas bárbaras y crudas, sin embargo las asociaciones sentimentales y nacionalistas con figuras históricas eran tratadas en este renacimiento temprano como puramente preocupaciones estéticas.

El filósofo y escritor Johann Wolfgang von Goethe y el arquitecto Karl Friedrich Schinkel comenzaron a apreciar el carácter pintoresco de las ruinas - convirtiéndose en una nueva calidad estética - y esos efectos de maduración del tiempo que los japoneses llaman wabi-sabi y que Horace Walpole fueron admirados de forma independiente, y, por la década de 1770, los arquitectos neoclásicos bien como Robert Adam y James Wyatt estaban dispuestos a proporcionar detalles góticos en salas, bibliotecas y capillas.

La supervivencia y renacimiento

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Algunas de las primeras evidencias de un renacimiento de la arquitectura gótica es de Escocia. Inveraray Castle, construido a partir de 1746, con entrada para el diseño de William Adam, muestra la incorporación de torretas. Eran casas de estilo de Palladio en gran medida convencionales que incorporan algunas características externas del estilo señorial escocés. Casas de Robert Adam en este estilo incluyen Mellerstain y Wedderburn en Berwickshire y Seton Casa en East Lothian, pero se ve más claramente en el castillo de Culzean, Ayrshire, remodelado por Adam en 1777. El diseñador excéntrico paisajista Batty Langley siquiera intentó "mejorar las formas góticas” dándoles proporciones clásicas.

Una generación más joven, tomando la arquitectura gótica más en serio, siempre que el número total de lectores de la serie de J. Britten de "Antigüedades Catedral", que comenzó a aparecer en 1814. En 1817, Thomas Rickman escribió un intento para nombrar y definir el secuencia de los estilos gótico en la arquitectura eclesiástica Inglés, “un libro de texto para el estudiante de arquitectura". Su título largo antiguo es descriptiva: “Remate discriminar los estilos de la arquitectura Inglés de la Conquista a la Reforma; precedida de un esbozo de las órdenes griegos y romanos, con avisos de casi quinientos edificios ingleses“

La supervivencia y renacimiento

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A lo largo del siglo XIX y principios del siglo XX, de estilo gótico fue utilizado en toda Europa, Estados Unidos y Canadá para edificios públicos y viviendas para las personas que podían permitirse el estilo, pero el uso más común de la arquitectura gótica del renacimiento fue en la construcción de iglesias. Iglesias todo en los países que fueron influenciados por el renacimiento gótico, pequeñas y grandes, ya sea aislada o en pequeños asentamientos en la gran ciudad, hay al menos una iglesia hecha en estilo neogótico. El más grande y más famosos catedrales góticas en los EE.UU. son la Catedral de San Patricio en la ciudad de Nueva York y la Catedral Nacional de Washington (también conocido como "la Iglesia Catedral de los Santos Pedro y Pablo") en el Monte St. Alban en el noroeste de Washington, DC, que sirve como una "iglesia nacional", si pudiera haber una. Una de las mayores iglesias de estilo neogótico en Canadá es "Nuestra Señora Catedral Guelph" en Ontario.

La supervivencia y renacimiento

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Aunque el neogótico comenzó a perder fuerza y ​popularidad a partir del tercer cuarto del siglo XIX en los campos comerciales, residenciales e industriales, algunos edificios como iglesias, escuelas, colegios y universidades seguían construidos en el estilo gótico ,que siguió siendo popular en Inglaterra, Canadá y en los Estados Unidos (la mayoría de Escuelas y Colegios / Universidades de Estados Unidos tiene la mayor parte de su arquitectura de estilo neogótico) hasta bien entrada la primera mitad del siglo XX. Sólo cuando los nuevos materiales, como el acero y el vidrio junto con la preocupación por la función en la vida laboral cotidiana y ahorro de espacio en las ciudades, es decir, la necesidad de construir hacia arriba en lugar de hacia fuera, comenzaron a afianzarse qué el renacimiento gótico empieza a desaparecer de las solicitudes de construcción populares.

La supervivencia y renacimiento

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Truman Osborn Angell Josef Mocker Edmund Kirby Rev. Frederick Thatcher John Douglas Charles Amos Cummings Augustus Welby Northmore Pugin David Bryce Edward Graham Paley Hubert James Austin

1810-1887 1835-1899 1838-1920 1814-1890 1830-1911 1833–1905 1812-1852 1803-1876 1823-1895 1841–1915

Arquitectos representativos del movimiento

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La arquitectura neoclásica es un estilo arquitectónico producida por el movimiento neoclásico que comenzó a mediados del siglo XVIII. En su forma más pura es un estilo principalmente derivado de la arquitectura de la antigüedad clásica, los principios de Vitruvio y la arquitectura del arquitecto italiano Andrea Palladio.

En la forma, la arquitectura neoclásica enfatiza la pared en lugar de claroscuro y mantiene identidades separadas para cada una de sus partes. El estilo se manifiesta tanto en sus detalles como una reacción contra el estilo rococó de la ornamentación naturalista, y en sus fórmulas arquitectónicas como una consecuencia de algunas características clasicistas del Barroco tardío. Arquitectura neoclásica todavía está diseñado hoy, pero puede ser etiquetado Nueva Arquitectura Clásica para edificios contemporáneos.

ARQUITECTURA NEOCLÁSICA

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Intelectualmente, el Neoclasicismo era sintomático de un deseo de volver a la percepción de la "pureza" de las artes de Roma, a la percepción más vaga ("ideal") de las artes griegas antiguas y, en menor medida, del siglo Renacimiento Clasicismo, que era también una fuente para la arquitectura del Barroco tardío académico.

Muchos arquitectos neoclásicos de principios del siglo XIX fueron influenciados por los dibujos y proyectos de Étienne-Louis Boullée y Claude Nicolas Ledoux. Los numerosos dibujos de grafito de Boullée y sus estudiantes representan la arquitectura geométrica repuesto que emula la eternidad del universo. Existen vínculos entre las ideas de Boullée y la concepción de Edmund Burke de lo sublime. Ledoux dirigió al concepto de carácter arquitectónico, sosteniendo que un edificio debe comunicar inmediatamente su función para el espectador: tomadas literalmente tales ideas dan lugar a la "arquitectura parlante".

Historia

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Un retorno a las formas arquitectónicas más clásicas como reacción al estilo rococó se puede detectar en una arquitectura temprana europea del siglo XVIII, más vívidamente representado en la arquitectura de Palladio de Georgia Gran Bretaña e Irlanda.

El estilo barroco en realidad nunca había estado en el gusto Inglés. Cuatro libros influyentes fueron publicados en el primer cuarto del siglo XVIII, que destacó la sencillez y pureza de la arquitectura clásica: Vitruvio Británico (Colen Campbell 1715), de Palladio Cuatro Libros de la Arquitectura (1715), De Re Aedificatoria (1726) y los diseños de Inigo Jones... con algunos diseños adicionales (1727). El más popular fue la de cuatro volúmenes Vitruvio Británico por Colen Campbell. El libro contenía huellas arquitectónicas de edificios famosos británicos que habían sido inspirados por los grandes arquitectos de Vitruvio a Palladio. Al principio del libro ofrecido principalmente la obra de Iñigo Jones, pero los tomos posteriores contenían dibujos y planos por Campbell y otros arquitectos del siglo XVIII. La arquitectura de Palladio se hizo bien establecido eL siglo XVIII Gran Bretaña.

Palladianismo

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A mediados del siglo XVIII, el movimiento se amplió para incorporar una mayor gama de influencias clásicas, incluidas las de la antigua Grecia. El cambio a la arquitectura neoclásica está convencionalmente fechado a la década de 1750. En primer lugar, ganó influencia en Inglaterra y Francia; en Inglaterra, las excavaciones de Sir William Hamilton en Pompeya y otros sitios, la influencia de la Grand Tour y el trabajo de William Chambers y Robert Adam, fue fundamental en este sentido. En Francia, el movimiento fue impulsado por una generación de estudiantes de arte franceses formados en Roma, y ​fue influenciado por los escritos de Johann Joachim Winckelmann. El estilo también fue adoptado por los círculos progresistas de otros países como Suecia y Rusia.

La arquitectura neoclásica Internacional fue ejemplificado en los edificios de Karl Friedrich Schinkel, especialmente el Antiguo Museo de Berlín, el Banco de Sir John Soane de Inglaterra en Londres y la Casa Blanca de nueva construcción y el Capitolio en Washington, DC de la naciente república estadounidense.

Neoclasicismo

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Una segunda oleada de estilo neoclásico, más grave, más estudiado y más conscientemente arqueológico, está asociado con el apogeo del Imperio napoleónico. En Francia, la primera fase del neoclasicismo se expresó en el "estilo Luis XVI", y la segunda en los estilos llamados "Directoire" o Imperio. El estilo Rococó se mantuvo popular en Italia hasta los regímenes napoleónicas trajeron el nuevo clasicismo arqueológico, que se abrazó como una declaración política por parte de los jóvenes, progresistas, italianos urbanos con inclinaciones republicanas.

En las artes decorativas, el neoclasicismo se ejemplifica en muebles franceses del estilo del imperio; los muebles Inglés de Chippendale, Hepplewhite George y Robert Adam, bajorrelieves de Wedgwood y "basaltos negros" jarrones, y los muebles Biedermeier de Austria. El arquitecto escocés Charles Cameron creó interiores italianizantes palaciegas para el origen alemán Catalina II el Grande en San Petersburgo.

Neoclasicismo

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Aunque la arquitectura neoclásica empleó el mismo vocabulario clásico como la arquitectura del Barroco tardío, tendía enfatizar sus cualidades planas, en lugar de volúmenes escultóricos. Las proyecciones y recesiones y sus efectos de luz sombra fueron más plana; escultóricas bajorrelieves eran más plano y tendían a ser enmarcadas en frisos, tabletas paneles. Sus características individuales claramente articuladas fueron aisladas en lugar de interpenetradas, autónoma completo en sí mismos.

a y o y

El neoclasicismo también influyó en la planificación de la ciudad; los antiguos romanos habían utilizado un esquema consolidado para su planificación, tanto para la defensa y la conveniencia pública, sin embargo, las raíces de este esquema se remontan a las civilizaciones aún más antiguas. En su forma más básica, la red de calles, un foro central con servicios de la ciudad, dos principales bulevares ligeramente más anchas, y la ocasional calle diagonal eran características del diseño romano muy lógica y ordenada. Fachadas antiguas y diseños de construcción se orientaron a estos patrones de diseño de la ciudad y que tendían a trabajar en proporción con la importancia de los edificios públicos.

Características

Muchos de estos patrones de planificación urbana encontraron su camino en los primeros modernas ciudades planificadas del siglo XVIII. Ejemplos excepcionales incluyen Karlsruhe y Washington DC. No todas las ciudades planificadas y barrios planificados están diseñados en los principios neoclásicos, sin embargo. Modelos opuestos se pueden encontrar en los diseños modernistas ejemplificados por Brasilia, el movimiento de la ciudad jardín, Levittowns y nuevo urbanismo.

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Gilles-BarnabÊ Guimard Tilman-François Suys Robert Adam William Chambers William Hill John Smith James Wyatt Alberto Cavos Giuseppe Lucatelli Giacomo Quarenghi

1734-1805 1783-1864 1728-1792 1723-1796 1827-1889 1781-1852 1746-1813 1800-1863 1751-1828 1744-1817

Arquitectos representativos del movimiento

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RENACIMIENTO ARQUITECTURA COLONIAL

surge en el siglo XX sobre la base de la arquitectura colonial española de la colonización de las Américas. La Exposición Panamá-California de 1915 en San Diego, destacando la obra del arquitecto Bertram Goodhue, se acredita con dar la exposición del estilo nacional. Abrazado principalmente en California y Florida, el movimiento de renacimiento colonial español disfrutó de su mayor popularidad entre 1915 y 1931.

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Los antecedentes del estilo del renacimiento español colonial se pueden remontar al renacimiento de la arquitectura mediterránea. En San Agustín, Florida, tres arquitectos del noreste, los neoyorquinos John Carrère y Thomas Hastings de Carrère y Hastings y bostoniano Franklin W. Smith, diseñaron grandes hoteles, elaboradamente detallados en los estilos mediterráneo y renacimiento español en la década de 1880. Con la llegada de los Ponce de León (Desde Carrère y Hastings, 1882), el Hotel Alcazar (Carrère y Hastings, 1887) y el Hotel Casa Mónica (luego Hotel Cordova) (Franklin W. Smith, 1888) se comenzó a experimentar el encanto y el romanticismo de arquitectura de influencia española. Estos tres hoteles se vieron influidos no sólo por los edificios centenarios restantes del dominio español en San Agustín, sino también por la ciudad de casa vieja, construida en 1873 y todavía en pie, un excelente ejemplo de arquitectura de principios del renacimiento colonial español.

Renacimiento Mediterráneo

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Las posibilidades del estilo de renacimiento colonial español comenzaron a llamar la atención de los arquitectos de finales del siglo XIX principios del siglo XX en exposiciones internacionales. Por ejemplo, el pabellón de la misión de California en estuco blanco en la Exposición Mundial Colombina de 1893 en Chicago, y el mesón de la misión, junto con la torre eléctrica de la Exposición Panamericana de Buffalo en 1900 introdujeron el potencial del renacimiento colonial español.

Por los primeros años de la década de 1910, los arquitectos de la Florida habían comenzado a trabajar en un estilo español colonial del renacimiento. Banco del granjero de Frederick H. Trimble en Vero Beach, terminado en 1914, es un ejemplo temprano plena madurez del estilo. La ciudad de St. Cloud, Florida, abrazado el estilo, tanto para los hogares y las estructuras comerciales y tiene una excelente colección de edificios de estuco sutiles reminiscencias del México colonial.

Muchos de ellos fueron diseñados por los socios arquitectónicos Ida Annah Ryan e Isabel Roberts.

Misión Revival

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El estilo combina algunos elementos con el estilo del misión revival derivado de la arquitectura de las misiones de California, y el estilo Pueblo Revival de los pueblos tradicionales en Nuevo México. Ambos precedentes fueron popularizados en el Oeste de los Estados Unidos por el Fred Harvey y su Atchison, Topeka y Santa Fe Railway almacenes y hoteles. El estilo español colonial del renacimiento también se ve influido por el estilo americano movimiento de Artes y Oficios Se caracteriza por una combinación de detalles de varias épocas del barroco español, colonial español, morisco Revival y la arquitectura mexicana churrigueresco, el estilo está marcado por el uso prodigioso de escayola lisa (estuco) de pared y acabados de chimenea, techos bajos de teja de barro, vertiente, o techos planos, y terracota o adornos de hormigón. Otras características incluyen típicamente pequeños porches o balcones, galerías romanas o semi-circulares y fenestración, abatible de madera y ventanas de altura, de guillotina, toldos de lona, ​y adornos decorativos de hierro.

Los elementos de diseño

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George Washington Smith Bertram Grosvenor Goodhue John Winford Byers Elmer Grey Reginald Davis Johnson William Templeton Johnson Julia Morgan Wallace Neff Richard Smith Requa

1876–1930 1869–1924 1875-1966 1872-1963 1882-1952 1877-1957 1872-1957 1895-1982 1881-1941

Arquitectos representativos del movimiento

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Es un estilo de artes visuales de diseño influyente que apareció por primera vez en Francia después de la Primera Guerra Mundial y comenzó a florecer internacionalmente en los años 1920, 1930 y 1940 antes de su popularidad se desvaneció después de la Segunda Guerra Mundial. Es un estilo ecléctico que combina motivos artesanales tradicionales con Máquina imágenes y materiales Edad. El estilo se caracteriza a menudo por los colores vivos, formas geométricas audaces y ornamentación lujosa.

Deco salió del período de entreguerras, cuando la rápida industrialización estaba transformando la cultura. Uno de sus principales atributos es un abrazo de la tecnología. Esto distingue Deco de los motivos orgánicos favorecidos por su predecesor Art Nouveau.

Un estilo moderno asertivamente que se fue a la simetría en lugar de asimetría, y a la rectilínea en lugar de la curvilínea, sino que respondió a las demandas de la máquina y de nuevo material y los requisitos de la producción en masa".

Durante su apogeo, Art Deco representa el lujo, el glamour, la exuberancia y la fe en el progreso social y tecnológico.

ART DECO

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El primer uso del término Art Deco se atribuye al arquitecto Le Corbusier, quien escribió una serie de artículos en su diario L'Esprit nouveau bajo el título "1925 Expo: Art Déco". Se refería a la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Exposición Internacional de Arte Moderno Artes Decorativas e Industriales) en 1925.

El término entró en uso más general en 1966, cuando una exposición francesa que celebra el evento 1925 se celebró bajo el título Les Années 25: Art Déco / Bauhaus / Estilo / Esprit Nouveau Aquí el término se utiliza para distinguir los nuevos estilos de artesanías decorativas francesas que habían surgido desde la Belle Epoque. El término Art Deco ya se ha aplicado a una amplia variedad de obras producidas durante el período de entreguerras, e incluso a los de la Bauhaus en Alemania. Sin embargo, Art Deco se originó en Francia. .

Art Deco ganó adeptos como una etiqueta estilística aplicada ampliamente en 1968, cuando el historiador Bevis Hillier publicó el primer libro sobre el tema: Art Deco de los años '20 y '30 Hillier señaló que el término ya era usado por comerciantes de arte y cita The Times (2 de noviembre 1966) y un ensayo llamado "Les Arts Déco" en la revista Elle (noviembre de 1967) como ejemplos de uso previo. En 1971, Hillier organizó una exposición en el Instituto de Arte de Minneapolis, que detalla en su libro sobre el tema, El mundo de Arte Deco.

Etimología

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Algunos historiadores remontan las raíces de Deco de la Exposición Universal de 1900. Después de este espectáculo un grupo de artistas establecieron un colectivo informal conocida como La Société des artistes décorateurs (Sociedad de Artistas Decoradores) para promover la artesanía franceses. Entre ellos se encontraban Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Pablo Bellot, Maurice Dufrêne y Emile Decoeur. Estos artistas se dice que han influido en los principios del art déco.

La época del Art Deco es a menudo anecdótica databa de 1925, cuando se organizó la et Exposition Internationale des Arts Décoratifs Industriales Modernas de mostrar nuevas ideas en las artes aplicadas, aunque el estilo había estado en toda su fuerza en Francia durante varios años antes de esa fecha. Deco fue fuertemente influenciado por el arte pre-moderno de todo el mundo y observable en el Musée du Louvre, Museo del Hombre y del Museo nacional de las Artes de África y Oceanía.

Durante la década de 1920, los viajes mas accesibles permitieron en la exposición in situ a otras culturas. También hubo un aumento en el interés popular en la arqueología, Los artistas y diseñadores motivos integrados desde el antiguo Egipto, Mesopotamia, Grecia, Roma, Asia, Oceanía y Mesoamérica con elementos Máquina edad.

Orígenes

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Deco también fue influenciado por el cubismo, el constructivismo, el funcionalismo, el modernismo, y el futurismo.

En 1905, antes de la aparición del cubismo, Eugène Grasset escribió y publicó Méthode de Composición ornementale, elementos Rectilignes, en el que exploró sistemáticamente los aspectos decorativos (ornamentales) de elementos geométricos, formas, motivos y sus variaciones, en contraste con (y como una salida de) la ondulante estilo Art Nouveau de Hector Guimard, tan populares en París unos años antes. Grasset subraya el principio de que diversas formas geométricas simples como triángulos y cuadrados son la base de todos los acuerdos de composición.

Entre 1910 y 1913, París vio la construcción del Teatro de los Campos Elíseos, otro signo del cambio estético radical experimentado por el ambiente parisino de la época. La composición rigurosa de su fachada, obra de Auguste Perret, es un importante ejemplo de principios del art déco. El edificio incluye relieves exteriores de Antoine Bourdelle, una cúpula de Maurice Denis, pinturas de Édouard Vuillard y Jacqueline Marval y un diseño de telón de Ker-Xavier Roussel.

Los artistas de la Section d'Or expuesto (en 1912) trabaja mucho más accesible para el público en general que el cubismo analítico de Picasso y Braque. El vocabulario cubista estaba a punto de atraer a la moda, muebles y diseñadores de interiores.

Orígenes

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Estos cambios revolucionarios que ocurren al comienzo del siglo 20 se resumen en los 1.912 escritos de André Vera. Estilo Le Nouveau, publicado en la revista L'Art décoratif, expresó el rechazo de las formas del Art Nouveau (asimétrica, policromadas y pintorescas) y pidió simplicité volontaire, symétrie manifeste, l'ordre et l'Harmonie, temas que se convertiría en todas partes en el contexto de Art Deco.

Orden, el color y la geometría: la esencia de vocabulario Art Deco se manifestaron antes de 1914.

Varios años después de la Primera Guerra Mundial, en 1927, cubistas Joseph Csaky, Jacques Lipchitz, Louis Marcoussis, Henri Laurens, el escultor Gustave Miklos, y otros colaboraron en la decoración de una casa de estudio, rue Saint-James, de Neuilly-sur-Seine, diseñado por el arquitecto Paul Ruaud y propiedad del diseñador de moda francés Jacques Doucet, también coleccionista de pinturas post-impresionistas y cubistas (incluyendo Les Demoiselles d'Avignon, que compró directamente desde el estudio de Picasso). Laurens diseñó la fuente, Csaky diseñado escalera de Doucet, Lipchitz hizo la repisa de la chimenea, y Marcoussis hizo una alfombra cubista

Orígenes

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Atributos

Deco destaca formas geométricas: Esferas, polígonos, rectángulos, trapecios, zigzag, galones, y motivos del resplandor solar.

Los elementos están a menudo dispuestos en patrones simétricos. Se utilizan con frecuencia materiales modernos como el aluminio, el acero inoxidable, la baquelita, cromo y plásticos. Vidrieras, incrustaciones, y laca también son comunes. Colores tienden a ser viva y alto contraste.

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Art Decó fue un estilo mundialmente popular y afectó a muchas áreas del diseño. Fue utilizado ampliamente en productos de consumo, tales como automóviles, muebles, utensilios de cocina, de porcelana, textiles, joyas, relojes y artículos electrónicos, como radios, teléfonos y máquinas de discos. También influyó en la arquitectura, diseño interior, diseño industrial, moda, artes gráficas, y el cine.

Durante la década de 1930, el Art Deco fue utilizado ampliamente para proyectos de obras públicas, estaciones de ferrocarril, transatlánticos (incluyendo la Isla de Francia, la reina María, y Normandie), palacios de cine y parques de atracciones.

Las austeridades impuestas por la Segunda Guerra Mundial causó que comenzara a declinar en popularidad: fue percibido por algunos como llamativo e inapropiadamente lujoso. Un resurgimiento del interés comenzó durante la década de 1960.

Influencia

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Albert Frederik Aalbers William Adams Delano Raymond Mathewson Hood Albert Kahn Viktor Sulčič Frank Lloyd Wright, Jr. John Wellborn Root, Jr. Howard Morley Robertson Harry Daniel Payne

1897–1961 1874-1960 1881-1934 1869-1942 1895-1973 1890-1978 1887–1963 1888-1963 1891–1987

Arquitectos representativos del movimiento

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En la arquitectura, el racionalismo es una corriente arquitectónica que se desarrolló mayoritariamente en Italia en las décadas de 1920 y 1930. Vitruvio ya había establecido en su obra De Architectura de que la arquitectura es una ciencia que puede ser comprendida racionalmente. Esta formulación fue retomada y desarrollada aún más en los tratados de arquitectura del Renacimiento. La teoría del arte progresiva del siglo XVIII se opuso a la utilización del ilusionismo barroco con la belleza clásica de la verdad y la razón.

El Racionalismo del siglo XX deriva menos de un trabajo teórico especial unificado que de una creencia común de que los más variados problemas que plantea el mundo real se podrían resolver por la razón. A este respecto, representa una reacción al historicismo y un contraste con el Art Nouveau y el expresionismo.

RACIONALISMO

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El nombre de racionalismo se aplica retroactivamente a un movimiento en la arquitectura que se produjo durante la Ilustración (más específicamente, el neoclasicismo), con el argumento de base intelectual de que la arquitectura es principalmente en la ciencia en lugar de reverencia para la emulación y de las tradiciones y las creencias arcaicas. Arquitectos racionales, siguiendo la filosofía de René Descartes destacaron las formas geométricas y proporciones ideales.

El estilo francés Luis XVI (más conocido como Neoclasicismo) surgió en la segunda mitad del siglo 18, con sus raíces en el interés menguante de la época barroca. Las nociones de arquitectura de la época gravitaron más y más a la creencia de que la razón y las formas naturales están vinculados estrechamente, y que la racionalidad de la ciencia debe servir como base para donde deben colocarse los elementos estructurales. Hacia el final del siglo 18, Jean-Nicolas-Louis Durand, profesor de la influyente Escuela Politécnica de París en el momento, argumentó que la arquitectura en su totalidad se basa en la ciencia.

La arquitectura de Claude Nicolás Ledoux (1736-1806) y Étienne-Louis Boullée (1728-99) tipificar racionalismo de la Ilustración, con su uso de formas geométricas puras, incluyendo esferas, cuadrados y cilindros.

Racionalismo de la Ilustración

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Racionalismo estructural

El término racionalismo estructural más a menudo se refiere a un movimiento francés del siglo XIX, por lo general asociados con los teóricos de Eugène Viollet-le-Duc y Auguste Choisy. La esencia del racionalismo estructural era la creencia de que la forma arquitectónica debe ser determinado por un estudio racional de los principios estructurales.

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Arquitectos como Henri Labrouste y Auguste Perret incorporan las virtudes del racionalismo estructural en todo el siglo XIX en sus edificios. A principios del siglo XX, arquitectos como Hendrik Petrus Berlage estaban explorando la idea de que la estructura en sí podría crear un espacio sin necesidad de decoración. Esto dio lugar al modernismo, que estudio más a fondo este concepto. Más específicamente, el grupo modernista ruso ASNOVA, que eran conocidos como 'los racionalistas.

Arquitectura Racional prosperó en Italia desde 1920 hasta la década de 1940. En 1926, un grupo de jóvenes arquitectos Sebastiano Larco, Guido Frette, Carlo Enrico Rava, Adalberto Libera, Luigi Figini, Gino Pollini, y Giuseppe Terragni (19041943) fundaron el llamado Gruppo 7. Su intención declarada era de encontrar un término medio entre el clasicismo del movimiento Novecento Italiano y de la arquitectura industrial de inspiración del Futurismo. Su "nota", declaró.: El sello distintivo de la anterior vanguardia fue un impulso artificial y una furia destructiva vana, mezclando elementos buenos y malos: el sello de la juventud de hoy está el deseo de lucidez y sabiduría ... Esto debe quedar claro ... no tenemos la intención romper con la tradición ... La nueva arquitectura, la verdadera arquitectura, debe ser el resultado de una estrecha asociación entre la lógica y la racionalidad.

Racionalismo de principios del siglo XX

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Gruppo 7 monto tres exposiciones entre 1926 y 1931, y el movimiento se constituyó como un organismo oficial, el Movimiento Italiano per l'Architettura Razionale (MIAR), en 1930. obras ejemplares incluyen la Casa del Fascio de Giuseppe Terragni (1932-1936), y la habitación Medaglia d'Oro en Milán (1934) de Giuseppe Pagano y Marcello Nizzoli Pagano se convirtió en redactor de Casabella en 1933 junto con Edoardo Persico. Pagano y Persico ofrecieron el trabajo de los racionalistas en la revista y sus editoriales instaron al Estado italiano a adoptar el racionalismo como su estilo oficial. Los racionalistas disfrutaron algunas comisiones oficiales del gobierno fascista de Benito Mussolini, pero el Estado tendían a favorecer el trabajo más inspirado clásico de la Unión Nacional de Arquitectos. Arquitectos asociados con el movimiento colaboraron en grandes proyectos oficiales del régimen de Mussolini, incluyendo la Universidad de Roma (comenzado en 1932) y la Esposizione Universale Roma (EUR) en la parte sur de Roma (comenzado en 1936).

Racionalismo de principios del siglo XX

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A finales de 1960, un nuevo movimiento racionalista surgió en arquitectura, reclamando inspiración tanto de la Ilustración y racionalistas principios del siglo XX. Al igual que los racionalistas anteriores, el movimiento, conocido como el Tendenza, se centró en Italia. Los profesionales incluyen Carlo Aymonino (1926-2010), Aldo Rossi (1931-1997), y Giorgio Grassi. La revista de diseño italiana Casabella contó con la obra de estos arquitectos y teóricos. El trabajo del historiador de la arquitectura Manfredo Tafuri influyó en el movimiento y la IUAV Universidad de Venecia surgió como un centro de la Tendenza después Tafuri se convirtió en presidente de la escuela de Arquitectura en 1968. Una exposición Tendenza se organizó para el 1973 Trienal de Milán.

El Libro L'architettura della città de Rossi, publicado en 1966 y traducido al Inglés como la arquitectura de la ciudad en 1982, exploró varias de las ideas que informan neo-racionalismo. Al tratar de desarrollar una comprensión de la ciudad más allá del simple funcionalismo, Rossi revive la idea de la tipología, a raíz de Quatremère de Quincy, como un método para la comprensión de los edificios, así como la ciudad más grande. Él también escribe sobre la importancia de los monumentos como expresiones de la memoria colectiva de la ciudad, y la idea de lugar como una expresión de tanto la realidad física y la historia.

Neo-racionalismo

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Arquitectos como Leon Krier, Maurice Culot y Demetri Porphyrios tomaron las ideas de Rossi a su conclusión lógica con un renacimiento de la arquitectura clásica y tradicional Urbanismo. La crítica de Krier del Modernismo, a menudo en forma de dibujos animados, y los argumentos filosóficos bien elaboradas de Porphyrios, como "clasicismo no es un estilo", llevoa un pequeño pero talentoso grupo de arquitectos hasta el punto de vista clásico. Organizaciones como el Grupo de Arquitectura tradicional en el RIBA, y el Instituto de Arquitectura Clásica dan fe de su creciente número, pero ocultan los orígenes racionalistas.

En Alemania, Oswald Mathias Ungers se convirtió en el médico que lleva del racionalismo alemán desde mediados de la década de 1960. Ungers influenciado a una generación más joven de arquitectos alemanes, entre ellos Hans Kollhoff, Max Dudler, y Christoph Mäckler.

Neo-racionalismo

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Henri Labrouste Auguste Perret Hendrik Petrus Berlage Sebastiano Larco Guido Frette Carlo Enrico Rava Adalberto Libera Luigi Figini Gino Pollini Giuseppe Terragni Giuseppe Pagano

Arquitectos representativos del movimiento

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LA ARQUITECTURA ORGÁNICA

La arquitectura orgánica es una filosofía de la arquitectura que promueve la armonía entre los asentamientos humanos y el mundo natural a través de enfoques de diseño tan simpático y bien integrados con su sitio, que los edificios, el mobiliario y el entorno se convierten en parte de una composición unificada interrelacionados.

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El término arquitectura orgánica fue acuñado por Frank Lloyd Wright (1867-1959), aunque nunca bien articulada por su estilo críptico de la escritura: "Así que aquí me presento ante ustedes predicando la arquitectura orgánica: declarar la arquitectura orgánica que es el ideal moderno y la enseñanza tan necesaria si vamos a ver la totalidad de la vida, y para servir ahora la totalidad de la vida, la celebración de que no hay tradiciones esenciales para la gran tradición. Tampoco acariciar cualquier forma de fijación preconcebida sobre nosotros, ya sea pasado, presente o futuro, sino que exaltar las simples leyes del sentido común o de super-sentido si lo prefiere determinar la forma por medio de la naturaleza de los materiales ... "

Historia

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La arquitectura orgánica también se traduce en la naturaleza de todo, incluido el proceso de diseño, según Wright.

Materiales, motivos y principios básicos de pedidos tienden a repetirse en todo el edificio como un todo. La idea de la arquitectura orgánica no sólo se refiere a los edificios relación literalmente con el entorno natural, sino cómo en el diseño se piensa cuidadosamente acerca de como si fuera un organismo unificado. Geometrías en todo edificios de Wright construyen un estado de ánimo central y temático. Esencialmente arquitectura orgánica es también el diseño de todos los elementos de un edificio: Desde las ventanas, a las plantas, a las sillas individuales destinados para rellenar el espacio. Todo se refiere a uno del otro, lo que refleja los sistemas de pedidos simbióticas de la naturaleza.

Otros arquitectos modernistas en los EE.UU., Europa y otros lugares llevan a cabo visitas complementarias ya menudo contrapuestos de cómo la arquitectura puede mejor emular la naturaleza. Arquitectos clave en los EE.UU. incluyen Louis Sullivan, Claude Bragdon, y Paul Laffoley mientras que entre los modernistas europeos Hugo Häring y Hans Scharoun destacan. Después de la Segunda Guerra Mundial, la arquitectura orgánica menudo refleja modelos cibernéticos e informáticos de la vida, tal como se refleja en la obra posterior del arquitecto futurista Buckminster Fuller.

Historia

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El arquitecto y urbanista David Pearson propuso una lista de reglas para el diseño de la arquitectura orgánica. Estas reglas se conocen como la Carta de Gaia para la arquitectura orgánica y diseño.

Dice así: : • El diseño debe ser inspirados por la naturaleza y ser sostenible, sano, conservador y diverso.

• Debe desarrollarse, como un organismo, desde dentro de la semilla.

• Existira en el "presente continuo" y "comenzar de nuevo y otra vez".

• Seguira los flujos y sera flexible y adaptable.

• Debe satisfacer las necesidades sociales, físicas y espirituales.

• Debe "crecer fuera del sitio" y ser único.

• Celebrara el espíritu de la juventud, el juego y la sorpresa.

• Expresara el ritmo de la música y el poder de la danza ".

la Carta de Gaia

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El arquitecto y urbanista David Pearson propuso una lista de reglas para el diseño de la arquitectura orgánica. Estas reglas se conocen como la Carta de Gaia para la arquitectura orgánica y diseño.

Dice así: : • El diseño debe ser inspirados por la naturaleza y ser sostenible, sano, conservador y diverso.

• Debe desarrollarse, como un organismo, desde dentro de la semilla.

• Existira en el "presente continuo" y "comenzar de nuevo y otra vez".

• Seguira los flujos y sera flexible y adaptable.

• Debe satisfacer las necesidades sociales, físicas y espirituales.

• Debe "crecer fuera del sitio" y ser único.

• Celebrara el espíritu de la juventud, el juego y la sorpresa.

• Expresara el ritmo de la música y el poder de la danza ".

Arquitectos representativos del movimiento

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MINIMALISMO

Es una tendencia en el diseño y arquitectura, en el que el sujeto se reduce a sus elementos necesarios. El diseño minimalista ha sido muy influenciado por el diseño tradicional japonés y su arquitectura. Las obras de los artistas de De Stijl son una referencia importante: De Stijl amplió las ideas de expresión mediante meticulosamente organizar elementos básicos tales como líneas y planos.

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El arquitecto Ludwig Mies van der Rohe adoptó el lema "Menos es más" para describir su táctica estética de la organización de los componentes necesarios de un edificio para crear una impresión de extrema sencillez, se alistó cada elemento y detalle para servir a múltiples propósitos visuales y funcionales; por ejemplo, el diseño de una planta para servir también como el radiador, o una enorme chimenea para albergar también el cuarto de baño. Diseñador Buckminster Fuller adoptó el objetivo del ingeniero de "Hacer más con menos", pero sus preocupaciones estaban orientados hacia la tecnología y la ingeniería en lugar de la estética. Un sentimiento similar fue transmitido por el lema del diseñador industrial Dieter Rams, "Menos, pero mejor", una adaptación de Mies.

Luis Barragán es otro moderno ejemplar del diseño minimalista. Diseñadores de arquitectura minimalista se centran en la conexión entre dos planos perfectos, iluminación elegante, y los espacios vacíos dejados por la eliminación de formas tridimensionales en un diseño arquitectónico. Más atractivos diseños de casas minimalistas no son verdaderamente minimalista porque éstos utilizan los materiales de construcción más costosos y acabados, y son más grandes.

Historia

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Historia

La arquitectura minimalista se hizo popular en la década de 1980 en Londres y Nueva York, donde los arquitectos y diseñadores de moda trabajaron juntos en las boutiques para lograr sencillez, utilizando elementos blancos, iluminación fría, amplio espacio con objetos mínimos y muebles. La arquitectura minimalista simplifica el espacio de vida para revelar la cualidad esencial de edificios y transmite simplicidad en las actitudes hacia la vida. Es muy inspirado en el diseño tradicional japonés y el concepto de la filosofía Zen. 123

El concepto de la arquitectura minimalista es despojar a todo, hasta su cualidad esencial y lograr la simplicidad. La idea no es quedar completamente sin ornamentación, sino que todas las partes, los detalles y la carpintería son considerados como reducida a una etapa donde nadie puede quitar nada más para mejorar el diseño.

Las consideraciones para "esencias" son la luz, la forma, el detalle de material, espacio, lugar y condición humana.

Arquitectos minimalistas no sólo consideran las cualidades físicas del edificio. Por otra parte, se ven profundamente en la dimensión espiritual y lo invisible, al escuchar a la figura y prestando atención a los detalles, la gente, el espacio, la naturaleza, los materiales, la luz natural, cielo, tierra y aire. Además, abren el diálogo con el entorno para decidir los materiales más esenciales para la construcción y crear relaciones entre los edificios y sitios.

Conceptos y elementos de diseño

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La idea de simplicidad aparece en muchas culturas, especialmente la cultura tradicional japonesa de Filosofía Zen. Esta idea de la arquitectura ha influido en la sociedad occidental, sobre todo en Estados Unidos desde mediados del siglo XVIII, principalmente la arquitectura minimalista en el siglo XIX.

Conceptos de simplicidad zen transmiten las ideas de la libertad y la esencia de la vida. La simplicidad no es sólo un valor estético, tiene una percepción moral que se ve en la naturaleza de la verdad y revela las cualidades internas de los materiales y objetos. Por ejemplo, el jardín de arena en el templo Ryoanji demuestra los conceptos de simplicidad y la esencialidad de la configuración considerada de algunas piedras y un enorme espacio vacío.

El principio estética japonesa de Ma se refiere a un espacio vacío o abierto. Esto elimina todas las paredes internas innecesarias y abre el espacio entre el interior y el exterior. Frank Lloyd Wright fue influenciado por el elemento de diseño de la puerta japonésa que permite llevar el exterior al interior. El vacío de disposición espacial es otra idea que reduce todo a la cualidad más esencial.

Las influencias de la tradición japonesa

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La estética japonesa de Wabi-sabi valora la calidad de los objetos simples y llanos. Se aprecia la ausencia de características innecesarias para ver la vida en quietud y revela el personaje más innata de los materiales. Por ejemplo, el arte de la flora japonesa , también conocido como Ikebana tiene el significado de flor expresandose. Las personas cortaron las ramas, hojas y flores de las plantas y sólo conservan la parte esencial de la planta. Esto transmite la idea de la cualidad esencial y el carácter innato en la naturaleza. se manifiesta en la arquitectura viva, diseño de jardines y arreglo floral japonés (ikebana). Sin embargo, lejos de ser sólo un concepto espacial, el minimalismo es siempre presente en todos los aspectos de la vida cotidiana japonesa, que se aplica a tiempo, así como a las tareas diarias.

Las influencias de la tradición japonesa

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Tadao Ando Alberto Campo Baeza Luis Barragán John Pawson Antoine Predock Claudio Silvestrin Álvaro Siza Vieira Vincent Van Duysen Peter Zumthor Kazuyo Sejima Tadao Ando Ryue Nishizawa

1941 1946 1902–1988 1949 1936 1954 1933 1962 1943 1956 1941 1966

Arquitectos representativos del movimiento

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