Animacion13(3)

Imagen y animación digital

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Alberto “MONO” Villa

Introducción El presente trabajo, no tiene la función de crear a un animador, sino de informar sobre algunos de los autores animadores, que atreves de la historia han logrado grandes avances para la animación, así como también mostramos un poco de su historia personal, la cual puede verse notablemente en algunos de sus trabajos.

Es decir, este trabajo pretende acercar al futuro animador, a conocer más sobre lo que significado de esta actividad que ha elegido además de ayudarlo a conocer autores que podrían ayudarlo a encontrar su camino.

Así pues también mostramos un poco sobre que es la animación, algunas técnicas antiguas y sobre las tendencias en México, para poder darnos una idea más clara de en donde estamos parados.

Animaci贸n

ANIMACION La animación es un proceso utilizado por uno o más animadores para dar la sensación de movimiento a imágenes o dibujos o a otro tipo de objetos inanimados (figuras de plastilina, por ejemplo). Se considera normalmente una ilusión óptica. Existen numerosas técnicas para realizar animación que van más allá de los familiares dibujos animados. Los cuadros se pueden generar dibujando, pintando o fotografiando los minúsculos cambios hechos repetidamente a un modelo de la realidad o a un modelo tridimensional virtual; también es posible animar objetos de la realidad y actores.

Tipos de Animación Existen numerosas formas de animación, que dependen de la creatividad de los animadores y de la técnica o de los objetos que se utilicen.

Dibujo animado Los dibujos animados se crean dibujando cada fotograma. Al principio se pintaba cada fotograma y luego era filmado, proceso que se aceleró al aparecer la animación por celdas o papel de acetato inventada por Bray y Hurd en la década de 1910. Usaron láminas transparentes sobre las que animaron a sus personajes sobre el fondo. Más tarde, al técnica se agilizó mediante los dibujos realizados en computador, pues existen programas que asisten a la creación de los cuadros intermedios.

Animación por Recortes Más conocido en inglés como cutout animation, es la técnica en que se usan figuras recortadas, ya sea de papel o incluso fotografías. Los cuerpos de los personajes se construyen con los recortes de sus partes. Moviendo y reemplazando las partes se obtienen diversas poses, y así se da vida al personaje.

Puppertoons El termino Puppertoons fue acuñado por Geor Pal y su socio Dave Bader, se compone de los términos puppet – marioneta- y cartoons –dibujos animados-. Ya que se trataba de animar las marionetas siguiendo la técnica clásica de animación de los dibujos, o sea, una figura del personaje diferente para cada fotograma.

Stop motion Animación de objetos, muñecos, marionetas, figuras de plastilina u otros materiales así como maquetas de modelos a escala. Se utiliza la grabación "fotograma a fotograma" o "cuadro a cuadro" (frame a frame).

El stop-motion es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos capturando fotografías. En general se denomina animaciones de stop-motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad.

Animación flash Flash es un programa de edición multimedia con varias finalidades crear animaciones, contenido multimedia, juegos, etc. Con él se pueden realizar animaciones y de hecho muchas productoras están en la actualidad realizando trabajos de animación en 2-D con este sistema para páginas web y sitios web multimedia.

ALGUNOS AUTORES

Eadweard Muybridge

El ojo humano no logra verlo, pero durante un instante un caballo a galope no apoya ningún casco en el suelo. La polémica que enfrentaba a los aficionados a los caballos de California en 1872 obtuvo respuesta gracias al experimento desarrollado por el fotógrafo e investigador británico Eadweard Muybridge.

Leland Stanford, ex gobernador de California y presidente de la Central Pacific Railway, encargó a Muybridge que fotografiara a su caballo de carreras Occident en movimiento para contemplar las diferentes fases del galope. Así demostraría su teoría de que durante unos segundos un caballo «volaba».

Émile Reynaud

Émile Reynaud se inicia en el conocimiento de la mecánica de precisión en el taller de su padre, que era relojero, y aprende a dibujar y a pintar con su madre, que era acuarelista.

Estudió ingeniería y fue profesor de Mecánica y Física en Le Puy-enVelay.

Desde 1832 se venían creando toda una serie de juguetes ópticos destinados a ofrecer la ilusión del movimiento mediante secuencias de imágenes que pasaban ante tipos distintos de obturador. Reynaud se aplicó a conseguir un medio que evitara la obstrucción del noventa por cien de la luz que produce la obturación. Lo consiguió sustituyéndolo por un tambor poligonal giratorio de espejos pintados con imágenes que, iluminadas en todo momento, eran vistas a través de una ventanita. En diciembre de 1877 patentó este sistema con el nombre depraxinoscopio. El ingenio tuvo un gran éxito comercial como juguete y obtuvo una mención especial en la Exposición Universal de París de1878.

Georges Méliès

Director y productor de cine francés. En 1895, fecha en que era director del Teatro Robert-Houdin e ilusionista profesional, asistió al estreno de las primeras películas de los hermanos Lumière inventores del cinematógrafo.

Convencido de las posibilidades de futuro del invento, adquirió una cámara cinematográfica, construyó unos estudios en los alrededores de París y se volcó en la producción y dirección de películas. Entre 1899 y 1912 realizó cerca de cuatrocientos filmes, en su mayoría comedias de tono burlesco y desenfadado, entre las que destacan Cleopatra(1899), Cristo andando sobre las aguas (1899), El hombre de la cabeza de goma (1901), la célebre Viaje a la Luna (1902), El viaje a través de lo imposible (1904) y Hamlet (1908).

Émile Cohl

Hoy es un personaje casi olvidado. Si acaso, encuentra acomodo en la esquina de alguna enciclopedia o disfrute en las páginas de un libro escrito por alguno de sus admiradores y, sin embargo, durante una corta pero intensa época, fue considerado todo un genio. Émile Cohl falleció a principios de 1938 en un hospital de París prácticamente arruinado y olvidado, un triste final para quien es considerado como el padre de los dibujos animados. Cohl, seudónimo artístico que tomó Eugène Jean Louis Courtet, nacido en 1857, cuando decidió dedicarse al dibujo y la caricatura tras pasar a ser aprendiz del gran dibujante André Gill, abandonando de paso el taller de joyería en el que trabajaba, siempre estaba experimentando con nuevas técnicas.

No tardó mucho en sentir fascinanción por el incipiente mundo del cine y, cómo no, se preguntó qué sucedería si se unía fotografía en movimiento con caricaturas. A lo largo de su carrera estrenó muchas películas de dibujos animados, con gran éxito, pero sin duda una de ellas es recordada especialmente. Fantasmagorie, la primera película de dibujos animados de la historia, estrenada el 17 de agosto de 1908 en París, fue todo un acontecimiento. No llega a los dos minutos de duración y, sin embargo, quienes asistieron por primera vez a su proyección, quedaron impresionados al ver los dibujos de Cohl moverse libremente en el espacio.

Stuart Blackton

James Stuart Blackton el artista de vodevil unido a la invención de Edison dan inicio a la historia de la animación en los EEUU. La animación como animación ya había sido experimentada antes, en américa Blackton se une a Albert E. Smith junto a él aprovechan el mecanismo de paro de la cámara para realizar apariciones y desapariciones (un primigenio efecto especial)crearon imagénes fantasmales y disolvencias, en 1900 Blackton ya habia aparecido realizando su acto de dibujar rostros rapidamente donde el dibujo cambiaba de expresion en un corto llamado "el dibujo encantado" (que aparece al final de este post) pero en termninos mas formales se puede hablar que Humorous Phases of Funny Faces se trata de la primera película animada en américa.

La animación americana debe sus principios a J. Stuart Blackton, un cineasta ingles que creó la primera película animada en América. Antes crear dibujos animados, Blackton era un artista de vodevil conocido como "El Komikal Kartoonist." En su acto, él dibujaba caricaturas rapidamente. En 1895, él encontró Thomas Edison.

Richard Williams

Richard Williams nació en Toronto el 19 de marzo 1933, pero ha pasado la mayor parte de su vida profesional en el Reino Unido. Aunque más conocido por su trabajo en ¿Quién engañó a Roger Rabbit (EE.UU., d. Robert Zemeckis, 1988), Williams tiene una cartera considerable de trabajo, y su publicación, kit de supervivencia del animador , es una lectura esencial para cualquiera que esté seriamente interesado en la animación.

Su primera película, La pequeña isla (1958), un tratado filosófico sobre los juegos de la "belleza", "verdad" y "bondad" poniendo en manifestó su interés en el lado compulsivo del espíritu humano.

El éxito de la película le permitió establecer su propio estudio, que atrajo a muchos animadores dispuestos a abrazar el enfoque perfeccionista de Williams .

En la década de 1960 Williams continuó equilibrando su trabajo participando en una serie de anuncios de Truman Bitter - con películas y personales como Ámame, ámame (1962) y una conferencia sobre el hombre (1962), pero que efectivamente combina los dos en los extraordinarios títulos animados y secuencias de correspondencia para Tony Richardson y La carga de la Brigada Ligera (1968).

Gano un Emmy por Mejor Programa Animado con el regalo de Ziggy, hecha para la televisión estadounidense en 1981, y, junto con el trabajo que había hecho por The Thief, llevó a Steven Spielberg y Robert Zemeckis dejar a su cargargo el trabajo en la adaptación de Gary K. Wolf el clásico underground Who Censored Roger Rabbit? Williams resolvió las cuestiones en torno a la relación entre la acción real y la animación, ganó un Oscar, y amplió aún más su reputación como un artista consumado, pero los costos y las demoras en el proyecto hicieron que no ganara el apoyo que necesitaba para El ladrón de Bagdad . Warner Bros. Lo retiraron de un posible acuerdo a la luz del próximo lanzamiento Aladdin (1992), y cuando la película finalmente surgió como La Princesa de Bagdad (1994), fue realizado por el animador y productor de televisión, Fred Calvert , después de Williams perdió los derechos de la película. Miramax compró y publicó otra versión volver a cortar retocado y enormemente de la película, titulada Arabian Knight ( 1995). Williams y su obra maestra "sigue siendo invisibles’’, pero su presencia sigue siendo legendaria, ejerciendo influencia sobre generaciones de animadores que trabajaron en él.

Winsor Muccay

Mostró interés por el dibujo desde una edad muy temprana. Aunque su padre intentó dirigirle hacia los negocios, el joven Winsor no mostró ningún interés por ellos y empezó a trabajar haciendo caricaturas en un dime museum (mezcla de circo, feria y parque de atracciones) de Detroit.

Desde 1897 encontró un trabajo suplementario realizando ilustraciones para periódicos como Cincinnati Commercial Tribune, Cincinnati Time Star, Commercial Gazette y Cincinnati Enquirer, del que formó plantilla como reportero y dibujante. Entre 1899 y 1903 dibujó también para el semanario humorístico Life.

Una de sus más exitosas tiras cómicas fue Little Sammy Sneeze (1904 - 1906), historia en la que los estornudos del pequeño Sammy producen inimaginables catástrofes. La temática onírica aparece, al año siguiente, en uno de sus trabajos más recordados, Dreams of a Rarebit Fiend (1904 - 1911), tira que narra las desmadradas pesadillas de un impenitente aficionado a las fondues de queso.

Quirino Cristiani

En su adolescencia, Quirino mostraba pasión por el dibujo.

Sus padres querían que estudiara medicina, pero «Qüirino» ya en la escuela secundaria se escapaba para tomar lecciones de dibujo con maestros como Lorenzo Gigli, Alfredo Guido y Ángel Vena. Hizo un breve curso en la Academia de Bellas Artes y pronto encontró trabajo dibujando caricaturas para los diarios, que en esa época publicaban muchas historietas y sátiras políticas.

En 1916, a los 19 años de edad, fue contratado por el italiano Federico Valle. Ante la indicación por parte de Valle que no admitiría imágenes fijas en sus filmaciones, Cristiani debió idear una manera de darle movimiento a sus dibujos.

Desarrolló técnicas de la animación, que le permitieron realizar en 1917 el primer largometraje de dibujos animados de la historia, El apóstol.

OTTO MESSMER

PAT SULLIVAN

Peter Patrick (Pat) Sullivan (1885-1933), dibujante y productor de cine de animación, nació el 22 de febrero 1885 en el Ivy Street, Paddington, Pat joven fue educado por los Hermanos Maristas en la escuela de San Benito, Chippendale, y High School Catedral Boys de Santa María, Woolloomooloo. Su padre pensó que su interés temprano de niño en el dibujo era muy poco probable que él viviera de ello.

Sullivan contribuyó dibujos animados ocasionales e ilustraciones para el trabajador y el tábano (como 'P. O'Sullivan') antes de partir a Londres en 1909 para promover sus ambiciones. Trabajó durante un tiempo en la tira cómica 'Aliado Sloper ", pero, sin éxito, trabajo en music-hall ahí se redujo a ser un cuidador de animales en los buques transatlánticos.

Pionero en la animación, Otto Messmer, nació el 16 de agosto de 1892 en West Hoboken, New Jersey (ahora Unión City). Se convertiría en el más conocido por su trabajo en el Felix el gato de dibujos animados y cómic producido por el estudio de Pat Sullivan.

El primer amor de Messmer, era la caricatura. Inspirado por las películas de animación de Winsor McCay, tales como ¿Cómo Funciona un Mosquito?, que empezó a crear sus propios cómics para periódicos locales en 1912, ese mismo año conoció a Anne Mason, quien se convirtió en su esposa en 1934.

Messmer creó y desarrolló Félix el gato, el cual se convirtió en un personaje con licencia, comercializado en masa, y después de esos años de trabajo duro, parecía que el joven dibujante estaba ahora en su camino a la cima.

Sin embargo Sullivan tomó el crédito por Felix, ya que el personaje había sido diseñado para una empresa que estaba vinculada a su principal corporación.

Sullivan ampliamente afirmó que él y su esposa habían inventado un gato negro como un personaje de cine, que aparece en sus cortometrajes de animación La cola de Thomas Kat (1917) y Feline Follies (1919). Casi cincuenta años más tarde, Messmer dijo que había sido él quien había ideado el gato.

El papel de Messmer en la creación de Felix se convirtió en una cuestión de debate, ya que mientras Sullivan, en su lecho de muerte, había reconocido y la plena propiedad del carácter de Messmer, los familiares de Sullivan después lanzaron disputas y desmentidos, en un esfuerzo para iniciar los trámites legales para cortar Messmer de la situación financiera. Sin embargo, el cómic más destacados e historiadores de animación apoyan la afirmación de Messmer, al igual que incluso la mayoría de los veteranos del estudio de Sullivan en sí.

“BILL” NOLAN

William Charles Nolan o simplemente Bill Nolan (1894-1956) fue un pionero de la animación de La Edad silenciosa de animación y de La edad de oro de la animación.

Fue uno de los mejores animadores de la Era Silenciosa, capas de realizar a un récord de 500 dibujos al día, una hazaña sólo superado por el animador Ub Iwerks.

Bill era un pionero del estilo del arte rubberhose que definió la animación clásica en 1924. En ese tiempo trabajaba en Felix el Gato con Otto Messmer , que decidió rediseñar Felix en un diseño más suave, más curvas que antes, no sólo para hacer más fácil para que la animación se superponga y ser más suave, pero también hacer la animación una carga menor para los trabajadores. Por lo tanto, él es el padre de las extremidades Rubberhose .

Nolan también descubrió que si una pintura de fondo de largo se deslizó bajo un personaje correr en su lugar, le dio la ilusión de una cámara pan, por lo tanto él el inventor de la toma de fondo del cruzado .

Dibujos Bill Nolan

Chuck Jones

Charles M. "Chuck" Jones ™ * (1912-2002) es uno de los animadores más venerados, director y escritor de la historia de la animación. Durante su mandato, dirigió un impresionante 207 Looney Tunes y Merrie Melodies cortos (220 si contamos su Snafu privado de trabajo), cuatro Looney Tunes especiales de televisión, la película Runner conejito / Carretera errores, y siete modernos Looney Tunes cortos.

El trabajo de Chuck como director de animación de Warner Bros. En la década de 1950 tomó los elementos Tex distribuida y los extiende a sus extremos más lógicos (ilógico?). Por un lado, sus más prolíficos personajes originales, el Correcaminos y Wile E. Coyote, utilizan casi nada de diálogo, en lugar de confiar en las expresiones faciales expertos cronometrados y slapstick que incluso The Three Stooges podrían haber envidiado.

Después de la Warner Brothers, Jones todavía tenía un par de trucos bajo la manga. Se fue a MGM y se hizo cargo del Tom y Jerry por un tiempo, al mismo tiempo crea unos pantalones cortos memorables basado en los libros de niños. También se encontró haciendo equipo con Ted Geisel, más conocido como Dr.Seuss , y con la ayuda de la voz de Boris Karloff , realizaron Cómo el Grinch robó la Navidad, un libro de nueve minutos, en veinticuatro minutos más o menos de animación, que todavía se retransmite cada temporada de vacaciones en Tiempo en Warner. También es famoso por su versión muy animada de la estación de peaje Phantom.

Friz Freleng

Freleng nació en Kansas City, Missouri, donde comenzó su carrera en la animación en el United Film Servicio anuncio. Allí conoció a los animadores compañero Hugh Harman y Ub Iwerks. En 1923, Iwerks "amigo Walt Disney se trasladó a Hollywoody y llamo a sus colegas de Kansas City para unirse a él. Freleng, sin embargo, resistió hasta 1927, cuando finalmente se trasladó a California y se unió a los estudios Disney. Trabajó junto a otros antiguos animadores de Kansas City, incluyendo Iwerks, Harman, Carmen Maxwell , y Rudolph Ising. Mientras que en Disney, Freleng trabajó en la comedias de Alicia y Oswald el conejo afortunado dibujos animados para los productores Margaret Winkler y Charles Mintz.

Desarrollado varias de las más grandes estrellas del estudio, incluyendo Bugs Bunny, Porky Pig, Piolín, el gato Silvestre, Yosemite Sam (a quien se le dice que lleve más de un parecido) y Speedy Gonzales. Freleng dirigió más dibujos animados que cualquier otro director en el estudio (un total de 266), y también es el más honrado de los directores de Warner, después de haber ganado cuatro premios de la Academia.

Después de Warners cerrar el estudio de animación en 1963, Freleng y su socio David H. DePatie fundaron DePatie-Freleng Enterprises , que produjo los dibujos animados (en particular, el show de la Pantera Rosa ), cuentan con secuencias de títulos de películas y dibujos animados los sábados por la mañana a través de la década de 1980.

Oskar Fischinger

Explorador, buscador del arte absoluto, un arte en que música, color y movimiento, se suman proporcionando una experiencia estética sin precedentes, la aportación de Oskar Fischinger (19001967) no sólo a historia de las vanguardias artísticas y al ámbito de la animación con el que se lo asocia, sino también a las trayectorias de artistas procedentes de las más diversas disciplinas como el músico John Cage, o Jackson Pollock y el expresionismo abstracto, o verdaderos artistas del videoclip como Michael Gondry, no tiene parangón.

Podemos imaginar a Oskar Fischinger como una versión moderna del artista renacentista; pintor, compositor y cineasta, cuyas piezas han influido de forma decisiva en el actual video clip -creará los primeros vídeos musicales 50 años antes que irrumpa en escena la MTV- en el ámbito del videoarte, o en el de la publicidad.

Algunas de las influencias, a cargo de Walter Ruttman hizo posible la animacion “circles” el hecho por el artista, en que las formas y el movimiento se sincronizan con elVenusberg Ballet de la ópera Tanhauser de Wagner. En estas piezas no sólo se da una sincronía absoluta entre música y movimiento. Las distintas figuras geométricas, las distintas formas que adoptan las líneas parecen corresponder a las distintas texturas musicales, a los tonos, vibraciones y armonías de las canciones, acercándonos a la encarnación en el celuloide de música visual, mencionada unos párrafos más arriba.

Estas primeras piezas de Fischinger, animaciones bidimensionales caracterizadas por una gran sencillez formal y complejidad conceptual, guardan un alto paralelismo con el nacimiento del arte abstracto y la defensa de la autonomía del arte.

Robert Emerson "Bob" Clampett

Clampett mostró un interés por la animación y los títeres cuando era joven, mientras vivía en Los Ángeles.

Clampett diseñó los primeros muñecos de Mickey Mouse para Walt Disney. Como afirmaría Clampett en algunas entrevistas posteriores, Disney quedó impresionado con el talento del artista, y le ofreció un trabajo. Sin embargo, la falta de cupos en la pequeña empresa de Disney no permitieron esto. Aun así, consiguió trabajo en el estudio de Hug Harman y Rudolf Ising en 1931 donde trabajó en las series Looney Tunes y Merrie Melodies. En su primer año en el estudio, Clampett trabajó para Friz Freleng la mayoría de las veces, bajo sus enseñanzas Clampett aprendió lo necesario sobre animación.

En 1935, diseñó la principal estrella del estudio, Porky, quien apareció en el cortometraje de Freleng I Haven't Got a Hat.

James "Shamus" Culhane

Trabajó para numerosos estudios de animación, incluyendo Fleischer Studios, el de Ub Iwerks, Walt Disney Productions y Walter Lantz Studio. Mientras estaba en Disney, fue uno de los principales animadores de Blancanieves y los siete enanitos, trabajando en una de las escenas más famosas de la película: la animación de los enanos marchando al ritmo de la canción "Heigh-Ho".

Culhane completó la escena tras seis meses de trabajo junto a sus asistentes.

Tiempo después, Culhane trabajó como director para Lantz, donde hizo el clásico de 1994 del Pájaro Loco, The Barber of Seville. A finales de los años 40, fundó Shamus Culhane Productions, una de las primeras compañías que creaban comerciales animados para televisión.

Culhane escribió dos libros sobre animación: el texto de guía Animation from Script to Screen, y su autobiografía Talking Animals and Other People.

Ub Iwerks

Animador estadounidense, famoso por su trabajo con Walt Disney.

Conoció a Disney cuando ambos trabajaban para Pesman-Rubin Comercial Art Studio, de Kansas City, en 1919, y trabajó con él ininterrumpidamente hasta 1930. En 1920 fundaron una compañía llamada "Iwerks-Disney Commercial Artists", que no tuvo éxito.

Más tarde, ambos trabajaron para Kansas City Film Ad. Cuando en 1922 Disney fundó una nueva empresa, Laugh-O-Gram Films, Inc., dedicada ya enteramente a la animación, Iwerks le siguió. Igualmente fue tras él cuando Disney se trasladó a Hollywood y fundó el Disney Brother's Studio, en 1923.

El Iwerks Studio abrió sus puertas en 1930. El primer personaje creado por él fue la rana Flip ("Flip the Frog"), personaje muy semejante a Mickey Mouse (aunque, por supuesto, tratándose de una rana, carecía de orejas y hocico). Flip protagonizó 36 cortometrajes, pero no consiguió el éxito previsto por Iwerks y por su patrocinador. Uno de los cortometrajes, Fiddlesticks, utilizó por primera vez la técnica de Technicolor. En 1933, Iwerks dio a luz a un nuevo personaje, "Willie Whopper", un niño travieso cuya vida cinematográfica no pasó del año.

En 1940, sin embargo, volvió a trabajar para Disney. Se dedicó a investigar nuevas técnicas de animación (participó en los efectos especiales usados en Canción del sur) e incluso en la tecnología de los parques de atracciones de Disney, durante los años 60. Por sus inventos obtuvo dos premios Oscar, en 1959 y 1964.

William Hanna

Fue un dibujante, director, animador y productor de cine y televisión estadounidense.

En 1936, Hanna dirigió su primera serie de dibujos animados, To Spring, que formó parte de la colección Happy Harmonies de Harman-Ising

Una vez que abandonó la universidad, Hanna consiguió empleo como ingeniero de construcción y participó en la edificación del Pantages Theatre, en Hollywood. Sin embargo, tuvo que buscar otro empleo al ser despedido de este a causa del impacto de la crisis económica. Consiguió un trabajo temporal en un lavado de automóviles. En esa etapa, el novio de una de sus hermanas lo alentó a buscar una oportunidad laboral en la compañía Pacific Title and Art, que producía intertítulos para filmes. Mientras trabajaba ahí, comenzó a sobresalir por su talento para dibujar, y en 1930 se incorporó al estudio animado HarmanIsing, responsable de los dibujos animados Looney Tunes y Merrie Melodies.

El escritorio donde trabajaba Hanna estaba justo al lado del de Joseph Barbera, que previamente había trabajado en Terrytoons. Poco después, ambos coincidieron en que podían colaborar juntos en algunos proyectos.18 De esta forma, para 1939 ya habían establecido una sociedad sólida, que se prolongaría por más de seis décadas.1 29 Hanna y Barbera trabajaron en ese entonces junto con el director de animación Tex Avery, creador del Pato Lucas y de Bugs Bunny para Warner Bros., y director de Droopy en MGM.30 31 En 1940, Hanna y Barbera dirigieron el cortometraje animado Puss Gets the Boot, que se hizo acreedor a una nominación como «Mejor cortometraje animado».

“Tex” Avery

Frederick Bean Avery (conocido como Tex Avery o Fred Avery) (26 de febrero de 1908 - † 26 de agosto de 1980) fue animador, dibujante, y director estadounidense, famoso por producir dibujos animados durante la edad de oro de Hollywood. Hizo su trabajo más significativo para la Warner Bros. y los estudios de Metro Goldwyn Mayer, creando o desarrollando plenamente los personajes del Pato Lucas, Bugs Bunny, El Conejo de la Suerte, Droopy, Lobo McLobo, Screwball Squirrel, Porky y a Chilly Willy. Su influencia se extiende a casi todos los estudios desde los años 40 y 50 hasta la actualidad.

El estilo de Avery rompió al molde del realismo establecido por Walt Disney, y alentó a los animadores a llegar al límite del medio para hacer cosas en animación que no se podían hacer en las películas con actores. Avery solía decir: “en animación puedes hacer cualquier cosa,” y sus trabajos hicieron eso muy a menudo.

John Hubley

Faith Hubley nació en 1924 y creció en la cocina del infierno, un barrio peligroso y caer en la ciudad de Nueva York. Reacio a hablar de su infancia en las entrevistas, excepto para decir que sus padres "no hicieron ningún espacio para los niños", su íntima animada autorretrato "Mi Universo Inside Out" alude a maltrato infantil y quemar la casa de la familia de sus padres. Se fue de casa a los 15 años sin haber terminado la escuela secundaria y trabajó en el teatro.

Influencias tempranas Hubley fue a Hollywood a los 18 años y consiguió un trabajo como mensajero en Columbia Studios. Debido a la Segunda Guerra Mundial vació los estudios de los jóvenes, las mujeres tenían derecho a trabajar en la sala de mensajero por primera vez. Se abrió camino en la industria del cine para convertirse en un sonido de efectos y edición de música y, finalmente, un empleado de la escritura en la República Studios. Se mudó a Nueva York y se convirtió en supervisor de script en Sidney Lumet Doce hombres sin piedad y los Harlem Globetrotter película de James Wong Howe Go Man Go, que también editó.

Joseph Barbera

Joseph Barbera nació el 24 de marzo de 1911 en Manhattan, Nueva York, Estados Unidos. Su familia se mudó a Brooklyn cuando tenía cuatro meses de edad. Era el mayor de tres hermanos. Su padre Vincent cuando tenía 15 años de edad los abandono y su tío materno se convirtió en su principal figura paterna. Comenzó a mostrar interés por el arte desde muy temprana edad. Fue repartidor en una sastrería, trabajo en un banco y luego más tarde trató de convertirse en caricaturista de una revista llamada The NY Hits Magazine, pero no tuvo éxito.

Tras enterarse de que los estudios MGM estaban desarrollando instalaciones dedicadas exclusivamente a la animación, emigró a la costa occidental del país donde conoció a William Hanna con quien compartió más de 50 años de trabajo y quien lo ayudo a crear personajes importantes dentro de los dibujos animados como Tom y Jerry.

Jerry tuvo su primera aparición en el musical Levando anclas, en el que baila junto al actor y bailarín Gene Kelly, convirtiéndose esa escena en un clásico del cine estadounidense. En 1957 fundaron la compañía de animación Hanna-Barbera, que poco después se convertiría en una de las más importantes de Hollywood en su campo. Allí nació la familia prehistórica Los Picapiedra, Los Supersónicos, el patoso perro cazafantasmas Scooby-Doo y el Oso Yogui. Ambos tenían diferentes habilidades que utilizaban en el estudio; Barbera se dedicaba a escribir y realizar bosquejos, mientras que Hanna se encargaba del ritmo de la animación, elaboración de guiones y elección de empleados. Después de la muerte de Hanna en el 2001, Barbera continuó trabajando como productor ejecutivo de

Ray Harryhausen

Era especialmente conocido por su estilo en la técnica de animación stop motion. Algunos de sus más notables trabajos son El gran gorila en 1949 (junto a Willis O'Brien, película que obtuvo un Óscar a los mejores efectos visuales), Simbad y la princesa en 1958 (su primera película en color), Jasón y los argonautas en 1963 y Furia de titanes en 1981.

Con su enorme talento, influenciado por el maestro Willis O’Brien (responsable del stop motion de, entre otras, la obra maestra de 1933 “King Kong”) este grande del cine logró efectos especiales que todavía hoy en día consiguen levantar fascinación, convirtiendo sus mejores trabajos en auténticos títulos de culto del género fantástico.

Durante esta década Ray trabajaría en películas como “It came from beneath the sea” (1955), la primera vez de las muchas en las cuales formó equipo con el productor Charles H. Schneer, “La Tierra contra los platillos voladores” (1956), “20 millions miles to Earth” (1957) y “Simbad y la princesa” (1958), título, al igual que el anterior, dirigido por Nathan Juran.

En los años 60 Ray Harryhausen filmaría “Los viajes de Gulliver” (1960), adaptación de la sátira de Jonathan Swift, “La isla misteriosa” (1961), basada en la novela de Julio Verne, “Jason y los Argonautas” (1963), probablemente su mejor trabajo con Don Chaffey en la dirección, “La gran sorpresa” (1964), adaptando a H. G. Wells con dirección de nuevo de Juran, “Hace un millón de años” (1966), aventuras prehistóricas con Raquel Welch, y “El valle Gwangi” (1969), con dirección de Jim O’Connolly.

Heinz Edelmann

Reconocido por su trabajo como director de arte de la película de los Beatles “Yellow Submarine”, Edelmann nació en 1934, en la antigua Checoslovaquia y estudió en la Academia de Bellas Artes de Dusseldorf, una de las instituciones más progresistas de la Alemania de postguerra.

Desde un punto de vista mediático, esta notable trayectoria profesional se ha encontrado en un segundo plano, en la medida en lo que más se conoce de Edelmann es “Yellow Submarine”, película considerada la quintaesencia de la imaginería psicodélica, dentro de una estética compartida en la década de 1960 con otros grandes diseñadores e ilustradores como Seymour Chwast y Milton Glaser. Precisamente, este último ha afirmado que: “Se hizo famoso gracias a su trabajo en ‘Yellow Submarine’ pero esa celebridad realmente oscureció su verdadero talento e imaginación”.

Jiri trnka

Dibujante y director cinematogrรกfico checoslovaco. Como sus abuelos eran tallistas de madera, Trnka aprendiรณ el arte de fabricar marionetas cuando sรณlo contaba nueve aรฑos de edad. Semejante destreza llamรณ la atenciรณn de un maestro en esta materia, Josef Skupa, director del teatro de marionetas de Pilsen.

Su talento como dibujante pronto le dio la pauta de lo que iba a ser su profesiรณn: dibujante de cรณmics, pintor, figurinista en el Teatro Nacional de Praga y, finalmente, ilustrador de libros. De hecho, se casรณ con la escritora de cuentos infantiles Helena Chvojkovรก, cuyos libros aparecieron publicados con dibujos de Trnka. Durante la Segunda Guerra Mundial ilustrรณ numerosos textos infantiles que, luego, una vez concluida la contienda, le dieron el prestigio suficiente para ingresar en el Estudio Oficial de Animaciรณn que inauguraron Jiri Brdecka, Stanislav Lรกtal, Eduard Hofman y Jan Kadar.

Manuel GarcĂ­a Ferrer

Manuel García Ferré nació el 8 de octubre de 1929 en Almería, España. En 1947 llegó a Argentina, y la animación era su principal fuente de ingresos, a través de centenares de cortos publicitarios (incluso, el personaje de "Anteojito" junto a su tío "Antifaz", comenzó como una campaña publicitaria más, ya que escalaban el Aconcagua con carpas "Cacique", cocinaban con "Aceite Cocinero" y tomaban mate con yerba "Nobleza Gaucha").

García Ferré realizó, debido al éxito de sus personajes, episodios semanales televisivos de la serie animada "Hijitus" (fue la primera serie de dibujos animados de la Argentina, y se extendió desde el año 1967 hasta 1974). Además, en las décadas de 1970 y de 1980, realizó otros programas de TV con diversos personajes, como ser "Calculín y la familia", "El libro gordo de Petete" y "El club de Anteojito y Antifaz". Efectuó, además, una serie de largometrajes cinematográficos: "Mil Intentos y un Invento" (1972, reestrenada en 2001, "Las aventuras de Hijitus" (1973), "Petete y Trapito" (1975), "Ico, el caballito valiente" (1981), "Manuelita la tortuga" (1999, reestrenada en 2005.

Ozuma tezuka

Fue un dibujante de historietas y animador japonés, al que a menudo se le llama el "padre del manga" o incluso el dios del manga

Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que a día de hoy la base de su estilo perdura en los nuevos autores japoneses y los personajes que él dio a luz con su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede encontrar en las librerías la gran mayoría de sus obras. Además, sus historietas han sido traducidas a decenas de lenguas, entre ellas el español. La ternura y el profundo y sincero humanismo que imprimió a sus personajes han dejado una huella indeleble, haciendo de él un autor universal capaz de traspasar culturas. Incluso los ojos desproporcionadamente grandes que son tan característicos de la animación y la historieta japonesa (sobre todo en el shoujo) constituyen un legado de Tezuka.

Ralph Bakshi

Es un cineasta y animador estadounidense. A medida que la industria de la animación estadounidense declinaba durante las décadas de 1960 y 1970, Bakshi intentó innovar y fue pionero de la animación para adultos, como Fritz el gato basado en el personaje de Robert Crumb. En 1978 dirigió la primera adaptación cinematográfica de El Señor de los Anillos, la novela de fantasía heroica de J. R. R. Tolkien. Su último éxito ha sido Cool World (1992), que mezcla imagen real con dibujos animados.

Terry Gulliam

Terry Gilliam, nació en la localidad de Medicine Lake, en Minnesota, pero a los diez años de edad se trasladó a California. Tiene un hermano y una hermana menor. Su padre, un antiguo miembro de la caballería estadounidense, era representante de comercio reconvertido en carpintero que, debido al asma que padecía su hija, decidió marcharse, junto a su esposa y sus hijos, al soledado estado norteamericano para apaciguar allí el estado de salud de su pequeña.

Su primer título en solitario como director de largometrajes fue “La Bestia Del Reino” (1977), parodia de la época medieval que adaptaba un poema de Lewis Carroll, el autor de “Alicia en el país de las maravillas”.

Además de participar como actor y guionista, Gilliam fue el diseñador de producción de “La Vida De Brian” (1979).

Estas comedias anárquicas, con tendencia a la parodia, la farsa y la sátira, junto al gusto por los elementos surreales y fantásticos, una estética visual muy prominente e historias de ciencia-ficción, fueron algunas de las características de las películas dirigidas y escritas por Gilliam.

Don Bluth

Donald Virgil Bluth es un dibujante, animador y director de cine estadounidense, dueño de un estudio de animación independiente y conocido sobre todo por ser el creador de numerosas películas de dibujos animados, destacando entre ellas títulos como NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby (1982), En busca del valle encantado (1988) o Anastasia (1997).

Don Bluth fundó su estudio de animación, Don Bluth Productions, en 1979, pero anteriormente ya había trabajado para The Walt Disney Company. La primera película en la que había trabajado para esa compañía fue La bella durmiente (1959), como asistente de animación, aunque en ella no figura en los títulos de crédito. Después de ésta no volvió a trabajar en Disney hasta los años 1970, período en el que hizo parte de los equipos de animación de Robin Hood (1973), Los rescatadores (1977), y Pedro y el dragón Elliot (1977).

Carlos Carrera

Luis Carlos Carrera González (n. Ciudad de México, 18 de agosto de 1962) es un director, guionista y animador mexicano, cuatro veces galardonado con el Premio Ariel.

En el mes de febrero de 1991 se estrena en privado la copia 0 de su primer largometraje, La mujer de Benjamín, ganadora de la segunda edición del programa de óperas primas del CCC Su segundo trabajo, La vida conyugal, basado en la novela homónima de Sergio Pitol, pasó inadvertido para crítica y público pero, mientras realizaba este filme, Carrera trabajaba en un cortometraje de animación, el cual le pondría en los primeros planos: El héroe (1994), cinta donde un hombre trata de detener el suicidio de una joven en el metro, el cual fue enviado al Festival de Cannes donde obtuvo la Palma de Oro al mejor cortometraje del certamen, convirtiendo a Carrera en el primer director mexicano en obtener este premio, desde que se le otorgó a María Candelaria en 1946, año en el que todas las cintas presentadas fueron galardonadas.

HISTORIA DE LA ANIMACIÓN MEXICANA

Antecedentes Podríamos llamar el primer antecedente de la animación en México a la linterna mágica inventada por Kircher a mediados del siglo XVII. Sor Juana Inés de la Cruz es la primera en hablar de los sueños producidos por las imágenes proyectadas (a diferencia de otras interpretaciones a Primero sueño); prueba de esto es que en uno de los cuadros más famosos donde aparece Sor Juana, pintado por Manuel Cabrera, aparece en su biblioteca un libro de Kircher: Ars magna luci et umbrae. Sin embargo, es hasta la primera mitad del siglo XVIII, cuando las proyecciones de este tipo aparecen varias veces mencionadas en archivos de la época.

Los padres de la animación indudablemente son la caricatura y la historieta. La tira cómica llegó a México en los años veintes; originalmente eran traducciones de obras provenientes de Estados Unidos pero muchas veces el material no llegaba a tiempo, lo que propició la aparición de caricaturistas mexicanos. Entre estos nuevos artistas se encontraban Hugo Tilghman (Mamerto y sus conciencias), Andrés Audiffred (El señor pestaña), Carlos Neves (Rocambole y Segundo I, rey de Moscavia), Salvador Pruneda (Don Catarino) y Juan Arthenack (Adelaido el conquistador y Don Prudencio), de los cuales, éstos dos últimos incursionaron posteriormente en la animación

En 1936, el médico otorrinolaringólogo, Alfonso Vergara Andrade, se asoció con Antonio Chavira y Francisco Gómez y comenzaron el revelado fotográfico en México. Vergara se cultivó en el dibujo y la fotografía, reunió a los dibujantes Jorge Aguilar, Roberto Marín y Leopoldo Zea Salas y fundó Producciones AVA. En 1935, y después de estudiar cada publicación sobre animación que llegaba a sus manos, estrenaron Paco Perico en première.

En los años cuarentas, surgió la compañía Don Quijote, en la que trabajaron Carlos Sandoval y Bismark Mier; tuvieron dos proyectos Una corrida de toros en Sevilla y El charro García, los cuales nunca se terminaron. Con talento importado de los Estados Unidos, Santiago Richi fundó Caricolor, empresa cuya dirección de animación y fotografía tomó Manuel Mario Moreno. Su primera cinta fue Me voy de cacería, estrenada en 1943. Esta época fue muy importante para la animación mexicana: por fin se hacían cosas interesantes, pensadas en la industria del cine y con este último corto se tomó mucho más en serio su producción.

La animación de medio siglo Ya con la experiencia de algunos animadores de Caricolor, Claudio Baña, Leobardo García y Jesús Sáenz Rolón, fundaron Caricaturas Animadas de México. Su primera producción fue el Noticiero cómico que trataba de una parodia de los noticieros, sin embargo, debido a que la animación de los eventos tardaba un par de meses, la parodia de la noticia perdía eficacia. Posteriormente, fue este estudio el que fusionó por primera vez en México la animación con la acción en el filme El diablo no es tan diablo de 1949.

En 1952 Richard K. Tompkins, director de Estudios Churubusco, emprendió sus primeras obras al frente de Dibujos Animados de México; con la colaboración de Ernie Terrazas y Edmundo Santos, consiguió un contrato para producir doce cortos animados para una compañía estadounidense.

Un año más tarde, Jesús Martínez y Gustavo Valdés consiguen un acuerdo con Producers Associates of TV para producir algunas series de televisión infantiles; para esto crearon Gamma Productions, estudio integrado en gran número por animadores mexicanos. Algunas de sus obras fueron: Rocky y sus amigos, Waldo y el Oso Filmore, Hopity-Hop y Las fábulas de Esopo. Después de más de diez años de trabajo, el contrato terminó y la compañía tuvo que cerrar.

En los próximos años se produjeron varios cortometrajes: Vámonos Recio (1983) de Jaime Cruz y Luis Fuentes; Ligia Elena (1983) por Francisco López y Abdías Manuel;Hijo pródigo (1984) de Carlos Carrera; A toda Costa (1984) de Jaime Cruz y Tlacuilo, el que escribe pintando (1987) de Enrique Escalona. Ésta última, junto con Ulama(1986), Retorno a Aztlán (1990) de Juan Mora y Cabeza de vaca (1990) de Nicolás Echeverría, retomaba una visión diferente sobre el pasado histórico.

En 1994 se estrenó El héroe de Carlos Carrera. Después de dos años de trabajo, el apoyo del Instituto Nacional de Cinematografía y la participación de un gran número de animadores mexicanos, el filme ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes. A partir de entonces, la animación en México ganó interés y aprecio y el panorama para esta industria cambió. La Universidad Iberoamericana (UIA) dio un gran y constante apoyo a la animación y prueba de ello es que muchos de sus exalumnos, como Carrera, lograron grandes avances en este rubro.

José Luis Rueda junto con otros egresados de la UIA, formó la compañía María Negra Productions, que produjo cortos como Los changuitos (1995). Rueda también codirigió con Jorge Villalobos y Guillermo Rendón, otros exalumnos, el corto 4 maneras de tapar un hoyo en ese mismo año.

Lo que viene…

Alux Films planea estrenar Hijos del diablo a manos de Héctor Bustamante y Mario Alberto Ochoa. Este filme se desarrollará en 1913, un grupo de mercenarios llamados los Hijos del diablo, liberan presos de las cárceles mexicanas para planear un golpe de estado. La técnica de animación se ve muy prometedora, los dibujos son muy estilizados e inevitablemente recuerdan el ánime japonés. Hace un año se anunció la sesión de derechos de la historieta mexicana Operación Bolívar a Konochi Entertainment de Franciso Hirata y Rolando Chávez para hacer una película. Para los que no estén familiarizados con el comic, la historia sucede en Angelópolis, en una época en donde cazar ángeles se ha vuelto el trabajo de moda para vender sus órganos para investigaciones o como atracción en espectáculos. Como nos cuenta Carmen Vidaurre Arenas: “estos ángeles no se matan entre sí, un ángel no siente dolor, hasta que un cazador lo toca, los gemidos de los ángeles no se oyen pero enloquecen a los niños y a las mujeres embarazadas, los ángeles pueden corromperse y aliarse con asesinos de ángeles, para diversos fines, pueden ser espías dobles o heraldos del infierno y pueden comandar a soldados y helicópteros norteamericanos, son bilingües y manifiestan un claro desprecio por la ineptitud de los miembros de los aparatos de poder”. Se ve buena, ¿no? Hoy en día, la animación independiente en México es la que en verdad está logrando cosas increíbles. Nos dimos a la tarea de entrevistar a cuatro estudios muy prometedores: Comesesos, Diez y media, Viumasters y Haini para que nos contaran sobre sus proyectos y su trayectoria como animadores….