Aspectos básicos de la escultura

Aspectos básicos de la escultura.1.- Características específicas: - Volumen: espacio que ocupa y que se percibe a través de la forma-superficie.

- Sensación táctil: textura, calidad, temperatura,...

- Masa: peso del objeto en relación al volumen: - peso real de los materiales.

- sensación que produce de peso.

2.- Tipos de esculturas: - Exenta o de bulto redondo.

- Relieve alto, medio, bajo (normal o schiacciato) y rehundido.

3.- Materiales y técnicas: - tallado - modelado - vaciado - construcción 4.- Expresión formal: - escultura abstracta.

- escultura figurativa: realismo.

- naturalismo:

-

- idealismo.

- esquematismo.

5.- Luz y color : - estofado (fondo de oro).

- encarnado (base de estuco).

6.- Reposo - movimiento: -real: móviles.

- sugerido mediante : - Ritmo: - multiplicación de líneas - ritmo ondulante - posición inestables movimiento de cada.

-Tensión: movimiento en potencia.

- Momento; movimiento en el acto: - escorzo - movimiento deambulatorio 7.- Situación del espectador: - frontalidad - visión angular: escorzo.

- visión en redondo.

8.- Representación espacial en el relieve: Profundidad.

- Enmarcado en fondo arquitectónico o paisajístico.

- Superposición de figuras y planos.

- Perspectiva.

- Diferente resalto en las figuras según la distancia del espectador.

9.- Composición: - En escultura exenta: - escenas cerradas.

- escenas dispersas.

- En relieve:

- adaptación al marco.

- disposición de las figuras.

10.- Función y significado: - función decorativa.

- otras funciones: manifestación de riqueza, de poner...

Características específicas de la escultura "Puede decirse que, para que la escultura haya llegado a la autoconciencia de su propia naturaleza, ha hecho falta todo este proceso de independización respecto de las demás artes y, en especial, la liberación del marco arquitectónico al que ha estado sujeta y la eliminación de las confusiones con la pintura... El hombre necesita crear escultura como un recurso para establecer y desarrollar su propio sentido de la existencia real, que toma de la propia tridimensionalidad del cuerpo humano.

Nuestro conocimiento de la realidad solamente es completo cuando hemos agotado todas nuestras

reacciones sensoriales hacia ella. Como se ha dicho, nuestros sentidos de la vista y del tacto están activamente implicados en nuestras experiencias estéticas (en las que ahora fundamentalmente nos interesan, pues no se ha hablado para nada del sentido del oído, básico en la experiencia musical).

Lo que ha sucedido es que con frecuencia resulta difícil separar y aislar nuestras reacciones visuales de las táctiles, y demasiadas veces incluso la vista ha sustituido al tacto en la experiencia estética. Pero, repitámoslo una y otra vez, la escultura es el arte de acariciar, palpar, tocar y manejar los objetos. Tocar es realmente la única manera por la que podemos tener una sensación directa de la forma tridimensional del objeto.

Si la escultura tiene alguna particularidad específica, ésta es la de su preferencia sensaciones táctiles. Esto no quiere decir que se rechacen en absoluto, como tal vez pudiera concluirse por lo expresado hasta ahora, los valores estéticos de la escultura que está concebida visualmente. De lo que se trata es simplemente de introducir algo de claridad y distinción en un tema que tradicionalmente ha sido objeto de confusiones.

La sensibilidad escultórica es una sensibilidad táctilmente a la pictórica que es visual y mental.

Esta sensibilidad táctil debe efectuar una triple operación para constatar las características específicas de la escultura, para que la calidad escultórica de un objeto sea completa. Y aunque

estas operaciones pueden separarse a nivel de análisis, sin embargo, a nivel de experimentación y de realización de la obra escultórica, deben estar integradas en un solo acto. Me refiero a los tres factores ya formulados por Herbert Read: 1) la sensación de la calidad táctil de las superficies; 2) la sensación de volumen sólo se da en relación con el espacio que dicho volumen ocupa; 3)la sensación de masa, íntimamente relacionada con el peso del objeto escultórico.

Para experimentar cada una de estas sensaciones cada lector debería estar provisto de una pieza de escultura que poder acariciar, con el fin de experimentar la sensibilidad plástica, ya que estas sensaciones sólo pueden ser aludidas en las descripciones. Se comprenderá que si esta palpabilidad es irrenunciable e insustituible la experiencia de la escultura no puede ser en ningún caso suplida por las láminas, las diapositivas o cualquier otro medio visual utilizado normalmente en la docencia artística.

A las habituales deformaciones de la diapositiva (tamaño natural, calidad de los materiales, etc.), se añade en este caso la imposibilidad de producir en su totalidad plástica la obra de escultura. Sólo los «vaciados» en material plástico pueden suplir el volumen escultórico y la escala real, pero sustraen en todo caso dos de los factores aludidos, como el efecto táctil de la calidad de los materiales y la sensación

de masa y ponderabilidad; con todo, en algunos museos se ha recurrido a exponer vaciados e incluso copias de las esculturas más famosas con fines didácticos.

Provisto ya el lector, aunque sea imaginariamente, de una pieza escultórica, puede acariciarla para experimentar la calidad táctil de sus superficies calidad que dependerá no sólo del material empleado sino del tratamiento dado a los planos o superficies externos (la texturación). La propia naturaleza de los materiales empleados (mármol, bronce, piedras, madera, etc.) ofrece ya distintas calidades de dureza, opacidad, ductilidad, frialdad, impenetrabilidad, etc., que son transmitidas a través del contacto directo mediante el tacto. Independientemente de esta calidad material, todavía puede apreciarse la calidad de las texturas, de los diversos tratamientos superficiales, que pueden ir desde lo liso, fino y pulido hasta lo áspero, rugoso y aristado, produciendo sensaciones táctiles muy diversas. Pero, con todo, este primer factor de la experimentación táctil de la escultura, por el hecho de ser superficial también puede apreciarse en la pintura, ya que el plano, la superficie es uno de los elementos del hecho pictórico. (...)

La sensación del volumen es decir, de la tridimensionalidad espacial es experimentable en las piezas pequeñas de escultura, en aquellas que se pueden envolver con las manos, porque de lo

contrario se exige ya el esfuerzo mental que Moore requiere del escultor, al decir que «cualquiera que sea el tamaño de la forma escultórica, el artista la concibe en su cabeza como si la estuviese sosteniendo completamente encerrada en el hueco de su mano». Es por esta razón por la que los valores volumétricos de la escultura se han dado antes, independientemente del período o estilo artístico, en aquellas piezas pequeñas de escultura, en las obras escultóricas en miniatura.

Por otra parte, el volumen, la tridimensionalidad, no debe ser apreciado como una simple coherencia de los planos o de las superficies, por el contrario esta sensación no debe ser relacionada sino integral, sabiendo «cuando se mira una parte, cómo es la otra», es decir como si se estuviera a marcando en su totalidad.

Otro paso en la sensación volumétrica es el dado clarividentemente por Rodin, cuando afirma que «en lugar de reproducir las diferentes partes del cuerpo como superficies más o menos planas, las represento como proyecciones de volúmenes interiores». Este proceder creativo, que opera desde dentro hacia fuera, anula el carácter superficial del plano y crea la sensación de volumen, de tridimensionalidad.

Por último, en la apreciación del volumen ha de tenerse en cuenta que éste se valora tanto por la propia presencia sólida y tridimensional del objeto escultórico cuanto por el espacio que este cuerpo

sólido desaloja, y que, por así decirlo, crea en torno a él. Y en este aspecto ya se habrán sacado consecuencias sobre la in ciencia que la propia conciencia espacial y la concepción del espacio en cada época artística han tenido sobre la escultura, en cuanto que ésta es un objeto que ocupa un espacio mental y no sólo un lugar físico, lo que es evidente desde el punto de vista de la calidad sólida del objeto. En épocas en las que no ha existido conciencia espacial, las propias esculturas, a pesar de su estereometría (como en Egipto) no dejan de ser planos que envuelven un sólido, careciendo de espacio y, por tanto, de volumen, en sentido escultórico.

La tercera sensación que se obtiene en la escultura, la de la masa, y su correspondiente efecto de peso, es fácil de sentir en los pequeños objetos manuales; ya cuando la escala aumenta llega de hecho a ser inconstatable humanamente por el exceso de peso, pero la sensación debe ser sentida por el escultor, cualquiera que sea el tamaño de la obra. El artista se proyecta en el interior de la obra escultórica, y como Moore expresa con sencillez, pero con sublime exactitud, «se identifica con el centro de gravedad, con la masa, con el peso».

Incluso todos tenemos conciencia diferenciada del peso de los distintos materiales utilizados en la escultura (el mármol, la madera, etc.), que puede contribuir a suplir la imponderabilidad de la obra.

Lo que ha sucedido es que, en determinadas épocas y estilos, estéticamente se ha anulado la sensación de masa o de gravidez. Esto es especialmente constatable en la época barroca, donde por el dominio de la estructura visual de la creación artística parece que las formas escultóricas se han liberado de la ley de la gravedad que no tienen peso. Se ha hablado incluso de formas que vuelan y que hasta se desvanecen, que ya no son palpables. No se ha podido llegar más lejos en la negación de la solidez escultórica.

Sólo, pues, cuando la sensación de la escultura es integral y reúne los factores mencionados de calidad táctil de las superficies, volumen y espacio, masa y peso, sólo entonces sólo entonces la escultura ha adquirido su completa independencia física y estética. Sólo entonces puede expresar aquellas calidades que le son específicamente propias.

Sin embargo, en nuestros días, el arte contemporáneo ha protagonizado una ruptura profunda como consecuencia de la cual no sólo se han alterado las técnicas v mudado los materiales, sino hasta la propia naturaleza de la obra escultórica. De estos nuevos rumbos, a veces inquietantes, que parece seguir la escultura contemporánea, y que en buena parte se alejan y ponen en tela de juicio lo que la propia escultura ha llegado a ser como expresión artística (y cuyas características específicas se han esbozado aquí), se

tratará al final del capítulo siguiente, para concluir el arte de la escultura."

Tipos de escultura.La escultura, puesto que tiene una materia con un determinado peso, requiere un soporte donde fijarse. No se tienen en cuenta aquí las experiencias contemporáneas a base de materiales inflados con gases de peso inferior al aire y que por tanto flotan o a obras con montajes de fuerzas electromagnéticas que mantienen suspendidas las creaciones.

Podemos resumir diciendo que hay dos tipos de escultura: * El soporte puede ser inferior y simplemente sujetarla o levantarla del suelo de forma que la escultura pueda rodearse; generalmente ese apoyo (plinton, peana, ...) es independiente de la propia escultura y está está hecha de distinto material o, al menos, de un bloque diferente. A este tipo de escultura se le denomina exenta o de "bulto redondo". * Otro tipo de escultura es aquella cuyo soporte es lateral, no inferior, y en este caso la obra no puede rodearse por lo que su contemplación suele ser frontal. No es que se trate de una escultura exenta que se coloca junto a una pared sino que está realizada en el mismo bloque del material que le sirve de soporte. A está se le denomina escultura

en relieve. Las figuras pueden estar trabajadas hacia el interior del fondo y se denomina relieve hundido o bien hacia fuera (relieve saliente) quedando el fondo en un plano interior. En este último caso según el resalto de las figuras puede ser: - altorrelieve: aquel cuyas figuras sobresalen del fondo más de la mitad.

- mediorrelieve: aquel cuyas figuras sobresalen del fondo la mitad.

- bajorrelieve: aquel cuyas figuras sobresalen del fondo menos de la mitad.

Tipos de escultura.La escultura, puesto que tiene una materia con un determinado peso, requiere un soporte donde fijarse. No se tienen en cuenta aquí las experiencias contemporáneas a base de materiales inflados con gases de peso inferior al aire y que por tanto flotan o a obras con montajes de fuerzas electromagnéticas que mantienen suspendidas las creaciones.

Podemos resumir diciendo que hay dos tipos de escultura: * El soporte puede ser inferior y simplemente sujetarla o levantarla del suelo de forma que la escultura pueda rodearse; generalmente ese apoyo (plinton, peana, ...) es independiente de la propia escultura y está está hecha de distinto material o, al

menos, de un bloque diferente. A este tipo de escultura se le denomina exenta o de "bulto redondo". * Otro tipo de escultura es aquella cuyo soporte es lateral, no inferior, y en este caso la obra no puede rodearse por lo que su contemplación suele ser frontal. No es que se trate de una escultura exenta que se coloca junto a una pared sino que está realizada en el mismo bloque del material que le sirve de soporte. A está se le denomina escultura en relieve. Las figuras pueden estar trabajadas hacia el interior del fondo y se denomina relieve hundido o bien hacia fuera (relieve saliente) quedando el fondo en un plano interior. En este último caso según el resalto de las figuras puede ser: - altorrelieve: aquel cuyas figuras sobresalen del fondo más de la mitad.

- mediorrelieve: aquel cuyas figuras sobresalen del fondo la mitad.

- bajorrelieve: aquel cuyas figuras sobresalen del fondo menos de la mitad.

TÉCNICAS DE ESCULTURA Esculpir y tallar.- La eliminación de materia de un bloque de piedra o madera, que son los materiales más comunes, hasta “encontrar” dentro la forma deseada representa la noción más profunda de la escultura como arte. Entre las rocas más utilizadas por el escultor figura el mármol.

También se emplean otros materiales pétreos como el alabastro, la piedra caliza o el granito, u orgánicos, como el hueso o el marfil.

Para trabajar la piedra se recurre, por una parte, a instrumentos punzantes, con los que se incide en la materia directamente o a través de un martillo, tales como el puntero, que conduce al desbastado inicial del material; varias clases de cinceles, de filo recto o bien dentado, con dientes puntiagudos o rectos, para ir conformando las superficies; el taladro, para perforaciones profundas, o el trépano, para algunos agujeros.

Por otra parte, hasta alcanzar el acabado final se requiere la utilización de limas, escofinas y piedras para pulir, coma la piedra pómez, el esmeril y materiales abrasivos con los que frotar, con objeto de alcanzar la pátina deseada.

A veces se pintan las superficies. Los escultores en piedra, que a lo largo de la historia se han organizado en talleres con actividades especializadas, suelen contar con modelos previos, frecuentemente en yeso, de la misma forma y volumen, con los que trabajar. El uso de los mismos requiere el conocimiento de procedimientos geométricos -cuyo dominio es, a veces, ajeno al propio artista que concibe la escultura- que permiten saber, mediante una caja de varillas ortogonales (denominada caja de sacar puntos), dónde debe aplicarse el golpe.

Modelar.- Frente a la concepción de la escultura como el resultado de un proceso de sustracción, existen varios procedimientos donde la expresión del volumen se alcanza mediante un concepto inverso, el de la adición. La ocupación del espacio escultórico mediante la manipulación de materia blanda (barro, yeso o cera) hasta alcanzar la forma ideada constituye uno de ellos. Estos materiales son trabajados con puntas de madera, distintos tipos de paletas y paletillas, telas húmedas y, fundamentalmente, la mano, que otorga una dimensión creativa directa a la tarea.

En el caso de la pieza escultórica modelada es preciso diferenciar la que constituye una obra final concebida como tal o la que supone un momento del proceso que desembocará en la obra definitiva, bien en piedra o bien fundida.

Fundir.- La escultura en bronce exige un modelo concebido con anterioridad cuyo volumen sea idéntico. A partir de ese original se realizan en negativo los moldes, que permiten el vaciado, lo que hace posible llevar a cabo cuantos originales se deseen mientras estos se conserven.

El procedimiento más habitual es la fundición en hueco, que exige la construcción de un núcleo, a modo de soporte, sobre el que se colocan los moldes, dejando un espacio vacío para la aleación.

Otro método muy común es el de la cera perdida: consiste en revestir de cera un soporte de material refractario; una vez modelada la cera, se cubre de nuevo y se calienta; la cera se funde (sale por unos agujeros hechos previamente) y deja el hueco que habrá de cubrir la aleación. Esta tarea se realiza, por lo general, en talleres especializados.

Una vez extraída la escultura, se lleva a cabo una labor de retocado y pulido.

Ensamblar.- La idea de integrar elementos de procedencia diversa, con la intención de configurar un objeto susceptible de ser juzgado globalmente como una pieza escultórica unitaria está, con frecuencia, presente en la tradición histórica (la imaginería, por ejemplo), aunque el desarrollo sistemático de la idea de escultura como construcción, en su doble dimensión técnica y conceptual, está estrictamente ligado a las aspiraciones del arte contemporáneo.

El hecho de que, circunstancialmente, estos materiales tengan la forma de objetos con significados en otros contextos y estén más o menos modificados no afecta a lo esencial del proceso ejecutivo como tal. Cuando estos objetos se integran en un cuerpo único el resultado se denomina assemblage. En todo caso, el volumen resultante es susceptible, según sea el deseo del artista, de ser fundido en otro material.

VVAA.- Historia del Arte.- Enciclopedia del estudiante.Santillana-El País. 2005. Pág. 45 Expresión formal.La escultura, igual que las demás artes plásticas, es representativa en el aspecto formal. Sin embargo no siempre las formas de la escultura son reconocibles en la naturaleza sino que pueden aparecer volúmenes inexistentes o irreconocibles.

Se podría hacer una primera clasificación de tipo académico que, con frecuencia, suscita polémica entre los artistas y estudiosos pero puede resultar útil al clasificar las obras. Dicha polémica ha sido protagonizada en buena medida por los artistas denominados abstractos geométricos al argumentar que las formas geométricas, el punto, la línea,... que ellos crean también son figuras y por tanto su arte no debería llamarse "abstracto" sino quizá "arte concreto".

1.- Escultura figurativa es aquella que representa temas y formas reconocibles (personas, animales, objetos,...). A su vez podría ser: a) naturalista: si las formas se parecen a como existen en la naturaleza. Podemos distinguir entre:

* realista: si las personas, objetos,... aparecen con sus características peculiares y presentan, también, sus deformidades. * idealizada: si no se representa a un individuo concreto con detalles específicos sino a uno genérico, perfecto. b) esquemática: si las formas están simplificadas y no contienen todas las partes de los objetos sino sólo aquellas que los identifican.

2.- Escultura abstracta es aquella que no representa temas convencionales sino volúmenes, formas geométricas, signos,... Se le denomina también escultura no figurativa.

Merece la pena hacer dos observaciones respecto a esta clasificación: la primera es que la esquematización de una figura puede ser mayor o menor, es decir, entre la representación fiel -retratoy la máxima esquematización hay distintos grados hasta llegar a la abstracción. La segunda es que la

abstracción no surge únicamente por reduccionismo de formas figurativas, como se sugiere en la esquematización, sino también por expresión directa de estados de ánimo, sentimientos, ... sin pensar en formas preexistentes.

Escultura: temas que representa.La escultura es una realidad plástica que posee a la vez un contenido mental. Una gran parte de las esculturas de nuestra época es expresión del poder puramente imaginativo del artista, del «arte por el arte». Pero en la perspectiva histórica lo habitual es que la escultura nazca de un encargo, de una persona o entidad, y con la intención de incidir ideológicamente sobre el público con un tema determinado. Conocer los temas de las obras contribuye necesariamente a esclarecer la esencia de la escultura. Lo cual quiere decir que si valiéndose de principios generales como los ya expuestos, el público está en condiciones de hacer una apreciación global de la escultura, no lo está, en cambio, para alcanzar los valores últimos que encarna.

Un tema es un condicionante que se ofrece al escultor, y del que se desprende un «contenido» (simbólico, psicológico ideológico). Las formas que emplee tienen que responder a estas exigencias.

Tema, contenido y forma establecen una secuencia en la concepción y realización de la escultura.

El estudio del tema y su significado, que afecta

naturalmente a todas las artes «figurativas» y por ende a la escultura, ha dado origen a una nutrida bibliografía.

La iconografía tiene por misión estudiar el repertorio de figuraciones típicas y sus significados. La historia de los «asuntos» es fundamental, ya que no se puede llegar al «significado» si primero no se los identifica. Los temas están muy diversificados, pero se pueden clasificar en dos grandes grupos: religioso y civil.

Todas las religiones han motivado un gran desarrollo de la escultura, aunque ninguna haya sido tan fecunda en ello como la cristiana. El Antiguo y el Nuevo Testamento están colmados de episodios que se han convertido en temas de los artistas. La imagen puede ser objeto de culto, motivo de adoración, o constituir un elemento referencial, descriptivo, para favorecer la devoción.

Hay imágenes pintadas y esculpidas, y para estas últimas se ha preferido la representación en bulto completo.

Iconografía e iconología constituyen las ramas de este saber que, desarrollado sobre todo en el Instituto Warburg de Londres, a impulsos de Erwin Panofsky, representa una gran aportación al conocimiento de las artes figurativas.

La mitología fue en Grecia y en Roma una religión, pero a partir de la Edad Media no es más que imagen artística. Los dioses intervienen en escenas de recreación o también para expresar la

idea de poder. En el campo civil, la escultura ha servido a propósitos que van de lo político a lo recreativo. Roma diseminó esculturas y relieves con la imagen del gobernante, garantía de eficacia y orgullo del imperio. Fue un arte al servicio de la política. Con el Renacimiento, la escultura, como manifestación de poder, se propagó también a calles y jardines. Mientras el retrato ecuestre dignificaba a las monarquías, las fuentes decorativas de los parques italianos y franceses incitaban al contemplador a huir hacia lo imaginario.

La iconografía necesita interpretar las actitudes de un personaje y averiguar el significado de los atributos que ostenta o le rodean y su manera de exhibirlos espada, libro, cetro, animales, etc.). Todo esto, lo mismo que el ropaje, permite identificar al personaje.

El significado simbólico supone ya un aditivo convencional, que refuerza el valor de la imagen. El arte se convierte en un medio de comunicación cifrado, del que es preciso conocer la «clave». Éste es ya el objeto de la «iconología». Si el iconógrafo identifica, el iconólogo desentraña. Es un plano más profundo, en el que intervienen muchos elementos, literarios, políticos, religiosos y hasta imaginativos. Es el dominio de lo asociativo, ya que es preciso seguir una complicada trama argumental para obtener resultados convincentes; y para ello el historiador debe disponer de un gran bagaje

cultural. La iconología apunta al significado, es por tanto un estudio «semántico».

Una escultura de Buda constituye una realidad plástica muy bien lograda, pero sólo comprenderemos su admirable calma conociendo el contenido ideológico que encierra. Muchas veces el significado surge del conjunto, de la asociación que presentan las obras. En una catedral gótica hay esculturas en jambas y tímpanos de las puertas y en las torre. Hoy sabemos que han sido distribuidas según un «programa» en el que cada parte tiene su misión. El hecho de que aparezcan esculturas de reyes en el templo deriva de la condición de mecenas que tenían. El mecenazgo, de dignidades eclesiásticas y laicas, se traduce en una invasión escultórica del templo. Y cada catedral posee su sentido. En la de Amiens menudean los profetas porque se ha conferido a este templo la misión de anunciar el mensaje. La catedral de Reims, por el contrario, ofrece muchas esculturas de reyes; no en balde fue escogida por la realeza francesa como lugar de exaltación de la monarquía. Hay una organización semántica que vincula las partes del templo. En la catedral románica de Santiago de Compostela, la portada del norte, la del sur (Platerías) y la de poniente (Pórtico de la Gloria) configuran una unidad narrativa y simbólica.

Esta función política y religiosa del arte está presente en la escultura de todos los tiempos. En San Marcos de León se exalta a la monarquía

española, haciéndola arrancar de Hércules, y en la fachada de la Universidad de Valladolid aparecen las efigies de los reyes que la protegieron, pero también las estatuas representativas de las disciplinas que se enseñaban. Las plazas y jardines de Viena ostentan estatuas de los emperadores y músicos que la llenaron de gloria.

Una total fusión de temas religiosos, mitológicos, militares y de otra índole se advierte en el Palacio de Versalles, donde se rinde admiración al rey, se exalta a Francia y se invita al visitante a deleitarse. Es preciso llevar un libro para reconocer las representaciones y desentrañar tantos significados. Iconografía e iconología tienen allí un vastísimo campo de aplicación.

Juan José Martín.- Las claves de la Escultura.

Ed. Arín. Barcelona 1986. Págs. 75-77 GUIÓN PARA ANÁLISIS Y COMENTARIO DE UNA OBRA DE ESCULTURA.Antes de comenzar deberá observarse atenta y detenidamente la obra.

1.- DESCRIPCIÓN. * Explica brevemente lo que aparece en la escultura.

2.- ANÁLISIS: ASPECTOS TÉCNICOS.

2.1. Tipo de escultura y localización *¿Es una obra exenta (bulto redondo) o está realizada en una superficie (relieve)? ¿Si es de bulto redondo de qué tipo es: busto, torso, estatua, grupo, ...? ¿Si es un relieve de qué tipo es: alto, medio, bajo o rehundido? *¿En qué lugar debía estar colocada inicialmente? ¿Ocuparía una situación próxima o lejana al espectador?

2.2.- Materia y técnica utilizadas *¿De qué material o materiales está hecha?

Si se utilizan varios, tienen alguna relación con las partes o elementos que representan? ¿La materia aparece en la superficie o está recubierta por otra? ¿Por qué? *¿Qué técnica se ha empleado según el material utilizado? ¿Se percibe claramente la técnica usada en la obra o debemos suponerla?

2.3.- Acabado, textura y policromía. *¿La superficie aparece pulida (blanda, redondeada) o rugosa (tersa)...? ¿En una misma obra hay distintos acabados? ¿Imitan éstos las superficies y textura de las telas que representan? ¿Contribuye a un mayor realismo? ¿El mayor o menor acabado responde a la distancia

de la escultura y el observador? *¿Está policromada o presenta el aspecto del material que la compone? ¿qué efecto produce?

2.4.- Forma. *¿Las superficies son fácilmente visibles, sin fuertes rupturas o tienen muchos entrantes y salientes? ¿Esto contribuye a la percepción del volumen? ¿La escultura recuerda el bloque de material del que surge o su aspecto no tiene relación con ese bloque originario? *¿Tiene muchos detalles o la presentación es sencilla y sobria? ¿qué relación tiene con el tema representado o con otros aspectos de la época? *¿Es una representación figurativa o abstracta? ¿Si es figurativa, además es naturalista o está esquematizada? ¿En el caso de que sea naturalista es realista (presenta la realidad sin evitar los rasgos particulares y defectos) o está idealizada (presenta individuos genéricos no concretos)?

2.5.- Luz: efecto que produce en la escultura. *¿Resalta más unas partes (las más salientes) que otras (las más entrantes)? ¿La obra está pensada para recibir la luz de algún ángulo determinado?

¿Qué aspectos pretende resaltar o qué sentimientos provoca? *¿La luz que le llega produce un efecto diferente según el o los acabados? *¿Se puede observar alguna relación entre la luz y la pintura si es policromada?

2.6.- Movimiento *¿La obra transmite una sensación de reposo y quietud o de agitación y movimiento? ¿El movimiento es real (se desplaza manual o mecánicamente) o sugerido? ¿Si ese movimiento sólo es sugerido, cómo se consigue? *¿Cómo se relaciona el movimiento o el reposo con el tema representado?

2.7.- Volumen y peso. a) En escultura exenta. *¿La escultura manifiesta claramente el espacio que ocupa (volumen) o produce sensación de "transparencia" (falta de volumen) si está hueca? ¿Contribuyen las formas, el acabado, el color, la luz y el movimiento a la mejor percepción del volumen? ¿El tema representado o la función para que la está realizada condicionan el tamaño de la obra? ¿Y el marco espacial para el que está pensada?

*¿Las distintas figuras de la escultura guardan proporción entre ellas o se destacan más unas que otras en función de la “jerarquía” de los personajes? ¿Dentro de cada figura sus distintas partes están proporcionadas y corresponden a determinado conjunto de proporciones (canon) o se destacan más unas que otras por algún propósito? *¿El acabado de las formas y el propio material utilizado reflejan el “peso” de la obra? ¿La escultura da impresión de pesadez o de ingravidez? b) En relieve *El ser alto, medio, bajorrelieve o rehundido influye en la sensación de volumen? ¿Todas las figuras tienen el mismo resalto o se observa que unas estén más salientes que otras ? ¿qué se consigue con distintos resaltos? ¿El acabado, el color, la luz o el movimiento aumentan la sensación de volumen?

2.8.- Situación del espectador. *¿El espectador puede estar quieto al contemplar la obra o debe moverse para captarla por completo? *¿Si puede contemplarla desde un sitio fijo, la obra está hecha para verse de frente menospreciando los laterales y sobre todo la parte trasera, a la vez que mantiene la verticalidad rígida respecto al suelo? ¿Por el contrario, esa posición fija debe ser

oblicua por la presentación en escorzo o porque algún elemento haga necesario que se desplace el espectador? *¿Si el espectador debe moverse entorno a la obra la presentación es paralela a él o requiere una visión helicoidal (espiral hacia arriba) ?

2.9.- Representación Profundidad.

espacial

del

relieves:

*¿Se obtiene una sensación de profundidad o de que la representación es plana? ¿Presenta un fondo arquitectónico o paisajístico? ¿Se superponen distintos planos o figuras? ¿Hay perspectiva : se inclinan las líneas compositivas hasta juntarse en un punto y se produce una disminución ordenada de las figuras? ¿Las figuras tienen más resalto si están en planos cercanos y menos si están en planos lejanos?

Se ponen más detalles a los planos más salientes y menos en los más alejados?

2.10.- Composición. a)En escultura exenta. *¿Si la obra estaba pensada para un emplazamiento concreto, tiene alguna relación sus formas con ese espacio? ¿Las figuras están dispuestas simétricamente o formando alguna figura geométrica? ¿La ordenación del conjunto da una idea de escena cerrada o produce la sensación de

dispersión? b)En relieve. *¿E1 relieve debe adaptarse a un espacio delimitado o el soporte es más amplio que la escultura? ¿Si el soporte es mayor, se delimita de alguna manera el espacio que se va a esculpir? *¿Interiormente hay algún marco arquitectónico o paisajístico que encuadre las figuras o las agrupe de manera intencionada? *¿El espacio delimitado está ocupado por figuras o se observan espacios vacíos? ¿Las figuras están desahogadas o muy apretadas y ocupando todo el espacio? *¿Las figuras esculpidas se agrupan formando alguna disposición geométricas ?

3.- COMENTARIO: ASPECTOS ICONOLÓGICOS, PERSONALES, SOCIALES E HISTÓRICOS. 3.1.- Identificación *¿Qué persona, institución o grupo encargó la obra? ¿Tenían alguna relación con el escultor de tipo económico o profesional? ¿Eran simples clientes, donantes, mecenas o patrocinadores? *¿Se conoce el escultor que hizo la obra? *¿A qué época pertenece? Delimita lo más posible

la fecha de su realización. *¿A qué estilo artístico pertenece? ¿Se considera la obra dentro de alguna escuela o variante de ese estilo? *¿Sabes de qué obra se trata y dónde está?

3.2.- Tema y argumento. *¿Cuál es el tema representado? ¿Aparecen personas, animales, objetos, ...? ¿Si aparece un solo personaje, qué actitud tiene: es orante, sedente, yacente, figura ecuestre,...? ¿Si es un grupo de figuras, qué escena representan: religiosa, retrato, bodegón, paisaje, de género, ...? Descríbela. *¿Cuál es el argumento de la obra y qué significado tienen los elementos que aparecen en relación con su contenido?

3.3.- Función y significado. *¿La escultura tenía simplemente una función decorativa o se encargó con otra idea además de ésta? *¿Por el tema representado, el lugar de colocación, los materiales,... tiene alguna significación simbólica? *¿Desde el momento de su realización hasta ahora ha variado su función y significación? ¿Por qué?

3.4- Contexto histórico * ¿La escena corresponde a la vida del momento en que se realizó la obra? *¿Qué tipo de objetos, vestidos y adornos aparecen? ¿qué actividades económicas debían existir en esa época según dichos objetos? *¿A qué nivel social corresponden las personas representadas? ¿Hay en ellas alguna crítica social? *¿Si se representa alguna escena política o bélica, qué relación tiene con los acontecimientos históricos de ese momento? *¿Destaca algún aspecto cultural o valor humano en la escultura? * Cita brevemente las diferentes escuelas o variantes de la escultura de esa época con sus características y sitúa la escultura en el estilo al que pertenezca mencionando algunos autores de cada tipo o variante explicando semejanzas o diferencias con la de la imagen