Vista al Sur 00 by Nelson Cardenas

MODAMENSUAL 00

Suspendisse feugiat mi sed lectus aoreet nec interdum por Trenz Pruca

Malesuada quis, egestas quis, wisi. Donec ac sapien. Ut orci. Duis ultricies, metus a feugiat porttitor, dolor mauris convallis est, quis mattis lacus ligula eu augue. Sed facilisis. Morbi lorem mi, tristique vitae, sodales eget, hendrerit sed, erat lorem ipsum dolor. Vestibulum eget purus vitae eros ornare adipiscing. Vivamus nec quam. Integer vestibulum malesuada libero. Sed vehicula fermentum leo. In condimentum. Nullam wisi arcu, suscipit consectetuer. Vestibulum imperdiet nonummy sem. Vivamus sit amet erat nec turpis tempus consequat. Praesent malesuada. Donec vitae dolor. Donec at lacus ac mi vehicula bibendum. Donec feugiat tempor libero. Nam uut, massa.

Maecenas vitae ante et lacus aliquam hendrerit. Curabitur nunc eros, euismod in, convallis at, vehicula sed consectetuer posuere, eros mauris dignissim diam, pretium sed pede suscipit. Fusce urna magna,lorem neque eget lacus. Adiam condimentum purus, in Proin in sapien. Fusce urna magna,neque eget lacus. Maecenas felis nunc, aliquam ac, consequat vitae, feugiat at, blandit vitae, euismod vel, nunc. Aenean ut erat ut nibh commodo suscipit. Fusce urna magna,neque eget lacus. Maecenas metus non quam. Cras erat. Aliquam pede. vulputate eu, estmorbi tristique senectus et netus et male. Aliquam pede. Proin neque est, sagittis at, semper vitae,

tincidunt quis Malesuada quis, egestas quis, wisi. Donec ac sapien. Ut orci. Duis ultricies, metus a feugiat porttitor, dolor mauris convallis est, quis mattis lacus ligula eu augue. Sed facilisis. Morbi lorem mi, tristique vitae, sodales eget, hendrerit sed, erat. Vestibulum. Nam uut, massa. Fusce urna magna,neque eget lacus. Maecenas vitae ante et lacus aliquam hendrerit Vestibulum eget purus vitae eros ornare adipiscing. Vivamus nec quam. Integer vestibulum malesuada libero. Sed vehicula fermentum leo. In condimentum. Nullam wisi arcu, suscipit consectetuer. Vestibulum imperdiet nonummy sem. Vivamus sit amet erat nec turpis tempus consequat. Praesent amet.

VISTAALSUR Revista de Cine y FotografĂa

Estreno en Colombia, septiembre 3 , 2010

VISTAALSUR Volviendo al agua a Laura C con cariño

La cultura en Bucaramanga tiene perro que le ladre

Algunos de uds nos conocieron, a principios de este siglo, haciendo ruido y soñando con una publicación en papel, que comenzó flaquita y azul, y ter minó, siete números después, gorda y marrón, llena de vida y de deudas que ninguna de nuestras lágrimas podía pagar. Pero h ay f u e g o s q u e n o s e mueren, o al menos no se mueren fácil, y el cine y la fotografía nos siguen gustando tanto o más que hablar de ellos, de modo que, aprovechando que ya el luto se nos pasó y que podemos hacer con lo electrónico muchas cosas sin arriesgar el arriendo o la universidad, vamos a dar de nuevo el salto al agua de las letras, no con tanto estilo gráfico y conceptual cómo al principio (qué sólo nos alcanza para plantillas) pero sí con todas las ganas de entonces. Esperamos no defraudar. Les queda pues, igual que antes, este espacio dispuesto para ver, leer, comentar, participar (sí, buscamos quien escriba y quien muestre; no, no pagamos un centavo), para soñar, decir y contradecir. Hablemos, hablemos que tenemos, al menos para eso, los minutos gratis. Saludos, pues.

Sue単a no aplican restricciones

Una campa単a de vistaalsur

VISTAALSUR /00 Volviendo al agua agosto 15 de 2010 Contacto revista@vistalsur.com Colaboran:: Andrea Echeverri J. Andrea Navarrete Carlos Mario Pineda Daniel Alfonso León Edson Velandia Iván Darío Hernandez Iván Gallo Nelson Cárdenas Oswaldo Osorio Ricardo Pradilla Jaime Barajas Agradecimiento especial a Carlos Reyes LePaliscot

espacio disponible sólo para ud.

Distribución gratuita

CONTENIDO Retratos de un mar de mentiras!

10 12

Cuento de Verano! ! ! ! Decidir o no decidir, esa es la cuestión.

Dos hermanos! ! ! La familia no se escoge

Un hombre soltero! ! ! ! La vida con baja saturación de color

!Fotos no¡! ! ! ! ! La imagen en los tiempos de la paranoia

Aguanta, aguanta, no te vengas, ¡bájese!! !

La Sociedad del Semáforo! La Musiqué de la Peliculiê

Espacio Suspendido! !

Días de Radio! !

World Press Photo!

Galería! !

La foto de carné que no queremos mirar

El Origen Mucho ruido, pocas nueces Las enseñanzas de Dom Cobb Garcia Ejercicio a medias

Las sombras de Murnau

Nelson Cárdenas Mompox, Bolivar 2009

RETRATOSDEUNMARDEMENTIRAS “Nadie es una isla completo en si mismo; cada hombre es un pedazo del continente, una parte de la Tierra. Si el mar se lleva una porción de tierra, toda Europa queda disminuida, como si fuera un promontorio, o la casa de uno de tus amigos, o la tuya propia; por eso la muerte de cualquier hombre me disminuye, porque estoy ligado a la humanidad; y por consiguiente, nunca preguntes por quién doblan las campanas: están doblando por ti.”

John Donne

La foto de carné que no queremos mirar Por Carlos Mario Pineda / fotogramasalaire@hotmail.com

El cine ha sido reconocido como un eficaz medio de propaganda: Leni Riefenstahl es la prueba más célebre de ello: hizo un retrato magnificador de Adolf Hitler. Pero hacer propaganda es buscar presionar la mirada y la concepción del espectador sobre lo que se presenta. La magnificencia vista por la Riefenstahl en Hitler quería que fuera compartida por el público. Pero el cine puede ofrecer otra versión para plantear la realidad: el testimonio (que no es lo mismo que el cine documental); eso es lo que busca Carlos Gaviria en Retratos en un mar de mentiras (2010). Tan clara es la posición de Carlos Gaviria que Gustavo Petro y José Obdulio Gaviria se reunieron con el cineasta para debatir las posturas ante lo que la película plantea. El filme les sirvió a ambos de herramienta para intentar demostrar tesis -que el espectador decidirá a quién le da la razón*-. José Obdulio considera que la película tiene poco valor cinematográfico y que no posee elementos para entrar en la historia del cine colombiano. Esa postura es errónea y para demostrarlo hay argumentos

precisos: la película sí tiene valores, y no están sólo en el argumento, razón que él asumiría para no incluirla. El cine además del argumento, se compone de imágenes y sonidos (música, diálogos, ruidos –algunos olvidan el silencio, como componente-). Si lo importante fuera sólo el argumento el cine no existiría porque en su lugar seguirían el teatro, la literatura, la historia, el ensayo, la política, la economía… cumpliendo la labor de contar. La narración es el elemento diferenciador del cine ante el teatro y la literatura, por ejemplo. Y es en la narración donde se encuentran las ventajas de Retratos… los planos que muestran el país en el cual se puede pasear sugieren postales turísticas, empañadas por retazos de realidad lastimosamente para los detractores de la propuesta-: desplazados, casas abandonadas, cambuches, miseria, propaganda política de años anteriores…que se puede asumir como cuota doble de responsabilidad de esas situaciones. Según el director, la gran mayoría de esas imágenes son documentales, testimonios que están en las carreteras colombianas hacen casi una década.

VISTAALSUR

RETRATOSDEUNMARDEMENTIRAS La foto de carné que no queremos mirar La decisión de combinar grandes planos de paisajes en carretera, algunos en los cuales aparecen campesinos en su labor de cultivo o recolección, con planos más cerrados de cientos de personas desplazadas demuestran la intención narrativa del cineasta. Así como un escritor elige cada palabra según múltiples variables del mismo modo, cada plano debe tener una intención creativa, no sólo para hacer más claro el relato. Así como la fotografía tiene un cambio evidente entre el presente y el pasado, con una luz más amarilla, lo que le da más calidez a la imagen. Con ese cambio de luz y de color, el espectador tiene una posibilidad de lectura desde la infancia de esa protagonista que perdió a su familia en el momento menos esperado y de modo cruel. Planos más cerrados aun -medios y primeroslos reserva Gaviria para explorar la realidad emocional de Marina, su protagonista, con la que obtuvo un gran acierto al elegir a una actriz con formación pero cuya cara no tiene trayectoria televisiva en el país. Paola Baldión convence desde el principio y para ellos los recursos son muchos: una actitud corporal limitada, movimientos imprecisos, posición encorvada, ausencia de diálogos, mirada evasiva. Y aspectos aun más sutiles –en una época en la que le están poniendo poco cuidado a los pequeños detalles-: manos con uñas sin cuidar, corte de cabello y peinado que remiten a precariedad económica, poco maquillaje o uno que diera esa impresión. Además, una actitud de seguridad cuando camina o corre descalza en cualquier superficie. Por eso, los planos cerrados podían explorar la caracterización que Paola hizo de Marina, porque Gaviria estaba seguro de que su película no se desmoronaría por ahí.

Si la actuación de Paola es fuerte se debe a la estupenda decisión de poner su lenguaje verbal en el límite mínimo, casi en la precariedad que se asocia a los de muy bajo cociente intelectual con lo que, al descubrir que esa precariedad es fruto de la violencia a la que se ha visto sometida, el impacto para el espectador es devastador. A su lado Jairo, el personaje de Julián Román, actúa como catalizador: compensa con los excesos verbales el mutismo de ella. Un detalle rompe la solidez de este personaje: el color de los dientes. Las sonrisas Pepsodent en el personaje de un desplazado, buscavidas, culebrero y habitante de un barrio de miseria en Bogotá quedan forzadas. Pero es un aspecto menor ante la claridad de lo que pretende lograr la película. La música es otro aporte fuerte al conjunto de la obra. Cuando se decide combinar la cultura popular del centro del país con la de la costa Caribe y de paso, se arriesga en el empleo de música vocal con tintes religiosos para ciertos momentos, la propuesta musical tiene que estar bien elegida. María Mulata alcanza a crear momentos diferenciados para situaciones también diferentes que se presentan durante ese azaroso viaje. Podrían haberse ceñido a un sólo registro que “rellenara” algunas escenas pero, la propuesta es más amplia, con mayor riqueza pues, asume la diversidad del país que recorren los personajes, las condiciones geográficas, emocionales y psicológicas a la par que, depura los ritmos. Los flashbacks presentan diversos niveles sonoros. Algunos tienen música mientras que en otros, es más importante el impresionante y ensordecedor grito de la niña que es aplastada por la realidad de la violencia colombiana.

La foto de carné que no queremos mirar

Y como José Obdulio se centra sólo en el argumento, hay que pensar que es el fruto de un guión, que en este caso estuvo guardado más de 10 años. Como expresó Carlos Gaviria en una conversación al final de la primera proyección en Medellín: después de ese tiempo, en el momento en el que la película fue viable, fue necesario hacer cambios en el guión porque el país en estos últimos años ha cambiado mucho. Cada quien podrá decidir si Gaviria sintió que había mejorado o no. Y en ese relato hay elementos ineludibles que retratan al colombiano promedio: un paramilitar de aquellos que asesinan a la familia de Marina y la desplazan al lado de su abuelo, viste una camiseta negra con un eslogan: No al aborto, y él porta un fusil con el que asesina a varias personas. La doble moral colombiana que presenta a los políticos y empresarios mientras rezan para salir a (o después de) dar la orden de formar uno de esos grupos paramilitares. Los muertos que Marina ve son un recurso eficaz para trasladar la tragedia de este país a las vivencias del ciudadano de la ciudad que no conoce más que las noticias de esas muertes. La inserción de esos muertos vivientes en núcleos sociales determinados facilitan la elaboración, para dar significado preciso a la destrucción del tejido social de las comunidades. La maestra que intenta evitar que Marina repita el ciclo de ser víctima es otra visión del miedo de este país: los que no nos fuimos nos quedamos, con miedo.

VISTAALSUR

RETRATOSDEUNMARDEMENTIRAS

Retratos en un mar de mentiras es la segunda versión de desplazados que produce el cine colombiano, y es una buena muestra de que se puede seguir haciendo una lectura de la historia reciente, con la calidad necesaria para que el público conjugue humor y drama y genere reflexiones en quienes podrían asumir responsabilidades y proponer cambios sustanciales. Publicado en Nexos, año 22, edición nº 159 de julio de 2010, Medellín *Se encuentra el video fragmentado en 3 partes en youtube.

VISTAALSUR

ELORIGEN

1.Mucho

ruido, pocas nueces

por Carlos Mario Pineda

Nolan sorprendió al mundo cuando realizó Memento (Amnesia, 2000) aunque no era su primera obra y comenzó a ratificar esa sorpresa con Insomnia (2002) pero ese director se ha desdibujado mucho. Si bien The Dark Knight (2008) corresponde al director que los cinéfilos esperarían ver la nueva película es de lo más pobre que se puede conseguir en cartelera. La introducción corresponde a la más simple película de acción para dar paso a las explicaciones tipo preescolar: “si estás en mi sueño yo pongo las condiciones.” A partir de allí, la reiteración de tópicos se sucede de manera vertiginosa. Dice Doc Comparato que la story line es el resumen básico de un argumento: un futuro en el que se puede ingresar al sueño de otro (sinapsis

compartidas) sirve de marco para una pelea empresarial. En la ciencia ficcion escrita para el cine –o adaptada- no hay casi nada nuevo que proponer: Strange Days (Kathryn Bigelow, 1995) había propuesto la posibilidad de grabar los impulsos cerebrales en momentos de alta tensión, para traficar con ellos como si fueran drogas y The Cell (Tarsem Singh, 2000) había invitado a ingresar a las fantasías de otros por medio de la conexión de las sinapsis de dos cerebros; T he Matrix (Hermanos Wachowski,1999) y Avalon (Mamoru Oshii, 2001) planteaban la realidad como algo imaginado que cubría otra realidad que el espectador terminaba sin saber si era la real o si era mejor la ficticia

que la otra. eXistenZ (David Cronenberg, 1999) asume que el video juego se puede conectar por medio de un puerto biológico en el organismo humano. Combinando partes de las películas citadas aparece Inception y no hay nada nuevo en la propuesta de Nolan. ¿Por qué elogiar una película como Inception? Porque la danza de los millones de dólares no se puede detener y el espectador está perfectamente amaestrado para vibrar, re í r, s u f r i r o re s p o n d e r d e m a n e r a programada. Los mecanismos de aproximación a la obra como tal se pueden develar y lo que queda es poco y pobre. Algunos comentarios de espectadores muestran hasta qué grado es eficaz la elaboración que una superproducción consigue: “la película requiere de esa música”, “no usaron casi recursos de estudio para filmar las escenas de acción”… Un análisis más detallado nos permite ver que aquello que se hizo fue tomar las herramientas narrativas y ponerlas juntas. Las películas basadas en video juegos exitosos son ya casi un género. Todo parece mostrar que como el público cambia de edad, los videojuegos no son eternos con lo que, las películas tampoco pueden considerarse éxitos seguros. Si Tron (Steven Lisberger, 1982) sorprendió al mundo con una idea que revisada hoy es muy ingenua, Nolan no puede escudarse en la ignorancia de la estructura de los videojuegos: niveles superpuestos, llenos de pruebas que superar y enemigos para derrotar. No hay nada más detrás de ellos: aunque algunos conocedores dicen que aquellos inspirados en juegos de rol son más elaborados. La estructura dramática también es la más clásica de todas: héroe blanco, norteamericano, heterosexual debe superar dos pruebas: conseguir un resultado para un jefe que lo amenaza y recuperar a sus hijos (el amor filial está puesto en el mismo registro que el de pareja). El modelo clásico de Hollywood se diseñó desde la primera década del siglo XX (entre 1908 y 1914) y no ha cambiado. Han cambiado las tecnologías y las sociedades en las cuales se relata pero no el relato en sí. Aunque no se permite el desliz con la arquitecta, el personaje que interpreta DiCaprio puede ser un ser inmoral en la vida

VISTAALSUR

ELORIGEN

pero es un padre responsable y atormentado por la separación de sus hijos. De hecho el motivo central de todo el argumento es de un básico que produce urticaria: una pelea empresarial que usa espionaje y los medios más sucios para conseguir sus objetivos. Amén de la actuación del ex-Titanic la película puede pasar sin pena ni gloria en la elaboración de personajes, máxime cuando el argumento termina siendo un híbrido entre MacGyver y Misión Imposible (la versión de televisión). Sería el colmo que una producción de esta envergadura no ofreciera lo mínimo en el aspecto visual. Lo tiene todo controlado en ese aspecto, sin embargo, y muy a pesar de la fuerza visual algunas secuencias son ridículas: la ausencia de gravedad en el espacio del sueño obliga a una resolución de la situación, de modo casi infantil. Y visto un efecto sorprendente una vez, la segunda ha perdido toda la eficacia y se convierte en juegos pirotécnicos: mucho ruido momentáneo pero nada detrás de eso, después. Lo que es innegable es la precisión del trabajo musical: Hans Zimmer conoce su oficio, lo realiza con precisión y los efectos que requiere la obra cinematográfica los alcanza, se diría que casi sin esfuerzo. Michel Chion sostiene que la música desencadena la e m o c i ó n d e l e s p e c t a d o r y u n a ve z desencadena, no hay elementos racionales para valorar el producto fílmico. Eso sucede con la música de esta película. Toda se hizo “fríamente calculada”. Si un espectador común, en la primera visión de la película, pudiera abstraerse de la música vería otra versión de la misma. Más de la mitad del trabajo de convencimiento acerca de la calidad del producto final es mérito de la orquestación, de la emocionalidad que desencadena la música. No es para nada gratuito que el videojuego tenga efectos musicales. El ejercicio propuesto para un espectador es: consiga el CD con la música de la película, póngala pensando en lo que vio y verá cómo, esa música consigue ponerlo en un estado de ánimo específico, cercano al que tenía en la sala de cine. Pero ahora, no tendrá las imágenes, no son ellas las que despiertan esa sensación. A eso se llama efectismo: crear un efecto que por otros medios no se logra.

VISTAALSUR

ELORIGEN Esos medios deberían ser el argumento, los diálogos, la fotografía, la actuación, los movimientos de cámara, el montaje, los planos elegidos, etc. Pero en Inception, como en muchas otras películas modelo Hollywood (pueden ser hechas en Colombia por ejemplo), no es lo visual lo que prima sino lo sonoro y de ahí, se desprende el “éxito” que está teniendo en Medellín y que ya tuvo en Bogotá.

2. El Origen o las enseñanzas de Dom Cobb por Iván Gallo

El cine es algo más que manipulación musical. Se compone de muchos más elementos. Y si es el cine que aspira a alcanzar la categoría de arte, ese plus que lo pone en ese sitio, no requiere de argumentos llenos de trucos. Hasta lo más simple puede conseguirlo, vean sino El olor de la papaya verde (L´odeur de la papaya verte, Ahn Hung Tran, 1993).

¿Somos reales o tan solo somos el sueño de otro hombre? Esta idea que perturbaba a Borges en uno de sus cuentos más célebres ha sido abordada con maestría por, tal vez, el director más interesante que tiene ahora Hollywood: el gran Cristopher Nolan.

No puedo decir que entendí la película, desentrañarla es jugar al cubo Rubik. Yo carezco de sentido común y por lo general una película que vaya regando tantas claves termina por aburrirme. Por lo general son películas auto referenciales donde el director casi siempre asume la posición de "Miren que astuto soy, ustedes no pueden desenrendar ese nudo" pero no había otra forma de encarar una película que está más emparentada con El espejo que por ejemplo con Matrix o Avatar como más de un idiota se ha atrevido a afirmar. El cine es un invento que no sólo sirve para contar historias sino para retratar los sueños. La literatura te puede abrir una puerta a lo onírico, el cine te lo puede

VISTAALSUR

ELORIGEN mostrar. El Origen reafirma al cine como la más eficaz máquina de sueños. Contar el argumento sería tan absurdo y aburrido como contar un sueño. El origen no está hecha para ser narrada sino para ser vivida. Entré de día y cuando salí ya era de noche, habían pasado, que se yo, tres horas o dos minutos, ¿Para que putas sirve un reloj? ¿es que todavía creen que la vida puede ser esto? Es un verdadero milagro que todavía se atrevan a invertir 200 millones de dólares en una película que es una alucinación, en un rompecabezas mágico que se niega a cerrarse en un aburrido final. Se han atrevido a afirmar que esta película tiene problemas de guión porque no se entiende como si la belleza necesitara algún tipo de explicación. Lo impresionante es que éste equipo de manipuladores del inconsciente resultan reales, como un niño te sientas, abres la boca y sin rechistar crees todo lo que ves: Arquitectos del sueño que construyen realidades para que vos puedas caminar por allí mientras te vigilan, metaciudades levantándose del suelo, millonarios excéntricos que son capaces de darte una fortuna

En medio de la podredumbre de lo obvio Nolan, como lo hizo con El caballero de la noche, nos vuelve a regalar una idea original, repleta de interpretaciones impresionantes de planos bien filmados y un montaje sencillamente delirante.

con tal que logres incubar una idea en el cerebro de un poderoso enemigo. En medio de la podredumbre de lo obvio Nolan, como lo hizo con El caballero de la noche, nos vuelve a regalar una idea original, repleta de interpretaciones impresionantes de planos bien filmados y un montaje sencillamente delirante. Después de ver El origen sus sueños cambiarán, es como ver en fílmico el gran anhelo de Fellini, poder filmar Las enseñanzas de Don Juan. Manipula tu

inconsciente, piérdete en tu sueño, da la gran patada y sobretodo no creas que te has despertado del sueño, sólo puede ser uno más de una larga hilera de muñecas rusas en la que te has metido y sobre todo si una manada de perros salvajes vienen hacia ti, dispuestos a devorarte no busques despertarte, a lo mejor la única salida es salir corriendo y evitar el limbo del sueño eterno. Tomado de http:// elateneista.blogspot.com/

VISTAALSUR

GARCÍA

Ejercicio a medias Por Carlos Mario Pineda

Una ópera prima es un ejercicio de salto al vacío sin muchas ayudas para la caída. Se puede tener el conocimiento del oficio en otras áreas afines al cine, o los resultados de los trabajos académicos en el mismo medio (cine) pero nada garantiza el resultado. En Colombia, los primeros maestros (aquellos formados en academia) no tenían más que antecedentes de películas pero ninguna infraestructura. Hoy, un director que comienza no puede parapetarse para excusar sus errores en la ausencia de condiciones. Desde la aplicación de La Ley de Cine en el 2003, el número de producciones ha crecido, así como las participaciones en festivales internacionales y en parte, se ha recuperado público nacional. En ese contexto general aparece García, una obra con un guión demasiado reforzado, que se convierte en su peor lastre: la relación de García y su esposa, la infidelidad de la

mujer, la simulación del secuestro para esconder el engaño, la aparición de brasileros compradores de droga (que son asaltados por error), la imposición de un oficio de sicario a alguien que ni lo hubiera imaginado entre muchas otras cosas, hacen de este filme un producto que tira más al fondo del desastre que a la superficie de la flotabilidad. Los aciertos son también muchos pero, buenos elementos sueltos no dan como resultado un producto completo en su totalidad, y sin exagerar puede ser un fracaso. García no es un fracaso pero estuvo cerca de terminar en ello. Aciertos: la elección de Damián Alcázar como actor protagónico. Ya había trabajado en el país al lado de Andi Baiz en Satanás (2007) y aunque tiene en su haber una carrera sólida con más de 50 títulos, para muchos fue un descubrimiento porque no lo recuerdan en El crimen del padre Amaro (2002), por ejemplo. De hecho, en esa primera

Ejercicio a medias participación en Colombia, su trabajo consiguió neutralizar el acento a tal nivel que, muchos nunca se enteraron de que no era mexicano. Esa capacidad para abordar un personaje, para darle un cuerpo coherente, para apropiarle características identificables en una cultura son los que hacen de Alcázar un actor de carácter y no un mero hombre que se aprende un parlamento y lo repite bien. La complejidad de su personaje se percibe en cada uno de los matices. Los seres humanos tenemos muchos rostros y ésos, pocas veces aparecen en cine, en donde la dimensión queda reducida a un perfil mínimo, para no exigirle demasiado al espectador. García es un celador que como hombre tiene amor, pero como sujeto económico es un muerto de hambre con lo que, como esposo se convierte en un tacaño y como ciudadano ni se pregunta qué es eso. Y esa una sola de las lecturas posibles del personaje. Al lado de él, Margarita Rosa no cuadra. Es difícil creer que una mujer con la belleza, la vitalidad, la sagacidad y la ironía que asume se quede en un matrimonio con ese hombrecito gris. Ni siquiera la religión se propone como buena justificación para esa estadía. Y con esa inverosimilitud, la película empieza a cojear. Fabio Restrepo tiene elementos para ser parte de una producción de esta envergadura pero, necesita dirección y la que recibió lo dejó huérfano. Los movimientos físicos están automatizados y repetitivos con lo que hay un rango muy limitado de aparecer en pantalla. Rápidamente el personaje se desdibuja: sus líneas de diálogo son divertidas pero más allá de eso, al personaje le falta mucha elaboración. Algo similar ocurre con Víctor Hugo Morant a quien puede no negársele la experiencia en teatro, pero teatro y cine no son el mismo medio. La música es agradable y sigue la línea de la composición cinematográfica: acompaña, refuerza, inicia o culmina una acción. Una apuesta más arriesgada no se da. En una película que permitía esa exploración musical para construir por ejemplo leitmotivs con los dos personajes protagónicos, sólo aparece una referencia a la nacionalidad de los brasileros. Que, de paso, es una decisión torpe: de la nada aparecen esos dos personajes (necesarios para justificar la escena de enfrentamiento entre García y su esposa) y de inmediato, en un bar suena música brasilera. La posibilidad de que eso se diera era –siendo conservadores en la cifra- una en mil. ¡Y cayó en una! Además, un error imperdonable es que los brasileros no hablan en castellano –y parecen entenderlo poco- y sin ton ni son, uno de ellos ¡lo habla!

VISTAALSUR

GARCÍA

Los aciertos son bastantes con lo que la película flota sin hundirse plenamente. La fotografía es impecable. La parquedad del personaje, la monotonía de su vida, la ausencia de sueños –la casa es un sueño de su esposa-, la incapacidad para ver la inutilidad de sus esfuerzos justifican la paleta de color: grises, azules y colores poco vivos que se compensan con el amarillo de los zapatos de Amalia, confieren al relato una constante visual precisa. Igual que la iluminación que no es plena siempre pero que cuando necesita que sea así, se mantiene en su rango de sensaciones y sentimientos para dar los matices al argumento. Las locaciones y la ausencia de algunos elementos escenográficos es otro gran acierto. A pesar de que se habla de los buseteros de la ciudad, no aparecen como un elemento esencial. La casa de campo está rodeada de pantano, el interior tiene el deterioro de la cocción con leña o del paso del tiempo, el barrio donde vive García remite a los barrios de las películas italianas de posguerra o aquellas entrañables con Sofía Loren o sus contemporáneas. El vestuario y la dirección de arte complementan bien la decisión de tener esas locaciones. En justicia, la película tiene altos y bajos. Muchos. La imagen memorable es la que presenta al personaje protagónico aunada a la pequeña escena de la resolución de la diferencia entre los esposos. Tanto la ruindad sin intención de García como el tedio y la antipatía de Amalia se ven bien representados en esos dos momentos. Para el espectador es evidente porqué cada uno decide lo que decide, en el momento en que lo hace. Una ópera prima no es un juego de niños pero sí es una puerta abierta para mirar en el interior de las posibilidades. Esta puerta nos deja entrever que con trabajo, los resultados que puede obtener el director, José Luis Rugeles, son más acertados.

VISTAALSUR

CUENTODEVERANO

Decidir o no decidir, esa es la cuestión Por Andrea Echeverri Jaramillo

Para recordar a uno de mis directores favoritos, muerto este año, hoy recuerdo su Cuento de verano. Eric Rohmer es un verdadero autor, porque desde que, con sus compañeros de la Nueva Ola, en sus comienzos de crítico, acuñó el concepto de autoría en el cine, expresado en la marca que tiene cada artista al realizar su obra, en su estilo propio, en oposición al cine de industria, Rohmer mantuvo una producción continua y coherente, con su marca imborrable, compuesta en su mayoría en torno a ciclos de varias películas que giran sobre un elemento común. Sus últimos filmes se agrupan en los Cuentos de las cuatro estaciones, entre los que se cuenta el de Verano. Rohmer, fiel a sí mismo, nos entrega una historia limpia, carente de excesos visuales y sonoros, donde lo único espectacular es la sutileza de la transformación interior de su personaje

masculino, que se escruta en sus gestos y, sobre todo, en los diálogos que sostiene con las tres mujeres que lo rodean. Es verano, por supuesto, y así Rohmer se evita tener que darles una ocupación a sus personajes; nada nos distrae, pues, de lo que importa en el filme, que no es otra cosa que los sentimientos y las decisiones, como es habitual en el universo rohmeriano. Gaspard, interpretado por Melvil Poupaud, es un chico que no sabe lo que quiere. Va a la costa de Bretaña para encontrar a Léna, de quien parece estar enamorado. Allí conoce a Margot, personaje sugerente encarnado por Amanda Langlet (Pauline en la playa), con la que entabla una amistad profunda, y a Solène, una joven coqueta y caprichosa. La actividad de los personajes se limita casi a pasear por la playa, a ir a lugares cercanos y, sobre todo, a conversar. A través de los

VISTAALSUR

Decidir o no decidir, esa es la cuestión

diálogos que sostienen Gaspard y Margot, nos introducimos en el mundo de indecisión del muchacho, que espera siempre que el destino opte en su lugar. Nunca toma la iniciativa; las chicas que conoce tienen que abordarlo, llevarlo de la mano en la dirección propuesta. Así, se va tejiendo una red de relaciones; él ha llegado solo a Dinard, y con los días deberá decidirse entre tres chicas, aunque, como siempre, espera que el azar lo libre de tomar una decisión. Por supuesto, no tomarla es también decidir. Además de conversar, Gaspard hace música. En la costa bretona hay una gran tradición de cantos marineros, y Margot, estudiante de etnología, lo lleva a conocer a un viejo marino que canta para ellos. A partir de ahí, el joven decidirá componer una canción de marino, dedicada a Léna, pero que finalmente regala a Solène. La melodía se va haciendo familiar, y al final de la película es casi seguro que salgamos tarareando esa letra «Je suis la fille du corsaire…». Ni Gaspard ni el espectador encuentran al final una respuesta cierta, pero sí alivian su alma. Las vacaciones se acaban, dejando dos posibilidades de amor inconclusas y, más importante, una amistad construida y afianzada, que da fuerzas para la partida.

VISTAALSUR

DOSHERMANOS

La familia no se escoge Por Oswaldo Osorio

Un hermano puede ser un extraño íntimo. Porque los hermanos pasan buena parte de sus vidas juntos y, por lo general, la vida entera en contacto permanente, pero de todas formas, en lo profundo, pueden ser unos desconocidos entre sí o, incluso, es posible que cada cual diga que, de no ser hermanos, nunca aceptaría al otro como amigo. En esta película ocurre algo parecido. Dos personalidades contrarias, unidas por la sangre y por la soledad de la cuasi vejez, que al mismo tiempo conviven y se enfrentan, se deprecian y se aman.

mirada del director y lo que, a la larga, termina mostrándonos de ellos y de su relación lo que puede hacer la diferencia.

Daniel Burman, su director, fue uno de los protagonistas del Nuevo Cine Argentino, el cual se dio desde mediados de los años noventa y se constituye en el único movimiento de renovación en el cine latinoamericano en cuarenta años. Es un dato significativo, porque da indicios de que estamos ante un cineasta con carácter y experiencia. Tal vez sea quien más éxito ha tenido de su generación y de ese nuevo Pero esta cinta va más allá de lo tediosa que movimiento, que aún no se ha hecho viejo. parece su historia por la descripción inicial de Sus películas tienen unas temáticas y un tono sus componentes. Es cierto que está hecha de muy similares a ésta, son historias que la pura cotidianidad de unos personajes en denotan casi una obsesión del director por las general ordinarios, quienes además relaciones familiares, con todo lo que ello protagonizan una historia en la que tampoco implica: los afectos, la variedad de personajes, nada extraordinario ocurre, pero es en la la emotividad, la identidad o la falta de ella,

La familia no se escoge

VISTAALSUR

DOSHERMANOS

entre otras cosas.

Aunque no todo es tan simple como parece, como da a entender esa recreación de su cotidianidad y ese Luego de la muerte de su madre, Susana y Marcos solo conocido esquema de amor-odio. Porque es posible se tienen la una al otro. Ella es mitómana, también hacer lecturas de circunstancias y sentimientos embaucadora y exasperante, mientras que él es más ocultos, como todo lo que implica la reprimida tranquilo, adaptable y un poco imbécil. Por momentos homosexualidad de él o la muda angustia de ella por la no se sabe para dónde va todo el asunto, porque se trata soledad y por no poder controlarlo todo. De ahí que de una serie de situaciones triviales, diálogos anodinos y para ver esto y más, hay que sintonizarse con la lógica y detalles cotidianos sin una trama precisa. Pero poco a el ritmo de esta particular propuesta, que en principio poco va tomando forma. Con la lenta pero consistente puede irritar, pero que en perspectiva termina siendo construcción de la pareja protagónica, se va develando una obra inteligente y divertida. un sentido del relato que va más allá de dibujar un argumento. Publicado el 30 de julio de 2010 en el periódico El Colombiano de Medellín. Porque la historia que aquí se cuenta pasa por varias etapas: de la parsimonia de un relato sobre actos cotidianos, a un drama de situaciones absurdas, para finalmente recalar en una sobria comedia picaresca sobre las manías de dos hermanos y su relación de afecto y repulsión. En medio de esto, se dan unos momentos divertidos y otros realmente lúcidos y de gran fuerza, como cuando, con la excusa de escuchar lo que dicen en el apartamento de al lado, los hermanos lo que escuchan es los ecos de su relación llena de resentimientos, conflictos y nostalgias. Entonces aquí se evidencia aún más que mientras la hermana pone todo el drama y la exasperación de lo que puede ser la familia, el hermano pone la paciencia y la comprensión, también la falta de voluntad. Por eso, en últimas, terminan complementándose.

VISTAALSUR

UNHOMBRESOLTERO

La vida con baja saturación de color por Nelson Cárdenas

La depresión es una cosa extraña. O al menos extraña a los ojos del observador externo. Aunque todo lo que se supone que brinda la elusiva felicidad, o la idea que se tenga de ella, esté presente, el deprimido no logra subirle el tono al gris oscuro con el que le sale la vida enfrente a sus ojos. La química corporal desequilibrada le impide al cerebro encontrar más que razones para la desazón, razones que en otros momentos serían tontas o cuando menos entendibles, ora se tornan poderosas, perfecta y claramente deseperanzadoras. George (Collin Firth) pasa por el triste hueco de la viudez y para peor de su dolor, el tiempo en el que vive -principios de los 60 y con la crisis de los misiles sonando al fondo- no le da espacio para su dolor. Ser homosexual en esa sociedad (y en esta aún) le priva de poder acercarse tan siquiera a la familia de su marido para sobrellevar la pena. Y el sinsabor lo consume lentamente. No

encuentra asidero ni en su gran amiga (Julianne Moore) ni en el ardor del sexo, ni en nada. Y es ahí donde radica, a mi parecer la gracia de esta obra, en el paseo por la profundidad de un sentimiento de un hombre que ha decidido que este sea su último día. El enlace que se llega a obtener con la percepción que George tiene del mundo es contundente. Hasta la saturación de color de la película, bien bajita excepto en los raptos de dulzura que se acompañan de un color normal y cálido, ayudan a entender al profesor y el peso en su alma. Curiosamente y para bien de lo que signifique, el tema “ser homosexual” no se torna drama y más bien se asume como otro elemento de la historia. “Vivo un momento en mi vida en el que soy un ciego para las diferencias entre lo gay y lo heterosexual. Yo soy gay, siempre he sido totalmente abierto al respecto y para mi sólo existe una única condición humana y es la que todo hombre en nuestro planeta vive” dicen

don Tom Ford. Cuenta el alma simplemente. El profe George descarga al mundo de lo accesorio y adjetivo, aprovecha su decisión y se queda con lo que importa, con lo que no tiene etiqueta, con lo que queda cuando removemos lo aprendido. Como si nos descubriera la vida entera, esa que canta Fito en Zamba del Cielo “la vida es este río de maravillas y de dolor” cuando su tren ya parte con tranquilidad, porque partir también es una opción. Deslumbra en Un Hombre Soltero -hasta casi hostigar- la perfección de las tomas y los ambientes, reflejo de la capacidad casi enfermiza del director, diseñador salvador de Gucci e Yves Saint Laurent, por los detalles. Nada está fuera de lugar, ni una brizna de luz, ni un gesto, ni uno sólo de los sonidos.

Foto tomada de http://inthesity.wordpress.com/2006/04/

Todo en su punto como en una foto de publicidad y sin embargo todo va hacía el hoyo negro de la muerte. Sartre decía, no recuerdo la cita bien, que la vida era algo que ocurría entre la nada de no haber nacido y la nada de la muerte y que por tanto carecía de importancia. Y tal vez sea cierto, tal vez sea sueño todo esto y decidir quedarse o irse no es tan trascendente como pareciera. Bien puede uno mirar extasiado los colores reflejados en los ojos de sus hijos o bien apagar el interruptor para volver a la nada que somos. El viejo dilema del vaso a medio llenar. Un buen empiece, sin duda, para esta opera prima de un director que parece haber nacido maduro al cine.

¡Fotos

No¡

La imagen en los tiempos de la paranoia. Un nuevo embeleco recorre el cuaderno de órdenes de los encargados de la seguridad de este país: Prohibidas las fotos. Por mezquindad, por paranoia o por qué no se sepa, las fotos son ahora mal vistas. Soy fotógrafo, y como corresponde a mi oficio, que más que oficio es afición, hago fotos por donde voy. De hecho, cargo mi cámara en mi sempiterno morral, siempre con lentes, memoria y batería suficiente para lo que se me pudiera antojar u ofrecer. Nunca sabe uno donde va a estar esa escena

preciosa, que bien puede servir para la colección infinita de imágenes o para el banco de escenas típicas que a veces puede uno vender y que muchas veces le dan a uno para pagar sus servicios públicos en tiempos de escasez.

VISTAALSUR

¡Fotos no!

La imagen en los tiempos de la paranoia Recién llegado, como soy, a Bogotá, para mis ojos casi todo es nuevo y suelo pasearme por los sitios ícónicos de la ciudad, claro cuidándome de no exhibir demasiado la cámara con tal de no ser blanco de la abundante delincuencia. Pero para mi sorpresa, no han sido los amables rateros (que se han dedicado a robar a otros prójimos) quienes me hacen difícil disparar mi aparato fotográfico, sino toda suerte de personajes propios de este habitat llamado Seguridad Democrática: celadores, policías, perros anti explosivos, soldados, agentes encubiertos, uno que otro escolta y hasta la gente de algún partido de izquierda. Todos a una con un ¡fotos no! en su boca, cada cual por distinta razón. Primero me tocó en El Museo de El Chicó. “Aquí fotos no” me explicó el recepcionista celador “porque es que este un ente privado y sólo se permiten si ud. paga una tarifa de 300.mil por una hora”. Sorprendido ante la desorbitada oferta traté de explicar: “Pero es que yo no voy a fotografiar con modelos, ni con luces, ni siquiera quiero fotografiar el interior del Museo (para descartarle de plano que no quería fotografiar las obras como paso previo a robármelas después, que las cámaras se asocian ahora con actos oscuros), sólo quiero fotografiar la fachada, serán por ahí 10 minutos”. Nada; impasible, me repitió el casete de lo privado y los 300 Gaitanes . Bueno, pensé, es un ente privado y en su casa cada quien hace lo que se le antoja. Luego me pasó en el edificio de la 67 con 7 donde mora una empresa de comunicación de gran compañía y audiencia, y algún ex presidente de voz aflautada. Mientras esperaba afuera en el andén sentado a que saliera Deysa, me dediqué a matar el tiempo fotografiando el sol en los edificios vecinos contra el cielo de la tarde. No acababa de sacar la cámara cuando se me acercó un celador con un perro de cara de pocos amigos (el perro y el celador) a decirme (el celador) que no podía fotografiar. Como tenía tiempo y ganas de discutir, le dije que no, que no podía prohibirme tomar fotos en la calle a lo que se me antojara y que si quería, llamara a la Policía. Pues la llamó, y presta apareció en la forma de dos agentes medio aburridos del chicharrón de un necio que no entendía las

reglas de la Seguridá Paranoica. Yo arranqué a decir, después de mostrarles mi morral, mi carné de fotógrafo (ya hace unos años aprendí que debo mostrar un plástico que yo mismo hice con mi nombre, mi foto (para comprobar que yo soy yo) y datos personales para que la ley no me detenga a cada rato por mi cámara) que fotografiar en la calle no requiere permiso, porque la calle, según me enseñaron en casa, es de todos, y que si querían me llevaran preso por porte ilegal de cámara y toma con fines terrorista de fotos. Ya se estaba calentando la cosa, pero decidí darles la razón porque finalmente iba para cine y no me iba a perder la función, más teniendo en cuenta que ya la luz se había acabado. Pero bueno, pensé, a los agentes de la ley y el orden los joden si no hacen cumplir la micro ley que cada dueño de edificio quiere imponer. Luego un domingo en el Parque Nacional llegué tarde a un tropel que se había formado porque unos policías medio novatos trataban de correr a uno vendedores de alguna chuchería (las cosas de la ley y el orden) y unos fotógrafos de mochila, supongo de la Nacional y socialbacanos, les habían tomado fotos ejecutando su encomiable labor de protección ciudadana. El caso es que se querían llevar no sólo a los vendedores, sino a los fotógrafos atrevidos que fotografiaban el acto sin permiso (al parecer se necesita permiso para fotografiar la realidad, porque la realidad como tal no necesita permiso), y claro, pues saqué mi cámara y mi hechizo carné amarillito de fotógrafo, para unirme al tropel mientras, disparando mi cámara, gritaba que “yo también estoy tomando fotos, llévenme preso”. “No sea sapo, periodista” respondieron los verdes. Al final el tropel se disolvió con la presión de la gente, pero a mi la espinita me iba quedando en la garganta. La tapa de la olla, la espinita que me hizo escribir estas líneas, me tocó hace un par de días en el Parque del Renacimiento. Aprovechando la tarde de verano de sol y cielo azul me fui a hacer unas tomas del parque en mención. Ni bien saqué mi cámara, que es una gorda reflex, me llegó la celadora para decirme que para que eran las fotos. “Para nada en particular. Soy fotógrafo y tomo fotos”, respondí seco. “Pues aquí no

¡Fotos no!

La imagen en los tiempos de la paranoia puede tomar fotos sin previa autorización del IDR no sé qué”. “Pero este es un parque público ¿no? O sea, también es mío ¡¿por que no podría tomar fotos?¡ “Porque ud las puede usar luego para venderlas y la Alcaldía no recibiría nada por ello”. Pues por supuesto que no ha de recibir nada porque el que trabaja soy yo. Además el gobierno ya recibe de mi pagos cada vez que cojo el Transmilenio, compro la leche o voy al cine” Igual, la celadora estaba en modo de “prohibido” y sólo pude conseguir de ella que me llevar a con el administrador, el cual me repitió la dosis, y aunque trató de mostrarme el decreto reglamentario anti fotógrafos no lo consiguió porque estaba embolatado comentando por el radio con los otros celadores el hecho de que el Distrito aún no les pagaba el salario. Al final me trancé por firmar un documento en el que juraba y recontrajuraba que no usaría las imágenes con fines comerciales, firma que finalmente no hice, porque el parque no es muy fotogénico, y menos cuando le han hecho dar a uno un mal rato. Yo me pregunto ¿Sigue siendo la calle un sitio público? ¿Las fachadas de los edificios y las calles son ahora personas que tiene derecho a no querer ser fotografiados?¿Necesitamos los fotógrafos ahora licencia para fotografiar, a riesgo de ser considerados ser sospechosos? ¿Sospechosos de qué, me pregunto yo, de robarles el alma cómo creen algunas culturas? Dan hasta risa sus medidas de seguridad que prohíben cámaras grandes, como si quien los quisiera espiar no pudiera hacer fotos más discretas con un celular y efectuar penetraciones más efectivas que una simple

foto. Mientras esto pasa, las cámaras de seguridad, instaladas en todas partes, desde cruces de calles hasta en buses intermunicipales, registran a su gusto nuestras caras cada día, sin mencionar las chuzadas a discreción que ejecutan sin pudor las fuerzas de seguridad e inseguridad de este país. Eso sin mencionar la manía insoportable de algunos de tomar fotos y subirlas al CareLibro con los nombres de cada uno para que otros miles les vean tomándose una cerveza, con tanga en la playa o rascándose el ombligo. Prohibir fotos por seguridad en lugares públicos es tan absurdo como esa costumbre, que ya casi se vuelve un saludo de bienvenida, de los centros comerciales que exige a sus celadores hacer abrir las maletas buscando no se sabe que (les he preguntado directamente a los celadores y ni ellos saben), o la de pasar unos espejitos por debajo de los carros a la entrada de los parqueaderos, cómo si quien fuera a por bombas las llevara a la vista. Aún me acuerdo de esas fotos tomadas al pasar en el centro de las ciudades que uno reclamaba días después al lado del Tía, como un testimonio de su desprevenido caminar por la calle. Pero ya no es posible. Si toma fotos en el centro, aparte de querer hacerse robar de gratis, se puede estar exponiendo no sólo al reclamo airado del fotografiado, sino también al apremio de los y las que cuidan ya no sólo la vida, honra y bienes de quien les pague, sino también, cosa divina, la imagen sus edificios.

VISTAALSUR

Las sombras de Nosferatu Por Iván Gallo

Nació en Cesjt a pocos kilómetros de donde yacen las ruinas del castillo de los Nadasdy. Era hijo de Nublina, la humilde y famosa curandera del pueblo. Ella fue la que le inculcó el miedo de andar de noche en el bosque "Cuando el sol se esconde y se lleva la claridad empiezan a salir de entre la maraña los resplandescientes ojos de los demonios"

recuerdos, ese miedo siempre latente para incorporarlos en sus personajes. Esa intensidad fue una impronta en su carrera, tornándolo en el primer actor de cine en usar su propio dolor para caracterizar un papel. Corría el año 1921 el conocido productor y amante del ocultismo Henrik Garleen buscaba desesperadamente hacerse con los derechos de Drácula, la célebre novela de Bram Stocker, por entonces muy en boga en todo el mundo. Envalentonada por el repentino éxito del libro la viuda de Stocker quería un dineral. Garleen buscó la forma de convencerla pero todo fue imposible, así que decidió hacerle algunos cambios a la historia, Drácula se llamaría El Conde Orlock, así como un par de nombres más y lugares geográficos cambiarían, pero era obvio de donde se basaba la historia, de modo que la viuda demandó y bueno eso, es harina de otro costal.

Pocos bosques guardaban tan malos recuerdos como ese. En lo alto de la colina se vislumbraba el castillo de Erzhebet Bathory. Las brujas que tenía a su servicio bajaban de noche como una niebla y se llevaban a las jóvenes vírgenes. Mas de setecientas jóvenes fueron desolladas vivas para distraer el ánimo siempre inquieto de la Condesa. A pesar del pasado glorioso de su marido, el héroe nacional Ferenz Nadasly fue juzgada y condenada a pasar el resto de sus días en la torre más alta de su castillo, torre que caprichosamente aún se El caso es que antes de buscar un director Garleen se mantiene en pie. fijó y se obsesionó con Schreck: él sería su vampiro. Nublina con su dedo torcido le señala la torre "En las Para dirigirlo, bueno, que más que Murnau, el genio noches de luna llena se puede ver como las brujas indiscutible del expresionismo alemán. Como es bien todavía bajan en bolas de fuego y si no hay niebla sabido Nosferatu se convertiría junto, con el Doctor podrás ver en la torre la silueta de la Condesa". Desde Caligari, en el manifiesto estético de una nación. Si en entonces temblaba ante la sombra de un sauce el sur de Europa todo es luz, en el norte el hombre se confundiéndolo con un espectro demoníaco. ha tenido que enfrentar de lleno con la oscuridad. En la tundra alemana habitan duendes, vampiros, brujas, no Muchos años después cuando se unió a la compañía del confíes en el hombre que te encuentres al lado de un gran maestro Constantin Stanislavsky aprovecharía esos lago, arrastra un baúl con monedas de oro, te ofrecerá

Las sombras de Nosferatu todas las riquezas, todos los amores a cambio de tu alma. Esas sombras que se mueven en el bosque no es tu sombra, ni la de tu acompañante, es el espíritu que habita en la tundra y siempre te vas a chocar con él. Durante la década del 20 afloraron los movimientos ocultistas en Alemania, uno de los más obsesionados con el tema era Galeen. En Nosferatu él volcó todo lo que sabía de satanismo y sombras. La financiación de la película corrió a cargo de una misteriosa productora llamada Prana, entre cuyos directivos había gente introducida en los círculos alemanes de las ciencias ocultas. El principal responsable de la producción fue un dibujante y pintor reconvertido en diseñador artístico, se llamaba Albin Grau. Su interés por el esoterismo llegó a la obsesión, incluso llegó a abandonar toda actividad artística para adentrarse en el mundo de la magia.

hipnotismo y que el actor hizo el papel hipnotizado. Murnau decía por ejemplo que fueron muy pocas las indicaciones que le impartió, prácticamente el construyó su personaje solo, en ese castillo búlgaro a la sombra de los hijos de la noche. Tal vez la razón por la cual Henrik Galeen escogió a Schreck fue porque sabía de su infancia en Cesjt. Poca gente está tan cerca de otros estados de la conciencia y el hijo de la curandera era uno de ellos, por algo cuando su vida se acababa en un mugriento manicomio, no recordaba sus películas sino a la sombra de la Condesa delineada por la luna llena.

Tonio Alarcón en su ensayo Imagen en sombra resalta los conocimientos que gente como Grau o Galeen le imprimieron a la película "El activo uso de la sombra del personaje de Orlock más que remitir la influencia del teatro de Max Reinhardt o a la del Expresionismo, responde a un concepto extraído del libro Dogma y ritual de la alta magia del esoterista Eliphas Levi". La sombra de la bendición es la maldición. La oscuridad representa dentro del filme el lado demoníaco del mundo. Está más que claro que Galeen y Grau impusieron a Murnau detalles oculistas que se reflejan por ejemplo en las cartas de Orlok a su servidor Knock, repletas de auténticos signos esotéricos "Tomados por el productor del filme de viejos grimarios y tratados alquímicos" Está visto que la afición hacia el gran mago Eliphas Levi rayaba en una erudición desmedida. Galeen y Grau sumaron esfuerzos para convertir a Schreck en un verdadero Nosferatu. Valiéndose de la obsesión que sentía el actor hacia su arte, lo encerraron poco antes de que comenzara la filmación en un viejo castillo búlgaro que presumiblemente había pertenecido a una poderosa y temible bruja. Lo encerraron con todos esos fantasmas durante dos meses. Salió pálido y frío como quien regresa de una tumba. La leyenda dice que nadie lo volvió a ver comer en público. Los técnicos aseguran que mientras duró la filmación Schreck no dejó de ser Drácula por un instante. Se llegó a especular que Galeen lo sometía a extensas sesiones de

Aguanta, aguanta, no te vengas, ¡bájese! La delgada diferencia entre porno y eros Por Iván Daríó Hernandez Jaramillo

Chuparme 5 películas de sexo explícito para este artículo fue toda una proeza. Ver 15 pornos para sacar cinco que aguanten la venida es casi tan duro como ``actuar’’ en 2.000.

1) Wolke 9. A los viejos también se les para.

4) Shortbus y la delgada línea entre el porno y lo

erótico. Máximo dos equis. La Shortbus y así usted me diferencia entre este filme y alegue que no, si tiene otro oficialmente XXX es que pornografía: trío de gays, auto lo exhiben en circuitos de cine tragada de semen, beso negro, culto y no en Esmeralda eyaculada en la pared, orgías Pussycat. Un drama erótico y otros, hacen de este filme una película con poderoso, portentoso y sobre todo muy bastante contenido dramático, brillante e arrugado sobre el sexo a los 70 años y la inteligente que se saltó, se vino, se metió y se infidelidad sin miramientos de generación. comió la delgada línea entre el mero erótico y 2) Garganta Profunda o el la escena explicita. clítoris perdido y encontrado.

Referencia obligatoria de cine 5) 9 canciones o 9 pornográfico en la historia. orgasmos. Tiene más presencia la señora Ejemplo de todo lo que puede del servicio de la casa del hacer una mujer insatisfecha y vecino que la actriz de esta desesperada para tener placer película, o que digo, la como cualquier otra. Filme de muchacha con cuerpo de culto que no debe verse solo por su contenido muchachito y por si una erótico, muy suave por cierto, sino por cultura película erótica lo que hace es quitarle una general. erección en lugar de dársela, vea por la 3) Cali Sex. No es nalgar ni ventana a su vecina y aproveche la banda Tirardot pero si Vello del sonora de 9 canciones, que para este caso es Cauca. uno de los mejores en la historia del cine. Nalgas tan firmes como flan o una gelatina sin sabor, testículos de un morado berenjena y pechos caídos como teta de loca, conforman este torbellino de excitación para recordar en los baños de Terraza Pasteur.

Árbol que nace torcido amanece más temprano.

Chapulín Colorado, 1976

Una campaña de vistaalsur

VISTAALSUR

LA SOCIEDAD DEL SEMÁFORO

La Musiquè de la Peliculié POr Edson Velandia

Me la pasé media vida creyendo que me dedicaría a hacer cine. Hice algunos videos. Leí sobre cine y vi las películas que pude. Luego, después de adormecerme durante 4 años en un frenesí productivo entre video, teatro y música, que más que productivo era narcótico, vino una reflexión importante: "o hago cine, o hago música, o hago algo, o no hago un culo". Y entonces decidí volver a vivir con mis viejos. Así podría controlar mejor los excesos. Necesitaba algo que me diera tranquilidad, algo hermoso. Y entonces empecé a hacer música Rasqa. En esos días apareció Rubén Mendoza en mi vida, en Bogotá, en casa de Coco, el actor de la Candelaria. Y algo surgió, ahí en la humareda dulce. Poco a poco, con los meses, Rubén me devolvió al cine. Sería extenso narrar con detalle, pero algún día llegó este man a mi casa en

Piedecuesta, en un carro, con el Mono y con Nicolás, quienes serían sus colaboradores en el video clip "El sietemanes", canción del disco ONCE RASQAS de mi banda Velandia y La tigra. Delicia de video. Y a los dos días hicimos otro clip, el de "Dejo". Un video que terminó siendo el homenaje en vida a una mujer hermosa que nos dejó de esta vida y que había sido una de las personas más importantes para mí en aquellos cuatro años de delicias sin pausa. Y de paso, en ese clip ella se convirtió en un ángel para quienes estuvimos en ese rodaje. Valga la oportunidad para dedicar la música de La Sociedad Del Semáforo a esa jovencísima realizadora, señorita preciosa, que se fue sin avisar. Un día Rubén me dijo que hiciera la música de su cortometraje "El corazón de la

mancha". Era la oportunidad de hacer algo sabroso pal oído y el ojo. La hice. Y una llamada a media noche me dejó claro que entre el tal Mendoza y yo había mística. "Hijueputa, qué felicidad", decía el loco por el teléfono. Estaba feliz por la música que yo le había enviado por internet. Y yo de ahí pa’ abajo no pude dormir más de saber que había logrado complacer a un director que no es, ni mucho menos, sordo. Rubén hace muchas películas al mismo tiempo y tiene muchos amigos músicos. A todos y a cada uno nos ha encargado la música de alguna de esas películas cortas. Pero venía el largometraje, su ópera prima (así llaman esa mierda, que ni es ópera, ni es prima), su Sociedad Del Semáforo. Y yo que sabía de Rubén desde que leía revistas de cine que hablaban de él y de su exitoso corto "La cerca". Y pensaba: "con este man me gustaría trabajar algún día". Aunque teníamos varios videoclips y la música de uno de sus cortos en nuestro catalogo, aún me parecía que hacía falta algo. Pues, como un convocado a la selección de futbol me sentí cuando el boyacense Mendoza me dijo que le hiciera la música pa’ su largometraje. “Ay, ahora sí me toca a yo", pensé con arrogancia. Y cómo no, le iba a hacer la música a la película de mi antes desconocido admirado y ahora cómplice y ñero, Rubén Mendoza, nominado en Cannes y conocido hasta en la misma China, un

personaje. Para esos días ya empezábamos a volvernos hermanos, a trascender la amistad y a convertirnos en almas gemelas, en sangre de la misma sangre. Y compré unos cuadernos pentagramados y empecé a escribir pepas pa’ la película. En eso me la pasé un buen tiempo, desde antes de empezar el rodaje. Leí el guión y me atrapó. Yo que había leído mucho sobre música para cine y había estudiado con un maestro que también hizo música para cine, y que pa’ que lo mento si no he de ponerme rulos con los honores de otro. Sin embargo de poco o nada servía todo lo leído y estudiado. Cada obra de arte es volver a empezar, a inventar. No lo digo como quien recita leyes, lo digo porque es la obra misma la que le estrella a uno esa realidad en la jeta. Así que todo lo que había escrito en esos cuadernos pentagramados no servía pa’ ni mierda. Una cosa es la música, otra cosa es la música para cine. No se puede andar suponiendo no más lo que puede o no funcionar. Hay que meterse en el rollo. Conocer la naturaleza de la película. Esta película estaba siendo realizada con mucho riesgo, mucho vértigo. Mucha improvisación, permitiendo la espontaneidad de los actores y jugando

VISTAALSUR

con la cámara más allá de los planes del guión. Compartí con los protagonistas "Raúl" y "Cienfuegos" en un viaje que armó Rubén a Umpalá, Santander, donde habíamos grabado el clip de "Dejo". Son de esas cosas que hace Rubén y que hacen de su cine algo más allá del arte. Es más bien una comunión con sus amigos con los que rueda. Esto fue después de rodada la peli y gracias a ese encuentro maravilloso en el campo, en el río, en la historia de esas dos personas hermosas que ahora están inmortalizadas en el lente de Rubén, me adentré en el planeta de la película. Se me estallaron las pepas. Programamos una fecha para grabar la música, y llegó la fecha y yo no tenía nada. Justo una tarde antes de la llegada de Rubén a Piedecuesta compuse una canción que necesitábamos para una escena particular, tenía que ser canción, y tenía ser en la onda de DEJO, y la hice como pariendo un perro por la boca. Llegó Rubén y lo recibí con esa sorpresa. Algo me decía que sería un acierto. Y lo fue. La hice para él más que para la película. La hice porque en esos días Rubén necesitaba (sin saber) volver canción su más reciente asesinato. Y yo le dije "brindemos por el fracaso, mi hermano". Era perfecto el pretexto porque en la película iba a funcionar esa emoción, y yo no podía inspirarme en algo ficticio, necesitaba algo real. Así que esa canción "Calavero" hay que escucharla sabiendo que es el propio Rubén el que habla. Después de una noche donde planeamos el guión de la música juntos, nos fuimos a grabar a la banda de Piedecuesta, tal como quería Rubén, música hecha en Piedecuesta, y unas horas antes escribí unas pepas, muy pocas, unos esquemas simples. Pensaba que necesitábamos una textura apropiada, más que una melodía o una intención. Además que la intención ya estaba implícita, porque la música sería Rasqa, y la Rasqa se toca con huevas y ovarios, como los que tienen los de la sociedad del semáforo. Lo demás ya lo cuenta Mendoza muy bien. Hay otra pieza que es una canción mía que a Rubén le parecía buena pa’ una escena, yo la volví a grabar para darle un color acorde a lo que veníamos haciendo, otra forma de producirla más grasienta como es la peli. Y una que otra cosa por aquí y por allí, que suena a veces suavecito pa’ que se sienta pero no se escuche. Entre esas, la participación del santo del demonio, Negro Navas con su ya célebre canción LA PEPA DE LA MARIHUANA, y mi viejo, el que me heredó las

mañas, que se declamó por ahí una vainita que ya verán. Esta es pues es mi primera película, es el premio a mi amor por el cine. Porque es un amor de muerte el que tengo por el cine y aquí en la Sociedad del Semáforo no hice más que chuparme ese amor. Dedicada a la gran Kelly Toloza.

VISTAALSUR

Espacio suspendido Espacio suspendido igual que el rastro que deja el último vuelo de un pájaro. Esta memoria susurra en los caminos del tiempo el lugar donde habitas en la ausencia. No estás y desde entonces los pájaros huyen de rama en rama.

Andrea Navarrete

VISTAALSUR

Días de Radio Texto y fotos de

Daniel Alfonso León

Me fijé en ella porque llegó a toda prisa a la emisora comunitaria, una mujer joven y sonriente como muchas otras, quizás más trabajadora pero también más callada que las demás. Me di cuenta que sacó de su mochila una pequeña nota escrita a mano en hojas de cuaderno, ahí se encontraba el motivo de su prisa y afán. Ella fue atendida y a los pocos minutos en el programa de la tarde se anunciaba un saludo especial a un hombre que se encontraba de cumpleaños en una de las veredas del municipio, el mensaje remataba diciendo “feliz cumpleaños, te queremos mucho. Atentamente: Su esposa e hijo”.

Emisora comunitaria La Voz de la Inmaculada, Rionegro, Santander

VISTAALSUR

Días de Radio Me tomó un par de minutos entender de qué se trababa esa frase medio amorosa, mientras tanto la radio no paraba de sonar, varios mensajes habían llegado hasta ese momento y de manera inusitada me encontré en medio de muchas voces las cuales estaban involucradas con lo que en ese lugar estaba pasando. Así pude saber que la radio comunitaria comprende muchas cosas que van desde la organización social, pasando por la vida cotidiana hasta llegar a los sentimientos, las emociones y desventuras que cada quien posee, son retratos que ayudan a contar qué se quiere, cómo se vive y por qué… “así las cosas estén difíciles”. "Días de radio" es una provocación desde la imagen para entender quiénes hacen y escuchan la radio comunitaria en el Magdalena Medio. Una voz urgente y apremiante que sigue cruzando el río y las montañas de cinco departamentos y así como doña Mercedes, quien por medio de la radio hace su declaración pública de amor, otros hombres y mujeres esparcidos por el territorio también tienen algo que decir y opinar. La radio comunitaria hace parte de una manifestación intrínseca de lo que está pasando en el territorio. Sus mensajes, sus formas de narrar, su canto y cada uno de sus detalles nos muestran cómo se hacen comunes lo que antes era de unos pocos. Sin embargo, en medio de todo esto, se sigue trabajando en bajar los tonos y recuperar la autonomía de los silencios. Los invitamos a que disfruten, opinen y aporten durante este recorrido y no olvidemos que como patrimonio cultural, las emisoras comunitarias sintonizan muchas historias que a lado y lado del río hace la vida más llevadera, estando más juntos, estando más informados.

Rionegro Barrancabermeja

San Vicente de ChucurĂ

VISTAALSUR

VISTAALSUR Payares El pregonero del Pueblo, Emisora Comunitaria San Sebastiรกn Stereo,

36 Morales, Bolivar

VISTAALSUR Estas niñas en Simití Bolívar, usan su espacio en la emisora para hablar sobre los Derechos de los Niños y las Niñas, prevención de la violencia doméstica y sexual y claro, sobre que van a hacer cuando sean grandes.

Días de Radio 38

VISTAALSUR Coplero Cristobal Plata ALIAS La Marrana, Emisora Betuliana Stereo, Santander, listo para salir al aire.

DĂas de Radio 39

VISTAALSUR El Diablo del Parque, como el mismo se denomina, no hace mรกs que escuchar los anuncios de

40 Betuliana Stereo, Santander.

VISTAALSUR

WORLD PRESS PHOTO

(en Bogotรก)

VISTAALSUR

WORLD PRESS PHOTO (en Bogotá) La versión LII del World Press Photo, que tuvo la participación de casi 6.000 fotógrafos de 128 países y que premió este febrero pasado en Amsterdam a 62 de ellos en 10 categorías, va a estar expuesta en Bogotá Este año el ganador del primer premio fue el italiano Pietro Masturzo (derecha) con una foto que muestra a una mujer sobre la azotea de un edificio en Teherán al cierre de las elecciones presidenciales de 2009. Sobre ella el jurado Ayperi Karabuda Ecer comentó: La foto muestra el comienzo de algo, el comienzo de una historia tremenda. Le da perspectiva a la noticia, te toca desde lo emocional y lo visual por igual; mi corazón saltó hacia ella inmediatamente. La exposición estará abierta al público en la Galería Foto Tito del Centro Comercial San Martín (Cra 7 con 32) de 10 a 20 hrs y su entrada tendrá un valor de 12.000 pesos, con descuentos para grupos y boletas gratis para nuestros lectores (mira el anuncio). Contacto en Colombia: Laura Alayon alayonh@gmail.com

Pagina anterior. 1 Premio, Noticias generales, toma simple. Kent Klich, Suecia La luz entra por el hueco en el techo, hecho por un disparo de un tanque israelí en Tuffa, al norte de Gaza. La familia que vivía ahí había huido durante la Operación Plomo Fundido que el ejército israelí efectuó al fin de diciembre de 2008. Mohammed Shuhada Ali Ahmed, de 39 años, que había vuelto a recoger ropa para su hijo murió en el impacto.

World Press Photo del 2009 Pietro Masturzo, Italy Mujeres gritan su protesta desde una azotea de Teherán el 24 de junio de 2009, tras una muy disputada elección presidencial. El resultado había dado el triunfo al presidente Mahmoud Ahmadinejad sobre el candidato de la oposición Mir Hossein Mousavi, pero hubo denuncias de fraude. En las semanas que siguieron Ihubo violentas manifestaciones en las calles. Por las noches la gente gritaba desde las azoteas, un eco de las protestas que tuvieron lugar en 1979 durante la Revolución Islámica.

VISTAALSUR

1er premio Naturaleza toma simple Joe Petersburger, Hungría, Colección National Geographic. Un martín pescador atrapa un pescado cerrando su tercer parpado, el cual lo protege al entrar al agua de daños en sus ojos, pero, siendo parcialmente transparentes, le permite seguir su presa bajo el agua.

VISTAALSUR 1er premio de Historias Arte y Entretenimiento Kitra Cahana, Canada, Colors magazine El Rainbow gathering es un festiva anual que se lleva a cabo en el feriado del 4 de julio en los diferentes parques nacionales de los E.U. Uno de los objetivos es celebrar la inclusi贸n social y hacer una oraci贸n por la paz. El festival atrae a cientos de adolescentes en fuga y viajeros, apodados The Dirty Kids. En 2009 tuvo lugar en el Santa Fe National Forest, Nuevo M茅xico

VISTAALSUR

1er premio, Historias de Vida Diaria Gihan Tubbeh, Perú Adrian de 13 años, tiene autismo y vive en Lima Perú. Le fascina la televisión. Le encanta tocar la pantalla y sentir la textura de la corriente estática.

VISTAALSUR 2º premio, Gente en las Noticias, Toma simple David Guttenfelder, USA, The Associated Press Soldados norteamericanos toman posiciones defensivas después de ser hostigados por fuego Talibán, en el Valle Korengal, Afganistán, el 11 de mayo de 2009. El especialista Zachery Boyd estaba con sus calzoncillos I love NY cuando tuvo que salir de prisa a apoyar a sus colegas.

VISTAALSUR

GALERĂ?A

Ricardo Predilla. Her. Las Vegas, Nevada 2010.

GALERÍA

Jaime Barajas Luis y su cabra Zapatoca, Santander 2010.

Suspendisse feugiat mi sed lectus aoreet nec interdum por Trenz Pruca

Algunos dicen que con los españoles llegaron las cabras, sin embargo en la Guajira colombiana cuentan las comunidades Wayuu que antes de la invasión ya existían, y en las tumbas indígenas del Cañón del Chicamocha se han encontrado trompetas hechas con sus huesos. La maestría en el andar de arrieros y campesinos, muchas veces descalzos los dos, salta a la vista cuando les vemos en los riscos y desfiladeros, “como Pedro por su casa”.