Guitars magazine 10 2010 by Vladimir Pigarev

Начало истории гитарных усилителей VOX было положено в 1957 году. Потребовалось всего лишь несколько лет, чтобы AC15 и AC30 стали легендой, ассоциирующейся со звуком Британского Вторжения не только в Англии, но и во всем мире

компания VOX появилась на заре эпохи рок-н-ролла и, развиваясь вместе с ним, оказала огромное влияние не только на всю современную музыкальную индустрию, но и на музыку в целом

A & T

T r a d e

э к с к л ю з и в н ы й

Сегодня компания VOX по праву олицетворяет классику гитарного звучания, и многие современные производители безропотно принимают его оригинальный звук как эталон для подражания д и с т р и б ь ю т о р

v o x

н а

т е р р и т о р и и

р о с с и и ,

у к р а и н ы ,

ma g a zine GUITARS и с т р а н б а л т и и

б е л а р у с и

A & T

ma g a zi ne GUITARS T r a d e э к с к л ю з и в н ы й

д и с т р и б ь ю т о р

l i n e

н а

т е р р и т о р и и

р о с с и и ,

б е л а р у с и

А з е р б а й д ж а н а

Fender G-DEC 3 Fifteen это потрясающий своими возможностями новый комбо для домашних занятий и записи. Упакованный всеми необходимыми функциями, включающими в себя цифровое моделирование усилителей и эффектов для любого стиля музыки, 100 пресетов — большинство из которых созданы всемирно известными гитаристами, и огромная коллекция музыки для занятий и джема. Также он включает в себя специальное программное обеспечение Fender FUSE™ — это ключ для создания, подключения и управления всеми параметрами вашего G-DEC 3 Создайте свой собственный арсенал гитарных звучаний и практикуйтесь со встроенным в G-DEC 3 лупером или используя его богатую коллекцию трэков «минусовок» в .mp3 и .wave, записанных известными студийными музыкантами Лос-Анdжелеса, Лондона, Нэшвиля и Нью-Йорка. Это трэки самых различных стилей, от рока до блюза и от латино до метала

Мощность: 15 и 30 ватт Количество пресетов: 100 Выход для наушников: 1/8’’ USB разъем Слот для SD-карты

Комбо снабжен многофункциональным слотом для SD-карты памяти, с помощью которой вы можете переносить записи и различные трэки с комбо на компьютер и обратно. Также важной функцией, разумеется, является разъем USB, позволяющий записывать все напрямую в компьютер, управлять всеми пресетами и загружать дополнительные трэки из интернета напрямую в комбо. В комплект поставки входит диск с программным обеспечением Ableton® Live Lite 8 Fender Edition и AmpliTube® Fender LE

A & T

T r a d e

э к с к л ю з и в н ы й

д и с т р и б ь ю т о р

f e n d e r

н а

т е р р и т о р и и

р о с с и и ,

у к р а и н ы ,

ma g a zine GUITARS и А з е р б а й д ж а н а

б е л а р у с и

Номер журнала, который вы держите в руках, можно сказать, особенный. Это наш юбилейный десятый выпуск и мы гордимся тем, что несмотря на не самые благоприятные условия для выхода в свет гитарных журналов, мы все-таки продолжаем свое дело, оставаясь единственным в нашей стране изданием для тех, кто играет на гитаре. Особенностью этого номера будет сильнейший акцент на музыкантах – людях, которые радуют и вдохновляют нас своей игрой. Еще ни в одном из наших предыдущих выпусков не было так много материалов о, собственно говоря, гитаристах и, разумеется, басистах. Marty Friedman, Yngwie Malmsteen, John5, Wes Borland, Ritchie Kotzen, Joe Bonamassa – все эти звездные имена определяют гитару сегодняшнего дня. Равно как и Markus Miller с Billy Sheehan заполняют собой все пространство умений и стилей игры на басу. Традиционно не обделены вниманием и российские музыканты – для публикации в юбилейном номере мы встретились с патриархом отечественной музыки – маэстро Алексеем Алексеевичем Кузнецовым, который щедро поделился с нами всеми секретами своей неувядающей музыкальной молодости. Также мы снабдили этот материал интереснейшим ретроинтервью десятилетней давности, которое взял Александр Авдуевский. Одним из приятных событий, случившихся в жизни нашего журнала, является обретение собственного корреспондента в Лондоне – одной из музыкальных рок-столиц мира. Великолепная Алиса Хаттон специально для нашего издания взяла несколько интервью со звездами мировой гитары (Friedman, Sheehan, John5, Kotzen) и обещала продолжать работать в этом же направлении для материалов следующего номера. Невозможно было пройти мимо двух главных (по степени ажиотажа) событий последнего времени – фильма «It might get loud» и проекта ChickenFoot. Разумеется, мы не остались в стороне и также опубликовали материалы на эту тему. Традиционно на последних страницах журнала вы увидите фоторепортаж с очередной гитарной фабрики, где нам удалось побывать. На этот раз настал черед Gibson. И, разумеется, мы не могли не уделить внимание новинкам гитарного оборудования: очередная модель стратокастера от Eric Johnson, новые гитарные силуэты от Ibanez, революционная беспроводная система Line6, миниатюрная голова от Vox, ламповая классика от Marshall, винтажные модели Epiphone и много других интересных вещей из гитарных магазинов можно найти в статьях на наших страницах. В общем, жизнь продолжается. И сейчас, когда вы читаете эти строки, мы уже начали работу над следующим номером. Играйте на гитарах и будьте счастливы.

С ер г е й Ты н к у

Гл а в н ы й р е д а к т о р tynku@guitarsmagazine.ru

А л е к с а н д р А в д уе в с к и й Старший эксперт content@attrade.ru

Те й м у р И с м а й л о в Э к с п е р т, р е д а к т о р i s m ay l ov @ a t t r a d e . r u

Дмитрий Белинский

Ваш Guitars Magazine.

Арт-директор c r e a t i ve @ a t t r a d e . r u

мы с вами уже несколько лет, и вы держите в своих руках юбилейный десятый выпуск нашего журнала для тех, кто увлеченно играет на гитаре

А л е к с а н д р А н т он о в

Фотограф photo@guitarsmagazine.ru Литературный редактор и корректура текстов :

Ольга Стрекачёва

s t r e k a c h e va @ r a m b l e r. r u

на обложке: Маркус Миллер – виртуоз бас-гитары со своей подписной моделью Fender Marcus Miller Jazz Bass фото : Александр Антонов

GUITARS

ma g a zi ne

контактная информация и выходные данные журнала Жу р н а л G u i t a r s M a g a z i n e . И з д а т е л ь и У ч р е д и т е л ь : З А О « А Т Тр э й д » Гл а в н ы й р е д а к т о р : Ты н к у С . А . А д р е с р е д а к ц и и : 1 0 9 1 4 7 , г. М о с к в а , у л . М а р к с и с т с к а я , д . 3 , с т р . 2 Те л . ( 4 9 5 ) 6 0 4 - 1 9 - 7 0 e - m a i l : r o c k @ s o u n d m a n a g e . r u w w w. g u i t a r s m a g a z i n e . r u Отпечатано: ООО «ФПК Полиарт» Адрес: 109316, Москва, ул. Сосинская, д. 43 Ти р а ж : 5 0 0 0 э к з . Свободная цена

Ж у р н а л G u i ta r s M aga z i n e зарегистрирован в Федеральной службе по надзору в сфере связи и массовых коммуникаций: ПИ № Ф С 7 7 - 3 3 0 6 2 о т 5 с е н т я б р я 2 0 0 8 г о д а. За содержание рекламных материалов редакция о т в е т с т в е н н о с т и н е н е с е т.

70 166

146

стр.

Портрет 34 стр. А лексей Кузнецов – Полвека не предел

стр.

Интервью

стр.

6 стр. Markus Miller – Все дороги веду т в фанк 70 стр. Billy Sheehan – Работать за двоих 96 стр. Wes Borland – Пилигрим в гриме 106 стр. Yngwie Malmsteen – Гений без злодейства 120 стр. R ichie Kotzen – Ж изнь после шреда 132 стр. Joe Bonamassa – Блюз не догма 152 стр. John5 – Хороший, плохой, кру той 174 стр. Marty Freidman – Гитарный космополит

инстру мента рий

стр.

48 6 стр.

23 стр. Gibson ES-335 – Юбилейное издание 24 стр. Vox Night Train – Он уеха л в ночь 26 стр. Epiphone Custom Historic Wilshire – Продукт эпохи 30 стр. Epiphone Lennone / Wilshire – Бюд жетный винтаж 48 стр. Fender Eric Johnson Strat – Дубль второй 54 стр. Gibson ES-339 – «Банка» д ля « досочников » 64 стр. Ibanez Darkstone – Обаяние зла 66 стр. Line6 X3 Pod Pro – Ядерный чемоданчик 84 стр. Yamaha BB – Грув-машина 90 стр. Yamaha RBX A 2 / Yamaha RGX A 2 – Воздушные силы 102 стр. Ovation iDea – А кустический хай-тек 104 стр. Line6 Relay G30 – Ра дио у ходит в цифру 114 стр. Marshall JMD-1 – Долгож данный ответ 118 стр. Marshall Class 5 – Британский к ласс 128 стр. Seymour Blackout – Переосмысление « активки » 130 стр. Epiphone EJ200 – Фамильное сходство 146 стр. Joe Bonamassa LP – Родом из детства 150 стр. Ibanez JTKB200BS – Стиль важ нее моды 166 стр. Fender A merican Special – Народное американское 172 стр. LАG A rcane – Французский бу тик

стр.

Фоторепортаж 186 стр. А кустика Gibson – Отшельники Монтаны

стр.

Обзор CD и фильмов

стр.

14 стр. It Might Get Loud – Из всех искусств 60 стр. Chickenfoot – Банда пацифистов

в создании журнала принимали участие: Максим Алтухов, Михаил Ануфриев, Натаван Емельянова, Артур Булатов, Семен Попадюк, Петр Репин, Сергей Васильев, Наталья Воронова

стр.

118

Ф о т о г р а ф ы : С е р г е й Го р б у н о в , А л и с а Х э т т о н , А р с е н и й Б е л и н с к и й , L I N X Y С п а с и б о з а п о д д е р ж к у В л а д и м и р у М а р к о в и ч у, А н н е Ку л и к о в о й , Ю р и ю Щ а г и н у и Д м и т р и ю Ку з н е ц о в у.

стр.

GUITARS

ma g a zine

«Я изучал так много вещей! Я учил соло Джона Колтрейна, я учил соло Пола Чемберса, Реда Гэрланда, пианиста, который играл одно время с Майлзом. Я изучал все его приемы. Очень важно учить все, что только можешь, брать настолько много, насколько можешь взять, – таким путем ты получишь большой объем нужной информации»

«Я очень мало играл на шестиструнном басу. Забавный инструмент. Но я больше предпочитаю четырехструнный бас. Его ограничения по регистру заставляют работать твое воображение. zi ne GUITARS ma обg aиспользовании пятиструнного баса с высокой пятой струной «до», а не с низкой «си» 6Я подумываю

Не секрет, что компания «Музторг», помимо продажи музыкальных инструментов, активно сотрудничает со знаменитыми артистами, устраивая концерты, мастер-классы и автограф-сессии. Вот так, благодаря этой компании обычная осенняя суббота превратилась в настоящий басовый праздник – в Москву приехал Его Величество Маркус Миллер со своей новой программой «Tutu Revisited». В магазине «Музторг на Таганской» состоялась автограф-сессия легендарного бас-гитариста, на которой все желающие смогли заполучить заветную

подпись на свои диски, пластинки и даже бас-гитары. Однако, помимо автограф-сессии, «Музторг» не забыл и о нашем журнале, пригласив Игоря Мальцева и меня для интервью с великим музыкантом. И вот мы расположились в кабинете директора магазина – где до этого бывали такие звезды, как Стив Вай и Джо Сатриани. Маркус Миллер оказался очень открытым и веселым человеком, готовым на долгую беседу. За окном шел холодный дождь, а мы сидели, будто старые друзья, пили чай и беседовали с, пожалуй, самым главным бас-гитаристом современности… Тим Исмайлов

MARCUS MILLER р

КОГДА БАС - ГИТАРА УМЕЕТ ДЕЛАТЬ ВСЕ Игорь Мальцев: Здравствуй, Маркус. Думаю, мы начнем с базовых вещей – семейное положение, возраст, нам ведь с тобой обоим около пятидесяти? Маркус Миллер: Мне сейчас именно пятьдесят. И.М.: Ха-ха, мне тоже будет завтра! Я ассоциирую себя с поколением рокенролла. Но почему ты выбрал для себя джаз? М.М.: Когда я рос, весь наш район в Нью-Йорке слушал фанк. Это была эпоха Sly & the Family Stone и Jacksons 5, так что особо вопросов, какую музыку слушать, не возникало. Когда мне было лет 10, я стал открывать для себя поп-музыку, но это было начало 70-х, так что главное влияние шло от Sly & the Family Stone – комбинации рока, R&B и госпел. Наверное, это был первый слу-

чай, когда я был так очарован музыкой. И тут большое внимание на себя обращали басовые партии. В 60-х во главу угла ставили гитару. Но в 70-х – это уже был бас. Сначала появились Paul Mccartney, Larry Graham, потом Stanley Clark и Jaco Pastorius – начиналась новая эра музыки, которая захватила меня целиком. Если в роке много песен основано на гитарных партиях, то в R&B основу составляет бас. Наверное, поэтому я так тяготею к R&B, но я не хотел останавливаться на этом, хотел развивать свою технику дальше. Сейчас молодые басисты у меня спрашивают: «Как я могу улучшить свою игру, если я не играю джаз?» Ведь джаз действительно заставляет учиться играть на инструменте, учить гармонии, надо уметь импровизировать на основе мелодий, так что, даже если ты хочешь просто играть фанк, но ты изучаешь джаз, это поможет тебе исполнять фанк

лучше. В общем, я решил изучать джаз, и сейчас у меня есть вполне определенный уровень. И.М.: Хорошо. Ты говоришь, что на тебя повлияла среда R&B, но что же стало с этим направлением? Ведь сегодня слишком много разных вещей называют называют R&B. М.М.: Да, пение почти такое же как раньше, но музыкальное сопровождение стало другим. В 80-х аранжировки начали сильно зависеть от синтезаторов, и если мы послушаем R&B сегодня, таких исполнителей, как Usher, Justin Timberlake, – у них больше технологий, нежели живых музыкантов! Но R&B начинает опять эволюционировать, потому что много музыкантов вновь собирают коллективы, пишутся в студиях на живых инструментах, но уже с новым, современным звуком.

GUITARS

ma g a zine

И.М.: Да ладно, в такой музыке всегда полно техники! М.М.: Мне ли не знать – я был инноватором этого стиля! И.М.: Там всегда все инновационное. М.М.: Потому что в 80-х только зарождался современный звук. В 83-84 годах R&B был комбинацией драммашины, живого баса, иногда еще живой гитары. Это был переходный период. В 70-х все музыканты были живые, в 80-х появилась техника. В моем творчестве драммашина занимает серьезное место, но в 90-х и 00-х часто музыканты вообще не используются – все заменяют синтезаторы, семплы… И.М.: ОК, поговорим о периоде, когда ты стал работать с Майлзом Девисом. Все говорят, в то время Девис был особенно тяжелым человеком.

М.М.: Ну это не совсем верно. Безнадежно было ждать от него указаний, что тебе делать. Майлз этим не занимался. Он просто собирал музыкантов вместе, играл пару нот на пиано или трубе, задавая настроение, и ты должен был самостоятельно решить, что играть. Конечно, многим людям было крайне неудобно работать без конкретных инструкций. Но для меня это было замечательное время, когда я играл разные, самые сумасшедшие партии! Мне казалось, что я понимаю его, и он был благодарен мне за это. Я был очень молод, полон энергии. Играл все что хотел, а он радовался этому – так что это было хорошее время. И.М.: Говорят, что он не любил общаться с музыкантами, а найм музыкантов осуществлял вообще через своего адвоката! М.М.: Я играл по разным командам 6 лет с 1974 до 1980-1981, и

вот в это время Майлз нанял саксофониста Билла Эванса. Билл был молодым музыкантом из НьюЙорка, и Майлз спросил у него, знает ли он какого-нибудь фанкового басиста? Тот ответил «Маркус Миллер», так что Майлз звонил мне лично. Он оставил сообщение со словами: «Позвони Майлзу». Я позвонил. Он спросил, можешь ли ты приехать в Columbia studio прямо сейчас? Я сказал, конечно, но, стоп, это Майлз Девис? Он ответил, да. Поначалу Майлз был довольно молчалив, но позже я узнал его очень близко. Мы стали общаться, и Майлз рассказывал мне множество историй. Это были рассказы о джазе 40-х годов и о тех музыкантах: Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Dexter Gordon и многие другие. Он рассказывал потрясающие вещи! И.М.: То есть он погружал не только в музыку, но и в саму атмосферу джаза.

Вам следует выучить множество соло разных музыкантов, но одними соло дело не ограничивается. Вам следует выучить аккорды, гармонии, которые сопровождают каждое соло. После того как вы выучили само соло, вам следует выяснить, почему именно эти ноты играются с этим аккордом. И вам откроется множество интересных вещей

GUITARS

ma g a zi ne

М.М.: Да, но о музыке мы говорили немного! Зато много об одежде, еде, машинах, женщинах – вот это были беседы! Когда я начал изучать джаз, Майлз не обращал внимания на 80-е, но говорил много о 40-х. Я изучал джаз и знал всех тех музыкантов, типа Clark Terry, о которых он говорил, однако Майлз рассказывал очень личные истории из их жизни. И.М.: Да, это была эпоха джаза – затем наступило время секса, наркотиков и рокенролла. Я вспоминаю фильм Siesta, расскажи про работу над ним. М.М.: Да. Фильм снимался в Испании и музыка к фильму – тоже наполнена Испанией. Майлз позвал меня помочь ему в написании саундтрека – мы старались создать чтото по-настоящему оригинальное, и, вроде, это получилось. И.М.: Однажды я видел, как ты играешь в Irwing Plasa в Нью-Йорке, с группой Jungle Funk. Там парень исполнял композиции Майлза Девиса, стоя спиной к зрителям. Так вот, ощущение было, будто это играет сам Майлз. Используешь ли ты этот трюк сейчас в Tutu Revisited? М.М.: Да, в такие времена мне самому кажется, что Майлз находится рядом со мной. Это здорово, мы должны играть так, чтобы по-настоящему чувствовалась взаимосвязь между нами. Я не знаю, будет ли мой трубач, Christian, оборачиваться спиной к аудитории… Но Майлз никогда не поворачивался спиной к залу – Майлз переводил внимание на свою группу. Это большая разница. Он не хотел просто стоять перед аудиторией, он хотел видеть свою группу, видеть их лица и общаться с ними, как дирижер, ведь тот никогда не поворачивается спиной к аудитории – говорят, что дирижер обращен лицом к оркестру. И.М.: Да, я видел, что и ты тоже дирижер для своей команды. Мне казалось, что ты довольно явно руководишь своими ребятами, это твой стиль? М.М.: Да, я считаю это важным. Любой хороший лидер группы, из

тех, кого я знаю, поступал так. Duke Ellington, Charlie Parker, Miles Davis делали так, и, я надеюсь, у меня получается руководить не хуже. Здорово, когда можешь управлять, экспериментировать, создавать ситуации для необычных решений, пробовать вещи, которые никогда не исполнялись доселе. И.М.: ОК, вы здесь вроде третий раз. Что ты можешь сказать о московской публике, разные люди приходят на концерты или же это какая-то постоянная аудитория? М.М.: Каждый раз зрителей становится больше. Это очень приятно. Первый раз я был с концертом в Санкт-Петербурге, публика была несколько другая. Но в Москве в первый раз, и потом, когда я был с проектом S.M.V. со Stanley Clark и Victor Wooten, это было поразительно, здорово, так что я надеюсь, сегодняшнее шоу будет не хуже!

И.М.: Было ли для тебя важным, как звучали басисты, которые были до тебя? М.М.: Конечно, вспомним Larry Graham – они играл на Fender Jazz Bass, но у него в звуке было больше середины, звук был невероятный, но тогда не было обработки преампа, из-за чего звучание было несколько монотонным. Stanley Clark имел очень яркий звук, Jaco Pastorius тоже играл на Fender Jazz Bass, но он использовал только бриджевый звукосниматель, так что звук был более четкий и сфокусированный. И у меня тоже Jazz Bass, но я использую оба звукоснимателя; лишь иногда, когда хочу вариаций в звуке, я увожу баланс от центра. И.М.: ОК, что кроме преампа ты используешь для формирования своего звука?

И.М.: Но это не значит, что у тебя нет других гитар?

М.М.: У меня много педалей эффектов, но это так, для баловства – в большинстве моих записей присутствует просто бас, воткнутый в DI Box, и никаких эффектов! Звукорежиссер, когда сводит песню, обычно добавляет компрессор, так что я могу играть в самом низу, а динамики не перегружаются, и в то же время даже самые тихие партии не теряются в миксе. Когда я начинал свою карьеру в Нью-Йорке, я часто записывался в качестве сессионного музыканта, и бывало, что записи были расписаны по часам в течение всего дня. В таком режиме не остается времени для настройки басового усилителя. Пришел, подключил бас и пишешься. Но поскольку у меня был встроенный преамп, я имел уже достаточно сформированный звук – и вот звукорежиссер кричит, что звук отличный, пишемся! В то время к этому стремились все студии НьюЙорка – иметь уже готовый звук за небольшой бюджет. Правда, с гитарами было сложнее. Если включить гитару напрямую в линию, звук будет очень тусклый, так что гитаре необходим усилитель, однако с басистами тут проблем нет!

М.М.: У меня четыре Fender Jazz Bass 1977 года. И пусть они все одного года, но каждый обладает индивидуальным звучанием – хотя бы просто потому, что они из разных кусков древесины.

И.М.: Испытываешь ли ты недовольство или злобу, зная, что сейчас можно просто купить музыкальный софт, выбрать пресет «бас Маркуса Миллера», и любой сможет играть с твоим звуком?

И.М.: Самое время обсудить твое оборудование. У тебя очень узнаваемый звук, что ты используешь для достижения такого звучания? М.М.: Я играю на Fender Jazz Bass 1977 года. Когда я начинал, выбирать приходилось лишь между Gibson, Fender и Rickenbaсker. Последний больше подходил для рокн-ролла, так что я выбирал между Gibson и Fender. Большинство музыкантов, которых я знал, играли на Fender, так что я тоже долго не раздумывал. Струны я использую с круглой оплеткой, они изготовлены фирмой DR. Надо отметить, что на моем басу встроенный преамп, с регуляторами Low и High – ведь я, как правило, добавляю низов и верхов в миксе, прибрав середину – это мой базис настройки звука. Эта басгитара со мной всю жизнь, на ней я учился играть, на ней я сочинял главные свои партии. Это главный элемент моего звука.

GUITARS

ma g a zine

М.М.: Ну прогресс не стоит на месте. Это не тот же звук, что у меня. Ведь люди все еще зовут меня на записи, а это просто программа, это не я. Звук – это просто ощущение, а музыка является гораздо более глубоким понятием. Я знаю многих людей, которые постоянно озабочены покупкой правильных струн или покупкой правильного усилителя, но им самим все равно придется еще и учиться исполнять музыку.

Тим Исмайлов: Давай поговорим о других твоих басах. Ты играешь на безладе тоже. Ты играл на разных басах, к примеру Sadowsky, но сейчас ты часто используешь Fender Jazz Bass. Почему ты перешел на безладовый Fender? М.М.: Я играл в разных ситуациях, когда требовалось и акустическое звучание. Во Франции я играл с оркестром, это была ситуация, при которой понадобился более деревянный звук, звук, который бы больше подходил под звучание скрипки или акустического фортепиано. И вот мне нашли замечательный Fender Jazz Bass 1966 года, и теперь я просто наслаждаюсь его звуком, и продолжаю с ним экспериментировать по сей день. Очень хороший звук, более акустический, нежели электрический. Т.И.: Касательно твоего безладового звука, от альбома к альбому он остается одинаковым – очень жирным, но певучим, ярким. Планируешь ли ты создание своей подписной безладовой модели? М.М.: Да, я подумываю об этом. Это должно быть что-то типа делюксовой версии моего ладового инструмента с небольшим набором изменений. Мой безлад должен не только иметь тот яркий звук древесины, о котором я говорил ранее, но и обладать большим количеством электроники для хорошего объема в звуке. Т.И.: Какие струны ты ставишь на безлад? М.М.: Я использую либо Rotosound, либо DR с натяжением medium. Не важно какой именно калибр, главное, чтоб не light, на кото-

рых хоть и очень легко играть, зато звук заметно беднее. Т.И.: В 90-х мы наблюдали, как ты использовал 6-струнный Modulus, но позже ты остановился на четырех- и пятиструнных моделях. Почему ты прекратил использование шестиструнника? М.М.: Количество струн не так важно для меня, как звук. Люди спрашивают меня, почему ты играешь только на четырехструнном басу? Мне все равно, сколько там струн, я бы играл и на двуструнном басу, если бы это не было уж совсем сложно. Для меня важен звук. Басисты часто сходят с ума от всех этих многострунных басов. Но ведь если ты пианист, ты не рассказываешь, что у тебя дома пианино с восемью дополнительными нотами. Бас должен быть более простым инструментом, потому что это низ в музыке. Конечно, у меня есть пятиструнная модель, добавляющая еще пять полутонов – но это все же не мой основной инструмент. Все-таки главное – звук. Я обожаю звук своего четырехструнника. А Modulus был замечательным инструментом, у него очень певучий звук, так что я почти пропевал свои партии, однако такого низа, как на моем четырехструннике, у него я не слышал. Т.И.: Вернемся к Tutu Revisited. Насколько известно, Tutu записал именно ты, работая с Майлзом Девисом... М.М.: Я присоединился к коллективу Майлза Девиса в 1981. Я работал с ним на протяжении двух лет, а было мне тогда 21-22 года. И вот я решил уйти. Сказал Майлзу, что

fender jazz bass marcus miller Сочетан ие к ласси ческог о д изай на 70-х годов с характерными ясеневым корпусом и кленовым грифом с современной пятиструнной конфигурацией делает этот инструмент универсальным оружием «на любой случай»

FENDER В СВОИХ ИНСТРУМЕНТАХ ВСЕГДА ПЫТАЮТСЯ РЕШИТЬ ДВЕ – СОЗДАТЬ НЕЧТО УНИВЕРСАЛЬНОЕ И КЛАССИЧЕСКОЕ И ПРИ ЭТОМ сохранить уникальность своего неповторимого стиля

GUITARS

ma g a zi ne

песни были в том же духе, что и уже записанные композиции. Так появился альбом Tutu. Потом был мировой тур, но что касается меня, то я исполнял эти песни только в студии. И.М.: Как много песен с того альбома ты будешь играть сегодня? М.М.: Я буду играть не только Tutu, но и песни с другого альбома, который я записал с Майлзом – Amanda. Для меня эти две пластинки вроде одного большого альбома с единой концепцией. Т.И.: А кстати, почему «Tutu»? Tutu ведь был священником. М.М.: Если быть точнее, Tutu был епископом. А у меня дед был епископом в Нью-Йорке. Вспомните 80-е, все эти конфликты в Южной Африке, великого политика Nelson Mandela. Но я знал еще и другого борца за права чернокожих – Desmond Mpilo Tutu. Я решил, что не только в Южной Африке, но и во всем мире людям будет полезно знать этого деятеля, и выбрал его имя в качестве названия композиции. И.М.: Итак, кто по твоему мнению будет следующим великим басгитаристом?

«мне нравится, когда я открываю какие-то интересные вещи в сфере сочинения. Например, я как-то делал саундтрек к фильму, снимавшемуся в Штатах. Так вот, там я использовал Dobro, скрипку и слайд-гитару» я хочу развиваться, хочу расти как композитор. Нью-Йорк давал богатые возможности для развития, так что я хотел уйти. «ОК, – сказал он. – Я понимаю». Прошло два года, я ему позвонил и сказал, у меня есть музыка для тебя! По правде говоря, у меня никакой музыки не было. Майлз сказал: «хорошо». Тогда я набросал Tutu и еще одну песню – Porsche. Я прилетел в Калифорнию с пленкой. Майлз

и его продюсер Tony LaPuma прослушали пленку и сказали – ОК, давайте записываться! Я спрашиваю, когда приедут музыканты? Никаких музыкантов – только я, ты и твое демо! Мне пришлось позвонить в прокатную компанию, заказать барабаны, клавиши, все такое. Именно так мы и записали две песни. А потом меня позвали опять Майлз и Тони, предложив дописать альбом, чтобы все

М.М.: Мне кажется, сейчас переходный период. Басисты выясняют, насколько быстро можно играть. Посмотрите на современную высоту струн. В 60-х электрический бас заменил контрабас, и на бас-гитаре все музыканты подымали струны высоко, как на контрабасе, от чего звук был гулким и толстым. А в последние годы басисты стали использовать бас как гитару, опуская струны для тонкого звонкого звука, для игры более быстрых партий, внедряя в бас-гитаризм фламенко и экстремальные количества струн. Новые идеи всегда вызывают любопытство, но мне, честно говоря, не нравится эта новая музыка. За что я люблю старую гвардию: они играли что-то, что оставалось с тобой, у тебя в сердце. Я сижу за рулем и напеваю мелодии Jaco Pastorius (поет A Remark You Made), я могу помнить великие басовые линии Larry Graham, Stanley Clark, они до сих пор в моей голове! Но когда слушаешь новых музыкантов – просто не успеваешь уло-

GUITARS

ma g a zine

вить все ноты, которые они играют. Я думаю, это потому, что все вдохновлены новыми технологиями, и в этой эйфории забывают про музыку. Пройдет немного времени, и новые технологии соединятся с музыкальными идеями, тогда это будет настоящий творческий взрыв! Но сейчас придется ждать, потому что пока я слышу лишь упражнения на развитие техники. Я помню, как ко мне подошел один парень и сказал: «Я самый быстрый басист в мире!» Ну, я сказал, ух ты! Никогда не слышал, чтобы спортивные термины использовали в музыке. Это характерно для молодежи, я это знаю по себе. Но потом внезапно ты взрослеешь и понимаешь, что в музыке нет места спорту. Музыка – это средство общения. Тебе не нужно, как в спорте, бояться проигрыша, здесь не нужно быть лучшим, просто нужно быть способным к общению с людьми. Подумайте о певцах: Frank Sinatra, Sting. Вы что, задумываетесь, кто из них лучше?! Мне нравится и тот, и этот... Так что молодые басисты заняты немного не тем.

И.М.: Это соревнование!

как

секс-

М.М.: Да, это очень весело. Когда ты молод – это здорово. Так я достиг своей техники. Когда я учился, у нас с утра бывали джем-сейшены, и я знал, что там три парня, которые готовы надрать мне задницу на басу. И вот я шел домой и занимался, и занимался, чтобы быть круче них. Когда ты подросток – это здорово, просто нужно в свое время вырасти из этого периода, потому что сейчас я знаю парней, которым 26, 27 лет, и они все еще занимаются только техникой. Вот это действительно проблема. И.М.: Это философия Питера Пэна. М.М.: Ага, так мы их и назовем – музыканты Питера Пэна. И.М.: Есть ли у тебя какие-либо планы для записи саундтреков к фильмам? М.М.: Ну обычно я записываю 2-3 в год. Они не похожи на мои басовые работы. Это оркестровая музыка для разных фильмов, комедий. Сейчас я делаю музыку для рождественской комедии с Chris Rock. Но это не такая работа, какая была, скажем, в Siesta – композиции оттуда очень тонкие, это настоящее искусство. И.М.: Кстати, в России Chris Rock довольно популярен. М.М.: Правда? У нас по телевизору идет шоу «Everybody hates Chris». Это шоу про детство Chris, неуспеваемость в школе, скандалы с матерью, все такое. Так вот я писал для этого шоу музыку года три назад. Это R&B – ведь его детство прошло в 80-х годах.

GUITARS

ma g a zi ne

И.М.: И еще один тупой вопрос. Мы уже знаем, сколько у тебя басов. Но сколько у тебя шляп? М.М.: Сюда я приехал только с одной шляпой, так что если я ее потеряю, у меня будет большая проблема, ведь без моей шляпы я, считай, неузнаваем! Но вообще, у меня есть чехлы от том-томов, которые я приспособил под хранение шляп. Я ношу шляпы двух брендов – сейчас на мне Stefano, а еще я ношу Bailey. Этот тип шляп называется Pork-Pie (не спрашивайте меня значение этого слова), он был очень популярен в 40-е, тогда все бибоп-музыканты носили такие. Т.И.: ОК, и в заключение интервью давай поговорим о гитаристах. У тебя был Dean Brown, у тебя был Hiram Bullock. Какие требования ты предъявляешь к гитаристам в своем коллективе? Какой, по твоему мнению, должен быть гитарист? М.М.: В последние годы я не использую гитаристов, но раньше мне был важен гитарист, который может и хорошо ориентироваться в ритме, и играть соло. Гитаристы, как и барабанщики, обычно могут делать только одно – либо играть ритм, либо соло. Я не понимаю, почему так. Может, это слишком разные типы сознания, либо что-то еще. Очень мало кто из гитаристов может хорошо аккомпанировать. Hiram мог, Dean Brown мог. Но когда приходит время соло, многие, кто умеют аккомпанировать, предпочитают просто перестать играть. И.М.: Да ладно. Это прямо какое-то предубеждение к гитаристам! М.М.: Нет, почему? Назовите мне хоть одного гитариста, который может аккомпанировать, как в Earth, Wind and Fire, и играть соло, как Satriani?

И.М.: Да, те самые песенки с электронными хлопками с сэмплера Yamaha.

Т.И.: Конечно, только басисты такое умеют.

М.М.: Да-да, все эти электронные штуки.

И.М.: Знаете, лучше я буду слушать Creedence Clearwater Revival.

. . . . .

GUITARS

ma g a zine

Все трое героев фильма тебе должны быть с детства знакомы по многочисленным сказкам, мифам, басням и сводкам криминальной хроники. Их объединяет то, что все они родились гитаристами, но почему-то играли в разных группах. Дэвиса Гуггенхайма посетила великолепная идея – столкнуть этих трех персонажей лбами

the edge

jimmy page

jack white

в фильме томаса талла и дэвиса гуггенхайма

Один старец, один мужчина в полном расцвете сил и один недавний малолетка пересказывают друг дружке свои биографии, включают любимые записи, демонстрируют коронные риффы и делятся душевными воспоминаниями о первых купленных гитарах. В итоге по жанру это легкая музыкальная комедия Навряд ли в Голливуде случались сколь важные, столь и лаконичные переговоры, как те, что состоялись в феврале 2007 года за неделю до церемонии вручения «Оскара». Режиссер Дэвис Гуггенхайм пришел в офис продюсера Томаса Талла, президента и генерального директора компании Legendary Pictures. Гуггенхайм в тот момент пожинал первые плоды признания индустрией, будучи номинированным на «Оскара» в номинации «Лучший документальный фильм» за снятый им в 2006 году для Эла Гора фильм «An Inconvenient Truth», посвященный угрозе глобального потепления. Прежде чем Гуггенхайм успел поздороваться, Талл ошарашил его заявлением: «Через неделю ты получишь «Оскара», Дэвис, а потом ты снимешь для меня вот это», – и указал на висящий на стене Les Paul. «Ничего себе заход, – смеется Гуггенхайм, – но должен признать, что меня этот тут же зацепило. Томас стал мне объяснять, как ему важны гитары – он, пожалуй, любит музыку так же сильно, как и кино – но, по его мнению, никто до сих пор так и не передал в полной мере красоту гитары на экране».

GUITARS

ma g a zi ne

Талл со своей стороны поясняет: «Я сказал Дэвису, ты взялся за такую мудреную тему, как глобальное потепление, и заставил людей проникнуться. Для тебя это будет раз плюнуть». Если бы. «Дело в том, что какую бы позицию касательно глобального потепления вы ни занимали, факты остаются фактами», – говорит Гуггенхайм (который, как и предсказывал Талл, получил в своей категории «Оскара»). «Но в случае музыки, и в том, что касается конкретно гитары, мы вступаем на территорию искусства, поэтичности. Намного легче написать поэму, чем объяснить, почему она так значима, или залезть в голову поэта и раскрыть, почему он ее написал, что им двигало, что отличает ее от других произведений – это та еще задачка. Но чем больше мы с Томасом обсуждали документальный фильм про гитару, тем сильнее меня затягивала эта идея». Убедительность доводов Талла подкреплялась его опытом продюсера: Legendary Pictures вовсю стригли купоны с успеха возрожденной франшизы «Batman». Но Гуггенхайм на мгновение заколебался, когда Талл

заявил, что у него уже есть участники проекта – во всяком случае в виде желаемого списка. «Я сказал Дэвису – не знаю, что ты подумаешь, но я считаю, что мы должны сфокусироваться на трех гитаристах, которые обратили внимание людей на гитару и существенно изменили их представление о возможностях инструмента». «Я внутренне сжался», – говорит Гуггенхайм. Когда продюсер подбирает действующих лиц для фильма, это может оказаться «пальцем в небо». Но Томас знает, о чем говорит. Когда он назвал Джимми Пейджа, Эджа и Джека Уайта, все, что я мог, так это полностью согласиться. Просто подписать эту великолепную троицу гитаристов под участие в фильме уже означало, что полдела сделано». А если бы Пейдж, Эдж или Уайт отказались бы? Что тогда? «Тогда мы задвинули бы идею», – отвечает Гуггенхайм. «Мы хотели снять фильм, и снять его именно так, как считаем правильным». В результате на свет появился «It Might Get Loud», новый документальный фильм об электрогитаре с точки зрения Пейджа, Эджа и Уайта. Впервые представший пе-

ред глазами публики в августе 2009 года, фильм рассматривает инструмент с ракурса карьеры и стиля каждого из гитаристов. Через несколько месяцев после разговора с Таллом Гуггенхайм уже был в доме Джимми Пейджа в окрестностях Лондона, снимая, как гитарист копается в своей коллекции пластинок, проигрывая некоторые из них. «И одна запись нам неслабо вставила – винил «Rumble» Линка Рэя», – вспоминает Гуггенхайм. «Джимми начал преображаться прямо у меня на глазах. Он погрузился в транс, перенесся в то время, когда был подростком. И потом у него на лице стала расцветать обаятельная детская улыбка. Это было прекрасно!» Это было таким большим сюрпризом, что всемирно признанный музыкант спонтанно стал изображать игру на воображаемой гитаре. «Это такой великолепный и одновременно забавный эпизод, и это один из самых ярких моментов фильма», – говорит Гуггенхайм. «Мы хотели уловить любовь к мастерству. Это все равно, что если бы мы вернулись назад через столетия и взяли интервью у Да Винчи: «Что побудило вас взяться за кисть? С какими красками вы экспериментируете? Не случается ли, что неудачные поиски вас бесят?». Гуггенхайм задавал подобного рода вопросы Эджу в личной репетиционной гитариста U2 в Дублине. В фильме таким образом проливается свет на то, как методом проб и ошибок был найден саунд U2. Работая над риффом, который впоследствии стал основой нового сингла U2 «Get On Your Boots», Эдж выглядит одновременно увлеченным и разочарованным. «Бывают и бесплодные дни», – говорит он. Далее гитарист наглядно демонстрирует важность вклада педалей эффектов в его фирменный личный стиль, играя рифф из песни «Elevation» на неподключенной гитаре. Он звучит просто, даже заурядно, и Эдж это констатирует. Затем он нажимает несколько кнопок, задействует квакушку и – вуаля! – могучий рифф стадионного калибра залпом рвется из усилителя. Музыкальность технологий, способы расширения возможности гитары при помощи приборов – это именно то, что пробуждает в Эдже азарт.

GUITARS

ma g a zine

«Я не мог не отметить, как смело было со стороны Эджа приоткрыть завесу тайны над своим саундом», – говорит Гуггенхайм. «Известно немало историй про гитаристов, которые никогда не покажут вам, как именно они получают конечный результат. А вот Эджа вовсе не напрягает допустить нас внутрь своей головы. Я думаю, он очень уверенно осознает, что никто не может скопировать его самого». Что касается Джека Уайта, некоторые его эпизоды стали самыми странными и, в конечном итоге, самыми эффектными в фильме. В одном моменте гитарист буквально «на коленке» собирает себе в полуразвалившемся фермерском доме в Теннеси инструмент. «Речь шла о блюзе и том, на чем музыканты играли до того, как им стали доступны пригодные для блюза гитары», – говорит Гуггенхайм. «И Джек сказал «дидли-боу» и тут же откопал дощечку, бутылку изпод кока-колы, кусок проволоки и сделал инструмент, которой звучит просто безбашенно». В другом эпизоде Уайт дает ребенку-актеру, выведенному в фильме под прозвищем Юного Джека (и как две капли воды похожего на самого гитариста в детстве), урок того, как проложить себе дорогу в блюзе. «Паренек реально рубит фишку», – говорит Уайт. При этом он отказывается воспринимать ребенка как актера, настаивая: «Он это я. Это Юный Джек. Что может быть круче, чем видеть, как ты сам себя учишь блюзу? В этом гений Дэвиса Гуггенхайма». Но самый эмоциональный эпизод с Уайтом снят в обшарпанной комнате фермерского дома, когда он ставит запись «Grinning In Your Face» Сона Хауса. По мере того как Уайт погружается в песню, его лицо смягчается, глаза закатываются и он буквально всем телом излучает состояние чуда. Снимая пластинку с вертушки, он негромко говорит: «С первого раза, как я ее услышал, она стала моей любимой песней. И остается до сих пор». Чтобы добраться до музы, стоящей за каждым гитаристом, Гуггенхайм организует им путешествия в дома и местности, где прошла их юность. У Пейджа это английский Эпсом и Хэдли Грэнж – бывшая мастерская 18 века, где был записан «Led Zeppelin IV». В случае ирланд-

GUITARS

ma g a zi ne

ца Эджа это Дублин и средняя школа, в которой и были образованы U2. А для Уайта это хмурые улицы его родного Детройта. Но кульминацией фильма, бесспорно, является сборище всех троих героев в лос-анджелесской студии, где признанные гитаристы травят байки, хвастаются гитарами и немного джемуют. Есть презабавнейший момент, когда Эдж объясняет Пейджу и Уайту, как правильно играть «I Will Follow». Показывая Пейджу смену позиций, Эдж выглядит не в своей тарелке, как будто бы он думает – кто я такой, чтобы говорить Джимми, как играть на гитаре? Но через секунды все трое выдают стену звука. Эдж и Уайт даже не посмели взять свои гитары, когда Пейдж показывал им аккорды «Whole Lotta Love». Подмастерья сидели в оцепенении в то время, как магистр наколдовывал сейсмический рифф, который вдохновил миллионы на то, чтобы взять в руки инструмент. На мгновение Эдж и Уайт косятся друг на друга, оба думая, без сомнения, одно и то же: какая круть! «Признаюсь, я думал то же самое», – говорит Гуггенхайм. «Собрать их всех втроем было необходимо, но я дико переживал. А вдруг они не поладят? А вдруг у них не завяжется разговор? А вдруг двое зацепятся языками, а третий окажется за бортом? Но все получилось отменно. И да, когда ты видишь, как Джимми Пейдж играет прямо перед тобой «Whole Lotta Love», тебе снова тринадцать. Ты в своей комнате перед зеркалом мечтаешь о том, как бы стать однажды им. Это читается на лицах Эджа и Уайта. Это читалось на лицах съемочной группы. Это было потрясающе. С моей точки зрения, фильм был фактически готов, когда мы сделали этот эпизод. И вот новая трехсторонняя встреча на высшем уровне. На этот раз Пейдж, Эдж и Уайт собрались, чтобы поделиться своими впечатлениями о процессе и результате съемок «It Might Get Loud». Потому что это, как говорит Эдж, «один из лучших документальных фильмов из всех, что я видел. Я так рад, что принял в нем участие, и очень польщен оказаться в компании других участников. А кто бы чувствовал себя на моем месте иначе?».

Нет сомнения, что всех вас не раз приглашали засветиться в разных «рок-фильмах» и музыкальных документальных лентах. Почему именно «It Might Get Loud»? ПЕЙДЖ. Девис связался со мной и обрисовал проект. Он как раз только что снял фильм для Эла Гора, но он был, несомненно, фэном музыки, и мне это понравилось. У него был драйв. И он, в частности, сказал: «Для начала мы хотим провести и записать интервью, но снимать его не будем – это, скорее, чтобы поближе познакомиться и найти общую почву». И я подумал, а что, клево. Вся затея выросла из этого.

ЭДЖ. Мне сказали, что речь пойдет о гитаре, но не с чисто технической стороны, что будут исследованы причины, по которым люди берутся за инструмент – что такого в гитаре, что дает людям возможность выразить себя так, как нельзя другим путем? Замысел обещал быть более глубоким по сравнению с тем, что я видел ранее. Я встретился с Дэвисом и мы сходу зацепились языками. Мы несколько часов трепались о творчестве и состоянии планет. Потом он сказал про Джимми Пейджа и Джека Уайта, и я решил, что это великолепный выбор. И тогда я решил впрячься.

Здесь царит безраздельная и противоестественная любовь к электрогитаре. Гитары здесь обсуждаются с такой томительной страстью, что зрителю категории «гитарист-фетишист» неделя эротических снов обеспечена

GUITARS

ma g a zine

Джек, а вы вовсе не были поначалу настолько уверены? УАЙТ. Я поговорил с Дэвисом и подумал, не знаю… Это все казалось чересчур эфемерным. Но что меня подкупило, это то, что он не знал, что именно он хочет сделать. Это находило во мне отклик, чтобы забить на контроль и пустить все на самотек перед камерой. И конечно, когда он упомянул Джимми Пейджа и Эджа… ну что еще я мог сказать? (Смеется.) То есть, ключевой приманкой было то, что собственно вы трое становились режиссерами фильма, и что это должно было быть импровизацией «как пойдет, так пойдет». ПЕЙДЖ. Я четко представлял, куда нацелился Дэвис. Могло быть нелишним с его стороны проговорить пару моментов заранее, например: «Не пробежитесь ли вы вот по этим песням?». Но это не было частью уравнения. Он хотел увидеть, как мы будем вести себя в незапланированных обстоятельствах. ЭДЖ. Дэвис объяснил, что он любит просто свободный разговор. А из разговоров с людьми, которых он снимает, он вылавливает пульс фильма. И, поверьте, мне оказалось невероятно трудно говорить о музыке и гитаре. Я сам взялся за гитару именно потому, что мне было проще выразить сложные чувства и идеи через инструмент, чем словесно. Когда я узнал, что Дэвиса больше всего интересовала именно эта сторона всей истории, именно то, что побуждает нас брать инструмент, я понял, что из этого может кое-что получиться. Был ли тот факт, что в фильме предполагались только вы трое, значимым в принятии решения? Если бы Дэвис или Томас имели бы в списке других кандидатов, была бы уверенность в таком же решении? ЭДЖ. Выбранное трио участников выглядело очень заманчиво. За этим виделось глубокое понимание и продуманность. ПЕЙДЖ. Томас Талл очень успешен в мире коммерческого кино, но это был его личный проект, то, что он очень хотел сделать для себя. Он всей душой стремился к правильной цели. Это было, без дураков, круто.

GUITARS

ma g a zi ne

С Джеком Уайтом и так с самого начала все ясно – он подсел на Velvet Underground и The Cramps (хотя сейчас целыми днями предается прослушиванию иссиня-черного трагического доисторического блюза) Известно, что Джимми и Джек достаточно хорошо знакомы, а для вас, Эдж, это была первая встреча с ними? ЭДЖ. Я пересекался с ними ранее, но очень мимолетно, так что толком и не поговоришь. Это было скорее: «Привет, как дела? Люблю твое творчество». Типа того. Это был первый раз, когда я смог сесть поговорить с каждым из них. Это одна из самых мощных штук в фильме, как сначала тает ледок, и люди начинают знакомиться друг с другом. Это снималось в реальном времени.

УАЙТ. Нам с Джимми доводилось тусоваться, и он приходил на концерты White Stripes, но это был первый раз, когда я реально встретился с Эджем. Я думаю, мы освоились довольно быстро. И вся фишка в том, что звезда фильма – это гитара. «Кто эти три парня с гитарами?». Да какая разница? Речь идет об инструменте. ПЕЙДЖ. Эпизод, когда мы все встречаемся в звуковой студии Warner Bros., был назван «встреча в верхах». Было забавно, что мы все жили в разных отелях, а на площадке у нас были раздельные трейле-

Да-да! У вас, Джек и Эдж, был такой вид… «Вау! Это же ОН играет ЭТОТ рифф!» ЭДЖ. (Смеется.) Это было круто! Я пытался подсмотреть его аппликатуры, чтобы выяснить, как именно он это играет. Понимаете, это то, на чем ты вырос. Это въелось намертво, как детская считалка. УАЙТ. Это был, несомненно, наэлектризованный момент. Песни вроде «Whole Lotta Love», ты к ним привык настолько, как будто это фоновая музыка, или Библия или дорожный знак. Но когда ты видишь, как ее играют те самые пальцы… это как оказаться внутри египетской пирамиды, типа того.

Воспоминания Эджа о его музыкальном детстве страшат безысходностью – первый луч света в его жизнь проник, лишь когда он узрел в «Утренней Почте» («Top of the Pops» по-английски) выступление The Jam ры. Дэвис очень хотел, чтобы встреча была действительно спонтанной. Не было никаких написанных заранее шпаргалок. ЭДЖ. Он не хотел, чтобы мы общались до съемки. Все должно было быть на свежака. УАЙТ. Это то, почему мне понравилась вся затея – ничего не было запланировано заранее. Гуггенхайм разве что подбросил пару идеек: почему бы нам не сыграть вместе «Immigrant Song» или почему бы нам не сыграть «Bullet In The Blue Sky». Мы, кстати, все же сыграли «Bullet In The Blue Sky».

Да? Этот джем не попал в конечный монтаж фильма. Почему же? ЭДЖ. Понятия не имею. Знаете, я даже забыл, что мы ее сыграли! (Смеется.) Так много всего происходило. Но я уверен, что Дэвис отобрал лучшее из снятого. Я так был захвачен происходящим. Я думаю, это отчетливо видно на моем лице или лице Джека, когда Джимми начал играть «Whole Lotta Love», а это краеугольный рифф всех времен. Просто видеть, как он его играет…

Эдж, а каково было учить Джимми Пейджа играть «I Will Follow»? Получилось поклонение кумиру навыворот: «А разучи-ка одну из моих песен, Джимми!» ЭДЖ. (Смеется.) Было забавно, что некоторые последовательности аккордов с трудом укладывались у Джимми в голове, типа, как такое может быть! Они не вписывались в его палитру звуков и гармонического смысла. Это было интересно. Но не будем забывать, что когда появился панк-рок, одной из его миссий было создать саунд, который бы однозначно отличался от музыки, которая была до того. А если подумать, какая группа была на самой вершине на тот момент, это были Zeppelin. Поэтому эта ранняя вещь U2 – одна из тех, что наиболее отчетливо демонстрирует разницу в наших музыкальных мировоззрениях. Что странно – мы особо не обсуждали, когда мы услышали музыку друг друга, в отличие от музыки, о которой мы говорили как фэн с фэном. Вы в итоге почерпнули что-то друг у друга? ЭДЖ. На глубинном уровне гитара звучит очень по-разному в разных руках. Я был удивлен, насколько различным оказались наши стили игры и подход к звуку. Я ожидал, что у нас будет намного больше общего, но мы отличаемся друг от друга очень сильно. И это было клево. Я стал слышать звук, так как слышат его они. У меня стала складываться картина того, как они слышат. Я протащился. У них есть звуки и идеи, до которых я бы никогда сам не додумался.

GUITARS

ma g a zine

блюз прошел путь от акустических музыкантов Дельты 20 – 30-х годов через электрический блюз Мадди Уотерса и Хаулин Вульфа, британский блюз шестидесятых Мейолла и Клэптона, дошел до 80-х с их более «глянцевым» Робертом Крэем. И где-то в середине этого пути подлинная сущность «дьявольской музыки» была утеряна Джимми реально заинтересовал меня некоторыми подходами и звуками, которые, как мне кажется, я привнес в новый альбом U2. Несомненно, в «Get On Your Boots» есть немного влияния со стороны Джимми и Джека. ПЕЙДЖ. Эдж милейший человек. Очень настроенный на то, что и как он делает. Было интересно увидеть, как у него идет мыслительный процесс. Он такой инженер звука. УАЙТ. Что я получил… это было то же самое, как услышать одну и ту же историю в изложении трех разных людей: у каждого будет своя подача. Эдж заходит с совершенно другого ракурса, чем я. Он отталкивается от множества эффектов и множества манипуляций с сигналом. И он знает, что он делает, и в этом вся прелесть, если это сделано правильно и с уважением к инструменту. Это возвращает нас к тому, что вы сказали в фильме, Джек. Где-то в начале вы обронили, что «технология может убить творчество».

GUITARS

ma g a zi ne

УАЙТ. Может. Безусловно, может. Те эпизоды, в которых вы все возвращаетесь в важные места своего прошлого – вы все по-разному их восприняли. Джек, когда вы вернулись в Детройт, в ту обивочную мастерскую, где вы некогда работали – представляю, что вы могли подумать. «Вау, если бы мне не повезло, я бы мог корячиться тут и по сей день». УАЙТ. Да, но ничего страшного. Я принимаю все, что было в моем прошлом, и даже то, что приносило боль и сожаления. Это все был опыт, необходимый для продвижения на следующую ступень. Принимая в расчет, что и Джимми, и Эдж (особенно Эдж) создавали чудесную музыку при помощи технологий – а Эдж, быть может, скажет, что его музыка без этого и невозможна – как вы обоснуете это заявление?

УАЙТ. Есть тонкая грань. Можно создать в Pro Tools великолепную запись, но Pro Tools может стать вашим роковым проклятьем и уничтожать красоту всего, что попадает внутрь. Требуется немало самоконтроля и уважения к исходному материалу, чтобы сохранить его первозданность. И, по-моему, у Эджа это получается, он использует технологии, а не они его. ЭДЖ. Всякий раз, как ты подключаешь гитару к усилителю, ты уже имеешь дело с технологией. Важно то, что, если ты используешь технологию, чтобы получить уникальный звук, который в свою очередь становится большой частью вдохновения, порождающего то, что ты в итоге играешь – это отличная штука. Безусловно, на моем пути поиск уникального звука шел через использование оборудования – я гонял его в хвост и гриву. Ты не позволяешь технологии диктовать себе звук, ты позволяешь ей открыть тебе новое направление.

А как вам, Эдж, было вернуться в школу, в которой образовались U2? ЭДЖ. Я там не был много лет. Довольно необычные были ощущения. Кое-что почти не изменилось. Там-сям она поизносилась, но в целом все так, как я ее запомнил. Сюда пришелся период формирования нашей группы, когда мы выясняли, складывается ли что-то между нами как музыкантами и авторами. То, что на меня нахлынуло, касалось в основном не музыки, а выстраивания отношений, дружбы, которая нас по-прежнему объединяет. А вы, Джимми, вернулись в Хэдли Грэндж, место, которое является важной вехой в истории Zeppelin. Каковы были ваши ощущения? ПЕЙДЖ. Если честно, возвращение туда было очень эмоциональным моментом. Было интересно обойти это место, которое се-

годня имеет обстановку, в то время как в свое время это была просто коробка. Очень волнительно было вернуться в зал. Это очень акустически объемный зал. Сразу понимаешь, какой там спектр звука. Просто хлопаешь в ладоши и слышишь естественную реверберацию. Ближе к концу фильма, вы все играете цеппелиновскую «In My Time of Dying». Как вы к этому пришли? Джимми, это была ваша затея? ПЕЙДЖ. Моя. Мы как раз упражнялись со слайдом, и я решил посмотреть, что из этого получится. Это могло получиться очень интересно. И, думаю, остальные тоже об этом догадывались. УАЙТ. Это срослось из того, что мы играли слайдовые вещи. Мы сыграли «Bullet the Blue Sky», довели ее до крещендо, и это как бы подвело нас к тому, чтобы сыграть и эту вещь. Джимми научил нас, как ее играть. В этот момент был полный контакт.

Эдж и Джек, очень было похоже, что вы сперва были несколько неуверенными, как ученики перед мастером. Но затем, Джимми, вы как бы дали им отмашку «понеслась», и внезапно они раскрылись и стали играть в своих уникальных стилях. ПЕЙДЖ. Ну, это по идее закономерный результат того, что мы встретились на площадке, зная, что должны выдать какой-то музыкальный результат. Но Дэвис хотел, чтобы это была реально встреча разных мышлений, и она превратилась в органичный процесс. Должен сказать, что было круто слышать, как Эдж играет эту песню. Он так запилил это слайдовое соло, и просто перло от того, как он играет это настолько спонтанно и так хорошо. ЭДЖ. Было клево отжечь. Есть моменты, когда ты стараешься чтото вымутить, и думаешь, ну как-то так оно идет, и тут внезапно происходит музыка. Так оно и случилось. Это было здорово.

если отринуть информационную составляющую, чисто визуальная окупается с лихвой. Чего стоит кинохроника, где 14-летний Пейдж наворачивает аккорды на школьном утреннике, после чего на вопрос: «Ты так и будешь продолжать играть когда вырастешь?». «Нет!» – пищит тонюсеньким голоском малыш. – «Я буду изучать биологию!»

GUITARS

ma g a zine

УАЙТ. Это занятно. Можно слышать связь между этой песней и «Even Better Than the Real Thing» U2, и даже некоторыми фишками, которые имеются на записях White Stripes. По факту это все коренится в блюзе. Джимми, а какие у вас любимые эпизоды фильма? ПЕЙДЖ. Есть пара моментов, которые мне особенно нравятся. Когда Джек говорит: «Должна быть схватка с инструментом». Мне это по нраву. (Смеется.) И когда Эдж сидит и слушает пленки «Where the Streets Have No Name». ЭДЖ. Это было в маленьком коттедже в северном Дублине. Сразу после записи второго альбома мы там сочиняли и репетировали альбом «War». ПЕЙДЖ. Мне понравилось, как он слушает пленки и показывает, как формирует свой звук. Там есть много захватывающих моментов. Некоторые довольно пикантные, некоторые очень яркие.

Не казалось ли вам, Эдж, странным проигрывать свои старые демо перед камерой, чтобы их услышали все? Не чувствовали ли вы себя беззащитным? ЭДЖ. Нет. (Смеется.) Я выше смущений насчет нашего рабочего процесса. Мы и без того в самых разных отношениях неполноценная группа. Одним из самых запоминающихся эпизодов фильма является тот, где вы, Джимми, ставите старый винил «Rumble» Линка Рэя. Выражение вашего лица, улыбка, говорили сами за себя. И вы даже под это изобразили воображаемую гитару. Эта песня реально на вас повлияла, и влияет до сих пор? ПЕЙДЖ. Безусловно. Я услышал ее ребенком, и помню, как думал: «Что же, черт возьми, такое

выясняется, что все трое великих гитаристов на легендарные подвиги были вдохновлены гаражным и панкроком. Пейдж чуть ли не со слезами на глазах заводит сорокапятку прото-панка Линка Рэя «Rumble». Снято и смонтировано все настолько бодро и задушевно, что выходишь из зала с ощущением, будто был у них в гостях он творит?». А он просто выкрутил эффект вибрато. Это было так круто! Это волшебное музыкальное произведение, не так ли? Просто чудесное. Гитара – такая объемная тема, стоит только задуматься: что заставляет людей хотеть играть на ней, что заставляет людей прийти к ней своим путем? Как, по-вашему, фильм осветил творческий процесс игры на гитаре? ПЕЙДЖ. Я думаю, в самом деле получилось. Есть три характерных гитариста, каждый настолько оригинален с уникальным стилем и техникой. И все это ложится в общую канву, что просто чудесно. Мы слышали, как три этих натуры проявляются через гитару, и теперь видим, как интересно получается, когда они все вместе общаются напрямую.

GUITARS

ma g a zi ne

рудно не любить ES-335. Это дизайн из истинно «золотой эры» без единой неуместной детали, а история инструмента, связанная с множеством титанов гитары, говорит сама за себя. Это иконный образ, который как никакой другой заполняет нишу между поколениями электрогитар. Это попросту гениальное творение и серьезный претендент на звание лучшей электрогитары всех времен. Поэтому современной серии ES335 Custom Shop 50th Anniversary надо соответствовать такой неслабой репутации. Для полноты первого впечатления не помешало бы, открыв крышку, увидеть этот красивый табачный санберст в обрамлении розовой обивки кейсов стиля «Lifton», но стандартный «Levant» с плюшевой обивкой хорош хотя бы тем, что лучше защищает инструмент. Но на самом деле, кто бы ни увидел эту гитару, у него тут же захватывает дух, насколько реалистично она выглядит с первого взгляда. Gibson применили свою технологию состаривания, чтобы окутать гитару патиной пяти десятилетий, не прибегая к физическому насилию для «ухудшения» внешнего вида. Целлюлозный лак плавно переходит от чистого черного к классическому желтому на выпуклом топе и тыльной деке корпуса из кленового ламината. По кромке корпуса идет тонкая кремовая окантовка, которая на махагоновом грифе окрашивается в орехово-коричневый, как и на старых моделях (что радует!). Палисандр накладки имеет выраженные переливы цвета и пластиковые маркеры-точки. К другим винтажным атрибутам относится длинный пикгард, простирающийся заметно за линию бриджа. Такой был только на ранних 335-х, и, похоже, это был адаптированный пикгард с ES-175. Большинству эстетов более поздние варианты покажутся симпатичнее эстетически, но фэны винтажа за такую крамолу вас распнут. Гриф 50th Anniversary имеет такую же глубокую вклейку, как и у оригинала, что дает большую прочность стыка грифа с корпусом и в целом лучший резонанс. Под декой прячутся 500 кОм потенциометры CTS и центральный блок с выгнутыми еловыми подпорками под профиль топа. В целом по качеству все смотрится, как Gibson в лучшей форме.

Профиль грифа Anniversary базируется на ранних ES-335 и может быть описан как «дубинка с гаком». Если сравнивать с «увесистым» винтажным профилем реплики ‘59 Les Paul, он будет еще глубже с более «отодвинутым» скруглением. Колки Kluson, традиционный бридж ABR, струнодержатель с опорными винтами сияют первозданным никелем, но звукосниматели слегка состарены. Правда, Gibson не воспроизвели оригинальную форму датчиков. Старые хамбакеры были менее скруглены по углам и имели минимальный радиус кромки, поэтому их поверхность выглядит более плоской и сидит более утопленно в черных рамках. Последние имеют острые углы и скругленные кромки – с точки зрения функциональности никакого значения, но с точки зрения приверженцев коллекционной аутентичности – досадное упущение. Хорошо обработанные лады среднего размера и типично уплощенный радиус накладки позволяют перемещаться по грифу Anniversary, как по маслу. Его толщина тому ничуть не препятствует, а доступ к верхним ладам отлично поможет справиться с вторым соло Клэптона в «Crossroads». Серийные (что объясняет внешний вид) «винтажные» звукосниматели ’57 Classic мощнее, чем на большинстве старых ES-335, но тем не менее динамика и тепло, присущие этой модели, передаются ими в полной мере. Сустейн так и хлещет из каждой ноты, уменьшение громкости отлично очищает звук, а прибрав тембр любого датчика, можно получить более мясистый, «лесполистый» звук. Солидная цена на фоне стоимости коллекционных экземпляров выглядит копеечной. При этом – если не брать в расчет датчики – Gibson провели потрясающую работу по воспроизведению внешнего вида, характера и духа одной из самых легендарных гитар. Представьте, что на дворе 1958 год и вы увидели впервые в жизни ES-335. Вау! Вот такое впечатление оставляет и этот инструмент. Спору нет, что гитара звучит плотнее, чем большинство оригиналов, но есть подозрение, что многие современные гитаристы сочтут это скорее плюсом. Могучий гриф? Да, но и могучий звук! Единственное, что удивляет, это то, что серия ограничена двумя сотнями экземпляров. Разве не понятно, что гитара в таком приближенном к оригиналу исполнении не потеряет актуальности еще полсотни лет? Надеемся, что и Gibson это тоже понимают.

GUITARS

ma g a zine

ИГРУШЕЧНЫЕ РАЗМЕРЫ, НЕДЕТСКИЙ ЗВУК И ЛАМПЫ, ГОРЯЩИЕ В НОЧИ

OX в последнее время находится на гребне возрождения популярности, во многом благодаря тому, что классическое наследие этой марки приобрело мощную поддержку от хай-тек гигантов Korg. Другой немаловажной составляющей успеха являются весьма конкурентоспособные цены, которые стали возможными после переноса большей части производства этого наибританского из британских музыкальных брендов в азиатский регион. Традиционалистам это может показаться кощунством, но эта стратегия не просто спасла бренд, она позволила активизироваться на очень конкурентном рынке. Из недавно представленных продуктов VOX самым интригующим – в том числе и по названию – является усилитель Night Train, разработанный в соавторстве с американской легендой Тони Бруно.

GUITARS

ma g a zi ne

Небольшой, по форме и размерам напоминающий симпатичный старомодный тостер в решетчатом металлическом корпусе, 15-ваттный Night Train привлекает уже своим внешним видом. Перфорация на хромированной солидной стали воспроизводит классический ромбический узор VOX. Остальные элементы дизайна хорошо продуманы, хотя и без изысков. Простая белая шелкография на черных передней и задней панелях смотрится стильно и строго. Единственное, что выбивается из общего стиля – красный индикатор питания, который, по-хорошему, не смотрится ни на одном усилителе VOX. При таком компактном дизайне важно не только все грамотно скомпоновать, но и обеспечить удобство сборки-разборки при необходимости. Сделанная вьетнамцами работа по металлу аккуратна,

но у стальной решетки нет никаких посадочных гнезд, так что поставить ее на место будет непросто. Она крепится маленькими винтами с мелкой резьбой, которую так легко по неосторожности сорвать. Внутри цельнометаллического кожуха Night Train электроника смонтирована на большой двусторонней печатной плате со сквозными установочными гнездами. Это хорошая плата, но собственно пайка могла бы быть и лучше. Волновая пайка – важный этап монтажа на плату, который легко запороть. Плата должна быть в контакте с расплавленным припоем ровно столько времени, сколько требуется для того, чтобы он «схватился». Стоит передержать, и конденсаторы буквально поджарятся, а номиналы резисторов уплывут от исходных значений. Тем самым главное достоинство монтажа на печатной плате – одно-

типность параметров схемы – утрачивается. Если недодержать, то припой не всюду успеет попасть, оставив плату «недопаянной», и подверженной риску аварии. У этой первой ласточки плата, похоже, несколько недодержана, а ручная пайка цоколей ламп тоже не вызывает восторга. У тех экземпляров, которые последовали за опытными образцами, вопросы качества уже должны быть решены. Панель управления проста в обращении – простая одноканальная схема с парой фокусов по мелочи. Ручки настройки представляют собой обычный набор из гейна, трех полос эквалайзера и громкости. Небольшой тумблер bright/thick служит для обхода эквалайзера, отдавая взамен в положении thick большую добавочную порцию гейна. Переключатель standby имеет два альтернативных положения «включено» – полная мощность с выходными лампами в режиме пентода и половинная мощность в триодном режиме. На тыльной панели нет ничего, кроме двух выходов на кабинеты (8 и 16 Ом) и разъема питания со встроенным гнездом главного предохранителя. Остальные предохранители находятся на плате, хотя предохранитель контура нагрева ламп мощности тоже можно было бы вынести наружу. Несмотря на компактные размеры усилителя, трансформаторы в нем полноразмерные. Это не только означает, что Night Train весит больше, чем кажется, но и дополняет значимым штрихом общую картину солидности и надежности (несколько смазанную небрежной пайкой на данном образце). Тяготеющий по звучанию скорее к «современной классике», чем к «винтажному ретро» Night Train был разработан при участии легендарного гуру Тони Бруно, чей усилитель Underground 30 на лампах EL84 является признанным хитом среди американской бутиковой продукции. Бруно делает одни из лучших усилителей на планете, и по слухам, приложил руку и к первенцам ограниченной серии VOX AC30 ручной пайки. Этот парень знает толк в крутом звуке, поэтому интересно, как проявит себя «эффект Бруно». Звук Night Train коренится прочно и надежно в классической территории VOX со стеклянным верхом, который ярок настоль-

ко, насколько это вообще возможно без превращения в режущие слух осколки. Средний диапазон звучит мягко и тепло, но не слишком выдается в отличие от низов, которые реально очень мощные. Настройки тембра работают плавно и предсказуемо, их диапазона хватает для адаптации и под синглы и хамбакеры. Фэнов овердрайва порадует, что у этого усилителя за пазухой припрятано немало гейна, особенно если отключить настройки тембра, переведя мини-тумблер в положение «thick». Мощная передача низов означает, что вы можете нарезать и модерновые дела без особых затруднений. Опустив строй на тон, вы не услышите какой-то каши, если конечно, не накрутите гейна и громкости выше крыши. Примерно с половинной громкости секция мощности Night Train начинает в плане вклада в звук перетягивать одеяло на себя. На этом уровне синглы работают лучше хамбакеров, болееменее сохраняя читаемость вплоть до десятки и порождая быстрый отклик, оптимальный для блюз-рока. На меньшей громкости усилитель звучит натурально чисто и стеклянный верх – самое оно для современного аккордового аккомпанемента в поп/рок музыке. 15-ваттный режим достаточно громок для живой работы. Через кабинет 1х12” с фазоинвертором он хорошо накрывает клубную сцену, а 4 х12” даст еще более впечатляющий результат. Что касается «тихой» работы дома или в студии на пониженной мощности, то следует помнить, что триодный режим работы сильно повышает чувствительность к наводкам и фону. Для получения про-

фессиональной записи вам придется решить вопросы электромагнитной экологии в помещении и, возможно, поставить гейт в звукозаписывающем тракте. Но в концертной работе все это несущественно, а существенно то, что вы можете нарисоваться на площадке с гитарой на одном плече и сумкой с усилителем на другом (предположим, что кабинет уже обеспечен каким-то образом). Остается только подключиться, и у вас в распоряжении отличный звук и запас громкости. Night Train может выглядеть игрушечно, но в том, что касается звука, он не по-детски перекрывает многие другие мини-головы. Правда, его главный конкурент в этом классе – Orange Tiny Terror по-прежнему опережает всех в плане ценовой привлекательности. Но если вам нужно звучание именно VOX, то вы получите от Night Train и его, и многое сверх того. Усилитель убедительно звучит и в винтажном и в современном спектре. Night Train не заточен на то, чтобы валить с ног агрессией, и хотя он может быть при необходимости от души прокачан, металлистам следует искать что-то более специализированное. Отсутствие таких характеристик, как переключение между чистым и драйвом или петля эффектов, ориентирует Night Train на тех гитаристов, у которых управление звуком происходит непосредственно с гитары. Взвешивая все «за» и «против», можно сказать, что если VOX будут внимательно следить за качеством сборки, Night Train не составит труда найти себе немало приверженцев. Вагончик тронется, перрон останется.

БОЛЬШИЕ РАЗМЕРЫ, СЕРЬЕЗНЫЙ ВЕС И высокая ЦЕНА НА ПРОТЯЖЕНИИ ДЕСЯТИЛЕТИЙ ОТПУГИВАЛИ ВНУШИТЕЛЬНУЮ ЧАСТЬ МУЗЫКАНТОВ ОТ ЛАМПОВЫХ ГОЛОВ. ПОКА НЕ ПОЯВИЛСЯ VOX NIGHT тRAIN

GUITARS

ma g a zine

Удивительно, но гитары с дизайном шестидесятых годов до сих пор востребованы музыкантами со всего мира

Epiphone десятилетиями является неизменной классикой – как акустических инструментов, так и электрогитар На протяжении многих лет Epiphone Wilshire начала 60-х (модель SB-432) имела почетный статус малоизвестного винтажного сокровища. Частенько эта гитара преподносилась как «Les Paul Special для бедных», но такое описание не передает полно нюансы несколько нешаблонного дизайна Wilshire. В конце 80-х и начале 90-х Wilshire оставались покупкой за бесценок по сравнению с быстро набирающими спрос Special (несмотря на то что обе гитары выпускались на одной и той же фабрике Gibson в Каламазу) и были очень привлекательны для тех, кто предпочел Epiphone более популярному бренду. Такое состояние дел, впрочем, не продлилось долго, поскольку фабрика в Каламазу выпустила намного меньше Wilshire (всего 180 в 1962 году), чем Les Paul Special конца 50-х или SG Special начала 60-х. В результате простых законов спроса и предложения модель превратилась из редкого предмета удачной покупки в респектабельный коллекционный инструмент. Цены на оригинальный экземпляр в хорошем состоянии начинались от $5000 и взлетали аж до $10000!

GUITARS

ma g a zi ne

В наше время не часто увидишь сделанный в США на фабрике Custom Shop инструмент с логотипом Epiphone на голове грифа. И это показатель того, что представляемая модель действительно заслуживает самого серьезного подхода со стороны производителя известных всему миру гитар

Несмотря на кажущуюся старомодность классического дизайна, не стоит обманываться якобы дедушкиными формами этой пришедшей из полувековой древности модели. Как и любой ныне выпускающийся в Custom Shop инструмент, она даст прикурить большинству конкурентов в любом стиле Тут на сцене появляется 1962 Wilshire Reissue, производимая на фабрике в Нэшвилле подразделением Epiphone Custom Historic в сотрудничестве с Gibson Custom. Реплика делает эту редкую модель более доступной по цене, чем винтажные экземпляры, хотя она также представлена в очень ограниченном количестве – всего в 100 экземплярах вишневого цвета и выпущенной им вслед партией из 100 белых гитар. Первые Wilshire увидели свет в конце 1959 года и были созданы как своего рода конкуренты Fender Stratocaster, чьи скругленные рога и двойной вырез они копировали более точно, чем их собратья Les Paul Special. Гитары образца 1962 года часто признаются вершиной модели и являются последними Wilshire, которые следовали больше традиции Gibson. В следующем году Wilshire стали более стратоподобными, приобретя голову грифа с колками на одной стороне, асимметричную форму корпуса с удлиненным верхним рогом, а также менее стратоподобными, поскольку на них появились мини-хамбакеры. Реплика Custom Historic – это убедительное воспроизведение той горстки Wilshire начала 60-х, которые можно, если повезет, изредка встретить там или сям. Опираясь на мнение знатоков, а также список фабричных спецификаций, можно сделать заключение, что в отношении точности реплики нет ни одного сомнительного момента. Края корпуса из цельного куска

Звукосниматели типа P-90 в наше время не являются чем-то сильно распространенным, что подчеркивает уникальность и своеобразие этого нестандартного рокерского инструмента GUITARS

ma g a zine

Wilshire несколько легче и изящнее чем многие Gibson Les Paul Special, но правильным образом. Толщина корпуса чуть менее 1”, и в сравнении c 1” у Les Paul Special это в целом делает Wilshire полегче весом, а также более плотно ложащейся в ваши объятия, скажем так. Махагон, мензура 24”, лады калибра средний джамбо и гибсоновский бридж ABR-1 (Tune-o-Matic) со струнодержателем – все это абсолютно не фендеровские характеристики, но при этом неподключенный инструмент дает атаку и яркость, вызывающие воспоминания о поп-музыке, серфе и гаражном роке начала 60-х в той же степени, как и о более тяжелой музыке, которая с конца того десятилетия нередко игралась на Special (как Les Paul, так и SG).

К середине прошлого века, еще до появления Fender, Epiphone наряду с Gibson и Gretsch входил в «большую тройку» самых крупных и популярных производителей гитар. Ныне Epiphone входит в «гибсоновский» концерн и по большей части выпускает недорогие копии гитар Gibson. Но есть и исключения перуанского махагона плавно скруглены, а те участки, где вырезы переходят с плоскости на закругления, демонстрируют ручную отделку, что очень приятно. Нитроцеллюлозный лак отполирован до блеска, то есть имеет достаточную для этого толщину, но ровно на столько, чтобы не мешать лаку слиться с фактурой дерева, придавая гитаре вид инструмента, который благородно состаривается. Небольшое просаживание лака по кромке неокантованной палисандровой накладки несколько выбивается из картины, но не настолько, чтобы испортить впечатление. В остальном гриф выполнен безупречно. Выраженный скругленный С-образный профиль достаточно солиден, но удобно ложится в руку, а голова грифа отклонена назад на 17 градусов, что соответствует стандарту воспроизводимого периода. Надежность вклейки грифа Wilshire усилена тем, что нековый датчик сдвинут дальше в глубь корпуса, чем на некоторых сопоставимых Gibson. Тем самым вырез под датчик в меньшей степени покушается на зону вклейки, и как результат – на стабильность грифа в целом. Отчасти в результате такого решения гитара имеет полновесный акустический звук, с яркой атакой, подчеркнутой насыщенным резонансом дерева. Возможно, это прозвучит несколько в разрез со вступительными словами – по общему ощущению от игры

GUITARS

ma g a zi ne

Wilshire всегда был настоящей «эпифоновской» моделью и поэтому желание коллекционеров и просто любителей «олдскула» получить именно этот инструмент с логотипом epi и в самом хай-эндовском исполнении было вполне закономерно. Дело оставалось за тем, как производитель уловит эти настроения Звукосниматели этого творения Custom Historic следуют спецификациям Р-90 начала 60-х и сделаны на соответствующей периоду базе. Близкие, но с разбросом (8 Ом плюс-минус) показатели сопротивления нековых и бриджевых датчиков (если замерять их на отдельно взятой гитаре) также подтверждают соответствие эпохе. В то время не было разделения на нековые и бриджевые звукосниматели, все датчики мотали по одному образцу, но слегка «на глазок». При установке датчиков на гитару просто брали два первых попавшихся звукоснимателя из готовой партии. Поскольку и монтировали их приблизительно, результатом нередко был дисбаланс уровня в разных позициях, и позиция «Rhythm» (нек) давала намного больше громкости, чем «Treble» (бридж). В нашем случае, однако, высота некового и бриджевого звукоснимателей точно выверена, и источник более сильного сигнала посажен глубже в корпус, чтобы уровни были сбалансированы. Через громкий винтажный усилитель Wilshire выдает серединистый кусачий и рычащий звук P-90. Агрессивная игра через располагающий к тому ламповый усилитель с легкостью раскрывает в гитаре ее родственные связи с шумным роком и грязным блюзом. Бриджевый датчик поет и прорезает, а нековый звучит жирно и на-

сыщенно, но при этом не слишком мутно. Поэкспериментировав с другими усилителями и конфигурациями звукоснимателей, можно извлечь на свет неожиданные сюрпризы в виде альтернативных вариантов звука. На похрустывающем чистом звуке нековый датчик звучит чуть более фанково, чем блюзово или джазово, благодаря тому, что этот Р-90 смещен в сторону средней позиции. Микс звукоснимателей звучит неожиданно живо и ярко, с налетом стратовского приквакивания комбинаций датчиков – неожиданный успех в чикен-пикинге и рокабильном олдскуле. Отзвуки рыка и напора прославленных Junior и Special также имеют место, но они сопровождаются нюансами, которые редко можно обнаружить в звуковой палитре этих Gibson. В целом Wilshire – это очень занятная гитара, которая преподносит еще пару небольших сюрпризов. Если вы хотите тот самый ненаглядный звук Les Paul Special, покупайте Special. Но если вам нужна гитара, которая чуть более склонна к податливости и фанку, но при этом может рычать, если надо, Epiphone Wilshire к вашим услугам, если ваш кошелек потянет гитару Custom Historic. На десерт вы за эти деньги получите также жесткий кофр в винтажном стиле, нумерованный сертификат подлинности, сувенирные медиаторы, футболку и копию оригинального фабричного ярлыка.

GUITARS

ma g a zine

John Lennon Casino & 1966 Worn Wilshire К ласс и коллекционную ценност ь некогда производимой в СШ А E piphone J ohn L ennon 19 65 C asino трудно переоценит ь . Т ем не менее цифр ы в пра йс - листах б ы ли для бол ь шинства гитаристов удручаю щ ими при всем высоча й шем качестве изготовления инструмента . Э то вооб щ е характерно для американских E piphone – W ilshire серии H istoric тож е заставляет пролит ь скупую слезу на сво й ценник , намного превосходя щ и й бюд ж ет среднестатистического гитариста . О сознавая востребованност ь обеих моделе й и ограниченност ь финансовы х возмож носте й покупателе й , E piphone вы пустили их новы е версии , производим ы е в И ндонезии : « I nspire d B y» J ohn L ennon C asino , которая вдвое дешевле американско й модели , и примерно во стол ь ко же дорож е стандартно й C asino , производимо й в К итае ; и 1 9 6 6 W orn W ilshire , которая стоит в раз ы дешевле модели H istoric

реди всех факторов, обеспечивших устойчивую популярность гитаре, есть один наиболее значимый. В 1966 году по примеру Пола Маккартни, который уже использовал свою 1962 Casino на записи многих знаменитых песен, таких как «Taxman» и «Paperback Writer», John Lennon обзавелся своей собственной санберстовой моделью образца 1966 года. Возможно, с точки зрения музыкального вклада, гитара Маккартни оставила более

GUITARS

ma g a zi ne

значимый след в дискографии The Beatles (хотя на записи «Revolver» все три владеющих гитарой битла использовали Casino), но именно Леннон больше, чем кто-либо до или после, обеспечил модели визуальную узнаваемость. Современные музыканты, такие как Пол Уэллер или Ноэл Галлахер, также имеют неразрывную имиджевую связь с полуакустиками Epiphone, но нельзя отрицать, что корни этих артистов находят-

ся непосредственно в наследии The Beatles и The Rolling Stones. Итак, Epiphone одолжили у Gibson Custom Historic изящную формулировку «Inspired By», которая в данном случае обозначает, что стандартная Casino получила апгрейд в виде характеристик американской модели. При этом причастность к легендарному артисту обходится во вполне приемлемую сумму. Не исключено также, что между снятием с производства американ-

ской серии и появлением этой модели есть прямая связь. С точки зрения комплектации апгрейд заключается прежде всего в замене двух датчиков Gibson USA P-90 с «ушастыми» никелевыми крышками, а также установке переключателя и гнезда Switchcraft. Подобно ES-330, корпус из ламинированного клена у Casino целиком полый (то есть без центрального блока) и имеет похожие очертания с двумя вырезами, белую окан-

товку по передней и задней кромке. Окантовка в данном случае выполнена исключительно качественно. От китайского аналога модель «Inspired By» отличается также более правильным с точки зрения винтажности санберстом. У стандартной Casino темный участок шире и имеет более выраженную зону перехода, чем у гитар 60-х. Однако у обеих моделей одинаковый пикгард, который в данном контексте смотрится несколько дешево, и его хочется снять.

В соответствии с оригиналом 22-ладовый гриф входит в корпус в области 16-го лада, что на три лада глубже, чем у ES-335 с центральным блоком, и на лад глубже, чем у стандартных китайских Casino. Также нельзя не отметить маркерыпараллелограммы, аккуратно посаженные в палисандр, как и у Casino соответствующего периода. Гриф профиля slim taper имеет накладку радиуса 355 мм (14”) со средними ладами. Он удобно ложится в руку,

GUITARS

ma g a zine

а расстояние между струнами и накладкой невелико. Правда, тыльная сторона грифа покрыта полированным лаком, который на вкус некоторых гитаристов несколько «липкий», и они предпочли бы более «потертое» на ощупь покрытие. Приверженность винтажным традициям Epiphone проявляется и в мелочах: винтажные колки типа Kluson с маленькими бутонами, черное кольцо вокруг тумблера, ручки в стиле Gibson и прямоугольная синяя этикетка, видная через эф. Комплект фурнитуры завершают никелированный трапециевидный струнодержатель, как у ES-330, и бридж tune-o-matic на двух шпильках. Как ни странно, единственный визуальный намек на знаменитого артиста – это маленький, неброский золотой вензель его подписи на обратной стороне длинной головы грифа с макушкой, очертания которой напоминают усы. На умеренном овердрайве гитара демонстрирует чудесный мягкий объемный тембр, который заполняет микс и полностью соответствует тому, что ожидается от гитары без центрального блока. Для сравнения, классические ES-335, у которых такой блок имеется, склонны к более упругому ритмовому звуку. Если сравнивать модель со стандартными Casino, то американские датчики дают заметно отличный результат, позволяя натуральному акустическому и перкуссионному резонансу расцвести, передавая весь шарм и характер полого корпуса. Бриджевый Р-90 звучит остро и живо и позволяет играть прорезающие соло в стиле Би Би Кинга с должным апломбом. В то же время нековый датчик – один или в паре – предлагает открытый и экспрессивный саунд джазовой или блюзовой ритм-гитары, на котором некоторые из великих, таких как Грант Грин, построили свою карьеру.

GUITARS

ma g a zi ne

Ключиком к битловскому звуку является ручка громкости. Нарулим побольше гейна, но уберем громкость на самой гитаре, и характер Casino меняется. Появляется то самое акустическое «подквакивание» и яркая атака, которые можно слышать во вступительном риффе в «Taxman». Но будьте осторожны, по причине полностью полого корпуса гитара весьма склонна к акустической обратной связи, так что поаккуратнее с гейном и громкостью на усилителе. В целом «Inspired By» Casino обладает винтажным характером, с какого боку ни посмотри, и чудесным образом музыкальна. В сравнении с ней стандартным китайским Casino не хватает шарма и харизмы, как визуально, так и в звуке.

1966 Worn Wilshire

первые представленная в 1959 году и выпускавшаяся на фабрике Gibson в Каламазу, Wilshire изначально имела симметричный корпус, два сингла Р-90 и симметричную голову (3+3) с перламутровой инкрустацией логотипа Epiphone. Но в год, когда на свет появились такие непохожие певицы, как Татьяна Овсиенко и Шинейд О`Коннор, Epiphone разродились окончательным вариантом Wilshire. Он и взят за точку отсчета в реплике 1966 Worn Wilshire. Конечно, теперь модель производится в Азии, но во многих отношениях она соответствует оригиналу – доступна по цене и имеет привлекательные характеристики. Wilshire выглядит, как вычурный вариант Les Paul Junior. Асимметричный корпус «по мотивам» SG имеет толщину всего 36 мм – сравните с 45 мм плитой Les Paul Junior – и имеет, как и у оригинала, увеличенный верхний рог и гладкие, округлые кромки. Корпус покрыт матовым лаком с приятной винтажной потертостью, и, как у оригинала, лак положен на пропитку, которая придает волокнам махагона темный оттенок, чтобы они проступали сквозь лак. Точно такая же техника использовалась на моделях Gibson Junior.

Сходство с SG продолжается и в грифе, который входит в корпус только в районе 22 лада и обеспечивает превосходный доступ к верхним ладам. Он имеет знакомый удобный профиль slim taper и палисандровую накладку с маркерами-точками. Одним из самых заметных нововведений в поздних Wilshire была голова грифа. В 1963 году Epiphone придумали футуристический «бэтмэновский» дизайн, который можно видеть и здесь. Хромированные колки расположены в ряд, а под ними находится золотистое шелкографированное лого Epiphone. Кроме того, два минихамбакера имеют такие же базовые спецификации, что и оригиналы, стандартно выпускавшиеся с 1962 года. Оба датчика крепятся к корпусу аутентичными черными пластиковыми рамками с двумя регулировочными винтами по бокам каждой. Огибающий корпус пикгард в духе Tele Custom содержит всю остальную электронику: по два потенциометра громкости и тембра с крупными ручками, как у усилителя, и трехполосный переключатель с выраженным щелчком. Мини-хамбакеры предполагают более яркое и чистое звучание, чем у SG. И на чистом, с легким кранчем, звуке в духе винтажных Fender становится видно, что Wilshire передает винтажный дух очень хорошо. Чистый звук очень читаемый, но при этом натурально сочный в среднем диапазоне. В нековом и среднем положении он располагает к прочувствованному блюзу и джазу, а бриджевый звукосниматель слегка поддает жирка для ритмового звучания классического рока. Wilshire не разочаровывает и на хорошем ламповом овердрайве. Здесь характер звука сочетает качества SG и Tele. Махогон обеспечивает хорошее рычание, но не без налета телекастерного тванга. Это очень шумный, заразительный саунд гаражного рока с неслабым напором. Легко представить, что Джек Уайт, например, по достоинству оценил бы пижонский прикид гитары и палитру звучания винтажного рока. А если поставить струны потолще и поднять их повыше, то это будет отличный бюджетный инструмент для слайдовых гитаристов, которые ищут что-то прикольное и нахальное.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Как правило, инструменты имени артистов относятся к ценовым категориям от дорогих до запредельно дорогих, поэтому приятно видеть со стороны Epiphone такой дружественный жест в виде Casino. Добавив нюансы винтажной эстетики, которые реально передают суть оригинала, и проапгрейдив инструмент американскими комплектующими, они получили результат намного превосходящий стандартные Casino, и намного более доступный по цене чем предшествующая американская модель. Цена может кому-то показаться все же высоковатой, но если вычесть из нее стоимость стандартной Casino, потом стоимость апгрейда

комплектующих, потом стоимость качественного жесткого кейса, она выглядит вполне адекватной. Кроме того, часть прибыли от продаж гитары Epiphone передает в фонд музыкального образования John Lennon Scholarship Fund. По поводу ценовой категории 1966 Worn Wilshire вопросов нет, к тому же гитара вполне успешно передает дух оригинала. Отличный профиль грифа, умеренный вес и достаточный «выхлоп» мини-хамбакеров – удачная комбинация для широкого спектра различных жанров рока. Если вам нужна бюджетная и достаточно мощная альтернатива популярным моделям инструментов, то эта гитара будет очень интересным предложением.

GUITARS

ma g a zine

«Впервые папа разрешил мне вынес ти свою гитару – Gibson 1911 год а – из дома, когд а я учился в восьмом к лассе. У нас был школьный квар те т – два аккордеона, гитара и барабан. Так вот, вид я, что моё увлечение музыкой – это серьёзно, отец доверил мне свой рарите т»

«Каждый концерт неповторимый. Из самых необычных, запомнилось прямое выступление в 1988 году перед космонавтами, которые на тот момент жили на орбите уже пятый месяц. Ощущение потрясающее, когда g a zi neигра, покинув земное притяжение, проникает и вливается в пространство космоса!» играешь, и maтвоя 34ты GUITARS

«Зачем отказываться от прошлого – особенно если то, что когда-то было, у меня озарено самыми добрыми, прекрасными воспоминаниями. Нет, конечно, бывало в жизни всякое. Но мне приятно предаваться воспоминаниям; вся моя биография соткана из бесконечного множества эпизодов – разве можно всё это забыть?»

Алексей Кузнецов семнадц ать мгновений д жаза Алексей Кузнецов играет джаз уже полвека, но, несмотря на весь свой огромный опыт, он до сих пор не останавливается в поисках совершенства. Его гитара звучит во многих наших кинофильмах, а после концертов к Алексею Алексеевичу выстраиваются огромные очереди за автографами. Люди идут, и пока каждому он не подпишет диск или плакат, пока не спросит, как зовут, пока не сфотографируется – он не уходит. Некоторые несут виниловые пластинки, на которых есть его автограф тридцатилетней давности, а значит, его музыку уже можно считать классикой

Казалось бы, в таком возрасте уже можно выйти на пенсию и играть с внуками где-нибудь на даче в Подмосковье. Но Алексей Кузнецов может сыграть еще много чего – идей у него хватит лет на сто вперед. Поэтому и сегодня он либо работает в студии, либо снимается на телевидении, либо дает уроки и концерты. Нашел он время и для интервью Guitars Magazine. Вы начинали с домры, почему, скажем, не выбрали фортепиано? Обычно считается, что фортепиано способствует формированию музыкального «восприятия». Все предрешено было раньше. Поскольку мой папа был гитаристом,

то мне даже решать ничего не надо было – фортепиано, или что-то еще. Ясно было, что надо идти по гитаре. Но есть время, в котором ты живешь, а гитары-то джазовой нигде не было – ни классов, ни тем более преподавания. Поэтому пришлось выбрать такой путь, который мог бы дать образование. С самого начала мне даже удалось попробовать поступить на дирижерско-хоровой факультет, но я фортепиано знал очень мало, поэтому это было просто невозможно. А потом решили, что на домре надо учиться – это будет рядом, это будет народный инструмент, это будет тоже медиатор, это будет что-то похожее. Таким образом, я пошел в училище Октябрьской революции по классу домры, народные инструменты.

В училище была домра, а ваш отец учил вас чему-нибудь на гитаре? Да, папа играл на гитаре уже, так сказать, по-взрослому. И поэтому я это все уже чувствовал, все это уже во мне было, и он начал мне помогать и показывать все, что он знал. Все произошло естественным путем, ничего не надо было выдумывать. Но, для того чтобы как-то себя укрепить и как-то себя сделать – так как, все-таки, основным я считаю ритм, потом есть гармония, потом мелодия – я приобрел себе барабаны. И поиграл немножко на барабанах – годика два, но параллельно изучая гитару. Мне хотелось улучшить чувство ритма. И я достиг каких-то успехов к тому вре-

GUITARS

ma g a zine

мени. Потом уже барабаны потихонечку ушли на задний план, и я продолжил играть на гитаре. А что было основным в становлении вас как гитариста вообще и как джазового гитариста в частности? Что было основным? Нужно было найти практическое решение – играть на гитаре, это самое главное. Предикт к джазу – он находился в рамках такого знаменитого квартета Бориса Тихонова, 90-летие которого мы сейчас отмечаем и в котором папа играл.

трабасе и Херб Эллис (Herb Ellis) на гитаре. Как раз этот гитарист очень импонировал мне по эфиру, и я понял, что это интересно – вот так поиграть, к этому я и стал стремиться. Тут уже пошло самообразование на фоне всей учебы, тут я стал искать различные пути. К счастью, был такой оркестр при институте химического машиностроения под управлением Бориса Семеновича Фрегодина – это первый джазовый оркестр, куда я пришел и продолжил самообразование. Там были друзья, которые уже интересовались джа-

– просто природой дано – Испания, гитара. Все это сделано было природой. И такой язык как фламенко, конечно, очень волнует. Прежде всего, своим ритмом, виртуозностью. Когда я услышал гитару в стиле латино или босанова – это и музыка Антонио Карлоса Жобима и Луиса Бонфа, и Жао Жильберто – это все мне тоже очень понравилось. Я люблю играть босанову, мне нравится этот стиль. А это как раз классики босановы. Что касается блюза, блюз – это дерево в джазе. Конечно, архаичный блюз, тот старый блюз, кото-

«я – не администратор, не промоутер, я – прежде всего музыкант – могу создавать музыку, я могу научить её исполнять, но не умею продавать её. Знаю, что сегодня это звучит старомодно, но у меня просто руки до всего не доходят, да и осваивать в мои годы эту совершенно новую для меня науку просто некогда» И вот как раз там гитара выполняла роль в основном аккомпанирующую, хотя хотелось, чтобы она была и солирующей. Так получалось, такая была литература. Вся литература, связанная с репертуаром, включала в себя и вальс, и польку, и гуцульскую рапсодию, и латиноамериканскую румбу, и фокстрот, и так далее и так далее. И все это в то время было очень интересно. Эта литература давала опыт в возможной игре на гитаре. И я эту литературу всю проиграл, всю. В результате этого я получил определенный навык, но, конечно, хотелось развиваться дальше, потому что язык джаза – он намного богаче. И все, что было и окружало меня – музыка джазовая – прилипало ко мне, и я старался это все воплотить на грифе гитары. Поэтому все пластинки, которые появились, записи, переда-

зом, и, в частности, Владимир Кулль – пианист, с которым мы потом сделали квартет – и пошло-поехало. Вот это то, что мы могли позволить себе в то время. Кого из музыкантов вы бы отметили, как наиболее повлиявших на вас в музыкальном плане? Может быть, не только гитаристов, но и певцов, барабанщиков? Начну, наверно, с гитары, потому что она ближе. Ну, конечно, пример гитары всегда был у меня дома – это папа, который играл на гитаре – и классику немножко, и инструментальную музыку. Не могу сказать, что это была эстрадная гитара в том понимании, в каком она есть сейчас. Та гитара несла настоящую нагрузку аккомпанирующей гитары за исключением

рый когда-то звучал, звучит и сейчас. Би Би Кинг – им можно только восхищаться. А есть еще и джазовый блюз, который включает в себя красивые гармонии, которые надо обыгрывать – вот это джазовым музыкантам может быть интересно, потому что здесь возникают интересные импровизационные линии, хотя они и в блюзе тоже есть. Я люблю балладу. Баллада мне больше нравилась всегда у Уэса Монтгомери. Гитарист, который играл все одним большим пальцем – вот это был уникальный большой палец, феномен. Его мягкий звук просто чаровал меня, хотя все остальное он играл также здорово, но когда играется медленная баллада, звук становится настолько нежным, настолько лиричным. Особенно октавная игра – я это взял к себе и очень часто этим пользуюсь.

«В советские времена все было проще – музыкантам не нужно было думать о тиражах, о «раскрутке» своих записей, все шло самотеком. Но вскоре пробел с отсутствием моих записей будет исправлен – недавно я начал сотрудничество с профессиональными продюсерами, которые блестяще знают своё дело» чи всевозможные, друзья – все это привело к тому, что тот опыт, который я приобрел при игре в обычном ансамбле, – я усвоил, а дальше стал развивать джазовую сторону. На базе, прежде всего, больших оркестров и певцов, таких, скажем, как Элла Фицджеральд, Фрэнк Синатра – вот это было основным, но это в больших коллективах, в больших составах. А в малом составе я впервые услышал по радио Оскар Питерсон трио (Oscar Peterson), в котором был Рэй Браун (Ray Brown) на кон-

GUITARS

ma g a zi ne

маленьких сольных моментов. Поэтому та гитара понятна мне как инструмент, который отвечал не только тому времени, но и назначению гитары в ансамбле. А что касается какой-то другой гитары, которая мне понравилась, и я ее взял к себе, то это Херб Эллис. Если идти дальше по гитаре, что понравилось – это все равно с джазом больше связано. Конечно, нельзя отрицать феномен Пако де Люсия. Нельзя ничего сказать, потому что играть такую музыку на гитаре

Ну и что еще осталось – свинг как таковой. Опять возвращаясь к Хербу Эллису – его перкуссивное звучание в аккомпанементе – то, что он делает на гитаре – этому я завидую белой завистью. Стараюсь что-то в этом плане поиграть тоже. Иногда меня называют свинговым гитаристом. Наверно, это так и есть. Свинг я люблю по-прежнему, поэтому такие гитаристы, как Херб Эллис, Барни Кессел, Фредди Грин, который играл только аккомпанемент и никогда соло, меня всегда прельщали – то,

как можно так играть ритм. Вообще искусство ритма первостепенно для меня. Нужно зажечь изнутри ритмом самого себя, что я прекрасно понимаю. Ведь это мне нужно самому сделать, никто меня не зажжет. Вот, пожалуй, что сопровождает меня. А если говорить о тех, с кем вы играли, с кем было приятнее всего играть? Прежде всего, это Николай Громин – гитарист, с которым я провел много творческого времени, фактически на протяжении всей жизни. У

Очень интеллигентная гитара, саксофон и контрабас. Здесь надо уметь не только солировать, но и аккомпанировать, о чем я прошу гитаристов не забывать. На каких инструментах вы играли в советское время? На наших или удавалось доставать зарубежные? Главной задачей тогда было приобретение инструмента из демократической страны – Чехословакии, Болгарии. Но в основном были интересны инструменты из Германии.

Он не был сугубо джазового направления, он был решен как ак устический, он был очень старым и так и выглядел. Тогда еще, наверно, и не было особо джазовых моделей. Тем не менее 1911 год – это давно. Вот этот инструмент был довольно интересным. Его мне потом разрешили вынести в школу, когда я учился в 9 или 10 классе. Мы играли на вечере, и у нас был квартет – два аккордеона, гитара и барабаны. Так что в советское время я был при инструменте.

«В начале 90-х подзабыли и джаз, и искусство вообще. Знаете, в стране был такой неспокойный период – гражданское неповиновение, криминальная вакханалия. Я же не переставал трудиться – даже расширил рамки своей деятельности, увеличил фронт работ, став проводить регулярные мастер-классы» нас был дуэт гитар. Да и до сих пор мы встречаемся иногда, что-то пишем, снимаемся. Но реже уже, потому что он живет в Дании. У нас все есть, мы делаем этот дуэт насыщенным, дополняя друг друга и учась друг у друга на протяжении всего времени. Результатом этого стали два виниловых диска, которые многие знают. Сейчас мне довольно комфортно играть с моим слушателем, учеником, который стал на этот путь – Максимом Шибиным. Мы вдвоем играем дуэт гитар. Что касается зарубежных исполнителей – мы как-то играли с Полом Боленбеком. Он мне очень понравился. Да и много других, всех и не вспомнить. Есть очень хороший гитарист из Канады – Оливер Геннон, который играет в трио.

Был такой германский инструмент – назывался он Рекорд – мы все мечтали его приобрести. У меня его, правда, не было. Я пользовался чешским инструментом одно время, потом каким-то еще. Папа где-то доставал разные инструменты, но они были не очень интересными. Но в конце концов мы набрели на очень интересный инструмент 1911 года прекрасной американской фирмы Gibson.

За время вашей музыкальной карьеры менялись целые эпохи. Был Советский Союз, потом перестройка и так далее. Поменялась ли ваша жизнь как музыканта за это время? Дело в том, что с 1962 года по 1992 я работал на государственной службе – сначала в оркестре радио и телевидения, а потом в оркестре кинематографии – работа, связанная с озвучиванием фильмов. Поэтому все, что происходило в джазе – это было параллельно. И с точки зрения материального блага – ничего сказать не могу плохого о джазе как о музыке – но зарабатывать деньги на джазе было нельзя.

GUITARS

ma g a zine

Это была некоторая поддержка, все основное зарабатывалось на государственной службе. А так, наверно, ничего не менялось. Я попрежнему делаю то, что люблю, никуда не ушел. Сейчас мы сами как-то справляемся, своими силами. Получаем зарплату, ее же вкладываем в дело. Просить никого не надо, посмотрел в свой карман и все. Сами на себя работаем. Скажите, как вы формируете свой гитарный звук? Вы ведь очень редко используете эффекты, поэтому гитара и усилитель должны сами по себе иметь отличное звучание. Эффекты я в принципе никогда не использую, кроме одной маленькой истории, которая связана с моим собственным произведением «Голубой коралл», где я включал флэнджер, который создавал искристый такой звук. Это был единственный раз, больше эффектов вообще не было, да мне и неинтересно это было. Я хотел найти живой звук путем рук, при помощи хорошего инструмента, хорошего усилителя, который ничего не искажает, а просто делает гитару громче. Фактически это было главной задачей. Gibson шел как-то посредине, мне всегда хотелось до него добраться. И в конце концов так получилось, что где-то в 1973 году, работая в оркестре кинематографии, я получил казенный инструмент Super 400 CES, который до сих пор у меня, по разрешению коллектива оркестра кинематографии. Я на нем и сейчас работаю. Это замечательный профессиональный инструмент, иметь который было бы счастьем для любого гитариста. Усилительная аппаратура была разная за это время – и самодельная, и Vox был замечательный, и какие-то другие всевозможные усилители. Но все-таки в конечном итоге я пришел к Fender – ламповому Tweed. Но он был тяжелый, на колесах, его было невозможно возить с собой, поэтому я его продал и приобрел усилитель Polytone. Это очень хороший усилитель, который до сих пор есть у меня – это подарок от моего коллеги Николая Громина. Он басовый, это очень хорошо, там есть хорошая плотная середина – замечательный транзисторный усилитель, 90-ваттный, очень хороший.

GUITARS

ma g a zi ne

И совсем недавно появился AER – небольшой, тоже транзисторный, электроакустический, 60-ваттный немецкий усилитель. Вот им я сейчас пользуюсь. Он легкий, порядка 8 килограммов, поэтому с ним можно и в метро иногда поехать. Ну, а за спиной всегда Gibson Super 400 CES. А какие еще гитары у вас есть? Была раньше одна гитара – Beartone – Николай мне дал в свое время этот инструмент. Тоже очень хороший по звуку – на нем, кстати, записана пластинка с Чижиком, в

данном случае мелодия Гершвина, там приятный звук. А сейчас у меня есть мастеровой инструмент, который сделал Вячеслав Латышев. Это уже второй инструмент, который он для меня сделал. Второй такой инструмент у моего ученика – прекрасная гитара, наподобие Gibson Super 400 – на ней играет сейчас Максим Шибин – хороший, талантливый музыкант. А у меня от мастера новый инструмент, с толстой банкой, как сейчас принято говорить, с широким грифом. Но он электроакустический

– на нем можно играть на акустике, можно играть на электричестве – со звукоснимателем Benedetto, и можно играть на пьезоэлементе Fishman. Все это вместе сочетается в одном инструменте, я считаю, что это очень богатый тембр. То есть, у вас две гитары и все? Да, у меня две гитары и этого достаточно. Есть, правда, еще и третья акустическая, с нейлоновыми струнами, которая пришла по линии моего приятеля из детства. Его папа тоже играл на гитаре. Это Алек-

А если человек мечтает научиться играть джаз, какие шаги ему вы посоветуете предпринять? Во-первых, надо проверить его. Он может хотеть, но мочь – это вторая стадия. Ко мне часто приходят и говорят – хотим. А когда мы садимся – выясняется, что это ошибка, так тоже бывает. Потому что нет предрасположенности к ритму, нет предрасположенности к пониманию гармонии – такой более джазовой. Это все надо иметь в своей человеческой природе. Человек

гаться дальше и стараться научиться делать все как следует. А на это порою и времени всей жизни не хватает. Поэтому есть какие-то этапы. Это вы прошли, это вы сделали. И таких этапов много, до конца еще очень далеко. А какой этап является следующим для вас? Еще много чего. Не знаю, с основными вещами я справляюсь – с ритмом, гармонией, мелодией. Я с ними справляюсь – в каком смысле – я их слышу, я их чувствую, я могу находить интересные варианты. Но

«Ведь то, что близко и жизненно необходимо одному человеку, совсем не интересно другому. К примеру, я совершенно не могу комкать брюки – глажу и вешаю их точно по стрелке. В моем доме все вещи всегда четко расставлены и развешаны – такое вот перпендикулярно-кубическое видение мира» сей Иванович Якушев, от которого я и получил этот инструмент. Я иногда его тоже использую. Этого достаточно вполне – три гитары, которые можно использовать и на концерте, и в записи, и в любой ситуации. Как открыть джаз человеку, который никогда не слушал джаз или не играл его? Что вы посоветуете, чтобы взять и увлечься? Прежде всего, надо попасть точно в раздел джаза. Иначе можно попасть не туда, потом будет трудно. Потом скажут, что это не то, это не так. Нам сказали, что это джаз, а на самом деле это другое. Надо попасть в раздел джаза и немножко ознакомиться стилистически с тем, что вообще происходило в джазе. Зайти на какие-то ран-

может быть музыкальным, но не джазовым. Может, ему песни надо петь, может, просто бардом быть. Так тоже бывает. Он думает, что он может – это приятное ощущение, но смочь – это трудно. А если есть внутри какие-то заделы джазовые, то это определяется путем тестирования определенных ритмов, гармонических отклонений. Способности молодого музыканта как бы прощупываются. Это можно определить, потому что джаз – это все-таки наука, я считаю, нормальная наука. Интересная и сложная. Я всегда сравниваю его с шахматами. Может быть, это в некоторой степени хоккей, футбол, потому что есть какие-то комбинации, какие-то начала, а потом надо импровизировать. Вы на доске тоже импровизируете, вы ищете комбинации. Так же и здесь, по законам

это еще настолько не всегда стопроцентно, потому поиски все равно идут, и чем дальше, тем интереснее. И все время мы находим какие-то новые решения. И это очень хорошо, что есть возможность правильно понимать, что на данном этапе что-то не получается. Надо посмотреть, надо решить, как здесь быть, что здесь надо сделать, как обыграть ту или иную функцию, какую-то гармонию поставить или, может быть, ритмически что-то изменить. Потому что, когда прилипаешь к чему-то, и тебе кажется, что все хорошо, а на самом деле еще не очень – вот это ошибочно. Этого надо избегать. Я думаю, что музыкант совершенствуется все время. Тем более, если годам к семидесяти подходит время, то можно еще спокойненько работать и искать интересные музыкальные открытия.

«Я объездил полмира – дальние края для меня связаны, прежде всего, с гастрольной деятельностью; там другой настрой, там невозможно полностью отдохнуть. А в родной Почаевке, что на речке Проня под Рязанью, отдыхаешь душой. Там свежий воздух, утренний туман, печной дымок» ние содержания, формы, послушать Dixieland, Swing. Это начало, это надо послушать, там есть много интересного. Потом постепенно придете в мейнстрим, где есть босанова, где есть баллада, где есть блюз, джазовый блюз. Все это есть, и надо точно попасть, туда куда надо. И я думаю, что вам это понравится. А дальше можно разбираться спокойно. Музыка добрая, хорошая народная музыка – она из народа идет. Так что здесь все хорошо, все правильно.

мышления вы тоже можете построить такие же комбинации, они будут очень интересными, они будут джазовыми. Был ли в вашей жизни такой момент, когда вы могли бы сказать – «Вот оно, вот мой звездный час!»? Нет, таких вещей не происходило, почему – скажу просто. Потому что надо правильно понимать, что время дано для того, чтобы идти вперед. Дело в том, что просто надо дви-

Расскажите, пожалуйста, чем вы сейчас занимаетесь, что записываете? В последнее время происходит музыкальное действие, как я говорю всегда, которое включает в себя и записи, и концерты, съемки, и все что это сопровождает. Если пойти по порядку – у нас в Москве есть джазовое кафе «Блюз», в котором есть программа, которая называется «Джазовый блюз». Вот такой посыл мы развернули, и нашлись любители такого преломления блюза.

GUITARS

ma g a zine

Я еще раз повторяю, что джазовый блюз, как я для себя решаю, – это богатство обыгрывания гармонии. Но, вообще, это джаз. Джаз и блюз, блюз и джаз – игра слов, все это понятно. И, идя дальше, мы записали и сняли такое музыкальное действие, которое, я надеюсь, вскоре появится. И «Джазовый блюз» как CD с музыкой, и как DVD. Второе действо – запись с моим давнишним партнером – саксофонистом Сергеем Гурбелошвили. Он также играет и на губной гармонике, и на флейте, и на сопрано-

А вообще главным событием этого года является выход уже второй части DVD – «Алексей Кузнецов. Полвека в джазе. Продолжение», куда вошли редкие кадры с участием всех знаменитых джазовых артистов России – Георгия Гараняна, Сергея Гурбелошвили, Даниила Крамера, Сергей Манукяна, Владимира Данилина, Николая Громина – всех звезд. А DVD – это уникальное собрание сочинений. Трудно было, но все отсутствующие приняли участие. Вообще, такой DVD со-

Еще один диск – новый студийный альбом с современными взглядами. На грани классического джаза и современных ритмов. С современным звучанием, новым звуком. Может, джазовые критики и обрушатся на этот альбом, поскольку джаз в таком звуке представлен еще не был. Мы что-то ищем, прибавляем все время. Сейчас как раз над этим и работаем. То сведение, то запись. Мы стараемся не отставать, время идет, надо что-то делать. Плюс набирается материал на сольный альбом. В некоторых мо-

«Чай в деревне пьем тоже, хотя реже, чем кое-что другое. Не скажу, что я являюсь завзятым трезвенником, но для меня способ получать удовольствие – в другом: в работе – и творческой, и физической, в общении с внуками – их у меня аж четверо: Егор, Фёдор, Ярослав и Арсений» саксофоне. Мы давно играли, музицировали, но в связи с его отъездом в США, мы прервали наше творческое сотрудничество. Но все-таки нашли возможным включить в DVD, который называется «Продолжение» – это второй DVD о моем творческом пути, о гитаре в джазе – два номера, записанных давно, в 1989 году в зале Чайковского, где мы играли целое отделение дуэтно. Это интересно, сложно, привлекательно. Это все было у Сергея с собой там, в Америке. Мы попросили его передать эти кадры, чтобы вставить их в DVD. Он приехал сюда, мы это сделали и попутно решили сделать запись, которую можно считать удачной и, надеюсь, в ближайшее время выйдет CD. Собрались на одну ночь на студии Sound Design Studio, и записали материал для новой дуэтной пластинки – Алексей Кузнецов и Сергей Гур-

брать на протяжении такого времени – где-то от 80-ых годов – это очень непросто. Все по кусочкам собиралось, но мы это сделали. Первый диск – «Начало» – был представлен год назад 6 сентября (прим. – день рождения А лексея Кузнецова) в Доме музыки. И вот теперь второй диск, вышедший уже 6 сентября этого года. Презентация его фактически представляла собой джазовое шоу на сцене. А что еще планируете сделать в ближайшем будущем? Что еще? В планах мой авторский диск с пока условным названием «Просто Алеша». Это будут все авторские произведения, и, надеюсь, этот диск скоро появится. Может быть не все всё знают, потому что на концертах часто задают много вопросов, ответов на кото-

ментах я даже использую наложения, когда сам играю за вторую гитару. Ну и разные формы от соло до квартета и квинтета. Может быть, я не исключаю, мы когда-нибудь прибавим какие-нибудь струнные. Потому что гитара и струнные – это очень красиво, может быть, еще с добавлением флейты. Меня вообще интересуют разные формы – от соло до гитары с оркестром. Хотелось бы переиздать некоторые старые альбомы. Но в оригинале их нельзя переиздать, поскольку у тех компаний, которые когда-то их выпускали, такого желания нет, а сами мы этого сделать не можем. Поэтому мы приняли решение переиграть многие произведения заново в сегодняшнем звуке. Немножко по-другому представить те произведения, которые были когда-то популярны. Даже по составу инструментов, по ансамблю

«Самое забавное – то, что я много лет продолжаю ездить на стареньком «Москвиче-2141». Нет, еще более забавное в другом: по надежности, по вместительности – он меня вполне устраивает. Хочу поставить сигнализацию, чтобы не растащили на запчасти» белошвили – дуэт гитары и саксофона, дуэт гитары и флейты, дуэт гитары и губной гармоники. В альбом вошли как мои произведения, знаменитые джазовые стандарты в новом прочтении, так и баллады, босановы, свинг. Здесь я, как всегда, за всю ритм-секцию работаю, большая ответственность лежит на гитаре в таком дуэте. Там и контрабас, и барабаны, и рояль – и все это надо сыграть, чтобы солисту было удобно. Благо, с Сергеем Гурбелошвили этот опыт уже был 20 лет назад.

GUITARS

ma g a zi ne

рые у меня нет, потому что наше информационное поле не охватывает всех слушателей. Какой-то должен быть Дом джаза, в конце концов, потому что жанр очень многоликий, интересный, многогранный, столько есть всего. Но я всегда мечтал о Доме гитары. Хочется сделать такой дом, чтобы там были разные преподаватели, преподавали джазовую гитару, классическую, рок-гитару. Чтобы там же был клуб, проходили концерты.

это другие формации, в результате их содержание немножко меняется. Ну и концерты в Доме музыки мы будем продолжать. Есть такая идея – свести концерты в сборник, в один DVD, и потихоньку готовится третья часть DVD «Алексей Кузнецов. Полвека в джазе», где будут еще более редкие кадры. Вообще клич идет такой – присылайте любые кадры. Пытаемся собрать заново историю джазовой гитары на видео, чтобы можно было посмотреть живьем, как эти люди играли.

GUITARS

ma g a zine

Скажите, вы по-прежнему ведете мастер-классы? Да, до сих пор. А начиналось все в 1994 году в Аккорде. Тогда пришло много народу по объявлению. Все мы сели, и я говорю: «Давайте, вы сначала задайте вопросы, а потом я что-то отвечу». Первый вопрос был: «А вы будете преподавать андеграунд?» На что я не мог ничего ответить. Я говорю: «Наверное, нет». Тут был вздох какой-то. Наверно, я не соответствовал тем мыслям и идеям, с которыми пришли молодые люди.

упражнения нахожу сам. Не те, которые в книгах написаны, а те, которые мне нужны из опыта. Я делаю свою разминку, которая содержит разные приемы и то, что даст мне возможность побыстрее войти в форму. Это включает в себя и пассажи, и гармонические прогрессии, и чистый ритм, так называемую перкуссию – то, что я люблю делать на гитаре. Потом я просто играю про себя какие-то стандарты или какие-то оригинальные сочинения и включаю уже все возможности техни-

Читателям можно вот что сказать. Вообще, сейчас гитара есть почти в каждой семье, в каждом доме. Гитара – очень популярный инструмент. Поэтому все, что связано с игрой на гитаре, даже непрофессионально, а просто для себя, дома – это замечательно, это дает какую-то грань вашего развития. А вот выбрать, что делать на гитаре – это другой вопрос, зависящий от вкусовых пристрастий. Молодые люди приходят также ко мне на мастер-классы, я их прошу – ты сыграй что-нибудь мне,

«Отец, кстати, тоже Алексей Алексеевич Кузнецов, был известным в те годы гитаристом, до войны играл в Государственном Джазе СССР. Мама, хотя работала не в оркестре, а преподавателем в институте иностранных языков им. Мориса Тореза, к музыке также питала добрые чувства» Я говорю: «Давайте, я сыграю вам все, что я знаю. Понравится вам – вы останетесь, не понравится – я не обижусь». Я сыграл, ребята переглянулись, вроде все посмотрели. «Ну, в таком духе и будет дальше». На следующий раз пришла половина, и мы начали процесс. А некоторые пошли искать андеграунд. Вот до сих пор мастер-класс и работает. Все происходит в узком кругу, свободный вход, домашняя атмосфера. Процесс проходит на открытом рабочем моменте. Бывает и выездная форма – мастеркласс плюс концерт. Недавно мы были в Липецке, в училище искусств имени Игумнова. Была аудитория, человек 40. Послушали, я им все рассказал, показал. Но ни на один вопрос они фактически не могли ответить, у них ничего нету. Это и есть пробел.

ки. Но самое главное – это делать все правильно, с самоконтролем. То есть я должен выполнять все очень точно, контролируя, что я делаю. Вот это очень важно. Иногда руки чуть-чуть не слушаются, но я как-то заставляю их бегать, потому что это необходимо. Вот такие сегодня позиции, когдато были другие. А сколько вы вообще играете? Бывает, я играю целый день, а бывает, на следующий день я не играю вообще. Потому что очень разные пропорции занятости. Бывают поездки, бывают записи, бывают мастер-классы. Если в среднем, то занимаюсь не менее трех часов в день. Отдыхать тоже нужно, а то вот рука болит. Мне кажется, что я немного переиграл ее. Два дня я не играю, сей-

чтобы я понял, что ты такое. А он почти ничего не может, ну, скажем, по-дилетантски играет. Он не может для себя решить, что играть, и моя задача ему помочь. Но все равно прикоснувшись к гитаре, мне кажется, никто не проиграет. Даже если вы просто саккомпанируете сами себе и намурлычете какую-то мелодию. Это все равно замечательно, это все хорошо. А дальнейшее покажет – джаз ли вы будете играть или рок. Важно, чтобы после того как вы поймете, что гитара становится вам близка, вы пошли туда, где вам расскажут и объяснят все, что связано с гитарой и, в частности, с джазовой тоже. На той гитаре, на которой я играю, которую я люблю. Надо слушать хорошую музыку, разную. Послушайте дуэты гитар. Две гитары –

«мой дед, Александр Ильич Егоров – один из пяти довоенных маршалов СССР, был не только выдающимся военачальником, он получил в своё время великолепное музыкальное образование: имел прекрасный баритон (даже стажировался в Италии), играл на скрипке» Когда музыкант молод, он много времени тратит на различные упражнения. А на что вы тратите свое время? Играете ли какие-то упражнения? Я сейчас уже играю упражнения, которые дают возможность просто держать себя в форме, это – прежде всего. Потому что мой аппарат сегодняшний немножко меняется по сравнению с тем, который был раньше, когда я был помоложе. Поэтому какие-то вещи приходится видоизменять. И я для себя

GUITARS

ma g a zi ne

час чуть-чуть легче. Если еще дватри дня пройдет, и я играть не буду, то, может быть, все успокоится. Такие вещи надо учитывать. Можно руку иногда переиграть – это не только у меня так, у многих инструменталистов, которые играют на разных инструментах, тоже такое происходит. Ну и напоследок скажите какое-нибудь напутственное слово читателям Guitars Magazine.

это как два оркестра. Возьмите, например, Джима Холла и Пэта Меттени. Красиво, здорово, интересно. Вообще, гитара в доме – это прекрасно. Музицируйте, играйте. Еще очень важно получать правильную информацию. И если вас интересует джаз, вы можете настроиться на 107FM, это Русская служба новостей, ночью с двух до шести утра. Там Павел Козлов и я ведем большуюбольшую музыкальную программу, в том числе джазовую.

Те, кто не знаком еще с вашим творчеством, наверняка слышали вашу работу в Оркестре кинематографии. Что можно считать вашей «визитной карточкой»? Вы знаете, работ было так много, что мне проще перечислить композиторов, с которыми мне пришлось познакомиться, или я уже был с ними знаком, и они просили меня принять участие в записи музыки. Очень много было записано с Андреем Павловичем Петровым, например мы с ним работали во время записи музыки к фильму «Жестокий романс». Помните – «А напоследок я скажу...» и другие романсы. Иногда я аккомпанировал, иногда в две гитары. Всю «цыганщину»? Как бы «цыганщину». Иногда принимали участие и другие гитаристы, не только я. Иногда приглашалась цыганская группа – знаменитые цыгане, а мы были к ней вдобавок, вносили дополнительные краски. И вот такой общей кухней, мы решали вопросы сопровождения певиц, которые озвучивали. Ведь не всегда актриса пела сама, «А напоследок я скажу...» – пела Валентина Пономарева. Никита Сергеевич Михалков, правда, пел сам. Это только один случай. Сложно все вспомнить и тем более перечислить. Навскидку можно вспомнить тему из «Семнадцати мгновений весны», которую записывал я. Это мы писали в Доме звукозаписи на улице Качалова, а дирижировал сменой Юрий Васильевич Силантьев. Я потом только понял, над чем работал, когда фильм вышел и получил резонанс. Я увидел его по телевизору и сам себе сказал: «Это ведь я играю». С Микаэлом Таривердиевым, царство ему небесное, мы тоже много работали. Еще, помню, был фильм «Мексика», с интересными латиноамериканскими мелодиями, и мы там играли вместе с Алексеем Ивановичем Якушевым, замечательным гитаристом, настоящим мастером. Много гитарного происходило. Иногда с Сергеем Никитиным работали, над какими-то моментами. Есть двадцать секунд и за это время надо создать настроение. Играешь, а тебе кричат «Стоп-стоп, Алексей! В руки не попали!». Актер, который снимается, как бы играет и поет, но он руки на грифе держит неправильно. Я смотрю, звучит по идее ля-минор, а берет он не то. Наблюдательный человек сразу обнаружит подделку. Вот эти несовпадения меня всегда интересовали, и я старался попасть и в руки и в музыку одновременно, и

меня приглашали, потому что я всегда попадал. Это когда по музыке – одна гитара и герой. Он ее взял и положил – и надо тоже сымитировать эти звуки – удары по деке, шуршание. Это был страшно интересно в профессиональном смысле. Это была интересная работа, но она не носила в целом джазового характера. А джазовое было? Ну, если была сцена в ресторане, тогда композитор мог написать что-то соответствующее или просто задать гармонию и тему. И получался такой негромкий ресторанный джаз. Ваша профессиональная деятельность началась с танцверанды? Танцплощадка в саду Баумана носила такой характер: там был обязательный репертуар – танго, вальсы, фокстроты. И специфично джазовое там не игралось, за исключением некоторых популярных тем. Но мы там немного выискивали, пытались «подправить» гармонию альтерацией или чуть поменять ритм. Во времена стиляжничества, всплеска популярности джаза, главными джазовыми инструментами были, наверное, труба и саксофон. Сложно было пробиваться? Да, гитару на сцене я тогда практически не видел. Солирующую само собой, а аккомпанирующую редко. Тогда еще было мало исполнителей. Мой друг Николай Громин, с которым мы много играли, начал чуть раньше меня. И когда я перешел с танцверанды на «артистическую» эстраду, играя в ДК на концертах или в перерывах, там мы пересеклись. Я играл на сцене в составе квартета Тихонова, а он – в фойе. Тогда нас познакомили, и мы договорились, что обязательно еще пересечемся, поиграем. Я был тогда больше в аккомпанементе, а Коля – в голосоведении. Были еще знаменитые квартеты по формуле Тихонова: кларнет, гитара (которая больше аккомпанировала), аккордеон, контрабас, которых стало много, – Вячеслава Семенова, Евгения Выставкина, Николая Глубокова, Евгения Воробьева. Во всех городах они быстро-быстро появились, это было очень популярно. Но там гитара, за исключением каких-то рапсодий и фантазий, где были сольные фрагменты, была аккомпанирующим инструментом. Да и была она простой, акустической. Потом уже появились усилители.

GUITARS

ma g a zine

Иг орь Бу т ман (с аксофонис т, прод юсер ): «А лексей А лексеевич К у знец ов – пример д л я под ра ж ани я мо лод ым м у зык ан там и пре д ме т вос х ищ ени я все х люби т е лей и ц ени т е лей д ж а за . Я всегд а ра д по л у чи т ь уд ово льс т вие о т совмес т ног о м у зиц ировани я с ним»

Анатолий Кролл (народный артист России): «Потрясает его творческая честность, отзывчивость, постоянство и преданность настоящему джазу. Просветитель, педагог и тончайший, a zi ne изумительный – Алексей Кузнецов является олицетворением джазовой гитары» 44 GUITARS ma g музыкант

А когда появилось «электричество»? Прежде всего, это было домашнее электричество – приемник «Мир». Первый датчик я купил у венгров. На показ венгерских мод приехал сопровождающий ансамбль, по-моему, они назывались «Балош квинтет», и я увидел, что у их гитариста был звукосниматель. После выступления я сразу же отправился за сцену, начал его уговаривать. В общем, после гастролей он мне его продал. Это был мой первый звукосниматель и ставился он непосредственно в розетку гитары. И этот звукосниматель я прикрепил к Gibson 1911 года, который купил мой папа. И через приемник «Мир» я играл. Потом мы усилители уже заказывали у мастеров. Помню, был такой Миша Тимохин, он их делал. Это были такие маленькие коробочки, на лампах конечно, и было в них встроенное вибрато. Как мне говорил Силантьев, когда просил включить вибрато: «Алик, включи мандраже». Но до этого был приемник «Мир». Звучал он мягко, бархатно. А потом папа привез из Германии гитару «Микма» – ее тоже в «Мир». А потом ему уже сделали на заказ экспериментальный усилитель, и он в оркестре Силантьева играл через него, например «Танец Эгины» Хачатуряна. Вот такой был ход событий. Но, возвращаясь к танцверанде, именно тогда мы осваивали джаз и начинали понимать, как это играть. И вот из блюзов, которые мы тогда снимали, родился «Блюз на Басманной улице». А когда вы стали «электрическим», стало легче пробиться? В оркестре Силантьева, в 1960-х, я уже играл на «электричестве», у меня был усилитель Vox, который заказали на радио. Большой такой ящик, очень мощный. И давал совершенно новую окраску. Так гитара терялась, играли даже в две гитары: Василий Георгиевич Рысков в 1950-х играл с моим отцом в две гитары. У них были две гитары джазовые «Harmony-Cremona», джазовые, но акустические, даже без выреза. Так вот, они просто дублировали друг друга, чтобы было слышно. А когда я пришел в 1962 году, гитара стала уже достаточно сильной. Но, конечно, это тоже далеко не всегда был джаз, но зато в песнях попадались уже сольные кусочки. Я играл, в основном, за оркестр, поддавал жару, чтобы не засыпали. Громкость убрать не просили? Говорили иногда, что громковато, но мне хотелось выделить «девятку с плюсом», чтобы зацепило, а мне «потише-потише». Я играл, как одна большая гитара, за весь оркестр. Эта фактура переросла в мое понимание того, как звучит оркестр, которое я нередко переношу на гитару. Гитара звучит, как оркестр. Каждая струна – это оркестровая группа. Необходимость не теряться на общем полотне, вероятно, учит выделять нужные акценты. Да, но иногда на записи непонятно, есть гитара или нет – звучит оркестр, так уж звукорежиссер сработал. Но меня это не очень задевало, потому что все это вре-

мя я параллельно играл свой джаз. Началось это с дома. Я слышал, как папа играет все эти «шестерки» и «девятки», латиноамериканские ритмы. Это было здорово, вкусно, ритмично. И меня потянуло на барабаны. Я начинал как барабанщик! Соседи были безумно рады. Мы жили в огромном старом доме на Басманной, там ничего не было слышно. В соседних комнатах чутьчуть, а так – ничего. Я до сих пор с удовольствием сажусь за установку! А как перешли на гитару? Из-за того, что с установкой не выйдешь во двор покрасоваться перед девочками? (Смеется.) Да, гитара, полегче и покомпактнее. В школе я сделал квартет – два аккордеона, гитара и барабаны. По началу только малый барабан (из пионерской комнаты), потом мы раздобыли и большой барабан. Тогда еще пластика не было, натягивали кожу. А потом у нашего барабанщика появилась ленинградская установка – это было что-то, такого ни у кого не было. А уж когда появился малый барабан с пластиком, точнее, с подобием пластика – он был король. И мы играли джаз в красном уголке. Откуда взялся раритетный Gibson, не помните? Его уже нет. Папа его у кого-то купил. На улицу я его не выносил, и только однажды папа разрешил мне принести его в школу на выступление. А теперешний инструмент? После у меня еще была гитара, ее по житейским обстоятельствам пришлось продать. В нашем доме жил конферансье Александр Олицкий, и он был собиратель гитар. Он чуть-чуть играл, а так они просто висели. И вот одна была очень большая, с большим кузовом, похожая на Guild. Мы пришли с папой, договорились и купили. Очень долго я на ней играл, пока года три назад не пришлось с ней расстаться. Потом были разные гитары. Главное для меня – чтобы был большой корпус, иначе ощущение не то. Некоторые эти инструменты были не очень высокого качества, но вот это ощущение было у всех. А Gibson Super-400 CES 1977 года, он не мой личный. Он был приобретен Оркестром кинематографии и я на нем играл. А когда я уходил оттуда, я попросил, чтобы мне его дали поиграть, пока я в состоянии играть. На этом инструменте я играл очень долго. Пришел он в оркестр как раз в 1977 году, это настоящий джазовик, очень удобный, широкий – инструмент высокого класса. Играл я на нем до тех пор, пока лады не пришли в негодность, и сейчас он будет реставрироваться. Он пришел прямо с трещиной, и его можно было отправить назад, но тогда был 1977 год, и я не был уверен, что получу его или новый инструмент обратно, поэтому решил не отправлять. Потом мастер трещину заделал. Но все равно это прекрасный инструмент. А пока он не отреставрирован, я играю на российском инструменте, сделанном под заказ двумя мастерами. Вячеслав Латышев делал корпус, а Валерий Гуляев – гриф. Он сделан в том же духе, что и Super 400.

GUITARS

ma g a zine

А отличия есть? Наверху не ель, а кедр. Сбоку и сзади волнистый клен, а на Gibson несколько другой. А так очень похоже. Еще главное то, что звукосниматель один (Bartolini) и он навесной. (На Gibson их два, но я все равно пользуюсь только передним, он самый мягкий, самый джазовый.) Поэтому верхняя дека не глушится и вибрирует свободно. Я на ней играю просто, как на акустике. Super 400 тоже отлично звучит неподключенный. Да, но все равно, верхняя дека давится всеми датчиками, ручками. А она должна дышать и давать выход. А на русской темброблок – одна ручка и все, остальное я делаю на усилителе. А усилитель у вас какой? Когда-то у меня был Roland Jazz Chorus 50 – прекрасный тембр. Я хотел достать помощнее, но не достал.

Поэтому я его продал, и у меня транзисторный Jazz Chorus ST-100, у него есть встроенный хорус. И есть один Fender Twin – ламповый. Я стремлюсь, чтобы звук был круглый. Струны обычно 0.12, в основном это были D’Addario, пробовал GHS, сейчас у меня D’Aquisto. Недавно Пол Болленбек подарил мне свои подписные Fender. Как-то попробовал поставить струны 0.13 – хорошо, плотный звук, но пальцам уже трудновато, когда пытаюсь быстро играть. Сейчас я играю на струнах «Tomastic», 0.12 – модель Джорджа Бенсона (сам он, правда играет даже на 0.15). По-прежнему хочу освоить 0.13. А обработкой вы часто пользуетесь? Вот на пьесе «Голубой коралл» у вас... ...флэнжер! Я единственный раз попробовал. Мне показалось, что если коралл, то должно плескаться. Получилось даже джаз-роково, несколько урбанистически. Джаз-рок прошел как-то мимо меня, просто такой получился результат. Тут был еще случай, я бы сказал, ерунда. Записывались мы с Крамером и Гараняном. Я попросил звукорежиссера на одну пьесу включить хорус. У меня тогда с собой не было хоруса, поэтому они в микшерской его добавили. Добавить-то добавили, а выключить забыли, и получилось так, что почти весь материал с хорусом. А я и не догадывался даже. Потом, когда все так и свели, позвонил Гаранян и говорит: «Алексей Алексеевич, там у тебя так здорово звучит!». Так оно и вышло, но я так не планировал. Хорус вообще-то можно включить для красочки, легкий, не очень быстрый, я и реверберацию ставлю на двоечку только. В общем, я не любитель эффектов, не было возможности для экспериментов, и к тому же я предпочитаю максимально натуральное звучание. Я планирую поставить на «русскую» гитару еще и пьезодатчик и оба сигнала смешать. А какие вы предпочитаете медиаторы? Dunlop, жесткие 2 мм, «капелька». Руки просят такого ощущения, а Dunlop еще и приятные на ощупь. Сейчас мне уже не хочется ничего менять, хочется, чтобы в голове что-то было. Казалось бы, что можно придумать в мэйнстриме, но мне хочется что-то привнести свое. Лучше побольше играть в дуэте, трио, квартете. Я люблю аккомпанировать. Чтобы стимулировать остальных? Да, мало людей, которые могут «взять огонь на себя». Надо их иногда встряхнуть, чтобы сразу играть хорошо, без разгона. Такая проблема. Но над этим надо работать, а про это чуть-чуть забывают. И я ищу такую ритм-секцию, надеюсь, найду, которая работала бы слаженно, ритмично, с красивым звуком. На «Голубом коралле» в «All The Thing You’re» есть момент, когда клавиши ровненько «полощут», а вы с ударником слаженно «рубите» синкопой абсолютно поперек. Да, тогда это получилось само собой, одним дыханием. Когда такое происходит – это здорово. Все-таки мне помогло, что я играл на барабанах, я и на гитаре могу играть и за барабаны тоже. Я считаю, что сначала идет ритм, потом на него ложится гармония и потом уже – мелодия.

GUITARS

ma g a zi ne

GUITARS

ma g a zine

МНОГОГРАННОСТЬ ЛИЧНОСТИ СТИВА ОЩУЩАЕТСЯ ВО ВСЕМ. КАЖДАЯ ЕГО РАБОТА – ЭТО НЕВЕРОЯТНЫЙ СПЛАВ ГЛУБОКИХ ЧУВСТВ И СИЛЬНЕЙШЕГО ЗАРЯДА ЮМОРА ПО ОТНОШЕНИЮ КАК К МУЗЫКЕ, ТАК И К ОФОРМЛЕНИЮ АЛЬБОМОВ МНОГОГРАННОСТЬ ЛИЧНОСТИ СТИВА ОЩУЩАЕТСЯ ВО ВСЕМ. КАЖДАЯ ЕГО РАБОТА – ЭТО

Fender Eric Johnson S t

R W

Эрик Джонсон – истинный виртуоз гитары, известный своим пристрастием к хорошему звуку. Так дает ли нам это его новый именной Strat? Любой материал об Эрике Джонсоне неизбежно – и, возможно, самому Джонсону это уже наскучило – сводится к обсуждению его репутации редкостного педанта в отношении звука. Неизбежно пойдет речь о том, как он микроскопически исследует свое оборудование, проверяя, чтобы полярность всех компонентов была однонаправленной и ток шел как можно более гладко. Будет непременно подмечено, что он предпочитает пользоваться батарейками, а не блоками питания, и в очередной раз будет подчеркнуто его пристрастие к Duracell. К счастью, затем авторы вспоминают, что Эрик – выдающийся музыкант с потрясающим чутьем на великолепный гитарный саунд. Иногда остается упущенным то, насколько глубоко Джонсон в теме – настолько, что он может дать мастерам Fender и инженерам Marshall сто очков вперед по подкованности. И нередко игнорируется

GUITARS

ma g a zi ne

тот факт, что Джонсона интересуют не все эти мелочи сами по себе, а то, как выжать всю музыкальность до последней капли из любого оборудования, которое он использует. Поэтому именной Stratocaster, сделанный по точным спецификациям Эрика на Fender – чья репутация в отношении качества только укрепляется – очевидно, не избежал пристальной инспекции. Конечно, это не первый именной Strat Джонсона. Мы уже воздали должное его первой именной модели с цельным кленовым грифом за баланс винтажного духа и современной функциональности. Нельзя было не проникнуться тем, какое внимание к деталям проявил Джонсон во всех аспектах дизайна и конструкции гитары: двухкусковый ольховый корпус с глубоко выбранными эргономичными контурами, изысканно плавный переход на голову грифа и тончайший нитроцеллюлозный лак. Все эти характеристики предыдущей модели сохранены и в новом инструменте. Помимо них перенесены также уменьшенная толщина головы грифа; разновысокие колки, снимающие необходимость

ПЕРФЕКЦИОНИЗМ ЭРИКА ДЖОНСОНА ПО ЧАСТИ ЗВУКОВОГО ОБОРУДОВАНИЯ И ГИТАР, ВОЗМОЖНО, ДОСТАВЛЯЕТ НЕМАЛО ХЛОПОТ ТЕХНИЧЕСКИМ СПЕЦИАЛИСТАМ, ОБСЛУЖИВАЮЩИМ ЕГО НА КОНЦЕРТАХ И В СТУДИЯХ. НО ЗАТО БЛАГОДАРЯ ЭТОЙ ЧЕРТЕ ХАРАКТЕРА МУЗЫКАНТа мы имеем ВЕЛИКОЛЕПНЫЕ ГИТАРы ЕГО ИМЕНИ

НАИБОЛЕЕ БРОСАЮЩЕЙСЯ В ГЛАЗА И МАКСИМАЛЬНО НЕОЖИДАННОЙ ЧЕРТОЙ НОВОЙ МОДЕЛИ ЭРИКА ДЖОНСОНА ЯВИЛСЯ ВЫГЛЯДЯЩИЙ В РЕТРО-СТИЛЕ ГРИФ С НАКЛАДКОЙ ИЗ ПАЛИСАНДРА , ОКАНТОВАННОГО БЕЛЫМ ПЛАСТИКОМ, ЧТО КРАЙНЕ РЕДКО ВСТРЕЧАЕТСЯ НА ИНСТРУМЕНТАХ F ENDER GUITARS

ma g a zine

НЕСМОТРЯ НА ТО ЧТО МУЗЫКА ЭРИКА ДЖОНСОНА ДОСТАТОЧНО СОВРЕМЕННА И СЛОЖНА , А ЕГО САУНД ЕСТЬ РЕЗУЛЬТАТ СЛОЖНЕЙШИХ КОММУНИКАЦИЙ НАВОРОЧЕННЫХ ПРИБОРОВ ОБРАБОТКИ ЗВУКА, В ПЛАНЕ ТРЕБОВАНИЙ К ГИТАРАМ ЭРИК ЯВЛЯЕТСЯ ПРИВЕРЖЕНЦЕМ СТАРЫХ ТРАДИЦИЙ

ИГРА ЭРИКА ДЖОНСОНА – ЕСТЬ ЯРЧАЙШИЙ ПРИМЕР т ог о, КАК НА ИНСТРУМЕНТЕ СТАРИННОЙ, ПО СУТИ, КОНСТРУКЦИИ ПОЛУЧИТЬ ВСЕ БОГАТСТВО ПАЛИТРЫ САМЫХ СОВРЕМЕННЫХ ГИТАРНЫХ ЗВУЧАНИЙ, СПОСОБНЫХ ВЛИТЬСЯ В ЗВУКОВОЕ ПОЛОТНО ЛЮБОГО МУЗЫКАЛЬНОГО ЖАНРА И СПОСОБА ЗВУКОИЗВЛЕЧЕНИЯ

GUITARS

ma g a zi ne

в ритейнере; сделанные по спецификациям Джонсона синглы; тембр в бриджевой позиции; принципиальное (нет даже дырок под шурупы) отсутствие крышки блока тремоло. Последнее обусловлено тем, что, по заявлению Эрика, звук лучше, когда крышки нет, и кто мы такие, чтобы с ним спорить? Конечно, главная фишка новой модели в том, что она имеет палисандровую накладку – результат многочисленных просьб покупателей. Но Джонсон настоял на том, что если будет ставиться палисандровая накладка, понадобится внести и другие коррективы. Визуальные изменения включают в себя трехслойный белый пикгард с развальцовкой под головки винтов – самое оно для эстетики классического Strat 60-х. Вместо того чтобы выбрать в качестве накладки классическую «шпалу», представленную в оригинале в 1959 году, Эрик предпочел вариант с профилированной склейкой, на который Fender перешли в 1963 году. В свое время «шпалы» обвинили в том, что они делают звук слишком глухим. Использование более тонкого слоя палисандра, приклеенного к профилированной поверхности грифа, решило проблему, к вящему удовольствию Лео. Некоторые полагают, что такой подход дает более стабильную связку двух пород дерева. Главным визуальным отличием новой гитары стала окантовка грифа – и самым знаменитым окантованным Strat является синяя гитара Рая Кудера. На самом деле причина, по которой на Strat в середине 60-х некоторое время красовалась окантовка грифа, заключается в том, что на гитару ставился такой же гриф, что и на Jazzmaster (в то время у них был один код 13). И когда на Jazzmaster стали ставить окантованные грифы с палисандровой накладкой и маркерами-точками, новые владельцы Fender, CBS, сочли разумным перенести это и на Stratocaster. Вскоре Jazzmaster в очередной раз преобразились, приобретя прямоугольные маркеры, а Strat вернулись к классическому неокантованному варианту. Только взяв гитару в руки, замечаешь, что у накладки довольно плоский радиус – 12” (305 мм). Он такой же, как у Gibson Les Paul, и

потому заметно отличается от винтажной округлости Fender 7” (185 мм), на которой бенды могут срываться, а высота струн становится неудобной. В качестве ладов выбраны средние джамбо, которые идеально установлены, профилированы и отполированы. Их края перекрывают окантовку, но нет ни намека на царапанье – это исключительно качественная работа. Маркеры на грифе сделаны из натурального перламутра, и это завершающий штрих в этом сделанном по высшему классу инструменте. С точки зрения удобства и качества отстройки инструмента гитаристу такого калибра, как Джонсон, требуется только совершенство. Ничто иное не способно удовлетворить его скорость и артикуляцию. Так что именная модель Эрика фабрично отстраивается безупречно. Пять пружин удерживают тремоло плотно прижатым к корпусу, высота струн небольшая для большей скорости, но с достаточным запасом для сочных бендов и вибрато. Можно без напряга опустить струны еще ниже, если вам это по вкусу, но, на наш взгляд, исходный вариант оптимален. Кленовый гриф радиального распила имеет слабовыраженный V-образный профиль, который дает очень современное ощущение – благодаря плоской накладке. Но аналогии с Ibanez тут неуместны – это Fender от и до, хотя по впечатлениям этот Strat не похож ни на какой другой, включая и предыдущую модель Джонсона. Это супер-гладкий, скоростной – и, главное, предназначенный для игры чего угодно и как угодно вариант.

ЗВУК

Представляя свою первую именную модель, Эрик рассказывал, что он выбрал для датчиков, особенно для бриджевого, более яркий, чем обычно, тембр. На первый взгляд, это удивляет, но если взять в расчет то, что Джонсон играет кроме соло – а это зачастую суперяркие, обработанные хорусом и дилеем, нередко гармонически сложные аккорды – начинаешь понимать смысл.

GUITARS

ma g a zine

Затем берем ручку тембра бриджевого звукоснимателя, убираем ее наполовину, а то и сильнее, врубаем овердрайв – и «скрипичный» саунд Эрика раскрывается, полностью готовый к употреблению. Это дает совершенно необычную палитру звучания Strat. На чистом звуке мы во всех положениях переключателя получаем вроде бы несколько утрированные варианты все тех же ожидаемых звуков, но приучитесь рулить тембрами некового и бриджевого датчиков, и вы от этого уже не откажетесь. Даже несмотря на то что вам потребуется в определенной степени переучиться, как пользоваться Strat, мы от всей души это рекомендуем. Более широкий диапазон перепадов тембра делает модель Джонсона чрезвычайно универсальной гитарой, а то, что средний звукосниматель не имеет регулировки тембра, придает инструменту фанковое качество – используем ли мы датчик самостоятельно или в паре с одним из остальных. Трудно оспорить логику Джонсона.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Соображения, на основе которых выносятся вердикты в любом обзоре, известны наперед. Для кого эта гитара? Кому она понравится? Справляется ли она с предполагаемыми задачами? Соответствует ли содержимое более-менее (лучше бы более) этикетке? Напрашивается вывод, что «палисандровый» вариант именной модели Эрика Джонсона предназначен для гитаристов, которым нравится идея играть на Strat, но которые предпочитают играть на Gibson. Но на самом деле модель Джонсона ни с какого боку не Gibson. Это Fender, но Fender с радиусом накладки еще более плоским, чем у большинства современных моделей (9.5”). Не прибегая к активной электронике или хамбакерам, Fender и Джонсону удалось расширить звучание Strat в обе стороны звукового спектра, обеспечивая густой, плотный тембр на перегрузе и широкое звучание аккордов на чистом звуке или с хорусом. Гитара сделана безупречно, правда, при немалой цене. Эрик Джонсон – обаятельный, интеллигентный человек и многогранный гитарист, способный сыграть почти что угодно невероятно хорошо. То, что его новая модель создана исходя именно из этих установок и четко ориентирована на соответствующий уровень, характеризует ее лучше всяких слов.

GUITARS

ma g a zi ne

GUITARS

ma g a zine

GUITARS

ma g a zi ne

GIBSON ES-339 про с тор

пои с к е

Н есмотря на принадлежност ь к одному и тому же «гибсоновскому миру», две легендарн ы е модели ES -335 и L es Pau l не так часто, как того хотелось бы фирме Gibson, уживаются в руках одних и тех же музы кантов. Однако Gibson не сдается и делает ещ е одну поп ы тку, вы пуская вариа ц ию ES -335, которая, несомненно, будет ближе и привы чнее для поклонников которы е составляют L es Pau l , самую бол ьшую из «модел ьн ы х арми й» Gibson

тметившая в 2008 году полувековой юбилей Gibson ES335 по праву считается одной из икон среди электрогитар. В отличие от Les Paul, прошедших через ряд заметных преображений, прежде чем в 1958 появился Standard, ES-335 родились сразу совершенными. Хотя, конечно, это не мешало Gibson вносить изменения по мелочи. И если есть за что критиковать ES-335, так только за то, что для многих гитаристов она великовата. Эту проблему Gibson решали при помощи ES-336 (которая к настоящему моменту превратилась в CS-336), выпущенной в 1996 году. Годом позже последовала ES-346 (в настоящий момент доступна в ва-

рианте именной гитары Пола Джексона мл. ). Обе модели представляют собой уменьшенные полуакустики, но в отличие от ES-335, целиком сделанной из кленового ламината, основа корпуса у них фрезерована из массива махагона, а топ сделан из массива клена. В 2007 году на свет появилась ES-339, сделанная в мемфисском Gibson Custom Shop, которая по размерам совпадала с 336/346, но весь корпус был из кленового ламината с кленовым центральным блоком – полноценный мини-вариант ES-335, до недавних пор остававшийся практически неизвестным. Дело в том, что модель создавалась по специальному заказу американ-

ской розничной сети Guitar Center и не рекламировалась за пределами США. Тем не менее некоторые излишки просачивались и на европейский рынок, и реакция покупателей заставила Gibson задуматься о том, чтобы активнее продвигать модель и туда. При ширине 362 мм и длине 425 мм корпус ES-339 смотрится заметно меньше на фоне ES-335 (406 мм и 483 мм соответственно), но глубина корпуса почти в точности такая же. Конструкция гитары также практически идентичная – слегка выпуклые деки из ламината приклеены к обечайкам из него же, зона склейки увеличена при помощи мелко сегментированной обвязки.

GUITARS

ma g a zine

Принципиальный элемент ES-335 – центральный блок – также сохранен. Это кленовый брусок, между которым и выпуклыми деками находятся еловые прокладки соответствующего профиля. Все это сделано с вниманием к мелочам, что хорошо видно через эфы. Края у последних не имеют окантовки, но обработаны, и структура слоев ламината деликатно спрятана за матовым черным покрытием. На современных гитарах Gibson подход к покрытию может заметно варьироваться. Компания попрежнему использует нитроцеллюлозный лак для всех гитар – кроме самого начального уровня – но как она его кладет, сильно разнится от модели к модели. В данном случае винтажный санберст не только имеет превосходные оттенки (черный переходит в темно-коричневый по краям, середина сияет золотистожелтым, а однослойная окантовка обрамляет это «табачное» великолепие), но также сильно отполирован. Может быть, не до зеркального блеска, который присущ многим современным американским гитарам с полимерными лаками, но разве это недостаток? Вовсе нет. Махагоновый гриф из одного куска радиального распила оставлен «натуральным» (хотя, возможно, природный коричневый цвет усилен оттеночной пропиткой волокон), а зоной перехода санберста в неокрашенное дерево является довольно небольшая пятка. Голова грифа отклонена назад под углом 17 градусов, выкрашена в радикальный черный цвет и украшена классической перламутровой инкрустацией (с легкой антикварной желтизной) из логотипа и «короны». Винтажная тема отражена и в колках типа Kluson с лого Gibson Deluxe, «тюльпановые» бутоны которых имеют приобретаемые пластиком с годами потемнение цвета и просвечивание по краям.

GUITARS

ma g a zi ne

Обратив свой взор на поверхность грифа, замечаем все то же внимание к деталям. Накладке из индийского палисандра придан темно-лиловый оттенок, а лады – довольно высокие и широкие, примерно 2.29 мм х 1.3 мм – очень хорошо скруглены и отполированы. Последнее не особо свойственно современным серийным Gibson, у которых лады практически прямоугольного сечения. Похоже, что результат достигнут не без помощи специального станка с ЧПУ Plek, который устанавливает и выравнивает лады. Gibson также являются одними из немногих, кто стандартно ставит окантовку поверх ладов. В результате края каждого лада как бы одеты в колпачки. Поскольку современная окантовка толще, чем винтажная, получается, что рабочая длина ладов уменьшается, но это полбеды. Если окантовка отстает от лада, то возникает зазор, в который всегда не вовремя будет попадать первая струна. Но в данном случае «колпачки» заглажены, и хотя визуально они не стали тоньше, на ощупь все намного лучше. Что касается профиля грифа, то ES-339 выпускается в двух вариантах. Профиль 30/60, как об этом пишут сами Gibson, «в целом повторяет широкий тонкий профиль Gibson начала 1960-х, но глубже на 0.030 дюйма». Второй вариант – более толстый профиль образца 1959 года, у которого глубина 23 мм под первым ладом и 25.6 мм под 12-м. Это крупный гриф со скругленными краями и несколько уплощенной серединой профиля. Фурнитура и электроника соответствуют ожиданиям. Два закрытых хамбакера ‘57 Classic – очевидный выбор, набор ручек такой же, как у ES-335, а основное видимое отличие – помещенный на боковую сторону джек, что многие гитаристы скорее зачтут в плюс. Однако Gibson упоминают и об одном скрытом различии: «Модель 339 имеет новую схему тембр-блока Memphis Tone Circut, которая сохраняет верхний диапазон частот при любом положении ручки громкости». Далее Gibson поясняют, что за громким названием стоит простой факт: вместо стандартного линейного потенциометра громкости на 300 кОм стоит «аудио потенциометр на 500 кОм, который сохраняет верхние частоты, ког-

да громкость убирается. Потенциометр имеет логарифмическую характеристику для плавного изменения громкости». На ремне ES-339 ощущается менее массивной, более «доской», если угодно, по сравнению с 335. Вырезы малость тесноваты, так что это, пожалуй, не та гитара, что располагает подолгу загуливаться в высоких позициях. Впрочем большинству этот инструмент нужен не за этим. Со струнами 10-46 гитара в меру норовиста, нигде не дребезжит по ладам и демонстрирует открытый, громкий акустический резонанс. При весе порядка 4 кг это не самая легкая гитара в стиле ES-335 из современных и, безусловно, более тяжелая в целом, чем оригинал ранних серий. Но когда мы включаем усилитель, сразу слышно, чем оборачивается «лишняя» масса – более открытым, динамичным звуком, с большим количеством верха, объемными низами и более выраженной серединой. Если современным ES-335 нередко пеняют на то, что они звучат слишком «досочно», по сравнению с ранними оригиналами, то в случае ES-339 это качество является преимуществом. Визуальный микс дизайнов ES-335 и Les Paul находит свое отражение и в звуке, который чуть более «досочный», с более сфокусированным низом, чем у современных ES-355. Давние знакомцы – звукосниматели ‘57 Classic – моментально переносят нас на территорию классики Gibson: в бриджевой позиции звучание плотное, но с достаточной яркостью; в неке звук мягкий и насыщенный; а микс датчиков дает открытый звук с выраженной атакой, который у ES-335 получается всегда лучше, чем у Les Paul. Хорошо обработанные лады удобно ложатся под

GUITARS

ma g a zine

руку, но достаточно высоки, чтобы можно было развернуться с широкими подтяжками или шустрыми легатными пассажами. Это, конечно не джамбо, и риск, что на тонких струнах нота невзначай сорвется, есть, но манеру игры легко подкорректировать. В целом гитара демонстрирует меньшую, чем у старых ES-335, динамику, но при этом намного более экспрессивна, чем Les Paul со сплошным корпусом. Если вам раньше приходилось сталкиваться с тем, что качество потенциометров громкости и тембра у современных Gibson несколько не дотягивает по классу, то здесь подвоха ждать не стоит. Ход у потенциометров очень плавный, а при работе ручкой громкости как эффектом звук очищается ровно настолько, насколько повернули. При этом он не становится заметно мягче или теплее. Это все нюансы, но как раз в миксе датчиков манипуляции с ручками тембра и громкости сводятся именно к поискам нужного нюанса. Несмотря на наличие центрального блока ES-335 легко подвигнуть на музыкально звучащую (если постараться) «заводку», и ES-339 в этом не отличается, хотя теоретически этот трюк должен на ней получаться труднее из-за меньших по размеру и более жестких по вибрации дек.

В двух словах общий дизайн и нововведения в совокупности дают выраженный эффект. Благодаря меньшему размеру исчезает ощущение «в три обхвата», а новые плавные потенциометры хорошо очищают звук при уменьшении громкости. Одно это дает вам простор в поиске звука без необходимости что-то менять в настройках усилителя или педалей. Для многих гитаристов ES335 совершенна как внешне, так и функционально – и таким людям другая модификация вряд ли будет интересна. Но тем, кого отпугивают ее размеры, ES-339, пожалуй, станет наилучшим компромиссом. Достаточно комфортная для тех, кто привык к сплошному корпусу, гитара, но сохраняющая при этом характер современных ES-335 и благодаря новому темброблоку предлагающая дополнительный спектр звучания. Не забудем улучшенное качество изготовления и аутентично классическую отделку, и помимо хорошего звука получаем комфорт и эстетику. Еще бы и стоила эта гитара поменьше, но с таким качеством на фоне старших сестер, производимых в мемфисском Custom Shop, ES-339 продается просто за бесценок. Только об этом молчок – чтобы на Gibson не услышали.

Полност ь ю классическая мо дел ь , она до мелоче й облада ет всеми фирменн ы ми « гибсо новскими » чертами , заставляя заб ы ват ь о том , что этот ин струмент б ы л создан в наши дни , а не полвека назад , по добно гитарам , составляю щ им « алмазн ы й фонд » ле гендарного американского производителя . С ледование тради ц иям – это именно то, чего ждали поклонники G ibso n во все времена су щ е ствования электрогитар ы

GUITARS

ma g a zi ne

GUITARS

ma g a zine

MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK

MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC

«AVENIDA REVOLUcION»

Несмотря на впечатляющий опыт самой разной музыка льной деяте льнос ти, Satch у большинс тва его пок лонников совсем не ассоциируе тся с работой в традиционной рок-группе

joe Satriani рассказывает все о гитарном саунде

На этой вещи я записал основную часть гитарных партий (левый канал и соло) дома на своем хромовом гастрольном Ibanez JS, которую мы называем «Eb Chrome» («хром в Мибемоль»). На заре Chickenfoot у нас не было уверенности насчет того, какие песни будут в Ми-бемоль, а какие в стандартном строе. Поэтому, чтобы не путать инструменты, на одну из гитар мы наклеили надпись «Eb Chrome». Сигнал идет от гитары в педаль VOX Satchurator, затем в чистый канал Peavey JSX 120 и через комбоэмулятор Marshall SE100 сразу в Pro Tools. После того как мы решили, что это будет основной гитарной партией, и мне нет нужды ее переписывать, мы добавили «спрятанную» гитарную партию на Ibanez Super Collosal JS – она изображена на обложке альбома. Эта гитара звучит очень необычно благодаря расширенному нижнему диапазону, и я подключил ее к голове Wizard с кабинетом Peavey 4x12. Мы хотели, чтобы все в максимальной степени было приближено к натуральному звучанию трио, поэтому эта партия нигде не выделяется. В основном я использую Super Colossal JS для игры менее объемных вариантов больших аккордов, исполняемых в основной партии ритм-гитары.

«SOAP ON A ROPE»

«Как приготовить ножку цыпленка» рецепты от шефа У неземной музыки Сатриани вполне земное происхождение. Ингредиенты блюда известны – взять Ibanez, Vox, Peavey, немного Rickenbacker, украсить талантом и приправить терпением «Мы с моим гитарным техником Майком Мэннингом» записываем и храним полные разблюдовки обо всем: усилителях, гитарах, размещении микрофонов, кабинетах, педалях и прочих нюансах», – говорит Джо Сатриани. «Эти записи имели крайне формальный характер во время работы над «Surfing With The Alien» в 1987 году, потому что в них речь шла об одних и тех же двух гитарах плюс коечто по мелочи. Но к моменту записи «Crystal Planet» в 1998 году, они стали очень развернутыми». Спасибо Сатриани за его педантичную отчетность, которая дает всем нам возможность песня за песней пройтись по его рецептам вкусного

и здорового звука – аж слюнки текут! Как вы сможете убедиться, Сатриани вовсе не сапожник без сапог, что ставит свое имя на подписные инструменты и оборудование, которыми сам не пользуется. Его Ibanez, Vox и Peavey отметились по всему Chickenfoot. Этот альбом также стал поводом для создания его усилителя Peavey JSX 50, потому что Джо хотел отдать должное звуку классических 50-ваттников 60-х и 70-х, чтобы в доработанном виде использовать его в качестве основы для ориентированной на риффаж концепции, которую он разработал для своего музыкального партнерства с Хагаром, Энтони и Смитом.

Не помню, играл я на Ibanez JS Black Dog или же на Chrome. Сигнальный тракт, думаю, состоял из VOX Satchurator и JSX 120. Восходящий рифф перед соло определенно «подкачан» 6-струнным басом Danelectro, пропущенным через Dunlop Fuzz Face и вращающийся динамик Leslie. А на соло я использовал рэковый фленжер MXR. А вторая партия ритм-гитары игралась, по-моему, на белом Ibanez ART.

MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DIS

GUITARS

ma g a zi ne

USIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK

Несмотря на то что Chiсkenfoot существенно отличается по стилю от того, чем Джо занимался последние годы, «гитарный маньяк» остался верен своему стилю, подойдя к процессу записи с максимальным вниманием на грани дотошности, использовав на «полную катушку» весь свой богатый арсенал оборудования «SEXY LITTLE THING»

«Sexy Little Thing» – одна из двух песен, на которых я играл на своем оригинальном Ibanez JS-6 со струнами .011, настроенном на тон ниже и с каподастром на втором ладу – несколько необычно. Я просто бренчал у себя дома, а на JS-6 стояли 0.11, потому что на предыдущей паре альбомов я использовал ее для слайда или жирных аккордов. Я начал проникаться ощущением от 0.11, и поэтому написал на них композицию, а в сочетании с JSX 50 я получил как раз правильный звук. Это основная гитара в песне, а также на ней играется соло. Я старался не особо разгуливаться с подтяжками, потому что я играю с каподастром, а соло записывалось вживую. Так что я осторожничал, чтобы строй не уплыл. А слайдовая партия с кваком записана на Ibanez ART и ’59 Fender Twin. Банджо – это Deering, которое у меня с 1990 года.

«OH YEAH»

Это хромовая концертная гитара или Black Dog через Vox Satchurator и Peavey JSX 120 – по сути, мой концертный комплект. Мы иногда записывали усилитель «в линию». Не скажу точно, что там было в сигнальном тракте, потому что эта песня записывалась в студии Сэмми, где мы работали над демо. Это не альбомная сессия. Аккорды играются на ’55 Les Paul Goldtop, а в середине я использую прототип 24-ладового Ibanez JS, потому что дотягиваю ноту от 24 лада до Соль. Это был первый раз в жизни, когда я так высоко забрался, и я думал, что струна точно порвется. Я также задействовал гитару Black Dog, фленжер MXR, Leslie и подключенный через директ-бокс 12-струнный Rickenbacker. Мы наложили немало гитарных партий, чтобы этот участок песни зазвучал.

«RUNNIN’ OUT»

В «Runnin’ Out» практически тот же набор, что и в «Sexy Little Thing» – JS-6 со струнами .011 и каподастром на втором ладу – я только добавил педаль Fulltone Deja Vibe. Мы отработали четыре или пять дублей, после чего мне на ум пришли Humble Pie с их «30 Days In The Hole». Я вытащил Deja Vibe на очередной дубль, и все получилось. Я подключался в JSX 50, а партия смикширована в левый канал. Затем я продублировал партию на электропианино Wurlitzer, пропущенное через Peavey JSX Mini Colossal и Leslie, и смикшировал ее направо. Для соло я взял 1959 Gibson ES-335 и играл через Vox Satriani Big Bad Wah и JSX 50. Кстати, настройки звука я выбрал такие же, как для ритма. Я захотел было чуть-чуть дорулить гейна, но потом решил, что такой суховатый овердрайв будет самое оно.

C DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC MUSIC CD MUSIC CD MUSIC DISK CD MUSIC GUITARS

ma g a zine

«GET IT UP»

Здесь мы имеем мою хромовую гастрольную гитару, Vox Satchurator и Electro-Harmonics Mini-POG для дополнительной низкочастотной составляющей. Это опять мой концертный комплект, и основным усилителем был Peavey JSX 120. Я также накидал несколько дорожек на 12-струнных электрических Fender и Rickenbacker через директ-бокс и старый ’64 VOX AC30. Соло записано на прототипе 24-ладового Ibanez JS, подключенном к Way Huge Pork Loin через фейзер MXR Phase 90.

«DOWN THE DRAIN»

Эта песня была написана на шару во время записи. Я использовал Ibanez Super Colossal JS-1000. Она настроена в Ми-бемоль, а струны были .010 или .011 – как на всем материале, записанном в Skywalker Sound. Из тех партий, что я записывал дома, какието могут быть сыграны и на .009, потому что я тогда был еще в процессе тура. Но учитывая звучание Майка и Чада, я понимал, что, пожалуй, стоит играть на калибре потолще, чтобы выдать больше звука. А там, где слышны проблески Leslie – это эмулятор вращающегося динамика Korg G4. Когда мы с Энди считали, что песне нужны «вензеля», мы аккуратно приправляли ее то 12-стрункой Fender или Rickenbacker, то пианино или органом, или как в данном случае – партиями по восьмым там и сям.

«MY KINDA GIRL»

То, что слышно в левом канале, это Ibanez JS-1000 Snake в строе Drop-D, подключенный к JSX 50. А в правом канале я продублировал партию на ’58 Fender Esquier с датчиками Telecaster. Крис Келли из Peavey раздобыл мне такой, когда я записывал в 1992 году «The Extremist», и с тех пор он отметился на каждом альбоме. Соло я сыграл на прототипе 24-ладового JS. В припевах имеется также 12-струнный Rickenbacker. Энди очень нравилось записывать 12-струнки в линию, микшировать их в моно, а затем ненавязчиво подкладывать их всякий раз, как появлялись большие аккорды. Мы записали много такой фишки.

«LEARNING TO FALL»

Гитара в левом канале взята с «живых» дублей. Я играл на своем гастрольном хромовом JS через JSX 50 и VOX Big Bad Wah. Я записал небольшой дабл-трек к ритм-партии, который подмешивается там-сям.

Также есть рояль, орган В3, синтезаторы, акустические гитары, мандолины и т.п. – все смикшировано в моно, в правый канал, и едва заметно на общем фоне трека, но этим обеспечивается красивый звуковой контрапункт к жесткой ритмгитаре. Соло сыграно на прототипе 24-ладового JS через прототип 4-канального усилителя, который пока еще в разработке. Эти усилители выглядели, как франкенштейны, а переключать все требовалось вручную. Я использовал их для суперхай-гейновых дел.

«FUTURE IS THE PAST»

На «Future Is The Past» звучит Ibanez JS Snake в Drop-D через JSX 50. Кроме того, есть немного 12-струнного Rickenbacker, записанного в линию, и акустика Bruce Sexauer D Works. Сексоер – это калифорнийский мастер из Петалумы, который делает потрясающие акустические инструменты. Соло с квакушкой в финале, это, по-моему, прототип 24-ладового JS через VOX Big Bad Wah и прототип 4-канального усилителя.

«TURNIN’ LEFT»

Это Ibanez JS Super Colossal через прототип 4-канального усилителя.

«BITTEN BY THE wolf» (бонус)

Это была странная история, потому что песня записана без какогото начального замысла. Сэмми сказал: «Сыграй мне песню», а я сказал: «Акустики не найдется?» У него была Yamaha CPX 400 или 900 – точно не помню – на которой он играет на концертах, и я настроил все струны в Ми, кроме второй, которую я настроил в Си. Я называю это «строем Стефена Стиллса». Я поиграл на этом, и все сказали – давай, Джо, подключайся. И через 20 минут я уже сидел в тон-руме, с Yamaha, которая снималась микрофоном и в линию, после чего шла куда-то вроде Fender Vibrolux. Сидел и думал: «Мы что, прямо сейчас будем что-то писать?» Так оно и вышло, и это стало партией акустической гитары. Слайд в середине был сыгран на Ibanez ART – на ней записаны все слайдовые партии на альбоме – подключенной через прототип «грелки» VOX в JSX 50.

MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC

CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK

MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC DISK CD MUSIC MUSIC CD MUSIC CD MUSIC DISK CD MUSIC

GUITARS

ma g a zi ne

GUITARS

ma g a zine

юбой известный производитель гитар связан с какими-то стереотипами. PRS делают гитары для тех, кто любит роскошь; BC Rich делают гитары для тех, кто любит экстрим; а Ibanez делает гитары для тех, кто любит «пилить». Ibanez явно тесно в рамках стереотипов, и они с чисто самурайской настойчивостью и последовательностью продвигают также и гитары, в которых нет тремоло Edge, число ладов меньше 24, а профиль грифов не напоминает школьную линейку. И, надо заметить, раз от раза у них получаются все более удачные модели, которым к тому же – без этого Ibanez не были бы самими собой – сопутствуют и удачные технические решения. В этом году Ibanez делают ставку на Darkstone DN500, если судить по тому, как напористо они ведут рекламную кампанию: мистически-могильный визуальный ряд и текст «это комета, прилетевшая из глубин теней». И отсюда же можно было бы сделать вывод, что речь идет о чем-то весьма дорогостоящем, если бы старый добрый метод за-

глядывания в прайс-лист не говорил об обратном. Darkstone ориентирована на тех, кто выбирает что-то в нише Epiphone или LTD. Вкратце концепцию Darkstone описать можно, как идею классического Les Paul, воплощенную в форме современной во всех отношениях двурогой гитары. Корпус и гриф сделаны из дерева породы «сапелли» – не пугайтесь незнакомого названия, это одна из многочисленных разновидностей красного дерева, которые индустрия активно осваивает, чтобы не изводить более традиционные породы под корень. Отличия грифа от типичных ибанезовских «скоростных трасс» очевидны сразу же. Еще на глаз заметно, что мензура 24.75”, а обхватив гриф, понимаешь, что он заметно более плотного профиля. Проехавшись по грифу взад-вперед аккордовой аппликатурой ощущаем разницу между ладами среднего калибра и характерными для «шредерских» грифов джамбо. Пара бендов дают хорошее представление

о том, что радиус накладки (305 мм) имеет «лесполовский» характер. Все это вместе взятое располагает не к тому, чтобы порхать по грифу, а наоборот, чтобы играть «с чувством, с толком, с расстановкой», работая над каждой нотой. Разумеется, вся эта работа была бы бессмысленной, если бы инструмент не откликался на нее должным образом, но Darkstone в этом не подводит ни разу – если, конечно, помнить о ценовой категории и не строить сверхожиданий. Сложно оценить, какой именно вклад в полновесное, сочное звучание инструмента вносит инженерный подход Ibanez к фурнитуре – для этого потребовалось бы временно заменить ее на что-то другое. Но помня о японском прагматизме, будем считать, что «ради галочки» они специально морочиться бы не стали, и отметим два момента, которые,

по утверждению производителя, вносят существенный вклад в сустейн. Во-первых, это бридж Tight Tune, который, в отличие от традиционных вариантов на тему классического tune-o-matic со струнодержателем, глубоко заякорен и прочно зафиксирован в корпусе. Это обеспечивает минимизацию потерь при передаче колебаний в древесину, а также бридж не сваливается, если снять все струны. Второе решение – это точно рассчитанная система рамок и крепления датчиков в них, которая обеспечивает максимальную параллельность плоскости струн и плоскости поверхности звукоснимателей. В гитарах, у которых, как и у Darkstone, гриф вклеен под углом к корпусу, нередко бывает, что расстояние до струн у двух катушек одного и того же датчика (особенно бриджевого) сильно разнится. Здесь эта проблема решена.

Ibanez Darkstone DN500

GUITARS

ma g a zi ne

Но если о вкладе продвинутой инженерной фурнитуры мы можем только догадываться, то, как характер звукоснимателей PP1 сочетается с «леспольной» идеологией, мы слышим сразу. Ibanez особо подчеркивают, что немалую роль в PP1 играют полые магнитоводы-трубки, которые вносят существенный вклад в структуру обертонов. Сложно со стороны оценить, где в именно звуке это проявляется, хамбакеры дают именно такой результат, какой хотелось бы. А вот чем РР1 отличаются – так это тем, как они звучат в режиме отсечки катушек. Все уже привыкли, что полхамбакера не равно одному синглу по убедительности, но РР1 как раз приятно удивляют. Впрочем, можно побиться об заклад, что владелец гитары большую часть времени будет играть на бриджевом хамбакере, который пропиливает микс, как циркулярка фанеру.

Разумеется, мы не будем советовать эту гитару тем, кто ищет себе шредерский инструмент со всеми полагающимися атрибутами. Для этого в каталоге Ibanez есть другие страницы. Не будем мы и утверждать, что Darkstone – это нечто, чему суждено как следует подвинуть конкурентов по нише. Но это стильный, удобный инструмент, придуманный и сделанный с тщательным вниманием к деталям. Гитара заточена под конкретный, мясистый рок, и при весьма гуманной цене имеет качество, соответствующее большинству профессиональных задач, не говоря уж о просто получении удовольствия от игры.

GUITARS

ma g a zine

LINE6 POD X3 PRO

ine 6 давно и прочно удерживают место классиков жанра в гитарном моделировании. Прославленная серия POD разменяла уже второй десяток лет, сменив за этот срок немало обличий, в каждом из них оставаясь мощным арсеналом гитариста, содержащим звуки стольких усилителей и эффектов, сколько было бы проблемой просто разместить в реале у себя дома, не говоря о том, чтобы все это себе купить. Свежайшая инкарнация POD, серия Х3, выпускается в трех форматах, из которых сейчас речь пойдет о рэковом X3 Pro. От своего предшественника XT Pro новый POD X3 Pro отличается серьезным апгрейдом как начинки, так и аппаратной части. Первое, что бросается в глаза, это две красные входные секции слева на передней панели. Сдается, что высотой в три рэковых единицы X3 обязан в первую очередь им, поскольку его «мозгам» столько пространства, очевидно, не требуется. Каждая секция содержит пару входов – 1/4” джек и XLR с кнопками аттенюатора, обрезного фильтра НЧ и 48 В фантомного питания. На каждый канал можно назначить отдельный моделирующий «движок», что означает, что можно одновременно работать с двумя гитарами, двумя микрофонами или комбинацией из инструмента и микрофона. При работе только с одним входом можно подавать сигнал с него параллельно на два «движка», создавая тем самым гибридную «гипер-модель». Из других нововведений – порт USB, позволяющий подключать прибор в качестве аудиоинтерфейса к компьютеру. Цифровой тракт поддерживает формат 8 in x 2 out, но на самом деле входы с третьего по восьмой являются альтернативными маршрутами с все тех же двух основных каналов. Громкость мониторинга возврата с компьютера регулируется мастер-громкостью на приборе, а громкость входов – канальной громкостью. Порт USB также позволяет обеспечить взаимодействие с ПО Line 6 Gearbox (скачивается с сайта производителя) – удобной

GUITARS

ma g a zi ne

графической консолью управления, на которой наглядно (вплоть до воспроизведения дизайна оригиналов) отображаются все составляющие пресетов и их параметры. Возвращаясь к аппаратной части, заметим, что приятной деталью является подсвеченная маркировка всех органов управления, что в полумраке сцены или студии очень полезно. Достаточно большой ЖКдисплей в окружении кодера, крестообразной клавиши навигации и четырех «программных» ручек позволяет перемещаться вдоль и поперек пресетов, без проблем углубляясь до самых нюансов их настройки. Владельцев гитар Variax порадует возможность подключения инструмента к POD через отдельный порт на тыльной панели. Помимо передачи сигнала прямо от «цифры» к «цифре» это еще позволяет переключать пресеты на гитаре одновременно с пресетами прибора. Первое пролистывание пресетов (само собой с гитарой в руках) оставляет очень хорошее впечатление. Но может быть дело в новых наворотах? Встретив «по одежке», переходим к очному сравнению с ХТ (на которые в свое время массово апгрейдился гитарный мир), выбрав в качестве образца пресет Plexi-45, который представлен в обеих моделях. При всем (заслуженном!) уважении к ХТ, он явно проигрывает X3 в отдаче и яркости звучания. Контрольные выстрелы по другим пресетам из общего «джентльменского» набора обоих процессоров неизменно подтверждают превосходство Х3 в глубине и натуральности звучания. С чистой совестью можно утверждать, что и остальные пункты радикально расширенного по сравнению с ХТ списка моделей демонстрируют такой же высокий класс. Даже не копаясь в настройках пресетов, получаешь по ним представление, на что способен прибор. Уже упомянутый Plexi-45 чудесен. Мягкий дисторшн, сочетающийся с кранчем и яркостью. Пресет Blackface демонстрирует приятно нахальную середину с немеряной атакой, а Jazz Chorus отдает тем же

подходящий размер

LINE6 POD X3 PRO – ЭТО НА СЕГОДНЯШНИЙ ДЕНЬ ВЫСШАЯ СТУПЕНЬ В МОДЕЛИРОВАНИИ ГИТАРНОГО ЗВУКА КАК LINE6, ТАК, ВОЗМОЖНО, И ВСЕЙ МИРОВОЙ ГИТАРНОЙ ИНДУСТРИИ. ЭТОТ ПРИБОР МОЖНО НАЗВАТЬ ИДЕАЛЬНЫМ

самым транзисторным привкусом, что и оригинал Roland. Убедительно справляясь с такой классикой, как «твид», АС30 и более современные (по сравнению с плекси) Marshall, X3 PRO доходит даже до такой экзотики времен 60-х, как Super O и Gibtone Expo. Очаровательно. В закромах пресетов можно раскопать немало клевого безумия. Попробуйте, например, Phantom Electric, в котором мощь двойного движка задействуется, чтобы приготовить убойный коктейль из дисторшн, октавера и плавающего фильтра. Возможности экспериментов со звуком на записи расширяются при помощи плагина POD Farm. Ключ для его активации становится доступным после регистрации X3 PRO на сайте Line 6. Вы получаете возможность использовать все алгоритмы Line 6 внутри своего программного секвенсора, в том числе и для реампинга, поскольку маршрутизация в X3 PRO позволяет «снимать» сигнал с различных участков пресета – в конце цепи, в середине (перед пост-обработкой) и в начале (т.е. сигнал с входа в чистом виде). Каждой модели усилителя подобран соответствующий кабинет, вирутальный микрофон и точка его установки, но со всем этим можно экспериментировать, как душе угодно. Хотите подцепить к Fender Champ маршалловский кабинет 4х12 – пожалуйста! Еще одним принципиальным нововведением в Х3 является моделирование бас-гитарных уси-

лителей. Ранее они были доступны только в отдельном, специализированном басовом POD. Теперь специализация в прошлом, есть один универсальный прибор! Хотите ретро – к вашим услугам глубина и пыхтенье ‘58 Tweed Bassman. Что-то посовременнее и поэнергичнее? Пресет Stadium воспроизводит Sunn 300. А если этого мало, и требуется реальная тяжесть, то выбирайте Frankenstein – вот вам полный ковш чугуна! Выбор басовых моделей весьма широк и охватывает все жанры музыки. А теперь вспомним, что у нас имеются и микрофонные входы. Технологии Line 6 обеспечивают шесть разных моделей микрофонных предусилителей: American Classic (API 512), Modern (Avalon VT-737), Vintage (Requesite Y7), Vintage UK (Neve 1073), Line 6 Console (типичный микшерный пульт) и Line 6 Lo-Fi для «альтернативы». Все эти модели благополучно работают как при записи гитары, так и вокала, и обеспечивают хороший спектр окраски звука. Правда, если вы задаетесь целью получить сигнал в максимально первозданном виде, то нет альтернативы высококачественному микрофонному предусилителю... стоящему сопоставимо с X3 PRO. POD всегда славились удачными эффектами, и в Х3 PRO представлена богатейшая палитра. И снова мы видим как модели популярных педалей и приборов разных эпох, так и отменные собственные алгоритмы Line 6. Эффекты разбиты на 4 сек-

ции: педали (то, что ставится сразу после гитары), модуляция, задержка, реверберация. В рамках пресета можно использовать только по одному эффекту из каждой секции, плюс есть возможность строить в «сдвоенном» режиме две параллельные цепочки с 4 секциями каждая. Опятьтаки качество эффектов оправдывает ожидание: хорус мерцает, фейзер полощет, дисторшн рычит, компрессор жмет, эхо гуляет... Все очень аутентично звучит и имеет практическую ценность. Когда заслуженная серия делает очередной эволюционный виток, нередко обнаруживается, что от предыдущего поколения она отличается непринципиальными мелочами. Line 6, однако, усовершенствовали и расширили рэковую серию PRO достаточно для того, чтобы интернет-форумы запестрели объявлениями владельцев, продающих «старье» с целью покупки новых приборов. Это реально законченное решение для всех, кто активно записывает гитару и бас в project-студии. Помимо звуков, которые вдохновляют на музицирование сами по себе, мы имеет два канала с микрофонными входами, два движка в одном корпусе, интеграцию с компьютером и профессиональным аудио оборудованием. Присовокупим ко всему этому удобное аппаратное управление и не менее удобные программные продукты, и никаких барьеров между творческими идеями и их воплощением не остается.

ПОДОБНО ТОМУ КАК В СОВРЕМЕННЫЕ МОБИЛЬНЫЕ ТЕЛЕФОНЫ ПРОИЗВОДИТЕЛИ СТАРАЮТСЯ ВКЛЮЧИТЬ КАК МОЖНО БОЛЬШЕ САМЫХ РАЗНЫХ ФУНКЦИЙ, ТАКИХ НАПРИМЕР КАК МЕДИА-ПЛЕЕР ИЛИ ФОТОАППАРАТ, ТАК И В ЭТОМ ГИТАРНОМ ПРОЦЕССОРЕ ЕСТЬ БУКВАЛЬНО ВСЕ, О ЧЕМ МУЗЫКАНТ ТОЛЬКО МОЖЕТ МЕЧТАТЬ

GUITARS

ma g a zine

GUITARS

ma g a zi ne

GUITARS

ma g a zine

GUITARS

ma g a zi ne

Музыкант Билли Шин обязан своим появлением союзу трех элементов, трех краеугольных камней рока – гитаре, басу и ударной установке. Другими словами – трио. Его техника, его подход, его смелость, его творческое видение – всем этим он обязан системе принципов, присущей трио в той же степени, как и своим прирожденным способностям и музыкальному чутью. A трио в роке всегда было интересной, но сложной вещью. В то время как его легко реализовать в студийном варианте, заполнить его звучанием концертные залы – это уже гораздо более сложная задача, если гитарист, конечно, не Хендрикс. Являясь неполным, незаконченным составом в роке, в то же самое время трио рождает почти мистические ассоциации – с ма-

гическим числом, тремя греческими Мойрами (богинями судьбы), тремя римскими грациями и, конечно, с троицей. Трио одновременно безупречно, почти священно, но при этом странным образом лишено полноты, когда дело касается исполнения рока вживую. И эту ситуацию музыкальной неполноценности Шин умудрился не только преодолеть, но и использовать для построения выдающейся карьеры. Один из самых блестящих музыкантов, когдалибо вышедших из рок-музыки, он сумел не только стать уникальным инструменталистом, но и композитором, способным объединить изощренность и лаконизм, утонченность и простоту так, как это удается немногим из современных виртуозов.

B ill y S h e e h a n Он – идо л д ля бо льшинс тва басис тов-рокеров. Ник то из бас-гитарис тов не ок аза л такого влияния на развитие роли бас-гитары в роке, как Билли Шин. Феноменальные способности и блестящее исполнение произве д ений справе д ливо приравн я ли ег о к немног им нас т оящ им «о т ц ам» бас-г и тарной иг ры

ервая серъезная группа Шина, Talas, была сформирована в середине семидесятых и оставалась без контракта на протяжении многих лет, не- смотря на огоромное количество поклонников с своем родном городе Баффало, штат Нью-Йорк, и на изредка выпадавшие им удачи, когда удавалось поиграть на разогреве у таких корифеев, как UFO и Van Halen. Но в то время как Talas пытались приоткрыть дверь, ведущую в корпоративный шоу-бизнес, сам Шин скоро стал известен профессионалам как музыкант, достойный самого пристального внимания. Влиятельные музыкальные журналы постоянно просили его об интерьвю, поняв, что обнаружили исполнителя в равной степени талантливого и скандального. Все хотели знать, как басист может использовать флажолеты, хаммер-оны и играть на басе аккорды – все то, о чем из коллег Шина в то время мало кто слышал. Как он мог солировать так экспансивно и так многогранно, при этом не вредя форме композиции. Как он мог делать звучание трио столь густым, настилая один ритмический пласт за другим, одну текстуру над другой, так, что гитаристу никогда не приходилось беспокоиться о солировании поверх этой раскатистой, грохочущей, пульсирующей сетки безопасности, сплетенной из многоуровневых басовых экстраполяций.

Частью ответа, конечно, является старание Шина делать все возможное для того, чтобы восполнить отсутствие ритм-гитары в группе, состоящей из трех инструментов. Но это было не все. Дополнительным стимулом был исследовательский дух, заставлявший молодого музыканта получать максимум из своего инструмента, в то же самое время умудряясь отдавать приоритет форме каждой композиции и цельному звучанию группы. Глобальный успех в конце концов настиг Шина в 1988 году, когда он образовал команду Mr. Big после ухода из группы Дэвида Ли Рота (David Lee Roth), с которым он чуть раньше записал два платиновых альбома. Mr. Big достигли пика своей славы в 1991, и группа продолжала играть до 2002, с Ричи Коценом (Richie Kotzen), вскоре сменившим Пола Гилберта (Paul Gilbert) на гитаре. Но Шин оставался в постоянном движении, несмотря на меняющуюся моду, среди других своих проектов принимая участие в записи сольных альбомов Стива Вая (Steve Vai) в 2001 – 2007 годах, а также являясь членом его концертирующей группы. Несмотря на все события, произошедшие во временном промежутке между скромным стартом в Баффало и последовавшей всемирной славой, Шин никогда на забывал о радости игры в трио, недавно сформи-

GUITARS

ma g a zine

ровав еще один такой коллектив под названием Devil’s Slingshot с Тони Макалпайном (Tony MacAlpine) на гитаре и Вирджилом Донати (Virgil Donati) на ударных. Их дебютный альбом 2007 года «Clinophobia» и последующее турне подтвердили репутацию Шина как одного из самых удивительных инструменталистов своего поколения, одного из немногих, кто продолжает совершенствовать свое мастерство с неослабевающей энергией. Но в Шине заложено нечто большее, чем способность играть на басе в формате рок-трио лучше, чем кто-либо другой, или быть идеальным наемным музыкантом, готовым адаптироваться к требованиям практически любой музыкальной ситуации. Его сольные альбомы, первый из которых был выпущен в 2001 году, демонстрируют абсолютно другую сторону его таланта, таланта музыканта в самом широком смысле этого слова. Здесь он продолжает свои исследования, выходя за пределы простого инструментального мастерства и прямолинейного написания доходчивых песен. На сольных работах Шина интенсивный накал его игры на басе порой отступает и идет навстречу изящным, легким мелодиям, открывая другую грань его таланта, при этом демонстрируя, что он является серьезным вокалистом и компетентным гитаристом. Новый сольный диск Шина, «Holy Cow», выпущенный в начале 2009 года – это добротно сработанный альбом, охватывающий жанры от нацеленных на чартовый успех баллад до взрывных роковых композиций. В каждый из этих стилей Шин проникает, добираясь до самой сути, давая каждому из них свои тонкие, пикантные интерпретации. Его вокал пластично, без усилий вписывается в настроение элегантных мелодий, звуча естественно и просто на таких трэках, как похожая на битловскую «Bloodless Casualty», и в то же время прекрасно передает бескомпромиссную атмосферу чистого рока на таких песнях, как «Another Broken Promise».

Cпособности Шина открывали заново значение фразы «рок-бас». Он – настоящий ветеран роксцены, на счету которого более 30 лет игры

GUITARS

ma g a zi ne

Билли завоевал бесчисленное количество наград. Пять раз он завоевывал среди читателей журнала «Guitar Player» статус «лучшего рок-басиста» Билли Гиббонс из ZZ Top гостит на «A Lit’l Bit’l Do It To ‘Ya Ev’ry Time», моментально узнаваемый в своих переходах от острых гитарных моментов к протяжным и тягучим, с вязкими нотами, тон которых никто кроме него не способен воспроизвести, оставаясь непревзойденным в своем сдержанном стиле и лаконичном чувстве блюзовой формы. Пол Гилберт тем временем появляется на «Dynamic Exhilarator», лихорадочной, с ног сбивающей суперскоростной роковой композиции, с первой ноты оправдывающей свое название. Но гитарные партии на всех остальных трэках Шин исполняет сам, играя плотно скомпонованные, убедительные соло, полные логики и стабильной энергии. Интересно слышать, как он преобразовывает ритм, придавая ему мелодическое направление, уверенно двигаясь по плотной многоуровневой ритмической борозде, проложенной низами бас-гитары. В тандеме с ударником Рэем Лузиером (Ray Luzier) вместе они – устрашающая сила, со знанием дела оперирующая мастерски наложенными одна на другую полиритмическими текстурами, которые идут по дну этих композиций, как непрекращающийся комментарий, временами поднимаясь на поверхность и оказываясь в центре внимания для того, чтобы поднять планку игры на олимпийский уровнь. Все это сделано с идеальным пониманием музыкальной формы – будь то ностальгирующая баллада в манере восьмидесятых или эксперимент в стиле современного прог-рока. И на протяжении всех этих приключений с вещами известными и малоизвестными видение Шина остается четко сконцентрирован-

ным. Новый альбом и стал отправной точкой нашего разговора, который произошел за несколько дней до выхода «Holy Cow» в свет. Когда звонит телефон, я, зная, что это Шин, вдруг обнаруживаю, что нервничаю. Несмотря на опыт, я отдаю себе отчет в том, что через несколько секунд буду разговаривать с человеком, по чьим интервью 20-летней давности я в свое время училась различать то, что важно в музыке, от того, что либо второстепенно, либо вообще не стоит внимания. Через несколько минут выясняется, что приоритеты в профессии и музыканта, и рок-журналиста сейчас, как и 20 лет назад, остаются теми же. Сколько времени у тебя заняло написание материала для нового альбома? Это был длительный процесс или все произошло достаточно быстро? Достаточно быстро. Я придумал стиль написания материала, который напоминает то, как это делалось раньше с кассетными магнитофонами. Когда просто записываешь какую-то идею, возвращаешься к ней позже и добавляешь ее к другим. Но с кассетами тогда это занимало много времени. Теперь у меня есть компьютер Макинтош со встроенной камерой, и я сажусь перед ним со своей гитарой, открываю мой ноутбук, включаю камеру и каждый раз, когда у меня появляется идея, записываю ее на видео. Записываю, глядя в камеру, объясняя, что я делаю: «ОК, вот припев», затем подношу гитару к камере, так, чтобы можно было видеть аппликатуру и аккорды, и говорю: «Припев состоит из тогото и того-то, теперь я перехожу к инструментальной части». Таким образом я объяснял все песни по частям. Потом я их использовал как кирпичи, из которых выстраивал композиции в студии. Это было так, как будто ты разговариваешь с кем-то другим. Сначала объясняешь это первый раз, затем – второй, когда просматриваешь все это, так что в каком-то отношении это было как общение с вымышленной группой, а на самом деле – общение с самим собой. Но все это получилось достаточно быстро. В пятницу или субботу вечером я наливал себе бокал красного вина, усаживался, и много идей так ко мне и пришло. И для меня это всегда хороший знак, если идеи приходят быстро. Потому что когда приходится долго трудиться над какой-то песней, окончательный результат мне никогда не нравится. Альбом похож на неслабое смешение разных стилей и разных идей. Была ли у тебя изначальная концепция для этой пластинки или это все получилось само собой по мере того, как ты продолжал работать? Вообще-то я играю на баритон-гитаре. Я басист, конечно, но когда я играю на гитаре, я играю на баритоне, то есть моя гитара настроена ниже, чем обычная гитара, ближе к высоте баса, и это помогает моему голосу петь эти песни. На звучание альбома настроенная ниже гитара оказывает большое влияние, кроме того, я определил себе несколько правил в отношении этого альбома. Правила были такие: я не могу

использовать слова «сердце», «любовь» и «детка». И не могу использовать такие фразы, как «моя душа», «твоя душа», потому что они настолько избиты. Это заставляет меня думать о том, как выразить себя подругому, не делать это как обычно. Думаю, что это хорошее решение. Я старался не писать на обычные темы. Все выражено косвенно, неявно, на первый взгляд смотрится нормально, но если начать прислушиваться, можно понять, что на этом все не заканчивается. Я пытаюсь делать слова немного более увлекательными, и, если можно так сказать, сложными, осмысленными, если могу.

На фоне невероятных шредерских фраз Ва я Шин созд а л традицию «рок-баса», являя буква льно всему миру новый станд ар т игры на басу Но они еще и смешные, не так ли? Даже в названии песен есть большая доля юмора, например, «Two People Can Keep a Secret (If One of Them is Dead)» / «Двое могут сохранить тайну (если одни из них мертв)». Это правада. (Смеется.) По-моему, Бенджамин Франкли сказал это первый, а затем Ангелы Ада сделали из этого свой лозунг. И я всегда это повторяю, когда говорю с друзьями о теориях заговора, которые меня долгое время интересовали, и многие из них казались правдоподобными, пока я не понял, что «двое могут сохранить тайну, если один из них мертв». Знаешь, на самом деле это правда. Если бы они фальсифицировали высадку на Луну, им бы пришлось сделать так, чтобы примерно шестьсот человек ничего об этом никогда никому не рассказали, так что в этом отношении эта песня насмешливо-ироническая.

GUITARS

ma g a zine

Высокий князь низких нот И з б р а н н ы е в ы с к а з ы в а н и я и з е г о и н т е р в ь ю р а з н ы х

О борудование

Я использова л, как всегда, мой бас Yamaha Attitude, который остается со мной с 89-го или 90-го годов. Это реа льно мясной, плотный бас, звук которого даст вам под зад, и я благодарен Yamaha за проделанную ими работу. Так же я использова л радиосистему Nady, потому что мне ну жна была система, которая сможет раздельно передавать сигна лы с некового и бриджевого датчиков моей гитары на разные усилители. Из усилителей я использова л два Ampeg SV T-4 Pros с преампами Pierce, и к ним я подк люча л кабинеты SV T с восемью 10-дюймовыми динамиками. А мой рэк вк лючает эффекты Eventide Eclipse, которые я заказа л себе специа льно для тура G3. Играя с Talas, Дэвидом Ли Ротом и Mr.Big, я обычно использова л гармонайзер Eventide H10, но Eclipse обеспечил меня как отличным гармонайзером, так и еще кучей эффектов, кроме того, он занимает всего 1U в рэке. Но мой главный эффект – это компрессор, кстати, как ни странно, это название моего нового сольного а льбома. Я использую струны марки Snarling Dogs. Я работа л вместе с Charlie Stringer при разработке линейки струн, которые могли бы дать мне то же ощущение от игры, что используемые мной много лет до этого Rotosound. Кроме того разрабатываемые струны должны были зву чать лу чше, чем те, что я использова л. Диаметр, который я использую, это .043, .055, .085, .115; этот сет называется «А дские струны Билли» (Hell-Billy’s set). Так же в этой линейке есть модель ReallyBilly’s, которые тоньше, чем Hell-Billy’s, а так же BarelyBilly’s, которые еще тоньше. Так же дл я усовершенствовани я своей гитары я установи л на нее колок Hipshot D-Tuner дл я быстрого перестроени я в открытый строй D, 4-я стру на звучит прекрасно по всей длине грифа. Теперь я мог у не беспокоиться о «нестроевиче», дребезжании и ли иных артефактах открытого строя. Что касается звуковых характеристик моих струн, то в реальности используемый мной сет звучит в среднем и нижнем диапазоне. Я имею в виду, что он дает небольшой перегруз на нижних струнах, но когда я играю на 1-й струне за седьмым ладом, то звук очень чистый и без лишне-

GUITARS

ma g a zi ne

Б и л л и л е т

го низа. Это оптимально для меня. Если звук слишком низкий, то многие сольные проходы будут просто не слышны, а для меня важно живьем звучать так же четко, как в студии, поэтому я предпочитаю именно такой средне-низкий диапазон звука. К оллекция

У мен я в собрано много инстру ментов, но я не коллек ционер. Например, один из моих любимцев – замечательный Epiphone R ivoli bass – та же самая модель, что и у Пола Сэмвел-Смита (Paul Samwell-Smith) на облож ке «Having A Rave-Up With» The Yardbirds, одной из самых важ ных записей моей ж изни. Я считаю, что Пол – один из лу чших басистов на все времена. The Yardbirds подари ли миру Дж имми Пей джа (Jimmi Page), Джефа Бэка (Jeff Beck) и Эрика К лэптона (Eric Clapton), но все забывают, как им велик им бы л Пол Сэмвел-Смит, в то врем я как он просто блиста л в ст удии и на сцене. Компани я Yamaha раздобы ла этот бас дл я мен я и подари ла на день рож дени я несколько лет наза д. Я постави л на него черные нейлоновые стру ны, чтобы он выгл я дел ау тентично. Это очень кру то. Долгое врем я я иска л Hofner Beatle Bass, очень хотелось запол у чить себе хотя бы один, как у Paul McCar tney, ведь Пол – это тот, с кого нача лась вся сегодн яшн я я поп-м узыка. Когда я бы л в А нглии, я иска л так ие басы по мага зинам, но, у вы, мне не повезло. Я нашел всего один подобный инст ру мент, но он стои л столько, что мне бы ло это не по карман у. Тогда я отправи лся в Bass Centre в Лон доне и у ви дел, что там на стене висит дру гой Hofner Bass – д у маю, это бы ла модель Senator. Он стои л около 150 фу нтов, в то врем я как минима льна я цена ем у 275 дол ларов. Я не ра зд у мыва я к у пи л его. И это ока за лся отли чный бас, а зву чит он как виолон чель – специа льна я модель. И мне уда лось добиться от него зву чани я, как у Мак картни, поставив на него дат чик и и потенциомет ры, как у Пола, единственное – корп ус моей г итары Senator немного отличается от г итары Пола. Так же у мен я есть старый Hagstrom, который один из мои х друзей приобрел в интернете. Первый бас, который появи лся в

Когда ты работаешь над сольными альбомами, чувствуешь ли ты себя более свободным, чем когда работаешь с группой, где нужно принимать во внимание мнения других музыкантов? В то время как с сольным альбомом ты свободен делать все, что хочешь? Это где-то посередине. Это хорошо, потому что если ты один, то можно делать все, что угодно, но и придумывать все тоже нужно самому. Когда я нахожусь в комнате с группой работающих парней, у нас появляется больше идей. Я всегда люблю быть в группе, играть в группе и писать вместе с группой и все такое, но в этот раз, когда группы не было, я много работал с барабанщиком, Рэем, который является одним из моих самых любимых барабанщиков. Он просто блестящий музыкант, восходящая звезда среди ударников. Когда мы записывали партии ударных, которые для меня как для басиста являются ключевыми партиями, мы много обсуждали, как все это должно звучать, и я часто разрешал ему делать так, как он предлагал. Иногда спрашивал: «Как бы ты тут сделал? Как тут можно сыграть круче?» Так что в конце концов это превратилось в своего рода воздействие друг на друга, что, как я думаю, всегда приносит лучший результат. Похожий процесс у нас был с парнем, который записал этот альбом, Пэтом Риганом (Pat Regan), все что касается аранжировок и подобного рода вещей. Так что если получается диалог, взаимное влияние, мне это очень нравится. А что касается остальных вещей, я полагался в основном на случай. Мне удалось отделить мою игру на басе от моей игры на гитаре. Я их совершенно не рассматриваю как нечто похожее друг на друга. Они для меня – две совершенно разные вещи. Так что когда я играю на гитаре, я не думаю о басе, а когда играю на басе, я абсолютно не думаю о гитаре. Я знаю многих гитаристов, которые на своих пластинках сами играют на басе, но они играют на басе как гитаристы, а не как басисты. Басистов, играющих на гитаре, не так много, но некоторые есть. Возможно, гитаристам легче сыграть простую басовую партию, чем специально приглашать в студию басиста. Так что такое я слышу часто. Мне хочется думать, хотя это, конечно, каждый решит для себя сам, что вне зависимости от того, удалось мне все это или нет, но между гитарой и басом я провожу отчетливую линию. Тебе, конечно, всегда говорят, что твоя техника игры на басе очень напоминает гитарную, но неужели никто не говорит, что твоя гитарная техника несет на себе печать твоего основного инструмента, баса? Тон, тщательность исполнения, определенная ритмом меткость, широкие такие мазки, текстура, четкая, безошибочная фразировка? Хорошо, я рад, если это так. Мне трудно быть объективным, потому что я нахожусь посреди всего этого. Но если это так, то я рад, потому что это сделает мои вещи уникальными в плане игры на гитаре. Но что касается игры на басе, людям часто кажется, что много быстрых пассажей идут от гитарного подхода, в то время как я всегда хочу, чтобы они поняли, что такие

Шина легко узнать с первых же секунд. Жужжащий размытый звук Yamaha Attitude остается его фирменным знаком уже долгие годы. Шин играет тремя пальцами и всегда старается не замыкаться на классической монотонной хардроковой линии баса. Он создает настоящие произведения из басовых линий

Феномен его успеха можно разбирать очень долго. Возможно, в нем есть дальновидность, с помощью которой он направляет творчество группы в русло, именно в тот момент нужное слушателям. А может, это его ma g a zine 75 невероятная техника, с помощью которой он повергает в прах все представления о возможностях бас-гитариста GUITARS

моей ж изни, это как ра з бы л Hagstrom с дву м я зву коснимател ями и п ластиковым топом. Я не знаю, что это за модель, но они вып уска лись в нескольк и х расцветка х. У мен я сей час черный, а тот бы л лаван довый. Поэтом у я у верен, что рано и ли поздно най д у и к у п лю именно лаван довый Hagstrom, потом у что носта льг и я – это така я ш т у ка, котору ю так просто не поборешь. Так же недавно я заполу чил ‘68 Tele bass от одного из моих друзей из Буффало, штат Нью-Йорк. На всех моих басах типа пресижн стояли грифы от теле-басов, потому что там большие лады. Я не знаю, выпуска л ли Fender в том году такие басы, но на грифе стоит именно эта дата. Это действительно здоровый мощный гриф – как я люблю. Все грифы на моих басах Yamaha Attitude смоделированы так же, как на ‘68 Tele bass. И многие люди боятся их, потому что эти грифы слишком большие! С тил ь и звук

Для меня достаточно сложно описать самого себя. Я знаю только, что на сцене я очень экспрессивен и могу легко выйти из себя, поддавшись настроению исполняемой музыки. Но когда я вне сцены, я уделяю внимание ку че дета лей. А на сцене я стараюсь не думать о мелочах и просто «рубить» от души. Что дл я мен я важ но как дл я басиста, так это реа льно создавать мощн у ю стен у вместе с барабанами. Именно поэтом у я известен как «пи ли льщик» и ли «шредер», потом у что барабаны зву чат вн у три мен я. Я наблюдаю за барабанщиком, дыш у вместе с ним и дыш у его ритмом. Когда он двигается, я тоже двигаюсь. Поэтом у я играю больше нот, чем обычные басисты, но в то же врем я я очень хорошо осознаю, что играю, и на деюсь, мои партии не зву чат беспоря дочно. Большой удачей д л я мен я бы ло пои г рат ь в п роек т е NI ACI NE с Ден н исом Чэмберсом, рабо тат ь с н и м э т о все ра вно, ч т о и г рат ь с д ра м-ма ш и ной – очен ь мощ но. В г ру п пе Ст и ва Ва я на бараба на х и г рает Верд ж и л Донат и ( V irgi l Donati), я н и когда ра нее не сл ы ша л Верд ж и ла, а он ок а за лся п рост о су масшед ш и м парнем, ко т оры й зат к н ул за пояс всех, ког о я зна л. В о тл и ч ие о т м ног и х бараба нщ и ков, он всегда вы держ и вает т ем п п роизведен и я ровн ы м до са мог о кон ца, да же есл и Донат и нем ног о «поп л ы вет », он всегда быст ро вернет ся в выбра н н ы й изнача л ьно т ем п. Д л я мен я, к а к д л я басиста, э т о од но из ва ж ней ш и х к ачест в бараба н щ и к а.

GUITARS

ma g a zi ne

Мне действительно очень повезло работать с так ими велик ими барабанщиками, как Грег, Деннис, Майк Портной (Mike Portnoy), Терри Боззио (Terr y Bozzio); благодаря им я ста л играть лу чше. Ведь когда у тебя такая ритмическая основа, волей-неволей начнешь играть ей под стать. И именно Верд ж и л нау чи л мен я играть в одном темпе, не у п лывая, причем без использовани я метронома, он так мощно и ровно ст у чит по своим барабанам, что от него ник уда не деться. О бучение

Что ж, в основном стиль моей игры сформировался уже в Talas. Начинали мы с разучивания каверов, играли концерты пять или шесть ночей в неделю по три сета за ночь. Мы старались сыграть все один в один, снять «в ноль», и прежде чем Talas стали создавать собственные песни, мы как следует сыгрались при исполнении каверов. В то врем я мы в основном игра ли в составе трио, бы л только гитарист, а к лавишника не бы ло, н у и барабанщик, естественно, и я стави л перед собой за дачу играть всяк ие оригина льные шт у к и на басу, чтобы максима льно заполнить аран ж ировк у, но при этом мой бас не дол жен бы л терять низк ие частоты. Поэтом у когда я ста л выстраивать свой аппарат: гитару и уси лители, я пришел к том у, что мне н у ж но иметь бас со зву коснимател ями отдельно дл я верх них и ни жних частот, чтобы, когда мне пона добится сыграть что-то веселое, моя гитара не лишалась мощного низа. Мы дела ли трек и подобно «Carr y On Way ward Son», «W hite Punks On Dope», «21st Centur y Schizoid Man» и ли «Burn» – все эти песни требова ли совсем небольшого инстру мента ла. Но мы реши ли немного поду рачиться и всех обман у ть – я сыгра л на басу партии гитары и коечто из к лавишных аран ж ировок. Все нача лось с простых д жемов с барабанщиком, а в итоге мой бас зву ча л так, как ни у кого до этого не выходи ло, и это ста ло моим кредо. В да льнейшем у же не составл я ло труда обогатить партию баса так, чтобы мы вместе с барабанщиком создава ли п лотный фу н дамент дл я гитаристов и дру гих м узыкантов. Подобный стиль игры был вызовом для нас, к тому же аргументом ста ло наше финансовое благополу чие. Ведь чем больше человек в группе, тем меньше мы зарабатываем. Посудите сами, если взять 100 долларов, то на троих это будет по 33 на брата, а если нас четверо, то у же по 25 на музыканта. Поэ-

«Во времена моей юности один из друзей играл на басу, и я хотел быть похожим на него. этот инструмент так глубоко звучал и был крупнее гитары физически» вещи нельзя сыграть на гитаре. То, что я играю на басе, на гитаре я сыграть никогда не смогу. А то, что я играю на гитаре, это я, пожалуй, смогу сыграть на басе, но все равно играю по-другому. Мой медиатор сделан из камня. Так что если подвести итог, я стараюсь разделять эти два инструмента. Но когда я играю на гитаре, я всегда слушаю ударника, это мне помогает, мне кажется, если сплетаешь эти два инструмента вместе. И я всегда всем музыкантам говорю соединяться «в замок» с барабанщиком, если я играю в группе. Так что и когда я играю на гитаре, и когда я играю на басе, я внимательно слушаю барабанщика. Давай поговорим еще о твоей технике игры на басе. Ее, конечно, часто называли неортодоксальной все эти годы. А вот когда ты только начинал ее разрабатывать, все это ты придумал, чтобы восполнить отсутствие ритм-гитары в формате трио... Совершенно верно. ... или в этом был элемент выпендрежа, как, например, у Джимми Пейджа, когда он играл на гитаре смычком? Если говорить совсем честно, наверное, было, когда я был молодым. (Смеется.) Мы сейчас архивируем кассеты из моей коллекции. В ней около трехсот кассет со старыми демонстрационными записями и концертными выступлениями. Я только что нашел демонстрационную запись с Майклом Шенкером, которую он мне прислал в 1979 году, на которой он поет.

Ничего себе! А есть планы выпустить что-то из этого материала? Да, если бы это зависило от меня, я бы вообще все выпустил в всех странах. Просто все это нужно заархивировать, обработать, подготовить. Но даже если что-то из этого звучит паршиво, я не против того, чтобы это выпустить, потому что это демонстрационные записи, часто записанные магнитофонами, которые в то время были под рукой в репетиционных залах, такого рода вещи. Но я слушаю много раннего материала на этих кассетах, и одной из моих мотиваций было восполнить пробел. А когда играешь в трио, ты должен вычерчивать эти отсутствующие аккорды, когда гитарист перестает их играть и начинает играть отдельные ноты. Большинство гитаристов, с которыми я играл, рады, что они не чувствуют себя «голыми» на сцене, когда я играю на басе за их спиной. Я обожаю в свой работе то, как я делаю этот фундамент таким плотным, что все чувствуют себя очень комфортно. Так что это важно. Именно это лежало в основе. Но ты права, был в этом и элемент выпендрежа. Когда я еще играл по клубам и у меня не было контракта, многие музыканты стояли со скрещенными на груди руками, смотрели на меня, качали головой, а я специально делал все, что мог, что тогда считалось невозможным, чтобы утереть им нос, и, как правило, выигрывал, но это не имело отношения к музыке, не знаю, стал бы я сейчас себя так вести. (Смеется.) Ты как-то сказал, что вдохновение для того, чтобы начать играть на басе, ты получил от таких британских музыкантов-шестидесятников, как Пол Сэмуэлл-Смит (Paul Samwell-Smith). Да, Пол оказал на меня громадное влияние. А также, помню, ты как-то говорил, что первое свое соло на басе ты сыграл к песне «Mr. Big» группы Free. Энди Фрейзер (Аndy Fraser) влиял на тебя, когда ты рос? Да, у него прекрасный тон и просто... Пол СэмуэллСмит, Энди Фрейзер, Джек Брюс, Маккартни тоже великолепные парни, которые умели сплетать достаточно сложные басовые линии и никогда никто их за это не ругал. И, я думаю, потому, что они делали это понастоящему музыкально и делали это в песенном контексте. В то время не было такой ориентированности на солирование, как сейчас. Я это сам не люблю, что, воз-

можно, звучит смешно, когда это говорю я – человек, который сам много солирует. И это одна из причин по которой я сделал эту пластинку такой, какая она есть – основанной на песнях, где моя игра – это часть песен, составная их часть. Я изо всех сил стараюсь это делать, потому что это классический подход к музыке, которую я постоянно слушал, когда был моложе. Так что когда такой человек, как я, жалуется, что теперь народ слишком много солирует, это звучит ненормально, я знаю. Ты упомянул Маккартни. Он повлиял на тебя в чемто еще, например, в том, как ты пишешь песни? Несомненно. Одна из песен на альбоме, «Bloodless Casualty», для меня прозвучала так, что в ней мне почудились отголоски Леннона и Маккартни периода «Revolver». Это был сознательный кивок в сторону великолепной четверки? Наверное, бессознательный, но я уверен, что тут есть связь. Часто, когда я слушаю какой-то свой материал годы спустя после того, как он был записан, я говорю себе: «О, я знаю, где это взял, это же оттуда и оттуда!». Говорят же, «хорошие композиторы пишут, великие композиторы крадут». Но я не краду сознательно. Когда я это делаю, я всегда признаю это. Но «Битлз» сыграли черезвычайно важную роль в моей жизни – как че-

Yamaha Billy Sheehan Attitude Bass Эта модель сделана по к ласси ческ им канонам самы х известны х в м и ре басов. Ол ьховы й корп ус и к леновы й г риф – сочетан ие более чем т р а д и ц ион но е. К о с о б ен но с т я м мож но о т не с т и н а л и ч ие д в у х з в у к о с н и м а т е л е й D i M a r z i o W i l l p o w e r, о д и н и з н и х х а м б а к е р, а т а кже д ва г незда д л я вы хода си г на ла, ч тобы сн и мат ь зву к ра здел ьно с ка ж дого дат чика

ОБРАЗ ЛЕГЕНДАРНОГО БАС-ГИТАРИСТА НА СЕГОДНЯШНИЙ ДЕНЬ ЯВЛЯЕТСЯ УЖЕ НЕОТДЕЛИМЫМ ОТ ЕГО СТАВШЕГО НЕ МЕНЕЕ ЛЕГЕНДАРНЫМ ИНСТРУМЕНТА. ЭТА НЕРАЗЛУЧНАЯ ПАРОЧКА НЕСЕТ МИРУ НЕВЕРОЯТНУЮ МУЗЫКУ НИЗКИХ ЧАСТОТ

GUITARS

ma g a zine

тому мы с парнями взвесили все и решили играть в формате трио за счет того, что я мог играть на басу партии к лавишных, а так же петь. Поэтом у иг ра в каверг ру ппе и ра зу чивание всех партий, вк люча я дру г ие инст ру менты, помимо баса, – это наиболее ва ж на я веха в моем обу чении иг ре. Вспомните, ведь The Beatles начина ли как кавер-бэн д, и Van Halen, и Oasis. Брать пример со всех эти х парней: у читься и х ч у вству м узык и, г рамотности аран ж ировк и, пост роению композиции, переходов от к у п лета к припеву, гармонизации голосовы х партий, у мению общаться с толпой и снимать официанток в бара х – вы дол ж ны знать все эти вещи, если хотите иг рать в рок-г ру ппе… Но у же гора здо позже я пон я л, насколько бы ли ва жны те дни в Talas. Возможно, к то-то дру гой начинает иг рать в г ру ппе, сра зу пишет свои песни, замечательно исполн яет и х и становится настоящей звездой – благослови так и х людей Бог! Но мне необходимо бы ло начать с каверов, чтобы научиться иг рать насыщенно, у веренно держаться на сцене, а так же сочин ять собственные песни. Этот опыт т рудно переоценить. С очинение

Х м... Я пробу ю сочин ять так у ю м узык у, чтобы она вызыва ла у мен я те же ощ у щени я, что я испытываю, когда слу шаю свои любимые записи дру гих артистов, а вк усы у мен я самые разнообразные. Кое-что из особенно любимого мною – это ранний Дэви д Боу и, ранние Genesis еще с Питером Гэбриэлом, и ли Хен дрикс в тех песн ях, где в лирике бы ло чу ть больше смысла, чем «крошка, я люблю тебя» и ли «ты разбила мне сердце». Я люблю м узык у, где есть что-то скрытое и глубокое, чтобы бы ло, что копн у ть. Когда я сочин яю песню, я стараюсь не апел лировать к низменным инстинктам… Музыка может быть акт уа льной, даже если в ней есть смысл и ли что-то интел лект уа льное. В лияния

Да. Я ду маю, что как на композитора на мен я вли яют гру ппы, ориентированные на песни, в то врем я как на мою игру вли яет все подря д. Как басист я стараюсь заимствовать все самое лу чшее из разных сти лей и разных исполнителей, причем в этом списке вы почти не у ви дите басистов: Бах и Бран денбу ргск ий оркестр, фортепьяно Оскара Петерсона (Oscar Peterson), этюды Шопена, саксофоны Санни Ролинза (Sonny Rollins), гитара Роберта Фриппа (Robert

GUITARS

ma g a zi ne

Fripp) – вот одни из моих ориентиров. А при написании песен, например, я не за ду мываюсь о Санни Ролинзе, хотя у верен, что на подсознательном у ровне любимая м узыка все равно влияет на то, что я сочин яю. Я считаю, что музыканты обязательно должны быть всеядны в плане жанров музыки, в которых они работают, сочиняют. Когда зву чит сочиненная тобой песня, никто и не подозревает, откуда у тебя появилась идея для того или иного риффа или мелодии, главное, чтобы ты понима л, откуда что пришло в твою голову. И – опять же – музыка в твоей душе живет вечно, но чтобы распознать ее и воплотить в конкретную песню, надо обладать большим базисом знаний, с помощью которых сможешь направить свое творчество в ну жное русло и сделать чтото качественное. Фак ти ческ и, когда я ра зу чива л свои первые произведени я, единственное, за чем я следи л – к то и как иг рает, комбинирует гаммы, в какой манере они это делают. Бы ли ли это басисты, к лавишник и, саксофонисты и ли что-то еще? Я не д умаю, что на до следить только за басовой партией в м узыка льны х произведения х, которые тебе нравятся; я снимаю все интересные аран ж ировк и и иг раю и х на басу. В то же врем я, если мне на до при д у мать партию баса д л я сопровож дени я какойнибудь ск рипи чной темы, я буд у при д у мывать так у ю партию, чтобы она не мешала основной линии, чтобы, добавив свой инст ру мент в аран ж ировк у, я пол у ча л такое же удовольствие от песни, как и до того, как ста л работать с ней. Просто объединение нот в аран ж ировке – это именно то, что создает эмоции. Вместо того чтобы сл у шать только басистов, я сл у ша л всю аран ж ировк у, отмеча я именно то, как ноты ложатся дру г на дру га, создава я м узык у, волшебное ощ у щение, которое и застав л яет людей п лакать и ли смеяться. Например, ра збор соло виолон чели из Бран денбу ргского концерта бы ло очень полезным д л я мен я, когда я у чи лся сколь зить па льцами по всем у г рифу. После этого ра зу чивание стан дартов из «Misty» и ли «Moon R iver» и ли способов фра зировк и при обыг рывании ак кордов становится лег к им и необременительным, потом у что мои у ши у же знают, где кака я нота на г рифе, и достаточно слышать м узык у, чтобы па льцы сами встава ли на н у ж ные ла ды, отыск ива я л у чшие варианты д л я гармонизации линии баса со всей песней.

ловека, как исполнителя, так что они должны были гдето у меня осесть. Если что-то из моего материала напоминает «Битлз», то я счастлив, потому что я на них вырос и они для меня продолжают оставаться важными. Ты больше поклонник Леннона или Маккартни? (Смеюсь.) (Смеется.) Я где-то посередине. Особенно если послушать оркестровку в песне «We Can Work It Out», это такой замечательный посыл, когда Джон поет, почти предсказывая все: «Жизнь слишком коротка и нет времени для суматохи и ссор». Это великолепно, что эти два характера высвечены таким образом в этой песне. Я, конечно, склоняюсь то к одному, то к другому в разные периоды, но люблю обоих. Как к тебе приходят мелодии твоих песен? Ты должен уединиться, закрыться в комнaте, или они к тебе приходят, когда ты занимаешься повседневными делами? Они просто... Я большой поклонник такого огромного количества музыки, что у меня в голове постоянно что-то играет, и я всегда придумываю вариации на разные темы. Я всегда играю и я всегда пишу и кроме этого мало чем занимаюсь. В ранние мои годы, когда я давал интервью, меня спрашивали, какие у меня хобби, и мне приходилось их выдумывать, потому что мне было нечего им сказать. (Смеется.) Так что в отношении мелодий вещи приходят ко мне отовсюду. И приходят легко. Я, если честно, не знаю, как некоторые из этих вещей происходят, я просто, допустим, сижу, и неожиданно что-то тебя ударяет, и вот оно. Твое общение с Полом Гилбертом, конечно, началось еще во времена Mr. Big, а как давно ты знаешь Билли Гиббонса? В первый раз я с ним познакомился где-то в 1988 или 1989 году. Но я был на его концерте в 1974. И украл у него две мои лучшие фишки – флажолет и хаммер-он.

Билли не стал изучть музыкальную грамоту и сольфеджио в специальных заведениях. Сам начал постепенно совершенствовать свою технику

Да, знаю. Он берет ноту, а потом прижимает ее к грифу октавой выше. (Смеюсь.) Да. (Смеется.) И я помню, что на концерте мы были почти у самой сцены, и вот он появился! И он был просто великолепен! Как только его руки касаются гитары, это он. И даже не имеет значения, через что он играет. Понастоящему невероятно. Он такой прекрасный парень, как ходячая энциклопедия по многим темам. Музыкальным темам или житейской мудрости общего плана? Да все на свете. Это большая честь... Когда он пришел в мой дом, чтобы сыграть на этом треке, я был ужасно взволнован: «Боже, Билли у меня дома!» Невероятно! Наиприятнейший парень, и каждый раз, когда я общаюсь с ним, это большая радость. Песню эту я написал, имея его в виду, надеясь, что, может быть, смогу пригласить его на ней сыграть, а потом подумал: «Мда, шанс-то маленький!» Я пытался до него достучаться пару раз через его менеджмент и не получил никакого ответа, и после этого подумал: «Я так делать не хочу, потому что это нарушает протокол, но все-таки я пошлю ему сообщение по электронной почте». Он ответил, и я просто был вне себя от радости. И начал думать: «Что будет?» Но когда он сыграл это соло... Из-за того, что ZZ Top оказали на меня такое огромное влияние, эта песня была написана в их стиле и, боже мой, он попал в самое яблочко! Сразу слышно, что это он. Даже когда вначале он все еще пока играет маленькие вставки между куплетами, все равно слышно, что это он. Это он и это потрясающе! (Смеется.) А ты когда-нибудь играешь просто для своего удовольствия? Не для того, чтобы позаниматься, ни для кого другого, а для себя? Часто, часто! Просто сижу с бокалом красного вина и группой друзей. Однажды мы так просидели больше семи часов. Сидели и играли, всего один раз я отлучился, чтобы помыть руки. Это было в маленьком клубе, мы там проводили уроки бас-гитары для студентов университета, проводили их в клубе, где никого не было. У кого-то оказалась гитара, мы начали петь, играть и так и просидели до двух утра. К тому времени как мы закончили, в клубе собралось 250 человек. Они выкрикивали песню или название группы, и я должен был что-то придумать. Я сам себя удивил, потому что зашел в ментальную зону, где я мог сыграть все, если даже не знал материала, просто слышал ноту в голове и знал, где должны быть мои пальцы, просто играл и пел. Это был КАЙФ! Одна из самых больших радостей в моей жизни – это сидеть с друзьями и гитарой, петь и играть. А как ты думаешь, игра на инструменте может быть своего рода медитацией, диалогом с самим собой – сферой, лежащей за пределами повседневных реалий? Несомненно. Да, когда дела у меня идут паршиво, или я не могу сконцентрироваться, или теряю

стойкость, или еще что, тогда сажусь со своим басом или со своей гитарой и таким образом достаточно быстро возвращаюсь на эту планету. Это единственное, что я умею делать, моя единственная специализация. Я другими вещами тоже занимаюсь, я неплохой рыбак, некоторые вещи мне даются легко, но мое главное занятие – это игра на басе. Сажусь иногда и целиком погружаюсь в свой инструмент, получаю от него удовольствие. Не играю быстро, не играю ничего сложного, а просто играю и наслаждаюсь. Я часто говорю студентам, когда меня спрашивают про успех, как молодые музыканты могут его достичь, я говорю, что самый большой успех, которого я, по моему мнению, добился, это то, что по прошествии сорока лет я до сих просто обожаю играть. Я беру бас и отрываюсь. Я всем советую начать играть, всем – молодым, старым, начинающим, это не имеет значения. Просто начинайте играть. Мне кажется, что для людей это очень важно. Профессиональным музыкантам, конечно, трудно сохранить эту искру, не так ли? Трудно. Со всеми стрессами и волнениями о ... сам знаешь чем... Да, трудно. Поэтому я считаю, что мне повезло, что это как бы в меня встроено. Не знаю, как. Я этому очень рад. Если бы этого не было, я представить себе не могу, какой бы была моя жизнь. Есть у тебя в планах поиграть этот альбом вживую? Конкретных планов пока нет, но есть желание. Надеюсь, что этой осенью сможем это сделать. Сейчас я занят до самого лета. Затем, надеюсь, смогу получить Рэя, который сейчас тоже занят – играет с Korn. Если бы я мог получить его на месяц, то могли бы поиграть, это было бы здорово. Какие элементы, по-твоему, должны совпасть, чтобы получился хороший концерт? Ну, я люблю, чтобы это было задачей, требующей напряжения сил. Как слушатель я люблю такое напряжение, но в то же время хотелось бы, чтобы материал был мне немного знаком, чтобы эта дверь начала приоткрываться. А после этого чтобы стало сложно. И хочу увидеть то, чего я не вижу каждый день, не хочу в обязательном порядке быть слушателем на стереотипном концерте. Хочу, чтобы было напряжение, энергия. Как музыкант я все это тоже люблю делать, так что, возможно, поэтому я и такой фэн. Я был фэном до того, как стал исполнителем, и думаю, что это сформировало то, как я подхожу к игре. Я стараюсь делать те вещи, которые сам хочу увидеть, когда я в зрительном зале, то есть стараюсь не играть банально, стараюсь быть смелым, интересным, но не до такой степени, что все перестают что-то понимать, и стараюсь делать это с энергией. Даже если это что-то смешное или веселое, это должно быть энергичное веселье. На сцене должно быть настоящее взаимодействие между музыкантами, и ощущение, что музыка жива, другими словами – что с ней импровизируют, с ней рискуют, вместо того чтобы повторять то же самое шоу каждый раз, каждый день и играть одно и то же соло одинаково каждый вечер. Я этого избегаю как

GUITARS

ma g a zine

В конце концов, как бы я ни любил партии других инструментов, мне надо играть все это на басу, поэтому компромиссы неизбежны, ведь невозможно сыграть на басу некоторые ноты фортепьяно или виолончели, но все что возможно – надо играть. Я как-то выступа л в к лубе и в середине одной песни в своем соло вкрапил что-то из Баха или Шопена. После концерта люди подходили ко мне и спрашива ли, как я придума л такое удачное соло. А я не придумыва л ничего, я просто укра л его! Но на басу знакомые многим произведения зву чат совершенно иначе, и это именно то, к чему я стремлюсь. Я д у маю, Ж ако Пасториус бы л блестящим примером басиста, на иг ру которого ока за ли в ли яние саксофонные аран ж ировк и. Когда он примени л и х к басу, эти партии за зву ча ли совершенно иначе. Кстати, это то же самое, что и разу чить основные барабанные рису нк и, вк лючая все нюансы игры барабанщиков, понимать, какой рису нок за как им логичнее выстроить, чтобы чу вствовать м узыкантов, с которыми играешь. Все эти навык и превращают тебя из просто басиста в действительно интересного м узыканта. Главное – примен ять свои знани я на практике и строить басовые партии в соответствии с парти ями дру гих инстру ментов гру ппы. Р азвитие

Когда я только начина л, я любил перегрузить свой бас. Такие басисты, как Джек Брюс (Jack Bruce), Энди Фрэйзер (Andy Frasier) и Тим Богерт (Tim Bogert) облада ли агрессивным басовым звуком. Все эти парни были моими героями, возможно, Тим Богерт больше, чем оста льные, потому что к его зву чанию я прислушива лся особенно внимательно. Помню, как я сл у ша л «Dance To The Music» с небольшим перег ру женным соло на басу от Ларри Грэхема (Larr y Graham). В то врем я все х вата лись за голову, когда слыша ли такое, по и х словам, у родство: «О, Боже! Фузз на басу!» А я любил перегруженный звук, потому что предпочитаю агрессивный тон. Саунд Джона Веттона (John Wetton) также оказал на меня большое влияние, как и Дуг Пинник (Doug Pinnick), и Крис Скваер (Chris Squire), и Джон Ентвисл (John Entwistle)… Этот список бесконечен! Все дело в том, что в нача ле своей карьеры я игра л в трио и должен был обеспечивать плотное зву чание группы по низам, но так же я стремился к тому, чтобы зву чать

GUITARS

ma g a zi ne

круто и в верхнем регистре. Я отправлял сигна л с моего баса на два усилителя – один из них настраива л для более острого, «кричащего» тона, а второй зву ча л обычным басовым звуком, который и задава л основу для построения всего саунда группы. Я не большой специа лист в построении басового звука, если честно. Однаж ды я чита л статью Джона Пол Джонса (John Paul Jones), которого я считаю одним из главных непризнанных героев бас-гитары. И в этой статье он пишет, что д л я пол у чени я л у чшего зву ка на до ра зводить бас отдельными сиг на лами с ка ж дого звукоснимател я на отдельные уси лители. Представ л яете! Он как будто забра лся в мою голову. А потом я обнару ж и л, что и Д жон Ентвисл делает то же самое. Кстати, оригина льные басы A lembic были сконструированы подобным образом, чтобы иметь раздельные выходы с каж дого звукоснимателя, в том числе Rickenbacker со своей системой «Riсk-O-Sound» работа л по тому же принципу. Так что я дума л, что изобрел что-то, а оказа лось, что ку ча народу давно использует эту технологию. Тогда я разработа л свой собственный звукосниматель EB-0 и поместил его на свой пресижн-бас, направив сигна лы со звукоснимателей на разные усилители – с этого нача лось построение понастоящему моего собственного звука. S teve Vai

Я люблю работать со Стивом. В некотором отношении – если я отваж усь это произнести – есть очень много вещей, которые мы со Стивом делаем похоже. Мы одинаково подходим к изучению песен, сочинению м узык и, подготовке к концертам и многом у дру гом у. Это как две пара л лельные вселенные. Мы много подш у чиваем дру г на д дру гом из-за этого, потом у что очень похож и. Конечно, я не ставлю себя на один у ровень с Ваем, но у нас с ним к у ча одинаковых «рит уа лов» в м узыке и всем, что ее окру жает. И наши концерты – это что-то легкое и приятное для нас. У нас никогда не было каких-то напрягов в отношениях, всегда присутствова ло взаимопонимание. Стив из тех людей, с кем очень легко иметь дело и – самое главное – весело. На сцене мы фокусируемся на обмене энергетикой друг с другом и просто играем и наслаж даемся процессом. И все мое творчество со Стивом – это одна из лу чших вещей, которые я сдела л за свою жизнь, как в личном, так и в музыка льном плане.

только могу, я действительно хочу, чтобы это была свежая, живая вещь. Тогда музыканты на сцене будут чувствовать себя живыми, они будут удивляться, они будут обращать внимание на то, что ты делаешь, и это совершенно другое отношение, и слушатели это чувствуют. Я знаю, что я как фэн это чувствую. Как ты поддерживаешь свою технику в форме? Она до сих пор требует каждодневных занятий? Это тяжело. (Смеется.) Это мучительно, это уродливо и это причиняет боль. Но для того чтобы держать себя на определенном уровне... Некоторые вещи я могу сыграть в облегченном варианте в любое время, но для того чтобы играть вживую на сцене перед людьми, это требует тяжелого физического труда. Это странно, потому что если бы это делалось ногами, или нужно было бы для этого бить кулаком, все было бы по-другому, но ты делаешь это кончиками пальцев, так что вкладываешь всю свою силу в маленькие подушечки своих пальцев, и это совершенно другая физиология. И это трудно поддерживать в форме, по-настоящему трудно. Мне требуется проиграть неделю концертов, прежде чем я начну набирать скорость. С недавнего времени я стараюсь репетировать больше, так, чтобы ко времени первого концерта я был в хорошей форме, но я все равно никогда не буду играть настолько хорошо, насколько я буду к десятому или двенадцатому концерту. Просто требуется такое время, чтобы это произошло. Изменились ли задачи музыкантов с того времени, когда ты рос? Существует ли сейчас больше требований, стали ли они строже? Я сам сделал их такими. Я сделал свою жизнь трудной, выбрав то, что я выбрал. Поверь мне, эту боль я причиняю себе сам. (Смеется.) Я мог бы выбрать легкий путь,

Среди музыкантов, оказавших огромное влияние на Билли, числятся Тим Богерт, Джек Брюс, Пол Маккартни, Джон Энтуисл, Пол Самуэлл-Смит, Крис Сквайр

но мне так нравится, и это сформировало то, как я мыслю, как я подхожу к вещам, как я подхожу к бас-гитаре, все идет оттуда. Вся моя жизнь формируется тем, как я играю, и моим активным отношением к моей игре. Это влияет на каждый аспект моей жизни, в этом я уверен. Имеет ли виртуозность, музыкальная виртуозность прямое отношение к желанию контролировать? К стремлению не иметь границ для своего влияния, к стремлению иметь это чувство – «я могу все»? Ну, это так на физическом уровне. Но также иногда важно уйти от физического аспекта и от техники, позволить вдохновению течь через тебя свободно. Но это как раз то, что техника тебе позволяет делать наиболее полно, не так ли? Да, как только механические навыки для тебя перестают быть проблемой, ты можешь начать это делать. Думаю, что важно это преодолеть и начать потом с новой точки заново, чтобы не запинаться больше об это. Те, кто испытывает трудности в том, чтобы двигать пальцами, получат крупные проблемы, в то время как они ждут, чтобы на них снизошло вдохновение. Нужно избегать такой опасности. Но я также вижу многих, кто физически много работает, при этом не имея ни одной музыкальной мысли в голове. А это ошибка. Многие пишут мне по электронной почте о том, какая у них должна быть трехпальцевая техника, и в каком положении должен находиться их большой палец, а я им говорю: «Какие песни вы играете?» – «Никакие». (Смеется.) Так что я им говорю: «Вот тут-то и проблема». Одно подталкивает тебя к другому. Музыка, техника, еще музыка, пока на каком-то этапе это не становится искусством.

«В течение карьеры мы отыграли тысячи концертов во всяких мыслимых и немыслимых условиях. Я многому научился через сами выступления»

Когда Вай сыгра л соло на моем а льбоме, и я посла л ему готовый трек, Стив пришел в полный восторг от результата и был очень воодушевлен касательно всей записи. В то же время я иска л лейбл, чтобы выпустить свой диск, у меня еще не было контракта на руках, и я рассматрива л разные предложения. Поэтому предложение Вая о выпуске моего а льбома на его лейбле Favored Nations ста ло прекрасным продолжением нашего сотрудничества. Мы периодически обсуждали со Стивом, не стоит ли нам снова сделать что-то вместе с Дэвидом Ли Ротом, вспомнить былые деньки, и сходились во мнении, что «никогда не говори никогда». Что ж, однажды я отправился посмотреть концерт Дуга Пинника (Doug Pinnick), басиста King’s X, он как раз находился в нашем городе в рамках своего тура. После этого концерта мы с ним отправились в Rainbow Bar & Grill, Дэвид Ли Рот был там и сам подсел к нашему столику. Обычно это местечко закрывается в час ночи, ну максимум в два, а мы просидели там до 3:30 – пока не обсудили все на свете. Там же было решено, что нам с Дэвидом необходимо встретиться в понедельник и продолжить общение. Кстати, когда мы покидали бар, уже светало. Так вот, в понедельник мы встретились в офисе Ли Рота и оттуда обзвонили всех музыкантов, которые участвовали в классическом составе группы Дэвида в 80-х, чтобы понять, готовы ли они присоединиться к нашей безумной затее, и вообще – что у ребят происходит. Но, к сожа лению, объединение в к лассическом составе группы Дэвида Ли Рота не произошло, потому что Грег Биссонетт был занят своими проектами, да и Стив Вай был в летнем туре с G3. Таким образом, никто из нас не был свободен, кроме меня. Мы трепа лись со Стивом по телефону, обсу ж да ли возможный реюнион, я посетова л на то, что единственный из всего состава свободен, а Стив вдруг предложил мне присоединиться к G3, раз у ж мне нечего делать в ближайшее время. Я подума л, что это отличная мысль, и ста л собирать чемоданы. Примерно за месяц до разговора со Стивом я как раз дума л о том, чтобы организовать автобусный тур по США. Я, конечно, очень люблю, например, Японию и вообще выступать по всему миру, но в тот момент мне хотелось именно тура по США, чтобы обязательно путешествовать по ночам на автобусе, как я это дела л много лет. Сами понимаете, что когда Стив пригласил меня

в G3, первым, о чем я подума л, была фраза «мечты сбываются»! Г итара

Разумеется, я играю на гитаре и сочиняю песни на гитаре ровно столько, сколько я играю на басу. Я не позиционирую себя как гитариста, но я всегда могу сыграть на гитаре. Именно с нее я и начинал. Снача ла я игра л на гитаре моей сестры, у чил аккорды, пока не приобрел свой первый бас. Но я никогда не хотел стать гитаристом, в то время как бас был моей мечтой и в итоге ста л инструментом, с которым я состоялся как музыкант. Так что, да, сначала я играл на гитаре, это правда. Но я не планировал серьезно заниматься гитарой и играл на ней только, пока не было баса. Кстати, когда я игра л в кавер-группах, мы игра ли по нескольку концертов за ночь и иногда, чтобы как-то отвлечься от рутины и скуки, менялись инструментами. Тогда я игра л на гитаре, но это, конечно, не было моим основным занятием. На г итаре я иг раю медиатором – но я не работаю на д своей тех никой иг ры, просто брен ч у в свое удовольствие. Но ра зу меется я мог у сыг рать соло и запилить что-нибудь быст рое. Главный мой инструмент это все-таки бас и я могу сыграть на басу гораздо больше, чем на гитаре. Например, я не умею играть свиповые арпеджио на гитаре, а на басу – без проблем. Гитара это не основной инструмент для меня, но она мне необходима в работе, и я думаю, что со временем мой уровень игры станет выше. Просто гораздо лег че играть на гитаре и петь, чем играть на басу и петь. В былые дни, помню, если мне приходи лось играть как у юто слож н у ю партию на басу и одновременно петь, то я либо начина л играть на басу только тоник у, либо забыва л петь. Я ду маю, что играть мои басовые партии и петь даже слож нее, чем петь и одновременно барабанить. Как гитарист я предпочитаю 12-стру нные гитары, потом у что их зву к очень объемный, и мне это нравится. Возьми ак корд на 12-стру нной гитаре, и он прозву чит, как оркестр. Недавно Yamaha по моей просьбе сдела ли дл я мен я 12-стру нный баритон – это фантастическ и, целый оркестр у мен я в ру ках! На этом инстру менте я записа л все гитарные партии на моем а льбоме. Это как один из вариантов мексиканского bajo sexto, только настроенный в ни ж нем Си. Я испытываю огромный кайф от игры на нем.

GUITARS

ma g a zine

С тех пор я выслеживаю все 12-струнные баритоны, которые попадаются на моем пути. Например, мастеровые гитары Joe Veillette, а на днях я купил 12-струнный полуакустический баритон от Rick Turner. Отличные 6-струнные акустические баритоны делает A lvarez-Yairi, я, кстати, использова л один на записи. Кроме того, я часто использую 6-струнный баритон от Yamaha. С тех пор как мой голос ста л низким, я использую баритоны. И 12-струнный баритон вдохновляет меня на написание новой музыки. Многие, кто читают это интервью, по себе знают, что новый инструмент вдохновляет на написание чего-то нового. И это очень круто. А в том, что касается покорения творческих горизонтов, приобретение новых, доселе не использованных инструментов является прекрасным подспорьем. И 12-струнный электрический баритон ста л таким инструментом для меня. И грат ь и пет ь

У меня большой опыт живых выступлений, когда приходилось одновременно петь и играть. Я говорил с Гедди Ли (Geddy Lee) об этом, и он сказа л мне, что ему пришлось бы потратить время на то, чтобы въехать, как одновременно петь и играть. Причем многие из нас не задумываются об этом, когда записывают песни в студии, но когда надо выйти на сцену и спеть и сыграть свои произведения живьем, приходится придумывать, как демонстрировать свое творчество. Поэтому это тоже простор для фантазии, придумать какие-то фишки, которые можно спокойно использовать при живом исполнении. После многих лет выступлений я нау чился адаптировать песни для живого исполнения, сегодня я могу адаптировать таким образом что угодно и это будет не в ущерб зву чанию. С тудия

Для гитар я использова л процессор Line 6 POD и микрофонный преамп Avalon 737 FP. С тех пор как я ста л использовать свою домашнюю студию на всю катушку, я слежу за новыми технологиями, которые по-

зволяют заменить ку чу старых приборов. Для баса я использую преампы Ampeg или Avalon, или заменяю все это процессором Line 6 POD Bass. Я иска л звуки, которые будут зву чать реа льно круто. Я люблю использовать хорошее оборудование, но все мы живем в реа льном мире, логистика и финансы вносят изменения в наши планы. Поэтому я был счастлив открыть для себя мир цифрового моделирования, я уверен, что за ним будущее, поскольку ма ленькие студии плодятся, как на дрож жах. Многие, кто слышат мою пластинку, уверены, что при записи я заперся в комнате, под завязку забитой Marshall и SVT, но они ошибаются. На самом деле использовались только преампы Ampeg и Avalon, а также гитарный и басовый процессоры POD. Единственное, что Avalon, пожалуй, звучит чаще других, т.к. этот девайс я считаю одним из лучших в своей области, он звучит неправдоподобно хорошо. И такое качество звука просто захватывает, я уже не смогу обходиться без него при следующих записях. З анятия

Я стараюсь играть около часа в день, называю это «час боли» – никакой музыки, только работа. Я работаю над тем, что у меня плохо полу чается. Например, если играю на нижней Е, то мое звукоизвлечение не такое аккуратное, как при игре на других струнах, и вот я сажусь и играю только на Е, примерно около часа, пока не почувствую какой-то прогресс. Естественно, я занимаюсь только под метроном и стараюсь не вылетать из темпа. Это больно, ск у чно и не зву чит м узыка льно, но это – то, что вам ж изненно необходимо, чтобы под держ ивать ру к и в форме, чтобы, когда вы будете иг рать м узык у, вы не за д у мыва лись о тех нике исполнени я и могли сосредоточиться на творчестве. Есть старое изречение на эт у тем у: «Когда вы д у маете, вы вон яете!» Я стараюсь так же заниматься и на гитаре, и свои вока льные упражнения я выполняю с гитарой в руках, таким образом я поддерживаю и голос и свое гитарное мастерство в форме.

«Я дал тысячи интервью, и только одно интервью в Интернете было задумано как комедия на тему девушек, анального секса и прочих вещей...» Не наблюдаем ли мы, как люди попадают в такую ловушку со своей техникой, создавая глянцевую, «зализанную» музыку, когда на самом деле необходим баланс между этим и способностью к взаимодействию с окружающими людьми? Абсолютно верно. Когда ты не взаимодействуешь с людьми, когда нет коммуникации, все это ничего не стоит. Парни, сидящие в своих комнатах, гоняющие гаммы, ни к чему не придут. Ты должен выйти на сцену и передать людям то, что хочешь им сказать. Музыка – это живое искусство и она живет среди людей. У меня последний вопрос. Он немного глупый, но, надеюсь, ты не против. Ха-ха, совсем не против! Хорошо. Если бы тебе дали ответ на любой вопрос во Вселенной, что бы ты спросил? М-м-м... Это прекрасный вопрос, дай-ка я подумаю. М-м-м... Думаю, что я бы спросил, что на самом деле... (Пауза.) Или лучше я вот что спрошу. Правда ли, что это лицо на Марсе – скульптура, или это естественное каменное образование? (Смеюсь.) А ты как думаешь, что это? Я думаю, что это скульптура. Да. Интересно! Ха-ха! Но, думаю, этого не узнать, пока не рассмотришь вблизи. Точно. Ну, спасибо большое за то, что нашел время и за прекрасное интервью! Всегда рад. И спасибо тебе.

GUITARS

ma g a zi ne

GUITARS

ma g a zine

Японский концерн Yamaha производит гитары более 40 лет и как минимум половину этого срока Yamaha выпускает бас-гитары, снискавшие славу у многих музыкантов по всему миру. Почетное место среди ямаховских басов занимают инструменты серии ВВ. Достаточно посмотреть, кто играет на этих гитарах – Натан Ист (Nathan East), Тони Канал (Tony Kanal), Майкл Энтони (Michael Anthony), Ли Склар (Lee Sklar), Билли Шин (Billy Sheehan) и многие другие

БАСЫ Y a m a h a

ерийное производство Yamaha BB началось с моделей BB1200, BB2000, и BB3000 в начале 80-х. Все три модели пользовались спросом у музыкантов благодаря своему выдающемуся удобству при игре, качеству сборки и главное – звуку. Однако в условиях жесткой мировой конкуренции бывшие экзотическими для того времени особенности строения ВВ (сквозной гриф, корпус из красного дерева и клена), а также относительная неизвестность на американском рынке поставили крест на массовом распространении этих басов. В 1990-е годы Yamaha представила серию «зализанных» ВВ с округлыми очертаниями – подписная модель Nathan East. Тогда же вся линейка басов ВВ была немного доработана в сторону современного (на тот период) дизайна. Однако басисты по всему миру требовали от Yamaha возвращения к классическим формам. Поэтому в течение 90-х подразделением custom shop Yamaha в Калифорнии разрабатывались инструменты на основе басов ВВ с учетом личных предпочтений музыкантов. Однако все эти инструменты были верны своим классическим формам. Например, так на свет появились бас-гитары для Michael Anthony из Van Halen и Tony Kanal из No Doubt.

GUITARS

ma g a zi ne

а т а к у е т

К счастью, со временем руководство Yamaha прислушалось к чаяниям простых музыкантов и вернулось к классическим формам BB. На сегодняшний день басы Yamaha BB представлены несколькими сериями: гитары с пассивными звукоснимателями 400-й серии, с активными датчиками – 600-й серии, именной инструмент Билли Шина BB 714, а также модель самого высокого ценового диапазона – именная гитара Натана Иста BBNE2. В нашем сегодняшнем обзоре мы рассмотрим инструменты серии ВВ, наиболее часто встречающиеся в отечественных магазинах. Наиболее опытные басисты легко разделят весь мир качественных бас-гитар на две категории. К первой они отнесут инструменты, обладающие внушительной историей и культовым статусом среди профессионалов. Многие годы компаниипроизводители выпускают различные реплики таких басов, то привнося что-то новое в ставшие классическими модели, то копируя старые гитары вплоть до каждой царапинки инструмента какого-нибудь рок-монстра. Что и говорить – это бас-гитары, ставшие классикой. Ко второй категории можно смело отнести инструменты менее именитых брендов, но которые звучат и выглядят настолько хорошо, что многие профессионалы считают такие гитары своим секретным оружием.

Так или иначе, басы Yamaha BB колеблются между этих двух категорий. Впервые выпущенные в Японии в 70-х, ВВ сразу покорили как активно выступающих музыкантов, так и завсегдатаев студий, поскольку это были отлично звучащие гитары, выполненные в традиционном дизайне на самом высоком уровне качества. Со временем басы серии ВВ претерпели ряд изменений, обогатившись новшествами, привнесенными их непосредственными пользователями – так, например, появились подписные инструменты Nathan East и Michael Anthony, которые отличались от серийных инструментов толщиной корпуса, профилем или креплением грифа, или конфигурацией звукоснимателей. Но в последние годы Yamaha возвращается к своим традициям в басостроении, запустив линейки басов с грифом на болтах ВВ 400й серии (с пассивными датчиками) и 600-й серии (с активными датчиками). При этом производство обеих серий было размещено в Индонезии, что позволило существенно снизить цену на инструменты по сравнению с предыдущими годами, сохранив заявленный уровень качества. Разумеется, готовясь к знакомству с басами ВВ, мы не ждали от них чудес, тем больше было наше удивление. Но обо всем по порядку.

BB 414/415

В нашем распоряжении было две гитары для тестирования: 4-струнные модели с пассивными и активными звукоснимателями – ВВ 414 (оранжевый металлик) и ВВ 614 (пепельный). Обе выглядели весьма неплохо: хромовая фурнитура, отличная лакировка, заметные и стильные маркеры на накладке грифа – у этих басов есть все, чтобы приковать к себе ваше внимание. Звукосниматели – сплит-синглы, расположенные в стиле пресижн, а также рельсовый сингл у бриджа – с первого взгляда на инструмент дают понять, что спектр звучания баса может существенно меняться в зависимости от выбранного датчика и настроек потенциометров от резкого и современного до гулкого, мягкого баса, который так любят фанаты музыки 70-х. Ставшая сегодня уже классической форма корпуса с вырезами под руку и живот, а также асимметричные рога выглядят ровно настолько круто, насколько это нужно, без лишнего пафоса, присущего многим инструментам, которые стремятся быть современными с помощью экстравагантного внешнего вида. Помимо внешнего вида, такой корпус оправдывает себя и тем, что басы ВВ сбалансированы по весу почти идеально – повесив такую гитару на ремень, вам не придется напрягать левую руку, чтобы удержать гриф в нужном положении, гитара висит именно так, как хочется музыканту. Однако при резких движениях голова грифа чуть-чуть перевешивает. Не скажем, что это криминал, просто данность, с которой достаточно легко смириться, привыкнув, поскольку больших проблем минимальный перевес не вызывает. Что же касается профиля грифа, то он выполнен в фендеровском стиле и весьма удобен для игры, несмотря на сравнительную узость накладки (относительно современных моделей Ibanez, например). Что касается стыковки грифа с корпусом, то пятка на корпусе слегка скошена, чтобы обеспечить удобный доступ к высоким нотам. Конечно, басисты не часто ими пользуются, но такая забота производителя о возможных потребностях музыкантов не может не радовать. Лады вбиты в палисандровую на-

кладку очень аккуратно, даже на самых бюджетных инструментах не удалось обнаружить ни одного артефакта, который мог бы помешать комфортной игре – они достаточно высоки и обеспечивают комфортное управление струной. Сам же гриф крепится к корпусу на 4 болтах, при этом стыки между деревом подогнаны очень плотно, что на недорогих инструментах также встретишь не часто. Безусловно, плотная посадка грифа в корпус очень положительно сказывается на звуке, добавляя звучанию инструмента сустейна и глубины. Политикой компании Yamaha нового тысячелетия стал подъем уровня качества производимых

инструментов. В бюджетных сериях гитар это было воплощено в первую очередь за счет повышения качества электроники. Yamaha традиционно использует на своих гитарах бюджетного ценового диапазона датчики собственного производства, что, судя по результату, оправдывает себя на все сто процентов. На Yamaha BB 400-й серии стоят пассивные звукосниматели: один датчик с одинарной катушкой (Soapbar Single Coil) в бридже и один с разделенной двойной катушкой (Split Single Coil) – в неке. Оба звукоснимателя по умолчанию находятся на одном уровне от струн, обеспечивая таким образом сбаланси-

GUITARS

ma g a zine

рованный звук при переключении между звукоснимателями. Но ничто не мешает пользователям изменять высоту датчика относительно струн, «перекашивая» баланс звука в ту или иную сторону для решения различных творческих задач. Звучит ВВ 414 очень повзрослому, но в то же время без какой-то наглости в звуке, саунд плотный и толстый, с хорошей атакой. Этот звук определенно не станет мешать остальным музыкантам группы, в то же время он будет отлично сливаться с бас-бочкой и читаться в миксе. В определенной степени неожиданные качества для недорогой гитары. Наличие ручки тембра также позволяет работать с окрасом вашего звука, обогащая или сокращая обертона инструмента по своему вкусу. Ту же задачу – увеличение количества возможных оттенков звучания – выполняет и 3-позиционный тумблер переключения между датчиками. При игре слэпом бриджевый датчик выдает достаточно резкий тон, который порадует всех любителей сыграть соло – гитару станет слышно при любом аккомпанементе. На нековом датчике звук слэпа получается очень объемный, в духе классических басов 70-х. А при использовании сразу обоих звукоснимателей ваше звучание снесет не одну стену – это самый настоящий современный саунд! Особенно удивительно внешнее восприятие инструмента с абсолютно классическим дизайном и таким контрастным к внешнему виду современным звуком. Вообще ВВ 414 прекрасно заточен под игру пальцами, инструмент очень отзывчив к смене силы атаки, что грамотному музыканту позволит варьировать свое звучание с помощью звукоизвлечения. Все ноты прекрасно читаются даже при исполнении партий в экстремальных темпах. Проще говоря, управление музыкой с ВВ 414 полностью в ваших руках. BB 415 отличается от своего собрата по серии количеством струн. Колок пятой струны вынесен на противоположную сторону головы грифа относительно других колков – к счастью, на балансе гитары при игре стоя это никак не сказывается. Кроме того, седло бриджа для пятой струны вынесено чуть дальше остальных – для увеличения мензуры для пониженного строя.

GUITARS

ma g a zi ne

Звук на 5-й струне достаточно четкий, однако не без легкого гула, как в нековой, так и в бриджевой позиции. Конечно, в бридже он жестче, но все-таки не стоит забывать о том, что мы говорим о гитаре с пассивными звукоснимателями, и пониженные партии не всегда выигрышно звучат на подобных гитарах (имеется в виду, в том числе, и ценовой диапазон инструмента). Тем не менее ВВ 415 вполне подходит для решения многих задач бас-гитариста. Гитары, которые удалось посмотреть воочию, были отличного качества, с аккуратными ладами, прекрасным покрытием – в общем, придраться не к чему.

ВВ 614/615

Мы поговорили о Yamaha BB series с пассивными звукоснимателями, но сегодня все больше музыкантов отдают предпочтение инструментам с активной электроникой. Бас-гитары с активными датчиками звучат ровнее, менее прихотливы к звукоизвлечению, что очень удобно на гастролях, в каком бы состоянии ни находился музыкант (а о трудностях и радостях гастрольной жизни многие знают не понаслышке). Конечно, выбор инструмента с пассивными или активными датчиками всегда остается за музыкантом. Задача же Yamaha – предоставлять в распоряжение профессионалов и любителей музыки полный спектр инструментов, и японские специалисты с этой задачей справляются. Серия BB включает в себя инструменты и с активными датчиками – Yamaha BB 614 (4-струнная модель) и Yamaha BB 615 (5-струнная модель). Yamaha предлагает на выбор пять цветовых решений для BB 600-й серии: черный металлик, пепельный, натуральный, красный и санберст. Материал используется тот же, что и на пассивных инструментах: корпус – ольха, гриф – клен с палисандровой накладкой, крепления грифа к корпусу – болты; бридж – винтаж-стайл с отдельными седлами под каждую струну. Звукосниматели – один сплитсингл в нековой позиции и рельсовый сингл в бридже. Из новшеств относительно 400-й серии можно выделить возможности регулировки звука инструмента. Для этого у вас в распоряжении 5

потенциометров: мастер-громкость, баланс между датчиками и 3-полосный эквалайзер. Сравнивая ВВ 414 и ВВ 614, мы пришли к выводу, что звук у этих инструментов достаточно близок между собой, однако активный бас звучит немного глуше (при установках эквалайзера «в ноль»). С другой стороны, возможно, это кому-то понравится даже больше, потому что как раз эквалайзер позволит настраивать звук по своему вкусу, так что, оперируя частотным диапазоном своего инструмента, вы сможете звучать именно так, как нужно для вашего стиля музыки: добавляя низов, выпячивая середину или верх, можно как подчеркнуть атаку, так и придать необходимую глубину звуку. Таким образом, сравнивая пассивный и активный инструменты, мы не пришли к однозначному выводу, что звучит лучше или хуже – представители обеих серий Yamaha BB звучат по-разному. Уверены, что и тот и другой звук прекрасно найдут свое место как при сольном исполнении, так и при игре в группе. Так что – кому что больше нравится.

BB 714

Как было сказано ранее, более чем 20 лет Yamaha производит басы серии ВВ, на них играли такие великие мастера басового цеха, как Nathan East, Tony Kanal, Michael Anthony и другие, при этом каждый из указанных музыкантов привносил что-то свое в инструмент. Снова и снова дизайнеры и инженеры Yamaha совершенствовали бас-гитары, желая угодить именитым артистам, создавая гитары, отвечающие самым актуальным требованиям профессионалов. В дальнейшем эти изменения ставились на поток и становились частью истории инструмента, дополняя и обогащая возможности BB-басов. А уж когда крупнейший в мире производитель музыкальных инструментов объединяет свои усилия с самым горячим рок-басистом на планете, стоит ожидать чегото безбашенного и удивительного. Новинка Yamaha – самая последняя разработка компании в области бас-гитар BB 714BS Billy Sheehan signature model – как раз результат такого сотрудничества.

Мало кто в мире сомневается, что обладатель послужного списка, включающего участие в таких группах и работу с такими музыкантами, как Mr Big, David Lee Roth, Steve Vai и проект G3, обладатель пяти премий «Лучший рок басист» от журнала Guitar Player, человек, вошедший в «Зал Славы Рока» наряду с Eddie Van Halen и Jimi Hendrix, Billy Sheehan является действительно уникальным басистом, истинным королем своего дела. Билли как музыкант, обладающий безукоризненной техникой и уникальным звуком, предъявляет самые высокие требования к своим инструментам. При этом не стоит забывать, что его именные модели Yamaha Attitude (также придуманные Шином вместе с ямаховскими мастерами) достаточно экстремальны: это и скалопированные лады, стереовыходы и уникальный гриф, разработанный специально для удобства музыканта при игре в самых различных стилях. Не удивительно, что Yamaha Attitude пользуется большим спросом среди басистов всего мира, однако поскольку эта модель требует очень тщательной проработки при создании, кропотливого ручного труда, количество производимых Yamaha инструментов имени Билли Шина ограничено, а само производство занимает достаточно много времени. Да и, чего скрывать, цена на эти бас-гитары не самая низкая. В связи с этим, дабы удовлетворить спрос фанатов Billy Sheehan, специалисты Yamaha задумались над созданием вместе со знаменитым музыкантом новой серии басов, которая позволила бы расширить ассортимент именных гитар Билли. Желая сделать уникальный и в то же время подходящий для использования в различных музыкальных направлениях басовый звук, который достигается на гитарах Attitude с помощью расположенного около грифа хитрого звукоснимателя, называемого «custom wound woofer», доступным для всех бас-гитаристов, в том числе и тех, кому не по карману дорогая модель именного баса Шина, Билли и Yamaha работали вместе над созданием нового инструмента, который включал бы в себя основные спецификации Attitude, но при этом не перечеркивал бы лич-

ный звук каждого басиста. Результатом такой работы стала модель 2008 года BB 714 BS. Разработанная Billy и подразделением Yamaha custom shop, расположенным в Калифорнии, новая модель основывается на басах серии ВВ, на которых Шин играл в 1983 году, когда только-только начинал свое сотрудничество с японским производителем музыкальных инструментов. Добавив датчик «custom wound woofer» на серийную модель к уже имеющимся звукоснимателям синглам, изменив место положения потенциометров, сдвинув цельнокорпусный медный бридж к краю деки гитары, мастерам удалось заставить звучать BB 714 BS, как личный Attitude Bass Билли. Для дополнения картины новинка BB исполнена в том же цвете, что предпочитает сам Шин на своих последних инструментах – это либо черный, либо красный (Lava Red). Как же звучит эта штуковина, спросите вы. А ответ на самом деле совсем не удивляет, так как он предельно прост, ведь все мы знаем звук Билли Шина, да и звук басов BB ни для кого не секрет. Представьте себе, что играя на обычных синглах на BB 714 BS, вы получаете отличный бас с в меру колким, жирным и мощным звуком, отлично читающимся в миксе любой сложности от современного рока до классических джазовых произведений. Но стоит вам подключить к работе нековый датчик «custom wound woofer», как вы уверенно входите на территорию Билли: огромный звук баса вокруг вас, с упругим и абсолютно управляемым низом, который способен задрайвить любой усилитель, если вам это нужно, по одному велению ваших пальцев. Собственно при разработке этой гитары создатели исходили из дизайна классических басов 1960-х годов с большим нековым хамбакером. Большой звукосниматель в неке – это жирный, если так уместно сравнить, темный звук с сочным сконцентрированным низом, который легко управляется с помощью вашего звукоизвлечения. Кроме того, с помощью ручек регулировки тона вы сможете обрезать высокие частоты, получая такую плотную стену баса, что будете чувствовать себя уютно в любой ритм-секции. Например, в новом проекте Steve Vai…

GUITARS

ma g a zine

Одно можно сказать точно: BB 714 BS – это не обычный бас. Кротость и определенная консервативность внешнего вида сочетаются с пламенным сердцем внутри инструмента. Причем это не просто еще одна именная модель знаменитого басиста, предлагающая вам скопированный звук маэстро, нет, это лошадка на все случаи жизни, которая поможет вам создать свой собственный узнаваемый саунд. Безусловно, все поклонники Билли будут довольны заполучить в свой арсенал звучание мастера, но и другие басисты не будут разочарованы, включив BB 714 BS в усилитель – на нем можно играть все: от фанка, блюза и джаза до самого термоядерного рока. К слову сказать, James LoMenzo, известный басовый виртуоз от heavy metal, работающий сейчас в Megadeath (думаю, нет смысла говорить, что это за группа?), также использует для концертов и записей новый Yamaha BB бас. Большая редкость в наши дни, когда один инструмент сочетает в себе идеальный баланс между современным звуком и винтажным внешним видом, но BB 714 BS это удается. BB 714 BS – это то, что все мы ожидали от BB-bas: цельный корпус из ольхи, удобный кленовый гриф с палисандровой накладкой, надежная фурнитура, а также пара вещей, о которых мало кто догадывался до премьеры инструмента (как вы понимаете, речь идет о звукоснимателях и возможности работы со звучанием благодаря потенциометрам).

Пожалуй, сейчас к вышесказанному нечего добавить за исключением того, что уж если Billy Sheehan поставил свое имя на этом инструменте, это в любом случае стоящая бас-гитара. В конце концов, Билли немного разбирается в басах. Yamaha никогда не испытывала отсутствия внимания со стороны бас-гитаристов, и такие люди как упомянутый выше Билли Шин или Джон Патитуччи подтвердят эти слова в любой момент. В то же время сегодняшний рынок бас-гитар настолько широк, что удивить кого-либо сегодня уже нечем, однако обновленной серии Yamaha BB это удалось – своей экономичностью. Серийные ин-

Через 40 лет успешной работы на ниве гитаростроения Yamaha возвращаются к классическим формам басов серии ВВ, с которой и начинался славный путь. Два десятка лет компания производит басы, которые пришлись по душе даже самым требовательным суперпрофессионалам – выдающимся музыкантам современности. Мощный звук с мягкой атакой, эргономичность, надежность, узнаваемый дизайн – линейка ВВ просто обречена на успех

GUITARS

ma g a zi ne

струменты Yamaha BB в своем ценовом диапазоне звучат на уровне инструментов, которые мы привыкли покупать за гораздо большие деньги. Все испробованные нами Yamaha BB проявили себя с лучшей стороны – это отличные рабочие лошадки за небольшие деньги. Если вы собрались двигаться в направлении совершенствования живого грува и плотного низа с мощной атакой, то с Yamaha BB вы точно не пойдете по неправильному пути.

GUITARS

ma g a zine

В компании Yamaha верят, что музыка преодолевает время и границы, что разделяют людей

а сегодняшний день можно выделить две тенденции развития гитарной индустрии: одни компании идут по пути создания новинок, гитар 21-го века, активно внедряя в свои инструменты современные технологии, будь то встроенные тюнеры, самонастраивающиеся колки и так далее, а другие – наоборот, найдя золотую жилу, выжимают из нее все до последней капли, руководствуясь принципами «все новое это хорошо забытое старое» и «нет ничего лучше классики». Yamaha пошли по пути совмещения этих направлений развития, выпустив в 2007 году гитары, основанные на хорошо зарекомендовавшей себя серии RGX, но усовершенствованные системой Alternative Internal Resonance (A.I.R.). Новая линейка получила индекс А2 к своему названию и позиционируется Yamaha как ультра-легкие гитары с мощным звуком и современным дизайном. Главным достоинством гитар семейства А2 является их вес. Точнее сказать, его отсутствие, поскольку новинки от Yamaha весят необычайно мало. Безусловно, многие из нас – рабы стереотипов – считают, что, чем тяжелее гитара, тем плотнее и мощнее звук, однако, как я убедился, не всегда это так. Благодаря собственной разработке – системе Alternative Internal Resonance – Yamaha добивается плотного звучания своих инструментов при их минимальном весе. Что же это за зверь такой – A.I.R. system? Корпус гитары состоит из 3 слоев. «Сэндвич» складывается из тонкого топа из плотного дерева, самого корпуса из легкого дерева и задней стенки гитары опять из плотного дерева. Какие материалы используются для создания корпуса, Yamaha умалчивает. Оставим это на их совести, ведь нам важен прежде всего результат – звучание гитары и удобство при игре. Средняя часть «сэндвича» – дерево с низкой плотностью – хорошо резонирует, придавая звуку объем.

GUITARS

ma g a zi ne

Yamaha пытаются сохранить свой идеальный настрой на набор общепринятых ценностей Верхние слои – плотное дерево – дают звуку необходимую (простите за каламбур) плотность. Конструкция бриджа также играет немаловажную роль в концепции A.I.R. от Yamaha. Литой бридж выполнен в минималистичном ключе и оснащен двумя резонаторными отверстиями, которые передают вибрацию струн во внутренние слои корпуса, усиливая, таким образом, громкость. Струны также пропущены через корпус для дополнительной передачи колебаний. Благодаря многократно усиленным звуковым волнам, снимаемым датчиками инструмента, гитары A2 звучат очень «жирно». Таким образом Yamaha, применив собственную разработку, добивается плотного звука инструмента при минимальном его весе. Однако на этом японские специалисты не остановились: похоже, что дизайн гитар A2 – результат работы художника аниме, вдохновленно-

История Yamaha началась более ста лет назад, когда молодой предприниматель Torakusu Yamaha решил создать высококачественный язычковый орган. С тех пор основанная им компания не только выпустила первое в Японии пианино, но также получила признание за границей

C годами Yamaha стала одним из самых уважаемых производителей музыкальных инструментов в мире. И по мере своего становления компания извлекала выгоду из уникального наследия ремесленников и технологического ноу-хау для того, чтобы правильно вкладывать капитал го формами приборов от компании Apple. Мне не доводилось встречать подобные гитары – воистину формы 21-го века. Не сомневаюсь, что внешний вид гитар Yamaha A2 будет первым, что привлечет ваше внимание на гитарном стенде в магазине – настолько они непривычно выглядят. Хотя, казалось бы, стандартные «стратоподобные» формы корпуса сложно доработать так, чтобы они могли кого-то удивить. Но А2 это удалось. RGX A2 имеют классическую двурогую форму, проверенную временем, хорошо смотрящуюся на сцене и удобную при игре. При этом корпуса гитар сужаются к своим краям – нечто подобное мы видим на гитарах Ibanez модели JS, а также на Jackson SLSMG – и к тому же имеют окантовку. Такое сужение обеспечивает комфорт при игре, а кроме того смотрится современно. Для своих новых электрогитар Yamaha предлагает две расцветки:

черная (Jet Black) и серая (White & Aircraft Gray). Jet Black: и корпус, и голова грифа, и сам гриф выкрашены в черный цвет. Только 2 перпендикулярные линии на корпусе цвета «серебристый металлик»: горизонтальная – от края гитары к потенциометрам, вертикальная – сверху от края гитары к бриджевому звукоснимателю. White & Aircraft Gray: топ гитары белого цвета, сзади корпус и гриф серого цвета, окантовка грифа также серая, голова грифа белая с серым пополам и плюс традиционные для А2 полосы на корпусе – честно говоря, iPhone-style в лучшем виде. Глянцевое покрытие в сочетании с полосками цвета «серебристый металлик» выглядит очень привлекательно, придавая инструментам сходство с тюнингованным автомобилем. Палисандровая накладка грифа прекрасно сочетается с расцветкой

корпуса, маркеров на накладке нет, что придает инструменту определенный шарм. Для удобства ориентации по ладам во время игры маркеры сохранены на торце грифа, куда в основном и смотрят гитаристы. На RGX A2 установлены по 2 звукоснимателя, крышки обоих в цвет корпуса, либо черные, либо серые. Около некового датчика сверху от грифа на корпусе указана модель инструмента. Там же в районе некового датчика на окончании грифа пластмассовой плашкой скрыт анкерный стержень. Полагаю, что подобное решение о доступе к анкеру со стороны корпуса было принято в угоду сохранению внешнего вида гитары, чтобы оставить голову грифа в неприкосновенности. Однако вряд ли гитаристы найдут это удобным. Несомненно, одна из самых привлекательных особенностей, которая сразу же бросается в глаза – это светодиодные кольца синего и

GUITARS

ma g a zine

количество студентов в музыкальных школах Yamaha приближается к миллиону красного цвета, подсвечивающие потенциометры. По мере поворота регулятора диоды гаснут или становятся ярче – этим их функциональность ограничивается. Надо сказать, что выглядит это весьма стильно и эффектно. Впрочем, отсутствие подсветки регулятора тона немного омрачает картину. Регуляторы с подсветкой могут натолкнуть вас на мысль, что гитары имеют активную электронику, однако это не так. А2 – полностью пассивный инструмент. Батарейка предусмотрена только для питания светодиодов. Еще одной особенностью RGX A2 является особенный дизайн колков – ручки, за которые крутишь, когда натягиваешь струну, цилиндрические. Изначально я думал, что подобное новшество будет очень неудобно, ведь рука может проскальзывать по округлой поверхности. Однако когда я опробовал такой инструмент на концерте, все вопросы отпали – в зале было очень жарко, я был практически мокрый, но подстроить гитару не составляло никакого труда. Гриф сделан из клена, 22 лада, палисандровая накладка без маркеров – тут за исключением отсутствия маркеров все стандартно. Профиль грифа достаточно тонок и комфортен, чтобы «шредить» на этой гитаре в свое удовольствие, по тонкости гриф можно сравнить с инструментами Ibanez. Единственное, что оставило двойственное впечатление от грифа RGX A2, это покрытие – лак на тыльной стороне грифа такой же, как на всем корпусе, и мне это доставило некоторое неудобство при игре, поскольку поверхность быстро «залапалась» и рука скользила не так быстро, как я привык, однако, думаю, это дело привычки. На RGX A2 установлены 2 пассивных хамбакера Yamaha Alnico Р-100. Эти датчики были специально разработаны японскими инженерами с учетом характеристик корпуса по технологии A.I.R. Они особо чувствительны к внутренним колебаниям корпуса инструмента, что также является частью системы Alternative Internal Resonance. Также в вашем распоряжении 2 потенциометра, один из которых переключает звук между датчиками, а второй регулирует громкость. Несмотря на то что потенциометр

GUITARS

ma g a zi ne

переключения звукоснимателей обладает светоиндикатором, когда вы переключаете звук, меняется и подсветка ручки, – мне показалось такое решение не самым удобным, поскольку ручка потенциометра идет достаточно туго и быстро переключиться с бриджевого хамбакера на нековый и обратно не получается. Возможно, дело привычки, но на мой вкус тут налицо ущерб удобству игры в пользу красоты внешнего вида инструмента. Возможно, в следующем году Yamaha доработают этот элемент, подведя удобство своих RGX A2 еще ближе к идеалу. Теперь самое интересное, как же звучит это легковесное чудо? Я, прямо скажу, не знал, чего ожидать от новинки, поскольку сам привык играть на тяжелых гитарах, а тут – вес инструмента доверия не вызывает и об основательной заявке на профессиональный звук не говорит. Тем не менее я был очень приятно удивлен. На чистом звуке оба датчика, несмотря на то что хамбакеры, звучат очень прозрачно и звонко. Проверку фанковым чесом RGX A2 выдержал, точно передавая все нюансы звукоизвлечения. Бриджевый звукосниматель выдает очень читаемый, достаточно звонкий тон, который хорошо звучит в контексте группы, не теряется, но и не вылезает из общего микса. Звук на нековом датчике более мягкий – именно то, что многие так любят для игры соло – певучесть и округлость. На перегрузе гитара звучит так же уверенно и без лишних низов (не бубнит), однако злости, на мой вкус, ей не хватает. Тем не менее риффы выходят просто великолепно, что удивительно для такого скромного легкого инструмента. Сустейн также порадовал. Я опасался, что таинственное легкое дерево внутри корпуса не будет достаточно хорошо резонировать, и рад был ошибиться в этом. Ноты прекрасно управляются и звучат столько, сколько нужно. Я использовал для теста стэк Marshall JCM 2000, раскачанный на полную катушку, и грелку Ibanez Tube Screamer – гитара пела, причем даже обратная связь была превосходно управляемой. Так что уверенно можно сказать, что RGX A2 отлично подходит для исполнения легкой музыки, всех видов хард-рока и неэкстремального металла. Но если нужно

традиционная культура производства и новые технологии дают превосходный результат исполнить что-то агрессивнее, ярости у инструмента уже не хватает. Что ж, не все коту масленица! Мир музыкальной индустрии с завидной регулярностью потрясает нас новинками с применением эксклюзивных инновационных технологий. Однако инструменты, «бесподобно звучащие» на бумаге, не всегда хороши в жизни. В случае с RGX А2 все лестные слова совпадают с действительностью. Вас поразит богатство звука и обилие сустейна, а также отсутствие тяжести, которую обычно ассоциируют с вышеупомянутыми качествами. Я был приятно удивлен характеристиками RGX A2, довольно странно брать в руки этот легкий как перышко инструмент и слышать мощный и «мясной» звук. Да, совсем забыл сказать, вам же любопытно, сколько RGX A2 весит? 2,5 кг!

Сегодня Yamaha являе тся лидером во многих областях, начина я от музыка льных инс трументов и аудио/видео продукции до предме тов интерьера, автомобильных компонентов, специа лизированных ме та ллов, музыка льного образования и устройств д ля отдыха

Корпоративная цель Yamaha - продолжать создавать «Kando» и обогащать культуру технологией и страстью, порожденной звуком и музыкой, вместе с людьми по всему миру. «Kando» – это японское слово, которое обозначает воодушевленное состояние духа

егодня никого не удивить внедрением самых совершенных технологий в такой, казалось бы, консервативный инструмент, как бас-гитара. Мы уже не раз становились свидетелями инструментов со встроенными эффектами, экстремальным дизайном и многим другим. Однако, что бы ни выдумывали маркетологи компаний производителей гитар, чтобы поднять покупательский интерес к своей продукции, музыкантам, как правило, нужно, чтобы инструмент хорошо звучал, не вызывал дискомфорта при игре и хорошо выглядел. И если последний фактор всегда остается на усмотрение конкретного музыканта, то первые два достаточно универсальны для большинства. И одним из качеств бас-гитар, на которые многие обращают внимание, является их вес. В 2007 году компания Yamaha представила миру свою технологию A.I.R., позволившую создавать ги-

тары с маленьким весом и плотным звуком. А в 2008 свет увидели и басгитары, основанные на этой технологии – RBX A2. Многие басисты считают, что мощную атаку и сустейн можно получить только на басах Fender 70-х годов, весящих более 5 килограммов. Если вы до сих пор думаете, что залог «тяжелого» звука – это тяжесть самого инструмента, то будьте готовы к тому, что Yamaha RBX4 A2 разобьет этот стереотип в пух и прах. Плотный звук достигается только при использовании тяжелого дерева, качественный звук не по карману простому обывателю – все эти лозунги можно смело отправлять «в топку», поскольку Yamaha представила бас, созданный по технологии Alternative Internal Resonance (A.I.R.), которая сокращает вес инструмента, не влияя при этом на его звуковые характеристики.

Ранее музыкальный мир уже был удивлен электрогитарами RGX A2, которые весили необычайно мало, но при этом звучали на уровне более дорогих и тяжелых собратьев. Теперь настала очередь и басгитар – на основе серии Yamaha RBX были созданы басы RBX A2, линейка включает как 4-струнные (RBX4 A2), так и 5-струнные модели (RBX5 A2). Самая примечательная особенность бас-гитары А2 – уникальная конструкция многослойного корпуса, в котором слои легких пород древесины, хорошо пропускающих звук, чередуются с более тяжелыми. Весящая всего 3.3 кг, А2 – это одна из самых легких басгитар, представленных на современном рынке. Но пусть это не смущает вас. Yamaha RBX A2 обладает на удивление насыщенным звуком, даже несмотря на облегченный вес. Внедрив свою собственную разработку – систему Alternative

GUITARS

ma g a zine

Internal Resonance – Yamaha добивается плотного звучания своих инструментов при их минимальном весе. Думаю, стоит разобраться, что такое A.I.R. от Yamaha. Вкратце суть технологии такова. Корпус бас-гитары RBX A2 состоит из 3 слоев дерева – плотные пластины в качестве топа и задней стенки и легкое дерево посередине. Порода используемого дерева практически нигде не упоминается, да нам она и не важна, т.к. важен звук, а не название материала, с помощью которого он достигается. Зачем Yamaha все это затеяла? Дело в том, что дерево посередине хорошо резонирует, а плотные пластины по краям гитары не дают звуку угаснуть в течение определенного времени, за счет этого сигнал усиливается в разы и уже будучи «раскачанным» внутри гитары передается на звукосниматели. Так что датчики передают на выход очень мощный саунд, не отличающийся от звука привычной тяжелой бас-гитары. Важным звеном системы A.I.R. является бридж инструмента. Для равномерного распространения звуковых волн по корпусу гитары от бриджа сквозь корпус проходят две полые трубки, кроме того, сами струны проходят сквозь корпус. Благодаря такой конструкции колебания струны передаются дереву. Именно благодаря многократно усиленной вибрации внутри гитары Yamaha и добивается громоподобного звучания своих RBX A2 при минимальном их весе. Так, на примере своих новых басов Yamaha демонстрирует то, что современные технологии способны привносить не только излишества в жизнь басистов (как встроенные в гитару тюнеры или эффекты), но и работать на их благо. Кроме того, совершенствуя корпус гитары, японские разработчики не обошли своим вниманием и дизайн инструментов, создав нечто футуристическое. Изначально все новое всегда вызывает определенную настороженность, особенно в таких консервативных кругах, как музыканты. И встречают, естественно, по одежке. В этом плане Yamaha RBX A2 даст фору многим инструментам, ведь выглядят эти басы ультрасовременно.

GUITARS

ma g a zi ne

Я удивлюсь, если внешний вид басов A2 не привлечет ваше внимание на басовом стенде в магазине, уж больно эксклюзивно выглядят эти инструменты. Хотя, казалось бы, что может украсить стандартные фендероподобные формы корпуса? Тем не менее Yamaha это удалось. Басы имеют классическую двурогую форму, проверенную временем, хорошо смотрящуюся на сцене и удобную при игре. При этом корпуса инструментов А2 сужаются к своим краям – нечто подобное мы видим на некоторых моделях Ibanez, – а также имеют окантовку. Такое сужение обеспечивает удобство при игре, а кроме того смотрится современно. На А2 верхний рог немного удлинен – для придания гитаре равновесия – как и на всех басах серии RBX. Yamaha предлагает две расцветки: черная (Jet Black) и серая (White & Aircraft Gray). Jet Black: вся гитара (за исключением палисандровой накладки на гриф) выкрашена в черный цвет. Только 2 перпендикулярные линии на корпусе цвета «серебристый металлик»: горизонтальная – от края гитары к потенциометрам, вертикальная – сверху от края гитары к бриджевому звукоснимателю. White & Aircraft Gray: топ бас-гитары белого цвета, сзади корпус и гриф серого цвета, окантовка грифа также серая, голова грифа белая с серым пополам и плюс традиционные для А2 полосы на корпусе. Глянцевое покрытие в сочетании с полосками цвета «серебристый металлик» выглядит очень привлекательно, придавая инструментам по-настоящему современный вид. Палисандровая накладка грифа прекрасно сочетается с цветом корпуса, маркеров на накладке нет, что придает инструменту взрослый вид. Но, разумеется, для удобства игры маркеры сохранены на торце грифа, куда в основном и смотрят гитаристы. Оба звукоснимателя имеют крышки в цвет корпуса, либо черные, либо серые. Около некового датчика сверху от грифа на корпусе указана модель инструмента.

Там же в районе некового датчика на окончании грифа пластмассовой плашкой скрыт анкерный стержень. Полагаю, что подобное решение о доступе к анкеру со стороны корпуса было принято в угоду сохранению внешнего вида гитары, чтобы сохранить голову грифа в неприкосновенности. Однако вряд ли все сочтут это удобным. Несомненно, одна из самых привлекательных особенностей, которая сразу же бросается в глаза – это светодиодные кольца синего и красного цвета, подсвечивающие потенциометры громкости. По мере поворота регулятора диоды гаснут или становятся ярче – этим их функциональность ограничивается. Надо сказать, что выглядит это весьма стильно и эффектно. Кроме того, на сцене в слабо освещенном зале вам будет достаточно одного взгляда на свой инструмент, чтобы понять, какая громкость установлена на ваших датчиках. Многие по себе знают, насколько это может оказаться полезным для управления собственным звуком. Впрочем, отсутствие подсветки регулятора тона немного омрачает картину. Регуляторы с подсветкой могут натолкнуть вас на мысль, что RBX A2 имеют активную электронику, однако это не так. А2 – полностью пассивный инструмент. Батарейка предусмотрена только для питания светодиодов. Гриф нового баса Yamaha сделан из клена, а палисандровая накладка имеет черное глянцевое покрытие. Профиль грифа типа «С» обеспечивает дополнительный комфорт при игре. Следует также отметить отличную читаемость нот на всех 24 ладах. Вот мы и подобрались к звучанию RBX A2. И тут за специалистов Yamaha краснеть не приходится, вопреки скепсису консервативно настроенной части населения, бас-гитара звучит превосходно. Особенно учитывая, сколько она стоит! Расположение двух сингловых звукоснимателей типа Blade способствует получению агрессивного тона: бриджевый звукосниматель расположен в 5 см от седла струны G. Нековый звукосниматель

отступает от седел на 12 см, что в точности соответствует позиции разделенных синглов на P-Bass. Бриджевый датчик звучит очень мощно, причем с ярко выраженной серединой, что безусловно сделает бас читаемым в миксе и подчеркнет атаку. А нековый звукосниматель добавит вам округлости звука. Можно быть уверенным, что RBX A2 подойдет как для рока различной тяжести, так и для R&B. В пресс-релизе к A.I.R. Yamaha заявляет, что инструменты, созданные на основе этой технологии, обладают превосходным сустейном и плотностью звука. И эти слова оказываются правдой. Сравнивая RBX A2 с другими басами, вы убедитесь, что его звучание не уступает по насыщенности и длительности даже более дорогим моделям. Это при том, что по весу новинка Yamaha не имеет аналогов. Так что, даже если вы привержены к бас-гитарам классической внешности, но вам нужен инструмент на многие случаи жизни, этакая рабочая лошадка, которая к тому же будет не обременительна при транспортировке и не будет давить на плечи (актуальность этого качества подтвердят активно концертирующие музыканты) – RBX A2 может стать прекрасным выбором для вас.

Плюсы:

Легкий вес, насыщенный звук, подсветка регуляторов громкости.

Минусы:

Глянцевое покрытие грифа – быстро становится липким, отсутствует подсветка регулятора тона. Корпус: облегченный многослойный корпус, резонирующие слои легких пород древесины чередуются с более тяжелыми Гриф: клен, привинченный Накладка на гриф: палисандр Лады: 24 Мензура: 34” Ширина порожка: 11/2” Звукосниматели: два сингловых датчика Y.A.S.H. Custom Shop типа Blade Электроника: пассивная, один регулятор тона, два регулятора громкости

GUITARS

ma g a zine

На пресс-конференции, предварявшей прошедший недавно в Корее Фестиваль «ЕТР», Marilyn Manson сообщил, что в их банде появился новый музыкант – известный гитарист, создавший себе имидж фрика, умеющего выжимать из гитары невероятные звуки, бывший участник Limp Bizkit, а ныне лидер Black Light Burns, эндорсер Yamaha – Wes Borland Вот как прокомментировал присоединение Wes Borland к самой скандальной американской рок-группе современности менеджер по работе с артистами компании Yamaha USA Mike Tempesta: «Борланд – невероятно талантливый гитарист, при этом он не просто гитарист, а артист с большой буквы. Посмотрите хотя бы на гитары, которые он придумал вместе с нашими мастерами! Представьте, что будет, если объединить усилия таких людей, как Wes и Manson, – это будет воистину революционная музыка! Поверьте, я знаю, о чем говорю: комбинация Borland и Manson – взрывоопасный коктейль». Сам же Brian Warner (в миру более известный как Marilyn Manson) высказывается в том же духе: «Сейчас вместе с Borland мы записываем новый альбом. Вот увидите, это будет такая стена звука, о которую разобьется сознание не одного слушателя!» Но давайте дадим слово виновнику переполоха. Как думаешь, тебе удастся совместить творчество в Marilyn Manson и работу в твоей собственной группе? Я присоединяюсь к Marilyn Manson, но Black Light Burns остается для меня полноценной группой, и я не думаю, что возникнут проблемы от моей игры в двух бандах сразу. В частности, сейчас я выступаю в Корее, я здесь и сейчас, а потом я отправлюсь домой и через 8 часов уже буду в студии джемовать со вторым гитаристом BLB, работая над песнями для нашей новой пластинки».

GUITARS

ma g a zi ne

Перед тем как начать играть на гитаре, Вес хотел играть на барабанах, но его родители не желали слышать шум, который постоянно будет производить их сын, и они купили ему гитару, когда ему было 12. Борланд брал уроки музыки у преподавателя в церкви, где работал его отец. Там он изучал блюз и кантри, перед тем как учиться джазу в школе искусств Douglas Anderson в течение трех лет

Ну что, Wes, с рэп-металом покончено? Сейчас меня точно туда не тянет. Все годы, что я играл в Limp Bizkit, я не прислушивался внимательно к тому, что мы играли, я отвечал за гитарный звук и мне за него было не стыдно. Но я терпеть не могу голос Fred Dirst (вокалист LB. – прим. авт.). Это было весьма странное ощущение: я играл в группе, где мне нравилась музыка, но голос вокалиста, пробиравший меня до мозга гостей, был неприятен. Я до сих пор общаюсь с ребятами из Limp Bizkit. Каждая наша встреча – это встреча добрых друзей, но у нас не возникает желания снова играть что-то совместно. Нам предлагали реюнион в прошлом году, но я сказал, что уже давно иду своим путем, занят своими проектами и мне это не интересно. То, что я делаю сегодня – это гораздо больше, чем развлечение для меня, я по-настоящему кайфую от своего нового звука и новой музыки. Раз уж ты заговорил о своем творчестве – как ты создаешь свою музыку? Я думаю, что игра на гитаре сродни рисованию, потому что я визуализирую то, что находится в моей голове. Я представляю себе некий образ и буквально бьюсь головой об стенку, пока не смогу выразить этот образ в музыке так, как я его вижу. Я оттачиваю какие-то приемы игры снова и снова, пока задуманное не начинает получаться хорошо, и впоследствии я могу использовать отточенный прием при создании своих новых произведений. Ты говорил о своей нелюбви к голосу Fred Dirst, а не было ли мысли заниматься инструментальной музыкой? Все время, что я играю на гитаре, я в первую очередь играю песни. Когда мне надо придумать соло, я стараюсь сделать его вкусным и простым, чтобы оно не отвлекало от во-

GUITARS

ma g a zine

До того как профессионально заняться музыкой, он мечтал работать с гримом или спецэффектами в кино, и при этом Вес – настоящий фанат фантастики и фильмов ужасов. Это и объясняет непонятные костюмы и странный грим гитариста на выступлениях группы

Его знаменитые черные линзы после двух часов ношения начинают жечь глаза. вес сам шьет свои костюмы. вес очень любит рисовать, он постоянно рисует что-нибудь. Перед тем как попасть в Limp Bizkit, он собирался поступить в художественный институт кала, который все-таки должен главенствовать в песне. А соло – всего лишь часть аранжировки. Но тем не менее музыка звучит в моей голове 90% времени, меня вдохновляет все, что я вижу. Иногда я даже просто включаю драм-машину и играю под нее какие-то мотивчики, риффы, мне это удобнее, чем игра с живым барабанщиком, потому что ничто не отвлекает тебя от гитары и музыки, которая звучит в твоей голове. Как ты ищешь свой собственный саунд? Есть два пути для достижения жирного, по-настоящему большого гитарного звука: вы можете стать серьезным супер-металлистом, купить себе Jackson или Gibson Flying V, поставить на них EMG81 и рубить через стэк Marshall или Mesa Boogie. Но есть и другой путь – вы можете сделать гораздо больше интересных вещей, поэкспериментировать со звуком! Наберите себе побольше разных гитар – больших, маленьких, дорогих и дешевых, разных усилителей, желательно разных эпох – вы сможете добиться действительно странных звуков с таким

GUITARS

ma g a zi ne

арсеналом. Это как раз то, чем я занят сейчас – эксперименты с разными инструментами для достижения различных оттенков звука, это гораздо круче и интересней, чем просто жирный гитарный звук. Я стараюсь найти звуки, которых еще никогда не слышал. И какие инструменты сейчас в твоем арсенале? Сейчас моя основная гитара – это Yamaha CV820WB. Как говорится, хочешь, чтобы что-то было сделано хорошо, сделай это сам. Вот так я и поступил – вместе с инженерами Yamaha мы придумали гитару, которая полностью устраивает меня по звуку и внешнему виду. Плюс она очень функциональна. Во-первых, моя гитара имеет наполовину полый корпус, что позволяет ей звучать очень плотно и круто на перегруженном звуке и ярко и воздушно на чистом звуке. Вклеенный гриф добавляет глубины звуку. Чего уж говорить про идеально подходящие друг другу тремоло-систему, колки и изобретение Yamaha finger clamp – рычажок, с помощью которого я могу прижимать струны около головы

грифа без использования дополнительных инструментов (обычно другие гитаристы вынуждены использовать шестигранные ключи). Появятся ли в твоем арсенале новинки в связи с работой в Marilyn Manson? Да! Мы с парнями из Yamaha придумали очередную классную штуковину! Она будет называться Wes Borland Trashburst RGXA2. Это новинка и я пока не могу много о ней говорить, хотя ее фото уже есть в интернете. Мы взяли уникальную разработку Yamaha A.I.R., которая позволяет невероятно легкой гитаре звучать так, будто она сделана из огромного куска тяжеленного дерева, и добавили к ней дизайн, который наиболее подойдет к имиджу такой шок-группы, как Marilyn Manson. Дизайн этот называется trashburst (дословно можно перевести как взрыв мусора, здесь присутствует игра слов, т.к. одним из самых красивых гитарных цветов является sunburst). В общем, получился чумовой инструмент с совершенно нереальным дизайном. Поклонники Manson будут довольны!

А вообще, каково это – придумывать гитару? О! Уверен, что это тайная мечта каждого гитариста, заполучить в полное распоряжение тот инструмент, который максимально будет соответствовать твоим требованиям, при этом, чтобы он был из отличного дерева и так далее. Мне в этом плане повезло. Yamaha предложила мне все условия для создания именной гитары, позволив принять участие в каждом этапе процесса создания инструмента, благодаря чему моя CV820WB получилась экстравагантной и мощной. Мы взяли единый кусок ольхи и выпилили из нее заднюю деку корпуса, боковые стенки и центральный блок, а верхняя дека была сделана из двух кусков отборного клена, что прибавило гитаре яркости звучания. Кроме того, для украшения и придания чистому звуку инструмента акустичности, мы вырезали две эфы (f-holes) – я очень доволен результатом. А кленовый гриф с палисандровой накладкой – это классика жанра и я не вижу более универсального решения для гитары, на которой предполагается играть как мощные риффы, так и чес на чистом звуке. Безусловно, придуманная мной гитара – это отражение моей внутренней сути, и возможно она подойдет не каждому, но, поверьте, получился отличный инструмент.

над своей музыкой. Многие группы тратят большие средства для привлечения продюсеров, саундинженеров, а мне все это теперь не нужно. Я могу записывать себя и своих музыкантов в любой удобный нам момент. Это просто отлично! Я надеюсь, что объединив накопленный опыт как в записи, так и в игре и создании новых, доселе не существовавших звуков, смогу сделать следующий шаг и помочь моей новой группе – Marilyn Manson.

А если говорить о долгосрочной перспективе твоей музыкальной карьеры? Мне сейчас 33, и я не хочу делать то же, что я делаю сейчас, когда мне будет 40. Я понимаю группы типа The Cure или Radiohead, играющие то же самое в уже преклонном возрасте, но сам так поступать не собираюсь. Единственный парень, которому должно сходить такое с рук – Iggy Pop!

Яркая индивидуальность Борланда начала проявляться с самого детства, врачи поставили ему неутешительный диагноз – мозговая травма, повлекшая очевидное психическое отклонение

Давай вернемся к музыке, легко ли было согласиться играть в Manson? Когда я пришел в Limp Bizkit, мне был 21 год, с тех пор многое изменилось. Не секрет, что когда становишься старше, то взгляды на многие вещи, в том числе и на творчество, меняются. Сегодня я слушаю самую разнообразную музыку от безумных дэт-металлистов Gorgoroth до экспрессивной Bjork. Так что могу уверенно сказать, что я проделал путь от заядлого любителя экстремальных риффов до человека, который предпочитает не выставлять гейн на усилителе больше «12 часов». Но сейчас я опять возвращаюсь к тяжелому звуку, и это мне нравится. Посмотрим, что будет дальше! А что будет дальше? Сейчас я изучаю звукорежиссуру, мне нравится самому работать

Старшие классы для Веса были одними из худших лет его жизни. Практически каждый день над ним насмехались и избивали. a zine 99 В школе его прозвали Уродом, у негоGUITARS не былоma gдрузей

A &T T R A D E – Л И Д Е Р Н А Р Ы Н К Е М УЗ Ы К А Л Ь Н Ы Х И Н С Т Р У М Е Н ТО В, З ВУ КО В О ГО, С Т УД И Й Н О ГО И С В

сын Артура Беркута (вокалист группы «Ария») Артур решил взять в руки гитару. Молодое поколение уверенно идет по стопам отцов. и A&T Trade не перестает радовать нас поставляемыми в Россию инструментами лучших мировых производителей

П О В С Е М В О П Р О С А М , GUITARS 100 ma g a zi ne

С В Я З А Н Н Ы М С П Р И О Б Р Е Т Е Н И Е М Э Л Е К Т Р О - И А К УС Т И Ч Е С К И Х Г И ТА Р, А Т

С В Е ТО В О ГО О Б О Р УД О В А Н И Я Н А Т Е Р Р И ТО Р И И Р О С С И И , У К РА И Н Ы , Б Е Л а Р УС И И С Т РА Н Б А Л Т И И

Лучшие музыкальные инструменты в вашем городе Анапа. «Солист»

Сыктывкар. «Ю-МАК»

Архангельск. «Sound Master»

Томск. Музыкальный салон «Премьера»

ул. Первомайская, 62, оф. 617б тел.: (8212) 39-15-01 www.u-mak.ru info@u-mak.ru

ул. Крымская, 214б тел.: 8 918 498-99-10 solist-anapa@ya.ru

ул. Воскресенская, 104 тел.: (8182) 27-12-70 artekspro@rambler.ru

пр. Фрунзе, 26 тел.: (3822) 53-46-53 www.tdm.su sav@tdm.su

Владивосток. «Jazz»

ул. Светланская, 16 тел.: (4232) 41-25-03, 41-11-51 www.vtm24.ru jazz-vl@mail.ru

Воронеж. «Музыкальный Мир» ул. 20 лет Октября, 52 тел.: (4732) 77-35-29 www.musicpro.ru music.pro.ru@gmail.com

Воронеж. «Музыкальные Инструменты» ул. Куцыгина, 35/1 тел.: (4732) 77-78-58 www.showpro.ru show@bmail.ru

Иваново. «Центр Музыки»

пр. Энгельса, 10 (здание Банка ИГХТА) тел.: (4932) 47-14-99, 32-43-43 www.muzopt.ru manager@muzopt.ru

Иваново. «Пирамида»

ул. Лежневская, 55 (ТРК «Тополь») тел.: (4932) 58-54-29 piramida-ivanovo@mail.ru

Казань. «Шоу-Дизайн Казань» ул. Солдатская, 8, оф. 212 тел.: (843) 518-73-72, 518-70-18 www.showdesign.ru antonshou@mail.ru igor@showdesign.ru

Уфа. «Башкирский Курай» ул. 50 лет Октября, 6/8 тел.: (347) 293-36-30, 295-94-23 www.showdesign.ru SultanKireev@yandex.ru

Калининград. Салон «Музыкальный Порт»

Ленинский пр., 67/69 (ТЦ «Меркурий», 4 этаж) тел.: (4012) 98-10-25 order@muzport.info

Краснодар. «Music Market» ул. Ставропольская, 100 тел.: (8612) 39-78-71 dals22@mail.ru

Краснодар. «Юг-Дока» ул. Базовская, 194 тел.: (861) 251-16-06 www.yugdoka.ru khalex@yugdoka.ru

Краснодар. «Дирижер» ул. Гоголя, 7 тел.: (861) 253-64-14 www.dirigor.ru dirigor@dirigor.ru

Краснодар. «Панорама» ул. Красноармейская, 59 тел.: (861) 253-61-17, 259-45-57 www.panorama-yug.ru info@panorama-yug.ru

Краснодар. «Beat Sound» ул. Бабушкина, 183 тел.: (3452) 31-08-59, 32-16-77 art-formula@mail.ru

Махачкала. Музыкальный салон «Ямаха» пр. Гамидова, 23 тел.: (8722) 61-40-40 yamaha@dagestan.ru yamaha27@mail.ru

Сеть магазинов «Pop-Music»

www.pop-music.ru www.spb-music.ru Моск ва. ул. Расплетина, 2 тел.: (499) 197-41-39, 197-38-58 pole@pop-music.ru Моск ва. Варшавское ш., 5 тел.: (495) 633-87-14, 952-78-11 slava@pop-music.ru Моск ва. 4-й Самотёчный пер., 9 тел.: (495) 684-44-55, 775-24-53 samoteka@pop-music.ru Санкт-Петербу рг. ул. Бассейная, 37 тел.: (812) 966-02-01, 388-79-92 spb@pop-music.ru Санкт-Петербу рг. ул. Мебельная, 2, корп. 3 тел.: (812) 335-40-47, 335-83-04 konstantin@pop-music.ru

Сеть музыкальных магазинов «МузТорг » 8 (800) 555-00-75 (з в о н о к п о Р о с с и и б е с п л а т н ы й) www.muztorg.ru

Москва. «Music-Expert» ул. 1-я Останкинская, 55 (ТДЦ «Останкино», за л «Е» 1/16) тел.: (495) 637-92-50, 500-80-49 www.music-expert.ru info@music-expert.ru

Москва. Магазины «MuZZDvor» пр. Мира, 182 тел.: (495) 641-00-71, 683-25-14 Ленинская Слобода, 19, стр. 1 тел.: (495) 641-00-71 www.muzzdvor.ru kom2001@mail.ru

Москва. Сеть магазинов «AllTime» тел.: (495) 363-39-75, 8(800) 200-39-75 www.alltime.ru order@allsound.ru

Москва. Сеть магазинов «Союз» тел.: (499) 267-77-30, (495) 543-91-29, 543-91-30 www.soyuz.ru

Набережные Челны. Студия «Белый Цвет» пр. Московский, 140, оф. 103 тел.: (8552) 38-10-30 www.whpro.ru mail@whpro.ru

Нижневартовск. «Данцер» ул. Чапаева, 83 тел.: (3466) 45-78-28 ka876@mail.ru

Новороссийск. «МузНовоРос» пр. Ленина, 79 (магазин «Новороссийск») тел.: (8617) 72-64-20, 8(918) 485-52-00 saxib56@mail.ru

Пенза. «Шоу-Техника» ул. Кулакова, 7 тел.: (8412) 68-03-61 showtech@sura.ru

Пенза. «Хокенс»

ул. Суворова, 56 тел.: (8412) 56-08-79, 55-24-91 www.hokens.ru hokens@pnz.ru

Рязань. «Живая музыка» ул. Соборная, 13 тел.: (4912) 46-05-28 www.mylivemusic.ru livemusic62@mail.ru

Санкт-Петербург. «A&T Professional» Сенная пл., 13а тел.: (812) 310-49-74, 380-94-78 www.atprofessional.ru info@atprofessional.ru

Санкт-Петербург. «Ми» ул. Инженерная, 7 тел.: (812) 570-51-46 www.musicspb.com

Саранск. «Floyd»

Томск. Салон «Dream-House» ул. Студенческая, 4 тел.: (3822) 56-00-66, 25-25-05 www.dreamhouse.tomsk.ru dreamhouse@mail.tomsknet.ru

Тула. «Music Trade» ул. Седова, 2 тел.: (4872) 33-17-94 www.musicmen.ru boss@musicmen.ru

Тюмень. «Musicland» ул. Кирова, 40 тел.: (3452) 41-83-54, 41-51-38 makarov@sibtel.ru

Ульяновск. «Арт Мьюзик» ул. Льва Толстого, 54/13 тел.: (8422) 79-42-52 www.artmusic-ul.ru art-music@bk.ru

Хабаровск. «Кио Галей» ул. Герасимова, 4 тел.: (4212) 73-68-32 konev@kioth.ru

Хабаровск. «Музыкальные инструменты» ул. Серышева, 22 (ТЦ «Каскад») тел.: (4212) 600-415, 8(909) 844-22-28м www.impromir.ru masplan@mail.ru

Хабаровск. «Music Hall» ул. Серышева, 46 тел.: (4212) 38-40-90, 20-01-27 www.muz-hall.ru impromir@mail.ru

Челябинск. Музыкальный салон «Амадеус» ул. Кирова, 98 тел.: (351) 264-36-28 arma-music@yandex.ru

Череповец. «АРС-Мьюзик» Советский пр., 51 тел.: (8202) 51-74-51, 51-76-78 apcmusic@mail.ru

Чита. «КультТорг» ул. Ленинградская, 3 тел.: (3022) 35-09-26 belzer2003@yandex.ru

Южно-Сахалинск. «Yamaha Music Land» ул. Чехова, 71б тел.: (4242) 42-97-38 sbstudio@list.ru

Ярославль. «Овердрайв» ул. Флотская, 8 тел.: (4852) 73-01-10, 73-95-43 www.overdrive.ru overdrive@yaroslavl.ru

Краснодар. «Артист»

ул. Северная, меж ду мостами тел.: (861) 274-53-40, 274-58-23 www.artistpro.ru artist@artistpro.ru

Сочи. «Мир Музыки»

ул. Титова, 10, корп. 2, офис 420 тел.: (8342) 23-37-31 www.f loyd13.ru f loyd-13@yandex.ru

ул. Московская, 19 (ТЦ «Меркурий») тел.: (8622) 64-60-00 mworld@sochi.com

Ставрополь. «Шоу-техника»

Сеть магазинов «Jazz»

ул. Дзержинского, 135 тел.: (8652) 26-55-63, 26-74-90 show.stavropol.ru ds-aleks@show.stavrapol.ru

Сеть магазинов «Диапазон» www.diapazon-kmv.ru Пятигорск. пр. Ка линина, 54а тел.: (8793) 33-83-12 К исловодск. ул. Ша ляпина, 7 тел.: (87937) 3-31-85 Черкесск. ул. Ленина, 8 тел.: 8 928 665-39-29 Минера льные Воды. ул. Интернациона льная, 37, оф. 50а тел.: 8 928 262-23-93 diapazon-kmv@yandex.ru

www.resound.ru Су рг у т. ул. Геологическая, 17 тел.: (3462) 26-01-36, 26-01-37 info@resound.ru Ноябрьск. пр. Мира, 56 тел.: (3496) 42-40-10 nojabrsk@resound.ru Нефтеюганск. ул. Нефтяников, 30 (ТЦ «Ника») тел.: (3463) 23-31-68 nika@resound.ru Ханты-Мансийск. ул. Энгельса, 1 (ТДЦ «Гостиный двор») тел.: (3467) 31-01-42 hm@resound.ru

101

А Т А К Ж Е Г И Т А Р Н О Г О О Б О Р У Д О В А Н И Я , О Б Р А Щ А Й Т Е С Ь К Д И Л Е Р А М A & T T R A D E В С В О ma Е Мg a zine Г О Р ОД Е

GUITARS

кустические гитаристы, как и музыканты других профессий, активно осваивают самое различное цифровое оборудование. Чего только не придумано для тех, кто в состоянии идти в ногу со временем и вникать в суть современных технологий: рекордеры, процессоры, усилители с цифровыми функциями, фразовые луперы и целые студии на базе компьютера... А как насчет того, чтобы средства для записи и воспроизведения инструмента, а также для загрузки и воспроизведения «минуса» были упакованы в компактную электронику, встроенную в стильную акустическую гитару? Это явно пришлось бы по душе тем, кто изучению техники предпочитает уделять больше внимания собственно музыке. На них и рассчитана гитара Ovation iDea. Насколько можно судить, iDea – это первая на мировом музыкальном рынке гитара, в которой имеется встроенный рекордер/плеер mp3. А если быть буквально точными – электроакустическая гитара, встроенный предусилитель которой имеет функции записи и воспроизведения файлов в формате mp3. За этой сухой формулировкой раскрывается целый новый мир творческих возможностей, который ранее никогда не был составной частью гитары – акустической или электрической. Но прежде чем мы углубимся в технические подробности цифровых функций, поговорим собственно об инструменте. Сама по себе iDea – великолепный образец дизайна, и сложно пройти мимо, не обратив на это внимание. В облике iDea безошибочно узнается фирменный стиль Ovation, но ультрамодерновая концепция выделяет ее среди остальных инструментов этой марки. Фирменная «гроздь» розеток заменена тремя стильными эллипсовидными отверстиями, подобно Ovation MOB47. Еловая дека отсвечивает «космическим» матовым покрытием платинового цвета. Полупараболическая композитная задняя дека в различных вариациях производится Ovation c

102

GUITARS

ma g a zi ne

конца 60-х, и всякий, кто знаком с Ovation, в курсе этого подхода и его вклада в звук. Для некоторых чашеобразный профиль задней деки делает игру сидя без ремня непростым трюком (потому что гитара соскальзывает с ноги), но в целом на Ovation вполне удобно играть. На грифе уместилось 22 лада: 17 полноразмерных, а последующие постепенно сходят на нет (вместе с накладкой грифа) от пятой струны к первой. Плавный «венецианский» вырез обеспечивает удобный доступ к этим ладам. Гриф из восточного махагона имеет V-образный профиль средней глубины, который покрыт лаком в цвет верхней деки. Матовый платиновый цвет продолжается до тыльной стороны головы грифа. Колки имеют черный цвет, сливающийся с черной поверхностью лицевой стороны головы грифа. Качество изготовления и отделки у iDea очень хорошее. Все стыки и переходы очень аккуратны и малозаметны, и инструмент дает общее ощущение надежности и качества. Если возникнет необходимость доступа к внутренней паутине проводов, то сняв круглую крышку с тыльной стороны гитары, вы его получите в достаточной мере. Учитывая богатую встроенную функциональность, нельзя не отметить, насколько проста и понятна панель управления предусилителя iDea. Четыре слайдера с фиксацией среднего положения управляют громкостью выходного сигнала и трехполосным эквалайзером. Миниатюрный джойстик обеспечивает навигацию по отображаемому на дисплее меню. Три кнопочки под дисплеем дают быстрый доступ к функциям записи, воспроизведения/остановки и повтора. Крайняя левая кнопка, как и в предусилителях Ovation OP, освобождает защелку крепления всего блока электроники, вынув который можно сменить в нем батарею. Тут нельзя не отметить, как грамотно Ovation потрудились, помещая дополнительную функциональность iDea в стандартный корпус серии OP. Это означает, что если

у вас уже есть гитара Ovation с предусилителем этой серии, вы можете приобрести предусилитель iDea отдельно и установить его буквально за минуту. Подключение инструментального кабеля к выходному джеку на гитаре или наушников (прилагаются в комплекте) к выходу на предусилителе автоматически включает питание аналоговой составляющей предусилителя, поэтому, оставив на ночь подключенный кабель, вы рискуете, что к утру батарейка сядет. «Разбудив» предусилитель, вы можете включить его цифровой блок, нажав кнопку «play/stop» и удерживая ее в течение двух секунд. Тут-то и начинается самое интересное. Для начала настроимся по встроенному тюнеру, после чего поcмотрим, какие возможности записи и воспроизведения содержатся в меню. Раздел воспроизведения содержит список треков mp3, загруженных в память предусилителя. Ovation фабрично закачивает в iDea достаточно материала, чтобы при первом же знакомстве с гитарой получить впечатление от игры под встроенный «минус». При этом сигнал от гитары и сигнал от плеера

микшируются внутри предусилителя и подаются на выходной джек (а оттуда, соответственно, на усилитель) или наушники. Баланс микса регулируется слайдером громкости, который позволяет менять уровень гитарного сигнала относительно воспроизводимого трека. Полезной функцией является возможность замедления темпа воспроизведения mp3 трека, что очень удобно при разучивании партий. В меню записи нам предлагаются на выбор две конфигурации:

гитара + микрофон или гитара + Aux (внешний источник). В режиме «гитара + микрофон» iDea представляет собой записную книжку музыканта. Представьте себе ситуацию: вы увлеченно тренькаете на гитаре, и вдруг нащупываете такой клевый рифф или последовательность аккордов, которые просто необходимо сохранить «на потом». Вам нет нужды лихорадочно искать подходящее записывающее устройство, вместо этого вы просто активируете режим «гитара + микрофон» и по горячим следам записываете свое озарение. Поскольку через встроенный конденсаторный микрофон также идет запись, вы можете напеть поверх аккомпанемента свои мелодические идеи или сопроводить записанное устным комментарием. Благодаря наличию порта USB можно стандартным кабелем подключить iDea к PC или Mac, чтобы легко и просто сбросить все записанное на компьютер. Рекордер сохраняет файлы в формате mp3, поэтому весь ваш музыкальный софт от mp3-плеера до программы нарезки аудиодисков их поймет. Чтобы владельцы iDea не испытывали недостатка в свежих аудиоуроках или минусах для загрузки в память предусилителя, Ovation запустили специальный сайт – www.ovationidea.com, набитый уроками и минусами под завязку. Их можно скачать бесплатно, после чего через все тот же порт USB загрузить в память iDea. Теперь вспомним о 3.5 мм входном стерео-джеке на корпусе гитары. Он предназначен для подключения к гитаре внешнего источника стерео- или моносигнала: плеера, микшера, драм-машины – чего угодно. В режиме «гитара + Aux» вы можете записать через него в память предусилителя любой аудиоматериал для разучивания или игры под минус.

Этот материал потом будет доступен через меню воспроизведения, и, в частности, может быть замедлен. Все это только самые очевидные примеры применения основных функций iDea. Можно придумать еще варианты творческих ситуаций и подключения оборудования. Например, выход на наушники можно подключить к тем же компьютерным колонкам, если нет возможности или желания пользоваться гитарным усилителем и наушниками. Акустические гитары Ovation отличаются характерным звуком, и iDea тут не исключение. В неподключенном режиме доминирует звонкая подчеркнутая атака, но, хотя это будет далеко не самый теплый и глубокий звук, iDea в целом дает удовлетворительный результат. Аккорды хорошо сбалансированы и достаточно глубоки, а сольные проходы звучат читаемо и с хорошим сустейном. И не будем забывать, что гитары Ovation в первую очередь предназначены для игры с подключением. Их акустическое звучание – демонстрация того, что сам инструмент вкладывает в выходной сигнал, и этот вклад также вполне достаточен для занятий и творческих поисков на неподключенной гитаре. «Электрический» звук также демонстрирует все фирменные черты, принесшие Ovation признание. Особенно хочется отметить качество цифровой записи, которое впечатляет. Даже игрушечный на вид микрофон дает на удивление «взрослый» звук. И хотя итоговое качество файлов mp3 далековато от студийного, оно вполне пригодно для использования в приличной демо-записи. Когда в середине 60-х Ovation начали свои первые эксперименты по производству гитар, студиям требовались подчас целые здания. А сейчас мы видим, как студия помещается внутри инструмента. Без преувеличений, это серьезный шаг в мире акустической гитары. Конечно, годы спустя мы оглянемся на 2009 год и констатируем, как далеко продвинулась встроенная электроника со времен iDea. Но сам факт появления цифровой записи в акустической гитаре попрежнему останется для нас значимым, а пожинать его плоды мы можем уже сегодня.

GUITARS

ma g a zine

103

По сравнению с другими гитарными радиосистемами в Relay G30 цифровой радиотракт передачи звукового сигнала не в пример аналоговому является надежной защитой от помех и наводок, которыми зачастую изобилуют сцены, заставленные множеством самого разного оборудования

Line6 продолжает свою экспансию на рынок товаров для гитаристов, захватывая все новые и новые территории. Начав с гитарных процессоров, они уже сказали свое слово в педалях, усилителях, компьютерных системах записи звука и гитарах. И вот теперь новая глава – радиосистемы

LINE 6 R e l a y G 3 0 Б

еспроводные гитарные системы сегодня явление распространенное и в любом случае не новое – верьте или нет, но первобытная беспроводная система была представлена Fender еще в 1961 году. Хотя эта модель TR-105 была окончательно снята с производства всего годом спустя, все оценили, как новаторски она решала характерную для концертных площадок того времени проблему: риск короткого замыкания непосредственно на артиста.

104

GUITARS

ma g a zi ne

Та система Fender была в свое время первой и единственной. А может ли сейчас какой-то продукт выделиться среди обширного предложения на любой вкус и бюджет? Line 6, похоже, это удалось, поскольку пара-тройка характеристик у Relay G30 заметно выделяют ее среди многочисленных доступных по цене радиосистем. Первое «не как у всех» относится к частоте передачи. Большинство современных систем работают в диапазоне ДМВ (UHF), и G30 в этом плане не исключение. Отличие та-

ится в том, что в то время как большинство конкурирующих продуктов плещется не так уж и далеко от берега (то есть нижней границы диапазона 300 МГц), эта система гордо машет им рукой почти от буйков (верхней границы 3 ГГц). В ее рабочей полосе 2.4 ГГц, мало кто баламутит радиоволны, и тем меньше риск помех от раций, мобильных телефонов и тому подобного. Вторая принципиальная особенность заключается в том, что G30 передает сигнал в цифровом формате. Тех, кто играет через лам-

повую технику, попросим не кривиться. Дело в том, что в аналоговых радиосистемах динамика «кушается» намного сильнее, чем АЦП современного класса. Это вызвано необходимостью предотвращения перегрузки радиотракта по уровню сигнала, и перестраховка довольно сильная. Цифровой формат делает уровень радиосигнала совершенно независимым от уровня входного гитарного сигнала. Система, как водится, состоит из передатчика (TBP06) и приемника (RXS06). Каждый из них имеет шестипозиционный слайдер переключения каналов. Передатчику не требуется внешняя антенна, а питается он парой батарей АА, которой, как пишут сами Line 6, хватает до 8 часов непрерывной работы. Приемник немногим крупнее и питается входящим в комплект адаптером DC-1. Он же содержит еще одну отличительную, и, пожалуй, самую оригинальную характеристику Relay G30 – функцию Cable Tone, которая позволяет по желанию сделать тон-коррекцию сигнала в сторону менее яркого звука. Зачем? Сейчас поясним. Все гитарные кабели по причине полного (омического, индукционного и емкостного) сопротивления слегка «подъедают» верхнюю часть диапазона. Подбирая и настраивая компоненты гитарного сигнального тракта, «проводные» гитаристы ориентируются на собственный слух, то есть учитывают, хотя и неосознанно, этот фактор. Переходя на радиосистемы, в которых потери куда меньше, они, как правило, замечают, что звук становится резковат или ярковат. Поскольку цифровой радиотракт G30 обеспечивает еще меньшие потери, эта разница бросается в глаза еще сильнее. Чтобы процесс перехода был прост и не требовал перенастройки или замены компонент, Line 6 добавили функцию Cable Tone, которая перед преобразованием сигнала в аналог пропускает его через программную модель физического процесса, происходящего в типичном гитарном кабеле. Кто-то мог уже задаться вопросом, а почему же «зубры» радиосистем не пользуются такой замечательной частотой 2.4 ГГц? Дело в том, что чем больше частота, тем

меньше длина волны, а чем меньше длина радиоволны, тем хуже она огибает препятствия и тем большая энергия расходуется на дополнительную мощность. Все ветераны рынка начинали с производства систем, рассчитанных на стадионные шоу с кучей конструкций и декораций, а законы массового производства требуют придерживаться по возможности одних и тех же технологий во всех продуктах. Поэтому их радиосистемы «клубного» класса работают в тех же диапазонах, что и самые навороченные модели. В данном случае мы имеем модельный ряд (и G30 в нем система начального уровня), который изначально «заточен» на массового потребителя. А в условиях клубной сцены 30 м прямой видимости (номинал дальнобойности G30) – это более чем достаточно. Достаточно, но насколько реальность соответствует номиналу? Подключаем передатчик к гитаре, приемник к усилителю и, наслаждаясь свободой передвижения, радостно убегаем – в процессе играя на гитаре – к границе заявленной зоны уверенного приема-передачи. Никаких сколь-либо заметных слу-

ху изменений в уровне сигнала или качестве звука. Использование в непосредственной близости мобильной связи, Bluetooth и Wi-Fi также не дает никаких признаков воздействия на сигнал. Очное сравнение звучания с подключением через кабель дает однозначные результаты – да, в чистом виде радиосигнал дает больше яркости и субъективной громкости. Настолько больше яркости, что режим Cable Tone в самом «приглушенном» режиме кажется более предпочтительным для большинства задач. Не поймите неправильно, даже на максимуме этот эффект действует именно на уровне нюансов, он просто скругляет большинство слишком острых углов в звуке. А вот в стилях, где яркость и острота в фаворе, без него можно вполне обойтись. На что можно попенять производителю, так это на то, что кабель, которым передатчик подключается к гитаре, коротковат – всего 67 мм. В случае гитар, у которых от ремня до джека очень большое расстояние – например, Flying V – придется как-то выкручиваться, чтобы передатчик не слетал с ремня. G30 – не самая дешевая из систем, ориентированных на клубных музыкантов. Она рассчитана на клубный масштаб сцены, но на профессиональный уровень того, что на ней происходит. Тем, кто хотел бы «сорваться с поводка», но не хочет жертвовать ради этого привычным качеством звука, можно настоятельно рекомендовать познакомиться с G3 поближе.

Удобной характеристикой Relay G30 является то, что приемник питается таким же адаптером как и большинство гитарных примочек. Таким образом вы можете включить его в свой педалборд в цепь перед примочками. Его размер и тип питания позволяют сделать это

GUITARS

ma g a zine

105

ф ото

алиса

хэттон

«Я никогда сильно не зацикливался на том, что и кто делает. Я всегда искал свой путь. Я не следую шаблонам. Я всегда включаю много мелодии в свою игру и, я думаю, что это именно то, что отличает меня от всех остальных. Моя музыка может быть тяжелой и агрессивной, но он всегда мелодична»

«На меня всегда оказывала влияние классическая музыка. С детских лет был погружен в музыку барокко, но до этого я не меньше увлекался рок-музыкой, так что у меня всегда получается некий сплав ma g Все a zi ne мои роковые альбомы содержат элементы классической музыки – все, я повторяю» и рока. GUITARS 106классики

Всякий, кто наслышан о характере Ингви Мальмстина, догадывается, что задавая гитаристу вопросы «в лоб», можно и огрести в лоб в буквальном смысле. Но если за дело берется такой зубр рок-журналистики, как Стив Розен, то можно быть уверенным в успехе дела. Стив немалый авторитет, отметившийся во всех значимых гитарных и музыкальных журналах

интервь

стив

розен

Y n g w ie стокгольмский путь превращени я Необходимос ть д авать откровенное интервью порожд ае т в Ма льмстине противоречивые чувс тва. Справед ливо полага я, что его громкая репу тация не особо нужд ае тся в дополните льных подтверждениях, он не очень охотно вспоминае т подробности своего бурного прошлого. Кака я-то час ть его предпочла бы не ворошить осиное гнездо. Но только часть

олодой шведский гитарист уверовал в свою исключительность еще до того, как сыграл что-то связное. Позже его неспособность выйти из сценического образа за пределами концертного зала привела к невероятному эгоцентризму. В его мире он бы солнцем, вокруг которого вращалось все и вся. За годы саморазрушительная сторона натуры Ингви принесла его окружению немало огорчений, и чуть не убила его самого, когда он по пьяной лавочке попал в автомобильную катастрофу в 1987 году. В 90-е он вошел, уже будучи карикатурой на самого себя – раздувшимся от пива рок-нролльным клоуном. В 2002 году Мальмстин прекратил пить и привел свою жизнь в порядок. Он снова сфокусировался на музыке, а его игра на гитаре разго-

релась возрожденным пламенем. Эта метаморфоза отразилась в вышедшем в 2008 году альбоме «Perpetual Flame», первом после трехлетней паузы и первом на собственном лейбле Ингви Rising Force Records. 13 октября того же года он был удостоен звезды на голливудской Аллее Славы рок-н-ролла и новой подписной модели Fender Stratocaster. Путь превращения стокгольмца Ларса Йохана Ингве Ланнербека в зрелого – в том числе и в житейском смысле – гитариста был пройден. Правда, потребовал немало времени. В 1984 году Ингви Мальмстин был практически безвестен, хотя за год он изменил ситуацию, заявив о себе и своей группе Rising Force, которая впоследствии претерпела много инкарнаций. Сплав шреда и классики породил стиль, который копировали и копируют все, кому не лень.

Но четверть века назад очень немногие знали, даже как правильно писать или читать его фамилию. Впервые Стив Розен встретился с Мальмстином в марте 1984. Возможно, он уже знал, как пишется фамилия Ингви, но чего он не знал, так это того, что впоследствии их взаимоотношения увенчаются дружбой, пройдя перед этим через пиротехнику, потасовки и кровавые инциденты. Стив знал об Ингви понаслышке от своего друга Джимми Вальдо, клавишника Alcatrazz, который собственно и привел гитариста в группу. Джимми проиграл несколько треков со свежего альбома, и потрясенный игрой молодого гитариста Розен согласился, что стоит взять у него интервью, для чего отправился к Мальмстину в гости. Вот как он вспоминает этот визит.

GUITARS

ma g a zine

107

«Дверь открыл высокий худощавый блондин в обнимку с потрепанным Stratocaster. Пока я возился с диктофоном, музыкант продолжил упражнения, которые, судя по всему, прервало мое появление. Я выдержал паузу, после чего в качестве намека пододвинул микрофон к гитаристу. «Нет, чувак, я еще не закончил занятие!» – отодвинул тот его обратно. Прошло несколько минут. Вторая попытка: «Да, это впечатляет…». И снова: «Я еще не закончил!». Еще 20 минут он промурыжил меня в полном молчании. Остаток интервью он не выпускал Strat из рук и оставлял мои вопросы без внимания, осваивая какую-то невероятно сложную гамму. К этому моменту я был уже готов уйти. Тут случилось нечто, что было до болезненности реальным. Ингви показывал мне технику, когда вторая струна заводится в пропил порожка первой струны. Он зажал струны в щепоть левой руки и собирался проехаться таким образом вдоль грифа. Струна врезалась в подушечку его указательного пальца, и кровь потекла вдоль запястья. Эта случилось так быстро, что сначала Ингви никак не отреагировал. Кровь продолжала хлестать, а он пытался игнорировать это и просто ее отряхнуть. Когда он снова попробовал играть, струна въехала прямиком ему в рану, что заставило его резко отдернуть руку от грифа. Так что начало моих отношений с Ингви вышло кровавым. Мы оба оказались забрызганными кровью на этом поле вербальной битвы». Материал был опубликован в крупном гитарном журнале под заглавием «Задиристый бог». Ингви продолжал выступать с Alcatrazz, и все большее число фэнов приходило посмотреть на этого последователя Блэкмора. По мере роста известности Ингви раздувалось и его эго, и жизнь на гастролях с ним стала невыносимой. И только изредка на его месте в автобусе оказывался другой человек, который бренчал на акустике блюзовые песни. Он приносил свои извинения за все выходки и клялся, что больше никогда так не будет. Никто никогда не знал, с которым из Ингви придется иметь дело, не был исключением и Розен, который вновь пересекся с Ингви 7 декабря 1984 года на вечеринке, которую Ронни Джеймс Дио собрал в Cat & Fiddle на Сансет-стрип. Розен и Вал-

108

GUITARS

ma g a zi ne

«В о тличие о т у ймы люд ей, по л у чивши х к лассическое м у зык а льное обра зование и зат ем прише д ши х в рок , я прод е ла л э т о т п у т ь в обрат ном поряд ке ...» до потягивали коктейли, когда нарисовался Ингви со словами «Ты гребаный журналюга». «Было ясно, что он прочитал то интервью», – вспоминает Розен. «На меня не в первый раз так нападали, поэтому это меня не задело. Затем он сделал антисемитский выпад, и на секунду я заколебался – не ослы-

шался ли. Перчатка была брошена, но я по-прежнему игнорировал его. Потом последовал финальный аккорд, Ингви явно наехал на меня, и столкновения было уже не избежать. Я запустил джин-тоник прямо ему в лицо, на время ослепив. После чего кулаком заехал ему в подбородок. Он сперва отъехал – больше спьяну, чем

от удара – после чего мы сцепились. В две секунды появились вышибалы, и в итоге гитариста вынесли на плече, в бесчувствии, как свернутый ковер. В следующий раз я встретил его только через десять лет. В 1994 году японский журнал попросил меня взять у Ингви интервью. Моим первым импульсом было записаться на уроки бокса, но я согласился. Ингви Мальмстин, который открыл мне дверь, был вовсе не тем, с которым я встречался раньше, он распростер руки и обнял меня. Из него лились извинения, он был искренним, раскаявшимся и уязвимым. До самого раннего утра мы с ним разговаривали, играли в бильярд, выпивали и играли на гитарах. Когда я уходил, Ингви попросту ошеломил меня, прошептав: «Мне кажется, у меня появился друг». За последующие полтора десятка лет мне приходилось помногу с ним разговаривать, но он никогда не превращался в того самого «мега-Ингви». И когда я обратился к нему с просьбой о более личном интервью, я знал точно, с каким Ингви пойдет разговор».

Если бы я смотрел через дверную щелку на запись «Perpetual Flame», что бы я увидел? Ты бы, наверное, очень удивился, потому что увидел бы, как я уделяю немало личного внимания таким вещам, как настройка альтов. Я ставлю над альтом микрофон, настраиваю альт, выставляю эквалайзер и наруливаю запись. Я беру аранжировку и по ней говорю барабанщику что и как, потому что я продюсирую запись барабанов. У меня есть маленький рекордер и я записываю на него бас и гитару под клик. Я даже не играю лично с барабанщиком, это он должен играть под мою запись. Когда я записываю альбомный вариант баса, я поступаю точно так же в отношении самого себя, как будто я нанятый басист. И в отношении ритм-гитары я весьма придирчив. Когда приходит клавишник, я исключительно педантичен относительно звуков, текстуры струнных. Вот здесь больше смычка, здесь добавить терцию выше, нет, здесь не эта нота.

И когда дело доходит до соло, я командую – пускайте запись. И – бум! – все готово за секунду. На это я не трачу времени вообще. А когда приходит вокалист, вот тогда начинается самая-самая работа. Я пишу все тексты, каж дое слово. Я так же пишу все мелодии и все гармонию. Как автор песен, продюсер и инженер, я полностью игнорирую гитару, вся гитарная фишка вообще тут ни при чем. Ты описал свой подход к соло, как к чему-то, до чего руки доходят в последнюю очередь и что играется на автопилоте. Но по правде, не хочет ли какая-то часть тебя убрать все соло, какие только были кем-то записаны? Нет-нет-нет. Мне кажется, я понимаю, почему ты можешь так считать. С самого начала я всегда представлял себе, когда играю, что выступаю на публику, даже если рядом ни души. Я всегда был крайне самокритичен, крайне придирчив к самому себе.

«Я очень рано потерял интерес к поп-музыке. Я был влюблен в Deep Purple – мне впервые подарили их пластинку, когда мне было всего 8 лет – и я был потрясен – это была агрессия, мощь, потрясающий звук. Но к тому времени, когда мне исполнилось 10, я мог без особого напряга сыграть весь их репертуар»

GUITARS

ma g a zine

109

Теперь я ощущаю себя более сфокусированным, чем когда-либо. У меня никогда не было настолько хирургической точности в работе. Начинаем копать глубже, Ингви, держись крепче. Одним из критических посылов в твой адрес является мнение, что если мы услышали одно соло Мальмстина, мы услышали их все. Это связано с твоей репликой насчет того, что ты постоянно ощущаешь себя на сцене. У тебя все как бы выкручено на 10. На одиннадцать! (Смеется.) Именно. Как будто ты всю свою жизнь вкладываешь в каждое соло. И поэтому, услышав одно соло, мы как бы слышали все. Что ты ответишь на это? Я могу ответить на это с разных сторон. Прежде всего, если ктото утверждает подобное, он моментом ставит себе диагноз музыкального кретинизма. Если они хотят придерживаться такой критической позиции, то им следует начать с Эрика Клэптона, Стиви Рэя Воэна, Ангуса

Я очень люблю писать песни и записывать альбомы, на которых есть двойная бочка, оперный размах, немного блюзовой фишки и в меру инструментала и вокала. Я не буду делать полностью акустический альбом. Не буду делать полностью инструментальный альбом. Не буду делать полностью блюзовый альбом. Попросту не хочу. Когда ты записываешь балладу вроде «Live To Fight (Another Day)», ты меняешь свой подход к гитарному звучанию? Настраиваешься на что-то помягче? Я достаточно давно пришел к моменту, когда остановился в поисках звука. Это Strat и Marshall, и мне это нравится, потому что дает мне возможность взаимодействовать с инструментом, как скрипач со скрипкой. Мне очень нравится певучий звук гитары. Инструментальные композиции на альбоме требовали от тебя другого подхода к гитаре?

стоит мое имя. Хочешь быть частью этого? Играй именно это. Мне не нужен чужой творческий вклад, мне не нужны подсказки, мне не нужно ничего, кроме того, что я прошу сделать. Вот и все! Вся, мать ее, правда! Но при всем при этом, я всегда стремлюсь к тому, чтобы у меня были лучшие исполнители. Представим себе, что я режиссер, и хочу, чтобы роль играл Роберт Де Ниро. Понятно? Я же не буду нанимать Пиви Хермана. Но обратите внимание – я нанимаю. Я выкладываю 60 штук на аренду турового автобуса, а не кто-то другой! Это поднимает перед нами еще один вопрос: Ингви как босс группы и Ингви как один из участников группы. Уходя из Alcatrazz, ты точно знал, что больше никогда не будешь «одним из»? Абсолютно! До переезда в Америку я двигал свой проект в Швеции. У меня были тысячи разных барабанщиков и тысячи разных басистов. Я приехал в Америку и прошел через Steeler

Когда я еще был в Швеции, примерно в 1981 году, я заключил с одним парнем сделку, что если я приведу в порядок 200 его гитар, он расплатится со мной оборудованием для записи. На этой сделке я заработал микшерный пульт и четырехдорожечный магнитофон. Вот так я приобщился к звукозаписи Янга, Ричи Блэкмора, Билли Гиббонса – список можно продолжать бесконечно. Они играют одно и то же соло, только три ноты, а не тысячу, так что у них еще меньше вариаций. Ни один музыкант не склонен к самоповтору в такой же степени, как гитаристы. А на деле, весь мой подход к гитаре всегда основывался на том, чтобы вырваться из замкнутого круга блюзового кровосмешения. Потому что это самый ограниченный, самый примитивный способ играть любую музыку. «Magic City» имеет определенный блюзовый привкус, она сильно отличается от остальных вещей на альбоме. Ты бы мог записать целый альбом с собой в роли вокалиста? Моя сестра услышала ее и сказала – о, тебе стоило бы все петь самому. Я очень рад, что людям нравится, но для меня это было бы, как ехать на Ferrari, не переключаясь с первой скорости на остальные.

110

GUITARS

ma g a zi ne

Нет, это не вопрос изначального планирования, играешь так, как будет в кассу, и все. Когда я играю, я уделяю много внимания точности интонирования, вибрато и экспрессии нот. Это все очень-очень важно. Я считаю, что как бы ты ни играл – медленно или быстро, всему этому требуется уделить одинаковое внимание. Я думаю, что люди несколько зарубаются на разнице между медленной и быстрой музыкой. И то и другое – музыка. Как все певцы и барабанщики относятся к тому, что им конкретно диктуют, что играть и петь? Если собрать всех бывших участников твоей группы вместе, не скажут ли они хором – у Ингви концептуальное мышление, но он завернутый на контроле засранец? Хочешь правды? Без гребаной деликатности, пошла она куда подальше? Я башляю! Я автор, продюсер и аранжировщик. На альбоме

и Alcatrazz. Мне это по-своему нравилось, но я точно знал, что так долго продолжаться не может. Всякий раз, как я отклоняюсь от своего метода работы, я становлюсь несчастным. Мне это не нравится. Я это ненавижу. Всякий раз, как я давал вокалисту написать текст или басисту сыграть на свое усмотрение, или работал со сторонним продюсером, я говорил себе – нет, не то! И я всегда стыдился сам себя, потому что получалось, что я ленюсь. У меня только одна жизнь на то, чтобы оставить после себя наследие, и я должен потратить ее именно на это. Я не хочу, чтобы у меня были какие-то там тексты. Я очень серьезен в отношении того, что делаю, и я не хочу тратить время на какие-то социалистические, мать их, демократические идеи. У меня все просто: хочешь быть частью моего дела? Отлично. Не хочешь? До свидания. Ладно, мы поговорили о новом альбоме, и теперь углубимся в

ф ото

алиса

хэттон

«Мой арсенал сложился совершенно случайно. Когда Marshall в 70-х выпустили усилители с мастергромкостью, никто в Швеции больше не хотел покупать старые усилители Marshall Plexy. Все хотели от них избавиться! А мне хотелось иметь много усилителей, я решил, что проще разжиться теми, что никто не хотел»

«Мне нравится чистота звучания Strat, но их синглы не дают достаточно сустейна и обертонов. Поэтому я перепробовал много педалей. Продавец магазина посоветовал мне DOD 250. В ту же минуту, как я ma g a zine GUITARS ее включил, я знал, что это именно тот звук, который нужен. Не дисторшн, а просто большие ноты»111

«Когда я записываю соло в студии, я импровизирую, просто безумствую, и надеюсь, что я приземлюсь в нужной точке. Если настроение правильное, и если есть мелкая помарка, я скорее оставлю все как есть»

историю. Есть байки, о том, как в туровом автобусе Alcatrazz ты швырял свои пропотевшие сценические шмотки на полку Джимми Вальдо. Это правда? Клянусь могилой своей матери, что я не помню за собой такого. Скажу больше, и это чистая правда – если такое было, то непреднамеренно. Я никогда бы намеренно не сделал подобного. Это просто не мой стиль. Я так не поступаю. Еще слух: ты намеренно дал своему технику по зубам гитарой… Нечаянно, да. Свет был погашен, я отдавал ему гитару и сунул прямо в зубы. Это была неудачная случайность. Конечно, я потом об этом очень сожалел, но клянусь, это была случайность. Я давал людям по зубам преднамеренно, да, но не в этом случае. (Смеется.) Ага, некогда ты и мне чуть не выбил зуб. Не может быть! Правда, что ты имел обыкновение пойти в бар и нарваться на драку? Конечно! Я был очень молод, и наверное, крайне нагл. Это было давно, и мне трудно вспомнить эти моменты. Сейчас я бы так себя специально не вел. Я уверен, что многим сложно отделаться от одного ощущения, видя, как ты играешь. Есть такое чувство, что ты хочешь что-то кому-то доказать – то ли слушателям, то ли самому себе. Я бы не стал использовать слово «доказать». Единственное, как я могу описать свое отношение к тому, что делаю, это то, что поражение просто не рассматривается. А поражение – это снижение планки в мастерстве, энергии, страсти, шоу и развлечении публики. Я никогда не чувствую, что выполнил миссию, поэтому всякий раз, как я выхожу на сцену, ты чертовски прав, я выдаю все, на что способен.

«Я думаю, что мой характер таков, что чем бы я ни занимался, я никогда не сдаюсь. Чем сильнее сопротивление, чем больше высота, тем увереннее я стремлюсь к цели. Остановить меня можно, только убив»

112

GUITARS

ma g a zi ne

Обратной стороной медали является то, что некогда ты употреблял алкоголь и наркотики в серьезных масштабах. Это влияло на твою игру?

Это влияло на мою жизнь! Я дошел до точки, когда дело было настолько плохо, что все вокруг превращалось в дерьмо само собой. Я был бесконтролен какое-то время, но последние пять лет я трезв, и это как новая жизнь. Для меня это был важный поворот, и, думаю, он достиг кульминации на этом альбоме. Потому что вплоть до этой записи, я всегда был под влиянием какого-то дерьма. Но сейчас я полностью свободен от всего, и, на мой взгляд, это отразилось в том, как вышла эта работа. Сейчас Fender выпускают твою новую подписную модель, а мог ты представить, когда только начал играть, что они твоим именем назовут гитару? Я был убежден, что у меня никогда не будет такой гитары и смирился с этим. Вообще, когда я только вышел на сцену в Штатах, все гитарные компании, какие только можно себе представить, стали обивать мой порог. А я говорил, спасибо, не стоит утруждаться. А Fender до той поры никому не делали гитар бесплатно – ни Беку, ни Клэптону, ни Хендриксу. Всем приходилось покупать их гитары. Я так польщен тем, что стал первым, кто получил гитару собственной модели бесплатно. Я помню Дэн Смит, директор по маркетингу Fender, приехал в Лонг Бич. Они хотели замерить мои гитары и сказали – мы хотим сделать вам гитару с вашим именем. Вау. Я сказал – хочу датчики DiMarzio. Я думал, они откажутся, но мне ответили – да, конечно. Я сказал, ради шутки, хочу свое имя на голове грифа. Вот на самой голове. И снова окей! Для меня это был полный сюр, а это был 1986 год. И это был твой первый персонализированный Fender. Да, а потом появилась новая, чуть измененная модель, которая абсолютно фантастическая, и я играю только на ней. Но они также выпустили сейчас реплику той самой гитары, которую я взял с собой из Швеции.

У меня была гитара и запасная пара штанов! И на основе этой гитары они сделали реплику, которая называется Play Loud, и она абсолютно невероятна. Это выше всяких почестей. Когда в тот первый раз ты попросил датчики DiMarzio, они в ответ и глазом не моргнули? Если честно, уже и не припомню точно, но я думаю, что целью Дэна, храни его Господь, его целью было сделать гитару, на которой я бы сам хотел играть. Хочу рассказать занятную историю. Я был в Техасе, записывал «Odyssey», и ко мне в студию приехал Дэн с прототипом. Я даже не поменял на нем струны. Я просто сказал технику – настрой ее и подключи. И соло на «Heaven Tonight» – это та самая гитара. И я решил, что это отличная штука. И Дэн был тоже очень рад. И подписная гитара, которая выпускается сейчас, действительно такая, как надо, с точным скалопированием и всем остальным? Да, я играю только на ней. Она потрясающая, невероятная. Что должно привлекать в гитаре тех, кто впервые увидит Play Loud? Гитара Play Loud несколько отличается от Malmsteen Signature. Она делается вручную Джоном Крузом и другими мастерами его калибра, и это совершенно фантастическая штука, потому что, когда мне прислали экземпляр, и я открыл кейс, я подумал, что это оригинал. Который у меня уже 30 лет. Мне пришлось долго вглядываться, прежде чем я понял, что это не он. Это просто взрывало мозг. Вот насколько круты эти мастера. Я все это воспринимаю не так, как кто-то еще. Поэтому мне сложно объяснить, что это такое, кроме того, что это великолепная гитара безотносительно моих личных заморочек. Что касается моей подписной модели, это как тюнингованный Ferrari, просто крутая штучка. Это монстр и, конечно же, инструмент для музыканта. Сингловый звук без фона, отменные лады джамбо, для меня это вершина. Я знаю, что многим достаточно взять ее в руки, чтобы крепко на нее подсесть.

GUITARS

ma g a zine

113

фирменный стиль и легендарное имя

сли продукция компании упакована в коробки, на которых слова «гитарный усилитель» пишутся на пяти языках, можно сделать вывод, что речь идет о крупном игроке мирового рынка. Конечно, Marhsall достигли такого статуса десятилетия назад и, что примечательно, удерживают его и сегодня. В то время как флагманские продукты Marshall попрежнему производятся в английском городке Блетчи, у Marshall есть также производства в Индии, Вьетнаме и с недавних пор в Китае. Новая производственная ли-

Перед инженерами Marshall стояла сложная задача – создать максимально универсальный усилитель за все время существования компании

114

GUITARS

ma g a zi ne

ния выпускает новый же модельный ряд продуктов со знаменитым «рукописным» логотипом. Серия Marshall JMD-1 – это цифровой предусилитель на основе алгоритмов шведских гуру моделирования Softube и традиционная секция мощности на лампах EL-34. Визуально порода JMD-1 опознается безошибочно – золотистая панель управления, золотистые ручки, блестящие защитные уголки с золотистыми шурупами и, конечно же, логотип Marshall. Это один из самых знаменитых и узнаваемых брендов на планете. Виниловое покрытие у JMD-1 выглядит несколько более тонким, чем на британской продукции, но все равно прочное и качественно нанесенное. Электроника расположена в крепком стальном шасси, в котором запрессованы усиливающие элементы и крепления. Источник питания, секция мощности и компоненты предусилителя (включая цоколи ламп) расположены на одной большой печатной плате с металлизированными отверстиями. Доступ к лампам мощности легок, но драйвер ECC83 (12AX7) утоплен достаточно глубоко, и его не так-то просто заменить. Впрочем, эту операцию требуется проводить не чаще, чем раз в два года нормальной эксплуатации. Вторая плата, находящаяся за панелью управления, содержит потенциометры, переключатели и логические элементы. Также на нее устанавливается дочерняя плата с цифровой обработкой. В 50-ваттных комбо и 100-ваттных головах набор органов управления одинаковый, поэтому и плата используется одна и та же. Поскольку у комбо относительно голов шасси ставится вверх ногами, панель управления также развернута на 180 градусов и соответствующим образом промаркирована. Обе главных платы соответствуют высоким стандартам, а коммутация между ними осуществляется мультиконнекторами. Общая картина JMD-1 изнутри выглядит грамотно продуманной и ориентированной на простоту и быстроту обслуживания. Хотя у большинства имя Marshall ассоциируется с ламповой техникой, не будем забывать, что компания добилась немалого успеха и на транзисторном поле с такими сериями, как AVT и MG. Поэтому появление продуктов с полностью цифровым формированием сигнала – чем является JMD-1 – не такой уж большой шаг в сторону. Но прежде чем отмахиваться чесноком и распятием, обратите внимание, что этот цифровой предусилитель тем не менее подключен к секции мощности с двумя или четырьмя лампами EL-34, обеспечивающими должное благородство звучания.

Тыльная панель JMD-1 содержит двухрежимную (параллельная/последовательная) петлю эффектов с переключаемым уровнем. Уровень микса в параллельном режиме, а также включение/выключение петли могут входить в состав пресета. Также на панели находится линейный выход с эмуляцией кабинета, линейный вход для CD/mp3 плеера, выход на наушники и отдельный выход с предусилителя для подключения внешнего усилителя. Завершает список пара разъемов MIDI и гнездо для входящего в комплект 6-кнопочного контроллера. Контроллер может работать в двух режимах – назначения на переключатели и назначения на пресеты. В первом режиме можно поставить в соответствие любой кнопке на контроллере любую кнопку на передней панели усилителя. Во втором режиме можно запоминать текущие настройки в любой из 28 пресетов, организованных в 7 банков по 4, и потом вызывать их. 4 кнопки контроллера выбирают пресеты в банке, оставшиеся две листают банки взад-вперед. В целом управление организовано очень продуманно и доступно для понимания. Единственное, для чего непременно стоит свериться с руководством пользователя – нюансы работы с MIDI и напольным контроллером. Само руководство написано в маршалловских традициях – грамотно, подробно и удобочитаемо. Например, каждая из 16 моделей имеет описание, включающее в себя информативное объяснение топологии прототипа. Любой цифровой усилитель, который согласно рекламе воспроизводит саунд хорошо известных усилителей и обработки, ставит себя под обстрел критики. Всякий слышит звук по-своему, поэтому, скажем, тот, кто разрабатывал модель JCM 800 для JMD-1, может иметь относительно тембра, отклика и динамики этого усилителя видение несколько отличное от ожиданий конкретного покупателя, включающего усилитель в магазине. Поэтому не будем вдаваться глубоко в то, насколько точно та или иная модель соответствует оригиналу, просто констатируем, что они звучат хорошо и располагают к тому, чтобы поиграть.

Обострившаяся конкуренция со стороны производителей усилителей со встроенными эффектами модуляции и системами моделирования звучания вынудила Marshall начать работу по созданию агрегата для гитаристов с новыми запросами к аппаратной части усилителей Предусилитель содержит 16 различных моделей звучания, разделенных на категории clean, crunch, overdrive и lead. Усилиями Softube они воспроизводят некоторые из наилучших образцов звучания из богатой истории Marhsall. Далее (слева направо в случае комбо или справа налево в случае головы) за кодером переключения моделей следует знакомый набор из пяти ручек настройки – гейн, громкость, низ, середина, верх – за которым расположены настройки цифровых эффектов, управляющие параметрами различных задержек, модуляций и реверберации. Над (или под) этими ручками находится ряд кнопок, которые позволяют запоминать и вызывать пресеты каналов, индивидуально включать-выключать отдельные эффекты и программировать напольный контроллер. Завершают список глобальные (непрограммируемые) настройки presence и мастер-громкости.

GUITARS

ma g a zine

115

Несмотря на обилие новых технологий в конструкции JMD, новый усилитель и выглядит, и звучит, как настоящий Marshall, каким мы его любим

Справедливости ради надо отметить, что некоторые из звуков JMD-1 очень близки к оригиналам. Особенно хорошо удались модели JMP-1 и JCM 2000. А в отношении некоторых моделей приходится верить на слово, поскольку прототип в природе не найти. Например, режим Crunch 5 сочетает предусилитель 18-ваттной модели 1974 года с тембр-блоком 1959 Super Lead. Сложно сказать, адекватно ли это звучание соответствующей комбинации сопротивлений и конденсаторов, но это в любом случае хороший, плотный ритмовый звук. Среди других удач можно назвать Clean 3 (на основе JMP1), Crunch 7 (на основе Haze 40), Overdrive 11 (педаль Bluesbreaker, подключенная к JCM 800) и Lead 15 (снова Bluesbreaker, но на этот раз с DSL 100). Встроенные эффекты JMD-1 имеют немалую глубину и хорошо окрашивают все модели усилителей. Модуляционные эффекты включают в себя фейзер, фленжер, хорус, тремоло, а также к ним присоседился быстрый гейт. Секция задержки включает в себя ленточный, аналоговый, цифровой и multi-tap варианты. Как обычно бывает в подобных усилителях, одновременно можно использовать по одному типу эффекта из каждой секции, а лучший вариант получается, когда мы сперва наруливаем вполне устраивающий нас и без обработки звук, который после постепенно украшаем эффектами. Типы модуляции и задержки задаются поворотом кодеров, зона работы которых поделена на соответствующие сегменты. Это требует определенной ловкости, так как за небольшой угол поворота многое может измениться. По счастью, возможность сохранять пресеты избавляет от необходимости проявлять эту ловкость слишком часто. Вполне в духе «взрослых» Marshall, в целом звучание и характер JMD-1 не из робких – это мощный, напористый усилитель, который выигрышнее всего звучит на большой громкости, когда прокачка ламп мощности дает свой вклад в микс. Цифровые усилители часто подвергаются критике за нехватку динамического диапазона, но благодаря тому, что в секции мощности у JMP-1 работают EL34, в его случае это не проблема. 100-ваттная голова, подключенная к кабинету 4 х12, способна перекричать самого громкого барабанщика, а 50-ваттный комбо идеален на малых и средних площадках. С точки зрения звука между двумя вариантами усилителя очень небольшая разница. Запас мощности 100-ваттной модели делает более читаемым чистый и умеренно перегруженный звук, в то время как 50-ваттник на концертном звучании делает дисторшн более пробивным. Серия JMD-1 бросает серьезный вызов многим другим цифровым усилителям. Комбинация аутентичных маршалловских моделей и ламповой секции мощности дает очень убедительную, широкую палитру звуков, которая одинаково хорошо применима как в тяжелом роке и металле, так и в джазе и кантри. Для тех, кому нужны эффекты, но не нужна возня с кабелями и блоками питания, это также будет неплохим решением, хотя забывать о серьезной конкуренции со стороны Line 6 не стоит. Но вот с чем невозможно конкурировать – это с фирменным стилем и именем Marshall. Пусть и цифровой, JMD-1 имеет за плечами все то же могучее наследие.

116

GUITARS

ma g a zi ne

Прикольные фишки обмен гитарными мыслями Шутливое издевательство над известными музыкальными произведениями, которые переаранжируются в новых жанрах, темпах и размерах, является популярным развлечением среди гитарных маньяков. Зачастую прелесть новых музыкальных фрагментов может быть понятна исключительно самим исполнителям

For The Laugh Of God сергей т ынку

Что может быть увлекательнее, нежели брать какую-то известную классическую мелодию и переделывать ее в нечто новое? Это отличная разминка для рук и, что немаловажно, для мозгов. В результате рождается, с одной стороны, нечто до боли знакомое, а с другой – новое, ранее не изведанное. Композиция «For The Love Of God» является одним из самых популярных сочинений от Steve Vai. И именно ею он предпочитает заканчивать практически все свои концертные выступления. В связи с этим неудивительно, что играть тему из FTLOG (именно так ее называет сам автор) умеет невероятное количество гитаристов по всему миру. Мне хотелось как-то выделиться из общей массы поклонников Стива. И было желание воплотить в музыке частичку того знаменитого юмора, которым Стив очаровал лично меня. Надо сказать, что играть пальцами в стиле fingerpicking у меня получается несколько лучше, нежели обычным медиаторным shred-style. В результате я, попытавшись сохранить гармонию, выкинул множество нот из мелодии, максимально все упростил и сделал эту крезовозадумчивую пьеску для акустической гитары. Стив смеялся, получив эти ноты по мейлу.

GUITARS

ma g a zine

117

M AR S HA L L

т в о й

к л а с с

ак говорится в старой поговорке – не было гроша, и вдруг алтын. Вчера ты днем с огнем искал бюджетный – то есть, производимый не в бутиках – «низковаттный» ламповый комбик, сегодня просто глаза разбегаются от разнообразия, наперебой предлагаемого всевозможными производителями. Но, разумеется, в этом многоголосье обращаешь внимание прежде всего на громкие имена. Встречайте Marshall Class 5 – пятиваттный ламповый комбо Класса А, сделанный по принципу трех «П» – простота, портативность, порода. Пара ламп ECC83 (12AX7) формирует звук в предусилителе, а одна EL84 придает ему громкость, достаточную – как пишут сами Marshall – для занятий, репетиций и живых выступлений «камерного» формата. Никаких заморочек – воткнулся, включил, заиграл, как и полагается. Визуально

Первое десятилетие нового века принесло новый тренд на рынок гитарных усилителей. как и пятьдесят лет назад, музыканты опять захотели маленькие усилители класса А

Устав от обилия регулировок на сложных современных аппаратах, музыканты ощутили тягу «вернуться к истокам», которые представлены относительно недорогими простыми усилителями компактных размеров

118

GUITARS

ma g a zi ne

Class 5 отдает дань заслуженным Marshall «Bluesbreaker» середины 60-х и 18-ваттным комбо: черный винил, панель в стиле плекси наверху и узкая полоса над динамиком. Окантовка передней стенки имеет золотистый цвет (в отличие от стандартного белого), а защитная ткань имеет текстуру «соль с перцем», в отличие от узнаваемой «полосочки» у Bluesbreaker. Комбо смотрится, достаточно солидно, чтобы вас с ним не подняли на смех, но при этом достаточно компактен, чтобы его можно было перевозить в салоне любого легкового автомобиля. Marshall производят Class 5 на своей английской фабрике в Блетчи. В период падения покупательского спроса в целом, и на дорогие крупноформатные усилители в частности, выпуск массового (как минимум потенциально) продукта, несомненно, позволит производственным мощностям не простаивать впустую. И, разумеется, это самым благотворным образом сказывается на общем качестве изготовления, особенно в том, что касается кабинета из качественной березовой фанеры. Но есть и обратная сторона – стоимость производства отражается в заметно большей, чем в среднем по этой категории комбо, цене. Не многовато ли получается за пять-то ватт? Задаваясь этим вопросом, прежде всего, напомним себе, что речь идет не о прикроватной игрушке, а об аппарате профессионального класса. И будучи по общему уровню аналогичным мощным ламповым собратьям британской сборки, этот комбо вполне адекватно стоит в разы дешевле, чем они. Роль шасси усилителя выполняет коробка, согнутая из алюминия. Довольно тонкого, надо сказать, но это компенсируется тем, что она привинчена к передней и задней панелям, так что изгибаться или смещаться ей некуда. Внутри шасси закреплена одна-единственная печатная плата, на которой находится большинство компонентов, включая цоколи ламп. Исключением являются трансформаторы, разъем питания и выходы на наушники и кабинет, которые монтируются прямо на шасси. Все привинчено накрепко, а главная плата надежно покоится на металлических опорах. Сзади кабинета имеется небольшой фазоинвертор, который делает низы более плотными и насыщенными и одновременно дает достаточно дыхания, чтобы кабинет звучал не слишком узконаправленно или коробочно, что нередко случается с маленькими усилителями. Чтобы заменить лампы, вам потребуется снять заднюю панель целиком, что занимает несколько минут. Очень нелишним является выход на наушники, при подключении которых динамик автоматически отключается, и можно заниматься в тишине. А выход на кабинет (16 Ом) дает возможность звучать масштабно через 2х12 или 4х12. Один вход, одна ручка громкости (нет отдельной настройки гейна), никакого переключения каналов – Class 5 предполагает старый добрый способ управления звуком при помощи ручки громкости на инструменте. Берем Stratocaster винтажного плана и смотрим, какой получается результат. Первое, что замечаешь, это насколько откровенно громок Class 5, более чем достаточно, чтобы ваши соседи позвали участкового. Это значит, что комбо рычит достаточно убедительно для среднестатистической репетиции и даже способен без подзвучки пробивать в зал. Разумеется, если у вас не слишком шумный барабанщик и у вас нет потребности получать на максимальной громкости чистый, без примеси перегруза, звук.

Отличие класса А от других небольших недорогих усилителей состоит в исключительно высоком качестве звука, который идеально впишется в музыкальные задачи любого уровня В целом характер звучания ожидаемо родственен племени Plexi/Bluesbreaker, с такой же нахальной серединой, которая, правда, слегка смягчена и скруглена меньшей мощностью и – без сомнения – характеристиками лампы EL84. Выкрутив на Strat максимальную громкость, переносишься в 60-е, вторгаясь на территорию Джими Хендрикса и Джеффа Бека. Гитара с хамбакерами, в стиле Gibson, дает дополнительную ступеньку драйва, который на полной громкости инструмента достаточен для певучих соло и трюков с обратной связью. Это территория жирненького, подкомпрешенного звука, простирающаяся от Клэптона эпохи Bluesbreakers до хорошего кранча в стиле AC/ DC. Еще раз напомним, что усилитель мал, но очень громок. Настройки тембра влияют на звук не особо радикально – равно как и у классических Marshall – они интерактивные. Лучшим рецептом будет выкрутить низ и верх на максимум, а манипуляции с тембром осуществлять настройкой середины. При громкости усилителя не больше, чем на 12 часов, остается достаточно запаса до откровенной перегрузки, и можно подключать педали для вариации структуры звука или в качестве отключаемой раскачки. Поэкспериментировав с различными популярными педалями овердрайва, можно получить полную гамму звуков блюза и южного рока в духе Билли Гиббонса, Дэвида Гриссома и так далее. Учитывая не раз уже упомянутую громкость усилителя, домашние занятия в поздний час лучше всего проводить в наушниках. Правда, не стоит раскочегаривать при этом Class 5 на полную катушку. Во-первых, это будет удар по барабанным перепонкам, а во-вторых, слишком резкий тембор. А вот, задействовав выход на кабинет, вы будете поражены резким апгрейдом звука. То движение воздуха, которое обеспечивает 4х12, делает звук Class 5 гигантским. Пару десятилетий назад посетители музыкальных магазинов глумились бы над Class 5 от души. В то время пятиваттный усилитель воспринимался как антипод крутизны. Времена с тех пор сильно изменились, и многие гитаристы пришли к выводу, что понты понтами, а хорошо раскачанный маленький усилитель часто звучит куда более музыкально, чем огромный стек. Расплачиваться за эту певучесть приходится, конечно, запасом «чистой» громкости, поэтому те, кому требуется безупречно чистый звук концертного формата, должны выбирать что-то еще. Однако, если вам нужен простой ламповый агрегат по производству вкусного кранча и классического драйва – непременно попробуйте этот усилитель. В нем оптимальный баланс качества звучания, полезной громкости, портативности и вполне приемлемая за все это цена. Class 5 явно создавали как обреченный на массовую популярность продукт. И весьма и весьма небезосновательно.

GUITARS

ma g a zine

119

В пятилетнем возрасте он начал осваивать фортепиано, но когда в семь лет увидел постер великих «Кисс», судьба молодого дарования была предрешена. Ричи с особым рвением начал терзать струны электрогитары, и к своим семнадцати парень уже получал приглашения известных музыкантов

RICHIE KOTZEN и

НОВ ы Й МОНСТР С ГИТАРНОЙ П ЛАНЕТЫ

В дебютном альбоме на лейбле Shrapnel Records игра Richie Kotzen была описана как «помесь Steve Vai и Joe Satriani, но с его собственным неповторимым стилем». С невероятной технической g a zi ne в своей игре показывает нам необыкновенное сочетание техники и вкуса GUITARS maРичи 120одаренностью

ервый концерт своего октябрьского турне по Великобритании Ричи Коцен отыграл в лондонском клубе Underworld, расположенном в самом центре богемного района Кэмден. Гримерка этого знаменитого клуба, в стенах которого лондонцам в свое время доводилось лицезреть многих из тех, кто позже обрел статус монстров стадионных аншлагов – от Smashing Pumpkins до Offspring – стала тем местом, где Коцен поделился с Guitars пояснительными замечаниями к новому альбому Peace Sign, а также взглядами на то, что важно, a что второстепенно в профессии каждого серьезного гитариста. Атмосфера за кулисами Underworld на этот раз царит строгая, почти аскетическая. В первый раз за много лет эту гримерку можно видеть чисто убранной, а не заваленной сценической одеждой, коробочками с гримом, аэрозолями для волос и едой, как это здесь всегда бывает. Нет ни сумок, ни реквизита, ни термосов, ни бутылок с выпивкой. Вместо этого передо мной только сам Ричи, одетый в клеши и хипповую вышитую зеленую рубашку – в ней несколько часов спустя он выйдет на сцену. Эта строгость и отказ от всего лишнего находят свое отражение и в том, как Коцен общается с журналистами. Kак он ведет себя во время интервью, порой напоминает и его подход к игре на гитаре – то, как он может изложить любую идею в нескольких коротких фразах, но в то же время способен развить любую тему дальше – так, как ему подсказывают в равной степени интуиция и логика. «Для меня разница между игрой в качестве сольного артиста и игрой в группе точно такая же, как между домом и гостиницей», – начинает Ричи, после паузы начиная рассказывать более подробно: «Иногда в отеле неплохо остановиться. Там, допустим, есть бассейн и каждый день кто-то убирает, но, знаешь ли, у меня дома тоже есть бассейн, и с домом ничто на самом деле не сравнится. Нормальная ситуация для меня – это то, что я делаю сейчас. Пишу песни, пою и играю. Делая это, я счастлив. В группе играть весело, но, как показал опыт, не все время. На какой-то стадии настал момент, когда я решил, что пора возвращаться домой. Что я и сделал, начав записывать свои собственные альбомы. Это то, что мне нравится, это то, кто я есть». Качество нового альбома, конечно, целиком оправдывает такой взгляд на вещи. Тщательно продуманный релиз со множеством тонко выверенных композиционных и инструментальных нюансов, раскрывает суть Коцена-композитора, в то же время оставляя место для спонтанных гитарных экстраполяций, при всем при этом умудряясь исследовать глубоко личные эмоциональные состояния, погружаясь в чувства, по серьезности и глубине не находящие себе равных ни на одном из его предыдущих альбомов. Продолжаясь в ключе коценовского фирменного плавильного котла стилей конца 60-х – начала 70-х, он, с одной стороны, продолжает брать за основу традицию, а с другой – пропускает фанк, блюз, соул и классический рок через призму уникального вИдения самого Ричи. Благодаря этому видению и возникает элегантно выдержанная атмосфера этого альбома, атмосфера, которую создать может только Коцен. Сквозь идеально

продуманные музыкальные формы и стройные, изящные манипуляции традиционными композиционными элементами слышится то самое особое чувство тоски и порыва – поэтичное и тревожное, глубоко эмоциональное глубоководное течение, которому Коцен всегда был обязан лучшими своими моментами – как в игре на гитаре, так и своих вокальных партиях. Его фирменная комбинация виртуозных гитарных соло и голоса, который может пройти диапазон от дискантного дрожания до грубых низов, заставляет такие трэки, как «My Messiah» попасть в самое яблочко. Плюс, конечно, все они основаны на прекрасных мелодиях. В конце концов, разве могут существовать великолепные гитарные соло в отрыве от великолепных песен?

Новый альбом является логическим продолжением всех предыдущих работ Ричи, но при этом очевидно, что тут есть шаг вперед на фоне прошлых записей

С присущими ему мастерством и вкусом Ричи выполняет филигранную работу ювелира по заточению песен в изящные оправы изысканных аранжировок Что касается стиля и жанра, «Peace Sign» не сильно отличается от всех тех альбомов, которые Коцен стал выпускать начиная с «Mother Heads Family Reunion» в 1994 году, альбома, который он до сих пор называет своей первой настоящей работой, на которой он наконецто нашел свой собственный голос. Но по сравнению с предыдущим студийным альбомом 2007 года, «Go Faster», его фирменная смесь фанка, блюза и классического рока идет дальше, устремляясь не только в стилистическую ширину, но и в эмоциональную глубину. На основных треках – «Paying Dues» и «Your Entertainer» – легкое парение его гитарных партий почти касается дна тех глубин, которые он затронул на альбоме джазмена Стэнли Кларка 1999 года «Vertu», демонстрируя, что у Коцена в резерве всегда были вещи более серьезные и глубокие, чем виртуозная техника и талант к написанию безупречных песен. Интересуясь тем, как он сам видит свой новый опус, я начинаю нашу беседу с вопросов о новом диске.

GUITARS

ma g a zine

121

Достаточно ли времени прошло после выхода твоего нового альбома для того, чтобы ты начал рассматривать его объективно, или ты до сих пор сильно привязан к нему? Для меня он все еще свеж, и я до сих пор не привык к нему. Не привык, потому что он только что вышел. Я не из тех, кто по многу раз переслушивает свой материал. Я до сих про разучиваю эти песни – возвращаюсь к ним и пытаюсь вспомнить, как и что я там делал. Так что в этом отношении он для меня все еще свеж. Ты доволен тем, каким получился этот альбом? Да, доволен. Это интересно, потому что я из тех людей, которые все время думают, что их последняя работа – самая интересная и самая лучшая. И мне кажется, что это хорошо, потому что это значит, что я не застреваю в прошлом. Я не ностальгирую по своим старым альбомам. Мне всегда интереснее думать о том, что я сделал только что. Когда я выпустил «Into the Black», я думал, что это была моя лучшая пластинка из всех, когдалибо мной записанных. А теперь, когда вышел «Peace Sign», мне тоже кажется, что это мой лучший альбом. Так что мне кажется, что до тех пор, пока у меня появляются такие чувства, я продолжаю делать что-то правильно. Мне еще показалось, что от этого альбома пахнет Вудстоком... Kaким? Первым, который был в 1969 году. Такие трэки, как «Long Way from Home», мне показалось, несут в себе эту атмосферу. Это ты таким образом отмечаешь сороковую годовщину Вудстока или такого типа энергия всегда с тобой? Понимаю, какую параллель ты проводишь, и мне она нравится, я согласен, все правильно. Но еще в 1994 году я выпустил пластинку под названием «Mother Heads Family Reunion»… Твой четвертый альбом, конечно. И во многом, несмотря на то что, как ты говоришь, это был мой четвертый релиз, это был мой первый альбом, на котором я наконец-то почувствовал себя комфортно, стал самим собой. Мой первый альбом был инструментальным, мне тогда было 18 лет, на следующем альбоме я начал петь... А к тому времени мне уже было 24, я уже несколько лет жил один, понабрался жизненного опыта, и эта пластинка стала началом моего пути. И через эту пластинку и через все последующие проходит одна нить, этот самый саунд, о котором ты говоришь. Корни всего этого уходят в тот факт, что когда я рос, я слушал много разной музыки: музыкантов эры Вудстока, Хендрикса, Дженис Джоплин, «Роллинг Стоунз». У моей мамы были все эти пластинки, я ходил на их концерты, когда они приезжали в Америку, когда они были еще молодыми, когда материал у них был свежий, захватывающий, волнующий. Так что, когда я рос, все эти пластинки звучали у нас дома. А с другой стороны, моему отцу нравился соул, и у него были пластинки Оттиса Реддинга, их он тоже крутил. Так что в том, что оказало на меня влияние, был выдержан баланс между роком того периода и соулом, который я люблю до сих пор.

122

GUITARS

ma g a zi ne

А годы спустя ты сам отправился в турне с «Роллинг Стоунз», не так ли? Получил ли ты от турне с ними какой-то особый музыкальный опыт, было ли что-то, чего ты, допустим, не ожидал? Это было очень интересно. Я никому не стал говорить, что я еду с ними в турне, пока не отыграл первый концерт. Я просто нервничал, боялся, что что-то случится и все сорвется. Даже когда я уже находился в самолете и летел в Японию, я все равно думал, что все еще может сорваться, поэтому решил, что лучше буду молчать. А после того как отыграл первый концерт, тогда сразу написал в своем блоге: «Я только что «грел» «Роллинг Стоунз» в Японии». И я был с ними в течение всего их японского турне. Три недели, пять концертов. Это были самые легкие концерты, которые мне доводилось играть за всю мою жизнь. Саунд-чек и все остальное шло как по маслу. У них все работает, как хорошо отрегулированная машина. Я захожу – все готово, они прекрасно со мной обращались, их команда... Со многими парнями из их команды я был знаком уже несколько лет, так что там были знакомые лица, и я моментально почувствовал себя в своей тарелке. И, конечно, когда Роллинги играли, это было потрясающе. Во время последнего концерта я сидел за усилителем Кита Ричардса, и мне казалось, что звук доносится до меня из глубин вселенной. Я слушал, как он играет на гитаре, а усилитель был рядом со мной, я мог его потрогать. Оpen-back кабинет Fender, звук потрясающий. Это был великолепный опыт. Я познакомился с ними, и они оказались теплыми, замечательными людьми, я великолепно провел время. Ставил ли ты перед собой сложные технические задачи на этом альбоме? Есть ли на нем какието гитарные партии, которые ты должен был разучивать перед тем, как записать их в студии? Давай я расскажу, как я вообще играю. Фаза разучивания партий наступает потом. Другими словами, когда я в студии, я делаю все спонтанно. Я, например, могу сыграть какую-то фишку, которую я слышу в голове. Слышу ее и тут же играю. Если с первого раза у меня не выходит все идеально, то в студии можно делать сколько угодно попыток. И я тоже этим пользуюсь, как и все остальные музыканты. Но в чем я отличаюсь от остальных, так это в том, что я не репетирую ничего заранее, я все создаю спонтанно, прямо на месте. Потому что мне нравится быть спонтанным, реагировать тут же, моментально. Это составляющая часть вдохновения. А когда я это уже записал, я прослушиваю это, и иногда говорю: «Что это я здесь играю?». Часто сижу, слушаю и думаю: «Ого, как я это сделал? О, помню-помню!». И тогда я уже должен репетировать, чтобы мои пальцы запомнили, как это делается. Так что это происходит задом наперед почти что. Приходится возвращаться, разучивать и репетировать уже после того, как все записано. А как ты поддерживаешь свою технику в форме? Приходится ли заниматься каждый день? Нет. Нет, потому что я не мыслю в рамках техники. Я не из тех гитаристов, которые об этом думают. Я думаю о нотах, о мелодии и о музыке. И получается так – если я слышу что-то в своей голове и не могу это сы-

В НАШЕ ВРЕМЯ ПРИ ТАКОЙ ЯРОСТНОЙ КОНКУРЕНЦИИ СТАТЬ ПРОФЕССИОНАЛЬНЫМ МУЗЫКАНТОМ, ДА ЕЩЕ И ОБРЕСТИ МИРОВУЮ ИЗВЕСТНОСТЬ – ЭТО НА САМОМ ДЕЛЕ НЕВЕРОЯТНО СЛОЖНАЯ ЗАДАЧА, КОТОРАЯ ПОД СИЛУ ДЕЙСТВИТЕЛЬНО ТАЛАНТЛИВыМ МУЗЫКАНТАМ САМОГО ВыСОЧАЙШЕГО УРОВНЯ

РИЧИ КОТЦЕН НА СОБСТВЕННОМ ПРИМЕРЕ ПОКАЗАЛ, ЧТО ДЛЯ ТОГО ЧТОБЫ ДОСТИЧЬ ВЕРШИН ПРОФЕССИОНАЛЬНОЙ КАРЬЕРЫ, МАЛО ПРОСТО ОБЛАДАТЬ ТАЛАНТОМ И МУЗЫКАЛЬНЫМИ ПОСОБНОСТЯМИ ma g a zine 123 GUITARSИСКУССТВА – НЕОБХОДИМО ЕЩЕ И МНОГО ТРУДИТЬСЯ ВО ВСЕХ ОТРАСЛЯХ МУЗЫКАЛЬНОГО

АЛЬБОМ «Richie Kotzen» имел большой успех, и фото гитариста попало на обложки нескольких журналов включая «Guitar World». Если первая работа был сделана в чисто металлическом ключе, то уже на втором альбоме Ричи добавил в свою музыку изрядную порцию фанка, блюза и соула

Завершил «инструментальный» период творчества Котцена диск «Electirc joy». Пластинка была записана Ричи практически в одиночку и вызвала неоднозначные отклики. исполнив свои обязательства перед ma g a zi ne собрался работать на «Interscope», намереваясь вплотную заняться еще и вокалом GUITARS гитарист 124«Shrapnel»,

грать своими пальцами, то тогда я сажусь и разбираю это: «Я это слышу, так как же это сыграть?». Вот тогда я занимаюсь. Я играю на гитаре с семи лет, а сейчас мне 39, так что я играю уже долго. И я заметил, что дело не в занятиях, а в количестве времени, которое я провожу с инструментом в руках. Это значит, что я могу не играть три дня, и когда я после этого беру в руки гитару и играю два часа подряд, я дохожу до уровня, где я могу сыграть абсолютно все, что хочу сыграть. Это как ездить на велосипеде. Я не собираюсь садиться и заново чему-то учиться, я просто должен опять с этим свыкнуться. Меня никогда не привлекали занятия, меня привлекала музыка. Я садился и играл музыку, а если чтото не получалось, тогда я играл этот пассаж снова и снова, пока он у меня не начинал получаться. Но я никогда не садился и не думал: «ОК, время позаниматься». Потому что я никогда не хотел заниматься. Мне это было скучно. Я не хочу заниматься, я хочу играть. Как ты считаешь – сильно ли изменилась профессия рок-гитариста с того времени, когда ты только начинал? Да, она изменилась. Мое поколение гитаристов начинало с того, что мы сидели с пластинками, слушали их и пытались снять то, что на них звучало. И развивали свой слух. И если вам везло, то вам в руки попадал гитарный журнал, где были более-менее точные гитарные транскрипции, так что этим можно было пользоваться тоже. Потом начали появляться видеошколы. Но все равно упор был на то, чтобы сидеть и изучать свой инструмент. Нужно было учиться играть. Сегодня создается впечатление, что так уж много времени этому посвящать не обязательно, а создавать музыку можно и без этого. Так что сейчас получается ситуация, в которой люди, которые по своей природе не являются музыкантами, могут создавать музыку. С помощью технологий. Можно сделать сэмпл того, что ктото другой сыграл идеально много лет назад и сделать его частью чего-то другого. Можно наложить на это человеческую речь, можно наложить вопли, все, что угодно, и внезапно это становится творчеством. И это интересно, потому что можно таким образом увидеть новые стороны характеров людей, которые вовсе не обязательно являются по своей природе музыкантами, но для них это возможность выразить себя через творчество. Мне кажется, что это нормально. Единственное, что плохо – это то, что сейчас осталось не так много музыкантов, таких музыкантов, как участники моей группы. Среди молодых таких людей не так уж и много. Когда я был пацаном и ходил в школу, парни, которые увлекались музыкой, играли на инструментах. А теперь парни, которые увлекаются музыкой, становятся диджеями или сидят со своими компьютерами и там что-то склеивают. Некоторые из них выпускают диски и зарабатывают на этом много денег, при этом не умея играть даже на барабанах. Барабаны они программируют, создают таким образом ритмы, но сами не смогут сыграть никакой ритм. Это интересно и странно. Но в каком-то отношении это хорошо, это позволяет взглянуть на вещи с другой стороны. Все станет плохо, когда не станет больше парней, которые сами в состоянии играть эти ритмы. Но я не ду-

маю, что до этого дойдет, потому что все время появляются новые люди, и до сих пор есть молодые музыканты, которые умеют играть. Но их теперь не так уж много. Сказал бы ты, что требования по отношению к гитаристам сейчас менее жесткие, чем раньше? Менее жесткие? Или наоборот – они ужесточились? А что ты имеешь в виду, когда говоришь «жесткие»? Когда ты рос, твое поколение – то, что теперь называется пост-ванхаленовским поколением, к которому принадлежат и Мальмстин, и Вай – вы должны были... Уметь играть? …уметь играть виртуозно. Как ты думaешь – эти требования и по сей день остаются такими же? Я не думаю, что эти требования когда-либо вообще существовали. Это была такая мода. И не все парни были виртуозами. Те, которых ты назвала – да. Но не все гитаристы, которых обычно называют вместе с ними – виртуозы. Другими словами, в игре на гитаре в роке появилась мода на исполнение безбашенных невозможных фишек. Если ты умеешь играть эти фишки, это вовсе не значит, что ты виртуоз, это просто значит, что ты можешь это делать. У виртуозов гораздо более широкий размах. Стэнли Кларк – виртуоз. Я с ним играл. И поработав с ним, я понимаю, почему он виртуоз. Я понимаю, в чем разница. Есть и другие парни, которые великолепно что-то делают, и то, что они делают, имеет ценность, и они этого достигли постоянной работой. Это тоже важно. Но к музыке не имеет отношения. Не нужно быть виртуозом, чтобы затронуть человеческую душу. Виртуоз может сыграть что-то, что какой-то человек даже и не заметит – имеется в виду тот парень, которого все называют виртуозом. А парень, который знает всего 5 или 6 аккордов, может написать песню, которая затронет тебя гораздо глубже. Так что я не знаю, имеет ли все это какой-то смысл или нет. Единственное, в чем есть смысл – это в том, какая у тебя цель и что ты хочешь создать. Так что если хочешь играть Паганини, нужно владеть этой техникой. Нужно потратить на это время и развить у себя эту технику. Если хочешь играть песни Брюса Спрингстина, то это совсем другой путь, но не менее важный и не менее ценный. Тут нужно научиться черпать из своего жизненного опыта и на его основе создавать что-то простое с искренними, но в то же время интересными словами. Это талант точно такого же ранга, только фокус внимания тут на другом. Для меня музыка всегда была чем-то, что связывает тебя с другими. Это не спорт. Музыканты не говорят: «Я у тебя выиграю». Я не собираюсь тебя побеждать своей игрой на гитаре и не буду играть быстрее, чем ты. Музыка – это когда ты создаешь что-то, из чего связь с людьми либо возникает, либо нет. И мне кажется, что в тот период времени, когда начали появляться все эти имена, такая точка зрения перестала иметь хождение. На какое-то время игра на гитаре стала спортом.

GUITARS

ma g a zine

125

Все эти парни при этом старались переиграть друг друга, пытались играть быстрее и безумнее. Это была такая мода, и, как все моды, она исчезла. А остались пара ребят, которые играют настоящую музыку и до сих пор концертируют. Длинный ответ, да? (Смеется.) Да… А если рассматривать природу этой моды – то, что двигало всеми этими молодыми людьми – как ты думаешь, связано ли это с желанием доминировать? С желанием быть на таком уровне, когда не остается ничего, что не было бы подвластно твоей технике? И в этом они видели суть художественной самореализации? Нет, потому что мне не кажется, что эти музыканты хотели добиться этого. Мне кажется, что многие музыканты просто топтались на месте. Не было никого, кто бы мог достичь того, о чем ты говоришь. Другими словами, у каждого парня был свой стиль и своя фишка, что замечательно, но нет никого, кто бы мог играть в любом стиле – в любом стиле фламенко, и в то же самое время прекрасно играть блюз, и прекрасно играть классику, а потом кантри. Это невозможно. А если и возможно, то этот парень будет хорошо играть во всех этих стилях, но не будет в состоянии играть фламенко так, как это делает парень, который вырос в Южной Америке и который всю жизнь не играл ничего, кроме фламенко. Это невозможно, тут дело в культурных различиях. Я так думаю, потому что никогда такого не видел. Парень, который великолепно играет рок-н-ролл, живет рок-н-ролльной жизнью. Он не занимается джазом. Он проводит время на улице, играет грязный забористый рок-н-ролл, и стиль жизни у него такой. Точно таким же образом парень, который играет джаз, вращается в джазовых кругах, тусуется с музыкантами, играющими на духовых инструментах. Бывает, что люди пробуют и то, и это, но в конце концов находят тот стиль и саунд, с которым им комфортно, и этот стиль и саунд начинают определять то, кто они. Поэтому мы можем сказать: «Это звучит, как Хендрикс». Джими Хендрикс не умел играть во всех стилях, он играл музыку Джими Хендрикса, и это определяло то, кем он был. Я себя ни с кем не сравниваю, я играю свою музыку. Я играю на гитаре так, как я играю. И моя игра передает то, как я вижу и как я воспринимаю музыку, которая на меня повлияла. Я звучу лучше всего, когда играю то, что играет Ричи Коцен, и это я буду делать сегодня вечером. Тогда это получается у меня лучше всего. Не знаю, как это можно описать – рок, блюз, металл, мне все равно, как это называют. Вот такой у меня взгляд на эти вещи. Как у тебя получается, с одной стороны, поддерживать в форме потрясающую технику, а с другой – быть еще и композитором? Это просто дело времени. Другими словами, когда мне было 15, я не был таким уж хорошим композитором, все это было для меня ново, как и со всеми другими вещами, как, например, с ездой на велосипеде, таким вещам нужно учиться. Нужно учиться своему ремеслу. Мне это не казалось сложным, потому что кругом все это делали. Грэг Хоу, Пол Гилберт, Джейсон Бе-

126

GUITARS

ma g a zi ne

кер, все эти пост-ванхаленские парни выпускали свои альбомы, я их слушал, и думал: «Хорошо, эти парни это делают. Вот так играют такие парни, как я». Так что на раннем этапе, когда мне было 15, 16, 17, я концентрировался на гитаре. Я не пел, не писал настоящих песен, только играл на гитаре. Постоянно. За эти годы я развил физическую сторону дела, научился двигать пальцами. А затем, после того, как я выпустил свой первый альбом, я начал думать: «Это все хорошо, но как-то скучно. Я это сделал, но повторять я это не хочу». И начал задумываться: «Зачем я вообще это делаю, что меня на это сподвигло? Музыка. Какую музыку я люблю? Я люблю Роллингов, «Битлз», Джими Хендрикса, Дженис Джоплин». Я начал слушать их альбомы и писать песни. Начал писать песни, которые в чем-то были похожи на песни музыкантов, которые меня вдохновляли. На своем втором альбоме я уже пел. А дальше пошла естественная эволюция. Так что все началось в 18, когда я выпустил свой первый альбом, а теперь мне 38. В течение двадцати лет не переставая я выпускал сольные альбомы. Теперь я – это я. У меня теперь свой стиль, но процесс этот занял 20 лет. У некоторых людей это получается моментально. А я до всего дошел гораздо медленнее. (Улыбается.) Ты ощущаешь себя лучше, будучи сольным артистом, а не членом группы? Чувствуешь ли ты себя свободнее, менее стесненным? Абсолютно так. Для меня разница между игрой в качестве сольного артиста и игрой в группе точно такая же, как между домом и гостиницей. Иногда в отеле неплохо остановиться. Там, допустим, есть бассейн и каждый день кто-то убирает, но, знаешь ли, у меня дома тоже есть бассейн, и с домом ничто на самом деле не сравнится. Нормальная ситуация для меня – это то, что я делаю сейчас. Пишу песни, пою и играю. Делая это, я счастлив. Мне нравится играть с людьми, которые оживляют мою музыку на сцене, и это как раз то, что мы с этими парнями делаем. В группе играть весело, но, как показал опыт, не все время. Я и был-то официально всего в трех группах за всю свою жизнь, и каждый раз наступал момент, когда я говорил: «Хорошо, а сейчас мне нужно домой». Понимаешь, о чем я? И после этого я начинал делать свои собственные альбомы. Это то, что мне нравится, это то, кто я есть. Из всех трио в роке, кроме The Jimi Hendrix Experience, от кого ты получил самое большое вдохновение? Я не знаю. Трудно сказать. Мне нравится Эрик Клэптон, мне нравится Cream. Я никогда не сидел и не слушал специально их альбомы, но слышу их по радио, и они звучат великолепно. Мне просто нравится формат трио. Мне в нем удобно, он дает тебе много свободы. И, между прочим, я был как-то в турне с органистом, но мы никуда не ездили, а играли в ЛосАнджелесе, и он был частью нашей группы. И это тоже было неплохо, потому что мы с ним сыгрались. Формат трио вообще очень функционален. Если бы я не пел, у нас в группе было бы четыре человека, у нас был бы вокалист. Вот и разница между трио и не-трио.

Если это группа, как the Who или Led Zeppelin, то там есть вокалист, а если бы другие парни в группе могли так петь, его бы не было, и они были бы трио. Так что формат трио – это стандартная вещь в роке: гитара, бас и ударные. Плюс кто-то, кто поет – один из этих трех или дополнительный чувак. Так что у меня точно такой же формат. У меня последний вопрос. Странный, но, надеюсь, ты не против. Хорошо, посмотрим. (Смеется.) Eсли бы ты мог получить ответ на любой вопрос во Вселенной, что бы ты спросил? У меня нет никаких вопросов. Я думаю, что все ответы мне известны. У меня есть ответы на все, что ты только можешь себе вообразить. (Улыбается.) Стив Вай сказал мне то же самое. Да?

Вы с ним единственные музыканты, которые дали мне один и тот же ответ на этот вопрос. Ну вот, я второй по счету. (Смеется.) Я не хочу углубляться в философию, но мне кажется, что раз я здесь, то на том, что я здесь имею, я и должен концентрироваться. И мне кажется, что таким вот странным образом никаких ответов не существует. Мне кажется, что если люди зацикливаются и грузятся вопросами типа «Почему я не стал успешным? Почему я низкорослый? Почему я каланча? Почему я такой или сякой?», то они не живут полноценной жизнью. Ты – это ты, поэтому нужно делать все как можно лучше, делать что-то реальное и получать от этого удовольствие. Мы же не знаем, что с нами будет. Но все мы окажемся в одном и том же месте. Когда ты мертв, ты мертв. Но я не спрашиваю себя постоянно: «Почему то, почему это?» Я доволен своей жизнью, живу в настоящем, наслаждаюсь каждым моментом. Вот как я смотрю на эти вещи.

«ЗВОНКИЙ» ЯСЕНЕВыЙ КОРПУС С ВЕРХНИМ СЛОЕМ «ОГНЕННОГО» КЛЕНА, КЛАССИЧЕСКИЙ КЛЕНОВыЙ ГРИФ, ДВА ЗВУКОСНИМАТЕЛЯ И КРЕМОВАЯ «ПОД СТАРИНУ» ФАЛЬШПАНЕЛЬ, НА ПЕРВыЙ ВЗГЛЯД, ПОКАЗЫВАЮТ СТОПРОЦЕНТНУЮ ТРАДИЦИОННОСТЬ ГИТАРЫ,НА САМОМ ДЕЛЕ МАСКИРУЯ УБОЙНЫЕ СВОЙСТВА ИНСТРУМЕНТА, ГОДНОГО ДЛЯ САМОЙ СОВРЕМЕННОЙ ИГРЫ

F ender у же мног о ле т вып уск аю т именной T el ec ast er R ichie Ko t z en. Из серийны х г и тар наибо лее б лизк а к ней мод е ль Amer ic an Del u x e . К наибо лее ра д ик а льным g a zine особеннос т ям инс т р у мен та о т носи т ся брид жевый зву коснимат е ль с GUITARS д ву м я реmaльс ами127

СОЗДАТЬ УНИВЕРСАЛЬНЫЙ ЗВУКОСНИМАТЕЛЬ, ОДИНАКОВО ХОРОШО ПОДХОДЯЩИЙ КАК ДЛЯ ИГРЫ НА «ЧИСТОМ ЗВУКЕ», ТАК И ДЛЯ ЗВУКОИЗВЛЕЧЕНИЯ С ПЕРЕГРУЗОМ, – ЭТО ДАВНЯЯ ЦЕЛЬ ЛЮБОГО ПРОИЗВОДИТЕЛЯ ЗВУКОСНИМАТЕЛЕЙ И, РАЗУМЕЕТСЯ, ПОЛУЧИТЬ ТАКОЙ ЗВУКОСНИМАТЕЛЬ – ЗАВЕТНАЯ МЕЧТА МУЗЫКАНТА

Активные звукосниматели появились в результате нескольких витков – нет, не обмотки – эволюции. Сначала возникла идея создать гитары, которые можно подключать сразу к микшерному пульту. В итоге были созданы датчики с уменьшенным количеством обмоток и не очень сильными магнитами

о-первых, они обладали сопротивлением и выходным уровнем, соответствующим параметрам микрофонных входов. Во-вторых, благодаря более мягкому магнитному полю оказывали меньше влияния на колебания струны, что увеличивало сустейн. В-третьих, благодаря этому же, а также меньшему количеству обмоток, достигался более «честный» и широкий спектр и обеспечивалась отменная артикуляция.

128

GUITARS

ma g a zi ne

Потом совершенно логично возникла идея использовать такие датчики и для игры через гитарные усилители, но требовалось согласовывать сопротивления и уровни сигнала. И неплохо было бы при этом обходиться без дополнительного оборудования. Решением стало использование активной электроники в самой гитаре. Аппетит приходит во время еды, и до того, что встроенной активной электроникой можно не

только «дотягивать» сигнал до стандартной планки, но и повышать его уровень сверх того, додумались быстро. Точно так же быстро додумались, что можно очень творчески регулировать частотную характеристику сигнала. В то время как пассивный тембр-блок мог только «зарезать» отдельные полосы, активная схема позволяла их также поднимать. К тому же «рояльный» спектр, идеальный для записи джаза в пульт, следовало чуть

поджимать при игре рока через раскочегаренный стек. И, наконец, финальным этапом эволюции стало встраивание предусилителей в корпуса звукоснимателей с низким сопротивлением (что стало возможным благодаря миниатюризации электроники). Это снимало многие вопросы апгрейда гитар, на которых изначально стояли обычные датчики. Так родились активные звукосниматели как массовый продукт.

Благодаря раскачке сигнала и возможности расширения спектра в сторону могучих низов и ярких верхов «активка» приобрела особую популярность в мире хай-гейна. Обратной стороной медали стало то, что компактная электроника, что называется, слишком много брала на себя, загоняя собственное звучание гитары в узкие рамки, как по динамике, так и по тембру. В результате в сообществе гитаристов не утихают споры о том, что получилось бы, если от активных датчиков можно было бы добиться живого характера, присущего заслуженным пассивным моделям. Seymour Duncan услужливо предоставляют ответ на этот вопрос, предлагая активные звукосниматели Blackout. Если пытаться описать их собственное звучание в двух словах, то получается что-то вроде типичного актив-

ного звукоснимателя, облагороженного теплым ламповым овердрайвом. Под стандартной для большинства активных датчиков черной пластиковой крышкой, залитой снизу черной же эпоксидкой, находятся широкие рельсовые магниты. Это позволяет использовать Blackout на гитарах с любыми распространенными бриджами, включая широкие Floyd Rose с большими межструнными расстояниями. Если у вас на гитаре уже стоят активные звукосниматели с трехпиновой системой подключения, то, чтобы зарядить в нее Blackout, вам понадобится всего несколько минут. С нижней стороны у этих датчиков находятся такие же трехпиновые разъемы для установки без пайки. Но если вы предпочитаете старое доброе олово и канифоль, в комплекте найдется проводка и для такой установки.

Что нельзя разглядеть, но о чем необходимо упомянуть как о технологическом прорыве – в Blackout стоят дифференциальные предусилители с балансными входами. Новаторское применение профессиональных аудиотехнологий дает, во-первых, заметно большую, чем у остальных активных датчиков, динамику; а во-вторых, по сравнению с ними же понижает уровень шума на 12-14 дБ. Активным звукоснимателям обычно пеняют на то, что они выносят на передний план свою собственную частотную характеристику, оставляя за бортом индивидуальный характер инструмента. Однако Blackout скорее делает характер инструмента более мускулистым, наращивая в области середины неслабый бицепс, который выглядит именно честно накачанным, а не надутым

«химией». Этих милых зверушек никак не назовешь белыми, пушистыми и ласковыми. В диапазоне средних частот они издают боевой клич разозленного тасманского дьявола и скалят такие же внушительные, хищные клыки. Чтобы направить эту агрессию в музыкальное русло, вам, возможно, придется аккуратнее обращаться с гейном на усилителе и изменить некоторые привычки настройки тембра. Но в любом случае вам гарантирован теплый, открытый и очень естественный звук. Seymour Duncan Blackout демонстрируют очень впечатляющий и натуральный звук, чего обычно не ожидаешь от активных звукоснимателей. Среди их качеств в первую очередь выделяется взрывной средний диапазон, кричащая гармонически насыщенная атака и мясистая основа, которая выдает их активную суть.

ГЛАВНАЯ СЛОЖНОСТЬ ПРИ ПРОЕКТИРОВАНИИ АКТИВНЫХ ЗВУКОСНИМАТЕЛЕЙ – СДЕЛАТЬ ТАК, ЧТОБЫ В ОКОНЧАТЕЛЬНОМ ЗВУЧАНИИ НА ФОНЕ САУНДА САМИХ ДАТЧИКОВ НЕ ТЕРЯЛИСЬ ИНДиВИДУАЛЬНЫЕ ХАРАКТЕРИСТИКИ ГИТАРЫ. ОДНАКО SEYMOUR DUNCAN УДАЛОСЬ ПОКАЗАТЬ, ЧТО ЭТОГО РЕЗУЛЬТАТА МОЖНО ДОСТИЧЬ

GUITARS

ma g a zine

129

кантованный спереди и сзади кленовый корпус с верхней еловой декой, окрашенной в табачный санберст, по качеству полностью соответствует ценовому диапазону гитары. Не наблюдается никаких красноречивых потеков или неровностей, выдающих в EJ200 «бедного родственника» Gibson, а лак имеет как раз такой оттенок, чтобы убедительно намекать на винтажность. Гриф кленовый, с палисандровой накладкой и окантовкой, ко-

торая по всей длине демонстрирует качество работы. Голову украшают позолоченные колки Gotoh и золотистый логотип Epiphone, а на анкерном «колокольчике» можно лицезреть свидетельство фамильных связей в виде имени Gibson. Единственным заметным компромиссом является то, как инкрустированы маркеры в форме короны. Их сложный контур предполагает достаточно тонкую работу, но вместо нее обошлись способом «меньше

сложности, больше заполнителя». Но нельзя не отметить, что два других потенциальных узких участка – склейка пружин и деки и лакировка внутреннего диаметра розетки – не содержат ни намека на халтуру. Верхний порожек вырезан и установлен крайне аккуратно, а лады отполированы намного лучше, чем можно было бы ожидать в такой ценовой категории. А вот над бриджем можно было бы и потрудиться чуть получше, местами он шероховат.

Когда видишь в бюджетной серии инструмент, внешне во многом воспроизводящий модель из верхней ценовой категории, возникает желание проверить, насколько «встреча по одежке» предопределяет последующие впечатления. Epiphone EJ200 без особой скромности следует традиции дизайна акустических гитар Gibson, тем самым напрашиваясь на пристальный критический взгляд

130

GUITARS

ma g a zi ne

Если бы речь шла о дорогущем Gibson J200, мы бы получили в свое распоряжение инструмент с очень плотным, насыщенным низом, ориентированный больше на аккордовый аккомпанемент, чем на активное перебирание струн. Epiphone EJ более сбалансирован тембрально, с более равномерным вкладом каждой струны в звук. Высота струн меньше, чем обычно у акустических гитар, так что эта гитара не только с готовностью откликается на крепкий удар по струнам, но и располагает к тому, чтобы побегать пальцами по грифу. Это отменный инструмент для того, чтобы играть скоростные блюграссовые роллы. Впечатляет то, насколько мало времени требуется EJ200, чтобы разыграться. Принесенная из магазина гитара поначалу звучит жестковато и резковато, но за несколько дней приобретает более теплый и мягкий звук и уверенно держит строй. Корпус размера джамбо хорошо распространяет звук, а гитара удобна как при игре сидя, так и при игре стоя. Последнее, правда, требует смекалки – рюмка для ремня наличествует на нижней части корпуса, но отсутствует на пятке. Одно из возможных решений – прикрепить ремень к голове грифа, как поступал со своим Gibson Элвис Пресли. Если у вас есть сложившееся мнение о том, что любая гитара звучит ровно на свои деньги, то, возможно, EJ200 заставит вас пересмотреть свои позиции. Все принимают как данность, что гитары в этой ценовой категории делаются не из самой лучшей древесины в мире, и всерьез говорить о звуке не имеет особого смысла – все они одинаковы, не правда ли? А вот не совсем. Именно этот сделанный в Корее инструмент потянет концертную работу, которая не каждому инструменту с подобным ценником по плечу. Мы уже говорили о том, как сбалансиро-

ванно распространяется звук, и это явно заслуга дерева, и даже у гитар из ламината с годами дерево подсыхает, улучшая свои качества. Этот инструмент демонстрирует тенденцию к разыгрыванию, и хотя ему само собой не равняться с Gibson J200 – или любой другой гитарой с сопоставимой ценой – она выделяется среди массовки. В звуке есть определенный «коробoчный» привкус, но можно уверенно ожидать, что этот Epiphone со временем избавится от ненужного акцента. Сложно удержаться от искушения подчеркнуть, что это ко всему еще и отменно выглядящая гитара,

чьи визуальные качества уже сами по себе в достаточной мере оправдывают цену. Опускаясь с эмоциональных небес на прагматичную землю, подчеркнем, что в совокупности качество изготовления, отделка и звук позволяют гитаре конкурировать с заметно более дорогостоящими инструментами. Сама по себе цена ничего не значит, значение имеет то, что вы получаете за свои кровные – и если ожидание не оправдывается, то деньги потрачены не лучшим образом. Epiphone EJ200 обманывает ожидания, но в форме приятного сюрприза.

GUITARS

ma g a zine

131

132

GUITARS

ma g a zi ne

BONAMASSA локомотив современного электроблюза

Д е н ь 4 м а я 2 0 0 9 г од а с та л ве хой в у ж е к том у мом е н т у вп е ч атл я ющ е й к а рье ре Д жо Б он а м асс а . З а ч е т ы ре д н я до с вое г о 32 -л е т и я э то т у к р о т и т е л ь L e s Pau l вы ш е л н а с ц е н у лон донс ког о Roya l Al be rt H a ll , ч тобы с ы г рат ь кон ц е р т, би л е т ы н а ко торы й раз лет е лись всего за шест ь дней. Символи чно, ч то э то под ве ло и тог д еся т и л е т и ю, о тс ч е т ко тор ог о н ач и н а е тся с д е бю т ног о сол ьног о а л ьб ом а м у зы к а н та – ре зу л ьтата н е ус та н н ы х т р у дов ком а н д ы Б он а м асс а , эвол юц и и молодог о д а ра н н е г о ву н д е рк и н д а в зре лог о а р т ис та м и р овог о у р овн я

GUITARS

ma g a zine

133

Послед н и й на тот момен т а л ьбом Бо-

В доме Кеви на ес т ь ма лен ьк а я ком-

намасса «The Ballad Of Joh n Hen r y»

нат а, ко т ору ю я о б с т а ви л к а к т в орче-

ста л так же сам ы м зрел ы м, а заод но и

ск у ю мас т ер ск у ю. Та м бы л мой ноу т-

сам ы м ра знообра зн ы м, в ег о к арьере.

бу к с п р ог ра м мой Garage Band, около

Зап исан н ы й под ру ководст вом звезд-

35 г и т ар и 10 уси л и т елей! Я расс т а-

ног о п род юсера Кеви на Ши рл и (Iron

ви л в се э т о д л я в дох нов ен и я в ок ру г

Maiden, L ed Zeppelin, Rush и м ног ие

св о ей т абу р е т к и.

д ру г ие), он демонст ри рует, к ак Д жо

И в первы й ден ь резул ьтат бы л… (по-

жон гл и рует зву к ам и и текст у рам и,

ст у к и вает ног ой) н улевой. Я нап ря г-

расш и ря я свою ауд и тори ю.

ся. Второй ден ь… н и чег о. Вот т у т я

Его отец торговал гитарами, поэтому уже в семь лет Джо активно играл на взрослом инструменте и делал первые успехи в освоении блюза «Я отправился в Джорджию, познако-

неш у точ но нап ря г ся. На т рет и й ден ь

мился там с девушкой, решил устроить

я раскопа л песн ю «L onesome Road

себе каникулы…», начинает Джо рассказ

Blues», котору ю нача л п исат ь, ког-

о мотивах, которые лежат в основе аль-

да м не бы ло 19 лет, и котора я те-

бома. «Я начал думать о новом альбоме

перь п ри г од и лась д л я а л ьбома. Од но

только за две недели до того, как мы на-

успеш ное демо – неп лохо.

чали его записывать! Мы вернулись с га-

На след у ющий день я, просн у вшись

стролей, и я снял дом Кевина Ширли,

написа л прак ти ческ и на шару осно-

теперь там студия. Но между первой и

ву того, что ста ло «The Ballad Of John

второй сессией моя жизнь круто изме-

Henr y». Я нача л с Les Paul и того, что

нилась. Я влюбился по уши в ту девуш-

называю «мини-Д жо»: у мен я есть ком-

ку, был полон счастья и все такое… За-

бик 1х12 Marshall Silver Jubilee, Fender

тем началась вся эта круговерть с пе-

Princeton, еще всяк ие шт у к и – я ми-

Когда Бонамассе было десять, он начал выступать на публике, а в двенадцать его попросил открыть свой концерт сам Би Би Кинг реездом из Калифорнии в Джорджию,

ниатюризирова л свой рабочий ком-

упаковка ящиков и тюков, отправка все-

п лек т до четырех ма леньк и х уси лите-

го – от гитар до машин. Все это прод-

лей. Но я ник уда не продвин улся.

лилось две недели, после чего меня оша-

Затем

рашивают – понимаешь, Джо… Прямо в

Stonetree в тви довый Fender Har vard –

аэропорту, по SMS – ужасно!»

пол у чи лся очень сырой зву к – и фиш-

подк лючи л

свой

баритон

ка пош ла. Я так же написа л кое-что на

134

Начнем с нача ла – к ак нача лся

Gretsch. Этого бы ло достаточно, чтобы

процесс написани я материа ла к

я вышел на рабочий реж им, и к конц у

«T he Ballad Of John Henr y»?

недели я вы да л на-гора 10 песен.

GUITARS

ma g a zi ne

Именно «вы да ли»?

и м не ва ж но, дейст ви тел ьно л и он и

Да! Кеви н п ристава л: «Где мои пес-

знамен и т ы и л и нет, есл и он и п ро-

н и?». А я от веча л, н у, я на д н и м и ра-

сто богат ы и извест н ы – Пэрис Х и л-

ботаю. И л и – и х собак а слопа ла! Э то

тон и том у подобное. Он и на сл у х у,

бы ла сесси я номер од и н, и у нас в к ар-

но он и не сдела л и н и чег о, ч то стои-

мане бы ло шест ь и л и сем ь вещей. За-

ло бы пом н и т ь! Д жон Ген ри бы л пар-

тем м ы от п рави л ись снова в т у р.

нем, которы й у порн ы м т рудом до-

Когда нача лась втора я сесси я, все

би лся чег о-то, ч то достой но пам я т и.

и деи бы л и еще с п ы л у с ж ару. Я тол-

Не к ак ч у вак с YouTube, которы й по-

ком к н и м не обраща лся, пок а не вер-

л у чает д ва м и л л иона п росмот ров за

подростком Джо познакомился с сыном басиста «Allman Brothers Band» и организовал с ним проект. Группа заключила контракт и выпустила альбом н улся в К а л ифорн и ю и не заперся в

к ак у ю-то гл у пост ь. И я скорее сдела л

г ост и н и це, где за т ри часа доби л оста-

бы ч то-то в д у хе Д жона Ген ри.

ток а л ьбома: «Happier Times», «Stor y Of A Quar r yman», «L ast K iss» и, по-

То ест ь, вы ви д и те себя

моем у, «The Great Flood» тоже бы ла в

Д жоном Генри от м узы к и?

тот за ход. Вд ру г из этог о хаоса у нас

Нет, но я ви ж у себя парнем, который

материа л изова лся а л ьбом – бац!

хочет, чтобы его помни ли за то, что он много трудился и сдела л что-то хорошее.

Расскажите о Джо Генри –

Имея девять а льбомов за п лечами, ты

мы знаем, что это фигура

понимаешь, как ие из ни х вы держат

американского пролетарского

проверк у временем, и я полагаю, что

фольклора, но почему вы

этот а льбом – к ульминаци я работы,

назвали альбом в его честь?

котору ю мы с Кевином продела ли за

Несмотря на успех своего первого проекта, команда была распущена. Джо Бонамасса решил, что он способен на большее, чем просто играть на гитаре При ч и на, по которой я нап иса л эт у

последние четыре года. Я никогда не

песн ю, в том, ч то я хотел сделат ь ч то-

успокаиваюсь как гитарист, певец и ли

то, ч то буд у т пом н и т ь. О Д жоне Ген-

автор, и я никогда до конца не доволен

ри нап исан ы м и л л ион ы песен. Я по-

своим гитарным зву ком, поэтом у я

д у ма л, вот к ру той парен ь – работа л

всегда ищ у п у ть к вершине.

себе на железной дорог е, а скол ько песен о нем слож и л и! Ег о пом н я т. И

У вас на а льбоме иг рает

в то же врем я я ви ж у все эт и новост-

так же достаточно извест ны й

н ые сенсац и и в А мери ке, особен но о

юж ноафрик анск ий г и тарист

молод ы х, которы х восп и та л и так, ч то

Блон д и Чап лин?

GUITARS

ma g a zine

135

Да, Блон д и нау ч и л мен я ра д и к а л ь-

– я думаю, на целую неделю! Гитара, на

но д ру г ом у под ход у к ри т м-г и таре. Я

который сыграно, это тоже его Goldtop

обы ч но очен ь монол и тен: у мен я си-

68-го года. Я не припомню, чтобы Блон-

лова я подача, мой зву к п лот н ы й – он

ди хоть раз за всю сессию брал в руки тю-

тя г отеет к дом и н и рован и ю. А Блон д и

нер. У него все получалось само собой.

п ри шел, под к л юч и лся к моем у т ви довом у Har vard через некоторые педа л и

Вот эта песня, а так же «Lonesome

Colorsound, которые я к у п и л в Ман-

Road Blues» и «Funkier Than A

честере, и боссовск и й хорус, которы й

Mosquito’s Tweeter» демонстрируют

ва л я лся у мен я в я щ и ке с педа л я м и.

другой подход в вашей игре – как

В 2000 году Джо записал свой первый сольный альбом, «New Day Yesterday». В записи участвовали Грегги Оллмэн, Рик Дерринджер и Лесли Вест З ат ем он в с е э т о скопом н а ру л и л –

будто происходит что-то в духе

хорус н а по л н у ю к ат у ш к у, в ру би л

Роббена Форда, приджазованное…

т р емо ло, пе р ек л юч и л L e s Pau l н а пе -

Наверное, я своего рода Line 6 POD сре-

р ед н и й д ат ч и к – и э т о с т а ло ч у де с-

ди гитаристов – я моделирую кого угод-

ной к р а ской.

но! Если песня диктует мне, куда я дол-

Я очен ь в дох нов л я лся, г л я д я н а нег о

жен двигаться вместе с ней, я могу испы-

и в с е ег о з а ковы рис т ые а к корд ы. Я

тать потребность выйти за рамки при по-

к а к бу д т о смо т р е л н а м у зы к а н т ов

мощи джазовых гамм. Или в вещи типа

с т у д и и St a x, к а к и г р а л и он и. Та кой

«Happier Times», когда вы ожидаете, что

же ог р ом н ы й зв у к , и д у щ и й о т ме л-

вот я сейчас в ней оторвусь, я играю очень

ког о уси л к а , н а ко т оры й н а к и н у т

и очень сдержанно. Не знаю. Это не было

м и к р о ф он. А м не д л я т ог о же н у ж н а

сознательным выбором. Это скорее было

г ор а мощ ног о б а р а х л а !

чем-то вроде экспериментов со звуком.

В 2003 году, уступая просьбам блюзовой публики, музыкант отобрал девять излюбленных номеров из классики жанра и записал диск «Blues Deluxe»

136

Хорус BOSS и педа ли

Вы назва ли себя L ine 6 POD

Colorsound – это зву к соло в

сред и г и таристов, но именно в

«A s T he Crow F lies»?

к авере на «Stop !» Сэма Брау на

Да, это был аппарат Блонди. Он оставил

ин т ро с мощ ны м сольны м за ходом

все собранным и подключенным. Сту-

зву чи т к ак стопроцен т ны й

дия помещалась в доме с восемью спаль-

Бонамасса, не так ли?

нями, поэтому мы все в ней и жили – мы

Кевин раскопа л эту песню, и я не имел

зависали допоздна, пили вино, трепа-

представления, что это, оказывается,

лись о группах, девчонках и все такое.

большой хит в Штатах. Я не зна л, кто

Но он оставлял усилитель включенным

такой Сэм Браун. Это как Джо Браун –

GUITARS

ma g a zi ne

легенда и все такое в А нглии, но в Шта-

Большой, полны й

тах его особо не знают. Я не мог при-

за держ к и ли довы й сау н д

кину ть, как бы переиначить ее на свой

во вст у п лении – это ч то?

лад, поэтому я тупи л до упора, пока не

Это мой концертный комп лект. На за-

наста л момент истины. Я прослуша л

держ ке всегда работает Marshall Silver

песню разок, просто чтобы снять ак-

Jubilee, а для середины я использо-

корды, затем попросту сказа л себе –

ва л, по-моему, Carol-A nn – тогда мне

петь и играть я буду так, как буду!

еще не сдела ли A merican Van Weelden.

GUITARS

ma g a zine

137

Carol-A nn – это сделанный в ду хе

лож и т ь еще за держ к у от себя, но эта

Dumble уси литель на EL34. У меня все

педа л ь от мен но работает в петле у

еще в работе Two-Rock, но Marshall и

Marshall. Она не перек ры вает все на

Caroll делают большую часть работы.

свете, в этом от ношен и и она работа-

Кевин все микширует в моно, поэтому

ет, скорее, к ак ревербератор.

это два уси лителя, слитых в один звук.

138

За держ к а – это BOSS DD-3, которой

А ак корд ы на чистом зву ке,

у же 16 лет! Кеви н мог на сведен и и по-

ч то зву чат меж д у пением?

GUITARS

ma g a zi ne

Э то оп я т ь же кон цер т н ы й ком п лек т.

О, неслабо. Нап ри мер на «Fun k ier…» я

Вместе с тем сам ы м Carol-A n n у мен я

собра л ком п лек т, подобн ы й том у, ч то

работает хорус TC Electron ics, за держ-

Д жефф Бек испол ь зова л в 1974 г од у:

к а Eventide и реверберац и я BOSS. В лам повой петле эффек тов хорус

50-ват т н ы й Park, од и н ви н та ж н ы й к аби нет 4 х12 и педа л ь Colorsound Tone

раск ры вается пош и ре, а перед ревер-

Bender. Я так же испол ь зова л т ремо-

берац ией я став л ю ч у т ь-ч у т ь за держ-

ло Fulltone, ч тобы п род рат ься ск возь

к и, ч тобы все это п леск а лось вок ру г.

весь этот ш у м. На этой вещ и я и г ра л

Когда я и г раю соло, г ром кост ь (пок а-

на L es Paul и пол у ча л все эт и зву к и.

зы вает на вообра ж аемой г и таре) вы-

Вообще, на этом а л ьбоме, в отл и ч ие

2003-й официально был объявлен сенатом Конгресса США «годом блюза». Бонамасса стал активным участником целого ряда культурных проектов к ру чена до у пора, а на ри т ме она п ри-

от п ред ы д у щ и х, я не ог ран и ч и ва лся

брана, и ест ь запас ч истог о зву к а.

свои м кон цер т н ы м ап паратом – в ход пош ло м ног о-м ног о уси л и телей. Э то

Серьезно? Гром кост ь на г и таре

бы л первы й ра з, когда вся моя кол-

дает вам так у ю больш у ю разниц у?

лек ц и я бы ла под ру кой, поэтом у я мог

Да, когда т ы у би раеш ь г р ом ко с т ь на

выби рат ь из Fender, нап ри мер, и мой

L es Paul, в се к а к бы расп ра в л яе т-

«блон д» Bassman, и Tremolux, и еще

ся, поэ т ом у т а к в а ж но испол ь з ов ат ь

вся к ие г оловы и к аби нет ы black face –

уси л и т ел и с б ол ьш и м з а пасом мощ-

ч то у г од но. Э то бы ло к ру то. Некото-

но с т и – 10 0 -в ат т н и к и хор ошо оч и-

рые сам ые мощ н ые г и тарн ые зву к и –

ща ю т ся и зву чат б оле е пол но.

к ак на «Jockey Full Of Bourbon» – это

Поэ т ом у я н и когда не и г ра ю соло,

п росто д ве г оловы Fender с к аби нета-

вы к ру т и в в се на г и т ар е на 10. Я

м и, всег о л и ш ь пара 50-ват т н и ков.

В 2005 году Бонамасса удостоился чести открыть тур блюзового маэстро Б.Б.Кинга и стал впоследствии самым молодым членом «The Blues Foundation» и г ра ю соло, ск а жем т а к, на в о сь-

А столько оборудовани я в од ном

мерке, и ус т а на в л и в а ю на уси л и т еле

месте не привод и т к п у танице?

г ей н ч у т ь б оле е а г р есси вн ы м, зна я,

Я своди л ассистента зву коин женера с

ч т о не на г ру ж у вход на пол н у ю. Точ-

у ма. Кевин у бы ло пофиг – если зву-

но т а к же по с т у пае т Д жеф ф Бек – в се

чит кру то, врубай! Но ин женер бы л

у п ра в л яе т ся с г и т ары.

против, ведь на до установить ка ж дый микрофон по фэн-ш у ю до ми л лиме-

К ак си льно вы от к лон я лись

т ра. И т у т я такой – мен яю уси лители,

на записи от своей концерт ной

двигаю микрофоны, а в итоге попро-

конфиг у рац ии?

ст у врубаюсь напрям у ю в Super Lead.

GUITARS

ma g a zine

139

Я так же раскопа л Echoplex, о котором

Это самый серьезный вызов, который

подзабы л, и под к л юч и л ег о к педа л и

стоит передо мной изо дня в день. Ты

хоруса A r ion. Пол у ч и лся такой пере-

выну ж ден следить за тем, достаточ-

л и вающ и йся зву к. Я под ру би л к н и м

но ли ты высыпаешься, не слишком

пару уси л и телей Fender, которые м ы

ли много говоришь, но я почувствова л

остави л и вк л ючен н ы м и на пару д ней,

разницу. Если послушать меня вось-

ч тобы он и п рог рел ись и не переста л и

ми летней давности, то я зву чу так, как

издават ь ст ран н ые зву к и. И вот этот

будто ка лечу сам себя и еще как ую-то

сау н д я п реи м у щест вен но испол ь зо-

мелк ую зверушк у за компанию! Это

ва л во врем я второй сесси и.

зву ча ло, как если бы я просто крича л в

В 2006 музыкант выпустил альбом «You & Me». Работа продолжила традиции Питера Грина, Джеффа Бека и Эрика Клэптона Джона Ли Хукера А этот саунд с насыщенной серединой

тона льности, но у же на паре последних

в заходном риффе к «John Henry»?

а льбомов прорезаются ноты, у же име-

В тот ден ь в ст уд и и бы ло д ве г и тары.

ется какое-то пение.

Од ной из н и х бы ла, по-моем у, сделанна я ма лен ькой ком пан ией Stonetree.

Пов ли я л ли к ак-то на ваше пение

Он и мог у т сделат ь все, ч то н и поп ро-

сброшенны й недавно вес?

си ш ь, вк л юча я и нст ру мен т со ст ра-

Да, каждые десять кило, что ты сбрасы-

товск и м корп усом и г рифом, но тол ь-

ваешь, заставляют пересмотреть техни-

ко бари тон, цел и ком из ма хаг она и со

ку. Как только я скинул первую десят-

зву косн и мател я м и Danelectro!

ку, я понял, что у меня есть проблемы с

Я вытащи л ее, затем я полу чи л Ernie

голосом. Существенная часть звука идет

Ball John Petrucci, что, на первый

от диафрагмы и от черепа. И меньше

взгляд, ну никак не вписывается в мою

всего следует черпать звук от собствен-

Для любителей блюза Бонамасса на сегодняшний день является продолжателем музыкальных идей трагически погибшего Steve Ray Vaughan музык у. Так что саунд на «John Genry»

но голосовых связок – с ними надо по-

– это в основном Stonetree, но в брид-

легче. Поэтому, потеряв вес, я понял,

же мы на лож и ли еще и модель Петру ч-

что начинаю чрезмерно его компенсиро-

чи. Очень агрессивно, очень громко –

вать и слишком напрягать свои связки.

у этих датчиков Danelectro есть зубы.

Тогда мне пришлось придумать, как еще компенсировать вес, но и только!

Вы у п о р н о р аб о т а е т е н а д с в о и м

140

в о к а л о м. Я в и д е л, н а п р и м е р, к а к

Ги тара в «T he Great F lood»

вы берете онлайновые уроки в

имеет очень «вок а льны й»

г а с т р о л ьн о м а в т о бус е.

тембр – к ак будто в ней ест ь

GUITARS

ma g a zi ne

фирменна я «прот ивофазна я»

еще Carol-A n n, который называется

распайк а Пи тера Грина…

Joe B 100… Но, если честно, я не мог у

Нет, я д у маю, т у т п росто поработа л

на гол убом глазу разработать что-то

эк ва лайзер. Но я так же не испол ь зо-

с Marshall, Bogner и ли еще каким-то

ва л мед иатор – я часто ста л в послед-

крупным брендом. Я не могу прода-

нее врем я обход и т ься без мед иатора.

вать усилитель честно, говоря, что он

А и нст ру мен том бы л п ротот и п моег о

для меня заменяет все на свете. По мне,

под п исног о L es Paul. У мен я ест ь он

нужен отдельный усилитель для низов,

и первы й сери й н ы й экзем п л я р, и это

отдельный для верхов, и для середины

основн ые г и тары на а л ьбоме. Я так-

понадобится еще один.

Иногда на концерте Джо играет на акустике без сопровождения бенда. аккомпанирующая группа отдыхает, а артист минут 15 отдувается в одиночку же помен я л од н у г и тару на Number 52

На «From T he Valley»

моег о д ру га. Он к у п и л д ва, а потом

зву чи т National Duolian?

пон я л, ч то ем у не н у ж но сра зу д ва

Да, я соби ра лся испол ь зоват ь свою

г ол д топа. Мы ма х н ул ись, и у мен я те-

стару ш к у 1931 г ода, но когда я на-

перь ест ь Number 52, которы й я беру

ст раи ва лся перед зап исью, я слома л

в т у р – хорош и й экзем п л я р, со свет-

да же не од и н, а д ва п ласт и ковы х бу-

л ы м зву чан ием.

тона – от старост и он и все рассох л ись и пот реск а л ись. Я поп ы та лся наст ро-

Нет ли на очеред и еще

и т ь г и тару п ри помощ и п лоског у б-

к ак и х-то под писны х моделей –

цев, но это пол у ча лось к ри во: способ

например, уси ли тел я?

я вно не г од и лся. У мен я ест ь реп л и-

Мне никогда не попа да лся уси литель,

к а Tr iolian, очен ь удач на я, н и к аког о

который способен дать мне все сра-

д ребезга – вот она и зву ч и т!

В студии Бонамасса фонтанирует пылающим роком, замешивая его на аутентичной блюзовой подаче, наполненной истинными переживаниями зу. Ест ь пара уси л и телей, на кото-

Это очень интересная вещь, потому

ры х стои т мое и м я, но это очен ь ма-

что в ней поверх того, что звучит,

Нап ри мер

как фолковый мажорный аккорд в

лосери й на я

п род у к ц и я.

Categor y 5 – м ы ра зработа л и ч то-то

открытом строе, играются мелодии

вроде 10 0-ват т ног о Super L ead с бу-

с восточным колоритом…

стом серед и н ы в д у хе Dumbel, ч тобы

Д а , я п р едс т а в л я л с е б е Ра я Ку де р а ,

пол у ч и т ь очен ь п лот н у ю серед и н у.

т уся щег о в Му м б а и – у мен я н а п р о -

Но он так же очен ь ч ист ы й и ясн ы й,

т я жен и и г од а бы ло г л у б око е з а вис а-

и мож но пол у ч и т ь от нег о п розрач-

н ие в м у зы ке Ку де р а . М не н р а ви т -

ност ь в д у хе Пола Кософфа. И ест ь

ся, к а к э т о зв у ч и т – в с е э т и и н т е р -

GUITARS

ma g a zine

141

142

GUITARS

ma g a zi ne

в а л ы в п р о т и в опо с т а в лен ие пен т а-

цем, вк л юча я кое-ч то из небл юзовы х

т он и че ск и м. Не т о, ч т о бы я мед и т и-

работ Гари Му ра! Я сч и таю, ч то моя

р ов а л к а ж д ы й ден ь, подо бно Д жор -

ауд и тори я расш и ри лась за послед-

д ж у Х а р рис он у, но мен я и н т ри г уе т

н ие 4-5 лет и мен но потом у, ч то я не

т а кой под ход.

зам ы к аюсь в п ря мол и ней ном бл юз-

Неко т орые

и н д и йск ие

ра г и

Ра ви

роке. Поэтом у я позвол ю себе не со-

Ша н к ара на пом и на ю т м не бл юз овые

гласи т ься с м нен ием, ч то м не след у-

д жем ы. Нач и наем с т ем ы, ей же и з а-

ет п ри держ и ват ься од ног о ст и л я. Вот

к а н ч и в аем, а в п р омеж у т ке в се сол и-

так зву ч и т моя м узы к а, когда я м и но-

ру ю т на п р о тя жен и и 150 т а к т ов.

ва л 30-лет н и й ру беж. У мен я нет н и

В своем гастрольном графике Бонамасcа находит время для участия в университетских мастерклассах под эгидой американского «Фонда Блюза» Кстат и, ч то вы ск а жете

ма лей шег о п редстав лен и я, к ак она

о недавнем ком мен тарии

будет зву чат ь после 40-лет ней от мет-

Гари Му ра в ваш а дрес?

к и, и у Гари Му ра тоже, скорее всег о,

О, да! (Смеется.) Я не мог ег о не заме-

не бы ло!

т и т ь – об этом п иса л и на моем фору-

Хотел бы я, ч тобы мои к у м и ры ск а за-

ме. Гари Му р – од и н из мои х г ероев,

л и – «Эй, Д жо, т ы к ру т!»? Да, хотелось

он очен ь п ри я т н ы й человек и всег-

бы. Но к ак бы то н и бы ло, по к рай-

да на ход и т врем я со м ной побол тат ь.

ней мере, я не Брэд Пэйсл и! (К ан т ри-

То, ч то он г овори т (о бол ьшом кол и-

ш ред дер, котором у доста лось от Му ра

чест ве в л и я н и й, ст и левом ра збросе и

за «стери л ьност ь зву чан и я».)

у ходе от корней бл юза), я от нег о сл ыша л и ран ьше, может, тол ько в д ру-

И о г ря д у щем

г ой форме. Я пост рои л свою к арье-

выст у п лении в A lbert Hall…

Еще в 1991 году Fender пригласила чудо-ребенка в Калифорнию для чествования Лео Фендера. А Gibson сейчас выпускает именную модель Джо ру оп ределен н ы м обра зом, а Гари по-

Э то к ру п на я затея, в которой будет

ст рои л невероя т но успеш н у ю к арьеру

у част воват ь бол ьша я тол па! Э то к ак

по-своем у. Мой метод в том, ч то я не

Mad Dogs & English men у Д жо Кокера,

мог у с пол ной отдачей отст рел я т ься

тол ько без г ру п п ы под певк и! В за ле

а л ьбомом, заби т ы м 12-так товы м бл ю-

буд у т мои род и тел и, будет сн и мат ь-

зом от нача ла и до кон ца – это п росто

ся DV D, так ч то дави т ь на мен я будет

не мое. Я н и когда не бы л па лом н и-

нема ло чег о. Но я нацелен от ы г рат ь

ком бл юза – я г и тарист с бл юзовы м и

этот кон цер т к ак н и в чем не бы ва ло,

корн я м и, но на мен я пов л и я ло все,

наскол ько это возмож но, хотя это са-

ч то тол ько и г рается под эт и м Сол н-

мое ва ж ное шоу в моей ж изн и.

GUITARS

ma g a zine

143

Inspired By п р о и с х о ж д е н и е Далеко не каждый артист получает от Gibson лестное предложение выпустить его подписной Les Paul. А когда оный гитарист ко всему имеет репутацию наглухо повернутого на идеальном звуке, то сомнения в выдающемся результате нет

так, Джо, как же вы дошли до жизни такой? «Наша работа над гитарой началась уже достаточно давно», – объясняет Бонамасса в перерыве между презентациями на выставочном стенде Gibson. И вы уже с ней светились на публике? «Да, в самом начале процесса мне дали обычный Historic Goldtop, на котором я экспериментировал с модификациями». И как же начался этот процесс? «Мне позвонили в декабре 2007 года – не против ли я заполучить «свой» Les Paul? Я сказал, для начала, Les Paul никогда не может быть «чьим-то», потому что это гитара Леса. Не все знают и не все помнят, что Лес Пол – это имя человека, который, перешагнув 90-летний рубеж, продолжал каждый понедельник играть в нью-йоркском Iridium. Имя реального человека и великолепного музыканта! Но хотел бы я иметь подписной Joe Bonamassa Les Paul? Еще бы! Это просто не обсуждалось, поэто-

144

GUITARS

ma g a zi ne

му я взял все свои лучшие Les Paul и выстроил перед собой. Я спрашивал себя, почему я предпочитаю тот или иной инструмент? И я стал замечать небольшие различия, такие как толщина головы грифа или топа, вес – гитары, что мне нравились, весили не больше 4 килограммов, но и не намного-то были легче. Мне также очень нравятся звукосниматели Burstbucker, лады исходного размера и колки Grover с бутонами -’’фасолинами’’». А цвет голдтоп? «Я изначально думал о волнистом клене, но у Gibson были другие виды. Волнистый клен сам по себе достаточно популярен, а вот интерес к классическим голдтопам нуждается в подогреве. Не мог бы я поучаствовать в роли волшебного пенделя? Всегда пожалуйста».

Корни в 1955 году

Фэны Бонамасса должны быть в курсе, что в его становлении как молодого гитариста большую роль

сыграл отец, который ко всему обладал таким крупным козырем, как собственный гитарный магазин. Как выясняется, происхождение модели Inspired By коренится именно в этом магазине. «Когда мне было 11 лет, у моего отца была на витрине гитара», – объясняет Джо. «Голдтоп 1955 года, на котором изначально был бридж типа wraparound (без отдельного струнодержателя), как у Майкла Блумфида. Но какой-то предыдущий владелец поставил на него tune-o-matic, расточил под хамбакеры и поставил черный пластик. Ее так часто били-ломали – не только голову грифа – что пришлось закрасить тыльную сторону целиком в черный цвет, настолько она была измочалена. И мой отец одолжил ее мне. Он заплатил за нее на выставке $1100, и нам с ним пришлось бы как-то возмещать в бюджете эту сумму. Но ему надо было платить по счетам, а мне было всего 11. По моим карманным деньгам это было

«Когда я впервые увидел прототип, я не мог поверить – будто бы моя гитара вернулась ко мне»

бы как миллион сегодня! Но я забирал ее домой из магазина, и порядка шести-восьми месяцев она была в моем распоряжении. Потом какойто парень заплатил за нее около двух косарей – только я ее и видел. Поэтому, когда мы решили танцевать от голдтопа, вся эта история моментом всплыла у меня в голове. Когда я впервые увидел прототип, я не мог поверить – будто бы моя гитара вернулась ко мне. Я играл в ней на новом альбоме и во всем последовавшем туре». Одним из аспектов Les Paul, вызывающим дебаты, является способ заряжать струны в струнодержатель – тянуть прямо насквозь или вставлять в обратном направлении, обернув снизу? Джо предпочитает второй вариант. И почему же? «Я слямзил это у Джимми Пейджа и Билли Гиббонса», – объясняет он. «Сперва как визуальную фишку, а потом стал догонять, что в этом есть и практический смысл. Лучший звук от Les Paul получает-

ся, когда струнодержатель притянут вплотную к корпусу. Но при этом возникает и самый большой угол между струнами и бриджем, что приводит к тому, что струны рвутся. Кроме того, от большого давления на бридж тот со временем проседает в середине. А оборачивая струны, мы уменьшаем угол, сохраняя при этом сустейн. И я также считаю, что струны калибра 11 при этом чуть более податливы». А зачем разные ручки, и до кучи нейлоновые седла? «Ручки исключительно для того, чтобы не смотреть лишний раз на гитару, когда я пою! А нейлоновые седла делают теплее звук первых трех струн. Я считаю, что проще добавить верха на усилителе, чем пытаться смягчить слишком резкий звук. Поэтому у меня три седла нейлоновые, а три металлические. Плюс на бридже нет проволочной обмотки у регулировочных винтов, которая подпирает седла. На мой взгляд, пружина убивает очень

многое, а когда ничто не зафиксировано, получается намного больше резонанса. Для моего техника это лишний гимор, потому что седла слетают всякий раз, как он меняет струны, но по мне – самое оно!»

Не поваляешь, не поешь

Все экземпляры модели Joe Bonamassa будут убедительно искусственно состарены, кроме моделей с номерами от 250 до 300. Как объясняет Джо: «Это исключение сделано по специальным заявкам от пары дилеров, потому что некоторые их клиенты не любят состаривание. А по мне, так я люблю «разношенность» в гитаре. Понимаете, многие подписные гитары и прочие ограниченные серии выпускаются настолько нулевыми, хоть не дыши. Их покупают и просто смотрят, не играя. Открывают кейс, читают бумажки и снова закрывают, ничего не трогая. Я хочу, чтобы владелец не парился насчет того, что может чтото поцарапать – бери и играй!»

GUITARS

ma g a zine

145

мод а на копии инструментов понача лу ограничива лась переизд анием гитар знаменитых музыкантов из прошлого. А сейчас очередь дошла до гитар современных артистов Серия «Inspired By» Gibson Custom Art & Historic вызвала смешанную реакцию у рынка. Тем не менее, что бы мы ни думали о KS-336 Кифера Сазерлэнда или DG-335 Дэйва Грола, нет сомнения, что это очень удачный способ отдать должное любому количеству гитаристов путем выпуска ограниченных серий гитар «инвестиционного класса» (так их характеризуют Gibson). В число свежих «призеров», удостоенных «Inspired By», Джо Бонамасса вошел как раз в момент, когда его карьера стремится ввысь. Основанный на сильно модифицированном голдтопе 1955 года, который прошел через мастерскую отца Джо, когда сыну было всего 11 лет, этот «поношенный» Les Paul демонстрирует комплект классических характеристик, в который внесены не очень заметные, но существенные дополнения.

146

GUITARS

ma g a zi ne

Bonamassa Les Paul характеризуется тем, что Gibson описывают как «корпус из легкого махагона с выпуклым кленовым верхом». Для фэнов LP вес является злободневным вопросом, потому что столь любимый легкий гондурасский махагон, из которого сделаны винтажные инструменты, теперь попросту недоступен производителям. При весе порядка 4.5 кг модель Bonamassa не тянет на сверхлегкий инструмент, но в то же время и не будет висеть якорем на плечах. Гитара хорошо сбалансирована на ремне, корпус не перевешивает, возможно, благодаря объемистому грифу и массивным колкам Grover. При сопоставлении с ’59 Historic, взятым в качестве эталона, можно свидетельствовать почти полную идентичность в весе, профиле топа и угле наклона грифа. Корпус и гриф окантованы кремовым пластиком, который затемнен при помощи лака для пущей винтажности. О качестве отделки рассуждать нет смысла, потому что это довольно сильно состаренная гитара. Трещи-

гается состаренной. Что важно – нет никаких вопросов к концам ладов и окантовке, ничто нигде не выступает, что делает гриф комфортнее. Тыльная сторона гитары целиком залакирована в черный цвет, что, по словам Джо, было сделано на оригинальном прообразе этой модели с целью замаскировать все повреждения. Сверху головы грифа – отклоненной, как положено, под углом 17 градусов – находится логотип Gibson, инкрустированный как у ранних моделей, чуть ниже, чем сейчас. Компанию ему составляет фамилия «Bonamassa», выгравированная на крышке анкера. Имя артиста также начертано на тыльной стороне грифа вместе с порядковым номером в серии. Края головы грифа выщерблены, как если бы ее за годы многочисленных выступлений неоднократно прислоняли к усилителям, стойкам для тарелок, стенам и бог знает чему еще. Забавно, как мы меняемся с годами. Новичком, ты сокрушаешься, когда видишь первую щербину на голове грифа своего Les Paul, а достиг-

Чем больше сколов, ц арапин и потер тостей, тем больше уважения вызывае т инструмент, ибо все боевые шрамы ес ть прямое свиде те льство тому, что гитара была вовлечена в большой и сильный процесс созд ания по настоящему правдивой и горячей музыки ны на лаке убедительны, разве что чуть однообразны, а все сколы и царапины – результат прямого физического контакта с различными объектами, бесцеремонно обработавшими гитару. Золотистый цвет – который местами выцвел, как у старых гитар – имеет некоторый винтажный бронзовый оттенок, который считается более предпочтительным, чем отдающее в желтизну яркое «золото». В целом, хотя инструмент потрепан от души, никто, кто хорошо знает вопрос, не спутает его с настоящим оригиналом 1957 года. Гриф сделан из цельного куска махагона с крупным профилем 1959 года, округлые очертания которого требуют полного охвата ладонью. Вкус к крупным грифам приобретается со временем, до этого дозреваешь, когда понимаешь, что тонкий профиль не всегда дает комфорт, особенно когда играть приходится подолгу. Палисандровая накладка 12” радиуса имеет 22 лада, и, так и быть, Gibson сойдет с рук ее неряшливое состояние, поскольку гитара предпола-

GUITARS

ma g a zine

147

нув зрелости, готов раскошелиться на лишние сотни за то, чтобы получить гитару уже покоцанной. Сказанное выше касается и фурнитуры – сплошной состаренный никель. Джо выбрал соответствующий винтажным традициям бридж Tune-o-Matic, без подпирающей седла проволоки (появилась только в 1962 году) в паре с легким алюминиевым струнодержателем. Интересно, что для толстых струн Джо предпочел стальные седла, а для тонких – нейлоновые, которые появились на гитарах Gibson в 1961 году и от которых отказались в 1966 году. Он говорит, что это смягчает тембр струн без оплетки. В качестве звукоснимателей выбрана пара Gibson Burstbucker – модель 2 в неке и модель 3 – самый мощный ВВ - в бридже. Burstbucker это современная реплика оригинальных Gibson PAF – вплоть до наклейки «patent applied for» с тыльной стороны – с магнитами Alnico II и непарафинеными катушками. В отличие от более поздних по технологии моделей (включая бо-

Иногда кажется, что изменить классическую модель гитары невозможно – настолько каждая ее деталь за десятки лет стала казаться «на своем месте». Однако, как нет на свете двух одинаковых во всем людей, так и все гитары чем то различаются лее мягко звучащие ’57 Classic) катушки в паре имеют несколько неидентичную намотку – как утверждается, для более острого звука, но это еще и значит, что они более чувствительны к наводкам. Замерив сопротивления некового (8.1 кОм) и бриджевого (8.7 кОм) датчиков, можете сравнить эти показатели с характеристиками других популярных звукоснимателей в стиле PAF. Приятно видеть в тембр-блоке 500 кОм потенциометры CTS и реплики 0.003 мФ конденсаторов Bumblebee – комбинацию, которая считается необходимым компонентом звучания винтажных Les Paul. Вокруг аутентичности современных Bumblebee кипят бурные дебаты, но мы не будем в них углубляться. Джо пожелал, чтобы ручки бриджевого датчика были золотыми «шляпами», а некового – янтарными. Они также отличаются на ощупь, что позволяет ему не глядя понимать, на какой «этаж» он попал. Более заметным визуальным элементом является черный пикгард с черными же рамками звукоснимателей (которым

148

GUITARS

ma g a zi ne

«полагалось бы» быть кремовыми). Как и ручки, это чисто косметическая замена, а считать это оригинальностью или святотатством – вопрос личных предпочтений. Тем, кто привык к струнам калибра 9 или 10 и скоростным грифам, винтажный профиль, заметная высота струн и излюбленный Джо калибр 11 покажутся приглашением к силовым упражнениям. Однако для самого Бонамасса это необходимое условие – его мощный, динамичный стиль требует ощущения сопротивления инструмента. Получаемое преимущество – гитара звучит широко, открыто, гулко, с широким спектром текстур. Понятие звука Les Paul у всех свое, но рискнем утверждать, что у лучших инструментов в винтажном стиле наблюдается оптимальный баланс между мощью и артикуляцией. Если мы убираем громкость, звук должен очищаться, и каждое положение ручек тембра должно давать заметный результат. В данном случае все это на месте. Комбинация датчиков Burstbucker 2 и 3 в сочетании с

GoldTop была первой моделью Les Paul в 1952 году. Вечная классика

толстым грифом дает чуть более выраженное порыкивание в среднем диапазоне, чем у Historic ’59. Это различие в нюансах, причем именно в нужную сторону с точки зрения музыкальности и артикуляции. Чистый звук так вообще наивкуснейший. Добавим гейна, и Brustbucker трансформируют его в классический роковый напор, не настолько «квакающий», как у винтажных LP, но и не чрезмерно басовитый, как у парочки керамических 496R/500T на Standard некоторых периодов. Несколько удивляет мягкость звучания тонких струн, пока не вспоминаешь про нейлоновые седла. Отсутствие намотки вокруг регулировочных винтов приводит к тому, что седла немного люфтят, но Джо непреклонен в том, что так гитара звучит лучше. Но как бы то ни было, «правильная» вклейка грифа, железо, датчики, потенциометры и конденсаторы, а также правильный выбор сортового дерева – достаточные ингредиенты для отменного Les Paul, если ваша цель винтажный звук «с добавкой».

Les Paul это Les Paul, как ты его ни «лесполь» – не изменишь, не так ли? А вот и нет. Модель Joe Bonamassa подтверждает, что внимание к деталям в некоторых ключевых конструктивных элементах и спецификациях может превратить неукротимого, могучего, ревущего монстра в суперартикулированный инструмент. Не всем такое придется по нраву, конечно, но именно таковыми были лучшие винтажные LP Standard, и модель Bonamassa обладает изрядной дозой этой олдскульной винтажной темы. Выбор этой модели вместо Custom Historic 1957 Goldtop, на которой она основана, сводится к тому, являетесь ли вы фэном Джо Бонамасса и нравятся ли вам искусственно состаренные гитары. При цене на треть большей, чем у классической реплики, такой инструмент окажется, скорее всего, собственностью коллекционера. Но на самом деле, лучшее применение для него найдется в руках музыканта, который на сцене в полную громкость и со всего размаху заставит гитару раскрыть свой внушительный потенциал.

Еще одна прекрасная гитара в благородном семействе

GUITARS

ma g a zine

149

Ibanez возвращается в прошлое и пытается скрестить винтажный дух с современным дизайном? Что ж, посмотрим...

сновной тренд современного басового производства – создавать инструменты с активной электроникой, гладким округлым корпусом, тонкими «рогами» и изобилием струн. Однако все еще остается значительный сектор басгитарного рынка, ориентированный на инструменты дизайна прошлых десятилетий. Ibanez, без сомнения, один из лидеров производства hi-tech гитар и басов, однако сегодняшний герой статьи вряд ли может соответствовать традиционному вектору деятельности этой компании. Скорее, это можно назвать ответом современных гитаростроителей на вопрос – каким, по их мнению, может быть инструмент в стиле «ретро»? Итак, бас-гитара Jet King. Эдакая попытка вернуться к далеким временам господства пассивной электроники и грубых массивных корпусов. Ibanez не пытается особо подражать Gibson Thunderbird (не к лицу такой компании строить бизнес в стиле дешевых китайских заводиков), однако внешний вид определенно напоминает дизайн бас-гитар тех давних лет. Ibanez уже сделали в свое время схожий необычным внешним видом бас Iceman, однако если последний был не столь винтажный, сколько готический, то Jet King, как и его электрогитарная сестра JTK4, определенно воспроизводят классические черты инструментов 70-х годов. Из чего складывается дизайн инструмента? Возможно, важную роль тут играет геометрия деталей. В таком случае у нас есть крайне умеренные вырезы под рога, плоский прямой корпус, строгая диагональ под правое предплечье. А, может, дизайн более связан с цветовым восприятием? В этом случае Ibanez Jet King может гордиться своим двухтоновым санберстом. Однако при всех этих отдельных деталях, на которые мы обратили ваше внимание, не стоит считать Ibanez Jet King лишь коллекцией древних находок гитаростроителей. Обратим внимание на две фальшпанели, массивный бридж и потенциометры, будто скрученные с со-

150

GUITARS

ma g a zi ne

ветского радиоприемника. Регуляторы расположены на фальшпанели, а гнездо для джека на ребре корпуса, что защищает электронику от возможных повреждений, если бас упадет на фронтовую сторону. Верхняя фальшпанель не имеет практического значения, ведь мало кто из басистов так остервенело будет размахивать медиатором, чтобы требовалось изолировать от царапин область над струнами. Понятно, что наличие верхней фальшпанели дополняет нижнюю и создает единую геометрическую идею, однако, честно сказать, общий вид не только не оставляет ощущения продуманной концепции, а наводит на мысли о запоздалой идее, реализованной «в последний момент». Вряд ли можно ошибиться, сказав, что дизайн должен быть не только привлекательным, но и функциональным. Обратим внимание на бридж. Пластина основания невероятно широкая, однако рабочие детали вполне стандартных размеров и выполнены на совесть. Индивидуальные седла под каждую струну обеспечивают гранитную стабильность даже при самой яростной медиаторной атаке. Жалко, что при такой общей основательности конструкции не закрыты от глаз бобины струн, торчащие за бриджем. Такие, незначительные на первый взгляд, ляпы могут разом перечеркнуть общее впечатление от инструмента. Посмотрим на гриф. Он достаточно широкий и удобно ложится в руку – разумеется, ощущения напоминают, скорее, игру на Thunderbird, чем на Precision. Голова грифа блестящая, окрашенная черным лаком и немного скошенная, что спасает инструмент от необходимости ритейнеров. Надо отметить, что головка грифа весьма компактного размера, и небольшие колки лишь подтверждают догадку – дизайнеры подарили нам возможность носить такой инструмент даже в самом маленьком чехле, а это уже – простите за каламбур – немало! Очевидно, что бас-гитара с таким однозначным видом, должна

иметь соответствующее звучание. Как видно, на бас-гитаре имеются раздельные регуляторы громкости для каждого звукоснимателя, а также ручка тона. Подобная классическая конфигурация дает богатый диапазон звучаний, достаточный в большинстве случаев. Звукосниматели, хоть и напоминают хамбакеры, тем не менее являются однокатушечными. Звук теплый и сочный – что не очень-то характерно для пассивного баса за такие, откровенно говоря, небольшие деньги. Ну и напоследок надо отдать должное достаточной области перед грифом для использования самых различных техник, включая, к примеру, самые сложные элементы слэпа. Без сомнения, Ibanez имеет множество впечатляющих эндорсеров, которые выбирают для себя навороченные высокотехнологичные модели инструментов. Однако многим простым музыкантам классический пассивный бас до сих пор нравится больше разработок в стиле модерн. Пассивный бас обладает более натуральной и чувствительной динамикой звука, ну и, конечно, позволяет вспомнить звучание бас-гитар любимых музыкантов прошлого. Теплый и жирный звук Ibanez Jet King’а точно заставит не одного обладателя баса с активной электроникой спешно крутить все эти многочисленные ручки в попытке повторить свободу и естественность звука пассивного инструмента. Пусть этот бас выглядит как 30-летний инструмент с витрины комиссионного магазина, однако он полон сюрпризов! Уникальный звук, функциональность, ретро-дизайн. Это бас, на котором останавливаются взгляды как музыкантов, так и простых зрителей на концерте, ну а о басистах и говорить не приходится – нет сомнения, что даже состоявшиеся профессионалы обратят свое внимание на этот привлекательный и вполне комфортный инструмент. Не надо ждать от Ibanez Jet King чего-то сверхординарного, но если вы хотите приобрести надежный бас для поездок, с привлекательным винтажным дизайном и выразительным звучанием – это то, что надо!

GUITARS

ma g a zine

151

З а м е ч а л и л и вы ког д а -н и б у д ь , к а к с а м ы е пора з и т е л ь н ы е ч е лове ч е с к и е д о с т и ж е н и я п р и вн и м а т е л ь ном рас с мо т р е н и и

ок а з ы в а ю т с я

об ы д е н н ы м и

пов с е д н е вн ы -

м и ве щ а м и – п р е об ра ж е н н ы м и , п е р е ра б о т а н ы м и и д о ве д е н н ы м и д о к р и т и ч е с ко й т о ч к и ? К а к с а м ы е я р к и е кош м а р ы – э т о в c е г д а т е , ко т ор ы е у хо д я т кор н я м и в б у д н и ч н у ю р е а л ь но с т ь? И л и к а к т ра м п л и ном д л я к а ж д о г о б о л ь шог о т в ор ч е с ког о р ы вк а в с е г д а я в л я е т с я по л ное , ис ч е р п ы в а ю щ е е з н а н и е в с е м и з ве с т н ы х к а нонов ? З а д ум а й т е с ь , н а п р и м е р, о т ом , ч т о Х е н д р и кс н и ког д а б ы н е п р ор в а лс я в м у з ы к а л ь н у ю с т ра т о с фе р у, е с л и б ы н е д ове л д о а в т ом а т и з м а с в ое в л а д е н и е в с е м и с т а н д а р т а м и с в о е г о вр е м е н и , п р ове д я г о д ы в г р у п п а х т а к и х но с и т е л е й э т а лонов поп у л я р но й м у з ы к и , к а к Л и т т л Р и ч а рд и А й к с Т и но й Т е р н е р ? И л и к а к П и к ас с о н и ког д а н е п р и ш е л б ы к к у б и з м у, е с л и б ы в д е т с к и е г о д ы н е ус в ои л в с ове р ш е н с т ве п ра ви л а к а д е м и ч е с ког о р ис у н к а ? И л и к а к ч е лове к н е по л е т е л б ы в ко с мо с , е с л и б ы н е г о д ы к р опо т л и в о й ис с л е д ов а т е л ь с ко й ра б о т ы , о т но с я щ е йс я к н е о ч е н ь т о, с п е р в ог о в з г л я д а , з а х в а т ы в а ю щ и м об л ас т я м н а у к и ?

152

GUITARS

ma g a zi ne

случае с Джоном 5 (John 5), который провел 19 лет, играя музыку по правилам, 2008 стал годом итогового квантового скачка. После игры в команде Мэрилина Мэнсона (Marilyn Manson), работы на альбомах таких светил, как Роб Халфорд (Rob Halford), Рэнди Кастилло (Randy Castillo) и Дэвид Ли Рот (David Lee Roth), написания композиций для музыкантов от Аврил Лавин (Avril Lavigne) до Meat Loaf в качестве штатного композитора лэйбла Chrysalis и выпуска трех добротных сольных альбомов, он, в конце концов, собрал

все, что знал о роке, металле и кантри, и создал опус, который начисто разрушил все категории восприятия современной музыки. Его альбом Requiem, выпущенный в июне, делает каждодневные реалии заботой и уделом изготовителeй игрушек, разрушая все наши представления не только об инструментальной гитарной музыке, но и o традиционных американских музыкальных формах. На этом альбоме Джон представляет нам радикально новую творческую модель, основанную на эксперименте и вдохновении равно как и на опыте и рассче-

те. Со сверхчеловеческой концентрацией внимания и смелостью он берет то, что мы раньше знали как трэш, индастриал и кантри, разбивает их на фрагменты, освобождает их от эмоциональных резонансов, от их исторического значения и изначального смысла, вскрывает их, препарирует и сшивает заново, вдыхая в них новую жизнь, при этом создавая новую фантасмагоричную форму, новый жанр, который не берет ничего из прошлого, кроме необходимых музыкальных форм. Результат предстает перед нами во всем своем великоле-

GUITARS

ma g a zine

153

пии – странный и самодостаточный, яркий и завершенный, если не сказать совершенный, альбом. Старые стимулы, которые металл и кантри были способны когда-то передавать, теперь уничтожены, и мы видим нового зверя, рвущегося вперед, новый смысл, новые ценности. И это зрелище не для слабонервных, потому что напоминает кошмар наяву – то, как музыкальные стили, которые мы, казалось бы, так хорошо знали, на которые умели реагировать и от которых знали, чего ожидать, теперь оказываются уничтоженными, душа их – истреблена, а их формы – искривлены в новом творении, в музыкальном Франкенштейне, который Джон 5 демонстрирует нам на этом альбоме. И становится понятно, что без подробного и всестороннего знания им всех жанров, которые он использует, он не смог бы достичь такого убедительного результата. В этом отношении Requiem оплакивает американские популярные музыкальные стили, то, какими мы их знали, и воспевает рождение новой эстетики. Неистовство техники на этом альбоме, разящее с быстротой молний, плотная текстура композиции, колоссальная энергия и рациональный, взвешенный, продуманный, почти механистический контроль, с которым Джон управляет тем, что происходит с такой скоростью, говорят о силе и глубине хаоса, который он таким образом сдерживает. Как Сатир в «Рождении Трагедии» Ницше, наш герой – посредник между преисподней и небом, между хаосом и порядком. Именно такую роль Джон играет на этом альбоме, что требует от него удивительной силы воли, необходимой для подчинения демонов, бушующих внизу. Их вот-вот готовый начаться бунт сдерживается устрашающими средставам – техника Джона на этом альбоме безжалостна в своей точности и скорости и пропорциональна силе лавины, готовой прорваться на поверхность. Виртуозное владение инструментами (гитарой, банджо и бас-гитрой) и тщательная точность исполнения абсолютно необходимы для обуздания этого внутреннего беспорядка. Радуясь возможности побеседовать по телефону с самим демиургом

154

GUITARS

ma g a zi ne

«Я занимаюсь все свободное время. По меньшей мере, по несколько часов в день. Именно поэтому я записываю столько инструментальной музыки. Приятно, когда голова чем-то занята» незадолго после выпуска нового альбома и всего за несколько дней до начала его турне по США, я начинаю с того, что благодарю его за найденное для нашего журнала время. Джон, спасибо за то, что нашел время для Guitars Magazine. Знаю, как ты сейчас занят подготовкой к турне. Без проблем.

Российские читатели будут рады увидеть это интервью в нашем журнале. Да и хотели бы поскорей увидеть тебя в европейском турне. А пока твои российские фэны могут смотреть твои выступления только на YouTube. Я должен буду скоро туда поехать. Правда, должен. Я и сам с нетерпением этого жду!

Собираешься ли ты выпустить концертный DVD, пока мы тебя ждем? Недавно я выпустил учебный DVD – необузданный и безбашенный, для тех, кто заинтересован в основах игры на гитаре, как и я сам, когда был моложе. Он вышел в конце прошлого года, да? Да. Так что вместо того чтобы выпускать концертный DVD, я лучше к вам приеду. Это было бы замечательно, я обожаю у вас играть. Расскажи, какого рода концерты ты планируешь во время этого твоего турне по США. Я буду исполнять по два трэка с каждого своего альбома. Концерты, скорее всего, будут продолжаться примерно час, а затем буду раздавать автографы и общаться с фэнами. Для фэнов это все равно что иметь пропуск за кулисы. У всех на этом турне есть пропуск за кулисы. Эволюция твоего стиля на новом альбоме потрясает. Это, по-моему, самая взрывная музыка, когда-либо тобой написанная. Что тебя вдохновляло? Я хотел записать альбом, который бы был более экстремальным, чем предыдущий. На нем нет ничего импровизационного, все было распланировано и собрано вместе, как головоломка. Альбом называется «Реквием» – музыка для мертвых, и все названия песен на нем – это названия пыточных орудий, так что это не просто крутая музыка. У всего есть смысл, увязывающийся с предыдущими альбомами. И я думаю, что это важно. Очень важно не просто записывать музыку, но и иметь коцепцию, которая бы связывала музыку со всем остальным. Ты говоришь, что на этом альбоме нет ничего импровизационного. Значит ли это, что все партии для каждого трэка были сначала записаны в письменном виде? Они все были записаны в письменном виде, и я должен был сделать так, чтобы все было сыграно на пределе моих возможностей. Я не люблю, когда люди сидят и ждут

меня в студии, даже если я им за это плачу. Это большая, трудная работа, но это весело. Это очень весело. На этом альбоме есть отрывки, звучащие, как классическая музыка, материал, который мы от тебя раньше не слышали. Классическая музыка – это новый твой интерес, или это что-то, чем ты уже давно увлекаешься? Я уважаю классическую музыку. На данный момент мой любимый стиль – это кантри, но классика мне нравится тоже. Это очень вдохновляющая, прекрасная музыка. Мне она доставляет большое удовольствие, и мне доставляет удовольствие играть во многих стилях. Спокойные места на этом альбоме я называю «глотком воздуха». Перерывом от того, что вбивается в твою голову. Когда ты получаешь глоток свежего воздуха, приятный отрывок музыки из ниоткуда, и тебе кажется: «О, я чуть не задохнулся, а теперь чувствую себя хорошо». И это то, что людей абсолютно дезориентирует, это то, что привлекает к себе внимание, в то же время продолжая оставаться качественной игрой на гитаре. Я просто пытаюсь вдохновить других музыкантов, как я и сам был в свое время вдохновлен. Показать людям, что в мире существует много разной музыки, не только рок. Ты всегда знал, как пишется хорошая мелодия для песен. Сыграл ли роль твой интерес к хорошим мелодиям в том, что ты начал исследовать формы классической музыки? Я обожаю, я просто обожаю хорошие мелодии. Я их обожаю. И стараюсь сделать все, что могу. Я стараюсь... когда я пишу для разных музыкантов, я стараюсь написать самый лучший материал. Стараюсь писать так, чтобы люди в этом что-то узнавали, чтобы это было тем, что имеет к ним отношение. Это не должна быть просто удачная последовательность аккордов, это совсем не то, что нужно. Должна быть хорошая мелодия. Это для меня очень важно. Стилистические контрасты не этом альбоме потрясающи. На нем и традиционные американские популярные

формы, и экспериментальный рок, и места, навеянные классикой, так что начинает казаться, что ты преподносишь слушателям рока то, что они любят и то, что они ненавидят. Знаешь ли ты, кто является твоими слушателями на сегодняшний день, или ты просто записываешь материал, выпускаешь его и смотришь, что потом происходит? Это хороший вопрос. Мне нравится смешивать разные стили таким образом. На мои концерты приходят и фэны рока, и готы, и люди постарше, которым нравится игра пальцами, без медиатора, и которым нравится кантри, и это доставляет мне большое удовольствие. Это как награда. Когда людям постарше нравится то, что я делаю, они говорят: «О, мне это действительно понравилось. Я услышал эту музыку в комнате своего сына, послушал сам, и мне этот стиль нравится». Моя музыка очень разноплановая, она – для очень разношерстной толпы. И в ней, плюс ко всему, присутствует элемент опасности, потому что музыка – безбашенная, посыл ее – безбашенный, имидж – безбашенный, но все это весело, это все – развлечение. Как ты пришел к такой концепции? Назвал бы ты свой подход к этому альбому инстинктивным, или, скорее, интеллектуальным? Процесс создания этого альбома потребовал долгих размышлений. Если брать этот диск в целом, то он – это одна большая композиция. Но я разделил ее на трэки. Да, верно, трэки на этом диске как бы переливают друг другу кровь. Совершенно верно. Если слушать его как единое целое, то все они сочетаются, грани между ними стираются. Процесс работы над этим альбомом потребовал много усилий от мозга. Помимо гитары, на этом альбоме ты играешь на банджо и на басе, и делаешь это виртуозно. Значит ли это, что ты разгадал принцип, лежащий в основе всех щипковых струнных инструментов?

GUITARS

ma g a zine

155

Я обожаю банджо и я обожаю играть на басе. Я люблю музыку и ценю все музыкальные инструменты, но мой любимый инструмент – не гитара, а педальная гитара. Это мой любимый инструмент. По какой-то причине я его люблю. Он звучит настолько круто. Я не знаю, как на нем играть, но я учусь, так что, возможно, услышим его на следующих альбомах. Это гипнотический, мрачноватый, опасный инструмент. Да, очень. Опасная вещь... Но также обворожительная. Да, обворожительная. Про многих виртуозов гитары говорят, что они эгоистичны и стараются навязать свое собственное видение людям, с которыми они работают, в то время как ты, напротив, адаптируешься практически к любой творческой ситуации – от написания песен для Аврил Лавин до работы с такими музыкантами, как Роб Зомби. Как ты угадываешь, в чем

состоят индивидуальные потребности каждого артиста? Это как устраиваться на работу и знать, на какую вакансию. Я стараюсь как можно больше узнать и прочитать про людей, с которыми мне предстоит работать в студии, я пытаюсь узнать подробности о том, как они пишут свои песни, что им нравится, даже читаю их интервью и стараюсь узнать, что им не нравится. Так что я много узнаю про людей, перед тем как идти с ними в студию и начинать для них писать. Мне кажется, что это важно. Ты работал с таким множеством исполнителей за эти годы, с людьми, которые играют в самых разнообразных стилях. Есть ли кто-то, с кем ты еще не работал, но хотел бы? Я обожаю Маккартни, Ринго Старра, Джаггера, всех этих парней. Я их обожаю. Я думаю, что смог бы написать что-нибудь особое для любого из этих артистов, что, конечно, не значит, что им требуется какая-то помощь... Начал ли ты думать о материале для нового альбома? Я все время об этом думаю. Я

всегда сам себя опережаю. Я всегда работаю и всегда думаю, а если перестаю это делать, то тогда моя голова начинает перемещаться в зону, в которой ничего хорошего нет. Думаю, что пока мой ум занят, для меня это хорошо. Поэтому у моих предыдущих альбомов такие названия, как «Vertigo» («Вертиго») и «Songs for Sanity» («Песни для сохранения вменяемости»). Они дают ключ к тому, о чем я только что говорил. Сказал бы ты, что музыка оказывает на тебя терапевтическое действие? Безусловно. Если бы я не занимался музыкой, я бы, наверное, страдал навязчивыми состояниями и полностью себя бы разрушил. Полностью, абсолютно разрушил. И я это не для того говорю, чтобы кого-то шокировать или что-то в этом духе. Я действительно думаю, что так бы оно и было, потому что я сейчас нахожусь на гране этого. Так что для меня это хорошая терапия – работать так много. А знание ответа на какой-нибудь вопрос облегчило бы положение дел? Если бы тебе был дан ответ на любой вопрос во Вселенной, что бы ты спросил?

«Я никоим образом не поддерживаю серийных убийц. Но мне ужасно интересно, какие «тараканы» водятся в голове этих людей, как им удается оставаться хладнокровными, совершая свои ужасные злодеяния. Вот я и попытался создать музыку, передающую сумасшествие, своего рода саундтрек к мыслям этих маньяков»

156

GUITARS

ma g a zi ne

Я хочу знать совершенно точно, совершенно конкретно, что происходит после смерти. Ты не агностик и не атеист? Нет, нет. Это то, что я действительно хотел бы знать.

Если на своем предыдущем альбоме «Requiem» Джон 5 сумел успешно создать атмосферу безвоздушного склепа, то на «The Art of Malice» oн ослабляет хватку, привнося больше спонтанности в свой аккуратный, педантичный, почти лабораторный модус операнди. На этот раз он впускает в свою музыку больше воздуха и света, начинает мыслить более масштабно и смело, и этот новый подход творит чудеса

А как ты думаешь, что происходит? Я не знаю. Я разговаривал на эту тему с Никки Сиксом (Nikki Sixx – басист Motley Crue), который сам прошел через клиническую смерть, и он рассказал мне, что было с ним. (В своих книгах «The Dirt» («Грязь») и «Heroin Diaries» («Героиновые дневники») Никки Сикс рассказывает то том, как его душа покинула тело во время клинической смерти и наблюдала за тем, что предпринимали врачи «скорой помощи» для его спасения. Жизнь вернулась в тело после трех уколов адреналина в сердце. – прим. ред.) Я разговаривал про это с врачами, и они говорят: «То, что рассказывают различные люди, может быть результатом постепенного отключения их мозга», что-то в таком роде, но я всегда... Это, несомненно, было бы моим вопросом. Если бы я получил на него ответ, Бог мой! Я бы ужасно хотел получить ответ на этот вопрос. А что бы ты хотел, чтобы произошло? То, что все бы хотели. Увидеть тех, кого ты любишь, чтобы все было нормально, но в это очень трудно поверить, кто знает, что на самом деле происходит. Может быть, ты просто отключаешься, как лампочка, а может быть, за этим следует что-то еще. Поразительный ответ. Спасибо за твое время. Удачи тебе в турне! Ни пуха, ни пера. И не забывай, что приезжать в Россию – это всегда тоже хорошая терапия. Да, я там был. С Мэрилином Мэнсоном, да? О, да! Я обожаю там бывать! Одно из моих любимых мест. Оно меня очаровало. Мы бы с огромным удовольствием снова тебя у нас увидели. Спасибо.

Его фирменные вихри нот, выдаваемые с головокружительной скоростью, феноменальная техника и эксцентричное чувство юмора остаются теми же, но на новом релизе Джон 5 позволяет своей музыке дышать свободнее и двигаться непринужденнее. Плюс его безупречное понимание того, что работает в попмузыке, задействовано теперь в полной мере, ведя к интересным, моментально запоминающимся мотивам, где его любовь к жутковатому веселью сочетается с виртуозной техникой

илли Шин гостит на «Ya Dig» – oстрой, яркой, свежей композиции, на которой они с Джоном обмениваются молниеносно быстрыми фразами. Но больше всех впечатляет ключевой трэк альбома «Ill Will or Spite» – мастерски написанный, аранжированный и исполненный с искрометной виртуозностью потенциальный хит. Здесь Джон видит гитару, как другие композиторы рассматривали бы оркестр, заставляя ее широкий диапазон служить недавно найденному свободному и экспансивному подходу к написанию музыки. Много знаний, музыкального чутья и понимания не только сути своего инструмента, но и того, что значит быть рок-композитором, вложено в то, какой этому альбому задан темп, а также в то, как каждый трэк резонирует с предыдущим и следующим. Ничто, однако, не подготавливает слушателя к заключительной композиции под названием «The Last Page Turned» – акустическому мини-шедевру, ловящему

GUITARS

ma g a zine

157

158

GUITARS

ma g a zi ne

призрачное эхо «White Summer» Джимми Пейджа. Ее щемящая, задумчивая меланхолия напоминает нам о том, что за поразительной техникой и четко выверенной брутальностью у таланта Джона 5 также всегда была глубоко проницательная, интуитивная сторона. При том что он всегда внутренним чутьем знал о самых сокрушительных и самых завораживающих вещах, касающихся музыки и человеческой природы, с выходом этого релиза мы понимаем, что за последние два года ему удалось узнать еще больше. Должна тебе сказать, что новый альбом просто потрясает. Это что-то совершенно из ряда вон выходящее. О, спасибо большое. С одной стороны ты настолько узнаваем – особенно в том, что касается саунда и техники исполнения, а с другой стороны – это что-то совершенно новое с точки зрения композиции. Что вдохновило тебя на то, чтобы раширить свои горизонты? Впустить в свою музыку больше света и воздуха и сделать ее такой разнообразной, такой свободной, такой непринужденной по сравнению с предыдущим альбомом? Это забавно. Когда я только начал выпускать инструментальные альбомы, я всегда старался быть не таким, как все, потому что многие инструменталисты... Если кто-то взял бы и перемешал все их песни и затем сказал: «Назови мне музыканта, который это играет», то это было бы очень сложно сделать в отношении рок-инструменталистов. Они все феноменальные исполнители, но я хотел создать что-то совершенно и абсолютно другое, довести это до такой степени, чтобы слушатель был просто шокирован. Если ты покупаешь альбом парня, который играл с Мэрилином Мэнсоном, ты более-менее знаешь, чего ождать. Так что я хотел все по-настоящему изменить и просто всех шокировать. Я обожаю многие музыкальные стили, и мои альбомы – гитарные альбомы. Их будут покупать гитаристы. Они оценят то, что я делаю. Я как автогонщик, у которого свой стиль вождения, ни на кого не похожий. Людям всегда будет нравится то, что отличается от всего другого, даже если это не их стиль музыки. Если гитарист видит, как играет другой гитарист, и при этом играет хорошо, то он всегда остановится и понаблюдает за ним какое-то время. Поэтому я все так и сделал. Я просто хотел придать моей игре остроты и изменить ее так, чтобы я звучал ни на кого не похоже.

Тебе, конечно, легко играть в разных стилях, не так ли? Нет, наверное, такого жанра, в котором ты не мог бы работать, если бы этого захотел? Я стараюсь. И мне нравятся стили, в которых я играю. Я не изучаю их просто для того, чтобы их изучить, мне они нравятся. То, что я делаю, доставляет мне удовольствие, и это сильно помогает, когда ты действительно получаешь удовольствие от того, что ты делаешь, а не просто играешь какую-то песню в стиле кантри для того, чтобы произвести на кого-то впечатление. Мне эта музыка действительно нравится, и я обожаю Леса Пола, Чета Аткинса, Роя Кларка, Альберта Ли, всех этих людей, я их очень люблю. Так что для меня это удовольствие. Для того, чтобы сказать что-то по-настоящему значимое в других жанрах, помимо своего основного, нужны незаурядные способности. Не столь многим гитаристам это удается. Я стараюсь. (Смеется.) Я не стараюсь быть самым лучшим, но обожаю играть на гитаре. Слава богу, что это не та вещь, которая может навредить здоровью и не что-то противозаконное. Иначе я был бы мертв или сидел бы в тюрьме. Билли Шин как-то мне сказал, что занятия инструментом – это большой физический труд: «Это уродливо и это больно». Это может быть очень больно. У меня, к счастью, никогда не было таких проблем. Я просто играю легкой техникой, но могу представить, как это у басистов... На басе играть тяжело. Я играю на басе на своих альбомах, но это быстро начинает причинять боль, потому что струны в десять раз толще и играть намного труднее. Я могу это только представлять в своем воображении, потому что второго Билли Шина на свете нет. Билли Шин – это Билли Шин, верно? Потрясает количество лет, проведенных им безостановочно за занятиями своим инструментом. Как давно ты его знаешь? Как вы договорились, чтобы он сыграл на «Ya Dig»? Музыкантский мир маленький, особенно здесь, в Лос-Анджелесе. Постоянно встречаешь людей, когда куда-то выходишь, видишь их все время то здесь, то там, «привет – привет», и через какое-то время вы становитесь более близкими друзьями. Этот парень знает того парня... Я люблю огромное количество музыкантов, и мне все равно – это парень из Slayer или это парень из White Lion. Я обожаю гитаристов, и я фэн каждого из них. И, конечно, у меня есть любимые музыканты, и Билли Шин – один из них. Я просто связался с ним. Он был очень любезен и согласился. Мы, естественно, оба играли с Дэвидом Ли Ротом и у нас много общих знакомых. Это было очень здорово, у него такой потрясающий талант. Ты занимался специально композицией перед тем, как начать работать над этим альбомом? Композиционный аспект этого диска – это что-то, над чем ты специально работал, или все писалось и шло само собой? О, нет, я над этим работаю. Я, безусловно, над этим работаю. Я работаю над такими вещами больше, чем над чем-либо другим в своей жизни, это даже без вопросов. Безусловно. Это как тренировка – я работаю, работаю, работаю, работаю. Это не так, что я, например, беру в руки инструмент и говорю: «А ну-ка, дай-ка я тут попытаюсь...». Это совершенно не так. Я тренируюсь, тренируюсь, тренируюсь, тренируюсь весь день. И далеко за полночь. Это, наверное, прозвучит сейчас как глупый вопрос, но как ты думаешь – ты узнал о себе какие-то новые вещи на этом альбоме? Были моменты, когда ты, допустим, прослушивал какой-то только что завершенный трэк и говорил сам себе: «А я не знал, что в моем характере есть такая черта...»?

GUITARS

ma g a zine

159

(Смеется.) Это смешно, потому что была пара таких моментов. На альбоме есть песня под названием «The Art of Malice», играется чистым звуком без эффектов... Там есть чуть фламенко... Да, совершенно верно, я там экспериментировал с несколькими стилями. И вот реальная история, как эта песня была записана. Я тестировал мой чистый звук в студии, собираясь записать гитарную партию чистым звуком к одной из песен. По-моему, к «Nightmare Unravels». Мы тестировали чистый тон: «Это нормально звучит? А это нормально?». И звукоинженер говорит: «Поиграй немного, играй с такой же силой, с какой будешь играть при записи, чтобы мы слышали, каким будет твой звук». И я играю, как будто занимаюсь. Просто проверяю свой звук. И мне это так понравилось, что я сказал: «Давайте это оставим для альбома». Но это еще не все. Я при этом был снят на видео. Я выложил это на YouTube, и этот клип – это то, как я проверяю свой звук, и это тот самый тэйк, который был использован на альбоме. Это можно увидеть на YouTube? Да, можешь посмотреть. Внеси в поисковик «Джон 5 в студии» и увидишь. Партию фламенко я добавил позже, но ты услышишь тэйк, который стал частью альбома. Мне показалось, что это круто, так что да, я сам себя удивил. В пресс-релизе написано, что вдохновением для некоторых треков послужили твои детские воспоминания. Совершенно верно. Ты рос в музыкальной семье? Нет, на самом деле нет. (Смеется.) Но я никогда ничем, кроме игры на гитаре, не занимался. У тебя, конечно, было много разных интервью и многие тебе наверняка говорили то же самое, но я на самом деле ничем больше в принципе не занимался. Спортом я не увлекался... У меня были друзья – я был добр к людям, и они в ответ относились ко мне с добротой – но настоящее удовольствие мне доставляла моя гитара. На альбоме есть песня под названием «JW», и это то, как меня называл отец: «Эй, Джей Дабл-ю!». Мое второе имя – Уильям, поэтому он меня так называл. А есть еще вещь под названием «The S Lot», так называлось здание-пристройка к нашей школе. И «Fractured Mirror» – это был кавер Эйса Фрэли, я эту песню обожал, когда был маленьким. Эта инструментальная композиция изменила в свое время мою жизнь. У тебя была четкая цель или стремление чего-то достичь в музыке, когда ты рос? В очень раннем возрасте я понял совершенно четко, чем я хочу заниматься. Не в том плане, что я хотел стать большой рок-звездой, иметь огромное количество женщин, машин и домов и переехать в Калифорнию. Это было не так. Забавно, но еще в детстве я себе сказал: «Все, что я хочу – это зарабатывать на жизнь гитарой и переехать в Калифорнию». Это была моя мечта. Больше я ничего не хотел. Я не хотел славы или каких-то таких вещей. Все, что я хотел – это зарабатывать себе на жизнь гитарой... и жить в Калифорнии. Потому что, если говорить честно, в школе я не блистал, потому что все время играл на гитаре. Удивительно, как ребенок может такие вещи понять в таком раннем возрасте, но я понимал, что в академической сфере у меня талантов особых нет. (Смеется.) Я понимал, что единственное, что я могу делать – это играть на гитаре. Многие так говорят: «О, а что же еще кроме гитары?», но я просто был честен сам с собой, потому что это было все, что я мог делать. Так что я сконцентрировался на этом и работал, работал, работал. И к счастью, К СЧАСТЬЮ, мне удалось покинуть дом и теперь я в Калифорнии. Я не сдался и пошел до конца.

160

GUITARS

ma g a zi ne

Как ты думаешь, претерпела ли профессия рок-гитариста какието коренные изменения с тех пор, как ты начал играть на гитаре? Не в отношении технологий или распространения, а просто в отношении ремесла? О! На тысячу процентов! Правда? На тысячу процентов. То, что сейчас происходит, подчас просто пугает. Скажем, в семидесятых все было круто. Круто, круто, круто. Потом в восьмидесятых все изменилось и стало еще круче. Все продолжает меняться. Люди ни на чем не останавливаются, продолжают привносить в музыку все новые элементы, продолжают расширять свои горизонты. Все настолько продвинулось. Просто в смысле техники. Очень продвинулось. Несомненно, был спад в период гранжа, не так много людей тогда играли на гитаре, но музыка была великолепной в то время. Я обожаю эру гранжа, потому что музыка была потрясающая. Но в смысле игры на гитаре все настолько продвинулось. И это прекрасно, мне это очень нравится. А как ты поддерживаешь свою технику в форме? Приходится ли заниматься каждый день? Да. Приходится заниматься каждый день. Я даже не знаю, что произойдет, если я не буду заниматься неделю, допустим. Но я никогда не делал перерывы больше, чем в два дня. Так что я не знаю. Мне кажется, что все, что мы делаем, мы должны делать регулярно. Но я это делаю не для того, чтобы не отставать, а потому что я это люблю. Я люблю, когда у меня гитара в руках. Я тогда чувствую себя в полной безопасности, как ребенок под одеялом. Чувствую себя спокойно и в безопасности. И наверняка много играешь для своего собственного удовольствия, а не для того, чтобы позаниматься? О, безусловно. Безусловно. Я смотрю телевизор и просто играю на гитаре для своего удовольствия. У меня нет такого: «О, нужно позаниматься...». Я это делаю, потому что я это люблю, мне это приносит радость, у меня от этого хорошее настроение. Похоже на наркотик, когда людям нужна доза. Я люблю это чувство. Сейчас у нас 11 утра и я еще не брал в руки гитару. И я просто не могу дождаться этого момента. Но у меня радостное настроение, потому что я сейчас поеду в студию и у меня будет хороший день.

А, так ты работаешь над новым материалом? Да я всегда пишу, работаю, веселюсь! Тут один из наших российских читателей прислал интересный вопрос, я его тебе сейчас прочту. Вопрос такой: «Доволен ли ты полностью теми гитарами, которые у тебя есть на данный момент? Думал ли ты когда-нибудь модифицировать какую-нибудь из своих гитар или как-то расширить их возможности?» Это хороший вопрос...

А какие элементы должны совпасть для хорошего концерта? Я просто руководствуюсь опытом, и я до сих пор сам часто хожу на концерты других музыкантов. Я стараюсь сделать так, чтобы был хороший звук и чтобы все члены группы играли на пределе своих возможностей. Мне даже иногда становится жалко парней в группе, потому что я так много репетирую. Мне просто хочется, чтобы все было идеально, чтобы все звучало великолепно. Я хочу, чтобы все было очень хорошо отрепетировано и чтобы звук был настолько хорош, насколько это возможно сделать. А в группе Роба Зомби мы следим еще и за тем, чтобы каждый музыкант стоял на правильном месте, потому что Роб тоже перфекционист. Мы вместе – хорошая команда. И у нас всегда, всегда великолепные шоу. Мы за этим следим. Мы просто хотим, чтобы люди по дороге домой после концерта говорили: «Это было потрясающе!».

Думал ли ты когда-нибудь начать играть на семиструнном Стратокастере? (Смеюсь.) (Смеется.) Я обожаю историю Телекастера. Люблю историю Телекастера и люблю играть на нем. На таком, какой он есть. Но своем я установил двойные хамбакеры, немного его модифицировал, но я люблю играть, пользуясь теми возможностями, которые у этого инструмента уже имеются. Я уважаю историю Фендера, и я люблю историю Телекастера. Так что я хотел бы оставить все так, как оно есть, и Телекастером я полностью доволен. И, конечно, скоро ты отправляешься в длинное турне. Ожидаешь этого с удовольствием или нет? С удовольствием, потому что я буду в этом турне с моими друзьями, все это будет происходить летом, а я обожаю играть на сцене летом. Из-за того, что я худой, люблю находиться в тепле и ненавижу холод. А мы обычно играем ближе к Хэллоуину или к зиме, такого рода концерты. И всегда холодно, и я чувствую себя не особо хорошо. А турне в летнее время меня всегда радуют. Я буду играть на гитаре, буду там со своими друзьями, и все это будет происходить летом. А Европу ты планируешь посетить в ближайшем будущем? О, надеюсь! Это зависит от босса, от Роба. Если у Роба это появится в планах, то у меня будет время и для мастерклассов, и если мы окажемся в Европе, то пару мастер-классов я тоже проведу. А Россию я просто обожаю. Это одно из моих самых любимых мест из тех, которые мне довелось посетить. Незабываемые впечатления. Очень хотел бы снова у вас побывать.

GUITARS

ma g a zine

161

«Ритм-треки я, как правило, пишу на Les Paul, а потом дублирую на Fender Sub-Sonic Telecaster. Для обоих треков соло беру один из своих именных телекастеров. Очень уж люблю я телеки. Единственное, что можно поменять между двумя дублирующими треками, – это звукосниматели или усилители»

а л и с а

х э т т о н

з а д а е т

Сколько у тебя гитар? На самом деле, я не знаю... Я, наверное, скажу... Я не уверен. Я бы сказал, около 200. Ты коллекционер? Еще какой коллекционер. Я страстный коллекционер Фендеров Телекастеров. Это моя настоящая страсть, я обожаю коллекционировать гитары. И обожаю коллекционировать Фендеры Телекастеры, пытаюсь сделать так, чтобы у меня были гитары каждого года выпуска. Их начали выпускать в 1950 году, но я собираю инструменты только до 1980 года, и мне это доставляет огромную радость. Через какие каналы ты приобретаешь коллекционные инструменты? Это мое хобби, так что я обожаю разыскивать их в Интернете, обожаю ходить по музыкальным магазинам, когда я в турне. Это великолепное хобби для музыкантов, часто находящихся в турне, и доставляет мне огромную радость. А есть у тебя другие гитары, помимо Фендеров? Огромное количество. У меня огромное количество каких угодно гитар. У меня много Gibson Les Paul, много гитар Gretsch, у меня есть акустические гитары Martin, у меня есть гитары B.C. Rich, Ibanez, Schecter... У меня множество каких угодно гитар – SG, Flying V, все, все на свете. Hаходится время на всех на них играть? Да, когда я записываюсь в студии, я беру с собой большое количество гитар для звукового разнообразия и таким образом опять заново знакомлюсь со всеми своими гитарами.

162

GUITARS

ma g a zi ne

в о п р о с ы

о т

Сколько гитар было использовано на «The Art of Malice»? Не очень много. Я использовал акустическую гитару Martin D-45, а также взял мой основной Телекастер – прототип моей именной модели. Эту гитару я использовал 90 процентов времени. А затем использовал свой старый Телекастер 1952 года для некоторых партий в стиле кантри, а также мой Broadcaster пятидесятого года выпуска. Но не слишком много гитар, потому что я хотел добиться определенного звучания на этом альбоме. У тебя есть любимая гитара? Есть. Я бы сказал, что это мой Фендер Бродкастер, гитара, которая была выпущена в первый год производства гитар Фендер. Это также был первый год производства гитар с цельной декой. Так что это редкая гитара и стоит много денег (Джон 5 заплатил за нее $135 000 – прим. Алисы Хэттон). Юрий Шишков – гитарный мастер Fender Custom Shop. Он русский и хорошо известен в российских гитарных кругах. Не мог бы ты сказать пару слов о гитаре, которую он для тебя сделал? Да, я помню, что он сделал для меня Телекастер, на котором я до сих пор играю на концертах, и это великолепно сделанная гитара. Все парни, работающие на Fender, делают потрясающе прочные инструменты. Я горжусь тем, что принадлежу к «семье» Фендера. Он сделал для меня великолепную гитару, я играю на ней на концертах, и она феноменальна. Вопрос о визуальном аспекте имиджа, сопровождающего

g u i t a r s

m a g a z i n e

твою музыку. Комбинация тем, взятых из фильмов ужасов, и мрачноватых эротических сюжетов – это то, что ты придумал как нечто автономное и самоценное, как чистое искусство, или это что-то, что резонирует с тобой на персональном уровне? Я думаю, что тут присутствуют оба элемента. Я не копирую никого полностью, но источником для всего этого служит вдохновение. Оно может идти от Kiss или от старых фильмов Лона Чейни, который вдохновил меня использовать такой грим. Но также источником служат и мои собственные чувства – эти глаза с каплями слез. В этом есть элемент грусти. Или моя зловещая усмешка на некоторых фотографиях. Это и то, и то. Немного вдохновения и немного того, что у меня внутри. Послужили ли в качестве вдохновения какие-либо другие режиссеры или писатели? Я обожаю фильмы. Конечно, мне нравятся фильмы Роба Зомби и такого плана вещи, но я вообще фэн каких угодно фильмов. Для меня это самый любимый способ уходить от повседневных реалий, и это то, как часто я пишу музыку. Просто сижу, смотрю какой-нибудь фильм и играю на гитаре. Мне нравятся реалистичные фильмы, такие как «Shining», или те, где речь идет о вещах, которые могут произойти в действительности. Еще я люблю документальные фильмы, так что я большой киноман. Следующий вопрос, многие бы сказали, типично русский. Какой у тебя любимый алкогольный напиток? Это великолепный вопрос и вот на него великолепный ответ: я никогда в жизни не пил.

Ну да, от продюсера. Да, потому что я работал с ним раньше. Но это все происходило в течение нескольких последних дней. Тебе это доставило удовольствие? Было интересно? Да, это было весело, потому что у нас разные стили музыки, и поэтому, наверное, меня и пригласили. Мне было весело. Ты когда-нибудь думал записать альбом с приглашенным вокалистом, как это недавно сделал Слэш? У меня многие это спрашивают и просят это сделать. Это великолепная идея, и когда-нибудь я бы хотел воплотить ее в жизнь.

«Лишь горстка гитаристов сегодня делает качественные инструментальные альбомы. Хочется верить, что музыканты воспрянут, возьмут свои инструменты и по-настоящему заиграют» Ого! И не курил сигарет, и не употреблял наркотиков. Это было осознанным решением? Да. Меня ничего из этого никогда не привлекало. Я просто хотел иметь чистый, активный, ясный ум для того чтобы заниматься музыкой. Тогда какой у тебя любимый напиток? Какой-нибудь безалкогольный коктейль или что-то другое? На данный момент я обожаю воду в бутылках. Я знаю, что это звучит скучно и было бы интереснее, если бы я сказал, что пью кровь каких-то животных или если бы у меня был какой-то великолепный ответ на этот вопрос, но мне просто нравится минеральная вода, потому что, когда я играю на сцене, это единственная вещь, которая мне помогает.

Газированная или простая вода? Простая вода.

Какого типа вокал тебе нравится? Я могу оценить очень разных вокалистов. Мне нравится, как звучат мои друзья и люди, с которыми я играл раньше. Я играл с Дэвидом Ли Ротом, с Робом Халфордом, с Робом Зомби, с Мэрилином Мэнсоном, а потом мне еще нравятся такие вокалисты, как Элис Купер и Джин Симмонс, такого плана парни. Было бы здорово сделать веселый альбом такого плана.

Ну, тогда перейдем к следующему вопросу. Из всех когда-либо существовавших групп с кем бы ты хотел поиграть на сцене или поджемовать? Было бы здорово поиграть с кем-нибудь из роллингов или из оставшихся битлов. Это доставило бы мне большое удовольствие. Дай я подумаю... Мне очень нравится Трент Резнор, я обожаю Nine Inch Nails, так что когда-нибудь с ними поиграть было бы тоже здорово. Но я доволен тем, что я сейчас делаю. Я только что закончил играть на альбоме Рики Мартина.

Ты никогда не стеснялся демонстрировать, кто на тебя повлиял. Такие люди, как Эйс Фрэли или Джимми Пейдж. Что очевидно, когда слушаешь некоторые твои трэки. А Слэш на тебя оказал влияние? Очень большое. Получилось так, что я переехал в Калифорнию из-за видеоклипа «Welcome to the Jungle». Я Слэшу об этом говорил. Плюс у меня есть инструментальная версия «Welcome to the Jungle». Причина, по которой я решился на первый шаг в музыкальном бизнесе, – это Слэш и эта песня «Welcome to the Jungle», и этот клип к ней. Я был из хорошей семьи, но это как раз то, что заставило меня покинуть дом и попытаться начать что-то делать.

Правда? Не знала об этом! Как это получилось? Предложение шло от него? От Дезмонда Чайлда, это его музыка.

А что больше всего зацепило – визуальное решение клипа, тон гитары или музыкальное содержание? Это, как говорят, было «все вместе». Все – и визуальные образы,

GUITARS

ma g a zine

163

и звучание гитар, и агрессия, даже слова, все вместе. Эта песня оказала огромное влияние на мою жизнь, действительно серьезным образом на нее повлияла. Где ты видишь себя через 20 лет? Есть ли какие-то творческие направления, в которых ты еще себя не реализовал, но хотел бы? Надеюсь, что буду делать то же самое, что делаю и сейчас. Через 20 лет буду зарабатывать на жизнь музыкой. Зарабатывать тем, что я обожаю делать, тем, что доставляет мне самую большую радость. Это то, что делает меня счастливым. Это то, в чем заключается весь смысл. Люди иногда спрашивают: «В чем смысл жизни?», и я верю, что смысл жизни в том, чтобы делать то, что ты любишь. Надеюсь, что через 20 лет буду делать то, что я люблю, играть на гитаре и зарабатывать этим себе на жизнь. Говоря о том, чтобы начать исследовать еще какие-то области, – ты когданибудь думал о том, чтобы сыграть или записаться с симфоническим оркестром? Об этом я не думал, но с удовольствием бы это сделал. Я бы хотел попробовать все. Чтобы сказать, что я везде испробовал свои силы. Пытался выполнить все, что только возможно, за то короткое время, которое нам здесь отведено. Я бы действительно хотел попытаться сделать все – и поработать с оркестром, и отправиться в турне с группой, играющей кантри. Есть много вещей, которые я бы хотел сделать. Оказала ли на тебя влияние классическая музыка? Как на исполнителя и как на композитора? Оказала. Многие гитаристы часто говорят о том, как на них повлияла классическая музыка, и как она проявляется в их игре на гитаре. Это прекрасно. Но я слушаю классическую музыку, когда работаю над струнными аранжировками к своему материалу. Я слушаю, как вещи скомпонованы, как инструменты наложены один на другой, как сделана аранжировка. Это то, как я слушаю классическую музыку. Но я обожаю классическую гитарную музыку. Она замечательна. Мне, на

164

GUITARS

ma g a zi ne

«Обычно все начинается с риффа – простого ритмического рисунка – после чего я накручиваю на него все, что только возможно, дабы придать изюминку, свежесть восприятия и некоторую несуразность» самом деле, нравятся все стили музыки. И все стили друг от друга отличаются. Классическая музыка отличается от кантри, кантри отличается от рока, рок отличается от фламенко, а фламенко отличается от всего остального. Это замечательно, и музыка – это такой дар. У тебя есть любимые композиторы? Конечно. Самый любимый у меня Моцарт, потому что мне очень нравится история его жизни. Я думаю, что это был единственный случай за всю историю человечества, когда кто-то действительно получил дар, идущий напрямую от бога. И этим человеком был Моцарт. А как же Хендрикс? Нет-нет-нет. Сейчас объясню, почему. Моцарт в пять лет делал то, что другие люди должны изучать всю жизнь, чтобы к этому прийти. Дети в пять лет просто сидят и ковыряют в носу, а он писал прекрасные сонаты

и симфонии. На это способен только гений, но кроме этого он еще и играл на разных инструментах. Делал то, что делал Хендрикс, но только представь, что Хендрикс делает это на восьми разных инструментах и делает это абсолютно идеально. Но Хендриксу это не нужно было. Его гитара была его оркестром. Это был его выбор. Да, но представь себе, что Хендрикс садится да пианино и играет идеально, или берет в руки скрипку и играет идеально, или садится за ударную установку и то же самое. Это потрясающе. Просто способность играть на многих инструментах? Да, и писать такую музыку, которая будет продолжать жить сотни лет. Как ты думаешь, продержится ли что-то из того, что вышло из рока, так же долго?

О, несомненно! Думаю, что все из того, что мы с тобой сейчас слушаем, будет продолжать жить очень долго. Конечно, Хендрикс, Rolling Stones, Beatles, такого плана вещи. Эта музыка всегда будет с нами, потому что она настолько великолепна, особенно Beatles. Эта музыка будет жить вечно, я действительно так думаю. Rolling Stones, The Who, весь этот материал. Все, что имеет такую широкую популярность, всегда будет звучать. Слушаешь каких-нибудь новых музыкантов сейчас? Какие-то новые группы? И если да, то был ли кто-то недавно, кто бы тебя удивил или вдохновил? Дай-ка я подумаю. Мне кажется, что мне нравятся Muse, мне кажется, что у них великолепный материал. Что мне еще нравится из совсем нового? Сразу сказать я не могу... Никого из совсем новых я назвать не могу, потому что музыкальный бизнес сейчас находится в таком плохом состоянии. Не могу назвать никого из новых, кто бы гремел сейчас. На радио или в чартах. Потому что до сих пор это все старички. Давай посмотрим, что сейчас в чартах в Штатах: Эминем, который появился уже настолько давно, Билли Рэй Сайрус, который тоже появился очень давно, Оззи Осборн... Это все, кто сейчас находятся на вершинах чартов, и все они работают уже очень долго. Я никого из абсолютно новых не слушаю, к сожалению. Я хотел бы. Я действительно хотел бы. Но, к сожалению, музыкальный бизнес сейчас в таком плохом состоянии, что ничего нового и нет.

Есть ли у тебя какой-то совет для молодых музыкантов относительно того, что и как теперь нужно делать? Должны ли они теперь переместить фокус своего внимания с коммерческих целей на творческие цели? Концентрироваться на музыке вместо того, чтобы стараться попасть в чарты? Раньше я бы сказал: «Переезжайте в Калифорнию, отдавайте своей музыке все силы, размещайте свой материал в Интернете», такого плана вещи. Но сейчас в музыкальном бизнесе царит такая неразбериха, что я не знаю, что теперь можно советовать. Совершенно не уверен. И это грустно, потому что в лейблах люди тоже сидят в недоумении, пытаясь понять, что происходит. Так что я не знаю, что сказать. Я бы просто сказал: «Становитесь великолепными музыкантами и старайтесь переехать в Калифорнию». Это то место, где сбылись мои мечты, и это единственный настоящий совет, который я могу кому-то дать.

Ну вот ты же Джон 5. Но куда же делись Джон 1, Джон 2, Джон 3 и Джон 4? Еще один великолепный вопрос. (Смеется.) У имени Джон 5 есть библейское значение. Есть такая библейская история. А также я был пятым участником группы Marilyn Manson. Так что смею предположить, что Джоном 1 был Мэрилин Мэнсон, Джоном 2 – Твигги Рамирез, Джоном 3 – Пого, а Джоном 4 – Джинджер Фиш.

У меня тут вопрос, который, я уверена, тебе никто еще никогда не задавал. (Смеюсь.) Ты когданибудь считал, сколько нот ты способен сыграть в секунду? (Смеется.) Нет. Это великолепный вопрос. Следующий раз, когда будем с тобой общаться, у меня, может быть, будет для тебя ответ. И вот еще один вопрос, может быть, даже забавный... Что случилось с первыми четырьмя Джонами? ... с кем?

SQUIER JOHN5 TELECASTER HH И м узыкант John5, и его великолепные инстру менты от Fender становятся все более популярными год от года. Ус т у п а я м н о г о ч и с л е н н ы м п о ж е л а н и я м м о л о д ы х н а ч и н а ю щ и х гитаристов, Fender выпускает наиболее досту пну ю по цене версию именного телекастера от John5

ДВА МОЩНЫХ ХАМБАКЕРА ДЛЯ АГРЕССИВНОЙ МУЗЫКИ И БРУТАЛЬНОЕ МЕТАЛЛИСТИЧЕСКИ-ЧЕРНОЕ ОФОРМЛЕНИЕ – ГЛАВНЫЕ ОСОБЕННОСТИ ЭТОЙ НОВАТОРСКОЙ ГИТАРЫ

GUITARS

ma g a zine

165

МНОГОГРАННОСТЬ Когда Fender, анонсируя ЛИЧНОСТИ СТИВА новую ОЩУЩАЕТСЯ серию гитар, ВО ВСЕМ. заявляют, КАЖДАЯ что ЕГО этоРАБОТА «максимально – ЭТО НЕВЕРОЯТНЫЙ экономичный СПЛАВспособ ГЛУБОКИХ ЧУВСТВ И СИЛЬНЕЙШЕГО ЗАРЯДА ЮМОРА звуком ПО ОТНОШЕНИЮ КАК К инструмент МУЗЫКЕ, ТАК И К заОФОРМЛЕполучить полноценный, комфортный, с отличным американский Fender цену, которая не НИЮзаставит АЛЬБОМОВтрудового МНОГОГРАННОСТЬ человекаЛИЧНОСТИ вывернутьСТИВА своиОЩУЩАЕТСЯ карманы», ВОты ВСЕМ. сразу КАЖДАЯ вспоминаешь, ЕГО РАБОТА что, –собственно, ЭТО совершенная в свое время гитарная революция Fender проходила примерно под таким же лозунгом

Эти люди явно знают толк в теме, и отвечают за завлекате льные лозунги де лом. Серия American Special выпускае тся в очень ограниченном, но со вкусом подобранном количестве вариантов расцве тки. Telecaster выпускае тся только в трехцве тном санберсте и бе лом варианте, а Str at дос т упен в дву хцве тном санберсте и к лассическом красном цве те

American Special Stratocaster

лова «максимально экономичный», скажем прямо, не настраивают на какие-то предвкушения в адрес инструментов. Но когда ты вынимаешь из коробки мягкий чехол, извлекаешь из него гитару, снимаешь с нее ярлычки, постепенно начинаешь понимать, что в руки тебе попало нечто, обещающее куда более приятные ощущения, чем можно было бы подумать изначально. Первое впечатление: довольно легкая по весу гитара, ее лаковое покрытие имеет сочный отте-

166

GUITARS

ma g a zi ne

нок и выполнено безупречно, точно так же вкус и качество демонстрируют округлые, соответствующие винтажным традициям, обводы корпуса. Быстрый осмотр гитары вдоль и поперек подтверждает то, что если в производстве были какие-то компромиссы, то однозначно не в качестве работ. Все сделано точно и аккуратно, начиная от того, как гриф стыкуется с корпусом и заканчивая нюансами типа затянутых заподлицо (как и и полагается) шурупов пикгарда. Полимерные лаки намного легче в работе, чем используемый на многих гитарах высокого клас-

са нитроцеллюлозный лак, требующий нанесения большого количества слоев, ручного труда на каждом этапе и длительной сушки. В плане экономического эффекта разница колоссальная, но обратной стороной медали является то, что с точки зрения натуральности взаимодействия дерева и лака полимерный лак заметно проигрывает нитроцеллюлозному. Когда в 70-х в угоду эффективности производства Fender стали использовать полиэстерные лаки, это вызвало заслуженную критику гитаристов, считавших, что гитары просто «замурованы» в покрытие. По счастью, уретановый лак, приме-

Как и все гитары Fender «Made in USA», серия American Special производится в городе Корона солнечного штата Калифорния. Несмотря на то что серия бюджетная, эти гитары стали настоящим воплощением качественного американского инструмента

На фоне своих собратьев по к лассу «бюд же тный американский Fender» – серии Highway One – special выгодно посверкивают тонким полиуре тановым лаком, который смотрится намного фирмовее и дороже, чем матовое нитроце ллюлозное покрытие няемый Fender сегодня, достаточно тонок, и инструмент в руках оставляет ощущение именно дерева, а не куска пластика. Внимательный осмотр раскрывает еще один секрет экономии – корпус делается не из двух, как у более дорогих «американцев», а из трех кусков дерева. Справедливости ради, Fender подбирают куски не «на авось», и со стороны этот трюк не бросается в глаза. Для полного успокоения напомним, что если вы купите на винтажном рынке Fender 60-х, он, скорее всего, окажется сделанным из трех кусков, и на его ценности это никак не отразится.

Гриф у Special Strat целиком к леновый, покрыт матовым лаком и увенчан увеличенной головой грифа в стиле конца 60-х. Fender не стали сильно увлекаться винтажным стилем, и анкер у грифа современный, двойного действия, с регулировкой со стороны головы грифа (а не противоположного торца, как у старых гитар). Конечно, гитара смотрелась бы более солидно, если бы у нее лицевая сторона головы грифа была отполирована, но это как раз то, чем можно поступиться из ценовых соображений, и вообще дело вкуса.

Иногда кажется, что в середине 80-х кто-то на Fender, размещая заказ на фурнитуру, по ошибке написал пару лишних нулей в заявке на «безвинтовые» колки типа Schaller и ритейнеры в FreeFryte – с такой завидной регулярностью их неиссякаемый запас находит себе место на той или иной модели. Вот и опять они приветствуют нас с головы грифа, на которой куда уместнее смотрелись бы ритейнеры-«бабочки» и колки Kluson с отштампованной буквой «F». Но опять же, спорить о том, какой элемент дизайна какой версии Strat «правильнее» по историческим, эстетическим, практическим и каким еще угодно – хоть кармическим – соображениям, можно часами до хрипоты и так не прийти к консенсусу. В бридже стоит тремоло типа vintage synchronized, в таком же стиле, что и оригинальная разработка Fender на шести винтах и со штампованными седлами. Вместе с ретро-стилем головы это смотрится отлично, ну а о том, что конструкция тремоло была удачей с самого начала, не стоит и упоминать. Нельзя не сделать реверанс за то, что крышка блока пружин с тыльной стороны выполнена не винтажно – с отдельными овальными отверстиями – а с одним широким проемом, что делает установку струн куда удобнее. Хромовая фурнитура, трехслойный пикгард, ручки и перек лючатель в тон ему, тонкий блестящий лак – все это очень контрастно смотрится на фоне тренда прошлого года – серии Road Worn. Похоже, рынок наелся потертого лака, выцветшего пластика и ржавого железа. В отношении грифа скажем большое спасибо за то, что вся винтажность начинается и заканчивается дизайном головы. Собственно гриф сделан по всем современным канонам Fender – умеренный С-образный профиль, кромки рабочей поверхности слегка скруглены, 22 лада джамбо, радиус 9.5”. Все это располагает как к мощным бендам и сочному вибрато, так и позволяет разгуляться в скоростных проходах. Это оптимальный стратовский гриф на все случаи жизни, к которому привыкаешь мгновенно.

GUITARS

ma g a zine

167

Относительно звукоснимателей Fender Texas Special мнения гитаристов сильно расходятся сообразно их вкусам. Кто-то обожает их яркий, насыщенный спектр верхних частот, а кому-то то же самое кажется слишком уж резким и прямолинейным звучанием. В данном случае нельзя не отметить, что выбор датчиков крайне удачен. Возможно, дело в «экономичном» подходе к производству корпуса гитары – три куска, уретановый лак – но, как бы то ни было, природная нахальность этих датчиков значительно укрощена, и во всех пяти положениях переключателя мы получаем отменный результат. Еще один предмет споров между сектами стратопоклонников – как должна быть сделана распайка потенциометров тембра. Если вы из тех, кто уверен, что бриджевый датчик должен иметь собственную регулировку тембра, поздравляем, ваша взяла. Если убрать на Strat Special тембр до шести, то машина для прорезания превращается в нечто более деликатное. А если убрать до трех или четырех, но и прибавить на усилителе драйва, то возникает устойчивая иллюзия, что звучит инструмент идеологически ближе к SG или ES-335. Этому способствует схема, окрещенная Билли Гиббонсом Greasebucket, которая убирает ненужный верх, не делая при этом звук неразборчивым. Вернув тембр в максимальное положение, мы получаем все необходимое, чтобы окунуться в мир хоруса, задержки и больших, красочных аккордов. Перейдя в нековое положение, получаем возможность поиграть в Гилмора. Датчик динамичен и звонок на чистом звуке, а при увеличении гейна дает певучий, округлый звук. Верх при этом никуда не пропадает, так что можно очень убедительно имитировать Нила Роджерса. Средний датчик не имеет регулировки тембра, поэтому он всегда звучит максимально открыто, что оптимально для фанковых риффов, имитации Tele на драйве и тванга в духе кантри.

168

GUITARS

ma g a zi ne

Позиции 2 и 4 имеют очень выраженный характер звучания, каждый со своей характерной «вокальной» интонацией, успешно читающейся как на чистом звуке, так и в паре с хорошей педалью драйва. Всегда приятно разочаровываться в смутных подозрениях, а в данном случае они развеялись напрочь. Это не имитация, оправдывающая клеймо «made in USA» только формально. Нет, это инструмент, позволяющий решать профессиональные задачи, принося удовольствие музыканту и слушателям.

American Special Telecaster

сли организовать конкурс моделей гитар за максимально точное попадание в «яблочко» с минимального числа попыток, то, на наш взгляд, приз достался бы самому давнему и самому первому дизайну Fender. Лео Фендер настолько правильно все придумал, что Telecaster в первозданном виде – хотя и в вариациях на тему – дожил до нашего времени. При таком славном прошлом и спрос с Tele Special серьезный. Со своим собратом по серии эта модель имеет одни и те же конструктивные особенности: корпус из трех кусков ольхи, отлично покрытый уретановым лаком, цельнокленовый гриф с матовым лаком, таким же набором 22 ладов и радиусом 9.5”, такие же колки и такой же тип ритейнера (вследствие заметно меньшей площади головы он всего один). Поскольку «классика» Tele подразумевает более аскетичный подход к обводам корпуса без вырезов, скосов и скруглений, смотрится инструмент менее «попсово», чем Strat Special, и по той же причине в среднем по серии, он, похоже, чуть потяжелее. Но при этом его никак не назовешь неотесанным бревном – гитара изготовлена с тем же вниманием к деталям, и кроме все того же трехкускового происхождения (которое на санберстовых инструментах может напоминать хозяину о себе) глазу зацепиться не за что. Помимо очевидных различий в дизайне корпусов и голов грифов, наличествуют не в меньшей степе-

КОГДА ТАКАЯ ЛЕГЕНДАРНАЯ ГИТАРНАЯ КОМПАНИЯ, КАК FENDER, ПРИСТУПАЕТ К РАЗРАБОТКЕ НОВЫХ МОДЕЛЕЙ, ТО ОДНОЙ ИЗ ВАЖНЕЙШИХ ЗАДАЧ становится СОХРАНЕНИЕ КЛАССИЧЕСКОГО ДИЗАЙНА с прежними ХАРАКТЕРИСТИКами ПРИ ПРОЧИХ СОСТАВЛЯЮЩИХ, КОТОРЫЕ ДОЛЖНЫ ВЫДЕЛИТЬ ЭТОТ ИНСТРУМЕНТ ИЗ РЯДА ПРЕДШЕСТВЕНнИКОВ

НА ПРОТЯЖЕНИИ ВСЕЙ ИСТОРИИ ЭЛЕКТРОГИТАРЫ КОМПАНИЯ СТРЕМИЛАСЬ ДЕЛАТЬ ТАК, ЧТОБы МУЗЫКАНТ, ВИДЯ ОЧЕРЕДНУЮ НОВИНКУ ОТ FENDER, НЕ МОГ СПУТАТЬ ЭТОТ ИНСТРУМЕНТ С ГИТАРОЙ ДРУГИХ ГИТАРНЫХ ПРОИЗВОДИТЕЛЕЙ КАК В ПЛАНЕ СОЧНОГО ЗВОНКОГО ЗВУЧАНИЯ, ТАК И ПО ЧАСТИ УНИКАЛЬНОГО ДИЗАЙНА GUITARS

ma g a zine

169

С НАЧАЛА 50-х, КОГДА FENDER ТОЛЬКО НАЧАЛИ ПРОИЗВОДИТЬ СВОИ ПЕРВЫЕ ТЕЛЕКАСТЕРЫ, ГИТАРИСТЫ ДАЛИ ЭТИМ ИНСТРУМЕНТАМ КЛИЧКУ BLACKGUARD В ЧЕСТЬ ФАЛЬШПАНЕЛИ ЧЕРНОГО ЦВЕТА НА КОРПУСЕ СВЕТЛЫХ ОТТЕНКОВ. С ТЕХ ПОР ПОДОБНОЕ СОЧЕТАНИЕ РАСЦВЕТКИ КОРПУСА И ПЛАСТИКОВОЙ НАКЛАДКИ ЯВЛЯЕТСЯ КЛАССИЧЕСКИМ

ТАК ЖЕ, КАК ДИЗАЙН И КОНСТРУКЦИЯ СКРИПКИ НЕ МЕНЯЮТСЯ НА ПРОТЯЖЕНИИ СТОЛЕТИЙ, КЛАССИЧЕСКИЙ ОБРАЗ ТЕЛЕКАСТЕРА, СОЗДАННЫЙ ЛЕО ФЕНДЕРОМ, ПЕРЕХОДИТ ИЗ ДЕСЯТИЛЕТИЯ В ДЕСЯТИЛЕТИЕ, ОРГАНИЧНО ВПИСЫВАЯСЬ В ЛЮБОЙ МУЗЫКАЛЬНЫЙ ЖАНР ИЛИ СПОСОБ ЗВУКОИЗВЛЕЧЕНИЯ – ОТ СЛАЙДОВОГО БЛЮЗА И ДО ТЯЖЕЛОГО РОКА

170

GUITARS

ma g a zi ne

ни ожидаемые различия в электронике и фурнитуре. Как и у собрата по серии, выбор сделан в пользу винтажной конструкции бриджа, только это, как и положено Tele, фиксированный бридж с корпусом«пепельницей» и тремя латунными седлами. Количество датчиков также классическое – два Texas Special, которые в полном соответствии жанру представляют собой звукосниматель с открытой катушкой в бридже и закрытый хромовой крышкой «тюбик» в неке. В отличие от многих Tele прошлого, датчик имеет открытые регулировочные винты, что позволяет выставлять его высоту с гораздо меньшей морокой. На пикгард Fender пустили черный слоистый пластик, который считается для Tele более каноническим, чем любой другой. Темброблок у Tele Special устроен по установившемуся после 1967 года в качестве фактического канона образцу – мастер-громкость, мастер-тембр, трехпозиционный тумблер. Дополнением к канону является уже упомянутая ранее схема Greasebucket. Прямолинейный характер Tele раскрывается, как только берешь гитару в руки. При таком же грифе, что и у Strat Special, нет никакой излишней строптивости, как у винтажных гитар с меньшим радиусом и меньшими ладами. Все идет как по маслу, играем ли мы бенды в кантри (родная стихия для Tele), проходы в блюзе или роковое агрессивное вибрато. Ты просто берешь гитару и играешь, ни о чем больше не думая. Если описывать общий характер звука одним словом, то это будет «ясность». Также в сравнении с в целом довольно сдержанным Strat здесь наличествует больше наглости. Бриджевый датчик звучит на чистом звуке так ярко, как ему и хотелось бы, но, что характерно для всех хороших Tele, по мере увеличения гейна звучит менее резко. Контур Greasbucket позволяет смягчать звук тембром, как угодно, не превращая его в мутную вату, и, присовокупив к этому хорошую порцию гейна, можно вплотную приблизиться к территории Gibson. При переключении на нековый звукосниматель яркость сохраняется, но само собой прибавляется и теплоты. Оптимально для

игры классик-роковых соло, а если прибрать тембр, то можно извлечь и очень насыщенный джазовый саунд. Как и следовало ожидать, среднее положение переключателя – это «зона тванга», но все тот же трюк со смягчением тембра и увеличением гейна придает звучанию другое измерение.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

В модельном ряду Fender серия American Special находится одной ступенькой ниже заслуженных American Standard, которые для многих и являются Strat и Tele – ни убавить ни прибавить. Появившиеся чуть ранее (и чуть менее дорогие) Highway One так же заполняют нишу меж ду мексиканскими Fender и флагманскими American Standard и American Vintage. Но не все гитаристы настолько готовы ради дополнительной экономии отказаться от блестящего лака в пользу матового. Вот для них и предназначены American Special, которые за счет минимального модельного и цветового ряда, а так же пары-тройки умеренных компромиссов, дают возможность приобрести «повзрослому» выглядящий американский Fender за вполне гуманную цену. Те, кто любит универсальность, выберут скорее Strat с его пятью вариантами звучания, тремоло и эргономичным корпусом. Тот, кто точно знает, что нуждается именно в Tele, получит именно то, что хочет. В любом случае можно констатировать, что новая серия Fender оказалась в нужное время и в нужном месте. Разумеется, больший выбор расцветок и, быть может, кофр посолиднее, были бы весьма кстати, но лучше пусть Fender экономят на этом, а не на более принципиальных моментах.

GUITARS

ma g a zine

171

Как Мистерии есть высший предел воспарения духа человеческого, так Арканы есть низший предел, до которого Божество непосредственно нисходит. Священная Книга Тота

еред майскими праздниками мне позвонили из компании ИнСайд и сообщили, что для меня пришел Arkane 3000 из мастеровой коллекции. В Андорре я немного поиграл на Imperator 3000 и Roxane 3000, был впечатлен и заинтересовался вопросом, как же звучит французский LAG с Floyd Rose. Потирая руки и мерзко хихикая, уволок добычу к себе в берлогу с целью оценить ее достоинства и недостатки. Мдя, знал бы я тогда, на что подписался… Но обо всем по порядку. Дека инструмента выполнена способом «сандвич». Обратная сторона – африканское красное дерево, на лицевой стороне – облачный клен, толщиной сантиметра три, не меньше (такой расточительности я не припомню ни на одном виденном мною Custom Shop), между ними тонкие прослойки из двух темных и одной белой полосок дерева, судя по всему – бубинга, либо орех и клен. Покрытие – матовый шершавый лак Satin Patina, который оставляет ощущение прикосновения руки непосредственно к дереву. Гриф сделан из канадского клена и привинчен к деке четырьмя винтами с индивидуальными шайбами. Накладка грифа выполнена из черного дерева с инкрустациями из натурального перламутра. Обязательные 24 лада для всех гитар сегмента super strat. Стандартный для всех инструментов LAG двойной анкер с титановыми вставками. Классическая «фендеровская» мензура. При внимательном осмотре выяснилось, что бутоны колков Schaller выполнены из черного дерева. Для взгляда со стороны эта подробность останется незамеченной – сочтем такой ход концептуальным штрихом. Original USA Floyd Rose с матовым покрытием Patina, два хамбакера DiMarzio, DP 192 на бридже и DP 160 на неке, трехпозиционный переключатель, громкость и тон с push-pull для отсечек катушек. Вся фурнитура матового черного цвета. В комплекте идет лаговский Croco Case, который произвел неизгладимое впечатление на известного гитариста Гену Мартова: «В такой кейс ерунду не кладут». Единственный момент, вызывающий ухмылку – это приложение к гитаре стреплоков Dunlop без малейшего намека на седла для них в самом инструменте.

172

GUITARS

ma g a zi ne

В общем и целом конструкция Arkane – это именно то, чего ожидаешь от гитар такого класса, но нельзя сказать, что инструмент навязчиво «кричит» о своей ценовой категории. Гитара отличается строгой, аристократичной красотой приглушенных матовых тонов. Но вот, когда все мои друзья после первого взгляда брали в руки этот инструмент – тут-то они и замечали редкую даже для Custom Shop тщательность и аккуратность в работе. Создается ощущение, что гитара сделана не станком или руками, а как бы создана самой природой. Среди мастеров Custom Shop в последние годы распространена точка зрения о том, что гитары верхнего ценового диапазона не следует делать из полностью высохшего дерева – инструмент должен «досыхать» в руках у своего владельца, резонируя с его музыкой, и только тогда он станет именно его гитарой. Что же, очень может быть, но это связано с мелкими неудобствами, в моем случае две подточки ладов на Jackson Custom Shop (что особо неприятно, т.к. накладка грифа окантована пластиком) и одна на Russian Strat работы великого Юрия Шишкова. Мсье Шаваррья, повидимому, считает иначе. Arkane, попавший ко мне на тесты, сделан в 2008 году из полностью высохшего дерева – ни малейших трещин или провалов по лаку, абсолютно все идеально, как будто сотрудник, отвечающий за окончательный контроль и настройку, пять минут назад положил гитару в кейс. Ну и теперь о самом главном. О том, что же из себя представляет Arkane после того, как щелкнешь Power и Stand By на своем усилителе. Уровень сигнала мощный. Очень мощный. Просто нереально мощный. Сравнивать можно только с очень и очень хорошими американскими суперстратами и удачными старыми Fender и Gibson. Гитара имеет отчетливый пик в области верхней середины, так что привычный уровень гейна придется немного убрать, звук и без того будет достаточно злой. Помните дилемму – у Fender яркая атака, а у Gibson бесконечный сустейн и царские обертона? У LAG Arkane есть и то, и другое, и третье. Как мсье Шаваррья удалось этого добиться с Floyd Rose – сия тайна велика есть. В результате каждая нота звучит, как горошина в стручке, – ровно, округло и ясно. Надо помнить, что Arkane – гитара современная, созданная для сегодняшней тяжелой музыки и звучит слегка компрессированно, при этом сохраняя всю красоту обертонов. Возможно, такой характер звука достигается в том числе и за счет тех самых тонких прослоек из «бутерброда» в корпусе. Есть такая избитая фраза «доставляет удовольствие при игре». Извините за повторение, но игра на Arkane действительно доставляет удовольствие. Микрофлажолеты в свип-арпеджио – пожалуйста, грозный рык на низких квинтах – без проблем, долгий-долгий «вой койота» на бенде в соло – будьте любезны, отчетливая дробь в тремоло – извольте. У меня осталось впечатление, что одни и те же музыкальные фразы, сыгранные на Arkane, слушаются более сочно и точнее по фразировке, чем на других моих гитарах. В общем саунде группы звук этой гитары серьезно добавляет плотности, не теряя ни малейших нюансов даже на неважном аппарате. Само собой разумеется, что Arkane рожден для Heavy Metal во всех его ипостасях и не имело бы смысла писать о его чистом звуке, если бы не одно «но». Мсье

Шаваррья, судя по всему – большой шутник. Ибо, если включить чистый канал и вытянуть push-pull, мы с радостным удивлением услышим звук классического Stratocaster. Причем при использовании двух датчиков сразу получаем звучание ближе к 2 и 4 положению стратовского переключателя. Как это получено без среднего сингла – еще один фокус. Вообще, писать о звуке гитары – занятие неблагодарное, так что лучший совет, который я могу дать гитаристам, исполняющим современную тяжелую музыку по поводу Arkane – лучше один раз услышать, чем сто раз прочитать. Идите и слушайте. А в моем арсенале красавица из замка на севере Франции уже заняла место одной из двух основных гитар.

GUITARS

ma g a zine

173

«Многим я обязан японскому телевидению. Я постоянный гость на пяти телепрограммах. Возможность заниматься новым делом, в котором можно почерпнуть вдохновение при создании музыки, оказывает очень освежающее воздействие. Я снимался в телепрограммах каждый день и был окружен профессионалами»

«Мой стиль игры прогрессировал понемногу каждый день. Это не означает для меня занятия, работу над какими-либо отдельными пассажами или что-то в этом духе, моя цель - это постоянно делать g a zi ne GUITARS лучше, maчем я делал вчера. достаточно одной мелочи, которую я делаю лучше – и я счастлив» 174что-то

«Я с чи таю, ч т о н у жно у чи т ься любым д ос т у пным вам способом. В моем с л у чае прос т о не бы ло никог о, к т о мог бы на у чи т ь мен я т ом у, ч т о я хо т ел т огд а . Ес ли може т е позво ли т ь себе п лат и т ь за у роки, э т о, бесспорно, л у чше, чем не брат ь у роков вообщ е . Ес ли ес т ь знакомые хорошие м у зыкан т ы, пос тарай т есь перен я т ь у ни х как можно бо льше »

асто говорят, что талант наделяет людей решительностью и является основой для самореализации. Шестьдесят лет истории рока хорошо иллюстрируют этот простой трюизм, но что более интересно, хотя и не так часто замечается (возможно, потому что такие примеры встречаются реже) – это то, что выдающийся талант дарит не только уверенность в себе, но и, в конечном итоге, свободу. Свободу принимать собственные творческие решения, свободу следовать своему сердцу, свободу не принимать в расчет различия между жанрами, не думать о необходимости служить четко обозначенной аудитории и не обращать внимания на ожидания противостоящих лагерей. Более того, исключительный талант часто дает свободу и силы для того, чтобы двигаться в тех направлениях, на исследование которых у большинства не находится ни смелости, ни желания. И это как раз те преимущества, которыми Марти Фридман – виртуозный гитарист и великолепный композитор – сейчас с наслаждением пользуется, продолжая изучать границы между вещами возвышенны-

ми и вещами банальными, смешивая и то, и другое поразительно неожиданными способами, при этом получая огромное удовольствие от своей творческой независимости. Девять лет спустя после ухода из Megadeth, группы, которая принесла Фридману всемирную славу, он сейчас занят больше, чем когдалибо: пишет новую музыку, пересматривает старые идеи, находит новые музыкальные пути, изобретает новые творческие подходы, и тем не менее посреди всего этого находит время для интервью. Изменения, произошедшие с Фридманом за эти девять лет, как выяснилось в ходе нашей беседы, оказались более глубокими, чем ктолибо мог изначально предположить. Фридман не только расширил свой музыкальный кругозор, но и решился на еще одну серьезную перемену в своей жизни – пять лет назад он переехал жить в Японию. В результате этого он сейчас пытается выразить себя в рамках культуры, с которой общий язык удалось найти не очень многим рокерам, несмотря на то что Япония всегда относилась к aмериканской популярной музыке с неподдельным энтузиазмом.

Специфический аспект японского менталитета, который позволяет японцам понимать и принимать культурные явления других стран и ассимилировать их в свою, называется японским словом «итоко-дори». Корни этой удивительной способности адаптироваться к новым культурным влияниям уходят в духовную историю Японии, которая в прошлом смогла согласовать между собой самую раннюю японскую религию – шинто (почитание предков и аспектов природы) и буддизм, который был завезен в Японию в VI веке н.э. Необычайно смелым образом подобный процесс адаптации и принятия разных систем ценностей – своей и чужой – нашел отражение в гибкости Фридмана и его открытости по отношению к новым находкам и новому опыту. О чем он и делился с вашей покорной слугой в течение часа. Место – Лондон, время – полночь, и я набираю номер телефона Марти, для которого сейчас только что настало утро, потому что находится он у себя дома в Токио. Разговор мы начинаем с обсуждения нового альбома Фридмана под названием «Future Addict», вышедшего несколько месяцев назад.

GUITARS

ma g a zine

175

Марти! Алиса на проводе! Привет, как дела? Прекрасно! Как ты? Неплохо! Хочу сразу начать с вопроса о твоем новом альбоме «Future Addict». Tы всех довольно сильно удивил, решив вернуться к песням из репертуара Megadeth и своим ранним композициям. Что тебя заставило вернуться к этому материалу и начать его переделывать? Да, действительно, зачем это делать? Ответ прост. Я живу в Японии уже пять лет. Я сюда приехал, чтобы играть японскую музыку, чем и стал заниматься. Затем неожиданно меня пригласили на телевизионное шоу, которое называется «Хэбиметасан», и это шоу стало хитом. У меня не было в планах идти на телевидение, но мне сказали, что нужно попытаться, и это шоу стало хитом. После премьеры это шоу было схвачено ведущей продюсерской компанией. В результате я был на ТВ очень часто в течение последних пяти лет, возможно в 300 программах или болee. И большинтво людей, которые меня знают в Японии, понятия не имеют, какая у меня была до этого музыкальная карьера. Большинство думало, что «Loudspeaker», альбом, который вышел к тому времени, был моим первым альбомом. Так что лейбл, с которым у меня контракт здесь в Японии, попросил меня подумать об альбоме, который бы состоял из моих любимых песен всей моей карьеры, чтобы познакомить людей с музыкой, которую я играл до того, как переехал в Японию. Так что вот такая история. Не намекает ли название альбома на тот факт, что ты двигаешь свой материал в том направлении, которое соответствует грядущим тенденциям больше, нежели изначальные версии? Это действительно хорошо сказано, я теперь тоже буду так говорить. (Смеется.) Я такого склада человек, который вседа смотрит в будущее, а не назад. Я всегда интересуюсь тем, что наступает, вместо того, чтобы оглядываться назад. Согласиться на предложение играть каверы старого материала было для

176

GUITARS

ma g a zi ne

меня нелегко. Есть наркоманы, есть алкоголики, есть люди, которые не могут без секса, все что угодно, а я не могу без будущего. (Смеется.) Так что вот так получилось. А ты мог бы опять вернуться к этим же песням когда-нибудь в будущем и переделать их еще раз? К тем же самым песням? Нет. Если я не могу достичь желаемого во второй раз, это значит, что это все. Есть одна песня, которую я несколько раз менял, но так и не смог записать так, как хочется, она называется «Thunder March». Из всего своего старого материала ее я бы еще раз записал. Не кажется ли тебе, что этот альбом также раскрывает тему свободы, которая наступает, когда исчезают трения в группе между твоим личным творческим видением и уступками, которые

приходится делать в отношении мнения других членов группы, мнения лейбла и других внешних факторов? Совершенно верно. Большинство нашего старого материала страдало от недостатка в бюджете. Так что я исправил это, а также в музыкальном смысле подошел к материалу «со свежим ухом». Многие части выстояли мою персональную проверку временем, а некоторые я переделал. Я подумал, а что если я сделаю их абсолютно такими, какими мне бы хотелось их услышать, записать мою собственную интерпретацию так, как я хочу? Они не очень отличаются от оригинала, но, конечно, больше в моем стиле, чем в стиле группы. Как ты думаешь, до какой степени такие компромиссы в творческом процессе разумны, а когда наступает время стоять на своем?

«Когда я рос, вокруг происходило много интересного в гитарной рок-музыке – это было захватывающе и рискованно – слушать рок-музыку. Вокруг тяжелого рока происходило что-то злое и неприличное» Это прекрасный вопрос. (Смеется.) Я всегда хочу знать, когда следует идти на компромисс. Нужно уметь выбирать свои битвы, если ты понимаешь, что я имею в виду. Нужно не терять из виду конечную цель. Иногда следует соглашаться, когда ты знаешь, что сам ты сделал бы посвоему, но мнение остальных с твоим не совпадает. Иногда следует согласиться, но иногда, когда ты действительно влюблен во что-то, когда тебе что-то действительно нравится, тогда нужно защищать свою работу. Самое трудное – это знать, когда. Действительно ли это мелочь или это что-то большое. Знаешь, когда ты в студии и играешь какой-то отрывок, и люди из лейбла там, и менеджер там, и еще какие-то люди, и тебе самому не кажется, что это что-то выдающееся, но когда ты играешь это, все говорят: «О, это лучшее, что ты когда-либо играл!» И все очень оживляются. Я знаю, что я могу придумать что-то получше, но хочу ли я убить атмосферу, которая появилась в комнате? Может быть, они знают что-то, чего я не знаю. В таких случаях лучше сдаться. Но иногда, когда ты действительно, по-настоящему влю-

блен в то, что ты делаешь, в таких случаях нужно сказать, «Простите, ребята, но я это сделаю по-другому». Ты знаешь, вот я беседую с тобой сейчас и понятия не имею, о чем я говорю, потому что я до сих пор не слышала этот альбом. Боже правый! (Смеется.) Когда этот альбом выйдет на Западе? На Западе? Да. Я понятия не имею. Если честно, то я слегка загнал себя в угол здесь в Японии. Когда я начал работать здесь и заключил контракт со своим менеджментом, оказалось, что тут у меня так много работы, что я, радуясь этому, начал принимать участие во многих проектах. У меня не так много времени. Мне кажется, что лейблы не могут сделать столько, сколько могут менеджеры, и если бы у меня был в Америке и в Европе такой же менеджмент, как в Японии, то это была бы другая история, но здесь у меня просто недостаточно часов в сутках, чтобы всем этим заниматься. Я бы не сказал, что я этому рад и это не значит, что я не беспокоюсь о своих фэнах. В результате, к сожалению, люди, которые хотят услышать мою музыку там, должны постараться для того, чтобы ее найти, и когда люди, проживающие за пределами Японии это делают, то я еще больше ценю их усилия.

долго, и «Loudspeaker» только что вышел в Европе, и реакция на него была прекрасная, так что я просто должен был это сделать, и я рад, что сделал. Альбом это документирует. Все, кто был на этих концертах, и все, кто не попал, наконец-то имеют эту запись. Альбом показывает, каким было это шоу. Мы отыграли девять концертов за десять дней и у нас остались прекрасные воспоминания от этого турне, так что мы решили выпустить этот диск.

Я застала тебя в этом турне, была на твоем шоу в Лондоне в клубе «Underworld». Правда? Энергетика была потрясающей. Люди начинали спонтанно скандировать твое имя, это было невероятно. Стены запотели, орущая толпа, великолепное шоу. Хочу спросить – у тебя есть любимая страна, где тебе больше всего нравится играть?

«Каждая мелочь вносит свой вклад в меня как в музыканта. как-то я играл с токийским филармоническим оркестром, и только одна подготовка к концерту способствовала моему росту как музыканта»

Твой второй альбом «Live in Europe» скоро выйдет в США. Он только что вышел. Только что вышел. На какие критерии ты опирался, когда выбирал материал для этого альбома? Как я уже упомянул, я очень занят, и для меня это редкая радость, когда я могу что-то делать за пределами Японии. Я не мог отправиться в слишком длинное турне за пределами Японии, потому что я должен быть на телевидении каждую неделю и писать для журналов каждую неделю. Я не могу покинуть страну на больший срок, чем неделя! (Смеется.) Но я должен был это сделать и отправиться в турне по Европе потому что я не играл в Европе, так

GUITARS

ma g a zine

177

Знаешь, я люблю играть везде. А если придется выбирать, я бы выбрал Италию, хотя здесь, вероятно, я должен бы был сказать «Англия». Юмор там очень смешной. Каждый раз, когда я приезжаю в Англию, я запасаюсь фильмами, журналами, книгами, такого рода вещами. Английская комедия намного смешнее американской комедии. Больше напоминает японское чувство юмора, чем американское. Более злое, зловещее! Но все в разумных пределах, если тебя это оскорбляет, то тебе не нужно тогда вообще смотреть комедии.

соло, до тех пор пока не убеждался, что в зале находятся фэны, которые поддерживали меня с моих самых первых шагов. Благослови их бог. Никто не знает, сколько в каждом зале таких парней, но их присутствия достаточно для того, чтобы я начал играть материал самых первых дней моей карьеры, и играть это так, чтобы пар шел. Знаешь, когда начинаешь играть композиции своих ранних лет, а пара парней орет: «Твою мать, да!!!» Я сам такой же фэн, поклонник Ramones, Кiss, всех этих групп. И они, конечно, всегда играют свои хиты, но когда они начинают рубить песни своих ранних лет, я становлюсь одним из тех, кто при этом сходит с ума. Я не часто приезжаю в Европу, плюс у меня нет каких-то крупных хитов, но я люблю играть композиции, услышав которые, будь я сам фэном, я бы сказал: «Боже мой, я поверить не могу, что он это сыграл!» Так что вот они, мои критерии.

А британцы говорят, что американская комедия более зловещая. Такие вещи, как South Park или Family Guy. Правда?! Да, очень это задиристо. Боже!

«Купите дешевую гитару. Не бросайте деньги на ветер поначалу. Вы всегда сможете сделать это потом. Это звучит слегка смешно, но это правда. Я никогда не выступал за то, чтобы покупать дорогое оборудование» Да. Но, возвращаясь к моему вопросу, какие элементы должны совпасть, чтобы получился хороший концерт? Прежде всего, скажу тебе одну вещь. Я никогда не пойду на концерт инструментального рока потому что они на меня наводят вселенскую скуку. Вне зависимости от того, кто музыкант. Это не играет роли, мне все равно. Мне это просто не нравится. Меня нужно стимулировать. Вот такие у меня критерии. Также, когда я пишу инструментальный альбом, принимая во внимание, что это делает тот, кто ненавидит инструментальную музыку, мой подход очень напоминает вокальный. Я действительно не пытаюсь продемонстрировать, как я умею играть. Я все это прошел, когда я был подростком, и давно перебесился. Теперь я хочу, чтобы это было захватывающе для зрителя, даже если зритель любит хорошие слова к песням и любит смотреть на знойных танцующих девушек. Как я могу передать этот накал в инструментальном формате? Это мои критерии, когда я пишу. Что касается игры на концертах, во время этого моего европейского турне я не играл ни одного

178

GUITARS

ma g a zi ne

Кто был твоим гитарным кумиром, когда ты рос? Kiss и Ramones. Правда? Это достаточно простая музыка, не правда ли? О, да. А техническая сторона игры на гитаре тебя привлекала? Ты знаешь, это смешно. Когда я услышал, как играет Ули Джон Рот (Uli Jon Roth), я понял, что гитара – это серьезный инструмент. Я люблю простые мелодичные песни, они всегда мне нравились и до сих пор нравятся, но когда я услышал Ули Рота, я понял, что это что-то совсем другoe, более разнообразнoe. Вот так я начал развиваться. И, к слову, Ули будет играть скоро в Японии, и я к нему присоединюсь на сцене на два концерта. Ого! Для меня это как свершение мечты. Я в это поверить не могу. Но есть еще много прекрасных, прекрасных гитаристов, которых я уважаю, таких как Брайан Мэй из Queen, которого я в свое время обожал. Но, знаешь, я никогда не фанател по гитаристам, или по гитаре как по инструменту, поверишь или нет. Я всегда фанател от хороших песен.

И никогда не понимал парней, которые балдели от гитар, от своих инструментов. Я всегда был слишком занят тем, что писал музыку. Ули – большой поклонник Хендрикса, не так ли? А, ты как всем известно, нет. (Смеюсь.) Я просто в ужасе сейчас пребываю: что, если я поднимусь с ним на сцену, а он скажет: «Давай играть «Purple Haze»! Или «Red House». Боже! Это как свершение мечты, но в то же время эта ситуация будет достаточно щекотливой. Но даже в этом случае я буду абсолютно счастлив это сделать, не пойми меня неправильно. Знаешь, что странно? Все гитаристы, которых я уважаю, они все любят Джими Хендрикса. Поди разберись. Мой ответ на это таков, что разным людям нравится разная музыка, и это не имеет никакого отношения к качеству музыки. Музыка остaется качественной. Она не хороша и не плоха, а дело в том, как музыка резонирует с твоим жизненным опытом. Если бы я услышал Хендрикса в тот момент, когда терял девственность, я сейчас был бы самым большим поклонником Хендрикса в мире. Это все случайно. Так что я никогда не копался в этом – кто лучше, кто изящнее, кто умнее, кто круче. Все это случайно. Это подводит меня к следующему вопросу о твоем проекте в стиле J-pop (в стиле японской поп-музыки), который называется «Lovefixer», и о твоем сотрудничестве с Шиничиро Сузуки (Shinichiro Suzuki). Некоторые из твоих поклонников были ошарашены, когда узнали, что ты играешь такого рода музыку. В этой связи, сказал бы ты, что различия между стилями популярной музыки на самом деле существуют, или же они являются искусственными проекциями преданности, которую фэны испытывают к тому или иному музыкальному стилю? Если людей удивляет это, то они должны послушать остальную музыку, которую я пишу и продюсирую здесь. Это как смесь Бритни Спирс и Slayer. Дело в том, что в тяжелом металле существует предан-

ность жанру, а я в это не верю совершенно. Я ненавижу жанры – и точка. Есть песни, которые мне нравятся, и песни, которые мне не нравятся. Некоторые из них – металл, некоторые – нет. У меня нет склонности к тому, чтобы разделять музыку на жанры. Я обожаю песни. И я думаю, что англичане это понимают лучше, чем американцы. В Англии всегда было много музыкантов, которые писали песни, такие люди, как Wakefield и Transvision Vamp... Все они – люди песни. Я всегда любил песни и для меня не имеет значения, в каком они стиле. Я бы сказала, что это то, что заложено в кельтской традиции, которая сохранилась в Британии до сих пор. Традиция написания песен, которые опираются на прекрасные мелодии, то, на что Led Zeppelin ориентировались в своих акустических песнях.

Это то, что заставило меня играть в стиле J-pop. Тут все можно себе позволить. Если посмотреть на верхние позиции чартов, эта музыка теснит самый тяжелый дэт-металл. И знаешь, почему? Потому что припевы поются в японском мелодическом стиле, а риффы очень брутальны, потому что парни, которые пишут эту музыку – поклонники металла. А я просто обожаю ту свободу, которую получаешь, когда можешь выходить за пределы жанров. В металле подчас гораздо меньше великолепных песен, на мой взгляд. Металл – это больше великолепные риффы, великолепные гитарные фразы, такого рода вещи... Поэтому я люблю металл как жанр. Но даже это становится скучным, когда это не построено на хорошей песне. Я – человек песни! Мне нравится возбуждение, которое дарит хорошо написанная песня.

«Когд а я был ребенком, все парни с великолепными, дорог ущими инс трументами были в проле те. Парни со старыми, битыми и затасканными гитарами зажигали на всю кат ушку» Ты до сих пор активно интересуешься тем, что происходит на металлической сцене? Следишь внимательно за тем, что на ней происходит? Совершенно нет. Если до меня это доходит, если я что-то слышу, то тогда я об этом знаю. Но я не прилагаю усилий для того, чтобы следить за каким-то жанром. Я слышу о некоторых вещах, но определенно ничего специально не отыскиваю. Переезд в Японию повлиял на твой подход к музыке? Безусловно. Для меня это стало самым интенсивным периодом набирания нового опыта за всю мою музыкальную карьеру, и прежде всего в плане игры на гитаре. Я смотрю сейчас на материал, который я записал очень давно, и говорю, «Боже, сейчас я мог бы это сделать совсем по-другому! С гораздо большим вниманием к деталям и большей любовью к тому, что я играю». Я думаю, что это от того, что у меня здесь появилась возможность работать с рядом первоклассных музыкантов, которые могут предложить очень большой выбор вместо того, что у меня было раньше.

GUITARS

ma g a zine

179

Говоря о японской культуре в целом, какие ее аспекты тебя больше всего привлекают? Совершенно определенно – музыка. Если бы не музыка, я бы не стал здесь жить. Если бы это была еда или такого рода вещи, я бы с удовольствием сюда иногда приезжал, но это определенно музыка. У меня так мало времени, чтобы слушать что-то кроме того, над чем я работаю и что мне нужно слушать для работы, что прослушивание музыки становится удовольствием, роскошью. Теперь, когда в мире такие средства связи, Интернет, все располагает к тому, чтобы открывать для себя музыку других стран. Если вы поклонник металла, в стиле J-pop вы найдете для себя поп-музыку с элементами металла, что замечательно. В металле столько позерства, это просто смешно как они будто соревнуются – у кого гроулинг круче. Это так убого. Так убого! Да, это элемент металла, но почему я должен выслушивать какого-то позерствующего чувака? Это меня грузит, знаешь? Но я обожаю, когда элементы металла используются в профессиональной музыкальной структуре. Тут есть группа, которая называется «Maximum the Hormone», и она ужасно тяжелая, но сработано у них все потрясающе. Я им просто аплодирую. Я очень не люблю музыку, которая просто звучит, как металл. Тяжелые риффы, прибамбасы, басовый барабан, немного гроулинга – этого недостаточно. Все это должно быть основано на песне, которую, когда услышишь, скажешь: «О, этот переход в середине звучит очень захватывающе» или: «Эта сольная вставка звучит потрясающе», или: «Припев, не могу его выбросить из головы». Должно быть что-то еще, кроме простых элементов металла. С какой культурой ты себя сейчас идентифицируешь? С мировой, универсальной, или остаешься американцем? О, несомненно, я на сто процентов американец. Но я так много ездил в турне, что в некоторых основных городах, и даже не в основных городах, я могу ориентироваться. Почему я знаю улицы Цюриха? (Смеется.) Но я американец. Я тут недавно выступал на телевидении, говорил о выборах президента

180

GUITARS

ma g a zi ne

в США, потому что, будучи американцем, я хочу для своей страны самого лучшего. Но, ты знаешь, многие люди здесь считают, что я мыслю, как японец, и я с этим полностью согласен, потому что тут такой менталитет, что если у тебя его нет, тебе будет очень тяжело здесь жить. Но мне здесь жить очень легко, так что, возможно, во мне течет какаято доля японской крови. (Смеется.) Позволь задать тебе дурацкий вопрос. Надеюсь, ты не против. Нет, нормально. Ты в этом бизнесе уже так давно. Если бы у тебя была возможность написать письмо, которое бы можно было отправить в прошлое, что бы ты написал себе совсем молодому? Это хороший вопрос. «Не переживай». (Смеется.) «Делай то, что делаешь». Я ни о чем не жалею. Возможно, «Работай немного больше».

Если вообще захотел бы что-то писать. Не думаю, что мог бы тут сказать что-то интересное. «Не стригись!» – вот это хорошо бы было написать! Знаешь, что твой приятель Пол Гилберт мне сказал, когда я задала ему тот же вопрос? Он сказал: «Не делай химическую завивку! Я угробил этим свои волосы!» (Смеется.) Когда играешь музыку в течение многих лет, особенно рок, твои волосы проходят через много разных стадий. К сожалению, мои волосы способны только на одну вещь – длинную прическу в стиле «пудель». Я с этим ничего не могу поделать, так что радуйся или печалься, я с этим остаюсь навсегда. Так что моим советом было бы: «Не стригись слишком коротко». Я тут говорила с твоим пиарщиком Карлом, спрашивала

«Взять, например, Стива Вая, Джона Петруччи или Билли Шина – мы все знаем, что они настоящие монстры. Но я никогда не слышал, чтобы эти ребята играли настоящий металл» его, когда ты снова приедешь в Европу, и он сказал, что скоро. Это правда? Да? Значит, он знает что-то, чего я не знаю. Так что время еще не известно? Нет, пока нет. Я сейчас работаю над новым альбомом. Я, наверное, не должен даже... Я не знаю... Знаешь, я не должен даже говорить об этом. Не знаю, будет ли он выпущен на Западе. Мы начали работу недавно. Меня этот альбом очень будоражит. Может быть, это даст мне возможность опять приехать и сыграть новый материал. И дать тем людям возможость, кто в прошлый раз на меня не попал, увидеть меня. И я всех снова увижу. Я работаю над материалом, который из всего, что я до сих пор сделал, хочется надеяться, будет оценен по достоинству. А новый альбом включит в себя разные стили и жанры? Вот это еще один вопрос. Моя музыка, мои альбомы имеют проходящую через них тему. Я не того рода парень, у которого на альбоме будет одна песня в стиле поп, потом в стиле металл, как на альбоме-

И не думай даже про «Kerrang», он никогда не пользовался авторитетом в Британии. В восьмидесятые годы мы все считали «Musician» очень авторитетным журналом. Это мне напоминает эпизод из фильма «Spinal Tap», где они пишут рецензию на пластинку, а пластинка, по-моему, называется «Shark Sandwich» («Бутерброд из акулы»), а они его называют «Shit Sandwich» («Бутерброд из говна»). В Америке такое не могло бы произойти. Этот юмор меня просто убивает, обожаю его.

резюме. Это то, что часто встречается, особенно в мире инструментального рока и гитарной музыки: вот моя песня в стиле кантри, вот моя песня в стиле рок... Я это ненавижу больше, чем что-либо другое. Если ты не можешь написать все с начала до конца как единый альбом, зачем тогда вообще это делать? Я скажу одну единственную вещь – моя музыка глубока, что бы ни случилось, она развивается в течение долгого времени на основе разного опыта, так что это то, что я воспринимаю довольно серьезно, и я надеюсь, что мое умение возросло с прошлого альбома. То, что я выпустил в прошлый раз, я бы не стал выпускать, если бы я не чувствовал полный экстаз в отношении того материала, и мне было грустно, что я играл этот материал людям в течение всего лишь десяти дней. После твоего последнего британского шоу народ говорил о тебе много недель. И в Интернете, и перезваниваясь по телефону. Все лондонские гитарные фанаты решили, что это было потрясающее шоу, все обменивались фотографиями, впечатлениями. Правда? Да! Меня это удивило, потому что каждый раз, когда я приезжал в Англию с Megadeth, все проходило хорошо, но всегда казалось, что на концертах было много парней, которые стояли со скрещенными на груди руками и как бы тебе говорили: «Ну, произведи на меня впечатление». Неужели? Да, и так было всегда, например, по сравнению с Италией, где все просто какались от восторга, или с Испанией, всеми этими странами. В Англии они себя ведут так, как будто все уже видели. Это все равно что играть в Нью-Йорке. Возможо, это потому, что на концерты в Лондоне приходит много музыкантов, как Нью-Йорке или в Лос-Анджелесе. Они стоят со скрещенными на груди руками, но это потому что они музыканты. Да, этого я и ожидал, особенно с инструментальной музыкой.

Да, я помню этот эпизод – один из самых смешных в этом фильме. Ну, послушай, спасибо тебе большое за такое длинное интервью! Я ведь знаю, как ты занят. Без проблем, спасибо тебе, Алиса. Удачи с новым альбомом! Спасибо!

«Переключение с музыки на что-то другое оказывает огромное влияние на мою музыку, намного большее, чем если бы я постоянно сидел в студии 24 часа в сутки и семь дней в неделю» Англичане безжалостны в своих рецензиях и в такого рода вещах. Мне лично это нравится, это меня веселит, но... Я до сих пор помню, абсолютно прекрасно помню, когда вышла моя первая пластинка и про нее написали в журнале «Kerrang», единственное, что было написано, это то, что пластинка звучит так, как будто ее записали на куске картона. Ой, нет, «Kerrang» не знает, о чем он пишет. Про «Kerrang» в Англии никто никогда не думал, что их мнение – это окончательный вердикт в отношении вещей, относящихся к музыке. Этот журнал всегда писал про то, что модно и «в струе», и это до сих пор так. Ну, я этого не знал, и даже когда прочитал эту рецензию, мне было грустно, что пишут про меня, но все равно смеялся, потому что мне показалось, что сказано было смешно. Едкий такой юмор! Я не знал, чего ожидать, что меня так хорошо примут с инструментальной музыкой, но я был приятно удивлен и пожалел, что не вернулся и не сыграл еще один концерт в Лондоне.

GUITARS

ma g a zine

181

В последние годы многие гитаристы, посещ ая выставки музыкальных инструментов и оборудования, жалуются на то, что им практически не на что смотре ть в плане гитар, ибо кардинально новых интересных инс трументов, по их мнению, не выпускают. Vox д ае т скептикам че ткий отве т

новый гитарный вираж

В то время как скептики считают, что эпоха больших открытий давно осталась в прошлом и «изобрести велосипед» заново невозможно, романтики, не думая ни о чем, просто идут и «открывают америку», новую и манящую, интересную и очаровательную. К таким открытиям можно отнести новые гитары Vox

наше время рынок гитар настолько перенасыщен инструментами любой конфигурации практически в каждой ценовой нише, что новым игрокам на этом поле необходимо обладать просто невероятной смелостью и несокрушимой верой в свой талант. Таких производителей не очень много в нашем мире, однако они постоянно появляются и пытаются занять свое место под солнцем. При этом одной из ярких тенденций десяти последних лет является желание успешных в гитарном

182

GUITARS

ma g a zi ne

бизнесе брендов не только развивать свое основное направление, но и выходить на новые сегменты рынка, ранее ими не освоенные. Поэтому Ibanez теперь делает не только гитары, но и усилители. Их примеру пытается следовать PRS. Посмотрите на Line6 – они сначала словно черт из табакерки ворвались на рынок процессоров, потом начали делать усилители, а теперь выпускают гитары и радио-системы. При таких процессах, я уверен, не за горами тот час, когда в магазинах появятся гитары с логотипами Mesa Boogie

или Marshall. Хотя справедливости ради надо сказать, что Marshall уже предлагает недорогие наборы для начинающих, где помимо усилителя и аксессуаров есть еще и гитара. На фоне всего происходящего одним из самых интересных и понастоящему революционных производителей неожиданно для многих оказались Vox. Многие десятилетия этот динозавр ассоциировался у гитаристов исключительно с громадной шумной классикой битловских времен в виде комбика AC30. И немного с педалями квака эпохи Хен-

дрикса. А потом после того как несколько лет назад Vox встал под знамена ребят из Korg, произошло, не побоюсь сказать, натуральное второе рождение бренда, который ранее ассоциировался исключительно со сгорбленным старичком. Во-первых, линейка усилителей выросла до максимального размера. Выражаясь футбольным языком – скамейка стала полной и в команде появилось несколько составов. Теперь Vox предлагает не только традиционные модели AC30 & AC15 в обычном и коллекционном вариантах, но и модерновые ламповые аппараты (серия Classic Plus), а также всех размеров и конфигураций гибридные, цифровые с моделированием и транзисторные комбики, способные заполнить всю палитру звуков, вплоть до самого современного в духе «тяжелее самого тяжелого». Во-вторых, появились невероятно популярные ламповые процессоры (Tonelab) и примочки (Cooltron), которые также позволили ассоциировать звучание Vox не только с ретро-временами, но и со вполне актуальными, можно сказать, модными звуками. Более того, оказалось, что можно договориться с едва ли не самим законодателем современной моды на гитарное оборудование – Joe Satriani, который стал с удовольствием играть на сделанных для него педальках. В-третьих, у Vox стали появляться просто уникальные, но при этом крайне полезные продукты, которые и представить даже нельзя было. Речь идет об amPlug и JamVox, которые по сути уже проникли почти в каждый дом, где обитает гитарный маньяк. Можно не сомневаться, что затейники из Vox скоро подкинут нам еще что-нибудь интересное, о чем поначалу никто не догадывался, а потом удивлялся – как я жил без этого раньше. Разумеется, идя такими шагами, Vox не могли не начать делать гитары. Тем более когда-то в шестидесятые годы они уже пробовали выпускать странноватые инструменты с корпусами, по форме напоминающими каплю воды. И если порыться в Интернете, то даже можно найти фотографии Джимми Пейджа с этим винтажным чудом. Однако в наше вре-

мя такие гитары если и будут покупать – то совсем не многие, поэтому Vox решили выпустить нечто совершенно оригинальное и ни на что особо не похожее. Это были революционные Virage – инструменты, способные выдавать невероятное количество самых разных звучаний. Несмотря на первоначальный скепсис многих участников гитарного рынка, новые Virage достаточно быстро нашли своего покупателя и, можно сказать, стали популярными. Дальше история вполне традиционна. Как в свое время на Fender или Gibson посыпался вал за-

просов от торговцев, которые говорили о том, что народ хочет помимо топовых гитар еще и недорогие версии популярных стратов и лесполов, так же и Vox получили более чем положительный фидбэк от своих дистрибьюторов. В результате гитарное направление в Vox достаточно быстро выросло до нескольких серий, которые, помимо Virage, состоят еще и из Virage II, Series 77, Series 55, Series 33.Последняя серия – это самые недорогие и, следовательно, самые «народные» инструменты в линейке Vox. Нет сомнений, что именно они будут продаваться наиболь-

GUITARS

ma g a zine

183

шими среди всех гитар Vox объемами, поэтому давайте познакомимся с ними поближе. Разумеется, Series 33, как и все нынешние гитары Vox, выполненна на основе философии Virage. Самое же кардинальное отличие от старшего по цене брата заключается в конструкции корпуса – Series 33, как и Series 55, имеет цельный корпус, в то время как остальные Vox полу-акустические. И это достаточно логично. Ибо если мы делаем недорогие версии, то стремимся сократить затраты, в том числе и на производство полуакустического

184

GUITARS

ma g a zi ne

корпуса, который дороже цельного. И потом – будем честны – если речь идет о «народной» гитаре, то в этом сегменте цельные корпуса более популярны, ибо они в сознании людей больше ассоциируются с distortion, который так любит подавляющее число гитаристов. Что же касается полуакустического корпуса – то в нем больше налета элитарности и эстетства, если хотите. Кстати, гитары Series 33 и 55 в отличие от своих более дорогих полуакустических родственников приходят в мягких чехлах, а не в жестких кофрах. Это также очень

логичный шаг на пути создания менее дорогого инструмента. Плюс покупатели таких гитар в большинстве своем не имеют автомобилей – им приходится много перемещаться на своих двоих – чехол за спиной в такой ситуации более уместен. Тем более когда гитара не полуакустическая, то ее корпусу не страшен даже прямой удар. Еще одно упрощение моделей Series 33 – это минимизация пластиковых частей. Это касается и отсутствия окантовки грифа, в отличие от всех остальных моделей. И то, что на Series 33 нет пикгуарда – вещи, с одной стороны, может, не столь необходимой, но в любом случае в облике инструмента харизматичной. В целом внешний вид Series 33 сразу же навевает мысли о «леспольном» дизайне (одном из самых популярных, кстати). Голова грифа, покрытая черным шпоном и с колками «на обе стороны», фиксированный бридж без системы «струны сквозь корпус», два звукоснимателя, вклеенный в корпус гриф, выпуклый топ, четыре ручки/переключателя управления, расположенные ромбиком, голова под углом к корпусу – все эти и многие другие милые черты нам очень хорошо и давно знакомы благодаря фирме Gibson и ее многочисленным последователям. Однако отметим, что мензура при этом у Series 33 отнюдь не «гибсоновская» – это нормальная большая «фендеровская» мензура, благодаря которой инструмент звучит более «агрессивно» и не так «мутновато-расплывчато», как большинство «лесполоподобных» инструментов. Можно сказать, что по саунду этот Vox ближе к Jackson, нежели к Gibson. Однако главной же составляющей звука этого инструмента, можно сказать изюминкой и жемчужиной всей гитары, являются уникальные звукосниматели Vox Coaxe – точно такие же, как на всех остальных гитарах Vox, включая дорогие Virage. Создать идеальный универсальный звукосниматель – давняя, иногда кажущаяся несбыточной мечта гитаристов и производителей датчиков. Я не уверен в том, что гитарные фирмы типа Gibson или Fender были бы рады появлению такого звукоснимателя. Ибо кто из нас не знает

Удивительно, как несмотря на весь свой «олдовый» имидж, Vox решились на выпуск инструментов с самыми прогрессивными на сегодняшний день звукоснимателями. Для этого нужно настоящее бесстрашие Либо точный бизнес-расчет вкупе с ювелирно точным знанием потребностей музыкантов людей, у которых два Les Paul (один с хамбами и один с P-90) или два Telecaster (один с синглами, второй с хамбами). Появись на свет универсальный датчик – люди явно стали бы покупать меньше гитар. Говоря о Vox Coaxe, можно смело утверждать, что это, возможно, один из самых универсальных звукоснимателей в мире. Внешне он похож на то, как будто какой-нибудь шутник в программе Photoshop скрестил рельсовый хамбакер и P-90. В реальности это не так уж и далеко от правды. Coaxe воплощает в себе три основных типа датчиков: хамбакер, P-90 и сингл стратовского стиля. Похожую идею преподносит сейчас свежая сеймуровская модель P-Rails – но пока ее крайне трудно увидеть где-либо в продаже и уж тем более на какой-то гитаре. Во многом за счет Coaxe гитары Series 33 звучат на редкость разнообразно и действительно могут конкурировать с лидерами рынка. Ибо если вы хотите ограничить себя покупкой одного, но универсального в плане звучания инструмента, то назвать что-то способное противо-

стоять Vox достаточно сложно. Трехпозиционный переключатель режима Coaxe датчика реально творит чудеса, чего нельзя сказать о многочисленных вариантах с отсечками катушек обычных хамбакеров с переключателями в потенциометрах. Однако звучание – это далеко не все, что может повлиять на наш выбор инструмента. Поговорим о таком важном параметре, как удобство. Если говорить по существу – этот инструмент много удобнее лесполов, к которым он, разумеется, ближе всего по своим геометрическим формам. Это и более тонкий гриф, и более удобно зализанная пятка грифа, и вырез на корпусе, который шире и глубже, за счет чего доступ к высоким ладам ощутимо проще. При этом стоит упомянуть, что Series 33, как и остальные модели, Vox представлена в двух вариантах корпуса – «однорогом» и «двурогом». Последний их двух, разумеется, позволяет пилить на 20-х ладах максимально комфортно. Одна из самых интересных вещей, которые Vox воплотили в этой серии – это разнообразие древесины и ее сочетаний на корпусах ги-

тар в зависимости от цвета и типа. И если «двурогие» модели делают либо из махагона, либо из ясеня, то «однорогие» в зависимости от покраски – либо махагона с верхним слоем клена, либо махагона с верхним слоем ясеня. Поэтому, выбирая в магазине инструмент, ориентироваться необходимо не только на предпочтения по цвету, но и по звуку – поскольку все инструменты внутри серии звучат немного по-разному – это как раз тот случай, когда можно уловить разницу в окраске звука в зависимости от пород древесины корпуса при прочих равных составляющих (в том числе гриф, который, замечу, у всех из махагона). В целом же, касаемо Series 33 можно вывести следующее резюме: создав оригинальную гитару и при этом не сорвавшись в радикальный рвущий глаз дизайн, Vox удалось вылепить действительно уникальный и, самое главное, нужный музыкантам инструмент, что по меркам сегодняшнего дня невероятно сильное достижение. И нам остается только ждать следующих подарков от этого производителя – наиболее креативного на сегодняшний день.

GUITARS

ma g a zine

185

Ак ус тические гитары Gibson, сделанные на фабрике в штате Montana, по праву считаются одними из лучших в мире.

186

GUITARS

ma g a zi ne

путешествие в

М онтану

ibson - это единственный в мире производитель гитар, обладающий аж четырьмя гитарными фабриками на территории США. Основное производство - так называемый Gibson USA, выпускающий электрогитары, – располагается в городе Нэшвил (штат Теннесси). Там же функционирует фабрика элитных дорогих инструментов Gibson Custom Shop. В том же штате, но в городе Мемфис (родина Элвиса Пресли), стоит завод, где делают полуакустические гитары. А далеко на севере США в заброшенном краю среди гор почти на границе с Канадой есть небольшой городишко Боузмэн (штат Монтана). Там на фабрике Gibson Montana делают одни из самых лучших в мире акустических гитар, играть на которых довелось сотням звезд рок-музыки от Elvis Presley и до Rolling Stones. Суровый ковбойский край, где вдоль дорог стоят транспаранты с предупреждениями «Осторожно – мед-

веди!» и советами «Просьба не кормить лосей», еще много десятков лет назад приютил одну из самых популярных в Америке фабрик по производству банджо и мандолин. Однако новые времена потребовали новых инструментов. И потому, когда концерн Gibson приобрел это производство, ему было суждено стать одним из самых популярных мест, где появляются на свет акустики самого высочайшего в мире класса. Нам повезло проникнуть в эту святая святых, где мало кто бывает, не только из журналистов или музыкантов, но даже высшего руководства концерна Gibson – настолько эти места далеко находятся от жизни остальной Америки. Для большего понимания добавим, что здание местного аэропорта сделано из дерева. И в день там бывает не больше двух рейсов настоящий дикий край. Почти не тронутая человеком природа и удивительная красота натуральности - это и есть секрет потрясающих акустик от Gibson.

Где бы вы ни были в Америке - невозможно предс тавить эт у с трану без дороги и спешащую по ней «мордат ую» фуру.

GUITARS

ma g a zine

187

В пережившую десятилетия форму зак ла дывается каркас корпуса будущего инс трумента – па лисандровые боковины с вырезом.

Как и процесс обработки «пру жин» верхней деки, на этом производс тве почти все операции выполняются вручную.

188

GUITARS

ma g a zi ne

Готовый гриф вк леивается к корпус, после чего происходит процесс обработки мес та их с тыковки в районе «пятки».

Одна из самых кропотливых и требующих особой внимательнос ти операций – вк леивание фрагментов инкрус тации в нак ла дк у грифа.

GUITARS

ma g a zine

189

Окантовка корпуса, как и многое другое, так же происходит вручную. Фрагменты плас тика вк леиваются в пазы на корпусе.

Д ля того чтобы корпус блес тел «как на до» и был идеа льно ровным на ощупь, его на до акк уратно шлифовать до ну жной с тепени.

190

GUITARS

ma g a zi ne

Несмотря на то что профиль ка ж дого грифа вышлифовывается вручную, он всегда соответс твует заявленному – это высший пилота ж.

Покраска ка ж дого инс трумента – это дело дос таточно тонкое и индивидуа льное. На Gibson такое никогда не доверяли роботам.

GUITARS

ma g a zine

191

Прошедшие все стадии контроля качества готовые инструменты аккуратно выплывают из производственных помещений в цех упаковки.

Гитару до зерка льного блеска натерли специа льными тряпочками и уложили в тра диционный фирменный кейс Gibson.

192

GUITARS

ma g a zi ne