______ by camila bravo

Portada

5 Diseño Editorial Camila Bravo Solís Diseño Gráfico - Duoc UC Sede Viña del Mar ©Cdesign 2010 El copyright de cada uno de los textos fotografías y diseños que aparecen en esta obra corresponden a sus respectivos autores Todos los derechos reservados. No está permitida la reproducción de parte de alguna de esta obra ni su almacenamiento o transmisión por algún medio, ya sea mecánico o electrónico, incluída su fotocopia, grabación o almacenamiento de información, sin el permiso expreso y por escrito del propietario del copyright Impreso en Chile - Escaneográfica Impresiones Diciembre de 2010

Índice

Parte.1

Parte.2

8 Línea de tiempo

34 Areas del Diseño

Los hitos mas importantes dentro de la historia del diseño

10 Qué es?

Todo sobre el Diseño Gráfico y sus áreas.

Packaging, Identidad Visual Corporativa, Diseño web, Diseño Editorial, Sistema de Señalización.

46 Elementos del Diseño

Tipografía, Imagen, Sustratos, Formatos, Terminaciones

12 Movimientos más influyentes Hablaremos sobre el Pop Art y el Futurismo

58 Glosario

Terminología usada en el libro

22 Artistas destacados

Todo lo que querías saber sobre Andy Warhol y Marinetti

1892 – 1902 Art Nouveau o Modernismo

1907 – 1914 Cubismo

1916 – 1922 Dadá

Consistió en crear un arte nuevo, llevando a cabo una ruptura con los estilos dominantes en la época, resumiendo la belleza en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tengan valor estético y sean asequibles a toda la población, aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva. La inspiración en la naturaleza y el uso de las líneas curvas, asimetría y el uso de imágenes femeninas, la tendencia a la sensualidad fue la característica principal de este movimiento. Dentro de los principales representantes en las artes gráficas están Aubrey Beardsley, Gustav Klimt, Louis Comfort Tiffany, Antoni Gaudí.

Nació en Francia y fue encabezado por Pablo Picasso, George Braque y Juan Gris. El cubismo es considerado como la primera vanguardia ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios de siglo, la perspectiva. En los cuadros cubistas desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies.

Surgió en Suiza a principios de siglo, con Tristan Tzara como su fundador. Utiliza el sentido del humor basado en la sátira de todo lo establecido, lo absurdo y el azar. Se manifiesta contra la belleza eterna, contra lo lógico, la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal. Dentro de sus representantes están Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumania, Jean Arp, Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck.

1900 Tecnología en métodos de impresión En este periodo se produjo un alza en las ventas de diarios y revistas, lo que trajo la recuperación del cartel publicitario. 1907-1914 Peter Behrens Arquitecto y diseñador alemán que trabajó como consejero artístico al AEG en Berlín, donde creó la primera imagen corporativa del mundo.

1914 Constructivismo Movimiento artístico y arquitectónico ruso. Este arte se separa del resto al ser utilizado con propósitos sociales, mediante propaganda política en la construcción del sistema socialista. Fue utilizado por primera vez en forma despectiva por Kasimir Malevich. 1916 Edward Johnston Diseñador considerado como el padre de la caligrafía moderna, diseñó la tipografía sans serif, Johnston Underground, utilizada en el sistema de señalización de la London Underground Railways.

1919 Bauhaus Fundada por Walter Gropius en Weimar, fue cerrada por las autoridades nazis en 1933. Uno de sus principios establecidos fue “La forma sigue la función”. La Bauhaus sentó las bases de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico. Entre sus principales expositores se encuentran Marcel Lajos Breuer, Joost Schimdt, Oskar Schelemme, Paul Klee, Kandinsky, Theo van Doesburg, Lazlo Maholy-Nagy y El Lissitzky.

Línea de tiempo

1925 Tshichold, Herbert Bayer, Lazlo Maholy.Nagy y El Lissitzky Hoy en día son considerados como los padres del diseño gráfico. 1925 Frederic Goudy Crea su propia fundición y personalmente graba sus matrices. 1928 Eric Gill Diseñador de las fuentes Gill Sans, Perpetua, Solus, Golden Cockerel Roman, Joanna y Bunyan. 1929 Stanley Morison Diseña la fuente Times New Roman. 1930 Claude Diererich Tras trabajar en varia agencias publicitarias de Paris, se establece en Lima Perú, donde expande las influencias europeas en el diseño gráfico contemporáneo de América Latina. 1934 Hermann Zapf Diseña las familias tipográficas: Aldus, AMS Euler, Aurelia, Edison, Kompakt, Marconi, Medici Sript, Melior, Michelangelo, Optima, Palatino, Saphir, Vario, ITC Zapf Book, ITC ZapfInternational, Sistina, ITC ZapfChancery, ITC Zapf Dingbats, Zapf Renaissance Antiqua, y la Zapfino.

1939 Feliz Beltran

1970- 1990 Postmodernismo

Maestro de diseño pionero e impulsador de La Habana, con gran influencia internacional sobre el trabajo que realizan las jóvenes generaciones.

Nace como una oposición al arte moderno, rechaza principalmente el principio pragmático del arte de vanguardia de principios del siglo XX. En los años 1980 en arte postmoderno pasó a reflejarse en otras formas artísticas, como la pintura, escultura, video, comic y diseño. Dentro de sus principales expositores están: Charles Moore, Tim Rollins, Hans Haacke, Sherrie Levine, Jeff Koons, Mary Kelly, Barbara Kruger, entre otros.

1960 Andy Warhol Fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del por art. 1970 Arte Moderno Representa una nueva forma de entender la estética, la teoría y función del arte, donde su dominante ya no es la naturaleza o su representación literal. Este movimiento decidió experimentar con nueva formas de representar la luz y el espacio, a través del color en la pintura, y por la vibración de la materia en la escultura. En los años previos a la Primera Guerra Mundial, una explosión de creatividad tuvo lugar con el fauvismo, cubismo, expresionismo y futurismo.

1982 Warnock y Geschke Se crea la empresa Adobe Systems. Los avances tecnológicos y computarizados dieron paso a una gran evolución del diseño gráfico, facilitando herramientas para la creación de diseños innovadores y de gran originalidad. Al respecto, cabe destacar el uso de programas como Photoshop, Corel, Phox-pro, Freehand, Illustrator, Page Maker, Quark Express, etc. 1985 Postscript Sale al mercado la primera impresora y fotocomponedora que utiliza tecnología Postscript 1997 Adrian Frutiger El destacado tipógrafo presentó su diseño de la familia Linotype Univers.

Diseñar? El diseño gráfico es una profesión cuya actividad es la acción de concebir, programar, proyectar y realizar comunicaciones visuales, producidas en general por medios industriales y destinadas a transmitir mensajes específicos a grupos sociales determinados. Ésta es la actividad que posibilita comunicar gráficamente ideas, hechos y valores procesados y sintetizados en términos de forma y comunicación, factores sociales, culturales, económicos, estéticos y tecnológicos. Dado el crecimiento veloz y masivo en el intercambio de información, la demanda de diseñadores gráficos es mayor que nunca, particularmente a causa del desarrollo de nuevas tecnologías y de la necesidad de prestar atención a los factores humanos que escapan a la competencia de los ingenieros que las desarrollan. Algunas clasificaciones difundidas del diseño gráfico son: el diseño gráfico publicitario, el diseño editorial, el diseño de identidad corporativa, el diseño web, el diseño de envase, el diseño tipográfico, la cartelería, la señalética y el llamado diseño multimedia, entre otros.comunicación, y no sólo los impresos.

La definición de la profesión del diseñador gráfico es más bien reciente, en lo que refiere su preparación, su actividad y sus objetivos. Aunque no existe consenso acerca de la fecha exacta en la que nació el diseño gráfico, algunos lo datan durante el período de entreguerras. Otros entienden que comienza a identificarse como tal para finales del siglo XIX. Puede argumentarse que comunicaciones gráficas con propósitos específicos tienen su origen en las pinturas rupestres del Paleolítico y en el nacimiento del lenguaje escrito en el tercer milenio a. de C. Pero las diferencias de métodos de trabajo, ciencias auxiliares y formación requerida son tales que no es posible identificar con claridad al diseñador gráfico actual con el hombre de la prehistoria, con el xilógrafo del siglo XV o con el litógrafo de 1890. La diversidad de opiniones responde a que algunos consideran como producto del diseño gráfico a toda manifestación gráfica y otros solamente a aquellas que surgen como resultado de la aplicación de un modelo de producción industrial; es decir, aquellas manifestaciones visuales que han sido “proyectadas” contemplando necesidades de diversos tipos: productivas, simbólicas, ergonómicas, contextuales, etc.

11 11 Introducción /

Qué es

Actualidad Hoy en día, gran parte del trabajo de los diseñadores gráficos es asistido por herramientas digitales. El diseño gráfico se ha transformado enormemente por causa de los ordenadores. A partir de 1984, con la aparición de los primeros sistemas de autoedición, los ordenadores personales sustituyeron de forma paulatina todos los procedimientos técnicos de naturaleza analógica por sisemas digitales. Por lo tanto los ordenadores se han transformado en herramientas imprescindibles y, con la aparición del hipertexto y la web, sus funciones se han extendido como medio de comunicación. Además, la tecnología también se ha hecho notar con el auge del teletrabajo y en especial del crowdsourcing o tercerización masiva, ha comenzado a intervenir en las modalidades de trabajo. Este cambio ha incrementado la necesidad de reflexionar sobre tiempo, movimiento e interactividad. Aún así, la práctica profesional de diseño no ha tenido cambios esenciales. Mientras que las formas de producción han cambiado y los canales de comunicación se han extendido, los conceptos fundamentales que nos permiten entender la comunicación humana continúan siendo los mismos.

También se conoce con el nombre de “diseño en comunicación visual”, debido a que algunos asocian la palabra gráfico únicamente a la industria gráfica, y entienden que los mensajes visuales se canalizan a través de muchos medios de comunicación, y no sólo los impresos.

Áreas de la práctica profesional - Diseño para información:

Incluye diseño editorial. periódicos, revistas catálogos, señaléticas, flyers libros, dípticos trípticos, mapas, gráficos y viñetas. - Diseño para persuasión:

Incluye la publicidad y la propaganda. Identidad corporativa que comprende marcas, iso-logotipo, papelería, gráfica vehicular; las etiquetas y los envases - Diseño para educación:

Incluye el material didáctico como los manuales instructivos, indicaciones de uso, fichas didácticas educacionales,etc También entran la cartelería de seguridad industrial y seña lización de espacios de trabajo. - Diseño para admininstración

Comprende el diseño de formularios, señalética urbana, billetes, sellos postales, pagarés y en general, cualquier pieza que sea susceptible de falsificación. - Diseño tipográfico:

Diseño tipográfico: tipos sans serif o palo seco, con serif, gestuales, góticas, caligráficas y de fantasía. - Diseño de instrumentos de mando: Pantallas de relojes digitales, de teléfonos móviles, de cámaras digitales, y otros aparatos.

Movimientos artĂsticos +influyentes

Pop Art Futurismo

15 15 Movimientos. /

Pop Art Es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones. Del mismo modo, el arte pop era tanto una extensión como un re del Dadaísmo. Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters y Man Ray. El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos, con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del di del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos») y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad munda e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del

expresionismo abstracto. En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular norteamericana, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipula que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad. El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos, mientras que los artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.

El arte pop estadounidense Tuvo su origen a finales de los años 1950 pero tuvo su mayor ímpetu en la década de 1960. Durante este tiempo, los anuncios norteamer habían adoptado varios elementos e inflexiones del arte moder y funcionaban a un nivel muy sofisticado. Consecuentemente, los artistas norteamericanos buscaron estilos dramáticos que distanciaran el arte de los bien designados e inteligentes materiales comerciales.A diferen estilo más romántico, sentimental y humorístico de Inglaterra, los artistas norteamericanos produjeron obras de mayor fuerza y agresividad. Dos de los más importantes dibujantes en el establecimiento del vocabulario del arte pop en este país fueron Jasper Johns y más particularmente Robert Rauschenberg.wAunque los dibujos de Rauschenberg tenían una obvia relación con los trabajos previos de Kurt Schwitters y otros dadaístas, se enfocaba en la sociedad del momento. Su acercamiento hacia la creación de elementos por medio de materiales efímeros sobre temas ordinarios de la vida diaria en Estados Unidos le dio una calidad única.

Campbell Soup por Andy Warhol

The Melody por Roy Lichtenstein

Reino Unido El Grupo independiente, fundado en Londres en 1952, es reconocido como el precursor del movimiento artístico pop.Eran un grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos, escritores y críticos que desafiaban la visión modernista de la cultura así como la perspectiva tradicional de ver las Bellas artes. Las discusiones del grupo se centraban en la cultura popular y la implicación de la aparición de dichos elementos de comerciales, películas , tiras cómicas, ciencia ficción y la tecnología. Durante la primera reunión del Grupo independiente en 1952, el co-fundador, artista y escultor Eduardo Paolo presentó una lectura utilizando una serie de collages titulado Bunk!, el cual había ensamblado durante su estancia en París entre 1947 y 1949. El material consistía en «objetos encontrados» tales como anuncios, personajes de tiras cómicas, portadas de revistas y material gráfico que representaba la cultura norteamericana. Una de las imágenes utilizada en dicha presentación fue un collage de 1947 de Paolozzi titulado I was a Rich Man’s Plaything, el cual incluye la primera vez en que se utilizó la palabra “pop”, la cual aparecía en una nube de humo que emergía de un revólver. Después de dicha presen-

Marylin Monroe por Andy Warhol

tación, el grupo independiente se enfocó principalmente en el uso de imágenes de la cultura norteamericana, principalmente aquellas que aparecían en los medios de comunicación masivos. El término arte pop fue acuñado finalmente por John McHale en 1954 con la finalidad de describir el movimiento. Éste fue utilizado en las discusiones del Grupo independiente durante su segunda sesión realizada en 1955 y la primera aparición de dicho término en una publicación impresa tuvo lugar en 1956, en un artículo publicado en Arc por parte de los miembros del Grupo Alison y Peter Smithson, sin embargo el término generalmente es acreditado al crítico y curador británico Lawrence Alloway, quien en un ensayo titulado The Arts and the Mass Media (las artes y los medios masivos) de 1958 utilizó el término «popular mass culture» (cultura popular de las masas)

17 17 Movimientos. / La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.

En españa

El arte pop y el cómic

En España el estudio del arte pop está asociado con el «nuevo figurativismo» que surgió a raíz de la crisis del informalismo.

Son multitud las obras de arte pop basadas en historietas. Román Gubern destaca con Flash (1963), Richard Pettibone con Tricky Cad (1959), Jess Collins con Dick Tracy (1960), Andy Warhol con Good Mornig, Darling (1964) y Roy Lichtenstein con As I Opened Fire (1964). Con los años, algunos historietistas serían influidos a su vez por el Pop-Art.

Entre los españoles que trabajaron en proximidad con este planteamiento podemos mencionar el «Equipo Crónica», el cual trabajó en Valencia entre 1964 y 1981, formado por artistas como Manolo Valdés y Rafael Solbes El productor de cine Pedro Almodóvar emergió de la subcultura madrileña «La Movida» de la década de 1970 haciendo películas pop de 8 milímetros de bajo presupuesto.

Matheus Lopes Castro alias “Mathiole”

Obra inspirada en el Pop Art por Matheus Lopes Castro

19 19 El futurismo surgió en Milán, Italia, pulsa por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos nales de la historia del arte. Consideraba como elementos cipales a la poesía, el valor, la audacia y la revción, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica. echazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. Se recurría, de este modo, a cualquier medio expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, publicidad, moda, cine, música, poesía) capaz de crear un verdadero arte de acción, con el propósito de rejuvenecer y construir de nuevo la faz del mundo. El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló ycó los principios del futurismo en el manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto de los pintores futuristas.

Movimientos. /

Futurismo

El futurismo fue, buena o mala, una escuela de polémica y de moral; y si usó con eficacia la técnica publicitaria, admitiéndola de golpe en la expresión artística

Caracteristicas El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano. Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de Arte Moderno, Nueva York) y el Tren suburbano (1915, Colección Richard S. Zeisler, Nueva York), ambos de Gino Severini. En el campo de la fotografía destacaron los hermanos Bragaglia y sus imágenes movidas, que ofrecen tiempos sucesivos y trayectoria de los gestos, como en Carpintero serrando o en Joven meciéndose. En 1914 se presentaron también los primeros dibujos sobre una ciudad moderna de Antonio Sant’Elia y Mario Chiatto. Sant’Elia presentó ese mismo año su Manifiesto de la arquitectura futurista, un proyecto utópico que cristalizó en las imágenes de la Ciudad Nueva: la nueva medida ya no era el edificio, sino la estructura urbana, y apostaba, además, por las nuevas tipologías, como estaciones de trenes y aeroplanos, centrales eléctricas, casas escalonadas con ascensores… Se trataba de un nuevo mundo vertical y mecánico, conectado a través de redes de ascensores de hierro y cristal.

Boccioni States of Mind the Farewells

Estética Marinetti concibió esta nueva estética, inspirado en la patafísica de Alfred Jarry, en Remy de Gourmont y en procedimientos estilísticos, que este movimiento literario, no asumió, respecto de ninguna tradición formal, ni cultural previa. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado (el llamado pasadismo), y por considerar que los museos, en especial en Italia, eran sitios equivalentes a los cementerios, donde la tradición artística común lo impregnaba todo. Según Marinetti, había que hacer tabla rasa del pasado y crear un arte nuevo, desde cero, acorde con la mentalidad moderna y las nuevas realidades, tomando como modelo a las máquinas y sus virtudes: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento, la deshumanización.

En la literatura, el futurismo abjura completamente del pasado y alienta a no respetar la métrica. Asimismo, intenta sustituir los nexos por notaciones algebraicas y buscar un léxico radicalmente hecho de tecnicismos y barbarismos, plagado de infinitivos, exclamaciones e interjecciones que denotan energía y libertad. El llamado teatro sintético del futurismo es el espacio en el cual las acciones ocurren a una velocidad vertiginosa, con tramas de no más de diez minutos, y donde se ocultan las presencias humanas, y sólo se ven los pies de los actores, cuyas figuras se adivinan por metonimia.

21 21 Movimientos. / Depero Futurista por Marinetti

Postulados

Trascendencia del futurismo

Entre sus postulados se dignifica la guerra como una fórmula para el saneamiento de un mundo anacrónico y decrépito, y proscribe la argumentación sentimental o anecdótica.

La importancia que tuvo el futurismo, más allá de sus méritos artísticos, consistió en crear una estética desde cero, con lo que se hizo posible una profunda renovación de las técnicas y principios artísticos, cuyas repercusiones aún se sienten. Fue uno de los primeros “ismos” o vanguardias artísticas, y su valor como movimiento de ruptura allanó el camino a otras corrientes que refrescaron el panorama artístico en los albores del siglo XX.

Con el correr de los años, Marinetti fue politizando el movimiento, hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó en 1919. El futurismo fue un movimiento fundamentalmente italiano y de carácter literario (Marinetti), aunque tuvo expresiones importantes en la plástica (el pintor argentino Emilio Pettoruti y los pintores italianos Gino Severini, Carlo Carrà, Giacomo Balla o el escultor Umberto Boccioni). También tuvo adherencias en otras manifestaciones artísticas, en arquitectura (Antonio Sant’Elia) y en la música (el ruidismo del compositor Luigi Russolo, antecedente directo de la llamada música concreta).comunicar gráficamente ideas, hechos y valores procesados y sintetizados en términos de forma y comunicación, factores sociales, culturales, económicos, estéticos y tecnológicos.

Muchas de sus técnicas para “figurar, con medios estáticos, el movimiento real” han sido incorporadas también al lenguaje de la historieta moderna.

Obra inspirada en el Futurismo por Lakshmi Bhaskaran

Personajes

+importantes

Andy Warhol Filippo Marinetti

Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional,Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo pittura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.

Autoretrato de Andy Warhol

Uno de los aportes más populares de Warhol fue super declaración sobre los «15 minutos de fama» cualquier persona puede conseguir. Esta frase en cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows. Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y documentales. Gracias a esta fama y a la polémica al igual que a sus revolucionarias obras está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Hasta principios de la década de los 60, Warhol era un ilustrador comercial de éxito. Sus elegantes y detallados dibujos para la empresa zapatera I. Millar eran particu-

Campbell Soup por Andy Warhol

Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Ha sido objeto de numerosos análisis, exposiciones de arte, libros y películas, como el documental “I Shot Andy Warhol”.

25 25 Personajes. /

AndyWarhol

larmente populares. Estos dibujos a tinta, de línea bastante desenvuelta, se alternaban con impresiones monoprint (similares a una monotipia) que aplicó extensivamente en su primera etapa como artista. Aunque esta posición entre el mundo artístico y el comercial no era infrecuente, sí es cierto que por motivos de prestigio la mayoría de artistas llevaban con discreción su condición de profesionales de la publicidad. De hecho, la fama de Warhol como ilustrador supuso en un primer momento un obstáculo para su consideración como artista.[33] Por entonces trató de exponer alguno de los dibujos realizados con estas técnicas en galerías de arte, pero sus intentos no tuvieron éxito. De esta época parte su cuestionamiento sobre el estatus de arte y su relación con el mercado: A partir de entonces, criticaría su separación y trató de interpretar la cultura comercial y popular como un tema artístico. El pop art ya era una corriente en estado germinal que algunos artistas exploraban de modo aislado; algunos de estos pioneros, como Roy Lichtenstein o el propio Warhol (que pasaría a ser conocido como “el Papa del Pop”) se volverían con el tiempo en sinónimos del pop. Warhol comenzó a involucrarse en este movimiento artístico realizando imágenes tomadas de dibujos animados y anuncios televisivos que pintaba con cuidadosas salasaa de pintura. Estas salpicaduras emulaban el aspecto del expresionismo abstracto estadounidense, entonces muy en boga. Eventualmente Warhol iría retirando referencias de sus imágenes hasta reducirlas a la representación icónica de una marca comercial, una celebridad, o el signo del dólar; suprimió también cualquier huella de la mano del artista en sus pinturas.[34] Se trataba en cierto sentido de devolver al arte el valor de cosa mentale, tal y como Leonardo la había definido ya en el Renacimiento. Warhol extrapoló su profundo conocimiento del mundo comercial en su faceta artística. Así, intuía que definir un nicho comercial era al fin y al cabo definir un tema artístico. Los dibujos animados y los cómics ya habían sido utilizados por Lichtenstein, la tipografía era parte del lenguaje de Jasper Johns; y Warhol también quería definir su propia

Grevy’s Zebra por Andy Warhol

27 27 Personajes. /

El Pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial.

estética distintiva. Sus amigos le aconsejaron pintar las cosas que más amase: En su peculiar manera de tomar las cosas literalmente, para su primera exposición de importancia pintó las famosas latas de sopa Campbell, que según decía había sido el almuerzo más frecuente a lo largo de su vida. La obra fue vendida por 10.000 $ en una subasta celebrada el 17 de noviembre de 1971 en la sede de Sotheby’s en Nueva York, un precio irrisorio si lo comparamos con los 6 millones de dólares obtenidos más recientemente por la misma obra. Pero Warhol también amaba a las celebridades, y por ello decidió pintarlas. Estos primeros pasos en el mundo artístico fueron definiendo poco a

poco su impronta personal, que consistía precisamente en evitar la huella persona del artista en beneficio de unos temas que aunque eran considerados “anti-artísticos” constituían la esencia de la cultura de la sociedad del bienestar estadounidense. Warhol utilizó frecuentemente la serigrafía, y cuando se veía obligado lo hacía calcando de una diapositiva. Según se afianzaba su carrera como pintor, Warhol contrató a varios asistentes que le ayudaban a procesar sus imágenes, siguiendo sus indicaciones para realizar variaciones y versiones sobre el mismo tema. En 1979, Warhol recibió de BMW el encargo de pintar un coche de carreras de competición BMW M1 para la cuarta exposición del proyecto “BMW Art Car”. A diferencia de los tres artistas que

le habían precedido, Warhol declinó utilizar inicialmente un modelo a escala, y se puso a pintar directamente sobre el vehículo. Se dice que Warhol tardó un total de 23 minutos en pintar el coche entero

Volkswagen por Andy Warhol

Marylin Monroe por Andy Warhol

29 29 Personajes. /

Filippo

Marinetti Estudió, además de en su ciudad natal, en París, donde terminó el bachillerato. Se licenció en Derecho en 1899 en la Universidad de Génova. Escribió algunos libros de poesía en francés, en los que utiliza el verso libre —precedente de las «palabras en libertad»— y desarrolla la mística del superhombre, inspirada en el poeta Gabriele D’Annunzio.

Su poema Les vieux marins (‘Los viejos marinos’) fue celebrado y divulgado por los poetas Catulle Mendés y Gustave Kahn. En 1898 Marinetti comenzó a publicar en varias revistas poemas de corte simbolista. Escribió también en francés la obra teatral Le roi Bombance. Placa que recuerda la casa milanesa en que Marinetti fundó la revista Poesia.

Autoretrato de Filippo Marinetti

En 1905 fundó en Milán, en colaboración con el autor Sem Benelli, la revista Poesia. En una de sus primeras obras teatrales, Elettricità sessuale (1909), aparecieron los robots —obviamente, con otra denominación—, diez años antes de que el novelista checo Karel Zapek inventase la palabra «robot». En 1909 publicó en el periódico francés Le Figaro el Manifiesto del Futurismo, y en 1910, en el mismo diario, el segundo manifiesto. Es de notar que para Marinetti el manifiesto fue un género literario original; tanto es así que la crítica considera sus manifiestos entre sus mejores obras.

Depero Futurista por Marinetti

Desarrolló la literatura futurista en numerosos ensayos y poemas, en su novela Mafarka il futurista (1910), y en obras teatrales «sintéticas», de carácter experimental, entre la que destaca Zang Tumb Tumb (1914). Como «jefe» del movimiento futurista intervino en numerosas obras, antologías, tomas de posición, etc. Hacia 1920, cuando el futurismo era ya un fenómeno del pasado y aparecían en Europa nuevos movimientos vanguardistas, Marinetti comenzó a mostrar simpatías por el fascismo. Llegó a ser miembro de la Academia de Italia, fundada por los fascistas. y se convirtió en el poeta oficial del régimen de Mussolini, al que fue fiel hasta los tiempos de la República de Saló. Murió en 1944.

A través de veladas poéticas de encuentro con el público, y de revistas como Lacerba, los futuristas difunden sus ideas, en las que exaltan sentimientos ultra nacionalistas, el amor al peligro, la exaltación de la energía, del coraje y de la audacia; la admiración por la velocidad, la lucha contra el pasado, la exaltación de la agresividad y de la guerra, considerada como “la única higiene del mundo”.

31 31 Personajes. / Los futuristas difunden sus ideas, en las que exaltan sentimientos ultra nacionalistas

Les mots en liberté futuristes por Marinetti

Los pintores futuristas estuvieron fuertemente influenciados por el cubismo, procuraron expresar el movimiento, la energía y la secuencia cinética. Utilizaban la palsbra: simultaneidad para representar las diferentes perspectivas en una misma obra de arte. En esta era de la velocidad nadie está interesado en el desarrollo de un alfabeto destinado al uso corriente, son los tipos ya existentes los que sirven para cualquier propósito

reduciéndolos, cortándolos y modificándolos, sirviéndose para este fin de tipos romanos, sans serif o slab serif. Los futuristas rusos si bien tuvieron una vida efímera, si que sirvieron para que a partir de ellos nacieran otros movimientos que llevaron la exploración de la tipografía a nuevos límites. El complementarismo en pintura es una necesidad absoluta, como el verso libre en poesía y la polifonía en música. El dinamismo universal tiene que ser plasmado en pintura como una sensación dinámica.

La cucina futuristica por Marinetti

Parte.2

Areas del Diseño Elementos del Diseño Glosario Créditos

Areas

del diseño

Packaging Diseño Editorial Identidad Visual Corporativa Diseño Web Sistema de Señalización

37 37 Areas del Diseño. /

Packaging Envases

Los envases no sólo sirven para contener, sino que también sirven para comunicarse.

Los envases no sólo sirven para contener, sino que también sirven para comunicarse. Para obtener el máximo rendimiento necesitamos dotar a nuestros productos de unos envases y de una presentación atractiva, para “entrar por los ojos” en la mente del consumidor.

Una función básica del envase es la protección física. El contenido del envase necesita estar protegido, entre otras cosas, de los golpes, las vibraciones, la compresión, la temperatura, etc. Otra de sus funciones es la de barrera: ante el oxígeno, vapor de agua, polvillo, etc., La permeabilidad del envase es un factor crítico en el diseño. Algunos traen disecantes o absorbentes de oxígeno para ayudar a prolongar su vida en las estanterías. En algunos envases, los alimentos se mantienen en una atmósfera controlada, manteniendo el contenido fresco, y seguro.

Los envases han jugado diferentes papeles a lo largo de la historia, evolucionando al mismo tiempo que la sociedad. Actualmente, cubren nuevas necesidades: facilidad de apertura, descripción fiel del contenido y protección del mismo, buena calidad, etc.

Diferencia entre Packaging y envases

Ventas y packaging

Mientras el envase constituye el contenedor físico del producto y sus objetivos principales son contenerlo y protegerlo, el packaging lo conforman el etiquetado, la información del fabricante y otros aspectos que la empresa quiere comunicar al cliente. Muchas veces incluye aspectos legales y herramientas de comunicación comercial.

El envase de un producto puede estar fabricado en una gran cantidad de materiales y sirve para contener, proteger, manipular, distribuir y presentar mercancías en cualquier fase de su proceso productivo, de distribución o venta. Las características de un buen envase son las siguientes: posibilidad de contener el producto, permitir su identificación, protegerlo, ser adecuado a las necesidades del consumidor en términos de tamaño,

El packaging explora multitud de cuestiones relacionadas con el diseño de envases: desde su papel dentro de la estrategia de una marca hasta los materiales empleados en su realización. Analiza, además, cada componente gráfico -su estructura, la disposición y jerarquía de la información, las fotografías e ilustraciones y los acabados- tanto de forma aislada como en interrelación con otros elementos.

Diferenciarse del resto y comunicar claramente su contenido se ha convertido en algo básico para los productos. El consumidor no tiene tiempo para leer detenidamente la etiqueta y el diseño del envase debe proporcionarle claramente esa información y ser, a su vez, lo suficientemente atractivo para persuadirle. Muchos autores sugieren que el packaging es un vendedor silencioso en el punto de venta. Según el diseñador Félix Rivas, a la hora de vender un producto, el envase, el etiquetado y el embalaje tienen un papel fundamental. La selección la hace el cliente en función del envase. Si un producto está de oferta, tal vez el cliente lo coja y lo pruebe. Pero, si no lo está, elige el que más le atrae. No se va a llevar tres productos a casa para comparar las calidades, el precio, etc. A juicio de Rivas, ocurre igual que con las personas: siempre se ha dicho que la belleza va por dentro, pero la gente se queda por la primera impresión. Para crear una buena imagen de marca se necesita mucha investigación, saber qué están haciendo los demás, y diferenciarte.

Existen especialistas dedicados a esto. Rivas cree que no hay imágenes de marca malas, sino mal llevadas, mal interpretadas, mal presentadas. Y, aún así, una mala imagen no es sinónimo de mala venta. Es algo muy subjetivo. Una imagen colorista que, en principio, un técnico no admitiría, el público sí que lo hace. Sin embargo hay envases, como el de arroz Brillante (que tiene 30 años) o el de Carbonell (con la imagen de la gitana) que no se pasan. Si funcionan, no hay que darle más vueltas, subraya el experto.

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Editorial

El diseño editorial es la rama del diseño gráfico dedicada a la maquetación y composición de publicaciones tales como revistas, periódicos o libros. El diseño editorial debe moldearse de acuerdo al mercado y a lo que se quiere comunicar; no es lo mismo entregarle una revista especializada para niños a un adulto mayor, el cual quiere leer su periódico o una revista de temas políticos. El contenido define el diseño a realizar y su enfoque define todo un complejo sistema de tendencias de diseño tales como: Estilo gráfico informativo; Art nouveau, Pop art; entre muchas otras. El diseño editorial o la “maquetación” incluye muchos términos técnicos que pueden resultar confusos y complejos. La comprensión de los términos usados en la maquetación puede fomentar la articulación de ideas creativas entre los diseñadores, los clientes que realizan el encargo, los impresores y demás profesionales que también participan en la producción del diseño. El conocimiento y uso de términos industriales estándar minimiza el riesgo de malentendidos. El profesional debe tener en cuenta el impacto e innovación de los diseños de tapas de libros, dándole importancia a la síntesis semántica para que dentro de una gran gama de productos su creación resalte en cuestión de segundos.

Areas del Diseño. /

Diseño

El diseño editorial es la rama del diseño gráfico dedicada a la maquetación y composición de publicaciones tales como revistas, periódicos o libros.

Partes de una editorial

El proceso de creación

- Texto

Antes de realizar un trabajo de diseño editorial se tiene que seguir un orden de reglas para la ejecución del trabajo, y estas pueden ser.:

Se pueden encontrar titulares, subtítulos, bloques de texto, pie de foto y eslogan. - Titulares: Nombran cada artículo o tema a tratar, son los más importantes dentro de cada composición - Pie de foto: Es un texto que aparece en el borde inferior de una imagen, con frecuencia sobre impuesto a ella, aportando información adicional sobre la misma. - Cuerpos de texto: Son los considerados el alma de toda publicación porque en ellos radica toda la información de cada artículo, estos bloques de texto deberán hacerse más legibles, claros y sin carga de saturación ni caos. Por ejemplo: el Pie de foto describe la foto, su nombre y el del autor.

1. Definir el tema 2. Definir el objetivo de comunicación del diseño a realizar. 3. Conocer el contenido 4. Cuales son los elementos más adecuados. 5. Realizar un proceso de bocetación 6. Realizar una retícula,

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web

El diseño web es una actividad que consiste en la planificación, diseño e implementación de sitios web y páginas web. No es simplemente una aplicación del diseño convencional, ya que requiere tener en cuenta cuestiones tales como navegabilidad, interactividad, usabilidad, arquitectura de la información y la interacción de medios como el audio, texto, imagen y vídeo. Se lo considera dentro del diseño multimedial. La unión de un buen diseño con una jerarquía bien elaborada de contenidos aumenta la eficiencia de la web como canal de comunicación e intercambio de datos, que brinda posibilidades como el contacto directo entre el productor y el consumidor de contenidos, característica destacable del medio. El diseño web ha visto amplia aplicación en los sectores comerciales de Internet especialmente en la World Wide Web. Asimismo, a menudo la web se utiliza como medio de expresión plástica en sí. Artistas y creadores hacen de las páginas en Internet un medio más para ofrecer sus producciones y utilizarlas como un canal más de difusión de su obra.

Como se crean El diseño de páginas web trata básicamente de realizar un documento con información hiperenlazado con otros documentos y asignarle una presentación para diferentes dispositivos de salida (en una pantalla de computador, en papel, en un teléfono móvil, etc). Estos documentos o páginas web pueden ser creadas: 1.- Creando archivos de texto en HTML. 2.- Utilizando un programa WYSIWYG o WYSIWYM de creación de páginas. 3.- Utilizando lenguajes de programación del lado servidor para generar la página web.

Los códigos y sus programas El HTML consta de una serie de elementos que estructuran el texto y son presentados en forma de hipertexto por agente de usuario o navegadores. Esto se puede hacer con un simple editor de textos (debe guardarse como texto plano, sin ningún tipo de formato y con extensión .html o .htm). Aprender HTML es relativamente fácil, así que es sencillo crear páginas web de este modo. Esta era la única manera de generarlas hasta que aparecieron, a mediados de 1996, algunos editores visuales de HTML, como MS FrontPage y Adobe Dreamweaver. Con estas herramientas no es necesario aprender HTML (aunque sí aconsejable), con lo cual el desarrollador se concentra en lo más importante, el diseño del documento. Todo esto teniendo en cuenta el nivel de programación en el diseño de las aplicaciones y del impacto visual que se quiere generar en el usuario. Se pueden conocer varias pautas básicas en el desarrollo de site web a través de la siguiente lista “como se ejecuta un desarrollo web” donde se especifica un breve resumen de trazabilidad de un proyecto antes de su posicionamiento en buscadores.

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Diseño

No es simplemente una aplicación del diseño convencional, ya que requiere tener en cuenta cuestiones tales como navegabilidad, interactividad, usabilidad, arquitectura de la información y la interacción de medios

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Identidad visual corporativa

En este sentido, el desenfoque respecto a la importancia de la identidad visual, al que antes hacía referencia, no tiene ninguna razón de ser.

Elementos tangibles Papelería Corporativa:

La identidad corporativa o identidad visual (IVC) es la manifestación física de la marca. Hace referencia a los aspectos visuales de la identidad de una organización, concretada en un programa o manual de normas de uso que establece los procedimientos para aplicarla correctamente. La identidad visual es importante en sí misma dentro del proceso de gestión de la imagen de una entidad, especialmente en todo lo que afecta a su identificación como tal y a la diferenciación de otras entidades, ya sean competidoras o no. Ahora bien, en el conjunto de ese proceso global constituye probablemente el proceso más fácil gestión de los denominados activos intangibles de una organización. En este sentido, el desenfoque respecto a la importancia de la identidad visual, al que antes hacía referencia, no tiene ninguna razón de ser. Esta tiene una importancia relativa; por supuesto menor que la cultura corporativa, y su manejo es más sencillo que el de la comunicación, pero dado lo fácil que resulta una gestión correcta de la identidad visual, no se entiende por qué se convierte en más ocasiones en una debilidad que en una fortaleza de la imagen de las empresas.

Otro hecho frecuente es el desigual desarrollo profesional de la identidad visual, en cuanto a rigor y competencia se refiere, respecto a algunas facetas de la comunicación empresarial, como pueden ser, por ejemplo, la comunicación corporativa o la publicidad de producto. En estos casos las organizaciones suelen ser muy exigentes a la hora de contratar servicios externos o de seleccionar a los profesionales que, desde dentro de la propia organización, desempeñen tal función. No ocurre lo mismo, o al menos el nivel de exigencia no es igual, en lo que atañe a la creación o actualización de la identidad visual.

Tarjetas de presentación, hoja carta, sobre americano, carpetas corporativas, invitaciones, etiquetas, formularios, pendones, etc. Papelería Fiscal: Facturas, nota de venta, sellos fiscales, Vestimenta e indumentaria: Camisas, vehículos, uniformes.

Cómo se aplica La identidad visual, son los códigos gráficos, es el fondo del significado, del concepto, de nuestro significado, lo visual, lo formal, el estilo externo, nuestra apariencia, son la consecuencia de la identidad. Por tanto el aspecto tiene que definir los valores de identidad como Marca, así como define, lo que ha de ser permanente y lo que puede evolucionar, variar. Si observa bien, no usamos la palabra Imagen, pues realmente la imagen: es la percepción, de lo que el emisor (la empresa, marca, producto) y por tanto la identidad precede a la imagen, pues mediante ella se presenta el como debe presentarse en la mentalidad del consumidor, siendo la imagen el resultado de la síntesis hecha por los receptores de todos los mensajes emitidos desde la Marca: Nombre, Marca, Símbolos, Productos, Publicidad. Siendo la imagen una decodificación de todos estos mensajes. Llegando aquí, ya tenemos despejado el que somos, y por tanto sabemos los conceptos a Emitir, y con qué medios, aunque lo mas importante, es no perder de “vista” lo que somos, y por tanto, como debemos posicionarnos, y dando esta respuesta mediante los medios, de: la marca para qué, para quién, cuándo y contra quién.

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Sistema

de Señalización

La señalética es una actividad perteneciente al diseño gráfico que estudia y desarrolla un sistema de comunicación visual sintetizado en un conjunto de señales o símbolos que cumplen la función de guiar, orientar u organizar a una persona o conjunto de personas en aquellos puntos del espacio que planteen dilemas de comportamiento, como por ejemplo dentro de una gran superficie El diseño de la señalética empieza con el estudio de planos de planta de la gran superficie (de caminerías, recorridos o circulaciones planteadas); pasa por la presentación de la nueva y óptima organización de estas circulaciones y termina en el diseño de símbolos gráficos sintéticos y de fácil comprensión para guiar a la gente o vehículos por estas grandes superficies. Los símbolos diseñados variarán según si son para una señalización interna o externa, si es para guiar transeúntes o para guiar vehículos. En las empresas, normalmente estos símbolos siguen los lineamientos de la identidad visual corporativa (colores, estilo, geometrías, tipografía, etc. propios de la empresa) o bien pueden contener el distintivo visual (logotipo o marca) de la empresa dentro de cada señal o rótulo. Algunos estudiosos insisten en diferenciar entre señalética y señalización. Señalética es una palabra no recogida en el diccionario de la Real Academia Española de la Lengua. Este neologismo, sin embargo, debería designar al estudio

de las señales, mientras que el conjunto mismo de éstas utilizadas dentro de un espacio público debería ser llamado ‘señalización’, palabra aceptada por la Real Academia. La señalización está dirigida a regular el tráfico humano y motorizado en espacios predominantemente exteriores. El código utilizado ha sido previamente homologado y normalizado, siendo indiferente a las características del entorno (por ejemplo, el código de circulación). La señalética en cambio persigue identificar, regular, y facilitar el acceso a unos servicios requeridos. Dentro de las cuestiones más difíciles de lograr está la simpleza y limpieza de las formas. La señalética no es una reproducción fiel sino una síntesis y una interpretación de una acción o actividad. Una síntesis visual entendida como la menor forma capaz de expresar una situación, acción y/o mensaje. La señalética no pretende reproducir la realidad, pretende significarla.

La Señalética es una técnica que permite optimizar la puesta en un sistema de codificación las señales y los signos destinados a orientar y facilitar a las personas respecto a su ubicación y a sus acciones en los distintos espacios y ambientes.

¿Para qué sirve? La Señalética es una técnica que permite optimizar la puesta en un sistema de codificación las señales y los signos destinados a orientar y facilitar a las personas respecto a su ubicación y a sus acciones en los distintos espacios y ambientes. Código lingüístico y gráfico deben ser lo más primitivo, universales y transculturales posibles, evitando en todo momento involucrar códigos que en la traslación/decodificación puedan ser interpretación en un sentido no buscado (digo sentido no-buscado en vez de “mala interpretación” porque en estos casos no hay interpretaciones malas, sino diferentes sistemas de códigos utilizados). Lo más grave es que no haya interpretación alguna, lo que significa la completa inteligibilidad del mensaje (sea icónico o lingüístico)

El soporte y el signo deben estar dispuestos con el mayor contraste posible. Además, el signo debe ser apreciable y comprensible desde una distancia apreciable. Entiéndase que debe decodificarse con poco esfuerzo intelectual y que a veces en movimiento, dando lugar a pocos instantes de disponibilidad.

Elementos

del diseĂąo

TipografĂa Imagen Sustratos Formatos Terminaciones

4949 Elementos del diseño. /

Tipografía

La tipografía es el oficio que trata el tema de las letras, números y símbolos de un texto impreso

La esencia del buen diseño gráfico consiste en comunicar ideas por medio de la palabra escrita, combinada a menudo con dibujos o con fotografías. La tipografía es el oficio que trata el tema de las letras, números y símbolos de un texto impreso (ya sea sobre un medio físico o electromagnético), tales como su diseño, su forma, su tamaño y las relaciones visuales que se establecen entre ellos. Además de su componente significativo, cada letra de una palabra es por sí misma un elemento gráfico, que aporta riqueza y belleza a la composición final. Es por esto, que el aspecto visual de cada una de las letras que forman los textos de una composición gráfica es muy importante. De este planteamiento se deriva que el diseñador gráfico debe emplear las letras en una composición tanto para comunicar ideas como para configurar el aspecto visual de la misma, siendo necesario para ello conocer a fondo los diferentes tipos existentes y sus propiedades, conocimientos que se agrupan en la ciencia o arte de la tipografía.

Clasificación según forma Una forma de clasificar las letras es según tengan o no «serifas». Se entiende por serifas, o remates, las pequeñas líneas que se encuentran en las terminaciones de las letras, principalmente en los trazos verticales o diagonales. La utilidad de las serifas es facilitar la lectura, ya que estas crean en el ojo la ilusión de una línea horizontal por la que se desplaza la vista al leer. Las letras sin serifas o de palo seco, son aquellas que no llevan ningún tipo de terminación; por lo general son consideradas inadecuadas para un texto largo ya que la lectura resulta incómoda pues existe una tendencia visual a identificar este tipo de letras como una sucesión de palos verticales consecutivos. Por esta razón, las letras con serifas (llamadas también romanas) se utilizan en los periódicos, revistas y libros, así como en publica-

ciones que contienen textos extensos. Las letras sin serifas o palo seco son usadas en titulares, rótulos, anuncios y publicaciones con textos cortos de estilo valiante. Ante la aparición de los medios electrónicos, las letras de palo seco se han convertido también en el estándar para la edición en la web y los formatos electrónicos ya que por la baja resolución de los monitores las serifas terminan distorsionando la fuente. Esto se debe a que las curvas pequeñas son muy difíciles de reproducir en los píxeles de la pantalla.

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Imagen Muy en auge está en diseño gráfico la utilización de imágenes o fotografías para transmitir conceptos, mensajes indirectos o sencillamente para reforzar ideas. No hay duda que esto es parte de la comunicación visual. Pero he visto innumerables veces imágenes que están erróneamente insertadas en diseños, no encajan con la idea semántica o sencillamente no existe relación alguna con el tema del diseño. Otras veces se produce una abundancia de imágenes y una notable ausencia de textos que comuniquen o brinden una idea más clara de lo que se quiere transmitir. Antes que nada, debemos pensar en el hecho de que nuestra imagen tiene que ser el producto de nuestro diseño. De esta forma podremos “montar” o preparar nuestra fotografía con los mismos colores o tonalidades de nuestro diseño. Si aplicamos esto no hay duda de que lograremos un efecto singular y creativo. Sobre este tema he visto varios diseños en los que existen una sobreabundancia de imágenes lo que nubla la verdadera idea o mensaje del diseñador. En esto debemos tratar de buscar el equilibrio. Tenemos dos tipos de imágenes a aplicar en nuestro diseño como un objeto; La Imagen Conceptual y La imagen: Descriptiva. La primera brinda o refuerza una idea abstracta sobre determinado tema. Esta debe estar acentuada con un breve texto. Normalmente este tipo de objetos son usados en el diseño publicitario o en sitios con esa tendencia. En cambio las imágenes descriptivas son usadas para describir un producto u objeto. Aunque esta puede estar perdida o “expandida” en nuestro diseño. Normalmente en un diseño equilibrado coexisten los dos tipos de referencias visuales, recordemos que estas podrían estar ancladas con un texto que sea determinante a modo de epígrafe o párrafo para transmitir el mensaje. De esta forma la imagen pasa a ser otro objeto que compone un todo armonioso.

Parte de lo que es Una imagen es una representación que manifiesta la apariencia de un objeto real. El concepto mayoritario al respecto corresponde a la de la apariencia visual, por lo que el término suele entenderse como sinónimo de representación visual; sin embargo, hay que considerar también la existencia de imágenes auditivas, olfativas, táctiles, sinestésicas, etcétera. Las imágenes que la persona vive interiormente son denominadas imágenes mentales, mientras que se designan como imágenes creadas (o bien como imágenes reproducidas, según el caso) las representativas de un objeto mediante técnicas diferentes de diseño, pintura, fotografía, vídeo, entre otras.

Una imagen es una representación que manifiesta la apariencia de un objeto real y se ocupa en diseño gráfico para transmitir conceptos.

Pueden también ser captadas por una lente óptica o reflejadas en un espejo. Son entonces, copias de las realidades más o menos fidedignas, ya que no es lo mismo una foto que un dibujo, que captan sus características esenciales, pudiendo diferir en sus accidentes. Las imágenes endógenas están cargadas de subjetividad, y son frecuentes en el mundo artístico, las exógenas captan de manera más objetiva el entorno También se habla de imagen para referirse, al concepto que genera una persona o empresa, para la sociedad, a traves de su nombre, presentación y acciones, calificándose de buena imagen o mala imagen, según conforme o no a las demandas sociales. Una persona desalineada, que se expresa mal, y que no guarda las mínimas reglas de cortesía, será reputada como portadora de una mala imagen. Esto también puede aplicarse a las empresas, por ejemplo, tratar mal a la clientela, o tener sucias sus instalaciones, es una mala imagen para la institución.

El estudio de las imágenes se denomina iconografía, aunque el término surgió dentro del marco religioso, aludiendo a las figuras santas, se ha extendido el concepto a lo profano, y es muy importante en nuestro mundo actual, ya que la mayoría de los medios de comunicación utilizan imágenes para transmitir información, haciendo realidad la frase: “Una imagen vale más que mil palabras”.

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Sustratos El trabajo del diseñador gráfico no se restringe solamente hasta el original en el tablero o en el monitor del computador o el archivo en disquete, sino que su accionar va más allá y está destinado a ser producido por medios industriales, por lo tanto el profesional no puede desconocer los procesos -sistemas de impresión- y los materiales o sustratos que se emplearán en la producción industrial, generalmente imprentas y editoriales. Con el fin de prestar toda la asesoría que el cliente espera para la obtención de un producto final de calidad, el diseñador debe asumir un compromiso real en la programación de la producción, participación en ésta y en la toma de decisiones, hacerle un seguimiento, dar V°B° a diferentes etapas del proceso y estar atento a hacer cambios o proposiciones cuando se requiera.

El papel El papel, y sus similares como cartulina y cartón, es el material de impresión básico y fundamental en la imprenta, desde sus inicios. Tanto la imprenta como el papel han tenido un rol importantísimo en el desarrollo y difusión de la cultura y la civilización en estos últimos cinco siglos. Sin entrar en detalles históricos, tanto los sistemas de impresión, como el papel, han pasado por una larga evolución de mas de 2.000 años para llegar a convertirse en el principal soporte material y medio de comunicación en todos los ámbitos de la actividad humana: administración y leyes, moneda, envases, noticias, arte literario y poesía, entretención, educación, etc.

El papel, y sus similares como cartulina y cartón, es el material de impresión básico y fundamental en la imprenta, desde sus inicios.

El papel es un material en hojas de poco espesor, de estructura porosa, constituido y obtenido por filtración de fibras entrelazadas entre si. La materia prima principal es la madera, de donde se obtiene la “celulosa”. Otras fibras, como las derivadas de la paja, de trapos, de algodón, y las sintéticas, tienen una importancia secundaria. Sus principales componentes son: celulosa, papelote, agua, resínalo de sodio, agentes encolantes, almidones. Según la clase de madera las fibras tienen estructura diferente, por ejemplo las fibras de madera de coniferas (pino), son muchos mas largas que las de maderas frondosas (eucaliptos), se mencionan ambos tipos por ser las principales maderas de donde se obtiene la celulosa en Chile. El tipo de fibra utilizado, larga o corta o una combinación de ambas, va a depender del producto final que se desee obtener y sus requerimientos especiales (propiedades físico-mecánicas).

Propiedades En términos generales el papel es un fieltro de regular porosidad, ocupando los poros o vacíos, un volumen aproximadamente igual a la mitad del volumen total. Su estructura como se explicó anteriormente, queda determinada según las materias particulares que entran en su composición. Existen una serie de propiedades importantes de considerar que deben cumplir todos los papeles, estas características se evalúan en el momento de la fabricación y son relevantes para que el papel pueda ser empleado en los procesos de impresión y/o conversión correspondiente. Estas características técnicas son evaluadas en un laboratorio diseñado para tal efecto. Entre las más importantes podemos destacar: - El gramaje (gramos por metro cuadrado). - Su espesor.

5555 El formato sirve para atraer a la clase de público o personas receptoras de nuestro diseño, para organizar la cantidad de información que se quiere disctribuir, para conocer el modo de aprovechar el sustrato Los tamaños de papel conocidos como “DIN” o “ISO” (DIN A4, ISO A4, etc…) nacieron en Alemania en 1922. Su primer nombre “DIN” responde a las siglas del Instituto de Normalización Alemán (Deutsches Institut für Normung). Posteriormente, esa estandarización pasó a estar tutelada por la ISO, por lo que su prefijo cambio a “ISO”. En la actualidad es más usual denominarlos sin prefijo alguno: “A4”, “A3”, etc… Estos tamaños estandarizados están divididos en “series”, cada una de las cuales está pensada para un uso concreto que determina sus proporciones. En la actualidad hay varias series ISO:

Series A y B Son el núcleo del sistema ISO y de ellas, las serie A es la principal. Su uso es como papel de escritorio genérico (fotocopias, escritura, dibujo, etc…).

Series RA y SRA

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Formatos

El formato sirve para atraer a la clase de público o personas receptoras de nuestro diseño, para organizar la cantidad de información que se quiere disctribuir.

Son papeles en hoja de tamaño levemente mayor a la serie más común (la A). Su uso principal es como papel para máquinas de imprenta (el exceso de tamaño proporciona un leve margen para las sangres y las pinzas). Diversos formatos para sobres ISO (serie C y otros) Son formatos de sobres ideados para usar con las series A y B, y con otros sobres. Son papeles en hoja de tamaño levemente mayor a la serie más común (la A). Su uso principal es como papel para máquinas de imprenta (el exceso de tamaño proporciona un leve margen para las sangres y las pinzas). Diversos formatos para sobres ISO (serie C y otros) Son formatos de sobres ideados para usar con las series A y B, y con otros sobres.

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Terminaciones

Las terminaciones son un proceso aplicado en el diseño gráfico a un sustrato o superficie, de una pieza gráfica el cual brinda un mejor acabado ya sea añadiendo elementos decorativos, alterardo su forma o tamaño. Las terminaciones puede transformar un diseño común en algo mucho más interesante y único. Acabados brillantes u opacos La mayoría de las portadas de revistas que compra probable es que tenga un barniz aplicado a ellos - como la textura suave y resbaladiza, como que se siente en la mayoría de portadas de revistas. Existen los barnices opacos y brillantes 1.- Termolaminado: Es una fina película de polipropileno, se aplica por calor al sustrato y se adhiere, posterior a la impresión. Tiene la desventaja que se tiene que utilizar en todo el área. Puede ser brillante u opaco. 2.- Lacado UV sectorizado: Es uno de los procesos de acabao mas solicitado. Da un alto brillo Se puede aplicar en algún detalle del impreso, es decir permite hacer área de reserva. Se aplica posterior a la impresión 3.- Barniz: El barniz puede tener características opacas o de brillo, se puede ocupar en un área determinada, se aplica después de la impresión.

Troquel

El papel, y sus similares como cartulina y cartón, es el material de impresión básico y fundamental en la imprenta, desde sus inicios.

Los impresos requieren de plizados en el caso de los folletos, o troquelados en los envases. Técnica, aunque hoy computarizada de estricto carácter artesanal. Los moldes están compuestos por un sistema de cuchillos,filetes finos, con filos o romos para plizados. Existen también dentados para ranurar y arrancar como por ejemplo prepicados.

Plano troquel Es un dibujo que se ocmpone de diferentes tipos de líneas, que juntas forman la figura del plano troquel (trazado). Las líneas se diferencias entre sí, para indicar los diferentes tipos de cuchillas que se aplicarán en la confección del troquel.

Cuño seco y Folia Folia es una terminación en donde una imagen se presiona en el sustrato para que la imagen quede grabada. Cuño seco se utiliza básicamente para crear un efecto distintivo en relieve o bajo relueve. Usado en combinación con folia metálica, proporciona un efecto tridimensional. Los tres factores que deben ser controlados durante el proceso de cuño seco son: 1. Presión 2. Calor 3. Profundidad

Glosario Adobe: Firma desarrolladora de diversos aplicativos utilizados para diseño gráfico. Bit Map: Mapa de bits, definición de una imagen por sus puntos constituyentes. CMYK: Cyan, Magenta, Amarillo y Negro. Los distintos colores de tinta del proceso de impresión a cuatro colores. Color: Tono de un objeto determinado por la frecuencia de la luz emitida por el mismo. Email: Comunicación entre partes a través del servicio de correo electrónico de Internet . Email puede aludir a los mensajes intercambiados entre usuarios o a la dirección de correo electrónico de un usuario particular.

Escala de grises: Representación de una imagen en la que cada pixel es representado por un valor individual que representa su luminancia, en una escala que se extiende entre blanco y negro. Font (fuente): Tipografía utilizada para un texto. Gráfico: Elemento visual que complementa al texto para hacer a un mensaje impreso más interesante o facilitar su comprensión. Gramaje: Cantidad de gramos que pesa un metro cuadrado de un material, generalmente papel. El gramaje influye en el espesor del material. Imagen Corporativa: La percepción que una determinada persona o un colectivo tienen de una entidad. Es la

imagen mental ligada a una Corporación y a lo que ella representa. Las organizaciones proyectan valores y actitudes a través de su imagen.

Manual de Identidad Corporativa: Conjunto de normas que regulan el uso y aplicación de la identidad corporativa en el plano del diseño.

Identidad Corporativa: El conjunto de características específicas y personales de una Entidad, las cuales crean una forma perceptible y memorizable de sí misma y la diferencian de los demás entidades.

Paleta: Conjunto de colores disponibles para ser utilizados en una imagen.

Identidad Visual: La parte visible de la identidad de una empresa. A menudo se utilizan de manera indiscriminada Identidad Corporativa eIdentidad Visual. No obstante, la primera se encuentra en un plano superior a la segunda. Itálica: fuente tipográfica en Cursiva. Logotipo: El elemento visual tipográfico que da nombre a la entidad.

Pixel: La unidad de superficie de imagen sobre la cual se pueden definir atributos, tales como color e intensidad de luz. PostScript: Norma más utilizada para la impresión profesional de piezas. Es un lenguaje que define el contenido de una página y cómo debe ser reproducido. Fue creado por Adobe Systems y ha sido incorporado por la mayoría de los fabricantes de impresoras.

Mapa de bits: Tipo de imagen digital que resulta de almacenar información sobre cada punto (pixel) que la compone y el color de cada uno de ellos. Este enfoque se contrapone a las imágenes vectorizadas, en el que la imagen digital resulta de la colección de formas primitivas, tales como líneas y objetos. Algunos de los formatos gráficos de mapas de bits son: .bmp, .tiff, .gif, .jpg y .pcx. La cantidad de puntos definidos por unidad de superficie determina la resolución de la imagen representada. Usualmente la resolución se mide en puntos por pulgada. Para representación en pantalla, se utilizan 72 pixels por pulgada. Para impresión la resolución varía entre 300 y 1200 pixels por pulgada.

JPG (Joint Photographic Experts Group): formato gráfico de mapa de bits que permite comprimir las imágenes con el objetivo de reducir el tamaño (kb) del fichero. Esta característica lo hace atractivo para uso en diseño web porque reduce el tiempo de descarga / transferencia del fichero. En contrapartida, la definición de la imagen resultante es degradada en relación inversamente proporcional al grado de compresión aplicado. Soporta los sistema de colores RGB y CMYK.

Bibliografía Libros Diseñar con y sin retícula, Timothy Samara Fundamentos del Diseño - Wucius Wong

Páginas web Referentes páginas web http://sixrevisions.com/web_design/16-best-web-design-galleries-for-inspiration/ Los sistema de impresión y sustratos http://www.visibles.cl/quierosaber/home/diseno-grafico/ensenando-miprofesion/111-los-sistemas-de-impresion-los-sustratos-y-las-tintas-.html Envases y packaging http://fbruna.patriagrafica.org/portafolio/envases-y-packaging/

Diseño portada e interiores: Camila Bravo S. Tipografía del conentido general: Euphemia Ucas Regular, Italic, Bold, Gill Sans Regular, Light, Light italic. y Helvetica Bold, Regular. Tipografía de la portada: Helvetica Bold, Gill sans regular y light. Softwares utilizados: Adobe Indesign CS3, Adobe Photoshop CS3 Papel de páginas interioes: Couché opaco 170 grs Papel de portada: Opalina lisa 270 grs Sistema de impresión: Láser Tipo de encuadernación: Empastado