Catálogo Digital, Diseño IV by Xías

Catálogo Digital del Curso Diseño IV - II Ciclo 2023 Elías Calderón Castro, C01438

Diciembre, 2023

ÍNDICE Práctica Uno ................... 02 Práctica Dos ................... 04 Práctica Tres .................. 06 Práctica Cuatro ................ 14 Práctica Cinco ................. 16 Práctica Seis .................. 18 Práctica Siete ................. 22 Práctica Ocho .................. 26 Práctica Nueve ................. 28 Proyecto Uno ................... 36 Proyecto Dos ................... 38 Proyecto Tres .................. 40

Práctica Uno

Discusión:

Algunas reflexiones sobre el autorretrato Me sorprende cuántos aspectos suelen repetirse a lo largo de la historia del autorretrato y cuán limitado hacen sentir estos aspectos a la técnica. Debido a esto, y a mis propias afinidades por expandir el concepto de arte y aquello que se permita considerar como tal, no veo mayor problema en aplicar esta ideología al autorretrato y, por ende, creo que sí debe mostrar más profundamente a la persona.

Cid Priego, Carlos. (1985). Algunas Reflexiones sobre el autorretrato. Revista anual de historia del arte (5), pp. 177-203. Dialnet. https://dialnet.unirioja.es/servlet/articulo?codigo=72636

Entrando en la presente era, el autorretrato no debe limitarse a mostrar únicamente la cara del artista o al artista en sus trajes de trabajo, si no, considero que debe mostrar al artista como la persona que es. Tomar uno o varios aspectos que le forman, desde los gustos a la personalidad e historia de vida y expandirlos en la obra. No creo que sea necesario que el propio cuerpo del artista necesite ser retratado para considerar una obra un autorretrato, si esta misma trata y se enfoque en aquello que hace al artista. Por otro lado, tampoco considero que el autorretrato deba limitarse a un único medio como solía serlo o ser una simple práctica de anatomía o prueba de materiales. El autorretrato puede ser su propia obra y utilizar aquellos materiales y técnicas que el artista desee sin límites. Creo que el autorretrato debe expandirse más a los medios tridimensionales, a la escultura e instalación, pues que una obra pueda ser palpada o percibida desde varios ángulos permite al artista expresar una versión más compleja y variada de su persona. Sin embargo, esto no demerita las posibilidades del autorretrato bidimensional. 3

Práctica Dos

Se parte de la incorporación de un objeto tridimensional que representa la identidad del artista a una nueva obra bidimensional. El objeto representa por medio de la imagen del payaso un estado de constante actuación que siente el artista y se decidió reafirmar este concepto en la obra bidimensional. Se utilizan las rayas en los colores rojo y crema sobre una elipse color naranja para crear una composición que asemeja los clásicos toldos de circo. La perspectiva que toma la obra proporciona una vista aérea que junto a la escultura genera un sentimiento de “ser observado” o estar encerrado. De igual manera, al mantener una composición sin delineados o límites fuertes se da paso a la interpretación de las rayas como las rejas en una jaula. Ambas interpretaciones de la obra ayudan a reafirmar los sentimientos de estar en un constante estado de actuación al “no poder huir del circo”. 4

Elías Calderón Castro “Circus” Acuarela y lápiz de color sobre papel canson y cerámica en mayólica 29,7 × 42 cm

Práctica Tres

Ra, Sha y yo:

Autoconocimiento y autorretrato Por medio de un ejercicio donde se dibuja a uno mismo utilizando un espejo y primero la mano no dominante y luego la dominante, se exploran diferentes aspectos de la identidad de la persona. El ejercicio incluye el desarrollo de un diálogo entre los personajes dibujados y el artista y un tercer diálogo entre ambos personajes. Es por medio de estos diálogos que el artista se enfrentó a sus sentimientos sobre sí mismo y su propia percepción.

Elías Calderón Castro “Ra, Sha y yo” Marcador sobre papel bond 27,94 × 43,18 cm

Sha y yo:

─ Hola. ─ Hola ─ ¿Qué tenemos en común? ─ Si tu me creaste, será el alma, será la mano con la cual nací. ─ Apenas te vi quise reír, me das gracia, me das asco y sos un reflejo mío. ─ Y no debe ser así. Pero de qué estoy heche. ─ ¿Cómo voy a saber eso? ─ No sé, tu me creaste. ─ A final de cuentas debes estar heche de mi, yo me estoy hablando a mi misme. ─ ¿Acaso somos uno solo? ─ Quien sabe, ¿y qué piensas de mi? ─ ... ─ No hay forma de saberlo. Que cruel sería hacerte responder esa pregunta. ─ Sí. Que bueno. ─ Que bueno que no soy mala persona. ─ Sí, pero quien soy/somos para juzgar... 8

─ Me gusta tu color. ─ Sí. ─ Es uno de mis marcadores favoritos. Lo elegí a propósito. ─ ¿Sí? ─ Sí. ─ Wao... ya no me siento tan mal. ─ Al menos, aunque no ame tu forma, amo de lo que estás hecho. ─ Cada minúscula parte cuenta. ─ Sí. ─ ¿Tengo derecho a decir gracias? ─ ¿Tengo derecho a pedírtelo? ─ ... ─ No hay respuesta. ─ Al menos no nos odiamos. ─ Siempre hay algo que querer en nosotres. ─ The “silver shinning” dijo Patrilo. ─ Sí. Que bello ser, compartirnos. ─ ¿Seremos lo mismo? Entonces. ─ Entonces. ─ Entonces. 9

Ra y yo:

─ A vos no sé que decirte. ─ ¿Ajá? ─ Mean. ─ Sí. ─ Ya no tengo intención de filosofar. Sos la mejor versión de Sha. Y me aburres. ─ No soy mejor. Soy más bella... y mala. ─ Sí, tienes cara de mala. ─ ¿Ajá? ─ También te vez como una chica. No me gusta esta música de fondo. ─ Te hace sentir como si nuestra conversación no fuese tan tensa. ─ Sí. ─ ¿Qué es ser una chica? ¿Seré la versión fem que has temido exista dentro de tí? ─ ¿Realmente de temo? ─ Sí. ─ No, eso voy a cree. No soy una mijer y no me quiero ver como tal. ─ ¿No es eso temerme? ─ No me gustas. Pero tampoco te tengo miedo. ─ ¿Por qué me rechazas? 10

─ Porque siempre me tengo que rechazar. ─ ¿Soy parte tuya entonces? ─ Lastimosamente; pero no te temo. ─ ¿Por qué tienes que repetirte tanto? ─ ... ─ Silencio... Silencio. ─ Y más silencio. No me gusta hablar contigo. ─ Pero tienes que. ─ ¿Por cuánto tiempo más? ─ 8 mins. ─ No. ─ ¿Líneas? ─ Sí. ─ Ya casi. ─ ¿Sí? ─ Sí. ─ Que bueno... Al menos eres linda... físicamente. ─ Eso no me sirve de nada. ─ Que cruel. ─ Así soy. ─ Así soy. ─ Sí. ─ Sí. 11

Ra y Sha:

─ Hola. ─ ... ─ ... ─ ... ─ ... ─ ... ─ ¿No dirás nada? Háblame. ─ ... ─ ¿Tendré que hablar sole? ─ No, Está bien. Te hablaré. ─ Bien. ─ Sí. ─ ¿Entonces? ─ Entonces. ─ ¿Vas a repetir lo que digo? ─ Tal vez. ─ No. ─ No. ─ No. ─ No me caes bien. ─ A Elías le caigo bien. ─ ¿Sí? ─ Sí. 12

─ Que vacía se ve la página anterior. ─ Que triste es un desperdicio. ─ No lo creo, no tengo mucho que decirte. ─ ¿Por qué? ─ Porque no quiero. ─ Pero tenemos que─ No me importa... Se supone que soy molesta, déjame ser. ─ Molesto quisiste decir. ─ Tal vez. ─ Sí querías. ─ Sí quería. ─ Bien. ─ Gracias... Supongo. ─ No hay de que. No somos tan terribles como pareciéramos. ─ Por supuesto que no. ─ Por supuesto. Que bien. ─ Bien. ─ Ya se acabó. Lo siento, no hay nada más que decir. ─ Adios. No te odio. ─ Gracias, yo tampoco. ─ Gracias. 13

Práctica Cuatro Discusión:

Párrafos sobre arte conceptual Leer este texto fue bastante duro para mí, un poco confuso y un poco molesto. Supongo que puedo decir que comparto, en parte, el pensamiento de LeWitt y al mismo tiempo lo rechazo. Concuerdo totalmente que, a la hora de definir arte y, por el contexto actual, arte conceptual, se puede caer en contradicciones que no necesariamente invalidan el argumento expuesto debido a lo complicadas y extensas que pueden ser las interpretaciones, experiencias y perspectivas del arte. LeWitt, Sol. (1967). Párrafos sobre arte conceptual (Trad. F. Fragasso). De Artforum, 5(10).

Un punto que resonó conmigo fue el de la materialidad de la obra, su forma final. LeWitt propone que se debe tener gran consideración con los materiales, composición y presentación de la obra y con ello concuerdo. Sin embargo, también expone que la obra debe ser “mentalmente interesante” y “emocionalmente seca”, con lo que difiero. Personalmente, considero que el arte pierde gran parte de su propósito si vuelve incapaz a las personas de interactuar con ella y es en los sentidos el lugar donde las personas comienzan dicha interacción. Una obra que no da lugar a las emociones es incapaz de dar lugar a la crítica y juego mental que el arte conceptual impera. 15

Práctica Cinco

Se clausura la desgracia: A partir de “C'est le malheur”

Tras una investigación acerca de la obra C'est le malheur (2001) de Carmen Calvo, se encontró que esta hace gran referencia a la silenciación de la mujer y, por ende, a su opresión. Al mismo tiempo, se descubrió que la artista trabaja esta temática por medio de elementos encontrados y recuperados. Es entonces que, a partir de los puntos anteriores, se decide recuperar bolsas y cinta de precaución para clausurar su obra. Se trata de un intento de demostrar el poder de esta, pues tener pelo en la boca ya no es suficiente para callar a la mujer. Sin embargo, ella no pierde la determinación en su mirada, sin importar qué, la obra seguirá condenando esta injusticia. 16

Elías Calderón Castro “Se clausura la desgracia” Ensamble de elementos encontrados sobre lienzo 30 × 30 cm

Práctica Seis

Discusión:

Sobre The Case for Copying por PBS Digital Studios y La Gran Burbuja del Arte Contemporáneo dirigido por Ben Lewis. Primeramente, me gustaría prologar mi crítica recalcando mi posicionamiento en qué es y no es arte. Los límites que impongo en mi definición de arte son uno únicamente: ser creado por un ser humano. Quién, bajo qué condiciones, el uso de materiales, el tiempo dedicado y el significado o concepto detrás son asuntos que no me interesan a la hora de generar esta definición. 18

Sin embargo, y creo que es de suma importancia recalcar, que esto nunca significará que guste de todo arte ni que prohíba mantener ciertas libertades de crítica en lo que a mis ojos es considerada una buena o mala obra de arte y las posibles contradicciones que se presenten a la hora de evaluar cada obra individualmente. Ahora, en referente a los videos sobre apropiacionismo y el mercado del arte contemporáneo, el primer pensamiento que tuve fue sobre mi disgusto por la fuerte conexión que tienen el capitalismo con el arte. Como se expresa en The Case for Copying el arte para mercadeo aparece a las personas como otro producto preexistente, que carece de autoría, historia y significado; tres características que valúo fuertemente en el arte. Es por esto, que me molestó en gran medida re-aprender sobre “La burbuja del arte contemporáneo”. 19

No me preocupo si las piezas que se subastan realmente son arte, si no, en lo que implican: ser expropiadas de sus autores, relegándolas a etiquetas de valor monetario. La pregunta ¿quién es Damien Hirst?, por ejemplo, se contesta por su conexión con el mercado del arte. Es quien mandó a preservar en resina algún animal para ser vendido en millones de dólares. No es el porqué preservar en resina a tal animal, o qué significa hacerlo, es el hecho de que fue vendido en una cantidad grotesca de dinero y la consecuente indignación que nace en las personas por este acto, se vuelve un show de mercadeo. Es con el ejemplo anterior que nace mi primera contradicción, si valoro tanto el significado de una obra o, mejor para este caso, la intención, ¿por qué el querer generar indignación en la población no es una razón válida? Simplemente, porque no considero adecuados los métodos de estos artistas.

Para añadir, tampoco tengo problema con el apropiacionismo, es inescapable e inevitable, en síntesis lo original no existe. Por ello, prefiero concentrarme en los límites entre plagio y referencia y el valor que le agrega a la sociedad para decidir si gusto de ella (más allá de su carácter estético). Por ello, es de gran importancia advocar por la educación en el arte. Es de esta manera que las personas pueden volverse más críticas a la hora de encontrarse con una pieza y no simplemente desecharla por ser una “copia” o ignorar una situación de plagio por puro desconocimiento. En conclusión, me preocupa mucho el estado actual del mercado del arte. Este, genera una cultura artística que promueve la asimilación del arte como un producto y lo separa de cualquier otro valor. Al mismo tiempo, se debe advocar por la educación en el arte para evitar caer en estos engaños.

Práctica Siete

Videoarte:

Selección y análisis Local Introvert Egor 2021 Video y arcilla (00:47)

ROTFILM Freepyjamas 2023 Video y técnica mixta (02:37)

Quimera Isabel Pérez del Pulgar 2020 Video (04:00)

Los anteriores videos fueron seleccionados como referentes visuales y técnicos para la elaboración del proyecto 3. Las razones son las siguientes (cada punto corresponde al orden en que fueron presentados los videos): 1. Uso de la técnica mixta: grabación en vivo y animación stop-motion. 2. Contraste entre los sonidos de la naturaleza y el ruido blanco para generar una atmósfera inquietante. Además, el uso de las secuencias fotográficas para ejemplificar y recalcar el concepto de la obra. 3. Tramatimento y forma en la que interactúa con los objetos presentados.

Práctica Ocho Discusión:

Acerca de Polémicas sobre arte contemporáneo. Al terminar de leer SIN SIGNIFICADO de Avelina Lésper, comprendí de donde partía ella para generar sus opiniones sobre el arte contemporáneo. Comparto el sentimiento mas no las conclusiones de Lésper; comprendo el desprecio que reciben las artes plásticas, como lo son la pintura y la escultura, por sobre las que ella llama VIP por razones meramente monetarias. Sin embargo, me parece innecesario e ilógico categorizar a todo el arte VIP como un fraude a razón de esto. 26

Considero que es válido, especialmente en nuestra sociedad actual, que el arte se base fuertemente en conceptos o ideas para luego generar una obra material, al mismo tiempo, es igual de válido crear arte por gusto o para demostrar una técnica sin que la obra final esté atada a un gran significado. Es por esto que desapruebo los comentarios de Lésper que llaman al arte contemporáneo un fraude en un intento de sobrevalorar técnicas como la pintura, la escultura y el grabado. El problema no radica en el arte contemporáneo en sí, sino, en la sociedad capitalista que crea una fachada para alimentar los mercados neoliberales, justo de los cuales Lésper se queja. Lésper, Avelina. (5 de junio de 2016). SIN SIGNIFICADO. En Polémicas sobre arte contemporáneo.

Práctica Nueve Discusión:

En respuesta a Matt Mora Durán Su comentario despertó en mí varias cuestiones a las que llevo dándole vueltas desde hace varios días. Hace poco escuché a un artista explicar su proceso del porqué, en un inicio, había negado a tal obra el título de arte, para luego reflexionar y concluir que, para él, simplemente era una mala obra, pero seguía siendo arte al compartir varios aspectos con otras obras que sí categorizaba como arte. Al igual, hoy mismo fuí recordado del porqué en la historia del arte europeo se pasó de la pintura realista al nacimiento de las vanguardias: la invención y popularización de la fotografía. 28

Entonces, comparto al igual que usted que, deslegitimar obras por los medios que utilizan, lo único que nos indica es un razonamiento sesgado. Como alguna vez sucedió, la vanguardia impresionista fue altamente criticada por salirse de los cánones del momento, en un contexto como el nuestro el rechazar el uso de las herramientas modernas es simplemente quedarse atascado en el pasado. Por eso, creo que es un mejor ejercicio el cuestionarse si una obra es buena o no, cómo podría mejorar, cuáles son mis criterios para determinar y diferenciar entre bueno o malo y, a final de cuentas, no imponer mis opiniones por sobre otras ni excluir, del mundo del arte, obras sólo porque “no las apruebo”. 29

Discusión:

En respuesta a Ariana Henández Valverde En lo personal concuerdo y simpatizo con muchos de sus puntos y probablemente donde mayormente difiera sea en las tecnicalidades del lenguaje utilizado para expresarlos. Sin más, lo que primero llamó mi atención y en lo que se enfoca mi comentario, fue sus opiniones sobre el arte contemporáneo que, parafraseo, sean las motivaciones detrás de la obra la que determinen para usted si una creación es o no arte. Con respecto a todo esto, me parece una posición muy válida, para mi un gran determinante del valor que le adhiero a una obra proviene del proceso artístico, el concepto y las motivaciones del artista, y es la misma razón por la que no puedo simplemente deslegitimar una obra en nuestro primer encuentro por como luce.

Sin embargo, y por esta misma razón, me parece una tarea un poco ilógica el ponerse a decidir qué es o no arte bajo esta definición, a final de cuentas nadie, o al menos yo no, tiene el tiempo para investigar todos estos aspectos de las obras de arte que alguna vez haya visto o vaya a ver y, como expresó Mario Vargas Llosa en alguno de sus escritos, los museos y galerías son cómplices de exponer obras por puro negocio, por lo que tampoco puedo confiar en ellos para determinar si una obra es o no arte. En conclusión, prefiero saltarme el paso de cuestionar qué es lo que tengo enfrente y su validez dentro del mundo del arte, para seguir con el segundo análisis del “por qué me gusta o por qué no”, en otras palabras “¿es una buena obra de arte?”.

Discusión:

En respuesta a Katrina Ramírez Chavarría No hace falta de alguien se haga llamar artista y presente obras de “poco esfuerzo” para que haga mofa de la labor artística y que sea reconocido tanto económica como socialmente, por lo que me parece innecesario limitar lo que es el arte en sí en base de este hipotético personaje. Al menos desde mi perspectiva, el problema no radica en la obra en sí, el tipo o materiales utilizados, el tiempo invertido ni ningún otro aspecto técnico relacionado a su materialidad o concepto; estos son un asuntos totalmente aparte de las causas detrás de la falta de reconocimiento a artistas que lo merecen.

Considero que la problemática del reconocimiento no es causada por personas individuales, si no por grupos que, económica, social y políticamente, poseen el control de los mercados del arte. Aquel personaje que recibe fama y dinero por burlarse de artistas con creaciones de poco esfuerzo, solo lo logra por quienes están dispuestos a pagar millones por su arte y son estas personas, galerías, museos y demás en las que se debería centrar la crítica. ¿Quién nos dice realmente que la incesante concentración en qué es la obra no es más que un simple distractor para ignorar lo que sucede “bajo la mesa”? Al final, son estos grupos los que, por medio de estas influencias, deciden qué es o no es arte y cuál debería ser el estándar y, por supuesto, no debería ser de esta manera.

Proyectos 1. Autorretrato Conceptual 2. Apropiacionismo 3. Videoarte

Elías Calderón Castro “Autoconfección” Videoarte y intervenciones sobre bulto prefabricado Dimensiones variables

Exploración sobre la construcción de la identidad personal y los procesos de decisión y selección que la conforman por medio del autorretrato conceptual. Se parte de una definición personal de identidad, entendida como aquello tangible que, bajo mi consentimiento, me represente o me vea reconocide en ello. Inspirado en la subcultura punk, se toman los parches como portadores de símbolos referentes a mi posicionamiento en la comunidad queer, mis creencias y gustos personales, entre otros. Los parches son cosidos sobre mi bulto de uso diario, y así se convierte en una segunda piel, portadora de mi identidad. El proceso de costura es grabado y presentado como la obra final junto al bolso, de tal forma se muestra la “construcción de la identidad personal”, es decir, la confección de mi persona.

Elías Calderón Castro “Trans*parencias” Xilografía sobre tela 200 × 170 cm

Se presenta una resemantización de la obra Hipersexualismo (1938) de Emilia Prieto Tugores, hacia la lucha trans. Se toma el cuerpo original y se multiplica para representar una síntesis de la diversidad de la comunidad, sin embargo, se mantiene la mutilación del rostro y brazos, para demostrar la pérdida de autonomía, identidad y la anulación del ser, a su vez, se desnuda con el propósito de señalar la problemática de la fetichización de los cuerpos trans. Cada color de las impresiones, igualmente, posee un significado: naranja por la ansiedad, turquesa por las lágrimas, violeta por las lesiones, índigo por la rabia y gris por la impotencia. Finalmente, se toma lo translúcido de la tela como símbolo del rechazo de las personas trans en la sociedad, sobrepuesto al abrumador tamaño de la obra, que imposibilita apartar la mirada y continuar la ignorancia a la totalidad de la problemática expuesta.

Thaysha Araya, Elías Calderón, Sofía Miranda y Katrina Ramírez “It’s all in your head” Video intervenido digitalmente (02:12)

La propuesta artística parte desde el medio del videoarte y el movimiento del arte contemporáneo, para elaborar una obra cuyo concepto central sea la representación de los miedos y ansiedades que surgen en la persona a la hora de recorrer espacios urbanos. Para ello, se personifican estas aflicciones en modo de alucinaciones que experimenta la protagonista a lo largo del video.

Universidad de Costa Rica Escuela de Artes Plásticas Diciembre 2023