ximena de la garza by Ximena de la Garza

Ximena de la Garza Cabada

Historia del

arte

©2020 LCI MONTERREY Hidalgo 380 Pte. Monterrey, México, 6400 www.lci.com.mx Primera edición Historia del Arte Prohibida la reproducción total o parcial de esta obra, por cualquier medio, sin permiso expreso de los editores. Concepto y coordinación general: Juan Alberto Caraballo Gamboa Diseño: Lidanid Ballesteros Lozano & Daniela González Arellano

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Historia del

arte

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“El arte es la filosofía que refleja un pensamiento.” – Antoni Tàpiez

Contenido O6

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Introducción

Barroco

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Prehistoria

Rococó

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Mesopotamia

Precolombino

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O75

Egipto

Neoclásico

O24

O78

Grecia

Romanticisimo

Roma

Realismo

Bizantino

Impresionismo

O38

O88

Románico

Postimpresionismo

Islámico

Vanguardias Siglo XX

O49

O94

Gótico

Conclusión

O53

O96

Renacimiento

Bibliografías

Manierismo

Infografías

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I ntroducciรณn O6

El arte es lo que nos han dejado nuestros ante pasados, gracias a esto hoy conocemos muchos sucesos , que han pasado y podemos apreciar como el arte ha evolucionado al paso de los aĂąos y nos dejan con cosas con un valor preciado. A continuaciĂłn, podras apreciar diversos temas del arte en epocas diferentes , despues de haber hecho una investigacion a fondo.

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P P rehistoria O8

La danza en la Prehistoria iempos no sabían hablar todavía, los bailes se podían relacionar mucho con la economía (la cacería) ya que se podía ver en pinturas a ellos bailando con cabezas de lo que ellos mismos mataban. las primeras danzas que descubrieron muestran a las personas bailando en círculos constantemente , aplaudiendo, y moviendo los dedos, pero las danzas evolucionaron y las tribus empezaron a tomar su propio estilo, aunque para todas las tribus eran fundamentales ya que con esta lograban distinguirse una tribu de otra.

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La danza es de las actividades más antiguas que existen , desde la prehistoria hasta hoy en día se practica pero con fines diferentes pero ambas son consideradas como arte. La danza siempre a estado presente en nuestro mundo pero para nuestros antepasados fue fundamental para poderse comunicar era un ritual para empezar a cazar animales nacimientos de hijos, celebraciones, guerras, y para llamar a los dioses era muy religioso e importante para ellos esta era su manera de expresar que formaban partes de tribus y manifestarse con el universo. es casi imposible saber exactamente como era la danza en la prehistoria es difícil ya que no existen documentos escritos, todo lo que se conoce hoy en día es gracias a las pinturas, la arquitectura y escultura. las personas lograban comunicarse con la danza por medio de sus gestos y movimientos que hacían, ya que en esos

Danzas egipcias Las danzas egipcias en la Prehistoria tenían sus jerarquías: Las oficiales: eran las que les bailaban a un rey de una tribu, aunque siempre era en honor a un dios. Las danzas sagradas: son las que se bailaban en rituales en honor a su dios. Las danzas laicas: eran las que se bailaban en celebraciones sociales por ejemplo en funerales, bodas, o nacimiento de uno de sus hijos.

Las danzas populares: eran las que se bailaban y tenían la finalidad de entretener al público. La danza faraónica: se cree que es de las danzas más antiguas y se utilizaban instrumentos de madera y hueso y hacían un ritmo.

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La danza es el lenguaje oculto del alma. (Martha Graham) l

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la danza griega La danza de los griegos en la Prehistoria empezó a cambiar por que descubrieron el licor ya que hacía que las personas se desinhibiran y fue considerado el dios de la danza y de la fiesta (Dionisio), estas danzas no eran danzas organizadas si no espontáneas individuales, donde se podían ver bailes sueltos y sexo. Otro tipo de danza eran las de dedalos que eran danzas expresivas, y más humanas. la danza en Roma las danzas de roma tienen una gran influencia en Grecia, aunque estos hicieron más por la mima y más acróbatas. En pocas palabras la danza como arte lleva existiendo desde la prehistoria hasta hoy en día aunque antes era mucho más apreciada ya que les sirvió para todo desde como comunicarse ya que todavía no dominaban la lengua hasta para hacer rituales para los dioses religiosos entre otras cosas, tuvo mucha influencia en nuestro mundo por que hasta hoy en día algunas partes del mundo siguen utilizando la danza como un ritual religioso.

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Sexualidad en la antigua Mesopotamia Aunque hoy en día el sexo no es algo que se hable en cenas, comidas o reuniones de manera frecuente o como un tema más, en la antigua Mesopotamia el sexo era un ritual algo sumamente normal con el fin de simplemente generar placer y la procreación como segundo plato. El sexo se practicaba en el templo, miles de personas iban a los templos para tener sexo los hombres se acercaban a la mujer que ellos deseaban para así poder generar una conexión y llegar a su fin que es tener relaciones ellos creían que era el momento perfecto para acercarse a los dioses (el orgasmo). También en la antigua Mesopotamia se usaba reunir a muchas mujeres estando desnudas y las ponían en subasta los hombres pasaban a observar y podían probar ahí en la plaza a las mujeres antes de empezar la subasta todos podían observar lo que estaba pasando por que ellos lo veían como algo normal y un ritual más, y el dinero que se recaudara en estas subastas eran para que las solteras se casaran.

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M Mesopotamia O8 O15

Las mujeres también podrían ser usadas como pago si los hombres tenían deudas pendientes o necesitaban pagar algo el machismo dominaba mucho en la antigua Mesopotamia Se pensaba que si tenías sexo podía el hombre llegar a la felicidad más rápido , en la antigua Mesopotamia era más importante que la mujer. La mujer solo podía estar en la casa y su fin era procrear. Herodoto da su testimonio que habló sobre la despreciable costumbre que tenían decian que toda mujer se tenía que prostituir antes de morir con un forastero en el templo de Venus , las mujeres decoraban sus cabezas y se sentaban en el templo y había una fila muy grande los forasteros llegaban y elegían a la que quisieran, ellas no se podían negar y tenían relaciones con quien las eligiera para si poder regresar a sus casas,

ellos les dejaban dinero que ellas no podrían usar después por que era considerada una ofrenda sagrada , ellas tenía que contestar diciendo “invoco en favor tuyo a la diosa Mylitta” que es el nombre que los asirios le daban a Venus. Lograron identificar muchas posturas de esa época con las placas de terracota que eran muy populares en la época y se encontraban en casas, templos y tumbas en Mesopotamia. Posturas amatorias: Hombre detrás de la mujer: en esta se encuentra el hombre parado normalmente se muestra el pene y la mujer hincada bebiendo agua de tubo, muchas veces se encuentran personas atrás teniendo relaciones. Esta postura nos habla que en esas épocas se usaba el sexo oral y anal. Frente a frente: se muestran a las parejas completamente desnudas y retrata a la mujer levantando dos piernas y los hombres una.

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Espalda contra espalda: sólo existe un relieve antiguo y esto muestra una pareja tocándose espalda con espalda y la mujer tratando de introducir el pene. Posturas sedentes: parejas viéndose frente a frente recostados en una cama o sentados. Postura tumbados : aparece uno arriba de otro puede ser el hombre o la mujer. En la antigua Mesopotamia el sexo era algo muy importante que era esencial para una persona tener relaciones en forma de ritual o de reproducción y se hablaba y se veía mucho más liberal que hoy en día , en aquellas épocas había personas teniendo relaciones en muchos lugares y las personas podrían observar como un arte algo que hoy en día las personas lo tomarían como algo grosero y es contra la ley.

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e Egipto O20

Escultura en antiguo egipto fueron inscritos con un hechizo que supuesta y milagrosamente los traía a la vida, permitiendo que la persona muerta se relajara mientras los shabtis realizaban sus deberes físicos. Los egipcios nunca pudieron hacer esculturas humanas que estuvieran paradas sin estar deteniéndose en alguna superfice, Las figuras estaban o sentadas o saliendo de una pared. Cuando los faraones y sus reinas se esculpían juntos, el rey usualmente usaba un tocado y una falda y su esposa vestía un vestido ajustado y revelador. Profundizando en los materiales se encuentra lo siguiente: En cuanto a los tamaños- las grandes generalmente estaban talladas en piedra arenisca. Las esculturas pequeñas y medianas se hicieron de una variedad de materiales que incluyen madera pintada, piedra caliza. (Khan Academy)

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El arte egipcio incluye pinturas, esculturas, dibujos en papiro, loza, joyería, marfil, arquitectura y otros medios artísticos. También es muy conservador: el estilo artístico cambió muy poco con el tiempo. Este ensayo será centrado en las estatuas y esculturas junto la discusión sobre las técnicas que mas predominan en ellas, como algunos ejemplos de las más sobresalientes de dicha época. A lo largo de la larga historia de Egipto, los escultores trabajaron con dos métodos de tallado en relieve: alto y bajo. En cuanto a los altos relieves se destacan tallas que sobresalían de la superficie en la que habían sido cortadas. Los relieves bajos eran imágenes cortadas o “hundidas” en el material de la superficie.Un papel importante para los escultores era tallar “shabtis”, pequeñas estatuas funerarias. Históricamente se dice que los shabtis

Para las paredes-Los antiguos egipcios a menudo cubrían las paredes del templo con yeso y tallado en él, un método más fácil que tallar en piedra pero que no resiste el paso del tiempo. La escultura egipcia puede distinguirse hasta cierto punto de un período a otro. Para poner más en contexto a continuación se describe cómo se desarrolló en la época del Antiguo Egipto:

Al estar estrechamente relacionada con la arquitectura egipcia y referida principalmente al templo y la tumba funeraria, se debe recalcar la importancia de los dichos templos tanto en el arte como el impacto en la historia de los egipcios. Los templos fueron construidos para guardar debajo la tumba o el lugar de descanso eterno de una divinidad cuya estatua estaba escondida dentro de una sucesión de salas cerradas.

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Aunque se representaban formas delgadas del cuerpo, los cuerpos cortos, gruesos, y musculosos, eran más comunes. Dada la gran cantidad de hombres y mujeres de mediana edad que fueron representados, parece que la infancia y la vejez no fueron paradigmas clave en la vida futura. En general, los rostros reflejan personas pacíficas y felices, para quienes la vida futura no ofreció grandes cambios ni incertidumbre. Ahora que ya fue expuesto el contexto de la época junto con el papel de las estatuas, se expondrán algunas de las más conocidas, junto con su respectiva técnica empleada. Grandes esculturas en el antiguo Egipto: los faraones comisionaron estatuas monumentales rígidas para glorificarse mientras todavía estaban vivos. Cuanto más grande es el estado, más poderoso es el gobernante. El constructor de estatuas faraónicas más llamativo fue Ramsés el Grande, cuya semejanza se encuentra en los colosos de Abu Simbel y otros sitios alrededor de Egipto. La primitiva, aunque inmensamente impresionante, estatua de tamaño real de Djoser señaló el camino hacia las magníficas esculturas reales de los complejos piramidales de la 4a dinastía en Giza. Por la sutileza de la talla y la verdadera dignidad real, casi nada de fecha posterior supera la estatua diorita de Khafre. Apenas menos finas son las esculturas de Menkaure (Mycerinus). Se puede concluir que el arte predominaba durante la época del Antiguo Egipto por muchas razones, pero una de las principales es por lo que representaba. Las estatuas representaban la trascendencia de los grandes líderes a pesar de la muerte, es por eso que se eligió ese tema para este ensayo. Su importancia en la cultura egipcia es tan importante, ya que detrás se encuentra la representación del honor de cada uno de los líderes.

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Estas estatuas divinas fueron consultadas como oráculos, y rara vez tenían un tamaño imponente. La relación de las tumbas con las estatuas es completamente dependiente una de la otra. Centrado en la ciudad de Memphis, el arte del antiguo imperio predominó con muchas obras. Aún así, ningún templo ha sobrevivido de este período; las esculturas provienen exclusivamente de tumbas. En carácter, estas esculturas memphitas son fuertemente naturalistas en comparación con el arte egipcio posterior. Dichas estatuas de retratos son variadas y a menudo de carácter llamativo, mientras que los murales representan numerosas escenas de la vida cotidiana. Se seguirá haciendo énfasis en las estatuaas. Tendieron a ser hechas dentro de parámetros estrictos. Cada parte del cuerpo tenía que ser de cierto tamaño y proporción con características importantes como los hombros y la cara orientados hacia el espectador. Los mejores trabajos son a menudo los que muestran expresión y forma dentro de los parámetros estrictos. La tendencia naturalista de este estilo de arte de Memphis que previamente se mencionaba, condujo a un tratamiento peculiar del ojo, una técnica vista en estatuas de este período (hechas de piedra caliza, madera y bronce). La pupila estaba representada por un brillante clavo plateado en cristal de roca o esmalte, mientras que las pestañas oscuras estaban hechas de bronce.

G Grecia O24

La cerámica en la antigua Grecia al alcance de toda Grecia, mientras la más fina por su contenido de hierro, la arcilla del ático se consideraba un mayor lujo, además de su color anaranjado con ligero brillo. En cuanto a la producción de los jarrones, el proceso no era tan elaborado y se puede inferir que por eso la fabricación de tantos. A continuación se explica brevemente dicho procedimiento: Generalmente se hace el trabajo por secciones, en donde se fabrica cada una por separado. Las diferentes secciones son horizontales: el pie, la parte inferior y superior del cuerpo, el cuello y finalmente los mangos, si es necesario. Posteriormente se unen las secciones con arcilla, para que después se coloque la pieza entera en la rueda y suavizar las marcas de unión y agregar la forma final. Al terminar ese paso se decora la pieza, dependiendo del estilo decorativo del momento..

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En la Antigua Grecia predominaban diferentes técnicas y estilos de arte diferentes, así como predominan muchos de los más conocidos artistas. A lo largo de este ensayo se presentará a fondo el arte de los jarrones de cerámica, ya que no solo proporciona distintas formas de jarrón para usos prácticos de dicha época, sino también representaciones más antiguas y diversas de las creencias y prácticas culturales de los antiguos griegos. La loza de cerámica es un indicador clave de la civilización griega y la principal fuente de información sobre la evolución del arte griego. La amplia gama de producción de cerámica antigua en todas las formas y tamaños contiene diseños abstractos, históricos y mitológicos. Materiales y producción La cerámica, denominada “kerameikos” era producida por un tipo de arcilla denominada “keramos”. Dicho material estaba sencillamente

Los métodos populares incluían pintar todo o una parte del jarrón o florero con pintura adhesiva negra. La olla, jarrón, o en general la pieza terminada posteriormente pasaba a ser puesta dentro de un horno en el cual había una temperatura alrededor de 960 ° C. Con esto concluía el proceso de elaboración.La olla terminada estaba lista para ser puesta en el horno y disparada a una temperatura de alrededor de 960 ° C. Los estilos más importantes incluyen: Cerámica proto-geométrica Cerámica geométrica Cerámica de figura negra Cerámica de figura roja A continuación se definen a fondo En cuanto al estilo proto-geométrico, predominan los círculos pintados con múltiples pinceles fijados a una brújula que garantizaban precisión, junto con semicírculos y líneas horizontales en negro

Posteriormente se introdujo el estilo geométrico, mismo que se vio favorecedor para el espacio rectangular del cuerpo principal del florero y entre las asas. En este estilo aparecen los diseños lineales con decoración de línea vertical a cada lado. Para el estilo de cerámica de figura negra, cabe recalcar que dicha técnica fue inventada en Corintio, pero posteriormente llegó a manos atenienses. En este estilo predomina el interés por los detalles finos y figuras con instrumentos afilado. Y por último, la cerámica de figura roja a diferencia de la previamente mencionada, en donde solo el deslizamiento de arcilla puede volverse negro mientras el fondo permanece rojo, este nuevo estilo implica un fondo pintado con y diseño en el cual la imagen se queda rojo. Este método, en efecto, el reverso del estilo negro, permitía una libertad de expresión mucho mayor en la realización de imágenes. Los griegos producían estos productos para uso práctico, ya sea para contenedores de vino, agua, aceite o perfumes, y una vez que la forma práctica óptima había evolucionado, se copió y se mantuvo.

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A continuación se presentan tipos de recipientes de cerámica griega: Alabastron Un pequeño contenedor de almacenamiento para perfume, tenía una boca ancha y un cuello corto y estrecho. Ánfora Una jarra alta con dos asas y un cuello estrecho. Las ánforas se usaron para almacenar vino o aceite. Aryballos Un pequeño recipiente utilizado para almacenar aceite, tenía un cuerpo esférico, un cuello corto y una boca ancha. Hydria Una jarra de agua con dos asas de transporte horizontales. La mayoría de los hidriai también tenían un tercero adjunto en la parte posterior para verter. Krater (cráter) Comúnmente utilizado para diluir vino con agua, un krater era un recipiente grande con un cuerpo y una base anchos y generalmente una boca ancha. Las manijas estaban unidas cerca de la base o sobre sus hombros. Los diferentes tipos incluyen: el krater de columna, el krater de campana, el cráter de voluta y el krater de cáliz.

Lekythos Comúnmente utilizado para almacenar ungüentos o aceites. Lekythoi a menudo se usaban como vasijas funerarias. Loutrophoros Un frasco alto para bodas y funerales, con un cuello largo y delgado y boca abierta. Loutrophoroi en el estilo de la figura negra eran generalmente vasijas funerarias. Oinochoe Una jarra de vino. Olpe Una jarra utilizada para transportar agua o vino. Pelike Similar al ánfora, Pelikai eran recipientes para líquidos como vino y aceite y se hicieron durante el período de la figura roja. Psykter Utilizado como enfriador de vino con un cuerpo ancho, un tallo cilíndrico y un cuello corto. Más tarde, los psíquicos tenían manijas unidas a los hombros.

Pyxis Un contenedor con una tapa comúnmente utilizada para guardar joyas o cosméticos. Stamnos Un frasco de almacenamiento de figura roja con un cuello corto, un borde plano y un cuerpo recto que se estrecha hacia una base. La mayoría de los stamnoi tenían manijas en su parte más ancha. Se puede concluir que el arte de los jarrones de cerámica en antigua Grecia fue muy útil y muy valioso debido a las diferentes técnicas y estilos diferentes de decoración que se empleaban.

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Arte en la antigua Roma el estilo arquitectónico, que se basa existen arquitecturas pintadas por medio el cual a través de sus huecos se puede visualizar paisajes en perspectiva; el estilo ornamental, lo cuales son decoraciones arquitectónicas con influencia egipcia, que se pueden observar en las columnas, ventanas, figuras humanas y paisaje; y por último, se encuentra el estilo ilusionista, el cual es la unión entre el arte arquitectónico y el ornamental acompañado de fantasía de formas y colores (Valdearcos, 2008). Según Valencia y Valencia (2016), el arte romano se puede clasificar según sus manifestaciones artísticas, como lo son: la arquitectura, la pintura, la escultura, los mosaicos y la orfebrería. En relación a la escultura, cabe señalar que básicamente se fundamenta en los retratos, pero que progresivamente fue evolucionando hasta el punto de agregar bustos y

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Para empezar el arte romano se desarrolla tras evolucionar del concepto sobre el platonismo helénico hacia el aristotelismo en Roma, dicho proceso significó superar la idea de la abstracción y el idealismo utópico para implementar lo sensitivo, concreto y práctico. Además, este arte transmite el pensamiento que tenían las personas en dicho contexto histórico referente a la concepción del ser humano como individuo concreto en vez de buscar al hombre como parte del cosmos. A parte el arte en sí mismo contiene narrativas sobre hechos concretos, como retratos de personas emblemáticas para la historia de roma. En esta misma línea de idea cabe destacar que existen cuatro estilos que caracterizan a la pintura romana, las cuales son: el estilo de incrustación, la cual consiste en paneles coloreados en amarillo y rojo que imitan la policromía del mármol;

hombros para dar mayor sentido estético al rostro, con la finalidad de generar un relieve histórico, es decir, protagonizar los personajes romanos o acontecimientos de interés público. Además, los materiales utilizados para la realización de las esculturas eran principalmente el mármol y el bronce. Con respecto a la pintura se encuentran los murales, los cuales se caracterizan por reflejar una composición mitológica, pero se puede observar que aproximadamente en el siglo IV los murales estaban dedicaos a representar escenas ceremoniales y documentales. Otro punto a destacar, es el hecho de que las paredes si no contaban con un mural, podían estar decoradas por mármoles recortados con variedad de colores. or otro lado como se había mencionado con anterioridad el imperio romano utilizó la técnica del mosaico, donde adquiere gran relevancia en la época de Augusto debido a la geometría que conllevan los diseños y el uso tanto negro como blanco, a este concepto de decoración se le denomina bi-cromatica el cual tuvo mayor preponderancia en el siglo I,

pero también existía la tendencia conocida como estilo florido acompañada por las representaciones figuradas, que inclusive se lograron expandir en la superficie de los pavimentos. Posteriormente en el siglo II el uso de colores se fue incrementando hasta el punto de llegar a las composiciones policromas característico de este siglo (Valencia y Valencia, 2016). De igual manera los mosaicos estaban destinados a expresar diferentes temáticas que podían ser de origen vegetal, animal, geométrica o histórica; pero indiferentemente de la temática se llevaba a cabo dos técnicas diferente, las cuales eran: el opus tesellatum y el opus sectile; el primero era la técnica que se utilizaba con mayor frecuencia el cual utilizaba piedrecitas cúbicas o teselas con variedad de colores, el segundo se caracterizó por poseer losetas irregulares y que posteriormente se les aplicaba pinturas una vez que se habían colocado (Valdearcos, 2008).

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Para concluir se debe de saber que el arte en si siempre será algo que marque la historia ya que con ellos se puede demostrar todo lo que se narra de la época, también nos podemos dar cuenta de los gustos, ropa, temas de interés de las personas que tenían , por esto todas las piezas encontradas y descubiertas el día de hoy son valiosas para la cultura romana.

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El arte bizantino lo anterior se complementa al considerar durante esta época el uso de artes figurativas donde utilizaban modelos tradicionales paleocristianos con las representaciones procedentes de Siria; otro aspecto importante es el hecho de que la pintura en murales casi desapareció en su totalidad debido a la implementación de técnicas como el mosaico, y también surgen íconos o cuadros religiosos sobre tabla que tenían el propósito de difundir quienes eran los santos mártires. La segunda época es aquella donde coinciden las dinastías de Macedonia y Comnena, donde se marca un antes y un después, ya que se tiene una ruptura con la antigua roma y se empieza a desarrollar nuevas concepciones más innovadoras en comparación con su predecesora, como es el caso de la representación de la belleza desnuda del cuerpo humano como la interpretación del humanismo en profundidad con la finalidad de demostrar

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Este arte es la representación del Imperio Romano de Oriente, la cual es la unión de los aspectos artísticos entre Oriente y Occidente, y además es la continuación de las tradiciones paleocristianas, lo cual permite que en sí mismo tenga la posibilidad de crear una manifestación artística tomando en cuenta lo mejor de sus influencias históricas y en su entorno, que tendrá la capacidad para determinar el arte medieval de occidente. La primera se desarrolló durante el gobierno del emperador Justiniano, el cual tuvo la iniciativa de otorgar continuidad el uso del arte romano y permitió que se tomaran en cuenta la cristiandad, para que estuviera acompañado por elementos orientales con la finalidad de hacer referencia a los territorios dominados por el nuevo imperio;

a la población y al mundo sobre la nueva realidad histórica de Bizancio, como el pueblo escogido por Dios para hacer frente a la amenaza del Islam; también en el arte bizantino existe predominio del mosaico, la escultura sobre marfil y los íconos, otro aspecto característico de esta época es el hecho de que las artes figurativas tenían una nueva perspectiva sobre la realidad, es por eso que iban a desarrollar una estética e iconografía lleva de sensibilidad, esto permitió que sin lugar a dudas cada obra de arte transmitiera un mensaje único para evitar cualquier variabilidad en la interpretación, a parte un cambio radical en comparación con la anterior época referente a la exposición de Cristo Todopoderoso y la Virgen María como madre de Dios en vez de santos mártires, de lo anteriormente expuesto se puede entender que la iconografía está orientado en el evangelio para poder reafirmar la religión en la población como también demostrar la grandeza del mismo.

Por último la tercera época se desarrolla durante la dinastía de los Paleólogos, donde básicamente existe un predominio del barroquismo formal con influencia de los países del Este (Mujeriego, s.f). En relación a los mosaicos cabe destacar que el arte bizantino en su esencia lo ejecutaba pata recubrir los muros y bóvedas con variedad de colores y el sentido de manifestar una figura emblemática, los cuales en su mayoría se caracterizaban por tener un carácter rígido e inmaterial, pero que jugaba con la simetría y la luminosidad del entorno para crear un arte único. En conclusión , como se había mencionado esta época tiene un fuerte arraigo religioso y es por eso que en las Iglesias se va a observar el Pantócrator quien es Cristo Todopoderoso en la zona más elevada de la infraestructura y en el centro de las semicúpulas del ábside, luego prosigue la virgen María junto el coro de santos y ángeles (Valdearcos, 2007)

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LA ARQUITECTURA MILITAR ROMÁNICA las monarquías, que a fines del siglo XIII lograron fortalecerse y así fueron surgiendo grandes reinos donde antes existían una infinidad de pequeños feudos. La arquitectura del románico La palabra “románico” hace alusión a lo que proviene de los antiguos romanos. En el caso del arte y arquitectura de los siglos XI al XIII, eran una derivación de las artes que se realizaban en la última etapa del Imperio Romano. Los idiomas derivados del latín se conocen como latinas o romances, mientras que la arquitectura y las demás artes que heredaron elementos de los romanos, fueron llamados románicas. El contexto histórico de este estilo de arte hay que buscarlo en el arribo de la dinastía capetiana, en lo que hoy es Francia: “En el año 987, con el ascenso al trono de Hugo Capeto, la dinastía capetiana sucedió a la carolingia. Todo el siglo XI quedó marcado por la instauración del régimen

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En la Europa medieval, desde el siglo XI al XIII, existió un sistema social caracterizado por el poder de los señores feudales. Eran nobles soberanos de pequeños territorios, donde tenían un poder absoluto. La religión ocupaba parte central en las vidas de las personas, y la austeridad era normal en el estilo de vida y las manifestaciones artísticas. En el campo de la arquitectura, las edificaciones del periodo eran sólidas y austeras, con escaso o ningún ornato y pensadas para ser prácticas y funcionales. Como la guerra entre feudos rivales eran constantes, fue necesario que algunos esfuerzos arquitectónicos se consagraran a la construcción de estructuras defensivas eficientes. En mi opinión, aunque es cierto que sus fortalezas fueron eficientes para las disputas entre señores feudales, no fuero suficientemente buenas para resistir al poder creciente de

feudal”. (Barral, 2001). En el campo de la arquitectura, prevalecen el uso de la bóveda de cañón y del arco de medio punto. De acuerdo a Bango (2017) “Las fortalezas militares tuvieron que transformarse de acuerdo con la evolución de las tácticas y el armamento. Las murallas de las ciudades desaparecieron en medio de la voracidad de los especuladores de terreno, con las diferentes expansiones del casco urbano”. Las exigencias de la defensa de los feudos, favoreció la edificación de fortificaciones y castillos Sobre el particular, explica Barrial (2011) “En los albores del siglo XI, apareció el castillo de mota en Europa occidental. Los más antiguos de Inglaterra fueron construidos por los emigrantes normandos y datan de mediados de ese mismo siglo.” En la península ibérica no se construyen motas, pero sí donjones, más sencillos, pero que igualmente evolucionarían hasta convertirse prácticamente en castillos.El proceso de fortificación de las edificaciones es narrado así por el portal web Círculo Románico (s.f.)

“Con el tiempo la mota se fortifica con recintos amurallados que rodean el altozano o plataforma y el donjón adquiere formas diferentes, de bases octogonales, circulares con ábsides, tetralobuladas y rectangulares hasta derivar en edificaciones más complejas” Una innovación que intentaron los arquitectos románicos, fue desecar las torres de madera y preferir las hechas con piedra. No obstante, las dificultades de logística, obligaron a los constructores a seguir usando la madero por algún tiempo más. Conclusión Las características de la arquitectura militar del periodo románico, funcionaron muy bien para defender los pequeños territorios de los señores feudales y proteger a los siervos. Pero el desarrollo y perfeccionamiento de máquinas de asedio y el uso de grandes ejércitos al servicio de los reyes hizo que la estrategia e fortificarse fuera obsoleta. A pesar de ello, las construcciones militares del periodo románico, son muestra de la capacidad del ser humano de desarrollar estrategias defensivas que funcionan en un momento dado.

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En esa ĂŠpoca, de los siglos X al XIII era muy Ăştil resistir al enemigo desde un edificio de gruesos muros, rodeado de fosos, mientras desde el interior se atacaba con desde estrechas ventanillas.

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El arte islámico El arte islámico se originó a partir del siglo VII hasta el XVIII (Tipos de arte, s.f.) y pertenece a los países que practican la religión islámica, los cuales se concentran principalmente en el Medio Oriente, África del Norte y algunos países del Sudeste de Asia y África del Sur. En épocas más antiguas, también había ocupación islámica en España, ya que fue invadida por los moros durante muchos años. En el mundo islámico se tiene la convicción de que el hombre no es ni el centro de la creación ni la medida perfecta a la que deben adecuarse el resto de las cosas, y este dato se traduce en prescripciones como la prohibición de reproducir imágenes de Alá y de los hombres, esta última no siempre respetada (MASDEARTE, s.f., parr. 3). Una característica importante para comprender el arte islámico es la importancia de las figuras geométricas y la decoración. Entre ellas se encuentra la lacería, que eran líneas entrelazadas, las cuales hacían formas de polígono.

La caligrafía, en la cual se plasmaban fragmentos del libro religioso islámico conocido como el Corán y el ataurique, que eran ilustraciones con pigmentos vegetales (Tipos de arte, s.f.). El rechazo a la presencia de imágenes provoca la ausencia de una escultura islámica como tal, pues sólo está presente en función de la arquitectura, como un elemento para enriquecerla. Miniaturas, murales o mosaicos son la alternativa a la estatuaria. Se tiende a representar la naturaleza inanimada, lo que lleva a la predilección por las fantasías de fondo naturalista y geométrico como complemento de la arquitectura y a la repetición de formas abstractas. Es constante la presencia de polígonos y poliedros regulares o estrellados. (MASDEARTE, s.f., parr. 3) Algunos de los materiales importantes para la arquitectura islámica son la mampostería además del ladrillo, mientras que los materiales para elementos decorativos eran la escayola así como el yeso (MASDEARTE, s.f.).

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No había tal cual una representación artística en pinturas y esculturas, pues estaba prohibido el uso de imágenes para representar a Alá. Sin embargo, habían algunas representaciones hechas con cerámica, metal o marfil (Tipos de arte, s.f.). Las únicas representaciones eran de los libros divinos o que no tenían un carácter religioso. También se hacía uso del azulejo y madera para cubrir las paredes. Al ser una cultura que conquistó a varios pueblos, utilizaban elementos de esas culturas para resignificarlos a su propio arte. Entre ellos está la herradura de los visigodos y la cúpula bizantina (Tipos de arte, s.f.). Se podría considerar que el papel más importante del arte islámico es el uso de figuras geométricas y la caligrafía.

Los temas más importantes en el arte islámico son la religión musulmana, la caligrafía, la literatura, las obras figurativas que no tienen carácter religioso, como representación de animales y algunos humanos (Tipos de arte, s.f.). De hecho, poco se sabe al respecto. Las construcciones del arte islámico más representativas son la Mezquita de Córdoba, Medina Azahara y Mezquita BibAl-Mardum (Tipos de arte, s.f.). Todas ellas se encuentran principalmente en el sur de España donde, hasta la fecha, se pueden ver estos vestigios de la ocupación árabe. El arte islámico es un tema que incluso puede parecer misterioso, porque es totalmente ajeno a nosotros. Sin embargo, es mucho más común de lo que creemos. Al haber sido conquistado por los moros por mucho tiempo, muchas características de la cultura árabe se han impregnado en su propia cultura y, por ende, en la mexicana por el intercambio cultural que hubo durante la colonia.

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El arte gótico Una de las características principales del arte gótico, es el hecho de que se encuentra normalmente en la arquitectura, especialmente en catedrales y templos religiosos. Uno de los máximos referentes del arte gótico es la catedral de Nuestra Señora de París (Notre-Dame) y un dato curioso al respecto es el hecho de que los recintos arquitectónicos góticos se construían de manera colaborativa (Imaginario, s.f.). Es decir, todos los ciudadanos de todos los sectores sociales y económicos formaban parte del proyecto. El arte gótico se conoce como estética de la luz, ya que se manifestó durante una época de humanismo teocéntrico para darle paso al antropocentrismo, característico de la época del Renacimiento (Imaginario, s.f.). Se originó durante la Edad Media en Francia y, posteriormente, se expandió a otros países de la Europa Occidental, aunque las características fueron variando de acuerdo a los cánones estéticos de cada cultura.

Se le llama estética de la luz por cómo se estructuran los vitrales para que entre luz natural, esto se relacionaba con la divinidad, por lo que representaba a Dios. Es importante mencionar que para esta época, la religión es sumamente importante, así como es parte de la vida de la población de Europa, principalmente. En cuestiones arquitectónicas, un elemento importante es la bóveda de crucería (Imaginario, s.f.), que son literalmente bóvedas que cruzan arcos dentro de la iglesia en forma de cruz. También los arcos son importantes, pues distribuyen el peso de las bóvedas de una manera mejor. Los contrafuertes tenían un nuevo elemento llamado pináculo (Imaginario, s.f.), que eran más bien por decoración. Por otro lado, los vitrales, como ya se mencionó antes, eran importantes porque permitían mucha más iluminación. El arte gótico también tiene escultura y pintura, aunque no es tan característica como la arquitectura. Las figuras que se ven en el lenguaje visual gótico son religiosas.

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en Saint-Denis, Bourges, Mans y Notre-Dame. Algunos escultores importantes de aquella época fueron Claus Sluter y Jean de Chelles (Anaya Leal, s.f.). En otros países como Alemania, se conoce la Catedral de Nuestra Señora de Tréveris, junto con España, donde fue más particular que en otros países, además de Francia. Se conoce la Catedral de Palma de Mayorca, Santa María del Mar, la cual tenía características tanto góticas y románicas. De igual manera, la Catedral de Barcelona es importante en la historia del arte española (Anaya Leal, s.f.). Sin duda, la arquitectura gótica ha significado un gran referente en la historia del arte, ya que hasta la fecha se han conservado diversas catedrales con estas características, por lo que futuras generaciones podemos tener la capacidad de admirar la manera de entender y hacer el arte de aquella época.

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En los edificios, había esculturas que tenían una función didáctica para llamar la atención de la población (Anaya, s.f.). Las esculturas góticas tienen figuras alargadas, ropajes sutiles, ojos rasgados y labios pequeños (Anaya Leal, s.f.). Los temas en el arte gótico son emocionales y tienen tendencias naturalistas (Anaya Leal, s.f.), pues es la transición entre la eliminación de la frontalidad y la planicie del arte más antiguo, al arte renacentista. Empieza a verse la perspectiva. Los recintos más conocidos del arte gótico, además de la Catedral de Notre-Dame, se encuentran la Catedral de Leon, la Catedral de Chartres, la Catedral Sainte- Chapelle. Un dato curioso sobre la última fue que San Luis Rey la mandó a construir para poder conservar la corona de espinas y una parte de la cruz de Cristo que logró rescatar durante la guerra de Tierra Santa (Anaya Leal, s.f.). Donde más se encuentra la escultura es en la Catedral de Chartres,

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LA LITERATURA DEL RENACIMIENTO Durante la Edad Media el arte, incluso la literatura, tenía la función de servir a la religión. Era frecuente que los artistas quedaran en el anonimato. Lo más importante era ensalzar la misericordia divina, y recordar a los fieles la importancia de agradar a Dios y obtener su perdón. Sin embargo, a parir del siglo XIV, las cosas empiezan a cambiar. Es una etapa de grandes transformaciones, en la que los señores feudales van perdiendo poder y las monarquías europeas se consolidan. En vez de pequeños feudos, van surgiendo grandes reinos. En este contexto histórico, nace el Renacimiento durante el siglo XIV, en las principales ciudades italianas. La literatura de la época es reflejo de esas transformaciones. La cuestión a aclarar en este tema, es cuán grande fue la importancia de los escritores de ese periodo como fuentes que evidencien esos cambios tan profundos.

En mi opinión, los escritores del Renacimiento aciertan en sus intentos de representar en sus obras las características de las sociedades de su tiempo. Además, enriquecieron los idiomas de sus naciones, contribuyendo en algunas ocasiones a dar a sus lenguas la categoría de idiomas cultos. La literatura durante el renacimiento El Renacimiento fue un “movimiento cultural y artístico que surgió en Italia ente los siglos XIV y XVI. Se extendió a toda Europa” (Imaginario 2019). De acuerdo a la misma autora, esta etapa se caracteriza por un anhelo de recuperar la grandeza de los tiempos de las antiguas culturas griega y romana. La duración de este movimiento se sitúa aproximadamente de 1350 al fin del siglo XVI (Estudia y aprende, 2019). En materia de literatura, e esta una larga etapa de la historia, se tocan temas casi inéditos. Los escritores del Renacimiento,

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Según Máxima Uriarte (2019) las características más relevantes de la literatura renacentista incluyen el hecho de que el valor supremo es la razón humana, algunos escritores idealizan la realidad, pero otros ejercen un realismo crítico. Por su parte, la naturaleza se convierte en fuente de placer, pero también en símbolo de perfección. El tema del amor imposible da lugar a personajes que cantan su desdicha, porque no pueden hacer realidad sus sueños al lado de una mujer perfecta, que para ellos tenía que ser rubia, blanca y de ojos claros. En el caso específico de España y la Nueva España, se destacan poetas, dramaturgos y novelistas, como “Miguel de Cervantes, Sor Juana Inés de la Cruz, Lope de Vega, Francisco Quevedo, Góngora, Garcilaso de la Vega, San Juan de la Cruz, Santa Teresa de Ávila, entre otros.” (Imaginario, 2019). En el campo de la política, la labor de tales autores tuvo gran influencia en los políticos y gobernantes, como lo fue el caso de Maquiavelo, en cuya obra más famosa El Príncipe, da consejos de gobernabilidad a un noble de su tiempo.

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a diferencia de los del Medioevo, están muy interesados en ser reconocidos por su talento, en que sus nombres aparezcan como autores originales de sus obras. Las obras literarias son antropocéntricas; por su arte la naturaleza e convierte en una fuente de placer y símbolo de la perfección. Se destacan autores que hacen crítica a la sociedad de su tiempo, como Erasmo de Rotterdam y Bocaccio, La poesía, el teatro, la prosa, las novelas, florecen gracias a las plumas de Rabelais, Garcilaso de la Vega, Montaigne, Maquiavelo, así como de Petrarca, Cervantes y Shakespeare. En la política es muy relevante la obra de Maquiavelo, autor de El Príncipe, obra donde da una serie de consejos a la clase gobernante. Aunque en su libro este autor simplemente reflejaba las actitudes de los políticos de su tiempo, y ls palabras que sus lectores deseaban encontrar, se ha tomado erróneamente a Maquiavelo como instigador del mal, al grado de que cuando alguien trama hacer algún daño, se dice que es maquiavélico.

La actitud de los artistas e intelectuales del Renacimiento es muy distinta a la de las personas de la Edad Media. Ante todo, son humanistas, pues ya no dan tanta importancia a centrarse exclusivamente en Dios, sino que se preocupan por los temas que conciernen a los seres humanos. El individualismo, el disfrutar del ahora, la noción de la dignidad dl hombre, son algunos e los rasgos de los artistas del Renacimiento. Algunos de ellos lograron consagrarse por entero a su pasión creativa gracias al apoyo de los mecenas, personas muy ricas que miraban a los escritores, pintores y escultores y decidieron financiarlos para que o tuvieran preocupaciones económicas que imitaran su trabajo. Conclusión La labor de los escritores del Renacimiento ha resultado muy importante para averiguar cómo pensaba la gente de esa época, cuáles eran las actitudes y creencias de la humanidad europea de la época. Además de ello, el trabajo de tales autores tuvo gran influencia en los políticos y gobernantes.

La literatura renacentista definitivamente, fue decisiva para que hoy podamos expresarnos acerca de los temas que realmente nos interesan, con el estilo que mejor se nos dé. Sin este movimiento, seguiríamos escribiendo sólo poesías de unos cuantos temas, y siempre por encargo de algún líder político o religioso.

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El manierismo en la literatura A lo largo de este escrito se hablará sobre el manierismo, para lo cual este fue una tendencia muy reconocida por todo el arte en general, siendo el caso de la arquitectura, pintura, literatura, entre otros. De manera que se conoce como algo fundamental, como de igual forma dio esencia a una revolución en el mundo del arte. Este fue creado entre 1520 a 1620, siendo un esté una etapa intermedia entre el periodo de renacimiento y barroco. Como e igual forma este tiene una famosa frase, la cual tiene como reconocimiento allá maniere, la cual está significa a la manera de, dicho de otro modo, esta es ocupada para referirse a los pintores, artistas, escultores, entre otros, siendo este una cita de elaborar una obra imitando a otro. A lo largo de este tiempo, se llegó a caracterizar al manierismo en la literatura como una forma de llegar a confundir a las personas de lo que era real a lo que era inventado, de la misma forma que se lograba mezclar lo que se hablaba en

forma casual, con lo que se mezclaba con algunos tropos que lograban adornar lo que se había visto en el conceptismo. En este mismo sentido también se lograba que las personas o consumidores lograban preferir lo extraño y dejaban a un lado lo que era algo normal, de igual forma esto iba en conjunto con lograr acentuar o darle más importancia a lo que llegaba a ser algo absurdo de lo que se vivía día con día. Todo esto tenía la finalidad de lograr reconocer y darle mayor importancia a lo que se conocía en la literatura, dado que al ser algo diferente llego a generar un cambio en la sociedad y en los lectores, cambiando con esto la forma de pensar y las acciones que generaba. Por lo que, se puede decir que en este mismo rumbo se dieron grandes artistas, lo cuales fueron fundamentales para lograr identificar este pedido en el cual se mejoro y de desarrollo una mejora en la forma de ver este mundo,

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Tales como lo son los autores, donde ellos desarrollaron grandes obras las cuales se relacionen con las características que se brindaban en dicha época, generando con esto que sean eficientes y logren ser esenciales en dicho tiempo, de manera que tales obras tienen un gran significado para este periodo. Tal como lo es la conocida fábula de Polifemo y Galatea, creada por el Luis de Góngora y Argote, los cuales dichos españoles lograron identificar y reconocer dicho periodo. De igual forma se encuentra Hamlet de William Shakespeare, el cual este representaba la brevedad que se generaba en la vida. En dicho sentido se llevan a cabo los sonetos, los cuales fueron creados por Luis de Góngora y Félix Lope de Vega, donde estos fueron una gran representación de la época conocida, dado que este lograba mostrar de la mejor manera la composición y una estructura que se desarrollaba de la mejor manera, logrando identificar y llevar a cabo los puntos fundamentales de tal época. A lo largo de dichas obras de lograban identificar algunos puntos o elementos

que son fundamentales y populares para dicha época, tales como en la obra de Don Quijote, se reflejaban 2 clases sociales, una persona pobre y otra rica. Donde se ve diferenciado pro las acciones y los motivos que posé son diferentes. De manera que, en dicha literatura, se lograba ejemplificar lo que se vivía en ese momento, pero de forma algo diferente, que llegaba a resultar un tanto extraño para ellos, pero en realidad explicando y llevando a cabo ejemplos que en ese tiempo se veían de manera cotidiana. Finalmente cabe destacar que el manierismo fue una gran época que lograba abarcar todo el arte, logrando identificar y darle mayor importancia a este, de manera que se veía reflejado la arquitectura, pintura literatura, escultura y otros más. El cual fue desarrollado en la gran España, conocido este como un elemento y periodo fundamental para todos aquellos artistas, en el cual se dio un giro inesperado en la narrativa, dando a las personas algo nuevo y de su agrado de ellos, logrando crear un mejor ambiente para el arte.

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Arquitectura barroca y no hay un espacio para respirar, pero realmente es parte de los principios del mismo. Algunas otras características de la arquitectura barroca son que, en las iglesias, hay naves más amplias, elementos que parece que no están terminados, la búsqueda del claroscuro (el contraste entre la luz y la sombra), el uso de colores dorados, figuras de madera, yeso o mármol (Hisotur, s.f.). También los trampantojos, que son elementos que generan ilusiones ópticas con imágenes muy realistas. La mayoría de los edificios que cuentan con las características de la arquitectura barroca son, en su mayoría, iglesias y edificaciones de alta alcurnia, como palacios que están adornados por jardines. Hay tres escuelas barrocas:La escuela católica, en la que glorifican a la Iglesia Católica y es donde más se utiliza el color dorado, pues es una manera de glorificarla. Se da principalmente en Italia, España y el sur de Alemania (Arte España, 2006).

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El estilo barroco surgió en Italia y, posteriormente, se expandió hacia la mayor parte de Europa durante los siglos XVII y XVIII, extendiéndose también a América durante la época de la colonia (Arte España, 2006). Las edificaciones barrocas tienen un contexto religioso, especialmente apegado al catolicismo. La palabra “barroco” viene del portugués “barru”, que significa “perla de forma diferente o irregular” (Hisotur, s.f.). Es por esto que se le denominó este nombre a esta corriente por las irregularidades y falta de orden. Se caracteriza por tener un uso distinto de las formas, las luces, las sombras y el dramatismo (Hisotur, s.f.). De igual manera, las proporciones en la arquitectura tienden al gigantismo con efectos teatrales. Asimismo, el horror al vacío es otra característica importante del barroco, por lo que en las edificaciones pareciera que todo está amontonado

También está la escuela absolutista, en la que se enfocan en darle poder al Estado partiendo de la misma idea de la glorificación de la escuela católica. Esta se da en Francia (Arte España,2006). Por último, está la escuela burguesa. Esta tiene más auge en los países con ideales protestantes como Holanda, donde destaca más la pintura que la arquitectura. Se llama burguesa porque el sector burgués era el que comisionaba este tipo de pinturas por las escenas intimistas y retratos que se hacían (Arte España, 2006). En Italia, las iglesias Santa Susana, Santa Maria della Pace, la Plaza de San Pedro, San Carlo alle Quattro Fontane y Sant’Ivo alla Sapienza son las más características. En España, la Catedral de Granada, la Universidad de Valladolid y el Hospicio de San Fernando en Madrid. En Portugal, la Iglesia de São Roque, el Palacio de Brejoeira y el Palacio Nacional de Mafra son característicos del estilo barroco portugués. De igual manera, la Iglesia de Santa Engrácia fue la primera iglesia completamente barroca (Hisotur, s.f.).

En Latinoamérica hay una combinación entre la estética particular de los pueblos originarios con los nuevos estilos impuestos por la colonia. En el estado de Puebla en México es donde hay más influencia barroca. Mientras que en Perú, el monasterio de San Francisco en Lima es característico del barroco peruano (Hisotur, s.f.). En Filipinas también hay influencia barroca por la colonia española y se conoce como Earthquake Baroque (Hisotur, s.f.).

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Pintura rococó

Se tomaba en cuenta la decoración en las pinturas que se tratasen de interiores tomándolas como muestras de formas onduladas y de elementos encontrados en la naturaleza como lo eran las conchas, estas características eran también vistas en la arquitectura (Gutiérrez, s.f.). Los temas que más predominaban a la hora de crear una pintura rococó era el de fiestas elegantes y campestres, los momentos históricos, así como aventuras amorosas y cortesanas en las cuales era común encontrar el mayor dominio de los colores pastel, suaves y claros (ArtEEspañA, 2008). Por otra parte, la mujer era, casi siempre, el foco de la inspiración ya que siempre se retrataba como una figura bella y sensual. Este estilo de pintura se consideraba, en gran medida, un estilo aristocrático y delicado (Gutiérrez, s.f.). La pintura rococó tuvo una mayor libertad en lo que a expresión se refiere, a diferencia de la pintura barroca o académica.

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El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI. Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV (ArtEEspañA, 2008). Fue un estilo que se fue difundiendo de manera rápida en Europa en Austria y Alemania tuvo un mayor impacto, continuó con el desarrollo hasta el neoclasicismo. “El término rococó proviene de la palabra francesa “rocaille” (piedra) y “coquille” (concha), elementos de gran importancia para la ornamentación de interiores” (Gutiérrez, s.f., p. 2). Y, aunque no se tratase de un estilo propiamente de la rama de la pintura, estos elementos decorativos se aplicaban para que las pinturas para que las superficies solidas parecieran más ligeras. Una de las características de este estilo es el uso de colores vivos para resaltar ciertos aspectos de la pintura, así como un estilo más fino y elegante.

La pincelada se considera nítida y desarrollada, con la formación de texturas y efectos que se considera, algunas veces, similar a los cuadros del impresionismo, esto le daba el aspecto de ser un arte esbozo e incompleto. Esto dejaba al espectador con la solicitud de que él, mentalmente, completara lo que se le habría presentado esquemáticamente (Gruyter, 1996). Se niegan todo lo que sea específicamente realista, los escenarios de fondo son simplificados dando un mayor enfoque al primer plano, así como los efectos sugestivos de la atmosfera. A pesar de toda la representación del vestuario normalmente es lo bastante real como para que se observe el lujo de las telas y la riqueza de las joyas que las modelos usaban (Gruyter, 1996). La pintura rococó logro no ser un fenómeno excesivamente de las horas y encontró lugar en la decoración de edificios públicos e iglesias. En este ambiente la pintura era considerada un elemento importante de la composición de una obra de arte y se integró en la arquitectura como un mobiliario, así como también un accesorio para la funcionalidad de los espacios.

El arte rococó tanto en Inglaterra como Francia era asumida como una manera profana, pero, en otros lugares católicos de Europa, especialmente en el sur de Alemania fue un arte que creó diversos monumentos religiosos. (ArtEEspañA, 2008). De igual manera, en Brasil, el Mestre Ataide y pintores de la zona de Minas Gerais se creó la primer escuela de pintura nacional (Oliveira, 2003). Aun al día de hoy se encuentra polémica y contradicción en los estudios sobre el arte rococó. Esta crítica llego a un acuerdo al ver la filosófica de la pintura rococó como lo son los elementos de superficialidad, el hedonismo y el elitismo, aun cuando se hace saber que estos aspectos no dan a entender el total de la historia y que solo se aferran a ellos a partir de morales modernas que impiden al público reconocer su valor como arte y su significado para lo que era la clase que gobernaba Europa durante el siglo XVIII. A la par, su carácter de personalidad, su gran curiosidad por las cosas nuevas y lo exótico tanto, así como el rechazo a lo académico fueron representantes de un movimiento en pos de la libertad de creación, tan valoradas hoy en día, que incluso en sus tiempos eran un criterio valido de evaluación de una obra de arte.

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Cerámica en el arte precolombino La cerámica en la época precolombina no se relacionaba con la idea del arte que se conocía en Europa. Era más bien utilitario y, de igual manera, solía usarse para ceremonias, para ofrendas a los dioses y en los funerales (Buchot, 2019). Se considera que la cerámica se inventó en Colombia o Ecuador para sustituir a las canastas de calabaza seca que también se usaban como recipientes (Buchot, 2019). Los recipientes de cerámica se hacían utilizando tanto moldes o a mano y, posteriormente, los decoraban con pinturas que tuviesen algún significado para los pueblos originarios (Buchot, 2019). Para la cultura azteca, la cerámica formaba parte del cotidiano, aunque no la utilizaban en todo momento, también usaban el barro. El tipo de cerámica que se utilizaba era la roja y negra y las usaban principalmente para el uso común, como la comida y la bebida (Tipos de arte, s.f.). Para los mayas se utilizaba principalmente la cerámica policromada, la cual es considerada la más refinada. Ellos hacían vasijas con figuras tanto de animales como humanas (Tipos de arte, s.f.). La cultura Inca tenía muchas maneras de usar la cerámica. Se utilizaba para el uso común, pero los guerreros utilizaban distintos tipos de vasijas llamadas vasijas tres patas (Tipos de arte, s.f.). Para la población incaica en el actual Chile, el uso de las vasijas de cerámica tenían un uso similar a las demás culturas: político, ceremonial y cotidiano (Museo Chileno de Arte Precolombino, s.f). Había vasijas imperiales que tenían diseños específicos para hacer la diferencia social entre la clase alta y los súbditos (Museo Chileno de Arte Precolombino, s.f).

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p recolombino O69

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La cerámica de los pueblos precolombinos son los elementos arqueológicos que más se dan en las excavaciones, pues es notorio que tenían diversos usos. Se dice que la cerámica se produce desde el año 2000 a.C. (EcuRed, s.f.) en forma tanto de figuras como vasijas en Mesoamérica. Estas figuras representaban la vida cotidiana de la población precolombina, como los matrimonios y juegos. Se colocaban en las tumbas de los difuntos (EcuRed, s.f.). No solo se hacían vasijas y figuras, aunque fueran las más comunes, también se utilizaban otros objetos como accesorios, así como instrumentos musicales, juguetes y herramientas para pescar, entre otras (EcuRed, s.f.). Las principales características que tiene la cerámica precolombina es que era utilizaban canastas y calabazas secas como moldes (EcuRed, s.f.). En cuanto a la decoración, hay muchas técnicas debido a que había mucha libertad en la creación de las piezas de cerámica, como es el pastillaje, las incisiones, las impresiones y pulidos. En el caso de Mesoamérica, se han encontrado vasos de cerámica policromada donde hay códices grabados. También los mayas tenían vasos con jeroglíficos, glifos y acontecimientos importantes (EcuRed, s.f.). La importancia de la cerámica precolombina es que muestra la identidad cultural de la población, así como su estilo de vida en la antigüedad, antes de ser intervenidos por los pueblos europeos. El uso de la cerámica durante esta época también es de índole simbólica, y la misma población antigua explica su estilo de vida y sus creencias a través de estos objetos que, en la actualidad, podrían parecernos anticuados, pero tienen un significado ancestral importante para la identidad latinoamericana.

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(Maya, s.f.)

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LA LITERATURA NEOCLASICA

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Comienza gracias al inicio del Siglo de las Luces en el siglo XVIII, o también conocido como la época de la Ilustración en Europa. En este movimiento hay una búsqueda del pensamiento, el conocimiento, el método científico y la razón, lo que da pie a la Revolución Francesa y a la creación de la Enciclopedia (Matos, 2019). La literatura neoclásica tiene los principios de la Ilustración. En sus características se puede ver una búsqueda de la claridad y la sencillez como forma de transmisión de conocimiento (Vizcaíno, 2019). De igual manera, es de carácter didáctico y no necesariamente artístico. No hay pie a la subjetividad artística, por lo que gran parte de la literatura neoclásica es más bien racionalista. Tratan de deshacerse de los adornos y se vuelven más impersonales. No hay cabida a la experimentación ni a la improvisación y se rechazan las estructuras anteriores, enfocándose en la manera de pensar de la Antigua Grecia (Matos, 2019). Hay un claro rechazo a la “barbarie” (Vizcaíno, 2019), que básicamente era cuando alguien no actuaba de acuerdo a los principios de la Ilustración. De hecho, este movimiento le da mucha importancia al autocontrol, el orden y la mesura, cosa que en el barroco tenía mucho más peso (Matos, 2019). Es por esto que en cuanto a su narrativa, no se ve lo que conocemos actualmente. No hay fantasía, es más bien crítica y de carácter ensayístico (Vizcaíno, 2019). La literatura neoclásica era bastante limitante, entonces no se podía hacer gran cosa gracias a la falta de creatividad y la subjetividad. Eran más bien ensayos, periodismo, crítica social y sátira. El discurso del progreso en el movimiento es el más común (Vizcaíno, 2019). Por otro lado, la poesía tiene como función transmitir conocimientos a partir de reflexiones. También es muy clara al momento de utilizar ritmos específicos. La moralidad es el tema central de la poesía, porque sigue el ejemplo de incentivar a los lectores a un estilo de vida progresista (Vizcaíno, 2019). En el caso del teatro, también siguen los principios del movimiento neoclásico y deciden despojarse de la comedia y la tragedia, géneros que antes habían sido muy famosos. En la dramaturgia se tienen en cuenta los elementos del teatro tradicional, que son la acción, el lugar y el tiempo (Vizcaíno, 2019). De igual manera eliminaron la ficción, la subjetividad y la creatividad de las obras de teatro, y se enfocaron en hacer teatro para difundir información y los ideales del racionalismo (Matos, 2019). Las obras que presentaban se basaban en las experiencias, lo cual también es otra característica al momento de hablar de la literatura neoclásica, así como en representaciones de la vida cotidiana.

Algunos autores importantes de la literatura neoclásica fueron Jean-Baptiste Poquelin, o Moliere. Él es conocido por escribir obras de teatro como Tartufo. Alexander Pope tradujo la Ilíada y escribió obras como Un ensayo sobre el criticismo (Matos, 2019). Johnathan Swift escribió Los viajes de Gulliver, en las que critica a la sociedad inglesa (Matos, 2019). Daniel Defoe escribió Robinson Crusoe, inspirándose en las épicas griegas, es decir, el camino del héroe (Matos, 2019). Samuel Johnson escribió el Diccionario de la Lengua Inglesa, el cual fue muy importante para recalcar la importancia de la gramática (Matos, 2019). La literatura neoclásica es, sin duda, muy distinta a lo que nosotros estamos acostumbrados, y quizás nos podría parecer hasta un poco aburrida, pero las obras de esta época sí fueron muy importantes para sentar bases en la literatura moderna y contemporánea.

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LA ARTE EN EL ROMANTICISMO

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El romanticismo es un movimiento que inicia en Europa a finales del siglo XVIII, específicamente entre Alemania y Reino Unido (Capital del arte, 2018). Rechaza completamente los principios del neoclasicismo, teniendo como objetivo la creación de obras a partir de la subjetividad y de las emociones (Capital del arte, 2018). El arte romántico se enfoca en la pintura, empezando en el paisajismo. William Turner fue uno de los representantes más importantes, y se dedicaba a retratar el mar con óleo, grabados y acuarelas (Vargas, 2020). En sus obras, a pesar de ser principalmente paisajes, están cargadas de emoción (Vargas, 2020). Este artista cautivó a muchos otros que se inspiraron en su obra para crear la propia, uniéndose al movimiento del romanticismo. Este movimiento rechaza lo racional, y busca la intensidad de las emociones, el estado de ánimo y los sentimientos del artista (Vargas, 2020). También tienen un interés por lo lúgubre, por lo que los cementerios y la noche son un punto central en el romanticismo (Capital del arte, 2018). De igual manera, ellos rechazan la pintura clásica. Las pinturas románticas tienen mucho dramatismo, hay un parecido al arte barroco, así como temáticas violentas y bélicas (Capital del arte, 2018). Se muestran tanto paisajes como retratos. Como el neoclasicismo restringía las emociones de los autores, en el romanticismo se explotan los sentimientos que en el movimiento pasado se reprimían (Vargas, 2020). Hay un interés por mostrar lo oculto y lo prohibido. La subjetividad es el punto central de este movimiento. A los artistas de esta época ya no les importa el método científico ni lo comprobable, les interesa el individuo y la creatividad del mismo. De igual manera, surge la importancia del artista como creador individual.

El nacionalismo también fue importante para el movimiento romántico porque, además del individualismo, impera la idea del colectivo y la identidad del mismo (Imaginario, 2020). Fue por esto que la cultura popular fue un tema bastante recurrente en las pinturas románticas. La nostalgia igualmente fue clave para el movimiento. La Revolución Industrial era algo que estaba sucediendo a la par del romanticismo, por eso el paisajismo se vuelve un elemento importante, por la idea de la relación del hombre con la naturaleza y cómo esta se estaba perdiendo gracias a los avances tecnológicos (Imaginario, 2020). Los temas revolucionarios, mitológicos, legendarios, exóticos también fueron importantes para este movimiento (Imaginario, 2020). El orientalismo comenzó por el intercambio cultural con Asia, especialmente después de que Japón abrió sus puertos por aquella fecha (Imaginario, 2020).

Los trazos son más explosivos, pues buscan la expresividad, así como el dinamismo en las composiciones, el rechazo de las reglas en la Academia, el uso de la luz y la importancia del color (Imaginario, 2020). Algunos de los pintores más representativos de este movimiento fueron William Blake, quien pintó obras como El anciano de los días, o Caspar David Friedrich, quien hizo El caminante sobre el mar, Johann Heinrich, quien pintó La pesadilla, Eugene Delacroix, quien hizo La libertad guiando al pueblo y Francisco de Goya, quien es conocido por Saturno devorando a sus hijos (Imaginario, 2020). Además de la pintura, la cual fue la predominante, también hubo obras escultóricas. Francois Rude esculpió La Marseillaise, que se encuentra en el Arco del Triunfo en París.

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LA ARQUITECTURA EN EL REALISMO

Gustave Eiffel Nació en Francia en 1832. Construyó la torre Eiffel en 1889. William Lebaron Jenney Arquitecto e ingeniero estadounidense. En 1891 construye el Leiter Building.

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Historia del arte

El Realismo fue un movimiento artístico que surgió en Francia a mitad del siglo XIX. Este movimiento se oponía a la idealización que imperaba en el romanticismo de la época. Su objetivo era representar la realidad de manera objetiva y científica. Su fijación con la contemporaneidad es uno de los elementos principales del Realismo. ¿Cómo se tradujeron estas aspiraciones a la arquitectura? La revolución industrial causo transformaciones fundamentales. Las economías europeas dejaban de ser agrarias y artesanales. Con ello, las ciudades tenían necesidades distintas y las estructuras, estilo y cualidades empezaron a modificarse como una unidad integral. Así que a mediados del siglo XIX, la arquitectura romántica o no realista empezó a chocar con la realista. Una de llas principales exigencias en la arquitectura realista era que las cosas se dieran a conocer tal y como eran. Se anteponía la funcionalidad por sobre lo estético. Su construcción era sencilla. No debían haber elementos que no contribuyeran a la edificación, hasta el más mínimo detalle debía cumplir un propósito. Así vemos como lo científico se traducía a lo arquitectónico. Los principales materiales que se utilizaron en la arquitectura realista eran el hierro y el cristal. Algunos de los principales arquitectos son: J oseph Paxton Fue paisajista a la vez que arquitecto. Construyó el Crystal palace en 1851.

(Painting Planet, s.f.)

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ARTE IMPRESIONISTA

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Historia del arte

Esta corriente de expresión artística enfocada en la pintura (y secundariamente en la música) fue generada casi al ocaso del siglo XIX, tiene como aspectos particulares el adecuado e impetuoso manejo de luces y que busca capturar el instante, generando o plasmando una visión momentánea de un suceso particular, real o fantástico; buscando el tiempo exacto de atrapar una escena para dar a conocer toda una generalidad o que se pueda divagar entre las distintas posibilidades. Dentro de las naciones pioneras y de máxima ponencia de esta corriente se encuentra Francia, donde fue un fenómeno de gran índole, primeramente se desarrolló en el arte plástica de la pintura y secundariamente en el arte escénica de la música, teniendo como auge los finales del siglo antecesor al XX y culminando su cúspide a inicios del mismo siglo. En este contexto podemos empezar a hablar de la pintura, que comprende el trabajo de un grupo de artistas y de su trabajo en técnicas y uso de pigmentos en ellas para que, de manera adecuada (para sus capacidades y época) se obtuviera una visión realista en términos de trascendencia de un momento dado, para ello los efectos de color y luces con técnicas de patinado, degradado y realce de luces, así como diversidad de tonos en colores para dar profundidad fueron sus métodos de elección y perfeccionamiento durante este periodo. En música, fue para transmitir una idea o afecto a través de un lavado de sonido en lugar de una estricta estructura formal (Feist, 2002). El aspecto más relevante sigue siendo la pintura así que nos centramos en ella; por mencionar algunos de los principales exponentes, destacan: Monet, Auguste Renoir, Pissarro y Guillaumin que tuvieron influencias entre ellos, incluso, sus exhibiciones tendrían a ofrecerse con obras de varios de ellos dentro de un mismo contexto o técnica. Seguidamente tenemos a Degas y Cezanne, los cuales, junto con E. Manet tuvieron un manejo de luces dinámico que le daba vida a los objetos en la pintura, por ejemplo, los reflejos en el agua de un lago, que era adecuado en

luces y sombras para aparentar la hidrodinámica común en un puerto, lago, o sitio de pesca (Di-Matteo, 2017). Este conglomerado que servía de frente artístico y revolucionario para el impresionismo se encontraba replanteando las teorías centradas en los aspectos históricos o de leyendas, buscaban aspectos reales en literalidad e incluso tonos anecdóticos en sus obras, lo cual expresaban en sus cátedras. También rechazaron los tratamientos imaginativos o idealizadores convencionales de la pintura académica. A finales de la década de 1860, el arte de Manet reflejaba una nueva estética, que iba a ser una fuerza rectora en el trabajo impresionista, en la que la importancia del tema tradicional se degradó y la atención se centró en la manipulación del color, el tono y la textura por parte del artista como fines en sí mismos. En las pinturas más representativas de Manet, el sujeto (como composición primaria de la obra) era más bien un vehículo para enriquecer la composición total del cuadro, en colores mate y perspectivas de profundidad con diversas diluciones oscuras y resalte de tonos claros para minimizar la vista única a la superficie y se pudiera crear un espacio tridimensional en un entorno bidimensional como lo es un cuadro, otro aspecto es como los efectos fugaces del mar y el cielo, mediante métodos de aplicación de pintura de gran variedad de texturas y colores, eran representados. Los impresionistas también adoptaron la práctica de expresar su arte completamente al aire libre mientras miraban la escena real, en lugar de terminar una pintura a partir de bocetos en el estudio, como era la práctica convencional. Como conclusión y datos finales, el impresionismo empezó a disolverse poco antes de los años 1900, ya que esta fue la pauta para que varios artistas buscaran su propia estética y

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representación ética, artística y contextual; esta corriente existió poco tiempo pero su legado perduró en la revolución generada en el arte generando no solo técnicas y manejo de pigmentos, también la oportunidad creativa de otros a reinventar para sus propios fines, siendo así, que nació la época del post-impresionismo, con pintores tan populares como Van Gogh (Feist, 2002).

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ARTE EN EL POSTIMPRESIONISMO

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VANGUARDIAS LITERARIAS

nos de sus representantes son: Bertolt Brecht, Franz Kafka, entre otros. Cubismo Así como el cubismo en la pintura fractura la forma, busca distintas perspectivas e incluso y desafía la representación, en literatura comenzó a jugar con distintos puntos de vista del narrador, cambiando de la perspectiva de un personaje a otro. En poesía se implementó el uso de los caligramas, poemas donde la posición de la tipografía componen una imagen visual.

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Las Vanguardias son los movimientos que surgieron a inicios del siglo veinte en todos los campos del arte. Eran movimientos de ruptura, lo que significa que negaban las tradiciones anteriores y apostaban por una revolución en todos los campos del arte y la vida. En el presente ensayo analizaremos algunas de las vanguardias que se manifestaron en la literatura. Expresionismo A raíz de la primera guerra mundial, surgió el expresionismo. Esta vanguardia se promulgaba en contra de la representación de la realidad de manera objetiva, representación propia del naturalismo y/o del realismo del siglo pasado. Por el contrario, el expresionismo buscaba enfatizar lo subjetivo, las emociones y sentimientos que se despiertan en el personaje; más que un registro objetivo y lógico de la realidad factual el expresionismo buscaba la realidad psicológica y espiritual. Para lograrlo, la literatura expresionista apostó por distorsionar la realidad, exagerarla. Utilizaban símbolos y elementos oníricos. Los escritores expresionistas eran críticos con la sociedad burguesa; los temas que abordaban eran la vida urbana, el horror de la primera guerra y el colapso de la civilización. Los escritores expresionistas sentaron las bases para las demás corrientes de vanguardia que surgieron a inicios del siglo. Algu-

Al igual que su contraparte expresionista, los cubistas estaban más interesados por el panorama interno que el externo. Una de las técnicas que usaban era el llamado flujo de conciencia. En esta técnica se retrata el pensamiento, sin alterar, tal cual venga, así sea ilógico o irracional. Algunos de sus representantes son: Guillaume Apollinaire, Gertrude Stein, Blaise Cendrars y Max Jacob. Futurismo El Futurismo se preocupó principalmente por exaltar la novedad, el desarrollo de las máquinas, los automóviles, la velocidad y la fuerza. Sus pretensiones apuntaban desarrollar un lenguaje que pudiera expresar la velocidad y el estruendo. En sus inicios los futuristas se concentraban en Italia. Sin embargo, su influencia cruzó por toda Europa y tuvo mucho eco entre los autores de la vanguardia rusa. Algunas de las técnicas que utilizaban fueron la poesía en verso libre y los caligramas. Sus mayores representantes son: Filipo Tomasso Marinetti, Luigi Russolo y Vladimir Mayakovski. Dadaísmo El Dadaísmo se caracterizaba por nombrase un no-movimiento y por su promoción del anti-arte. Criticaban a la sociedad burguesa y se oponían a todas las normas que gobernaban su época. El Dadaísmo es el precursor de los movimientos de arte de choque. Sus creaciones eran controversiales y obscenas para la sensibilidad burguesa de aquella época. Fue el primer movimiento que su objetivo consistía en elaborar piezas de arte (o anti-arte) no estéticos. Sus representantes son: Tristán Tzara, Hugo Ball y André Bretón. Surrealismo El Surrealismo se nombraba a sí mismo, el heredero del movimiento Dadá. Sus exponentes indicaban que el surrealismo surgió de las cenizas del Dadá. Este movimiento se oponía al racionalismo. Estaba fuertemente influenciado por el psicoanálisis, que en aquellos años estaba en el cénit de su desarrollo. Buscaba establecer un puente entre el consciente y el reino del inconsciente, el mundo de los sueños y la fantasía. Los escritores surrealistas se caracterizan por la yuxtaposición de ideas o palabras sin relación directa, sino por la asociación libre. Los autores creaban historias oníricas o irreales que llevaran a las personas a los límites de su comodidad. Aspiraban a que los lectores ampliaran su concepción de la realidad. Sus representantes son: André Bretón, Louis Aragon, Federico García Lorca, Paul Éluard y Antonin Artaud.

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C Conclusiรณn O94

Gracias por haber leydo el libro que llevamos construyendo desde el primer tetra, esto es una demostracion de lo que se vio en clase y logramos aprende de diversos temas en epocas distintas.

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