ART NEUVEAU
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CONTENIDO Antescedentes.................................................04 Influencia & inspiraciones.........................06 ¿Qué´es el Art Nouveau?..............................09 Caracteristicas.................................................10 Artistas...............................................................12 Obras.................................................................16 Art Nouveau en Mexico................................18
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Contexto histórico del Art Nouveau Entre 1870 y 1914, Europa conoció un período de paz sin precedentes ya que, durante esos cuarenta y cuatro años no hubo grandes conflictos bélicos internacionales. Fue, además, un período de expansión económica como consecuencia de la Segunda Revolución Industrial. La industrialización favoreció el incremento del empleo y, por lo tanto, del ingreso económico de las familias. Las mejoras en la alimentación, la medicina e higiene provocaron un importante crecimiento de la población y al mismo tiempo un fenómeno de urbanización. Así se conformó una sociedad urbana optimista e industrializada que se veía a sí misma como moderna, cosmopolita y dinámica con una gran confianza el progreso científico y tecnológico como vehículo para mejorar la vida de las personas. Se suele llamar a este período belle époque por el ambiente de optimismo y confianza en el futuro que caracterizó a la sociedad europea.
En este contexto surgieron una serie de movimientos artísticos que denominamos en forma genérica, modernismos entre los que se puede mencionar el Art Nouveau. El art nouveau, arte modernista o modernismo fue un movimiento artístico y decorativo internacional, desarrollado entre 1890 y 1914 aproximadamente. El ‘arte nuevo’, como su nombre en francés, se trataba de un estilo original, juvenil y moderno. Abarcó todas las artes, aunque se destacó especialmente en la arquitectura y las artes aplicadas. Los antecedentes del art nouveau pueden encontrarse en el movimiento inglés Arts & Crafts (‘artes y oficios’), fundado por William Morris en 1861, el cual revalorizaba la artesanía tradicional y la naturaleza en contra de la creciente industrialización. El art nouveau también valoró las artes aplicadas y la naturaleza, pero a diferencia del Arts ands Crafts, aprovechó los materiales y técnicas disponibles en la era
industrial para crear un estilo moderno. La importancia de este movimiento reside en que fue el último en abocarse a la observación de la naturaleza y el primero en abrir un vínculo con la era industrial. Gracias a esto, no solo cerró el siglo XIX y abrió el XX, sino que preparó transición entre dos eras artísticas totalmente distintas. A medida que aparecía el nuevo estilo del Art Nouveau, el movimiento empezó a conocerse por diferentes nombres en las distintas regiones europeas: Art Nouveau o Jugendstil, Modernista, Secession, Glasgow Style, stile Liberty, Szecesszió y estilo Floreale. Pero las diferentes interpretaciones nacionales tenían un denominador común. El espíritu del movimiento Arts & Crafts (Arte y oficios), así como sus diseños, llegó a toda Europa. La naturaleza era una de las inspiraciones clásicas del Art Nouveau, y se trataba de diferentes maneras. Insectos como las libélulas y mariposas.
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Arts & Crafts
Japonismo
El socialista William Morris (18341896), diseñador textil, artista, escritor, poeta, editor y arquitecto, se convirtió en el personaje principal del movimiento británico Arts & Crafts. Sus ideales artesanos y su utilización de estilizadas formas florales y orgánicas influyeron en muchos artistas del Art Nouveau. Morris, estrechamente relacionado con la Hermandad Pre-Rafaelita e inspirado en las escrituras de Ruskin, rechazó el mal gusto de los valores de producción y los aspectos deshumanizados de la industrialización. En 1888, la Arts and Crafts Exhibition Society (presidida por Walter Crane) expuso sus primeras obras y C. R. Ashbee estableció la Guild and School of Handicraft en la zona este de Londres. Las comunidades de Arts & Crafts se expandieron por toda Europa, lideradas por individuos como los suecos Carl y Karin Larsson, el arquitecto finlandés Saarinen
El largo período de rechazo occidental de Japón finalizó a mediados del siglo XIX, y a partir de 1862 el trabajo de los artesanos japoneses empezó a presentarse en las ferias de muestras internacionales en Londres. La influencia del arte japonés en Occidente se conoció como Japonismo. Sus planchas xilográficas, porcelana, textiles y trabajos lacados tuvieron un profundo impacto en numerosos movimientos artísticos occidentales, incluyendo el Art Nouveau. El bambú, las carpas, la glicinia y los cerezos en flor se convirtieron en parte del repertorio decorativo. Siegfried Bing (1838-1905), un francés nacionalizado nacido en Hamburgo, dirigía un importante negocio de importación-exportación en la década de 1870 y era editor de una influyente revista mensual, Le Japon Artistique. En diciembre de 1895 abrió una galería en París en la que vendía joyas, pinturas, cerámica, vidrieras y muebles de diseñadores como Tiffany.
Inspiración natural El mundo natural era la inspiración orgánica más importante del Art Nouveau. Sus sensuales líneas y formas orgánicas estaban diseñadas para transmitir la tranquilidad y efectos relajantes de la naturaleza. Los dibujos eran de una precisión analítica y reflejaban el progreso de los descubrimientos biológicos. Los dibujos botánicos de Henri Bergé fueron directamente transpuestos en los trabajos de la cristalería de Daum Frères. Ernst Haeckel (1834-1919) fue un zoólogo alemán defensor del Darwinismo y asesor de la expedición británica Challenger, que exploró el medio ambiente marino. Las acuarelas y dibujos de sus viajes, así como la publicación en 1904 del Kunstformen Der Natur, se convirtieron en los grandes logros de la ilustración naturalista. Aludían explícitamente a artistas del Art Nouveau y a diseñadores como Emile Gallé y el editor de Jugend.
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¿QUÉ ES ART NOUVEAU?
Es la renovación artística desarrollada a caballo entre los siglos XIX y XX. Era el fin de siècle o la belle époque… Dependiendo del país se conoció como Art Nouveau (Bélgica y Francia), Jugendstil (Alemania y países nórdicos), Sezession (Austria), Modern Style (Reino Unido), Nieuwe Kunst (Países Bajos), Liberty o Floreale (Italia) y Modernismo (España). Todas hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno. Una vez más, y como todos los movimientos, una ruptura con lo anterior, teniendo presente una idea clara: «el futuro ya ha comenzado» Se valora lo artesanal aunque sin renunciar a los avances industriales, y se repira una aspiración de democratizar la belleza o socializar el arte. Para ello se potenció la idea de que hasta los objetos más cotidianos deben tener un valor estético, además de ser accesibles a toda la población. Por eso empiezan a hacerse visibles
todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana, incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener gran importancia (kioscos, estaciones de metro, farolas, papeleras, urinarios…). Desaparece así la jerarquía de artes mayores y menores. Tiene el mismo valor un edificio que una joya, un cartel que un cuadro. De hecho, los propios artistas realizan los marcos para sus cuadros, los arquitectos diseñan también los muebles. Estéticamente hay una evidente inspiración en la naturaleza: vegetales y las formas orgánicas se entrelazan con el motivo central; la línea recta no interesa, se prefieren las curvas y la asimetría; todo es más sensual, buscando complacer a los sentidos. Es así que flores, hojas, tallos retorcidos, insectos, cabellos femeninos, rellenan todo el espacio (horror vacui). El Art Nouveau nace a finales del siglo XIX, cuando los artistas muestran cierto cansancio ante la falta de originalidad del arte occidental.
ART NOUVEAU
Reaccionan frente a la creciente industrialización influidos por las ideas de Ruskin y Morris y el movimiento de artes y oficios inglés, que reivindica la validez de la artesanía y la identificación en ella de lo bello y lo útil. Sus ideas se extienden por Europa y participan de ellas todo tipo de artistas durante las dos últimas décadas del siglo XIX y la primera del XX. La arquitectura de los nuevos materiales requiere un estilo propio, ornamental, que se manifiesta en el dinamismo de la línea curva y que se impone asimismo en las artes aplicadas, el grabado y la ilustración. La denominación del movimiento, si bien en Bélgica se mantuvo igual, varía según los países: en Alemania Jugendstil, por la revista Jugend; en Italia, Stile Liberty; en Austria, Sezession, y en España Modernismo. El nombre que más difusión alcanza es el de Art Nouveau, que se debe a la tienda de París, Maison de l´Art Nouveau. En cada uno de estos lugares destacan artistas como Morris, Mackmurdo y Beardsley.
CARACTERÍSTICAS
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Inspiración Asimetría y en la dinamismo naturaleza Los artistas del art nouveau se inspiraron en las formas de la naturaleza. No se trataba simplemente de retratar animales o plantas. Los modernistas no imitaban la naturaleza. La observaban, la estudiaban y usaban sus principios formales para buscar nuevas ideas. Por ello, estudiaron los tallos, las raíces, las formaciones rocosas, las osamentas, los caparazones y toda clase de elementos. De allí tomaron las líneas y formas geométricas que le dieron originalidad y belleza al nuevo estilo.
La asimetría fue otro rasgos común en el art nouveau. Esta característica permitía acentuar la sensación de dinamismo y ligereza con la que se interpretaban los tiempos modernos.
Eclecticismo El arte modernista se caracterizó también por la variedad y la mezcla de estilos. En lugar de una estética uniforme, favoreció diversas soluciones formales por la influencia de distintas corrientes estéticas, como el arte japonés, el arte de la India, el simbolismo, etc
Dominio de Riqueza la línea ornamental ondulante Ya que en la naturaleza la línea recta no existe, el art nouveau adoptó la línea ondulante como rasgo distintivo, tanto en las artes aplicadas como en las bellas artes. Se manifestó en dos vertientes, frecuentemente superpuestas: una de inspiración vegetal, con líneas asimétricas, sinuosas y entramadas, y otra basada en la geometría.
En el art nouveau proliferan los elementos decorativos u ornamentales, a través de los cuales se procuran composiciones rítmicas y armoniosas. Los artistas aplicaron la línea en círculos concéntricos y, especialmente, el efecto coup de fouet. Este consiste en la ondulación de una larga línea que recuerda el golpe de un látigo.
Materiales de la era industrial En el art nouveau proliferan los elementos decorativos u ornamentales, a través de los cuales se procuran composiciones rítmicas y armoniosas. Los artistas aplicaron la línea en círculos concéntricos y, especialmente, el efecto coup de fouet. Este consiste en la ondulación de una larga línea que recuerda el golpe de un látigo.
Gusto por lo elegante, lo lujoso y lo exótico El art nouveau es refinado, lujoso y elegante. Usa materiales caros y procura acabados finos y delicados. Asimismo, comparte el mismo gusto por el arte japonés que otros movimientos contemporáneos, como el simbolismo y el postimpresionismo. Todo esto hace del art nouveau un estilo esteticista, donde el disfrute de la belleza es el valor supremo.
ARTISTAS
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Alfons Mucha
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(1860-1939) El fin del siglo XIX se caracterizó por el enorme interés que numerosos artistas de todo el mundo pusieron en reinterpretar la naturaleza. El resultado de esta nueva visión artística fue el surgimiento, sobre todo en Europa, de grupos como la Secesión vienesa en Austria, el modernismo en España y el art nouveau en Francia. Precisamente el art nouveau fue acogido con entusiasmo por todo tipo de artistas, desde pintores a escultores y arquitectos (como Gaudí en España), así como los dedicados a las artes decorativas. Pero sin lugar a dudas el máximo exponente del art nouveau, cuyo legado ha perdurado hasta nuestros días, fue el artista de origen checo Alphonse Mucha, nacido el 24 de julio de 1860. Mucha fue el autor de cientos de carteles, entre los que destacan los retratos que realizó para la actriz Sara Bernhardt, que se han convertido en un icono mundial del arte.
EL NACIMIENTO DE UN CARTELISTA París, Navidad de 1894. En la imprenta, Alphonse Mucha se encontraba corrigiendo unas impresiones cuando de pronto entró en el local una figura vestida de blanco. Alphonse la reconoció de inmediato; no necesitaba presentación: se trataba de la gran actriz Sarah Bernhardt. A la “Divina Sarah” no le gustaban los carteles promocionales de Gismonda, su última obra teatral, y estaba buscando a un artista que diseñara otros a su gusto. Y al parecer ese artista iba a ser él. Alphonse evidentemente aceptó el encargo, no sin cierto nerviosismo. Pero salió victorioso de ese trance: Mucha diseñó para la actriz un cartel innovador y completamente rompedor que esperaba que fuera del agrado de la diva. Y, en efecto, así fue. Cuando lo vio, Bernhardt quedó absolutamente entusiasmada. El cartel le gustó tanto que contrató al artista para los siguientes seis años.
De este modo, Mucha pasaría del anonimato a encargarse del diseño de vestuario y de la escenografía de la compañía de Sarah Bernhardt en un abrir y cerrar de ojos. La identidad visual del Art Nouveau es básicamente una línea orgánica en forma de planta que ondula y decora los espacios. Las ramas de las enredaderas, las flores, las aves y la bella forma de la mujer fueron los motivos recurrentes en esta corriente artística, cuyo indiscutible protagonista fue Alphonse Mucha. Mucha llegó a ser considerado como el mejor decorador del mundo y se le bautizó con el “estilo Mucha”, en su honor.
“El maravilloso poema del cuerpo humano (...) y la música de los trazos y los colores que brotan de las flores, hojas y frutos son los maestros más evidentes de nuestros ojos y nuestro gusto”.
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Aubrey
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Beardsley (1872-1898) Aubrey Vincent Beardsley fue uno de los artistas más interesantes de la época victoriana en el Reino Unido. El hijo perfecto del fin-de-siècle. Muerto a la tierna edad de 25 años, tuvo tiempo de escandalizar, fascinar e influir en los artistas de la época. Su estilo modernista, mezclado con su humor crítico e incisivo, dio lugar a una obra artística satírica, estética, moderna, hipnótica… maravillosa. Beardsley destacó muy pronto como «niño prodigio» en la música y más tarde en otros campos creativos. Tenía pinta de que iba a ser arquitecto, pero las artes plásticas entraron en su vida y todo se fue al garete. Ingresó en la Escuela de arte de Westminster y ahí empezó su aventura. Sus ilustraciones empezaron a tener fama por su estilo innovador. Libros y revistas quisieron ilustrarse con su arte. Por supuesto también ilustró la obra de su amigo Oscar Wilde. Beardsley tenía un estilo modernista, basado en la naturaleza,
con formas orgánicas y un gran decorativismo. Salvando las distancias, era un Alfons Mucha más joven y radical. Usó mucho la tinta (blanco y negro) y en su obra se aprecia una gran influencia del grabado japonés. Tocó variadas temáticas: religiosa, mitológica, histórica, caricatura… Y en todas ellas hay una carga de erotismo (destaquemos sus escandalosas ilustraciones para Lisístrata y Salomé). En su vida, era un dandy. Un decadente como Wilde, un excéntrico, un Tristram Shandy. «Sólo tengo un objetivo – lo grotesco. Si no soy grotesco no soy nada», dijo en una ocasión. La tuberculosis, enfermedad de lo más romántica, acabó con e’l con sólo 25 años de edad. Las ilustraciones de Aubrey Beardsley son, además de transgresoras, fácilmente reconocibles. El estilo del artista, influido por el simbolismo y el esteticismo, evolucionó del Renacimiento al estilo curvilíneo del Art Nouveau.
Además, en muchos de ellos se observa una inspiración en la forma de plasmar el espacio de los grabados japoneses. Con todas sus obras, el artista busca representar la realidad tal y como él la veía. Siempre vinculada al humor crítico, el sarcasmo y la transgresión. Así, su trabajo ponía en jaque a la sociedad victoriana de la época y la decadencia implícita en ella. Revelaba sus tabúes, sus hipocresías y su, en ocasiones, dudosa moralidad. En cada una de sus ilustraciones predominaban los trazos y líneas curvas muy marcadas, incluso oníricas, sobre grandes superficies blancas y negras. El resultado eran dibujos de gran sensualidad que revelaban un universo misterioso, atrevido, erótico e inconformista que provocó grandes controversias.
“Si no soy grotesco no soy nada”
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ARTISTAS Y OBRAS
Gustav Klimt (1862-1918) Pintor austríaco. Asociado al simbolismo y al movimiento modernista vienés. Su estilo se caracterizó por la rica ornamentación, la sensualidad y el lujo, que introduce a través del uso de polvo de oro. Entre sus obras más conocidas destacan El beso, Retrato de Adele Bloch Bauer I, El árbol de la vida y Esperanza.
Fernidand Hodler (1853-1918) Pintor suizo. Representante del simbolismo y el art nouveau, cuya obra adquirió algunos rasgos expresionistas. Fue conocido por un estilo que él denominaba paralelismo, que consistía en agrupar simétricamente las figuras en torno a un centro de referencia. Entre sus obras destacan La noche y El consagrado.
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Víctor Horta (1861-1947) Arquitecto belga, considerado el impulsor del modernismo en arquitectura. Sus trabajos abarcaron gran diversidad de proyectos, como viviendas, almacenes y centros políticos. Su revolucionario concepto de distribución del interior se caracterizó por la fluidez espacial. Algunas de sus obras son la Casa Tassel, la Casa Solvay, la Casa Horta, la Casa del Pueblo y el Hotel Autrique.
Lluís Domènech i Montaner (1849-1923) Arquitecto español, también relacionado con la política. En sus obras se combinan la rica ornamentación con la racionalidad de las estructuras. Entre sus obras más conocidas destacan el Palacio de la Música Catalana, el Castillo de los Tres Dragones y el Hospital de San Pablo
Louis Comfort Tiffany (1848-1933) Diseñador industrial, decorador de interiores y pintor norteamericano. Destacado por su trabajo en vidrio (especialmente la línea de lámparas que lleva su nombre), aunque también es conocido por sus pinturas y sus diseños en cerámica y joyería.
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ART NOUVEAU EN MÉXICO La llegada del Art Nouveau a Mécivo
Una actitud de rebeldía y progreso inspirada por la vida bohemia, la libertad como el fin último y la belleza como un eje rector no solo del arte, sino de la vida en general impulsaron al modernismo y su llegada a México fue bien recibida gracias al contexto social y político de los últimos años de gobierno de Porfirio Díaz.
El Art Nouveau no sólo dejó huella en los espacios públicos y civiles, sobre todo se cultivó en particulares, como tiendas y casonas de la Colonia Roma que en la actualidad han sido modificadas o se encuentran en desuso.
Distintas construcciones nacieron influenciadas por los motivos modernistas, toda vez que una élite nacional que reconocía en todo lo europeo (y especialmente francés) un modelo a seguir como símbolo de status y distinción adoptó el estilo arquitectónico y decorativo de vanguardia.
Uno de los ejemplos más representativos de la importación del Art Nouveau en México es el edificio que alberga el Gran Hotel de la Ciudad de México construido en 1896 por Daniel Garza. Aunque la fachada no corresponde con este estilo arquitectónico, la estructura interna que privilegia al hierro y su andar curvilíneo a través de barandales, arcos ondulantes y el recubrimiento con motivos naturales que cubre al elevador son algunos de los elementos mejor conservados del Art Nouveau en nuestro país, mientras el enorme vitral del techo diseñado por Jacques Grüber en 1908 para coronar esta obra resulta el elemento más vistoso del edificio.
Al tiempo que la mancha urbana de la Ciudad de México se expandía más allá del núcleo urbano, el nacimiento de nuevos barrios como la Colonia Roma y la Americana (actualmente Juárez) significó terreno fértil para casonas con recursos estilísticos propios del Art Nouveau, especialmente en lo que se refiere a la herrería y los vitrales.
Los edificios más representativos de Art Nouveau en CDMX
A unas cuadras de distancia, el edificio que fue el primer Palacio de Hierro (reconstruido tras un incendio como una réplica de la fachada del almacén parisino Le Bon Marché por el arquitecto francés Paul Dubois en 1888) aún guarda detalles Art Nouveau como los mosaicos en verde y oro que persiguen motivos vegetales. Al interior, la estructura de hierro es rematada con un enorme vitral en el techo que provoca un juego de luces cambiante durante el día. Aunque en México el Art Nouveau no se impuso frente a otros estilos arquitectónicos tal y como ocurrió en Europa (el neoclásico y neogótico siguieron aplicándose en edificios públicos aún a finales del siglo XIX, como el Palacio de Minería) , otros edificios como la primera fase del Palacio de Bellas Artes dirigida por Adamo Boari en 1905 abunda en recursos de esta vanguardia arquitectónica, por ejemplo, las serpientes que dan forma a los arcos, la herrería de ventanas y puertas en formas vegetales y otros ornamentos florales que se convierten en rostros.
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