Fotografia by Yuly Córdoba Ardila

Para ser fotĂłgrafo se necesita leer, viajar, enamorarse y odiar, bĂĄsicamente vivirâ&#x20AC;Ś.

FotografĂ Paula Andrea Medina Yuly Cordoba Ardila 6Â° Semestre

rquitectura

Rayografia // Composicion //Fotografia Estenopeica//Origenes & Cronologia

Indice 1

Práctica en el laboratorio: Rayografías usando objetos

La cámara estenopéica-Referentes fotograficos

Practica en el laboratorio: Rayografias usando acetatos dibujados y cartulina negra

Encuadres, planos y ángulos fotográficos-Referentes fotograficos

Práctica fotográfica: Encuadres, planos y ángulos

Práctica en el laboratorio: Fotografía estenopéica

Composión: La unidad. La variedad y el interés. El reslate y la subordinación. El contraste. El peso y el equilibrio. Composición inestable. Composición estable. El movimiento.

Orígenes de la fotografía y cronología de inventos fotografico-Referentes fotográficos

Práctica en el laboratorio: Positivado de rayografías y de fotografía estenopéica

Sophie Calle Es una artista de amplio reconocimiento internacional, nacida en París en 1953, cuyas obras han sido expuestas a lo largo de treinta años en museos y galerías del mundo. Calle ha hecho de su propia vida, de su intimidad, sus impresiones y vivencias el punto de partida de sus creaciones; en este sentido, suyo o identidad se atomiza, se vuelve múltiple al ponerse en juego y hacer de sí misma su materia artística: “Intrusa de su propia intimidad, reveladora de sus propios secretos, Sophie Calle se expone a sí misma como si fuera otra persona que no tuviese nada que ver con ella”. Ficción y realidad, mirar y ser mirado, lo público y lo privado, los deseos y la imposibilidad de realizarlos son algunos de los lugares desde donde esta artista nos habla, develando las altas dosis de fábula e imaginación que necesariamente aparecen en el esfuerzo humano por configurar una “realidad” o una “verdad personal”. La vida de Calle palpita con sus trabajos. Su particular forma de ver el mundo es un regalo para la curiosidad, generalmente un tanto anquilosada, y una batalla perdida para nuestro atrevimiento. Pienso que aburrida o asustada de cómo se plantea la sociedad el concepto de cotidianeidad, Sophie Calle intenta escapar y a veces lo consigue. Es como un pico en un encefalograma plano. Lo que sigue es una relación de sus principales trabajos.

También es posible afirmar que es la mujer anónima que aparece en las fotografías tomadas por un detective contratado por ella misma para verificar su propia existencia en el transcurso de un día (La sombra, 1981).

También es la testigo neutral y objetiva de una serie de desconocidos que durmieron en su cama durante ocho días (Los durmientes, 1979). "Lo que me gustaba era tener en mi cama gente que no conocía, de la calle, que no sabía lo que hacían, pero que a mi me daban su parte más íntima, ver como dormían ocho horas por la noche, como se movían, si hablaban, sonreían. Esta gente no sabía quién era ni qué hacía..."

Es la sombra persecutora de un hombre en las laberínticas calles de Venecia y cuyo impulso era más seducir y sugerir que propiciar un encuentro real (Suite Venecia, 1980). "Regresé a Francia después de pasar siete años en el extranjero. No conocía a nadie. Me sentía perdida en mi propia ciudad. Así que decidí seguir a desconocidos y que fueran ellos quienes decidieran a donde ir. Siempre he estado organizando ritos en mi vida

Sophie Calle es la mismísima María Turner, personaje nuclear de la novela Leviatán (1992) del escritor norteamericano Paul Auster “El autor agradece efusivamente a Sophie Calle que le permitiera mezclar la realidad con la ficción”. A petición mía, durante el mes de abril de 1981, mi madre se acerca a la agencia Duluc. Detectives privados. Pide que me sigan y reclama una relación escrita de mi empleo del tiempo y una serie de pruebas fotográficas de mi existencia." 7

Cámara Estenopeica

Series Fotográficas Se conoce como fotografía estenopeica a la técnica mediante la cual se obtienen fotografías y negativos sin prácticamente nada de equipo. Se realiza con una cámara estenopeica, una de las cámaras fotográficas más sencillas, dotada de película fotográfica y una lámina dotada de un agujero del grosor de una aguja. A este agujero se le denomina estenopo y da nombre a la técnica. En inglés se lo denomina pinhole (agujero de aguja).

Fotografia Estenopeica Es una artista de amplio reconocimiento internacional, nacida en París en 1953, cuyas Es una de las primeras técnicas utilizadas en el ámbito de la fotografía. Sin embargo, aún es practicada esporádicamente tanto por fotógrafos profesionales como por aficionados a la fotografía y a la fotografía artística. Es utilizada sobre todo en esta última por las imágenes borrosas, muchas veces desenfocadas y únicas que se obtienen mediante ella.

CARACTERÍSTICAS DE LA FOTOGRAFÍA ESTENOPEICA La característica principal de las imágenes obtenidas mediante este método es la profundidad de campo infinita. Esto significa que en la fotografía resultante se ve claramente cualquier punto sin necesidad de ningún encuadre especial, como tendría que aplicarse al usar cualquier lente de equipo profesional.

El proceso de obtención de imágenes perfectas es tecnificado con la introducción de fórmulas para distancias focales entre el estenopo y el diámetro del estenopo, convirtiéndola en un género único de carácter rústico e independiente dentro de la fotografía, aunque no muy conocido ni totalmente aceptado por la manera tan simple por la cual se obtienen las imágenes.

CÁMARAS UTILIZADAS Los fotógrafos aficionados a esta técnica generalmente construyen su propia cámara estenopeica, utilizando desde simples cajas de cartón y latas de alimentos hasta la modificación de equipos profesionales como las cámaras réflex o cámaras de fuelle, sustituyendo las lentes por placas con un estenopo.

La película fotográfica o papel sensible a la luz tiene que estar ubicada en la cara opuesta al estenopo, sujeta con cinta adhesiva. Se coloca dentro de la caja en un cuarto oscuro, el cual puede estar iluminado por una luz de seguridad, que generalmente es roja (esto último es únicamente para el papel, la película fotográfica no puede exponerse a la luz de seguridad ya que se vela).

La caja tiene que estar bien sellada en todos sus lados para que no entre la luz y no vele así el material sensible.

Daniel Tubio Nació en Buenos Aires en 1958. Es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano. A partir de 1984 realizó diversos cursos y seminarios de fotografía. Desde 1985 reparte su actividad entre la enseñanza y la creación artística. Es docente en el Taller de Fotografía de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires, en la Licenciatura en Fotografía de la Facultad de Diseño y Comunicación de la Universidad de Palermo y en la Escuela de Fotografía Motivarte. Dirige además su propio Taller de Fotografía.

VISIONES ENCONTRADAS (2003/2004):

El proyecto comprende una serie de fotografías realizadas con una cámara estenopeica que posee un sistema mediante el cual se puede intercambiar el agujero productor de la imagen (estenopo) para utilizar uno diferente en cada toma. La serie busca poner el acento en el hallazgo azaroso del agujero y la intervención del autor en el desplazamiento del mismo hasta el lugar apropiado para capturar alguna de las tantas imágenes proyectadas por los objetos del mundo -de una esquina en particular en este caso- al ser iluminados. La tarea comienza con un recorrido del espacio urbano en busca de agujeros, elementos casi abstractos (los estenopos) que sólo son posibles a partir del vacío, de la ausencia en algún sector del material constitutivo del objeto.

TOPOGRAFÍA (2003/2004): Esta serie corresponde a un trabajo sobre la ciudad de Buenos Aires, concebido y realizado durante el período 2003/2004. Este fotógrafo buscaba un trayecto, cualquier esquina... un punto cotidiano (lugar común) para algunos, una incógnita para otros… determinando un recorrido y haciendo el viaje interesante, diferente , ya que Nadie puede conocerlo y re-conocerlo todo, aunque sepamos que se trata siempre de “nuestra” ciudad.

O'Higgins y Pico (Núñez)

Colodrero y Quesada (Villa Urquiza)

Ilan Wolff Nació en Naharilla (Israel), en 1955, y desde el año 1982 se dedica esencialmente a la fotografía estenopeica con aparatos fabricados por el mismo, a partir de cajas recuperadas. El fotógrafo, uno de los pocos que usa la antigua técnica de la cámara oscura, considera su manera de trabajar "como una filosofía de vida alejada de la revolución permanente de la técnica, las prisas y la ausencia de tiempo para reflexionar y donde involucro a la naturaleza en el proceso de la creación de la imagen“. Wolff tiene la habilidad de fabricar una cámara de cualquier recipiente, una lata de refresco, un pimiento, su propio coche o toda una habitación. Un hombre que resiste al tiempo y a sus avances para seguir utilizando técnicas añejas pero no por ello menos efectivas, con resultados diferentes que le brindan a sus imágenes un toque misterioso que pocos pueden lograr. “Mi idea es que, con la fuerza del ser humano y la energía de la naturaleza, puedo crear fotografías. Y ahí está la base de la fotografía”, dice Wolff.

1982-1992: ÁMSTERDAM Durante este periodo da rienda suelta a su imaginación. Amplía su técnica, comienza a utilizar como cámara fotográfica cilindros metálicos con un agujero. Huye así del consumismo exacerbado presente en la fotografía. Ilan sólo utiliza para crear… una lata. Remontándose a los orígenes de la fotografía, haciendo uso de la cámara oscura como método.

1987- 1990: AFINCADO EN NUEVA YORK Y AMSTERDAM En el año 1988 se traslada a Nueva York, atraído por la beca de dos años que le concedió la compañía fotográfica Kodak, para que realizara fotografías a los rascacielos de la ciudad. Dichas obras se encuentran expuestas en el Museo de Bellas Artes de Long Island, en Nueva York.

1992-1997: REGRESO A EUROPA En su regreso al viejo continente se afinca en París. Este es un punto crucial en su carrera creativa. Realiza en este momento su primer trabajo desde dentro de la propia cámara oscura. Transforma su estudio en una cámara “pin hole ”. Agujerea su furgoneta. Ahora viaja en una cámara sobre ruedas. Él mismo se introduce dentro del vehículo durante la exposición. Es la técnica denominada “pinograma ”. En papel sensible dibuja, adhiere objetos, baila… El resultado es una mezcla de todo ello en una fotografía. Sobre ellas queda reflejado su mundo interior.

2010: CABO DE GATA (ALMERÍA, ESPAÑA) Desde 2010, Wolff ha fijado su residencia en nuestro país, donde imparte talleres en los que enseña las técnicas más antiguas de la fotografía , como pueden ser el fotograma, las emulsiones o la cámara oscura. En esta etapa lleva a cabo diversos proyectos, tanto por toda Andalucía (principalmente, en el Cabo de Gata, donde reside), como en otras provincias, siendo uno de los más importantes el que muestra esta exposición: los monumentos 15 más emblemáticos de Segovia.

Práctica en el laboratorio: Fotografía estenopéica

PRÁCTICA EN EL LABORATORIO: POSITIVADO DE RAYOGRAFÍAS Y DE FOTOGRAFÍA ESTENOPÉICA

Cuadros planos & angulos Series Fotográficas En la fotografía se encuentran distintos elementos, los cuales al trabajarse se pueden adquirir imágenes adecuadas dependiendo del concepto o la idea que se quiera transmitir, por lo que el encuadre; genera un campo de visibilidad acorde con los elementos, los planos buscan una relación entre elemento/sujeto con el contexto y el empleo adecuado de la cámara; respecto a su posición busca o completa dicha idea, ya que acentúa o no algo de dicha imagen.

Desarollo del encuadre Es la selección del campo abarcado por el objetivo en el que se tiene en cuenta el tipo de plano, el ángulo, la altura y la línea de corte de los sujetos y/u objetos dentro del cuadro, y su precisa colocación en cada sector, para lograr la armonía de la composición.

Dese SEGUNDO PLANO LA IMAGEN Suele estar compuesta de un primer plano, un segundo plano y un fondo. La separación de diversos planos se realiza considerando las diferencias tonales. Para atraer la atención sobre algún elemento en primer plano, hay que desenfocar el fondo abriendo mucho el diafragma.

ENCUADRE SIMPLE Podemos añadir un elemento extra en una composición, encuadrando el tema principal dentro de una forma del primer plano o del fondo. La profundidad y el equilibrio de la composición son importantes ENCUADRE COMPUESTO Este tipo de encuadre fotográfico, trata de ilustrar una imagen dentro de otra.

Es decir, en la misma composición un elemento se encuadra con otro dentro de la misma fotografía, haciéndola destacar dentro de la misma. 20

PLANOS §En fotografía se habla de plano cuando se indica la proporción que tiene el objeto fotografiado con respecto a su entorno. §Es decir, en el plano lo relevante no es la posición de la cámara como en los ángulos, sino que la porción del objeto que debe aparecer en la toma

PLANO GENERAL O PLANO LARGO

PLANO AMERICANO O 3/4 se le denomina también plano medio largo o plano de 3/4, encuadra desde la cabeza hasta las rodillas. Se le llama americano porque era utilizado en las películas de vaqueros para mostrar al sujeto con sus armas.

EL PLANO MEDIO (P.M.) encuadra desde la cabeza a la cintura. Se correspondería con la distancia de relación personal, distancia adecuada para mostrar la realidad entre dos sujetos. Por ejemplo una entrevista entre dos personas.

PLANO MEDIO CORTO El Plano medio corto (P.M.C.) encuadra al sujeto desde la cabeza hasta la mitad del torso. Este plano nos permite aislar una sola figura dentro de un recuadro, y descontextualizarla de su entorno para concentrar en ella la máxima atención.

Planos PRIMER PLANO En el caso de la figura humana, recogería el rostro y los hombros. Este tipo de plano, al igual que el Plano detalle y el Primerísimo primer plano, se corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad respecto al sujeto.

PRIMERISIMO PRIMER PLANO Denominado también Muy cerrado. Se utiliza para resaltar un área en particular del cuerpo o del objeto. Si se centra en la cara pueden ser los ojos, la boca, las orejas. En el cuerpo se muestran los pies, las manos, el hombro, entre otros

PLANO DETALLE El Plano detalle en el retrato recoge una pequeña parte del cuerpo, que no necesariamente se tiene por qué corresponder con el rostro. §En esta parte se concentra la máxima capacidad expresiva, y los gestos se intensifican por la distancia mínima que existe entre la cámara y el protagonista, permitiendo enfatizar el detalle que deseamos resaltar.

ANGULACIÓN DEL ENCUADRE TOMA CENITAL :Es cuando la imagen se toma en un ángulo totalmente de arriba hacia abajo, en posición perpendicular con respecto al suelo. 

Produce una gráfica sin perspectiva (profundidad)

TOMA EN PICADO: Es cuando la imagen se toma desde una posición más alta que el objeto fotografiado, de arriba hacia abajo. 

Produce una gráfica con perspectiva (profundidad

TOMA A NIVEL :Es cuando la fotografía se realiza desde el mismo nivel del objeto tomado, ni por encima ni por debajo de él. •Sirve para mostrar o describir algo de manera "natural" u "objetiva".

TOMA EN CONTRAPICADO :Es cuando la fotografía se realiza desde un lugar más bajo que el motivo tomado, quedando este más alto que la cámara. 

Produce una gráfica sin perspectiva (profundidad)

TOMA NADIR :Es cuando la imagen se toma en un ángulo totalmente de arriba hacia abajo, en posición perpendicular con respecto al suelo. 

Produce una gráfica sin perspectiva (profundidad 23

LYLE OWERKO Es un cineasta y fotógrafo canadiense (nacido en Calgary, Canadá, vive en Tribeca, Manhattan) que ha documentado una amplia gama de temas, desde patinadores urbanos a miembros de la tribu Samburu de Kenia.

Sin embargo, su imagen más emblemática es la fotografía del 2º avión al chocar contra la segunda torre del World Trade Center el 11 de septiembre, que apareció en la portada de la revista Time en 2001. A menudo, trabaja con las organizaciones de derechos humanos, como Charity: Water and the United Nations Millennium Promise. Owerkofusiona con frecuencia el arte con una misión social.

En 2006 Owerko viajó a África como parte de la iniciativa Dr. Jeffrey Sachs’ Millennium Promise, que documenta las vidas de las personas Lau de Sauri, en Kenia. Las iniciativas actuales van desde la exposición multimedia, para una instalación de arte con retratos a gran escala de la tribu Samburu Warrior.

Su trabajo ha sido presentado en la revista Communication Arts, The New York Times, The Village Voice, New York Magazine, BlackBook y NPR. Una parte de su trabajo personal como fotógrafo se puede ver en el libro publicado And No Birds Sang, con imágenes que tomó del 11 de septiembre de 2001.

Fotografía y Bellas Artes En 2005 Princeton Architectural Press publicó de Jennifer Nuevo libro de dibujo del natural , que contó con los diarios de Owerko así como los de Mike Figgis , David Byrne , Carol Beckwith y Maira Kalman. En 2010 Abrams publicó tórica de la historia de nal. Ese mismo año "Hasselblad Master" por arte.

El Proyecto Boombox , su visión hisun icono de la cultura pop semiHasselblad Cámaras lo nombró su trabajo como reportero gráfico

El trabajo de Lyle se puede ver en muchos museos y colecciones privadas incluyendo el Victoria & Albert de Londres, que tiene parte de su Boombox colección en su archivo permanente del siglo 20 objetos de importancia histórica. Su obra puede verse en la Galería Clic en Nueva York, Jackson Fine Art en Atlanta, y Whisper Fine Art en Londres.

Periodismo En 2005, la Sociedad Americana de Editores de Revistas clasificado como el 25 de una lista de los 40 más importante revista cubre en los últimos 40 años. Una parte del trabajo personal del Owerko como fotógrafo se puede ver en el libro publicado y ningún Aves Sang , con imágenes que tomó desde 11 de septiembre 2001.

Videos Musicales Owerko ha trabajado con un número de músicos como Jesse Harris , Rufus Wainwright y American Hi-Fi . Él grabó el video musical del primer sencillo en Jesse Harris 2007 álbum Feel. También dirigió un documental de la gira de la gira de American Hi-Fi 2001 y su foto de un boombox rota se convirtió en la portada para el álbum de Rock n'Roll Tienda de fideos: En directo desde Tokio.

Emnet Gowin Emmet Gowin (Danville, Virginia, 1941) es uno de los fotógrafos más originales e influyentes de los últimos cuarenta años, tanto por su obra como por su actividad docente en la Universidad de Princeton, donde ha enseñado a varias generaciones de fotógrafos. Se dio a conocer en la década de 1970 con sus retratos íntimos de su esposa, Edith, y su familia. Más tarde dirigió su atención a los paisajes del oeste americano, tomando fotografías aéreas de lugares que habían sido cambiados por los seres humanos o de la naturaleza, incluyendo el sitio de Hanford , Mount St. Helens , y el Sitio de Pruebas de Nevada . Gowin enseñó en la Universidad de Princeton durante 25 años y ha influenciado a toda una generación de nuevos fotógrafos a través de su propio trabajo y su carrera académica. Gowin ha sabido desarrollar una voz poética inconfundible, profundamente original, sin atender a la presión de los movimientos artísticos del momento y ligada a la realidad y a la vida. Uno de los principales valores de su obra reside en la simplificación. Lejos del instante preciso, deja a un lado la arrogancia y es capaz de hacer visible los momentos vividos con tanta naturalidad que nos sorprende la magia que la cotidianeidad puede producir.

Por su depurada técnica artesanal y su preocupación por el acabado, Gowin es uno de los mejores impresores de fotografía de la historia. Su sentido innato de la composición y sus originales puntos de vista son insuficientes para explicar por qué sus imágenes logran conmovernos como lo hacen. “La fotografía da cuerpo físico a nuestra experiencia”, dice Gowin; por tanto, lo que nos conmueve depende de esa idea que se hace visible más allá de la forma. Podría decirse que sus fotografías son como poemas que contienen trazos de sus pensamientos íntimos.

Aunque Gowin se siente deudor del magisterio y amistad de fotógrafos como Harry Callahan y Frederick Sommer y de la influencia de otros artistas, como William Blake, la originalidad de su obra descansa desde mediados de los años sesenta en un tema: su mujer, Edith, la familia de ésta y el entorno en el que viven. Sin abandonar nunca los retratos de su mujer, su obra se fue desplazando desde ese entorno familiar e íntimo hacia el paisaje, un tema con el que mantiene la misma conexión emocional. La naturaleza, en el sentido de hábitat común, de la casa de todos, cobra sentido en su fotografía.

En los paisajes agrícolas italianos modelados por el hombre, en los inmensos paisajes americanos devastados por el efecto de las pruebas nucleares, en los paisajes checos destrozados por la explotación masiva de los recursos naturales, o en las vistas de la antigua ciudad de Petra, encontramos ese mismo impulso creativo que emana de una sensibilidad única: todo está enlazado por una sincera preocupación y respeto por la naturaleza. Gowin quiere comprender nuestra relación con la tierra, una especie de ofrenda que, a través de su obra, comparte con nosotros.

Prรกctica fotogrรกfica: Encuadres, planos y รกngulos

ENCUADRE SIMPLE ENCUADRE COMPUESTO

SEGUNDO PLANO LA IMAGEN

PLANOS

PLANO GENERAL

PLANO LARGO PLANO MEDIO

PLANO MEDIO CORTO PLANO AMERICANO O 3/4 29

Planos PRIMER PLANO PRIMERISIMO PRIMER PLANO

PLANO DETALLE 30

TOMA NADIR

TOMA A NIVEL

TOMA EN PICADO

TOMA CENITAL

TOMA EN CONTRAPICADO

Composición Series Fotográficas

En fotografía, ya sea fija o en cine, la composición es la forma en la que se ordenan los objetos vistos dentro del encuadre, dentro de lo que efectivamente queda en cuadro. La perspectiva, el horizonte, la diagonal, la "A", la imagen horizontal, la imagen vertical, el centro de interés, el fondo, el contraste, el equilibrio, son elementos a tener en cuenta a la hora de componer el cuadro, estos conceptos vienen originalmente de la pintura.

Principios de composicion Los principios de diseño guían a los artistas en la resolución de problemas visuales así como un matemático usa los teoremas para proveer una hipótesis. No obstante, un artista los usa como directrices que no son leyes. Aprenderás que el lenguaje del arte ayuda a organizar un material gráfico, pero no dirige la creatividad para expresar ideas y sentimientos. A continuación listamos algunos de estos principios de diseño y como te ayudan a clasificar un objeto artístico. Prueba y familiarízate con ellos y decide como se usa cada uno en el arte que estás mirando. Después de leer los principios de diseño, puedes visitar los dos museos para ver algunos ejemplos del uso de estos principios. Componer no es otra cosa que aplicar principios, leyes o reglas a elementos dispuestos sobre un plano. Estos principios son nombrados como: 1. Unidad 2. Variedad 3. Contraste 4. Énfasis – Centro de Interés 5. Repetición 6. Ritmo 7. Modulación - trama 8. Movimiento 9. Equilibrio - Balance 10. Jerarquía

UNIDAD. Cuando un conjunto de cuerpos organizados, relacionados entre sí, representan uno solo. Cada elemento sobre el plano ejerce fuerzas y tensiones, el conjunto de estos elementos y sus fuerzas - relacionados se constituye en unidad. Algunos principios sobre la unidad son: Continuidad Repetición Continuación Proximidad continuación 1. Unidad por continuidad. La unidad por continuidad sucede cuando los elementos de la composición se articulan en torno a la construcción del mensaje, si bien los círculos varían en el tono del color esto no afecta la construcción mental del triangulo que se forma en la alineación de dichos elementos. Significando así, que la unidad se construye sin importar la naturaleza de los elementos de la composición. 2. Unidad por repetición Uso del mismo elemento, característica o lógica de disposición para construir la composición composición. 3. Unidad por continuación. La continuación se da por la conexión que expresan los elementos sobre el plano. En este caso la diferencia de tamaños da una sensación de profundidad que transmite movimiento pero también la relación entre ellos. 4. Unidad por proximidad La cercanía de los elementos hace que los captemos como una unidad, unificando los elementos de la composición.

Principios de composicion CONTRASTE. Definido como la contraposición, comparación o diferencia notable que existe entre los elementos. Se puede expresar como la combinación y relación de formas, colores tamaños, texturas, posición de elementos en un espacio definido, buscando una concordancia armónica entre sus partes. El contraste nos ayuda a diferenciar una forma de otra, es el elemento de diseño más importante partiendo de que sin él no se distinguiría una cosa de otra.. En toda obra de arte existe un fondo y una figura, por lo que el contraste es el principal elemento de diseño.

CONTRASTE DE COLOR Y TONO Se da cuando se contraponen colores de valor diferente. El tono tiene mayor fuerza que el propio color en el establecimiento del contraste. Dentro de las dimensiones del color (el matiz, el tono y el croma) el tono domina. Después de la cualidad tonal, el contraste de color más interesante es la se establece en cuanto a cálidos-fríos. Como se ve en el tema color, las gamas frías verdes-azules tienen un carácter regresivo, mientras que las gamas cálidas rojos-amarillos, tienen un carácter expansivo. Mediante la utilización adecuada de la temperatura de color en diferentes elementos de la composición podremos dar mayor dimensión a un determinado elemento o bien dar la sensación de mayor proximidad. El contraste complementario es el equilibrio relativo entre cálido y frío, en concreto Munsell establece, en base a su teoría del contraste simultáneo, que el color complementario es el que se sitúa en el lugar exactamente opuesto de la rueda de colores. La utilización de tonos muy contrastados, claridad-oscuridad, establecen el contraste tonal. El mayor peso tonal lo tendría aquél elemento con mayor oscuridad o intensidad tonal, a medida que elimináramos tono al elemento perdería fuerza y dimensión dentro de la composición, por lo cual deberíamos redimensionarlo para que siguiera manteniendo su peso en el conjunto del diseño. 36

VARIEDAD. Es la organización de elementos contrastantes dentro del conjunto. Se refieren a todos los elementos disponibles para la construcción de la composición. El objetivo de la variedad es despertar el interés. La variedad (también conocida como la alternancia) es la calidad o estado de tener diferentes formas o tipos. Las diferencias que dan un interés de diseño visual y conceptual: en particular el uso de contraste, el énfasis, la diferencia en el tamaño y color.

La variedad es una cualidad del contraste, la cual permite la relación de varias formas, figuras o elementos, de formas distintas y con diferentes colores y texturas, pero su uso debe ser racional con mucha lógica, correspondencia y balanceado, por que podría caerse en un desorden y no lograr unidad, convirtiéndose en un muestrario de formas, texturas y colores.

En un sentido, la variedad constituye una parte inevitable del esquema. El contraste es variedad, y ya hemos visto cómo la forma misma se construye a base de contrastes. Tenemos que controlarlos, utilizando el tipo y el grado exactos en el lugar adecuado, para asegurar la unidad. (Un contraste excesivo, o de tipo inadecuado, destruye la unidad).

Otra clase de variedad es la que está implícita en lo dicho sobre las distintas maneras en que un esquema de figuras puede organizarse en la percepción. Hay una variedad absoluta, similar a la disonancia en música: algo que está en contraste total con el sistema general de relaciones. 37

Composicion estable /inestable CENTRO DE INTERÉS: vendría siendo como el punto de tensión es donde se va todo el interés del observador, es decir es lo que capta más la atención, debe ser el elemento dominante que dé sentido a una imagen.

EL PESO Y LA DIRECCIÓN visual son los principales factores de los que depende el equilibrio de la composición. El concepto del peso visual hace referencia a la fuerza, a la capacidad de atracción de un elemento en la composición. La parte superior de una imagen es más inestable y pesa más que la inferior. Lo mismo sucede con la derecha respecto de la izquierda. Por eso necesitara menores dimensiones reales para ser percibidos como semejantes y transmitir la sensación de equilibrio. La dimensión psicológica de inestabilidad es paralela a la de peso visual: más inestabilidad provoca mayor peso visual. Se debe a dos factores, entre otros: la ley de la gravedad y la experiencia perceptiva así como los hábitos de lectura o ccidental. Además de la localización, sobre el peso visual influyen otros factores: El tamaño: en una misma zona de la superficie de la imagen, el aumento de tamaño implica un aumento de peso visual. Forma: Las formas regulares suelen pesar más que las irregulares. Color: los colores claros suelen pesar más que los oscuros, y las tonalidades cálidas más que las frías. Aislamiento: cuanto más aislado se encuentre un elemento, mayor peso visual posee. Tratamiento superficial: los elementos con un acabado texturado pesan más. El centro visual es el climax delinterés de una imagen, visualmente hablando es donde su tema principal confluye(Algo visto en los ordenamientos de la Gestalt Figura-fondo): La última cena de Leonardo da Vinci es un buen ejemplo de la antigüedad sobre el manejo del interés en un cuadro, donde la imagen es en un formato tal que tiene diversos centros de interés visual, lo que acaba con el mito de que una foto o imagen solamente debe tener un centro de interés visual:

1. SIMETRIA. Distribución adecuada y equilibrada de formas y espacios alrededor de una línea (llamado eje) o de un punto (o centro) común. Lo general es el equilibrio la simetría viene a ser un forma especifica de equilibrio. Existen dos tipos - Simetría bilateral:, Simetría central. 2. EJE. Es el elemento mas elemental para organizar, más o menos regularmente, formas y espacios arquitectónicos. 3. TRANSICIÓN. Son progresiones limitadas en las que se producen un cambio cualitativo sin la alteración de lo formal. Por ejemplo, abierto a cerrado. 4. ADICIÓN Y SUBSTRACCIÓN. Es el proceso de anexar o agregar y de segregar formas construidas para crear una arquitectura o composición. 5. ARMONÍA. Es la perfecta proporción, integración, interrelación y concordancia de una cosa con otra o de los elementos con un todo. 6. CARÁCTER. Es una cualidad que permite identificar la función y utilidad de un espacio o elemento, sin necesidad de penetrar en él. La expresión del carácter esta impregnado de sencillez, sinceridad, fuerza, unidad armoniosa y perfecto equilibrio. Una composición sin carácter es inexpresiva. 7. COHERENCIA. Es una perfecta relación tanto funcional como formal de los elementos que conforman el espacio o la composición. 8. CLARIDAD. Expresión muy utilizada en el diseño y denota franqueza y sinceridad en el diseño, denota franqueza y sinceridad en la utilización de formas y en la relación de los espacios. Para que exista una claridad física debe existir primero un claridad mental y conceptual. 39

Nan Goldin Nace en 1953 en una familia de origen judío en Washington D.C., pero crece entre varias familias adoptivas de distintas ciudades de Nueva Inglaterra. En 1965, sucedió un acontecimiento que marcaría a Nan Goldin de por vida: el suicidio de su hermana mayor. Perturbada por esto, Nan decidió refugiarse con sus amigos, ya que las familias tradicionales y la vida convencional no eran precisamente lo idóneo para ella. Pronto ingresó a la escuela alternativa Satya Community School, localizada en la comunidad de Satya en Lincoln, Massachusetts, donde conoció a dos personas que fueron grandes influencias en su obra: David Armstrong y Suzanne Fletcher. Así, Goldin comenzó a sentir la pasión por la fotografía, con ella intentaba capturar el presente para no olvidarlo jamás. También entró al ambiente de los drag queens de Staya y se hizo amiga de muchos de ellos, por lo que se dedicaba a fotografiar festivales y eventos. Se involucraba en el proceso de travestismo y se concentraba principalmente en las miradas, pero esas miradas hacia dentro, introspectivas, de algún modo narcisistas. En 1978, Goldin se mudó al barrio de Bowery en Manhattan. En esta época, el trabajo de esta fotógrafa se destaca por sus retratos de la vida con excesos, el abuso de drogas, la vida nocturna y la promiscuidad, lo que era el lugar común del círculo de sus amistades. Al respecto, Goldin escribió: "Creo que uno debería crear a partir de lo que conoce y hablar sobre su propia tribu. 40

A partir de la década de 1970, Nan Goldin ha tomado fotografías intensamente personales, espontáneas, sexuales y transgresoras de sus familiares, amigos y amantes. La Balada de la Dependencia Sexual (el nombre le dio a su constante evolución show) eventualmente se convirtió en una presentación multimedia de cuarenta y cinco minutos de más de 900 fotografías, acompañada de una banda sonora musical. Goldin fue admitida en la Legión de Honor francesa en 2006 y recibió el Premio Internacional Fundación Hasselblad en 2007. En 2012 La Colonia MacDowell otorgado Goldin la Medalla Edward MacDowell por su visión perdurable y la creatividad. También en 2012, el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro montado una exposición de la obra de Goldin. Goldin vive y trabaja en París y Nueva York. "Mi obra proviene originalmente de la estética de las instantáneas... las instantáneas las tomo con amor para recordar gente, lugares y momentos especiales. Éstas crean historia al documentar la historia." Son las palabras que la fotógrafa Nan Goldin, utiliza para describir su obra y filosofía personal. El trabajo de esta fotógrafa está ligado íntimamente con su historia, como si se tratara de una bitácora, un diario o una caja negra de avión para no olvidarse de sí misma. La nostalgia de lo vivido es el motor que la lleva a producir, pero en sus imágenes aparece como su sello personal, es el velo que recubre las habitaciones y los rostros de las personas que ella acepta como amigos.

Erwin Kraus Erwin Kraus fue un montañero, pintor y fotógrafo colombiano, de origen alemán (nacido en 1911 en Bogotá y fallecido en el 2000) que fue primer escalador de los picos de los Andes de Colombia, un reconocido hito de la historia de la fotografía en Colombia y pintor paisajístico de temas de alta montaña. Erwin Krauss ha sido uno de los pocos fotógrafos colombianos que a lo largo de toda su carrera se dedicó de manera consistente a un solo tema: La alta montaña colombiana. El trabajo fotográfico de Kraus, al igual que su pintura, siempre estuvo estrechamente ligado a su actividad como montañista. Desde muy joven se interesó por ambos quehaceres y se mantuvo fiel a ellos en la medida en que su condición física se lo permitió. Las fotografías de Kraus, realizadas en su mayoría alrededor de la mitad del siglo XX fueron, por varias décadas, no solo el primero sino el único documento sobre nuestros páramos y nevados, lugares lejanos e inhóspitos a donde muchos colombianos nunca se han acercado. Escalar la alta montaña fue para Kraus algo que para él tuvo un profundo e importante significado espiritual y filosófico, lo que se evidencia en la intensidad y la calidad con la cual fotografió estos lugares durante más de dos décadas. Esta conexión tan profunda entre la vida de una persona y su trabajo artístico no es frecuente en la historia del arte y es uno de los aspectos más valiosos del trabajo artístico de Kraus.

“Subir una montaña no es un deporte como tal sino una filosofía. Uno encuentra un reto en la montaña, pero no es ella la que lo plantea, sino que el reto está dentro de uno mismo. Uno trata de escalarla y de verla, de sentirla e intenta compaginarse con ese tipo del globo terráqueo, y tiene acceso a cosas que los demás mortales no ven porque no van. ¿Que se trata de una relación espiritual? ¡Indudablemente!” Kraus no iba a la montaña para hacer fotografía. Hacía fotografía para recordar sus vivencias en la montaña y compartir con otros estas experiencias. Aunque no se lo propuso conscientemente, al ver todo su trabajo en conjunto, se puede vislumbrar lo importante que eran para él las montañas desde el punto de vista espiritual. Vittorio Sella, conocido fotógrafo montañista italiano de finales del siglo XIX, decía que el esfuerzo físico y las dificultades propias de la escalada muchas veces no permiten retener fielmente en la memoria la belleza de lo que se observa y las fotografías están ahí para llenar esos vacíos. Muchos escaladores no se toman ni siquiera la molestia de disfrutar el paisaje y mucho menos de establecer una relación espiritual con él. Sella se lamentaba de la escasez de sentimientos y cualidades morales de muchos de sus acompañantes en quienes “no se podría encontrar ni una pizca de poesía ni un interés en las cosas verdaderamente bellas así se buscara con un microscopio”. Erwin Kraus se mantuvo fiel a la temática de la alta montaña a lo largo de toda su carrera. Escaló, fotografió y pintó incansablemente sin realmente prestarle mucha atención a sus críticos y detractores. No consideró su fotografía como algo más que un recordatorio y se reconocía a sí mismo un fotógrafo aficionado.

Steve Mcurry Nació en Filadelfia y se graduó cum laude en la Universidad Estatal de las Artes y Arquitectura de Pensilvania. Tras trabajar durante dos años en un periódico, se fue a India como fotógrafo freelance. Ahí aprendió a observar y esperar. Según sus propias palabras, “si eres paciente, la gente olvida tu cámara y deja aflorar su alma”. Conocido mundialmente como uno de los mejores “creadores de imágenes” actuales, es especialmente famoso por sus evocadoras fotografías en color. Ha sabido capturar la esencia de la lucha y la alegría humanas. También ha cubierto otros conflictos internacionales como la guerra entre Iraq e Irán o la Guerra del Golfo. Su carrera como fotoperiodista comenzó con su cobertura de la guerra soviética. En Afghanistán McCurry se disfrazó con las vestimentas del país para pasar inadvertido al trabajar, y sacó los carretes del país cosiéndolos entre la ropa. Sus imágenes estuvieron entre las primeras que retrataron el conflicto y tuvieron una amplia circulación. Ese trabajo le hizo ganar la medalla de oro Robert Capa(Robert Capa Gold Medal) al mejor reportaje fotográfico en el extranjero. McCurry continuó cubriendo conflictos internacionales, incluyendo la guerra entre IránIraq, Beirut, Camboya, Filipinas, la guerra del Golfo y Afghanistán. Su trabajo ha sido publicado en revistas en todo el mundo, y es un contribuyente asiduo de National Geographic. Es miembro de la agencia Magnum desde 1986.

Su foto más reconocida es "La niña afgana", hecha de una anteriormente desconocida refugiada afgana. La imagen en sí misma fue considerada como "la más reconocida" en la historia de la revistaNational Geographic y su cara se convirtió en famosa como portada en Junio de 1985. La foto también ha sido ampliamente usada en panfletos, posters y calendarios de Amnistía Internacional. La identidad de la "niña afgana" fue desconocida durante al menos 15 años hasta que McCurry y un equipo de National Geographic localizaron a la mujer, Sharbat Gula, en 2002. Su carrera alcanzó un punto decisivo cuando, vestido con ropas tradicionales, cruzó la frontera pakistaní y entró en territorio afgano controlado por los rebeldes, justo antes de la invasión soviética. Cuando salió, tenía rollos de película cosidos a su ropa con imágenes que darían la vuelta al mundo como las primeras que mostraron el conflicto. Este trabajo le hizo ganar la medalla de oro de Robert Capa al mejor reportaje fotográfico del extranjero, premio dedicado a los fotógrafos que muestran un valor e iniciativa excepcionales. No plasma únicamente las consecuencias de las guerras sobre los paisajes y el terreno, sino que se centra en las consecuencias que se perciben en los rostros humanos. La obra de McCurry ha sido recogida en las revistas más importantes del mundo y con frecuencia aparece en National Geographic, que ha publicado artículos recientes sobre el Tíbet, Afganistán, Iraq, Yemen y los Templos de Angkor Wat, en Camboya. 45

Origen & Cronología Series Fotográficas

La aparición de la fotografía y su posterior evolución han ido ligadas a dos técnicas completamente independientes pero que, complementadas, dan lugar al registro fotográfico: La captura de la imagen, es decir, de la luz que reflejan los objetos. La fijación por distintos medios para conseguir un registro permanente.

Historia de la fotografia La palabra, "Fotografía" tal y como la conocemos ahora, la utilizó por primera instancia en 1839 Sir John Herschel. En ese mismo año se publicó todo el proceso fotográfico. La palabra se deriva del griego foto (luz) y grafos (escritura). Por eso se dice que la fotografía es el arte de escribir o pintar con luz. Varias décadas antes, De la Roche (1729-1774) tras su investigación hizo una predicción asombrosa en un trabajo literario de nombre Giphantie, donde era posible la captura de imágenes de la naturaleza en una lona cubierta por una sustancia pegajosa, proporcionando una imagen idéntica a la real. Esta imagen sería permanente después de haberla secado en la oscuridad. De la Roche no se imaginaba siquiera que la narración de su cuento imaginario podría llegar a ser verídico varios años después.

LA CÁMARA OSCURA Aristóteles en el

s. IV a.c.

utilizó un artilugio

que proyectaba en una caja, a través de un pequeño oriﬁcio, una imagen invertida. Utilizó este aparato para capturar la imagen de eclipses. En el Renacimiento, se mejora con una lente convergente, lo que permite agrandar el agujero y obtener una imagen más luminosa y más nítida En el siglo

XVIII

se coloca un espejo a 45º pa-

ra obtener la imagen captada sobre una superﬁcie horizontal.

LA HELIOGRAFÍA Nicéphore Niépce consigue, en 1816, ﬁjar imágenes sobre un papel impregnado de cloruro de plata. Se necesitan 8 horas de exposición y las imágenes obtenidas se pierden con facilidad. Registro de Niépce más antiguo que se conserva: Punto de vista desde la ventana de Gras

(1826) EL DAGUERROTIPO En

1829,

Niépce se asocia con Louis Dague-

rre, que consigue ﬁjar sobre una placa metálica una imagen positiva y duradera. Se consigue acortar el tiempo de exposición, la cámara de Daguerre solamente necesita entre 5 y 40 minutos en función de la luminosidad. Hacia

1843 existen tres líneas de evolución de

los procedimientos fotográﬁcos:• Los equipos se fueron haciendo más ligeros y su precio se fue reduciendo.• Los ópticos perfeccionaron las lentes utilizadas en los equipos.• Se mejoró el rendimiento de los materiales sensibles a la luz. 49

Historia de la fotografia EL CALOTIPO El inglés William Fox Talbot inventa en 1841 un procedimiento por el que se registra una imagen negativa en un papel recubierto de nitrato de plata, que luego hay que revelar para obtener la imagen positiva.• Le dio el nombre de calotipo. De inferior calidad al daguerrotipo, ofrece la comodidad del papel, la reducción de los tiempos de exposición y la posibilidad de obtener copias a partir del negativo.• Las placas debían ser preparadas en el momento de la fotografía y reveladas inmediatamente después.

LA FOTOGRAFÍA MODERNA Hacia 1888, se comienza a utilizar la celulosa como soporte de las emulsiones sensibles.• De esta forma las placas pueden ser preparadas con anterioridad y pueden enviarse a un laboratorio para su revelado.• Las emulsiones son mucho más sensibles y necesitan muy poco tiempo de exposición. Ya podemos hablar de instantáneas.• En 1884, el norteamericano George Eastman inventa el rollo fotográﬁco. El primer carrete consta de 24 exposiciones.• En

1888 comercializa una cámara con un cargador de 100

exposiciones. La cámara se envía a un laboratorio para su revelado y se devuelve al usuario cargada de nuevo. La denomina cámara Kodak.

1900,

la empresa Kodak saca al mercado su cámara Brownie, de fácil uso y de la que se

comercializaron varios modelos durante 68 años. En

1893,

Thomas A. Edison inventa el rollo de película perforado de 35 mm., el utilizado

mayoritariamente hasta la llegada de la fotografía digital, aunque originalmente estaba estimada a ser utilizada en el recién nacido cinematógrafo.

1924

Oscar Barnack empleó esta película en

una cámara de sui invención, la famosa Leica I, comercializada en

1925.Gracias

a su pe-

queño tamaño y a su bajo coste se hizo famosa entre los fotógrafos profesionales y los aﬁcionados. Con la aparición de la película de color Kodachrome en 1935 y la de Agfacolor en 1936, con las que se conseguían trasparencias o diapositivas en color, se generalizó el uso de la película en color. En

1947, Erwin Land inventa el procedimiento

Polaroid para la obtención de revelados instantáneos directamente de la cámara. La última gran revolución en historia de la fotografía es la sustitución del rollo de película por un sensor electrónico sensible a la luz. En vez de negativos, se obtienen archivos digitales con la información del registro de la imagen. En

1975,

un técnico de la casa Kodak, Steve

Sasson, fabrica la primera cámara digital película. Pesaba más de 4 kg. y tardaba 23 gundos en procesar y grabaren una cinta cassette una fotoen blanco y negro 0,01megapíxeles. En

1989,

sin sede de

la empresa japonesa Fuji fabrica la

primera cámara digital disponible para su comercialización, la Fujix DS-1P, que tiene una resolución de 0,4 megapíxeles y vuelca sus archivos en tarjetas intercambiables. En

1995

aparece la primera cámara digital

con pantalla LCD incorporada para visualizar las fotos, la Casio QV-10

1995-2000

los componentes electrónicos ha

favorecido el desarrollo de cámaras más pequeñas, ligeras y con mayor resolución a precios asequibles. 51

Helmut Newton Nacido en Berlín en 1920 en el seno de una familia judía acomodada, Helmut Newton era un niño delicado propenso a los desmayos. Cuando tenía alrededor de 8 años, su hermano comenzó a mostrarle los barrios bajos de Berlín, habitado por prostitutas como el 'Erna Roja', quien vestía botas altas y un látigo. Helmut recuerda, "mis ojos estaban como fuera de sus órbitas". Pero los Newton vivía en el otro extremo de la escala social, de vacaciones en lujosos spas y hoteles europeos que más tarde se convertirían en sus contextos. A los 12 años ahorró dinero para comprar su primera cámara. Años más tarde se decidió a viajar al extranjero y convertirse en un reportero famoso. "En 1936 hice arreglos para que me echaran de la escuela por ser un estudiante sin esperanza", decía Newton. Con la ayuda de su madre comenzó a trabajar como aprendiz para una fotógrafa de moda y retrato. Respuesta profética de su padre con el camino elegido fue: "Hijo mío, vas a terminar en los bajos fondos". El exilio dio a Helmut Newton la primera oportunidad profesional de trabajar como fotógrafo. De aquellos últimos años del 30 huyendo del exterminio de los judíos por parte de los nazi al 23 de enero de 2004, día en el que muere en un trágico accidente de tráfico. Aquel desconocido fotógrafo joven entremedias llegó a convertirse en una auténtica leyenda. Una leyenda tanto del mundo de la moda como de la fotografía en general. Con Yva, quien no correría tanta suerte como parte de la familia de Newton que huyó mientras ella murió después en el campo de exterminio de Sobibor en 1942, el joven fotógrafo disfrutó durante dos años de abundantes trabajos con la mujer como centro de las miradas. Ya había una gran carga de sensualidad por aquel entonces. Hablamos de los años 30 y de fotografías en las que dos piernas podían atraer más que cinco Playboys.

Vogue Australia, su salto a la moda 1946, fecha en la que Newton establece su propio estudio en Melbourne. A partir de aquí comienza a ganar relevancia y al poco da el salto a Vogue Australia donde logra tener un mínimo reconocimiento. Su primer trabajo lo logra en 1956 con el suplemento de British Vogue edición australiana. Pese a que la oportunidad de firmar un contrato con dicha cabecera de Vogue y volar para Londres con un contrato de 12 meses era un sueño, al mes ya está en París donde sigue trabajando con revistas francesas y alemanas. Antes de asentarse en París en 1961 pasa dos años en Melbourne, colaborando de nuevo con la cabecera australiana de Vogue. En la capital gala encontrará el estilo que le hará único: encontrará el sexo. Y si es posible con un toque de perversión que luego aumentaría. Helmut Newton acababa de llegar.

Cuando al sexo se le llamó porno chic Antes de que Tom Ford se adueñase de este término, del porno chic, un eufemismo más que sumar al falso correctismo de tal negocio, Helmut Newton le demostró todas sus artes. Vogue París viviría una época dorada en la juntos atraerían la controversia a la moda que aún hoy sigue latente. La técnica de Helmut Newton era muy depurada. Elegante, en blanco y negro por lo general, con ningún retoque, apuesta por la luz natural y gusto por retratar al personaje.

La unión con Yves Saint Laurent A partir de la década de los 60 el fotógrafo alemán haría más grande a Yves Saint Laurent de lo que este es. La unión se mantuvo durante años.

Rayografias Series Fotográficas

U n f o t o g r a m a , en francés photogramme y en inglés photogram, es una imagen fotográfica obtenida sin el uso de una cámara mediante la colocación de objetos por encima de una superficie fotosensible como una película o papel fotográfico y la exposición posterior a la luz directa. Es un procedimiento fotográfico que al ser utilizado con fines artísticos ha recibido diferentes denominaciones como rayogramas, schadografías o dibujos fotogénicos.

Principios de obtención HISTORIA La primeras fotografías fueron con frecuencia fotogramas. William Henry Fox Talbot realizó bastantes colocando hojas y objetos directamente sobre una hoja de papel fotográfico y exponiéndolos a la luz. Los objetos opacos aparecen nítidamente definidos; los semitransparentes se registran en tonos de gris que dependen de su grado de opacidad. La dirección de la luz que incide sobre los objetos, el color de la fuente luminosa y el movimiento de los objetos también influyen en el resultado.

APLICACIÓN DE LA RAYOGRAFIA

Las imágenes que se obtienen utilizando como fuente de luz la ampliadora; cuando ésta se enciende proyecta una serie de sombras que se reproducen en el papel y dan lugar a la imagen. László Moholy-Nagy realizó sus fotogramas por diversos procedimientos,. También una importante aportación fue el empleo de materiales semitransparentes o trasparentes; una forma de hacer fotogramas era dejar objetos sobre el material fotosensible durante suficiente tiempo para que se ennegreciesen las zonas expuestas directamente a la luz, aunque también trabajaba en el laboratorio fotográfico. Christian Schad llamó a sus fotogramas «schadografías» y en ellas imprimía una silueta sobre papel sensible a la luz. Edmund Kesting utilizó los productos del revelado para crear fotogramas directamente y Pierre Cordier llamó quimigramas a la obtención de imágenes a plena luz mediante la acción directa de los productos de revelado. Diferentes denominaciones: Dibujos fotogénicos fue la denominación creada por William Fox Talbot para nombrar sus primeras fotografías. Schadografías fue la denominación creada por Christian Schad. Rayogramas o rayografos fue la denominación creada por Man Ray. Quimigrama fue la denominación creada por Pierre Cordier. 57

Man Ray Su verdadero nombre era Emmanuel Radnitzky. Nació en 1890 en Filadelfia (Estados Unidos) de familia judía. Su familia se traslada a Nueva York en 1897. Man Ray estudia en la High School y en La Escuela de Bellas Artes del Francisco Social Center de NY. En 1913 pinta su primer cuadro cubista, un retrato de Alfred Stieglitz. En 1915 hizo el primer one-man-show, con el que se hizo famoso su nombre por América, como uno de los primeros pintores abstractos. Adquiere su primera cámara para hacer reproducciones de sus cuadros. Con Duchamp participa en experimentos fotográficos y cinematográficos y en la publicación del número único de New York Dadá. Impulsado por Duchamp, Man Ray se mudó a París en 1921, con la única excepción de 10 años (entre 1940 y 1951) que vivió en Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial, pasó el resto de su vida allí. Captó la atención con sus primeras fotos abstractas, a las que bautizó como rayogramas. Erróneamente se consideró inventor de la técnica aplicada para ello, que ya la habían experimentado otros artistas anteriormente, entre otros Talbot (hacia 1840) y Schad (1918). Publicó 12 de sus rayogramas bajo el título "Champs delicieux". Poseedor de una gran imaginación, y siempre al frente de las vanguardias, trabajó con todos los medios posibles: pintura, escultura, fotografía y películas. Man Ray fallece en Francia en 1976 y es enterrado en el cementerio de Montparnasse.

Inspirado por su modelo y amante Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse, hace Le Violon d’Ingres (1924), una de sus obras más famosas. Alice Prin fue una modelo, cantante y actriz francesa, figura legendaria del ambiente artístico bohemio del barrio parisino de Montparnasse de principios del siglo XX. Como pionero de Dadá y Surrealismo su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo. “La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte”, dirá.

El dadaísmo y el surrealismo En 1921, Ray se trasladó a París. Allí, él continuó siendo una parte de la vanguardia artística, codeándose con figuras tan famosas como Gertrude Stein y Ernest Hemingway. Ray se hizo famoso por sus retratos de sus colaboradores artísticos y literarios. También desarrolló una próspera carrera como fotógrafo de moda, tomando fotos para revistas como Vogue . Estos emprendimientos comerciales apoyaron sus esfuerzos de bellas artes. Un innovador fotográfica, Ray descubrió una nueva forma de crear imágenes interesantes por accidente en su cuarto oscuro. "Rayografías," Llamados estas fotos se hicieron mediante la colocación y la manipulación de objetos en hojas de papel fotosensible. Una de otras obras famosas de Ray de este periodo de tiempo fue de 1.924 "Violín d'Ingres." Esta fotografía modificada cuenta con la espalda desnuda de su amante, un artista llamado Kiki, de estilo después de una pintura del artista neoclásico francés Jean agosto Dominique Ingres. En un toque humorístico, Ray añadió a dos formas negras para hacer su espalda parece un instrumento musical. Ray también experimentó con una técnica llamada el efecto Sabatier, o la solarización, que añade un plateado, calidad fantasmal a la imagen.

PrĂĄctica en el laboratorio: RayografĂas usando objetos

PRACTICA EN EL LABORATORIO: RAYOGRAFIAS USANDO ACETATOS DIBUJADOS Y CARTULINA NEGRA