Maqueta libro historia arte zulma roque 2 by Zulma Roque

Historia del Arte Universidad Nacional de San AgustĂn Lic. Zulma Roque Quispe 1

ÍNDICE 1. PREHISTORIA ……………………………………………………….. 2. EGIPTO ……………………………………………………….. 3. MESOPOTAMIA ……………………………………………………….. 4. MINOICOS ……………………………………………………….. 5. MICÉNIOS ……………………………………………………….. 6. GRECIA ……………………………………………………….. 7. ISLAM ……………………………………………………….. 8. FENICIO ……………………………………………………….. 9. CELTAS ……………………………………………………….. 10. CHINA ……………………………………………………….. 11. ETRUSCOS ……………………………………………………….. 12. ROMA ……………………………………………………….. 13. PALEOCRISTIANO ……………………………………………….. 14. BIZANTINO ……………………………………………………….. 15. ROMÁNICO ……………………………………………………….. 16. GÓTICO ……………………………………………………….. 17. RENACIMIENTO ……………………………………………….. 18. BÁRROCO ……………………………………………………….. 19. ROCOCÓ ……………………………………………………….. 20. NEOCLÁSICO ……………………………………………….. 21. REALISMO ……………………………………………………….. 22. IMPRESIONISMO ……………………………………………….. 23. POSTIMPRESIONISMO ……………………………………….. 24. FAUVISMO ……………………………………………………….. 25. CUBISMO ……………………………………………………….. 26. CONSTRUCTIVISMO ……………………………………….. 27. SUPREMASTISMO RUSO ……………………………………….. 28. FUTURISMO ……………………………………………….. 29. EL STIJL ……………………………………………………….. 30. LA BAUHAUS ……………………………………………….. 31. ESTILO TIPOGRÁFICO ……………………………………………….. 32. INTERNACIONAL SUIZO ……………………………………………….. 33. INTERNACIONAL EEUU ……………………………………………….. 34. REVOLUCIÓN DEL DISEÑO EDITORIAL ……………………….. 35. EXPRESIONISMO TIPOGRAFICO ……………………………….. 36. ART DECÓ ……………………………………………….. 37. DADAISMO ……………………………………………………….. 38. EXPRESIONISM ……………………………………………….. 39. ART NOUVEAU …………………………………………….…. 40. SURREALISMO ………………………………………………………..

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LA PREHISTORIA 1. CRONOLOGÍA: Superior 30.000 a.C. 725 a.C ) 2. LUGAR: Principalmente en Europa, sobre todo en España y Francia, también hay concentraciones aisladas en Italia y Sicilia, así como en el suroeste de Alemania, Yugoslavia, Rumania y Rusia. 3. CONCEPTO:. El Arte Prehistórico comprende las manifestaciones plásticas realizadas por el Homo sapiens sapiens desde el final de la Edad de Piedra hasta la Edad de los Metales. . 4. TEMÁTICA: El arte paleolítico se clasifica, normalmente, en representaciones figurativas (animales o humanas) y en composiciones abstractas (signos y símbolos). 5. CARACTERÍSTICAS:  Se trata de representaciones de figuras de animales, humanas y signos relacionados con la caza, la fecundidad a través de la magia.  Policromía. Colores negro, rojo y ocre.  Roca pulverizada y aglutinada con grasa.  Aprovechan protuberancias en la pared para dar volumen al animal y sensación de profundidad.  Pintan con pincel de pelos de animales, con los dedos, con tampón. Mezclan las diferentes técnicas y motivos. 6. PRINCIPALES REPRESENTANCIONES: Las manifestaciones artísticas de la prehistoria tienen su máxima representación en los llamados artes rupestre, mobiliario y megalítico.. a) El arte rupestre  Recibe su nombre de las paredes rocosas de las cuevas y abrigos en los que se realizaban las pinturas.  Representaban fundamentalmente animales y escenas de caza.  Las pinturas son monócromas o bícromas (es decir, nunca se usan más de dos colores simultáneamente  Aprovechan el color de la roca como complemento cromático.  En España destacan las pinturas rupestres de las cuevas de Altamira y en Francia las de Lascaux b) El arte mobiliario o arte mueble  También llamado arte miniatura o arte portátil.  Consiste en figuras y objetos decorativos tallados en hueso, cuernos de animal o piedra o modelados toscamente en arcilla.  Son pequeñas estatuillas antropomórficas y zoomorfas talladas en arcilla y piedra.  Particular interés ofrecen unas características figuritas femeninas de pequeño tamaño talladas en piedra, denominadas genéricamente Venus.  De entre las más de cincuenta figuras descubiertas destacan la Venus de Willendorf y la Venus de Savignano. c) El arte arte megalítico  Se reconoce a los monumentos formados por piedras grandes y toscamente labradas, erguidas en solitario o combinadas para formar una estructura.  Fueron levantadas bien con fines religiosos o bien como lugares de enterramiento o como monumentos conmemorativos de sucesos destacados.  Los de Europa occidental pertenecen al neolítico y a la edad del bronce..

ARTE EGIPCIO 1. CRONOLOGÍA: Se sitúa hacia el 3.100 a. C y su estaría final hacia el siglo I a.C. 2. LUGAR: Su localización es Egipto, en África, a ambos lados del río Nilo, uno de los más largos del mundo 3. CONCEPTO: El arte egipcio es la manifestación de la civilización egipcia que no sólo creó una arquitectura, escultura y pintura de impresionante belleza, donde se funde lo histórico, lo mítico y lo misterioso. 4. INFLUENCIAS: Debido a su situación geográfica, el arte egipcio permanece cerrado e impermeable a la influencia de otras culturas, sin apenas evolucionar en 3000 años exceptuando el periodo más naturalista durante el reinado del faraón Akenatón. 5. TEMÁTICA: La temática era simbólica y de contenido muy restringido, reflejaba un mundo ficticio. 6. CARACTERÍSTICAS:  Es un arte exclusivo para la Religión y el Estado (son casi lo mismo).  El artista no se valora por su capacidad creativa, sino por la rapidez y calidad de su ejecución, se limita a reproducir modelos. –  Hay un repertorio iconográfico bien definido (imágenes estandarizadas de dioses, símbolos del faraón, ceremonias  La simbología no tiene una función estética, tiene una función religiosa y de carácter propagandista, al servicio del faraón.  Procura transmitir mensajes de forma sencilla  En sus tres mil años de vigencia es un arte que apenas se desvía de los modelos iniciales. 7. PRINCIPALES EXPRESIONES: A. PINTURA  Se utilizaba para decorar las paredes de templos y tumbas, así como para ilustrar papiros.  Una técnica muy empleada fue la del fresco. Para conseguir los colores los pigmentos se diluían en agua antes de ser aplicados sobre una pared húmeda.  La temática era variada y oscilaba entre las representaciones religiosas de carácter simbólico (dioses, ritos) y las escenas de la vida cotidiana ejecutadas con gran realismo. Hay numerosas representaciones de plantas y animales.  Los personajes de mayor importancia (faraón, sacerdotes, etc.) se pintaban en mayor tamaño que los de menor categoría.  Rasgo típico de la pintura egipcia es que las figuras se dibujaban de perfil, quedando únicamente de frente el tronco y los ojos.  Otra de sus características es la ausencia de perspectiva y el empleo de colores planos, es decir, sin degradar o difuminar.  Por otra parte, los hombres se representaban con piel más oscura que los de las mujeres.

ARTE EGIPCIO B. ESCULTURA:  La escultura egipcia surge como representación de la imagen como un elemento de supervivencia.  Es el medio para fijar la personalidad del dios o del difunto.  Sirve para la celebración de prácticas religiosas que requiere el difunto para su peregrinación al otro mundo y la escultura divina para ofrecerle las ofrendas.  Hay una gran geometrización, la estatua se articula con planos horizontales y verticales, de forma octogonal.  Los materiales más normales son el granito, el basalto y la caliza. También se utilizaba la madera o, si son pequeñas, otros materiales nobles, como el marfil.  El tamaño es variable, hay algunas grandes, de tamaño natural y pequeñas, se busca una cierta proporción, nunca hay miembros que desentonen, incluso en las estatuas colosales.  Realismo, aunque va hacia el idealismo en muchas ocasiones. Son retratos muy veraces de animales y del faraón, aunque en su caso se suelen evitar los defectos. C. ARQUITECTURA  Esencialmente religioso y funerario cuyas edificios más representativos serán los templos y las tumbas:  Tumbas: Eran consideradas la morada del difunto hasta su paso a la vida eterna. A lo largo de la historia fueron evolucionando. Podemos distinguir tres tipos de tumbas:  Mastaba: Son las más antiguas, utilizadas por los faraones de las primeras dinastías.  Tienen forma de pirámide truncada y suelen tener tres estancias: capilla de las ofrendas, serdab (contenía el ajuar y una estatua del muerto) y cámara mortuoria subterránea.  Pirámide: Los mejores ejemplos son las tres pirámides de Guizhé, pertenecientes a Keops, Kefrén y Micerinos, faraones de la IV dinastía.  Hipogeo: tumba rupestre que consta de una o varias cámaras rectangulares, a las que se accede por una cámara de pilares o columnas a modo de pórtico. Templos El templo no tiene una función funeraria sino simplemente devocional. Es la casa del dios, alberga su figura y sirve de receptáculo a las ofrendas y ritos en su honor. La religión politeísta egipcia, con su numeroso panteón, extendió sus creencias por doquier, imponiendo la construcción de templos para su culto. Los templos trataban de influir psicológicamente en el fiel, con espacios con alturas de hasta 20 metros ampliamente iluminados al principio y sumidos casi en la oscuridad a medida que nos adentramos los espacios más sagrados.

ARTE MESOPOTAMIA 1. CRONOLOGÍA: 4000 a. C hasta el año 539 a.C. 2. LUGAR: Se desarrollaron en las orillas de los ríos Éufrates y

Tigris y desembocan luego en el Golfo Pérsico, en la península Arábiga 3. CONCEPTO: Se le considera arte mesopotámico a la segmentación geográfica y cronológica que sufre la historia de arte durante la Edad Antigua en Mesopotamia. 4. INFLUENCIAS: Tiene influencia del arte del próximo Oriente antiguo y del estilo griego son evidentes. 5. TEMÁTICA: Su temática era el retrato de los dioses, reyes o altos funcionarios, domina la idea de duplicación. 6. CARACTERÍSTICAS:  El arte mesopotámico tenía carácter cívico: tiene palacios, templos y servicios públicos; tales como murallas, canales de riego, puentes, puertas y fortalezas.  Combina el sistema de platabanda y dintel con el de arco y bóveda.  Como en la región no había piedra y la madera era escasa, emplearon el .  Como el ladrillo es un material algo frágil, los muros se fabricaban gruesos y sin apenas aberturas; de manera que la apariencia de la edificación es maciza, pesada y monótona.  Respondía a las leyes de verticalidad, frontalidad y simetría, aunque no conocieron la perspectiva 7. PRINCIPALES EXPRESIONES: A) ARQUITECTURA  Debido a las periódicas inundaciones que eran favorables a los cultivos, los edificios solían construirse sobre terrazas.  Las paredes se cubrían de relieves en colores siguiendo esquemas muy simples, en particular los de repetición y simetría. B) ESCULTURA:  Emplearon basalto, arenisca, diorita y alabastro.  La finalidad de este tipo de arte, era social y religioso, por lo cual su finalidad era utilitaria.  Había también estilización de las facciones, cabellos y barbas (de cabello rulo). Dentro de la escultura, se desarrollaron tanto las estatuas como el bajorrelieve. C) PINTURA Y RELIEVE:  Fue estrictamente decorativa. Se utilizó para embellecer la arquitectura.  Carece de perspectiva, y es cromáticamente pobre: prevalecen el blanco, el azul y el rojo.  Uso de la técnica del temple. Se puede apreciar en mosaicos decorativos o azulejos.  Los temas eran escenas de guerras y de sacrificios rituales con mucho realismo. Se representan figuras geométricas, personas, animales y monstruos. Se emplea en la decoración doméstica. No se representaban las sombras.  El relieve fue usado en las plaquetas o estelas narrativas y algunas de estas estelas tienen textos cuneiformes. Son obras detallistas y minuciosas.

ARTE MINOICO 1. CRONOLOGÍA: Del 3000 a.C al 1400 a.C 2. LUGAR: A medio camino entre Europa y Africa en el Mar Egeo Las islas Cícladas e Isla de Creta 3. CONCEPTO: Arte minoico o cretense es el arte de la civilización minoica o cretense, civilización prehelénica que se desarrolló en la isla de Creta 4. INFLUENCIAS: De características geométricas deinfluencia bizantina, mozárabe, egipcia y de la cultura babilónica. 5. TEMÁTICA: Destacan las escenas de vida religiosa o cortesana, así como los paisajes. En los paisajes se representan plantas cretenses o, en ocasiones, egipcias. Los animales son representados en movimiento, con el llamado "galope minoico". 6. CARACTERÍSTICAS:  Presenta diferentes valores que el resto de las culturas antiguas.  Falta de grandiosidad  Arte profano  Gran influencia de la naturaleza y el mar.  Sin construcciones militares  Falta de orgullo masculino  Sin crueldad irracional Sentido del movimiento 7. PRINCIPALES REPRESENTANTES: A) PINTURA :  Se inició en el Neolítico, con yeso pintado con pigmentos rojos y negros, y se comenzó a desarrollar una técnica de fresco diferenciada de la que se empleaba en Egipto o el Próximo Oriente.  Los colores son planos y vivos, de gama reducida, mediante pigmentos minerales.  Los conjuntos más importantes proceden del palacio de Cnosos y de las casas de Akrotiri, en Thera. B) ESCULTURA Y ORFEBRERÍA:  En el periodo neopalacial se da un gran avance en la escultura, utilizando marfil, bronce y terracota. La representación más típìca de éste momento es la llamada "diosa de las serpientes", varias figuras de cerámica vidriada o loza y, alguna, de marfil y oro.  Son figuras femeninas con la vestidura minoica típica que reciben su nombre de las serpientes que aparecen enroscadas en el cuerpo. También se han encontrado figuras de acróbatas en marfil C) ARQUITECTURA:  Construcciones alejadas del mar, sin fortificaciones.  No aparecen templos, culto en grutas  Principales ciudades en torno a los Palacios de Maliá  Los elementos típicos son las columna de madera troncocónica invertida, sobre basa de piedra y pintada de color  Los Palacios son de planta muy compleja , ―laberíntica‖.

ARTE MICÉNICO 1. CRONOLOGÍA: Del 1600 a.C al 1200 a.C 2. LUGAR: Micenas, ciudad fortificada en la comarca de Argólida, situada en la península del Peloponeso. 3. CONCEPTO: El arte micénico fue un movimiento artístico que surgió durante el año 1600 a.C. Su etapa de florecimiento fue aproximadamente entre el año 1550 al año 1200 a.C. en Grecia continental. 4. INFLUENCIAS: Tiene gran influencia de la cultura minoica 5. TEMÁTICA: Añadieron escenas de guerra y caza, más acorde con su temperamento bélico, asimismo se acentúan los adornos y los peinados en sus esculturas. 6. CARACTERÍSTICAS:  Influencia de la civilización cretense , por los artesanos que trabajan para los Aqueos.  Carácter monumental de la arquitectura  Arte menos movido e imaginativo que el cretense  Tendencia a la geometrización de la línea. 7. PRINCIPALES REPRESENTACIONES: A) ESCULTURA Y CERÁMICA:  Influencias, sobre todo artesanales, de la cultura Minoica con

elementos con carácter naturalista  Tanto para la cerámica como para la escultura el material más utilizado fue el oro y poco a poco este estilo de arte fue utilizando y cogiendo experiencia sobre este material. B)   

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PINTURA: De indudable influencia cretense y minoica. Es más rígida con menos movimiento Utilizaron sus antecesores la técnica de estuco pintado al fresco con colores vistosos como el amarillo, rojo, azul o blanco y remarcadas las líneas con negro. Utilizaron motivos geométricos.

C) ARQUITECTURA:  Se destaca Micenas, por sus extraordinarias murallas ciclópeas.  Hicieron tumbas gigantescas de cúpulas, las mayores construcciones de bóveda que hay en el mundo. Mil años mas tarde los romanos construyeron el panteón, de acuerdo con este modelo.  Sobre un promontorio construyeron la acrópolis o ciudadela, que servia a su vez como palacio y templo.  Introdujeron la bóveda y el techado a dos aguas o en doble pendiente, cuyos caracteres se perpetuaron hasta los tiempos de la Grecia Clásica.

ARTE EN GRECIA 1. CRONOLOGÍA: Se sitúa hacia el 700 a. C y FINALIZA 31 d.C. 2. LUGAR: Grecia 3. CONCEPTO: Es la manifestación de la civilización de Grecia egipcia que creo un referentes importante para otras culturas del mundo. 4. INFLUENCIAS: El arte griego es producto de varias oleadas de pueblos indoeuropeos que, procedentes del Norte, se afincan en la Hélade, sintetizando sus aportaciones con la cultura local 5. TEMÁTICA: La temática se centra en la figura humana, guerras y dioses. 6. CARACTERÍSTICAS:       

Florecimiento de un idealismo estético que busca representar una visión idílica de la belleza. Representación de la proporcionalidad y el equilibrio en las obras de arte que contribuyan a destacar su concepto de la perfección estética. No tiene carácter práctico y realista sino decorativo. Preocupación por representar una visión idílica y perfecta de la belleza del cuerpo humano. Representación de la naturaleza y el mundo circundante con realismo y detalle pero con una visión idealizada de estos. No busca este arte griego ser instrumento de propaganda sino solo vehículo de placer estético. Utilizan la racionalidad de las medidas matemáticas para representar la proporción ideal en las obras de arte.

7. PRINCIPALES REPRESENTACIONES: A) PINTURA Y CERÁMICA La Pintura de expreso principalmente en la cerámica Era la representación de escenas de batallas, de sus dioses, y de su vida cotidiana.. Se utilizaba principalmente los colores rojo y negro En la pintura de vasijas las escenas de carácter simbólico y decorativo fueron remplazadas de forma gradual por representaciones tridimensionales. Las formas son más nítidas, los ojos se representan de perfil y los pliegues de las telas adquieren formas más naturalistas. Las vasijas, aunque dibujadas con una perspectiva lineal rudimentaria*, las figuras de las vasijas del periodo clásico medio poseen un cierto efecto tridimensional.

ARTE EN GRECIA B) ESCULTURA: Escultura: Se divide en 3 periodos: a) Arcaica: Se observa poco nivel de detalle en la forma del cuerpo humano en sus caracteres corporales, una posición frontal, poca naturalidad, poca expresión del movimiento y lo más importante poca expresión facial. b) Clásica: Se observa un mayor nivel de detalle en relación al periodo arcaico en lo referente al los caracteres corporales la naturalidad de los movimientos. La obra El Discobolo esta limitada por aquella poca expresividad y la media sonrisa característica del periodo arcaico. c) Helenística: En este periodo se observa un alto nivel de detalle en las facciones y caracteres del cuerpo, una naturalidad mayor en los movimientos del cuerpo, y una expresión facial q expresa los sentimientos del personaje aun nivel de detalle altísimo en el cual se puede ver el sentimiento que exprese el personaje en el momento que el autor creo.

C) ARQUITECTURA   

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Es una arquitectura fundamentalmente adintelada, aunque conocen la bóveda no la utilizan. Es monumental, pero no colosal como Egipto. Es muy equilibrada en cuanto al trazado de su plantel esforzado es una fácil lectura proporcionada por qué todo este hecho con una medida, con un canon. El material es fundamentalmente la piedra y dentro de ellas el mármol es la preferida, pero también se utilizaron otros materiales. Va a llevar siempre elementos decorativos: cenefas, rosetas, ovas, perlas, palmetas. Utilización de un sistema aporticado Existen en la Grecia clásica tres órdenes arquitectónicos: el dórico, el jónico y el corintio. a) Orden Dórico: b) Orden Jónico c) Orden Corintio

ARTE ISLÁMICO 1. CRONOLOGÍA: Siglos del VII al IX 2. LUGAR: Se extiende por el Oriente Próximo, por una gran parte de Asia, por Africa y la Península Ibérica 3. CONCEPTO: Por arte islámico se conoce el estilo artístico. desarrollado en la cultura generada por la religión islámica 4. INFLUENCIAS: Tiene influencia persa sasánida, la tradición romano-bizantina y el arte cristiano, con elementos incluso indios o chinos. 5. TEMÁTICA: El arte islámico es una expresión íntimamente ligada a la religión; no existe como manifestación autónoma. La cultura musulmana se ve impregnada en todos sus aspectos por el hecho religioso. 6. CARACTERÍSTICAS:  

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La principal característica del arte islámico es la utilización de materiales pobres, principalmente el ladrillo. se caracteriza por su eclecticismo, es decir, por su capacidad de asimilar y reinterpretar elementos artísticos tomados de distintas culturas y fundirlos con sus propias raíces para crear nuevas formas. La importancia de la decoración caligráfica• La composición espacial de la mezquita. estuvieron íntimamente ligados a la doctrina islámica y se desarrollaron en los primeros tiempos de su religión Dibujos geométricos o vegetales y, más raramente, mediante la representación figurativa de personas y animales está muy ligada al conocimiento de las matemáticas; todos los motivos geométricos de la ornamentación se extraen de una fórmula del polígono

7. PRINCIPALES REPRESENTACIONES: A) PINTURA: 

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Se utiliza sobre todo como elemento decorativo en las edificaciones, normalmente a través de la escritura (decoración caligráfica mediante versículos del Corán) También destacan en la ilustración de los libros sagrados y profanos. La actividad pictórica se vio así reducida a los arabescos, principalmente abstractos, con configuraciones geométricas o pautas florales o vegetales. Muy relacionada con la arquitectura y la caligrafía, puede verse ampliamente usada en la pintura de azulejos en las mezquitas o en las iluminaciones alrededor del texto del Corán y otros libros. De hecho, el arte abstracto no es una invención del arte moderno sino que se encuentra presente en culturas preclásicas, bárbaras y no occidentales desde hace siglos y es esencialmente un arte aplicado o decorativo.

ARTE ISLÁMICO

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Dentro de la pintura mural, destacan, en un primer momento, las pinturas de los palacios sirios, como el de Qusair Amra, en el que se narra la historia del rey visigodo don Rodrigo y contiene escenas íntimas del baño de las mujeres.

B) ESCULTURA Y CERÁMICA  Se reduce a las artes menores: cerámica, vidrio, marfil, cofres, etc.  Sin embargo, existen relieves con motivos geométricos y caligrafía, en puertas y paredes.  Este tipo de representaciones encuentra su ámbito en la élite social islámica, que gusta del lujo. Escultura como la del Patio de los Leones en la Alhambra es extraordinaria.  La cerámica comienza en el período abasí. El principal centro productor es la ciudad turca de Izmir (Esmira), en la que se fabricaron los primeros azulejos decorados.  En marfil destacan los olifantes (cuerno de marfil) de carácter decorativo y finamente labrados.  En la fabricación de vidrio aparecen nuevas técnicas, como el soplado y el vidrio pintado. C) ARQUITECTURA: 

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La altura de los edificios suele ser escasa , siendo una constante la armonía e integración del edificio en el paisaje circundante. Los orígenes geográficos del islam y el sentido religioso de su arte condicionan este factor: el desierto impone la horizontalidad y el primitivo nomadismo de los beduinos árabes, la preferencia por edificios de escasa envergadura El edificio más importante es la mezquita , centro de reunión y oración de la comunidad de creyentes (Umma). También se construyen palacios, mausoleos, medersas, etc. </li></ul><ul><li>Los materiales que se usan con mayor frecuencia son el ladrillo o el mampuesto, el yeso, la madera y, en menor medida, la piedra por sus mayores exigencias técnicas y constructivas. La arquitectura no muestra un gran interés por los problemas constructivos; los edificios suelen inscribirse en volúmenes cúbicos en los que destacan las semiesferas de sus cúpulas y las altas torres o minaretes de sus mezquitas.

ARTE FENÍCIO 1. CRONOLOGÍA: 1000 A. C. hasta Año 500 D.C. 2. LUGAR: Oriente Cercano lo que hoy es Líbano. También Siria, Palestina y Jordania.. 3. CONCEPTO: El arte fenicio era un movimiento artístico que daba nombre al estilo de arte que pareció en la población fenicia, tanto en arte que existía en las metrópolis fenicias que existían en el Mediterráneo Oriental como en el arte que surgió en las tribus fenicias y Palestina. 4. INFLUENCIAS: Influencia de culturas de Egipto, Grecia y del arte Persa siendo más evidente en la arquitectura. 5. TEMÁTICA: Está vinculada a la órbita religiosa y todos tienen función complementaria como ornamentación de la arquitectura 6. CARACTERÍSTICAS:  Herederos y promotores de una gran cultura de paz y desarrollo.  Si visión era amplia, aprendieron a relacionarse con muchos pueblos y culturas.  Se adaptaron a diversos climas y ambientes geográficos. No eran etnocentristas.  El fenicio se considera un arte con características ecléticas se pueden encontrar incluso en una misma obra influencias de diferentes culturas.  Sus obras estaban destinadas a la venta y comercialización debían ser observados aspectos tales como el gusto del cliente y tendencias de la época. 7. PRINCIPALES REPRESENTACIONES: A) ESCULTURA  Se nota una armonía estética que alterna dos influencias principales griega y egipcia .  No hay escultura colosal con grandes dimensiones..  En la escultura fenicia se destacan los relieves de sarcófagos y estelas funerarias, decorados con muchos relieves figurados, de gran calidad. B) PINTURA  La pintura, que se aplicó a estelas, esculturas, terracotas y objetos de artesanía.  La pintura descansaba exclusivamente en el dibujo, el cual se coloreaba con tonalidades planas.  De motivos vegetales, zoomorfos y antropomorfos.  Algunos frescos que recogen pasajes de la mitología griega de gran éxito a partir del siglo III a. C. C) ARQUITECTURA  Los fenicios no desarrollaron una arquitectura monumental como los egipcios  Las murallas y los puertos se construían con una técnica avanzada de sillares bien escuadrados, alternados con mampostería.  Hay que recordar que sus asentamientos por ser en la parte costera estaban expuestos a condiciones climatológicas adversas y tuvieron que adaptarse a terrenos escabrosos.  Los fenicios construyeron los templos en un lugar elevado.  Hacían sus casas y construcciones en cubículos más bien aglomerados.

ARTE CELTA 1. CRONOLOGÍA: 1000 a. C. hasta Año 590 d.C. 2. LUGAR: Europa continental y las islas británicas alrededor del 1000 A.C. 3. CONCEPTO: El arte celta era una corriente artística

que surgió en las civilizaciones celtas. 4. INFLUENCIAS: Se acusa la influencia del típico zarcillo ondulado del arte griego en su estilo artistico. 5. TEMÁTICA: introduce una temática vegetal y zoomorfa completamente desconocida: flores de loto, palmeras, animales reales o fantásticos como leones, grifos, esfinges que se habían generalizado en el Mediterráneo 6. CARACTERÍSTICAS:  Representación de la naturaleza en que vivían.  Proliferaron de vegetales como guirnaldas, hojas y flores, como distintos animales y personas.  La tendencia geométrica abstracta  La creación de diseños geométricos complejos a base de líneas continuas que fluyen de forma intrincada -frecuentemente entrelazándose en nudos- creando composiciones de gran belleza  Estas dos tendencias van a confluir y se emplearán en diversas artes aplicadas como la vestimenta, las joyas, el armamento y los útiles domésticos. 7. PRINCIPALES REPRESENTACIONES: A) PINTURA Y ARTESANIA  El arte Celta es ornamental, evita las líneas rectas y sólo ocasionalmente se utiliza la simetría.  Su arte a menudo contiene un simbolismo complejo en el cual los patrones, los números y su repetición conforman el diseño de la figura. B) ORFEBRERIA  La Orfebrería celta fue uno de los campos artísticos más destacados.  El trabajo artístico del metal también se aplicó al armamento, como en la decoración de escudos y cascos y especialmente de espadas enriquecidas con esmaltes, marfiles y piedras preciosas y adornarse con motivos geométricos, zoomorfos y humanos.  La orfebrería celta alcanzó también a los objetos y útiles cotidianos o de tipo religioso, como en el caso de máscaras ceremoniales, calderos y figuritas votivas. C) ARQUITECTURA Y ESCULTURA  Los pueblos celtas solían asentarse en emplazamientos elevados, en lo alto de colinas o cerros. Estos poblados estaban amurallados y rodeados por fosos, para garantizar su defensa.  A este tipo de poblados se le denominan castros y su área interior estaba estructurada en espacios adaptados.

ARTE CHINO 1. CRONOLOGÍA: 3000 aC - 1500 aC 2. LUGAR: Se desarrolló entre los ríos Amarillo (Hoang Ho) y Azul (Yang-Tse Kiang). 3. CONCEPTO: Cuando hablamos del arte chino, nos referimos a todo el arte producido durante milenios por la civilización china. culturas. 4. INFLUENCIAS: Debido a este aislamiento, su estilo, su forma de entender el arte, experimentó muy pocos cambios desde la antigüedad hasta el siglo XX 5. TEMÁTICA: Síntesis entre el espíritu creador artístico y la función social y jerárquica a la que estaban destinados desde su concepción. 6. CARACTERÍSTICAS:  Siempre ha sido admirablemente sencillo y elegante.  Características principales del arte chino es la síntesis entre el espíritu creador artístico y su función social y jerárquica.  El arte chino está íntimamente relacionado con la filosofía, por lo que es posible distinguir entre el arte taoísta y el confuciano, cuya diferencia plástica consiste en la maestría en el uso de materiales. 7. PRINCIPALES REPRESENTACIONES: A) PINTURA Y CALIGRAFIA El arte caligráfico fue considerada como un arte, a veces con un estilo que la transformaba en imponente y hermética y, en otras etapas, con una tendencia más libre y espontánea. En la cultura de este país oriental, los dragones son animales fantásticos que se respetan y estiman mucho, a diferencia de los occidentales, debido a que representan la sabiduría y la salud. B) ESCULTURA: Se concentró en la escultura religiosa que fue usado como un arma poderosa para la difusión del budismo en China, pues se hacía proselitismo a través de imágenes. Si bien se prefería para la elaboración de piezas artísticas el bronce y el jade, su carestía provocó que se optara por la terracota en la que se buscó crear efectos cromáticos y plásticos de los otros materiales. Mientras que la escultura en madera estaba destinada a la población que hoy llamaríamos ―no nobiliaria‖, al pueblo C) ARQUITECTURA:. Las técnicas se han perfeccionado desde la arquitectura primitiva y por ejemplo, durante las dinastías Wei y Jin se mejoró la calidad de los ladrillos y la construcción en madera avanzándose en el diseño de templos budistas más grandes y complejos. Después, el uso del ladrillo se popularizó y en distintas dinastías imperaron distintos estilos, edificios más grandes o más pequeños: palacios, pabellones, terrazas, edificios civiles y demás. La ―Gran Muralla China‖ es una de las construcciones de la arquitectura china que más destaca en todo el mundo. Su construcción comenzó durante la dinastía Ch’in (221 a.C.-207 a.C.

ARTE ETRUSCO 1. CRONOLOGÍA: entre el siglo IX y el siglo II a. C 2. LUGAR: Se desarrolló en el norte de Italia, inicialmente en el territorio llamado Etruria, triángulo comprendido entre el Arno al norte, el Tíber al sur y el Mar Tirreno al Oeste 3. CONCEPTO: Se llama arte etrusco a las manifestaciones producido por la civilización etrusca que se desarrolló en el norte de Italia entre el siglo IX y el siglo II a. C. 4. INFLUENCIAS: Tiene Influencias Griegas y Orientales. TEMÁTICA: Su temática es con elementos figurativos representando danzas y sacrificios fúnebres. 5. CARACTERÍSTICAS:  Las figuras humanas y animales se presentan en líneas intercalados a veces con símbolos egipcios.  Recurriendo muchas veces a marfiles incrustados y oro.  El arte etrusco fue la forma de arte figurativo  El arte que se conserva es de carácter funerario, relacionado tanto con la pintura y escultura 6. PRINCIPALES REPRESENTACIONES: A) PINTURA:  La pintura mural de las viviendas, los templos y las tumbas tenía tanto un propósito decorativo, orientada a la veneración de antepasados.  Representación de imágenes festivas, danzas o escenas circenses funerarios en los que los familiares rendían homenaje a los difuntos.  Las imágenes murales con misteriosos augures, espíritus infernales, o incluso escenas eróticas, posiblemente relacionadas con los rituales agrícolas de fecundidad de la tierra. B) ESCULTURA:  La escultura fue probablemente la forma de expresión artística más cultivada por los etruscos. Las piezas, en su mayor parte de  terracota aunque con ocasional uso del bronce, decoraban con profusión templos y tumbas.  Son destacables los canopes, o urnas funerarias con cubierta en forma de cabeza humana, y los sarcófagos con parejas recostadas. C) ARQUITECTURA:  El templo etrusco respondía a una estructura básica simple, y actuaba en esencia como soporte de la recargada decoración escultórica, cuyo estilo sobrecargado contrastaba con la armonía del clasicismo griego.  Especial relieve alcanzaron las tumbas y túmulos funerarios, que desempeñaban una función de exaltación del orgullo familiar y de casta, muy arraigado en Etruria.  La arquitectura funeraria se centraba así en la conmemoración de la persona fallecida y de su estirpe, y no en la celebración de la vida de ultratumba que, para los etruscos, tras la temida muerte, era un estado de dolor y desesperanza.

ARTE ROMANO 1. CRONOLOGÍA: Se desarrolló en Italia año 200 a.C.a IV d. C. 2. LUGAR: Italia y se extendió, como su imperio, a lo largo y ancho del perímetro del Mar Mediterráneo 3. CONCEPTO: Arte romano, son todas aquellas manifestaciones de las artes visuales desarrolladas en la ciudad de Roma que fueron exportadas a todos los territorios subyugados al Imperio romano. 4. INFLUENCIAS: Influencias etruscas y griega 5. TEMÁTICA: Su temática abarca lo político, social de personajes políticos, filósofos de carácter narrativo, que represente cosas de la vida cotidiana, además de ser propagandístico e histórico. 6. CARACTERÍSTICAS:  Creada con un destino utilitario que se cumple en su función narrativa, honoraria o descriptiva.  Más que un arte es artesanía supeditada a exigencias religiosas honoríficas o conmemorativas.  Cultiva con preferencia el retrato llevándolo a su máxima identificación con el modelo. Es un arte naturalista.  Es un arte propagandístico al servicio del gobierno  Es colosal, son construcciones de grandes dimensiones 7. PRINCIPALES REPRESENTACIONES: A) PINTURA: Suelen ser copias griegas o caprichos decorativos de gracia picaresca como cupidos, pájaros, cintas, flores, etc. Lo interesante de la pintura romana es la técnica de manchas de color al temple, aplicadas con brochazos sueltos, sin detallar, a la manera impresionista y con efectistas toques de sombra y luz. B) ESCULTURA:  Se mueve entre los polos contrarios de idealismo y realismo y su tema casi central es el retrato.  En sus comienzos, la influencia etrusca se hace presente en algunos bronces, luego la influencia griega a través de los escultores helénicos que vivían en Roma o en la Magna Grecia,  Las obras descubiertas en suelo griego y llevadas a Roma, impulsa la corriente idealista.  El enfrentamiento de ambas tendencias se advierte en obras del período republicano. C) ARQUITECTURA:  Su finalidad es utilitaria, concebida en función de las necesidades privadas y públicas.  Expresa la voluntad de poder y de mando del Estado romano, que se erige como rector de la vida privada y pública de sus ciudadanos.  Es monumental, hecha pensando en la glorificación de Roma y para resistir el paso y el peso del tiempo.  Más que la belleza busca la majestad y la robustez, por lo que se muestra en grandes masas sólidas y pesadas.  Expresa el ideal de uniformidad del Imperio, que aspira a que todos los pueblos sujetos a su dominio asuman una fisonomía material a

ARTE PALEOCRISTIANO 1. CRONOLOGÍA: Desde su origen, hacia el año 30, hasta siglo IV 2. LUGAR: Europa occidental 3. CONCEPTO: Se denomina arte paleocristiano al estilo de arte que se desarrolla durante los seis primeros siglos de nuestra era, desde la aparición del cristianismo, durante la dominación romana, hasta la invasión de los pueblos bárbaros. 4. INFLUENCIAS: influjo del arte romano tanto en la arquitectura como en las artes figurativas. Lo mismo que la historia del cristianismo en sus primeros momentos, en el arte se distinguen dos etapas, 5. TEMÁTICA: Se eligen temas de carácter fuertemente simbólico y religioso de doctrina cristiana. 6. CARACTERÍSTICAS:  Se limitan a evocar un pequeño número de figuras y de diversos objetos.  La variedad de colores es limitada.  Es una pintura, que más que figurar, sugiere.  Las figuras se dirigen al espectador. Normalmente están de frente, sin embargo no es lo mismo que frontalidad.  Resulta difícil encontrar representaciones divinas, aunque a partir del s. IV podremos encontrarnos algunas representaciones.  Desde un punto de vista formal es habitual la jerarquización de las figuras (siendo las figuras más importantes las más grandes), la perspectiva inversa (las figuras que están detrás tienen mayor tamaño), la desproporción, el interés en el gesto y, excepcionalmente, el desnudo, que iría desapareciendo poco a poco.  Uso de catacumbas, que derivaría en panteones públicos. 7. PRINCIPALES REPRESENTACIONES: A) PINTURA Tiene un carácter tosco y rudimentario. Debemos tener presente que los cristianos no quieren reflejar una realidad física o espiritual; por tanto se descuida la forma y se potencia el simbolismo. Se trata de una pintura planimétrica, sin modelados o perspectiva, sin sensación de relieves. En el cual las figuras se enmarcan dentro de lineas gruesas que le dan un sentido muy expresivo. No se utilizan efecyos de profundidad , no aparece el paisaje, o bien en las escasa obras en las que aparece lohace de forma muy esquematizada. Es una pintura al fresco que utiliza temas o símbolos clásicos, reinterpretados pero que después del Edicto de Milán amplian su repertorio siguiendo la misma linea que la escultura . En el interior de las iglesias se prefiere el uso del mosaico ue sigue la técnica de los romanos. Tiene la misma temática y características de estilo que la pintura y permite identificar el lugar.

ARTE ROMANO Dentro de la pintura aparece una variante muy importante de la época medieval, las miniaturas, que tienen dos modalidades: rollos o códex. La importancia del arte paleocristiano es su papael de puente entre las dos culturas más importantes del mundo occidental: la clásica (cultura greco-latina) y la cristiana. Durante esta etapa de realismo clásico será sustituido por el expresionismo cristiano. B) ESCULTURA 

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La escultura de la época se halla especialmente representada por los sarcófagos decorados con temas del Crismón, estrígilos, escenas bíblicas y representaciones alegóricas. Entre ellos se destacan el de Leocadius en Tarragona y el de Santa Engracia en Zaragoza. También se conservan algunas estatuas exentas, como varias con el tema del Buen Pastor, laudas sepulcrales y mosaicos que por su técnica y sentido del color siguen los modelos romanos.

C) ARQUITECTURA  La persecución y clandestinidad con la utilización de las catacumbas.  El fortalecimiento del cristianismo como religión oficial, con la construcción de las basílicas.  Catacumbas: Cementerios excavados en las afueras de la ciudad. Se accedía por largos corredores subterráneos con espacio en las paredes donde se superponían las sepulturas llamadas lóculo cerradas por una losa sobre la cual estaba escrito el nombre del difunto.  Basílica cristiana: Tiene su origen en la basílica tribunalicia romana, de planta rectangular con varias naves, a la cual se le agrega un crucero.  Dando origen al plano con forma de cruz. El ábside está reservado a los sacerdotes, el altar se halla en el punto de cruce, las columnas que separan la nave principal de las laterales están unidas por arquitrabes o por arcadas. Las ceremonias se realizan en la nave principal y los fieles se sitúan en las naves laterales.

ARTE BIZANTINO 1. CRONOLOGÍA: 330 – 1.453 d.c 2. LUGAR: Enraizada en el mundo helenístico, como continuadora del arte paleocristiano oriental 3. CONCEPTO: El arte bizantino es una expresión artística que se configura a partir del siglo VI, fuertemente enraizada en el mundo helenístico, como continuadora del arte paleocristiano oriental. 4. INFLUENCIAS: Influencias griegas y cristianas (en la elección de temas como la glorificación de Cristo, la Virgen y los apóstoles). 5. TEMÁTICA: Se crearon tipos de imágenes o iconográficos fue ante todo religiosa , en relación con la divulgación de las doctrinas cristianas. 6. CARACTERÍSTICAS:  La arquitectura bizantina fue su más bella expresión. Los ejemplos más importantes son la catedral de Santa Sofía, de Constantinopla y la iglesia de San Vital, en Ravena.  Uso de la cúpula en la construcción de las iglesias.  La pintura y la escultura fueron concebidas como artes accesorias de la arquitectura.  Trabajaron sobre todo los mosaicos para la decoración (paredes y bóvedas). 7. PRINCIPALES REPRESENTACIONES: A) PINTURA: Presenta la mural, destinada a la decoración del interior del templo; y la de caballete, que produce pequeñas piezas sobre tablas de madera, llamadas Iconos, es decir, imágenes. La primera se pintaba al óleo o al temple, y eran grandes composiciones de tema religioso, con un carácter simbólico que agradaba mucho a la mentalidad abstracta del oriental. En los grandes espacios formados por bóvedas y cúpulas se representaban escenas alegóricas en las que entraban la Virgen o el Cristo: la Resurrección, el Juicio Final, la Gloria, etc. B) ESCULTURA: En los primeros tiempos, la escultura bizantina es una prolongación del arte helenístico que produce retratos de gran vigor. Pero después de la revolución de los iconoclastas, que acabaron con todas las imágenes religiosas de bulto y prohibieron el culto de las mismas, la escultura perdió importancia y quedó reducida a las artes menores del marfil, el esmalte, el bronce y el oro, materiales en los que se trabaja el bajo relieve con gran maestría C) MOSAICOS: No es posible hablar del arte mural bizantino sin referirnos a una de sus más hermosas creaciones: el mosaico. Consistía en la composición de grandes escenas, generalmente religiosas, pero no pintadas sino hechas con pequeñas piezas de cerámica o de mármol de colores (llamadas teselas), que se iban pegando a una base debidamente preparada, sobre la que se había hecho el dibujo previo de las figuras que se querían representar. La gran diversidad de colores y matices de estas teselas permitía dar a las figuras todos los efectos de la pintura, en lo que se refiere a tonalidades, sombras, formas, etc. D) ARQUITECTURA: Está inspirada en las arquitecturas de los países con que Bizancio estuvo más en contacto o que formaban parte de su misma tradición histórica y cultural. Por eso en sus construcciones encontraremos elementos tomados de los romanos, de los griegos, de Siria o de Persia, combinados con otros de su propia invención.

ARTE ROMÁNICO 1. CRONOLOGÍA: Entre los siglos XI y XIII 2. LUGAR: Europa occidental 3. CONCEPTO: Se llama arte románico al estilo claramente cristiano y europeo que agrupó a las diferentes opciones que se habían utilizado en la temprana Edad Media (romana, prerrománica, bizantina, germánica y árabe) y consiguió formular un lenguaje específico y coherente aplicado a todas las manifestaciones artísticas. 4. INFLUENCIAS: Se utilizaron elementos romanos, aunque también tiene influencias orientales y germánicas 5. TEMÁTICA: El arte románico sometió cualquier evocación de escenas de la vida o de la historia sacra a una triple ley 6. CARACTERÍSTICAS: 

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Es un arte funcional. Es un arte hecho no para ser visto, sino para existir y ser practicado El material utilizado eran las piedras en forma de bóveda La escultura y pintura servían para resaltar la arquitectura. Es un arte del material. El arte Románico resalta la belleza de los materiales que utiliza, se convierte en tema de si mismo. Es un arte de lo sagrado. Los Románicos fueron los que introdujeron las escenas historiadas hasta en tos capiteles. Tanto el sentido de la función como el del material sitúan al arte románico al borde de la creación de la naturaleza, naturalizante. : Ley funcional: Por ejemplo para seguir el contorno de los capiteles y resaltar su función de sopone, los escultores reunían en una cabeza monstruosa dos cuerpos de leones que guarnecen el resto del capitel

7. PRINCIPALES REPRESENTACIONES: A) PINTURA La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones de pared lisa eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello, también la pintura era un arte subordinada a la construcción. La falta de perspectiva, los colores planos, la composición simétrica, la rigidez de las figuras y la inexpresividad de los rostros, que muestran siempre su mirada asombrada, prueban una indudable influencia oriental a través del arte de Bizancio. La técnica empleada es la del Fresco, notables ejemplos son las iglesias románicas catalanas, de fulgentes colores y motivos abstractos de significado simbólico; y las iglesias italianas, donde las escenas religiosas pintadas muestran ya cierto empeño en copiar la naturaleza con fidelidad.

ARTE ROMÁNICO B) ESCULTURA Está subordinada a la arquitectura, que determina los lugares y espacios que deben cubrirse con relieves o estatuas. Su finalidad no es artística sino didáctica: dar a conocer a los fieles las figuras y verdades sagradas para su instrucción religiosa. Estilización y desproporción: las figuras no guardan las proporciones naturales. Tampoco guardan la debida perspectiva ni la relación de tamaños que se debe a la diferente profundidad a que están las figuras. En los relieves, la diferencia de tamaño significa la importancia del personaje. Composición simétrica: las escenas se componen, guardando una relación simétrica. En los tímpanos, la composición tiene siempre como eje la figura de Cristo C) ARQUITECTURA Es una arquitectura religiosa, de creación monástica, porque son los monasterios y los conventos los que la impulsan. Su edificio tipo es la Iglesia. Expresa el ideal de austeridad y recogimiento, de disciplina y penitencia. Desde el punto de vista técnico, pertenece al grupo de arquitecturas de arco y bóveda, por ser estos sus elementos funcionales básicos. Tiene una apariencia robusta y pesada. El principio de sustentación es estático, pues enfrenta masa contra peso. Presenta un exterior sobrio, de muros desnudos y lisos, interrumpidos nada más que por los elementos de refuerzo, que van incorporados a la estructura. Otros elementos constructivos: contrafuerte, columnas, pilares, cúpulas.

ARTE GÓTICO 1. CRONOLOGÍA: Se desarrolla en los siglos XIII y XIV en Francia 2. LUGAR: Francia y se difunde a España, Inglaterra y Flandes, a Alemania llegará mucho más tarde. 3. CONCEPTO: Arte gótico es la denominación del estilo artístico que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV para Italia), y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el Gótico pervivió más tiempo. 4. INFLUENCIAS: Influencia del estilo decorativo francés y del Arte Mudéjar,del arte griego y romano antiguo. 5. TEMÁTICA: La temática sigue siendo fundamentalmente religiosa. 6. CARACTERÍSTICAS:      

Creciente naturalismo de las figuras, que se llenan de vida, pareciendo más humanas Con actitudes y gestos cada vez más realistas y expresivos, dejando traslucir sus emociones. Las figuras aparecen con rasgos individualizados. En las composiciones con varias figuras éstas se comunican entre sí. Ahora es un arte narrativo, no simbolista. La arquitectura no condiciona el valor plástico de la escultura.

7. PRINCIPALES REPRESENTACIONES: A) PINTURA En las catedrales góticas, las paredes se cubrían con vidrieras en los grandes ventanales determinando la paulatina desaparición de la pintura mural en Europa, permaneciendo sólo en Italia. En un principio la pintura gótica se reduce a las vidrieras que sirven de campo para la iconografía religiosa y a la pintura miniada. Pero pronto se va a imponer la pintura sobre tabla, en general de retablos, que se sitúan sobre o detrás de la mesa del altar. Sustitución de la pintura mural por vidrieras y nuevos soportes: retablo y tabla en los templos, miniaturas en códices. Escala cromática aumenta y aparece el volumen y la noción tridimensional.

ARTE GÓTICO B) ARQUITECTURA: * Arco ojival o apuntado, presente en la bóveda, puertas y ventanas. * La bóveda de crucería, que cierra y corona el edificio. * Pilares esbeltos con columnas adosadas, que actúan como soportes de los arcos, los cuales a su vez sostienen la bóveda. * El arbotante o segmento de arco exterior, que transmite al contrafuerte el empuje de la bóveda. * Grandes ventanales adornados con rica tracería y polícromas vidrieras, que contribuyen al encanto y luminosidad del edificio. C) ESCULTURA Originaria también de Francia, a mediados del XII y hasta el XVI. * Características más sobresalientes: naturalismo, humanización de la divinidad y exposición ordenada y clara en las composiciones. * Los materiales preferidos: mármol en Italia, la piedra, la madera (para sillería de coro, retablos e imágenes), y el marfil. * Los temas son fundamentalmente religiosos (vida de Jesús, de la Virgen, y de los Santos). * Los elementos decorativos se inspiran en la naturaleza local: animales y plantas propios de cada lugar. Se utiliza como complemento de la arquitectura. Aparece en los portadas y fachadas de las catedrales, claustros, capillas, retablos, sillerías de coro, sepulcros. En los capiteles la decoración es fundamentalmente vegetal. También se desarrolla la escultura exenta, sobre todo de carácter religioso.

EL RENACIMIENTO 1. CRONOLOGÍA: Siglos XV y XVI. 2. LUGAR: Florencia luego se expande en toda Europa Occidental. 3. CONCEPTO: El concepto renacimiento se aplica a la época artística que da comienzo a la Edad Moderna. 4. INFLUENCIAS: Influencias italianas y griegas y romanas. 5. TEMÁTICA: Temática: religiosa, humanismo, personajes y hechos actualizados, el retrato, (culto al individuo) mitología exaltación de los valores humanos o de los hechos históricos, ideas filosóficas, pensamiento neoplatónico 6. TÉCNICA: óleo y tizas. 7. COLOR: Surgieron nuevos pigmentos como el Amarrillo de Nápoles y tonalidades rojas. También predomino el color azul, purpura, verde, marrón. blanco, negros 8. CARACTERÍSTICAS:  Búsqueda de la perspectiva  Al igual que en la escultura, perviven los temas religiosos, pero, por influencia clásica, se impulsaron también los mitológicos y alegóricos y el retrato  Las técnicas son el fresco, el temple y el óleo  La composición centra el tema y distribuye los elementos técnicos: color, volumen y formas  La luz y los efectos de claroscuro culminan en el esfumato leonardesco  Gran atención a la expresión de las figuras y al estudio de la luz en sus cuadros  Como soportes de las obras se utilizan techos, paredes, tablas y lienzo 9. PRINCIPALES REPRESENTACIONES: A) PINTURA a) Leonardo Da Vinci: (1452-1519) Nació el 15 de abril de 1452, aunque hay dudas de donde nació algunos historiadores afirman que su cuna fue un caserío de Anchiano. Se formó como artista en Florencia en el taller de Andrea del Verrocchio, pero gran parte de su carrera se desarrolló en otras ciudades italianas como Milán o Roma. Aunque practico las tres artes plásticas no se ha conservado ninguna escultura suya y parece que ninguno de los edificios que diseño llego a construirse. Es, por tanto, la obra pictórica de Leonardo la que le ha hecho destacar como un personaje cumbre en la historia del arte. Dentro de sus obras que destacan tenemos: La Anunciación, La virgen de las Rocas, La santa cena, La Gioconda, etc. b) MIGUEL ANGEL: (1475-1564) Nació en Caprese actual Italia. Fue escultor, pintor, arquitecto, se le conoce como la gran figuro del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística domino el panorama crítico del siglo XVI.

EL RENACIMIENTO

Los cerca de setenta años que duro su carrera, cultivo por igual la pintura, la escultura, y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. Sus obras reflejaban un cierto vigor físico, intensidad emocional y entusiasmo creativo. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo. c) RAFAEL SANZIO DE URBINO: (1483-1520)

Nació el 6 de abril de 1483 en Urbino. Los inicios de formación fueron junto a su padre, el pintor Giovanniu Santi. Posteriormente estudio con Timoteo Viti. Rafael, apellidado el divino adolescente pinta Apolo y marcías, El sueño del caballero, Los desposorios de la Virgen, etc. En 1504 llega a Florencia, donde estudia a Vinci, Miguel Ángel y Fray Bartolommeo, apreciando sus estudios anatómicos y poses dramáticas. Se produce un cambio de estilo tomando la perspectiva de forma más natural y suave. B) ARQUITECTURA Uso de formas arquitectónicas griegas y romanas (frontones, columnas clásicas, arco de medio punto, cúpula, etc.) a las que se incorporan nuevos elementos. Proporcionalidad geométrica y búsqueda de la armonía (a través de la unidad, simetría, claridad, orden y medida). Medidas adaptadas al hombre y utilidad del edificio (horizontalidad, iluminación integral y carácter funcional). Se construyen sobre todo iglesias y palacios, pero también villas, ayuntamientos, universidades, hospitales y bibliotecas. Armonía del edificio con el entorno (planes urbanísticos).

ARTE BÁRROCO 1. CRONOLOGÍA: Al rededor del 1600 al 1750. 2. LUGAR: El arte barroco se inicia en Italia y se expande por todo Europa teniendo una gran importancia en España, por ser el país mas católico del mundo 3. CONCEPTO: El barroco es un movimiento cultural o período del arte que apareció en el año 1600, aproximadamente, y que llegó hasta el 1750. 4. INFLUENCIAS: Arte helenístico, el arte gótico, el romanticismo y el modernismo. 5. TEMÁTICA: Arte esencialmente religiosos, sobre todo en países católicos 6. CARACTERÍSTICAS:  Teatralidad, dramatismo  Irracionalidad: búsqueda de la emoción, el sentimiento.  No armonía, ni proporción y medida, ni equilibrio: contrastes, movimiento, exageración...  Utilización de la línea curva en plantas, muros , frontones, etc  Profusión decorativa  Juegos de volúmenes  Contrastes de luces/sombras, vano/hueco . 7. PRINCIPALES REPRESENTACIONES: A) PINTURA  Durante el Barroco la pintura adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas. Siendo la expresión más características del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.  Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de asunto religioso. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista  .La pintura barroca a menudo dramatiza las escenas usando los efectos lumínicos del claroscuro. La luz se convierte en un elemento fundamental.  Entre los más grandes pintores del período barroco se encuentran: Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Hals, Vermeer, Velázquez y Poussin.

ARTE BÁRROCO B) ESCULTURA 

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Tendencia a la representación de la figura humana con una objetividad perfecta en todos sus aspectos, tanto en lo más sublimes como los más vulgares. Realización de esquemas libres del geometrismo. Se proyecta hacia afuera. Se manifiesta en la inquietud de los personajes, en las escenas y en la amplitud y ampulosidad del ropaje. Representación del desnudo en su estado puro, como una acción congelada, conseguido con el influjo de la composición asimétrica, donde predominan las diagonales, los cuerpos sesgados y oblicuos, la técnica del escorzo (reducción del largo de una figura, según la regla de la perspectiva) y los contornos difusos e intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con un gran expresionismo. Se utiliza preferentemente la madera, el mármol, etc.

C) ARQUITECTURA 

Se manifiesta en casi todos los países europeos y en lo que eran por aquel entonces los territorios de España y Portugal en América.

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El paradigma de este estilo se halla en las reconstrucciones del Versalles. Los materiales de construcción son pobres sin ningún valor, pero dan la sensación de monumentalidad y majestuosidad sinuosa de la arquitectura barroca. Se juega un poca con la falsedad, aunque eso no quiere decir que no se emplearan materiales ricos. De hecho surgieron las Manufacturas reales donde se manufacturaron productos de calidad como el vidrio de Carrá, las alfombras pérsicas, las cerámicas u otros.

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El grandiosismo es una cualidad típica Barroca que está claramente reflejada en la Plaza de San Pedro. Los arcos se utilizan de formas variadas y las cúpulas son el elemento por excelencia del arte Barroco.

ARTE ROCOCÓ 1. CRONOLOGÍA: Se desarrolla de forma progresiva entre los años 1730 y 1760 aproximadamente 2. LUGAR: El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia 3. CONCEPTO: Se conoce bajo el nombre de Rococó al estilo artístico que reinó en algunos países de Europa en el siglo XVIII, justo antes de que el Antiguo Régimen cayera bajo la presión revolucionaria. El Rococó fue un claro representante de la vida lujosa y opulenta de la realeza europea no sólo porque estaba presente en todas sus expresiones artísticas 4. INFLUENCIAS: Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas,tiene presente el estilos gótico y el arte del Asia Oriental 5. TEMÁTICA: Los motivos del Rococó buscan reproducir el sentimiento típico de la vida aristocrática, libre de preocupaciones, o de novela ligera, más que batallas heroicas o figuras religiosas. 6. CARACTERÍSTICAS:      

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El Rococó se define por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, en la mitología, en la belleza de los cuerpos desnudos, en el arte oriental y especialmente en los temas galantes y amorosos. Busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual. Los primeros diseños del nuevo estilo aparecían formas irregulares inspiradas en rocas marinas, algas y conchas. El Rococó es un ejemplo de cómo el arte es la inmediata expresión de la vida social y de cómo un estilo se hace a medida del individuo, de cómo las viviendas y los objetos se diseñan para los hombres y no sólo para dioses y monarcas. El estilo se expresa sobre todo en la pintura, la decoración, el mobiliario, la moda y en el diseño y producción de objetos. Su presencia en la arquitectura y la escultura es menor, puesto que su ámbito natural van a ser, fundamentalmente, los señores interiores y en menor grado las composiciones monumentales. Se presenta como un arte al servicio de la comodidad, el lujo y la fiesta. Las escenas de su pintura recogen este nuevo estilo de vida.

7. PRINCIPALES REPRESENTACIONES: A) PINTURA La pintura llegó a su máximo esplendor en la década de 1730. Llamada Pintura Galante y no pintura rococó ya que este término engloba el contexto estético en que se encontraba. Los artistas usaron colores claros y delicados y formas curvilíneas, con temas como los querubines y mitos de amor y paisajes con fiestas galantes y pastorales, comidas sobre la hierba de personajes

ARTE ROCOCÓ aristocráticos y aventuras amorosas y cortesanas. También tenían temas de personajes mitológicos que se entremezclan en las escenas, dotándolas de sensualidad, alegría y frescura, siendo el retrato un tema elegido por los pintores del arte rococó, representando personajes elegantes y amables.

B) ESCULTURA La escultura es otra área en la cual intervinieron los artistas rococó. Étienne-Maurice Falconet (1716–1791) es considerado uno de los mejores representantes del rococó francés. En general, este estilo fue expresado mejor mediante la delicada escultura de porcelana, más que con estatuas marmóreas e imponentes. El mismo Falconet era director de una famosa fábrica de porcelana en Sèvres. Los motivos amorosos y alegres son representados en la escultura, así como la naturaleza y la línea curva y asimétrica C) ARQUITECTURA Una de las características del estilo rococó en la arquitectura será la marcada diferencia entre exteriores e interiores, siendo el interior un lugar de fantasía y colorido, mientras la fachada se caracterizará por la sencillez y la simplicidad. Se abandonan los órdenes clásicos, y las fachadas de los edificios se distinguirán por ser lisas, con edificios de forma circular, con un pabellón central rodeado de un jardín o un parque natural. Otras edificaciones podían tomar la forma de pabellones encadenados, en contra del típico edificio «bloque». Las estancias se hacen especializadas para cada función y con una distribución muy cómoda, combinando ornamentación, colores y mobiliario.

ARTE NEOCLÁSICO 1. CRONOLOGÍA: 1760-1830 2. LUGAR: Se desarrolló en Francia e Italia 3. CONCEPTO: Se conoce como Neoclasicismo a la corriente literaria y artística predominante en Europa durante el siglo XVIII y que se proponía como principal objetivo restaurar el gusto y las normas propuestas por el Clasicismo. 4. INFLUENCIAS: Cultura Francesa 5. TEMÁTICA: Temas exóticos, ajenos a la realidad de la sociedad 6. TÉCNICA: Óleo 7. COLOR: Opacos y oscuros 8. CARACTERÍSTICAS

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La principal fuente de inspiración del artista debía ser la naturaleza, pero como esta es imperfecta se debía escogerse de ella lo mejor, sin dar cabida a la fealdad o a la imperfección. Los personajes debían desarrollar musculaturas perfectas y proporciones canónicas, semejantes a las de las esculturas clásicas griegas. Los escenarios arquitectónicos debían recrear el pasado clásico de forma veraz. Los paisajes naturales habían de ser bellos y tranquilos. Las obras, pues, debían ser realistas, pero idealizadas. Los sentimientos no debían ser mostrados o si se mostraran debían ser contenidos y fríos.

9. REPRESENTANTES

a) Anselm Feuerbach Proveniente de una importante familia de Jena, su abuelo fue Paul Johann Anselm von Feuerbach. Era hijo del conocido arqueólogo Joseph Anselm Feuerbach y sobrino del filósofo Ludwig Feuerbach y del matemático Karl Wilhelm Feuerbach. Tenía conocimientos del mundo clásico y sus composiciones tienen una dignidad estatuaria y la simplicidad del arte griego. b) Jean Broc Su obra más famosa es el óleo La muerte de Jacinto (hoy en los Musées de Poitiers), completado en 1801. La temática de sus cuadros a menudo está asociada con temas homoeróticos. c) Andrea Appiani Nacido en Milán, estaba previsto que siguiera la carrera de su padre en medicina, pero en lugar de ello entró en la academia privada del pintor Carlo Maria Giudici (1723–1804). Recibió formación en dibujo, copiando principalmente a partir de esculturas y láminas. Luego se unió la clase del pintor de frescos Antonio de' Giorgi, que impartía en la galería de pinturas Ambrosiana de Milán.

EL ROMÁNTICISMO 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8.

CRONOLOGÍA: Siglo XVII LUGAR: Francia CONCEPTO: Movimientos sociales y políticos INFLUENCIAS: Cultura Francesa TEMÁTICA: Belleza ideal TÉCNICA: Oleo, pastel COLOR: Tonos pálidos y rojizos CARACTERÍSTICAS:     

La luz es importantísima y se cuidan sus gradaciones dando un carácter efectista y teatral. Las composiciones tienden a ser dinámicas, marcadas por las líneas curvas y los gestos dramáticos. Algunos autores como Friedrich prefieren esquemas geométricos más reposados. En cuanto a los temas lo característico es la variedad, aunque existen características generales sobre el tratamiento de los temas. Utiliza diferentes técnicas: el óleo, acuarelas, grabados y litografías. La textura comienza a ser valorada en sí misma y aparecen las superficies rugosas junto con las formas más sutiles. La pincelada es libre, viva y llena de expresividad.

9. REPRESENTANTES: a) César Álvarez Dumont Fue un pintor español de historia que cultivó también temas costumbristas, religiosos, pintura decorativa e ilustración. Hermano del también pintor Eugenio Álvarez Dumont. Alumno de la Escuela de Bellas Ártes de Málaga, posteriormente se formó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernandode Madrid. La Diputación Provincial malagueña le concede una beca en 1895 para continuar sus estudios en Roma. Allí sustituye a Alejo Vera como director de la Escuela Española de Bellas Artes. b) Karl Pávlovich Briulov o Brulov En ruso: Карл Павлович Брюллов) (12 de diciembre de 1799, San Petersburgo – 11 de juniode 1852, Roma), llamado Carlo Brulleau hasta 1822, fue un pintor ruso, considerado como la figura clave en la transición del neoclasicismo ruso al romanticismo. c) Josep Arrau i Barba Fue entonces cuando la Junta de Comercio le encargó la realización de un retrato del rey Fernando VII, vestido con traje de Gran Maestro de la Orden del Toisón de Oro que se conserva en la Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge. Para realizar los estudios sobre la indumentaria, fue a Madrid donde visitó personalidades entre las que se encontraban Bonaventura Carles Aribau, el general Pastor, el pintor valenciano Vicente López Portaña.

REALISMO 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8.

CRONOLOGÍA: Siglo XIX LUGAR: Francia CONCEPTO: Escenas cotidianas INFLUENCIAS: Cultura Francesa TEMÁTICA: El trabajo TÉCNICA: Óleo, acuarela COLOR: Colores representativos de la naturaleza CARACTERÍSTICAS:    

Se contrapone al Romanticismo. Pretendía alejarse del egocentrismo y del idealismo que el Romanticismo había reflejado en sus obras. Plasma lo cotidiano de manera objetiva. El Realismo intentaba reproducir original y exactamente la realidad de su época. La vida campesina y la explotación laboral y de los humildes son temas frecuentes, sobre todo en pintura. En la rama literaria, el Realismo se opone directamente a la literatura fantástica. Usa un lenguaje llano, sin rodeos.

10. REPRESENTANTES:

a) Hippolyte Emmanuel Boulenger Conoció al retratista Camile Van Camp en 1863, quien se convirtió en su mentor y mecenas. Él fue quien mostró su primera pintura en el Salón Bruselas el mismo año. Boulenger fue a Tervuren en 1864, y reunió a su alrededor a un grupo de pintores afines para conjuntarlos en la Escuela van Tervuren, una versión belga de la Escuela de Barbizon, de la cual él 3 se convirtió en líder. Al mismo tiempo, su principal modelo fue JeanFrancois Millet, aunque sus últimos trabajos fueron más cercanos a Corot. Hacia 1866, ya era famoso en varios círculos de arte belga. b) François Bonvin Tuvo una infancia desafortunada. Aprendió a dibujar gracias a un curso gratuito. Para ganarse la vida trabajó en una imprenta y una comisaría y aprovechaba su tiempo libre para ir al Louvre o estudiar a los maestros flamencos u holandeses. Estudiaba de noche en el taller de los Gobelin y en la Academia Suiza. c) Marie Rosalie Bonheur Expuso por primera vez en el Salón de 1843. Obtuvo una medalla de tercera clase en el Salón de 1845 y una medalla de oro en el de 1848. El año siguiente, expuso Labourage nivernais («La labranza de Nevers», Museo de Orsay), encargo estatal. Con la Feria de caballos (MET, Nueva York), presentado en el Salón de 1853, conoció una gloria internacional que le valió para efectuar viajes en el curso de los cuales le presentaron a personalidades como la reina Victoria.

EL IMPRESIONISMO 1. CRONOLOGÍA: Siglo XIX 2. LUGAR: Europa 3. CONCEPTO: Escuela pictórica que floreció en Francia hacia el año 1874; deriva este nombre del hecho de pretender sus seguidores trasladar sobre el lienzo su particular impresión visual del objeto. 4. INFLUENCIAS: Cultura Francesa 5. TEMÁTICA: La naturaleza y el hombre 6. TÉCNICA: Óleo, acuarela 7. COLOR: Colores cálidos y fríos 8. CARACTERÍSTICAS: 

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Coloración de las sombras: Evitaban las sombras negras y se reducían a espacios coloreados con tonalidades complementarias —luces amarillas, sombras violetas—. El claroscuro quedó eliminado. Pincelada suelta, rápida, y nerviosa como las famosas vírgulas de Monet. Las composiciones eran espontáneas, con puntos de vista fotográficos; utilizaban encuadres originales, que cortaban los cuerpos de forma parcial. Los temas preferidos eran banales, secundarios, sin importancia: escenas urbanas, de interior de cafés, bulevares de Paris, regatas, carreras de caballos y bailarinas, que muestran su gusto por el movimiento. Y preferentemente paisajes pintados al aire libre en los que plasmaron las variaciones de la atmósfera en condiciones variables con sol, lluvia, niebla etc y el reflejo de la luz sobre el agua en sus cuadros de marinas, ríos, estanques. Sus cuadros no tenían carga política ni social, los impresionistas eran artistas bohemios que vivían en barrios como Montmartre.

9. REPRESENTANTES: Claude Monet (1840-1926): Es el impresionista por excelencia. Se interesa sobre todo por el paisaje y la incidencia de la luz a diferentes horas. Capta la vibración lumínica mediante pequeños y rápidos toques de colores puros que dan aspecto inacabado a sus obras desde cerca, pero que se funden a determinada distancia. Edouard Manet (1832-1883): Más que un impresionista es un precursor, un símbolo del antiacademicismo. Su formación es clásica, con influencias de Tiziano, Velázquez o Goya, aunque concibe sus obras con un sentido muy moderno del color y del dibujo a base de grandes manchas de colores planos aplicados con una pincelada suelta. Auguste Renoir (1841-1919): Comienza captando temas de la vida amable de diversiones en los que refleja las vibraciones de la luz (Le moulin de la Galette) o desnudos en los que estudia los efectos de luz y sombra en las carnaciones. Después de un viaje a Italia se obsesiona por el dibujo abandonando parcialmente el impresionismo.

EL POSTIMPRESIONISMO 1. CRONOLOGÍA: Siglo XIX Y XX 2. LUGAR: Europa principalmente en Francia 3. CONCEPTO: Es un término aplicado a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, posteriores al impresionismo.. 4. INFLUENCIAS: Impresionismo y rechazo a las limitaciones de este 5. TEMÁTICA: Emociones y sentimientos sociales 6. TÉCNICA: Acuarela y principalmente óleo 7. COLOR: Colores vivos 8. CARACTERÍSTICAS:    

Los postimpresionistas preferían tema de la vida real para sus pinturas. Sin embargo, eligieron para representar los temas de la memoria o de la mente subconsciente en un lienzo. La impresión del sujeto tenía un profundo significado. Por lo general, usaron formas geométricas para las representaciones. A veces, se podrían ver figuras abstractas. El movimiento fue conocido por la exploración personal de los colores y la composición por parte del artista. Las pinturas postimpresionistas se caracterizan por pinceladas potentes, utilizadas para describir la impresión del artista en el lienzo. Con pinceladas gruesas y espontáneas, también se practicaron puntos de colores saturados.

9. REPRESENTANTES:

a) Paul Gaugín (1848 – 19023) Impulsado por la necesidad de superar el impresionismo. Quiere sustituir la improvisación impresionista por la armonía de las líneas y colores. Su obra podría decirse que pertenece al simbolismo. Según los simbolistas la pintura debe aspirar a crear una magia musical con sus líneas y colores. b) Paul Cezanne (1839 - 1906) Es un pintor de formación tradicional, en sus obras se preocupa por la construcción, la estructura y el armazón intelectual que transmite, lo que le lleva a ser precursor de las formas geométricas del cubismo y la abstracción. c) Vincent Van Goth (1853-1890) Desde el punto de vista del estilo, recibió influencias de los impresionistas, del divisionismo y de los simbolistas. Sin embargo, no adoptó plenamente ninguna de estas influencias, sino que las adaptó para conseguir una personal forma de expresión. Su trabajo acabó siendo fuente de inspiración, sobre todo, para el movimiento expresionista.

EL FAUVISMO 1. CRONOLOGÍA: 1904-1908 2. LUGAR: Francia 3. CONCEPTO: Movimiento pictórico caracterizado por el empleo del color puro que surgió en París a principios del siglo xx. 4. INFLUENCIAS: Cultura Francesa 5. TEMÁTICA: Naturaleza estado puro 6. TÉCNICA: Oleo 7. COLOR: Uso de color intenso (rojo, verde, amarillo, azul y rojo). 8. CARACTERÍSTICAS:     

Búsqueda de establecer armonía, tranquilidad, claridad y equilibrio en las obras de arte. Uso de formatos, planes grandes, simples y con pinceladas. Intención de mostrar sentimientos en las obras. Temas favoritos: escenas urbanas y rurales, retratos, interiores, desnudos y escenas al aire libre El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas, sin embargo Matisse no se olvidó de su importancia. También se destacaba la función decorativa y se empleaban las líneas onduladas. Con respecto a los temas que pintaban existía gran variedad: algunos pintaron el mundo rural y otros el ámbito urbano. Algunos realizaron desnudos e interiores.

9. REPRESENTANTES: a) Henri Matisse Considerado el líder de los fauvistas, fue el único de ellos que no cambió su dirección. Intenta expresar sentimientos a través del uso del color y de la forma. Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica en el estudio de Gustave Moreau, siendo condiscípulo de Roault y Marquet. Realizó numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos a la vez que estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación. b) André Derain Hacia 1908 comienza a experimentar con otros estilos. La influencia de Cézanne le lleva a un colorido más sosegado y a un mayor control en sus composiciones. En Las bañistas (1908) intenta combinar las innovaciones de los pintores anteriores, como Monet y Cézanne. c) Maurice de Vlaminck Es el autor de paisajes dramáticos que se inspiran directamente el colorido y la pincelada de Van Gogh. Sus obras fauvistas producen brillantes contrastes cromáticos, como es el caso de Árboles rojos (1906).La aparición del Fauvismo en Francia en 1905.

EL CUBISMO 1. CRONOLOGÍA: 1907-1914 2. LUGAR: Europa principalmente Francia 3. CONCEPTO El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay y Juan Gris 4. INFLUENCIAS: Aparición de la fotografía 5. TEMÁTICA: No realista 6. TÉCNICA: Oleo 7. COLOR: colores fuertes y planos 8. CARACTERÍSTICAS:     

Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages. A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones,paisajes y retratos. Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fovismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. El monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.

9. REPRESENTANTES: d) Pablo Ruiz Picasso : Es considerado desde el génesis del siglo XX como uno de los mayores pintores que participaron en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Laborioso y prolífico, pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. e) Louis Marcoussis: Llegado a París en 1903, expuso por primera vez en el Salón de otoño de 1905. Se ganaba la vida dibujando caricaturas para los periódicos satíricos. Frecuentando los cafés y el Bateau-Lavoir, trabó relación con otros artistas, como Braque, Degas, Picasso, Apollinaire y el grupo de Puteaux. Este último le hará afrancesar su nombre con el del pueblo de Marcoussis, cercano a la capital. a) Juan Gris (1910-1927) : Realiza su proceso compositivo de forma diferente a la mayoría de los creadores. Su "método deductivo" parte de estructuras abstractas que sólo en el último momento se identifican con objetos reales. Otra de las aportaciones de Gris es la representación del volumen gracias a la utilización de perspectivas isométricas e imágenes que se recortan sobre sus propias impresiones en negativo, con lo que logra unas composiciones de mayor dramatismo que Picasso o Braque.

CONSTRUCTIVISMO 1. CRONOLOGÍA: 1920 -1962 2. LUGAR: Rusia 3. CONCEPTO: El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre 4. INFLUENCIAS: Cubismo 5. TEMÁTICA: espacio/tiempo 6. TÉCNICA: Oleo, acuarela, pastel 7. COLOR: Colores fuertes 8. CARACTERÍSTICAS:      

Los representantes no ven sus obras como arte. La técnica y el proceso para elaborar el producto son de gran importancia. Predomina lo tridimensional, la escultura, la arquitectura y el diseño industrial. Se asocia a la producción industrial y sus composiciones son construidas matemáticamente. Se dedicaron a l diseño de carteles, de moda, tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda, ilustraciones, etc. La obra se comunica con el espacio que la rodea o penetra. Se valora la simultaneidad del espacio, el tiempo y la luz. La misma consta de elementos (frecuentemente transparentes) de formas geométricas, lineales y planas.

9. REPRESENTANTES a) Vladimir Tatlin (1885-1958) : Al hablar de su vida artística, deberíamos empezar por sus estudios en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. En 1915 visita Paris, donde conoce a Pablo Picasso, artista principal del movimiento cubista parisino de origen español, y su obra, la cuál influenció de manera decisiva a Tatlin. Viaja al norte de África, a Berlín y de nuevo a Paris, ya que era la ciudad donde se gestaba todo el movimiento de las vanguardias b) Alexandre Rodchenko: Fue un artista ruso, que junto con Vladimir Tatlin, encabezo el movimiento constructivista ruso. Su vida artística comienza en la escuela de Arte de Kazan, estudio en el instituto Stroganoff de Moscú. Funda la Escuela de Arte no Figurativo, y entra en contacto con Malevich y Tatlin. Participó en la exposición ―Magazín‖ y decora junto con Tatlin el cabaret Café Pittoresque de Moscú. Fue miembro fundador del Instituto Cultural Injuk. c) Lyubo Popova, 1889- 1924: Estudia pintura en Moscú bajo la tutela de Joukovski. Hace varios viajes uno de los primeros es a Italia. Participa en la reunión de artistas en la galería Basnia de Moscú, es en esta reunión donde conoce a Tatlin. Hace otro viaje a Paris donde se queda a vivir durante un tiempo, allí trabajará en los estudios de Metzinger y Le Fauconnier y pinta sus primeras obras cubistas.

SUPREMATIVISMO 1. CRONOLOGÍA: 1915-1916 2. LUGAR: Rusia 3. CONCEPTO: El suprematismo fue un movimiento artístico enfocado en formas geométricas fundamentales, que se formó en Rusia en 1915-1916. Fue fundado por Kazimir Malévich. Surgió en Rusia paralela al Constructivismo. 4. INFLUENCIAS: Cubismo frances 5. TEMÁTICA: Arte abstracto 6. TÉCNICA: Oleo 7. COLOR: Colores puros 8. CARACTERÍSTICAS:     

Supremacía de la sensibilidad plástica pura por encima de todo fin materialista, práctico, social, descriptivo o ilusionístico. Abstracción de las formas (todo se reduce a triángulos, cuadrados, la cruz y el círculo). Formas puras y absolutas en la plasmación de armonías sencillas. Empleo de colores planos contrastantes (en general primarios y también gamas intermedias, blanco y el negro). Gama de colores reducida (rojo, negro, azul, blanco y verde) o a veces carente de color.

9. REPRESENTANTES a) Aleksandr Mijáilovich Ródchenko Ródchenko nació en San Petersburgo en el seno de una familia obrera. Su familia se mudó a Kazán en torno a 1905. Luego estudió en la Escuela de Arte de Kazán donde impartían clase Nikolái Feichin y Georgui Medvédev, y también en el Instituto Stróganov (en:Stroganov Moscow State University of Arts and Industry) de Moscú. b) Liubov Serguéievna Popova Sus primeras obras fueron pintura de paisaje y dibujos de figuras humanas (1908-1912). A partir de 1913 y hasta 1915, pinta desnudos y retratos cubofuturistas (Desnudo cubista, 1913), una serie de naturalezas muertas con técnica de collage y uso del relieve (esculto-pintura), cartas pintadas y materiales diversos (Naturaleza muerta italiana, 1914). c) Vladímir Vladímirovich Mayakovski Mayakovski nació en el pueblo de Baghdati (de 1940 a 1990 llamada "Mayakovski" en su honor), en Georgia, en 1893. Era hijo de un inspector forestal. Tras la muerte de su padre, en 1906, se trasladó a Moscú, donde estudió pintura. Se entusiasmó con el Futurismo, y sus primeros poemas, por ejemplo, La nube en pantalones y La flauta vertebral son poemas futuristas.

FUTURISMO 1. CRONOLOGÍA: Inicio en 1909 2. LUGAR: Italia 3. CONCEPTO: Movimiento de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du Futurisme, publicado el 20 de febrero de 1909, en el diario Le Figaro de París. 4. INFLUENCIAS: En busca de la belleza no real 5. TEMÁTICA: Dinamismo 6. TÉCNICA: Oleo, colores y otros 7. COLOR: Colores por armonias 8. CARACTERÍSTICAS:     

Exaltación de la originalidad. Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc. Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo. Así como máquinas, deportes, guerra, etc. Utilización de formas y colores para generar ritmos. Colores resplandecientes

9. REPRESENTANTES

a) Filippo Tommaso Marinetti : Estudió, además de en su ciudad natal, en París, donde terminó el bachillerato. Se licenció en Derecho en 1899 en la Universidad de Pavía. Escribió algunos libros de poesía en francés, en los que utiliza el verso libre —precedente de las «palabras en libertad»— y desarrolla la mística del superhombre, inspirada en el poeta Gabriele D'Annunzio. b)

Giacomo Balla: En 1900 se traslada a París, donde descubre y es muy influenciado por los puntillistas parisinos, desde 1909 lo estuvo en particular por la obra del poeta Filippo Marinetti, con él publicó el manifiesto futurista.

c) Umberto Boccioni: Tras su llegada a Milán y su encuentro con los divisionistas y con Filippo Tommaso Marinetti, escribió, junto con Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini, el Manifiesto de los pintores futuristas (1910), al cual siguió el Manifiesto del movimiento futurista(1910). Según dichos manifiestos, el artista moderno debía liberarse de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado, para centrarse únicamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en continua evolución. Como temas artísticos proponían la ciudad, los automóviles y la caótica realidad cotidiana.

EL STIJL 1. CRONOLOGÍA: 1917-1931 2. LUGAR: Holanda 3. CONCEPTO: Movimiento artístico cuyo objetivo era la integración de las artes o el arte total, y se manifestaban a través de una revista del mismo nombre que se editó hasta 1931 4. INFLUENCIAS: Cubismo francés 5. TEMÁTICA: Fuerzas de la naturaleza 6. TÉCNICA: Oleo, tinta 7. COLOR: Colores vivos 8. CARACTERÍSTICAS:     

Simplificación radical Racionalización. Líneas y ángulos rectos Formas planas, rectas y simples (líneas, cuadrados y rectángulos) Colores puros

9. REPRESENTANTES a) Pieter Cornelis Mondriaan Comenzó su carrera como maestro de educación primaria, pero mientras enseñaba también practicaba la pintura. La mayor parte de su trabajo de este período naturalista o impresionista está constituida por paisajes. Estas imágenes pastorales de suHolanda nativa representan molinos de viento, campos, y ríos, inicialmente de manera impresionista al estilo de "La escuela de La Haya". b) Vilmos Huszár Emigró a los Países Bajos en 1905, estableciéndose primero en Voorburg, y recibió la influencia del cubismo y del futurismo. Conoció a otros artistas influyentes, como Piet Mondrian y Theo van Doesburg, ambos figuras influyentes en el establecimiento del movimiento De Stijl con Huszár en 1917. También fue cofundador de la revista De Stijl y diseñó la cubierta del primer número. c) Jacobus Johannes Pieter Oud Estudió arte en Ámsterdam y arquitectura en el Politécnico de Delft, aunque completó su formación trabajando para Jan Stuyt yP.J.H. Cuypers en Ámsterdam y Theodor Fischer en Múnich. En 1915 conoció a Theo van Doesburg y se vinculó al grupo De Stijl, el movimiento de la abstracción geométrica que buscó, bajo el liderazgo del pintor Piet Mondrian y la colaboración de Gerrit Rietveld, un nuevo arte objetivo, donde se integrarían pintura y arquitectura.

BAUHAUS

1. CRONOLOGÍA: 1919-1933 2. LUGAR: Holanda 3. CONCEPTO: Movimiento artístico alemán que se unificaron la arquitectura las artes plásticas y la artesanía, acaparando un gran abanico de posibilidades de expresión como en las artes gráficas e industriales y el diseño de escenografías y vestuario teatrales. 4. INFLUENCIAS: Las otras artes 5. TEMÁTICA: Unificación de las esencias artísticas 6. TÉCNICA: Colores , diseño grafico 7. COLOR: Colores compuestos por CMYK 8. CARACTERÍSTICAS:      

Formar un movimiento de artistas con plena conciencia social e intelectual. Formar jóvenes artistas que no cayeran en lo típico. Unión de arte y funcionalidad esta fusión es elemental El arte entra a los hogares con una función. En bauhaus se enseñaba a crear. El trabajo manual era la base del artista.

a) Vasili Vasílievich Kandinski Vasili Kandinski nació el 16 de diciembre (en el antiguo calendario ruso: 4 de diciembre) de 1866, proveniente de una familia de clase media alta. Su padre Vasili Silvéstrovich Kandinski era un comerciante de té procedente de Kiajta, una población siberiana cercana a la frontera con Mongolia. b) Walter Adolph Georg Gropius Walter Gropius nació en Berlín, hijo y nieto de arquitectos. Estudió arquitectura en Múnich y en Berlín. Después de sus estudios trabajó durante tres años en el despacho de Peter Behrens y a continuación se independizó. Entre 1910 y 1915, año de su matrimonio con Alma Mahler, se dedicó principalmente a la reforma y ampliación de la fábrica de Fagus en Alfeld. c) Paul Klee En 1911 Wassily Kandinski y Franz Marc fundaron en Múnich un grupo de artistas vinculado al expresionismo. Paul Klee no era oficialmente miembro de esta asociación, pero con todo se sentía muy unido al círculo de artistas que la integraban y participó en sus exposiciones. Entre los miembros del Blaue Reiter se contaban August Macke, Gabriele Münter y Marianne von Werefkin-

ESTILO TIPOGRÁFICO 1. CRONOLOGÍA: Inició en 1950 2. LUGAR: Suiza 3. CONCEPTO: El Estilo Tipográfico Internacional, también conocido como International Typographic Style, Escuela suiza o Swiss Style, es un estilo de diseño gráfico, desarrollado en Suíza en la década de 1950, y que tuvo una gran fuerza y repercusión durante más de dos décadas 4. INFLUENCIAS: Arte abstracto 5. TEMÁTICA: Comunicar ideas unificadas 6. TÉCNICA: Tinta, medios impresos 7. COLOR: Negro 8. CARACTERISTICAS:     

El estilo es asociado también a una preferencia por la fotografía en lugar de ilustraciones o dibujos. La información basándose en la claridad, la legibilidad y la objetividad. Los diseñadores de este estilo definían el diseño como una actividad socialmente útil e importante. El diseño lograda a través de la asimetría en la composición El uso de una retícula tipográfica y una cuadrícula totalmente matemática

9. REPRESENTANTES: a) Paul Rand : Desde adolescente, su trabajo ya mostraba una fuerza innovadora y vanguardística que no pasó desapercibida. Fue Director de Arte de la revista Esquire (1935) y de Apparel Arts -GQ- (1941) y de las portadas para el "Directions Cultural journal" entre 1938 y 1945. Fue pintor, conferencista, diseñador industrial y artista publicitario que puede plasmar su conocimiento y su creatividad sin límites. ―Piensa en términos de necesidad y función." b) Josef Müller-Brockmann : Estudió arquitectura, diseño e historia del arte en la Universidad de Zúrich y en su Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos). En 1936 abrió en esa ciudad su propio estudio, especializado en diseño gráfico, diseño de exposiciones y fotografía. Desde 1951 produjo carteles de conciertos para el Auditorio de Zurich c)

Jan Tschichold : Con el paso del tiempo los movimientos vanguardistas llamaron su atención y fue entonces que empezó a ver la tipografía desde otro punto de vista e incluso en 1925 publicó un artículo llamado Elementare Typographie en la revista Typographische Mitteilungen en donde explicaba una serie de principios o creencias que él mismo había desarrollado

INTERNACIONAL SUIZA 1. CRONOLOGÍA: 1950 2. LUGAR: Suiza-Basilea 3. CONCEPTO: Este movimiento es conocido como ―estilo internacional‖ de la comunicación gráfica 4. INFLUENCIAS: Revolución de la comunicación 5. TEMÁTICA: Técnicas visuales 6. TÉCNICA: Collage y montaje 7. COLOR: Colores llamativos 8. CARACTERÍSTICAS:       

El uso de una rejilla modular que dotaba al diseño de coherencia y estructura interna. El empleo de tipografías sans-serif y disposición asimétrica de los distintos elementos del diseño. Utilización de la fotografía en blanco y negro en lugar de ilustraciones. Las imágenes fotográficas se convierten en símbolos pictográficos que se obtuvieron de sus medios naturales y se relacionaron en formas inesperadas. Integración de la fotografía en blanco y negro, de los pequeños anuncios y de las áreas de color. Durante la década de 1950 surgió en Alemania y Suiza un movimiento de diseño al que se llamó Diseño Suizo. La claridad objetiva de este movimiento de diseño ganó adeptos en todo el mundo.

9. REPRESENTANTES: a) Paul Renner : Trabajó como diseñador gráfico, tipógrafo, pintor y maestro. Si bien él no estaba directamente relacionado con el movimiento Bauhaus de los años 20 pronto pasó a defender sus posturas y convertirse en un ferviente defensor de la Nueva tipografía. En 1926, fue nombrado director de la Escuela de Maestros Impresores Alemanes. b) Max Bill : En 1944 Bill llevó a cabo una primera incursión en el campo del diseño industrial, con el diseño de un reloj de aluminio paraJunghans, firma con la que colaboró durante varios años realizando modelos de relojes de pared, de cocina y de pulsera con estilo racionalista y estética industrial. Uno de esos relojes de pared está expuesto en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York. c) Adrian Frutiger : En 1951 realizó un estudio sobre la escritura occidental que mereció un premio del Ministerio del Interior. Su trabajo llegó a oídos de Charles Peignot, presidente de la fundición francesa Deberny & Peignot, quien sorprendido por su trabajo preciso y detallista ofreció a Frutiger un puesto en su empresa. Frutiger trabajó en esta fundición durante nueve años, siendo su primer trabajo el diseño del tipo President.

INTERNACIONAL USA 1. CRONOLOGÍA: Post II guerra mundial 2. LUGAR: Estados Unidos 3. CONCEPTO: Asimetría en la composición 4. INFLUENCIAS: Aumento de la industrialización 5. TEMÁTICA: Comunicación rápida 6. TÉCNICA: Serigrafía y medios impresos 7. COLOR: Colores planos 8. CARACTERÍSTICAS:     

Dejaban de lado la expresión artística y personal. Buscando una solución más científica y universal en su tipografía. El estilo es asociado también a una preferencia por la fotografía en lugar de ilustraciones o dibujos. La legibilidad y la objetividad. La solución a los problemas de diseño se debían encontrar a través del contenido.

9. REPRESENTANTES: . a) Josef Müller-Brockmann Por su enfoque neutral, objetivo y funcional. Josef Müller-Brockmann, una figura central en este movimiento, fue diseñador, profesor y autor de varios estudios importantes del diseño gráfico y la comunicación visual moderna. b) Jan Tschichold nació en Leipzig en 1902, hijo de un rotulista y pintor de letreros de origen eslovaco por lo que sólo formalmente. El estilo tenía que ser parecido al Monotype Garamond pero más estrecho en un 5% para de esta manera poder ahorrar espacio. Fue así como surgió la letra Sabon, uno de los principales tipos desarrollados por Tschichold. c) Richard Paul Lohse ohse nació en Zürich en 1902. Su deseo de estudiar en París fue frustrado debido a sus circunstancias económicas difíciles. En 1918, se incorporó a la agencia de publicidad Max Dalang, donde se entrenó para convertirse en un diseñador de publicidad. Lohse, a continuación, un autodidacta, pintado expresiva, de finales del cubista las naturalezas muertas.

REVOLUCIÓN DEL DISEÑO EDITORIAL 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7.

CRONOLOGÍA: 1950 a nuestros días LUGAR: USA y Europa CONCEPTO: Comunicación rápida INFLUENCIAS: Recuperación de la II guerra mundial TEMÁTICA: Recuperación de la economía TÉCNICA: Serigrafía y medios impresos COLOR: Colores planos

8. CARACTERÍSTICAS:      

Recién en el siglo XX hubo una renovación significativa en el diseño editorial. Donde se experimentó con el uso asimétrico de la retícula. Se busca desarrollar los fundamentos que nos llevan a la formulación de nuestra hipótesis Sostiene que los diseños de las cubiertas de los libros de la actualidad son más atractivos que los de antaño. Técnicas de tratamiento de imágenes. Se trata del esquema que se utiliza para componer una pieza editorial, que consiste en la organización del pliego teniendo en cuenta distintos elementos tales como los márgenes, la zona a imprimir (mancha) y las columnas.

9. REPRESENTANTES: a) Adrian Frutiger Es uno de los tipógrafos más predominantes del siglo XX y continúa influenciando el desarrollo de la tipografía digital en el siglo XXI. Es mejor conocido por la creación de las tipografías Univers y Frutiger. b) Stanley Morison Desde joven tuvo que abandonar la escuela para comenzar a trabajar. Sin embargo, el que no tuviera una educación en el ambiente tipográfico y de imprenta no fue un impedimento para él, ni para su desarrollo en esta área. Stanley se vio fuertemente influenciado por la religión católica, más que nada en el área de la imprenta. c) Johannes Gutenberg Conocedor del arte de la fundición del oro, se destacó como herrero para el obispado de su ciudad. La familia se trasladó a Eltville en Rhein, ahora en el Estado de Hesse, donde Else había heredado una finca. Debió haber estudiado en la Universidad de Erfurt, en donde está registrado en 1419 el nombre de Johannes de Alta Villa.

EXPRESIONISMO TIPOGRÁFICO 1. CRONOLOGÍA: Siglo XX 2. LUGAR: Alemania 3. CONCEPTO: En los años 50 y 60 los diseñadores gráficos que pusieron interés en la tipografía figurativa: la letras se convertían en objetos y viceversa 4. INFLUENCIAS: La publicidad 5. TEMÁTICA: Daba mayor primacía a los sentimientos que a la descripción objetiva de la realidad, buscaba la deformación de ésta para así lograr expresar de la forma más subjetiva posible la naturaleza del ser humano, 6. TÉCNICA: Medios impresos 7. COLOR: Planos 8. CARACTERÍSTICAS:     

Letras con texturas. Implementación de una sola tinta en sus tipografías. Formas más simplificadas, grandes. Tipografías gruesas sin estéticas. Dejó atrás la preocupación por la belleza con el objetivo de centrarse e interpretar la realidad sucedida de esa época.

10. REPRESENTANTES: a) Herb Lubalin Uno de los innovadores tipógrafos americanos, rechazó la filosofía funcionalista de los europeos en favor de un estilo ecléctico y exuberante. Su manipulación del tipo reflejaba un deseo de romper con la tradición y explotar las posibilidades tipográficas de los nuevos sistemas de fotocomposición. Sus trabajos comprenden packaging, diseño editorial, creación de alfabetos y publicidad. b) Rudolf Koch Fue un diseñador de tipos alemán. También fue un maestro de las letras,caligrafía, tipografía y la ilustración . Comúnmente conocido por sus tipografías creadas para el Tipo Klingspor fundición, sus tipos de letra más utilizados incluyen Neuland y Kabel. c) Paul Rand Comenzó su carrera en el diseño gráfico a los 23 años trabajando como diseñador promocional y editorial para varias revistas (Apparel Arts, Esquire, Directions Cultural Journal...) en las que las portadas rompieron con lo tradicional del diseño publicitario.

ART DECO 1. CRONOLOGÍA: 1920 hasta 1939 2. LUGAR: Francia 3. CONCEPTO: Fue un movimiento de diseño popular que influyó las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura y cinematografía 4. INFLUENCIAS: Cultura Francesa, de estilo charlestón y las fábricas, del lujo de los trasatlánticos y de los rascacielos, el fantástico mundo de Hollywood y el mundo real de Harlem Renaissance 5. TEMÁTICA: Belleza 6. TÉCNICA: Técnicas contemporáneas 7. COLOR: Colores según el ambiente 8. CARACTERÍSTICAS:       

Tratan de representar algunas abstracciones de la naturaleza, rayos luminosos radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes, etc. Representación de elementos fitomorfos: flores, cactus, palmeras, representados por medio de delineaciones geométricas. Utilizan motivos de las culturas prehispanas de las culturas azteca, maya o inca Utilizan motivos inspirados en los objetos arqueológicos de Egipto, Mesopotamia, vikingo o de los pueblos africanos o indios. Una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos. Como estilo de la edad de la máquina. El color se nutrió de las experiencias del fauvismo.

9. REPRESENTANTES: . a. Federico Beltran Masses En 1920, la XII Bienal de Venecia dedica íntegramente una sala a su obra. A partir de este momento y como consecuencia de su viaje a Italia, Venecia y sus fondos arquitectónicos ocupan un importante papel en la obra de Beltran Masses. Venecia es la ciudad de sus sueños, de sus fantasías y hace de ella el marco perfecto de sus retratos. b. Vadim Meller (1884 - 1962) fue un pintor ruso, artista vanguardista, diseñador y escenógrafo, comenzó a exponer sus obras después de trasladarse a París, donde formó parte de la Sociedad de Artistas Independientes. Meller estudió igualmente con Antoine Bourdelle. c.

Tamara de Lempicka mara fue "la primera artista mujer en ser una estrella del glamour". Influenciada por el Cubismo, Lempicka fue una de las mayores representantes del estilo Art Deco en dos continentes, fue la artista favorita de muchas estrellas de Hollywood y llamada "la baronesa con pincel".

EXPRESIONISMO 1. CRONOLOGÍA: 1944 - 1964 2. LUGAR: Alemania 3. CONCEPTO: Movimiento artístico y literario de origen europeo surgido a principios del siglo xx que se caracteriza por la intensidad de la expresión de los sentimientos y las sensaciones como la moda, pintura, grabado, escultura y cinematografía 4. INFLUENCIAS: Cultura Francesa, de estilo charlestón y las fábricas, del lujo de los trasatlánticos y de los rascacielos, el fantástico mundo de Hollywood y el mundo real de Harlem Renaissance 5. TEMÁTICA: La realidad objetiva, la crisis interior, la tragedia personal del pintor, frente a una sociedad harta, llena de miseria, angustia y guerras. 6. TÉCNICA: Técnicas contemporáneas 7. COLOR: Frios 8. CARACTERÍSTICAS:    

Fuerza psicológica y expresiva mediante colores fuertes y puros, cuyas combinaciones son al azar, con líneas que expresan la angustia que estos autores sienten frente a la vida. Los colores puros, son colocados en la tela para provocar distorsión de sus líneas y de las figuras que forman, pero su disposición en la tela reflejan un simbolismo que va más allá de las líneas simples. Se pintan máscaras y paisajes donde los protagonistas son el agua, el cielo, las masas de vegetación o la simple intención de mostrar el ritmo de los sentimientos. Destacan en sus pinturas los colores azul, amarillo y verde para contrastar con la simplicidad del blanco y el negro. Son frecuentes los rostros desfigurados y tristes

9. REPRESENTANTES: a). Oskar Kokoschka En 1920, la XII Bienal de Venecia dedica íntegramente una sala a su obra. A partir de este momento y como consecuencia de su viaje a Italia, Venecia y sus fondos arquitectónicos ocupan un importante papel en la obra de Beltran Masses. Venecia es la ciudad de sus sueños, de sus fantasías y hace de ella el marco perfecto de sus retratos. b) Max Beckman: Nació en Leipzig y estudió en la Escuela de Ärte de Wiemar desde 1900 hasta 1903. Habiendo completado este curso, pasó un año en París y luego se radicó en Berlín. Allí se asoció al grupo Berliner Sezession. Sus primeras obras fueron en el estilo impresionista alemán influidas también por el simbolismo de Hans von Marées. c) Edvard Munch: Nació el 12 de diciembre de 1863 cerca de Loyten en el sur de Noruega. Su madre falleció cuando él sólo contaba cinco años y su hermana mayor cuando él tenía 14; él mismo fue un niño enfermizo, y los temas de enfermedad y muerte aparecen frecuentemente en sus obras.

SURREALISMO 1. CRONOLOGÍA: 1924 - 1966 2. LUGAR: Europa 3. CONCEPTO: Movimiento artístico que se inspira en las teorías psicoanalíticas para intentar reflejar el funcionamiento del subconsciente, dejando de lado cualquier tipo de control racional. 4. INFLUENCIAS: Cultura Francesa, de estilo charlestón y las fábricas, del lujo de los trasatlánticos y de los rascacielos, el fantástico mundo de Hollywood y el mundo real de Harlem Renaissance 5. TEMÁTICA: Sueños, inconciente. 6. TÉCNICA: Técnicas contemporáneas 7. COLOR: Frios 8. CARACTERÍSTICAS: 

La fuente desde la que brotaba su arte era el inconsciente. Para estimularlo se valían de diversas técnicas; una de las principales fue el automatismo, que se utilizaba tanto en pintura como en literatura y que consistía en escribir o pintar sin parar y, sobre todo, sin razonar. Otras técnicas muy conocidas fueron el ―cadáver exquisito‖, los caligramas y el collage. (Más información sobre las técnicas surrealistas, aquí.)  Expresaban lo que les surgía sin ningún tipo de presión por parte de la mente. Decían que las figuras o símbolos que obtenían, al no estar condicionados por el razonamiento, reflejaban la verdadera esencia del ser humano.  Despreocupación por los valores morales y estéticos. El Surrealismo niega la moral tradicional, particularmente en lo que atañe a lo sexual, y concede nuevas posibilidades a los conceptos de belleza y fealdad. Lo absurdo, lo grotesco, lo onírico, lo inesperado guardan una belleza particular que se manifiesta a través del azar.  Confiaban en que el azar, los sueños, la asociación libre podían revelar un arte genuino, bello y estético. . 9. REPRESENTANTES: a) Salvador Dalí (1904 – 1989) hombre excéntrico, que a través de su arte expresaba claramente su personalidad dejando en claro que todos los ámbitos de su vida estaban relacionados con el surrealismo. Obras: Mujer en la ventana, Muchacha de espaldas, La persistencia de la memoria, El Sueño, Jirafa ardiendo, La metamorfosis de Narciso, El mercado de los esclavos.. b) Max Ernst (1891 – 1976): basaba sus pinturas en símbolos y figuras difíciles de reconocer e identificar como El elefante de las Célebes, Surrealismo y pintura, Edipo rey, Mi amigo Pierrot, La ninfa Eco, La alegría de vivir, Medusa de Colorado. c) Joan Miró (1893 – 1983): desarrolló un surrealismo basado en la abstracción y a su vez conectado con la naturaleza. Entre sus obras destacamos El huerto, La tierra arada, El jardín, El carnaval del arlequín y Perro ladrando a la luna en dos continentes, fue la artista favorita de muchas estrellas de Hollywood y llamada "la baronesa con pincel".