Fantasy Manga by Pedro Concha

fanTasY

manga

Diseño y Diagramación: Pedro Concha Araya Producción y Foto: Pedro Concha Araya Reservados todos los derechos. Queda rigurosamente prohibida, sin la autorización escrita de los titulares del copyright, bajo las sanciones establecidas en las leyes, la reproducción parcial o total de esta obra por cualquier medio o procedimiento, incluidos la tipografía y el tratamiento informático. Pedro Concha Araya - Profesora Carmen Landeta. Taller Editorial 2º Semestre 2010.

fanTasY

manga

Prologo El Manga es un estilo de historieta japonesa que encuentra sus orígenes en el arte japonés del siglo XI, incluso traspasando las fronteras e idiomas, ya siendo traducido a varios idiomas y distribuidos en diversos países. El manga no solamente es para niños y adolecentes, a trascendido los límites de la edad, llegando a hoy en día a ser leído por una diversa gama de edades, debido a su variedad de géneros que nos ofrece. Concepto Creativo Simple (Definición RAE)

(Del lat. simple, adv. de simplus). (1). adj. Sin composición. (2). adj. Se dice de aquello que, pudiendo ser doble o estar duplicado, no lo es o no lo está. Simple muralla. (3). adj. Sencillo, sin complicaciones ni dificultades. Simple (Definición Corripio)

(1). Natural, elemental, llano. V. SENCILLO 1. (2). Bobo, majadero, necio. V. TONTO 1. Concepto Grafico

La diagramación está estructurada para una simple lectura, acompañándose con las imágenes que le den una coherencia a la lectura, que están respaldadas por el papel texturizado, dándoles un efecto de tela, dándole un todo al libro.

Manga Manga es la palabra japonesa para designar a la historieta en general. Fuera de Japón, se utiliza exclusivamente para referirse a las historietas niponas. El manga abarca una amplia variedad de géneros, y llega a públicos de muchos tipos diferentes y de espectros de edades diversos. Constituye una parte muy importante del mercado editorial de Japón y motiva múltiples adaptaciones a distintos formatos: series de dibujos animados, conocidas como anime, o de imagen real, películas, videojuegos y novelas. Cada semana o mes se editan nuevas revistas con entregas de cada serie, al más puro estilo del folletín, protagonizadas por héroes cuyas aventuras en algunos casos seducen a los lectores durante años. Desde los años ochenta, ha ido conquistando también los mercados occidentales.

Terminología Hokusai Katsushika, un representante del ukiyo-e, acuñó el término manga combinando los kanji correspondientes a informal y dibujo. Se traduce, literalmente, como “dibujos caprichosos” o “garabatos”. Los japoneses llaman también al manga “imágenes insignificantes”, pues compran al año más de mil millones de volúmenes en blanco y negro, impresos en papel barato. Al profesional que escribe o dibuja mangas se le conoce como mangaka.

Características distintivas A diferencia de las otras dos grandes escuelas de historieta (la franco-belga y la estadounidense), en el manga las viñetas y páginas se leen de derecha a izquierda, al igual que en la escritura tradicional japonesa. El más popular y reconocido estilo de manga tiene también otras características distintivas, muchas de ellas por influencia de Osamu Tezuka, considerado el padre del manga moderno. Scott McCloud señala, por ejemplo, la tradicional preeminencia de lo que denomina efecto máscara, es decir la combinación gráfica de unos personajes caricaturescos con un entorno realista, como también sucede en la línea clara. En el manga es frecuente, sin embargo, que se dibujen de forma más realista alguno de los personajes u objetos (éstos últimos para indicar cuando sean necesario sus detalles). McCloud detecta también una mayor variedad de las transiciones entre viñetas que en los comics occidentales, con una presencia más sustancial del tipo que denomina “aspecto a aspecto”, en la que el tiempo no parece avanzar.

También hay que destacar el gran tamaño de los ojos de muchos de los personajes, más propio de individuos occidentales que japoneses, y que tiene su origen en la influencia que sobre Osamu Tezuka ejerció el estilo de la franquicia Disney. A pesar de ello, el manga es muy variado y no todas las historietas son asimilables a las más popularizadas en Occidente, abordando de hecho todo tipo de estilos y temáticas, y comprendiendo autores de dibujo realista como Ryoichi Ikegami o Katsuhiro Otomo.

Diagrama de lectura del manga..

Historia El manga nace de la combinación de dos tradiciones: La del arte gráfico japonés, producto de una larga evolución a partir del siglo XI, y la de la historieta occidental, afianzada en el siglo XIX. Sólo cristalizaría con los rasgos que hoy conocemos tras la Segunda Guerra Mundial y la labor pionera de Osamu Tezuka.

La tradición gráfica japonesa Las primeras características del manga pueden encontrarse en el Chojugiga (dibujos satíricos de animales), atribuidos a Toba no Sojo (siglos XI-XII), del que apenas se conservan actualmente unos escasos ejemplares en blanco y negro. Durante el período Edo, el ukiyo-e se desarrolló con vigor, y produjo las primeras narraciones remotamente comparables a los géneros actuales del manga, que van de la historia y el erotismo a la comedia y la crítica. Hokusai, una de sus figuras, implantaría el uso del vocablo manga en uno de sus libros, Hokusai Manga, recopilado a lo largo del siglo XIX. Otros dibujantes, como Gyonai Kawanabe, se destacaron también en este período artístico.

La prensa satírica de origen occidental (1862) Durante el siglo XIX, en plena transición de la era feudal a la industrializada, los artistas occidentales se maravillaban del ukiyo-e, gracias a la exótica belleza que transmitía. Con todo, los verdaderos inicios del manga moderno no se debieron al esteticismo del arte del período Edo, sino a la expansión de la influencia cultural europea en Japón. La expansión de las técnicas en las historietas europeas se tradujo en una producción lenta pero segura por parte de artistas autóctonos japoneses como Kiyochika Kayashi, Takeo Nagamatsu, Ippei Okomoto, Ichiro Suzuki y sobre todo Rakuten Kitazawa, cuya historieta Tagosaku to Mokube na Tokyo Kenbutsu se considera el primer manga en su sentido moderno. Todos ellos oficiaron de pioneros, difundiendo su obra a través de publicaciones como Tokyo Puck (1905), aunque, igual que en Europa, el uso de globos de diálogo que ya era habitual

en la prensa estadounidense desde The Yellow Kid (1894) todavía no se había generalizado. Simultáneamente, desde 1915 se empezó a ensayar la adaptación del manga a la animación, lo que más tarde devendría en el surgimiento del anime.

Los primeros mangas infantiles (1923) Los años 1920 y 1930 fueron muy halagüeños, con la aparición y triunfo del kodomo manga (historietas infantiles), como Las aventuras de Shochan (1923) de Shousei Oda/Tofujin y Los Tres Mosqueteros con botas en la cabeza (1930) de Taisei Makino/Suimei Imoto.

Manga de Hokusai.

Nacimiento del manga moderno (1945) Tras su rendición incondicional, Japón entraría en una nueva era. El entretenimiento emergió como industria respondiendo a la necesidad psicológica de evasión ante una cruda posguerra. La falta de recursos de la población en general requería de medios baratos de entretenimiento, y la industria tokiota de mangas basados en revistas vio surgir competidores. Apareció así el Kamishibai, una especie de leyendas de ciego, que recorría los pueblos ofreciendo su espectáculo a cambio de la compra de caramelos. El Kamishibai no competía con las revistas, pero sí otros dos nuevos sistemas de distribución centrados en Osaka: 1. Las bibliotecas de pago, que llegaron a constituir una red de 30.000 centros de préstamo que producía sus propios mangas en forma de revistas o tomos de 150 páginas. 2. Los libros rojos, tomos de unas doscientas páginas de papel de baja calidad en blanco y negro, cuyo rasgo característico eran sus portadas en color rojo y su bajo precio. Esta industria pagaba a sus artistas sueldos próximos a la miseria, pero a cambio les otorgaba una amplia libertad creativa. Osamu Tezuka, un estudiante de medicina veinteañero apasionado de los dibujos animados de Fleischer y Disney, cambiaría la faz de la historieta nipona con su primer libro rojo: La nueva isla del tesoro, que vendió de súbito entre 400.000 y 800.000 ejemplares, gracias a la aplicación a la historia de un estilo cinematográfico que descomponía los movimientos en varias viñetas y combinaba este dinamismo con abundantes efectos sonoros.

El éxito de Tezuka lo llevó a las revistas de Tokio, particularmente a la nueva Manga Shonen (1947) que fue la primera revista infantil dedicada en exclusiva al manga, y en la que Tezuka publicó Astroboy. En estas revistas impuso su esquema de epopeya en forma de serie de relatos y diversificó su producción en múltiples géneros, de los que destacan sus adaptaciones literarias y el manga para chicas o shojo manga. A mediados de los 50, Tezuka se trasladó a un edificio de la capital llamado Tokiwasi, al que peregrinarían los nuevos autores. Hay espacio, sin embargo, para autores como Machiko Hasegawa, creadora de la tira cómica Sazae-san (1946-74), Kon Shimizu o Shigeru Sugiura con un grafismo muy diferente, nada disneyano.

El auge del manga (1959) El triunfo de las revistas de manga acabó con el Kamishibai, y muchos de sus autores se refugiaron en el sistema de bibliotecas. Las revistas de manga eran todas infantiles, y las bibliotecas encontraron su nicho creando un manga orientado hacia un público más adulto: el gekiga. Abandonaron el estilo de Disney por otro más realista y fotográfico y se abrieron a nuevos géneros más violentos, escatológicos o sensuales como el horror, las historias de samuráis, los mangas sobre yakuzas, el erotismo, etc. Entre ellos cabe destacar a Sanpei Shirato que en 1964 patrocinaría la única revista underground de la historia del manga, Garo. La competencia en el terreno gráfico del gekiga obligó a las revistas a reducir la presencia del texto, aumentando el número de páginas y el tamaño para mejorar su visión.

Expansión En 1988, gracias al éxito de la versión cinematográfica de Akira, basada en el manga homónimo del dibujante Katsuhiro Otomo, publicado en 1982 en la revista Young Magazine de la editorial Kōdansha, la difusión internacional del manga comenzó a aumentar de forma explosiva. El gran éxito de esta película en Occidente venía precedido de una tradición en aumento de emitir anime japonés en las cadenas de televisión europea y norteamericanas. Ya en los años 60, Osamu Tezuka había vendido los derechos de emisión de su primer Astro Boy a la cadena estadounidense NBC consiguiendo un éxito notable entre la audiencia infantil.

Posteriormente, se sucedieron las series de animación Mazinger Z, Great Mazinger o Grendizer, siendo esta última un estallido mediático en Francia, donde se la conocería como Goldorak. Todas ellas se basaban en las historietas del mangaka Gō Nagai, actual magnate de un imperio de distribución editorial. En la década de 1980, empezaron a destacarse series de otra índole, como The Super Dimension Fortress Macross, parte del compendio de series conocido en Occidente por Robotech, obra de Carl Macek, o la revisión de Osamu Tezuka de Astroboy pero en esta ocasión vuelta a filmar en color y con aires más modernos. A ésta se sumó la saga épica Gundam, sólo superada en temporadas y episodios por la serie de animación estadounidense Los Simpson de Matt Groening. Otro de los autores más relevantes en este apogeo mediático de finales de los ochenta y principios de los noventa, fue el mangaka Akira Toriyama, creador de las famosas series Dragon Ball y Dr. Slump, ambas caracterizadas por un humor picante, irreverente y absurdo. Tal fue el éxito de estas dos obras que en algunos países europeos llegaron a desbancar de las listas de ventas al cómic estadounidense y nacional durante bastantes años. Este fenómeno fue más marcado en España, donde Dragon Ball vendió tantos ejemplares que se la considera la historieta de origen extranjero más vendida de la historia. En el propio Japón, la revista Shōnen Jump (en momentos puntuales, especialmente durante algunas semanas que coincidía con episodios decisivos de la serie Dragon Ball) llegó a aumentar su tirada semanal en 6 millones de ejemplares.

Manga Slam Dunk , traducido al FrancĂŠs.

Manga HOTD , traducido al EspaĂąol.

Manga Unbalance X , traducido al Ingles.

Exportaciones Cuando se comenzaron a traducir algunos títulos de manga, se les añadía color y se invertía el formato en un proceso conocido como “flopping” para que pudieran ser leídos a la manera occidental, es decir de izquierda a derecha, también conocido como “espejado”. Sin embargo, varios creadores (como Akira Toriyama), no aprobaron que sus trabajos fueran modificados de esa forma, ya que se perdía la esencia de la imagen y el encuadre original, y exigieron que mantuvieran el formato original. Pronto, como consecuencia de la demanda de los fanáticos y la exigencia de los creadores, la mayoría de las editoriales comenzó a ofrecer el formato original de derecha a izquierda, que ha llegado a convertirse en un estándar para los lectores de manga fuera de Japón. También es frecuente que las traducciones incluyan notas de detalles acerca de la cultura del Japón que no resultan familiares a las audiencias extranjeras y que facilitan el entendimiento de las publicaciones. La cantidad de mangas que han sido traducidos a múltiples idiomas y vendidos en diferentes países sigue en aumento. Han surgido grandes casas editoriales fuera de Japón como la estadounidense VIZ Media centradas únicamente en la comercialización de manga. La francesa Glénat vive una segunda juventud gracias a publicación de cómic japonés. Los mercados que importan más manga son Francia (siendo este país el segundo del mundo en edición de cómics de origen japonés por detrás solamente del mismo Japón), los Estados Unidos, España y el Reino Unido.

Influencia fuera de Japón La influencia del manga es muy destacable en la industria de historietas original de casi todos los países del Extremo Oriente e Indonesia. Al día de hoy el manga también se ha consolidado en la sociedad occidental debido al éxito cosechado durante las décadas pasadas, dejando de ser algo exclusivo de un país para constituirse en un fenómeno comercial y cultural global, en competencia directa con la hegemonía narrativa estadounidense y europea. El ejemplo más claro de la influencia internacional del manga se encuentra en el denominado amerimanga, es decir, el conjunto de artistas fuera del Japón que han creado historietas bajo la influencia del manga y el anime japonés pero para un público estadounidense. Y es que el manga se ha vuelto tan popular que muchas compañías fuera del Japón han lanzado sus propios títulos basados en el manga como Antarctic Press, Oni Press, Seven Seas Entertainment, TOKYOPOP e incluso Archie Comics que mantienen el mismo tipo de historia y estilo que los mangas originales. Sin embargo, lo más importante de todo es que gracias a la irrupción del manga en Occidente, la población juvenil de estas regiones ha vuelto a interesarse masivamente por la Historieta como medio, algo que no sucedía desde la implantación de otras formas de ocio como la TV.

TArGet El manga en Japón es un auténtico fenómeno de masas. Un único dato sirve para ilustrar la magnitud de este fenómeno: En 1989, el 38% de todos los libros y revistas publicados en Japón eran de manga. Como se puede suponer por esta cifra, el manga no es sólo cosa de jóvenes. En Japón hay manga para todas las edades, profesiones y estratos sociales, incluyendo amo/as de casa, oficinistas, adolescentes, obreros, etc. El manga erótico y pornográfico (hentai) supone una cuarta parte de las ventas totales.

Publicaciones Y en cuanto a las revistas de manga, conocidas también como “revistas manga” o “revistas antológicas”, hay que decir que sus tiradas son espectaculares: Al menos diez de ellas pasan del millón de ejemplares semanales. Shōnen Jump es la revista más vendida, con 6 millones de ejemplares cada semana. Shōnen Magazine le sigue con 4 millones. Otras conocidas revistas de manga son Shōnen Sunday,Big Comic Original, Shonen Gangan, Ribon, Nakayoshi, Young Animal, Shojo Beat y Lala. Las revistas de manga son publicaciones semanales o mensuales de entre 200 y 900 páginas en las que concurren muchas series distintas que constan a su vez de entre 20 a 40 páginas por número. Estas revistas suelen estar impresas en papel de baja calidad y en blanco y negro con excepción de la portada y usualmente algunas páginas del comienzo. También contienen varias historietas de cuatro viñetas. Si las series mangas resultan ser exitosas se publican durante varios años. Sus capítulos pueden ser recogidos en tomos de unas 200 páginas conocidos como tankōbon, que recopilan 10 u 11 capítulos que aparecieron antes en revista. El papel y las tintas son de mejor calidad, y quien haya sido atraído por una historia concreta de la revista la comprará cuando salga a la venta en forma de tankōbon. Recientemente han sido impresas versiones de lujo para aquellos lectores que buscan un impreso de mayor calidad y que buscan algo especial.

Portada Sonen Jump Magazine.

Colecci贸n de Tomos Dragon Ball.

Kodomo manga Kodomo (literalmente “niño“). Sin embargo, en el ámbito del manga y del anime se emplea para referirse a un género orientado al público infantil. El género Kodomo se distingue por la ausencia de fanservice u otros elementos destinados a audiencias más adultas. Las historias están caracterizadas por el uso de temas y conceptos para los niños y la familia. También es muy común que personas adultas se interesen por dichas series (un 70% de la población japonesa adulta, según recientes encuestas), probablemente por su desenfadado estilo, su corta duración y una simple trama. Ejemplos: Pokémon, Hamtaro, Doraemon, El dulce hogar de Chi.

Shonen manga Shinen (literalmente “chico” o “muchacho”) es un término utilizado en Japón para la revistas de manga dirigidas a los varones jóvenes de catorce a dieciocho años, también a los anime derivados de estos o aquellos con características similares. El anime y el manga shōnen típicamente se caracteriza por ser series con grandes dosis de acción, a menudo situaciones humorísticas con protagonistas masculinos. El compañerismo entre chicos u hombres de un equipo deportivo también suele subrayarse en un shōnen. También suele haber personajes atractivos femeninos (como en el bishōjo o fan service), cabe destacar que tampoco es obligación. El arte de estilo de shōnen general es menos florido que el de shōjo, aunque esto varía mucho entre los mangakas. Más allá del género shōnen, está el género para los hombres, el seinen, que, a pesar de una serie de diferencias importantes, muchos aficionados occidentales no hacen una distinción entre el shōnen y el seinen. Personajes tipo del shōnen: Al igual que la mayoría de géneros de manga y anime. El shonen cuenta con personajes bases que se van repitiendo sin importar el tipo de serie. Entre ellos podemos encontrar: El protagonista: Un chico comúnmente torpe, flojo e incluso a veces tonto que de un modo u otro se dedica a la búsqueda de algo durante todo la serie. Tiende a ser muy testarudo y un excelente amigo. Es común que al llegar a un final decisivo en la serie el protagonista tenga más poder que otros personajes de la serie y que sufra ciertas depresiones ante la perdida de algo en que el no pudo ayudar, esto se aclara cuando alguien a quien respeta o con mayor madures emocional le dice que no fue su culpa.

El ene-amigo: Es el antagonista del protagonista, pero suele ser su amigo o camarada, aunque todo lo que hace es totalmente diferente al protagonista. Es usualmente reservado, mas frió y manipulador, no muestra sus sentimientos en público y se siente muy preparado para afrontar problemas, también sufre momentos de depresión en la serie y es común que se vuelva malvado al transcurso de esta. Otras características usuales en estos personajes es que son muy estudiosos, vienen de familias adineradas o de grandes dinastías y siempre han estado obligados a ser perfectos. Ej: Sasuke de Naruto, Matt de Digimon. La amiga: La amiga suele ser la única mujer en el grupo y tiende a ser todo lo contrario a lo que un personaje femenino es, usualmente es tratada como uno mas de los hombres en la serie, carece de pretensiones, coqueterías, etc. Ej: Misty de Pokemon, Sakura de Naruto. El adulto: Suele acompañar al protagonista y a su camarada, tiene mente de niño sin embargo es más grande superando los 25 años. Ej: Leorio de Hunter x Hunter y en menor medida Brock de Pokemon. Ejemplos:Saint Seiya, Dragon Ball, One Piece, Bleach.

Shojo manga Sojo (literalmente “chica” o “muchacha”), es un tipo de manga dirigido a una audiencia femenina de entre los diez y los dieciocho años, y suele publicarse en Japón en revistas manga dedicadas a ese sector demográfico. Abarca una gran cantidad de temas y estilos, desde el drama histórico a la ciencia ficción, centrando habitualmente el énfasis en las relaciones humanas y sentimentales. Estrictamente hablando, el shōjo no se adscribe a ningún estilo o género particular y es más un indicador del público al que va destinado. Ejemplos: Sailor Moon,Cardcaptor Sakura, Candy Candy.

Seinen manga Seinen (literalmente “hombre joven”), es una subcategoría del anime o manga cuyo objetivo es atraer a una audiencia masculina mayor de edad. Algunas veces se le clasifica como shōnen, aunque éste posee una variedad más amplia en cuanto a estilos artísticos, con tramas más adultas que van desde lo vanguardista hasta lo pornográfico. Algunos temas frecuentes en las tramas son el sexo, la violencia y la política. El equivalente femenino al seinen es el josei. Una forma común de identificar a un manga como seinen es observando si este contiene furigana sobre el texto original kanji. La carencia de furigana puede indicar que el texto está dirigido a una audiencia adulta, mientras que otro indicador importante es el nombre de la revista donde se publica el manga o la audiencia a la que va dirigida dicha revista. Ejemplos: Speed Grapher, Berserk, MONSTER.

Josei manga Josei (literalmente “mujer”), es un género de manga y anime creado principalmente por mujeres, para un público de mujeres jóvenes y adultas. El equivalente masculino de este género es el seinen. En japonés, la palabra josei significa solamente “femenino” y no presenta ninguna connotación sexual. Las historias suelen tratar las experiencias diarias de las mujeres que viven en Japón. Aunque algunas cubren temas de mujeres de preparatoria y universidad, la mayoría cubren las vidas de mujeres adultas. Este estilo tiende a ser una versión más restringida y realista del shōjo, manteniendo los rasgos gráciles de los personajes pero deshaciéndose de los ojos grandes y vidriosos que abundan en este último género. Sin embargo, pueden encontrarse excepciones al estilo aquí descrito. Además, al contrario del shōjo, el josei puede mostrar un romance realista (en oposición al conocido romance idealizado del shōjo). Dentro del josei encontramos un subgénero de cómics dirigidos a mujeres que tratan relaciones femeninas homosexuales, bastante parecido al Yuri. En algún anime o manga el término josei, usado por personajes masculinos mayoritariamente, hace referencia a una preferencia sexual hacia las mujeres mayores, en contraste con el lolicon. Ejemplos: Nana, Paradise Kiss.

Géneros La clasificación de los mangas por género se vuelve extremadamente ardua, dada la riqueza de la producción nipona, en la que una misma serie puede abarcar varios géneros y mutar además a lo largo del tiempo. De ahí que la clasificación por segmento de población sea mucho más frecuente. El aficionado occidental al manga usa, sin embargo, algunos términos nipones que permiten designar a algunos de los subgéneros más específicos, y que no tienen un equivalente preciso en castellano.

Spokon Manga de temática deportiva. El termino de Spokon viene de las palabras sport (deporte, en ingles) y kondo (espíritu, en japonés) y cito: “entendido más como experiencia personal que como espectáculo de masas, que exalta las virtudes del esfuerzo físico y mental, de la amistad y del trabajo en equipo”. Aquí ya los conocíamos por la fiebre que se vivió con la emisión de Captain Tsubasa. De la fiebre y la locura desatada por campeones llegaron otras series, algunas con más o menos calidad, pero todas ellas dando vueltas al mismo título, lo cual dificulta seriamente el ejercicio de intentar acordarte de ellas: Supergol, Goleadores, entre otros.

Gekiga Gekiga es el vocablo japonés para “imagen dramática”. El término fue creado por Yoshihiro Tatsumi y adoptado por muchos otros mangakas serios que no querían que su trabajo fuera conocido como manga ó “garabatos”. Es comparable con Will Eisner quien comenzó a llamar a sus historietas “Novelas gráficas” en contraste a los “libros de historietas o comic books” por la misma razón. Tatsumi comenzó a publicar gekiga en 1957. El gekiga era sumamente diferente a la mayoría de los mangas que para ese entonces estaban dirigidos a niños. Esas “imágenes dramáticas” no surgieron del manga comercial publicado en Tokio del cual Osamu Tezuka era la cabeza, sino de bibliotecas públicas localizadas en Osaka. Las bibliotecas públicas toleraban más la publicación de trabajos experimentales y ofensivos que la corriente comercial de Tezuka durante este periodo.

Maho Shojo Mahō Shōjo, conocido también como Magical Girl (Niña Mágica), es un género de anime y manga que tiene como tema principal niñas o chicas que tienen algún objeto mágico o algún poder especial. Por lo común el trama del género Mahō shōjo tiene las siguientes características: Las niñas mágicas deben por obligación proteger algo mágico, salvar el mundo, combatir o capturar criaturas malignas (generalmente venidas de otro mundo o universo); al mismo tiempo que lidian con los problemas de su edad tales como la escuela o los chicos. En muchos casos ellas son acompañadas por pequeñas mascotas parlantes. Además las niñas mágicas tratan de no mostrar sus poderes frente a los demás.

Yuri Yuri, es un vocablo japonés para referirse al amor entre mujeres en manga, anime, y otros medios de expresión japoneses. Yuri puede centrarse tanto en los aspectos emocionales como en los aspectos sexuales de la relación, el primero en ocasiones es llamado shōjo-ai por los fans occidentales. Los temas que trata el yuri, tienen sus raíces en la literatura lésbica japonesa de comienzos del siglo veinte, con piezas como Yaneura no Nishojo por Nobuko Yoshiya. Sin embargo, los primeros mangas yuri comenzaron a publicarse recién a comienzos de los 70, de la mano de artistas tales como Ryoko Yamagishi y Riyoko Ikeda. Los 90 trajeron nuevas tendencias en manga y anime, así como también en producciones dōjinshi, junto con más aceptación por este tipo de contenido. En el 2003 la primera revista manga exclusivamente dedicada al yuri fue lanzada bajo el nombre de Yuri Shimai, seguida por Comic Yuri Hime, lanzada después de que Shimai fuera descontinuada en el 2004. Si bien el yuri fue originalmente dirigido al público femenino (shōjo, josei), hoy en día también hay obras del género destinadas al público masculino (shōnen, seinen). Mangas yuri de revistas para hombres incluyen títulos como Kannazuki no Miko y Strawberry Panic! así como también, aquellos que se publican en la revista yuri para hombres Comic Yuri Hime S, lanzada en el 2007.

Yaoi Yaoi es la representación romántica, artística o sexual del amor homosexual entre hombres. Yaoi es una abreviatura para yama-nashi ochi-nashi imi-nashi (que significa “sin clímax, sin resolución, sin sentido”); es un género de anime y manga muy popular en Japón y otros países del mundo. La característica principal de un manga o serie yaoi es el amor entre personajes masculinos. El género suele estar englobado dentro del shojo o manga orientado a chicas, por estar enfocado principalmente a un público femenino. La mayor parte de las obras yaoi en el mundo son doujinshis, aunque el número de publicaciones profesionales en Japón es muy alto. Diferencia entre Yaoi y Shōnen-ai: La diferencia radica en que el Shōnen-ai, al retratar el amor entre personajes masculinos, nunca muestra relaciones sexuales entre ellos, cosa que sí hace el Yaoi. El Shōnen-ai sólo muestra expresiones de afecto o amor tanto verbales como abrazos o caricias. Lo más explícito que suele mostrar el Shōnen-ai son besos entre ambos personajes. De ahí que el Shōnen-ai se considere un género netamente dentro del manga Shōjo.

Harem La comedia harem, también conocida como harem anime o harem manga dependiendo del medio del que se hable, es un término utilizado en el anime y manga para referirse a un hombre sin muchos talentos, junto a mujeres muy alocadas y distintas entre sí y comúnmente viviendo juntos. En muchas ocasiones este tipo de series son adaptaciones de juegos de simulación de citas o diseñados para atraer audiencias similares, en especial publicaciones seinen. El término fue creado por fanáticos Occidentales a lo que se conoce usualmente como lovecomi (comedias románticas), sin embargo su implicación básica es conocida también por los fanáticos japoneses. El uso original del término se cree comenzó en los Estados Unidos con el éxito de Tenchi Muyō!, y desde entonces ha tenido en general, connotaciones negativas o satíricas. Describe la situación en la que un protagonista masculino de cualidades ‘genéricas’ convive con varias chicas hermosas que en el transcurso de la historia muestran varios grados de afecto hacia él. El descontento parte generalmente de varios factores, como la crítica referente a que los protagonistas masculinos son evidentes “sustitutos de audiencia” (personajes que solo existen para justificar la acción de los otros) y generalmente no podrían atraer ningún tipo de atención de las mujeres. En términos generales, muchos fanáticos creen que la premisa de por sí ha sido demasiado usada y sale a relucir cuando los escritores se han quedado sin ideas o temen mostrar decisiones románticas que puedan no gustar a los fanáticos.

Sentai o Super Sentai Super Sentai es un término japonés que puede ser traducido como, “Super” se refiere al uso de mecha o robots gigantes, y “sentai” es la palabra japonesa para “escuadrón de lucha”. En cada episodio de las series Super Sentai, se ilustra la incansable lucha del bien contra el mal, con el bando bueno ganando la mayoría de las veces. El tema básico de la serie es acerca de un grupo de (usualmente) cinco personas con poderes (mágicos o tecnológicos), trajes especiales con colores, armas avanzadas y estilos de artes marciales que combaten contra poderosos villanos de otros planetas o dimensiones que tratan de invadir la tierra. En la mayoría de episodios, luego de que el equipo combate contra un ejército en serie de criaturas malvadas y contra “el monstruo de la semana”, llaman a robots gigantes (“Mecha”) que pueden combinarse y combatir contra una versión gigante de dicho monstruo. Cada Sentai está recreado en un universo ficticio distinto, con la excepción de especiales en los que el equipo de la temporada anterior reaparece y ayuda al equipo de la actual serie a combatir un villano. El término específico de Super Sentai se refiere a un equipo con robots gigantes.

Mecha Un mecha (abreviación del japonés “Meka”), por la palabra inglesa “mechanical”) es un robot (humanoide, animal, medio de transporte, o armas móviles, etc) de proporciones variables, diseñado tanto para protección de una ciudad como para uso militar u otros usos. Los mechas son un subgénero tanto en la rama de la ciencia ficción, como en la animación japonesa (anime) y en el ámbito de las historietas de Japón (manga), de donde provienen.. El estereotipo del piloto de mecha es un personaje joven, valiente y talentoso (en algunos casos dotado de gran belleza). En la mayoría de las series de anime donde se presentan mechas, estos son considerados tecnología armamentística de última generación y suelen ser comandados por pequeñas élites de pilotos altamente entrenados, o por entidades de científicos especializados en la creación de esta clase de arma, e inclusive; en varias series se utilizan entidades reconocidas; con un obvio cambio de nombre, que existen en el mundo real. En ocasiones el protagonista de una serie de estas características sufre un encuentro accidental con su mecha o es pariente cercano del creador que fallece en los primeros episodios asesinado por los enemigos y que antes de morir, le revela el secreto de la construcción del robot el cual en su agonía le pide pilotarlo, en un principio no se puede adaptar al manejo del mecha, pero consigue dominarlo en corto tiempo, superando incluso al personal militar capacitado, en otras circunstancias éste es elegido por un gran poder, o por una persona, en algunos casos cercana; que influye en su vida personal de manera decisiva.

Hentai Hentai en japonés, la palabra hentai quiere decir “pervertido/perversión” o “transformación”. Además, hentai es la denominación del manga y el anime de contenido pornográfico. La cantidad de dibujos ilustrando actividad sexual en el manga o el anime hentai puede variar enormemente. También varía el tipo de actividad sexual y los personajes implicados, que se someten a muy pocas restricciones al tratarse de personajes de ficción. El significado común que tiene en Occidente proviene del uso japonés de (etchi, escrito frecuentemente ecchi, aproximación japonesa de la pronunciación inglesa de la letra H ), que se cree que es una forma abreviada de hentai que se utilizaba como eufemismo en los años 60, aunque sus orígenes no están del todo claros, ni siquiera en Japón. La “H” en Japón se utiliza para referirse a cualquier contenido o actividad sexual (equivalente a la ‘X’ en Occidente), así que “H manga” es manga con contenido sexual. Sin embargo “H” y “hentai” no son sinónimos, y no se puede cambiar uno por otro.

Ecchi Ecchi (escrito en katakana) es la pronunciación japonesa de la letra H; es la primera letra de la palabra hentai que se refiere al manga y anime de contenido erótico o pornográfico, aunque literalmente significa pervertido. Así, ecchi tiene algo que ver con hentai en la etimología, pero no tiene la connotación de “pervertido” y se emplea para referirse al manga y anime de contenidos no tan explícitos. En Japón, ecchi se utiliza para llamar a la pornografía, ya que hentai se utiliza para llamar a alguien pervertido o manga pornográfico.

Jidaimono La historieta o cómic histórico es uno de los géneros en que puede dividirse la producción de historietas, contando a su vez con subgéneros como la historieta bélica y del Oeste a los que se suele atribuir entidad propia. En este género entran además desde las historietas de egipcios, romanos o piratas a la historieta “folclórica”. El boom de principios de los 80: A finales de los años 70, la seriedad de la obra de escritores como Robert Graves, Marguerite Yourcenar o Gore Vidal, influyó en autores de historieta como François Bourgeon (Los pasajeros del viento, 1979; Los compañeros del crepúsculo, 1984) o Patrick Cothias y André Juillard (Las siete vidas del Gavilán, 1983), poniendo de moda a este género en Francia.[7] En Latinoamérica, pueden destacarse series como Alvar Mayor de Horacio Altuna/Carlos Trillo, que se ambienta poco después de la Conquista del Perú por los españoles; Dago (1983-1996) de Robin Wood y Alberto Salinas, en la que éste cuida ya todos los detalles de los barcos, ropajes y edificios, o Samurái John Barry.

Gore Género de Manga asignado a aquellas series que poseen alta violencia gráfica, comúnmente estos son de terror. Sangre derramada, son las series de horror sanguinolento, con abundancia de sangre que más que pretender espantar tratan de repugnar al espectador. Contiene violencia extrema (mutilación), no es un género muy empleado en el fan fic pero si que se encuentra ocasionalmente. Si buscas la palabra Gore, en un diccionario (Ingles-Español), su significado es sangre o sangre derramada. Los teóricos consideran el Gore, el último peldaño en la escala de aceptación masiva de los géneros proscritos. Una vez admitido el género pornográfico hardcore, o explicito, solo quedaba dar carta de validez a la sangre por la sangre, con la sustancial diferencia apuntada por el crítico Jordi Costa:”Como en el caso del porno, el gore se define por una exigencia de contenido bastante inelegante: si no hay porno sin eyaculación, no hay cine gore sin mutilación. Con un matiz: si no hay cine porno sin coito real, no hay cine gore sin crimen simulado. A diferencia del porno, pues, el gore se dispone claramente a engañar al espectador”.

Mangakas Al igual que en otras arias del arte, el manga no se queda exento de tener exponentes mas destacados, convirtiéndose en mangakas representativos, no solo en Japón, en el resto del mundo también son reconocidos por sus obras. Se les considera “mangakas representativos”, por el ello de haber creado obras reconocidas mundialmente y traspasando fronteras, teniendo el mismo éxito que en su país. Al igual que son referentes (algunos de los años 50), por su obra hasta el día de hoy, donde los mangakas “modernos” no tienen el pudor en decir, “el fue mi referente cuando pequeño” y sus estilos son visiblemente similares a estos artistas. En conclusión, sus estilos hasta el día de hoy son vigentes y el lector lo nota en ello, siendo reconocido por su trabajo. Tanto, que hoy en día se hacen remasterizaciones de sus series ya sea en el anime o cine, debido a su antiguo éxito.

Osamu Tezuka Osamu Tezuka, (Osaka, Japón, 3 de noviembre de 1928 - 9 de febrero de 1989) fue un di-

bujante de historietas y animador japonés, al que a menudo se le llama el “padre del manga” o incluso el dios del manga, debido a la calidad de su prolífica producción y a la influencia de sus técnicas, con el abandono de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas por los story manga (o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada) y el desarrollo del formato tankoubon, que actualmente triunfa en todo el mundo para la edición de manga. Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que a día de hoy la base de su estilo perdura en los nuevos autores japoneses y los personajes que él dio a luz con su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede encontrar en las librerías la gran mayoría de sus obras. Además, sus historietas han sido traducidas a decenas de lenguas, entre ellas el español. La ternura y el profundo y sincero humanismo que imprimió a sus personajes han dejado una huella indeleble, haciendo de él un autor universal capaz de traspasar culturas. Incluso los ojos desproporcionadamente grandes que son tan característicos de la animación y la historieta japonesa, constituyen un legado de Tezuka.

Biografía Entusiasmado por el género de la animación (y especialmente los trabajos de Disney), comenzó a dibujar cuando aún era un niño. Los horrores de la Segunda Guerra Mundial también marcaron su sensibilidad y desde el primer momento procuró transmitir con sus dibujos mensajes optimistas y humanitarios.

Su primer trabajo de importancia lo realizó a los 20 años. Se trata de la serie Shin Takarajima (“La nueva Isla del Tesoro”), pero hasta los años 50 no surgieron la mayor parte de sus grandes y famosos personajes, como Janguru Taitei, Tetsuwan Atom (“Astroboy”) y el no menos famoso Ribbon No Kishi (“La princesa caballero”), considerado el primer manga del género shojo de la historia. El éxito continúa en las siguientes décadas, con series como Hi no Tori (“Fénix”, 1954), Black Jack (1973-84), Buddha (1972-83) y Adolf (1983), dando un giro profundo con la culminación de la serie MW (1976 - 1978), en la que abordó temas muy poco frecuentes en el manga de la época, como la homosexualidad, la corrupción política o las armas químicas. Osamu Tezuka falleció el 9 de febrero de 1989, dejando así inacabadas las obras a las que se dedicaba entonces, Ludwig B y Neo Faust. La considerada por muchos su obra maestra, Hi no Tori, la había acabado tan sólo un año antes de su muerte, más de 30 desde su inicio en 1954.

Obra Se estima que realizó en vida aproximadamente unos 700 mangas (llevaba a cabo los guiones de varios mangas de manera simultánea y en un corto espacio de tiempo, ya que era un prolífico mangaka muy desprestigiado por algunos de sus compañeros coetáneos, pero cuyas obras superaban con mucho la calidad de éstos), dibujó más de 150.000 páginas y realizó más de 60 películas en 35 años. Las obras de Tezuka son numerosas, pero las dos más famosas y elaboradas son sin duda Buda y Fénix.

Algunas de sus obras más destacadas incluyen: 1. Tetsuwan Atom (Astroboy). 2. Oyaji no Takarajima (La Isla del Tesoro del Viejo). 3. Yûrei Otoko (El Hombre Fantasma). 4. Shin Takarajima (La Nueva Isla del Tesoro), su primer trabajo destacado (1947). 5. Lost World (Mundo Perdido). 6. Metrópolis. 7. Janguru Taitei (Kimba el León Blanco/El Emperador de la Jungla). 8. Tetsuwan Atom (Astroboy). 9. Ribon no Kishi (La Princesa Caballero). 10. Tsumi to Batsuu (Crimen y Castigo). 11. Lemon Kid (Niño Limón). 12. Hi no Tori (Fénix, 1954-1988). 13. Ogon no Trunk (Baúl de oro). 14. Majin Garon. 15. O-Man. 16. Captain Ken. 17. Big X. 18. W3. 19. Vampire. 20. Dororo. 21. Black Jack. 22. Buddha (Buda). 23. Kirihito Sanka (Oda a Kihirito). 24. Ayako.

25. MW. 26. Adolf. 27. Son-Goku the Monkey. 28. Marvelous Melmo (1970). 29. Don Drácula. 30. Unico. 31. Ambassador Magma. 32. Blue Triton. 33. The Three-eyed One. 34. Jetter Mars (Jet Marte). 35. W3 (Los 3 espaciales).

Obra cinematográfica Tezuka fue también uno de los pioneros de la animación japonesa, pero antes de 1963 no consiguió hacer versiones de sus famosos mangas. Creó su propia empresa, Mushi Productions, con la que creó la primera serie de dibujos animados de Japón: Tetsuwan Atom (“Astroboy”, que contaría con dos versiones más en años posteriores). Luego vendrían Janguru Taitei (“Kimba el león blanco”), Ribbon no Kishi (“La princesa caballero”)... Todas ellas fueron grandes éxitos, lo que no impidió que su productora, tras repetidas crisis financieras, se viese forzada a cerrar su estudio de animación a mediados de los 70.

Akira Toriyama (Nagoya, Japón, 5 de abril de 1955) es un dibujante de manga y diseñador de personajes japonés. Es conocido principalmente por sus obras Dr. Slump y Dragon Ball y por el diseño de personajes de las sagas Dragon Quest y Chrono Trigger. Sus principales influencias fueron Astroboy de Osamu Tezuka y 101 dálmatas de Walt Disney. Akira Toriyama

Biografía Entró en 1974 a la Escuela Superior Industrial, fue contratado inmediatamente por una empresa de publicidad en Nagoya. Allí trabajó durante tres años pero estaba muy aburrido y su relación con sus jefes llegó a convertirse en algo desagradable por lo tanto decidió retirarse y a dedicarse al manga. Su vida de mangaka empezó con una publicación en Weekly Shonen Jump de Shueisha. Más tarde crearía muchas historias que también serían publicadas en esa revista y, posteriormente, recogidas en tomos. Gracias a sus populares personajes, Toriyama fue inmensamente popular en Japón y en el extranjero durante la década de los años 1990, pero en la década del siglo XXI su fama ha decaído. En Japón, sin embargo, continúa siendo una figura pública y aún vive en Aichi con su esposa e hijos, donde su fama le ha causado algunos problemas, por ejemplo, cada vez que hay rumores de que hará alguna aparición en Tokio, la oficina de gobernación se preocupa porque por lo general multitudes de fans se aglomeran cerca de su casa para observarlo salir e, incluso, lo acompañan en caravana hasta el aeropuerto. Este fenómeno dice mucho sobre la popularidad del Sr. Toriyama en su país ya que lo considera un símbolo.

A pesar de su fama, en general, a Toriyama no le gusta la exposición en los medios de comunicación colectiva y son muy raras las ocasiones en que algún periodista le ha logrado hacer una entrevista o tomado una foto para un diario extranjero.

Obra Debutó como dibujante en 1978 con la historia Wonder Island, que fue publicada en la revista semanal Weekly Shonen Jump. A partir de este momento, creó una serie de historias cortas, Tomato y Today’s Highlight Island, todas tuvieron una moderada aceptación entre los fans y gracias a ello el autor tuvo la posibilidad de realizar su primera serie, como el primer éxito: Dr. Slump.

Tocando el cielo con Dragon Ball La serie que haría pasar a la historia a Akira Toriyama dentro y fuera de Japón, al punto de haber llegado a ser el manga más conocido del mundo, fue Dragon Ball. Toriyama había escrito una historia corta llamada [Dragon Boy], antes de escribir Dr. Slump, pues bien, Dragon Ball es la reelaboración de Dragon Boy y su argumento consiste en las aventuras de Son Gokū y sus amigos, en medio de la búsqueda monumental de las siete esferas mágicas cuya unión puede invocar la presencia del dragón Shenlong, que puede conceder un deseo a su invocador. La fórmula de buscar esferas, enfrentar peligros y, finalmente, pedir el deseo se repite incansablemente a lo largo de los 42 libros de Dragon Ball que se llegaron a publicar.

Videojuegos El éxito de Toriyama también lo ha llevado a trabajar en el diseño de personajes de varios videojuegos. De manera, particular, en la popular serie de videojuegos de rol Dragon Quest (conocida principalmente en EE.UU. como Dragon Warrior). También diseñó los personajes del videojuego de rol Chrono Trigger para Super Nintendo y Super Famicom y del popular juego de peleas Tobal No. 1 para PlayStation y también de su secuela Tobal No. 2, que solo fue publicada en Japón, a día de hoy trabaja diseñando los personajes para el Dragon Ball Online. Su última incursión fue para la consola Xbox 360 donde aporta con su arte para el juego de rol Blue Dragon.

Algunos de sus trabajos Oneshots 1. Wonder Island (dos oneshots), 1978-1979. 2. Today’s Highlight Island, 1979. 3. Tomato, 1979. 4. Escape, 1981. 5. Pola & Roid,1981. 6. Pink, 1982. 7. Mad Matic, 1982. 8. Chobit (dos oneshots), 1983. 9. Mr. Ho, 1986. 10. Lady Red (tres oneshots), 1987.

11. Kennosuke, 1987. 12. Sonchoh, 1987. 13. Mamejiro, 1988. 14. Karamaru, 1989. 15. Wolf, 1990. 16. Cashman Saving Soldier (tres oneshots), 1991. Series manga 1. Awawa World, 1977. 2. Mysterious Rain Jack, 1977. 3. Dr. Slump, 1980-1985. 4. Dragon Boy, 1983. 5. Tongpoo, 1983. 6. Taller de teatro manga de Akira Toriyama volumen 1, 1983. 7. Dragon Ball, 1984-1995. 8. Taller de teatro manga de Akira Toriyama volumen 2, 1988. 9. Taller de teatro manga de Akira Toriyama volumen 1, 1997. Dise単o de personajes de juegos 1. Dragon Quest. 2. Tobal. 3. Chrono Trigger. 4. Dragon Ball. 5. Blue Dragon.

Bibliografía Este libro fue creado, gracias a la ayuda de páginas web y un libro de apoyo, para poder guiarme en este proceso, que me entretuvo, pero a la vez, costo juntar todo el material, mis agradecimientos a:

Textos Páginas Web: http://www.mcanime.net/ http://www.frontalweb.com.ar/ Libro: Manga : la era del nuevo comic / Paul Gravett

Imágenes Pagina Web: http://www.mcanime.net/ http://www.frontalweb.com.ar/ http://www.theanimegallery.com/ http://www.minitokyo.net/ Libro: Manga: la era del nuevo comic / Paul Gravett

Índice Capitulo 1

Manga..................................................................................................................................................................................11 Capitulo 2

Historia...............................................................................................................................................................................15 Capitulo 3

Expansión..........................................................................................................................................................................23 Capitulo 4

Target..................................................................................................................................................................................31 Capitulo 5

Géneros.............................................................................................................................................................................47 Capitulo 6

Mangakas...........................................................................................................................................................................73 Capitulo 7

Bibliografia........................................................................................................................................................................87

© 2010. Ediciones Anhell. Santiago de Chile. Papel Libro: Cambric Artic 104 g. Papel Separatas: Diamante Tamaño de la tipografía de párrafo Gill Sans MT pro Light. 9 pts/12. Pie de foto Gill Sans MT pro Book Italic. 8 pts. Titulos separatas Gill Sans MT pro Book. 78 pts. Sub Titulos Gill Sans MT pro Book. 12 pts. ISBN 2-900596-18-1 Esta edición se terminó de imprimir en Patoplot. Santiago, durante el mes de Diciembre de 2010

El libro FANTASY MANGA es para que los lectores entiendan y se integren en el mundo de este estilo de historieta japonesa, siendo el más popular Japón, incluso ya siendo parte de su cultura. El libro te explicara a lo largo, que es el manga, y la historia en laque se a habido involucrado y marcado algunos antecedentes. El manga se a traducido a diversos idiomas, y exportado a muchos países en el mundo, siendo popular en ellos y creando mas demanda para la traducción de diversos títulos que se exportan. La popularidad del manga es debido a que posee series destinadas a todas las edades, además contienen varios géneros que hace muy diversas las lecturas de los títulos. El manga llego a lo que es hoy en día, es gracias a diversos mangabas que crearon títulos, que hasta el dia de hoy marca generaciones de niños en todo el mundo, siendo aun transmitidas y exportadas, incluso por su antigüedad.