Lista de autores importantes UNIVERSIDAD VERACRUZANA Facultad de Artes Plásticas Diseño de la Comunicación Visual Yohali N. Pérez Baltazar Prof. Manuel Yañez
OTTO NEURATH Otto Neurath (Viena 10 de diciembre de 1882 ~ Oxford 22 de diciembre de 1945) (el apellido se pronuncia aproximadamente [nóirat]) fue un filósofo y economista austríaco. El lenguaje ISOTYPE fue un tipo de comunicación visual creado por Otto Neurath durante el 1937, acompañado de dos grafistas: Marie Neurath (que acabaría siendo su esposa) y Gernt Arnzt. Otto Neurath estudió en su ciudad natal y luego en Berlín las ciencias matemáticas y la economía, así como la historia y la filosofía doctorándose en 1907 en la Universidad de Berlín. Posteriormente trabajó en el Ministerio de Defensa austríaco, y un año después de concluir la Primera Guerra Mundial (es decir en 1919) fue uno de los ideólogos de la efímera República Soviética de Baviera y obtuvo la habilitación para enseñar en la Universidad de Heidelberg. Se casó con su compañera Anna Schapire con quien corredactó el libro Lesebuch der Volkswirtschtslehre. Características principales • Este lenguaje se caracterizaba por ser capaz de expresar de forma exclusiva mente visual todo tipo de mensajes e in formación. • Diccionario de símbolos con un signifi cado y una gramática que da lugar a las normas adecuadas • Estructuró una serie de maneras de combinar los símbolos, dotándolos de valores funcionales para la construc ción sintáctica del lenguaje.
ADRIAN FRUTIGUER Adrian Frutiger (Unterseen, 24 de mayo de 1928 - Bremgarten bei Bern, 12 de septiembre de 2015) fue un tipógrafo suizo. Fue uno de los más predominantes del siglo XX y continuó influenciando el desarrollo de la tipografía digital en el siglo XXI hasta su muerte. Es mejor conocido por la creación de las tipografías Univers y Frutiger. En su juventud se sentía atraído por la escultura, pero fue desalentado por su padre y su escuela para que se dedicara a la imprenta. Sin embargo, su amor a la escultura lo expresó en los diseños de sus tipos. Entró a trabajar como aprendiz en la imprenta Otto Schaeffli al mismo tiempo que acudía a la Escuela de Artes y Oficios de Zúrich. En esta última se enfoca en el estudio y diseño de la caligrafía. El mayor logro de Frutiger en el campo del diseño tipográfico fue la creación del tipo Univers. Este tipo fue introducido en el año 1957 para fotocomposición y composición en metal. Características principales Frutiger ha dotado a sus letras de armonía y belleza. Pero es su carácter funcional el que mejor define su trabajo. Para nuestro creador el entorno debe hacer a la tipografía, esta debe adaptarse y respirar, sin ahogar al lector y transmitiendo correcta y rápidamente su mensaje. Es por esta cualidad de ser reconocibles en fracciones de segundo lo que ha hecho que las tipografías de este diseñador adornen innumerables señales en autopistas o aeropuertos. Meridien 1955. Inspirada en los caracteres del siglo XVI de Jenson
Univers en 1957. Diseñada para ser usada en fotocomposición y composición en metal
GERD ARNTZ Gerd Arntz (Remscheid, 1900—La Haya, 1988) fue un artista gráfico alemán. Arntz fue miembro de los progresistas de Colonia y también fue revolucionario que adhería a la corriente comunista consejista. En 1934 emigró a los Países Bajos. Gerd Arntz nació en 1900 en Remscheid. Su padre era un fabricante de hierro protestante. Sin embargo, Arntz no estaba interesado en seguir los pasos de su padre. Durante algún tiempo trabajó en la fábrica de su padre, antes de comenzar el aprendizaje en la escuela de arte de Düsseldorf. La experiencia de las jornadas de trabajo en la fábrica, las huelgas y la división de clases entre patrones y obreros le hicieron tomar partido por los proletarios en su arte. Otra corriente motivadora de su obra fue su oposición a la guerra. En la veintena realizó las primeras obras que le proporcionaron celebridad. Arntz, políticamente orientado hacia la izquierda y con el deseo de cambiar la estructura de la sociedad, formó parte de los Progresistas de Colonia junto a Heinrich Hoerle (1895-1936) y Franz Wilhelm Seiwert (18941933). Características principales • La representación crítica de la cohesión social fue el fundamento de la obra de Arntz, elaborada con símbolos universalmente comprensibles. • El esclarecimiento de las condiciones sociales y económicas fue el motor de su trabajo en la década de 1920 • Llevó a desarrollar un lenguaje visual fácilmente comprensible • Desarrolló un sistema de representación es tadística. • Después trabajó en pictogramas: símbolos sencillos que se puedan comprender de forma óptima.
FRANCISO TOLEDO Su primera exposición individual se llevó a cabo en la Ciudad de México en 1959, a sus 19 años. Unos mesesmás tarde llevó su obra al extranjero, en la Galería Antonio Souza y en el Fort Worth Center, en Texas Fue escultor, pintor, grabador y fundador de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca y La casa de Cultura Juchitán, entre otras. En su mayoría, sus obras de arte reflejan la estética de la naturaleza; particularmente la de animales que no son convencionalmente asociados con la belleza. En enero de este año, la revista Forbes lo consideró como uno de los mexicanos
creativos más importantes. Aunque algunos críticos lo acercaban con la Generación de la Ruptura, el artista siempre fue alguien irreverente que escapaba a los grupos y trabajaba de manera independiente.dactó el libro Lesebuch der Volkswirtschtslehre. También se dedicó a preservar el patrimonio de su estado y a impulsar el diseño textil. Además, ha apoyado la creación de recintos culturales, museos, talleres de arte y cine clubs en su región.
En 1998 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes en 1998. En el 2000, el Príncipe Claus. En 2005, fue reconocido con el Premio Right Livelihood por su compromiso a proteger la comunidad de Oaxaca.
OTL AICHER
También conocido como Otto Aicher, (Ulm 13 de mayo de 1922 - Günzburg 1 de septiembre de 1991), fue un diseñador gráfico y tipógrafo alemán, donde estableció su propio estudio de diseño. Estudió escultura en la Akademie der Bildenden Kunste (Academia de Bellas Artes) en Múnich después de la Segunda Guerra Mundial. Casado con Inge Aicher-Scholl, en 1946 junto con Max Bill y un grupo de intelectuales crearon la Hochschule für Gestaltung, la escuela de diseño de Ulm, que se convertiría en uno de los centros de educación en diseño líderes en Alemania entre los años 1953 y 1968, y que a diferencia de la Escuela de la Bauhaus descartó el arte y la exaltación de la forma por sí misma de sus aulas, y se consagró a la función y a la inserción del diseño como factor fundamental en el mundo industrial. Logotipo de empresa alemana “BRAUN” (En 1954 Hans Gugelot y Otl Aicher)
Características principales de su obra • Antepone lo analógico y concreto a lo digital y abstracto, y lo hace con intención filosófica. • Relativiza el papel de la razón pura y critica el racionalismo de la modernidad como fruto del predominio de un mero pensar abstracto. • Anteponer lo abstracto a lo concreto crea una falsa jerarquía, un orden, que es fatal para la cultura. • Lo digital, abstracto, no es más elevado, mayor o más importante que lo analógico, concreto. • Un aspecto esencial de sus trabajos es el anclaje en una «filosofía del hacer», inspirada por pensadores como Guillermo de Ockham, Kant o Wittgenstein. • Es autor también del libro El mundo como proyecto.
Imagen de los JJOO MUCHISH 1972
Pictogramas de Munich72
ISIDRO FERRER
Ilustrador y diseñador gráfico aragonés formado en arte dramático. Fue actor teatral antes de orientar su trayectoria profesional a la creación gráfica y es en esta actividad en la que, desde finales de los 80, ha destacado especialmente en el panorama nacional e internacional, llegando a cosechar un Premio Nacional de Diseño en el 2002 y un Premio Nacional de Ilustración en 2006.1 Entre su lista de clientes figuran Canal +, El País, Santillana y el Centro Dramático Nacional, para el que ha trabajado en la realización de los carteles de las temporadas 2006,07,08 y 09 y que han sido expuestos en diversos países. En sus trabajos las imágenes juegan con distintos sentidos y los objetos cotidianos cobran una relevancia excepcional, convirtiéndose en significantes de contenidos sorprendentes y, a menudo sirven de medio para representarse a sí mismo. Juega a menudo con el surrealismo y con la combinación chocante de motivos para que, fotografiados en conjunto, adquieran una nueva dimensión. Además, las texturas tienen un papel importante en las composiciones de unos materiales que, al pasar por su filtro, se humanizan o “animalizan” convirtiéndose en personajes singulares.
SUSANE KARE El cubo de basura, la lata de pintura, el mítico icono feliz al iniciar el Mac o el disco para guardar archivos, Susan Kare los diseñó todos. Estos y la mayoría de los iconos del Apple Macintosh original de 1984, que han sentado las bases del lenguaje visual que permite moverse por un dispositivo a base de clicar en imágenes. Iconos tan reconocibles hoy que se han convertido en legendarios. En 1983, Susan Kare era una joven escultora cuando recibió la llamada de su amigo Andy Hertzfeld, diseñador de software del primer sistema Macintosh y su interfaz gráfica. Le preguntaba si estaría interesada en aceptar un proyecto que consistía en crear gráficos y tipografías para el nuevo ordenador personal que Apple planeaba lanzar en 1984, un reto que aceptó a pesar de que nunca había diseñado tipografías ni fuentes. Así, Kare entró a trabajar en el equipo de Steve Jobs entre todo un despliegue de artistas, músicos, diseñadores gráficos y otros geeks para formar el departamento de sistemas menos ortodoxo. Una de sus misiones fue crear las primeras tipografías no monoespaciadas para ordenador: hasta entonces, las limitaciones técnicas habían llevado a que las cajas de texto de cada letra fueran del mismo tamaño, dando al conjunto un aspecto cuadriculado. Se trataba de una inquietud de Steve Jobs, quien 10 años atrás había asistido a unos cursos de caligrafía, por lo que decidió que su Macintosh debía tener un especial cuidado por la tipografía. Kare aprendió rápidamente todo lo que necesitaba saber sobre tipografía y se aseguró de que el diseño fuera elegante y llamativo, pero básico y fácil de leer en la limitada resolución de las primeraspantallas de ordenador. Conseguir comunicar con una rejilla de píxelesreducida y con un estilo propio resulta todo un reto que va más allá de las tendencias. Prueba de ello es que muchos de estos iconos siguen vivos y comunican con la misma eficacia a una generación de usuarios que no sabe, por ejemplo, lo que es un disquete. La magia de un icono bien diseñado.
CYPHERPUNKS En el lado de los sistemas criptográficos asimétricos, la baja potencia computacional y su complejidad hace difícil implementar estos desarrollos. Pero eso no frenó a los interesados en el desarrollo de estos sistemas. Con ARPANET creciendo rápidamente y el desarrollo de TCP/ IP, los años 80’s serían el inicio de la gran red información mundial. Ante las perspectivas de este desarrollo, mentes brillantes como las de David Chaum, Shafi Goldwasser o Silvio Micali, comenzaron a centrarse en los desafíos criptográficos del futuro. De todos ellos, David Chaum es el más prolífico y “rebelde” de todo ellos. Chaum estaba centrado en llevar la tecnología criptográfica a su máximo. Todo con el fin de proteger la privacidad de las personas. Era una lucha entre las personas y los gobiernos que lo quieren controlar todo. Una lucha donde la herramienta para la batalla era la tecnología y la criptografía avanzada. Fue así como Chaum, creó sistemas criptográficos altamente seguros como las firmas ciegas,firmas grupales, credenciales criptográficas, y el primer ejemplo de dinero digital criptográficamente seguro. Muchos de los avances en criptografía fueron gracias al trabajo de cypherpunks. Un buen ejemplo es David Chaum y sus firmas ciegas, así como su versión de dinero digital. A esto se le une el trabajo de Shafi Goldwasser y los sistemas distribuidos y resistentes a errores. Pero también podemos contar trabajos que buscan fortalecer y evolucionar la computación para hacerla más segura y eficiente en todo momento.En este punto,el impacto que los cypherpunks han tenido en el mundo es de todo menos pequeño. Las distintas personalidades detrás del movimiento siguen impulsando un cambio positivo en el que todos nos beneficiamos. Y pese a las adversidades, el movimiento sigue creciendo y fortaleciéndose, entendiendo que quienes pueden proteger la privacidad de las personas no son los gobiernos, sino las mismas personas con el poder para cambiar cómo se hacen las cosas. Esos son los cypherpunks. Después de todo “los cypherpunks escriben código”, tal como lo dijo Eric Hughes.
RONALD SHAKESPEAR Nace en Rosario, provincia de Santa Fe, Argentina, en 1941. Está casado con Elena Peyron y tiene cinco hijos. Lorenzo, Bárbara, Juan, María y Sofía. Trabaja en diseño desde hace 50 años. Hoy dirige su estudio junto a sus hijos Lorenzo, Juan y Bárbara. Fue profesor titular de la cátedra de diseño en la FADU, UBA (1985-1990) y presidente de la Asociación de Diseñadores Gráficos de Buenos Aires (19841986). Ronald es ampliamente reconocido en el mundo por sus intervenciones en los sistemas de Señalización y en Identidad Visual. Su estudio ha diseñado más de mil proyectos de identidad visual como el Club Atlético Newell’s Old Boys (club del cual es reconocido simpatizante), Banco Galicia, Luigi Bosca, Boca Juniors, Duty Free Shop, Netizen, Banco Hipotecario, Banco Río, Oca, Red Link, Metrovías, Tecpetrol, Banelco, Avex, Harrods, Banco Patagonia, etc. Su afiche (1964) para el Hamlet de William Shakespeare, ha sido oportunamente exhibido en la Exposición 120 Carteles del Siglo xx en México entre otras exposiciones y se encuentra en colecciones privadas y en la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. La obra gráfica de Diseño Shakespear ha sido expuesta en el Centre Georges Pompidou de París, en la Triennale ICCID de Milán y retrospectivas en el Museo Nacional de Bellas Artes,
KEN GARLAND Ha sido durante mucho tiempo y lo sigue siendo una de las figuras creativas del diseño gráfico. Se le podría calificar como el precursor y visionario del diseño social. Combina talento y encanto con una tremenda energía efervescente. Es posible que sea igualmente conocido por la franqueza de “Los problemas que tenemos son que existen productos, servicios y causas que necesitan de las mejores formas de persuasión para llegar a un público que está totalmente saturado de información. Y eso ocurre en mayor medida ahora que cuando se publicó el primer manifiesto de “First Things First”. Hoy en día hay tantas fuentes de información que el diseñador gráfico ha de ser extremadamente ingenioso para conseguir que su mensaje llegue al público. Lo que hacemos es poner al servicio de estos fines nuestras habilidades de persuasión, algo que generalmente se hace mejor en Publicidad. Me parece una pena que algunos de nuestros mejores recursos se estén dedicando a los aspectos menos importantes de los medios informativos, lo cual ocurre en algunos tipos de Publicidad. Es irónico, ¿no? Los productos más amorfos y con menos carácter requieren más esfuerzo para ser vendidos. Hablo de cosas como los detergentes. No tienen nada malo, los detergentes, ¿no? Pero tienes que trabajártelos mucho para venderlos más que otras marcas de detergentes que venden exactamente lo mismo. Se tiene que gastar muchísimo dinero para conseguir realmente poco y, en mi opinión, es un malgasto de dinero. Hay formas en las que los diseñadores gráficos… Los diseñadores pueden usar sus habilidades de persuasión en un campo o en otro, siempre y cuando haya dinero para financiarlo. Esa es la cuestión. Pero en la mayoría de temas en los que nos gustaría participar nadie pone dinero. Necesitamos un mejor reparto del financiación, aplicada a las causas que nos interesan.”
ERICK SPIKERMANN Erik Spiekermann (Stadthagen, Baja Sajonia, 30 de mayo de 1947) es un diseñador gráfico, arquitecto de la información, tipógrafo, educador, y comunicador. Inició su formación como tipógrafo en el sótano de su casa para más tarde ingresar a la Universidad de Berlín a estudiar Historia del Arte. Posterior a esto, en el año 1973 se mudó a Londres, Inglaterra impulsado por considerarla “La capital gráfica del mundo”. Trabajó de manera independiente para Wolff Ollins y Pentagram, además de impartir clases en el London College of Printing. La relación de Spiekermann con la tipografía se fue consolidando no solo con su paso por el London College sino que también por su conexión con Ed Cleary, cofundador de Filmcomposition y futuro cofundador de FontShop, fundada por Erik para la distribución de tipos digitales Erik es Profesor Honorario de la Universidad de las Artes en Bremen. Spiekermann fue la elección unánime del jurado de 2011 para recibir el noveno Premio Tipografía SOTA debido a su trabajo excepcional y diverso dentro del diseño de tipos, por su trayectoria en la enseñanza, su profesionalidad como escritor reflexivo, su influencia en muchos diseñadores y su posición como un líder respetado en la tipografía mundial. Actualmente es socio gerente y director creativo de Edenspiekermann.
SUPERSTUDIO Fue un grupo arquitectónico italiano desarrollado entre los años 1966 y 1978. Enmarcado en el antidiseño, se fundó en Florencia en 1966, en paralelo al grupo Archizoom. Estaba compuesto por los arquitectos Adolfo Natalini, Piero Frasinelli y Cristiano Toraldo di Francia.
Opuesto al racionalismo y a la primacía del diseño sobre la función social y cultural de la arquitectura, el antidiseño puso énfasis en el estudio de las necesidades de los individuos por sobre cualquier otra consideración. Inspirados en el Art Nouveau, el art déco, el pop-art y el arte kitsch, realizaron una serie de diseños de tono irreverente que cuestionaban la funcionalidad y buen gusto del diseño anterior. También concibieron proyectos de ciudades utópicas del futuro, donde la tecnología liberaría al ser humano del trabajo manual. El trabajo de Superstudio fue impulsado por diferentes intenciones. Superstudio describe su propio trabajo en términos de ‘arquitectura radical’, ‘anti-utopía’, ‘utopía negativa’, o ‘de guerrilla’.
Entendía la arquitectura radical de la década de los 60 y principios de la década de los 70 principalmente como una forma de crítica social. Bajo su punto de vista, este tipo de diseño puede además tener una función terapéutica, porque enseña a la gente a adaptarse a las nuevas condiciones de existencia.
ARCHIZOOM Archizoom fue un grupo arquitectónico italiano desarrollado entre los años 1960 y 1970. Enmarcado en el antidiseño, se fundó en Florencia en 1966, en paralelo al grupo Superstudio. Debía su nombre a un explícito homenaje al grupo inglés Archigram, y estaba compuesto por los arquitectos Andrea Branzi, Gilberto Corretti, Paolo Deganello y Massimo Morozzi, y los diseñadores Dario Bartolini y Lucia Bartolini.
Opuesto al racionalismo y a la primacía del diseño sobre la función social y cultural de la arquitectura, el antidiseño puso énfasis en el estudio de las necesidades de los individuos por sobre cualquier otra consideración. Inspirados en el Art Nouveau, el art déco, el popart y el arte kitsch, realizaron una serie de diseños de tono irreverente que cuestionaban la funcionalidad y buen gusto del diseño anterior (como la Silla Mies, de 1969, o la banqueta modular Supernova, de 1966). También concibieron proyectos de ciudades utópicas del futuro, donde la tecnología liberaría al ser humano del trabajo manual.
JONATHAN BARBROK (nacido en 1966), es un diseñador gráfico , cineasta y tipógrafo británico . [1] Se formó en la Saint Martin’s School of Art y en el Royal College of Art , ambos en Londres (nacido en 1966), es un diseñador gráfico , cineasta y tipógrafo británico . Se formó en la Saint Martin’s School of Art y en el Royal College of Art , ambos en Londres. Barnbrook diseñó la portada del álbum Heathen de 2002 de David Bowie , donde utilizó su tipografía ‘Priori’ para el primer tipo. Luego diseñó las mangas para Reality , The Next Day y el trabajo final de Bowie Blackstar, cada uno con su propia tipografía especialmente diseñada. Cita las portadas de discos como una influencia temprana del diseño, y posiblemente el interés que lo atrajo al diseño gráfico, con otras portadas que incluyen las de John Foxx Tuxedomoon y Cult with No Name . Barnbrook también es diseñador de fuentes y ha lanzado fuentes que incluyen Bastard , Exocet , False Idol, Infidel, Moron, Newspeak, Olympukes, Sarcastic, Shock & Awe. Muchos tienen títulos emotivos y controvertidos que reflejan el estilo y los temas del trabajo de Barnbrook. Su fuente Mason , originalmente lanzada como Manson,está disponible en Emigre. De 1997 a 2003, Barnbrook colaboró con el joven artista británico Damien Hirst , principalmente en el diseño, el diseño y la tipografía de su libro I Want To Spend the Rest of My Life Everywhere, con Everyone, One to One, Always, Forever, Now, y en obras de arte asociadas con su restaurante Farmacia. Barnbrook vive y trabaja en Londres.
JAMES VICTORE Nacido en 1962, James Victore creció en el estado de Nueva York. A los diecinueve años se mudó a la ciudad de Nueva York. Cuando llegó a los 20 años, ya había abandonado dos universidades diferentes. Comenzó su aprendizaje bajo la supervisión de Paul Bacon, un destacado diseñador de libros. En 1990, Victore estableció su propio estudio de diseño ubicado en Brooklyn, James Victore Inc . Sus primeros trabajos incluyeron un cartel que diseñó para el Día de Colón en 1992, llamado “Celebrate Columbus”. Otros museos y bibliotecas que exhibieron sus carteles incluyen el Museo Stedelijk en Ámsterdam, el Museo del Diseño en Zúrich y la Biblioteca del Congreso en Washington, DC. Su exposición individual tuvo lugar en la Galería DDD, Osaka, titulada “James Victore: Post No Bills” en 1997. Actualmente, ocupa el cargo de profesor principal a tiempo completo en la Escuela de Artes Visuales de la ciudad de Nueva York. También pronunció conferencias sobre el tema del diseño gráfico en varios institutos de arte, universidades y seminarios de todo el mundo. En honor a la contribución de James Victore al arte, recibió varios elogios a lo largo de las décadas. En 1992, recibió un Premio Emmy por la animación televisiva. Además de eso, la Asociación de Diseñadores de Broadcast le otorgó medallas de oro y bronce. La República Checa le presentó el Gran Premio en 1994. El Club de Directores de Arte de Nueva York le confirió las medallas de
SHIGETAKA KURITA Shigetaka Kurita, (Prefectura de Gifu, 9 de mayo de 1972) es un diseñador de interfaces japonés, reconocido por ser el creador de los Emoji. Mientras trabajaba para la agencia de comunicaciones japonesa NTT DoCoMo y el inmente lanzamiento de su plataforma para internet móvil i-mode, Kurita diseñó los primeros 176 emojis de 12x12 pixeles que iniciarían con la tendencia mundial del uso de pictogramas para comunicar ideas mediante mensajes de texto Para el diseño de los emoji, Kurita se inspiró en el trabajo visual realizado en el manga y también en caracteres y señales de tránsito chinos.
GROPIUS Antes de la Primera Guerra Mundial, Gropius ya formaba parte de un movimiento de renovación estética, representado por la Deutscher Werkbund, que pretendía unir el arte con el diseño industrial. Al finalizar la guerra, Gropius, en su papel de director de la Sächsischen Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes y Oficios) y de la Sächsischen Hochschule für bildene Kunst(Escuela Superior de Bellas Artes), decide fusionarlas en una sola escuela que combinara los objetivos académicos de cada una y a la cual se le agregaría una sección de arquitectura. En 1919, Walter Gropius funda una escuela de diseño, arte y arquitectura en Weimar. Walter Gropius llamó a la nueva escuela Staatliches Bauhaus. El mismo edificio construido para la escuela en Dessau manifiesta los valores más representativos de La Bauhaus. Uno de los principios establecidos por la Bauhaus desde su fundación fue: «La forma sigue a la función». La construcción completa es el objetivo de todas las artes visuales. Antes, la función más noble de las bellas artes era embellecer los edificios, constituían componentes indispensables de la gran arquitectura. Hoy las artes existen aisladas… Los arquitectos, los pintores y escultores deben estudiar de nuevo el carácter compositivo del edificio como una entidad… El artista es un artesano enaltecido. Los edificios de Gropius reflejan el más puro estilo de la Bauhaus, ya que están construidos con materiales nuevos, que les confieren un aspecto moderno, desconocido en aquella época. Sus fachadas son lisas y de líneas claras, y carecen de elementos ornamentales innecesarios. Con ello, Gropius ha sido uno de los creadores del llamado «estilo internacional» en la arquitectura.
JOHN RUSKIN En el s. XIX los más importantes trabajos críticos sobre el arte medieval se desarrollaron en Inglaterra y uno de sus grandes impulsores fue John Ruskin (1819-1900). Al margen de la arquitectura gótica, los contactos de este país con la creación medieval europea no eran muy frecuentes, salvo para los coleccionistas, y uno de ellos, William Young Ottley, publicó en 1823 The Italian School of Design, una obra en la que afirmaba que la claridad de la pintura de Giotto no había sido hasta entonces superada. Trece años después se decidió adquirir para las colecciones reales británicas obras de arte anteriores a Rafael –en ellas reside hoy buena parte del atractivo de la National Gallery de Londres– y dos publicaciones sobre arte medieval de Lord Linsay y Jarves tuvieron gran éxito en el país. El arquitecto Pugin afirmó en Contrasts(1835) y True Principies of Christian Architecture(1841) que el gótico no era un estilo sino una religión y que su valor era superior al del estilo griego porque, según su razonamiento, la religión cristiana es más válida que la pagana. Él mismo se convirtió al catolicismo haciendo un homenaje al gótico e imaginó, desde un enfoque social, una restauración de la Edad Media. Podemos considerar que con él se inició en Inglaterra la corriente de juzgar la obra de arte desde el punto de vista de la moralidad de su creador y la creencia en la necesidad de que los elementos esenciales de las construcciones hayan de estar claramente expresados en la arquitectura. Seguramente en Pugin se halla ya implícita la futura “luz de la verdad” de Ruskin, pero este se alejó de él y del gótico de moda en su tiempo para buscar el antiguo gótico, el de Amiens o Venecia. Su crítica de arte no nace, como la de aquel, de la religión, tampoco de la moral, sino de un entusiasmo por el arte cercano al instinto: Existe un fuerte instinto en mi interior, para mí indescriptible, que me empuja a dibujar y escribir las cosas que amo, no para obtener renombre, ni por el bien de otros, ni asimismo en beneficio propio, sino por un tipo de instinto similar al de comer o beber. Me encantaría dibujar cada una de las pequeñas piedras de la Catedral de San Marcos de Venecia, y de toda Verona, para así adentrarlas en mi cabeza, piedra a piedra.
WILLIAM MORRIS Casi nada escapó a su curiosidad: fue diseñador, artesano, empresario, poeta, ensayista, ilustrador, tipógrafo, tejedor, agitador social y un largo etcétera. William Morris buscó una vía de expresión creativa alternativa al embate despersonalizador de una sociedad cada vez más industrializada, pero también al gusto recargado de la época victoriana. Surgida en torno a 1880, Arts & Crafts fue la corriente dominante en la artesanía y el diseño británicos hasta vísperas de la primera guerra mundial. Su influencia atrajo a una nueva generación de arquitectos, diseñadores, artistas y artesanos entre los que podríamos destacar a Charles Robert Ashbee, Mackay Hugh Baillie Scott, Ernest William Gimson, William Richard Lethaby y Charles F.A. Voysey– que defendieron un estilo de vida sencillo e inspirado en la Naturaleza a través de objetos domésticos caracterizados por su calidad, funcionalidad y el respeto a la autenticidad de las técnicas y los materiales.
JORGE FRASCARA Diseñador gráfico argentino nacido en 1939 en Buenos Aires. Se graduó en 1961 en la escuela de bellas artes. Reside en canadá desde 1976 y es profesor de arte y diseño de la universidad de alberta; miembro de honor de la sociedad de diseñadores gráficos de canadá; miembro del foro de ex-presidentes de icograda; miembro de la comisión asesora del departamento de diseño, universidad carnegie mellon (pittsburgh); director de educación de icograda (londres), y miembro de la comisión técnica para símbolos gráficos del iso(berlín) Los diseñadores siempre deben tratar de basar sus decisiones, tanto como sea posible, en información confiable y explicable, pero el proceso de dar forma siempre requiere un “salto al vacío”, de una serie de recomendaciones hasta la creación de una forma visual; es un proceso que precisa demasiadas decisiones para que puedan ser tomadas en una forma lineal y digitalmente controlada… El análisis racional del problema, y la articulación verbal tanto del problema como de la acción propuesta, son elementos indispensables en la comunicación entre el diseñador y el cliente. En efecto, una de las tareas principales del diseñador en su relación con el cliente es crear una sensación de confianza, mediante el uso del lenguaje del cliente (que normalmente es verbal, no visual), y mediante un lenguaje que es culturalmente respetado (que es racional, no subjetivo). En consecuencia, la articulación verbal y racional del problema de diseño, comenzando por la definición del problema mismo, forma parte esencial el trabajo del diseñador.
HERMANN ZAPF Hermann Zapf (Núremberg, 8 de noviembre de 1918-Darmstadt, 4 de junio de 2015) fue un diseñador alemán de fuentes tipográficas. Estuvo casado con la calígrafa y diseñadora de tipos Gudrun Zapf-von Hesse. Su trabajo sufrió la espada de doble filo de la veneración y sus diseños, que incluyen Palatino y Optima, han sido tal vez los más ampliamente admirados y plagiados del siglo XX. El ejemplo más conocido es el de Monotype Book Antiqua, que se entrega con Microsoft Office y es considerada una copia de la Palatino. En 1993 abandonó ATypI (Association Typographique Internationale) por la actitud hipócrita de algunos miembros prominentes de ATypIhacia que usaban una copia desautorizada. Zapf también se dedicó a crear tipos; su trabajo ha estado bajo el doble filo de la veneración: sus más importantes fuentes tipográficas Optima y Palatino han sido las creaciones más admiradas dentro del diseño en general, pero también las más copiadas (la conocida fuente Book Antiqua distribuida con los programas que Microsoft produce es una copia deformada de la Palatino).
LASZLO MOHOLY-NAGY László Moholy Nagy (Bácsborsód, 20 de julio de 1895 - Chicago, 24 de noviembre de 1946) fue un fotógrafo y pintor húngaro. Ha pasado a la historia como uno de los más importantes profesores y teóricos del arte y de la fotografía desde su trabajo en la Escuela de la Bauhaus alemana. Para László su verdadera pasión fue la pintura, hoy en día es recordado como uno de los mejores fotógrafos de los años 20, pionero en este campo. El amor le llegó en 1920 una vez instalado en Berlín. Allí conoció a la que se convertiría en su esposa, Lucía Schulz (más conocida como Lucia Moholy). La pareja experimentó al máximo la fotografía y realizaron interesantes fotogramas, los cuales datan de 1922 y alcanzaron la fama. Su publicación “Pintura, Fotografía, Film”, aparecida en 1925, constituye el octavo volumen de los “Libros de la Bauhaus” y es uno de los principales pilares de la fotografía. Características principales de su obra • Establecía una relación entre la pintura y la fotografía • Clasificaba la pintura como un medio para dar forma al color, mientras que la fotografía servía de instrumento de investigación y la exposición del fenómeno luz. • Trabajó en un Modulador luz-espacio, que consiste en una serie de planos metálicos perforados que producen efectos de luces y sombras por medio de un motor • Se realiza una asociación de formas de diferentes materiales, que son iluminadas para que provoque un efecto de sombreado concreto. • La búsqueda de sombras distintas y de tintineo de Moholy-Nagy supuso una gran innovación en el terreno del arte luminoso cinético
Large painting of the railroad László Moholy-Nagy 1920 (constructivista)
Double Portrait László Moholy-Nagy 1923 (Dadaiso)
A.M. CASSANDRE enero de 1901 – París, 17 de junio de 1968), conocido por el seudónimo de Cassandre, fue un cartelista y diseñador gráfico francés de origen ucraniano. Nacido en Járkov, Ucrania en 1901, de padres franceses, siendo joven se mudó a París donde estudió en la Academia de Bellas Artes y en la Academia Julian, se lo puede considerar como el precursor del cartel moderno tal y como hoy lo conocemos. En sus obras se puede observar la influencia de las vanguardias artísticas de la época de entreguerras del siglo XX, como el cubismo, el purismo de Le Corbusier, e incluso el futurismo con los recursos gráficos líneas cinéticas y sensación de velocidad. Fue el resumen perfecto de su tiempo. La posguerra obligó a Francia a buscar argumentos para que Paris mantuviera su estatus de élite por medio de la reproducción de un discurso: el sufrimiento y los sacrificios durante la Primera Guerra habían valido la pena, porque una sociedad más igualitaria había emergido de todo ello. Esta instrumentalización del discurso igualitario se proyectó a las calles. Los carteles de Cassandre eran una síntesis perfecta, y nunca antes vista, de arte, texto e imagen. Tanto por las dimensiones de los carteles y su textura como, en un inicio, por las referencias directas al Cubismo y en etapas posteriores al Surrealismo. Los carteles de Cassandre acercaban al gran público el Modernismo. “Normandie” A.M. Cassandre - 1935
Características principales de su obra La geometría a la que recurría a la hora de dar forma a sus obras, les otorgaba una gran fuerza que les permitía llegar de manera directa, pero a la vez contaban con una belleza casi indescriptible. Elegancia, belleza, y una tipografía audaz fueron las características de los carteles para las grandes empresas que recurrían al artista para plasmar la esencia de sus marcas. Dubo, Dubon, Dubonnet” A.M.Cassandre - 1932
JAN TSCHIOLD Jan Tschichold (pronunciado /chíjold/) (Leipzig, 2 de abril de 1902 - Locarno, 11 de agosto de 1974) fue un tipógrafo alemán, autor de la obra Die neue Typographie (La nueva tipografía) que sentó las bases de la tipografía actual, siendo, posiblemente, el libro más famoso sobre la materia del siglo XX. En Múnich hizo varios carteles para cine y en el año de 1928 diseñó y publicó su primer libro llamado Die neue Typographie. Este libro era principalmente dirigido hacia los diseñadores tipográficos y en él se exponían algunos de los principales principios del movimiento moderno en relación con la tipografía. En 1960 la casa fundidora Linotype encomendó a Tschichold la responsabilidad de crear un tipo de letra que pudiera utilizarse tanto en monotipia como en linotipia. El estilo tenía que ser parecido al Monotype Garamond pero más estrecho en un 5% para de esta manera poder ahorrar espacio. Fue así como surgió la letra Sabon, uno de los principales tipos desarrollados por Tschichold. Jan Tschichold, el diseñador de las bases de la tipografía moderna
Características principales de su obra
• La obra de Tschichold defiende el uso de la fuente sans serif por sobre la serif. • Editada en caja baja y con una preponderancia de minúsculas. • Hace prevalecer los diagramas asimétricos frente a los simétricos, con el objetivo de gene rar ritmo y tensión en la estructuración de una página. • identifica a la fotografía como un elemento complementario al texto, en lugar de solo ilustrativo, y valoriza los espacios en blanco, en comparación a la reducción de márgenes propuesta por el enfoque tradicional. • Apunta al diseño no centralizado y establece el uso de diferentes tamaños y grosores tipo gráficos como recursos para transmitir información de manera simple y rápida.
Jan Tschichold, el diseñador de las bases de la tipografía moderna
PIET ZWART
Arquitecto, diseñador gráfico y tipógrafo holandés. Además se dedicó al diseño Industrial, la fotografía y a muchas disciplinas referidas al diseño integral. La solución a necesidades de comunicación a través de sistemas gráficos complejos fue su principal inquietud y su mejor logro, como por ejemplo el trabajo para NKF (empresa de cables) para cual diseñó la imagen corporativa. Estudió diseño industrial, arquitectura y dibujo en la Escuela Nacional de Artes aplicadas de Ámsterdam de 1902 a 1907. Al año siguiente entró como profesor de Historia del Arte en la Escuela de Economía Doméstica e Industrial de Leenwaarden. A partir de 1912 comenzará a enseñar en cursos nocturnos. Un año después se trasladó a Voorburg y comenzó a diseñar muebles y objetos de decoración. En esta ciudad entró en contacto con el “Haagsche Kunstkring”, conociendo a figuras como Huszár y Jan Wils (con quien trabajó de 1919 a 1921 diseñando en su estudio, por ejemplo el stand de feria para las Eerste Nederlandsche Celluloidfabrieken). A pesar de su vínculo con Wils y Huszár, nunca entró al movimiento De Stijl, inclusive en 1919 a los artistas de De Stijl y fue criticado por Van Doesburg en su revista. Trabajó en la oficina de Hendrik Petrus Berlage y se dedicó al diseño de platos de 1921 a 1927, también hizo las campañas publicitarias de nueva tipografía para la Compañía de Cables neerlandesa, decoró el interior del restaurante “Fanst” de París y realizó la decoración de los interiores de la Christian Scientist Church de La Haya. En 1927, conoció a Kurt Schwitters, quien le propuso hacerse miembro del “Ring Never Werbegestalter” de Alemania. A finales de 1933 se inclinó por el diseño industrial e interior, como por ejemplo los muebles de cocina para Bruijnzeel. Uno de sus clientes más importantes fue PTT (servicio holandés de teléfono y telégrafo). Características principales de su obra • Logró desarrollar una de las imágenes corporativas más completas y de principios del siglo XX, • También influenciado por el movimiento Arts and Crafts, trabajando en diseño de interiores. • Logró en cada una de sus composiciones que los espectadores interactuaran con las piezas gráficas, al ser guiados por barras, signos de admiración y misceláneas que dirigen la lectura comprensiva de la obra. • Además, se basó en el uso de fotografías y la tipografía Sans Serif para formar parte de un diseño normalizado, racional y funcional. • Su excelente uso del color, tipografía, composición y fotografía recuerdan a la Bauhaus, conviertiéndolo en un des tacado del diseño.
Piet Zwart, tarjeta de publicidad para la empresa Laga, 1922
GYORGY KEPES György Kepes (Selyp, Hungría 4 de octubre de 1906 - Cambridge, Massachussetts, Estados Unidos 29 de diciembre de 2001) fue un pintor, fotógrafo, diseñador, educador y teórico del arte húngaro. Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de Budapest. A finales de la década de 1920, Kepes dejó a un lado la pintura temporalmente para centrarse en el cine. El año 1930, y tras una invitación del profesor de la Bauhaus y también húngaro Laszlo Moholy-Nagy, se trasladó a Berlín, donde trabajó como diseñador, expositor y escenógrafo. Fue en este periodo en el que colaboró con el psicólogo de la Gestalt Rudolf Arnheim, para quien diseñó la sobrecubierta de su libro Film als Kunt (El cine como arte), uno de los primeros libros publicados sobre teoría cinematográfica. En 1935 Moholy-Nagy trasladó su estudio a Londres. Kepes, quien seguía colaborando con él, siguió sus pasos instalándose en la capital británica, pero al poco tiempo tuvieron que emigrar a América. Tras su llegada a los Estados Unidos en 1937, impartió clases de diseño en New Bauhaus en Chicago y también en la Escuela de diseño industrial de Chicago. En 1967 fundó el Centro de Estudios Visuales Avanzados (CAVS) en el Instituto de Tecnología de Massachusetts (MIT) donde trabajó hasta su retiro en 1974. Su obra está incluida en colecciones de museos como el Whitney de Nueva York o el museo de Brooklyn. En 1995 el gobierno húngaro constituyó un museo destinado a albergar una gran parte de su obra, con pinturas, dibujos y fotografías, además de sus archivos.
EMIL RUDER Emil Ruder nació en Suiza en el año 1914 y murió en Basilia en el año 1970. Fue un mentor intelectual del movimiento cartelista del estilo Suizo, trabajó como maestro de tipografía en la escuela de diseño de Basilia, donde fue amigo e influencia principal de Adrian Frutiger. Ruder también fue contribuidor del respetado periódico: “Typografische Monatsbläter”, co-fundador del Centro Internacional para las Artes Tipográficas en Nueva York, 1962. En su Manual de Tipografía, habla acerca de la simetría, la cual se puede identificar en el formato del papel, Ruder usa un patrón rítmico, alternando las manchas negras y blancas, así como también las formas y los espacios entre palabras y líneas, esto es de crucial importancia para la legibilidad. Al mismo tiempo expone que la tipografía ofrece múltiples oportunidades de trabajar con valores rítmicos y admite el blanco como valor creativo. Conoce las variaciones ópticas del blanco. Y dice que el espacio interior blanco de una letra contribuye a su forma y que el diseñador te tipografías deberá equilibrar constantemente forma y contra forma cuando los crea. Ruder se expresa en un lenguaje artístico formal y destaca algunas veces la forma y otras la función. En su opinión la tipografía es la expresión conjunta de tecnología, precisión y buen orden, ya que no trata de esforzarse en interpretar complejos postulados artísticos, la tipografía se dedica a la tarea de resolver formal y funcionalmente la exigencia cotidiana, accesible al lector. Y es lo que Emil hace, cosas sencillas para que todo el mundo las pueda comprender y resolver de forma fácil y sencilla. Se puede decir que es un gran comunicador visual, al cual todavía se le tiene en cuenta y se copia su estilo. Características principales de su obra Este estilo se definió mediante el uso de tipos de letra sans-serif, y empleó una cuadrícula de página para la estructura, produciendo diseños asimétricos La cuadrícula llegó a implicar el estilo y los métodos del diseño gráfico suizo. Ruder demostró una cuadrícula de nueve cuadrados como base para diferentes tamaños de imagen. Hay 24 posibles posiciones y formas de imagen. También se destacó la combinación de tipografía y fotografía como medio de comunicación visual. Las principales obras influyentes se desarrollaron como carteles, que se consideraron los medios de comunicación más efectivos.
«Zurcher Painters». Emil Ruder,1957
«Joan Miro». Emil Ruder, 1956
ARMIN HOFMANN Es un diseñador gráfico suizo. Comenzó su carrera en 1947 como profesor en la Allgemeine Gewerbeschule Basel School of Art and Crafts a la edad de veintiséis años. Hofmann siguió a Emil Ruder como jefe del departamento de diseño gráfico en la Schule für Gestaltung Basel y fue instrumental en el desarrollo del estilo de diseño gráfico conocido como el estilo suizo. Sus métodos de enseñanza eran poco ortodoxos y de amplia base, estableciendo nuevos estándares que se hicieron ampliamente conocidos en las instituciones de educación de diseño en todo el mundo. Sus ideas independientes como educador, unidas a sus poderes de expresión visual ricos e innovadores, crearon un cuerpo de trabajo enormemente variado: libros, exposiciones, escenarios, logotipos, símbolos, tipografía, carteles, sistemas de signos y gráficos ambientales. .Sus carteles han sido ampliamente exhibidos como obras de arte en las principales galerías, como el Museo de Arte Moderno de Nueva York . También fue un educador influyente, se retiró en 1987. En 1965 escribió el Manual de diseño gráfico , un libro de texto popular en el campo. Poster. Armin Hofmann, 1959 «Die Gute Form (Good Form)». Armin Hofmann, 1958
Características principales de su obra
Enfatizaban el uso económico del color y las fuentes, a lo que Hofmann consideraba como la “trivialización del color”. Su dependencia de los elementos fundamentales de la forma gráfica: punto, línea y forma, mientras transmite sutilmente simplicidad, complejidad, representación y abstracción. Originarios de Rusia, Alemania y los Países Bajos en la década de 1920
ALVIN LUSTING Fue un diseñador de libros estadounidense, diseñador gráfico y diseñador de tipografías . Lustig ha sido honrado por el American Institute of Graphic Arts y el Art Directors Club Hall of Fame por sus importantes contribuciones al diseño estadounidense. Nació el 8 de febrero de 1915 de Harry Lustig y Jeanette Schamus en Denver, Colorado . Lustig estudió diseño en Los Angeles City College , Art Center College of Design, e independientemente con el arquitecto Frank Lloyd Wright en su estudio Taliesin y el pintor francés Jean Charlot . Comenzó su carrera diseñando chaquetas para libros en 1937 en Los Ángeles, California. En 1944 se convirtió en Director de Investigación Visual para Look Magazine . También diseñó para Fortune y Girl Scouts de los Estados Unidos. Además de sus numerosas contribuciones al diseño gráfico, Lustig fue un consumado diseñador de interiores y arquitectura. En 1949, diseñó lo que se conoce como la “Silla Lustig” para Paramount Furniture en Beverly Hills, CA.Su diseño original continúa inspirando interiores modernos y las réplicas de la silla todavía están en producción. El trabajo de diseño de interiores de Lustig también influyó en diseñadores más jóvenes como Paul Tuttle. Josef Albers lo invitó a enseñar en el Black Mountain College en 1945 y en Yale en 1951.
Características principales de su obra Interpreta de una manera fresca la comunicación visual. Con influencias de la Bauhaus, Dadá y el Surrealismo, está ligado también a las vanguardias literarias. Su estilo de formas geométricas simples y el uso de colores planos, sus composiciones complejas e interesantes al mismo tiempo.
HERBERT MATTER Nacido el 25 de abril de 1907, Herbert Matter creció en Engelberg, Suiza. Desde 1925 hasta 1927 asistió a la École des Beaux-Arts en Ginebra, donde estudió pintura. Luego fue a París para estudiar la misma asignatura en la Academia Moderna, donde conoció a Fernand Léger y Amédée Ozenfant, quienes le enseñaron. Después de sus estudios, trabajó como diseñador gráfico y trabajó con varias firmas y artistas de renombre, entre ellos Le Corbusier, Deberny y Peignot. A principios de la década de 1930 prestó sus servicios en una revista de arte, titulada Arts et Métiers Graphiques . La materia tuvo la oportunidad de conocer a Adolphe Mouron Cassandre mientras estaba en París. Colaboró con él en varios proyectos de diseño de carteles. En 1932, Matter regresó a Zurich, Suiza y comenzó a diseñar una famosa serie de carteles publicitarios de turismo. Los carteles eran para la Oficina de Turismo de Suiza. Unos años más tarde se mudó a Estados Unidos, donde fue nombrado fotógrafo por el legendario director de arte Alexey Brodovitch. Trabajó para varias revistas líderes, incluidas Harper’s Baazar, Town and Country y Vogue. También trabajó con la práctica californiana de Charles y Ray Eames. Poco después, comenzó a servir en Knoll Associates International. Diseñó el logotipo con la gran K para Knoll Associates, así como numerosos anuncios y catálogos. Además, Matter también ocupó el puesto de profesor en la Universidad de Yale, donde fue profesor de fotografía durante las décadas de 1950 a 1970. El Museo Solomon R. Guggenheim buscó su experiencia como consultor de diseño. De 1958 a 1968, trabajó en el Museo de Bellas Artes de Houston. Durante la Segunda Guerra Mundial, el gobierno de Estados Unidos encargó a Matter el diseño de carteles de propaganda que convencieran a los civiles de unirse al ejército. Herbert Matter falleció en la primavera de 1984 en Southampton, Nueva York.
Características principales de su obra • Estaba influenciado por el arte de los años 20, las disciplinas y teorías de la Bauhaus o DeStijl y el tratamiento tipográfico del arte concreto. • Desarrolló las técnicas visuales del movimiento moderno como el collage y el montaje. • Integró la fotografía en blanco y negro con las áreas de color y la tipografía. • Fusionó ingeniosamente la rigurosidad del estilo suizo con la cultura pop estadounidense. • Explotó todos los métodos disponibles para lograr meticulosamente su visión de textura, luz y forma. • La forma fresca que buscaba en sus bodegones, retratos, desnudos y paisajes fueron el resultado de sus métodos únicos. • Sus técnicas incluyeron la manipulación de lo negativo, recortar, retocar, dibujar con luz y agrandar.
LESTER BEALL Nació en Kansas City (Missouri), en la frontera entre la América cosmopolita y la profunda. Su familia se trasladó, cuando él era aún un niño, a Chicago y allí fue donde recibió la mayor parte de su educación. Estudió en el instituto Lane Technological y después ingresó en la Universidad de Chicago para estudiar Bellas Artes, estudios que compaginó con clases de dibujo en la academia del Art Institute. Allí entró en contacto con la vanguardia europea y fue seducido por la potencia expresiva de las líneas, los colores y las composiciones dinámicas. Desde 1927 trabajó en diferentes estudios de Chicago y haciendo colaboraciones con publicaciones como el Chicago Tribune hasta que en 1935 decidió trasladarse a Nueva York, en busca de nuevas oportunidades Lester Beall es el primer diseñador norteamericano propiamente dicho porque supo conjugar la dinámica visual de la vanguardia europea, con la esencia norteamericana, logrando que el mensaje impactara por su apariencia pero que, al mismo tiempo, llegara con facilidad a todos los estratos sociales y culturales americanas Sus portadas para la revista Collier´s también se convirtieron en un referente para el diseño editorial por el impacto de sus imágenes y lo ineludible de su mensaje. Finalmente se mudó a la zona rural de Nueva York y estableció una oficina y un hogar en un local que él y su familia llamaron “Dumbarton Farm”. Permaneció en la granja hasta su muerte en 1969. Características principales de su obra
Su uso claro y conciso de la tipografía fue muy elogiado tanto en los Estados Unidos como en el extranjero. Utilizó colores primarios llamativos y flechas y líneas ilustrativas en un estilo gráfico que se hizo fácilmente reconocible como propio. Su capacidad de conjugar el lenguaje plástico de las vanguardias artísticas europeas con las referencias a lo “genuinamente americano”. La identifica con una tierra de trabajo, esfuerzo y sacrificio pero también de esperanza, de dedicación, de calidez, características que puede ir incluso a más gracias a la electrificación. Su lenguaje visual fue comprendido rápidamente a pesar de la combinación de elementos arriesgados
Lester Beall – Cartel para el “Pabellón de la Libertad” de la Exposición Universal de Nueva York (1939)
Lester Beall – Cartel para la Rural Electrification Administration (1939)
ALEX STEINWEISS
Alex Steinweiss nació el 24 de marzo de 1917 en Brooklyn. Su padre era diseñador de zapatos para mujeres de Varsovia y su madre era costurera de Riga , Letonia . Se mudaron al Lower East Side de Manhattan y finalmente se establecieron en la sección Brighton Beach de Brooklyn. Steinweiss dijo que estaba destinado a ser un artista comercial. Estudió con Leon Friend en Abraham Lincoln High School ,y sus compañeros de clase se maravillaron de que “pudiera tomar un pincel, mojarlo en un poco de pintura y hacer letras”, recordó. “Entonces me dije a mí mismo, ‘¡Si algún día pudiera convertirme en un buen pintor de carteles, sería fantástico!’” Steinweiss obtuvo una beca para la Parsons School of Design.
En 1998, Steinweiss fue incluido en el Salón de la Fama del Club de Directores de Arte . En 2003, CMP Information y la Asociación Internacional de Medios de Grabación crearon los Premios Louis & Earl. Columbia Rec Alex a la Excelencia en la portada del álbum , que fueron nombrados en honor a Alex Steinweiss. Características principales de su obra Presentan una personalidad vibrante, hipnótica y provocativa en las que combina tipografía impactante con ilustraciones modernas y elegantes. Revolucionó la forma de vender la música, pero es todavía más importante que revolucionó la manera es que visualizamos la música, en que vemos la música. Resaltaban por sus colores brillantes y sus ocurrentes dibujos que relacionaban el contenido musical del disco con el dibujo.
Louis & Earl. Columbia Records, 1940
El primer disco de la historia editado con portada ilustrada .(‘Smash Song Hits’, de Richard Rodgers y la Imperial Orchestra)
ERICK NITSCHE
Nacido el 7 de septiembre de 1908, en Lausana, Suiza, Erik Nitsche creció en una familia orientada al arte. Su padre y su abuelo eran tipógrafos expertos y tenían lazos cercanos con un conocido artista, Paul Klee. De hecho, fue Klee quien inspiró a Nitsche a perseguir el arte como artista en lugar de ser un simple fotógrafo. Nitsche asistió a la Kunstgewerbeschule en Munich. Al graduarse a principios de la década de 1930, tomó un trabajo en Colonia, Alemania. Después de un breve período, Maximilien Vox le ofreció un trabajo para trabajar en París. Cuando se mudó a París, recibió solicitudes de varias revistas y periódicos para hacer las ilustraciones. Huyó a Estados Unidos y encontró estabilidad trabajando en Hollywood. Al principio, diseñó un set para un musical, pero poco después se dio por vencido y se dirigió a Nueva York. Su primera década en Nueva York la pasó trabajando como diseñador gráfico independiente. Las principales revistas estadounidenses de moda y decoración, como Harper’s Bazaar, Vanity Fair ,Life and Look , lo contrató para trabajar en diseños e ilustraciones. Se convirtió en el sucesor de Herbert Beyer en Dorland International asumiendo el cargo de director de arte, en 1947. Al año siguiente, diseñó algunos números de la revista Mademoiselle. Era un alma inquieta, que se llamaba a sí mismo ‘nómada’ ya que nunca permaneció en un trabajo durante mucho tiempo. Incapaz de seguir trabajando en las oficinas, Nitsche dejó Nueva York y se mudó a Ridgefield, Connecticut a principios de la década de 1950. Nitsche trabajó en General Dynamics en Connecticut y fue elegido por la responsabilidad de cambiar la imagen de la empresa al construir su identidad desde cero. Como la compañía no podía revelar los detalles secretos del proyecto submarino, Nitsche se vio obligado a trabajar con una representación simbólica de la paz y se le ocurrió una serie de seis carteles litográficos. En 1995, le diagnosticaron una enfermedad terminal y falleció a fines de 1998. Cubierta de la Memoria Anual de General Dynamics, 1959.
Características principales de su obra • Se basaron en una atención meticulosa a los detalles de la composición de la página, la elegancia de la presentación de tipo simple y el yuxtaposición de elementos en una página. • Un diseño impecablemente claro, colores brillantes, tipografía inteligente y una adherencia a los cimientos geométricos particulares.
Cubierta de la revista Fortune, 1954.
HERBER BAYER (Haag, Austria, 1900 - Santa Bárbara, Estados Unidos, 1985) fue un diseñador gráfico, pintor, fotógrafo y arquitecto austriaco. Bayer fue el diseñador de publicidad más innovador de la Escuela de la Bauhaus, a la que perteneció: su trabajo destaca por la temprana introducción de la fotografía en los años 1920. Bayer fue aprendiz del artista George Schmidthammer en Linz. Tras dejar el taller se interesó por el manifiesto Bauhaus de Walter Gropius. Tras estudiar durante cuatro años Bayer desarrolló un estilo visual nítido y adoptó una fuente sans serif completamente en minúsculas para todas las publicaciones de Bauhaus. En 1925 diseñó una fuente sans serif geométrica, universal, cuya versión digital recibe el nombre de Architype Bayer. Bayer dejó la Escuela de Bauhaus para convertirse en director artístico de la oficina en Berlín de la revista Vogue.1 Diez años más tarde, huyendo de la Alemania nazi, se mudó a Nueva York, donde desarrolló una larga carrera en la que destacó en prácticamente todos los aspectos de las artes gráficas. Ya en 1938 organizó la exposición y el catálogo Bauhaus 1910-1928 en el MoMA de Nueva York. Los trabajos de Bayer aparecen en importantes colecciones privadas y públicas, incluyendo el MIT List Visual Arts Center. Características principales de su obra
Pie de imágen Herbert Bayer, Portada de Catálogo, 1923.
En sus carteles utilizó las técnicas del collage y del fotomontaje siguiendo con la línea del dadaísmo. consiguió realizar publicidad que asociara el producto que se quería vender (esquí) con la elegancia, el ingenio y la euforia, lo que llevó a la configuración de una nueva forma de hacer publicidad.
Herbert-Bayer, estudio para el tipo Universal, 1926
PAUL RENNER Renner publicó un folleto en el año 1932 titulado Kulturbolschewismus en el que criticó la política cultural de los nazis y a raíz del mismo y por la consolidación en el poder del partido nazi, es despedido de la escuela pero consigue que su amigo y miembro del staff de la escuela George Trump asuma la dirección de la misma evitando así que el puesto fuera ocupado por alguien afín a los nazis. Su principal aportación al diseño tipográfico es el tipo Futura que diseñó durante los años 1924 y 1926. Está basado en formas geométricas (rectas, cuadrados y círculos) representativas del estilo visual de la Bahuaus de los años 1919-1933, y pronto llegó a ser considerado un tipo de la Nueva tipografía. Inicialmente la fundición Bauer emitió Futura con seis pesos distintos y con licencia la fundición Deberny & Peignot la editó en Francia bajo el nombre de Europa. American Typefounders y Mergenthaler Linotype también cuentan con una imitación de Futura llamada Spartan. Paul Renner falleció en el año 1956 y sus dibujos originales del tipo Futura se pueden contemplar en la Fundición Tipográfica Neufville de Barcelona. Otro tipo no muy conocido diseñado por Paul Renner es Topic o Steile Futura, que es un “san-serif” condensado con trazos redondeados en las letras “A”, “E”, “M” y “W”. Este tipo fue editado por la fundición Bauer en el año 1953
H.N WERKMAN The Next Call fue una revista vanguardista publicada por el tipógrafo holandés Hendrik Nicolaas Werkman (1882-1945) durante los años 1923 a 1926. Un perfecto ejemplo de simbiosis entre arte vanguardista e imprenta clásica de la época de entreguerras. El impresor artesanal Jesús Morentin (Bunkertype) revisita la obra de Werkman con una segunda edición de carteles en los que nos muestra otra visión, en palabras del autor “más madura y personal” de la obra paradigmática del artista holandés. Nos cuenta Jesús que: “Se trata de una colección que mantiene el mismo espíritu que el trabajo original presentado en 2012- en el que cada composición se basaba en uno de los nueve números de la citada revista, pero en el que se ha trasladado el foco. Si en el primer acercamiento lo fundamental era el proceso y el aprendizaje, en “The New Call” he usado toda esa experiencia para poder centrarme en el resultado final, en la obra, ampliando notablemente la paleta de recursos cuando ha sido necesario, tanto en los aspectos técnicos como en los formales”
JOSEPH MULLER Josef Müller-Brockmann (Rapperswil, 9 de mayo de 1914 – Unterengstringen, 30 de agosto de 1996) fue un diseñador gráfico y profesor universitario de origen suizo. Fue docente de la HfG de Ulm en Alemania y uno de los impulsores, junto con Armin Hoffmann, de la llamada Escuela Germano Suiza de diseño, caracterizada por la sencillez y la claridad y por el uso de la retícula. Estudió arquitectura, diseño e historia del arte en la Universidad de Zúrich y en su Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos). En 1936 abrió en esa ciudad su propio estudio, especializado en diseño gráfico, diseño de exposiciones y fotografía. Desde 1951 produjo carteles de conciertos para el Auditorio de Zúrich. En 1958 se convirtió en editor y fundador, junto con Richard P. Lohse, Carlo L. Vivarelli y Hans Neuburg, de la revista New Graphic Design (también Neue Graphik y Graphisme Actuel) que, en 18 números y entre 1958 y 1965, revolucionó el diseño gráfico. En 1966, Müller-Brockmann fue nombrado consultor de diseño para Europa de la empresa IBM. Características principales Inclinación hacia el orden sistemático en el diseño dado que defendía el diseño geométrico objetivo y radicalmente minimalista y fue quien inventó el sistema de cuadrícula para el diseño gráfico Diseños simples y el uso limpio de la tipografía. Comunicaba información sobre una idea, evento o producto de la manera más vívida posible.
MAXIMILIEN VOX (nombre real: Samuel William Théodore Monod ) fue un francés escritor, dibujante, ilustrador, editor, periodista, teórico crítico de arte e historiador de la carta francesa y la tipografía. Nació el 16 de diciembre de 1894 en Condé-sur-Noireau en Calvados. En 1914 publicó sus divertidos dibujos animados en L’Humanité , Floréal y La Guerre Sociale y se convirtió en editor de Le Mot. La mayoría de sus dibujos animados fueron firmados por Sam Monod o Esmono. Monod adoptó varios alias antes de decidirse por Maximilien Vox. Fue a París para aprender tipografía, y en 1926 fue galardonado con el Prix Blumenthal , con un valor de 20,000 francos, por una serie de 24 portadas de libros. Trabajó como jefe de departamento para el Ministerio de Información, mientras que al mismo tiempo continuaba con sus actividades editoriales. En 1942 fundó The Union Bibliophile de France, que publicó obras de arte. Después de la segunda guerra mundial se concentró en la tipografía y creó en 1949 la revista profesional Characters, que editó hasta 1964. Creó la clasificación VOX-ATypI de caracteres tipográficos. La Clasificación Vox es una clasificación realizada por Maximilien Vox en 1954 y que fue adoptada por la Asociación Tipográfica Internacional (ATPY) en 1962. La creación de esta clasificación se basa en la búsqueda de rasgos comunes entre las diferentes tipografías. Fragmento de su clasificación tipográfica.
Anuncio diseñado por Vox en 1930
LUCIAN BERNHRD El diseñador Lucian Bernhard nació como Emil Kahn en Stuttgart, en 1883; estudió en la Academia de Arte de Múnich antes de ir a Berlín en 1901 y continuar por un camino gráfico autodidacta, que con el paso de los años lo convirtió en sinónimo de lo que se conoce como Das Plakat, Sachplakat o Plakatstil (estilo del cartel). Su decisión de terminar con la formación tradicional de la academia se desencadenó en parte al ver una muestra de nuevos artistas europeos que incluían los carteles de teatro y cabaret firmados por Jules Chéret, Toulouse-Lautrec y Alfonso Mucha. Pese a ser contemporáneo al art nouveau, su trayectoria fue singular e independiente. Tal como lo hiciera Peter Behrens, utilizó los aspectos comerciales de los productos, sirviéndose de la gráfica y la tipografía para establecer mensajes e imágenes. Un estilo basado en la representación directa y sintética de los objetos con gran calidad pictórica. Una de las características de su obra se basó en el uso de letras siempre grandes dispuestas sobre colores planos, configuración que ‘aislaba’ la marca del resto de los componentes del afiche. En 1914 Lucian Bernhard diseñó un cartel para Bosch en el que se ve una bujía simplificada, coronada por la chispa que genera y, junto a ella, el nombre de Bosch en letras densamente delineadas y coloradas. Un hito para la marca. En 1920 Bernhard se convirtió en el primer profesor de historia para el arte del cartel, en la Akademie der Künste en Berlín. Tres años después se trasladó a Nueva York, donde abrió un estudio de diseño, en paralelo al que funcionaba en Berlín. En EE.UU. se dedicó a la creación e investigación de tipografía para la American Type Founders y en 1934 inició su trabajo como docente en el Pratt Institute en Nueva York y se hizo célebre por su campaña publicitaria del jarabe para la tos REM. Uno de sus últimos trabajos como diseñador lo realizo para Pepsi Cola en 1955. Luego se dedicó a la pintura. Características principales de su obra
• Su estilo se basaba en reducir al cartel a la imagen del producto (de manera icónica) y su nombre. • El cartel se asemejará al anuncio, es decir, solo contiene los datos informativos mínimos, sin ornamentos, figuras o motivos compositivos de ningún tipo, iniciando, de esta manera, el cartel moderno. • Diseñó sus propios alfabetos, caracterizados por ser densos y potentes, para lograr armonía formal entre texto e imagen, entre sus mejores diseños se encuentra la Antigua Bernhard estrecha. • Emigró a América en 1923, donde diseñó las fuentes tipográficas. Sus muchas tipografías se nombran después de él: Bernhard cursiva, Bernhard gótica, etc.
KURT SCHIWITTERS (Hannover, Alemania, 1887-Ambleside, Reino Unido, 1948) Pintor alemán. Cursó estudios de arte en las Academias de Dresde y Berlín. A través de la revista Der Sturm entró en contacto con la vanguardia alemana, en concreto con el expresionismo, a través del cual llegó a la definición de su propio estilo. Éste comenzó a tomar forma en torno a 1920, cuando realizó sus primeros collages a partir de pequeños fragmentos de madera, recortes de periódico, billetes de tranvía y otros materiales de «desecho», que se transfiguraban en sus obras mediante la incorporación del color o la adición de palabras o frases. A estas creaciones el artista las denominó Merz, por el fragmento de la palabra Kommerz que aparecía en un recorte de periódico incluido en uno de sus collages del comienzo. Su estilo evolucionó desde un recargamiento inicial hacia un mayor purismo, pero el artista nunca abandonó los Merz, las obras a las que debe su fama. Esta misma palabra dio título a una revista que fundó en 1923 y se publicó hasta 1932. En ella, Schwitters y sus colaboradores difundieron el espíritu del dadaísmo, corriente artística a la que pertenece el pintor, además de contribuir a la modernización de la tipografía y el diseño gráfico. Características principales de su obra
Sus poemas se componen sobre modelos rítmicos de forma similar: a partir de frases banales, trozos de frases y fragmentos de palabras
Merzbild Kijkduin 1923
Merzbild 1A. El doctor mental. 1919 Técnica mixta
llevan implícito un ataque a la idea de un arte hecho sólo con buenos materiales por alguien dotado de una especial habilidad técnica y creativa. Como los cubistas, también Schwitters insertaba palabras o letras que le fascinaban por sus características intrínsecas formales. Están enteramente compuestos con deshechos (alambre, cuerda, periódicos, billetes, etc.)
Schwitters estuvo en contacto con algunos de los grandes creadores de su tiempo, L. Moholy-Nagy entre otros, y participó en los movimientos artísticos más innovadores, por ejemplo, Abstraction-Creation. En 1937 emigró a Noruega, y al ser invadido este país por Alemania en 1940, se trasladó al Reino Unido, donde residió hasta su muerte.
Su incorporación a la obra de arte de materiales sin valor sirvió de referente, después de la Segunda Guerra Mundial, a muchos de los movimientos artísticos que se difundieron por entonces, desde el informalismo al pop art.