DIRECCIÓN Y MAQUETACIÓN: Fran Navas www.frannavas.net
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¡Bienvenidos a una nueva edición de Inspiration! Parece que termina el verano, muy a nuestro pesar, y trás un tiempo de desconexión volvemos al trabajo con fuerzas renovadas. Con nuestra nueva plataforma web ya asentada y todavía definiendo algunos futuros proyectos con los que queremos sorprenderte a lo largo de esta nueva temporada, volvemos con nuestra vigésima cuarta edición de Inspiration. Con las grandes secciones que nos han ido acompañando en estos últimos meses, con nuestros colaboradores de lujo y con nuevas propuestas para estos primeros meses del otoño, como por ejemplo el Festival de Creación que se celebra en Madrid.
Nueva obra TEN de Fotolia.
Descubrimos el packaging del mundo de la cosmética de mano de Rosa Perea. Nuestro compañero Ignacio Jurado nos enseña cómo obtener mejores imágenes en espacios abiertos. Los amigos de Pacmac nos descubren Pay, la nueva plataforma de pago de Apple. Y por supuesto, nuevos artistas TEN de Fotolia y las últimas novedades de la Editorial Gustavo Gili. Todo esto y mucho más en la nueva edición de Inspiration. Disponible, como siempre, en nuestra web, a través de Issuu y en nuestra App Oficial para dispositivos iOS que desarrolla iZasshi. Fran Navas www.frannavas.net
TYPE La diseñadora Tie Ming nos presenta un proyecto tipográfico diferente mostrándonos las trancisiones de mayúsculas a minúsculas, únicamente con el movimiento de las manos.
BRANDING Rosa Perea nos presenta la renovada imagen de la marca de cosméticos ‘Lily Lolo’. Un cambio que, ahora sí, cierra a la perfección con la calidad de los productos que ofrece.
ILLUSTRATION Simon Prades y sus impresionantes ilustraciones en las que mezcla elementos tradicionales como el lápiz o la acuarela, que posteriormente pasa a digital.
ART
SPACE
Papiroflexia de mano de la artista Nguyen Hung Cuong. Un espacio artístico olvidado.
Os mostramos la auténtica casa de ‘Los Picapiedra’, aquella serie animada que pasó a la historia de la televisión y el cine. PHOTO Nuestro compañero Ignacio Jurado nos vuelve a hablar de fotografía. TECHNOLOGY PACMAC Las últimas noticias del mundo de la tecnología de la mano de Pacmac.
BRIEF FESTIVAL Descubrimos el nuevo Festival de Creación Gráfica que se celebra en Madrid en los primeros días de Octubre.
TEN BY FOTOLIA Nuevos artistas en una nueva obra de la genial Colección TEN de Fotolia.
SHOP GG La editorial Gustavo Gili nos muestra sus últimas novedades.
BRANDING Lily Lolo ROSA PEREA | ‘Lily Lolo’ es una fantástica marca de cosméticos lanzada en 2005 de gran éxito entre sus consumidores. Quizás algo que nos chocaba ante tanta fama era su pobre imagen. La empresa se aperesuró a resolver este problema. Comparamos el antes y el después.
R. Design creó la nueva identidad y marca de la firma de cosmética mineral Lily Lolo. La identidad original no se correspondía con la maravillosa historia del producto, al parecer no lo suficientemente buena para el número de mujeres creciente que se interesaba por los productos naturales de belleza, con ingredientes beneficiosos que daban resultados superiores. La nueva identidad y diseño de marca personifica la elegancia minimizada y la perfección de la belleza natural según la esencia de la marca - “belleza natural sin defectos”.
Cada producto está libre de sustancias químicas y tiene propiedades antibacterianas que ayudan a mejorar la piel, y nunca se testan en animales. Antes de 2013 llegó el momento de responder a lo que querían sus clientes: una manera más exclusiva de parecer y de sentir lo natural y lujoso. Se encargó a R. Design que trabajara en la estrategia y revisión del diseño de Lily Lolo incluyendo la identidad visual de la marca y el packaging.
Lily Lolo fue lanzada en 2005 y ha alcanzado un estatus de culto usando solamente lo natural.
Arriba la imagen con la que ‘Lily Lolo’ salió al mercado. Abajo la renovadísima identidad.
“Nuestra nueva identidad y monograma da a la marca una sensación más lujosa y más clásica mientras que conserva las raíces y la filosofía de la marca.” Dave Richmond, Creative Director & Founder, R Design
“Estamos realmente orgullosos de nuestra nueva apariencia elegante, que refleja nuestra pasión por la marca. Es una parte fundamental de nuestra visión para transformar la experiencia de la belleza de las mujeres que quieren aumentar su belleza natural y para quien se preocupa por saber de dónde vienen sus cosméticos.” Vikki Khan, Founder, Lily Lolo
Lily Lolo cosmética mineral está creada con el 100% de ingredientes naturales y no contienen parabenos, oxicloruro de bismuto, tintes sintéticos, ni nano-partículas. No testados en animales.
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ILLUSTRATION Simon Prades es un ilustrador freelance que vive y trabaja en Saarbr端cken, Alemania. Queremos mostraros las ilustraciones que realiza a mano y que, posteriormente, retoca digitalmente. Todo un artista.
Simon también es profesor de Ilustración en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Trier, le encanta trabajar con medios convencionales, tales como tinta, lápiz, y acuarela. Una vez que está satisfecho con su trabajo, Simon utiliza Photoshop e Illustrator para agrega algunos toques finales. En los últimos años Simon ha trabajado con varios periódicos, revistas y empresas de renombre.
http://inspirationfeed.com http://www.simonprades.com/
TYPE Tien-Min es una diseñadora con sede en Nueva York centrada en el diseño gráfico y branding. Sus numerosos premios y sus impresionantes proyectos han llamado nuestra atención. Disfrutemos del complejo estudio del mundo tipográfico visto desde otra perspectiva.
Después de lograr su Licenciatura en Publicidad, ganó la Beca “The Ministry of Education” con la que avanzó en conocimientos en el Pratt Institute, para terminarlos definitivamente en 2013. Su proyecto de final de carrera fue publicado en diversas revistas y libros de diseño de gran prestigio en toda Asia. Os presentamos “Handmade Type”, el proyecto que Tien finalizó recientemente. Este experimento tipográfico explora las relaciones entre las letras mayúsculas y minúsculas, y también registra la transformación entre ellas. Todo a través de dibujos en sus propias manos.
“En este experimento, dibujé formas con tinta en una o ambas de mis manos, manipulaba con gestos la forma correspondiente para indicar una letra mayúscula. Luego, cambiando la perspectiva de cada imagen pude definir las minúsculas. La transición entre ellas se puede ver en el montaje final”. Tien-Min
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ART El art铆sta vietnamita Nguyen Hung Cuong, comenz贸 a jugar con papel a la edad de 5 a帽os, desde entonces se ha convertido en su obsesi贸n y estudia detenidamente cada pliegue en sus diferentes obras. Os introducimos algunas de sus mejores esculturas de papel.
Couong, suele inspirarse a travĂŠs de libros y revistas de naturaleza. Sus obras no dejan indiferente a nadie y consiguen acercarnos a un mundo entre lo imaginario y lo real.
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PHOTO Nuestro compañero Ignacio Jurado nos habla de las fotografías que unen los paisajes con un objeto en primer plano. Nos enseña a realizar composiciones atractivas y nos da ejemplos realmente inspiradores.
Si aprendemos a aplicarlo bien, nuestras fotografías pasarán a tener una mayor profundidad y conseguiremos que nuestro cerebro las interprete en tres dimensiones en vez de dos. Por ello os dejo algunos consejos para potenciarlo y conseguir que nuestras fotografías llamen la atención del espectador.
Lo primero que debemos saber es que la fotografía de paisaje requiere su tiempo y en ocasiones, debemos pararnos a pensar cuál puede ser la mejor composición y encuadre, y qué elementos debemos o no incluir, ya que nuestra cámara lo captará todo. Si fuésemos pintores sería más fácil, ya que si no quisiéramos que apareciera cualquier elemento o simplemente la composición no nos convenciera, con no pintarlo sería suficiente. Por tanto, como he comentado, hay que tener mucho ojo en lo que fotografiamos. A partir de aquí la práctica hará que nuestro ojo se habitúe y que esas fotografías que carecían de interés, llamen la atención. Lo siguiente será que ya sobre el terreno, observemos y tengamos en cuenta las líneas que conducirán nuestra mirada desde el primer plano hasta el fondo, como he comentado anteriormente obtendríamos así las tres dimensiones. El paso siguiente será obtener diferentes tonalidades y texturas para conseguir resaltar esos elementos que queremos destacar. En la ciudad podemos poner de ejemplo una bicicleta de primer plano o un banco de algún parque en mitad de la naturaleza; incluir como primer plano rocas o simplemente algún tronco de árbol. Existen infinidad de elementos que podemos incluir como primer plano e incluso, si conseguimos captar diferentes tonalidades frías y cálidas a la vez, aumentar el nivel de atención del espectador. Otro detalle a tener en cuenta ya que habitualmente queremos que nuestra fotografía este completamente nítida desde el primer plano hasta el infinito, es el saber aplicar la hiperfocal, que básicamente quiere decir lo siguiente:
La distancia hiperfocal es la distancia de enfoque en la que se consigue la mayor profundidad de campo, extendiéndose ésta desde la mitad de dicha distancia hasta el infinito. Enfocar en dicha distancia nos ayudará a obtener la máxima nitidez en nuestras fotos, por ejemplo, de paisajes. Podéis encontrar una aplicación para vuestro smatrphone llamada DOF CALCULATOR que os puede servir de ayuda para aplicarla. Y por último, según el objetivo que estemos utilizando, deberíamos saber en qué punto obtendremos mejor nitidez, ya que según el diafragma que usemos nuestra fotografía obtendrá mejor o peor resolución. Ahora ponemos algunos ejemplos que ponen en práctica los puntos comentados.
ŠCopyright. Imagen cedida por Fotolia.
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¿Quién no recuerda‘Los Picapiedra’?, esa serie de animación de la televisión estadounidense, que nos contaba las aventuras de dos familias vecinas de la Edad de Piedra. Si eres un fan acérrimo de esta aclamada serie y tienes unos 3,5 millones de dólares de sobra, esta casa, ubicada en Malibú, puede ser justo lo que necesitas. La casa pertenece a ‘Flinstone TV y Radio’ y la leyenda de la televisión Dick Clark, pero en estos momentos está a la venta. Esta casa de una sóla planta cuenta con amplias vistas del océano Pacífico, a las montañas y a la ciudad de Los Ángeles. Situada a sólo minutos de la playa, cuenta con una bodega, y las salas de estar y comedor tienen techos abovedados. Tan sólo tiene dos cuartos de baño y un dormitorio pero los tres espacios cuentan con más de 60 metros cuadrados. Al recorrerla te hará sentir como si fueras uno de los personajes de la familia Picapiedra. Esta residencia única se caracteriza por ser completamente de roca y unificar esa imagen de otra era con las enormes cristaleras de las mansiones más actuales. Un espacio sin desperdicio alguno.
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BRIEF FESTIVAL Los profesionales de la creación gráfica se dan cita del 2 al 4 octubre en el CA2M y online vía streaming para escuchar a creativos como Stephan Gessler, Sergio del Puerto, Cruz Novillo padre e hijo, Clara Montagut, Enrique Bonet, entre otros. Además, estas charlas se complementarán con talleres, proyecciones y un concurso, siendo gratuitas todas las actividades. Te contamos todo lo relacionado con esta esperadísima gran cita.
Acerca de Brief Festival: Brief Festival toma su nombre de un doble significado: el famoso creative brief, documento de base de tantos procesos creativos, y del sentido primero de la palabra inglesa brief, “breve”. Este doble sentido traduce la voluntad de sus creadores de fomentar nuevos procesos creativos gracias a un formato denso y directo, un condensado de inspiración. La idea nació en noviembre de 2013, al constatar que en Madrid no existía casi ningún evento de este tipo que se inscribiera dentro de una institución cultural, educativa y dedicada a la investigación. Casi un año después de que comenzara el proyecto se celebra la primera edición del festival. Lo mejor de la escena creativa española. Pepe Cruz Novillo, leyenda viva del diseño español, tantas veces premiado e invitado en festivales se concentrará sobre un aspecto muy original de su obra. Sergio del Puerto director creativo del estudio Serial Cut, Clara Montagut, directora artística de Esquire España, Enrique Bonet, escenógrafo de exposiciones, hará el nexo, con una masterclass, entre la creación gráfica y la museografía son algunos de los invitados. Si la programación de los talleres queda por completar con actividades sobre fotografía o encuadernación, sí se ha confirmado un taller sobre infografía que será impartido por Francesco Maria Furno y Pablo Galeano del estudio relajaelcoco. Por último, se proyectará el documental de Faythe Levine y Sam Macon Sign Painters. Te invitamos a conocer los avances en la programación y asistir al festival o tener acceso al streaming lo mejor es consultar la página web y apuntarse a la newsletter o seguir toda la información desde las redes sociales Facebook, Twitter o Google+.
La primera edición de Brief Festival, evento dedicado a la creación gráfica, tendrá lugar del 2 al 4 de octubre en el CA2M (Centro de Arte Dos de Mayo), uno de los centros de arte contemporáneo más avanzados de Europa creado en 2008 por la Comunidad de Madrid. Inspiration participa de lleno como Medio Colaborador, y os mantendremos informados de todo lo referente a este esperado evento. Stephan Gessler, primer participante internacional. Director de arte de El Gran Hotel Budapest, Malditos Bastardos, V de Vendetta, Anonymous y Hellboy, Stephan Gessler ha trabajado con algunos de los mejores directores de cine. Basado en Berlín, Gessler vendrá especialmente a Madrid para compartir su visión sobre la dirección de arte cinematográfica y su gran especialidad, el diseño escenográfico. A este maestro del cine se unirán otros 3 invitados extranjeros que se irán desvelando próximamente. Una programación ecléctica y gratuita. 8 conferencias, 3 talleres, 1 proyección y 1 concurso, así está configurado el programa de estos tres días de Brief Festival. Se abordarán casi todas las disciplinas de la creación gráfica, tipografía, ilustración, diseño gráfico, fotografía, motion graphics… Profesionales reconocidos de las artes compartirán pasiones, penas y alegrías con el público asistente y con los espectadores vía streaming. Tanto las conferencias, como los talleres y la proyección son totalmente gratuitos.
Más info en: http://brieffestival.com
TEN BY FOTOLIA
“Energy of Life”: humanidad vs. sociedad La obra creada por esta pareja de artistas “Energy of life” (“Energía vital”) plantea una reflexión sobre los seres humanos del futuro: sometidos, empaquetados y con su misma humanidad bajo amenaza. El dinero, el poder, y el individualismo han ido difuminando nuestros valores de forma paulatina. Poquito a poco, la carrera por el consumo masivo se ha ido convirtiendo en un modo de vida en el que “queremos tener, y no simplemente ser”, en palabras de Christophe. “Y esto nos aliena de nosotros mismos”. ¿Cómo puede evolucionar la humanidad de su entorno? Los artistas nos muestran su visión sobre el futuro de la humanidad como algo desnaturalizado y subyugado a una presión social constante. “Quisimos crear una metáfora sobre la forma en la que existimos como sociedad: empaquetados y encasillados, tanto física como mentalmente”, nos cuenta Mikel. Gradualmente han ido apareciendo unas cajas con las que reemplazar un corazón que se ha convertido en algo artificial y prefabricado. Pero aún así queda esperanza en el árbol de la vida, que simboliza los pulmones. “El árbol aparece bocabajo porque es como los bebés vienen al mundo”, nos duce Christophe. “Cabeza abajo y los pies hacia arriba, con el corazón sobre la cabeza.”
La pieza conjunta “Creando su propio futuro”, mezcla sentimiento, pasión y perfección técnica. Su obra conjunta “Creando su propio futuro” mezcla los trabajos de iluminación de Paré con la cuidada atención por el detalle de Campau. “Este tema relacionado con el futuro me hizo pensar en dar vida a un personaje extraordinario; abierto a interpretación y con el que nadie pueda identificarse”, explica Paré. Su pieza presenta una mujer con apariencia frágil, sentada en la tierra, emitiendo un poder increíble. Ella sabe que puede crear su futuro, y permite que fluya su creatividad, representada por la luz que sale de su mano. Su creatividad también representa su línea vital y su defensa contra el monótono mundo en el que se encuentra.
Christophe
Huet
SOBRE EL ARTISTA
P: ¿Qué tal fue la colaboración con el otro artista (puestas en común, idea, organización, comunicación…)? R: Muchas veces hay grandes limitaciones y tenemos que vérnoslas con ellas. Hemos hablado sobre el proyecto, y hemos tenido que encontrar la mejor solución para obtener el mejor resultado. A veces es difícil cuando tienes que compartir tu creación con gente que no tiene ninguna idea de cómo va tu trabajo. Pero no suele ocurrir muy a menudo.
P: ¿Cómo definirías tu estilo? R: Puede que alguna gente diga que tengo un estilo, pero para mí es difícil decirlo o definirlo. No tengo ninguna receta mágica. Simplemente me fijo en conseguir el equilibrio que la imagen necesita.
P: ¿Qué te inspira el tema propuesto? R: El futuro es un tema muy amplio, y no quería hacer ninguna imagen tipo “fin del mundo”. Prefería algo más sencillo. Así que imaginé cómo sería un retrato en el futuro. Este fue el punto de partida para Mikel y el proyecto.
P: ¿Cuáles son tus influencias? R: No tengo tiempo de ver la tele, ni de navegar por internet (salvo para investigar algún programa nuevo). Intento ir a exposiciones de manera regular. Viajo un montón. Toco el piano todos los días, y llevo practicando yoga desde hace mucho tiempo. Esas son mis principales influencias.
P: ¿Qué mensajes, emociones o ideas intentaste representar en tu obra? ¿Y cuál fue la motivación para esta elección? R: Como queríamos hacer un retrato, le propuse a Mikel alto tipo tatuaje de luz, o implante luminoso visible a través de la piel. Puede ser algo que veamos en un futuro… Era la principal idea creativa que teníamos antes de la sesión. Ni siquiera sabíamos cómo lo haríamos. Trabajamos y mejoramos la obra en tiempo real, dejando sitio a otras ideas y oportunidades que pudieran ir apareciendo. Mantener una zona de libertad creativa para cada uno era lo más importante para mí. Combiné la imagen de Mikel con otra de sus imágenes personales que me gustó para conseguir mi propia visión de la imagen. La idea de la caja roja dentro del cuerpo surge de una imagen que Mikel había tomado para su serie “B desert”. La puse en el retrato y me gustó la idea de que esa caja no perteneciera al cuerpo, mientras que el color rojo me recordaba al corazón. ¿Un corazón cuadrado? Sí, me gustaba esa idea; parece que uno intente poner a la gente en unas cajas que no se adaptan a ellos. Los seres humanos deberían tener unos valores universales por encima del dinero, el poder o las motivaciones egoístas… pero no es el caso, y quizás en el futuro será peor. La caja roja no encaja en los cuerpos por sus bordes angulosos… así que hay que luchar para mantener lo que nos define. Y el árbol de la vida en su interior, como unos pulmones, está puesto bocabajo porque es la forma en la que los bebés vienen al mundo: la cabeza hacia el suelo y los pies al cielo, con el corazón sobre la cabeza. Esta simbología es bastante fuerte, también. Y necesitamos mantener ese enalce entre la cabeza y el corazón (representado por el tatuaje de luz), para que puedan apoyarse uno al otro. Nunca uno sólo. Igual que nosotros necesitamos a los demás y los demás nos necesitan, la cabeza necesita al corazón y el corazón a la cabeza. Ese es el árbol de la energía vital.
P: ¿Te han influido tus orígenes y la cultura de tu país? ¿Cómo? R: A uno siempre le afecta la cultura de su país, su familia y sus amigos. Paracticar un deporte o tocar música de forma regular también puede ejercer una fuerte influencia en tu forma de pensar. Al menos así ha sido mi caso. P: En tu opinión, ¿qué cualidades debe tener un buen fotógrafo o diseñador? R: La principal característica para una actividad creativa es mantenerse abierto, con suficiente espacio en la cabeza para que puedan entrar cosas nuevas. Para fotógrafos, diseñadores, artistas digitales… uno debería trabajar por la imagen en sí, no por su ego. SOBRE LA OBRA TEN
P: ¿Por qué te uniste al proyecto TEN? R: Por la posibilidad de trabajar en un proyecto con un fotógrafo que no conocía, y que además es de otro país. La experiencia de compartir una creación siempre es estimulante. P: ¿Sueles trabajar con otra persona, como en este proyecto? R: Como principalmente trabajo en publicidad, la mayor parte del tiempo colaboro con directores de arte, y a veces con fotógrafos. Hay bastante gente que tiene que dar su visto bueno, así que siempre es un trabajo en equipo.
CUESTIONES TÉCNICAS
P: ¿Cuáles son tus herramientas favoritas (software, complementos…)? R: Photoshop, ¿pero tengo otra opción? Las curvas y tono/saturación, junto a las capas inteligentes son mis herramientas favoritas… Y las herramientas de Wacom también, claro. P: ¿Podrías describirnos tu forma de trabajar en un par de frases? R: Como he dicho antes, no hay ninguna receta mágica. Cada imagen tiene su propio potencial. Lo principal es comprender el propósito del proyecto, y entonces encontrar la mejor solución (fotografiar en un croma verde, hacer modelaje CGI, usar imágenes de archivo…) Discutimos todos los involucrados en el proyecto (director de arte, fotógrafo, cliente…) y así podemos empezar a trabajar en la imagen. P: ¿Has utilizado tus herramientas y sistema de trabajo habituales para TEN? R: Sí, ha sido algo diferente para TEN. No tuvimos que esperar para el OK del cliente. La otra diferencia es que Mikel y yo no nos conocíamos antes de la sesión, y no había un director de arte para hacer de puente entre Mikel, yo, y la idea. Estábamos más libres, pero a la vez tuvimos que encontrar nuestro sitio en el proceso de investigación creativa. ¡No es sencillo, pero sí un desafío!
P: ¿Puedes contarnos algunos trucos de tu obra, y las técnicas que has empleado en esta creación? R: Va a ser una decepción, pero no tengo ningún truco. ¡Y no es que me quiera guardar lo que sé sólo para mí! Me gusta trabajar en equipo y compartir… Pero uso Photoshop como todo el mundo. La mayor parte del tiempo trabajo con curvas y tono/saturación. A veces añado grano para unificar las diferentes imágenes (sobre todo al mezclar CGI, foto e imagen de archivo). Como he dicho, nada realmente especial. Lo más importante es tener cuidado con la luz cuando haces un montaje. Si la luz viene siempre de la misma dirección no tendrás ningún problema en hacer la que imagen funcione.
Mikel
Murazabal SOBRE EL ARTISTA P: ¿Podrías presentarte y contarnos algo sobre ti? R: Me llamo Mikel Muruzabal, y soy un fotógrafo especializado en moda, publicidad y arquitectura. También hago postproducción completa con CGI, e intento dejarme algo de tiempo libre entre mis tareas para desarrollar mis propios proyectos de moda y paisajismo. Ahora tengo 36 años, y llevo 5 como fotógrafo profesional. Estudié Arte y Diseño de Interiores, y había estado trabajando durante 10 años en una empresa de diseño de interiores. Ahora llevo mi propio estudio de fotografía en Pamplona, aunque suelo trabajar mucho también en Barcelona y fuera de España. Mis principales clientes son del mundo de la moda y la belleza, estudios de arquitectura, agencias de publicidad y algunas publicaciones, como AD Architectural Digest, Neo2 y C&C Magazine, en las que he conseguido que mis fotos estén en portada. Siempre presto mucha atención a la iluminación, la escenografía y la postproducción, intentando remarcar lo que considero que son mis puntos fuertes como fotógrafo. Hasta ahora he conseguido cinco premios nacionales de fotografía, y algunos de mis clientes son Ziiiro Watches, L’Oreal, AD Architectural Digest, Hairdreams, Alfaparf y otros. Desde que era un niño quise dedicarme a algo que diera algún sentido a mi vida. Para mí, la fotografía no es sólo un trabajo o un hobby: es una forma de entender el mundo, de comunicarme con otros y hacerles partícipes de mi visión. Soy un fotógrafo autodidacta. Sinceramente pienso que enseñarte a ti mismo te permite hacer las cosas de forma diferente. Estoy, con mucho esfuerzo y trabajo, te permite conseguir unas fotos diferentes, originales y personales. P: ¿Qué palabra te define mejor? R: En el futuro me he considerado un soñador, pero con el tiempo he pasado a considerarme pragmático… De cualquier manera, ¡siempre he sido un perfeccionista! P: ¿Cómo definirías tu estilo? R: Es complicado para mí definir mi propio estilo, porque intento no encasillarme. Intento hacer todo aquello que me gusta, pero los que me han estado siguiendo definen mi estilo como limpio, preciso e impactante. En mis últimos proyectos en intentado incluir más misterio en mis imágenes, y como siempre, experimentar con diferentes composiciones, iluminación, color, etc. buscando la autenticidad en lo artificioso de una imagen creada en un estudio.
P: ¿Cuáles son tus influencias? R: Siempre he encontrado inspiración en la arquitectura y en la representación de espacios y construcciones con diferentes perspectivas en un plano., pero también en el surrealismo y los cómics. Esas cosas, junto a mi pasión por el dibujo, marcaron mi propio estilo cuando empecé con la fotografía. Para mí, hacer fotos es como dibujar con una cámara, y Photoshop representa la pintura. También me gusta la forma de trabajar con la fotografía: es limpia, relativamente rápida, y puedes tratar temas completamente diferentes en un mismo días, ¡así que no puedes llegar a aburrirte! P: ¿Te han influido tus orígenes y la cultura de tu país? ¿Cómo? R: De hecho, sí. Todo lo que hemos vivido influye, para bien o para mal, en todo lo que hacemos en nuestra vida. Dónde vivimos, la familia, los amigos, tu barrio, los programas de TV que vemos, los libros o cómics que leemos, nuestros gustos en arte y cultura, política, economía… Todas esas cosas (aunque algunas más que otras) nos influyen, y es algo bueno, porque produce diversidad, algo con mucho valor en un mundo que tiende a la homogeneización… P: En tu opinión, ¿qué cualidades debe tener un buen fotógrafo o diseñador? R: Para mí un fotógrafo debe tener muchas cualidades diferentes. Debe ser observador, un cazador del mundo real; o bien un imaginador creador de mundos desde cero. Debe ser un fotógrafo de acción, siempre listo; o alguien más pausado y cerebral. O debe ser una mezcla de todos… Pero creo que todos los grandes fotógrafos tienen una serie de cosas en común: la necesidad de crear imágenes, y el conocimiento de la luz, el color y la composición; tienen técnicas impecables, o, al menos, ona que sirva para reforzar su estilo y su visión del mundo; y, sobre todo, tienen cosas que decir, diferentes puntos de vista que mostrar.
SOBRE LA OBRA TEN
CUESTIONES TÉCNICAS
P: ¿Por qué te uniste al proyecto TEN? R: Siempre he soñado con una oportunidad como esta. Es realmente asombroso ver la cantidad de fotógrafos tan increíbles que hay por ahí y que se hayan ido a fijar en mí… ¡Pero me alegro! Es algo realmente bueno, porque significa que, trabajando duro, no es necesario vivir en una gran ciudad para conseguir oportunidades para conseguir proyectos internacionales como este.
P: ¿Cuáles son tus herramientas favoritas (software, complementos…)? R: Tengo equipo Canon, aunque habitualmente alquilo cámaras Phase One. Si tuviera que quedarme sólo con una lente elegiría mi Canon 85mm 1.2, que he usado en la mayoría de mis trabajos. Para la iluminación, aunque intento usar luz natural en mis fotos de arquitectura, prefiero el uso del flash en moda y publicidad, porque no es una luz normal y, bien usada, puede convertirse en un escape del mundo normal. En estudio tengo varios flashes, con modificadores, y un fresnel o un beauty dish como luces principales, a veces uso un paraguas gigante (que otras veces uso como reflector de relleno), o una parrilla… Y para el resto (luces de efectos, contraluces…) uso reflectores normales, siendo los blancos y dorados mis favoritos…
P: ¿Sueles trabajar con otra persona, como en este proyecto? R: Esta ha sido mi primera vez, y he aprendido un montón de cosas sobre el trabajo en equipo. He disfrutado un montón la experiencia. P: ¿Qué tal fue la colaboración con el otro artista (puestas en común, idea, organización, comunicación…)? R: Aunque al principio estábamos bastante lejos uno del otro, discutimos algunas ideas e intercambiamos bocetos por email, y cuando viajé a París para la sesión de fotos tuvimos una idea de dónde empezar y hacia dónde ir. P: ¿Qué te inspira el tema propuesto? R: El “futuro” es un lugar en el que cualquier cosa podría pasar, porque aún no ha pasado; aún así, es bastante fácil caer en los mismos clichés de siempre. Los primeros bocetos que realizamos representaban situaciones más o menos típicas, pero todas con un giro humorístico. Pero al final, la mezcla de nuestras percepciones sobre el proyecto, junto a las imágenes de la sesión de fotos nos hicieron llegar a esa especie de metáfora visual.
P: ¿Podrías describirnos tu forma de trabajar en un par de frases? R: Bueno, creo que mi forma de trabajar no tiene nada de especial. Si es un trabajo de estudio, por ejemplo, suelo usar bocetos y diagramas simples, así me imagino cómo quedaría la imagen y qué voy a necesitar antes de empezar la sesión. Hablo con los modelos que vayan a participar, les cuento sobre el proyecto y les muestro los bocetos, para que se entusiasmen con la idea, pero sin profundizar demasiado para evitar que tengan demasiada información, y evitar que tengan dudas. A continuación reparo la escenografía, fondos y materiales necesitados… esta fase me encanta, porque consiste en construir algo que sólo existía en tu imaginación, y también me permite jugar con formas, colores, composición y luz. El día de la sesión hacemos algunas pruebas de luz, y empiezo a hacer fotos. Y ya viene la segunda parte del trabajo, que es la postproducción. Cuando empiezo un trabajo me gusta empezarlo y no dejarlo hasta que no lo he terminado; de esta forma resulto más productivo y hago un mejor trabajo. P: ¿Has utilizado tus herramientas y sistema de trabajo habituales para TEN? R: Mi forma de trabajar no ha variado mucho, salvo por que sólo he hecho la sesión de fotos y no me he ocupado de la postproducción, así que ha sido muy importante hablar con Christophe y tener las cosas claras antes de empezar con las fotos para saber qué necesitaba él para postproducción.
Los compa単eros de Pacmac nos cuentan todo acerca de Pay, el nuevo sistema de pago inteligente de Apple presentado en la pasada Keynote.
RÁPIDO, SEGURO Y PRIVADO Con estas tres simples palabras se ha definido diversas veces durante la Keynote el nuevo sistema de pagos de Apple, Apple Pay. Con este nuevo método de pago, se ha terminado la odisea de sacar la cartera, coger la tarjeta, etc. con todas las compras colgando de los brazos.
¿Cómo funciona? Como os íbamos contando, con Apple Pay va a ser más sencillo que nunca pagar con nuestras tarjetas de crédito en establecimientos físicos. Lo único que tendremos que hacer será acercar nuestro iPhone al lector NFC y autorizar el pago mediante Touch ID. Pero la cosa no se queda ahí, ya que si tenemos la suerte de poseer el nuevo y flamante Apple Watch no nos hará ni falta sacar nuestro iPhone del bolsillo, será suficiente con autorizar el pago mediante un doble click sobre el botón situado debajo de la rueda del dispositivo. Además, este nuevo sistema de pago no sólo nos permitirá pagar en establecimiento físicos si no que también nos permitirá realizar pagos en apps compatibles con Apple Pay de una forma muy sencilla. Solo tendremos que hacer click encima del botón de Apple Pay y posteriormente autorizar el pago mediante Touch ID. Lo dicho, más sencillo imposible.
¿Cómo se configura? La configuración es tan o más sencilla aún si cabe que la forma de pago. Las tarjetas serán almacenadas mediante la ya conocida aplicación Passbook. Añadir tarjetas a Passbook será muy sencillo, ya que podremos añadir la tarjeta que tengamos establecida en nuestra cuenta de iTunes introduciendo únicamente el código de seguridad de la tarjeta. Si posteriormente queremos añadir más tarjetas, lo podremos hacer de dos formas, o bien poniendo los datos de forma manual o bien utilizando la cámara de nuestro iPhone para que la app sea capaz de recopilar los datos directamente desde la foto. Cabe añadir que la primera tarjeta que añadamos será considerada la tarjeta de pago por defecto, aunque eso es algo que podremos modificar a nuestro antojo desde los Ajustes del iPhone.
Seguridad y privacidad Cuando pagamos con nuestra tarjeta de crédito, los datos de la tarjeta, como pueden ser el número de la tarjeta o nuestro nombre, son visibles para cualquier persona que tengamos a nuestro alrededor. Eso se ha terminado con Apple Pay. Además Apple asegura que nuestros datos quedan encriptados y almacenados en un chip de seguridad específico llamado “Secure Element”, de tal forma que ni nuestros datos ni nuestras transacciones económicas serán almacenadas nunca en los servidores de Apple. Otro elemento de seguridad a destacar es que desde la aplicación Buscar mi iPhone será posible inhabilitar los pagos con las tarjetas en caso de robo o pérdida del dispositivo.
Disponibilidad Por ahora, como es de costumbre en el lanzamiento de servicios de Apple, solo estará disponible en Estados Unidos, aunque esperemos que el sistema de pago progrese lo más rápido posible y que llegue cuanto antes también a nuestro país. Por otro lado, se nota que Apple ha hecho los deberes antes de presentar su nuevo servicio de pagos ya que ya cuenta con el apoyo de muchos de los grandes bancos de Estados Unidos además de haberse asegurado que su servicio funciona con las principales marcas de pago a nivel mundial, como son VISA, MasterCard y American Express. Apple también ha conseguido al apoyo de grandes empresas para que se acepte su nuevo método de pago, entre ellas destacan Nike y McDonalds.
Más en: http://pacmac.es/
La geometría del diseño Estudios sobre la proporción y la composición Kimberly Elam ¿Qué tienen en común el Escarabajo de Volkswagen, la casa Farnsworth de Mies van der Rohe, los carteles de Cassandre, el grabado Tauromaquia 20 de Goya y la catedral de Notre Dame? La comprensión profunda de los sistemas de proporción que refleja su diseño. Algunas ideas excelentes fracasan en su ejecución porque el diseñador no comprende adecuadamente los principios visuales de la composición geométrica. Este libro pretende explicar dichos principios de manera visual a través de un esclarecedor repaso de los sistemas de proporción clásicos (como la sección áurea y la secuencia Fibonacci, los rectángulos raíz, las ratios, la interrelación de las formas o las líneas reguladoras), y por medio del análisis pormenorizado de 40 diseños de carteles, objetos y edificios cuyo agudo sentido de la proporción ha legitimado el paso del tiempo.
INSPIRATION OPINA: Sinceramente, hemos disfrutado mucho con este interesante y completo libro. El análisis del mundo del diseño desde un punto de vista geométrico hace de él una de las mejores obras de las que hemos disfrutado. Descubrimos como, casi sin darnos cuenta, la geometría está presente en nuestra vida diaria y en cada nuevo proyecto que emprendemos. PVP: 25,00 euros.
Moda ética para un futuro sostenible Elena Salcedo Minimizar mermas, alargar la vida de la prenda, aprovisionarse de tejidos de menor impacto, atender a las certificaciones de las materias primas, asegurar condiciones laborales dignas, upcycling... En el día a día del trabajo en la industria de la moda entran en juego un sinfín de procesos y decisiones donde es posible posicionarse y apostar por el nuevo paradigma del desarrollo sostenible. Partiendo de un análisis en profundidad de los impactos de la moda convencional, este libro explora los retos de la moda más sostenible e invita al lector a viajar alrededor del mundo para conocer inspiradoras iniciativas que pueden ayudar a abordar este cambio de paradigma tan necesario. Tomando el ciclo de vida del producto como hilo conductor, Elena Salcedo presenta una introducción rigurosa y accesible a la cuestión de la sostenibilidad en la industria de la moda, y ofrece un amplio y práctico repaso de las distintas opciones disponibles sobre materiales, procesos de manufactura, sistemas de logística, distribución y gestión del fin de vida del producto para apostar por la sostenibilidad dentro del sistema moda. En definitiva, una guía práctica y completa, llena de conceptos, recursos, personajes y estimulantes iniciativas, que invita a abrazar el cambio hacia la moda con sentido. Incluye un prólogo de Sybilla, diseñadora comprometida desde hace años con la moda sostenible.
INSPIRATION OPINA: Un nuevo volumen de la colección GGmoda. Si vuestra profesión es la moda, no podéis dejar escapar este nuevo ejemplar. La unión de sostenibilidad y actualidad dentro de este mundo lo hace indispensable. PVP: 20,00 euros.