Robert Gebethner (ur. 1950 r., Warszawa) ukończył wydział malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie. Dyplom z malarstwa obronił w 1975 roku w pracowni prof. Jonasza Sterna, a z malarstwa ściennego w pracowni prof. Janiny Krauppe-Świderskiej. W latach 1976–77 i 1980 był stypendystą Ministerstwa Kultury i Sztuki. W 2006 roku otrzymał odznakę honorową „Zasłużony dla Kultury Polskiej”. Zajmuje się malarstwem, rysunkiem i ilustracją. Jest współzałożycielem grupy twórczej „Bok wyspy”. Jego prace znajdują się w kolekcjach prywatnych w kraju i za granicą. Brał udział w kilkudziesięciu wystawach krajowych i zagranicznych: 1975 – Wystawa indywidualna, Galeria „Rytm”, Kraków, 1976 – Wystawa pokonkursowa „Portret Współczesny”, Galeria „Pryzmat”, Kraków, 1976 – Wystawa indywidualna, KMPiK, Toruń, 1976 – VII Festiwal Polskiego Malarstwa Współczesnego, Szczecin, BWA, 1976 – Wystawa Koła Młodych ZPAP, Galeria MDM, Warszawa, 1977 – Wystawa „Absolwenci”, Galeria BWA, Kraków, 1977 – Wystawa Koła Młodych ZPAP, Galeria MDM,Warszawa,1977–Pierwszawystawagrupy„BokWyspy”, Galeria MDM, Warszawa, 1977 – Wystawa „Ze zbiorów SBWA”, Galeria MDM, Warszawa, 1978 – Wystawa prac „Bok Wyspy”, Galeria Bałucka, Łódź, 1978 – XXXI Festiwal Sztuk Plastycznych, Galeria BWA, Sopot, 1978 – VII Festiwal Sztuk Pięknych, Zachęta, Warszawa, 1978 – Wystawa prac
grupy „Bok Wyspy”, Galeria MDM, Warszawa, 1978 – XXXII Festiwal Sztuk Plastyczny „Porównania 8”, Sopot, 1979 – Wystawa „Ze zbiorów SBWA”, Galeria MDM, Warszawa, 1980 – Wystawa prac grupy „Bok Wyspy”, Teatr Wybrzeże, Gdańsk, 1980 – XXXIII Festiwal Sztuk Plastycznych, Galeria BWA, Sopot, 1980 – XIV Wystawa Związku Polskich Artystów Plastyków, Zachęta, Warszawa 1980 – „Bok Wyspy 80”, Dom Artysty Plastyka, Warszawa, 1983 – Wystawa indywidualna, pracownia artysty, Warszawa, 1991 – International Art. Exhibition John F. Kennedy Center for the Performing Arts w Waszyngtonie, 1991 – “Findziński, Gebethner, Śniechórski”, Muzeum Diecezjalne, Lublin, 1992 – Wystawa indywidualna, Galeria Prezydenta Warszawy, Warszawa, 1994 – „Findziński, Gebethner, Lilpop, Śniechórski”, Galeria Sceny Kameralnej Teatru Polskiego, Warszawa, 1995 – „Bok Wyspy 1995”, Dom Artysty Plastyka, Galeria ZPAP, Warszawa, 1995 – Warszawski Miesiąc Malarstwa, Dom Artysty Plastyka, Galeria ZPAP, Warszawa, 1995 – Wystawa indywidualna Galerii Stallen, Fredrikstad, Norwegia, 1997 – Warszawski Miesiąc Malarstwa, Dom Artysty Plastyka, Galeria ZPAP, Warszawa, 1998 – Sztuka Seks Polityka, Wystawa Malarstwa, Galeria ArtNowa – Katowice, 1998 – Rysunek’ 98, Dom Artysty Plastyka, Galeria Lufcik, Warszawa, 2000 – Wars 2000- Galeria Południowa, Zamek Książąt Pomorskich, Szczecin, 2001/02 – L’art. Polonais Contemporain-Clemont-Frrand, Francja, 2002 – „Ile Tradycji Ile Nowości”, wystawa sekcji grafiki okręgu warszawskiego ZPAP, Galeria Lufcik, Warszawa, 2002 – Wystawa grupy „Bok Wyspy 25” jubileuszowa, Galeria Test, Warszawa, 2004 – Wystawa indywidualna, Galeria Test, 2011 – Wystawa indywidualna, Galeria Schody.
Wszystkie prace >
Twórczość Roberta Gebethnera jest bez wątpienia zjawiskiem niezwykle oryginalnym, wymykającym się jednoznacznej klasyfikacji i znajdującym się poza głównymi nurtami w sztuce. Obrazy Artysty to z jednej strony groteskowe wizje, których główne źródło stanowi niczym nieograniczona wyobraźnia, z drugiej natomiast mocne uderzenie codzienności. Nie chodzi tu wyłącznie o realistyczny sposób ukazywania ludzkiego ciała, dalekiego od kryteriów ogólnie przyjętego kanonu piękna, ale też o egzystencjalny charakter tej twórczości. Przedstawione postacie są nagie nie tylko fizycznie, lecz również duchowo. Jednocześnie Artysta nie występuję w roli moralizatora. Jego sztuka nie stara się negować pewnych ludzkich zachowań. Nie jest to również dosłowna ilustracja określonych grup, ani odstępstw od przyjętych norm społecznych. Sam Gebethner często jest bohaterem swoich obrazów, stając się elementem skomplikowanej układanki fabularnej tych prac. Nie ma tutaj granicy między umownymi motywami, funkcjonującymi w świadomości kulturowej ludzi i codziennymi widokami mijanymi na ulicy. Sceny religijne, historyczne wydarzają się obok tych zwyczajnych – w stłoczonym tłumie postaci na podwórku, w miejscach, które mogą znajdować się właściwie wszędzie. Artysta nie boi się sięgać po te motywy i bawić się nimi za pomocą świadomie konstruowanej metafory. Te nieoczywiste połączenia nie mogą istnieć w realnym świecie, ale zostają ożywione przez sztukę. Budzą w odbiorcy skrajne uczucia – poprzez ironiczny charakter mogą bawić. Z drugiej strony, są one często społecznym kontekstem, który w pewnym sensie niepokoi, a na pewno zmusza do refleksji. Nie chodzi tu wyłącznie o połączenie konkretnych scen, ale również o charakterystyczne dla groteski zestawienie realistycznych postaci z dziwnymi tworami zwierzęco-ludzkich sylwetek, zespolonymi często z otaczającymi je elementami tła. Mnogość motywów pojawiających się w pracach Roberta Gebethnera to właściwie temat rzeka. On sam wielokrotnie powraca do pewnych tematów, poszukując dla nich najlepszych form prezentacji. Obrazy te mogą niekiedy wręcz szokować – jednak nie jest to cel sam w sobie, a jedynie punkt wyjścia dla głębszej refleksji na temat ludzkiej egzystencji. W prezentowanych obrazach widoczny jest pewien przepych, natłok spraw, rzeczy, zjawisk i postaci. Główny motyw każdego obrazu nigdy
nie jest podany wprost. Bywa przesłonięty, umieszczony gdzieś w tle lub nawet całkowicie ukryty. Dopiero jako element szerszej całości nabiera nowego znaczenia, niezależnie od tego czy są to ludzkie emocje, często niedostrzegane na pierwszy rzut oka; rzeczy martwe, zapomniane wśród natłoku mniej lub bardziej znaczących spraw ludzkich; czy też zapis chwili, widoczny tylko dla szczególnie uważnego odbiorcy. Tomasz Koclęga od lat konsekwentnie poszukuje nowych form w zakresie sztuki figuratywnej. Inspiruje Go obserwacja drugiego człowieka – skupiająca się nie na analizie zewnętrznych cech jednostki, ale ludzkich zachowań, emocji i pragnień. Poprzez charakterystyczną deformację i dynamikę kompozycji Artyście udaje się tworzyć prace w specyficznym, rozpoznawalnym stylu. Rzeźby te nigdy nie są statyczne. Postaci znajdują się w ciągłym ruchu. Dodatkowej dynamiki dodaje również sposób opracowania samej powierzchni. Płasko-wypukła wibrująca faktura sprawia, że dzięki grze światła i cienia da się niemal odczuć siłę napiętych mięśni. Jest to historia o samotnej walce jednostki w dążeniu do celu. Postaci pną się ku górze i pomimo że celem nie jest realistyczne odzwierciedlenie cech ciała ludzkiego, to w napiętych kończynach i niekiedy wręcz nienaturalnych pozach czuje się wysiłek włożony w działanie. Uproszczenia stosowane przez Artystę sprawiają, że bohaterowie są postaciami uniwersalnymi. Nic nie sugeruje odbiorcy ich wieku czy płci. Pozbawione twarzy głowy sprawiają, że skupiamy się wyłącznie na ogólnym wyrazie rzeźby, rzeźby która stanowi metaforę ludzkiej kondycji psychicznej i ludzkich dążeń. To w pozie i geście zawarte jest znaczeniowe sedno. Tomaszowi Koclędze udaje się doskonale posługiwać uniwersalnym językiem sztuki, a dowodem na to jest fakt, że ta uniwersalna twórczość jest doceniana wszędzie tam, gdzie odbiorca ma możliwość ją poznać. Artysta poprzez swoje rzeźby opowiada historie o człowieku, jego słabościach, troskach, lękach, ale i o sile. Wiotkie, wydłużone ciała, wertykalny układ kompozycji, kontrast pomiędzy niedoskonałą sylwetką człowieka i gładką powierzchnią szkła, jak również fakt, że postaci te właściwe zawsze występują samotnie, to symbole odwiecznej wewnętrznej walki jednostki dążącej do osiągania założonych celów. Paulina Świerczyńska-Brzezińska
1. Smutek, 2016, 81 × 116 cm, olej/płótno, cena: 3 400 zł
link do strony >
2. Rozpacz, 2015, 70 × 100 cm, olej/płótno, cena: 3 400 zł
link do strony >
3. W podróży, 2019, 90 × 110 cm, olej/płótno, cena: 6 700 zł
link do strony >
4. Zawsze gotowi, 2019, 90 × 110 cm, olej/płótno, cena: 6 700 zł
link do strony >
5. Piotrek w samolocie, 2019, 90 × 110 cm, olej/płótno, cena: 6 700 zł
link do strony >
6. Senne strachy, 2019, 90 × 110 cm, olej/płótno, cena: 6 700 zł
link do strony >
7. Chaos, 2020, 90 × 110 cm, olej/płótno, cena: 6 700 zł
link do strony >
8. Trzy gracje, 2019, 90 × 110 cm, olej/płótno, cena: 6 700 zł
link do strony >
9. Narodziny, 2020, 91 × 110 cm, olej/płótno, cena: 6 700 zł
link do strony >
10. W pociągu, 2020, 81 × 116 cm, olej/płótno, cena: 6 700 zł
link do strony >
11. Robal, 2020, 91 × 110 cm, olej/płótno, cena: 6 700 zł
link do strony >
12. Małpiszon, 2020, 90 × 110 cm, olej/płótno, cena: 6 700 zł
link do strony >
13. Oczekiwanie, 2021, 91 × 110 cm, olej/płótno, cena: 6 700 zł
link do strony >
14. Zapasy, 2021, 91 × 110 cm, olej/płótno, cena: 6 700 zł
link do strony >
15. Autoportret w zarazie, 2021, 91 × 110 cm, olej/płótno, cena: 6 700 zł
link do strony >
16. Czerwony samochodzik, 2021, 91 × 110 cm, olej/płótno, cena: 6 700 zł
link do strony >
17. Suwmiarka, 2021, 91 × 110 cm, olej/płótno, cena: 6 700 zł
link do strony >
Tomasz Koclęga (ur. 1968 r.) w 1993 r. ukończył Akademię Sztuk Pięknych w Krakowie. Pracuje w Akademii Sztuk Pięknych w Katowicach. Wykładał także na zagranicznych uczelniach w Finlandii, USA i Czechach. Uprawia rzeźbę figuratywną. Posiada w swym dorobku rzeźby monumentalne, zainstalowane na stałe w przestrzeniach publicznych na trzech kontynentach. Eksponowane one są między innymi w Saint Louise (USA), New Delhi, Czandigharze (Indie), Wilnie (Litwa), Zlinie (Rep. Czeska) oraz Bytomiu, Rybniku, Katowicach. W grudniu 2020 roku, wNewDelhi,zostałazainstalowananajnowsza,monumentalna praca artysty pt. “Inner Balance”. Rzeźba o wymiarach 7 × 10 × 8 m, odlana z 6,5 t brązu, jest w chwili obecnej jego największym dziełem. Twórczość Tomasza Koclęgi skupiona jest na naturze człowieka z jej pragnieniami, emocjami, możliwościami i marzeniami. Ta fascynacja wyznacza obszar jego twórczości, wyrażającej się przede wszystkim rzeźbą figuratywną. Doskonałe wyczucie formy umożliwia widzom zgłębianie i odkrywanie prawdy o człowieku. Treść emocjonalna i intelektualna jest skondensowana w zdeformowanych ciałach ludzkich, których ciche gesty stają się alfabetem wyrażania uniwersalnych wartości. Koclęga prezentował swoje prace na ponad 50 wystawach indywidualnych oraz ponad 100 zbiorowych wielu krajach, np. w USA, Japonii, Indiach, Chinach, Wielkiej Brytanii, Francji, Rosji, Belgii,
Niemczech, Indonezji, Hong Kongu, Tajwanie, Austrii, Finlandii, Włoszech, Słowacji, Czechach i wielu polskich miastach. Jest liderem i twórcą grupy artystycznej Snow Art Poland, rzeźbiącej w śniegu. Wraz z grupą otrzymał liczne nagrody na największych i najważniejszych międzynarodowych konkursach rzeźby w śniegu: The Bronze Award w Harbinie, Chiny (2015); The Best Craetivity Award w Harbinie, Chiny (dwukrotnie: 2014 i 2016); The Fourth Prize w Sapporo, Japonia (dwukrotnie: 2015, 2017); Award of Nayoro City w Nayoro, Japonia (2016) oraz The Audience Award w Krasnojarsku, Rosja (2017). Regularnie bierze udział w międzynarodowych targach sztuki, prezentując swe rzeźby głównie na rynkach azjatyckich, w Korei Połud. Taiwanie, Hong Kongu, Indonezji i Indiach. Współpracuje z biurami projektowymi w Indiach oraz licznymi galeriami sztuki, między innymi z Seulu, New Delhi, Hong Kongu, Warszawy, Wrocławia, Poznania, Krakowa. Prace Koclęgi znajdują się w wielu kolekcjach sztuki na całym świecie – np w USA, Korei Południowej, Taiwanie, Chinach, Hong Kongu, Indonesji, Japonii, Indiach, Libanie, Francji, Luxemburgu, Niemieczech, Czechach, Słowacji, Austrii, Belgii, Holandii oraz w Polsce.
Wszystkie prace >
”Kształty doskonałe” Przedstawiony na wystawie wybór nowych rzeźb łączy wspólny mianownik – szklana kula. Rzeźby z tym atrybutem, o bardzo pojemnym, a zarazem uniwersalnym i szeroko zrozumiałym znaczeniu symbolicznym, są kontynuacją wcześniejszych prac, gdzie moje figuratywne formy zestawiam z elementami z innych materiałów. Zestawienie rzeźb z brązu ze szkłem, złotem czy kamieniem wraz z dynamiczną kompozycją, jest charakterystyczne dla moich prac. Kształty doskonałe, takie jak kula, koło czy sześcian inspirują mnie w dwójnasób. Po pierwsze widzę w nich pewne analogie z ludźmi, ale nie dosłowne... Mam tutaj na myśli ludzkie dążenie do doskonałości, jako pewnego rodzaju stan umysłu... potrzebę rozwoju i próby jego realizacji. Z drugiej strony jesteśmy tylko ludźmi, ideał o ile udaje się nam osiągnąć, to nie trwa wiecznie... Z drugiej strony kształty idealne interesują mnie jako forma, zwłaszcza w zderzeniu z formą ludzkich ciał. W tym drugim przypadku, interesują mnie one jako przeciwieństwo form ludzkich. Moje rzeźby są powyginane, przyjmują nienaturalne pozy, są przerysowane, są też czasami zdeformowane. Zawsze jednak staram się aby były unikalne, niepowtarzalne... żadna praca nie jest kopią innej... W zderzeniu z kulą, czy kołem, oprócz symboliki ich samych, buduje to również ciekawą relację form. Ludzkiej, indywidualnej, niepowtarzalnej – czasem może nawet ułomnej versus forma doskonała, perfekcyjna... Tomasz Koclęga
18. Bonum Latebat, 2021, ed. 2/4, 97 × 23 × 44 cm, brąz/szkło, cena: 13 000 zł
link do strony >
19. Conatum Statera, 2021, ed. 2/4, 87 × 50 × 47 cm, brąz/szkło, cena: 15 000 zł
link do strony >
20. Consequi Stater, 2021, ed. 2/4, 93 × 30 × 26 cm, brąz/szkło, cena: 12 000 zł
link do strony >
21. Fragili Perfectum, 2020, ed. 3/4, 120 × 60 × 50 cm, brąz/szkło, cena: 34 000 zł
link do strony >
22. Onus Rationum Idealium, 2021, ed. 1/6, 68 × 28 × 28 cm, brąz/szkło, cena: 10 000 zł
link do strony >
23. Manifestatio Specimen, 2021, ed. 4/4, 90 × 55 × 40 cm, brąz/szkło, cena: 13 000 zł
link do strony >
24. Pervenire Impossibile, 2021, ed. 1/4, 73 × 25 × 30 cm, brąz/szkło, cena: 9 000 zł
link do strony >
25. Specimen Pondus, 2020, ed. 3/10, 36 × 18 × 20 cm, brąz/szkło, cena: 4 500 zł
link do strony >
26. Practicing Nobis Errores, 2020, ed. 3/6, 43 × 41 × 28 cm, brąz/szkło, cena: 6 000 zł
link do strony >
27. Servatione Statera, 2021, ed. 1/4, 91 × 37 × 32 cm, brąz/szkło, cena: 14 000 zł
link do strony >
28. Tenentes Bonum, 2019, ed. 3/10, 44 × 25 × 23 cm, brąz/szkło, cena: 4 500 zł
link do strony >
adres:
telefon:
strona internetowa:
ul. Piękna 62/64
+ 48 690 431 336
www.101projekt.pl
00–672 Warszawa
+ 48 882 022 604
godziny otwarcia:
e-mail:
pon. — pt. 11.00 — 19.00
galeria@101projekt.pl
sob. 11.00 — 15.00