El silencio restituye su presa
E
tal vez, squilo Por Antonio Ferreiro |
S
ección artes
e cénicas
Entrevista a Romina Paesani
Romina Paesani es profesora de Actuación, Taller de Teatro para Danza y Expresión Corporal y Teatro de Objetos en segundo año de la Escuela Gilberto Mesa de Junín. Cuenta que ni bien terminó el secundario en la ciudad de Vedia, vino a Junín a estudiar alguna de las dos cosas en las cuales se destacaba: el dibujo y la actuación.
Desde chica empecé a dibujar y a actuar en un grupo llamado Teatro Vedia, ensayábamos todo el año para luego presentarnos en el Cine Teatro de Vedia al cual iba todo el pueblo. ¡Era magnífico!” -resalta con emoción. “Tomé el colectivo y vine a ver qué había. Primero me mandaron a la Escuela de Teatro y después a la Escuela de Arte (Xul Solar), pero como tenían los mismos horarios tuve que optar. Como para mí dibujar es como respirar, comencé en la Escuela de Arte con el objetivo de terminar y hacer teatro sí o sí. Las opciones que tenía eran Diseño Gráfico o Artes Plásticas, elegí la primera porque no quería ser docente como mi mamá, pero cuando me recibí y comencé a trabajar no me llevaba bien con cobrarle a la gente y trabajar con la computadora, me gustaba hacer todo a mano”.
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Comencé a trabajar de mosa para pagarme la carrera de teatro, por lo general trabajaba todas las vacaciones para mantenerme todo el año y mis padres me mandaban encomiendas con comida. Primero me pagaban con mucho esfuerzo el alquiler y después empecé a trabajar haciendo encuestas en Molinos Río de La Plata, recorría almacenes y kioscos en bicicleta, así conocí Junín.
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En la escuela conocí al profesor Carlos Lagos, para mí fue el quien cambió la historia del teatro en Junín. Después tuve a casi todos los profesores que ahora son mis compañeros. Mientras estaba estudiando empecé a formar parte del grupo La Fábrica que era un grupo de teatro independiente que funcionaba en calle Tedín en una antigua fábrica de cerveza. Horacio Alonso fue la única persona que encontré que dibujaba mejor que yo. Empezamos a trabajar juntos y no podíamos parar, dibujábamos en el mismo papel y nadie podía notar quién había hecho las líneas ni quién las había pintado. Una experiencia extraordinaria, algo muy difícil de lograr, a ninguno de los dos nos había pasado algo igual antes. Estudiar teatro es complicado. Me pasó que cuando estudiaba iba viendo muchas cosas sueltas y no podía articularlas, pero luego sucedió algo mágico: cuando terminé la escuela y empecé a trabajar pude conseguir librosde teóricos del teatro importantes y fui capaz de articularlo con todo lo que había visto como alumna en forma fragmentada; es ahí donde te cae la ficha de todo lo que vos ya sabías.
Empecé a trabajar en escuelas primarias, viajaba a dedo a Rojas 3 veces por semana, después salieron horas en la escuela (de teatro) y me incentivaron para que las tome. Me daba mucho temor, no me animaba al nivel terciario; dos días antes de comenzar no dormí -cuenta entre risas-. Después fui y desde el primer día fue maravilloso. Si me sacan la Escuela de Teatro no se qué haría, es una de las cosas más importantes que tengo en la vida... el día antes de ir a trabajar ya estoy contenta. La Escuela Secundaria n°13, ubicada frente a Plaza Alem, eligió la orientación en Artística, y justamente allí presentamos una obra llamada Estupeed – Factos, que trata de la dictadura y de los desaparecidos de Junín. Este año queremos concretar la presentación en ese lugar de la obra Infección en la Cajita Negra -realizada por los alumnos de segundo año-, charlar con los chicos del secundario acerca del teatro, discutir la obra e invitarlos a participar. Para definir la obra que vamos a trabajar durante el año empezamos con diferentes ejercicios y ellos van adquiriendo un personaje. Primero son los actores, los que les pasa entre ellos, la forma de caminar, la voz que encuentran, los vínculos que se producen. A través de improvisaciones va surgiendo un núcleo, un pequeño conflicto, una situación que desarrollo al escribir el guión que luego leeremos y comenzaremos a ensayar. Por eso es tan rico todo lo que construyen antes, porque cuando vas a la obra ya tenés casi todo hecho. El trabajo previo sirve como base fundamental, luego se potencia con la puesta en escena. ¿Qué les dirías a quienes están en dudas de elegir una carrera?
“Que piensen en lo que los va a hacer felices”.
Maquillaje
¿para qué?
Por Laura Franco |
La historia del maquillaje es casi tan antigua como la humanidad. Los egipcios lo registraron en sus jeroglíficos, sabemos sus formulas y podemos entender su ideal de belleza mirando el busto policromado de la Reina Nefertiti... Khol, albayalde, lapizlasuli,... En Oriente, también encontramos referencias a formas y productos desde hace 3500 años.
kohl: cosmético a base de hollín y otros ingredientes, usado para oscurecer los párpados y como máscara de ojos. Puede ser negro o gris, dependiendo de las mezclas utilizadas. albayalde: carbonato de plomo, sólido, de color blanco y aspecto lechoso. lapislázuli: gema de característico color azul, muy apreciada en joyería desde la antigüedad, utilizada en máscaras, ornamentación y decoración.
Pero ¿cuál es el origen? Podemos especular... Los pueblos originarios se sirven de esta forma de pintura para vincularse con lo trascendental y totémico. El arte es un medio para conectarse con lo vital y quien lo ejecuta es un chamán, un hombre iniciado en los misterios, conocedor de lo que escapa al saber del hombre común, de las fuerzas que subyacen en cada color en cada símbolo, y que se invocan en un determinado momento, nunca porque sí, nunca innecesariamente.
El maquillaje... ...comunica un determinado momento de la vida de quien lo luce; a propósito de ello podemos decir que los egipcios se rapaban la totalidad de la cabeza cuando llegaban a la madurez -entendida ésta como salida de la infancia-. Asimismo, representa un momento de la cosmogonía de un pueblo y sirve como protección contra los espíritus que dañan o enferman; tal es la valoración dada por los Selkman del sur de nuestro país durante la ceremonia llamada El Secreto, la cual marca la iniciación de los hombres jóvenes reafirmando su dominio sobre las mujeres, y donde está prohibido ver a los oficiantes sin la máscara que acompaña la pintura corporal. ...sirve para verse más feroz en el momento de entrar en combate, y para captar el espíritu emanado por el animal que habita en los trazos portados sobre el cuerpo. Quizá para mimetizarse con el entorno y no aparecer tan simple en él. A los indígenas del río Omo la naturaleza les brinda todo tipo de elementos para decorarse y no desentonar con la exuberancia del lugar que habitan. Probablemente incluso antes de que se grabase la primera piedra, el hombre ya aplicaba pigmentos sobre su cuerpo para afirmar su identidad, la pertenencia a su grupo y situarse con relación a su ambiente. Esta práctica servía como instrumento de transformación: los dibujos y los colores permitían cambiar de identidad, señalar la entrada en un nuevo estado o grupo social, definir una posición ritual o, sencillamente, reafirmar la pertenencia a una comunidad determinada.
El carbón de madera, las tierras, la sangre, y pigmentos naturales, sirvieron para embellecerse en rituales de apareamiento o camuflarse para la caza. En general y al contrario de lo que se suele creer, son los hombres quienes más se adornan, tal vez, copiando a la naturaleza donde la pequeña hembra es quien elige al macho entre los más adornados y exuberantes. En Occidente, la pintura corporal reaparece a finales del siglo XX. Se trata de un arte transitorio en el que el pintor crea un dibujo sobre su modelo, y al que se dedican varios festivales como World bodypainting festival en Seeboden (Austria) y The International Body Painting Contest en Bruselas (Bélgica). Más que nada, este tipo de pintura sobre el cuerpo desnudo crea una segunda piel sin ofender el pudor, y aun en las sociedades más conservadoras y tradicionales se le acepta como parte de un aspecto lúdico del arte. En la Escuela de Teatro y Danza Gilberto Mesa, el body painting o pintura corporal se trabaja en la cátedra de Maquillaje II, correspondiente al Segundo año de la carrera de formación del Actor. En este espacio se ha experimentado la pintura corporal como un disparador para espectáculos performativos y en talleres de sensibilización obteniendo excelentes resultados.
C h a r l e s . .20.de.Septiembre.y.Roque.Vázquez..Tel.:631510 Video.C
Aprehender el mundo Por Natalia Sinde |
En El proceso de creación en el arte Patricia Stoköe afirma que la opresión con que se sumerge y asfixia la creatividad individual opera fundamentalmente por inducción de valores, actitudes, metas, que van erigiéndose en un ideal-del-yo que termina por negarse a sí mismo: parecerse un otro socialmente estandarizado concluye por ser el valor absoluto de la propia identidad. Esto nos ubica frente a un ser que se distrae de sí mismo inhibiendo su creatividad en nombre de un deber ser que se impone como carga o bloqueo al deseo personal, dando lugar a una lógica en la que participan una víctima insatisfecha-carente y un victimario poderoso que se impone. A su vez, surge el sentimiento de culpa, pues está en falta quien busca su satisfacción incumpliendo con el ideal del deber ser que le ha sido impuesto. Además, si he de cumplir un mandato, el responsable de mi situación lamentable será un otro supuestamente poderoso: nace entonces la posibilidad de hacer culpable a otro de las miserias propias y ajenas. Esto nos coloca en un círculo vicioso que no deja lugar alguno a la creación, pues la ilusión que funda nuestra manera de ver el mundo es una en la que nos creemos impotentes. Sin embargo, no es la potencia, sino el movimiento lo que se nos ha quitado y hoy contamos con un cuerpo entumecido por la ortopedia espacial. Para Merleau Ponty el cuerpo no es el sirviente del alma sino su condición de posibilidad, la fuente superabundante en su relación con el mundo: es el yo puedo a partir del cual la conciencia afirma un yo pienso. Toda razón se funda en una creencia particular vinculada a sentires de nuestro cuerpo de cara al mundo, pero ¿qué hacer con un cuerpo mutilado por una disciplina que se agota en lo lógico-matemático, con un cuerpo criado en una ciudad de casas enfiladas que moldea cuadrados a quienes la habitan? ¿Qué hacer con un cuerpo que ya no percibe ni la arquitectura ni la contracción de sus músculos, que desprecia cualquier forma de contacto pues ¡ay! cuando rompa su eje?
En el citado texto, Stoköe y Sirkin afirman que no se enseña a crear (pues crear es una capacidad constitutiva), no se enseña cómo crear (las conexiones son singulares e intransferibles), pero sí es posible estimular el proceso que conduce a la creación; para esto es necesario desarmar los bloqueos perturbadores, alimentar experiencias de entrenamiento sensorial (lúdico) y enseñar lenguajes con los que el sujeto pueda desplegar su capacidad de idear y construir realidades nuevas. A fin de lograr lo manifestado, debemos ejercitarnos en la sensopercepción: proceso por el cual el individuo adquiere información de su entorno dándole significado y contexto. El medio a través del cual recibo la información sensopercibida es creado a partir un desarrollo progresivo de sensaciones interoceptivas (vicerales), exteroceptivas (logradas principalmente por la vista y el tacto) y propioceptivas (provenientes de los músculos, tendones y articulaciones que nos informan sobre la contracción o relajación del cuerpo). Este medium es llamado esquema corporal, y de sus percepciones dependerá la imagen corporal; toda deformación de la misma será síntoma de un malestar en relación con el mundo habitado. Destaca Merleau Ponty que el esquema corporal no es algo abstracto sino dinámico: mi cuerpo se me aparece como una postura en vista de una cierta tarea actual o posible. Asimismo, Rudolf Von Laban afirma que es en ese carácter dinámico donde florece el movimiento: “El movimiento es la vida del espacio. El espacio vacío no existe, no hay espacio sin movimiento ni movimiento sin espacio. Todo movimiento es un eterno cambio entre condensar y soltar.” Sin movimiento mi cuerpo es una sombra de mí mismo, la proyección opaca de alguien a quien me debo. Mas el deber ser no siempre fue comprendido como una carga, obligación o deuda del sujeto: para los griegos presocráticos el deber ser era lo mismo que el más profundo querer ser, pues se debía amar hasta las últimas consecuencias lo necesario para uno, aquello que permitiría que me descubra. Como sentencia última podemos decir que el único modo de conocer el cuerpo es vivirlo, o como dijera Merleau Ponty: conocer el mundo es co-nacer con él, así como un niño que con sus manos moldea una pelota en la plastilina y la pelota de plastilina moldea cóncavas sus manos.
Estimar según
Mientras Flaubert presumió vaticinar para el arte un porvenir científico, Nietzsche, a su vez, presagiaba que la ciencia desembocaría en el arte, forzada, remedio último. Ninguno acertó. Hubo que aguardar por los que programaron que al llegar el artista a los confines de su campo se mordería su propia cola, sometido a entrar en la historia no por lo que es sino como documento. Y dieron en el blanco. Divulgóse desde entonces que el arte es arte en tanto se alce en contra del arte, y que la estética, desinteresada de su viejo problema madre, lo bello y su esencia, tiene que limitarse ahora a rogar que no experimentemos, que solamente juzguemos.
Melancólico devenir, si se piensa cuánto de incitante e inocuo resultaba, en suma, discutir de la Belleza. Alberto Girri
Café-bar.Picasso..San.Martín.253..Tel.:154561589
Sof iaf ilia es una publicación del
G r u p o d e I n v es t i g a c i ó n F i l o s ó f i c a d e J u n í n Colaboran docentes del
Conservatorio de Música Juan Pérez Cruz y de la E s c u e l a d e T e a t r o y D a n z a G i l b e r t o M e s a.
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