Asociación Mexicana de Cinefotografía
Sara Purgatorio AMC, CCS En rodaje
Daniel Blanco AMC 'Turno nocturno'
Pedro Gómez Millán AMC
'Daredevil: Born Again'
CONTENIDO NÚMERO 90
3. Carta de la presidencia 4. Sara Purgatorio AMC, CCS - En rodaje
17. Daniel Blanco AMC - ‘Turno nocturno’ 44. Cristhian I. Lemus - Memoria digital y olvido 45. Estrenos con siglas AMC 47. Sugerencias de lectura
‘Daredevil: Born Again’ fotograma. Pedro Gómez Millán AMC
CARTA DE LA PRESIDENCIA
El mes pasado tuvimos un gran logro en la AMC. Con el evento de presentación de los nuevo lentes ENSO de ARRI, inauguramos oficialmente la nueva sede: La Casa Club AMC.
Este logro es especialmente significativo para nosotros ya que, en más de 30 años de historia, nuestra Sociedad no había contado con una sede propia.
Cada consejo directivo, ha alcanzado grandes metas que han contribuido a ser lo que somos hoy. Con este espacio, abrimos una nueva etapa de apertura, encuentros, intercambio y aprendizaje para todas y todos.
Queremos que la Casa Club AMC sea un punto de reunión en el que podamos compartir nuestra pasión por la cinefotografía, conocernos y seguir impulsando el crecimiento de la industria cinematográfica mexicana.
Pronto compartiremos más detalles sobre cómo realizar una visita y las actividades que llevaremos a cabo.
Esperamos que disfruten este número de la revista.
Alfredo Altamirano Presidente
Por Milton R. Barrera y Luis Enrique Galván
‘La gloria’
La ópera prima de Joseph T. Walker, es una película que resuena profundamente con la actualidad social y política de Estados Unidos. La historia sigue a Carson, un ranchero solitario que tras herir accidentalmente a una inmigrante latinoamericana, se ve obligado a cuidarla en su casa mientras se recupera, enfrentando la investigación de su hijo, un agente de la patrulla fronteriza de los Estados Unidos. Lo que comienza como una relación de desconfianza, se transforma en una amistad inesperada, en un contexto en el que las políticas de inmigración y deportaciones han fragmentado a innumerables familias.
La película no solo expone la crudeza de esta realidad, sino que también ofrece una visión humanista y esperanzadora sobre la posibilidad de entendimiento y solidaridad entre culturas distintas.
Sara Purgatorio AMC, CCS, directora de fotografía, comparte los detalles de su trabajo en esta cinta profundamente necesaria.
De Italia a México
El camino de Sara hacia ‘La gloria’ comenzó con una búsqueda intencionada del director, quien deseaba contar con una directora o director de fotografía mexicano. Al descubrir el trabajo de Sara en México y enterarse de su origen italiano, se estableció un primer contacto. Desde la primera conversación, la conexión entre el director y Sara fue inmediata, con una visión compartida sobre la estética y el tono de la película.
“Desde la primera plática sentimos que había un buen entendimiento entre ambos; después leí el guion y me encantó. Está muy bien escrito y pude visualizarlo desde la primera lectura”.
Para consolidar la colaboración, Joseph organizó un viaje a México para realizar un scouting inicial y grabar algunas pruebas con la actriz principal, proceso clave que le permitió confirmar que su enfoque visual se alineaba con la visión del director. A pesar de los desafíos burocráticos para obtener la visa de trabajo en Estados Unidos, el director insistió en que Sara formara parte del equipo.
“Estoy muy agradecida de que Joseph se haya aferrado a la idea de tenerme como su fotógrafa, sobre todo por la gran cantidad de cosas que este proyecto me enseñó”, todo esto bajo las marcadas dificultades que representaba una cinta de bajo presupuesto reflejando así la confianza absoluta del director hacia su creadora visual.
Fotogramas de ‘La Gloria’
Sara Purgatorio AMC, CCS
Encontrando las herramientas
adecuadas
“Participé en una convocatoria para obtener unos lentes de Panavision; presenté todo lo necesario y afortunadamente, la ganamos. Como resultado, me otorgaron la renta de los lentes, lo cual significó un primer paso hacia el concepto estético establecido para la película”.
Desde el inicio del proyecto, Sara Purgatorio y Joseph Walker discutieron la importancia del paisaje como un personaje más en la historia. Inspirados en la obra de Chloé Zhao (‘Nomadland’, ‘The Rider’), como también la mirada del director turco Nuri Bilge Ceylan, optaron por un enfoque visual que destacara la vastedad y majestuosidad del entorno en su relación con los personajes de la historia. Para lograrlo, utilizaron una combinación de ópticas Panavision Ultra Speed y lentes Special Flare, aprovechando sus características de suavidad en las altas luces y su capacidad para capturar la luz natural en su máxima expresión ya que son lentes muy luminosos. Estos lentes fueron montados en una cámara ARRI Alexa Mini con un sensor Super 35, elección clave para mantener una estética cinematográfica y una imagen con una textura material, sin perder la flexibilidad en entornos de iluminación natural.
“Estoy realmente feliz con el resultado; la imagen quedó exactamente como la imaginaba. Conseguimos un equilibrio entre naturalidad y realismo, pero con un ligero toque mágico. Es difícil describirlo con exactitud, pero diría que la imagen tiene un carácter delicado, no en el sentido de lo femenino, sino en la sutileza de la luz natural y los matices visuales que logramos. Además, en Panavision de Dallas me proporcionaron un par de lentes adicionales, los Special Flare. Lo que hace especiales a estos lentes es su manufactura en los flares que a la vez aportaban dinamismo y un carácter único a la imagen”.
La luz natural como herramienta narrativa
Uno de los principales retos fue la decisión de usar luz natural para reforzar el realismo de la historia. Crear atmósfera a través de la luz natural y mantener coherencia a lo largo de la película, requiere el tiempo necesario para poder escoger momentos exactos para filmar, algo que en una producción low budget , no hay. Sara enfatiza cómo esta decisión era muy importante para el tono de la película y no solo proporcionó un registro realista, sino que también tuvo un papel evocador y emotivo en la imagen que buscaban. La elección de lentes luminosos permitió aprovechar al máximo los matices de la luz en diferentes momentos del día, un paso necesario para la narrativa visual de la historia.
‘La gloria’ fotograma. Sara Purgatorio AMC,
“El paisaje no enmarca únicamente la historia, sino que también refuerza la caracterización del protagonista. La interacción entre el personaje y el entorno se ve reflejada en la variación de la luz a lo largo del día; desde amaneceres suaves hasta atardeceres que añaden una capa de dramatismo a la historia. Por mi parte, tuve que hacer un estudio minucioso de la luz en las diferentes locaciones que teníamos, sobre todo para saber cómo aprovecharla al máximo ya que este proyecto en realidad era de bajo presupuesto y la luz natural es la primera herramienta a disposición para crear una atmósfera”.
Desde la primera lectura del guion, se estableció una paleta de color muy natural que reflejara el paso del tiempo y con gran enfasis en la textura de la imagen. El polvo, las superficies envejecidas, las tonalidades de los entornos y los pequeños detalles, aportaron profundidad evitando una imagen completamente limpia y plana.
“El objetivo era lograr una estética con cierta plasticidad visual; aportar a la imagen volumen y buscar una imagen que hiciera que cada encuadre transmitiera realismo y emoción”.
Sara Purgatorio también planteó la intención de cambiar estéticamente las noches ya que la diferencia entre la luz natural del día y la luz
artificial de las noches, era un aspecto clave en la construcción de las sensaciones que se deseaban transmitir.
“Durante el día los colores son más delicados y orgánicos, con una armonía sutil que sigue a los personajes en sus espacios. La que viene descrita por la película es una naturaleza bella y solemne”. En oposición, “la noche tiene una estética más intensa, con mayor saturación y un contraste exagerado ligeramente. El negro de las noches es profundo porque nos ayudaba a generar una atmósfera más dura y dramática. La imagen se vuelve menos descriptiva y más gráfica”. Así, la luz artificial rompe con la armonía del día, destacando las emociones con mayor crudeza.
Un claro ejemplo de esta diferencia es la escena de la pelea entre Carson y su hijo, al salir de un bar. Ubicada bajo un farol, aparentemente de sodio y junto a una camioneta, la iluminación en esta secuencia refuerza la tensión del momento. La dureza de la luz amarillenta y artificial, representa la violencia de la confrontación, creando un contraste cromático con el fondo, donde las luces de los establecimientos cercanos mantienen una frialdad. Este juego entre ambas luces no solo ayuda a diferenciar los momentos
‘La gloria’ fotograma. Sara Purgatorio AMC, CCS
del día, sino que también añade capas emocionales a la historia, utilizando la iluminación como una herramienta narrativa fundamental.
La directora de fotografía comparte su gusto por la experimentación, en este caso con filtros artesanales.
“Me encanta probar cosas que pueden funcionar”, comenta. Sin embargo, a lo largo del rodaje descubrió que en las escenas diurnas los filtros no encajaban con la propuesta visual.
“Cada vez que intentaba poner algo o creaba un filtro, en el día no funcionaba. Justo por el mismo sentido, por el mismo concepto, era necesario mantener una naturaleza, era un principio muy sólido”.
En cambio, la noche le permitió jugar más con este recurso pues en la escena de la pelea, Purgatorio decidió intervenir la imagen.
“Puse un poco de vapor de agua y luego hice otro filtro, preparándolo.” Finalmente, la versión editada conservó la toma con más textura e imperfección, lo que la dejó satisfecha: “Estoy contenta porque al final editaron justo la que tiene reflejos y flares que vienen del agua que puse en el filtro”.
Empatía sobre técnica
‘La gloria’ es un proyecto que, en su carácter de bajo presupuesto, tuvo que afrontar obstáculos que obligaban a sus creadores visuales a reinventar el lenguaje mismo de su cinta; improvisar acorde a la correcta interpretación de la narrativa y sus momentos dramáticos en la historia.
“Este tipo de películas te exige ser listo para poder reinterpretar y con ello, aplicar alternativas a los conflictos que surgen durante la filmación, provocando de manera natural, una dificultad para mantener una coherencia estética en la imagen”.
El tiempo requiere dinero y si no lo hay, es imprescindible acoplarse a la pronta solución de retos en el set.
Sobre este tipo de conflictos, entre otros a la hora de filmar, Sara recuerda con humor una de las escenas filmadas con el uso de zapatos hechos con plataforma más alta de lo normal.
“Estábamos filmando en un baño muy pequeño, sin la posibilidad siquiera de poner un applebox y así ganar la altura correcta con respecto al personaje. Era una escena con cámara en hombro y tuve que usar zapatos muy altos para lograrlo. Son zapatos que hice yo y los usé en distintos momentos”.
En condiciones distintas, con proyectos de mayor presupuesto, este tipo de retos se resuelven con la construcción de tal espacio en un foro, con las dimensiones adecuadas, por ejemplo.
“Conseguimos un equilibrio entre naturalidad y realismo, pero con un ligero toque mágico. Es difícil describirlo con exactitud, pero diría que la imagen tiene un carácter delicado, no en el sentido de lo femenino, sino en la sutileza de la luz natural y los matices visuales que logramos“
No obstante, la riqueza visual de la puesta en cámara para la cinta dirigida por J. T. Walker, radica dentro de las varias características ya mencionadas con anterioridad, en la frescura de su cámara en mano.
“Queríamos movimientos que fueran capaces de registrar hasta el mínimo gesto de los personajes. Era una manera de estar en empatía total con la escena, en los movimientos y en los silencios, captando el respiro o la tensión de una pequena mirada. Por ello, una puesta en cámara en mano nos brindaba libertad total a base de la improvisación, tras haber comprendido correctamente los conceptos de la historia”, añade Purgatorio.
Es en este último aspecto, que Sara sitúa sobre la mesa la exigencia por comprender a profundidad los motivos reales del director al filmar cualquier tipo de proyecto, con mayor exactitud incluso, si la cinta no posee una gran flexibilidad económica, sino todo lo contrario; reinventando formas y soluciones a la propuesta base.
“También tener una cámara en mano durante toda la película, habla de la confianza que el director tenía en mi trabajo, pues apostar por una propuesta como esta necesita de una colaboración previa que rebase lo profesional, para que de igual modo, sea muy íntima”, pues
como expone la directora de fotografía, la cámara en mano pretende una simpatía total por la escena conociendo los motivos de los personajes, y “cuando alcanzas esa clase de libertad, logras improvisar cada vez que es necesario brindando una frescura al lenguaje cinematográfico”.
Sin embargo, es imperativo concientizar que la libertad no supone libertinaje frente a la narrativa de la obra, sino una correlación profundamente inseparable entre la comprensión al punto de vista más honesto del director. “La verdadera técnica es simpatizar con el alma de la historia y seguir con atención el proceso de realización en el set, donde pueden surgir oportunidades para renovar o evolucionar la visión de la estética de la película”, agrega.
‘La gloria’ fotogramas. Sara Purgatorio AMC, CCS
La importancia de crear una filosofía propia
Filmar supone apegar la mirada a los cimientos más primarios de la dramaturgia y su sentido narrativo; hallar el subtexto de la historia para proponer un lenguaje único a la cinta. Por lo que plantear una propuesta visual, demanda construir esa mirada, sus cualidades, límites y valores. Podría decirse incluso, que encontrar el lenguaje cinematográfico para cada historia, es entender la ética de su propósito. O en su defecto, cuestionar para inventar y resignificar para improvisar; crear una filosofía propia.
Para Sara, la materia visual fue interpretada desde el concepto, y a su vez, su intencionalidad; diferenciar la noche del día frente al principio de la naturalidad y la artificialidad, con respecto al momento dramático por el cual atravesaban los personajes. Corromper la armonía de la narrativa de acuerdo a la curva y evolución de la historia, con el uso de diferentes temperaturas de color. O bien, narrar el paso del tiempo con cambios en la materialidad de la imagen.
De tal modo que, cada concepto o principio técnico, trascendió su nivel representativo hasta comenzar a significar como signo y símbolo; fundarse como lenguaje, y consolidarse como filosofía propia a una cinta que se torna única por hallar los cimientos a la siguiente pregunta: ¿Cómo filmar la palabra escrita?
‘La gloria’
Cámara: ARRI Alexa Mini con sensor Super 35 Óptica: Panavision Ultra Speed/ Special Flare
Cinefotógrafa: Sara Purgatorio AMC, CCS
Director: Joseph T. Walker
1er. AC: Elena Chiappa ’Sfinge’
Gaffer: Chad Brewer
2do. AC: Samuel Park
Data Manager: Lucky Atkare
Key Grip: Mike Anderson
Colorista: Alessio Zanardi
Sigue a Sara Purgatorio AMC, CCS https://www.aperturadop.com/sara-purgatorio-amc-aic
'La gloria' Sara Purgatorio AMC, CCS
'La gloria' Sara Purgatorio AMC, CCS
'La gloria' Sara Purgatorio AMC, CCS
Por
Milton R. Barrera y Luis Enrique Galván Fotos: ‘Turno nocturno’
‘Turno nocturno’
Rigoberto Castañeda, director de cintas como ‘Kilómetro 31’ y ‘Atrapados’, presenta una nueva historia de horror junto al cinefotógrafo Daniel Blanco AMC. ‘Turno nocturno’ nos adentra en una de las leyendas mexicanas más famosas que habita los pasillos de los hospitales. Tomando como contexto la época de los años ochenta, su protagonista, una nueva enfermera en periodo de prueba, lidia no solamente con sus médicos superiores, sino con la presencia paranormal de ‘la planchada’.
El largometraje consolida su naturaleza como película de género y con ello, presenta al espectador convenciones propias del terror, pero en una estética única que representa fielmente la época en la que se ambienta. A lo largo de este artículo, Daniel Blanco AMC, comparte el proceso creativo para el desarrollo de ‘Turno nocturno’ y las particularidades y enfoques narrativos que definieron su trabajo en esta película como director de fotografía.
Narrar desde el género
Desde las clasificaciones narrativas de Andy Milligan, hasta las reflexiones literarias de Stephen Trower, el género cinematográfico evoluciona y se mantiene estático, como dicotomía de análisis, aceptando nuevas perspectivas frente a la cinematografía actual, así como su vigencia casi ortodoxa a la hora de su escritura. Aunque las perspectivas sobre la cinematografía actual se diversifican, el proceso creativo en las distintas áreas narrativas es lo que finalmente define la identidad de una película: desde el diseño sonoro hasta las decisiones de iluminación.
“Por un lado, tienes el diseño de producción como una parte inmensa para representar la época, pero por el otro, también está el lenguaje de la cámara y la iluminación”, opina Blanco sobre la cinta de Castañeda, pues además de ubicarnos temporalmente en dicho salto, supone el reto de cuestionar cómo narrar al género mismo.
“Es una película con una calidad de luz sumamente difusa, tanto por el hospital y su naturaleza de rebote blanco, como por las fuentes de luz utilizadas. Por ello, estábamos convencidos de que el horror de la historia tenía que ocurrir en la penumbra, en todo aquello que sucede en las esquinas de las habitaciones o pasillos”, añade el director de fotografía, en alusión a un terror que
‘Turno nocturno’, fotograma. Daniel Blanco AMC
rebasa lo físico y que siembra herramientas narrativas fuera de cuadro; lo imaginario, el horror psicológico de las atmósferas que juegan con lo visto, o en su defecto, lo que se oculta en donde la luz no tiene poder.
En su artículo ¨Contar el género¨, publicado y editado por la Universidad de Toledo, se discute la importancia de sostenerse en el lenguaje de la convención; la vitalidad de la expectativa en el espectador y la creación de un hilo que, predecible o no, brinde satisfacción a quienes se albergan en la sombra de la butaca. Así, una obra de género permite la dicotomía per se: narrar desde lo establecido y encontrar la unicidad de cómo contarlo. Es ahí en donde resurge la creatividad de dicha cinta y el proceso de sus artistas para apropiarse la manera de contarlo.
“Filmar esta película representó el reto de resignificar mi modo de trabajo, incluso hacia otros departamentos como el del diseño de producción. Me gusta definir bajo el sistema de zonas, el contraste que tendrá el tono de piel de los personajes, con respecto a los tonos de las pa-
redes y la pintura que tendrán. Aquí fue al revés: tener un hospital que define el blanco y desde ahí, hallar el contraste en los personajes u objetos de decoración”, comparte Daniel Blanco y añade: “Es entonces que tenemos un espacio muy brilloso por lo que la idea de jugar con el horror en la oscuridad, es muy interesante”.
La importancia del detalle
Discutir de precisión al filmar, interpone en instancia mayor, hablar del tiempo y con ello, de desarrollar la preparación suficiente para ejecutar con exactitud y sin la espera de un resultado al azar. Así, y bajo una organización de prioridades, ‘Turno nocturno’ planteó un rodaje en el que, conscientes del detalle para crear la convención misma del terror, tendría que existir una paciencia al quehacer tanto de efectos especiales como VFX y una iluminación correcta.
Desde el inicio, Daniel Blanco AMC explicó que toda la película se diseñó con una calidad de luz difusa, alineada con la atmósfera propia de un hospital.
“La iluminación del hospital y el tono alto de las paredes, típico de estos espacios, determinan una atmósfera luminosa y fría”, comentó. Esta decisión estética significó un cambio en su estilo habitual: “Me gusta contrastar las pieles con el fondo, pero en este caso tuve que romper esa regla porque el hospital impone una atmósfera específica. Hay escenas en donde la única manera de que quedara como queríamos, era ser muy precisos con la diferencia de exposición entre lo que ocurre en un primer plano con respecto a la oscuridad de las esquinas y fondos. Más aun cuando de la penumbra surge tu personaje quien,
‘Turno nocturno’, fotograma. Daniel Blanco AMC
PRECIO BASE MÁS BAJO, SET DE PRESTACIONES FLEXIBLE
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Fiorella Occhipinti
Primera Propietaria del modelo ALEXA 35 Base en las Américas
además usa un vestuario blanco. Tenía que estar seguro de que a la hora de colorear ese material, “la planchada” no se viera, sino hasta que llega a la luz y así proteger mis sombras con el detalle exacto”, explica el cinefotógrafo.
Para Daniel, el contraste entre los personajes y el fondo es una de las claves de su trabajo:
“Siempre busco separar a los personajes del fondo. Trabajo con el departamento de arte para definir una paleta de colores y niveles de brillo específicos. Por ejemplo, les pido que trabajen con valores de brillo de zona 5 para abajo, dejando los colores a su elección, pero respetando esa escala”. Sin embargo, en esta cinta, el tono claro de las paredes limitó el contraste natural que suele lograr en otros escenarios. En paralelo, es la aceptación del universo narrado por parte del espectador, un paso hacia adelante sólo si la convención recae en verosimilitud, provocando que obras de género, como el terror, otorguen tiempo y acción a la creación de este mundo presentado. “Sabíamos que aquellos días en los cuales habría sangre, serían días de rodaje en los que nos enfocaríamos en que todo quedara bien; probando
los mínimos detalles si la sangre estaría húmeda o seca y cómo se vería con la iluminación para hacerla parecer real”, agrega.
‘Turno nocturno’ es una película que se sitúa en una época distinta, requiriendo en su naturaleza, el apoyo de herramientas digitales como efectos visuales para la reconstrucción de tal detalle- convención.
“El trabajo con el departamento de VFX estuvo en buena comunicación desde un principio, planeando con cuidado qué plates necesitábamos filmar, conscientes de cada plano. El hospital por ejemplo, necesitó de su reconstrucción en 3D cuanto a fachada, y fue a partir de tomas en drone que yo mismo operé”.
No obstante, son las particularidades que pueden quedar ¨implícitas¨, las que finalizan la construcción absoluta del universo ficticio, siendo la exactitud una herramienta fundamental desde la preproducción, hacia aspectos técnicos que se convierten en el engranaje dramático.
“Me preocupé por establecer el contraste y brillo preciso en cosas pequeñas como el tono blanco de las hojas o guantes que usaban los personajes”.
Adaptándose a las limitaciones del espacio
El hospital presentó retos que requirieron soluciones creativas. Para controlar la iluminación y los rebotes de luz, el cinefotógrafo implementó diversas herramientas. Daniel comenta que la locación era un edificio abandonado, en el que algunos pisos fueron rehabilitados para el set de un hospital. Esto le permitió a Daniel y a su gaffer Rodrigo del Río, acondicionar la instalación eléctrica con luces específicas que sirvieran de prácticas y a su vez, poderlas controlar. Este enfoque logró destacar momentos clave de tensión, especialmente en un ambiente que por naturaleza, debería ser luminoso.
Al tratarse de una película que ocurre casi por completo dentro de un hospital, el equipo de fotografía y dirección enfrentó el desafío de evitar que la narrativa visual se tornara repetitiva. El cinefotógrafo comparte la estrategia para solucionarlo:
“Afortunadamente, las escenas alternaban entre día y noche, lo cual daba cierta variedad. Además, siempre que volvíamos a un mismo espacio, intentábamos cambiar los ángulos de cámara para mostrarlo desde otra perspectiva. Los movimientos de los actores también influían en la dinámica, lo que ayudaba a que no se sintiera igual todo el tiempo. Apagaba luces de fondo y usaba floppies y telas para manejar mejor los rebotes. Incluso Rodrigo del Río, diseñó unos textiles más grandes de lo habitual, con doble faldón, para controlar la luz en los espacios reducidos del hospital”.
Uno de los escenarios más desafiantes fue el quirófano.
“Era un espacio muy pequeño y necesitábamos oscuridad total en ciertas esquinas ya que ahí se aparece “la planchada”. La luz principal venía del domo cenital que mandamos a hacer con arte, diseñado específicamente para incluir lámparas Aputure B7C que controlábamos por DMX. Pusimos varias bombillas y dependiendo del plano, apagábamos algunas para moldear las caras de los actores y crear penumbra”.
El director de fotografía también aprovechó la óptica para amplificar la narrativa visual. “Usamos lentes angulares para momentos en los que la realidad del personaje comenzaba a deformarse. Estos lentes distorsionaban las caras y los espacios, sumergiendo al espectador en la perspectiva emocional del protagonista”..
Por otro lado, los lentes telefoto comprimían los pasillos del hospital, intensificando la sensación de claustrofobia.
“Cuando el personaje intenta huir, la perspectiva comprimida crea la ilusión de que no puede escapar con facilidad, reforzando el suspenso”.
Colaboración con Sony y aprendizajes
El director de fotografía logró unir los esfuerzos de Sony Pictures y Sony Electronics para lograr la película. Como embajador de la marca, trabajó con cámaras Sony Venice para aprovechar su sensor full frame .
“Querían usar una cámara Super 35, pero insistí en que el full frame era crucial para este proyecto. Necesitábamos un rango dinámico amplio y la capacidad de trabajar en espacios reducidos sin sacrificar calidad visual. Fue un desafío, pero logramos que ambas divisiones de Sony colaboraran en esta película. Fotografiar ‘Turno nocturno’ fue una experiencia enriquecedora, tanto a nivel creativo como técnico. Reforcé la oportunidad de gestionar la colaboración con otros departamentos, algo esencial para garantizar la coherencia visual y narrativa de cada proyecto”.
‘Turno nocturno’
Cámaras: Sony Venice 2
Óptica: Zeiss Supreme Prime
Cinefotógrafo: Daniel Balnco AMC
Gaffer: Rodrigo del Río
Sigue a Daniel Blanco AMC https://danielblancoamc.com
Trailer ‘Turno nocturno’
'Turno nocturno' Daniel Blanco AMC
'Turno nocturno' Daniel Blanco AMC
'Turno nocturno' Daniel Blanco AMC
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PEDRO GÓMEZ MILLÁN AMC 'Daredevil:Born Again'
Por Milton R. Barrera y Luis Enrique Galván Fotogramas de ‘Daredevil: Born Again’
La dirección de fotografía es un pilar fundamental en la narrativa visual de cualquier producción cinematográfica o televisiva. En el caso de ‘Daredevil: Born Again’, la ambición y los retos del proyecto llevaron a su equipo a enfrentar circunstancias inesperadas. Pedro Gómez Millán AMC (‘The Lincoln Lawyer’, ‘Little America’), uno de los directores de fotografía de la nueva serie de Marvel inspirada en Daredevil, nos comparte algunos de los desafíos que surgieron durante la producción y la manera en que impactaron en el desarrollo visual de la historia.
Desde el inicio, la planificación de ‘Daredevil: Born Again’ era ambiciosa: dieciocho episodios divididos en dos bloques de nueve capítulos cada uno.
“La idea original era hacer dos temporadas, una tras otra”, explica Pedro, quien compartió la dirección de fotografía con Hillary Fyfe Spera (‘Dexter’). Sin embargo, la huelga de guionistas en Estados Unidos que estalló en 2023, cambió drásticamente el rumbo de la producción. “Los productores nos aseguraban que la producción iba a continuar a pesar de la huelga.
“Habían pedido a los escritores los guiones por adelantado hasta el mes de agosto y veía a los actores en set leyéndolos para dar sus notas antes de que se venciera el contrato del sindicato de escritores. Decían que no podían parar porque ya tenían guiones adelantados hasta el mes de agosto, sin embargo tuvimos que detenernos eventualmente”.
La paralización no solo afectó el calendario de rodaje, sino también la estructura narrativa de la serie. Para el momento de la suspensión, se habían filmado seis episodios, aunque de forma incompleta. Pedro recuerda que estaba en plena preproducción cuando la huelga se convirtió en un obstáculo inevitable:
“Ya había filmado dos episodios y estaba preproduciendo los que seguían. Era una dinámica en la que cada día pensábamos que podríamos seguir filmando, pero la producción se detenía una y otra vez hasta que finalmente, cerraron el proyecto de manera temporal”.
Durante los meses de pausa, Marvel revisó el material grabado y descubrió que aún era momento de darle una nueva estructura al programa.
“La reacción de Marvel fue drástica, aprovecharon la pausa para replantearse todo ya que creían que la historia no estaba funcionando. Afortunadamente les había gustado el trabajo que habíamos hecho Hillary y yo, así que nos mantuvimos en el proyecto”.
Pedro Gómez Millán AMC
Integración al proyecto
Desde el inicio del proyecto, Pedro y Hillary fueron considerados para la dirección de fotografía de la serie. Siempre hubo dos fotógrafos planteados, no obstante, Pedro Gómez Millán no conocía a Hillary .
“Cuando supimos que íbamos a trabajar juntos, coincidió que ella también estaba en Los Ángeles mientras yo filmaba ‘Lincoln Lawyer,’ así que nos reunimos para conocernos, tomarnos una cerveza y hablar del reto que venía”.
En cuanto a la propuesta visual de la serie, Pedro presentó un tratamiento desde la primera entrevista con Marvel que coincidía con la visión del resto del equipo :
“Quizás haya una expectativa en términos visuales cuando se trata de un proyecto de Marvel. Nosotros nos inspiramos en la historia, el personaje y elementos dramáticos para encontrar un estilo visual específico que ayudara a contar la historia. Conversamos con los showrunners y los directores, así teníamos una idea clara de cómo se iba a ver la serie antes de comenzar”. Sin embargo, la huelga tuvo un impacto directo en este proceso, dividiendo el desarrollo del proyecto en dos fases claramente diferenciadas.
Enfrentar el reto del streaming
Hablar de éxitos cinematográficos para una empresa como Disney, rebasa la limitación de perspectiva con respecto a sus índices de taquilla, pues a pesar de significar un modelo claro de producción dentro del entretenimiento, plantea también la construcción de universos y simbologías que a lo largo de la última década, enlistan largas y leales filas de espectadores amantes del género de acción y superhéroes. Con cerca de 130 millones de suscriptores alrededor del mundo acorde a información publicada por Business Insider, la plataforma de streaming Disney+ se posiciona a la par de otros servicios en línea, en su mayoría gracias a millares de seguidores de Marvel. No obstante, con una lealtad exigente a su contenido, sus espectadores continúan a la espera de producciones similares a las cintas que en años previos, han roto los números en la taquilla mundial. En entrevista con Brad Winderbaum y The Hollywood Reporter, e información del artículo
escrito por Borys Kit en 2023, el jefe de streaming para Marvel, expone el reto de conjuntar la cultura televisiva con los éxitos fílmicos. Ahí es donde nuevas producciones como ‘Daredevil: Born Again’ resuenan con fortaleza y firmeza frente a uno de los retos de las empresas con máxima presencia mundial en cuanto a entretenimiento se trata.
A unas cuantas semanas de su estreno en plataforma, la crítica abraza de forma positiva la llegada de esta nueva temporada, pues la exigencia de todo aficionado a los superhéroes, es cumplida: una historia tratada como cualquier obra cinematográfica, llena de rigor en su imagen y lenguaje a la hora de narrar la curva dramática de Matt Murdock y Wilson Fisk.
“Por un lado, filmar este proyecto me hizo entender el funcionamiento de grandes estudios como Marvel, pero también comprender cómo hacer producciones enormes de acción; resignificar tus herramientas, e incluso a otros departamentos a la hora de filmar”, añande Pedro.
Pedro Gómez Millán AMC
“Recuerdo cuando teníamos que grabar en un edificio situado en Wall Street con ventanales gigantes y en una posición geográfica en la que por otros rascacielos aún más grandes, nunca entraba la luz directa y muy poca de ambiente, sin importar la hora del día. Así que tenía el reto de iluminar un espacio enorme, durante muchos días, para muchas escenas. Decidí poner un 18k en cada una de las ventanas, por fuera, y suplementarlas desde el interior con un rig de luces Vortex. Sin embargo esto presentaba un nuevo reto: iba a ser inevitable verlas en cámara”.
Pedro Gómez Millán, añade cómo esa preocupación se acrecentaba cuando una larga secuencia de acción tenía que filmarse y con ello, muchos movimientos libres en cámara.
“El otro reto entonces, habría sido el encuadrar de forma limitada, pues con esos ventanales era casi imposible no revelar mis fuentes. Sin embargo, advertí a los productores y supervisores de VFX sobre esta situación y decidí solo poner el rig de Vortex en un solo lado de las ventanas. De cualquier forma, sabía que este rig no me iba a ayudar a obtener el contraste que buscaba y probablemente hubiera tenido las luces apagadas. En el otro lado del set, dejé el rig con los Vortex y decidimos que el equipo de VFX eliminaría en post cualquier luz y equipo fílmico no deseado. Y ahí fue cuando volví a caer en cuenta que estábamos haciendo algo para Marvel, y donde la dirección de fotografía trabaja completamente a la par del departamento de postproducción, con una simbiosis enorme”.
‘Daredevil: Born Again’, fotograma. Pedro Gómez Millán AMC
No obstante, el mundo de la creación digital transgrede rápidamente sus facilidades técnicas para situarse de igual modo, en el obstáculo imaginativo.
“Cuando realizas una producción como la de superhéroes, te enfrentas a foros tapizados de green y blue screen, y en donde parte del realismo que tenga la imagen final, dependerá de tu habilidad para previsualizar esos escenarios, más allá de lo que el área de post espere diseñar”. Es por lo tanto, el realismo y naturalidad de la imagen, lo que posiciona la continuación de Daredevil como un paso sólido en las creaciones de Disney. Y es que su propuesta visual, más allá de las bases ya planteadas por los ejecutivos desde un principio, requerían de una mirada consciente del entorno para poder recrear con sensibilidad, lo que la realidad demanda en un universo que se construye desde cero.
Colaboración entre largos departamentos
En cualquier producción con un estudio de esta magnitud, las cabezas de departamento hayan conjunción entre más de una persona teniendo así, una dirección compartida, en este caso, Pedro al lado de Spera, pero también, con roles inherentes a proyectos de acción: el Stunt Supervisor.
“En realidad ya había tenido la oportunidad de filmar secuencias de acción, más no de este tamaño, en las que el Stunt Supervisor se convierte en el director de las secuencias de acción durante el resto del rodaje, comenta Pedro. “Creo que incluso el término para referirse a ellos es un tanto limitado, porque ellos son quienes se encargan de plantear no solamente la coreografía de acción, sino también de proponer en conjunto al director de fotografía, cómo será la puesta en cámara y en escena”.
Philip J. Silvera y Dave Macomber se encontraron al frente de la coordinación y supervisión de stunts para esta temporada, mientras que la producción contaba con cinco directores: Justin Benson, Aaron Moorhead, David Boyd, Michael Cuesta y Jeffrey Nachmanoff.
“Al ser solamente Hillary y yo, nos permitía tener muy claro cuál era la estética del proyecto y hacía qué lenguaje lo estábamos llevando. Así, podíamos charlar fácilmente con cada director que llegaba para cada capítulo”, conlcuye Pedro.
Trailer ‘Daredevil: Born Again’
‘Daredevil: Born Again’
Cámaras: ARRI Alexa 35 RED Komodo
Óptica: Panavision G Series, T Series, E Series, MAP55, Panavision Zooms 48-55mm, 37-85mm, 70-210mm
Cinefotógrafo: Pedro Gómez Millán AMC
Gaffer: David Skutch
Key Grip: Brendon Malone
Sigue a Pedro Gómez Millán AMC http://www.pedrogomezmillan.com
‘Daredevil: Born Again’, fotogramas. Pedro Gómez Millán AMC
'Daredevil:Born Again' Pedro Gómez Millán AMC
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Memoria Digital y Olvido: Una Exploración Jurídica y Cinematográfica
Introducción
‘The
(Artículo 12) y el Convenio 108 del Consejo de Europa. Sin embargo, su configuración contemporánea se relaciona estrechamente con el Reglamento General de Protección de Datos (RGPD) de la Unión Europea, particularmente en su artículo 17, que establece el denominado “derecho de supresión”. Este precepto reconoce la facultad de los ciudadanos para solicitar la eliminación de datos personales cuando dichos datos resulten innecesarios para los fines originales, hayan sido tratados ilícitamente o el interesado haya retirado su consentimiento.
El Derecho al Olvido se ha constituido como un concepto jurídico esencial en la era digital, caracterizada por la persistencia e inmediatez con que la información personal circula y se almacena en redes globales. Este derecho, que procura equilibrar la privacidad individual con la libertad de expresión y el acceso a la información, plantea desafíos complejos en su aplicación, especialmente cuando se enfrenta a intereses legítimos de carácter histórico, informativo o cultural. Asimismo, su análisis no solo se circunscribe al ámbito jurídico, sino que se extiende a la cultura popular, particularmente al cine, medio que ha explorado sus implicaciones éticas y filosóficas a través de narrativas que confrontan la memoria, la identidad y el control de la información.
Contexto Jurídico Internacional del Derecho al Olvido
El Derecho al Olvido encuentra su fundamento en la protección de datos personales y el derecho a la privacidad, ambos principios consagrados en instrumentos internacionales como la Declaración Universal de los Derechos Humanos
Un precedente emblemático en la consolidación de este derecho fue la sentencia del Tribunal de Justicia de la Unión Europea (TJUE) en el caso Google Spain SL y Google Inc., contra Agencia Española de Protección de Datos (AEPD) y Mario Costeja González (C-131/12, 13 de mayo de 2014). En dicha resolución, el TJUE determinó que los motores de búsqueda, en tanto operadores de tratamiento de datos, deben proceder a la desindexación de información personal que resulte irrelevante o desactualizada a solicitud del interesado, siempre que no prevalezca un interés público superior. Sin embargo, el Derecho al Olvido no es absoluto. La jurisprudencia ha establecido excepciones cuando la información posee un interés público
Por Dr. Cristhian Iván Silva Lemus
Director del Área Jurídica de la AMC
Fotos: Martín Boege AMC, ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’,
Circle’
relevante, particularmente en casos que involucren a figuras públicas o hechos históricos de gran relevancia. Cabe señalar que su aplicación fuera del ámbito europeo presenta notables diferencias. Por ejemplo, en Estados Unidos, la Primera Enmienda prioriza la libertad de expresión, limitando significativamente el alcance de este derecho (Rosen, 2012).
Contexto Jurídico en México
En México, el Derecho al Olvido aún se encuentra en proceso de desarrollo y consolidación. La Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares (LFPDPPP) constituye el marco normativo principal para la protección de datos personales. Si bien esta legislación no reconoce explícitamente el Derecho al Olvido, establece mecanismos como la rectificación, cancelación y oposición (derechos ARCO), que pueden ser interpretados como herramientas para garantizar la eliminación de información personal que resulte inexacta o inadecuada.
La Suprema Corte de Justicia de la Nación (SCJN) ha comenzado a emitir criterios relevantes sobre el tema, especialmente en casos donde se pondera el derecho a la privacidad frente a la libertad de expresión y el derecho a la información. No obstante, aún se carece de un desarrollo jurisprudencial que delimite claramente los alcances y limitaciones del Derecho al Olvido en el ámbito digital.
En México, la discusión también se ha visto enriquecida por propuestas legislativas que buscan armonizar la normativa nacional con estándares internacionales como el RGPD, aunque dichos esfuerzos todavía no han cristalizado en reformas concretas. Además, el Instituto Nacional de Transparencia, Acceso a la Información y Protección de Datos Personales (INAI) ha emitido lineamientos y recomendaciones sobre la protección de datos personales, aunque sin abordar de manera específica el Derecho al Olvido.
El Derecho al Olvido en la Narrativa Cinematográfica
El cine, como expresión cultural que refleja las inquietudes sociales, ha abordado cuestiones análogas al Derecho al Olvido mediante representaciones que exploran la memoria, la identidad y la potestad de decidir sobre lo que se olvida o se recuerda. Un ejemplo icónico es ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’ (Michel Gondry, 2004), donde los protagonistas optan por borrar recuerdos dolorosos, planteando preguntas fundamentales sobre el derecho a controlar lo que se olvida, aunque en un plano eminentemente personal y no digital.
De manera más directa, ‘The Circle’ (James Ponsoldt, 2017), adaptación de la novela de Dave Eggers, presenta una distopía en la cual una corporación tecnológica centraliza y explota los datos personales, haciendo de la privacidad un
‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’, fotograma.
ideal prácticamente inalcanzable. Este planteamiento cinematográfico exhibe la resistencia de las grandes corporaciones tecnológicas a implementar mecanismos efectivos que garanticen el Derecho al Olvido, resaltando la problemática desde una óptica crítica.
Reflexiones Finales
El Derecho al Olvido constituye un desafío jurídico de creciente relevancia en la era digital, en la que la preservación de la dignidad individual colisiona frecuentemente con el derecho a la información y la libertad de expresión. La jurisprudencia europea, especialmente bajo el RGPD, ha ofrecido pautas significativas que, sin embargo, no logran aún un consenso global.
En el contexto mexicano, la falta de un reconocimiento explícito de este derecho plantea desafíos significativos para su aplicación efectiva. La necesidad de una reforma legislativa que contemple el Derecho al Olvido de manera más precisa se torna urgente, especialmente ante la creciente digitalización de la información y su impacto en la privacidad de las personas.
Desde la perspectiva cinematográfica, el Derecho al Olvido se materializa como una metáfora que ilustra la lucha humana por controlar su propia narrativa en un entorno tecnológico donde el pasado difícilmente se desvanece. Como sugiere Zuboff (2019) en The Age of Surveillance Capitalism , la tecnología redefine continuamente las fronteras de la privacidad, lo que convierte al Derecho al Olvido en un instrumento esencial no solo desde lo legal, sino también como un símbolo de resistencia cultural. Esta dualidad entre memoria y olvido también encuentra eco en producciones que cuestionan los límites éticos de la tecnología, como ‘Black Mirror’, cuya narrativa distópica explora las consecuencias de una sociedad donde cada acción queda registrada indefinidamente. En episodios como ‘The Entire History of You’, se plantea un escenario donde la ausencia de un “olvido” efectivo desdibuja la autonomía personal, reflejando los desafíos que el Derecho al Olvido busca mitigar en el mundo real. Así, el cine no solo amplifica las tensiones jurídicas, sino que también ofrece un espacio para imaginar futuros donde el equilibrio entre recordar y olvidar sea posible.
Bibliografía
- Solove, D. J. (2007). The Future of Reputation: Gossip, Rumor, and Privacy on the Internet. Yale University Press.
- Rosen, J. (2012). “The Right to Be Forgotten”. Stanford Law Review Online, 64, 88.
- Zuboff, S. (2019). The Age of Surveillance Capitalism: The Fight for a Human Future at the New Frontier of Power. PublicAffairs.
- Reglamento (UE) 2016/679 del Parlamento Europeo y del Consejo, de 27 de abril de 2016 (RGPD).
- Sentencia del TJUE, Google Spain SL y Google Inc. contra AEPD y Mario Costeja González, C-131/12, 13 de mayo de 2014.
D. Cristhian Iván Silva Lemus
Licenciado en Derecho Mercantil, Patrimonial y Registral
Maestro en Ciencias Jurídicas con especialidad en Blanqueo de Capitales y Derecho Tributario Internacional Estudios de Doctorado en Administración, Hacienda y Justicia en el Estado Social por la Universidad de Salamanca, España Área de especialidad doctoral: Derecho Tributario Internacional
Contacto: crissilem@usal.es Instagram: csilem
‘The Circle’, fotograma.
PROYECTOS CON SIGLAS AMC
Presentamos algunos de los proyectos en los que participan algunas socias y socios AMC con estrenos recientes o por venir.
‘Los dos hemisferios de Lucca’, película fotografiada por Serguei Saldívar AMC, disponible en Netflix.
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‘Mujeres del alba’, película fotografiada por Santiago Sánchez AMC, estrenó en cines.
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‘Cóyotl’, serie fotografiada por Guillermo Granillo AMC, AEC y Marc Bellver AMC, estrenó en MAX.
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‘Bienvenidos a la familia’, serie fotografiada por Daniel Jacobs AMC y Juan Pablo Ojeda AMC, estrenó en Netflix.
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‘Duster’, la serie con cuatro capítulos fotografiados por Celiana Cárdenas AMC, estrena el 15 de mayo en MAX.
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PROYECTOS CON SIGLAS AMC
‘El águila y el gusano’, película fotografiada por Sebastián Hirirat AMC, disponible en Vix.
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‘Sujo’, película fotografiada por Ximena Amann AMC, estrenó en Prime,
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‘Barbie’, película fotografiada por Rodrigo Prieto AMC, ASC, disponible en Prime.
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‘Con esa mirada’, serie con la participación de Juan Pablo Ojeda AMC, disponible en ViX.
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SUGERENCIAS DE LECTURA
Sugerimos estos dos títulos que te ayudarán a comenzar a fotografiar tus propios proyectos.
Manual de fotografía digital
SLR
Autor: John Freeman
La cámaras réflex digitales (DSLR) son, actualmente, la herramienta imprescindible para los aficionados y profesionales de la fotografía. Tanto si ya tiene una cámara DSLR como si está pensando adquirir una, o tiene intención de pasar de la digital compacta o de la película analógica tradicional a la réflex digital, este práctico manual le aportará toda la ayuda, inspiración y consejos que necesite. Escrito por el fotógrafo John Freeman e ilustrado con cientos de fantásticas fotografías, abarca todos los aspectos prácticos del manejo de la cámara DSLR y le ayudará a sacarle el máximo partido.
Editorial: H. Blume
Librería Gandhi
Precio: $702.00
Guía para hacer tu propia película en 39 pasos
Autores: Varios
¿Alguna vez has soñado con dirigir una película? ¡Ahora puedes rodarla con tu teléfono! Te contamos en 39 pasos cómo hacer tu propio film. Ya sea para un largometraje o para un clip de Youtube, con esta genial guía, amena y directa, las técnicas del séptimo arte dejarán de ser un secreto para ti. Preparación: el storyboard, el presupuesto, el equipo, las localizaciones, los ensayos? antes de lanzarte a rodar, que no se te escape nada de los preparativos..
Editorial: GG
Librería Gandhi
Precio: $352.00
AGENDA AMC
Abril - Mayo 2025
Los festivales y eventos relacionados con la industria cinematográfica continúan este bimestre, no te los pierdas.
64 Festival Internacional de Cine de Cartagena
Abril 1 al 6
Fundado en 1960, es el festival de cine más antiguo de América Latina. A lo largo de su historia se ha caracterizado por promover el riesgo y la renovación de la dramaturgia y la caligrafía cinematográfica de Iberoamérica y el mundo. https://ficcifestival.com
78 Festival de Cannes Mayo 13 al 24
La actriz Juliette Binoche presidirá el jurado de esta edición. La lista final con las películas que se presentan se dará a conocer el 10 de abril de 2025 en París.
https://www.festival-cannes.com/en/
22 Festival de Cine de Alicante
Mayo 17 al 24
Creado en el año 2004 con el objetivo de apoyar y difundir la cultura cinematográfica. El evento comenzó como una muestra de cortometrajes y presentaciones de largometrajes, evolucionando hasta convertirse en uno de los referentes de la provincia española.
https://www.festivaldealicante.com
26 Buenos Aires Festival Internacional de Cine
Independiente
Abril 1 al 13
Esta cita anual es un encuentro obligado para amantes del séptimo arte y un epicentro del cine independiente, con estrenos, invitados internacionales y una programación que desafía los límites de la pantalla. https://bafici.org
15 Festival Internacional de Cine de la Universidad
Nacional Autónoma de México FICUNAM
Mayo 29 al 5 de junio
Este año, entre los jurados de la competencia internacional, contarán con Alonso Ruizpalacios. Además del premio Puma de Plata, los ganadores reciben aportaciones económicas. https://ficunam.unam.mx
20 Ambulante, Gira de Documentales
Abril 3 a Junio 12
Cumpliendo treinta años, la gira recorrerá Ciudad de México, Baja California, Querétaro, Veracruz y Yucatán. María Secco AMC, SCU, y Erika Licea AMC, presentes con documentales. https://ambulante.org
REDES SOCIALES
Te invitamos a conocer y a seguir a algunas socias y socios de la AMC a través de sus redes sociales.
Luis Enrique Carrión
http://www.luisenriquecarrion.com
Jordi Planell
https://jordiplanell.com
Juan Pablo Ojeda
https://www.juanpabloojeda.com
Rocco Rodríguez
https://vimeo.com/dproccorodriguez
Miguel Ortiz Ulloa
https://www.miguelortizulloaamc.com
León Chiprout
https://www.leonchiproutcinematographer.com
ALFREDO ALTAMIRANO PRESIDENTE
JAIME REYNOSO
SECRETARIO IVÁN HERNÁNDEZ VOCAL
CONSEJO DIRECTIVO
DIANA GARAY V. PRESIDENTA
JERÓNIMO RODRÍGUEZ-GARCÍA VICEPRESIDENTE
LUIS GARCÍA VOCAL
MIGUEL ORTIZ TESORERO
COMITÉ DE HONOR Y JUSTICIA
CELIANA CÁRDENAS FERNANDO REYES A. MARTIN BOEGE
SOCIOS HONORARIOS
HENNER HOFMANN EMMANUEL LUBEZKI
NICOLÁS AGUILAR
MICHEL AMADO
JUAN PABLO AMBRIS
XIMENA AMANN
ALBERTO ANAYA
PEDRO ÁVILA
JOSÉ ÁVILA DEL PINO
MARIEL BAQUEIRO
GERARDO BARROSO
CLAUDIA BECERRIL
MARC BELLVER
DANIEL BLANCO
DONALD BRYANT
AGUSTÍN CALDERÓN
ALEJANDRO CANTÚ
LUIS ENRIQUE CARRIÓN
ALBERTO CASILLAS
CARLOS CORREA
CAROLINA COSTA
ALEJANDRO CHÁVEZ
XAVIER GROBET GABRIEL BERISTAIN
CARLOS R. DIAZMUÑOZ
ESTEBAN DE LLACA
SANDRA DE SILVA
FERGAN CHÁVEZ FERRER
LEÓN CHIPROUT
GERÓNIMO DENTI
ARTURO FLORES
MARIO GALLEGOS
RICARDO GARFIAS
FREDY GARZA
RENÉ GASTÓN
PEDRO GÓMEZ MILLÁN
CÉSAR GUTIÉRREZ
SOCIOS
MARíA SARASVATI HERRERA
ÓSCAR HIJUELOS
SEBASTIÁN HIRIART
DANIEL JACOBS
ERWIN JÁQUEZ
KENJI KATORI
JUAN CARLOS LAZO
GABRIEL FIGUEROA
JACK LACH
ALEX PHILLIPS BOLAÑOS
JORGE STAHL
RODRIGO PRIETO GUILLERMO GRANILLO
JOSÉ ANTONIO LENDO
ERIKA LICEA
MATEO LONDONO
DARIELA LUDLOW
JULIO LLORENTE
GERARDO MADRAZO
RODRIGO MARIÑA
ALEJANDRO MARTÍNEZ
TONATIUH MARTÍNEZ
ALEJANDRO MEJÍA
HILDA MERCADO
JAVIER MORÓN
JUAN PABLO OJEDA
RAMÓN OROZCO
MIGUEL ORTIZ
FITO PARDO
AXEL PEDRAZA
FELIPE PÉREZ BURCHARD
JORDI PLANELL
IGNACIO PRIETO
SOCIOS AETERNUM
EDUARDO MARTÍNEZ SOLARES
RUBÉN GÁMEZ
ÁNGEL GODED
SANTIAGO NAVARRETE
SARA PURGATORIO
JUAN PABLO RAMÍREZ
ANTONIO RIESTRA
RODRIGO RODRíGUEZ
CARLOS F. ROSSINI
SERGUEI SALDÍVAR
SANTIAGO SÁNCHEZ
LUIS SANSANS
ISI SARFATI
JUAN JOSÉ SARAVIA
MARÍA SECCO
JORGE SENYAL
EDUARDO R. SERVELLO
DAVID TORRES
PEDRO TORRES
EDUARDO VERTTY
JESSICA VILLAMIL
EMILIANO VILLANUEVA
ALEXIS ZABÉ
JAVIER ZARCO
CARLOS DIAZMUÑOZ GÓMEZ
TAKASHI KATORI
MIGUEL GARZÓN
TOMOMI KAMATA
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Pedro Gómez Millán AMC ‘Daredevil: Born Again’
‘Turno nocturno’, fotograma. Daniel Blanco AMC
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