• EXPOSICION COLECTIVA •
catálogo
a cerca de !Veci, venga le cuento! Desayunan, almuerzan y cenan, y pueden tener hasta cinco comidas al día. Algunos son omnívoros y otros vegetarianos. Se visten para el frío y también para el calor según sea necesario. Algunos tienen trabajos fijos en empresas, pero otros emprenden por su cuenta. Tienen Eps y la pandemia los golpeó fuertemente como a todos. Algunos viven solos, algunos tienen hijos y otros perrhijos o gathijos. Sobre todo trabajan para cumplir fechas de entregas y se emocionan cuando ven la cara del público disfrutando del resultado.
¿Tiene usted vecinos artistas? Aunque su trabajo suele ser vistoso y llamativo su función social pareciera invisible, pero ahí está, es como la de otras especialidades, hacer que el público se sienta identificado, informado o hasta retado. La selección que encontrará en esta muestra da cuenta del proceso de reflexión y creación continúa de 15 artistas de Usaquén que con el apoyo de IDARTES, el programa Es Cultura Local y la gestión de la galería ABLAC360, se reúnen para celebrar el regreso a las salas de exposición después de dos años de distanciamiento de sus vecinos.
Venga le muestro r b a o d a e L
pregunte sin pena
Si se antoja de alguna cosita y quiere saber de precios
Sebastián Alarcón Alarcón Sebastián
“Mi obra refleja aquella paradoja social con la cual me identifico: ser un ñero para los gomelos y un gomelo para los ñeros. Tal contraste me hace preguntar en qué lado estoy, y lo mismo pasa en mis imágenes: ¿Serán una desacralización hacia bellas artes y el elitismo que las sostiene? O más bien se trata de una romantización de la idiosincrasia colombiana. Para mi, son ambas cosas. Para los demás, supongo que depende de qué tan gomelos o qué tan ñeros sean.”
chicle, Chicle, maní, caramelo Pastiche Digital 63 x 71 cm 2020
Jesús en la cantina Pastiche Digital 39 x 30 cm 2020
El que se duerme pierde Pastiche Digital 39 x 30 cm 2020
Garzas y Verdolagas Pastiche Digital 39 x 30 cm 2021
Juan Camilo Barón
Juan Camilo Barón pintor y dibujante captura instantes de la vida cotidiana con un enfoque figurativo. Durante el proceso de la obra encuentra asociaciones con la historia de la pintura y el misticismo, generando imágenes que reflexionan la realidad interna y externa que gobierna la cotidianidad del ser humano. “En lo habitual de la cotidianidad se pueden conseguir las grandes finalidades de la vida, y mas que todo el sentido de la propia existencia. Por medio de la familia, el trabajo, las relaciones sociales y medioambientales existe una verdad que se encuentra en las cosas más simples de cada día, lo cual conduce a lo más profundo del ser, donde el espíritu y la materia trascienden y en algunos casos estos símbolos y conceptos se escapan de la percepción, por su aparente habitualidad.”
PIEZAS ÚNICAS
Carboncillo y Grafito sobre papel 95 x 122 cm 2021
fósforo
Ablución #1 Carboncillo y Grafito Sobre Papel 14 x 15 cm 2020 - 2021
Ablución #2 Carboncillo y Grafito Sobre Papel 14 x 15 cm 2020 - 2021
Ablución #3 Carboncillo y Grafito Sobre Papel 14 x 15 cm 2020 - 2021
Ablución #4 Carboncillo y Grafito Sobre Papel 14 x 15 cm 2020 - 2021
Ablución #5 Carboncillo y Grafito Sobre Papel 14 x 15 cm 2020 - 2021
Ablución #6 Carboncillo y Grafito Sobre Papel 14 x 15 cm 2020 - 2021
Ablución #7 Carboncillo y Grafito Sobre Papel 14 x 15 cm 2020 - 2021
Ablución #8 Carboncillo y Grafito Sobre Papel 14 x 15 cm 2020 - 2021
Ablución #9 Carboncillo y Grafito Sobre Papel 14 x 15 cm 2020 - 2021
Ablución #10 Carboncillo y Grafito Sobre Papel 14 x 15 cm 2020 - 2021
Paola Rodríguez Lopera
Paola Rodríguez Lopera (1992-) concluye su pregrado de Artes Visuales en la Pontificia Universidad Javeriana en marzo del año 2017. Su tesis, “La feminidad no solo se refiere a mujer. Deconstruyendo un concepto”, sustentada seis meses antes, pasaría a ser su primera exposición individual. Este trabajo no es sino el fundamento detrás de una experiencia propia, ya que su preferencia sexual y contextual, hace posible que ella reúna algunas posibilidades en las que el género y el sexo se expresan; en esencia, la artista exhibe que las construcciones sexuales no son binarias. Sin proponerse redimir o reconciliar dicha gama de identidades, Lopera asume que esta diversidad tiene una agenda pendiente de visibilidad, voz y acción, que han sido silenciadas u opacadas deliberadamente por contextos que, a su vez, pasan inadvertidos por su normalización o aceptación común. Entendiendo que entre lo femenino y lo masculino existe un espectro, la artista Paola Rodríguez Lopera evidencia en su trabajo estas construcciones como móviles, dinámicas y performáticas; con la capacidad de revelarse en múltiples escenarios, lugares, momentos, cuerpos, géneros, identidades y sexualidades. Las expresiones de género –sus distintas y particulares manifestaciones – son las protagonistas en su búsqueda por liberar a los cuerpos de estigmas y expectativas sociales enmarcadas por el sexo. El trabajo de Lopera evoca distintos tiempos por medio de representaciones familiares, en donde se evidencia lo perpétuo de esta multiplicidad de feminidades y masculinidades, diluyendo así el cuerpo habitado.
Retratos Familiares Serie
[Entendiendo familiar como conocido] Esta serie plantea el diálogo cercano, cotidiano, implícito y natural que existe entre distintos géneros, identidades y preferencias sexuales que libremente se manifiestan en un entorno familiar. Expresa la naturaleza de los géneros y su constante dinámismo.
La lopera Acrílico sobre Lino bastidor pino canadiense. 35 x 30 cm 2022
El Cacas Acrílico sobre algodón Francés 45 x 45 cm 2022
Cacas II Acrílico sobre lienzo 25 x 25 cm 2022
La Titi II Acrílico sobre lienzo 25 x 25 cm 2022
Loperas Acrílico sobre Lino bastidor pino canadiense 40 x 40 cm 2022
Los Quintana Acrílico sobre Lino bastidor pino canadiense 40 x 40 cm 2022
Mappe Lopera Acrílico sobre Lino bastidor pino canadiense 40 x 40 cm 2022
La Titi Acrílico sobre Lino bastidor pino canadiense 45 x 30 cm 2022
Mendieta Acrílico sobre Algodón Francés 35 x 30 cm 2022
Eduardo Merino Gouffrey
“Como artista que se mueve entre la ecología y las artes, decidí ver quiénes habitaban los territorios en los que he vivido toda mi vida. Cerca a una quebrada, coloqué una cámara trámala para ver a aquellos que me ven cuando no los veo. Huellas Nocturnas son los dibujos de esas imágenes y es un ejercicio para reconocer los seres vecinos nocturnos que muchas veces no alcanzamos a conocer.”
HUELLAS NOCTURNAS.
ceniza viendo a la nada Grafito sobre papel 24.5 x 15 cm 2021
Habitante Nocturno No. 2 Grafito sobre papel 25 x 20 cm 2021
Tyranno al amanecer Grafito sobre papel 26 x 20 cm 2021
Tres visitas felinas Grafito sobre papel 33 x 24 cm 2021
Ceniza y Polilla Grafito sobre papel 11.5 x 15 cm 2021
Habitante Nocturno Grafito sobre papel 11.5 x 15 cm 2021
Ceniza No. 2 Grafito sobre papel 11.5 x 9 cm 2021
Libélulas en la esquina. Grafito sobre papel 25 x 18 cm 2021
Ceniza No. 1 Grafito sobre papel 11.5 x 15 cm 2021
Ana María Lozano
(1993, Bogotá) Sus proyectos recientes orbitan temas como los deportes, la arquitectura y los ambientes cálidos. A menudo reflexiona sobre escenarios hipotéticos a través de un lenguaje minimalista. Su práctica actual está atravesada por la concepción y el desarrollo editorial, entendiendo este último término como lo múltiple. En su serie Paisajes desconocidos hace uso de la técnica del collage, de la asociación modular del color y otros elementos gráficos muy propios de su estética, para transportar al espectador a diferentes espacios imaginados.
PAISAJES DESCONOCIDOS.
pompeya Collage de papel de color 42 x 30 cm 2021
Terraza Collage de papel de color. 31 x 40 cm 2021
Oda a Hockney. Collage de papel de color 70 x 50 cm 2021
Desierto. Collage de papel de color 80 x 45 cm 2021
Augusto Smile Smile Augusto
EL PUNTO CIEGO
El imaginario efímero despierta la necesidad de fundir lo etéreo en la materia, otorgando carácter a una expresión que cautiva, ahora definida como objeto de la destreza, suspendida en un punto ciego que parte de una introspección, una mirada que busca encontrarse, lo que no se ve, a través de ventanas a la psique, aparecen ideas, simbologías examinadas, hasta descubrirse en el reflejo, y contemplarse en los ojos del arte.
Carboncillo sobre papel Mi-Teintes 19 x 57 cm 2022
resiliencia
Fuerza Carboncillo sobre papel Mi-Teintes 28 x 21.6 cm 2022
Furia Carboncillo sobre papel Mi-Teintes 43 x 45 cm 2022
Pecado Carboncillo sobre papel Mi-Teintes 43 x 45 cm 2022
Revelación Carboncillo sobre papel Fabriano 61 x 74.5 cm 2022
Sinergia Carboncillo sobre papel cartón 37 x 31 cm 2022
Sublime Carboncillo sobre papel Mi-Teintes 43 x 51 cm 2022
Jesús Hernández - Sincresus
“Pintaré donde sea que esté. Mi arte consiste en trasladar la esencia de la pintura a la cotidianidad. A partir de la representación figurativa en soportes no convencionales, creo una conversación directa del acto de pintar con el entorno donde me encuentro presente. Para ello recurro a las antiguas tradiciones del plein-air painting y la técnica alla prima situadas en el contexto Latinoamericano contemporáneo.”
VALE PARA UN VECINITO
carreta de reciclaje 1
Técnica mixta sobre tapa de plástico 3 x 3 cm 2022
El Veci-Periódico
Aguacate a 3mil dos en cinco
El Veci-taxi
Bonice
Compra-Libros
Cuadros y Espejos
Empanadas
Recarga y venta de extintores
Flores
Frutica Picada
Helados
Jugos y Salpicón
Los globos
Mecato
Lleve los cordones y pantalones
Tintico
Vidrios Templados
El vive 100
Carreta de Reciclaje 2 Técnica mixta sobre tapa de plástico. 3 x 3 cm. 20 x 20 cm. 2022.
David Mendoza
Mendoza ha enfocado su trabajo visual en los procesos análogos de la imagen tomando como punto de partida la fotografía experimental y la escritura asémica, construyendo así una estética y una plasticidad para el desarrollo de temáticas de interés como el tiempo, el movimiento y el espacio. Desde entonces esta búsqueda se ha inclinado hacia la exploración del cuerpo, tomando este como un elemento visual de gestación de un imaginario a desarrollar en donde el rastro, la huella y la materialidad al igual que el error han venido adquiriendo protagonismo en el hacer
EL ESTANQUE NO PARA CE CRECER
sin título Fotografía Análoga Impresión Fine Art 60 x 32.5 cm 2021
Plaza Compuesta 1 Fotografía Ánaloga, Impresión Fine Art 26 x 62 cm 2021
Plaza Compuesta 2 Fotografía Ánaloga, Impresión Fine Art 26 x 62 cm 2021
Plaza Compuesta 1 Fotografía Ánaloga, Impresión Fine Art 26 x 62 cm 2021
Sin Título Fotografía Ánaloga, Impresión Fine Art 26 x 62 cm 2021
Sin Título Fotografía Ánaloga, Impresión Fine Art 26 x 62 cm 2021
Sin Título Fotografía Ánaloga, Impresión Fine Art 26 x 62 cm 2021
Sin Título Fotografía Ánaloga, Impresión Fine Art 26 x 62 cm 2021
Moyo Lafenachii
ARTE CUÁNTICO / QUANTIC ART El ARTE CUÁNTICO se trata del ESPECTADOR, de nuevas DIMENSIONES que surgen de la OBRA al entrar en contacto con él. Es un proceso de DESCUBRIR la OBRA, INTERACTUAR con ella y TRANSFORMARLA. Saber que UNA sola obra tiene MULTIPLES versiones. Saber que UN solo color tiene MUCHOS Colores. Entender que ADENTRO del ESPECTADOR es donde SE CONSTRUYE la obra. La reacción de las obras pictóricas y escultóricas de MOYO a las LUCES LED, el BLACKLIGHT y las GAFAS 3D, promueve la interacción del ESPECTADOR exponiéndolo a la presencia de múltiples realidades de una misma obra, permitiéndole construir universos con nuevas características y distintas dimensiones ”En mis obras sugiero líneas, formas y materiales; las ideas, los objetos y los escenarios aparecen en la cabeza de cada ESPECTADOR. La OBRA NO ES LA MISMA para todos los espectadores.” Moyo. MOYO es un artista colombiano nacido el 9 de mayo de 1981 en Bogotá. Aunque su profesión es la producción audiovisual, incursiona en el arte desde temprana edad, su inicio fue con el dibujo y desde el 2009 lo mezclo con la pintura. En 2011 abre su primer taller en Teusaquillo en el cual el papel de colgadura y las pinturas neón se vuelven parte de sus herramientas de trabajo. En 2015 se traslada a una casataller en el barrio San Felipe, permitiéndole así realizar obras de gran formato y continuar su experimentación con la luz LED, el Blacklight y la pintura glow in the dark. Desde el año 2019 las gafas 3D resaltan la construcción en capas de las obras de MOYO lo que enriquece la experiencia del espectador frente a ellas.
PAPEL DE PAREDES
nada
Aéresol y Acrílico sobre papel de colgadura 81 x 55.5 cm 2020
Enseñando Señas a un Elefante Sordo Aerosol, carboncillo, oleo vinilo, tiza y acrílico sobre papel de colgadura. BIPTICO (109X57) (120X57) 2021
Palma de la mano. Aerosol, tiza y acrílico sobre papel de colgadura . BIPTICO IRREGULAR (65X88) 2020
SAY WHAAT?! Aerosol, tiza y acrílico sobre papel de colgadura 84.5 X 57.5cm 2020
Scrabble Aerosol, carboncillo, vinilo, tiza y acrílico sobre papel de colgadura 88.5 X 56.5cm IRREGULAR 2020
Santiago Castro
“Nací el 19 de Febrero de 1987 en Nemocón, Cundinamarca. Desde que tengo 14 años he escrito graffiti y ejecutado proyectos de arte en el espacio público bajo los seudónimos Cazdos y Word en las calles de Bogotá y otras ciudades del mundo. Soy Maestro en Artes de la Universidad de Los Andes con énfasis en Artes Plásticas. Desde el año 2011 me he especializado en tejer relaciones entre la pintura callejera, la historia urbana y las artes plásticas. En este sentido me interesa la investigación de grupos urbanos, las intervenciones de arte efímero en la calle, las prácticas artísticas inestables, las derivas urbanas y las cartografías del espacio urbano a través de ejercicios artísticos que giran sobre la tensión entre arte y ciudad. He sido editor y fundador de proyectos como el foro Escritores Urbanos y la revista Objetivo Fanzine (2005). En 2013 participe en la fundación y formación del espacio La Quincena: lugar dedicado a la formulación, promoción y exposición de proyectos de arte. En los últimos 15 años mi trabajo ha sido expuesto en festivales de Graffiti y Street Art locales e internacionales entre los que se destacan: Baladk Festival (Amman, JO), Big Walls Big Dreams (Miami, US), La Bienal de Muralismo y Arte Público (Cali), Ciudad Mural Getsemaní (Cartagena), Festival Píctopia (Medellín), Meeting Of Styles (Lima, PE), Ciudad Mural (Bogotá, COL), Ciudad Mural (Cartagena, COL), Hiphop Al Parque (Bogotá, COL), Ciudad In.visible en el Museo de Bogotá (Bogotá, COL), Desfase Primer y Segundo Asalto (Bogotá, COL), Aerosoul (Bogotá, COL), Festival Urbano (Bogotá, COL), Memoria Canalla en el Museo de Bogotá (Bogotá, COL), Festival Atacarte (Cucuta, COL), Estereo Picnic (Bogotá, COL). Mis obras y piezas murales se pueden ver en Bogotá, Cartagena, Santiago de Cali, Medellín, Cúcuta, Villavicencio , Cajícá y Florencia; y en ciudades del mundo como Estambul( Turquía), Ankara (Turquía), Lisboa (Portugal), Amman (Jordania), Ottawa (Canadá), Amberes (Belgica), Miami (Estados Unidos), Lima (Perú), Buenos Aires (Argentina), Madrid (España), Paris (Francia) y Berlín (Alemanía).”
CALIGRAMAS Y BANDERAS
Pintura Acrilica sobre. Papel Fabriano Rosaspina 280g 60% Algodón 43 x 58 cm 2022
love live live #3 #3 love
Bandera #1 Oleo Sobre Papel Fabriano Rosaspina 280g 60% Algodón 33,5 x 43,5 2022
Bandera #3 Oleo Sobre Papel Fabriano Rosaspina 280g 60% Algodón 43 X 58 2022
Bandera #4 Oleo Sobre Papel Fabriano Rosaspina 280g 60% Algodón 33,5 x 43,5 2022
Bandera #7 Oleo Sobre Papel Fabriano Rosaspina 280g 60% Algodón 43 X 58 2022
Bandera #19 Oleo Sobre Papel Fabriano Rosaspina 280g 60% Algodón 33,5 x 43,5 2022
Love Live #2 Acrílico Sobre Papel Fabriano Rosaspina 280g 60% Algodón 33,5 x 43,5 2022
Lourdes Navarro
El proyecto trata la construcción arquitectónica de la marginalidad latinoamericana y cómo ésta construye el paisaje de la ciudad. Me interesa recalcar la manera en que las casas de los barrios de invasión se constituyen, y por tanto la forma de impactar el paisaje citadino. El proyecto Slums evidencia una investigación de 6 años, a través de la representación de barrios populares en varios formatos y técnicas como por ejemplo: arena, cemento, ladrillo, etc. Esta reunión de lenguajes es un recorrido en el tiempo por dicha investigación que deja ver diferentes aproximaciones en el enorme tema de la arquitectura marginal.
SLUMS
paisaje bogotano Paisaje Acrílico sobre lienzo 69.8 X 120.5 cm 2022
El tesosro, el dorado y la joyita Acrílico sobre lienzo 60 x 19.5 cm c/u 2019
Cobtrastes Bogotanos Acrilico, arena, ladrillo molido sobre madera cedro. 70 x 94 cm 2012
Laura Castro
Se dice que es posible saber mucho de una persona a través de su trato hacia los demás. Entonces, ¿qué se puede decir sobre nuestra sociedad basados en el trato que tenemos los unos a los otros?
¿QUIÉNES SOMOS? RETRATO SOCIAL
Es una serie de pinturas que aborda temas como el individualismo, el abandono, la inequidad y nuestro rol en el mundo. Estas señalan características de nuestra cultura que se promueven a través de los sistemas sociales y económicos que nos gobiernan y que nos han alejado de la empatía, la colaboración y la justicia social. Este proyecto invita a cuestionar esos valores que hoy en día nos permiten aceptar con normalidad condiciones como la pobreza, el hambre y la violencia, e incluso nos las hacen ver como situaciones inevitables. En general, la ciudad, y cada espacio y objeto que encuentro en ella, especialmente en un estado de deterioro, ha sido el eje central de mis obras. Ya sea a través de la representación de paisajes urbanos, o de la recolección de objetos abandonados en las calles, encuentro una manera de hablar de la realidad en la que me he criado, donde el aparentar que todo funciona a la perfección, esconde los verdaderos problemas de nuestra sociedad, al mismo tiempo que mantiene a los ciudadanos en una especie de anestesia. Este juego de la apariencia es lo que motiva cada pieza que realizo. Con ello, trabajo temas como las fachadas en barrios vulnerables de Bogotá que se decoran como lugares alegres a través de sus colores vivos, o la transformación de objetos abandonados que terminan en un lugar ambiguo entre un objeto decorativo y un pedazo de basura. La idea de espacios físicos, como momentos, memorias, situaciones, interacciones, [como no-espacios], al igual que sus límites, son conceptos que han permeado mi trabajo más reciente.
cada quien por su lado
Acrílico sobre Lienzo. 40 x 30 cm 2022
No hay quién cuide el chuzo. Acrílico sobre lienzo. 30 x 40 cm 2022
¿Somos personas o cifras? Acrílico sobre lienzo. 40 X 30 cm 2022
¿Y ahora quién recoge el reguero? Acrílico sobre lienzo. 30 x 40 cm 2022
Potenciales desperdiciados. Acrílico sobre lienzo. 30 x 40 cm 2022
Daniel Valencia
Pintor y dibujante, maestro en artes plásticas de la Universidad de los Andes. Entiende el espacio bidimensional como un teatro de la imagen donde elementos de distintos orígenes convergen para configurar nuevas lógicas. Le interesan las relaciones del humano con el lenguaje. Investiga los dichos populares, el doble sentido, la malicia, jeringonzas y jitanjáforas. Está comprometido en ahondar en la identidad colombiana y latinoamericana desde una aproximación plástica que sea fiel testigo de su experiencia y curiosidad. También está vinculado a procesos curatoriales y a la investigación de archivos de arte en Colombia.
MONOCROMOS
n.n. Óleo sobre tela. 60 x 80 cm 2020
Carmelita Óleo sobre tela. 60 x 80 cm 2020
Carrataplán Óleo sobre tela. 80 x 60 cm 2020
Zumbambico Óleo sobre tela. 60 x 80 cm 2020
Pimpina Video Station Nicolás Gamba • Santiago Sánchez • Julián Angarita
SEVERO COCHOBIZ
Es un proyecto que forma parte del colectivo Pimpina Video Station, un grupo de artistas de diferentes disciplinas enfocados en crear formas alternativas de consumo de arte. Esta colección trata de la búsqueda del artista por ser consumido. La crema representa la cubierta superficial y vacía que envuelve la cultura contemporánea. Al consumir algo, tendemos a demandar que sea apetecible, delicioso, que decore nuestra sala o que cause algún tipo de satisfacción, incluso antes de preguntarnos lo que está detrás de esa cubierta, pantalla, maquillaje, estilo, ropa, etc. Severo cochobiz es una denuncia y un comentario crítico a este fenómeno en el ámbito del arte contemporáneo. El artista emergente muchas veces se ve obligado a adaptar su gesto y su discurso a las estéticas imperantes del mercado, para lograr que su trabajo sea remunerado y para ser considerado artista por ese pequeño y absurdo círculo elitista, académico y colonial que encarna la institucionalidad del arte en Colombia o para conseguir algún lugar en el mercado del crypto arte. Así mismo, es en este contexto que surge Severo Cochobiz como emprendimiento. En la búsqueda de una intersección entre un producto de consumo popular y cotidiano que se pueda integrar con las reflexiones conceptuales y estéticas del arte contemporáneo, se llegó a la industria de la pastelería. A partir del potencial plástico de la crema pastelera comenzó una exploración de las figuras populares que constituyen la idea de cultura desde la subjetividad de cada miembro del colectivo. Actualmente el proyecto como emprendimiento continúa en desarrollo.
pastel dante Técnica mixta (acrílico, pegamento) sobre madera . 70 x 100 cm 2022
Son Espectadores Fotografía. 50 x 40 cm 2021
Shrek Diaz Fotografía. 50 x 40 cm 2021
Piñata Técnica Mixta (Acrílico y pegamento sobre plástico) 46 x 46 cm 2022
Deseo Técnica Mixta (Acrílico y pegamento sobre plástico) 43 x 43 cm 2022
Piezas 3D
Cream: The artist’s game token Animación 3D 1080 X 1080 Px 2022
Cream: Ideals Animación 3D 1080 X 1080 Px 2022
Cream: The hero Animación 3D 1080 X 1080 Px 2022
Cream: The body Animación 3D 1080 X 1080 Px 2022
Cream: The columns Animación 3D 1080 X 1080 Px 2022
Nelson Nelson Plested Plested
“Como artista me interesa resaltar las relaciones de poder que existen dentro del constructo de sociedad, investigar sobre los aspectos auto-reflexivos del ejercicio artístico que pueden generar cuestionamientos cada vez mayores, es decir, aumentar la entropía y la incertidumbre dentro de mí y si es posible dentro de los demás. Mi producción artística está dirigida a problematizar y generar preguntas sobre diferentes aspectos de la vida cotidiana, en ocasiones puede ser trascendental y en otras banal y frívolo. Me interesa restarle importancia a aspectos sociales que se consideran importantes como la política, la religión y todo aquello que tenga una posición hegemónica dentro de la cultura, como el arte mismo; Unas veces por medio de la sátira y otras por medio de la denuncia y la crítica. Durante mi práctica creativa trabajo en torno a la necesidad que nace de aquello que capta mi entera atención, posteriormente me enfoco en elegir el medio adecuado a mi criterio y luego de esto el proceso experimentativo desemboca en un producto palpable. Busco que contenga aquel picante que puede ser profundo, visceral y reflexivo o banal, divertido y pícaro. Trabajo por medio del lenguaje audiovisual y visual, esto supone la utilización de herramientas concebidas dentro de las artes plásticas. Aquellos elementos pueden ir desde los medios tradicionales hasta la implementación de lenguajes experimentales y nuevos medios.”
el Gamonal gamonal El Acrílico sobre Lienzo. 180 X 120 cm 2021
La parca y la iglesia Acrílico sobre lienzo. 25 x 25 cm 2022
Demonio AUC Acrílico sobre lienzo. 25 x 25 cm 2022
Ganadería Extensiva Acrílico translúcido. 30 x 25 cm 2022
Monumento Acrílico translúcido 45 x 20 cm 2022
Glifosato Acrílico translúcido 28 x 58 cm 2022
Coordinación General: Nathalie Libos Gestión Institucional: Gustavo Espinel M. Cuaraduría: Ricardo Perdomo H. Diseño Gráfico: Diana A. Ramos. RRPP: Ma. Catalina Rodríguez Comunicaciones: Ma. Fernada Arias y Ana María Lozano Producción: Leonardo Rubio y Jesús Sierra. Asesor Comercial: Juan Pablo Martínez.
Venga le digo
Mil gracias por apoyar el proyecto de
No olvide comprar local y que
Hoy hoy no fío, mañana sí