Catálogo sincretismo arte peruano contemporáneo 2017

Sincretismo arte contemporรกneo PERร

Pal aci o Barrantes-Cervantes.Truj i l l o,Cรกceres Del11de mayo al25 de j uni o de 2017

L aF u n d a c i ó nOb r aP í ad el o sP i z a r r oe su n ai n st u c i ó nd ec a r á c t e r h i s t ó r i c oq u ed i s f r u t ad eu na l t ov a l o rr e p r e s e n t av oyu n ap r o f u n d a v i n c u l a c i ó nc o nl a ss o c i e d a d e sc o nl a sq u ec o mp a r t el ah i s t o r i ad es u s f u n d a d o r e s ,p r o t a g o n i s t a sd ea l g u n a sd el a s má sa p a s i o n a n t e s , c o n t r o v e rd a syt r a s c e n d e n t a l e sp á g i n a sd el ah i s t o r i au n i v e r s a l .

He r e d e r ayd e p o s i t a r i ad ee s t ah i s t o r i a ,s es i t ú ae ne ln ú c l e od el a s i d e nd a d e sd el a ss o c i e d a d e st r u j i l l a n a ,e x t r e me ñ a yp e r u a n a ,y p r o y e c t ae s ep a p e l s o b r ee l e s p a c i oc u l t u r a l h i s p á n i c o ,c o n st u y é n d o s e e nv í n c u l o , s í mb o l od el oc o mú n , d el oq u eu n eal o sp u e b l o sau n oy o t r ol a d od e lAt l á nc o .Dee s t af o r mae x t r e me ñ e i d a d ,p e r u a n i d a dy c a r á c t e rh i s p á n i c o ,e n t e n d i d o sc o mos e n mi e n t od ei d e nd a dc o nl a s s o c i e d a d e sa f e c t a d a sys ud e sn o ,s ec o n v i e r t e ne na t r i b u t o sd el a F u n d a c i ó n , yl ad o t a nd e l a l t ov a l o r h i s t ó r i c oys i mb ó l i c od e l q u eg o z a .

L o q u ec o n st u y e , s i nd u d a , e l ma y o rp a t r i mo n i od el ai n st u c i ó n .

E l l oh a c eq u es e ap e r c i b i d ac o mou na c t o rn e c e s a r i oe ne lá mb i t o c u l t u r a lc o mú n ,yq u ed e s a r r o l l a re s t ep a p e ls ec o n v i e r t ae nu n r e q u e r i mi e n t oi n e l u d i b l e , l ad i r e c c i ó ne nl aq u el aF u n d a c i ó no r i e n t as u s e s f u e r z o s .

P o re l l or e u n i rae s t en u t r i d og r u p od ea rs t a sp e r u a n o sys u o b r ae nT r u j i l l o ,c u n ad en u e s t r ah i s t o r i ac o mú n ,c o n st u y es i n c e r oy d e c i d i d or e c o n o c i mi e n t od el ar e a l i d a dme sz ad el a ss o c i e d a d e se nl a s q u es ee n c u e n t r ai n me r s a , yd el ar i q u e z aq u ee l l oc o n l l e v a , c l a r a me n t e d ema n i fi e s t oe nl ao b r ae x p u e s t a ,e nl aq u ec o l o r e syf o r ma sn o s t r a s l a d a nau n i v e r s o sd i s t a n t e syc e r c a n o s , e nl o sq u en oe n c o n t r a mo s d i fi c u l t a dp a r ar e c o n o c e r n o s .T o d au n ai n v i t a c i ó np a r ad i s f r u t a rd el a e x p o s i c i ó nq u en o so c u p a .

SINCRETISMO: A r te p e r u a n o c o nte m p o rá n e o

El Perú es un país mestizo, diverso y multicultural, orgulloso de la riqueza con la que esta condición sigue marcando nuestra realidad en muy distintos ámbitos de la historia contemporánea. Somos, pues, herederos de una cultura ancestral que a lo largo del tiempo ha recibido aportes foráneos que han coadyuvado a dibujar una identidad propia que celebraremos de manera especial en el Bicentenario de vida republicana.

Las obras que conforman esta exposición “Sincretismo: Arte Perú Contemporáneo” recogen y reconocen elementos constitutivos andinos, hispanos, africanos, asiáticos y europeos, y los proyecta nítidamente en la manera de expresar el arte. Los trazos, colores, formas, texturas, luces y sombras revelan nuestro ADN mestizo y, al mismo tiempo, generan una dinámica de gran apertura para añadir historias personales diversas que al enriquecer la obra producen propuestas pictóricas de admiración.

Si el Inca Garcilaso de la Vega migró desde su natal Cusco a tierras españolas en el siglo XVI, desplegando un talento al enfrentar con éxito las dificultades que le tocó vivir, y fue capaz, desde la península, de brindar al mundo una obra de carácter universal, así los artistas peruanos que participan en esta exposición han dejado el Perú y escogido España para trabajar su arte a partir de visiones, símbolos y emociones, todos ellos reflejados en sus pinturas, que con toda seguridad serán muy bien acogidas.

J o s é A nto n i o G a rc í a B e l a u n d e Embajador del Perú en España

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D E M I TO S Y D E R I TO S : L a c e l e b ra c i ó n d e l m i ste r i o m e d i a nte l a fo r m a y e l c o l o r e n e l a r te “Son los artistas los representantes de las verdaderas fuerzas creadoras de una civilización o de una sociedad. Por su creación, los artistas anticipan lo que sucederá – a veces una o dos generaciones más tarde - en los demás sectores de la vida social y cultural.”

Mircea Eliade[1]

M ª d e l S o c o r ro M o ra C Comisaria de la muestra

Vivimos en tiempos de grandes contradicciones: por un lado nos damos cuenta de los grandes logros del ser humano, por otro somos conscientes de la enorme destrucción que están causando nuestras ansias de conocimiento y también, porque no decirlo, nuestra creatividad. Ahora más que nunca, en esta época de incertidumbres, necesitamos que funcionen nuestras neuronas espejo –las que participan no sólo en la imitación de las acciones sino también en la comprensión de la intención de las mismas- y para ello es preciso reflexionar en lo que dice M. Gazzaniga: “El grupo social limita la conducta individual y la conducta individual define el tipo de grupo social que se desarrolla. Esto nos lleva de nuevo a la idea de que la conducta individual no es solo fruto de un cerebro aislado y determinista sino que está influida por el grupo social”[2]. De modo que el individuo y la sociedad interaccionan, se modelan mutuamente, se influyen para bien o para mal. Es por ello que esta sociedad contemporánea, posmodernista, materialista, convulsa y globalizada necesita más que nunca metarrelatos y ritos acordes con sus necesidades que están marcadas por un miedo exacerbado al futuro o por la búsqueda desmesurada del placer inmediato. Si M. Eliade tiene razón cuando dice que los artistas son la verdadera fuerza creadora de la sociedad, entonces también la tendría cuando dice que después de un verdadero final vendrá un verdadero comienzo, al menos en lo que a arte se refiere, espacio en el que sí parece que funcionará el mito del eterno retorno, aunque nos cueste recuperar el paso perdido sobre lo que significa la verdadera función del arte: “Al contemplar algunas obras recientes, se tiene la impresión de que el artista ha querido hacer tabula rasa de toda la historia de la pintura. Más que una destrucción, es una regresión al Caos, a una especie de massa confusa primordial. Y, sin embargo, ante tales obras, se adivina que el artista está a la búsqueda de algo

[1] ELIADE, MIRCEA. (1991). Mito y Realidad. Barcelona: Editorial Labor. P. [2]

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79 GAZZANIGA, M. S. (2012). ¿Quién manda aquí? El libre albedrío y la ciencia del cerebro. Fuenlabrada: Paidós. P. 192.

DE MITOS Y DE RITOS: La celebración del misterio mediante la forma y el color en el arte : Mª del Socorro MoraC

que no se ha expresado aún. Le era preciso reducir a la nada las ruinas y los escombros acumulados por las revoluciones plásticas precedentes; le era preciso llegar a la modalidad gremial de la materia para poder recomenzar a cero la historia del arte. En muchos artistas modernos se nota que la ‘destrucción del lenguaje plástico’ no es sino la primera fase de un proceso más complejo y que la recreación de un nuevo Universo debe seguir necesariamente.”[3] No todos los pensadores son tan optimistas porque son conscientes de que vivimos en una sociedad desacralizada, objetiva o pseudocientífica en la que los mitos y los ritos posmodernos están contaminados por un afán de divertimento que lo único que busca es la máxima distracción más no el conocimiento profundo de nuestro sentido como seres humanos. Si antes los rituales eran la recreación de un mito ancestral ahora son simple y llanamente la repetición de un espectáculo en la que los egos emergen en su máximo esplendor. Por el respeto que le merecen ciertos mitos y ritos, A. Colombres escribía: “Al mito sigue el rito, como puesto en escena de este imaginario, a fin de reducir su polisemia y darle forma una concreta, capaz de intensificar con su fuerza unificadora, la experiencia comunitaria con el eje del fetiche […] se quiere explicar la gran movilidad de los sentidos creados socialmente, apelamos para ello al concepto de energía simbólica, o sea, la capacidad siempre limitada por el tiempo y la estructura psíquica de cada individuo de significar los seres y las cosas que lo rodean o a las que accede, es curioso que hasta ahora la teoría occidental del arte no haya intentado explicar esto, cómo algo que se inserta en el corazón de lo sagrado por la tarde puede convertirse a la noche en basura simbólica o –lo que es peor- cargarse casi de una energía negativa casi diabólica.”[4] Porque si bien el mito podría ser la explicación racional -desde nuestra corteza prefrontal- a los miedos y deseos más profundos que subyacen en la amígdala y el estriado, parece ser que lo negativo también tiene sus “razones”, de lo contrario no existirían seres que justifican sus terribles acciones como desde antiguo ha sucedido. Así, lo que significó algo importante para la evolución de la humanidad como es el amor o la religión pueden convertirse en estorbo para otras generaciones como lo explicaba A. Huxley en su conocida novela “Un mundo feliz”, en la que los que creían en esas dos palabras eran considerados “primitivos” como las grandes sociedades industriales consideran ahora a los que cuidan sus ríos o sus mares. Si en los albores de la sociedad los artistas-chamanes eran responsables de la sobrevivencia de su pequeño grupo tribal, ahora el artista-líder o coach tiene la misión de mover las consciencias hacia un nuevo despertar que nos lleve a una verdadera unidad con nosotros mismos y con los demás, como una especie respetuosa de su entorno y de su futuro. Quizá es tiempo de que los artistas comiencen a transmitir una nueva espiritualidad, esa que como dice G. Perna no está reñida con la ciencia: “La espiritualidad, en especial, enseña claramente que estados mentales como el odio, la ira, el deseo, el orgullo y los celos son perturbaciones capaces de obstaculizar el bienestar psíquico del individuo, al contrario de otros estados mentales como la compasión, la alegría o el altruismo, considerados componentes insustituibles del bienestar psíquico de los individuos. […] la pretensión de la ciencia de poder prescindir de la tradición espiritual en la comprensión del funcionamiento de nuestra mente, parece encontrar su impugnación en los descubrimientos científicos más recientes.”[5] Y son precisamente los científicos como R. Davidson et al.[6] los que profundizan en estos temas al estudiar las emociones, su aprendizaje y las conexiones cerebrales que las favorecen. Porque sí, parece que podemos aprender a ser compasivos y empáticos en un entorno adecuado. Los artistas que son el eco de su sociedad tienen dos opciones: incidir en lo negativo o indagar en lo positivo que tiene el ser humano desde sus contrastes, su fragilidad o su falta de coherencia. Esto es lo Los creadores que se presentan en esta muestra han pretendido [3]

ELIADE, Op. Cit, pp. 78-79 COLOMBRES, A. (2005). Teoría Transcultural del Arte: Hacia un pensamiento visual independiente. Buenos Aires: Ediciones del Sol. P. 12 [5] PERNA, G. (2005). Las emociones de la mente. Biología del cerebro emotivo. Madrid: Ediciones Tutor. P. 132.

[6] WENG HY, FOX AS, SHACKMAN AJ, STODOLA DE, CALDWELL JZ, OLSON MC, ROGERS GM, DAVIDSON RJ. (2013) Compassion Training Alters Altruism and Neural Responses to Suffering. [ 9] [4]

DE MITOS Y DE RITOS: La celebración del misterio mediante la forma y el color en el arte : Mª del Socorro MoraC

plasmar para sus congéneres -de modo armonioso y buscando un nuevo comienzo, sin aspavientos- la belleza y la paz que aún se puede encontrar en nuestro convulsionado mundo. Sincretismo, simbiosis, simbolismo es lo que logran mediante su saber hacer y la excelente fusión de las distintas influencias que han tenido a lo largo de su existencia, no sólo personal sino colectiva. Los distintos significados que demos a sus obras dependerán tanto de nuestra capacidad de percepción como de nuestro aprendizaje previo. La obra de José Ugaz, tiene una cierta raíz precolombina, sobre todo un parentesco con los mantos paracas de la etapa final, es decir, con el barroquismo repetitivo pleno de figuras que danzan entremezclándose como queriendo marear al espectador. Este artista autodidacta, persistente y resiliente es un ejemplo de creatividad y constancia para las futuras generaciones.

Asmat Chirinos-Zavala nos acerca sutilmente a las profundidades del misterio y lo oculto de nuestras ancestrales culturas mediante un magistral manejo de los azules en gama melódica o en complementarios. Experimenta con diversos materiales y texturas, para acercarnos a lo desconocido, aquello a lo que sólo unos cuantos privilegiados tienen acceso, como los chamanes de antaño. Marco Martínez recrea un mundo andino pleno de color en una semi-abstracción geométrica, logrando una ofrenda etérea de matices y formas que nos conduce hacia antiguos mitos olvidados. Las alegorías de Raúl Luza tienen un trasfondo ancestral que hunde sus raíces en el ayer, pero con un gesto contemporáneo que permite diversas lecturas. Miguel Collantes es un artista-investigador en constante evolución con un fuerte cromatismo que ilumina nuestro cerebro con sus expresivos contrastes. Su obra tiene una lectura contemporánea y posmodernista ya que se atreve a visitar los ritos y los mitos del ayer para mostrarlos con un lenguaje actual. Por caminos similares transita Percy Gómez Lizárraga, quien desde un neoindigenismo o costumbrismo posmodernista, se desliza hacia lo posmoderno partiendo del enorme amor que profesa a su Xauxa natal. Las Llicllas (manta fina que llevan las mujeres por encima de los hombros) recreadas son sólo un pretexto para rendir homenaje a uno de los símbolos de su tierra. MoraC, mediante un lirismo semi-abstracto, nos revela un mundo sutil, colorido, a menudo intrigante y cambiante. Lo lúdico de este tipo de obras es que permite al espectador jugar con significado, convirtiendo el acto de observar en un acto de creatividad y de descubrimiento.

Quizá el misterio del inicio de nuestra andadura como seres humanos sea la adquisición de nuestra conciencia, de nuestros sofisticados lenguajes y de las innumerables manifestaciones de arte a lo largo del tiempo y el espacio; pero sobre todo del desarrollo de nuestra capacidad de empatía hacia los demás o esa profunda admiración ante lo misterioso y sagrado. El sabernos efímeros y querer transmitir a las siguientes generaciones nuestros memes [7] nos ha movido a lo largo de nuestra evolución. Pero, sobre todo, nos ha movido la necesidad de superación y de resolver los problemas que nos planteaba el entorno. Entorno que ahora nos pide que no nos olvidemos de él si queremos continuar nuestro viaje en esta nave azul. Magia, mito, rito y religión -en su verdadera acepción: volver a ligar- están unidos al arte y nuestros pueblos conservan muchas de sus tradiciones milenarias, sobre todo esa sabiduría de saber vivir en armonía con su entorno, que el hombre posmoderno necesita con desesperación. Por ello nuestros artistas se nutren de sus historias, paisajes, recuerdos, cuentos, mitos y ritos. Esta muestra, gracias a la diversidad y al plural lenguaje de sus creadores, es un canto al misterio y a la belleza que encierra nuestro continente, que debería crecer con ojos abiertos, sin estropear el hermoso legado de nuestra madre naturaleza, ya que pertenece a toda la humanidad.

[7]

Memes o unidades culturales de información, es una palabra acuñada por R. Dawkins y que tiene una profunda importancia para la ciencia que estudia las influencias del entorno, la epigenética. [ 10 ]

Una visión cosmológica y v i ve n c i a l

J o a n L l u í s M o nta n é D e l a A s o c i a c i ó n I nte r n a c i o n a l d e C r í t i c o s d e A r te ( A I C A )

El arte peruano contemporáneo goza de excelente salud y está representado por artistas muy vitales que poseen una visión cosmológica y vivencial muy concreta, basada sobre todo, en su mundo interior, y en la proyección del yo más escondido para rodearse de los acontecimientos cotidianos e importantes que les influyen.

Esta exposición es un buen ejemplo de ello: se trata de creadores que conciben el arte siguiendo las directrices y conceptos que los definen buscando una internacionalización que los hace universales en la expresión de lo fenomenológico.

José Ugaz exhibe en su serie de ‘Paisaje Cósmico’ escenografías de una gran elaboración, dentro de estructuras que no ofrecen cerrazón sino amplitud de miras y libertad de sensaciones, basadas en un universo específico en el que desarrolla una visión cósmica de carácter orgánico, de índole estructural geométrica, posicionada en el espacio, sin atraparlo, como flotando pero a la vez totalmente sutil y evanescente. Es una sensación lograda de solidez dentro de los parámetros de lo insinuado, muy elaborado y, a la vez, ejemplificante. El reconocido artista peruano presenta un elegante dominio del color, buscando combinar tonos sutiles con otros más fuertes, dentro de formas que son abiertas y que a la vez forman un microcosmos en el macrocosmos.

Asmat Chirinos-Zavala se recrea en el dominio del difuminado, de los tonos sutiles que muestran un interior rico en posibilidades formales que no acaban de formarse, que se alejan de la forma concreta, pero que dejan entrever cosas, personajes, situaciones y se rodean de magia cromática sutil, tanto en su serie ‘Nube Gris’, ‘Santuarios’ y otras, realizadas en óleo sobre lino.

Exhibe cuidadas transparencias, superposición variada cromática dentro de una amplia gama de tonos, incisiones emergentes, buscando el juego de compartimentos que el color ofrece cuando se mezcla, con la agilidad que le caracteriza, en un entorno donde lo sutil predomina con colores cálidos, y otros más evidentes pero sin que por ello se produzca un contraste desafiante sino, antes al contrario, consolida una propuesta que este creador con un amplio bagaje internacional, basada en el mundo de lo interior alegórico y sugerente, muestra para prepararnos para el viaje de lo profundo.

María del Socorro MoraC prefiere la obra basada en un intenso cromatismo, dominado por colores cálidos en toda su gran diversidad de series en las que predomina el rojo, violeta, azul, verde y otros colores.

Busca lo interior, a partir de hilvanar la sensación, la imagen de esta sensación que construye dentro de su particular poética, en la que lo importante es ser coherente con su interior consciente en posibilidades.

En la serie ‘Materia & Memoria’ une formas con colores elaborando estructuras, de tal manera que halla la puerta de acceso a mostrarnos de forma insinuada aquello que le permite ser, sin olvidarse delo fundamental a pesar del [ 11 ]

Una visión cosmológica y vivencial : Joan Lluís Montané

paso del tiempo. Mientras que en la serie ‘Eterno retorno’ es fiel a su preocupación por la temática, buscando la fuerza del color para apoyar la alegoría que la define.

Miguel Collantes Depaz trabaja en sus óleos sobre lienzo los paisajes y las figuras, sin buscar la representación, adentrándose en la fuerza del cromatismo controlado por la forma. En realidad es un diálogo permanente entre la expresividad de las formas, con la fuerza y la sutileza del color.

Busca en sus paisajes exhibir lo exterior, buscando a través del color trascender lo visto, profundizando en lo que se siente al contemplarlo, más que en describirlo como tal. Es decir que prefiere la visión de la sensación producida más que la verdadera determinación del detalle. Mientras que sus acuarelas sobre papel, exhiben en ‘El hombre que más se parece a sí mismo’ o bien en ‘San Bruno’ o en ‘Paisaje rodado’ las posibilidades de la forma y la expresividad de la aguada en auténticas composiciones donde el volumen asoma.

Raúl Luza Luyo se decanta por la obra más orgánica, buscando en su encrucijada de formas plasmar la fuerza de la realidad: ‘Tragacoches’, ‘Maíz’, ‘Posesión’, donde combina una clara ironía que expande en la pintura para aproximarse a una composición desde la distancia pero implicándose en los resultados.

Construye formas con colores intensos, vitales, combinados con otros más sutiles, pero predominando la fuerza expresiva del color.

Reúne diferentes planos y situaciones, formas y colores, para expresar en una misma exhibición las posibilidades de una estructura para reinventarse en otras estructuras que nos exhiben diferentes planos de una misma idea pero diferentes conceptos aunque complementarios.

Percy Gómez Lizarraga exhibe pintura de capacidad expresiva, de planteamiento surreal y contrastada temática, donde la idea predomina, buscando la fuerza de lo emblemático y captando una realidad que está ahí, en ocasiones dramática, pero que no evade, y que prefiere profundizar para conocer.

‘Cuando la muerte ronda tu vida’ presenta esa evidencia de realidad mientras que en ‘Danza’ es más alegórico y prefiere la expresividad de lo representado antes que la descripción. Y en su instalación ’ Llicllas’ exhibe el carácter más simbólico, buscando la determinación de los elementos, permitiendo al espectador intervenir más en su apreciación subjetiva de la misma.

Marco Martínez Rojas posee ese carácter emblemático que transfiere a sus obras, buscando siempre lo alegórico, dentro de una pléyade de mundos, en los que se concentra en profundizar en la determinación de hallar mundos dentro de otros mundos, propuestas visuales sugerentes, unas evanescentes, otras más evidentes, pero siempre atractivas.

Pretende con la fuerza representativa del color intervenir directamente en la composición resaltando aspectos de la misma, centrando la atención del que observa, para no ser complaciente, sino siempre buscando los distintos puntos de vista de una realidad que es más simple de lo que parece pero que el pintor peruano se empeña en transformarla con un punto de complejidad para ahondar en la sensación del misterio contenido en lo cotidiano.

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Sincretismo

artePERÚcontemporáneo

José Ugaz Asmat Chirinos-Zavala Mª del Socorro MoraC Miguel Collantes Depaz Raúl Luza Luyo Percy Gómez Lizarraga Marco Martínez Rojas

JOSÉ UGAZ

José Ugaz

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Acercarse a la vida y a la obra de don José Ugaz es atisbar en un momento las aventuras y búsquedas de un joven que dejó su patria con el afán de ser torero, pero que encontró su camino en la habilidad innata para el dibujo y la pintura. Con una productividad envidiable y con un estilo muy personal, este artista peruano es un ejemplo de lo que en psicobiología se denomina “resiliencia”. Pese a las múltiples adversidades que le ha deparado el destino, nunca ha dejado de crear, siendo su taller una muestra de lo que ha logrado producir a lo largo de su historia.

Su obra tiene una cierta raíz precolombina, sobre todo un parentesco con los mantos paracas de la etapa final, es decir, con el barroquismo repetitivo pleno de figuras que danzan entremezclándose como queriendo marear al espectador. Era esa su finalidad, sobre los hombros de los chamanes seres misteriosos volaban al viento. Sin embargo, también podemos encontrar cierto paralelo con el surrealismo o la semiabstracción. Sus grafías dan la impresión de una escritura automática, que sale de su inconsciente, muy espontáneamente. Pero, si se observan sus bocetos, lo que encontramos es un trabajo minucioso y delicado, como si de un escribiente medieval se tratase. Es el puro oficio de la gráfica y el diseño. Es el sagrado esfuerzo de fluir, aunque algunos digan que no se sufre para producir cuando se domina algo, lo cierto es que sin método y sin orden poco puede hacer aún el más dotado artista, y en el caso de Ugaz es la disciplina de la labor bien realizada la que se siente en esta increíble capacidad de crear, de elucubrar, de verter lo que en su mente ha resumido como la razón de su existir: transmitir al ser humano su grandeza como hacedor y a la vez su insignificancia frente a la inmensidad del cosmos.

Su obra está plena de mensajes y alusiones que parten de su observación de la naturaleza y de su filosofía vital, que no es otra que la conciencia de la importancia del arte para hacer que el hombre recupere su capacidad de reflexión y contemplación. La obra de José Ugaz es como un conjunto de constelaciones que parecen similares para los profanos pero que tienen mucho que enseñar a los entendidos. Una obra de sobrios colores, líneas ondulantes y signos misteriosos que son un deleite visual y un interrogante estético.

(José Ugaz: Un hacedor incansable. María Del Socorro MoraC)

De la serie: Paisaje cósmico Óleo sobre lienzo 85 x 100 cm

De la serie: Paisaje cĂłsmico Ă“leo sobre lienzo 85x 100 cm

De la serie: Paisaje cĂłsmico Ă“leo sobre lienzo 85 x 100 cm

A S M AT C H I R I N O S - Z A V A L A

Asmat Chirinos-Zavala Email: adolfoasmat@hotmail.com www.artetrujillocontemporaneo.com

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Asmat Chirinos- Zavala no necesita una anamnesis tan distante. Le basta con recordar su infancia para mostrar la añoranza por el silencio aparente de Malabrigo, su pueblo, las soledades de sus parajes y el viento que, según los científicos, alguna función debe tener en los mecanismos que permiten la capacidad de síntesis de los creativos, es decir, la función conjunta de lógica e intuición. Mientras el común de los mortales teme estar a solas consigo mismo, el artista revela en sus obras un canto a la soledad, al silencio, a un nocturno marino o al susurro del viento que no cesa; siluetas de ausentes pueblan sus obras, tristeza contenida, y para ello sacrifica muchas veces el color quedando su pintura en una gama melódica o en una armonía de análogos, de una engañosa simplicidad para quien no percibe las tenues y sucesivas veladuras. Es el encuentro perfecto entre Creatividad y Oficio, entre Figura y Fondo, entre Contenido y Forma. Un lenguaje que toda alma sensible puede comprender, pues es Humano y Universal, aún cuando nuestra Cultura Neoliberal y Materialista nos eduque para no mirar de frente al dolor y a la muerte. Como él mismo dice en su nostalgia: "Inmensos espacios/ De ahí vine/Cielo, mar, vida, muerte/¡Que lejos está todo ahora!/Viento gitano/Te quedas allá/Donde no llego con mi barca náufraga /Y con mi canto onírico”. Así es su pintura... evocación del silencio y la soledad de sus lares, de los recuerdos infantiles; de lo lúdico, espontáneo y salvaje que son el viento y el mar, tan opuestos a las "Sociedades Avanzadas" que le ha tocado contemplar. También las está mostrando en el mismo lenguaje callado, reflexivo, pero plasmando su complicación con líneas y efectos, siluetas y fragmentos; con recursos como cuadros dentro del cuadro, con toques de color como símbolo de la violencia y agitación que tiene la gran urbe.

El sentido de su obra es que alguien (Para Peirce un signo es algo que está para alguien, por algo) le encuentre sentido. No es un canto a sí mismo. Es un canto a un aspecto olvidado de la Humanidad. El silencio y la soledad también tienen su propia belleza y nos cuesta aceptarla. Son parte de las dualidades de la vida, complemento necesario para acercarnos a ese Ser Integral que Ciencia y Tecnología no pueden lograr; pues le falta lo espiritual que es inherente al Arte, a la Filosofía o a la Religión. La virtud de Asmat Chirinos- Zavala es realizar su obra sin falsas expectativas, porque intuye también que los creadores caminan solos, y no reniega de esa Preciosa Soledad tan necesaria para nacer, vivir, producir o morir. (Silencio y soledad o soledades. María Del Socorro MoraC)

De la serie: Santuarios Óleo sobre lino 97 x 130 cm

De la serie: Nube gris Ă“leo sobre lino 60 x 60 cm

De la serie: ComuniĂłn con la naturaleza Ă“leo sobre lino 130 x 130 cm

Mª DEL SOCORRO MORAC

Mª del Socorro MoraC Email:mdelsmorac@hotmail.com www.artetrujillocontemporaneo.com

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La plástica de MoraC pasa por tres momentos: El primero es de búsqueda, elige sus temas con un criterio de valor intrínseco, su proceso creador está orientado a afirmarse como artista que responde a una determinada realidad... Su pincelada es fina, precisa y su cromatismo es suave. MoraC en su segundo momento toma conciencia de los significados del mundo, expresándolos simbólicamente y denota su interés en los valores del color y las texturas. Abandona el figurativismo y se sumerge relativamente en la abstracción. Su paleta se aclara, se torna luminosa, domina los amarillos oro, azules, ocres y verdes. En ellos vibran los cromos del paisaje de Guadalupe, su tierra natal. Los amarillos oro quizá evocan los arrozales maduros que ondulan suavemente como un inmenso lienzo. Los verdad y los ocres que impactaron la pupila de MoraC cuando era niña y que vibran simbólicamente ¿no serán acaso los algarrobos, los espinos y los campos recién rotulados, los azules acaso no serán el cielo y el mar de Guadalupe?

En sus telas MoraC sondea sensaciones inéditas que produce la recíproca influencia de los colores, ellos tienen un sonido silencioso y puro. Elabora una técnica de ejecución a pinceladas vivaces que permite plasmar fugaces y brillantes tonos de luz. El color como tal es enigmático en las sensaciones que despierta, por lo tanto lo usa de una manera enigmática no para dibujar sino para producir efectos musicales silentes… La pintura de MoraC en sus dos últimos momentos acusa influencia de algunos de los maestros del Arte Moderno, debido quizá a la gran información que de ellos tiene. El arte para MoraC ya no es una mera habilidad técnica, sino como quería Kandinsky: “Debe implicar el alma y el espíritu”. En “Lo espiritual en el Arte” Kandinsky dice: “Si los artistas desean convertirse en los servidores del espíritu, deben cultivar y desarrollar su alma hasta llegar a ser capaces de intuir directamente la dimensión espiritual”. Mondrian afirma que “todo arte es en mayor o menos medida una expresión estética directa de lo Universal”. Paul Klee decía que el arte era una “Génesis eterna”.

Finalmente, recuerdo que le pregunté a MoraC: “¿Qué es el arte para ti?”. Su respuesta fue: “El arte es antorcha y volcán”. Porque ella tiene: un corazón que es un bote pequeño en un mar proceloso. (Mª del Socorro MoraC: Silencio Elocuente. Ramiro L. Paredes Santolaya)

De la serie: Materia & Memoria Óleo sobre lino 100 x 100 cm

De la serie: Materia & Memoria I Ă“leo sobre lino 50 x 50cm

De la serie: Materia & Memoria II Ă“leo sobre lino 60 x 73cm

M I G U E L C O L L A N T E S D E PA Z Una magnífica escritora como Samar Yazbek ha expresado que el silencio, aunque con cierta ambigüedad, crea a menudo el espacio propicio para que aflore el significado.

Tal apreciación es válida para la obra del peruano Collantes, así como el hecho de que sus valores formales sean fruto de una voluntad poderosa para reinventarse en lo que tiene de más propio: su creación.

Encaja sus silencios con su carga de ambigüedad en los contenidos de unas realizaciones que cuanto más se desajusten más vivas están, más potencia visual adquieren. Que sea éste su sino es lo fundamental.

Desde el punto de vista sanitario, las ciudades pobres de todo el planeta son poco más que cloacas atascadas y rezumantes (Mike Davis). (“Miguel Collantes Depaz: Que alguien vea su ambigüedad” Gregorio Vigil-Escalera Alonso)

Miguel Collantes Depaz Email: jmcollantesdepaz@gmail.com https://facebook.com/josemiguel.collantesdepaz

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Paisaje de Alcaudete Óleo sobre lienzo 81 x 100 cm

El hombre que mĂĄs se parece a sĂ­ mismo Acuarela sobre papel 56 x 76 cm Paisaje rodado Acuarela sobre papel 32 x 22 x 20 cm

San Bruno Acuarela sobre papel 48 x 44 x 10 cm

Fuente del Pardo / Madrid Ă“leo sobre lienzo 81 x 100 cm

RAÚL LUZA LUYO

Raúl Luza Luyo Email:estudioluza@gmail.com http://raulxluza.blogspot.com.es

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Raúl Luza, viaja por Europa y América, artista multidisciplinar, pintor, dibujante, escultor y muralista, es poeta, también organizador, residiendo en la actualidad en Madrid, España.

Es un creador que posee una mirada amplia, un registro expresivo y alegórico, que se focaliza a partir de insertarse en las raíces de las grandes culturas indígenas andinas y americanas en general, pero, también, es consciente del hoy, del aquí y ahora, siendo, en consecuencia, su actitud contemporánea.

Busca la alegoría en la pintura, sin renunciar a un cierto surrealismo expresivo, fomentando el compromiso social, constatando los horrores de la guerra y la vida, pero sin renunciar a belleza, mujer y utopía. Su obra, en líneas generales, es profunda, busca ahondar en el precipicio para sacar oro del abismo, permitiéndose un compromiso fiel con el padecimiento, siendo un buscador de sus raíces indígenas, del pasado remoto que a todos nos da vida.

Sus murales son alegóricos, de amplio registro; su pintura es sensual y expresiva, con dotes simbólicas, con base de dibujo, tocada con la fuerza del cromatismo como norte insertado en el marasmo de lo plástico. Es, ante todo, un artista plástico amante de lo bello, pero partiendo de la realidad, sin dejar de ser consciente de la multiplicidad de pensamientos e ideas que convergen en ella.

Su creación exalta la fuerza y determinación de la existencia, porque forma parte de su actitud ante la pasión. De hecho es un apasionado contenido, que salta, en ocasiones, pero que, también, se pierde en instantes poéticos, en palabras ideales, en vislumbrar el panorama social que nos invade y que trata de mejorar. (Raúl Luza: La mirada expresiva del artista y el compromiso social. Joan Lluís Montané)

De la serie: Posesión Óleo sobre lienzo 100 x 90 cm

Apocalipsis Óleo sobre lienzo 85 x 85 cm

Tragacoches Ă“leo sobre lienzo 95 x 130 cm

PERCY GÓMEZ LIZÁRRAGA Percy Gómez Lizárraga, egresado de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, jaujino de nacimiento, inspirado y alimentado con toda la magia de su tierra natal, usa sus habilidades y talentos con el fin de expresarlo a través de diferentes formas plásticas como la pintura y acuarela, manteniendo siempre una postura crítica y reflexiva sobre el contexto.

Xauxa o Jauja. No importa. Para la magia todas las letras son propicias. Y Percy Gómez Lizárraga lo sabe. En su obra la magia de su tierra está vibrando. Los hombres y las mujeres, la danza, los disfraces, un recodo de un eterno riachuelo, los árboles y arriba el cielo de Xauxa o Jauja, lugar mágico, puro color, formas, sonidos, olor de tierra, cualquier pensamiento, todos los sueños. La realidad que Gómez Lizárraga nos muestra es dinámica en su pasado y en su presente. Seguramente en su futuro. Él trabaja para que todo quede en nuestra retina y en nuestros pensamientos. Es orgulloso de su Jauja. Su obra es un llamado a sí mismo y a todos porque todos tenemos una Xauxa o Jauja dentro de cada uno. Felicitemos a Percy Gómez Lizárraga, joven artista del que esperamos una larga y fructífera carrera en las artes plásticas del Perú y de Xauxa o Jauja. (Luis La Hoz)

Percy Gómez Lizárraga Email: percygomez5@hotmail.com www.percygomezlizarraga.blogspot.com

Cuando la muerte ronda tu vida Óleo sobre lienzo 150 x 100 cm [ 34 ]

InstalaciĂłn: Llicllas TĂŠcnica textil artesanal Medidas variables

Danza Ă“leo sobre lienzo 100 x 85 cm

MARCO MARTÍNEZ ROJAS El conocimiento previo de la trayectoria creativa de un artista contribuye a establecer las pautas de aproximación a su obra, mucho antes de contemplarla físicamente, pues la tendencia plástica de todo trabajo artístico pesa suficientemente en el conjunto global de la obra como para establecer los patrones del comportamiento estético hacia ella. Es a partir de este detalle que podemos ver la búsqueda del mundo Espiritual, Cosmogónico Andino de Marco Martínez, es que la vida del hombre de los andes Peruanos está regida por la búsqueda permanente del equilibrio con la naturaleza que lo rodea y que se manifiesta en los términos de una "reciprocidad" con la comunidad a la que pertenece, con el medio ambiente que habita y con los dioses que orientan su vida individual y .colectiva. Pero que se trata de un equilibrio dinámico que se traduce en cambio como resultado de una interacción continua y favorable: EL AYNI. Esta es la razón que acompañada de un profundo sentimiento armónico mueve hoy a los andinos y en especial a Marco Martínez a continuar la práctica de esta sencilla expresión de su cosmogonía: La ofrenda, arte y profunda teúrgia, ya que en ella convergen deidades, hombres, naturaleza, cosmos, LA PACHAMAMA. (Miguel Ángel Cuadros Herrera)

Marco Martínez Rojas Email: markusruna@hotmail.es

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Ofrenda andina Técnica mixta sobre lienzo 100 x 81 cm

Hatun Puriy AcrĂ­lico sobre lienzo 65 x 81cm

Estructuras Ensamblaje sobre tabla 96 x 122 cm

Esta exposición ha sido organizada por: Fundación Obra Pía de los Pizarro Asociación Cultural Jauja 2034 Arte Trujillo Contemporáneo Asociación Pueblos Amigos